E. Ionesco - representant för den franska "det absurda teatern"

När andra världskriget lades ner började människor över hela världen undra hur det kunde komma sig att fascismen uppstod mitt i det civiliserade Europa. Mest av allt var mänskligheten orolig över frågan om hur smart, utbildad och goda människor tillät utrotning av miljontals medborgare endast av den anledningen att de var av ett annat ursprung.

Ett av de första försöken att förklara liknande rörelser gjordes av Eugène Ionesco. "Rhinos" (i en annan översättning "Rhinoceros") är en pjäs där han beskrev mekanismen för uppkomsten av ett främmande fenomen i samhället, vilket gradvis börjar bli normen.

Biografi av Eugene Ionesco

Dramatikern föddes i Rumänien 1909, eftersom hans far var därifrån och hans mor var fransk. Sedan barndomen talade pojken flera språk, inklusive franska. I början av första världskriget försämrades relationerna mellan pojkens föräldrar och de bröt upp. Mamman tog barnen och reste till sitt hemland, i Frankrike.

När Eugene Ionesco växte upp försökte han bo med sin pappa i Rumänien. Här kom han in på universitetet i Bukarest och planerade att undervisa i franska. Men 1938 återvände han till sin mors hemland och stannade i Paris för alltid.

Ionesco skrev sina första dikter i och under åren av sitt liv i Rumänien började han glömma franskan, så att han, när han återvände till Frankrike, var tvungen att lära sig om sitt andra modersmål.

Att bli dramatiker

Även när han studerade i Bukarest såg Eugene uppkomsten av populariteten för profascistiska rörelser. Men för dramatikern själv verkade denna entusiasm hos andra vild, och senare blev denna upplevelse temat för Rhinos och hans andra verk.

När han återvänder till Paris, skriver Ionescu en avhandling om Charles Baudelaire, och är också aktivt engagerad i att skriva sina egna verk. Ionesco var mest känd för sina pjäser, men han skrev också noveller och essäer.

Som dramatiker debuterade Eugene 1950 med pjäsen The Bald Singer, som han skrev under inflytande av en engelsk självinstruktionsmanual. Det var detta verk som blev ett klassiskt exempel på "det absurdas teater" - den litterära riktning som Ionesco höll fast vid i sitt verk.

Eugene Ionesco dog i mars 1994. Den mest populära bland kreativt arv Ionescos pjäser Rhinoceros, The Bald Singer, Chairs, The Disinterested Assassin, Macbeth, Air Passage och andra.

Ursprunget till pjäsen "Rhino" ("Rhinoceros")

Efter framgången med sin första pjäs finslipade dramatikern aktivt sin förmåga att skriva i genren absurditet och paradox. Han förkastade realismen i teateruppsättningar och trodde att det var nödvändigt att återvända till ursprunget, när alla pjäser var fulla av dolda symboler och halvtips. I slutet av femtiotalet, när Europa långsamt återhämtade sig från kriget, började många fundera på orsakerna till fascismens uppkomst, fruktade en upprepning av en sådan tragedi. Som motståndare till vilket totalitärt system som helst sedan studietiden i Rumänien var Eugene Ionesco mer bekant med detta ämne än någon annan. "Rhinoceros" ("Rhinoceros") - det var hans namn ny pjäs, publicerad 1959. Samma år sattes den upp på Düsseldorfteatern.

Eugene Ionesco "Rhinos": en sammanfattning

Pjäsen består av tre akter. I den första, nära kaféet på torget, sätter sig två kamrater, Jean och Beranger. Jean tillrättavisar sin vän, som tydligen drack mycket igår och ännu inte hunnit återhämta sig. Plötsligt springer en noshörning förbi dem. Alla runt omkring är rädda och diskuterar detta utöver det vanliga och uttrycker sin indignation. Bara Berenger är likgiltig för allt, tills den charmiga Daisy kommer in på kaféet, som mannen är kär i. Under tiden läser Jean upp en moral för honom om rätt sätt att leva och till slut går Béranger med på att ägna kvällen åt kulturell utveckling.

Plötsligt hörs ett mullrande och det visar sig att noshörningen precis har krossat ägarens katt. Alla bråkar om hur många noshörningar det fanns och hur de såg ut. Berenger förklarar oväntat att ingenting kunde ses i dammet som den löpande noshörningen reste. Jean tar illa upp av honom, förolämpar honom och går. En frustrerad man beställer en drink och bestämmer sig för att överge det planerade kulturprogrammet.

Andra akten av Ionescos pjäs "Noshörningen" utspelar sig i Berangers tjänst på kontoret.

Här diskuterar alla aktivt noshörningar och den oförklarliga ökningen av deras antal. De bråkar, bråkar, uttrycker olika åsikter, tills de inser att deras kollega Beth aldrig dök upp på jobbet.

Snart kommer hans fru och berättar med fasa om förlusten av sin man, och efter henne kommer en gigantisk noshörning springande. Plötsligt känner Madame igen honom som sin man, och odjuret svarar på hennes kallelse. Sitter på hans rygg ger hon sig av hem.

Daisy ringer brandmännen för att hjälpa kontorsarbetarna på nedervåningen, eftersom noshörningen Beth har slagit sönder trappan. Det visar sig att det redan finns ett stort antal noshörningar i staden, och deras antal växer.

En av Dudars arbetare föreslår att Berenger ska ta en drink tillsammans, men han vägrar, eftersom han bestämmer sig för att gå till Jean och sluta fred med honom.

När han kommer till en väns lägenhet ser Berenger att han mår dåligt. Gradvis, nästan inför hjältens ögon, förvandlas hans vän till en noshörning. En rädd man ringer sin granne för att få hjälp, men han har redan blivit ett odjur. När Berenger tittar ut genom fönstret ser han att många noshörningar redan förstör bänkar på gatan. Skräckslagen springer han till sitt hus.

Tredje akten av Eugene Ionescos pjäs Noshörningen utspelar sig i Bérangers lägenhet.

Han känner sig sjuk, och hans kollega Dudar kommer till honom. Under samtalet verkar Beranger alltid förvandlas till en noshörning. Detta skrämmer honom fruktansvärt. Däremot lugnar besökaren mannen och säger att detta är normalt, eftersom noshörningar är ganska söta, om än lite otäcka varelser. Det visar sig att många respekterade invånare i staden, i synnerhet Logiken, länge har blivit noshörningar och mår bra. Béranger är förfärad över att en så ädel och förståndig medborgare skulle välja en sådan väg.

Under tiden kommer Daisy springande till lägenheten. Hon informerar männen om att deras chef också har blivit en noshörning, för att hänga med i detta nu fashionabla fenomen. Béranger funderar på att noshörningar på något sätt kan isoleras från människor för att stoppa deras befolkningstillväxt, men gästerna övertygar honom om att noshörningssläktingar kommer att vara emot det, liksom djurrättsaktivister.

Dudar är tydligt sympatisk med Daisy, men han är avundsjuk på henne för Beranger, så han lämnar sina samtalspartner och förvandlas till en noshörning frivilligt.

Daisy och Beranger, som lämnas ensamma, är rädda, då djurens dån hörs från överallt, även på radio. Snart ändrar flickan sig, beslutar att noshörningar är värda respekt och, efter att ha fått ett slag i ansiktet från den indignerade Beranger, går hon in i flocken.

Mannen lämnas ensam, han funderar på om han behöver vara en noshörning. Som ett resultat letar han efter en pistol och förbereder sig för att försvara sig till det sista.

Huvudpersonen i pjäsen är Beranger

All action som utspelar sig i Ionescos pjäs "The Rhinoceros" är centrerad kring Beranger.

Mot bakgrund av andra respektabla invånare i staden framstår han som en utstött. Ovårdad, opunktionell, pratar ofta malplacerad, andra till och med bästa vän Jean. Genom att göra det gör han absolut ingen skada för någon, utom kanske sig själv.

Men när handlingen utvecklas visar det sig att Berangers främsta fel bara är att han inte strävar efter att följa allmänt accepterade normer eller mode. Så när alla på kaféet är upptagna med att titta på noshörningar, tänker en man på sin flickvän. Dessutom försöker han inte ljuga för att gå med i laget och avslöjar andra av misstag i lögner.

Till skillnad från de rationella invånarna i staden lever Berenger av känslor. Han är kär i Daisy och på grund av henne märker han inte de omgivande problemen. Dessutom uppskattar en man som tydligt ser ut som en alkoholist vänskap mycket mer än Jean, som har rätt i alla avseenden. När allt kommer omkring, för att sluta fred med honom, vägrar Berenger ens att gå ut och ta en drink.

En annan skillnad är känslan av underlägsenhet. När allt fortfarande är lugnt i staden ser hjälten ogynnsam ut mot bakgrunden av omgivningen. Och när alla invånare av olika anledningar blir djur och vägrar att bli en noshörning, känner sig Beranger återigen annorlunda än alla andra.

Eugene Ionesco "Rhinos": analys

Om idag pjäsens stil och idéerna som uttrycks i den ser vanliga ut, så var det vid tiden för dess utseende på sextiotalet något nytt som sticker ut.

Detta underlättades av det faktum att denna pjäs inkluderade alla funktioner i absurdens teater, som utmärktes i denna riktning av Eugene Ionesco ("Rhinos"). Kritiker tog emot pjäsen positivt, särskilt ansåg de att detta verk var antifascistiskt. Författaren själv reagerade dock negativt på en sådan tolkning av hans verk och hävdade att hans idéer var mycket bredare, men var och en är fri att tolka dem efter eget gottfinnande.

I sitt arbete protesterade författaren aktivt mot alla totalitära idéer som förvandlar människor till en undergiven grå massa och förstör individualiteten.

I denna pjäs spåras tydligt sådana drag av det absurdas teater som förnekandet av realismen - alla händelser verkar fantastiska och meningslösa. Åskådare och läsare förstår vad som hände, men varför människor plötsligt började förvandlas till noshörningar (straff för synder, UFO-trick eller något annat) är det ingen som vet.

Rationellt, pragmatiskt tänkande, som Ionesco ansåg vara orsaken till alla problem, kritiseras också i pjäsen. Berangers enda irrationella karaktär förblir immun mot en märklig sjukdom som förvandlar människor till noshörningar.

Intressant nog beskrev Eugene Ionesco i sitt pjäs alla stadier av tekniken för att legalisera alla fenomen som är främmande för samhället, som formulerades och kallades Overton-fönstret först på nittiotalet av 1900-talet. Enligt henne kan vilken idé som helst, även den vildaste, till exempel kannibalism, accepteras av samhället som en norm, efter att ha gått igenom sex stadier: otänkbar, radikal, acceptabel, rimlig, standard och normal.

Scen öde pjäsen

Efter hans magnifika insats i Parisisk teater"Odeon" 1960, dramat "Rhinos" sattes upp i många länder i världen. Pjäsen uppfattades till en början som antifascistisk, så vid premiären var några av karaktärerna klädda i tyska militäruniformer. Men genom åren har hennes uppfattning förändrats, och nya regissörer har använt andra tekniker för att förmedla sin vision.

Noshörning har satts upp på de flesta av de mest kända scenerna i världen, och de största skådespelarna inom teater och film har fått äran att spela i denna pjäs. För första gången spelades rollen som Beranger av den franske skådespelaren Jean-Louis Barrot. Senare spelades denna karaktär av sådana kända artister som Viktor Avilov, Laurence Olivier, Benedict Cumberbatch och andra.

Noshörningarnas öde i Sovjetunionen

Efter att ha blivit ett erkänt antifascistiskt verk, efter premiären, dök noshörningar upp i Sovjetunionen bara fem år senare. Pjäsen publicerades i Utländsk litteratur. Men det förbjöds snart, eftersom idéerna som uttrycktes i Rhinos kritiserade kommunismen och socialismen. Detta hindrade dock inte pjäsens spridning. Hennes text kopierades, trycktes om och gick från hand till hand. Och förbudet lade till oöverträffad popularitet till detta arbete.

1982 sattes pjäsen upp av en av Moskvas amatörteatrar. Men nästan direkt efter premiären stängdes föreställningen, och de fick inte sätta upp den förrän i Perestrojka. Men efter att Gorbatjov kom till makten började noshörningarna sin segerrika marsch genom de bästa stadierna av Sovjetunionen och sedan Ryssland.

Citat från Rhinos

En av de integrerade delarna av teatern av den absurda Ionesco betraktade som en lek med ord. "Rhino" (citat nedan) innehöll många verbala paradoxer. Till exempel att tänka logik om en katt.

Eller en liten dialog om barn:

– Jag vill inte ha barn. Så tråkigt.
Hur ska du rädda världen då?
"Varför behöver du rädda honom?"

Djupa är också hjältarnas tankar om sanningen: "Ibland gör man ondska av en slump, vill inte ha det alls, eller så uppmuntrar man det oavsiktligt."

Mer än femtio år efter premiären tappar Ionescos pjäs "Rhinos" fortfarande inte sin relevans och sätts upp på många teatrar runt om i världen.

Denna tanke bekräftas av hans berömda drama Rhinos. Det verkar som att den uppenbara absurditeten försvinner i den, och icke-konventionella, verklighetstrogna konstnärliga element tränger in i texten. "Rhinoceros" är inte ett "antipjäs" på sättet som "The Holomozoa Singer" med sin fullkomligt överdrivna "engelska interiör", dockfigurer och absurda handlingssituationer. Om "Sångaren Golomoza", som Ionesco kallade "neabsurdnish" och "neebezladnishoy" från sina pjäser, berövade han lagarna för dramatisk handling, komposition, karaktärer, så har dramat "Rhinos" det vanliga dramatisk struktur. Författaren själv betonade att det är "traditionellt och klassiskt i formgivningen. Jag följde teaterns grundläggande lagar här: en enkel idé, samma enkla handlingsutveckling och en ren upplösning."

Området för en fransk provinsstad. Två vänner sitter och pratar på ett kafé: Berenger och Jean. Jean är irriterad över sin väns beteende, vanor och levnadssätt, hans brist på punktlighet, hans passion för alkohol. Berenger rättfärdigar sig själv: han är uttråkad i den här staden, han är inte skapad för det dagliga åttatimmarsarbetet, han blir trött och dricker, "för att komma i glömska" och inte känna "rädslan för tillvaron". Jean vill hela tiden, med hjälp av naken didaktik, sätta sin obegåvade vän på den sanna vägen, uppmanar honom att "beväpna sig" med tolerans, kultur, intelligens, "bli herre över situationen", samvetsgrant uppfylla sina " officiell plikt". Som svar på Jean Berangers argument gäspar han bara: till skillnad från sin dogmatiska och laglydiga sekundär, är det svårt för honom att bära "en ren hatt, en oveckad slips, polerade skor" varje dag ...

Men plötsligt avbryts samtalet om provinsfred. En noshörning dyker upp i staden. Sedan den andra, den tredje... En ovanlig epidemi börjar: invånarna i staden börjar förvandlas - och helt frivilligt och medvetet, även de som först gjorde motstånd - till tjockhyade djur. Vid noshörningen vänder sig Berangers kollegor: Mr. Bef och Mr. Papillon, Bothard och Dudar. Hans vän Jean och älskade Desi ansluter sig också till flocken.

Endast en Beranger, som, med E. Ionescos ord, "motsatte sig historien", erkänner med fasa: "De har blivit galna. Världen är sjuk. De är alla sjuka." Han är en av de "nyktertsinnade" invånarna i staden, som förvandlades till en flock noshörningar, förstår att det är nödvändigt att "medvetet och finurligt lita på dem." Och i slutet av dramat vänder sig Beranger - en ensam man bland djuren - till alla noshörningshuvuden: "Jag kommer inte att följa med dig. Jag förstår dig inte! Jag kommer att förbli den jag är. Jag är en man. En man." Och även om han utsätts för tillfällig svaghet ("OB! Vad jag skulle vilja bli som dem! Det är synd att jag inte har ett horn!"), lyckades Beranger komma till besinning till samma plikt och uttala sitt sista ord i pjäsen: "Mot alla kommer jag att kämpa! Jag är den siste mannen och jag kommer att vara henne till slutet! Jag kommer inte att ge upp!"

Men hur kan denna liknelse tolkas? Vad är meningen med massonkologin i arbetet och huvudpersonens motstånd? Vad är metaforen för att Ionesco gömmer sig i sig själv?

Dramatikern förklarade det Startpunkt"I skapandet av" Rhinos "var författaren Denis de Rougemonts berättelse om nazisternas demonstration i Nürnberg 1938. Folkmassan väntade på Hitlers ankomst, han föll i ett slags hysteri, och Rougemont var först överraskad av sådana tecken på masspsykos."När Hitler, - säger Ionesco, - visade sig vara väldigt nära och omkring honom föll alla helt och fullständigt i trans, kände han att en känsla av frenesi steg i honom, vilket generalen galenskapen "elektrifierar" sig själv. Han var redo att utsättas för dessa trollformler, när hela hans väsen gjorde uppror och gjorde motstånd mot den kollektiva galenskapen ... "

Ionesco erkände att "Rhinoceros" är "en antifascistisk pjäs", att han "verkligen försökte beskriva processen för pacifiering av landet", och "först förstod nazismen av" noshörningssjukdomen ". Åtminstone var det fascismen, i synnerhet dess ursprung i Rumänien på 30-talet, som fick dramatikern att skapa pjäsen. Och en hel del regissörer, som den enastående franske regissören Jean-Louis Barrault, tolkade Rhinos som ett antifascistiskt drama. Och den berömda författaren Elsa Triolet försvarade möjligheten till en exklusivt antifascistisk tolkning av pjäsen.

Men betydelsen av dramaliknelsen (det är nämligen vad Jones pjäs är) är alltid vidare än ett visst fenomen, "Rhinoceros" ger inte en enda tolkning. Den franske kritikern Paul Surer noterade träffande: "Rhinoceros" är inte en kritik, som vissa har förstått, av en viss regim - en totalitär nazistregim - i ett visst land, i ett visst land. historisk period; detta är en studie av den allmänna processen för en kollektiv rekrytering, spårad från det ögonblick då den startade till dess slutförande. "Ja, Ionesco själv varnade för en exklusivt antifascistisk tolkning av hans drama: Rhinos är utan tvekan ett antinazistiskt verk, men framför allt är det en lek mot kollektiv hysteri och epidemier, som gömmer sig under täckmantel av sinne och idéer, men inte blir mindre allvarliga kollektiva sjukdomar som motiverar olika ideologier. Dramatikern noterade att hans pjäs är "en ganska objektiv beskrivning av fanatismens tillväxt, totalitarismens födelse ... Pjäsen ska spåra och identifiera stadierna av detta fenomen."

Beranger är huvudpersonen i "Rhinoceros", en hjälte som enligt författaren sysslar med "sökande efter meningen med livet, sökandet efter det viktigaste i vår verklighet", en hjälte som lider av "sin alienation" och från "hans brister". Det är viktigt att Ionesco, trots sin uppenbara sympati för Beranger, inte uppfattade honom som en bild av en ideal person, en kämpe, en titanisk personlighet som är kapabel att ensam konfrontera ett samhälle som är sjukt med rinit. Dramatikern noterade att det kan kallas positivt om "det erkänns att en person har rätt att dra sig tillbaka till sin ensamhet", och samtidigt är Beranger en negativ bild, "om vi anser att en person inte har rätt att utsättas för sin ensamhet ... för att säga en sak - Berenger hatar den totalitära regimen."

Den avsiktliga absurditeten i vad som händer, meningslösheten i dialogerna i de tidiga dramerna av Ionesco ersätts i Rhinos av en konsekvent utvecklande handling, en enda handlingskärna. Genom inbördes samband av Ionescos kommentarer till viss del "förråder" den statiska formen av anti-drama, introducerar dynamisk handling; ansiktslösa dockkaraktärer har namn: Jean Dudar, Berenger. Men ändå fortsätter noshörningarnas karaktärer att vara masker som förkroppsligar olika modeller socialt beteende, som tillsammans utgör, ur Ionescos synvinkel, en universell mänsklighetsmodell.

Scenen är en liten provinsstad. Invånarnas intressenivå illustrerar tydligt det stereotypa tänkandet, tillvarons rutin, kulten av "sunt förnuft" och personligt välbefinnande. Bland "väktarna" av vanliga sanningar sticker figuren Beranger ut, som lever i strid med "sunt" förnuft. Han behandlar avvisande vad hans medborgare vördar som en indikator på "priset" för en person: betonad prydlighet, pedanteri, fantastisk likhet i tankar. Deras meningsfulla ord om även de vanligaste sakerna låter som en monoton upprepning av en gång för alla härdade gemensamma sanningar. Beranger, till skillnad från sina medborgare, strävar inte efter att lyckas, att göra karriär. Han äcklas av det praktiska, vanan att lyda utan att tänka.

Från ståndpunkten "sunt" förnuft är Berenger en förlorare. Han är fattig eftersom han försummar de allmänt accepterade normerna för beteende. Jean är raka motsatsen till Berenger. Från höjden av sitt eget välbefinnande lär han sin vän. Patoset för hans "läxa" ligger i vanliga sanningar, "slitna i hål" av alltför frekvent användning, med Berangers ord.

Invasionen av "noshörningssjukdomen" uppfattas av stadsborna som en annan nödvändighet som måste följas, annars kan de misstänkas för opålitlighet. Alla strävar efter att vara bland de första som "blir kåta" för att vittna om sin utbildning. Tjänstemän var bland de första att byta hud - en social kategori för vilken förmågan att lyda utan att tänka är den högsta dygden. Reglerna för "spelet" tillåter bara två val: de som "fick fel" med tiden frodas, de som inte hade tid eller inte ville är dömda till misär. Beranger tillhör den senare kategorin, han motsätter sig aktivt epidemin och dömer sig själv till isolering och exil. Berenger säger: ”Ensamhet tynger mig. Samhället också." Ionescos hjälte befriar sig från marin-

motsätter sig det allmänna utbrottet av lojala känslor.

"Rhinoceros" är en rymlig symbol som kan läsas på flera sätt: det är också faran med all kollektiv rekrytering som hotar friheten; det är också elementet av konformism, grogrunden för alla former av totalitarism; det är också en metafor för den fascistiska pesten. Ionesco var eftertryckligt distanserad från alla tolkningar, vilket gav läsare/tittare och särskilt regissörer fullständig frihet. Den berömda franske regissören Jean-Louis Barrault i en av de första Parisiska produktioner 1969 gav pjäsen en uttalad antifascistisk karaktär. I det dån från noshörningar som hördes bakom kulisserna hördes tydligt låten "Lili Marlene", populär under Wehrmachts år, och mullret från stövlar.

Det var först efter Barros uppträdande som Ionesco, som höll tyst, slutligen uttalade sig: "Noshörning är utan tvekan ett antinazistiskt verk, men framför allt är denna pjäs mot kollektiv hysteri och epidemier som rättfärdigar olika ideologier."

E. Ionescos dramaturgi, som parodierar de paradoxala, absurda aspekterna av mänsklig existens, "lär en person valfriheten", förstår sitt eget liv och sin plats i världen. "Vi, jag, började visa världen och livet i deras verkliga, verkliga och inte utjämnade, inte sockerbelagda paradoxalitet. Teatern är designad för att lära en person valfriheten, han förstår varken sitt eget liv eller sig själv. Härifrån, från just detta mänskliga liv, föddes vår teater.

Samuel Beckett (1906 - 1989)

S. Becketts arbete som dramatiker börjar först på 50-talet. Vid den tiden, bakom honom låg ett hårt arbete till den grad av besatthet, publicerade 1938 romanen "Murphy", en lysande essä om M. Proust (1931) och D. Joyce (1929). I romantrilogin - "Molloy" (1951), "Malon Dies" (1951), "Namnlös" (1953) - skisseras huvudlinjerna i utvecklingen av Becketts dramaturgi.

Fram till 1939, innan han slutligen flyttade till Paris, skrev irländaren Beckett på engelska. Under den första perioden av sin vistelse i Paris, från 1929 till 1933, var han personlig sekreterare för D. Joyce, som hade ett betydande inflytande på författarens kreativa utveckling. Efter 1939 skriver Beckett på två språk - engelska och franska. Tvåspråkigheten bestämde originaliteten i Beckets stil: en speciell vändning av ordet, elliptiskhet, demonstrativt spel på konsonanter och vokaler användes av författaren som ett medel för språklig innovation. Beckett sökte, med sina ord, "att matta språket": "Det gör det lättare för mig att skriva utan stil."

Dramaturgi, som gav författaren världsomspännande berömmelse, lockade honom med möjligheten att tydligt visa den paradoxala naturen hos den mänskliga existensen. Utarmningen av ordförråd, tystnad och pauser används av Beckett i sina dramer för att avslöja motsättningen mellan "det som kallas" och essensen. Inte konstigt att han trodde att "konst inte nödvändigtvis är uttryck."

De konkreta bevisen ersätter ordet som kommunikationsmedel. I pjäsen "Inte jag" (1972), på en tom scen i rampljuset, finns det bara en mun som febrilt spyr ut en ström av osammanhängande ord: "här ... in i denna värld ... en liten baby ... för tidigt ... i Guds övergivna ... vad? ... en tjej? ... in i detta ... gudsförgätna hål som heter ... kallas ... strunt i ... föräldrar som vet vem ... ingenting värda uppmärksamhet till sextio , när vad?... sjuttio?... Herre Gud!... några steg... sedan stanna... titta ut i rymden... stanna och titta igen... simmade där hon ögon ser ut... hur plötsligt... gradvis stängdes allt av... allt det där tidiga morgonljuset i april... och hon befann sig i... vad?... vem?... nej!... hon ! (paus och rörelse) ... var i mörkret. Ord och pauser här är matematiskt beräknade, vilket gör skillnaden mellan en livescen och en inspelad, mellan tal, brus och tystnad suddiga. Becketts ord finns för att leka med, skapa sin egen verklighet. Den lekfulla inställningen till verkligheten är oupplösligt förbunden med ironi, vilket undergräver entydigheten i bedömningar och bedömningar.

I pjäsen "Happy Days" (1961) är allt ironiskt, med början på titeln. Pjäsens hjältar - Winnie och Willy - störtar gradvis ner i gropen; Samtidigt tröttnar inte Winnie på att upprepa: "Åh, vilken lycklig dag!", Att uppfatta den brännande värmen från middagssolen som en slags nåd - "Sannerligen, nåd är stor för mig." Orden "happy days", som löper som en refräng genom hela pjäsen, är en omskrivning av ett vanligt engelskt uttryck. Dessa ord i dramat återspeglar varken känslorna av lycka och glädje, eller skönheten i ögonblicket som upplevs. Men Winnie vet inte "vad du ska göra tills du hittar orden." Hon undviker oönskade pauser och fyller tomrummet med dem.

Becketts karaktärer kan förlöjliga den tragikomiska karaktären i sin situation: Winnie och Willy är ovanför marken, brända av solens skoningslösa strålar; Nell och Nugg (Slutspelet, 1957) - över sorg. Nell säger till sin man: "Det finns inget roligare än sorg. Och först skrattar vi åt det, vi skrattar hjärtligt ... men det förändras inte. Hur kommer det sig bra skämt som vi hör för ofta. Vi tycker fortfarande att han är kvick, men vi skrattar inte längre."

I Becketts pjäser finns inga tydliga gränser mellan skratt och tårar. I Endgame säger Hamm: "Du gråter och gråter så att du inte skrattar." Becketts skratt är en tragisk mask bakom vilken döljer hela livets komplexitet, som inte är mottagligt för entydiga bedömningar.

Becketts fiktion utvecklas bara mot en allt större total tomhet, där karaktärerna, handlingen, språket förvandlas till ingenting. Impotensen att påverka händelseförloppet fixeras i hans pjäser av fullständig orörlighet, statisk. Denna paradox förkroppsligas i den visuella bilden. Becketts värld är bebodd av förlamade varelser som inte kan röra sig på egen hand. I "Endgame" stängs handlingen av fyra väggar i rummet, karaktärerna är handikappade och gamla människor: Hamm är kedjad vid en rullstol, hans föräldrar läggs i soptunnor. I The Game (1963) är karaktärerna utan namn - Zh2, M och Zh1 - inneslutna i kärl som symboliserar "kisturnor". I "Kachi-Kach" (1981) återskapas bilden av "stationär rörelse".

ges av en gungstol, som utan att stanna en minut inte viker sig.

Konstvärlden Beckett är en värld av evig upprepning, där början sammanfaller med slutet. Från dag till dag förnyas förväntningarna på Vladimir och Estragon ("Väntar på Godot"). I Happy Days liknar varje ny dag den föregående. Nalle slukas långsamt upp av jorden, men hon är envist nedsänkt i vardagsvanornas småfänga: ”...allt här är så konstigt. Aldrig någon förändring."

Beckett försöker "uttrycka" den allmänna smärtan av hopplöshet. I Endgame säger Hamm till Clov: "Ikväll tittade jag in i mitt bröst. Det fanns en stor bobo."

"Väntar på Godot" - mest berömd pjäs Beckett, som var avsedd att bli stor berömmelse och som han belönades för 1969. Nobelpriset. Med all noggrannhet i att bedöma sitt eget arbete, erkände Beckett i en intervju: "Jag skrev alla mina saker på mycket kort tid, mellan 1946 och 1950. Då var inget värt, enligt min mening, borta.” Med "stående" menades en romantrilogi och ett drama om Godot.

Föreläsningskurs

Fitzgerald var en av de första i amerikansk litteratur som tog upp temat om kollapsen av den "amerikanska drömmen".

Den amerikanske litteraturkritikern M. Cowley beskrev mycket exakt Fitzgeralds inneboende teknik "dubbel syn" Hur funktion denna ordets konstnär. "Han utvecklade en dubbelseende. Han tröttnade inte på att beundra det förgyllda glitterljuset från Princeton, Rivieran, North Shore of Long Island och Hollywoods studior, han svepte in sina hjältar i en dimma av tillbedjan, men han själv skingrade detta dis. Om förlusten av illusioner och kollisionen med verkligheten som förvandlas till en tragedi och berättas i romaner, noveller, i hans essä "Crash" (1936), där han talade om att i tidiga år hans vuxenlivet Jag såg "hur otroliga, osannolika, ibland otänkbara saker blir verklighet." Kollisionens väg med verkligheten, vägen för andlig katastrof, förlusten av idealistiska idéer, slöseri med talang är romanernas hjältar"Den store Gatsby"(1925), Tender is the Night (1934), oavslutad roman "The Last Tycoon". Men redan i den tidigaste romanen "Den här sidan av paradiset"(1920) hördes temat "förloradhet", som omfattade romantiska idealister när de konfronterades med verklighetens hårda prosa.

Talangens död berättas i romanen"Natten är öm". Under arbetet med verket betonade författaren: "... kollapsen kommer inte att bestämmas av ryggradslöshet, utan av verkligt tragiska faktorer, idealistens interna motsättningar och kompromisser som omständigheterna tvingar hjälten." I den ständigt ökande tendensen hos konstnärer att tillfredsställa marknadens behov, att ge konst till näringslivets behov, såg Fitzgerald en av manifestationerna av den "amerikanska tragedin".

Fitzgeralds roman är den mest kända och erkända. "Den store Gatsby". Verkets hjälte, som blev rik på den illegala handeln med alkohol, är redo att ge hela sig själv och all sin rikedom till sin älskade Daisy. Drömmen om kärlek och lycka bor i hans själ. Han är besatt av denna dröm. Gatsby bryter sig in i en värld av rikedom och lyx, som Daisy tillhör, som inte väntade på att Gatsby skulle återvända från kriget och gifte sig med Tom Buchanan. Pengar gör inte Gatsby lycklig. Pengar lamslår Daisy, berövar henne alla idéer om sann kärlek, anständighet och moral. Hon och hennes man är ansvariga för Gatsbys död. Att leva i en värld av lyx berövade dem skuld och ansvar. Den stora ömheten, kärleken, osjälviskheten hos Gatsby förstod inte av Daisy, hon kunde inte uppskatta dem, liksom alla som lever i hennes värld. I The Great Gatsby konstnärligt tänkande Fitzgerald fick det mest kompletta uttrycket. M. Cowley uttalade: "Fitzgerald kände hans blodsammanhang med tiden lika starkt som alla andra

Utländsk litteratur. 1900-talet

författare av sin period. Han försökte med all sin kraft att bevara tidsandan, det unika i vart och ett av dess år: ord, danser, populära sånger, namn på fotbollsidoler, fashionabla klänningar och fashionabla känslor. Redan från början kände han att allt som var typiskt för hans generation samlades i honom: han kunde se in i sig själv och förutsäga vad hans samtidas sinnen snart skulle sysselsätta sig med. Han har alltid varit tacksam mot jazzåldern för vad, med hans egna ord, när han talade om sig själv i tredje person, "den här åldern skapade honom, smickrade honom och gjorde honom rik bara för att han sa till folk att han tänker och känner på samma sätt. , gillar dem."

1. Shablovskaya, I.V. Berättelse utländsk litteratur(XX-talet, första hälften) / I.V. Shablovskaya. - Minsk: red. center Ekonompress,

1998. - S. 285-323.

2. Utländsk litteratur av det tjugonde århundradet: lärobok. för universitet / L.G. Andreev [och andra]; ed. L.G. Andreeva. - M .: Högre. skola: red. center Academy,

2000, s. 356–373.

3. Utländsk litteratur. XX-talet: lärobok. för stud. ped. universitet / N.P. Michalskaya [och andra]; under totalt ed. N.P. Michalskaya. - M .: Bustard,

2003. - S. 214-252.

Föreläsningskurs

Föreläsning nr 14

det absurdas teater

1. "Det absurdas teater". Generella egenskaper.

2. Egenheter berättarteknik S. Beckett.

3. Drag av E. Ionescos berättarteknik.

1. "Det absurdas teater". generella egenskaper

"Theater of the Absurd" är det allmänna namnet på dramaturgin under postavantgardeperioden på 1950-1970-talen. Denna märkliga explosion förbereddes gradvis, den var oundviklig, även om den hade i varje europeiskt land, förutom allmänna, och deras egna, nationella, förutsättningar. Allmänt är den anda av lugn, småborgerlig självgodhet och konformism som rådde i Europa och USA efter andra världskriget, då scenen dominerades av vardagslivet, jordnära, som blev ett slags stelhet och tystnad på teatern under tiden. det "skrämda decenniet".

Det var uppenbart att teatern stod på tröskeln till en ny period av sin existens, att det behövdes sådana metoder och tekniker för att skildra världen och människan som skulle möta livets nya realiteter. Post-avantgardeteatern är den mest bullriga och skandalösa, utmanande officiella konsten med sin chockerande konstnärliga teknik, som helt sveper undan gamla traditioner och föreställningar. Teatern, som har tagit på sig uppdraget att tala om människan som sådan, universell människa, men betraktar det som ett slags sandkorn i kosmisk tillvaro. Skaparna av denna teater utgick från idén om alienation och oändlig ensamhet i världen.

För första gången deklarerade sig absurdens teater i Frankrike genom att sätta upp en pjäs E. Ionesco "The Bald Singer"(1951). Ingen anade då att en ny trend höll på att växa fram inom modern dramatik. Om ett år

Utländsk litteratur. 1900-talet

Själva begreppet "det absurdas teater", som förenade författare av olika generationer, accepterades av både betraktaren och läsaren. Dramatikerna själva avvisade det dock resolut. E. Ionesco sa: "Det skulle vara mer korrekt att kalla den riktning som jag tillhör en paradoxal teater, mer exakt, till och med en "paradoxal teater".

Arbetet med dramatiker av absurdens teater var oftast, enligt T. Proskurnikova, "ett pessimistiskt svar på fakta om efterkrigstidens verklighet och en återspegling av dess motsättningar som påverkade allmänhetens medvetande andra hälften av vårt århundrade. Detta yttrade sig främst i en känsla av förvirring, eller snarare, vilsenhet, som grep den europeiska intelligentian.

Till en början verkade allt som dramatikerna pratade om i sina pjäser vara nonsens presenterat i bilder, ett slags "nonsens tillsammans". Ionesco säger i en av sina intervjuer: "Är inte livet paradoxalt, inte absurt ur ett genomsnittligt sunt förnufts synvinkel? Världen, livet är extremt inkonsekvent, motsägelsefullt, oförklarligt med samma sunt förnuft... En person förstår oftast inte, kan inte förklara med medvetande, inte ens med en känsla av hela naturen av omständigheterna i verkligheten i som han lever. Och därför förstår han inte sitt eget liv, själv.

Döden i pjäserna är en symbol för en persons undergång, den personifierar till och med absurditeten. Därför är världen i vilken hjältarna i det absurda teatern lever dödsriket. Den är oöverstiglig av alla mänskliga ansträngningar, och varje heroiskt motstånd förlorar sin mening.

Den fantastiska ologiskheten i vad som händer, den avsiktliga inkonsekvensen och avsaknaden av yttre eller inre motivation för karaktärernas handlingar och beteende i Becketts och Ionescos verk skapade intrycket av att skådespelarna var engagerade i föreställningen, som aldrig hade spelat tillsammans innan och bestämmer sig för att till varje pris slå ner varandra, men samtidigt och förvirra tittaren. Missmodiga åskådare hälsade sådana föreställningar ibland med tjat och visselpipor. Men snart började den parisiska pressen tala om födelsen av en ny teater, designad att bli "århundradets upptäckt".

Den absurda teaterns storhetstid har försvunnit för länge sedan, och de problem som S. Beckett och E. Ionesco ställer, deras dramatiska teknik, är fortfarande relevanta idag. Intresset för det absurda teatern har inte bara inte bleknat, utan tvärtom växer ständigt, inklusive i Ryssland, vilket framgår av uppsättningarna av S. Becketts pjäs "Waiting for Godot" på Bolshoi Drama Theatre i St. Petersburg. (säsong 2000). Vad är anledningen till framgången för absurda teatern, som var förbjuden i vårt land under lång tid? Är det inte paradoxalt att teater är av intresse,

Föreläsningskurs

vem bjöd in publiken att bekanta sig med en varelse som endast till det yttre liknar en person, en ynklig och förödmjukad varelse, eller tvärtom, nöjd med dess begränsningar och okunnighet?

I arbetet med dramatikerna i absurdens teater kan man känna fördjupningen av den tragiska uppfattningen om livet och världen som helhet.

Figurerna i denna teater - S. Beckett, E. Ionesco, J. Genet, G. Pinter - skriver som regel om en persons tragiska öde, om liv och död, men klär sina tragedier i form av en fars, tjafs.

2. Drag av S. Becketts berättarteknik

Det är i denna genre som pjäsen av S. Beckett (1909–1989) skrevs "I väntan på Godot"(1953). Efter uppförandet av pjäsen blev namnet på dess författare världsberömt. Denna pjäs är den bästa förkroppsligandet av idéerna från det absurda teatern.

Grunden för arbetet lägga ner både den personliga och offentliga tragiska upplevelsen av författaren, som överlevde fasorna under den fascistiska ockupationen av Frankrike.

Plats i pjäsen- en övergiven landsväg med ett ensamt torrt träd. Vägen förkroppsligar symbolen för rörelse, men det finns ingen rörelse, liksom handling. Handlingens statik är avsedd att demonstrera faktumet att livet är ologiskt.

Två ensamma och hjälplösa figurer, två varelser förlorade i en främmande och fientlig värld, Vladimir och Estragon, väntar på Mr. Godot, ett möte som borde lösa alla deras problem. Hjältarna vet inte vem han är och om han kan hjälpa dem. De har aldrig sett honom och är redo att ta vilken förbipasserande som helst för Godot. Men de väntar envist på honom och fyller väntans oändlighet och trötthet med prat om ingenting, med meningslösa handlingar. De är hemlösa och hungriga: de delar kålroten på mitten och mycket långsamt, njuter av den, äter den. Rädsla och förtvivlan inför utsikten att fortsätta dra ut på en outhärdligt eländig tillvaro mer än en gång leder dem till självmordstankar, men det enda repet slits, och de har ingen annan. Varje morgon kommer de till den överenskomna mötesplatsen och varje kväll går de tomhänta. Detta är handlingen i pjäsen, som består av två akter.

Utåt tycks den andra akten upprepa den första, men detta är bara till utseendet. Även om ingenting hände, men samtidigt har mycket förändrats. "Hopplösheten har intensifierats. En dag eller ett år har gått, jag vet inte. Hjältarna blev gamla och tappade till slut modet. De är alla på samma plats, under trädet. Vladimir väntar fortfarande på Godot, eller snarare, försöker övertyga sin vän (och sig själv) om detta. Estragon har förlorat all tro."

Beckets hjältar kan bara vänta, inget mer. Detta är fullständig förlamning. Men denna förväntning blir mer och mer meningslös,

Utländsk litteratur. 1900-talet

ty den falska budbäraren (pojken) skjuter ständigt upp mötet med Godot till "i morgon", utan att föra den olyckliga ett steg närmare det slutliga målet.

Beckett har tanken att det inte finns något i världen som en person kan vara säker på. Vladimir och Estragon vet inte om de verkligen är på den utsedda platsen, de vet inte vilken veckodag och år det är. Oförmågan att förstå och förstå omgivande livär uppenbart åtminstone i andra akten, när hjältarna, som kommer dagen efter, inte känner igen platsen där de väntade på Godot dagen innan. Estragon känner inte igen hans skor, och Vladimir kan inte bevisa något för honom. Inte bara karaktärerna, utan tillsammans med dem börjar åskådarna ofrivilligt tvivla, även om platsen för väntan fortfarande är densamma. Inget i pjäsen kan sägas med säkerhet, allt är ostadigt och obestämt. En pojke springer till Vladimir och Estragon två gånger med en order från Godot, men andra gången berättar pojken att han aldrig har varit här förut och ser hjältarna för första gången.

I pjäsen uppstår en konversation gång på gång om att Estragons skor är pressade fast de är slitna och fulla av hål. Han tar dem hela tiden på och tar av dem igen med stor möda. Författaren säger så att säga: du kan inte heller hela ditt liv frigöra dig från de bojor som berövar dig rörelse. Episoder med skor introducerar i pjäsen elementen i en komisk, farsartad början, dessa är de så kallade "gräsrotsbilderna" (Koreneva M.), lånade av Beckett från traditionen "gräsrotskultur", i synnerhet musiksalen och cirkusclowning. Men samtidigt översätter Beckett den farsartade tekniken till ett metafysiskt plan, och skorna blir en symbol för varats mardröm.

Clowningtrick är utspridda genom hela verket: här är till exempel scenen när den hungriga dragonen girigt nappar på kycklingbenen som den rike Pozzo, Pozzos tjänare, Lucky, kastar till honom, längtansfullt tittar på hur hans middag förstörs. Dessa tekniker finns i karaktärernas dialoger och tal: när de sätter en hatt på Lucky, spyr han ut en helt osammanhängande verbal ström, de tog av honom hatten - strömmen torkade genast ut. Karaktärernas dialoger är ofta ologiska och bygger på principen att varje talare talar om sitt eget, inte lyssnar på varandra; ibland känner Vladimir och Estragon själva som att de är på en cirkusföreställning:

Vl.: Underbar kväll. Estr.: Oförglömlig. Vl .: Och det har inte tagit slut än. Esther: Tydligen inte.

Vl.: Det har precis börjat. Esther: Det är hemskt.

Vl.: Vi är definitivt med i showen. Estr.: På cirkus.

Vl.: I musiksalen.

Föreläsningskurs

Estr.: På cirkus.

Det oupphörliga jonglerandet av ord och fraser fyller tomrummet i ett outhärdligt tillstånd av förväntan; ett sådant ordspel är den enda tråden som skiljer hjältarna från icke-existens. Det är allt de kan göra. Framför oss ligger en fullständig förlamning av tänkandet.

Låg och hög, tragisk och komisk är närvarande i pjäsen i en oskiljaktig enhet och bestämmer genre natur Arbetar.

Vem är Godot? Gud (Gud?) Döden (Tod?) Det finns många tolkningar, men en sak är klar: Godot är en symbolisk gestalt, hon är helt utan mänsklig värme och hopp, hon är eterisk. Vad väntar på Godot? Kanske ensam mänskligt liv som i denna värld inte har blivit något annat än förväntan på döden? Oavsett om Godot kommer eller inte kommer ingenting att förändras, livet kommer att förbli ett helvete.

Världen i Becketts tragedi är en värld där "Gud är död" och "himlen är öde", och därför är förväntningarna meningslösa.

Vladimir och Estragon är eviga resenärer, "hela människosläktet", och vägen längs vilken de vandrar är den mänskliga existensens väg, vars alla punkter är villkorade och oavsiktliga. Som redan nämnts finns det ingen rörelse som sådan i pjäsen, det finns bara rörelse i tiden: under tiden mellan första och andra akten blommade löv på träden. Men detta faktum innehåller inget konkret - bara en indikation på tidens flöde, som varken har början eller slut, precis som det inte finns några i pjäsen, där slutet är helt adekvat och utbytbart med början. Tiden här är bara "att bli gammal", eller på annat sätt, på Faulkners sätt: "livet är inte en rörelse, utan en monoton upprepning av samma rörelser. Därav slutet på pjäsen:

VL: Så nu kör vi.

Esther: Låt oss gå.

Anmärkning: De rör sig inte.

Skaparna av det absurda dramaturgin valde det groteska som sitt främsta medel för att avslöja världen och människan, en teknik som blev dominerande inte bara i dramat utan också i prosan under andra hälften av 1900-talet, vilket framgår av uttalande av den schweiziska dramatikern och prosaförfattaren F. Dürrenmatt: ”Vår värld har kommit till det groteska, liksom till atombomben, precis som de apokalyptiska bilderna av Hieronymus Bosch är groteska. Det groteska är bara ett sinnligt uttryck, en sinnlig paradox, en form för något formlöst, ansiktet på en värld som saknar något ansikte.

1969 belönades S. Becketts verk med Nobelpriset.

Utländsk litteratur. 1900-talet

3. Drag av E. Ionescos berättarteknik

Ionesco Eugene (1912-1994) - en av skaparna av "anti-drama" och

till Frankrike, fram till 11 års ålder bodde han i den franska byn La Chapelle Antenez, då i Paris. Senare sa han att barndomens intryck av bylivet till stor del återspeglades i hans arbete som minnen av ett förlorat paradis. Vid 13 års ålder återvände han till Rumänien, till Bukarest, och bodde där till 26 års ålder. 1938 återvände han till Paris, där han bodde resten av sitt liv.

Så, i Ionescos arbete, systemet med filosofiska och estetiska synpunkter absurd teater fick sitt mest fullständiga uttryck. Teaterns uppgift är enligt Ionesco att ge ett groteskt uttryck åt absurditeten modernt liv och modern människa. Dramatikern anser att trovärdighet är teaterns dödliga fiende. Han föreslår att skapa någon form av ny verklighet, balanserande på gränsen mellan det verkliga och det overkliga, och han anser att språket är det främsta medlet för att uppnå detta mål. Språk kan aldrig uttrycka tankar.

Språket i Ionescos pjäser fyller inte bara inte funktionen av kommunikation, kommunikation mellan människor, utan förvärrar tvärtom deras oenighet och ensamhet. Före oss är bara utseendet på en dialog bestående av tidningsklichéer, fraser från en handledning främmande språk, eller till och med fragment av ord och fraser som av misstag fastnat i det undermedvetna. Karaktärerna i Ionesco är oartikulerade inte bara i tal, utan också i själva tanken. Hans karaktärer har föga likheter vanligt folk, det här är snarare robotar med en skadad mekanism.

Ionesco förklarade sitt beroende av komedigenren med att det är komedi som mest fullständigt uttrycker det absurda och hopplösheten i att vara. Detta är hans första pjäs. "Bald Singer" (1951), även om det inte finns någon antydan om någon sångare i den. Anledningen till att skriva den var Ionescos bekantskap med den engelskspråkiga självinstruktionsmanualen, vars löjliga och banala fraser blev grunden för pjäsens text.

Den har en undertext - "anti-play". Det finns inget av det traditionella dramat i verket. Paret Marten kommer för att besöka the Smiths, och under hela handlingen sker ett utbyte av kommentarer utan mening. Det finns inga händelser eller utveckling i pjäsen. Bara språket förändras: i slutet av verket förvandlas det till oartikulerade stavelser och ljud.

Språkets automatism är huvudtemat i pjäsen Den skallige sångaren. Den avslöjar den moderna människans känslomässiga konformitet,

Föreläsningskurs

levande färdiga idéer och slagord, hans dogmatism, trångsynthet, aggressivitet – egenskaper som senare gör honom till en noshörning.

I tragedin visas "Stolar" (1952). tragiskt öde två gamla män, fattiga och ensamma, som lever på kanten av den verkliga och illusoriska världen. Den gamle psykopaten föreställde sig att han var någon slags messias. Han bjöd in gäster att berätta om det, men de kom aldrig. Sedan spelar de gamla en mottagningsscen där det overkliga, fiktiva karaktärerär mer verkliga än verkliga människor. På slutet håller den gamle mannen ett förberett tal, och vi har återigen ett absurt verbalt flöde - Ionescos favorittrick:

Gamla kvinnan: Kallade du väktarna? Biskopar? Apotek? Kochegarov? Violinister? Delegater? Stolar? Poliser? Kuptsov? Portföljer? Kromosomer?

Gubben: Ja, ja, och posttjänstemän, och gästgivare, och konstnärer ...

Gamla kvinnan: Och bankirerna? Gubben: Inbjuden.

Gamla kvinnan: Och arbetarna? Tjänstemän? Militister? Revolutionärer? Reaktionärer? Psykiatriker och psykologer?

Och återigen är dialogen uppbyggd som ett slags montage av ord, fraser, där betydelsen inte spelar någon roll. Gamla människor begår självmord och litar på att talaren berättar sanningen för dem, men talaren visar sig vara döv och stum.

Pjäsen "Rhinos" (1959) är en universell allegori över det mänskliga samhället, där förvandlingen av människor till djur visas som en naturlig följd av sociala och moraliska grunder (liknande vad som händer i F. Kafkas novell "Transformation").

Jämfört med tidigare verk är denna pjäs berikad med nya motiv. Efter att ha behållit några av elementen i sin tidigare poetik, skildrar Ionesco en värld som är drabbad av en andlig sjukdom - "rinit", och introducerar för första gången en hjälte som aktivt kan motstå denna process.

Scenen för handlingen i pjäsen är en liten provinsstad, vars invånare grips av en fruktansvärd sjukdom: de förvandlas till noshörningar. Huvudpersonen i Beranger står inför en allmän "spridning", med frivilligt avvisande av människor från den mänskliga formen. I motsats till sina tidigare påståenden om att verket inte bör utgå från verklig verklighet, skapar dramatikern i Rhinos en satir över den totalitära regimen. Han tecknar universaliteten i sjukdomen som har gripit människor. den enda personen, som behöll sitt mänskliga utseende, förblir Berenger.

De första läsarna och åskådarna såg i pjäsen i första hand ett antifascistiskt verk, och själva sjukdomen jämfördes med den nazistiska.

Utländsk litteratur. 1900-talet

pesten (och återigen en analogi - med "Pesten" av A. Camus). Senare förklarade författaren själv idén med hans pjäs på följande sätt: "Rhinos" är utan tvekan ett anti-nazistiskt verk, men först och främst är det en pjäs mot kollektiv hysteri och epidemier, gömmer sig under täckmantel av förnuft och idéer, men inte bli mindre allvarliga kollektiva sjukdomar som motiverar olika ideologier. ".

Berangers hjälte är en förlorare och en idealist, en man "inte av denna värld". Han föraktar allt som hans medborgare hedrar och som de anser vara en indikator på en persons "pris": pedanteri, noggrannhet, en framgångsrik karriär, ett enda standardiserat sätt att tänka, leva, smaker och önskningar. Ionesco drar återigen ner på tittaren en ström av vanliga sanningar och tomma fraser, men den här gången försöker folk dölja sina begränsningar och tomhet bakom dem.

Beranger har en antipod i pjäsen. Det här är Jean, självbelåten, djupt övertygad om sin ofelbarhet och rättfärdighet. Han lär hjälten sinnet och erbjuder sig att följa honom. Framför Beranger förvandlas han till en noshörning, han hade förutsättningar att bli ett odjur tidigare, nu har de blivit verklighet. I ögonblicket av Jeans förvandling äger ett samtal rum mellan honom och Berenger, som avslöjar den misantropiska essensen av denna respektabla invånare ("Låt dem inte komma i vägen för mig", utbrister han, "eller jag krossar dem!"). Han kräver att den mänskliga civilisationen förstörs och i dess ställe införa lagarna för noshörningsflocken.

Jean dödar nästan Béranger. Tom måste gömma sig i sitt hus. Runt honom finns antingen noshörningar, eller människor som är redo att förvandlas till dem. Tidigare vänner hjälten ansluter sig också till noshörningarnas led. Det sista, mest förkrossande, slaget mot honom utdelas av hans älskade Desi.

Standardisering och ansiktslöshet möjliggjorde en snabb och smärtfri förvandling av människorna omkring honom till djur.. Flocktänkande, livsstil och beteende förberedde övergången från den mänskliga besättningen till djurbesättningen.

Ionesco ägnar mycket uppmärksamhet åt skildringen av hjältens personliga tragedi, som förlorar inte bara vänner utan också sin flickvän. Scenen för Berangers farväl av Desi är skriven av författaren med stor lyrik. Den förmedlar känslan av en hjälte som inte kan hålla fast vid den mest värdefulla varelsen. Han är förtvivlad, lämnad helt ensam, i förtvivlan från omöjligheten att bli som alla andra. Berangers inre monolog lämnar ett deprimerande intryck av den tragiska paradoxen i en värld där en person drömmer om att ge upp sig själv för att inte vara ensam. Utåt sett förblir han en man, men inåt trampas han av en mäktig noshörningsflock.

Ämne : E. Ionesco. Pjäsen "Rhinos" som ett absurd drama. "Onosporosis" - ett fenomen massavpersonalisering samhälle.

Mål : fördjupa och utöka elevernas kunskaper om mångfalden av världslitteratur under 1900-talet; att bekanta sig med den franske dramatikern E. Ionescos liv och verk; fortsätta att forma och fördjupa begreppet "det absurdas teater" på exemplet med pjäsen "Rhinos"; att avslöja symbolisk betydelse dramats handling, för att hjälpa eleverna att se dess relevans och modernitet; att odla önskan att bevara individualitet, respekt för personen som högsta värde.

Utrustning : presentation, projektor, Lexikon, texter från pjäsen, ett porträtt av författaren, kort för pararbete, ett fragment från filmen "Rhinoceros: Made to last", feedbackblad.

Lektionstyp : studielektion

Planerade utbildningsresultat:

Ämne:

På grundnivå - bör känna till definitionen av "det absurdas teater", innehållet i pjäsen "Rhinos"; kunna analysera och kommentera episoder med uttryck för sin egen bedömning.

På en produktiv nivå – ska kunna använda den inhämtade kunskapen för att formulera de problem som författaren tar upp i dramat, för att argumentera och på ett övertygande sätt bevisa sin egen uppfattning.

Personlig: bör hitta ett litterärt verks koppling till historien och sin egen livserfarenhet adekvat bedöma orsakerna till deras framgång/misslyckande i arbetet på lektionen, visa en positiv inställning till lärandeaktiviteter, för att uttrycka sina egna åsikter om ämnet för lektionen och innehållet i pjäsen.

Metasubject:

kognitiv - Allmän utbildning : bör formulera frågor och svar om ämnet som studeras; lyssna noga, skapa talpåståenden;

hjärngymnastik : att visa självständigt tänkande, förmågan att analysera, generalisera, dra slutsatser om dramats problem;

reglerande - måstekorrekt uppfatta och förstå den pedagogiska uppgiften, planera sina handlingar i enlighet med den, utöva ömsesidig kontroll, adekvat utvärdera deras aktiviteter och klasskamraters aktiviteter i lektionen;

kommunikativ – ska kunna interagera konstruktivt i pararbete, lära sig att lyssna och förstå varandra, adekvat uppfatta beröm och kommentarer.

Jag är förvånad över framgången med denna pjäs. Förstår folk det på rätt sätt? Känner de igen det monstruösa fenomenet massifiering i den ...? Och viktigast av allt, är de alla individer med en själ, en och bara?

E. Ionesco

Under lektionerna.

1. Organiseringsmoment

Hälsning, skapa en positiv känslomässig stämning (fylla i självbedömnings- och feedbackblad)

2. Dyk ner i ämnet

Innan vi går vidare till ämnet för vår lektion föreslår jag att du tittar på några bilder från filmen om ett av de vackraste djuren som lever på jorden. De har ett mycket vackert utseende, en behaglig hudton, milda röster.

Tittar på ett fragment från filmen "Rhinoceros: done to last."

3. Motivation för lärandeaktiviteter

Är det här djuret du föreställt dig? (...) Men hjältarna i arbetet som vi kommer att betrakta i dag trodde just det.

Det är ingen slump att vi började vårt arbete med ett fragment av en film om noshörningar. Den här filmen hjälper oss att se riktningen för allt vårt arbete. Så varför noshörningar? (För att det är vad pjäsen heter: "Rhinoceros")

Vilken inställning har pjäsens hjältar till noshörningar? (de beundrar, kallar dem vackra, de vill själva bli noshörningar).

Är inte denna önskan absurd ur en tänkande människas synvinkel? Vad säger Ionesco om hans spel? (jobba med epigraf)

problemfråga

Om jag bodde i den här staden, skulle jag vara en noshörning? (anteckningsboken)

4. Formulering av ämnet för lektionen

Låt oss formulera den första delen av vårt ämne:E. Ionesco. Pjäsen "Rhinos" som ett absurd drama.

Läs den andra delen av vårt ämne. Vad är massdepersonaliseringen av samhället, hur kallas denna process i pjäsen? ("Onorosporation") Hur kommer den andra delen av vårt tema att låta?"Onosozhivanie" - ett fenomen av massdepersonalisering av samhället.

4. Målsättning

Låt oss var och en definiera målen för lektionen för sig själva och skriva ner dem på feedbackbladet (lära, lära, förstå, komma ihåg ). Använd orden "det absurdas teater", "massiv avpersonalisering", "nosande" i ditt bidrag.

(skriv- och läsmål)

5. Arbeta med lektionens ämne

Vem är Eugene Ionesco? Låt oss lyssna på våra "biografer".

( Elevprestationer )

Eugene Ionesco är en fransk dramatiker av rumänskt ursprung, författare, tänkare, klassiker inom det teatrala avantgardet. Född 1909 i Rumänien. Några år senare flyttade hans föräldrar till Frankrike, först till byn La Chapelle-Anthenaise och sedan till Paris. 1922 återvände Ionesco till Rumänien, där han började skriva sina första dikter på rumänska och franska. När han kommer in på universitetet i Bukarest studerar han franska och litteratur, och från 1929 började han undervisa. Samma år flyttade han till Paris. 1938 försvarade han sin doktorsavhandling vid Sorbonne. 1970 blev han medlem av den franska vetenskapsakademin. I Frankrike bodde Ionesco till slutet av sina dagar och skapade många pjäser, prosaverk och biografiska memoarer. De mest kända är hans roman Den ensamma, pjäserna Den skallige sångaren, Lektionen och, naturligtvis, Noshörningen.

Eugene Ionesco kom in i världslitteraturen som teoretiker och utövare av "det absurdas teater". Vilka verk började kallas det, vilka tecken har pjäserna i "det absurdas teater"? Låt oss lyssna på våra litteraturkritiker.

( Elevprestationer )

Termen absurd teater myntades av Martin Esslin 1962. Det var så pjäser med en ologisk sanslös handling började kallas, presenterar betraktaren för en kombination av det oförenliga, främjar osystematiskhet, förnekande av estetiska ideal, förstör teatraliska kanoner. Det absurdas teater utmanas kulturella traditioner, politisk och social ordning. Händelserna i pjäserna av det absurda är långt ifrån verkligheten, karaktärerna och den omgivande verkligheten manifesterar det otroliga och ofattbara. Det är svårt att bestämma plats och tid, ordningen och logiken i handlingen kanske inte observeras. Författarna skapar löjliga, skrämmande, slående, ibland underhållande bilder med sin inkongruens. Det absurdas teater är en irrationalitet som trotsar förklaring och logik.

Använd texten i detta tal och skriv ner definitionen av det absurdas teater i en mening(arbeta i par)

Är det möjligt att kalla dramat "Rhinoceros" för ett absurd drama? Argumentera din åsikt (fantastisk intrig, förvandla människor till noshörningar, obegripliga och oförklarliga skäl till handlingen)

Ionescos drama är en av mest intressanta pjäser samtida världslitteratur. Den skrevs 1959 och återspeglade det mest komplexa sociala problem tid: fenomenet massdepersonalisering, personlighetens och individualitetens krock med kollektivismens ideologi, som dödar denna individualitet. Vad handlar den här pjäsen om?

(Pjäsen består av tre akter. En kort berättelse om innehållet i varje akt)

Egenskaper hos huvudkaraktärerna - Berenger och Jean (utseende, ålder, yrke, karaktärsdrag). Vem gör ett positivt intryck och vem förlorar i jämförelse? Vem av vännerna förvandlas till en noshörning, hur går det till? Vilka karaktärsdrag manifesteras hos Jean? (Arbeta med text, uttrycksfull läsning dialoger (d.1 scen på ett café, d.2 transformation av Jean))

Arbeta i par. Fyller i tabellen. Textargumentation.

Varje förvandlad till en noshörning hade sina egna skäl för "noshörning". Låt oss definiera dem (distribution)

Varför var det bara Beranger som kunde stå emot epidemin "näsplastik"? (slutsats: han värderade sin individualitet och mänskliga natur)

Vad är pjäsens höjdpunkt? (Hennes avslut) Varför lämnar Ionesco slutet öppet: vi ser inte Beranger slåss, vi vet inte om han kommer att vinna? (det är viktigt att inte visa kampen mot ideologi, utan "verktygen" för att påverka varje person för att avpersonifiera honom: väcka intresse, propaganda, önskan att vara som alla andra, rädsla för ensamhet och olikhet, förändra moraliska och sociala värden,gradvis förändra).

Historien om dess författarskap kommer att hjälpa oss att till fullo förstå hela djupet av denna pjäs. Låt oss lyssna på våra "historikers" tal.

(Elevernas prestationer)

E. Ionesco noterade att drivkraften till att skriva pjäsen var intrycken fransk författare Denis de Rougemont. Han deltog i en nazistisk demonstration ledd av Hitler i Nürnberg 1936. Denna skara, enligt författaren, fångades gradvis av någon form av hysteri. På långt håll ropade folk i folkmassan Hitlers namn som en galning. När han närmade sig växte en våg av denna hysteri, som fångade fler och fler människor.

Dessutom fanns det ett avsnitt ur författarens liv. Han bevittnade masshysterin på stadens stadion under Hitlers tal och drabbades nästan själv av det. Det han såg fick dramatikern att fundera. Trots allt var inte alla dessa människor nazister, många var helt enkelt influerade av folkmassan. Enligt Ionesco själv, som ett vittne till fascismens födelse i Rumänien på 1930-talet, försökte han verkligen beskriva denna process.

I vilket avsnitt av pjäsen speglade Ionesco sina intryck av vad han såg? Argumentera din åsikt (Berangers sista monolog). Vad är "nosning"? Varför kan Rhinos kallas en antinazistisk pjäs?

6. Sammanfattning av lektionen

Reflexion

Låt oss upprepa stegen i lektionen och komma ihåg vad och varför vi gjorde.

(vi bekantade oss med biografin om E. Ionesco, hittade tecken på det absurdas drama i pjäsen, studerade texten, fick reda på orsakerna till "noshörningen")

Låt oss återgå till vår problematiska fråga. Vad hjälpte han dig att ta reda på?

Hur skulle du betygsätta ditt arbete? Och vilka av dina klasskamrater skulle du kunna berömma? Gå tillbaka till dina självutvärderingsblad och berätta om du lyckades uppnå de mål som du satte upp i början av lektionen?

Läxa

1) Skriv i dina anteckningsböcker ett miniargument om huruvida dramat "Rhinoceros" kan anses vara modernt.

2) Eugene Ionesco sa: "Det absurdas teater kommer att leva för evigt." Håller du med om hans förutsägelse? Skriv en kort uppsats om det.

Kommunal budgetutbildningsanstalt

Batalna gymnasieskola

E. Ionesco. Pjäsen "Rhinos"

som ett absurd drama. "Onosporosis" - ett fenomen

massavpersonalisering

samhällen

Öppen litteraturlektion i årskurs 11

Lärare:Chernaya Evgenia Viktorovna

Läsåret 2014 – 2015

Analytisk tabell