เคล็ดลับความยิ่งใหญ่ของผลงานหลักของศิลปะญี่ปุ่น พัฒนาการของการวาดภาพของญี่ปุ่น

ในบทความนี้ ฉันจะเริ่มต้นชุดบทความเกี่ยวกับประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น ทัศนศิลป์. โพสต์เหล่านี้จะเน้นไปที่การวาดภาพตั้งแต่สมัยเฮอันเป็นหลัก และบทความนี้จะเป็นการแนะนำและอธิบายพัฒนาการของศิลปะจนถึงศตวรรษที่ 8

สมัยโจมง
วัฒนธรรมญี่ปุ่นมีรากเหง้าที่เก่าแก่มาก - การค้นพบที่เก่าแก่ที่สุดมีอายุย้อนไปถึง 10 พันปีก่อนคริสต์ศักราช อี แต่อย่างเป็นทางการจุดเริ่มต้นของยุค Jomon คือ 4,500 ปีก่อนคริสตกาล อี เกี่ยวกับช่วงเวลานี้ เนโกกิต เขียนโพสต์ที่ดีมาก
เอกลักษณ์ของเซรามิกส์เจมอนคือโดยปกติแล้วรูปร่างหน้าตาของเซรามิกส์พร้อมกับการพัฒนาด้านการเกษตรบ่งบอกถึงการเริ่มต้นของยุคหินใหม่ อย่างไรก็ตาม แม้ในยุคหิน หลายพันปีก่อนการกำเนิดของเกษตรกรรม นักล่า Jomon ได้สร้างเครื่องปั้นดินเผาที่มีรูปร่างค่อนข้างซับซ้อน

แม้ว่าเครื่องปั้นดินเผาจะปรากฏตัวในยุคแรกๆ แต่ผู้คนในยุค Jomon ก็พัฒนาเทคโนโลยีได้ช้ามากและยังคงอยู่ในระดับเดียวกับยุคหิน

ในช่วงสมัยโจมงกลาง (2,500-1,500 ปีก่อนคริสตกาล) มีรูปปั้นเซรามิกปรากฏขึ้น แต่ในช่วงกลางและปลาย (1,000-300 ปีก่อนคริสตกาล) ยังคงเป็นนามธรรมและมีสไตล์สูง

จาก Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
สมัยโจมง 1,000-400ปีก่อนคริสตกาล
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

โดยวิธีการที่ ufologists เชื่อว่าเป็นภาพของมนุษย์ต่างดาว ในฟิกเกอร์เหล่านี้ พวกเขาเห็นชุดอวกาศ แว่นตา และหน้ากากออกซิเจนบนใบหน้า และภาพเกลียวบน "ชุดอวกาศ" ถือเป็นแผนที่ของกาแล็กซี

ช่วงยาโยอิ
ยาโยอิเป็นช่วงเวลาสั้น ๆ ในประวัติศาสตร์ญี่ปุ่น มีอายุตั้งแต่ 300 ปีก่อนคริสตกาลถึง 300 ปีก่อนคริสต์ศักราช ซึ่งเป็นช่วงที่เกิดการเปลี่ยนแปลงทางวัฒนธรรมที่น่าทึ่งที่สุดในสังคมญี่ปุ่น ในช่วงเวลานี้ ชนเผ่าที่มาจากแผ่นดินใหญ่และพลัดถิ่นของประชากรพื้นเมืองของเกาะญี่ปุ่นได้นำวัฒนธรรมและเทคโนโลยีใหม่ๆ ของพวกเขาเข้ามา เช่น การปลูกข้าวและการแปรรูปทองสัมฤทธิ์ ศิลปะและเทคโนโลยีส่วนใหญ่ในยุคยาโยอินำเข้ามาจากเกาหลีและจีน

สมัยโคะฟุง
ระหว่าง 300 ถึง 500 ปี หัวหน้าเผ่าถูกฝังอยู่ในเนินดินที่เรียกว่า "โคฟุง" ช่วงเวลานี้ถูกเรียกด้วยชื่อนี้

สิ่งของที่คนตายต้องการจะถูกวางไว้ในหลุมฝังศพ เหล่านี้ได้แก่ อาหาร เครื่องมือและอาวุธ เครื่องประดับ เครื่องปั้นดินเผา กระจก และที่น่าสนใจที่สุด - รูปปั้นดินเผาที่เรียกว่า "ฮานิวะ"

จากโคไก โออิซึมิมาจิ กุมมะ H.68.5
สมัยโคฟุง ศตวรรษที่ 6
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

วัตถุประสงค์ที่แท้จริงของรูปแกะสลักยังไม่ทราบ แต่พบได้ในที่ฝังศพทั้งหมดในยุคโคฟุง จากรูปแกะสลักขนาดเล็กเหล่านี้ เราสามารถจินตนาการได้ว่าผู้คนใช้ชีวิตอย่างไรในเวลานั้น เนื่องจากผู้คนถูกวาดด้วยเครื่องมือและอาวุธ และบางครั้งก็อยู่ติดกับบ้าน

ประติมากรรมเหล่านี้ได้รับอิทธิพลจากประเพณีจีน มีองค์ประกอบที่เป็นอิสระซึ่งมีอยู่ในศิลปะท้องถิ่นเท่านั้น

นักเต้นรำหญิง ราชวงศ์ฮั่นตะวันตก (206 ปีก่อนคริสตกาล – ค.ศ. 9) ศตวรรษที่ 2 ก่อนคริสต์ศักราช
จีน
พิพิธภัณฑ์ศิลปะเมโทรโพลิทัน นิวยอร์ก

ในช่วงสมัยโคฟุง รูปแกะสลักจะมีความประณีตมากขึ้นและแตกต่างออกไปมากขึ้นเรื่อยๆ เหล่านี้เป็นภาพของทหาร พราน นักร้อง นักเต้น และอื่นๆ

จาก Nohara, Konan-machi, Saitama ปัจจุบัน H. 64.2, 57.3
สมัยโคฟุง ศตวรรษที่ 6
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

มีคุณลักษณะอื่นของประติมากรรมเหล่านี้ Haniva ไม่เพียงเป็นตัวแทนของหน้าที่ทางสังคมเท่านั้น แต่ยังรวมถึงอารมณ์ของรูปร่างด้วย ตัวอย่างเช่นนักรบมีสีหน้าเคร่งขรึม และบนใบหน้าของชาวนาก็ยิ้มกว้าง

จาก Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5
สมัยโคฟุง ศตวรรษที่ 6
พิพิธภัณฑ์แห่งชาติโตเกียว

สมัยอาสึกะ
ตั้งแต่สมัยยาโยอิ ทัศนศิลป์ของญี่ปุ่นแยกออกจากเกาหลีหรือเกาหลีไม่ได้ ศิลปะจีน. สิ่งนี้เห็นได้ชัดเจนที่สุดในศตวรรษที่เจ็ดและแปด เมื่อศิลปะญี่ปุ่นเริ่มพัฒนาอย่างรวดเร็วไปสู่ประเภทภาพที่หลากหลาย

ในศตวรรษที่ 6 การเปลี่ยนแปลงที่สำคัญเกิดขึ้นในสังคมญี่ปุ่น: ในที่สุดรัฐยะมะโตะแห่งแรกของญี่ปุ่นก็เป็นรูปเป็นร่างขึ้น และในปี 552 ศาสนาพุทธก็มาถึงญี่ปุ่น โดยนำประติมากรรมทางพุทธศาสนาและแนวคิดของวัดมาด้วย ซึ่งทำให้เกิดลักษณะที่ปรากฏ ของวัดในญี่ปุ่น - ทั้งชินโตและพุทธ
ศาลเจ้าชินโตตามสถาปัตยกรรมของยุ้งฉาง (ศาลเจ้าชินโตในยุคแรกสุดคือยุ้งฉางที่ใช้จัดงานฉลองการเก็บเกี่ยว ในระหว่างงานเลี้ยงพิธีกรรม ผู้คนเชื่อว่าเทพเจ้ากำลังร่วมงานเลี้ยงกับยุ้งฉาง)
เทพเจ้าชินโต - ก่อนอื่น พลังธรรมชาติเพื่อให้สถาปัตยกรรมของศาลเจ้าเหล่านี้ผสมผสานเข้ากับธรรมชาติ เช่น แม่น้ำและป่าไม้ นี่เป็นสิ่งสำคัญที่ต้องเข้าใจ ในสถาปัตยกรรมชินโต โครงสร้างที่มนุษย์สร้างขึ้นนั้นหมายถึงส่วนขยายของโลกธรรมชาติ

Shitennoji วัดพุทธแห่งแรกสร้างขึ้นในปี 593 ในโอซาก้าเท่านั้น วัดในยุคแรกนี้เลียนแบบวัดในศาสนาพุทธของเกาหลี ประกอบด้วยเจดีย์กลางล้อมรอบด้วยอาคารสามหลังและทางเดินในร่ม

การเผยแผ่พระพุทธศาสนาช่วยอำนวยความสะดวกในการติดต่อระหว่างญี่ปุ่นและเกาหลีกับจีน และการผสมผสานวัฒนธรรมจีนเข้ากับวัฒนธรรมญี่ปุ่น

ญี่ปุ่น? มันพัฒนาได้อย่างไร? เราจะตอบคำถามเหล่านี้และคำถามอื่น ๆ ในบทความ วัฒนธรรมญี่ปุ่นก่อตัวขึ้นจากการเคลื่อนไหวทางประวัติศาสตร์ที่เริ่มขึ้นเมื่อชาวญี่ปุ่นย้ายจากแผ่นดินใหญ่ไปยังหมู่เกาะและอารยธรรมของยุคโจมงถือกำเนิดขึ้น

ยุโรป เอเชีย (โดยเฉพาะเกาหลีและจีน) และอเมริกาเหนือมีอิทธิพลอย่างมากต่อการตรัสรู้ในปัจจุบันของผู้คนเหล่านี้ หนึ่งในสัญญาณของวัฒนธรรมญี่ปุ่นคือการพัฒนาที่ยาวนานในยุคของการแยกรัฐอย่างสมบูรณ์ (นโยบาย sakoku) จากประเทศอื่น ๆ ในรัชสมัยของ Tokugawa Shogunate ซึ่งกินเวลาจนถึงกลางศตวรรษที่ 19 - จุดเริ่มต้นของ ยุคเมจิ.

อิทธิพล

ทำได้ไง ศิลปวัฒนธรรมญี่ปุ่น? อารยธรรมได้รับอิทธิพลอย่างมากจากที่ตั้งในภูมิภาคที่ห่างไกลของประเทศ ภูมิอากาศและ คุณลักษณะทางภูมิศาสตร์ตลอดจนปรากฏการณ์ทางธรรมชาติ (ไต้ฝุ่นและแผ่นดินไหวบ่อยครั้ง) สิ่งนี้แสดงออกในทัศนคติที่ไม่ธรรมดาของประชากรที่มีต่อธรรมชาติในฐานะสิ่งมีชีวิต คุณสมบัติ ตัวละครประจำชาติภาษาญี่ปุ่นคือความสามารถในการชื่นชมความงามในปัจจุบันของจักรวาล ซึ่งแสดงออกมาในงานศิลปะหลายประเภทในประเทศเล็กๆ

วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของศาสนาพุทธ ศาสนาชินโต และลัทธิขงจื๊อ แนวโน้มเดียวกันนี้มีอิทธิพลต่อการพัฒนาต่อไป

สมัยโบราณ

เห็นด้วยค่ะ วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นนั้นงดงามมาก ลัทธิชินโตมีรากฐานมาจากสมัยโบราณ พระพุทธศาสนาแม้ว่าจะปรากฏก่อนยุคของเรา แต่ก็เริ่มเผยแพร่ตั้งแต่ศตวรรษที่ห้าเท่านั้น ยุคเฮอัน (ศตวรรษที่ 8-12) ถือเป็นยุคทองของความเป็นรัฐของญี่ปุ่น ในช่วงเวลาเดียวกันนั้น วัฒนธรรมอันงดงามของประเทศนี้ก็ถึงจุดสูงสุด

ลัทธิขงจื๊อปรากฏในศตวรรษที่ 13 ในขั้นตอนนี้มีการแยกปรัชญาของขงจื๊อและพุทธศาสนาออกจากกัน

อักษรอียิปต์โบราณ

ภาพลักษณ์ของวัฒนธรรมศิลปะของญี่ปุ่นนั้นรวมอยู่ในความหลากหลายที่ไม่เหมือนใครซึ่งเรียกว่า ในประเทศนี้ศิลปะการประดิษฐ์ตัวอักษรได้รับการพัฒนาอย่างมากเช่นกันซึ่งตามตำนานเกิดขึ้นจากภาพศักดิ์สิทธิ์จากสวรรค์ พวกเขาเป็นผู้เติมชีวิตชีวาให้กับงานเขียน ดังนั้นประชากรจึงใจดีต่อทุกการสะกดคำ

มีข่าวลือว่ามันเป็นอักษรอียิปต์โบราณที่ให้วัฒนธรรมญี่ปุ่นเนื่องจากภาพรอบ ๆ จารึกปรากฏขึ้นจากพวกเขา หลังจากนั้นไม่นานก็เริ่มสังเกตเห็นการผสมผสานระหว่างองค์ประกอบของภาพวาดและบทกวีในงานชิ้นเดียว

หากคุณศึกษาม้วนหนังสือภาษาญี่ปุ่น คุณจะพบว่างานนี้มีสัญลักษณ์สองประเภท นี่คือสัญญาณของการเขียน - ตราประทับ, บทกวี, โคโลเฟนและงดงาม ในขณะเดียวกัน โรงละครคาบุกิก็ได้รับความนิยมอย่างมาก โรงละครประเภทอื่น - แต่ - เป็นที่ต้องการของบุคลากรทางทหารเป็นหลัก ความรุนแรงและความโหดร้ายของพวกเขามีอิทธิพลอย่างมากต่อ No.

จิตรกรรม

ผู้เชี่ยวชาญหลายคนได้ศึกษาวัฒนธรรมทางศิลปะ มีบทบาทอย่างมากในการก่อตัวของภาพวาดไคกะซึ่งในภาษาญี่ปุ่นหมายถึงการวาดภาพหรือการวาดภาพ ศิลปะนี้ถือเป็นประเภทการวาดภาพของรัฐที่เก่าแก่ที่สุดซึ่งกำหนดโดยโซลูชันและรูปแบบจำนวนมาก

ในสถานที่พิเศษถูกครอบครองโดยธรรมชาติซึ่งกำหนดหลักการอันศักดิ์สิทธิ์ การแบ่งภาพวาดออกเป็น sumi-e และ yamato-e มีมาตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 รูปแบบแรกพัฒนาขึ้นใกล้กับศตวรรษที่สิบสี่ เป็นสีน้ำขาวดำชนิดหนึ่ง Yamato-e เป็นม้วนกระดาษที่พับในแนวนอนซึ่งใช้กันทั่วไปในการตกแต่งงานวรรณกรรม

ต่อมาในศตวรรษที่ 17 การพิมพ์บนแท็บเล็ตปรากฏขึ้นในประเทศ - ภาพอุกิโยะ อาจารย์บรรยายภาพทิวทัศน์ เกอิชา นักแสดงที่มีชื่อเสียงโรงละครคาบุกิ จิตรกรรมประเภทนี้ในศตวรรษที่ 18 มีอิทธิพลอย่างมากต่อศิลปะของยุโรป กระแสที่เกิดขึ้นเรียกว่า "ลัทธิญี่ปุ่น" ในยุคกลาง วัฒนธรรมของญี่ปุ่นไปไกลเกินขอบเขตของประเทศ - เริ่มถูกนำมาใช้ในการออกแบบตกแต่งภายในที่มีสไตล์และทันสมัยทั่วโลก

คัดลายมือ

โอ้ วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นช่างงดงามเสียนี่กระไร! ความเข้าใจในความกลมกลืนกับธรรมชาติสามารถเห็นได้ในแต่ละส่วน การประดิษฐ์ตัวอักษรญี่ปุ่นสมัยใหม่คืออะไร? เรียกว่า shodo ("วิธีการแจ้งเตือน") การคัดลายมือเป็นวิชาบังคับเช่นเดียวกับการเขียน นักวิทยาศาสตร์พบว่าศิลปะนี้เกิดขึ้นพร้อมกับการเขียนภาษาจีน

อย่างไรก็ตาม ในสมัยโบราณ วัฒนธรรมของบุคคลถูกตัดสินโดยระดับการเขียนพู่กันของเขา วันนี้มี เบอร์ใหญ่รูปแบบการเขียนและพัฒนาโดยพระสงฆ์

ประติมากรรม

วัฒนธรรมญี่ปุ่นเกิดขึ้นได้อย่างไร? เราจะศึกษาการพัฒนาและประเภทของพื้นที่ชีวิตมนุษย์ในรายละเอียดมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ ประติมากรรมเป็นงานศิลปะที่เก่าแก่ที่สุดในญี่ปุ่น ในสมัยโบราณผู้คนในประเทศนี้สร้างรูปแกะสลักรูปเคารพและจานชามจากเซรามิก จากนั้นผู้คนก็เริ่มติดตั้งรูปปั้นของ khaniv ที่สร้างจากดินเผาบนหลุมฝังศพ

พัฒนาการของงานประติมากรรมในยุคปัจจุบัน วัฒนธรรมญี่ปุ่นเกี่ยวข้องกับการเผยแผ่พระพุทธศาสนาของรัฐ หนึ่งในตัวแทนที่เก่าแก่ที่สุดของอนุสาวรีย์ญี่ปุ่นถือเป็นรูปปั้นของพระพุทธเจ้า Amitabha ที่ทำจากไม้ วางไว้ในวัด Zenko-ji

ประติมากรรมมักทำจากไม้คาน แต่ดูหรูหรามาก ช่างฝีมือเคลือบเงา ทอง และสีสดใส

โอริกามิ

คุณชอบวัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นหรือไม่? ความเข้าใจในความกลมกลืนกับธรรมชาติจะนำมาซึ่งประสบการณ์ที่ยากจะลืมเลือน คุณลักษณะเฉพาะวัฒนธรรมญี่ปุ่นกลายเป็นผลิตภัณฑ์ที่น่าอัศจรรย์ของโอริกามิ (“กระดาษพับ”) ทักษะนี้มีต้นกำเนิดมาจากประเทศจีนซึ่งอันที่จริงแล้วมีการประดิษฐ์แผ่นหนัง

เริ่มแรกใช้ "กระดาษพับ" ในพิธีกรรมทางศาสนา ศิลปะนี้คนชั้นสูงเท่านั้นที่จะศึกษาได้ แต่หลังจากสงครามโลกครั้งที่ 2 โอริกามิก็ออกจากบ้านขุนนางและพบผู้ชื่นชมทั่วโลก

อิเคบานะ

ทุกคนควรรู้ว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของประเทศทางตะวันออกเป็นอย่างไร ญี่ปุ่นได้ลงทุนกับงานจำนวนมากในการพัฒนา ส่วนประกอบอื่นของวัฒนธรรมนี้ ประเทศที่ยอดเยี่ยมเป็นอิเคบานะ (“ดอกไม้ที่มีชีวิต”, “ชีวิตใหม่ของดอกไม้”) ชาวญี่ปุ่นชื่นชอบความสวยงามและความเรียบง่าย คุณสมบัติสองประการนี้ที่ทุ่มเทให้กับงาน ความซับซ้อนของภาพเกิดจากการใช้ประโยชน์จากความงามตามธรรมชาติของพืชพรรณ Ikebana เช่น origami ยังทำหน้าที่เป็นส่วนหนึ่งของพิธีทางศาสนา

เพชรประดับ

หลายคนอาจเข้าใจแล้วว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของจีนโบราณและญี่ปุ่นมีความเกี่ยวพันกันอย่างใกล้ชิด และบอนไซคืออะไร? เป็นทักษะเฉพาะของญี่ปุ่นในการปลูกต้นไม้จำลองขนาดจิ๋วเกือบเท่าของจริง

ในญี่ปุ่น การทำเนสึเกะ - ประติมากรรมขนาดเล็กที่เป็นเหมือนพวงกุญแจเป็นเรื่องปกติ บ่อยครั้งที่รูปแกะสลักในฐานะนี้ติดอยู่กับเสื้อผ้าของญี่ปุ่นซึ่งไม่มีกระเป๋า พวกเขาไม่เพียง แต่ตกแต่ง แต่ยังทำหน้าที่เป็นตัวถ่วงแบบดั้งเดิม พวงกุญแจทำเป็นรูปกุญแจ กระเป๋า ตะกร้าหวาย

ประวัติจิตรกรรม

ศิลปวัฒนธรรม ญี่ปุ่นโบราณเป็นที่สนใจของใครหลายคน ภาพวาดในประเทศนี้เกิดขึ้นในช่วงยุคหินญี่ปุ่นและพัฒนาด้วยวิธีนี้:

• สมัยยามาโตะ ในช่วงเวลาของ Asuka และ Kofun (ศตวรรษที่ 4-7) พร้อมกับการแนะนำของอักษรอียิปต์โบราณ การสร้างระบอบการปกครองแบบจีนและการเผยแพร่ศาสนาพุทธให้แพร่หลาย งานศิลปะจำนวนมากถูกนำเข้ามายังประเทศญี่ปุ่นจากประเทศจีน หลังจากนั้นภาพวาดสไตล์จีนก็เริ่มผลิตซ้ำในดินแดนอาทิตย์อุทัย
• เวลานรา. ในศตวรรษที่หกและเจ็ด พระพุทธศาสนายังคงพัฒนาต่อไปในประเทศญี่ปุ่น ในเรื่องนี้ภาพวาดทางศาสนาเริ่มเฟื่องฟู ใช้ประดับวัดหลายแห่งที่สร้างโดยชนชั้นสูง โดยทั่วไปแล้ว ในยุคนารา การมีส่วนร่วมในการพัฒนางานประติมากรรมและศิลปะมีมากกว่างานจิตรกรรม ภาพวาดยุคแรกในรอบนี้รวมถึงภาพจิตรกรรมฝาผนังบนผนังภายในของวัด Horyu-ji ในจังหวัดนารา ซึ่งแสดงภาพชีวิตของพระพุทธเจ้าศากยมุนี
• ยุคเฮอัน. ในการวาดภาพญี่ปุ่นตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 แนวโน้มของยามาโตะ-เอะนั้นแตกต่างออกไป ดังที่เราได้เขียนไว้ข้างต้น ภาพวาดดังกล่าวเป็นการเลื่อนแนวนอนที่ใช้แสดงหนังสือ
• ยุคของมุโรมาจิ ในศตวรรษที่สิบสี่สไตล์ Supi-e (สีน้ำขาวดำ) ปรากฏขึ้นและในช่วงครึ่งแรกของศตวรรษที่สิบสอง ศิลปินเริ่มพิมพ์ภาพแกะสลักบนกระดาน - ภาพอุกิโยะ
• ภาพวาดของยุค Azuchi-Momoyama มีความแตกต่างอย่างมากกับภาพวาดของสมัย Muromachi มีลักษณะเป็นสีหลายเหลี่ยมที่มีการใช้สีเงินอย่างกว้างขวาง และในช่วงเวลานี้ สถาบันการศึกษา Kano มีชื่อเสียงและมีชื่อเสียงอย่างมาก ผู้ก่อตั้งคือ Kano Eitoku ผู้วาดเพดานและประตูบานเลื่อนแยกห้อง ภาพวาดดังกล่าวประดับประดาปราสาทและพระราชวังของขุนนางทางการทหาร
• สมัยไมจิ ตั้งแต่ช่วงครึ่งหลังของศตวรรษที่ 19 ศิลปะได้แบ่งออกเป็นรูปแบบดั้งเดิมและรูปแบบยุโรปที่แข่งขันกัน ในช่วงยุค Maiji ญี่ปุ่นมีสังคมและ การเปลี่ยนแปลงทางการเมืองในกระบวนการของความทันสมัยและความเป็นยุโรปที่จัดโดยทางการ ศิลปินรุ่นเยาว์ที่มีแนวโน้มถูกส่งไปศึกษาต่อต่างประเทศ และศิลปินจากต่างประเทศเดินทางมาญี่ปุ่นเพื่อสร้างโครงการศิลปะของโรงเรียน แต่หลังจากที่ความอยากรู้อยากเห็นเกี่ยวกับรูปแบบศิลปะของตะวันตกเริ่มต้นขึ้นลูกตุ้มก็หมุนเข้ามา ด้านหลังและสไตล์ญี่ปุ่นแบบดั้งเดิมได้รับการฟื้นฟู ในปี พ.ศ. 2423 ศิลปะตะวันตกถูกห้ามไม่ให้จัดแสดงอย่างเป็นทางการและถูกวิพากษ์วิจารณ์อย่างหนัก

กวีนิพนธ์

วัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นโบราณยังคงได้รับการศึกษา คุณลักษณะของมันคือความเก่งกาจ การสังเคราะห์บางอย่าง เนื่องจากมันถูกสร้างขึ้นภายใต้อิทธิพลของศาสนาต่างๆ เป็นที่ทราบกันดีว่าบทกวีคลาสสิกของญี่ปุ่นถือกำเนิดขึ้นจากชีวิตประจำวัน ดำเนินไปภายในนั้น และความเป็นธรรมชาติของมันได้รับการเก็บรักษาไว้ในระดับหนึ่งในรูปแบบดั้งเดิมของกวีนิพนธ์ในปัจจุบัน - ไฮกุสามบรรทัดและแทงกะห้าบรรทัด ซึ่งมีลักษณะเด่นชัดคือ ตัวละครมวล ยังไงก็ตาม คุณสมบัตินี้เองที่ทำให้พวกเขาแตกต่างจาก "บทกวีอิสระ" ที่มุ่งไปสู่ชนชั้นสูง ซึ่งปรากฏในญี่ปุ่นเมื่อต้นศตวรรษที่ 20 ภายใต้อิทธิพลของกวีนิพนธ์ยุโรป

คุณสังเกตไหมว่าขั้นตอนของการพัฒนาวัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นนั้นมีหลายแง่มุม กวีนิพนธ์ในสังคมของประเทศนี้มีบทบาทพิเศษ ประเภทที่โด่งดังที่สุดประเภทหนึ่งคือไฮกุ คุณสามารถเข้าใจได้โดยทำความคุ้นเคยกับประวัติของมันเท่านั้น

ปรากฏครั้งแรกในยุคเฮอัน คล้ายกับแบบเรงกะซึ่งเป็นทางออกสำหรับกวีที่ต้องการหยุดพักจากบทประพันธ์ของวา ไฮไคได้กลายเป็น ประเภทอิสระในศตวรรษที่ 16 เมื่อเรงกะจริงจังเกินไปและไฮกุก็พึ่งพา ภาษาพูดและยังคงมีอารมณ์ขัน

แน่นอนว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของญี่ปุ่นได้รับการอธิบายสั้น ๆ ในหลาย ๆ งาน แต่เราจะพยายามพูดถึงรายละเอียดเพิ่มเติม เป็นที่ทราบกันดีว่าในยุคกลางประเภทวรรณกรรมญี่ปุ่นที่มีชื่อเสียงที่สุดประเภทหนึ่งคือ ทังกะ (“เพลงพูดน้อย”) ในกรณีส่วนใหญ่ นี่คือห้าบรรทัด ประกอบด้วยคู่ของบทที่มีจำนวนพยางค์ที่แน่นอน: 5-7-5 พยางค์ในสามบรรทัดของบทแรก และ 7-7 ในสองบรรทัดที่สอง สำหรับเนื้อหานั้น แทงกะใช้โครงร่างต่อไปนี้: บทแรกแสดงถึงภาพธรรมชาติที่เฉพาะเจาะจง และบทที่สองสะท้อนถึงความรู้สึกของบุคคลที่สะท้อนภาพนี้:

• บนภูเขาอันไกลโพ้น
  ไก่ฟ้าหางยาวหลับใน -
  ราตรีอันยาวไกลนี้
  ฉันสามารถนอนคนเดียวได้ไหม ( Kakinomoto no Hitovaro ต้นศตวรรษที่ 8 แปลโดย Sanovich.)

ละครญี่ปุ่น

หลายคนแย้งว่าวัฒนธรรมทางศิลปะของจีนและญี่ปุ่นนั้นน่าหลงใหล คุณชอบศิลปะการแสดงไหม? ละครแบบดั้งเดิมของดินแดนอาทิตย์อุทัยแบ่งออกเป็นโจรูริ (ละครหุ่นกระบอก) ละครโนห์ (เกียวเก็นและโยเกียวคุ) ละครคาบุกิ และชิงเงกิ ขนบธรรมเนียมของศิลปะนี้ประกอบด้วยประเภทการแสดงละครพื้นฐาน 5 ประเภท ได้แก่ เกียวเก็น โนะ บูกาคุ คาบุกิ และบุนราคุ ประเพณีทั้งห้านี้ยังคงมีอยู่ในปัจจุบัน แม้จะมีความแตกต่างกันอย่างมาก แต่ก็เชื่อมโยงกันด้วยหลักการทางสุนทรียะทั่วไปที่เป็นรากฐานของศิลปะญี่ปุ่น อย่างไรก็ตาม การแสดงละครของญี่ปุ่นเกิดขึ้นบนเวทีของ No.

โรงละครคาบุกิปรากฏขึ้นในศตวรรษที่ 17 และถึงจุดสูงสุดในปลายศตวรรษที่ 18 รูปแบบของการแสดงที่พัฒนาขึ้นในช่วงเวลาที่กำหนดจะถูกรักษาไว้บนเวทีสมัยใหม่ของคาบุกิ การผลิตของโรงละครนี้ ตรงกันข้ามกับเวทีของ No ซึ่งเน้นที่วงแคบๆ ของผู้ชื่นชมศิลปะโบราณ ได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมจำนวนมาก รากเหง้าของทักษะคาบุกิมีต้นกำเนิดมาจากการแสดงของนักแสดงตลก - นักแสดงตลกขนาดเล็ก ฉากที่ประกอบด้วยการเต้นรำและการร้องเพลง ทักษะการแสดงละครของคาบุกิได้ดูดซับองค์ประกอบของโจรุริและไม่ใช่

รูปลักษณ์ของโรงละครคาบูกิมีความเกี่ยวข้องกับชื่อของคนงานของเขตรักษาพันธุ์พุทธศาสนา O-Kuni ในเกียวโต (1603) O-Kuni แสดงบนเวทีด้วยการเต้นรำทางศาสนา ซึ่งรวมถึงการเคลื่อนไหวของการเต้นรำพื้นบ้านของ Nembutsu-odori การแสดงของเธอสลับกับการแสดงละครการ์ตูน ในขั้นตอนนี้ การผลิตเรียกว่า yujo-kabuki (คาบุกิของโสเภณี), o-kuni-kabuki หรือ onna-kabuki (คาบุกิของสตรี)

แกะสลัก

ในศตวรรษที่ผ่านมา ชาวยุโรปและชาวรัสเซียได้พบกับปรากฏการณ์ของศิลปะญี่ปุ่นผ่านการแกะสลัก ในขณะเดียวกันในดินแดนแห่งอาทิตย์อุทัยการวาดภาพบนต้นไม้ไม่ถือเป็นทักษะในตอนแรกแม้ว่ามันจะมีคุณสมบัติทั้งหมดของวัฒนธรรมมวลชน - ความถูกความพร้อมใช้งานการหมุนเวียน ผู้ที่ชื่นชอบภาพอุกิโยะสามารถบรรลุความชัดเจนสูงสุดและความเรียบง่ายทั้งในรูปแบบของแปลงและตัวเลือกของพวกเขา

ภาพอุกิโยะเป็นโรงเรียนสอนศิลปะพิเศษ ดังนั้นเธอจึงสามารถนำเสนอปรมาจารย์ที่โดดเด่นหลายคนได้ ดังนั้น ชื่อของ Hisikawa Moronobu (1618-1694) จึงมีความเกี่ยวข้องกับระยะเริ่มต้นของการพัฒนาลายแกะสลัก ในช่วงกลางศตวรรษที่ 18 ซูซูกิ ฮารุโนบุ ผู้เชี่ยวชาญด้านการแกะสลักหลากสีคนแรกได้สร้างขึ้น แรงจูงใจหลักของงานของเขาคือฉากโคลงสั้น ๆ ซึ่งไม่ได้ให้ความสนใจกับการกระทำ แต่เป็นการถ่ายทอดอารมณ์และความรู้สึก: ความรัก ความอ่อนโยน ความเศร้า เช่นเดียวกับศิลปะโบราณอันงดงามในยุคเฮอัน นักภาพอุกิโยะเอะได้รื้อฟื้นลัทธิที่ไม่ธรรมดาของความงามอันวิจิตรของผู้หญิงในสภาพแวดล้อมของเมืองที่ได้รับการปรับปรุงใหม่

ข้อแตกต่างเพียงอย่างเดียวคือแทนที่จะเป็นขุนนางสมัยเฮอันที่หยิ่งผยอง ภาพพิมพ์แสดงถึงเกอิชาผู้สง่างามจากย่านบันเทิงของเอโดะ ศิลปิน Utamaro (1753-1806) อาจเป็นตัวอย่างที่ไม่เหมือนใครของมืออาชีพในประวัติศาสตร์การวาดภาพ ผู้อุทิศผลงานสร้างสรรค์ของเขาอย่างเต็มที่ในการวาดภาพผู้หญิงในท่าทางและชุดต่างๆ ในสถานการณ์ชีวิตที่หลากหลาย หนึ่งในผลงานที่ดีที่สุดของเขาคือการแกะสลัก "Geisha Osama" ซึ่งเก็บไว้ในมอสโกในพิพิธภัณฑ์จิตรกรรมพุชกิน ศิลปินถ่ายทอดความสามัคคีของท่าทางและอารมณ์การแสดงออกทางสีหน้าอย่างละเอียดผิดปกติ

มังงะและอะนิเมะ

ศิลปินหลายคนพยายามศึกษาการวาดภาพของญี่ปุ่น อะนิเมะ (แอนิเมชั่นญี่ปุ่น) คืออะไร? มันแตกต่างจากแอนิเมชั่นประเภทอื่นโดยปรับให้เหมาะกับผู้ชมที่เป็นผู้ใหญ่มากกว่า ที่นี่มีการแบ่งซ้ำในรูปแบบที่ชัดเจน กลุ่มเป้าหมาย. ตัวชี้วัดความปิ๊งอยู่ที่เพศ อายุ หรือแนวจิตวิทยาของคนดู บ่อยครั้งที่อะนิเมะเป็นภาพยนตร์ที่ดัดแปลงมาจากการ์ตูนมังงะญี่ปุ่นซึ่งได้รับชื่อเสียงอย่างมากเช่นกัน

ส่วนพื้นฐานของมังงะได้รับการออกแบบมาสำหรับผู้ชมที่เป็นผู้ใหญ่ จากข้อมูลในปี 2545 ประมาณ 20% ของตลาดหนังสือญี่ปุ่นทั้งหมดถูกครอบครองโดยการ์ตูนมังงะ

ญี่ปุ่นอยู่ใกล้กับเราในทางภูมิศาสตร์ แต่ถึงกระนั้นก็ตาม เป็นเวลานานแล้วที่ยังคงไม่สามารถเข้าใจได้และไม่สามารถเข้าถึงได้จากทั้งโลก วันนี้เรารู้มากเกี่ยวกับประเทศนี้ การแยกตัวโดยสมัครใจเป็นเวลานานได้นำไปสู่ความจริงที่ว่าวัฒนธรรมของตนแตกต่างอย่างสิ้นเชิงจากวัฒนธรรมของรัฐอื่น

ญี่ปุ่นเป็นประเทศที่เล็กที่สุดในตะวันออกไกล - 372,000 ตารางกิโลเมตร แต่การมีส่วนร่วมที่ญี่ปุ่นสร้างไว้ในประวัติศาสตร์ของวัฒนธรรมโลกนั้นไม่น้อยไปกว่าการมีส่วนร่วมของรัฐโบราณที่ยิ่งใหญ่

ต้นกำเนิดของศิลปะของประเทศโบราณนี้มีอายุย้อนไปถึง 8 พันปีก่อนคริสต์ศักราช แต่ขั้นตอนที่สำคัญที่สุดในทุกด้านของมัน ชีวิตทางศิลปะมีระยะเวลาเริ่มตั้งแต่ศตวรรษที่ 6-7 ตั้งแต่สมัยร. และดำเนินต่อไปจนถึงกลางศตวรรษที่ 19 พัฒนาการของศิลปะญี่ปุ่นดำเนินไปอย่างไม่สม่ำเสมอ แต่ก็ไม่รู้ว่ามีการเปลี่ยนแปลงอย่างรวดเร็วหรือลดลงอย่างรวดเร็ว

ศิลปะญี่ปุ่นพัฒนาขึ้นในสภาพธรรมชาติและประวัติศาสตร์ที่พิเศษ ญี่ปุ่นตั้งอยู่บนเกาะใหญ่ 4 เกาะ (ฮอนชู ฮอกไกโด คิวชู และชิโอกุ) และเกาะเล็กๆ อีกจำนวนมาก เป็นเวลานานเธอเข้มแข็งและไม่รู้จักสงครามภายนอก ความใกล้ชิดของญี่ปุ่นกับแผ่นดินใหญ่ส่งผลกระทบต่อการสร้างการติดต่อกับจีนและเกาหลีในสมัยโบราณ สิ่งนี้ช่วยเร่งการพัฒนาศิลปะของญี่ปุ่น

ศิลปะยุคกลางของญี่ปุ่นเติบโตภายใต้อิทธิพลของวัฒนธรรมเกาหลีและจีน ญี่ปุ่นรับเอาอักษรจีนและคุณลักษณะของโลกทัศน์ของจีนมาใช้ ศาสนาพุทธกลายเป็นศาสนาประจำชาติของญี่ปุ่น แต่ชาวญี่ปุ่นหักเหในแบบของพวกเขาเอง ความคิดของจีนและนำมาปรับใช้ในวิถีชีวิตของตน

บ้านญี่ปุ่น ตกแต่งภายในแบบญี่ปุ่น
บ้านญี่ปุ่นมีความชัดเจนและเรียบง่ายจากภายในพอๆ กับภายนอก มันถูกรักษาความสะอาดอย่างต่อเนื่อง พื้นขัดเงาปูด้วยเสื่อฟางสีอ่อน - เสื่อทาทามิ แบ่งห้องออกเป็นสี่เหลี่ยมผืนผ้า รองเท้าถูกถอดไว้ที่บันไดหน้าประตู ของต่างๆ เก็บไว้ในตู้เสื้อผ้า ห้องครัวแยกจากห้องนั่งเล่น ตามกฎแล้วไม่มีสิ่งถาวรในห้อง พวกเขาถูกนำเข้ามาและนำออกไปตามความจำเป็น แต่ทุกสิ่งในห้องที่ว่างเปล่า ไม่ว่าจะเป็นดอกไม้ในแจกัน รูปภาพ หรือโต๊ะเครื่องเขิน ล้วนดึงดูดความสนใจและได้รับความรู้สึกพิเศษ

ศิลปะทุกประเภทเกี่ยวข้องกับการออกแบบพื้นที่ของบ้าน วัด พระราชวังหรือปราสาทในญี่ปุ่นยุคกลาง แต่ละคนทำหน้าที่เสริมซึ่งกันและกัน ตัวอย่างเช่น ช่อดอกไม้ที่เลือกสรรมาอย่างดีช่วยเสริมและกำหนดอารมณ์ที่สื่อถึงในการวาดภาพทิวทัศน์

ความแม่นยำที่ไร้ที่ติแบบเดียวกัน ความรู้สึกเดียวกันของวัสดุ เช่นเดียวกับการตกแต่งบ้านของญี่ปุ่น สัมผัสได้ในผลิตภัณฑ์ของศิลปะการตกแต่ง ในพิธีชงชานั้นไม่ได้ไร้เหตุผล เนื่องจากเป็นอัญมณีที่ยิ่งใหญ่ที่สุด จึงมีการใช้เครื่องใช้ที่ทำขึ้นด้วยมือ หม้อที่นุ่มและไม่เรียบของมันทำให้ร่องรอยของนิ้วที่ปั้นดินเหนียวเปียก เคลือบสีชมพูมุก, เทอร์ควอยซ์ - ไลแลคหรือเทา - น้ำเงินนั้นไม่จับใจ แต่พวกเขารู้สึกถึงความสดใสของธรรมชาติด้วยชีวิตที่เกี่ยวข้องกับศิลปะญี่ปุ่นทุกชิ้น

เครื่องปั้นดินเผาญี่ปุ่น
ภาชนะดินเผาที่ไม่เคลือบ ปั้นด้วยมือ และเผาที่อุณหภูมิต่ำ มีลักษณะคล้ายกับเซรามิกของชนชาติโบราณอื่นๆ แต่พวกเขามีคุณลักษณะที่เป็นเอกลักษณ์ของวัฒนธรรมญี่ปุ่นอยู่แล้ว ลวดลายของเหยือกและจานรูปทรงต่างๆ สะท้อนแนวคิดเกี่ยวกับองค์ประกอบของพายุเฮอริเคน ทะเล และภูเขาพ่นไฟ จินตนาการของผลิตภัณฑ์เหล่านี้ดูเหมือนจะได้รับการกระตุ้นโดยธรรมชาติ

เหยือกน้ำขนาดใหญ่สูงเกือบหนึ่งเมตรที่มีลวดลายมัดดินเหนียวติดอยู่ มีลักษณะคล้ายเปลือกหอยที่คดเคี้ยว หรือแนวปะการังที่แตกกิ่งก้านสาขา หรือสาหร่ายที่พันกันยุ่งเหยิง หรือขอบขรุขระของภูเขาไฟ แจกันและชามที่โอ่อ่าและยิ่งใหญ่เหล่านี้ไม่เพียงแต่ใช้ในบ้านเท่านั้น แต่ยังใช้ในพิธีกรรมด้วย แต่ในช่วงกลางของ 1 พันปีก่อนคริสต์ศักราช เครื่องสำริดเข้ามาใช้และเครื่องใช้เซรามิกหมดจุดประสงค์ในพิธีกรรม

ถัดจากเซรามิกส์ก็มีผลิตภัณฑ์ใหม่เกี่ยวกับงานฝีมือ - อาวุธ, เครื่องประดับ, ระฆังทองสัมฤทธิ์และกระจก

ของใช้ในบ้านของญี่ปุ่น
ในคริสต์ศตวรรษที่ 9 ถึง 12 รสนิยมของขุนนางญี่ปุ่นถูกเปิดเผยในศิลปะการตกแต่ง เครื่องเคลือบเรียบลื่น กันความชื้น โรยด้วยผงทองและเงิน บางเบาและสง่างาม ราวกับส่องแสงในห้องญี่ปุ่นยามพลบค่ำ และประกอบขึ้นเป็นของใช้ประจำวันมากมาย แลคเกอร์ถูกใช้เพื่อสร้างชามและโลงศพ หีบและโต๊ะ เครื่องดนตรี. สิ่งเล็ก ๆ น้อย ๆ ของวัดและชีวิตประจำวัน - มีดเงินสำหรับอาหาร, แจกันดอกไม้, กระดาษลวดลายสำหรับจดหมาย, เข็มขัดปัก - เผยให้เห็นทัศนคติทางกวีและอารมณ์ของชาวญี่ปุ่นต่อโลก

ภาพวาดญี่ปุ่น
ด้วยการพัฒนาสถาปัตยกรรมของพระราชวังที่ยิ่งใหญ่กิจกรรมของจิตรกรในโรงเรียนศาลจึงมีความกระตือรือร้นมากขึ้น ศิลปินต้องทาสีพื้นผิวขนาดใหญ่ไม่เพียงแค่ผนังเท่านั้น แต่ยังรวมถึงฉากพับกระดาษหลายพับด้วย ซึ่งทำหน้าที่เป็นทั้งภาพวาดและฉากกั้นแบบพกพาในห้อง คุณลักษณะของลักษณะที่สร้างสรรค์ของช่างฝีมือที่มีความสามารถคือการเลือกรายละเอียดภูมิทัศน์ขนาดใหญ่หลากสีบนระนาบอันกว้างใหญ่ของแผงผนังหรือหน้าจอ

องค์ประกอบของดอกไม้ สมุนไพร ต้นไม้ และนก แสดงโดย Kano Eitoku บนพื้นหลังสีทองที่ส่องประกายด้วยจุดหนาและชุ่มฉ่ำ เป็นแนวคิดทั่วไปเกี่ยวกับพลังและความงดงามของจักรวาล ตัวแทนของโรงเรียน Kano พร้อมด้วยลวดลายธรรมชาติรวมอยู่ในภาพวาดและหัวข้อใหม่ที่สะท้อนถึงชีวิตและความเป็นอยู่ของเมืองญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 16

นอกจากนี้ยังมีภาพทิวทัศน์ขาวดำบนหน้าจอพระราชวัง แต่พวกมันมีผลการตกแต่งที่ยอดเยี่ยม นั่นคือหน้าจอที่วาดโดยลูกศิษย์ของ Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610) จิตรกรตีความพื้นผิวด้านสีขาวว่าเป็นม่านหมอกหนา ซึ่งเงาของต้นสนแก่ก็แตกออกเช่นเดียวกับการมองเห็น ด้วยหยดหมึกหนาเพียงไม่กี่หยด โทฮาคุสร้างภาพแห่งบทกวีของป่าในฤดูใบไม้ร่วง

ม้วนกระดาษแนวนอนสีเดียวที่มีความสวยงามนุ่มนวลไม่สามารถเข้ากับสไตล์ของห้องในวังได้ แต่พวกเขายังคงความสำคัญในฐานะส่วนที่ขาดไม่ได้ของศาลาน้ำชา chashitsu ซึ่งออกแบบมาเพื่อสมาธิและความสงบทางจิตวิญญาณ

งานศิลปะของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นไม่เพียงแต่ยังคงความคงอยู่ของรูปแบบโบราณเท่านั้น แต่ยังมีสิ่งใหม่ๆ ในตัวเสมอ ซึ่งไม่มีงานศิลปะอื่นใดมี ในศิลปะญี่ปุ่นไม่มีที่สำหรับความคิดโบราณและแม่แบบ โดยธรรมชาติแล้วไม่มีการสร้างสรรค์ที่เหมือนกันทั้งหมดสองอย่าง และแม้กระทั่งในปัจจุบัน งานศิลปะของปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นก็ไม่สามารถสับสนกับงานศิลปะจากประเทศอื่นได้ ในศิลปะญี่ปุ่น เวลาเดินช้าลง แต่ไม่หยุดเดิน ในศิลปะญี่ปุ่น ประเพณีในสมัยโบราณยังคงอยู่มาจนถึงทุกวันนี้

« คลื่นขนาดใหญ่ในคานางาวะ" โดย Katsushika Hokusai (1760-1849) เป็นงานแกะสลักที่มีชื่อเสียงที่สุดชิ้นหนึ่งและเป็นแผ่นแรกของชุดภาพทิวทัศน์ฟูจิ 36 ภาพ ในช่วงต้นทศวรรษ 1830 Katsushika Hokusai ซึ่งได้รับมอบหมายจากสำนักพิมพ์ Eijudo ได้เริ่มสร้างชุดจำนวน 46 แผ่น (หลัก 36 แผ่นและเพิ่มเติม 10 แผ่น) และ The Great Wave off Kanagawa เป็นงานแกะสลักที่เปิดทั้งชุด

คอลเลกชันของงานแกะสลักดังกล่าวทำหน้าที่เป็น "การเดินทางเสมือนจริง" สำหรับชาวเมืองในเวลานั้นซึ่งเป็นวิธีที่สะดวกและราคาไม่แพงในการตอบสนองความอยากรู้อยากเห็น ภาพพิมพ์ที่เหมือนฟูจิมีราคาประมาณ 20 จันทร์ ซึ่งเท่ากับบะหมี่สองส่วนในร้านอาหารญี่ปุ่นสมัยนั้น อย่างไรก็ตาม ความสำเร็จนั้นยิ่งใหญ่มาก จนในปี 1838 ราคาผ้าปูที่นอนของ Hokusai เพิ่มขึ้นเป็นเกือบ 50 จันทร์ และหลังจากการมรณกรรมของอาจารย์ Wave เพียงอย่างเดียวก็ได้รับการพิมพ์ซ้ำจากกระดานใหม่มากกว่า 1,000 ครั้ง

น่าแปลกที่แม้เนื้อหาของซีรีส์ทั้งหมดจะกล่าวถึง แต่ฟูจิใน The Wave ก็ดูเหมือนจะมีบทบาทรองลงมา "ตัวละคร" หลักในการแกะสลักนี้คือคลื่น และในเบื้องหน้าฉากที่น่าทึ่งของการต่อสู้ของมนุษย์กับองค์ประกอบต่างๆ ขอบของยอดโฟมดูเหมือนนิ้วที่บิดเบี้ยวของปีศาจที่โกรธเกรี้ยวที่ยอดเยี่ยม และการไร้ใบหน้าและไร้การใช้งานของร่างมนุษย์ในเรือทำให้ไม่ต้องสงสัยเลยว่าใครจะเป็นผู้ชนะในการต่อสู้ครั้งนี้ อย่างไรก็ตาม ไม่ใช่การเผชิญหน้าที่เป็นความขัดแย้งที่สร้างโครงเรื่องของการแกะสลัก
ด้วยการหยุดช่วงเวลาที่เรือล่ม โฮะคุไซทำให้ผู้ชมมองเห็นฟูจิชั่วครู่กับท้องฟ้าสีเทาที่มืดลงตรงขอบฟ้า แม้ว่าช่างแกะสลักชาวญี่ปุ่นจะคุ้นเคยกับหลักการของมุมมองเชิงเส้นและมุมมองทางอากาศของยุโรปอยู่แล้ว แต่พวกเขาก็ไม่รู้สึกว่าจำเป็นต้องใช้เทคนิคนี้ พื้นหลังสีเข้มรวมถึงการเดินทางไกลของสายตาจากเบื้องหน้าด้วยเรือที่แล่นผ่านคลื่นไปยังฟูจิ โน้มน้าวสายตาว่าภูเขาศักดิ์สิทธิ์ถูกแยกออกจากเราโดยทะเลที่กว้างใหญ่

ภูเขาไฟฟูจิตั้งตระหง่านอยู่ห่างไกลจากฝั่งเพื่อเป็นสัญลักษณ์ของความมั่นคงและความมั่นคง ซึ่งตรงกันข้ามกับองค์ประกอบที่มีพายุ ความเป็นเอกภาพและการพึ่งพาซึ่งกันและกันของสิ่งที่ตรงกันข้ามเป็นรากฐานของแนวคิดเรื่องระเบียบจักรวาลและความกลมกลืนอย่างแท้จริงในโลกทัศน์ของตะวันออกไกล และพวกเขาเองที่กลายเป็นธีมหลักของการแกะสลัก "The Great Wave off Kanagawa" ซึ่งเปิดซีรีส์โดย คัตสึชิกะ โฮคุไซ.

"ความงาม Nanivaya Okita" โดย Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) สามารถเรียกได้อย่างถูกต้องว่าเป็นนักร้อง ความงามของผู้หญิงในการพิมพ์ภาษาญี่ปุ่น ukiyo-e: เขาสร้างภาพความงามแบบญี่ปุ่นจำนวนหนึ่ง ( บิจิงะ) - ผู้อาศัยในโรงน้ำชาและย่านบันเทิงโยชิวาระที่มีชื่อเสียงในเอโดะ เมืองหลวงของญี่ปุ่น เอโดะ — ชื่อโตเกียวจนถึงปี 1868.

ในการแกะสลักบิจินกะ ทุกสิ่งไม่ใช่สิ่งที่ผู้ดูสมัยใหม่ดูเหมือน ตามกฎแล้วสตรีผู้สูงศักดิ์ที่แต่งตัวหรูหรามีส่วนร่วมในงานฝีมือที่น่าละอายและเป็นของชนชั้นล่างและการแกะสลักด้วยภาพเหมือนของความงามมีหน้าที่โฆษณาอย่างเปิดเผย ในเวลาเดียวกันการแกะสลักไม่ได้ให้ความคิดเกี่ยวกับรูปลักษณ์ของหญิงสาวและแม้ว่า Okita จากโรงน้ำชา Nanivaya ใกล้วัด Asakusa ถือเป็นความงามครั้งแรกของเอโดะ แต่ใบหน้าของเธอในการแกะสลักก็คือ ไร้ซึ่งความเป็นปัจเจกบุคคลโดยสิ้นเชิง

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 10 ภาพผู้หญิงในศิลปะญี่ปุ่นอยู่ภายใต้หลักการของความเรียบง่าย "เส้นตา จมูกงุ้ม" - เทคนิค ฮิเมะ-คากิฮานะอนุญาตให้ศิลปินระบุเพียงว่าผู้หญิงบางคนถูกพรรณนา: ในวัฒนธรรมดั้งเดิมของญี่ปุ่น ประเด็นเรื่องความงามทางกายภาพมักถูกละเว้น ในผู้หญิง การเกิดอันสูงส่ง"ความงามของหัวใจ" และการศึกษามีค่ามากกว่ามากและผู้อยู่อาศัยในย่านที่ร่าเริงพยายามที่จะเลียนแบบมาตรฐานสูงสุดในทุกสิ่ง อุทามาโระกล่าวว่าโอคิตะมีความสวยงามอย่างแท้จริง

แผ่นงาน "Beauty Nanivaya Okita" พิมพ์ในปี พ.ศ. 2338-2339 ในซีรีส์เรื่อง "Famous Beauties Likened to Six Immortal Poets" ซึ่งนักเขียนคนหนึ่งในศตวรรษที่ 9 ได้กล่าวถึงความงามแต่ละอย่าง บนกระดาษที่มีรูปเหมือนของโอคิตะที่มุมซ้ายบนมีรูปของอาริวาระ โนะ นาริฮิระ (825-880) หนึ่งในกวีที่ได้รับความนับถือมากที่สุดในญี่ปุ่น ผู้ซึ่งนวนิยายเรื่องอิเสะ โมโนกาตาริมีที่มาจากนิยายดั้งเดิม ขุนนางผู้สูงศักดิ์และกวีที่เก่งคนนี้ก็มีชื่อเสียงในเรื่องรัก ๆ ใคร่ ๆ ของเขาซึ่งบางส่วนเป็นพื้นฐานของนวนิยายเรื่องนี้

แผ่นนี้เป็นการใช้เทคนิคเฉพาะ เลียนแบบ(การเปรียบเทียบ) ในการแกะสลักของญี่ปุ่น คุณสมบัติของ "ต้นแบบ" ที่มีอำนาจนั้นถูกถ่ายโอนไปยังความงามที่ปรากฎ และโสเภณีที่สง่างามซึ่งมีใบหน้าที่สงบเสงี่ยมพร้อมเสิร์ฟชาแก่แขก ผู้ชมอ่านอยู่แล้วว่าเป็นสตรีผู้มีทักษะในบทกวีและการกระทำเกี่ยวกับความรัก การเปรียบเทียบกับอาริวาระ โนะ นาริฮิระถือเป็นการยอมรับอย่างแท้จริงถึงความเหนือกว่าของเธอในหมู่สาวงามเอโดะ

ในขณะเดียวกัน อุทามาโระก็สร้างภาพลักษณ์ที่เป็นโคลงสั้น ๆ ได้อย่างน่าประหลาดใจ สร้างสมดุลของจุดมืดและสว่างบนใบไม้และร่างโครงร่างด้วยเส้นสายที่ไพเราะและสง่างาม เขาสร้างภาพแห่งความสง่างามและความกลมกลืนที่สมบูรณ์แบบอย่างแท้จริง "การโฆษณา" ลดลง และความงามที่อุทามาโระจับได้นั้นยังคงไร้กาลเวลา

ภาพยนตร์เรื่อง "Irises" โดย Ogata Korin ในปี 1710

ม่านตาไก่ 6 แผงคู่หนึ่ง ซึ่งปัจจุบันเป็นสมบัติของชาติญี่ปุ่น สร้างขึ้นโดย Ogata Korin (1658-1716) ประมาณปี 1710 สำหรับวัด Nishi Hongan-ji ในเกียวโต

ตั้งแต่ศตวรรษที่ 16 ภาพวาดบนแผ่นผนังและฉากกั้นกระดาษได้กลายเป็นหนึ่งในแนวศิลปะการตกแต่งในญี่ปุ่น และ Ogata Korin ผู้ก่อตั้งโรงเรียนศิลปะ Rinpa ก็เป็นหนึ่งในปรมาจารย์ที่ยิ่งใหญ่ที่สุด

หน้าจอในการตกแต่งภายในของญี่ปุ่นมีบทบาทสำคัญ พระราชวังที่กว้างขวางมีโครงสร้างไม่แตกต่างจากที่อยู่อาศัยของชาวญี่ปุ่นทั่วไป พวกเขาแทบไม่มีผนังภายใน และพื้นที่ถูกแบ่งโซนด้วยฉากกั้นแบบพับได้ สูงเพียง 1 เมตรครึ่งเล็กน้อย มุ้งลวดได้รับการออกแบบมาสำหรับประเพณีทั่วไปของญี่ปุ่นที่ทุกชนชั้นอาศัยอยู่บนพื้น ในญี่ปุ่น เก้าอี้สูงและโต๊ะไม่ได้ใช้จนถึงศตวรรษที่ 19 และความสูงของหน้าจอรวมถึงองค์ประกอบของภาพวาดนั้นได้รับการออกแบบมาสำหรับมุมมองของคนที่นั่งคุกเข่า ด้วยมุมมองนี้ทำให้เกิดเอฟเฟกต์ที่น่าอัศจรรย์: ไอริสดูเหมือนจะล้อมรอบคนที่นั่ง - และคน ๆ หนึ่งสามารถรู้สึกว่าตัวเองอยู่บนฝั่งแม่น้ำล้อมรอบด้วยดอกไม้

ไอริสถูกทาสีในลักษณะที่ไม่ใช่รูปร่าง - เกือบจะเป็นแนวอิมเพรสชันนิสต์ ลายเส้นกว้างของสีน้ำเงินเข้ม ไลแลค และอุบาทว์สีม่วงสื่อถึงความงดงามอันเขียวชอุ่มของดอกไม้ชนิดนี้ เอฟเฟ็กต์ที่งดงามได้รับการเสริมแต่งด้วยชิมเมอร์สีทองหม่นๆ ซึ่งตัดกับไอริส หน้าจอไม่ได้แสดงอะไรนอกจากดอกไม้ แต่เส้นเชิงมุมของการเจริญเติบโตแสดงให้เห็นว่าดอกไม้โค้งงอไปตามเส้นทางที่คดเคี้ยวของแม่น้ำหรือสะพานไม้ที่คดเคี้ยวไปมา เป็นเรื่องปกติที่ชาวญี่ปุ่นจะเห็นสะพานขาดหายไปจากหน้าจอ ซึ่งเป็น "สะพานแปดแผ่น" แบบพิเศษ ( ยาสึฮาชิ) ที่เกี่ยวข้องกับไอริสในคลาสสิก วรรณกรรมญี่ปุ่น. นวนิยายเรื่อง Ise Monogatari (ศตวรรษที่ 9) กล่าวถึงการเดินทางอันน่าเศร้าของวีรบุรุษที่ถูกขับไล่ออกจากเมืองหลวง หลังจากนั่งลงกับผู้ติดตามของเขาเพื่อพักผ่อนบนฝั่งแม่น้ำใกล้กับสะพาน Yatsuhashi ฮีโร่เห็นดอกไอริสจำที่รักของเขาและแต่งบทกวี:

ที่รักของฉันในเสื้อผ้า
สง่างามในเมืองหลวง
รักเหลือ...
และฉันคิดด้วยความปรารถนาว่าเท่าไหร่
ฉันอยู่ไกลจากเธอ... แปลโดย N.I. Konrad

“เขาจึงพับผ้า และทุกคนก็หลั่งน้ำตาบนข้าวแห้งของตน เพื่อให้มันพองตัวด้วยความชื้น” ผู้เขียนกล่าวเสริมและ พระเอกโคลงสั้น ๆการเล่าเรื่อง Arivara no Narihira

สำหรับชาวญี่ปุ่นที่มีการศึกษา ความเชื่อมโยงระหว่างดอกไอริสข้างสะพานกับอิเสะ โมโนกาตาริ ดอกไอริสกับธีมของความรักที่แยกจากกันนั้นชัดเจน และโอกาตะ โครินจะหลีกเลี่ยงการใช้คำฟุ่มเฟื่อยและภาพประกอบ ด้วยความช่วยเหลือของภาพวาดตกแต่ง เขาสร้างพื้นที่ในอุดมคติที่เต็มไปด้วยแสง สี และความหมายทางวรรณกรรมเท่านั้น

ศาลาทองคินคะคุจิ เกียวโต 1397

วัดทองเป็นหนึ่งในสัญลักษณ์ของญี่ปุ่น ซึ่งแดกดันได้รับการยกย่องจากการทำลายล้างมากกว่าการก่อสร้าง ในปี 1950 พระที่มีอาการคุ้มดีคุ้มร้ายแห่งวัด Rokuonji ซึ่งเป็นที่ตั้งของอาคารแห่งนี้ ได้จุดไฟเผาสระน้ำที่อยู่บนพื้นผิวของวัด
ศาลา ในช่วงที่เกิดไฟไหม้ในปี พ.ศ. 2493 วัดเกือบถูกทำลาย งานบูรณะใน Kinkaku-ji เริ่มขึ้นในปี 1955 ในปี 1987 การก่อสร้างใหม่โดยรวมเสร็จสมบูรณ์ แต่การบูรณะการตกแต่งภายในที่หายไปทั้งหมดยังคงดำเนินต่อไปจนถึงปี 2003. แรงจูงใจที่แท้จริงของการกระทำของเขายังไม่ชัดเจน แต่ในการตีความของนักเขียน Yukio Mishima ความงามที่เกือบจะลึกลับของวัดนี้ไม่สามารถบรรลุได้ แท้จริงแล้ว วัดคินคะคุจิถือเป็นตัวอย่างความงามแบบญี่ปุ่นมาเป็นเวลาหลายศตวรรษ

ในปี 1394 โชกุนอาชิคางะ โยชิมิสึ (1358-1408) ผู้ซึ่งพิชิตญี่ปุ่นเกือบทั้งหมดตามความประสงค์ของเขา ได้เกษียณอย่างเป็นทางการและตั้งรกรากอยู่ในวิลลาที่สร้างขึ้นโดยเฉพาะทางตอนเหนือของเกียวโต อาคารสามชั้นบนทะเลสาบเทียม Kyokoti ("กระจกทะเลสาบ") มีบทบาทเหมือนอาศรม ศาลาเงียบสงบสำหรับการพักผ่อน อ่านหนังสือ และสวดมนต์ เป็นที่เก็บภาพวาดของโชกุน ห้องสมุด และวัตถุโบราณทางพุทธศาสนา Kinkakuji ตั้งอยู่บนผืนน้ำใกล้ชายฝั่ง มีเรือติดต่อกับชายฝั่งเท่านั้น และเป็นเกาะเดียวกับเกาะเทียมที่มีหินและต้นสนกระจายอยู่รอบๆ Kyokoti แนวคิดของ "เกาะแห่งสวรรค์" นั้นยืมมาจากตำนานจีนซึ่งในนั้น ที่พำนักแห่งสวรรค์ทำหน้าที่เป็นเกาะเผิงไหล เกาะแห่งอมตะ ภาพสะท้อนของศาลากลางน้ำได้กระตุ้นให้ชาวพุทธเกิดความคิดเกี่ยวกับธรรมชาติลวงตาของโลกมนุษย์ ซึ่งเป็นเพียงภาพสะท้อนที่ซีดเซียวของความงดงามของโลกความจริงทางพุทธศาสนา

แม้ว่าเสียงหวือหวาตามตำนานเหล่านี้จะเป็นการคาดเดา แต่ตำแหน่งของศาลาก็ให้ความกลมกลืนและกลมกลืนอย่างน่าทึ่ง การสะท้อนจะซ่อนความเตี้ยของอาคาร ทำให้สูงและบางลง ในเวลาเดียวกันมันเป็นความสูงของศาลาที่ทำให้สามารถมองเห็นได้จากริมฝั่งสระใด ๆ เสมอกับพื้นหลังสีเขียวเข้ม

อย่างไรก็ตาม ยังไม่เป็นที่แน่ชัดว่าศาลาหลังนี้ในรูปแบบเดิมเป็นสีทองเพียงใด อาจเป็นไปได้ว่าภายใต้ Ashikaga Yoshimitsu มันถูกปิดด้วยทองคำเปลวและชั้นเคลือบเงา แต่ถ้าคุณเชื่อในภาพถ่ายของศตวรรษที่ 19 - ต้นศตวรรษที่ 20 และ Yukio Mishima จากนั้นในช่วงกลางศตวรรษที่ 20 การปิดทองก็เกือบจะลอกออกและยังคงมองเห็นได้เฉพาะที่ชั้นบนของอาคารเท่านั้น เวลานี้เขาสัมผัสวิญญาณด้วยมนต์เสน่ห์แห่งความอ้างว้าง ร่องรอยแห่งกาลเวลา ไม่ย่อท้อต่อสิ่งสวยงามที่สุด เสน่ห์เศร้าโศกนี้สอดคล้องกับหลักสุนทรียศาสตร์ ซาบีเคารพอย่างสูงในวัฒนธรรมญี่ปุ่น

ไม่ทางใดก็ทางหนึ่ง ความสง่างามของอาคารหลังนี้ไม่ได้ทำด้วยทองคำเลย ความงดงามของรูปทรงของวัดคินคะคุจิและความกลมกลืนอย่างไร้ที่ติกับภูมิทัศน์ทำให้ที่นี่เป็นหนึ่งในผลงานชิ้นเอกของสถาปัตยกรรมญี่ปุ่น

ชาม "ไอริส" ในรูปแบบของ karatsu ศตวรรษที่ 16-17

คำ เมบุตสึ- สิ่งที่มีชื่อ ชามนี้มีชื่อจริง ๆ เท่านั้นเนื่องจากไม่เป็นเช่นนั้น เวลาที่แน่นอนและสถานที่สร้างและชื่อของเจ้านายก็ไม่ได้รับการเก็บรักษาไว้ อย่างไรก็ตาม มันได้รับการขึ้นทะเบียนเป็นหนึ่งในสมบัติประจำชาติของญี่ปุ่น และเป็นหนึ่งในตัวอย่างที่ชัดเจนที่สุดของเซรามิกในสไตล์ประจำชาติ

ปลายศตวรรษที่ 16 พิธีชงชา ชา-โนะ-ยุเครื่องลายครามและเซรามิกจีนชั้นดีที่ถูกทิ้งร้างด้วยการเคลือบที่ชวนให้นึกถึงวัสดุล้ำค่า ความงามอันน่าตื่นตาของพวกเขาดูประดิษฐ์เกินไปและตรงไปตรงมาสำหรับปรมาจารย์ด้านชา สิ่งของที่สมบูรณ์แบบและมีราคาแพง - ชาม ภาชนะใส่น้ำ และถังใส่ชา - ไม่สอดคล้องกับหลักปฏิบัติทางจิตวิญญาณของพุทธศาสนานิกายเซ็น ซึ่งเกือบจะเป็นจิตวิญญาณของพิธีชงชา การปฏิวัติวงการชาอย่างแท้จริงคือการหันมาสนใจเครื่องปั้นดินเผาของญี่ปุ่น ซึ่งเรียบง่ายกว่าและไร้ศิลปะมากในช่วงเวลาที่โรงงานในญี่ปุ่นเพิ่งเริ่มเชี่ยวชาญในเทคโนโลยีเครื่องปั้นดินเผาแบบยุโรป

รูปร่างของชามไอริสนั้นเรียบง่ายและไม่สม่ำเสมอ ความโค้งเล็กน้อยของผนัง รอยบุบของช่างปั้นที่มองเห็นได้ทั่วร่างกายทำให้ชามดูไร้เดียงสา เศษดินถูกเคลือบด้วยแสงเคลือบด้วยเครือข่ายรอยแตก - craquelure ที่ด้านหน้าซึ่งกล่าวถึงแขกในระหว่างพิธีชงชา มีการใช้ภาพม่านตาภายใต้การเคลือบ: ภาพวาดนั้นดูไร้เดียงสา แต่ใช้พู่กันที่มีพลัง ราวกับอยู่ในการเคลื่อนไหวเดียวในจิตวิญญาณของเซน การประดิษฐ์ตัวอักษร ดูเหมือนว่าทั้งรูปแบบและการตกแต่งสามารถทำได้โดยธรรมชาติและไม่ต้องใช้กองกำลังพิเศษ

ความเป็นธรรมชาตินี้สะท้อนให้เห็นถึงอุดมคติ วาบิ- ความเรียบง่ายและความไร้ศิลปะทำให้เกิดความรู้สึกอิสระทางจิตวิญญาณและความสามัคคี บุคคลใดก็ตามหรือแม้แต่วัตถุที่ไม่มีชีวิตในมุมมองของสาวกชาวญี่ปุ่นที่นับถือศาสนาพุทธนิกายเซนล้วนมีธรรมชาติที่ตรัสรู้ของพระพุทธเจ้า และความพยายามของผู้เชี่ยวชาญก็มุ่งเป้าไปที่การค้นพบธรรมชาตินี้ในตัวเขาเองและโลกรอบตัวเขา สิ่งของที่ใช้ในพิธีชงชาสำหรับความซุ่มซ่ามทั้งหมดของพวกเขาควรทำให้เกิดประสบการณ์ที่ลึกซึ้งของความจริง ความเกี่ยวข้องของทุกช่วงเวลา ถูกบังคับให้มองดูรูปแบบธรรมดาที่สุดและเห็นความงามที่แท้จริงในตัวพวกเขา

สิ่งที่ตรงกันข้ามกับพื้นผิวหยาบของชามและความเรียบง่ายคือการบูรณะด้วยเครื่องเคลือบสีทองที่บิ่นเล็กน้อย (เทคนิคนี้เรียกว่า คินสึกิ). การบูรณะดำเนินการในศตวรรษที่ 18 และแสดงให้เห็นถึงความเคารพซึ่งปรมาจารย์ชาชาวญี่ปุ่นปฏิบัติต่อเครื่องใช้ในพิธีชงชา ดังนั้น พิธีชงชาจึงเป็น "หนทาง" ให้ผู้ร่วมงานได้ค้นพบความงามที่แท้จริงของสิ่งต่างๆ เช่น ชามดอกไอริส ความไม่ชัดเจน ความลับ ได้กลายเป็นพื้นฐานของแนวคิดสุนทรียะของวาบิและเป็นส่วนสำคัญของโลกทัศน์ของญี่ปุ่น

ภาพพระกันต์ซิน, นารา, 763

ในศตวรรษที่ 8 ประติมากรรมได้กลายเป็นรูปแบบหลักในการแสดงออกทางศิลปะในยุคนั้น ยุคนารา (ค.ศ. 710-794) ซึ่งเกี่ยวข้องกับการก่อตัวของรัฐญี่ปุ่นและการเสริมสร้างความเข้มแข็งของพุทธศาสนา ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นได้ผ่านขั้นตอนการฝึกงานและการเลียนแบบเทคนิคและภาพแบบคอนติเนนตัลแบบตาบอดแล้วและเริ่มแสดงจิตวิญญาณแห่งเวลาของพวกเขาอย่างอิสระและชัดเจนในงานประติมากรรม การแผ่ขยายและเติบโตของอำนาจของพระพุทธศาสนาทำให้เกิดภาพประติมากรรมทางพุทธศาสนาขึ้น

หนึ่งในผลงานชิ้นเอกของประเภทนี้คือภาพเหมือนของ Gandzin ซึ่งสร้างขึ้นในปี 763 ทำด้วยเทคนิคเครื่องเคลือบแห้ง (โดยเคลือบแลคเกอร์เป็นชั้น ๆ บนโครงไม้ที่หุ้มด้วยผ้า) ประติมากรรมเกือบจะ ขนาดชีวิตได้รับการทาสีเหมือนจริง และในความมืดมิดของวัด กันจินนั่งอยู่ในท่าทำสมาธิ "ราวกับมีชีวิต" ความเหมือนจริงนี้เป็นหน้าที่หลักของลัทธิดังกล่าว: ครูต้องอยู่ภายในกำแพงของวัดโทไดจิในเมืองนาราเสมอและเข้าร่วมพิธีศักดิ์สิทธิ์ที่สำคัญที่สุด

ต่อมาในศตวรรษที่ 11-13 ประติมากรรมภาพเหมือนกลายเป็นภาพลวงตาที่แทบจะไร้ความปรานี แสดงให้เห็นความชราภาพที่ไม่แข็งแรงของครูบาอาจารย์ ปากที่ยุบ แก้มหย่อนคล้อย และรอยเหี่ยวย่นลึก ภาพบุคคลเหล่านี้มองดูผู้นับถือศาสนาพุทธด้วยดวงตาที่มีชีวิต ฝังด้วยหินคริสตัลและไม้ แต่ใบหน้าของ Gandzin ดูพร่ามัว ไม่มีโครงร่างที่ชัดเจนและรูปร่างที่ชัดเจนอยู่ในนั้น เปลือกตาของตาที่ปิดครึ่งหนึ่งและไม่มีเปลือกตาจะบวม ปากที่ตึงและร่องแก้มลึกแสดงถึงความระมัดระวังเป็นนิสัยมากกว่าการทำสมาธิ

คุณลักษณะทั้งหมดเหล่านี้เผยให้เห็นชีวประวัติอันน่าทึ่งของนักบวชผู้นี้ เรื่องราวของการบำเพ็ญตบะที่น่าอัศจรรย์และโศกนาฏกรรม กันจิน พระสงฆ์ชาวจีนได้รับเชิญไปญี่ปุ่นเพื่อร่วมพิธีถวายวัดโทไดจิ วัดใหญ่ที่สุดของนารา เรือลำนี้ถูกโจรสลัดจับ คัมภีร์ล้ำค่าและประติมากรรมทางพุทธศาสนาที่มีไว้สำหรับวัดญี่ปุ่นที่อยู่ห่างไกลถูกไฟไหม้ กันจินเผาใบหน้าของเขาและสูญเสียการมองเห็น แต่เขาไม่ได้ละทิ้งความปรารถนาที่จะเทศนาในเขตชานเมืองอันไกลโพ้นของอารยธรรมนั่นคือวิธีที่ญี่ปุ่นรับรู้โดยทวีปในเวลานั้น

ความพยายามอีกหลายครั้งที่จะข้ามทะเลก็จบลงด้วยวิธีที่ไม่ประสบความสำเร็จเช่นเดียวกัน และในความพยายามครั้งที่ห้า Ganjin วัยกลางคนตาบอดและป่วยก็มาถึงเมืองหลวงของญี่ปุ่นที่นารา

ในญี่ปุ่น Ganjin ไม่ได้สอนพุทธบัญญัติเป็นเวลานาน: เหตุการณ์ที่น่าทึ่งในชีวิตของเขาบั่นทอนสุขภาพของเขา แต่อำนาจของเขานั้นสูงมากจนบางทีก่อนที่เขาจะเสียชีวิตก็มีการตัดสินใจสร้างประติมากรรมของเขา ไม่ต้องสงสัยเลยว่าศิลปิน - พระพยายามที่จะให้ประติมากรรมมีความคล้ายคลึงกับแบบจำลองมากที่สุดเท่าที่จะเป็นไปได้ แต่นี่ไม่ใช่เพื่อรักษารูปลักษณ์ภายนอกของบุคคล แต่เพื่อบันทึกประสบการณ์ทางจิตวิญญาณของแต่ละคน เส้นทางที่ยากลำบากที่ Ganjin เดินผ่านและคำสอนทางพุทธศาสนาเรียกว่า

Daibutsu - พระใหญ่แห่งวัด Todaiji, Nara, กลางศตวรรษที่ 8

ในช่วงกลางศตวรรษที่ 8 ญี่ปุ่นประสบกับภัยพิบัติทางธรรมชาติและโรคระบาด แผนอุบายของตระกูลฟูจิวาระที่มีอิทธิพลและการก่อจลาจลที่พวกเขาหยิบยกขึ้นมาบีบให้จักรพรรดิโชมุต้องหนีออกจากเมืองหลวงซึ่งก็คือเมืองนารา เมื่อถูกเนรเทศเขาสาบานว่าจะปฏิบัติตามแนวทางของคำสอนทางพุทธศาสนาและในปี 743 สั่งให้เริ่มสร้างวัดหลักของประเทศและเริ่มหล่อมหึมา รูปปั้นทองสัมฤทธิ์พระพุทธไวโรจนะ (พระพุทธมหาอาทิตย์ หรือ แสงสว่างทั้งปวง) เทพองค์นี้ถือเป็นอวตารสากลของพระพุทธเจ้าศากยมุนี ผู้ก่อตั้งคำสอนทางพุทธศาสนา และควรจะเป็นผู้คุ้มครองจักรพรรดิและทั้งประเทศในช่วงที่เกิดความไม่สงบและการจลาจล

งานเริ่มขึ้นในปี 745 และจำลองมาจากพระพุทธรูปองค์ใหญ่ในวัดถ้ำหลงเหมินใกล้เมืองหลวงของจีน ลั่วหยาง รูปปั้นในนาราก็เหมือนกับพระพุทธรูปอื่นๆ ที่ควรจะแสดง "สัญญาณขนาดใหญ่และขนาดเล็กของพระพุทธเจ้า" ศีลสัญลักษณ์นี้ประกอบด้วยติ่งหูยาว ซึ่งชวนให้นึกถึงข้อเท็จจริงที่ว่าพระศากยมุนีพุทธเจ้ามาจากตระกูลขุนนางและตั้งแต่เด็กยังสวมตุ้มหูหนักๆ สูงบนพระเศียร (อัชนิชา) มีจุดบนหน้าผาก (โกศ)

ความสูงของรูปปั้นคือ 16 เมตร ความกว้างของใบหน้าคือ 5 เมตร ความยาวฝ่ามือที่ยื่นออกมาคือ 3.7 เมตร และโกศใหญ่กว่าหัวคน การก่อสร้างใช้ทองแดง 444 ตัน ดีบุก 82 ตัน และทองคำจำนวนมาก การค้นหาดำเนินการเป็นพิเศษในภาคเหนือของประเทศ มีการสร้างห้องโถง Daibutsuden รอบรูปปั้นเพื่อปกป้องศาลเจ้า ในพื้นที่เล็กๆ นั้น พระพุทธรูปนั่งค้อมศีรษะเล็กน้อยอยู่เต็มพื้นที่ แสดงให้เห็นหนึ่งในหลักสัจธรรมของพุทธศาสนา นั่นคือแนวคิดที่ว่าเทพมีอยู่ทุกหนทุกแห่งและแผ่ซ่านไปทั่ว โอบกอดและเติมเต็มทุกสิ่ง ความสงบอันยอดเยี่ยมของใบหน้าและท่าทางของหัตถ์ของเทพ (mudra ท่าทางของการให้ความคุ้มครอง) เติมเต็มความรู้สึกของความยิ่งใหญ่ที่เงียบสงบและพลังของพระพุทธเจ้า

อย่างไรก็ตาม ปัจจุบันรูปปั้นดั้งเดิมเหลืออยู่เพียงไม่กี่ชิ้น: ไฟและสงครามสร้างความเสียหายอย่างใหญ่หลวงต่อรูปปั้นในศตวรรษที่ 12 และ 16 และรูปปั้นสมัยใหม่ส่วนใหญ่เป็นการหล่อในศตวรรษที่ 18 ระหว่างการบูรณะในศตวรรษที่ 18 รูปปั้นทองสัมฤทธิ์ไม่ได้ปิดทองอีกต่อไป ความกระตือรือร้นทางพุทธศาสนาของจักรพรรดิโชมุในศตวรรษที่ 8 ทำให้คลังสมบัติหมดไปและทำให้ประเทศที่ตื่นตระหนกตกใจแทบหมดสิ้น และผู้ปกครองคนต่อมาก็ไม่สามารถจ่ายเงินที่เกินควรเช่นนี้ได้อีกต่อไป

อย่างไรก็ตาม ความสำคัญของ Daibutsu นั้นไม่ได้อยู่ที่ทองคำหรือแม้แต่ในความถูกต้องที่เชื่อถือได้ - ความคิดที่ว่าศูนย์รวมคำสอนทางพุทธศาสนาที่ยิ่งใหญ่เช่นนี้เป็นอนุสรณ์สถานแห่งยุคที่ศิลปะอนุสรณ์ของญี่ปุ่นได้เบ่งบานอย่างแท้จริง ปลดปล่อยตัวเองจาก การคัดลอกตัวอย่างทวีปแบบตาบอดและบรรลุความสมบูรณ์และการแสดงออกซึ่งสูญหายไปในภายหลัง

ชาวญี่ปุ่นได้ค้นพบความงามที่ซ่อนอยู่ในสิ่งต่างๆ ในศตวรรษที่ 9-12 ในยุคเฮอัน (794-1185) และถึงกับกำหนดแนวคิดพิเศษว่า “โมโนไม่รู้” (物の哀れ (もののあわれ)) ซึ่งแปลว่า “ เสน่ห์ที่น่าเศร้าของสิ่งต่าง ๆ “เสน่ห์ของสิ่งต่าง ๆ” เป็นหนึ่งในคำจำกัดความของความงามในวรรณคดีญี่ปุ่นในยุคแรก ๆ มันเชื่อมโยงกับความเชื่อของศาสนาชินโตที่ว่าทุกสิ่งมีเทพเจ้า - คามิ - และเสน่ห์เฉพาะตัวของมันเอง อาวาเรเป็นแก่นแท้ภายในของสิ่งต่าง ๆ ซึ่งทำให้เกิดความสุข ความตื่นเต้น

- Washi (วาซี) หรือ wagami (วากามิ)
การทำกระดาษด้วยมือ. วาชิในยุคกลางของญี่ปุ่นให้ความสำคัญกับคุณสมบัติในการใช้งานจริงเท่านั้น แต่ยังรวมถึงความสวยงามด้วย เธอมีชื่อเสียงในด้านความละเอียดอ่อนเกือบโปร่งใสซึ่งไม่ได้กีดกันความแข็งแกร่งของเธอ วาชิทำมาจากเปลือกของต้นโคโซ (ต้นหม่อน) และต้นไม้อื่นๆ
กระดาษ Washi ได้รับการเก็บรักษาไว้เป็นเวลาหลายศตวรรษ หลักฐานของสิ่งนี้คืออัลบั้มและเล่มของการเขียนพู่กันแบบญี่ปุ่นโบราณ ภาพวาด หน้าจอ และงานแกะสลักที่สืบทอดมาหลายศตวรรษจนถึงปัจจุบัน
กระดาษของ Vasya เป็นเส้นใย หากคุณมองผ่านกล้องจุลทรรศน์ คุณจะเห็นรอยแตกที่อากาศและแสงแดดทะลุผ่าน คุณภาพนี้ใช้ในการผลิตฉากกั้นและโคมไฟแบบญี่ปุ่นดั้งเดิม
ของที่ระลึกจากวาชิเป็นที่นิยมมากในหมู่ชาวยุโรป สิ่งของขนาดเล็กและมีประโยชน์มากมายทำจากกระดาษนี้: กระเป๋าสตางค์ ซองจดหมาย พัดลม มีความทนทานแต่น้ำหนักเบา

- โกเฮ
ยันต์จากแถบกระดาษ. Gohei - ไม้เท้าพิธีกรรมของนักบวชชินโตซึ่งติดแถบกระดาษซิกแซก กระดาษแถบเดียวกันนี้แขวนไว้ที่ทางเข้าศาลเจ้าชินโต บทบาทของกระดาษในศาสนาชินโตนั้นมีมาแต่ดั้งเดิมแล้ว และผลิตภัณฑ์กระดาษก็ได้รับเสมอมา ความหมายลึกลับ. และความเชื่อที่ว่าทุกสิ่ง ทุกปรากฏการณ์ แม้กระทั่งคำพูดก็มีคามิ - เทพเจ้า - อธิบายการเกิดขึ้นของศิลปะประยุกต์ประเภทต่างๆ เช่น โกเฮ ลัทธิชินโตค่อนข้างคล้ายกับลัทธินอกศาสนาของเรา สำหรับลัทธิชินโต คามิยินดีเป็นอย่างยิ่งที่จะพำนักอยู่ในสิ่งที่ไม่ปกติ ตัวอย่างเช่นบนกระดาษ และยิ่งกว่านั้นในโกเฮที่บิดเป็นฟันปลาที่สลับซับซ้อนซึ่งแขวนอยู่หน้าทางเข้าศาลเจ้าชินโตในปัจจุบันและบ่งบอกถึงการมีอยู่ของเทพในวัด มี 20 วิธีในการพับโกเฮ และวิธีพับที่ผิดปกติเป็นพิเศษจะดึงดูดคามิ โกเฮมีสีขาวเป็นส่วนใหญ่ แต่ก็ยังพบสีทอง เงิน และเฉดสีอื่นๆ อีกมากมาย ตั้งแต่ศตวรรษที่ 9 เป็นต้นมา มีธรรมเนียมในญี่ปุ่นที่จะเสริมความแข็งแกร่งให้กับโกเฮบนเข็มขัดของนักมวยปล้ำซูโม่ก่อนเริ่มการต่อสู้

- อาเนซามะ.
นี่คือการผลิตตุ๊กตากระดาษ ในศตวรรษที่ 19 ภรรยาซามูไรทำตุ๊กตากระดาษให้เด็กๆ เล่น โดยแต่งตัวให้พวกเขาด้วยเสื้อผ้าต่างๆ ในช่วงเวลาที่ไม่มีของเล่น อเนสซามะเป็นเพียงคู่สนทนาสำหรับเด็ก โดย "แสดง" บทบาทของแม่ พี่สาว ลูก และเพื่อน
ตุ๊กตาพับจากกระดาษวาชิของญี่ปุ่น ขนทำจากกระดาษย่น ย้อมด้วยหมึก และเคลือบด้วยกาวซึ่งทำให้มันเงา คุณลักษณะที่โดดเด่นคือจมูกเล็ก ๆ ที่ดีบนใบหน้าที่ยาว ทุกวันนี้ ของเล่นธรรมดาๆ นี้ที่ไม่ต้องการอะไรนอกจากมือที่มีทักษะ ในรูปแบบดั้งเดิม ยังคงทำในลักษณะเดียวกับเมื่อก่อน

- โอริกามิ
ศิลปะการพับกระดาษแบบโบราณ (折り紙, มีความหมายว่า: "กระดาษพับ") ศิลปะการพับกระดาษมีรากฐานมาจากจีนโบราณ ซึ่งเป็นที่ที่กระดาษถูกประดิษฐ์ขึ้น ในขั้นต้น Origami ใช้ในพิธีกรรมทางศาสนา เป็นเวลานานแล้วที่ศิลปะประเภทนี้มีให้เฉพาะกับตัวแทนของชนชั้นสูงซึ่งสัญลักษณ์ของรสนิยมที่ดีคือการครอบครองเทคนิคการพับกระดาษ หลังจากสงครามโลกครั้งที่สอง Origami ไปไกลกว่าตะวันออกและมาถึงอเมริกาและยุโรปซึ่งพบแฟน ๆ ในทันที Origami แบบคลาสสิกพับจากกระดาษแผ่นสี่เหลี่ยม
มีสัญลักษณ์ทั่วไปชุดหนึ่งที่จำเป็นในการร่างโครงร่างการพับของผลิตภัณฑ์ที่ซับซ้อนที่สุด สัญญาณทั่วไปส่วนใหญ่ถูกนำไปปฏิบัติในกลางศตวรรษที่ 20 โดย Akira Yoshizawa ปรมาจารย์ชาวญี่ปุ่นผู้มีชื่อเสียง
Origami แบบคลาสสิกกำหนดให้ใช้กระดาษสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่มีสีเท่ากันหนึ่งแผ่นโดยไม่ต้องใช้กาวและกรรไกร โมเดิร์นฟอร์มศิลปะบางครั้งเบี่ยงเบนไปจากหลักการนี้

- คิริงามิ.
คิริงามิเป็นศิลปะการตัดรูปทรงต่างๆ จากแผ่นกระดาษที่พับหลายๆ ครั้งด้วยความช่วยเหลือของกรรไกร โอริกามิประเภทหนึ่งที่อนุญาตให้ใช้กรรไกรและตัดกระดาษในขั้นตอนการสร้างแบบจำลอง นี่คือข้อแตกต่างหลักระหว่างคิริงามิกับเทคนิคการพับกระดาษอื่นๆ ซึ่งเน้นในชื่อ: 切る (คิรุ) - ตัด, 紙 (กามิ) - กระดาษ เราทุกคนชอบที่จะตัดเกล็ดหิมะในวัยเด็ก - แตกต่างจาก kirigami คุณสามารถตัดได้ไม่เพียงแค่เกล็ดหิมะเท่านั้น แต่ยังสามารถใช้เทคนิคนี้ตัดรูปทรงดอกไม้พวงมาลัยและกระดาษน่ารักอื่น ๆ ได้ ผลิตภัณฑ์เหล่านี้สามารถใช้เป็นสเตนซิลสำหรับงานพิมพ์ ตกแต่งอัลบั้ม โปสการ์ด กรอบรูป ออกแบบแฟชั่น ออกแบบภายใน และตกแต่งอื่นๆ

- อิเคบานะ.
อิเคบานะ (ญี่ปุ่น 生け花 หรือ いけばな) แปลมาจาก ภาษาญี่ปุ่น- ike" - ชีวิต "bana" - ดอกไม้หรือ "ดอกไม้ที่มีชีวิต" ศิลปะการจัดดอกไม้ของญี่ปุ่นเป็นหนึ่งในประเพณีที่งดงามที่สุดของชาวญี่ปุ่น เมื่อรวบรวมอิเคบานะพร้อมกับดอกไม้ จะใช้กิ่งก้าน ใบ และยอด หลักการพื้นฐานคือความเรียบง่ายที่งดงามเพื่อให้บรรลุซึ่งพวกเขาพยายามเน้นความงามตามธรรมชาติของพืช อิเคบานะคือการสร้างรูปแบบใหม่ตามธรรมชาติ ซึ่งความงามของดอกไม้และความงามของจิตวิญญาณของปรมาจารย์ที่สร้างสรรค์องค์ประกอบนั้นผสมผสานกันอย่างกลมกลืน
วันนี้ในญี่ปุ่นมี 4 โรงเรียนหลักของ ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu) นอกจากนี้ยังมีทิศทางและแนวโน้มที่แตกต่างกันประมาณพันแห่งซึ่งเป็นไปตามหนึ่งในโรงเรียนเหล่านี้

- โอริบาน่า.
ในช่วงกลางศตวรรษที่ 17 โรงเรียนสองแห่งของโอฮาระ (รูปแบบหลักของอิเคบานะ - โอริบานะ) และโคริว (รูปแบบหลัก - เสก) ออกจากอิเคโนโบะ อย่างไรก็ตาม โรงเรียนโอฮาระยังคงศึกษาเฉพาะโอริบานุเท่านั้น ดังที่ชาวญี่ปุ่นกล่าวไว้ มันสำคัญมากที่พับกระดาษจะไม่กลายเป็นโอริกามิ Gomi แปลว่าขยะในภาษาญี่ปุ่น ท้ายที่สุดคุณพับกระดาษแล้วจะทำอย่างไรกับมัน? Oribana เสนอไอเดียมากมายสำหรับช่อดอกไม้สำหรับตกแต่งภายใน โอริบานะ = โอริกามิ + อิเคบานะ

- ความผิดพลาด.
น. ศิลปกรรมประเภทหนึ่งที่เกิดจากการจัดดอกไม้. การจัดดอกไม้ปรากฏขึ้นในประเทศของเราเมื่อแปดปีที่แล้ว แม้ว่าจะมีอยู่ในญี่ปุ่นมานานกว่าหกร้อยปีแล้วก็ตาม ในช่วงยุคกลาง ซามูไรเข้าใจวิถีแห่งนักรบ และโอชิบานะก็เป็นส่วนหนึ่งของเส้นทางนั้น เช่นเดียวกับการเขียนอักษรอียิปต์โบราณและกวัดแกว่งดาบ ความหมายของความผิดพลาดคือในสภาพของการมีอยู่จริงในขณะนั้น (ซาโตริ) อาจารย์ได้สร้างภาพดอกไม้แห้ง (ดอกไม้อัด) จากนั้นภาพนี้สามารถใช้เป็นกุญแจนำทางสำหรับผู้ที่พร้อมที่จะเข้าสู่ความเงียบและสัมผัสกับ satori เดียวกัน
แก่นแท้ของศิลปะของ "โอชิบานะ" คือการรวบรวมและตากแห้งดอกไม้ สมุนไพร ใบไม้ เปลือกไม้ ภายใต้แรงกดและติดไว้บนฐาน ผู้เขียนสร้างงาน "จิตรกรรม" อย่างแท้จริงด้วยความช่วยเหลือของพืช กล่าวอีกนัยหนึ่งผิดคือการวาดภาพด้วยพืช
ความคิดสร้างสรรค์ทางศิลปะของนักจัดดอกไม้ขึ้นอยู่กับการรักษารูปแบบ สี และพื้นผิวของวัสดุจากพืชแห้ง ชาวญี่ปุ่นได้พัฒนาเทคนิคในการปกป้องภาพวาด "โอชิบานะ" จากการซีดจางและมืดลง สาระสำคัญคืออากาศจะถูกสูบออกระหว่างกระจกกับรูปภาพ และสร้างสุญญากาศเพื่อป้องกันไม่ให้ต้นไม้เน่าเสีย
มันไม่เพียงดึงดูดความแปลกใหม่ของศิลปะนี้เท่านั้น แต่ยังรวมถึงโอกาสในการแสดงจินตนาการ รสนิยม ความรู้เกี่ยวกับคุณสมบัติของพืช นักจัดดอกไม้สร้างเครื่องประดับ ทิวทัศน์ หุ่นนิ่ง ภาพบุคคล และภาพวาดเรื่องราว

- บอนไซ
บอนไซเป็นปรากฏการณ์ปรากฏขึ้นเมื่อกว่าพันปีที่แล้วในประเทศจีน แต่วัฒนธรรมนี้ถึงจุดสูงสุดของการพัฒนาในญี่ปุ่นเท่านั้น (บอนไซ - ภาษาญี่ปุ่น 盆栽 มีความหมายว่า "ปลูกในกระถาง") - ศิลปะในการปลูกต้นไม้จำลองขนาดย่อส่วน ต้นไม้เหล่านี้ปลูกโดยพระสงฆ์เมื่อหลายศตวรรษก่อนยุคของเรา และต่อมาได้กลายเป็นหนึ่งในกิจกรรมของขุนนางในท้องถิ่น
บอนไซประดับบ้านและสวนสไตล์ญี่ปุ่น ในยุคโทคุกาวะ การออกแบบสวนสาธารณะได้รับแรงผลักดันใหม่: การปลูกชวนชมและต้นเมเปิลกลายเป็นงานอดิเรกของผู้มีอันจะกิน การผลิตพืชแคระ (hachi-no-ki - "ต้นไม้ในกระถาง") ก็พัฒนาเช่นกัน แต่บอนไซในสมัยนั้นมีขนาดใหญ่มาก
ตอนนี้ต้นไม้ธรรมดาถูกนำมาใช้สำหรับบอนไซ พวกมันมีขนาดเล็กลงเนื่องจากการตัดแต่งกิ่งอย่างต่อเนื่องและวิธีการอื่นๆ ในขณะเดียวกัน อัตราส่วนของขนาดของระบบราก ซึ่งจำกัดโดยปริมาตรของชาม และส่วนพื้นดินของบอนไซนั้นสอดคล้องกับสัดส่วนของต้นไม้โตเต็มวัยในธรรมชาติ

- มิซึฮิกิ.
อะนาล็อก Macrame นี่คือศิลปะประยุกต์ของญี่ปุ่นโบราณในการผูกเงื่อนต่าง ๆ จากเชือกพิเศษและสร้างลวดลายจากพวกมัน งานศิลปะดังกล่าวมีขอบเขตที่กว้างมากตั้งแต่บัตรของขวัญและจดหมายไปจนถึงทรงผมและกระเป๋าถือ ปัจจุบัน มิซูฮิกิถูกใช้อย่างแพร่หลายในอุตสาหกรรมของขวัญ - สำหรับทุกเหตุการณ์ในชีวิต ของขวัญควรได้รับการห่อและผูกด้วยวิธีที่เฉพาะเจาะจง มีเงื่อนและองค์ประกอบมากมายในศิลปะของมิซูฮิกิ และไม่ใช่ว่าชาวญี่ปุ่นทุกคนจะรู้จักมันทั้งหมดด้วยหัวใจ แน่นอนว่ามีเงื่อนทั่วไปและเรียบง่ายที่ใช้บ่อยที่สุด: สำหรับการแสดงความยินดีกับการเกิดของเด็ก, งานแต่งงานหรืองานฉลอง, วันเกิดหรือการรับเข้ามหาวิทยาลัย

- คุมิฮิโมะ.
Kumihimo เป็นสายถักของญี่ปุ่น เมื่อทอด้ายจะได้รับริบบิ้นและเชือกผูกรองเท้า เชือกเหล่านี้ทอด้วยเครื่องจักรพิเศษ - Marudai และ Takadai เครื่อง Marudai ใช้สำหรับการทอเชือกรองเท้าแบบกลม และ Takadai สำหรับการทอแบบแบน คุมิฮิโมะในภาษาญี่ปุ่นหมายถึง "การสานเชือก" (คุมิ - การทอ, การพับเข้าด้วยกัน, ฮิโมะ - เชือก, ลูกไม้) แม้ว่านักประวัติศาสตร์จะยืนกรานอย่างดื้อรั้นว่าการทอผ้าแบบเดียวกันนี้สามารถพบได้ในหมู่ชาวสแกนดิเนเวียและชาวเทือกเขาแอนดีส แต่ศิลปะญี่ปุ่นของคุมิฮิโมะก็เป็นหนึ่งในประเภทการทอผ้าที่เก่าแก่ที่สุด การกล่าวถึงครั้งแรกมีอายุย้อนไปถึงปี 550 ซึ่งเป็นช่วงที่ศาสนาพุทธเผยแผ่ไปทั่วญี่ปุ่นและต้องมีพิธีพิเศษที่ต้องมีการประดับตกแต่งเป็นพิเศษ ต่อมา เชือกผูกคุมิฮิโมะเริ่มถูกใช้เป็นตัวยึดเข็มขัดโอบิบนชุดกิโมโนของผู้หญิง เป็นเชือกสำหรับ "บรรจุ" คลังแสงของซามูไรทั้งหมด (ซามูไรใช้คุมิฮิโมะเพื่อวัตถุประสงค์ในการตกแต่งและการใช้งานเพื่อผูกชุดเกราะและชุดเกราะม้า) และ สำหรับผูกของหนักด้วย
คุมิฮิโมะสมัยใหม่มีลวดลายหลากหลายที่ถักทออย่างง่ายๆ บนเครื่องทอกระดาษแข็งแบบโฮมเมด

- โคโมโน
กิโมโนที่เหลืออยู่หลังจากหมดเวลาแล้ว? คุณคิดว่ามันจะถูกโยนทิ้งไปหรือเปล่า? ไม่มีอะไรแบบนี้! ชาวญี่ปุ่นจะไม่ทำเช่นนั้น ชุดกิโมโนมีราคาแพง เป็นเรื่องที่คิดไม่ถึงและเป็นไปไม่ได้เลยที่จะทิ้งมันไปแบบนั้น... นอกเหนือจากการรีไซเคิลชุดกิโมโนประเภทอื่นๆ แล้ว ช่างฝีมือหญิงยังทำของที่ระลึกเล็กๆ น้อยๆ จากเศษชิ้นเล็กๆ เหล่านี้เป็นของเล่นขนาดเล็กสำหรับเด็ก ตุ๊กตา เข็มกลัด พวงมาลัย เครื่องประดับสตรี และสินค้าอื่น ๆ กิโมโนแบบเก่าใช้ในการผลิตสิ่งน่ารักขนาดเล็ก ซึ่งเรียกรวมกันว่า "โคโมโน" สิ่งละอันพันละน้อยที่จะดำเนินชีวิตของตนเองสืบต่อวิถีแห่งกิโมโน นี่คือความหมายของคำว่า "โคโมโน"

- คันซาชิ.
ศิลปะการตกแต่งกิ๊บติดผม (ส่วนใหญ่มักประดับด้วยดอกไม้ (ผีเสื้อ ฯลฯ) ทำจากผ้า (ส่วนใหญ่เป็นผ้าไหม) คันซาชิของญี่ปุ่น (kanzashi) เป็นกิ๊บยาวสำหรับทรงผมผู้หญิงญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม ทำจากไม้ แล็กเกอร์ กระดองเต่าสีเงินที่ใช้ในทรงผมแบบจีนและญี่ปุ่นแบบดั้งเดิม เมื่อประมาณ 400 ปีก่อน ในญี่ปุ่น รูปแบบทรงผมของผู้หญิงเปลี่ยนไป ผู้หญิงเลิกหวีผมแบบดั้งเดิม - ทาเรกามิ (ผมตรงยาว) และเริ่มจัดแต่งทรงที่ซับซ้อน และรูปแบบที่แปลกประหลาด - nihongami ใช้สิ่งของต่าง ๆ - กิ๊บติดผม, แท่ง, หวีตอนนั้นแม้แต่หวีหวี kushi ธรรมดาก็กลายเป็นเครื่องประดับที่สง่างามของความงามที่ไม่ธรรมดาซึ่งกลายเป็นงานศิลปะที่แท้จริงเครื่องแต่งกายแบบดั้งเดิมของผู้หญิงญี่ปุ่นไม่ได้ อนุญาตเครื่องประดับข้อมือและสร้อยคอ ดังนั้นการตกแต่งทรงผมจึงเป็นความงามหลักและฟิลด์สำหรับการแสดงออกถึงตัวตน - เช่นเดียวกับการแสดงรสนิยมและความหนาของกระเป๋า เหมือนเจ้าของ คุณจะเห็นได้จากลายสลัก - หากคุณดูอย่างใกล้ชิด - ผู้หญิงญี่ปุ่นแขวนคันซาชิราคาแพงถึงยี่สิบตัวในทรงผมได้อย่างง่ายดาย
ปัจจุบัน ประเพณีการใช้คันซาชิเริ่มฟื้นคืนชีพในหมู่หญิงสาวชาวญี่ปุ่นที่ต้องการเพิ่มความซับซ้อนและความสง่างามให้กับทรงผม ปิ่นปักผมสมัยใหม่สามารถประดับด้วยดอกไม้ทำมืออันโอชะเพียงหนึ่งหรือสองดอก

- คินุไซกะ
งานเย็บปักถักร้อยที่น่าทึ่งจากประเทศญี่ปุ่น Kinusaiga (絹彩画) เป็นลูกผสมระหว่างผ้าบาติกและการเย็บปะติดปะต่อ แนวคิดหลักคือภาพวาดใหม่ถูกปะติดปะต่อจากชุดกิโมโนไหมเก่า ซึ่งเป็นงานศิลปะที่แท้จริง
ขั้นแรกให้ศิลปินร่างภาพบนกระดาษ จากนั้นภาพวาดนี้จะถูกถ่ายโอนไปยังกระดานไม้ รูปร่างของลวดลายถูกตัดผ่านร่องหรือร่อง จากนั้นเศษเล็กเศษน้อยที่เข้ากันกับสีและโทนสีจะถูกตัดออกจากกิโมโนไหมเก่า และขอบของเศษเหล่านี้จะเติมเต็มร่อง เมื่อคุณดูภาพดังกล่าว คุณจะรู้สึกว่าคุณกำลังดูภาพถ่าย หรือแม้แต่ดูทิวทัศน์นอกหน้าต่าง ภาพเหล่านี้ดูสมจริงมาก

- เทมาริ
ลูกบอลเหล่านี้เป็นลูกบอลปักรูปทรงเรขาคณิตแบบดั้งเดิมของญี่ปุ่นที่เย็บอย่างง่าย ซึ่งครั้งหนึ่งเคยเป็นของเล่นเด็ก และปัจจุบันได้กลายเป็นรูปแบบศิลปะที่มีแฟนๆ จำนวนมาก ไม่เพียงแต่ในญี่ปุ่นเท่านั้นแต่ทั่วโลก เชื่อกันว่าเมื่อนานมาแล้ว ผลิตภัณฑ์เหล่านี้ถูกผลิตขึ้นโดยภรรยาซามูไรเพื่อความบันเทิง ในตอนแรกพวกเขาถูกใช้เป็นลูกบอลสำหรับเกมบอล แต่ค่อยๆ พวกเขาเริ่มได้รับองค์ประกอบทางศิลปะและต่อมาก็เปลี่ยนเป็นเครื่องประดับตกแต่ง ความสวยงามที่ละเอียดอ่อนของลูกบอลเหล่านี้เป็นที่รู้จักไปทั่วประเทศญี่ปุ่น และในปัจจุบัน ผลิตภัณฑ์ที่มีสีสันและประดิษฐ์ขึ้นอย่างพิถีพิถันเป็นหนึ่งในประเภทของงานฝีมือพื้นบ้านในญี่ปุ่น

- ยูบินิกิ
ปลอกนิ้วญี่ปุ่นเมื่อเย็บหรือปักด้วยมือพวกเขาจะวางบนกลุ่มกลางของนิ้วกลางของมือทำงานด้วยความช่วยเหลือของปลายนิ้วเข็มจะได้รับทิศทางที่ต้องการและเข็มจะถูกดันผ่านวงแหวนที่อยู่ตรงกลาง นิ้วในการทำงาน ในขั้นต้นปลอกนิ้วยูบินูกิของญี่ปุ่นทำขึ้นอย่างเรียบง่าย - แถบผ้าหรือหนังที่มีความหนาแน่นสูงประมาณ 1 ซม. กว้างหลายชั้นพันรอบนิ้วให้แน่นและยึดเข้าด้วยกันด้วยการเย็บตกแต่งง่ายๆ เนื่องจากยูบินุคเป็น เรื่องที่จำเป็นในบ้านทุกหลังเริ่มตกแต่งด้วยการปักลายเรขาคณิตด้วยเส้นไหม จากการร้อยเรียงสลับกันจนเกิดเป็นลวดลายที่มีสีสันและซับซ้อน ยูบินูกิจากของใช้ในบ้านธรรมดาๆ ได้กลายเป็นวัตถุสำหรับ "ชื่นชม" ประดับชีวิตประจำวัน
ยูบินูกิยังคงใช้ในงานเย็บผ้าและงานปัก แต่สามารถพบเห็นได้ทั่วไปเมื่อสวมใส่บนมือหรือนิ้วใดก็ได้ เช่น แหวนประดับ งานปักสไตล์ยูบินูกิใช้ในการตกแต่งสิ่งของต่างๆ ในรูปแบบของแหวน - แหวนผ้าเช็ดปาก, กำไล, ขาตั้งเทมาริ ตกแต่งด้วยงานปักยูบินูกิ และยังมีเตียงเข็มปักในสไตล์เดียวกัน ลวดลายยูบินุกิสามารถเป็นแรงบันดาลใจที่ดีสำหรับการปักผ้าเทมาริโอบี

- ซุยโบคุกะ หรือ ซุมิเอะ
ภาพวาดหมึกญี่ปุ่น. ภาพวาดสไตล์จีนนี้ถูกนำมาใช้โดยศิลปินชาวญี่ปุ่นในศตวรรษที่ 14 และปลายศตวรรษที่ 15 กลายเป็นกระแสหลักของการวาดภาพในญี่ปุ่น ซุยโบกุกะเป็นภาพขาวดำ โดดเด่นด้วยการใช้หมึกดำ (sumi) ซึ่งเป็นรูปแบบทึบ ถ่านหรือทำจากเขม่าหมึกจีนบดในหม้อหมึก เจือจางน้ำ แล้วทาด้วยพู่กันกับกระดาษหรือไหม ขาวดำนำเสนอตัวเลือกโทนสีที่ไม่รู้จบซึ่งชาวจีนรู้จักมานานว่าเป็น "สี" ของหมึก บางครั้งซุยโบกุกะอนุญาตให้ใช้สีจริงได้ แต่จำกัดให้ใช้เส้นบางและโปร่งแสงซึ่งมักจะรองลงมาจากเส้นหมึกเสมอ การวาดภาพด้วยหมึกมีส่วนร่วมกับศิลปะการเขียนพู่กัน เช่น ลักษณะที่สำคัญ เช่น การแสดงออกที่ควบคุมอย่างเข้มงวด และความเชี่ยวชาญด้านเทคนิคของรูปแบบ คุณภาพของการวาดภาพด้วยหมึกลดลง เช่นเดียวกับการประดิษฐ์ตัวอักษร ความสมบูรณ์และความทนทานต่อการฉีกขาดของเส้นที่วาดด้วยหมึก ซึ่งยังคงรักษางานศิลปะไว้กับตัวเอง เช่นเดียวกับกระดูกที่ยึดเนื้อเยื่อไว้บนตัวมันเอง

- เอเทงามิ.
โปสการ์ดที่วาด (e - รูปภาพ, แท็ก - จดหมาย) โดยทั่วไปแล้วการทำโปสการ์ดด้วยตัวเองเป็นกิจกรรมที่ได้รับความนิยมอย่างมากในญี่ปุ่น และก่อนวันหยุดเทศกาลจะได้รับความนิยมเพิ่มมากขึ้น ชาวญี่ปุ่นชอบส่งโปสการ์ดให้เพื่อนๆ และพวกเขาก็ชอบที่จะได้รับเช่นกัน นี่คือจดหมายด่วนประเภทหนึ่งบนช่องว่างพิเศษ สามารถส่งทางไปรษณีย์โดยไม่ต้องใส่ซองจดหมาย ไม่ใช่ในเอเทงามิ กฎพิเศษหรือช่างเทคนิคสามารถเป็นบุคคลใดก็ได้โดยไม่ต้องมีการฝึกอบรมพิเศษ Etagami ช่วยถ่ายทอดอารมณ์ ความประทับใจ เป็นโปสการ์ดทำมือประกอบด้วยรูปภาพและจดหมายสั้นๆ สื่ออารมณ์ต่างๆ ของผู้ส่ง เช่น ความอบอุ่น ความรัก ความห่วงใย ความรัก เป็นต้น พวกเขาส่งไปรษณียบัตรเหล่านี้สำหรับวันหยุดและในทำนองนั้น โดยแสดงภาพฤดูกาล กิจกรรม ผักและผลไม้ ผู้คนและสัตว์ ยิ่งภาพนี้วาดง่ายเท่าไหร่ ก็ยิ่งดูน่าสนใจมากขึ้นเท่านั้น

- ฟุโรชิกิ.
เทคนิคการห่อแบบญี่ปุ่นหรือศิลปะการพับผ้า Furoshiki เข้าสู่ชีวิตชาวญี่ปุ่นมาช้านาน หนังสือม้วนโบราณจากยุคคามาคุระ-มุโรมาจิ (ค.ศ. 1185 - 1573) ได้รับการเก็บรักษาไว้โดยมีภาพสตรีถือห่อผ้าที่ห่อด้วยผ้าไว้บนศีรษะ เทคนิคที่น่าสนใจนี้เกิดขึ้นตั้งแต่ช่วง ค.ศ. 710 - 794 ในประเทศญี่ปุ่น คำว่า "ฟุโรชิกิ" แปลตรงตัวว่า "พรมอาบน้ำ" และเป็นผ้าสี่เหลี่ยมจัตุรัสที่ใช้ห่อและพกพาสิ่งของทุกรูปทรงและขนาด
ในสมัยก่อน เป็นเรื่องปกติที่จะเดินเล่นในห้องอาบน้ำแบบญี่ปุ่น (ฟุโระ) ในชุดกิโมโนผ้าฝ้ายเนื้อเบา ซึ่งผู้มาเยือนนำติดตัวมาจากบ้าน ผู้อาบน้ำยังนำพรมพิเศษ (ชิกิ) ที่เขายืนขณะเปลื้องผ้ามาด้วย หลังจากเปลี่ยนเป็นชุดกิโมโน "อาบน้ำ" แล้ว ผู้มาเยี่ยมก็ห่อเสื้อผ้าของเขาไว้ในพรม และหลังจากอาบน้ำก็ห่อกิโมโนเปียกไว้ในพรมเพื่อนำกลับบ้าน ดังนั้นพรมเช็ดเท้าจึงกลายเป็นกระเป๋าสารพัดประโยชน์
ฟุโรชิกิใช้งานง่ายมาก: ผ้าจะปรับรูปร่างของวัตถุที่คุณห่อ และที่จับช่วยให้ถือของได้ง่าย นอกจากนี้ ของขวัญที่ไม่ได้ห่อด้วยกระดาษแข็งแต่เป็นผ้าเนื้อนุ่มหลายชั้น ให้ความรู้สึกพิเศษ มีหลายรูปแบบสำหรับการพับ furoshiki สำหรับทุกโอกาส ทุกวันหรือเทศกาล

- อามิกุรุมิ
ศิลปะการถักนิตติ้งหรือการถักตุ๊กตาสัตว์ขนาดเล็กและสัตว์คล้ายมนุษย์ของญี่ปุ่น Amigurumi (編み包み, จากความหมาย: “ถัก-ห่อ”) ส่วนใหญ่มักจะเป็นสัตว์น่ารัก (เช่น หมี กระต่าย แมว สุนัข ฯลฯ) ผู้ชายตัวเล็กๆ แต่พวกมันก็สามารถเป็นวัตถุที่ไม่มีชีวิตซึ่งมีคุณสมบัติของมนุษย์ได้เช่นกัน ตัวอย่างเช่น คัพเค้ก หมวก กระเป๋าถือ และอื่นๆ Amigurumi ถักหรือถักหรือโครเชต์ เมื่อเร็ว ๆ นี้ amigurumi โครเชต์ได้กลายเป็นที่นิยมและแพร่หลายมากขึ้น
ถักจากเส้นด้ายด้วยวิธีถักแบบง่าย - เป็นเกลียวและไม่เหมือนกับวิธีการถักแบบยุโรป วงกลมมักจะไม่เชื่อมต่อกัน พวกเขายังโครเชต์ในขนาดที่เล็กกว่าเมื่อเทียบกับความหนาของเส้นด้ายเพื่อสร้างผ้าที่มีความหนาแน่นสูงโดยไม่มีช่องว่างให้บรรจุออกมา Amigurumi มักจะทำจากชิ้นส่วนต่างๆ แล้วนำมาประกอบกัน ยกเว้น Amigurumi บางตัวที่ไม่มีแขนขา แต่มีเพียงหัวและลำตัวซึ่งเป็นหนึ่งเดียว แขนขาบางครั้งเต็มไปด้วยชิ้นพลาสติกเพื่อให้มีน้ำหนักขณะที่ส่วนที่เหลือของร่างกายเต็มไปด้วยเส้นใย
ความสวยงามของอะมิกุรุมิที่แพร่กระจายออกไปได้รับการอำนวยความสะดวกด้วยความน่ารักของพวกมัน (“คาวาอิ”)