Dünya tiyatrolarının bale topluluklarının adı. Balenin Kısa Tarihi
Yayınlar bölümü Tiyatrolar
Ünlü Rus baleleri. En iyi 5
Klasik bale, olgun Rönesans döneminde İtalya'da doğmuş, Fransa'ya "taşınmış", Dans Akademisi'nin kurulması ve birçok hareketin kodlanması da dahil olmak üzere gelişiminin esasının Kral XIV. . Fransa, tiyatro dansı sanatını Rusya dahil tüm Avrupa ülkelerine ihraç etti. 19. yüzyılın ortalarında, Avrupa balesinin başkenti artık dünyaya romantizmin başyapıtları La Sylphide ve Giselle'i veren Paris değil, Petersburg'du. Klasik dans sisteminin yaratıcısı ve hala sahneden çıkmayan başyapıtların yazarı olan büyük koreograf Marius Petipa'nın neredeyse 60 yıl boyunca çalıştığı yer Kuzey başkentiydi. Ekim Devrimi'nden sonra baleyi modernite gemisinden atmak istediler ama savunmayı başardılar. Sovyet zamanıönemli sayıda başyapıtın yaratılmasıyla damgasını vurdu. Kronolojik sırayla en iyi beş yerli baleyi sunuyoruz.
"Don Kişot"
Don Kişot balesinden bir sahne. Marius Petipa'nın ilk yapımlarından biri
Balenin prömiyeri L.F. Bolşoy Tiyatrosu'nda Minkus "Don Kişot". 1869 Mimar Albert Kavos'un albümünden
Don Kişot balesinden sahneler. Kitri - Lyubov Roslavleva (ortada). A.A. Gorsky. Moskova, Bolşoy Tiyatrosu. 1900
Müzik L. Minkus'a, libretto M. Petipa'ya ait. İlk prodüksiyon: Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1869, M. Petipa'nın koreografisi. Sonraki yapımlar: St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1871, M. Petipa'nın koreografisi; Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1900, St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1902, Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1906, tümü - A. Gorsky'nin koreografisi.
"Don Kişot" balesi, yetişkinleri asla yormayan, ebeveynlerin çocuklarını zevkle götürdüğü, yaşam ve sevinç dolu bir tiyatro oyunu, sonsuz bir dans kutlamasıdır. Kahramanın adı olarak anılsa da ünlü roman Cervantes, ancak bölümlerinden biri olan "Quteria ve Basilio'nun Düğünü" nden kovuldu ve kahramanın onu zenginle evlendirmek isteyen inatçı babasının muhalefetine rağmen aşkları sonunda kazanan genç kahramanların maceralarını anlatıyor. Gamache.
Yani Don Kişot'un bununla neredeyse hiçbir ilgisi yok. Performans boyunca uzun boylu, zayıf bir sanatçı, Sancho Panza'yı canlandıran kısa boylu, şiş göbekli bir meslektaşıyla birlikte sahnede volta atıyor, bazen Petipa ve Gorsky'nin bestelediği güzel dansları izlemeyi zorlaştırıyor. Bale, özünde, herhangi bir bale grubunun tüm sanatçılarının yapacak bir şeyleri olduğu, kostümlü bir konser, klasik ve karakteristik dansın bir kutlamasıdır.
Balenin ilk prodüksiyonu, Petipa'nın zaman zaman Mariinsky Tiyatrosu'nun parlak topluluğuyla karşılaştırılamayacak yerel grubun seviyesini yükseltmek için seyahat ettiği Moskova'da gerçekleşti. Ancak Moskova'da nefes almak daha kolaydı, bu yüzden koreograf özünde bir bale hatırası sahneledi. harika yıllar güneşli bir ülkede geçirilen gençlik.
Bale bir başarıydı ve iki yıl sonra Petipa onu yeniden çalışmayı gerektirecek şekilde St. Petersburg'a taşıdı. Orada, karakteristik danslar saf klasiklerden çok daha az ilgi görüyordu. Petipa, "Don Kişot" u beş perdeye genişletti, sözde "Don Kişot'un Rüyası" adlı bir "beyaz perde" besteledi, tutuşlu balerin sevenler, güzel bacaklara sahip olanlar için gerçek bir cennet. "Rüya"daki aşk tanrılarının sayısı elli ikiye ulaştı...
Don Kişot, Konstantin Stanislavski'nin fikirlerine düşkün olan ve eski baleyi daha mantıklı ve dramatik bir şekilde inandırıcı kılmak isteyen Moskovalı koreograf Alexander Gorsky'nin yeniden çalışmasında bize geldi. Gorsky, Petipa'nın simetrik kompozisyonlarını yok etti, "Rüya" sahnesindeki tutuşu iptal etti ve İspanyol dansçılar için esmer makyaj kullanılmasında ısrar etti. Petipa ona "domuz" dedi, ancak Gorsky'nin ilk değişikliğinde, bale Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde 225 kez oynandı.
"Kuğu Gölü"
İlk performans için manzara. Büyük tiyatro. Moskova. 1877
Baleden bir sahne kuğu Gölü» P.I. Çaykovski (koreograflar Marius Petipa ve Lev Ivanov). 1895
Müzik P. Tchaikovsky'ye, libretto V. Begichev ve V. Geltser'e ait. İlk prodüksiyon: Moskova, Bolşoy Tiyatrosu, 1877, koreografi V. Reisinger. Sonraki yapım: St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1895, M. Petipa, L. Ivanov'un koreografisi.
Klasik versiyonu 1895'te sahnelenen herkesin en sevdiği bale, aslında on sekiz yıl önce Moskova Bolşoy Tiyatrosu'nda doğdu. Henüz dünya çapında üne kavuşmamış olan Çaykovski'nin müziği, bir tür "sözsüz şarkılar" koleksiyonuydu ve o zamanlar için fazla karmaşık görünüyordu. Bale yaklaşık 40 kez gerçekleşti ve unutulmaya yüz tuttu.
Çaykovski'nin ölümünden sonra Kuğu Gölü, Mariinsky Tiyatrosu'nda sahnelendi ve balenin sonraki tüm prodüksiyonları, bir klasik haline gelen bu versiyona dayanıyordu. Eyleme büyük bir netlik ve mantık verildi: bale, kötü deha Rothbart'ın iradesiyle kuğuya dönüşen güzel Prenses Odette'in kaderini, Rothbart'ın ona aşık olan Prens Siegfried'i nasıl aldattığını anlattı. kızı Odile'nin cazibesine başvurmak ve kahramanların ölümü hakkında. Çaykovski'nin notası şef Ricardo Drigo tarafından yaklaşık üçte bir oranında düşürüldü ve yeniden düzenlendi. Petipa birinci ve üçüncü perdeler için koreografiyi, ikinci ve dördüncü perdeler için Lev Ivanov'u yarattı. Bu ayrılık ideal olarak, ikincisi birincisinin gölgesinde yaşamak ve ölmek zorunda olan her iki parlak koreografın mesleğine tekabül ediyordu. Petipa, klasik balenin babası, kusursuz uyumlu bestelerin yaratıcısı ve bir kadın perinin, bir kadın oyuncağının şarkıcısıdır. Ivanov, alışılmadık derecede hassas bir müzik duygusuna sahip yenilikçi bir koreograftır. Odette-Odile rolünü "Milano balerinlerinin kraliçesi" Pierina Legnani canlandırdı, aynı zamanda ilk Raymonda ve pointe ayakkabılarındaki en zor dönüş türü olan 32 fuetin mucidi.
Bale hakkında hiçbir şey bilmiyor olabilirsiniz ama Kuğu Gölü'nü herkes bilir. varlığının son yıllarında Sovyetler Birliği, yaşlı liderler sık sık yer değiştirdiğinde, balenin ana karakterlerinin “beyaz” düetinin içten melodisi ve TV ekranından gelen kanat kollarının patlamaları üzücü olayın habercisi oldu. Japonlar Kuğu Gölü'nü o kadar çok seviyorlar ki, herhangi bir topluluk tarafından oynanan sabah ve akşam izlemeye hazırlar. Rusya'da ve özellikle Moskova'da çok sayıda bulunan tek bir turne grubu Lebedinoy olmadan yapamaz.
"Fındıkkıran"
Fındıkkıran balesinden bir sahne. İlk sahneleme. Marianna - Lydia Rubtsova, Clara - Stanislava Belinskaya, Fritz - Vasily Stukolkin. Mariinskii Opera Binası. 1892
Fındıkkıran balesinden bir sahne. İlk sahneleme. Mariinskii Opera Binası. 1892
Müzik P. Tchaikovsky'ye, libretto M. Petipa'ya ait. İlk prodüksiyon: St. Petersburg, Mariinsky Tiyatrosu, 1892, L. Ivanov'un koreografisi.
Kitaplardan ve internet sitelerinden, Fındıkkıran'ın klasik balenin babası Marius Petipa tarafından sahnelendiğine dair hâlâ hatalı bilgiler dolaşıyor. Aslında Petipa sadece senaryoyu yazdı ve balenin ilk prodüksiyonunu astı Lev Ivanov gerçekleştirdi. İvanov'un kaderine imkansız bir görev düştü: İtalyan bir konuk oyuncunun vazgeçilmez katılımıyla o zamanlar moda olan bale fantezisi tarzında yaratılan senaryo, Petipa'nın talimatlarına sıkı sıkıya bağlı olarak yazılmış olmasına rağmen Çaykovski'nin müziğiyle bariz bir çelişki içindeydi. büyük duygu, dramatik zenginlik ve karmaşık senfonik gelişim ile ayırt edildi. Ek olarak, balenin kahramanı genç bir kızdı ve balerin yıldızı yalnızca final pas de deux için hazırlandı (bir adagio - yavaş bir bölüm, varyasyonlar - solo danslar ve bir coda'dan oluşan bir partnerle düet) (virtüöz final)). Fındıkkıran'ın, ağırlıklı olarak bir pandomim gösterisi olan birincisinin, bir eğlence oyunu olan ikincisinden keskin bir şekilde farklı olduğu ilk prodüksiyonu çok başarılı değildi, eleştirmenler yalnızca Kar Taneleri Valsi'ni (buna 64 dansçı katıldı) ve Pas de'yi kaydetti. Aurora'nın dört beyefendiyle dans ettiği, Ivanov'un Adagio with a Rose from Sleeping Beauty'den esinlenen Draje Perisi ve Boğmaca Prensi ikilisi.
Ancak Çaykovski'nin müziğinin derinliklerine nüfuz edebilen 20. yüzyılda Fındıkkıran gerçekten fantastik bir geleceğe mahkumdu. Sovyetler Birliği, Avrupa ülkeleri ve ABD'de sayısız bale gösterisi var. Rusya'da, Leningrad Devlet Akademik Opera ve Bale Tiyatrosu'ndaki (şimdi St. Petersburg'daki Mariinsky Tiyatrosu) Vasily Vainonen ve Moskova Bolşoy Tiyatrosu'ndaki Yuri Grigorovich'in prodüksiyonları özellikle popülerdir.
"Romeo ve Juliet"
Bale Romeo ve Juliet. Juliet - Galina Ulanova, Romeo - Konstantin Sergeev. 1939
Bayan Patrick Campbeple, Shakespeare'in Romeo ve Juliet'inde Juliet rolünde. 1895
Romeo ve Juliet'in finali. 1940
Müzik S. Prokofiev'e, libretto S. Radlov'a, A. Piotrovsky, L. Lavrovsky'ye ait. İlk prodüksiyon: Brno, Opera ve Bale Tiyatrosu, 1938, koreografi V. Psota. Sonraki yapım: Leningrad, Devlet Akademik Opera ve Bale Tiyatrosu. S. Kirov, 1940, koreografi L. Lavrovsky.
Tanınmış bir Rusça çeviride Shakespeare'in ifadesi şu şekildeyse: "Dünyada Romeo ve Juliet'in hikayesinden daha acıklı bir hikaye yoktur", sonra büyük Sergei Prokofiev'in bu arsa üzerine yazılan balesi hakkında şunları söylediler: "Dünyada Prokofiev'in bale müziğinden daha üzücü bir hikaye yok". Güzellik, renk zenginliği ve ifade açısından gerçekten şaşırtıcı olan Romeo ve Juliet'in müziği, ortaya çıktığı sırada çok karmaşık ve bale için uygunsuz görünüyordu. Bale dansçıları onunla dans etmeyi reddettiler.
Prokofiev skoru 1934'te yazdı ve başlangıçta tiyatro için değil, ünlü Leningrad Akademik Koreografi Okulu'nun 200. yılını kutlaması için tasarlanmıştı. Sergei Kirov'un 1934'te Leningrad'da öldürülmesi nedeniyle proje hayata geçirilememiş ve ikinci başkentin önde gelen müzikal tiyatrosunda değişiklikler patlak vermiştir. Romeo ve Juliet'i Moskova Bolşoy'da sahneleme planı da meyvelerini vermedi. 1938'de prömiyer Brno'da bir tiyatro tarafından gösterildi ve sadece iki yıl sonra Prokofiev'in balesi nihayet yazarın anavatanında, o zamanki Kirov Tiyatrosu'nda sahnelendi.
Koreograf Leonid Lavrovsky, Sovyet yetkilileri tarafından memnuniyetle karşılanan "drambalet" türü (1930-50'ler balesine özgü bir koreografik drama biçimi) çerçevesinde, özenle yontulmuş toplu sahneler ve incelikle yontulmuş etkileyici, heyecan verici bir gösteri yarattı. karakterlerin tanımlanmış psikolojik özellikleri. Emrinde, Juliet rolünde eşsiz kalan en rafine balerin-aktris Galina Ulanova vardı.
Prokofiev'in müziği Batılı koreograflar tarafından hemen takdir edildi. Balenin ilk versiyonları 1940'larda ortaya çıktı. Yaratıcıları Birgit Kuhlberg (Stockholm, 1944) ve Margarita Froman (Zagreb, 1949) idi. "Romeo ve Juliet"in ünlü yapımları Frederick Ashton (Kopenhag, 1955), John Cranko (Milan, 1958), Kenneth MacMillan (Londra, 1965), John Neumeier (Frankfurt, 1971, Hamburg, 1973)'e aittir. Moiseev, 1958, koreografi Y. Grigorovich, 1968.
"Spartaküs" olmadan "Sovyet balesi" kavramı düşünülemez. Bu gerçek bir hit, dönemin bir sembolü. Sovyet dönemi Marius Petipa'dan ve Moskova ve St. Petersburg İmparatorluk Tiyatrolarından miras kalan geleneksel klasik baleden son derece farklı başka temalar ve görüntüler geliştirdi. Peri masalları mutlu sonla bitenler arşivlendi ve yerini kahramanlık hikayeleri aldı.
Daha 1941'de, önde gelen Sovyet bestecilerinden biri olan Aram Khachaturian, Bolşoy Tiyatrosu'nda sahnelenecek anıtsal, kahramanca bir performans için müzik yazma niyetinden bahsetti. Bunun teması, eski Roma tarihinin bir bölümü, Spartacus liderliğindeki bir köle ayaklanmasıydı. Khachaturian, Ermeni, Gürcü, Rus motiflerini kullanarak güzel melodiler ve ateşli ritimlerle dolu renkli bir partisyon yarattı. Yapım, Igor Moiseev tarafından sahnelenecekti.
Yapıtının seyirciye ulaşması uzun yıllar aldı ve Bolşoy Tiyatrosu'nda değil, Tiyatro'da boy gösterdi. Kirov. Koreograf Leonid Yakobson, ücretsiz plastik kullanarak ve sandalet giyen balerinler kullanarak, pointe dansı da dahil olmak üzere klasik balenin geleneksel özelliklerini terk ederek çarpıcı ve yenilikçi bir performans yarattı.
Ancak "Spartacus" balesi, 1968'de koreograf Yuri Grigorovich'in elinde bir hit ve dönemin sembolü haline geldi. Grigorovich, tamamen inşa edilmiş bir dramaturji, ana karakterlerin karakterlerinin ince tasviri, kalabalık sahnelerin ustaca sahnelenmesi, lirik adagioların saflığı ve güzelliği ile izleyiciyi etkiledi. Çalışmasını "corps de ballet ile dört solist için bir performans" (corps de ballet - toplu dans bölümlerinde yer alan sanatçılar) olarak adlandırdı. Vladimir Vasiliev, Spartacus, Crassus - Maris Liepa, Frigya - Ekaterina Maksimova ve Aegina - Nina Timofeeva rolünü oynadı. Card de bale ağırlıklı olarak erkekti, bu da "Spartacus" balesini türünün tek örneği yapıyor.
Yakobson ve Grigorovich tarafından iyi bilinen Spartacus okumalarına ek olarak, balenin yaklaşık 20 yapımı daha var. Bunların arasında Prag Balesi için Jiri Blazek, Budapeşte Balesi için Laszlo Serega (1968), Arena di Verona için Jüri Vamos (1999), Viyana Devlet Opera Balesi için Renato Zanella (2002), Natalia Kasatkina ve Vladimir bulunmaktadır. Vassilev'in yönettiği Devlet Akademik Tiyatrosu için Moskova'da klasik bale (2002).
Dünyaca ünlü tiyatro gösterileri için biletlerin çok önceden rezerve edilmesi gerekiyor. Bu cazibe merkezlerinin dünyanın her yerinden tiyatro müdavimlerini nasıl çektiğini ve bir biletin ne kadar olduğunu öğrenmeye çalışalım. en iyi tiyatro barış.
Tabii ki, bu listede açıkça Bolşoy veya Mariinsky tiyatroları yok, ancak Rusya'nın en ünlü tiyatrolarına ayrı bir makale ayırmaya karar verdik.
Dünyanın en ünlü tiyatroları
Avrupa'nın başkentlerinde hayat tüm hızıyla devam ediyor. Paris, Londra, Milano - buraya sadece moda tutkunları ve kameralı turistler akın etmiyor. Entelektüeller - mimarlık, tiyatro, opera, bale ve müzik uzmanları da çok sevinecek.Covent Garden Tiyatrosu
LondraBüyük Britanya'nın başkenti, tarihi olan tiyatrolar açısından zengindir. Shakespeare'in oyunları ilk kez London Globe sahnesinde sahnelendi. Ancak iki rekonstrüksiyondan sağ kurtulan Globe bugün hala faaliyet gösteriyor olsa da, Royal Ballet ve Royal Opera'nın ev sahnesi olan Covent Garden'daki Royal Opera House, Londra'nın en ünlü tiyatrosu statüsüne sahiptir.
Modern bina zaten üçüncü. 1732'de tiyatro kapılarını ilk kez William Congreve'nin oyunundan uyarlanan "Laik Gelenekler" oyununu izlemeye gelen seyircilere açtı. 76 yıl sonra Covent Garden binası bir yangında yok oldu. İyileşmesi 9 ay sürdü. Yeniden açılan tiyatro, Macbeth ile seyirciyi sevindirdi. 1856'da tiyatro tekrar yandı, ancak iki yıl sonra şimdi gördüğümüz gibi küllerinden yeniden doğdu.
Büyük ölçekli rekonstrüksiyon 1990 yılında tiyatro yapılmıştır. Şimdi 4 katlı salonu 2268 ziyaretçiyi ağırlıyor. Covent Garden Theatre için bilet fiyatları 15 £ ile 135 £ arasında değişmektedir.
opera
ParisParis'teki en ünlü tiyatro Grand Opera'dır. 1669'da XIV.Louis, bir opera binasının kurulması için şair Pierre Perrin ve besteci Robert Kamber'e "onay verdi". Yüzyıllar boyunca, tiyatro adını ve yerini birkaç kez değiştirdi, ta ki 1862'de Paris'in IX bölgesinde, Charles Garnier tarafından tasarlanan ve 1875 yılında mimar Charles Garnier tarafından inşa edilen bir binada sona erdi.
Tiyatronun cephesi lüks - dört heykel (Drama, Müzik, Şiir ve Dansın kişileştirmeleri) ve yedi kemerle süslenmiş. Bina görkemli bir parlayan kubbe ile taçlandırılmıştır.
Büyük Opera sahnesi Almanca, İtalyanca ve Fransız besteciler. Stravinsky'nin "Mavra" operasının prömiyeri burada gerçekleşti. Şimdiki adı Palais Garnier'dir ve belki de dünyanın en çok ziyaret edilen tiyatrosudur.
damarAvusturya birçok klasiğin doğum yeridir: Müziği Viyana Klasik Müzik Okulu'nun temelini oluşturan Haydn, Mozart, Beethoven. Belki de bu yüzden Viyana Operası güvenle dünyanın en ünlü opera binası olarak adlandırılabilir.
Opera binası 1869 yılında inşa edilmiştir. Açılış, Mozart'ın operası Don Giovanni ile kutlandı.
Tiyatro binası son derece yaygın bir neo-Rönesans tarzında inşa edildiğinden, defalarca acımasız eleştirilere maruz kaldı - binanın cephesi Viyana sakinlerine sıkıcı geldi, dikkat çekici değildi.
Saniye Dünya Savaşı tiyatro kısmen yıkıldı, ancak 1955'te Beethoven'ın Fidelio operasıyla ciddiyetle yeniden açıldı. Gösteri sayısı açısından, diğer opera binalarının hiçbiri Viyana Operası ile kıyaslanamaz. Ringstrasse'deki bu binada yılda 285 gün yaklaşık 60 opera sahneleniyor. Her yıl, Lent'in ilk gününden bir hafta önce, UNESCO tarafından korunan somut olmayan kültürel zenginlikler listesinde yer alan bir etkinlik olan Viyana Balosu burada yapılır.
La Scala
Milano>Modern opera Rönesans İtalya'sında doğdu. 1776'da Milanlı mimar Giuseppe Piermarini, yıkılan Santa Lucia della Scala kilisesinin bulunduğu yerde bir arazi parçasını beğendi. Sonunda adını "atasından" alan bir opera binası inşa edilmesine karar verildi.
Yeraltındaki temelin inşası sırasında, inşaatçıların yukarıdan bir işaret olarak aldıkları antik Romalı aktör Pylades'in resminin bulunduğu mermer bir levha buldular.
La Scala'nın ilk operası, besteci Antonio Salieri tarafından Avrupa'yı Tanıdı. Gavazzeni Gianandrea, Arturo Toscanini ve Riccardo Muti'nin orkestraları ilk kez bu duvarlarda çaldı.
Bugün La Scala, haklı olarak dünyanın en ünlü tiyatrolarından biri tarafından okunmaktadır. Bu, Milano'ya gelen turistlerin Milano Katedrali'nden sonra ilk incelediği yer.
Tiyatro en son 2000'li yılların başında yeniden inşa edildi. Açılış 2004 yılında gerçekleşti ve yenilenen sahnede Salieri'nin Yenilenen Avrupa operası yeniden gösterildi.
Katalan Müzik Sarayı
BarselonaOldukça genç (önceki ile karşılaştırıldığında) bir tiyatro olan Barselona'daki Katalan Müzik Sarayı, kapılarını 1908'de müzikal estetiklere açtı. Barselona, Gaudi'nin İspanyol Art Nouveau'sunu seviyor ve bu nedenle ülkenin ana konser salonunu aynı tarzda inşa etmeye karar verildi - burada düz çizgiler üzerinde dalgalar ve spiraller hakim.
Sarayın cephesi bize İspanya'da Avrupa ve Arap kültürlerinin başka hiçbir yerde olmadığı kadar iç içe olduğunu hatırlatıyor.
Ancak ana özellik konser Salonu- aydınlatması. Işık tamamen doğaldır. Katalan Müzik Sarayı'nın kubbesi renkli cam mozaiklerden yapılmıştır. Kırılan güneş ışınları tarifsiz bir etki yaratır!
Sidney Opera Binası
SidneySidney Opera Binası dünyanın en çok ziyaret edileni olmayabilir ama kesinlikle en tanınan ve sıra dışı tiyatrodur. Beyaz yelken benzeri duvarları, dünyanın modern harikalarından biri haline geldi.
Büyük açılış töreni Ekim 1973'te Kraliçe II. Elizabeth'in katılımıyla gerçekleşti.
Sidney Tiyatrosu'nun dışarıdan nasıl göründüğünü herkes bilir, şimdi içinin nasıl göründüğüne bir bakın - fütürizm ve gotiğin ne hoş bir birleşimi!
Binanın toplam alanı iki hektarı aşıyor. İçeride neredeyse bin oda bulacaksınız, çünkü bina Avustralya Operası, Sidney'in "karargahı". Senfoni Orkestrası, Ulusal Bale ve Sidney Tiyatro Şirketi.
Tiyatronun aydınlatması, küçük bir Avustralya kasabasının elektrik tüketimiyle oldukça karşılaştırılabilir bir enerji tüketir.
kabukiza
TokyoAvrupa tiyatroları hakkında çok şey biliyoruz, peki ya Doğu'daki tiyatro? Özellikle Japonların özellikleri nelerdir? tiyatro kültürü?
Klasik Japon tiyatrosu drama, müzik, dans ve şiiri sahnede birleştirir. Gösterilerdeki sahne, oyuncuların maskeleri ve kimonoları hakkında söylenemeyecek kadar karmaşık değil. Performansın anlamı, Japon kültürüne aşina olmayan ve mitoloji, edebiyat ve tarihe yapılan pek çok ince referansı anlayamayan hazırlıksız bir izleyici için kırılması zor bir cevizdir.
Bununla birlikte, Tokyo Kabuki-za tiyatrosu yalnızca Japonlar tarafından değil, turistler tarafından da seviliyor - salondaki 1964 koltuklarının hiçbiri genellikle boş değil. Bilet fiyatları 15.000 yen'den (yaklaşık 8.000 ruble) başlıyor ve izleyiciler ek bir ücret karşılığında neler olup bittiğinin tüm ayrıntılarını açıklayan bir sesli rehber satın alabilirler.
Radio City Müzik Salonu
New York1932'de Manhattan'ın kalbinde inşa edilen Radio City Music Hall, New Yorkluların favori eğlence mekanlarından biri haline geldi. Oyunlar, müzikaller, performanslar caz orkestraları, taze film galaları - tüm bunlar burada görülebilir. Çağ değişti, ancak 20. yüzyıl Broadway müzikallerinin şıklığı ve parlaklığı hem Amerikalıları hem de turistleri aynı şekilde büyüleyecek.
Geleneksel Noel müzikali özellikle popülerdir.
Radio City aynı anda 6.000 kişiyi ağırlayabilir, bu nedenle sahnesi genellikle Grammy müzik ödülleri gibi ulusal etkinliklere ev sahipliği yapar.
Radio City binasının gururu, 4410 borulu devasa bir org.
Semper Opera
DresdenO, mimar Gottfried Semper'in onuruna Dresden Ulusal Operası veya Semperoper'dir. Görkemli neo-Rönesans binası ilk olarak 12 Nisan 1841'de ziyaretçi aldı. Bu aşamadan ses getiren ilk eser, Goethe'nin Tauris'te Iphigenia adlı oyunuydu. Ardından, Richard Wagner'in birçok operasının prömiyeri burada gerçekleşti.
copypaster tarafından 15/08/2007 Çar - 01:11 tarihinde gönderildi
Bale oldukça genç bir sanattır. Dans, eski zamanlardan beri insan hayatını süslemekle birlikte, dört yüz yıldan biraz fazladır.
Bale, Rönesans döneminde Kuzey İtalya'da doğdu. İtalyan prensleri, dansın önemli bir yer tuttuğu görkemli saray şenliklerine bayılırdı. Kır dansları saray hanımları ve beyleri için uygun değildi. Dans ettikleri salonlar gibi cüppeleri de düzensiz hareketlere izin vermiyordu. Özel öğretmenler - dans ustaları - mahkeme danslarında işleri düzene sokmaya çalıştı. Önceden soylularla dansın bireysel figürlerini ve hareketlerini prova ettiler ve dansçı gruplarını yönettiler. Yavaş yavaş, dans giderek daha teatral hale geldi."Bale" terimi, 16. yüzyılın sonunda ortaya çıktı (İtalyan balesinden - dansa). Ama o zaman bir performans değil, sadece belirli bir ruh halini yansıtan bir dans bölümü anlamına geliyordu. Bu tür "baleler" genellikle karakterlerin az bağlantılı "çıktılarından" oluşuyordu - çoğu zaman kahramanlar Yunan mitleri. Bu tür "çıktılardan" sonra ortak bir dans başladı - "büyük bale".
İlk bale performansı, 1581'de İtalyan koreograf Baltazarini di Belgiojoso tarafından Fransa'da sahnelenen Kraliçe'nin Komedi Balesi idi. Fransa'da öyleydi Daha fazla gelişme bale. İlk başta bunlar maskeli balo baleleriydi ve ardından dans bölümlerinin yerini sesli aryalar ve şiirlerin okunmasına bırakan, şövalyece ve fantastik olay örgülerine dayanan görkemli melodramatik balelerdi. Şaşırmayın, o zamanlar bale sadece bir dans gösterisi değildi.
Louis XIV döneminde, mahkeme balesinin performansları özel bir ihtişama ulaştı. Louis'in kendisi balelere katılmayı severdi ve "Gecenin Balesi" nde Güneş rolünü oynadıktan sonra ünlü "Güneş Kralı" lakabını aldı.
1661'de önde gelen 13 dans ustasını içeren Kraliyet Müzik ve Dans Akademisi'ni kurdu. Görevleri dans geleneklerini korumaktı. Akademinin yöneticisi, kraliyet dans öğretmeni Pierre Beauchamp, klasik dansın beş temel pozisyonunu belirledi.
Yakında koreografı aynı Beauchamp olan Paris Operası açıldı. Onun liderliğinde bir bale topluluğu kuruldu. İlk başta sadece erkeklerden oluşuyordu. Kadınlar sadece 1681'de Paris Operası sahnesine çıktı.
Tiyatro, besteci Lully'nin opera balelerini ve oyun yazarı Molière'in komedi balelerini sahneledi. İlk başta saray mensupları bunlara katıldı ve performanslar neredeyse saray performanslarından farklı değildi. Daha önce bahsedilen yavaş minuetler, gavotlar ve pavaneler oynandı. Maskeler, ağır elbiseler ve yüksek topuklu ayakkabılar, kadınların karmaşık hareketleri gerçekleştirmesini zorlaştırıyordu. Bu nedenle, erkek dansları o zamanlar daha büyük bir zarafet ve zarafetle ayırt ediliyordu.
18. yüzyılın ortalarında bale Avrupa'da büyük bir popülerlik kazanıyordu. Avrupa'nın tüm aristokrat mahkemeleri, Fransız kraliyet sarayının lüksünü taklit etmeye çalıştı. Şehirlerde opera evleri açıldı. Çok sayıda dansçı ve dans öğretmeni kolayca iş buldu.
Yakında moda kadından etkilendi bale kostümüçok daha hafif ve daha özgür hale geldi, altında vücudun hatları tahmin edildi. Dansçılar topuklu ayakkabılardan vazgeçerek onları hafif topuklu ayakkabılarla değiştirdiler. Erkek kostümü de daha az hantal hale geldi: dizlere kadar dar pantolonlar ve çoraplar dansçının figürünü görmeyi mümkün kıldı.
Her yenilik, dansları daha anlamlı, dans tekniğini daha da yükseltti. Yavaş yavaş bale operadan ayrılarak bağımsız bir sanat haline geldi.
Fransız bale okulu zarafeti ve esnekliği ile ünlü olmasına rağmen, performansın belirli bir soğukluğu ve formalitesi ile karakterize edildi. Bu nedenle koreograflar ve sanatçılar başka ifade yolları arıyorlardı.
18. yüzyılın sonunda sanatta yeni bir akım doğdu - bale üzerinde güçlü bir etkisi olan romantizm. Romantik bir balede, dansçı sivri ayakkabılar üzerinde dururdu. Bunu ilk yapan Maria Taglioni oldu ve bale hakkındaki önceki fikirleri tamamen değiştirdi. "La Sylphide" balesinde kırılgan bir yaratık olarak göründü. yeraltı dünyası. Başarı büyüleyiciydi.
Şu anda birçok harika bale ortaya çıktı, ancak maalesef romantik bale son parlak gündü. dans sanatı batıda. ikinciden XIX'in yarısı yüzyılda eski anlamını yitiren bale, operanın bir uzantısı haline geldi. Ancak 1930'larda Rus balesinin etkisi altında bu sanat formunun Avrupa'da yeniden canlanması başladı.
Rusya'da ilk bale performansı - "Orpheus ve Eurydice Balesi" - 8 Şubat 1673'te Çar Alexei Mihayloviç'in mahkemesinde sahnelendi. Tören ve yavaş danslar, şarkı söyleme ve konuşma ile değişen zarif duruşlar, eğilmeler ve hareketlerden oluşuyordu. HAYIR önemli rol sahne dansının gelişiminde oynamadı. Alışılmadıklığı ve yeniliği ile dikkat çeken başka bir kraliyet "eğlencesi" idi.
Sadece çeyrek asır sonra, I. Peter'in reformları sayesinde müzik ve dans Rus toplumunun hayatına girdi. Soylu okullara zorunlu dans eğitimi getirildi. Mahkemede yurt dışından ihraç edilen müzisyenler sahne almaya başladı, opera sanatçıları ve bale şirketleri.
1738'de Rusya'da ilk bale okulu açıldı ve üç yıl sonra saray hizmetlilerinden 12 erkek ve 12 kız Rusya'nın ilk profesyonel dansçıları oldu. İlk başta yabancı ustaların balelerinde figüran olarak (kolordu de bale dansçıları olarak adlandırılırdı) ve daha sonra ana bölümlerde oynadılar. O dönemin dikkat çekici dansçısı Timofey Bublikov, sadece St. Petersburg'da değil, Viyana'da da parladı.
19. yüzyılın başında Rus bale sanatı yaratıcı olgunluğuna ulaştı. Rus dansçılar, dansa anlamlılık ve maneviyat getirdi. Bunu çok doğru bir şekilde hisseden A. S. Puşkin, çağdaşı Avdotya Istomina'nın dansını "ruhla dolu bir uçuş" olarak adlandırdı.
O dönemde bale, diğer tiyatro sanatı türleri arasında ayrıcalıklı bir konuma sahipti. Yetkililer buna büyük önem verdi, devlet sübvansiyonları sağladı. Moskova ve St.Petersburg bale toplulukları iyi donanımlı tiyatrolarda sahne aldı ve tiyatro okullarından mezun olanlar dansçı, müzisyen ve dekoratör kadrosunu her yıl yeniledi.
Arthur Aziz Leon
Bale tiyatromuzun tarihinde, Rus balesinin gelişmesinde önemli rol oynayan yabancı ustaların isimlerine sıklıkla rastlanır. Öncelikle bunlar Charles Didelot, Arthur Saint-Leon ve Marius Petipa. Rus bale okulunun kurulmasına yardım ettiler. Ancak yetenekli Rus sanatçılar, öğretmenlerinin yeteneklerinin ortaya çıkmasını da mümkün kıldı. Bu, her zaman Avrupa'nın en büyük koreograflarını Moskova ve St. Petersburg'a çekti. Dünyanın hiçbir yerinde Rusya'daki kadar büyük, yetenekli ve iyi eğitimli bir toplulukla tanışamazlardı.
19. yüzyılın ortalarında Rus edebiyatına ve sanatına gerçekçilik geldi. Koreograflar hararetle, ancak boşuna, gerçekçi performanslar yaratmaya çalıştılar. Balenin şartlı bir sanat olduğunu ve baledeki gerçekçiliğin resim ve edebiyattaki gerçekçilikten önemli ölçüde farklı olduğunu dikkate almadılar. Bale sanatının krizi başladı.
Rus bale tarihinde yeni bir aşama, büyük Rus besteci P. Tchaikovsky'nin bale için ilk beste yapmasıyla başladı. Kuğu Gölü'ydü. Bundan önce bale müziği ciddiye alınmıyordu. O kabul edildi aşağı görüş müzikal yaratıcılık, sadece dansa eşlik eden bir şey.
Çaykovski sayesinde bale müziği, opera ve bale ile birlikte ciddi bir sanat haline geldi. senfonik müzik. Önceleri müzik tamamen dansa bağlıydı, şimdi dans müziğe boyun eğmek zorunda kaldı. Yeni ifade araçları ve bir performans yaratmak için yeni bir yaklaşım gerekliydi.
Rus balesinin daha da gelişmesi, modası geçmiş pandomim tekniklerini terk ederek bir bale performansında modern yönetmenlik tekniklerini kullanan Moskova koreograf A. Gorsky'nin adıyla bağlantılıdır. vermek büyük önem performansın pitoresk tasarımı, en iyi sanatçıları çalışmaya çekti.
Ancak bale sanatının gerçek reformcusu, geleneksel bale yapısına başkaldıran Mikhail Fokin'dir. bale performansı. Performansın temasının, müziğinin, aksiyonun geçtiği dönemin, her seferinde farklı dans hareketleri, farklı bir dans kalıbı gerektirdiğini savundu. "Mısır Geceleri" balesini sahnelerken Fokine, V. Bryusov'un şiirinden ve eski Mısır çizimlerinden ve "Petrushka" balesinin görüntüleri A. Blok'un şiirinden ilham aldı. Daphnis ve Chloe balesinde pointe dansını bıraktı ve serbest, plastik hareketlerle antik freskleri canlandırdı. Chopiniana'sı romantik bale atmosferini canlandırdı. Fokin, "bale eğlencesinden, danstan - anlaşılır, konuşan bir dilden bir bale draması yaratmayı hayal ettiğini" yazdı. Ve başardı.
Anna Pavlova
1908'de, tiyatro figürü S. P. Diaghilev tarafından düzenlenen Paris'teki Rus bale dansçılarının yıllık performansları başladı. Rusya'dan dansçıların isimleri - Vaslav Nijinsky, Tamara Karsavina, Adolf Bolm - tüm dünyada tanındı. Ancak bu sıradaki ilk kişi, eşsiz Anna Pavlova'nın adıdır.
Pavlova - lirik, kırılgan, uzun vücut hatları, kocaman gözleri - romantik balerinleri tasvir eden gravürleri çağrıştırdı. Kadın kahramanları, uyumlu, ruhsallaştırılmış bir yaşam ya da yerine getirilmemiş bir yaşam için özlem ve üzüntüye dair tamamen Rus bir rüyayı aktardı. Büyük balerin Pavlova tarafından yaratılan Ölen Kuğu, 20. yüzyılın başında Rus balesinin şiirsel bir simgesidir.
O zaman, Rus sanatçılarının becerilerinin etkisi altında, Batı balesi kendini salladı ve ikinci bir rüzgar aldı.
1917 Ekim Devrimi'nden sonra bale tiyatrosunun birçok figürü Rusya'yı terk etti, ancak buna rağmen Rus bale okulu hayatta kaldı. Yeni bir hayata doğru hareketin acımasızlığı, devrimci temalar ve en önemlisi yaratıcı deney kapsamı bale ustalarına ilham verdi. Görevleri, koreografik sanatı insanlara daha yakın hale getirmek, onu daha canlı ve erişilebilir kılmaktı.
Dramatik bale türü böyle ortaya çıktı. Bunlar, genellikle ünlülerin olay örgüsüne dayanan performanslardı. Edebi çalışmalar dramatik bir performansın yasalarına göre inşa edilmiş. İçlerindeki içerik pandomim ve resimsel dans yardımıyla sunuldu. 20. yüzyılın ortalarında dramatik bale krizdeydi. Koreograflar, bu bale türünü korumak için girişimlerde bulundular, sahne efektlerinin yardımıyla performansların gösterisini zenginleştirdiler, ancak ne yazık ki boşuna.
1950'lerin sonunda bir dönüm noktası geldi. Yeni neslin koreografları ve dansçıları unutulmuş türleri yeniden canlandırdı - tek perdelik bale, bale senfonisi, koreografik minyatür. Ve 1970'lerden bu yana, opera ve bale tiyatrolarından bağımsız, bağımsız bale toplulukları ortaya çıktı. Sayıları sürekli artıyor, aralarında serbest dans ve modern dans stüdyoları var.
16. yüzyılda çok yol kat etti ve zamanımıza kadar tüm dünyada popüler hale geldi. Sayısı her yıl artan çok sayıda bale okulu ve tiyatro topluluğu hem klasik hem de moderndir.
Ancak düzinelerce ünlü gösteri balesi varsa ve aslında bunlar diğer dans topluluklarından yalnızca beceri düzeyinde farklılık gösteriyorsa, o zaman uzun bir geçmişe sahip ulusal bale tiyatroları parmak uçlarında sayılabilir.
Rus Balesi: Bolşoy ve Mariinsky Tiyatroları
Senin ve benim gurur duyacağımız bir şey var çünkü Rus balesi dünyanın en iyilerinden biridir. 20. yüzyılın başında ülkemizde sahneye çıkan ünlü plastik baleler Kuğu Gölü, Fındıkkıran, Rusya'yı bu sanatın ikinci vatanı haline getirmiş ve tiyatrolarımıza dünyanın her yerinden sonsuz bir minnet dolu seyirci akışı sağlamıştır.
Bugün, Bolşoy ve Mariinsky Tiyatrolarının toplulukları, becerileri her geçen gün gelişen en iyiler unvanı için yarışıyor. Her iki grubun dansçıları, A. Ya. Vaganova'nın adını taşıyan St. .
Fransız Balesi: Büyük Opera
Gösterilere karşı tavrı üç asırdır değişmeyen, sadece klasik akademik dansın var olduğu, geri kalan her şeyin sanata karşı bir suç olarak görüldüğü dünya balesinin beşiği, dünyadaki tüm dansçıların nihai hayalidir.
Her yıl üyeliği, astronotların bile hayal bile edemeyeceği kadar çok seçim, yarışma ve testten geçen sadece üç dansçı ile yenilenir. Paris Operası biletleri ucuz değildir ve yalnızca sanatın en zengin uzmanları bunları karşılayabilir, ancak her performans sırasında salon doludur, çünkü Fransızların yanı sıra, klasik baleye hayranlık duymayı hayal eden tüm Avrupalılar buraya gelir.
Amerika Birleşik Devletleri: Amerikan Bale Tiyatrosu
"Kara Kuğu" nun yayınlanmasından sonra geniş bir popülerlik kazanan Amerikan Bale Tiyatrosu, Rus Bolşoy Tiyatrosu solisti tarafından kuruldu.
Kendi okulu olan bale, dışarıdan dansçı tutmuyor ve kendine özgü bir Rus-Amerikan tarzına sahip. Yapımlar, ünlü Fındıkkıran gibi klasik hikayelerle ve yeni dans yönü. Birçok bale uzmanı, ABT'nin kanunları unuttuğunu iddia ediyor, ancak bu tiyatronun popülaritesi her geçen yıl artıyor.
Birleşik Krallık: Birmingham Kraliyet Balesi
Küratörlüğünü bizzat Kraliçe'nin üstlendiği Londra Balesi, dansçı sayısı açısından az, ancak katılımcı seçimi ve repertuardaki titizliğiyle öne çıkıyor. Burada modern trendleri ve tür sapmalarını karşılamayacaksınız. Belki de bu yüzden sert geleneklere karşı koyamayan pek çok kişi genç yıldızlar Bu baleden ayrılıp kendi topluluklarını oluşturmaya başlarlar.
Kraliyet balesinin performansına ulaşmak kolay değil, sadece dünyanın en asil ve zengin insanları bununla onurlandırılıyor ama burada üç ayda bir açık girişli yardım geceleri düzenleniyor.
Avusturya Balesi: Viyana Operası
Viyana Operası'nın tarihi bir buçuk asırdır ve tüm bu süre boyunca Rus dansçılar, grubun ilk solistleri olmuştur. 2. Dünya Savaşı'na kadar gerçekleşmeyen yıllık balolarıyla tanınan Viyana Opera Binası, Avusturya'nın en çok ziyaret edilen cazibe merkezidir. İnsanlar buraya yetenekli dansçılara hayran olmaya geliyorlar ve sahnede yurttaşlarına bakarak gururla ana dillerini konuşuyorlar.
Burada bilet almak çok kolay: Büyük salon ve bayilerin olmaması sayesinde bunu bale gününde yapabilirsiniz, tek istisna prömiyer günleri ve sezonun açılışı olacak.
Bu nedenle, en yetenekli dansçılar tarafından oynanan klasik baleyi izlemek istiyorsanız, bu tiyatrolardan birine gidin ve antik sanatın tadını çıkarın.
Büyük Britanya. 1910'larda ve 1920'lerde Diaghilev ve Anna Pavlova grubunun Londra'daki turundan önce, İngiltere'de bale esas olarak bireysel performanslarla sunuldu. ünlü balerinler müzikhollerin sahnelerinde, örneğin Danimarkalı Adeline Genet (1878-1970). İngiliz balesi, doğumunu Diaghilev için çalışan iki kadına borçludur: Polonyalı Marie Rambert (1888-1982) ve İrlanda'da doğup Londra'da eğitim almış Ninette de Valois (d. 1898). Müzisyen ve ritmik jimnastik sisteminin yaratıcısı Emile Jacques-Dalcroze'nin öğrencisi olan Rambert, Diaghilev tarafından, ritim açısından çok zor olan Stravinsky'nin The Rite of Spring'in skoru üzerinde çalışması gerektiğinde Nijinsky'ye yardım etmesi için davet edildi. . Birkaç yıl Rus Bale topluluğunun kolordu balesinde dans etti, ardından İngiltere'ye döndü ve 1920'de kendi okulunu açtı. Öğrencileri, önce Marie Rambert Dansçıları adıyla, ardından Bale Kulübü'nün bir parçası olarak Londra, Nottinhill Gate'de bulunan küçük Mercury Theatre'da performans sergiledi. Koreograflar Frederick Ashton ve Anthony Tudor da dahil olmak üzere birçok ünlü İngiliz sanatçı kariyerlerine Rambert'te başladı. Her ikisi de yetişkin olarak dans etmeye başladı, ancak çok geçmeden Rambert's'da küçük baleler sahnelemeye başladı. 1930'larda, yapımlarında bir nesil genç İngiliz dansçı büyüdü. Diaghilev'in grubunda da dans eden De Valois, ondan ayrıldıktan sonra Londra'da bir okul açtı ve kısa süre sonra Sadler's Wells Theatre'ın bir parçası oldu ve 1931'de öğrencilerinden Vic Wells Balesi kuruldu; 1948'de "Sadler's Wells Balle" olarak adlandırıldı. Ashton, de Valois, Margot Fontaine (1919-1991), Beryl Gray (d. 1927), Robert Helpman (1909-1986), Moira Shearer tarafından eğitilen genç sanatçıların yeteneklerini gün ışığına çıkaran baleler yaratmak için Ninette de Valois ile güçlerini birleştirdi. (d. 1926). Önümüzdeki kırk yıl boyunca onların katılımıyla, virtüözlük, drama ve saf klasik lirizm ile karakterize edilen, özellikle İngiliz tarzı bir bale performansı ve performansı geliştirildi. Ashton'ın yapımları arasında mizah dolu (Facade, 1931, müzik William Walton; Vain Precaution, 1960, müzik Ferdinand Herold, düzenleme John Lunchbury) ve trajik (Ondine, 1958, müzik H.W. Henze; A Month in the Country, 1976, F. Chopin'in müziği üzerine), plansız (Symphonic Variations, 1946, S. Frank'in müziğine; Monotony 1 ve Monotony 2, 1965, 1966, E. Satie'nin müziğine) ve anlatı (Cinderella, 1948, Prokofiev'in müziği; Lanchbury'nin işlenmesinde F. Mendelssohn'un müziği üzerine Dream, 1964). Ashton isteyerek edebi eserlere dayalı baleler yarattı: örneğin, Rüyası Shakespeare'in A Midsummer Night's Dream oyununa ve A Moon in the Country Turgenev'in aynı adlı oyununa dayanıyor. Ashton'ın ilham perisi, balerin olarak yeteneği koreografik deneyleriyle eş zamanlı olarak gelişen Margot Fonteyn'di. Son balesini 1963'te onun için yarattı: bu Marguerite ve Armand (Alexander Duma'nın oğlu tarafından yazılan Kamelyalı Leydi'ye ve F. Liszt'in müziğine dayanıyor). Bu sırada kırk yaşını çoktan geçmiş olan Fonteyn, Sovyetler Birliği'nden göç eden dansçı Rudolf Nureyev'in şahsında yeni bir partner bulan ikinci aşama bir gençliği adeta deneyimledi. Ashton, birçok kişinin yeteneklerinden ilham aldı. farklı sanatçılar: Lynn Seymour (d. 1939) veya Christopher Gable'ın (1940-1998) drama özelliği, mükemmel teknik ve aynı zamanda duygusallık, Anthony Dowell (d. 1943) ve Antoniet Sibley'nin (d. 1939) düetinde kendini gösteriyor. Ne yazık ki Ashton'ın ölümünden sonra (1988), yapımları Amerika'da Balanchine veya Tudor balelerinin korunduğu özenle korunmuyor. 1930'larda Ninette de Valois, Rusya'dan göç etmiş olan Mariinsky Tiyatrosu'nun yönetmeni Nikolai Sergeev'i (1876-1951) repertuarı zenginleştirmek ve sanatçılara ustalaşma fırsatı sağlamak için 19. yüzyıl klasik balelerini sahnelemeye davet etti. daha önce alışılmamış dans formları. 1956'da Sadler's Wells Ballet, Kraliyet Balesi oldu ve Covent Garden'daki Kraliyet Opera Binası'nda sahne aldı. 1960'lar ve 1970'lerdeki repertuarında geleneksel klasik eserler ve Frederick Ashton'ın prodüksiyonları, Kenneth Macmillan'ın dramatik baleleri ortaya çıktı. Performansları altı çizili dramlarıyla dikkat çekiyor, yoğun duyguların ifadesi olan akrobatik adımlar ve desteklerle dolu. Macmillan'ın en başarılı performansları, birçok ülkede sahnelenen çok oyunculu Romeo ve Juliet (müziği Prokofiev'e ait, 1965) ve Manon'du (1974, müziği J. Massenet'e, aranjmanı Leighton Lucas'a ait). 1963'ten itibaren Kraliyet Balesi'ni yöneten Ashton, 1970'te de Valois'in ayrılmasıyla emekli oldu.1977'ye kadar şirket, Macmillan'ın, ardından Norman Morris'in (d. dansçı ve koreograf Martha Graham (1894-1991) altında çalıştı. 1986'da Ashton'la çalışmış bir dansçı olan Dowell şirketin başına geçerken, Macmillan 1992'deki ölümüne kadar şirketin koreograflarından biri olarak kaldı. Yerine baleleri olan David Bintley (d. 1957) geldi. bazen dramatik, bazen olaysız, üslup ve tür olarak çok çeşitli. Dowell, Balanchine ve Robbins'in prodüksiyonlarının yanı sıra W. Forsyth ve grubun bazı dansçılarının eserlerini repertuarına dahil etti. Rusya, Fransa ve ABD'den dansçıları misafir olarak davet etti ama aynı zamanda kendi sanatçılarına da ilgi gösterdi: onun altında Darcy Bussel (d. 1969) Viviana Durante (d. 1967) yetenekleri gelişti. Ashton'ın mirasına dikkat edilmediğine işaret eden eleştirilere yanıt olarak Dowell, 1994-1995 sezonu için Kraliyet Bale Festivali'ni düzenledi. 1940'lar ve 1940'lar boyunca, Balle Rambert topluluğu, küçük bir oyuncu kadrosu için tasarlanmış orijinal klasik baleleri repertuarlarında tutarak yeni baleler sahnelemeye devam etti. 1966'da topluluk, geleneksel performansları tamamen terk ederek ve yalnızca modern dans tarzındaki eserleri elinde tutarak yeniden düzenlendi. 1987'de, esas olarak Amerikalı koreograf Merce Cunningham'ın (d. 1919) tarzından etkilenen Richard Alston (d. 1948) lideri oldu. 1994'te bu görev, grubun eski baş dansçısı ve koreografı Christopher Bruce (d. 1945) tarafından çekildi. Diğer İngiliz şirketleri arasında, doğrudan selefi eski Diaghilev dansçıları Alicia Markova ve Anton Dolin (1904-1983) tarafından 1949'da kurulan ve uzun yıllar "London Festival Balle" adını taşıyan şirkette bulunan İngiliz Ulusal Balesi bulunmaktadır. 1984'te, topluluğu yöneten Dane Peter Schaufus (d. 1949), Ashton'ın o zamana kadar neredeyse unutulmuş olan Romeo ve Juliet balesini yeniden canlandırdı. 1990'da Ivan Nagy, grubun lideri oldu. Kraliyet Balesi her zaman ikinci, küçük bir mobil topluluk bulundururdu. 1990'larda Birmingham'a yerleşti ve şimdi Birmingham Kraliyet Balesi olarak biliniyor.
Sovyet Rusya ve diğer ülkeler. Rusya'da bale, Birinci Dünya Savaşı'ndan sonraki yıllarda ve Sovyet yönetimi altında, siyasi ve ekonomik durum Bolşoy ve Mariinsky'nin (adını Ekim Devrimi'nden almıştır) varlığını tehdit ediyor göründüğünde bile önemini kaybetmedi. Devlet Tiyatrosu opera ve bale, GOTOB ve 1934'ten beri - S.M. Kirov'un adı) tiyatroları. 1920'ler, bir bale performansının hem biçimi hem de içeriği açısından yoğun bir deney dönemidir. Proletkult'un siyasi ve sosyal konulardaki yapımları ve Moskova'da Kasyan Goleizovsky'nin (1892-1970) ve Petrograd'da (1924'te Leningrad olarak yeniden adlandırıldı) Fyodor Lopukhov'un (1886-1973) çeşitli yapımları vardır. Evren (1922) Beethoven'ın Dördüncü Senfonisi'nin müziğine. 1927'de Moskova'da Vasily Tikhomirov (1876-1956) ve Lev Lashchilin (1888-1955) tarafından sahnelenen bir bale olan R.M. teması asil tutkular olan performans ve Kahramanca işler ve özel olarak yazılmış müzik doğası gereği senfoniktir. 1932'de Vasily Vainonen'in yazdığı The Flames of Paris (1901-1964) ve 1934'te Rostislav Zakharov'un (1907-1984) yazdığı Bahçesaray Çeşmesi gibi baleler - her ikisi de müzikleri Boris Asafiev'e ait, 1939 Laurencia'da olduğu gibi (müzik Alexander Crane'e ait) ) tarafından Vakhtang Chabukiani (1910-1992 ) ve 1940'ta Leonid Lavrovsky (1905-1967) tarafından Romeo ve Juliet (Prokofiev'in müziği), yalnızca ana topluluklar tarafından değil, Tiyatro tarafından da takip edilen estetik ilkelerin bir örneği olarak hizmet edebilir. . Leningrad'daki S.M. Kirov ve Moskova'daki Bolşoy Tiyatrosu - aynı zamanda ülkede çalışan yaklaşık 50 tiyatronun tümü. 1920'lerin bireysel buluntuları korunmuş olmasına rağmen, Sovyet siyasi ideolojisine yönelik performanslar galip geldi ve performans tarzı, aynı anda yüksek atlamalar, akrobatik asansörler geliştirirken, hareketlerin ve esnekliğin (kollardaki ve sırttaki özellikler) performansındaki çıkıntı ile ayırt edildi. (örneğin, beyefendinin bir kolunda yüksek kaldırma) ve Sovyet balelerine özel bir dramatik ifade veren hızlı dönüş. Bu tarzın gelişmesine katkıda bulunan öğretmenlerden biri de Agrippina Vaganova'dır (1879-1951). Mariinsky Tiyatrosu'nda eski bir dansçı olarak, oyunculuk kariyerinin sonunda öğretmenliğe başladı. Leningrad Koreografi Okulu'nda öğretmen olan Vaganova, klasik dans programı ve ders kitabı geliştirdi ve öğrencilerini hem geçmişin büyük romantik balelerini hem de yeni Sovyet balelerini virtüöz tekniğiyle sergilemeleri için hazırladı. Sovyetler Birliği genelinde ve Doğu Avrupa'da eğitim için Vaganova sistemi temel alındı. seyirciler Batı Avrupa ve Amerika Birleşik Devletleri, tiyatronun bale topluluklarının 1950'lerin ortalarına kadar Sovyet balesine neredeyse aşina değildi. Kirov ve Bolşoy Tiyatrosu ilk kez Batı turuna çıktı. Ona olan ilgi, Giselle ve Juliet'in duygularını derin bir lirizmle aktaran Bolşoy balerinleri Galina Ulanova'nın (1910-1998) ve rolünde parlak tekniğiyle dikkat çeken Maya Plisetskaya'nın (d. 1925) inanılmaz becerisini uyandırdı. Kuğu Gölü'ndeki Odette-Odile. Bolşoy Tiyatrosu, Sovyet tarzının en gösterişli özelliklerini bünyesinde barındırırken, Kirov Tiyatrosu dansçılarının klasik saflığı, Bolşoy Tiyatrosu'nun dansçılarının klasik saflığı, Bolşoy Tiyatrosu'nun (d. 1912) ve Konstantin Sergeev (1910-1992) gibi sanatçılarda ifadesini buldu. Petipa geleneğinin canlanması. Büyük başarı elde etti sonraki nesiller sanatçılar: Bolşoy Tiyatrosu'nda Ekaterina Maksimova (d. 1939), Vladimir Vasiliev (d. 1940), Natalya Bessmertnova (d. 1941) ve Vyacheslav Gordeev (d. 1948), Irina Kolpakova (d. 1933), Alla Sizova (d. 1939) ve Kirov Tiyatrosu'nda Yuri Solovyov (1940-1977). 1961'de Kirov Tiyatrosu'nun önde gelen dansçılarından biri olan Nureyev, grubun Fransa turu sırasında Batı'da kaldı. Aynı tiyatronun diğer iki önde gelen sanatçısı - Natalia Makarova ve Mikhail Baryshnikov - aynısını yaptı (Makarova - 1970'te Londra'da, Baryshnikov - 1974'te Kanada'da). 1980'lerde Sovyetler Birliği'nde sanat üzerindeki idari ve siyasi baskılar hafifledi, Tiyatronun bale topluluğunu yöneten Oleg Vinogradov (d. 1937). Kirov, 1977'den beri Balanchine, Tudor, Maurice Béjart (d. 1927) ve Robbins'in balelerini repertuarına sokmaya başladı. Yeniliğe daha az yatkın olan, 1964'ten itibaren Bolşoy Balesine başkanlık eden Yuri Grigorovich'ti (d. 1927). İlk yapımları - Stone Flower (Prokofiev'in müziği, 1957) ve Spartacus (A.I. Khachaturian'ın müziği, 1968) - tipiktir. Sovyet performansları. Grigorovich, muhteşem efektlere güveniyor, enerjik olarak hareket eden büyük bir dansçı kitlesini güvenle yönetiyor, yaygın olarak kullanılıyor Halk dansı kahramanlık hikayelerini tercih eder. Uzun yıllar boyunca, Bolşoy Tiyatrosu sahnesinde neredeyse yalnızca Grigorovich'in baleleri veya Kuğu Gölü gibi eski oyunlardan uyarlamaları yer aldı. 1980'lerin sonunda Bolşoy Tiyatrosu'ndan Irek Mukhamedov (d. 1960) ve Nina Ananiashvili (d. 1963) ve ayrıca Tiyatro'dan Altynai Asylmuratova (d. 1961) ve Farukh Ruzimatov (d. 1963). Kirov, Batı'nın önde gelen bale topluluklarında performans sergileme izni aldı, ardından bu grupların bir parçası oldu. Vinogradov ve Grigorovich bile, 1991'de SSCB'nin çöküşünden sonra tiyatrolar için devlet finansmanının önemli ölçüde azaldığı Rusya dışında yeteneklerini göstermek için fırsatlar aramaya başladılar. 1995'te Grigorovich, Bolşoy Balesi'nin yönetmeni olarak Vladimir Vasiliev tarafından değiştirildi. St.Petersburg'daki diğer topluluklar, Maly Opera ve Bale Tiyatrosu'nun balesidir. M. P. Mussorgsky (1991 yılına kadar Maly Opera ve Bale Tiyatrosu olarak adlandırılıyordu), koreograf Boris Eifman (d. 1946) tarafından yönetilen St. Petersburg "Boris Eifman Bale Tiyatrosu", Leonid Yakobson tarafından oluşturulan Koreografik Minyatürler topluluğu ( 1904-1975), Tiyatroda çalıştı. Çalışmaları Batı'da ünlenen 1942-1969'da Kirov. Moskova'daki topluluk müzikal tiyatro onlara. KS Stanislavsky ve Vl.I.Nemirovich-Danchenko, Klasik Bale Tiyatrosu. Perm'de Evgeny Panfilov (d. 1956) tarafından yaratılan "Deney" grubu ilgiyi hak ediyor. Sovyetler Birliği'nin çöküşü ve ardından gelen ekonomik kriz, o zamana kadar devlet tarafından cömertçe sübvanse edilen bale kumpanyalarına büyük zorluklar getirdi. Birçok dansçı ve öğretmen ülkeyi terk ederek ABD, İngiltere, Almanya ve diğer Batı ülkelerine yerleşti. Soğuk Savaş sırasında birçok ülke Doğu Avrupa'nın Sovyet bloğunun bir parçası olan , hem dansçı eğitiminde hem de performansları sahnelemede Sovyet ilkelerini takip etti. Sınırlar açılınca başta Macaristan ve Polonya olmak üzere bu ülkelerden birçok sanatçı kendilerine gelen Batılı toplulukların koreografilerinin başarılarına katıldı ve kendileri de ülkelerinin dışına seyahat etmeye başladı.
Fransa. 20. yüzyılın başlarında Fransız balesi kriz halindeydi. Özellikle Diaghilev grubundan Paris Operası'na davet edilen Rus sanatçılar çok daha güçlüydü. Fransız sanatçılar. Diaghilev'in ölümünden sonra, bir zamanlar Ukrayna'dan Fransa'ya gelen grubunun baş dansçısı Sergei Lifar (1905-1986), Paris Opera Balesi'nin başına geçti ve 1929-1945'te, ardından 1947-1958'de bu görevde kaldı. . Onun liderliğinde mükemmel dansçılar büyüdü, özellikle de Giselle rolündeki performansıyla ünlenen harika lirik balerin Yvette Chauvire (d. 1917). Koreografi alanındaki en ilginç deneyler, Paris Operası dışında, özellikle Roland Petit ve Maurice Béjart tarafından gerçekleştirildi. Petit (d. 1924) 1944'te Opera'dan ayrıldı ve diğer performansların yanı sıra genç ve dinamik dansçı için Gençlik ve Ölüm balesini (1946, müziği J.S. Bach'a ait) sahnelediği "Ballet des Champs-Elysées"yi yarattı. Jean Babilé (d. 1923). Sonra "Paris Balesi" topluluğu için en ünlülerinden birini yarattı ve uzun yaşam prodüksiyonlar - Rene (Zizi) Jeanmer (d. 1924) ile birlikte Carmen (1949, J. Bizet'nin müziğine). Petit'in teatrallik duygusu, çeşitli türlerde çalışmasına ve ticari etkinliklere katılmasına izin verdi. 1972-1998'de grubu yönetti " Ulusal Bale Birçok şık ve keskin tiyatro oyunu sahnelediği Marsilya". Lifar'ın ardından Paris Operası topluluğuna birer birer böyleleri başkanlık etti. ünlü ustalar Harald Lander (1905-1971), Georges Skibin (1920-1981), Violetta Verdi ve Rosella Hightower (d. 1920) gibi. Repertuar, Petit ve Béjart, Balanchine, Robbins, Grigorovich, Glenn Tetley'in yanı sıra Amerikan modern dansı Paul Taylor (d. 1930) ve Merce Cunningham'ın eserleriyle zenginleştirildi. 1983 yılında Rudolf Nureyev başkanlık görevine atandı. Sylvie Guillaume (d. 1965) ve Isabelle Guerin (d. 1961) gibi balerinlerin gelişimine özel önem verdi ve şirkete klasikleri korurken çeşitli yönlerdeki koreografik çalışmalarda ellerini deneme fırsatı verdi. Nureyev'in (1989) ayrılmasının ardından, "yıldız" unvanına sahip eski baş dansçı Patrick Dupont (d. 1959), şimdi lider olarak topluluğa geri döndü. 1970'lerde ve 1980'lerde, Fransız taşra toplulukları devlet desteği almaya başladı ve uluslararası ün kazandı. Jean Paul Gravier yönetiminde, 18. yüzyıla ait performansların dikkatli bir şekilde yeniden yapılanmalarını gösteren "Ren Bölümleri Balesi" şirketi özellikle dikkate değerdir. tarihsel araştırmaİsveçli koreograf Ivo Kramer (d. 1921), özellikle Dauberval's Vain Precaution ve Medea ve Jason Noverre (müziği Jean Joseph Rodolphe) baleleri tarafından üstlenildi. Ballet de Lyon Opera, koreografisini Magy Marin'in (d. 1947) yaptığı stilize dramatik dans performansları sergiliyor.
Danimarka. Danimarka'da bale, 20. yüzyıla durgunluk içinde girdi. Burada, Hans Beck sayesinde, August Bournonville'in mirası korunmuştur, ancak inisiyatif eksikliği, Kopenhag'daki Kraliyet Balesi'nin gelişiminin durmasına neden olmuştur. Faaliyetlerinde bir miktar canlanma, 1932-1951 döneminde, grubun Beck'in öğrencisi Harald Lander (Lanner) tarafından yönetildiği dönemde geldi. Lander, Bournonville'in eserlerini mümkünse orijinal hallerinde tuttu ama aynı zamanda kendi balelerini sahneledi: Bunların en ünlüsü, bale eğitiminin ana bileşenlerinin yer aldığı Etütler'dir (1948, K. Czerny'nin müziği, Knudoge Risager tarafından aranjmanı). sınıf sahneye çıkarılarak teatralleştirildi. 1951'de Lander, o zamanlar Vaganova sistemi konusunda Batı'nın en yetkili uzmanı olan Vera Volkova'yı (1904-1975) grubun sanat danışmanı olarak atadı. Çabaları sayesinde, Danimarkalı dansçılar ustalaştı yeni teknoloji eserlerin performansında onlar için yeni fırsatlar açan farklı stiller. Grup izolasyondan çıktı, Avrupa, Rusya ve Amerika kıtasını gezdi. Bournonville tarzının doğasında var olan zarafet ve neşeli animasyon, Danimarkalı dansçıların, özellikle Eric Brun'un performansını ayırt eden dansın cesareti gibi, en olumlu izlenimi bıraktı. Erkek dansçıların eğitimi, Danimarka okulunun ana başarılarından biri olarak kabul edilmiştir. 1960'lar ve 1970'lerde bale tarihine olan ilgide olağanüstü bir artış oldu ve Bournonville performansları, romantik bale eserlerinden günümüze kalan en özgün örnek olarak incelenmeye başlandı ve Danimarka Kraliyet Balesi'ni 1979'da Bournonville Bale Festivalleri düzenlemeye sevk etti. 1992. Ekip, Lander'dan sonra Flemming Flindt (d. 1936), Henning Kronshtam (d. 1934) ve Frank Andersen (d. 1954) dahil olmak üzere birçok sanatçının rehberliğinde çalıştı. 1994'te topluluk Peter Schaufus tarafından ve 1996-1999'da İngiliz kadın Maina Gielgud (d. 1945) tarafından yönetildi. Danimarka Kraliyet Balesi'nin repertuarı, yabancı koreografların çalışmaları ile giderek genişledi, aynı zamanda Bournonville baleleri de repertuvara dahil edilmeye başlandı. dans grupları Dünya çapında. 1982'de Kanada Ulusal Balesi, Napoli balesinin tamamını (Niels Wilhelm Gade, Edward Mats Ebbe Helsted, Holger Simon Paulli ve Hans Christian Lumby'nin müziği) ve 1985'te Amerikan şehri Salt Lake City'de (Utah) Balle West'i sahneledi. . . ), Bruce Marks ve Tony Lander tarafından yönetilen, 125 yıldır daha önce oynanmamış olan Abdalla balesinin (müziği Holger Simon Paulli'ye ait) yeniden canlandırmasını gösterdi.
Almanya. 20. yüzyılın ilk yarısında Almanya'da en önemli fenomen, burada "ifade edici" adını alan serbest dansın gelişmesiydi - Ausdruckstanz. İkinci Dünya Savaşı'ndan sonra, Federal Almanya Cumhuriyeti ve Doğu Almanya hükümetleri bale topluluklarını desteklemeye büyük önem verdiler. Batı Almanya'nın tüm ana şehirlerinde, operalara katılırken performanslarını sergileyen opera evlerinde bağımsız bale grupları oluşturuldu. İngiliz topluluğu "Sadler's Wells Theatre Balle" de bir dizi performans sergileyen ve sahneleyen İngiltere'den John Cranko (1927-1973), 1961'de Stuttgart Bale'nin başına geçti ve birçok oyunda kendi çok oyunculu performanslarından oluşan geniş bir repertuar oluşturdu. tarzıyla Sovyet balelerini andıran saygılar, dramatize edilmiş danslarla zengin. Bu Romeo ve Juliet (Prokofiev'in müziği, 1962). Onegin (1965, Tchaikovsky'nin müziğine, K. Kh. Stolze'nin düzenlemesiyle) ve The Taming of the Shrew (1969, A. Scarlatti'nin müziğinin, K.-H. Stolze'nin düzenlemesiyle), balelerin başarısı büyük ölçüde Brezilya doğumlu harika dansçı Marcia Heide'nin (d. 1939) ve ortağı Amerikalı Richard Craghan'ın (d. 1944) onlara katılımına bağlıydı. Grup kısa sürede dünya çapında ün kazandı; Cranko'nun zamansız ölümünden sonra, Cranko'nun anısına orgda Solo balesini sahneleyen Glen Tetley başkanlık etti (Gönüllüler, 1973, F. Poulenc'in müziğine). Cranko'nun ana başarıları arasında, genç koreografların deneyler yapabileceği, yarattığı yaratıcı atölye çalışması vardı. Amerikalı William Forsythe ve John Neumeier (d. 1942) ile Çek Jiri Kilian (d. 1947) burada çalışmaya başladı. Hepsi önde gelen koreograflar oldu. bale tiyatroları Sonraki yıllarda Avrupa. Neumeier, 1973'te Hamburg'da balenin sorumluluğunu üstlendi ve orada hem kendi klasik performans baskılarından hem de Mahler, Stravinsky ve Bach'ın müziklerini kullandığı dini ve felsefi temalar üzerine orijinal prodüksiyonlardan zengin bir repertuar yarattı. Onun bale tutkusu St. Matthew (1981) dört saat sürdü. Forsythe, Cranko'nun ölümünden kısa bir süre önce Stuttgart Balesi'ne katıldı ve Frankfurt Balesi'nin başına davet edildiği 1984 yılına kadar burada performanslar sergilerken dans etti. Modern edebiyatta yaygın olan fikirlerden etkilenen Forsyth, bunları baleye uyguladı. Koreografisinde, postmodern dönem edebiyatını ayıran aynı parçalanma var, dansa sıklıkla sözlü pasajlar dahil ediliyor ve diğer sanat dallarıyla ilgili teknikler kullanılıyor. Dans tekniği, aşırı enerjiye, doğal dengenin ihlaline dayanır ve amacı, romantik ilişkileri anda aktarmaktır. en yüksek voltaj. Nureyev'in daveti üzerine Forsythe tarafından sahnelenen Aşk Şarkıları (1979, halk müziği) ve Ortada, biraz yükseltilmiş (Leslie Stuck ve Tom Wilems'in müziği) baleleri bunlardır. paris operası 1988'de Forsyth yapımlarında isteyerek keskin sesli bir ses kullandı. elektronik müzik Bir yabancılaşma ve belirsiz kaygı atmosferinin yaratılmasına katkıda bulunan Hollandalı Tom Willems.
Hollanda.İkinci Dünya Savaşı'ndan önce, Alman serbest dansının etkisi Hollanda'da en güçlüydü. Savaştan sonra izleyicilerin baleye olan ilgisi arttı ve Amsterdam'da "Hollanda Ulusal Balesi" topluluğu kuruldu. 1959'da, bu gruptan ayrılan bir dizi dansçı ve koreograf, Lahey'e yerleşen ve kendisini yalnızca dansa adayan "Hollanda Dans Tiyatrosu" nu kurdu. çağdaş koreografi. İki grup sık sık hem sanatçıları hem de performansları değiş tokuş etti. Hollanda Ulusal Balesi'nin sanat yönetmeni Hans van Manen (d. 1932) ve Rudy van Dantzig (d. 1933), Glen Tetley ile birlikte Hollandalıların repertuarını oluşturdu. dans tiyatrosu". Tetley'in çalışmalarının merkezinde farklı etkiler var: bunlar Chania Holm (1898-1992) ve Martha Graham, Jerome Robbins ve American Balle Theatre; yapımlarında hem parmak tekniğini hem de parmak tekniğini kullanması boşuna değil. bale ve modern dansın karakteristik özelliği olan vücudun aşırılıkları ve vurgulu ifadeli eller, ancak klasik dansta geliştirilen zıplamaları ve patinajları kullanmazlar. Van Dantzig ve van Manen baleleri, bir karışıma sahip olmaları bakımından Tetley balelerine benzer. 1965, Jan Berman müziği) dünya çapında birçok bale topluluğu tarafından icra edilmiştir. insanları ilgilendiren ve bestecilerin müziklerini kullanmayı tercih eden konular Orta Avrupa. Kilian, öncüllerinin karma stiline yeni nitelikler ekledi: yerde yatarak gerçekleştirilen hareketlerin kapsamlı kullanımı, dramatik heykel efektleri, yüksek kaldırma ve dönüşler. L. Janacek'in müziğiyle yarattığı ve birçok ülkede sahnelenen The Return to a Foreign Land (1974 ve 1975 - iki baskı) ve Sinfonietta (1978) baleleri, dans modeli dansçılar üzerine inşa edildiğinde ortaya çıkan olasılıkları gösterir. birbirine yakın. Kültürle ilgilenen Avustralya yerlileri, koreograf 1983'te The Haunted Place (Stamping Ground, müzik Carlos Chavez) ve Sleep Time (Dreamtime, müzik Takemitsu) balelerini yarattı. 1990'ların başında, Kilian ana gruba başka bir toplulukla katıldı - "Hollanda Tiyatrosu 3". Niels Kriste'nin (d. 1946) yönetimindeki Rotterdam merkezli The Scapino Ballet, modern prodüksiyonlarıyla dikkat çeken bir diğer Hollandalı topluluktur.
Dünya çapında bale sanatı. 20. yüzyılın ortaları gibi balenin rolü arttı, bazı bölgeler de dahil olmak üzere Amerika, Avrupa ve Asya'nın hemen hemen tüm ülkelerinde topluluklar kurulmaya başlandı. Orta Asya ve Afrika'nın yanı sıra Avustralya ve Yeni Zelanda'da. Bale İspanya, Çin, Japonya ve Küçük Asya gibi kendi zengin dans geleneğine sahip ülkelerde bile kendine yer bulmuştur. Savaş sonrası Fransa'sında büyüyen Maurice Béjart, 1960 yılında Brüksel'de 20. Yüzyıl Balesi'ni kurdu. Bu topluluk ve onun altında düzenlenen "Mudra" adlı çok sıra dışı bir okul, psikoloji ve modern felsefi fikirlere dayalı dans dramaları sergileyerek bale sanatını tanıtmayı amaçlıyordu. Mümkün olduğu kadar çok seyircinin görebilmesi için birçok performans stadyumlarda yapıldı. Béjart, Balanchine'in sık sık alıntılanan "bale bir kadındır" iddiasını çürüttü ve erkek dansçılara odaklandı: örneğin, The Firebird balesinde (Stravinsky'nin süitinin müziğine, 1970), ana bölümün oyuncusunu genç bir dansçıyla değiştirdi. bir partizanı canlandıran adam. Yine de Balanchine'in evlendikten sonra New York grubundan geçici olarak ayrılan önde gelen balerini Susan Farrell, grubunda beş yıl boyunca dans etti. 1987'de, 20. Yüzyıl Balesi'nin çalıştığı Brüksel'deki Théâtre de la Monnaie'nin yöneticisi Gerard Mortier, Bejart'ın maliyetleri düşürmesini ve grubun kompozisyonunu küçültmesini önerdi. Bu gereklilikleri kabul etmeyen Bejart, çalışmalarını sürdürebileceği başka bir yer aramaya başladı. Avrupa'nın farklı ülkelerinden kendisine sayısız teklifler geldi ve İsviçre'de Lozan'ı seçti. Şimdi grubunun adı "Béjart's Ballet". 20. yüzyılın son on yıllarında İtalyan balerin Carla Fracci, Alessandra Ferri (d. 1963) ve İngiliz Kraliyet Balesi'nin baş dansçısı Viviana Durante, İtalya dışında büyük bir başarıyla sahne aldılar, ancak anavatanlarında buna layık bir uygulama bulabilecekleri bir tiyatro yoktu. onların yetenekleri. Ulusal dans geleneklerinin hala herhangi bir yenilikten daha güçlü olduğu İspanya'da, yine de, kendini klasik baleye adamış yerel bir koreograf ortaya çıktı - Ballet Lirico Nacional'ın başkanı Nacho Duato (d. 1957). Dutch Dance Theatre'da eski bir dansçı olan Duato, Kilian'ın çıkıntılılığını şiddetli tutkuyla birleştiren dansların koreografilerini yapıyor. 1920'lerde, İsveçli impresario Rolf de Mare (1898-1964), koreografisini Jean Berlin'in (1893-1930) yaptığı, Paris'te İsveç Bale kumpanyasını kurdu. Bu grup cesur deneyler yaptı ve 1920'den 1925'e kadar birkaç yıl boyunca Diaghilev'in Rus Balesi ile yarıştı. 1773'ten beri Stockholm'deki Kraliyet Operası binasında bulunan İsveç Kraliyet Balesi, 1950-1953'te Anthony Tudor tarafından yönetildi. 1950'de Birgit Kulberg (d. 1908) Freken Julia (müziği Thure Rangström'e aittir) burada prömiyer yaptı ve halen dünya çapında birçok topluluk tarafından icra ediliyor. 1963'te, tekrar Kraliyet Balesi'ne davet edilen Tudor, Trompetlerin Yankısı'nı sahneledi (müziği Bohuslav Martinu'ya ait). Kurt Jooss ve Martha Graham ile çalışan Birgit Kulberg, 1967'de kendi grubunu kurdu ve klasik koreografi ile modern dansı tek bir performansta birleştirmeyi denedi. 1990'dan beri Kulberg balesine başkanlık eden oğlu Mats Ek (d. 1945), Giselle ve Kuğu Gölü balelerinin Giselle ve Kuğu Gölü balelerinin geleneksel yapımlarına hiçbir şekilde benzemeyen tamamen yeni prodüksiyonlar gerçekleştirdi. 20. yüzyılda üç önemli Kanada topluluğu ortaya çıktı: 1938'de Winnipeg Ballet Club adı altında kurulan ve 1949'da profesyonel bir topluluk haline gelen Royal Winnipeg Ballet; 1951'de Toronto'da oluşturulan "Kanada Ulusal Balesi"; ve 1957'de Montreal'de faaliyete geçen Büyük Kanada Balesi. Kanada Ulusal Balesi, İngiliz toplulukları Balle Rambert ve Sadler's Wells Ballet ile performans sergileyen Celia Franca (d. 1921) tarafından kuruldu. Sadler's Wells Balle deneyiminden yararlanarak, 19. yüzyıldan klasik bale sahneleyerek başladı. Franca, topluluğu 1974'e kadar yönetti ve yerine Alexander Grant (d. 1925) geldi. Reid Anderson (d. 1949), 1994-1996 yılları arasında grubun lideriydi ve 1996'da bu göreve James Kudelka (d. 1955) atandı. Bale Küba'da hızla gelişti. Amerika Birleşik Devletleri'nin en ünlü Amerikan balerinlerinden biri olan Alicia Alonso, 1959'da Fidel Castro'nun devriminden sonra anavatanına döndü ve "Küba Ulusal Balesi" grubunu kurdu. Alonso'nun sahne hayatı çok uzundu, ancak altmış yaşın üzerinde performans göstermeyi bıraktı. Başta Nijinska ve Balanchine olmak üzere birçok büyük dansçı ve koreograf Buenos Aires'te farklı zamanlarda çalıştı. Arjantinli Julio Bocca ve "American balle tietr"in önde gelen dansçıları olan Paloma Herrera (d. 1975), Buenos Aires'te dans eğitimi almaya başladı. 1917 devriminden sonra birçok Rus dansçı, Asya sınırından ülkeyi terk etti. Bazıları geçici veya kalıcı olarak Çin'e yerleşti. Dünya Savaşı'ndan sonra SSCB'den öğretmenler ve koreograflar Çin'de çalıştı. Çinliler döneminde kültürel devrim 1960 Sovyet etkisi azaldı ve Kızıl Kadınlar Taburu veya Gri Saçlı Kız (her ikisi de 1964'te) gibi ulusal eserler yaratılmaya başlandı. Bu performanslar, balede lirizmi çöküş olarak reddeden bir yönün örnekleridir, dikkat çekici özelliği, corps de ballet tarafından parmaklarda gerçekleştirilen toplu danslardaki demir disiplin ve netliktir. 1970'lerde ve 1980'lerde yabancı etki arttıkça, birçok Çin şehrinde yeni bale toplulukları ortaya çıktı. Ayrıca diğer birçok Asya ülkesinin ana şehirlerinde de oluşturulurlar.
Çözüm. 20. yüzyılın sonunda bale sanatının karşılaştığı sorunlar giderek daha net hale geldi. 1980'lerde, Balanchine, Ashton ve Tudor öldüğünde (1980'lerde) ve Robbins, şiddetli aktivite, yaratıcı bir boşluk vardı. 20. yüzyılın sonlarında çalışan genç koreografların çoğu, klasik dansın kaynaklarını geliştirmekle pek ilgilenmediler. Tükenmiş görünen klasik dans ve bedensel yetenekleri ortaya çıkarmada orijinallikten yoksun modern dans ile farklı dans sistemlerinin bir karışımını tercih ettiler. Koreograflar, modern yaşamın özünü oluşturan şeyleri aktarma çabası içinde, parmak tekniğini sanki düşünceleri vurgulamak istercesine kullanırlar, ancak geleneksel el hareketlerini (port de bras) göz ardı ederler. Destek sanatı, bir kadın yerde sürüklendiğinde, fırlatıldığında, daire içine alındığında, ancak neredeyse hiç desteklenmediğinde veya onunla dans etmediğinde, ortaklar arasındaki bir tür etkileşime indirgenmiştir. Çoğu topluluk, repertuarlarını 19. yüzyılın klasiklerini içerecek şekilde oluşturur. (Sylphide, Giselle, Kuğu Gölü, Uyuyan Güzel), 20. yüzyılın ustalarının en ünlü baleleri. (Fokine, Balanchine, Robbins, Tudor ve Ashton), Macmillan, Cranko, Tetley ve Kilian'ın popüler yapımları ve Forsyth, Duato, James Koudelka gibi yeni nesil koreografların çalışmaları. Aynı zamanda dansçılar daha iyi eğitim alırlar, çünkü daha bilgili öğretmenler var. Nispeten yeni dans tıbbı alanı, dansçılara yaralanmayı önleme tekniklerine erişim sağladı. Dansçıları müzikle tanıştırma sorunu var. Yaygın popüler müzik, tarzların çeşitliliğini bilmiyor, birçok ülkede müzik okuryazarlığı öğretmek düşük seviyede, danslar sahnelenirken fonogramlar sürekli kullanılıyor - tüm bunlar dansçılar arasında müzikalitenin gelişimini engelliyor. yeni fenomen son on yıl ilki 1964 yılında Varna'da (Bulgaristan) düzenlenen bale yarışmaları başladı. Sadece ödülleri değil, aynı zamanda en prestijli kuruluşları temsil eden jüri üyelerine kendilerini gösterme fırsatı da çekiyorlar. Yavaş yavaş, farklı ülkelerde en az on tane olmak üzere daha fazla yarışma vardı; bazıları birlikte para bursları sunar. Koreograflara olan ihtiyaçla bağlantılı olarak koreograflar için yarışmalar da ortaya çıktı.
- - Moskova'daki ilk performans - "Orpheus ve Eurydice Balesi" 1673'te İsveçli N. Lim tarafından sahnelendi. 1773 yılında Moskova Yetimhanesinde bir bölüm açılmıştır...
Moskova (ansiklopedi)
- - klasik ilk olarak 1912'de, Teikoku Gekijo Tiyatrosu'nda üç yıl dans öğreten İtalyan koreograf Giovanni Roshi oraya geldiğinde Japonya'da ortaya çıktı ...
Tüm Japonya
- - bale, manzara Performans sanatları: Tüm olayların, karakterlerin ve karakterlerin duygularının dans yoluyla aktarıldığı müzikal ve koreografik bir teatral performans...
Sanat Ansiklopedisi
- - - sahne görünümü. dava; içeriği müzikal-koreografide somutlaşan performans. Görüntüler. Genel dramaturjiye dayalıdır. plan B. müzik, koreografi ve güzel sanatı birleştirir...
- - Bir cilt Puşkin açalım: Tiyatro zaten dolu; zâviye parlıyor; Parter ve sandalyeler - her şey tüm hızıyla devam ediyor; Cennette sabırsız bir şırıltı var, Kalkıp kalkan perde hışırdıyor...
- - bir tür tiyatro sanatı, burada ana ifade aracı sözde "klasik" dansa hizmet eder; bu sanata ait sahne çalışması...
Collier Ansiklopedisi
