Senfoni Orkestrasının Kısa Tarihi. Ses mucizesi (bir senfoni orkestrası hakkında) Çocuklar için bir senfoni orkestrası hakkında bir hikaye

Müzik her şeyden önce seslerdir. Gürültülü ve sessiz, hızlı ve yavaş, ritmik ve o kadar da olmayabilirler…

Ama her biri, çıkan her nota, müzik dinleyen kişinin bilincini, ruh halini belirli bir şekilde etkiler. Ve eğer bu orkestra müziğiyse, o zaman kesinlikle kimseyi kayıtsız bırakamaz!

orkestra. orkestra türleri

Orkestra, müzik aletleri çalan, bu çalgılar için özel olarak tasarlanmış eserler çalan bir grup müzisyendir.

Ve bu kompozisyondan, orkestranın farklı müzikal olasılıkları var: tını, dinamikler, ifade gücü açısından.

Ne tür orkestralar var? Ana olanlar:

• senfonik;
• enstrümantal;
• halk enstrümanları orkestrası;
• rüzgâr;
• caz;
• pop.

Ayrıca bir askeri bando (askeri şarkılar icra eden), bir okul bandosu (okul çocuklarını içeren) vb.

Senfoni Orkestrası

Bu orkestra türü telli, üflemeli ve vurmalı çalgılar içerir.

Küçük bir senfoni orkestrası ve büyük bir orkestra var.

Maly, 18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarındaki bestecilerin müziğini çalan kişidir. Repertuarı modern varyasyonları içerebilir. Büyük bir senfoni orkestrası, kompozisyonuna daha fazla enstrüman ekleyerek küçük olandan farklıdır.

Küçüklerin bileşimi mutlaka şunları içerir:

• kemanlar;
• alto;
• çello;
• kontrbas;
• fagotlar;
• boynuzlar;
• borular;
• timpani;
• flütler;
• klarnet;
• obua.

Büyük olan aşağıdaki araçları içerir:

• flütler;
• obua;
• klarnet;
• kontrfagotlar.

Bu arada, her aileden en fazla 5 enstrüman içerebilir. Ve ayrıca büyük orkestra mevcut:

• boynuzlar;
• trompet (bas, küçük, alto);
• trombonlar (tenor, tenorbas);
• tüp.

Ve tabii ki vurmalı çalgılar:

• timpani;
• çanlar;
• küçük ve büyük davul;
• üçgen;
• plaka;
• Hint tom-tom;
• arp;
• piyano;
• klavsen.

Küçük bir orkestranın özelliği, içinde yaklaşık 20 yaylı çalgı bulunması, büyük bir orkestrada ise yaklaşık 60 olmasıdır.

Şef senfoni orkestrasını yönetir. Orkestra tarafından icra edilen eseri, orkestranın her enstrümanının tüm bölümlerinin eksiksiz bir müzik notası olan partisyon yardımıyla sanatsal olarak yorumlar.

enstrümantal orkestra

Bu orkestra türü, belirli grupların net sayıda müzik aletine sahip olmaması nedeniyle biçiminde farklılık gösterir. Ayrıca herhangi bir müziği icra edebilir (yalnızca klasik icra eden bir senfoni orkestrasının aksine).

Belirli enstrümantal orkestra türleri yoktur, ancak geleneksel olarak çeşitli orkestraların yanı sıra modern işlemede klasikleri icra eden bir orkestra içerirler.

Buna göre Tarihsel arka plan, enstrümantal müzik Rusya'da yalnızca Büyük Peter altında aktif olarak gelişmeye başladı. Elbette kendi üzerinde Batı etkisi vardı, ancak artık eskisi gibi bir yasak altında değildi. Ve öyle bir noktaya gelmeden önce sadece çalmak değil, müzik aletlerini yakmak da yasaktı. Kilise onların ne ruhu ne de kalbi olduğuna ve bu nedenle Tanrı'yı ​​\u200b\u200byüceltemeyeceklerine inanıyordu. Ve bu nedenle enstrümantal müzik, esas olarak sıradan insanlar arasında gelişti.

Enstrümantal bir orkestrada flüt, lir, cithara, flüt, trompet, obua, tef, trombon, boru, nozül ve diğer müzik aletlerinde çalıyorlar.

En popüler enstrümantal orkestra XX yüzyıl - bu Paul Mauriat'ın orkestrası.

Şefi, lideri, aranjörüydü. Orkestrası, kendi bestesinin yanı sıra 20. yüzyılın birçok popüler müzik eserini çaldı.

Halk Orkestrası

Böyle bir orkestrada temel çalgılar halktır.

Örneğin, bir Rus halk orkestrası için en tipik olanları şunlardır: domralar, balalaykalar, psaltery, düğme akordeonlar, armonikalar, zhaleika, flütler, Vladimir boynuzları, tefler. Ayrıca böyle bir orkestra için ek müzik aletleri flüt ve obuadır.

İlk olarak 19. yüzyılın sonunda V.V. tarafından organize edilen bir halk orkestrası ortaya çıktı. Andreev. Bu orkestra çok gezdi ve Rusya'da ve yurtdışında geniş bir popülerlik kazandı. Ve 20. yüzyılın başında halk orkestraları her yerde görünmeye başladı: kulüplerde, kültür saraylarında vb.

Pirinç bant

Bu orkestra türü, çeşitli üflemeli ve vurmalı çalgılar içerdiğini öne sürer. Küçük, orta ve büyük olarak gelir.

caz orkestrası

Bu türden başka bir orkestraya caz grubu adı verildi.

Bu tür müzik aletlerinden oluşur: saksafon, piyano, banjo, gitar, perküsyon, trompet, trombon, kontrbas, klarnet.

Genel olarak caz, müzikte Afrika ritimleri ve folklorunun yanı sıra Avrupa armonisinin etkisi altında gelişen bir yöndür.

Caz ilk olarak 20. yüzyılın başında Amerika Birleşik Devletleri'nin güneyinde ortaya çıktı. Ve kısa sürede tüm dünya ülkelerine yayıldı. Evde, bu müzikal yön gelişti ve yenileri ile desteklendi. karakteristik özellikler bir bölgede veya başka bir yerde ortaya çıktı.

Bir zamanlar Amerika'da "caz" ve "popüler müzik" terimleri aynı semantik anlama sahipti.

1920'lerde caz orkestraları aktif olarak oluşmaya başladı. Ve 40'lı yıllara kadar öyle kaldılar.

Kural olarak, katılımcılar bu müzik gruplarına ergenlik çağında girdiler, kendi özel kısımlarını ezberlediler veya notlardan yaptılar.

1930'lar caz orkestraları için ihtişamın zirvesi olarak kabul edilir. O zamanın en ünlü caz orkestralarının liderleri şunlardı: Artie Shaw, Glenn Miller ve diğerleri. Müzikal çalışmaları o zamanlar her yerde duyuluyordu: radyoda, dans kulüplerinde vb.

Günümüzde caz orkestraları ve caz tarzında yazılmış melodiler de oldukça popülerdir.

Ve daha fazla müzik orkestrası türü olmasına rağmen, makale ana olanları tartışıyor.

orkestra(Yunan orkestrasından) - büyük bir enstrümantal müzisyen ekibi. Oda topluluklarından farklı olarak, orkestrada bazı müzisyenler birlikte çalan gruplar oluşturur, yani aynı bölümleri çalarlar.
Bir grup enstrümantal icracı tarafından eşzamanlı müzik yapma fikri eski zamanlara kadar uzanır: eski Mısır'da bile, küçük müzisyen grupları çeşitli bayramlarda ve cenazelerde birlikte çalardı.
"Orkestra" ("orkestra") kelimesi, herhangi bir trajedi veya komediye katılan antik Yunan korosunu barındıran antik Yunan tiyatrosunda sahnenin önündeki yuvarlak platformun adından gelir. Rönesans döneminde ve sonrasında XVII. yüzyılda orkestra bir orkestra çukuruna dönüşmüş ve buna göre içinde yer alan müzisyenler topluluğuna isim vermiştir.
Pek çok farklı orkestra türü vardır: askeri pirinç ve nefesli orkestralar, halk çalgıları orkestraları, yaylı çalgılar orkestraları. Kompozisyon açısından en büyüğü ve yetenekleri açısından en zengini senfoni orkestrasıdır.

Senfonikbirkaç heterojen enstrüman grubundan oluşan bir orkestra olarak adlandırılır - yaylı çalgılar, üflemeli ve vurmalı çalgılar ailesi. Böyle bir birliktelik ilkesi Avrupa'da 1990'larda gelişmiştir. XVIII yüzyıl. Başlangıçta, senfoni orkestrası grupları içeriyordu. yaylı aletler, birkaç vurmalı müzik aletine bitişik ahşap ve pirinç üflemeli çalgılar. Daha sonra, bu grupların her birinin bileşimi genişledi ve çeşitlendi. Şu anda, bir dizi senfoni orkestrası arasında, küçük ve büyük bir senfoni orkestrası arasında ayrım yapmak gelenekseldir. Küçük Senfoni Orkestrası, ağırlıklı olarak klasik bestelerden oluşan bir orkestradır (18. yüzyılın sonları - 19. yüzyılın başlarından müzik çalan veya modern pastiş). 2 flüt (nadiren bir küçük flüt), 2 obua, 2 klarnet, 2 fagot, 2 (nadiren 4) korna, bazen 2 trompet ve timpaniden oluşur, dize grubu en fazla 20 enstrüman (5 birinci ve 4 ikinci keman, 4 viyola, 3 çello, 2 kontrbas). Büyük senfoni orkestrası (BSO), bakır grubunda zorunlu trombonları içerir ve herhangi bir kompozisyona sahip olabilir. Genellikle ahşap enstrümanlar (flütler, obualar, klarnetler ve fagotlar) her aileden 5 enstrümana kadar ulaşır (bazen daha fazla klarnet) ve çeşitleri içerir (pick ve alto flütler, aşk tanrısı obua ve İngiliz obua, küçük, alto ve bas klarnetler, kontrfagot). Bakır grubu 8 adede kadar korna (özel Wagner tubaları dahil), 5 trompet (küçük, alto, bas dahil), 3-5 trombon (tenor ve tenorbass) ve bir tuba içerebilir. Saksafonlar sıklıkla kullanılır (bir caz orkestrasında, 4 türün hepsinde). Tel grubu 60 veya daha fazla enstrümana ulaşır. Vurmalı çalgılar çoktur (timpani, çanlar, küçük ve büyük davullar, üçgen, ziller ve Hint tam-tomları bel kemiğini oluştursa da), arp, piyano, klavsen sıklıkla kullanılmaktadır.
Orkestranın sesini göstermek için kaydı kullanacağım son konser"YouTube Senfoni Orkestrası". Konser 2011 yılında Avustralya'nın Sidney şehrinde gerçekleşti. İÇİNDE canlı dünya çapında milyonlarca insan tarafından televizyonda izlendi. YouTube Senfonisi, kendini müzik sevgisini geliştirmeye ve insanlığın muazzam yaratıcı çeşitliliğini sergilemeye adamıştır.

Konser programında tanınmış ve az tanınan bestecilerin tanınmış ve az bilinen eserlerine yer verildi.

İşte onun programı:

Hector Berlioz - Roma Karnavalı - Uvertürü, Op. 9 (Android Jones'u içeren - dijital sanatçı)
Maria Chiossi ile tanışın
Percy Grainger - Nutshell'den Platform Humlet'e Varış - Süit
Johan Sebastian Bach
Paulo Calligopoulos ile tanışın - Elektro Gitar ve keman
Alberto Ginastera - Estancia balesinden Danza del trigo (Buğday Dansı) ve Danza finali (Malambo) (yönetmen Ilyich Rivas)
Wolfgang Amadeus Mozart - "Caro" bell "idol mio" - Canon üç sesle, K562 (Sydney Çocuk Korosu ve soprano Renee Fleming'in video aracılığıyla yer aldığı)
Xiomara Mass - Obua ile tanışın
Benjamin Britten - Genç Kişinin Orkestra Rehberi, Op. 34
William Barton - Kalkadunga (William Barton - Didgeridoo ile birlikte)
Timothy Memur
Roman Riedel ile tanışın - Trombon
Richard Strauss - Viyana Filarmoni Orkestrası için Fanfare (Sarah Willis, Horn, Berlin Philharmoniker ve Edwin Outwater tarafından yönetilen)
*PREMIERE* Mason Bates - Mothership (YouTube Symphony Orchestra 2011 için özel olarak bestelenmiştir)
Su Chang ile tanışın
Felix Mendelssohn - Mi minör Keman Konçertosu, Op. 64 (Finale) (Stefan Jackiw'in yer aldığı ve Ilyich Rivas tarafından yönetilen)
Özgür Baskın ile Tanışın - Keman
Colin Jacobsen ve Siamak Aghaei - Ascending Bird - Yaylı orkestra için süit (Colin Jacobsen, keman ve Richard Tognetti, keman ve Kseniya Simonova - kum sanatçısı)
Stepan Grytsay ile tanışın - Keman
Igor Stravinsky - Ateş Kuşu (Cehennem Dansı - Berceuse - Final)
*ENCORE* Franz Schubert - Rosamunde (Eugene Izotov - obua ve Andrew Mariner - klarnet ile birlikte)

senfoni orkestrasının tarihi

Senfoni orkestrası yüzyıllar içinde oluşmuştur. Gelişimi uzun zamandır opera ve kilise topluluklarının derinliklerinde gerçekleşti. Bu tür takımlarda XV - XVII yüzyıllar küçük ve çeşitliydi. Lavtalar, viyoller, obualı flütler, trombonlar, arplar ve davulları içeriyordu. Yavaş yavaş, telli yaylı çalgılar baskın konumu kazandı. Viyollerin yerini daha zengin ve melodik sesi olan kemanlar aldı. Başa dönüş XVIII V. orkestrada çoktan hüküm sürdüler. Ayrı bir grup ve üflemeli çalgılar (flüt, obua, fagot) birleşmiştir. Kilise orkestrasından senfoni trompetlerine ve timpani'ye geçtiler. Klavsen saz topluluklarının vazgeçilmez bir üyesiydi.
Böyle bir kompozisyon, J. S. Bach, G. Handel, A. Vivaldi için tipikti.
ortadan XVIII V. senfoni türleri gelişmeye başlar ve enstrümantal konser. Polifonik tarzdan ayrılma, bestecileri orkestra seslerinden rölyef tınısı çeşitliliği için çabalamaya yöneltti.
Yeni araçların işlevleri değişiyor. Zayıf sesiyle klavsen başrolünü yavaş yavaş kaybediyor. Kısa süre sonra besteciler, esas olarak yaylı çalgılar ve rüzgar grubuna güvenerek onu tamamen terk ettiler. Sonunda XVIII V. orkestranın sözde klasik bileşimi oluşturuldu: yaklaşık 30 tel, 2 flüt, 2 obua, 2 fagot, 2 boru, 2-3 korna ve timpani. Klarnet kısa süre sonra pirinç gruba katıldı. J. Haydn, W. Mozart böyle bir beste yazmıştır. L. Beethoven'ın ilk bestelerindeki orkestra böyledir. İÇİNDE 19. V.
Orkestranın gelişimi esas olarak iki yönde ilerledi. Bir yandan kompozisyonda artış, birçok türde enstrümanla zenginleştirildi (başta Berlioz, Liszt, Wagner olmak üzere romantik bestecilerin liyakatleri bunun için harika), diğer yandan orkestranın iç yetenekleri gelişti: ses renkleri daha net, doku daha net hale geldi, ifade kaynakları daha ekonomik hale geldi (Glinka, Tchaikovsky, Rimsky-Korsakov orkestrası gibi). Orkestra paletini ve geç dönem birçok besteciyi önemli ölçüde zenginleştirdi XIX - XX'in 1. yarısı V. (R. Strauss, Mahler, Debussy, Ravel, Stravinsky, Bartok, Shostakovich ve diğerleri).

senfoni orkestrasının bileşimi

Modern bir senfoni orkestrası 4 ana gruptan oluşur. Orkestranın temeli yaylı çalgılar grubudur (keman, viyola, çello, kontrbas). Çoğu durumda yaylılar, orkestradaki melodik başlangıcın ana taşıyıcılarıdır. Yaylı çalan müzisyenlerin sayısı tüm grubun yaklaşık 2/3'ü kadardır. Nefesli çalgılar grubu flüt, obua, klarnet, fagot içerir. Her birinin genellikle bağımsız bir partisi vardır. Tını doygunluğu, dinamik özellikleri ve çeşitli çalım tekniklerinde yaylı çalgılara boyun eğen nefesli çalgılar, büyük bir güce, kompakt sese, parlak renkli tonlara sahiptir. Orkestra çalgılarının üçüncü grubu pirinçtir (korna, trompet, trombon, trompet). Orkestraya yeni parlak renkler getirir, orkestranın dinamik yeteneklerini zenginleştirir, sese güç ve parlaklık verir ve ayrıca bas ve ritmik destek görevi görür.
Tüm daha büyük değer bir senfoni orkestrasında vurmalı çalgılar edinir. Başlıca işlevleri ritmiktir. Ayrıca özel bir ses ve gürültü arka planı oluştururlar, orkestral paleti renk efektleriyle tamamlar ve süslerler. Sesin doğasına göre davullar 2 türe ayrılır: bazılarının belirli bir perdesi vardır (timpani, çanlar, ksilofon, çanlar vb.), diğerleri kesin bir perdeden yoksundur (üçgen, tef, küçük ve büyük davul, ziller). . Ana gruplara dahil olmayan enstrümanlar arasında arpın rolü en önemlisidir. Ara sıra besteciler orkestrada celesta, piyano, saksafon, org ve diğer enstrümanları içerir.
Bir senfoni orkestrasının enstrümanları - yaylı çalgılar grubu, nefesli çalgılar, nefesli çalgılar ve perküsyon - hakkında daha fazla bilgi şu adreste bulunabilir: İnternet sitesi.
Yazıyı hazırlarken keşfettiğim bir başka yararlı site olan "Children about Music"i de göz ardı edemem. Bunun çocuklar için bir site olduğu gerçeğinden korkmanıza gerek yok. İçinde oldukça ciddi şeyler var, sadece daha basit, daha anlaşılır bir dille anlatılmış. Burada bağlantı onun üzerine. Bu arada bir senfoni orkestrası hakkında da bir hikaye içeriyor.

İnsanlık binlerce yıllık tarihi boyunca müzik aletleri yaratmış ve bunları çeşitli kombinasyonlarda birleştirmiştir. Ancak bu enstrüman kombinasyonlarının modern bir orkestranınkine yakın bir forma dönüşmesi sadece dört yüz yıl kadar önceydi.

Eskiden müzisyenler çalmak için bir araya geldiklerinde etrafta hangi enstrüman varsa onu kullanırlardı. Lavtada üç, harpta ve flütte iki oyuncu olsaydı, işte böyle çalarlardı. Rönesans olarak bilinen bir dönem olan 16. yüzyılın başlarında, "topluluk" kelimesi, birlikte veya "bir toplulukta" müzik icra eden bir grup müzisyene, bazen şarkıcılara atıfta bulunmak için kullanılıyordu.

Besteciler erken rönesans genellikle parçayı hangi enstrüman için yazdıklarını belirtmediler. Bu, bölümlerin mevcut herhangi bir enstrümanda çalınabileceği anlamına geliyordu. Ancak 17. yüzyılın başında İtalya'da besteci Claudio Monteverdi, Orpheus (1607) operasına hangi enstrümanların eşlik edeceğini seçti ve bölümlerin tam olarak hangi enstrümanlar için yazıldığını belirtti: çeşitli boyutlarda on beş viyola, iki keman, dört flüt ( iki büyük ve iki orta), iki obua, iki kornet (küçük ahşap borular), dört trompet, beş trombon, bir arp, iki klavsen ve üç küçük org.

Görüldüğü gibi, " rönesans orkestrası"Monteverdi zaten bir orkestra olarak hayal ettiğimiz gibi görünüyordu: enstrümanlar gruplar halinde düzenlenmiş, birçok yaylı çalgı var, çok çeşitli.

Sonraki yüzyılda (1700'e kadar, J.S. Bach), orkestra daha da gelişti. Keman ailesi (keman, viyola, çello ve bas) viyollerin yerini aldı, Barok orkestrada keman ailesi Rönesans orkestrasındaki viyolalardan çok daha fazla temsil ediyordu. Barok orkestrada müzikal liderliği klavyeler üstlenir, klavsen veya bazen de org çalan müzisyenler lider olarak hareket ederdi. J.S. Bach bir orkestra ile çalışırken org veya klavsen başına oturur ve orkestrayı koltuğundan yönetirdi.

Barok dönemde bir orkestra şefi bazen ayakta orkestra yönetirdi ama bu henüz bizim bildiğimiz şeflik değildi. 1600'lü yıllarda Fransız kralının sarayında müzikten sorumlu olan Jean-Baptiste Lully, müzisyenleri için yere uzun bir sırıkla ritim tuttururdu ancak bir gün kazara bacağını yaraladı, kangren gelişti. ve öldü!

Sonraki 19. yüzyılda, Haydn ve Beethoven'ın zamanında, orkestrada daha da derin değişiklikler oldu. Yaylı yaylı çalgılar her zamankinden daha önemli hale geldi ve klavye aletleri tam tersine gölgelere girdiler. Besteciler belirli bir müzik aleti için yazmaya başladı. Bu, her enstrümanın sesini bilmek, hangi tür müziğin daha iyi ses çıkaracağını ve seçilen enstrümanda çalmanın daha kolay olacağını anlamak anlamına geliyordu. Besteciler, daha zengin ve daha çeşitli sesler ve tonlar üretmek için enstrümanları birleştirmede daha özgür ve hatta maceracı hale geldiler.

İlk kemancı (veya eşlikçi) orkestranın performansını koltuğundan yönetti, ancak bazen el kol hareketleriyle talimat vermesi gerekiyordu ve daha iyi görülebilmek için önce sıradan bir beyaz kağıdı tüp haline getirdi. Bu, modern orkestra şefinin sopasının ortaya çıkmasına yol açtı. 1800'lerin başında, Carl Maria von Weber ve Felix Mendelssohn gibi besteci-şefler, orkestranın önündeki merkezde bir podyumdan müzisyenleri yöneten ilk kişilerdi.

Orkestralar büyüdükçe, tüm müzisyenler eşlikçiyi göremez ve takip edemezdi. 19. yüzyılın sonunda orkestra bugün bildiğimiz boyut ve oranlara ulaştı ve hatta modern olanları bile aştı. Berlioz gibi bazı besteciler, ancak bu kadar büyük orkestralar için beste yapmaya başladılar.

Müzik aletlerinin tasarımı, yapımı ve kalitesi sürekli olarak geliştirildi, yaratıldı yeni müzik aletleri orkestrada kendine yer bulan pikolo (pikolo) ve trompet gibi. Berlioz, Verdi, Wagner, Mahler ve Richard Strauss gibi birçok besteci orkestra şefi oldu. Orkestrasyon (her enstrümandan en avantajlı şekilde yararlanmak için bir orkestranın enstrümanları arasında müzik materyalini dağıtma sanatı) ile ilgili deneyleri 20. yüzyıla giden yolu gösterdi.

Wagner daha da ileri gitti, bir bas trompet tasarladı ve üretti ( Wagner trompet), ölümsüz operası Der Ring des Nibelungen'e yeni, özel bir ses katmak için borazan ve trompet unsurlarını birleştiriyor. Orkestrayı daha iyi kontrol edebilmek için seyirciye sırtını dönen ilk şef de oydu. Strauss senfonilerinden birinde şunları yazdı: alp boynuzu parçası, 12 fit uzunluğunda ahşap bir halk çalgısı. Şimdi dağ kornasının yerini bir boru alıyor. Arnold Schoenberg orkestra için 150 enstrümanla "Şarkılar Gurre" (Gurrelieder) adlı eserini yarattı.

20. yüzyıl, orkestra ile bir özgürlük ve yeni deneyler yüzyılıydı. Orkestra şefleri tamamen bireysel kişiler haline geldi ve kendi süper yıldızları aralarında yükseldi. Sorumluluk kat kat arttı ama seyircinin tanınırlığı da arttı.

Orkestranın temeli 19. yüzyılın sonlarında olduğu gibiydi ve besteciler istedikleri etkiye göre bazen enstrümanlar eklediler ya da çıkardılar. Bazen son derece geniş bir vurmalı çalgılar veya nefesli çalgılar ve pirinçten oluşan bir gruptu. Ancak orkestranın kompozisyonu sabit hale geldi ve temelde sabit kaldı: yaylı çalgılardan oluşan büyük bir grup ve üflemeli, vurmalı, arp ve klavyeli enstrümanlardan oluşan küçük gruplar.

Bunca yıldan sonra hala çalışıyor!

, çello , kontrbas . Deneyimli müzisyenlerin ellerinde, orkestra şefinin iradesine bağlı olarak bir araya geldiklerinde, herhangi bir müzikal içeriği, herhangi bir görüntüyü, herhangi bir düşünceyi seslerle ifade edebilen ve iletebilen bir müzik aleti oluştururlar. Orkestranın birçok enstrüman kombinasyonu, neredeyse tükenmez bir dizi farklı ses verir - gök gürültülü, sağır ediciden zar zor duyulana, keskin bir şekilde keskin kulaktan okşayıcı yumuşaklığa kadar. Ve herhangi bir karmaşıklığa sahip çok katlı akorlar ve heterojen melodik süslemelerin desenli ve kıvrımlı pleksusu ve örümcek ağı inceliğinde kumaş, küçük ses "parçaları", figüratif ifade S. S. Prokofiev, "sanki orkestranın tozunu alıyorlarmış gibi" ve aynı anda aynı sesleri çalan birçok enstrümanın güçlü akortları - tüm bunlar orkestraya tabidir. Orkestra gruplarından herhangi biri - yaylı, üflemeli, vurmalı, mızraplı, klavyeli - diğerlerinden ayrılarak diğerleri sessizken kendi müzikal anlatımını yönetebilir; ancak hepsi tamamen, kısmen veya bireysel temsilciler olarak, başka bir grupla veya onun bir kısmıyla birleşerek karmaşık bir tını alaşımı oluşturur. İki yüzyıldan fazla bir süredir, bestecilerin en değerli düşünceleri, ses sanatı tarihindeki en parlak kilometre taşları, bir senfoni orkestrası için tasarlanan, yazılan ve hatta bazen düzenlenen müzikle bağlantılıdır.

Bir senfoni orkestrasının müzik aletlerinin aranjmanı.

Müziği seven herkes J. Haydn, W. A. ​​​​Mozart, F. Schubert, R. Schumann, I. Brahms, G. Berlioz, F. Liszt, S. Frank, J. Bizet, J. Verdi'nin isimlerini bilir ve hatırlar. , P. I. Çaykovski, N. A. Rimsky-Korsakov, A. P. Borodin. M. P. Mussorgsky , S. V. Rachmaninov , A. K. Glazunov , I. F. Stravinsky , S. S. Prokofiev , S. S. Prokofiev , N. Ya. Myaskovsky , D. D. Shostakovich , A. I. Khachaturian , K. Debussy, M. Ravel, B. Bartok ve senfonileri, süitleri, uvertürleri, senfonik şiirleri olan diğer ustalar bir orkestra eşliğinde tablolar, fanteziler, enstrümantal konçertolar ve son olarak bir senfoni orkestrası için yazılan veya katılımını içeren kantatlar, oratoryolar, operalar ve baleler. Onun için yazma yeteneği, müzik besteleme sanatının en yüksek ve en karmaşık alanıdır, derin özel bilgi, kapsamlı deneyim, uygulama ve en önemlisi - özel müzik yeteneği, yeteneklilik, yetenek.

Bir senfoni orkestrasının ortaya çıkışının ve gelişiminin tarihi, eski enstrümanların kademeli olarak yeniden yapılandırılmasının ve yeni enstrümanların icadının, kompozisyonundaki artışın, enstrüman kombinasyonlarının kullanılma biçimlerini geliştirmenin tarihidir. orkestrasyon veya enstrümantasyon olarak adlandırılan müzik bilimi alanının tarihi ve son olarak senfoni, opera, oratoryo müziğinin tarihi. "Senfoni orkestrası" kavramının dört yüzü olan bu dört terimin tümü birbiriyle yakından ilişkilidir. Birbirleri üzerindeki etkileri çeşitliydi ve hala da öyledir.

Antik Yunanistan'da "orkestra" kelimesi, Aeschylus, Sophocles, Euripides, Aristophanes döneminde dramatik performansların vazgeçilmez bir katılımcısı olan koronun bulunduğu tiyatro sahnesinin önünde yarım daire biçimli bir alan anlamına geliyordu. 1702 civarında, bu kelime ilk olarak operaya eşlik eden bir enstrümantalist topluluğu için tasarlanmış küçük bir alanı ifade ediyordu. Oda müziğinde sözde saz grupları. XVIII yüzyılın ortalarında. orkestra tarihi için belirleyici bir ayrım getirdi - büyük bir orkestra, küçük oda müziğine karşıydı - bir topluluk. O zamana kadar oda müziği ile orkestra müziği arasında net bir çizgi çizilmemişti.

"Senfoni orkestrası" kavramı, K. V. Gluck, L. Boccherini, Haydn, Mozart'ın yaşadığı ve çalıştığı klasisizm çağında ortaya çıktı. Besteciler, şu veya bu sesi, şu veya bu müzikal çizgiyi çalan her enstrümanın adlarını notalara doğru bir şekilde yazmaya başladıktan sonra ortaya çıktı. 17. yüzyılın başlarında. K. Monteverdi, "Orpheus" ta her numaradan önce sadece onu icra edebilecek enstrümanları listeledi. Kimin hangi çizgide oynaması gerektiği sorusu açık kaldı. Bu nedenle, herhangi bir 40 opera evleri memleketi Venedik'te, Orpheus'un bir performansı diğerinden farklı olabilir. J. B. Lully, besteci, kemancı, orkestra şefi, muhtemelen belirli bir enstrüman seti için, sözde "Kralın 24 Kemanı" için yazan ilk kişiydi - XIV. . Yaylı çalgılar grubunun üst sesini obualarla, alt sesi fagotlarla desteklemişti. Tam bestenin aksine telsiz obua ve fagotlar bestelerinin orta bölümlerinde yer almıştır.

17. yüzyıl boyunca ve 18. yüzyılın ilk yarısı. orkestranın ilk temeli oluşturulur - yaylı grup. Yavaş yavaş, rüzgar ailesinin temsilcileri eklenir - flütler, obualar ve fagotlar ve ardından kornalar. Klarnet, o sırada aşırı derecede kusurlu olması nedeniyle orkestraya çok sonra girdi. M. I. Glinka, "Enstrümantasyon Üzerine Notlar" adlı eserinde klarnetin sesini "kaz" olarak adlandırır. Henüz rüzgar grubu flüt, obua, klarnet ve boruların bir parçası olarak (toplamda iki tane) Mozart'ın Prag Senfonisinde ve ondan önce Fransız çağdaşı F. Gossec ile birlikte yer alır. Haydn'ın Londra Senfonileri'nde ve L. Beethoven'ın ilk senfonilerinde timpani'nin yanı sıra iki trompet görünür. 19. yüzyılda orkestradaki rüzgar grubu daha da geliştirilmiştir. Orkestra müziği tarihinde ilk kez bir pikolo flüt, bir kontrfagot ve daha önce sadece operalarda kullanılan üç trombon, Beethoven'ın 5. senfonisinin finalinde yer alıyor. R. Wagner bir tuba daha ekler ve boru sayısını dörde çıkarır. Wagner öncelikle bir opera bestecisidir, ancak aynı zamanda haklı olarak seçkin bir senfonist ve senfoni orkestrasının reformcusu olarak kabul edilir.

XIX-XX yüzyıl bestecilerinin arzusu. Ses paletini zenginleştirmek, özel teknik ve tını özelliklerine sahip bir dizi enstrümanın orkestraya girmesine yol açtı.

İLE geç XIX V. orkestranın kompozisyonu etkileyici ve bazen devasa oranlara getirildi. Bu nedenle Mahler'in 8. senfonisine yanlışlıkla "bin katılımcının senfonisi" denmesi gerekmez. R. Strauss'un senfonik tuvallerinde ve operalarında çok sayıda üflemeli çalgı türü görünür: alto ve bas flütler, bariton obua (haeckelphone), küçük klarnet, kontrbas klarnet, alto ve bas borular, vb.

XX yüzyılda. orkestra ağırlıklı olarak vurmalı çalgılarla doldurulur. Bundan önce, orkestranın olağan üyeleri 2-3 timpani, ziller, bas ve trampet, bir üçgen, daha az sıklıkla tef ve tamtomlar, ziller, bir ksilofondu. Şimdi besteciler, celesta adlı kromatik bir ölçek veren bir dizi orkestra çanı kullanıyor. Orkestraya fleksaton, çanlar, İspanyol kastanyetleri, takırdayan bir tahta kutu, bir çıngırak, bir kırbaç (üflemesi bir atış gibidir), bir siren, rüzgar ve gök gürültüsü makineleri, hatta bir bülbülün şakıması gibi enstrümanları sokarlar. özel bir kayda kaydedildi (V kullanıldı senfonik şiirİtalyan besteci O. Respighi "The Pines of Rome").

XX yüzyılın ikinci yarısında. cazdan senfoni orkestrasına vibrafon, tomtom, bongo gibi vurmalı çalgılar gelir. bateri seti- "Charleston" ("hi-hat") ile, marakas.

İp ve rüzgar gruplarına gelince, bunların oluşumu 1920'de temelde tamamlandı. Orkestrada bazen saksafon grubunun bireysel temsilcileri (Wiese, Ravel, Prokofiev'in eserlerinde), bir bando (Çaykovski ve Stravinsky'nin kornetleri), klavsen, domra ve balalayka, gitar, mandolin vb. bir senfoni orkestrasının kısmi besteleri için: sadece teller için, teller ve üflemeliler için, yaylı ve perküsyonsuz bir üflemeli grup için, perküsyonlu teller için.

20. yüzyılın bestecileri oda orkestrası için çokça beste yaz. 15-20 telli, bir nefesli, bir veya iki korna, bir icracı ile vurmalı grup, bir arp (bunun yerine bir piyano veya klavsen olabilir) oluşur. Bunların yanı sıra, her türden (veya bazılarından) bir temsilcinin bulunduğu bir solist topluluğu için eserler ortaya çıkıyor. A. Schoenberg, A. Webern'in oda senfonileri ve oyunları, Stravinsky'nin "Bir Askerin Hikayesi" süiti, Sovyet bestecilerinin eserleri - çağdaşlarımız M. S. Weinberg, R. K. Gabichvadze, E. V. Denisov ve diğerleri. Yazarlar, alışılmadık veya dedikleri gibi acil durum kompozisyonlarına giderek daha fazla yöneliyor. Tınının rolü olduğu için alışılmadık, nadir seslere ihtiyaçları var. çağdaş müzik hiç olmadığı kadar büyümüştür.

Bununla birlikte, hem eski hem de yeni ve en son müziği her zaman icra etme fırsatına sahip olmak için senfoni orkestrasının kompozisyonu sabit kalır. Modern senfoni orkestrası, büyük bir senfoni orkestrası (yaklaşık 100 müzisyen), orta (70-75), küçük (50-60) olarak alt bölümlere ayrılmıştır. Büyük bir senfoni orkestrası temelinde, her eser için performansı için gerekli besteyi seçmek mümkündür: A.K. » Stravinsky'nin “Sekiz Rus Halk Şarkısı” veya Ravel'in ateşli Bolero'su.

Müzisyenler sahnede nasıl? XVIII-XIX yüzyıllarda. ilk kemanlar orkestra şefinin soluna, ikincisi sağına, kemanlar birinci kemanların arkasına, çellolar ikincinin arkasına oturdu. Yaylı grubun arkasında sıralar halinde oturdular: nefesli grubun önünde ve onun arkasında pirinç grup. Arka planda sağda veya solda kontrbaslar yer alıyordu. Alanın geri kalanı arp, celesta, piyano ve perküsyona ayrılmıştı. Ülkemizde müzisyenler, 1945'te Amerikalı şef L. Stokowski tarafından tanıtılan şemaya göre oturuyor. Bu şemaya göre kondüktörün sağında ikinci kemanlar yerine ön planda çellolar yer alıyor; eski yerleri şimdi ikinci kemanlar tarafından işgal edildi.

Bir senfoni orkestrası bir şef tarafından yönetilir. Orkestranın müzisyenlerini bir araya getirir ve tüm çabalarını provalarda ve konserde performans planını gerçekleştirmeye yönlendirir. Yürütme, özel olarak tasarlanmış bir el hareket sistemine dayanmaktadır. Kondüktör genellikle sağ elinde bir cop tutar. En önemli rolü yüzü, bakışı, yüz ifadeleri oynar. Kondüktör yüksek eğitimli bir kişi olmalıdır. Çeşitli dönemlere ve tarzlara ait müzik bilgisine, orkestra enstrümanlarına ve yeteneklerine, keskin bir kulağa, bestecinin niyetine derinlemesine nüfuz etme yeteneğine ihtiyacı var. Oyuncunun yeteneği, organizasyonel ve pedagojik yetenekleriyle birleştirilmelidir.

• arka plan
• orkestra türleri ve formlar
• Mannheim Şapeli
• mahkeme müzisyenleri

arka plan

Eski zamanlardan beri insanlar, müzik aletlerinin sesinin insan ruh hali üzerindeki etkisini biliyorlardı: arp, lir, cithara, kemençe veya ney sesinin yumuşak ama melodik sesi neşe, sevgi veya barış duygularını uyandırdı ve ses hayvan boynuzları (örneğin, İbrani şofarları) veya metal borular, ciddi ve dini duygular. Borulara ve trompetlere eklenen davullar ve diğer vurmalı çalgılar, korkuyla başa çıkmaya yardımcı oldu ve saldırganlık ve militanlığı uyandırdı. Birkaç benzer enstrümanın birlikte çalınmasının yalnızca sesin parlaklığını değil, aynı zamanda dinleyici üzerindeki psikolojik etkiyi de artırdığı uzun zamandır fark edildi - çok sayıda insan aynı melodiyi birlikte söylediğinde ortaya çıkan etkinin aynısı. Bu nedenle, insanların yerleştiği her yerde, çalmalarıyla savaşlara veya halka açık ciddi olaylara eşlik eden müzisyen dernekleri yavaş yavaş ortaya çıkmaya başladı: tapınaktaki ritüeller, evlilikler, cenaze törenleri, taç giyme törenleri, askeri geçit törenleri, saraylardaki eğlenceler.

Bu tür derneklere ilk yazılı referanslar, Musa'nın Pentateuch'unda ve Davut'un Mezmurlarında bulunabilir: bazı mezmurların başında, eşlik etmek için hangi enstrümanların kullanılması gerektiğini açıklayan koro liderine bir çağrı vardır. bu veya bu metin. Mezopotamya'da ve Mısır firavunlarında, eski Çin ve Hindistan'da, Yunanistan ve Roma'da müzisyen grupları vardı. Antik Yunan trajedi icra etme geleneğinde, müzisyenlerin oturduğu, aktörlerin ve dansçıların performanslarına enstrüman çalarak eşlik ettiği özel platformlar vardı. Bu tür platform yükseltilerine "orkestra" adı verildi. Bu nedenle, "orkestra" kelimesinin icadının patenti, aslında orkestralar çok daha önce var olmasına rağmen, eski Yunanlılarda kalır.

Boscoreal'daki bir Roma villasından fresk. MÖ 50-40'lar e. Metropolitan Sanat Müzesi

Batı Avrupa kültüründe, müzisyenlerin bir orkestra olarak derneği hemen çağrılmaya başlamadı. İlk başta, Orta Çağ'da ve Rönesans'ta buna şapel deniyordu. Bu isim, müziğin icra edildiği belirli bir yere ait olmakla ilişkilendirildi. Bu tür şapeller önce kilisede, sonra mahkemedeydi. Bir de amatör müzisyenlerden oluşan köy şapelleri vardı. Bu şapeller pratik olarak kitlesel bir fenomendi. Ve köy icracılarının ve enstrümanlarının seviyesi, profesyonel saray ve tapınak şapelleriyle karşılaştırılamayacak olsa da, köy geleneğinin ve daha sonra kentsel halk enstrümantal müziğinin büyük besteciler ve bir bütün olarak Avrupa müzik kültürü üzerindeki etkisi küçümsenmemelidir. Haydn, Beethoven, Schubert, Weber, Liszt, Tchaikovsky, Bruckner, Mahler, Bartok, Stravinsky, Ravel, Ligeti'nin müziği, kelimenin tam anlamıyla halk enstrümantal müzik yapma gelenekleriyle beslenir.

Daha eski kültürlerde olduğu gibi, Avrupa'da da başlangıçta vokal ve enstrümantal müzik olarak bir ayrım yoktu. Orta Çağ'ın başlarından başlayarak, Hıristiyan kilisesi her şeye egemen oldu ve kilisede enstrümantal müzik, her zaman egemen olan müjde sözünü destekleyen bir eşlik olarak gelişti - sonuçta, "başlangıçta Söz vardı." Bu nedenle, erken şapeller hem şarkı söyleyen insanlar hem de şarkıcılara eşlik eden kişilerdir.

Bir noktada "orkestra" kelimesi belirir. Her yerde aynı anda olmasa da. Örneğin Almanya'da, bu kelime Roman ülkelerinden çok daha sonra yerleşmiştir. İtalya'da orkestra her zaman müziğin vokal kısmından ziyade enstrümantal kısmı anlamına gelmiştir. Orkestra kelimesi doğrudan Yunan geleneğinden ödünç alınmıştır. İtalyan orkestraları, opera türünün ortaya çıkışıyla birlikte 16.-17. yüzyılların başında ortaya çıktı. Ve bu türün olağanüstü popülaritesi nedeniyle, bu kelime hızla tüm dünyayı fethetti. Bu nedenle, çağdaş orkestra müziğinin iki kaynağı olduğunu söylemek güvenlidir: tapınak ve tiyatro.

Noel kitlesi. Limburg kardeşlerin Berry Dükü'nün Muhteşem Saatler Kitabından minyatür. 15. yüzyıl Hanım. 65/1284, fol. 158r / Musee Conde / Wikimedia Commons

Ve Almanya'da uzun bir süre ortaçağdan kalma "şapel" adını sürdürdüler. 20. yüzyıla kadar birçok Alman saray orkestrasına şapel adı verildi. Bugün dünyanın en eski orkestralarından biri, Dresden'deki Sakson Eyaleti (ve geçmişte - Sakson Mahkemesi) Şapelidir. Tarihi 400 yılı aşkın bir geçmişe dayanmaktadır. Güzeli her zaman takdir eden ve bu konuda tüm komşularının önünde olan Sakson Seçmenlerinin mahkemesine çıktı. Hala Berlin ve Weimar Eyalet Şapelleri ile Richard Strauss'un bando şefi (şu anda orkestra şefi) olarak başladığı ünlü Meiningen Court Şapeli var. Bu arada, Almanca "kapellmeister" (şapel ustası) kelimesi bugün hala bazen müzisyenler tarafından "şef" kelimesinin eşdeğeri olarak kullanılmaktadır, ancak daha çok ironik, hatta bazen olumsuz anlamda (bir zanaatkar anlamında, sanatçı değil). Ve o günlerde bu kelime, karmaşık bir mesleğin adı olarak saygıyla telaffuz edilirdi: "müzik besteleyen bir koro veya orkestra şefi." Doğru, bazı Alman orkestralarında bu kelime pozisyonun bir tanımı olarak korunmuştur - örneğin, Leipzig Gewandhaus Orkestrası'nda baş şefe hala Gewandhaus Kapellmeister adı verilmektedir.

XVII-XVIII yüzyıllar: mahkeme dekorasyonu olarak orkestra

Jean Baptiste Lully'nin Kraliyet Gece Balesi'nde Louis XIV. Henri de Gisset'in çizimi. 1653 Yapımda kral, yükselen güneş rolünü oynadı. Wikimedia Commons

Rönesans orkestraları ve daha sonra Barok orkestraları çoğunlukla saray veya kiliseye aitti. Amaçları, ibadete eşlik etmek veya iktidardakileri yatıştırmak ve eğlendirmekti. Bununla birlikte, birçok feodal hükümdar oldukça gelişmiş bir estetik anlayışa sahipti ve ayrıca birbirlerine gösteriş yapmaktan hoşlanıyorlardı. Biri orduyla övündü, biri tuhaf mimariye sahip, biri bahçeler düzenledi ve biri mahkeme tiyatrosu veya orkestrası tuttu.

Örneğin, Fransız kralı XIV. ünlü besteci Moliere ile de işbirliği yapan ve tarihe Fransız operasının yaratıcısı ve ilk profesyonel şef olarak geçen Jean Baptiste Lully. Daha sonra, 1660'ta monarşinin Restorasyonu sırasında Fransa'dan dönen İngiliz Kralı II. Charles (idam edilen I. Charles'ın oğlu), Fransız modeline göre Kraliyet Şapeli'nde "24 Kral Kemanını" da yarattı. Kraliyet Şapeli'nin kendisi 14. yüzyıldan beri var olmuştur ve Elizabeth I döneminde zirveye ulaşmıştır - mahkeme organizatörleri William Bird ve Thomas Tallis idi. Ve parlak İngiliz besteci Henry Purcell, Charles II mahkemesinde, Westminster Abbey ve Kraliyet Şapeli'ndeki orgcu konumunu birleştirerek görev yaptı. 16.-17. yüzyıllarda İngiltere'de bir orkestra için başka, özel bir isim vardı, genellikle küçük bir isim - "eş". Daha sonraki Barok dönemde "eş" kelimesi kullanımdan kalktı ve onun yerine oda kavramı, yani "oda" müziği ortaya çıktı.

Gecenin Kraliyet Balesi'nden savaşçı kostümü. Henri de Gisset'in çizimi. 1653 Wikimedia Commons

Barok eğlence biçimleri giderek geç XVII- 18. yüzyılın başı, giderek daha lüks. Ve artık az sayıda araçla yönetmek mümkün değildi - müşteriler "daha büyük ve daha pahalı" istiyordu. Tabii ki, her şey "şanlı patronun" cömertliğine bağlıydı. Bach, ustalarına mektuplar yazmaya ve onları enstrümantal bölüm başına en az iki veya üç keman ayırmaya ikna etmeye zorlandıysa, o zaman Handel'de aynı anda 24 obuacı, 12 fagotcu, 9 kornocu ilk performansta yer aldı. "Music for the Royal Fireworks" , 9 trompetçi ve 3 timpani çalıcı (yani, 13 belirlenmiş bölüm için 57 müzisyen). Ve Handel'in 1784'te Londra'daki "Mesih" performansına 525 kişi katıldı (bu olay, müziğin yazarının artık hayatta olmadığı daha sonraki bir döneme ait olmasına rağmen). Barok yazarların çoğu operalar yazdı ve tiyatro opera orkestrası her zaman besteciler için bir tür yaratıcı laboratuvar olmuştur - alışılmadık enstrümanlar da dahil olmak üzere her türlü deney için bir yer. Örneğin, 17. yüzyılın başında Monteverdi, tarihteki ilk operalardan biri olan Orfeo operasının orkestrasına cehennem öfkelerini betimlemek için bir trombon bölümü tanıttı.

Florentine Camerata'nın zamanından (16-17. Yüzyılların dönüşü) beri, herhangi bir orkestrada, bütün bir müzisyen grubu tarafından çalınan ve bas nota anahtarında bir satıra kaydedilen bir sürekli bas bölümü vardı. Bas hattının altındaki sayılar, belirli armonik dizileri ifade ediyordu - ve icracıların tüm müzikal dokuyu ve süslemeleri doğaçlama yapması, yani her performansta yeniden yaratması gerekiyordu. Evet ve kompozisyon, belirli bir şapelin emrinde olan enstrümanlara bağlı olarak değişiyordu. Çoğu zaman klavsen olmak üzere bir klavye enstrümanının varlığı zorunluydu. kilise müziği bu enstrüman çoğunlukla orgdu; bir telli yay - çello, viyola da gamba veya viyolon (modern kontrbasın öncüsü); bir telli mızraplı lavta veya theorbo. Ancak sürekli bas grubunda, birkaç klavsen de dahil olmak üzere altı veya yedi kişinin aynı anda çaldığı oldu (Purcell ve Rameau'da üç veya dört tane vardı). 19. yüzyılda orkestralardan klavyeler ve enstrümanlar kayboldu, ancak 20. yüzyılda yeniden ortaya çıktı. Ve 1960'lardan bu yana, dünyadaki hemen hemen her enstrümanı bir senfoni orkestrasında kullanmak mümkün hale geldi - enstrümantasyona yaklaşımda neredeyse barok esneklik. Böylece Barok'un modern orkestrayı doğurduğunu düşünebiliriz.

Enstrümantasyon, yapı, notasyon

San Millan de la Cogoglia manastırı listesinde Lieban'ın Kıyameti Üzerine Yorum'dan minyatür. 900-950 Biblioteca de Serafín Estébanez Calderon y de San Millán de la Cogolla

Modern dinleyici için "orkestra" kelimesi büyük olasılıkla Beethoven, Tchaikovsky veya Shostakovich'in müziğinden alıntılarla ilişkilendirilir; modern orkestraları canlı ve kayıtlarda dinlemekten hafızamızda biriken o devasa anıtsal ve aynı zamanda yumuşatılmış sesle. Ancak orkestralar her zaman böyle ses çıkarmadı. Eski orkestralar ile modern orkestralar arasındaki birçok fark arasında en önemlisi müzisyenlerin kullandığı enstrümanlardır. Özellikle, müziğin çalındığı odalar (genellikle) modern olanlardan çok daha küçük olduğundan, tüm enstrümanlar modern olanlardan çok daha sessiz geliyordu. konser salonları. Ve fabrika kornaları, nükleer türbinler, içten yanmalı motorlar, süpersonik uçaklar yoktu - insan yaşamının genel sesi bugün olduğundan birkaç kat daha sessizdi. Ses yüksekliği hala doğal fenomenlerle ölçülüyordu: vahşi hayvanların kükremesi, gök gürültülü fırtınalar sırasında gök gürültüsü, şelalelerin gürültüsü, düşen ağaçların çıtırtısı veya düşen bir dağın gürültüsü ve panayırda şehir meydanındaki kalabalığın kükremesi gün. Bu nedenle müzik, parlaklıkta yalnızca doğanın kendisiyle rekabet edebilirdi.

Yaylı çalgılara gerilmiş teller öküz sinirinden yapılmıştır (bugünkü metalden yapılmıştır), yaylar daha küçük, daha hafif ve şekil olarak biraz farklıydı. Bu nedenle, tellerin sesi "daha sıcak", ancak bugünkünden daha az "yumuşak" idi. Ahşap üflemeli çalgılar daha güvenli ve doğru oynamanıza izin veren tüm modern vanalara ve diğer teknik cihazlara sahip değildi. O zamanın nefesli rüzgarları, tınılar açısından daha bireysel geliyordu, bazen biraz uyumsuzdu (hepsi icracının becerisine bağlıydı) ve modern olanlardan birkaç kat daha sessizdi. Pirinç üflemeli çalgıların tümü tamamen doğaldı, yani yalnızca doğal ölçekte sesler üretebiliyorlardı; Hayvan derisi davulların ve timpanilerin üzerine gerildi (bu uygulama bugün hala var, ancak plastik zarlı vurmalı çalgılar uzun süredir ortaya çıkıyor).

Orkestranın düzeni genellikle bugünden daha düşüktü - ortalama olarak yarım ton ve bazen tam ton. Ancak burada bile tek bir kural yoktu: Louis XIV mahkemesindeki ilk oktav için (orkestranın geleneksel olarak ayarlandığı) ton sistemi Hertz ölçeğinde 392 idi. Charles II'nin sarayında A'yı 400'den 408 hertz'e ayarladılar. Aynı zamanda, tapınaklardaki organlar genellikle saray odalarında duran klavsenlerden daha yüksek bir tona ayarlandı (belki de bu ısınmadan kaynaklanıyordu, çünkü telli çalgılar kuru ısıdan akortlu olarak yükseliyor ve tam tersine azalıyor. soğuktan; üflemeli çalgılar genellikle ters eğilime sahiptir). Bu nedenle, Bach zamanında iki ana sistem vardı: sözde kammer-ton (modern "ayar çatalı" - ondan türetilen bir kelime), yani "oda sistemi" ve orgel-ton, yani , "organ sistemi" (namı diğer "koro tonu"). Ve A için oda ayarı 415 hertz iken, organ ayarı her zaman daha yüksekti ve bazen 465 hertz'e ulaşıyordu. Ve bunları modern konser akortuyla (440 hertz) karşılaştırırsak, o zaman ilki modern olandan yarım ton daha düşük, ikincisi ise yarım ton daha yüksek. Bu nedenle, Bach'ın org sistemi dikkate alınarak yazılan bazı kantatlarında yazar, üflemeli çalgıların bölümlerini anında transpozisyonla, yani koro ve bassoContinuo bölümünden yarım adım daha yüksekte yazmıştır. Bunun nedeni, esas olarak mahkeme oda müziğinde kullanılan üflemeli çalgıların, orgun daha yüksek akortuna uyarlanmamasından kaynaklanıyordu (flütler ve obualar, kamertondan biraz daha alçakta olabilirdi ve bu nedenle üçüncü bir tane daha vardı. - düşük kamerton). ton). Ve bugün bunu bilmeden notalardan böyle bir kantata çalmaya çalışırsanız, yazarın amaçlamadığı bir kakofoni elde edersiniz.

"Yüzer" sistemlerle ilgili bu durum, dünyada İkinci Dünya Savaşı'na kadar devam etti, yani sadece Türkiye'de değil. Farklı ülkeler, ancak aynı ülkenin farklı şehirlerinde sistemler birbirinden önemli ölçüde farklı olabilir. 1859'da Fransız hükümeti, A - 435 hertz'in ayarlanmasını onaylayan bir yasa çıkararak ayarlamayı standartlaştırmaya yönelik ilk girişimi yaptı, ancak diğer ülkelerde ayarlamalar son derece farklı olmaya devam etti. Ve sadece 1955'te Uluslararası organizasyon Standardizasyon konusunda, 440 hertz'lik konser akordu yasası bugüne kadar kabul edildi.

Heinrich Ignaz Biber. 1681'den gravür Wikimedia Commons

Barok ve klasik yazarlar, yaylı çalgılar için müzikle ilgili olarak akort alanında başka işlemler de yaptılar. "Scordatura" yani "telleri akort etmek" denen bir teknikten bahsediyoruz. Aynı zamanda, keman veya viyola gibi bazı teller, enstrüman için farklı, alışılmadık bir aralığa akort edildi. Bu sayede besteci, bestenin anahtarına bağlı olarak daha fazla sayıda açık tel kullanma fırsatı buldu ve bu da enstrümanın daha iyi rezonansına yol açtı. Ancak bu skordatura genellikle gerçek sesle değil, transpozisyonla kaydedildi. Bu nedenle, enstrümanın (ve icracının) ön hazırlığı olmadan böyle bir bestenin düzgün bir şekilde icra edilmesi imkansızdır. Scordatura'nın ünlü bir örneği, Heinrich Ignaz Bieber'ın keman sonatları Rosary (Gizemler) (1676) döngüsüdür.

Rönesans'ta ve Barok'un ilk aşamasında, bestecilerin beste yapabilecekleri makamların ve daha sonra anahtarların aralığı doğal bir engelle sınırlandırılmıştı. Bu engelin adı Pisagor virgülüdür. Büyük Yunan bilim adamı Pisagor, doğal ölçeğin ilk aralıklarından biri olan saf bir beşinciye göre akort aletleri öneren ilk kişiydi. Ancak, telli enstrümanları bu şekilde akort ederseniz, tam bir beşli çemberi (dört oktav) geçtikten sonra, C keskin notasının C'de çok daha yüksek ses çıkardığı ortaya çıktı. Ve eski zamanlardan beri, müzisyenler ve bilim adamları, doğal ölçeğin bu doğal kusurunun - eşitsizliğinin - üstesinden gelinebileceği ve tüm tonalitelerin eşit kullanımına izin verecek ideal bir enstrüman akort sistemi bulmaya çalıştılar.

Her dönemin kendi düzen sistemleri vardı. Ve sistemlerin her birinin, modern piyanoların sesine alışmış kulaklarımıza yanlış görünen kendi özellikleri vardı. 19. yüzyılın başından bu yana, tüm klavye enstrümanları, bir oktavı mükemmel şekilde eşit 12 yarı tona bölen tek tip bir ölçekte akort edildi. Eşit akort, Pisagor virgül sorununu kesin olarak çözmeye izin veren, ancak saf üçte ve beşlilerin sesinin doğal güzelliğini feda eden modern ruha çok yakın bir uzlaşmadır. Yani, modern bir piyano tarafından çalınan aralıkların hiçbiri (oktav hariç) doğal skalaya karşılık gelmez. Ve Orta Çağ'ın sonlarından beri var olan çok sayıda ayar sisteminde, tüm tuşların keskin bir şekilde bireysel bir ses alması nedeniyle belirli sayıda saf aralık korunmuştur. Klavsen veya org üzerindeki tüm tuşların kullanılmasını mümkün kılan iyi mizacın icadından sonra bile (bkz. Barok müziğin temeli olan duygulanımlar kuramının ortaya çıkışı buradan kaynaklanır. ifade aracı- melodi, armoni, ritim, tempo, doku ve tonalite seçiminin kendisi, belirli duygusal durumlarla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıdır. Ayrıca, kullanılan tona bağlı olarak aynı tonalite şu an pastoral, masum veya şehvetli, ciddiyetle kederli veya şeytani bir şekilde göz korkutucu olacak şekilde inşa etmek.

Besteci için, bir anahtarın veya diğerinin seçimi, 18-19. Yüzyılların başına kadar belirli bir dizi duyguyla ayrılmaz bir şekilde bağlantılıydı. Dahası, Haydn D majör için "görkemli şükran günü, militanlık" gibi geldiyse, Beethoven için "acı, ıstırap veya yürüyüş" gibi geliyordu. Haydn, E majörünü "ölüm düşünceleri" ile ilişkilendirdi ve Mozart için "ciddi, yüce aşkınlık" anlamına geliyordu (tüm bu lakaplar bestecilerin kendilerinden alıntılardır). Bu nedenle, erken dönem müziği icra eden müzisyenlerin zorunlu erdemleri arasında, duygusal yapıyı ve "kodları" tanımayı mümkün kılan çok boyutlu bir müzikal ve genel kültürel bilgi sistemi vardır. farklı kompozisyonlarçeşitli yazarlar ve aynı zamanda oyunda teknik olarak uygulama yeteneği.

Ek olarak, notasyonla ilgili sorunlar da var: 17.-18. yüzyıl bestecileri, eserin yaklaşan performansıyla ilgili bilgilerin yalnızca bir kısmını kasıtlı olarak kaydettiler; ifade, nüans, artikülasyon ve özellikle zarif dekorasyon - Barok estetiğin ayrılmaz bir parçası - tüm bunlar, böylece bestecinin ortak yaratıcıları haline gelen ve sadece iradesinin itaatkar uygulayıcıları olmayan müzisyenlerin özgür seçimine bırakıldı. Bu nedenle, barok ve erken dönem klasik müziğinin gerçekten ustaca bir icrası eski aletler modern enstrümanlar üzerinde daha sonraki müziğin virtüöz ustalaşmasından daha az (hatta daha fazla) zor bir görevdir. 60 yılı aşkın bir süre önce, eski enstrümanları çalmanın ilk meraklıları ("otantikçiler") ortaya çıktığında, meslektaşları arasında genellikle düşmanlıkla karşılandılar. Bu kısmen geleneksel ekolün müzisyenlerinin ataletinden ve kısmen de müzikal özgünlüğün öncülerinin yetersiz becerisinden kaynaklanıyordu. Müzik çevrelerinde, kendilerine "solmuş ahşap" (üflemeli çalgılar) veya "paslı hurda metal" (pirinç rüzgârları) üzerine hüzünlü sahte melemeler yayınlamaktan daha iyi bir kullanım bulamayan kaybedenler olarak onlara karşı bir tür küçümseyici ironik tavır vardı. Ve bu (kesinlikle talihsiz) tutum, yakın zamana kadar devam etti, ta ki eski enstrümanları çalma seviyesinin son on yıllarda o kadar arttığı ve en azından barok ve erken dönem klasikleri alanında otantikçilerin uzun süredir yakaladığı ve yakaladığı netleşene kadar. daha monoton ve hantal tınlayan modern orkestraları geride bıraktı.

Orkestra türleri ve formları

Ailesiyle birlikte Pierre Moucheron'un bir portresinin parçası. Yazar bilinmiyor. 1563 Rijksmuseum Amsterdam

Tıpkı "orkestra" kelimesinin her zaman bugün onunla kastettiğimiz şeyi kastetmediği gibi, "senfoni" ve "konser" kelimeleri de başlangıçta biraz farklı anlamlara sahipti ve ancak yavaş yavaş, zaman içinde modern anlamlarını kazandılar.

Konser

"Konser" kelimesinin birkaç olası kaynağı vardır. Modern etimoloji, İtalyan konserinden "bir anlaşmaya varmak" veya Latince concinere, concino'dan "birlikte şarkı söylemek, övgü" anlamına gelir. Başka bir olası çeviri, Latince konserden "tartışma, rekabet" dir: bireysel sanatçılar (solistler veya bir grup solist) bir ekiple (orkestra) müzikte yarışırlar. Erken Barok döneminde, vokal-enstrümantal bir esere genellikle konçerto denirdi, daha sonra cantata olarak bilinmeye başlandı - Latince kantodan, cantare ("şarkı söylemek"). Zamanla konserler tamamen enstrümantal tür(yine de 20. yüzyılın eserleri arasında Reinhold Gliere'nin Ses ve Orkestra için Konçertosu gibi bir enderlik bulunabilir). barok dönem solo konçerto (bir enstrüman ve eşlik eden bir orkestra) ile müziğin küçük bir solist grubu (konçertino) ile daha fazla enstrümana sahip bir grup (ripieno, yani ripieno) arasında aktarıldığı "büyük konçerto" (concerto grosso) arasında bir ayrım yaptı. , "doldurma", "doldurma"). Ripieno grubunun müzisyenlerine ripienistler deniyordu. Modern orkestra oyuncularının öncüleri haline gelenler bu olgunlukçulardı. Ripieno olarak, sadece yaylı çalgılar ve sürekli basso dahil edildi. Ve solistler çok farklı olabilir: keman, çello, obua, kaydedici, fagot, viyola d'amour, lavta, mandolin, vb.

İki tür konçerto grosso vardı: konçerto da chiesa ("kilise konseri") ve konçerto da camera ("oda konseri"). Her ikisi de esas olarak 12 konçertoluk bir döngü (1714) besteleyen Arcangelo Corelli sayesinde kullanıma girdi. Bu döngü, bize bu türün başyapıtları olarak kabul edilen iki konçerto grosso döngüsü bırakan Handel üzerinde güçlü bir etkiye sahipti. Bach'ın Brandenburg konçertoları da bir konçerto grosso'nun belirgin özelliklerini taşır.

Barok solo konçertonun altın çağı, hayatında yaylılar ve sürekli basso eşliğinde çeşitli enstrümanlar için 500'den fazla konçerto besteleyen Antonio Vivaldi'nin adıyla ilişkilendirilir (ayrıca 40'tan fazla opera, çok sayıda kilise korosu müziği yazmasına rağmen). ve enstrümantal senfoniler). Resitaller, kural olarak, değişen tempolarla üç bölümden oluşuyordu: hızlı - yavaş - hızlı; bu yapı, 21. yüzyılın başına kadar enstrümantal konçertonun sonraki örneklerinde baskın hale geldi. Vivaldi'nin en ünlü yaratımı, keman ve yaylı çalgılar orkestrası için her konçertodan önce bir şiirin (belki de Vivaldi'nin kendisi tarafından yazılmış) geldiği "Mevsimler" (1725) döngüsüydü. Şiirler, belirli bir mevsimin ana ruh hallerini ve olaylarını anlatır ve bunlar daha sonra müziğin kendisinde somutlaşır. Uyum ve Buluş Yarışması adlı 12 konçertodan oluşan daha büyük bir döngünün parçası olan bu dört konçerto, bugün program müziğinin ilk örneklerinden biri olarak kabul ediliyor.

Bu gelenek Handel ve Bach tarafından sürdürüldü ve geliştirildi. Ayrıca Handel, diğer şeylerin yanı sıra 16 org konçertosu besteledi ve Bach, o zamanlar geleneksel olan bir ve iki keman için konçertolara ek olarak, o zamana kadar yalnızca basso sürekli grubun bir enstrümanı olan klavsen için de konçertolar yazdı. . Dolayısıyla Bach, modern piyano konçertosunun atası olarak kabul edilebilir.

Senfoni

Yunanca senfoni "ünsüz", "ortak ses" anlamına gelir. Eski Yunan ve ortaçağ geleneklerinde, senfoniye uyumun öfonisi (günümüzün müzik dilinde - ünsüz) adı verildi ve daha yakın zamanlarda, çeşitli müzik aletleri senfoni olarak adlandırılmaya başlandı, örneğin: dulcimer, hurdy gurdy, spinet veya bakire Ve ancak XVI-XVII yüzyılların başında "senfoni" kelimesi, sesler ve enstrümanlar için bir bestenin adı olarak kullanılmaya başlandı. Bu tür senfonilerin en erken örnekleri, Lodovico Grossi da Viadana'nın Müzikal Senfonileri (1610), Giovanni Gabrieli'nin Kutsal Senfonileri (1615) ve Heinrich Schütz'ün Kutsal Senfonileri'dir (op. 6, 1629 ve op. 10, 1649). Genel olarak, tüm Barok dönemi boyunca, hem dini hem de laik çeşitli bestelere senfoni adı verildi. Çoğu zaman, senfoniler daha büyük bir döngünün parçasıydı. Öncelikle Scarlatti adıyla ilişkilendirilen İtalyan opera seria ("ciddi opera") türünün ortaya çıkmasıyla, uvertür olarak da adlandırılan operanın enstrümantal tanıtımına genellikle üç bölümden oluşan senfoni adı verildi: hızlı - yavaş hızlı. Yani uzun süredir "senfoni" ve "uvertür" aynı anlama geliyordu. Bu arada, İtalyan operasında uvertürü bir senfoni olarak adlandırma geleneği 19. yüzyılın ortalarına kadar devam etti (bkz. Verdi'nin erken dönem operaları, örneğin Nebuchadnezzar).

18. yüzyıldan beri, tüm Avrupa'da enstrümantal çok parçalı senfoniler için bir moda ortaya çıktı. Her ikisinde de önemli rol oynadılar. kamusal yaşam kilise hizmetlerinde olduğu gibi. Bununla birlikte, senfonilerin asıl menşe yeri ve performansı aristokratların mülkleriydi. 18. yüzyılın ortalarında (ilk Haydn senfonilerinin ortaya çıktığı zaman), Avrupa'da senfoni bestelemek için üç ana merkez vardı - Milano, Viyana ve Mannheim. Bu üç merkezin faaliyetleri, ama özellikle Mannheim Court Şapeli ve bestecilerinin yanı sıra Joseph Haydn'ın çalışmaları sayesinde senfoni türü o dönemde Avrupa'da ilk çiçeklenmesini yaşadı.

Mannheim Şapeli

Jan Stamitz Wikimedia Commons

Heidelberg'de Seçmen Charles III Philip altında ortaya çıkan ve 1720'den sonra Mannheim'da varlığını sürdüren şapel, modern orkestranın ilk prototipi olarak kabul edilebilir. Mannheim'a taşınmadan önce bile, şapelin sayısı çevredeki diğer prensliklerin hepsinden daha fazlaydı. Mannheim'da daha da büyüdü ve o zamanın en yetenekli müzisyenlerinin katılımı nedeniyle performans kalitesi de önemli ölçüde arttı. 1741'den beri koroya Çek kemancı ve besteci Jan Stamitz başkanlık ediyor. O zamandan beri Mannheim okulunun yaratılması hakkında konuşabiliriz. Orkestrada 30 telli çalgı, eşleştirilmiş üflemeli çalgılar vardı: iki flüt, iki obua, iki klarnet (o zamanlar orkestralarda hala nadir bulunan konuklar), iki fagot, iki ila dört korno, iki trompet ve timpani - o zamanlar için çok büyük bir beste. Örneğin, Haydn'ın yaklaşık 30 yıl grup şefi olarak görev yaptığı Prens Esterhazy şapelinde, faaliyetinin başlangıcında, Haydn'ın Esterhazy'den birkaç yıl önce birlikte görev yaptığı Count Morzin'de müzisyen sayısı 13-16 kişiyi geçmedi. ve ilk senfonilerini yazdı, hatta daha fazla müzisyen vardı, daha az - o yıllarda Haydn'ın notalarına bakılırsa orada flüt bile yoktu. 1760'ların sonlarında, Esterhazy Şapeli 16-18 müzisyene ulaştı ve 1780'lerin ortalarında maksimum 24 müzisyen sayısına ulaştı. Ve Mannheim'da sadece 30 ipli insan vardı.

Ancak Mannheim virtüözlerinin asıl erdemi, sayıları değil, o zamanki kolektif performansın inanılmaz kalitesi ve tutarlılığıydı. Jan Stamitz ve ondan sonra bu orkestra için müzik yazan diğer besteciler, o zamandan beri Mannheim Şapeli'nin adıyla ilişkilendirilen, giderek daha sofistike, şimdiye kadar duyulmamış etkiler buldular: seste ortak bir artış (kreşendo), sesin solması. (diminuendo), oyunun aniden kesilmesi (genel duraklama) ve çeşitli müzikal figürler, örneğin: Mannheim roketi (ayrıştırılmış bir akorun seslerine göre melodinin hızlı yükselişi), Mannheim kuşları ( solo pasajlarda cıvıldayan kuşların taklitleri) veya Mannheim doruk noktası (kreşendo için hazırlık ve ardından belirleyici an, tüm üflemeli çalgıların ve bazı tellerin aktif-enerjik çalınmasının durdurulmasıdır). Bu etkilerin çoğu, ikinci yaşamlarını Mannheim'ın genç çağdaşları Mozart ve Beethoven'ın eserlerinde buldu ve bazıları bugün hala var.

Buna ek olarak, Stamitz ve meslektaşları yavaş yavaş kilise sonatının ve oda sonatının barok prototiplerinden ve İtalyan opera uvertüründen türetilen ideal dört bölümlü senfoni tipini buldular. Haydn, uzun yıllar süren deneylerinin bir sonucu olarak aynı dört parçalı döngüye geldi. Genç Mozart, 1777'de Mannheim'ı ziyaret etti ve orada duyduğu müzik ve orkestra icrasından derinden etkilendi. Stamitz'in ölümünden sonra orkestrayı yöneten Christian Cannabih ile Mozart, Mannheim'ı ziyaretinden bu yana kişisel bir dostluğa sahipti.

mahkeme müzisyenleri

Maaş ödenen saray müzisyenlerinin durumu o dönemde çok avantajlıydı ama elbette çok şey yükledi. Çok çalıştılar ve ustalarının herhangi bir müzikal hevesini yerine getirmek zorunda kaldılar. Sabah üçte veya dörtte alınabilirler ve sahibinin bir tür serenat dinlemek için eğlence müziği istediğini söyleyebilirler. Zavallı müzisyenler salona gitmek, lambaları koymak ve oynamak zorunda kaldı. Çoğu zaman müzisyenler haftanın yedi günü çalışıyorlardı - üretim hızı veya 8 saatlik çalışma günü gibi kavramlar elbette onlar için mevcut değildi (modern standartlara göre, bir orkestra müzisyeni günde 6 saatten fazla çalışamaz, bir konser veya tiyatro gösterisi için provalar söz konusu olduğunda). Bütün gün oynamak zorundaydık, bu yüzden bütün gün oynadık. Ancak, sahipleri müzik severler, çoğu zaman bir müzisyenin birkaç saat ara vermeden çalamayacağını anladı - hem yemeğe hem de dinlenmeye ihtiyacı var.

Nicola Maria Rossi'nin bir tablosundan detay. 1732 Bridgeman Görseller/Fotodom

Haydn ve Prens Esterhazy Şapeli

Efsaneye göre, ünlü Elveda Senfonisini yazan Haydn, ustası Esterhazy'ye vaat edilen ama unutulan dinlenme hakkında ipucu verdi. Finalinde, müzisyenlerin hepsi sırayla ayağa kalktı, mumları söndürdü ve ayrıldı - ipucu oldukça anlaşılır. Ve sahibi onları anladı ve tatile gitmelerine izin verdi - bu da ondan içgörü ve mizah anlayışı olan bir kişi olarak bahsediyor. Kurgu olsa bile, o dönemin ruhunu dikkate değer bir şekilde aktarıyor - diğer zamanlarda, yetkililerin hatalarına ilişkin bu tür ipuçları besteciye oldukça pahalıya mal olabilirdi.

Haydn'ın müdavimleri oldukça eğitimli ve müziğe duyarlı insanlar olduğundan, ister altı veya yedi bölümlük bir senfoni, ister sözde gelişimsel bölümde bazı inanılmaz ton komplikasyonları olsun, deneylerinden herhangi birinin olmayacağına güvenebilirdi. kınama ile karşılandı. Hatta tam tersi görünüyor: biçim ne kadar karmaşık ve sıra dışıysa, onu o kadar çok seviyorlardı.
Yine de Haydn ilk oldu. olağanüstü besteci, saray mensubunun bu görünüşte uygun, ancak genel olarak kölece varlığından kurtuldu. Nikolaus Esterházy öldüğünde, varisi orkestrayı dağıttı, ancak Haydn'ın unvanını ve bando şefinin (azaltılmış) maaşını elinde tuttu. Böylece Haydn, istemeden süresiz izin aldı ve izlenimci Johann Peter Salomon'un davetinden yararlanarak oldukça ileri bir yaşta Londra'ya gitti. Orada aslında yeni bir orkestra stili yarattı. Müziği daha sağlam ve basit hale geldi. Deneyler iptal edildi. Bunun nedeni ticari gereklilikti: Genel İngiliz halkının Esterhazy malikanesindeki sofistike dinleyicilerden çok daha az eğitimli olduğunu gördü - onun için daha kısa, daha net ve daha özlü yazmanız gerekiyor. Esterhazy'nin yazdığı her senfoni benzersiz olsa da, Londra senfonileri aynı türdendir. Hepsi yalnızca dört bölüm halinde yazılmıştır (o zamanlar, Mannheim okulu ve Mozart bestecileri tarafından zaten tam olarak kullanılan en yaygın senfoni biçimiydi): ilk bölümdeki zorunlu sonat allegro, daha fazlası veya daha az yavaş ikinci bölüm, minuet ve hızlı final. Haydn'ın son senfonilerinde kullanılan temaların teknik gelişimi kadar orkestra türü ve müzik formu da Beethoven için bir model haline geldi.

18. yüzyılın sonları - 19. yüzyıl: Viyana Okulu ve Beethoven

Viyana'daki Theatre an der Wien'in içi. Oymak. 19. yüzyıl Brigeman Görseller/Fotodom

Öyle oldu ki Haydn, kendisinden 24 yaş küçük olan Mozart'ı geride bıraktı ve Beethoven'ın kariyerinin başlangıcını buldu. Haydn hayatının büyük bir bölümünde günümüz Macaristan'ında çalıştı ve hayatının sonlarına doğru Londra'da fırtınalı bir başarı elde etti, Mozart Salzburg'luydu ve Beethoven Bonn'da doğmuş bir Fleming'di. Ancak üç müzik devinin de yaratıcı yolları, İmparatoriçe Maria Theresa ve ardından oğlu İmparator II. Joseph döneminde dünyanın müzik başkenti konumunu alan şehirle bağlantılıydı - Viyana ile. Böylece Haydn, Mozart ve Beethoven'ın eserleri tarihe "Viyana klasik üslubu" olarak geçmiştir. Doğru, yazarların kendilerini hiç "klasik" olarak görmedikleri ve Beethoven'ın kendisini bir devrimci, bir öncü ve hatta gelenekleri alt üst eden biri olarak gördüğü belirtilmelidir. "Klasik tarz" kavramı, çok daha sonraki bir zamanın icadıdır ( orta XIX yüzyıl). Bu tarzın ana özellikleri, biçim ve içeriğin uyumlu birliği, barok aşırılıkların yokluğunda ses dengesi ve müzikal arkitektoniğin eski uyumudur.

Viyana tacı klasik tarz orkestra müziği alanında Haydn'ın Londra senfonileri, Mozart'ın son senfonileri ve Beethoven'ın tüm senfonileri ele alınır. Haydn ve Mozart'ın geç senfonilerinde, klasik tarzın müzikal sözlüğü ve sözdizimi ve ayrıca Mannheim okulunda zaten kristalleşen ve hala klasik olarak kabul edilen orkestranın kompozisyonu oluşturuldu: bir yaylı grup (bölünmüş) birinci ve ikinci kemanlar, viyolalar, çellolar ve kontrbas), nefesli çalgıların bir çift bileşimi - genellikle iki flüt, iki obua, iki fagot. Ancak Mozart'ın son eserlerinden başlayarak klarnetler de orkestraya sağlam bir şekilde girmiş ve yerleşmiştir. Mozart'ın klarnet tutkusu, bu enstrümanın orkestranın üflemeli grubunun bir parçası olarak yaygınlaşmasına büyük ölçüde katkıda bulundu. Mozart, 1778'de Mannheim'da Stamitz'in senfonilerinde klarnet duydu ve babasına yazdığı bir mektupta hayranlıkla şöyle yazdı: "Ah, keşke klarnetimiz olsaydı!" - "biz" derken, klarneti yalnızca 1804'te tanıtan Salzburg Court Şapeli anlamına geliyor. Bununla birlikte, 1769 gibi erken bir tarihte klarnetlerin düzenli olarak prens-başpiskoposluk askeri bandolarında kullanıldığına dikkat edilmelidir.

Daha önce bahsedilen nefesli çalgılara genellikle iki korna ve bazen ordudan senfonik müziğe gelen iki trompet ve timpani eklendi. Ancak bu enstrümanlar yalnızca, anahtarları yalnızca birkaç akortta, genellikle D veya C majörde bulunan doğal boruların kullanımına izin veren senfonilerde kullanılıyordu; bazen sol majör senfonilerde trompet de kullanılırdı ama timpani asla kullanılmazdı. Trompetli ancak timpanisiz böyle bir senfoniye örnek Mozart'ın 32. Senfonisi'dir. Timpani kısmı daha sonra kimliği belirsiz bir kişi tarafından partisyona eklendi ve gerçek dışı kabul edildi. 18. yüzyıl yazarlarının timpani ile bağlantılı olarak G majör için bu hoşnutsuzluğunun, Barok timpani için (uygun modern pedallarla değil, manuel gerdirme vidalarıyla ayarlanmış) geleneksel olarak açıklandığı varsayılabilir. sadece iki notadan oluşan müzik yazdı - tonik (1. tonalite derecesi) ve baskınlar (5. tonalite derecesi), bu notaları çalan boruları desteklemek için çağrıldı, ancak G majör anahtarının ana notası timpani üzerindeki üst oktav çok keskin ve alttaki oktav çok boğuk geliyordu. Bu nedenle, sol majördeki timpani uyumsuzluklarından dolayı kaçınıldı.

Diğer tüm enstrümanlar sadece opera ve balede kabul edilebilir olarak kabul edildi ve bazıları kilisede bile ses çıkardı (örneğin, Requiem'deki trombonlar ve kornalar, Sihirli Flüt'teki trombonlar, kornalar ve pikolo, Yeniçeri'deki perküsyon müziği). Mozart'ın "Don Giovanni" adlı eserinde "Saraydan Kız Kaçırma" veya mandolin, Beethoven'ın "The Works of Prometheus" balesinde basset horn ve harp).

Basso sürekliliği yavaş yavaş kullanılmaz hale geldi, önce orkestra müziğinden kayboldu, ancak bir süre operada anlatımlara eşlik etmek için kaldı (bkz. Figaro'nun Evliliği, Tüm Kadınlar Do It ve Mozart'ın Don Giovanni'si, ancak daha sonra - V erken XIX yüzyılda, Rossini ve Donizetti'nin bazı komik operalarında).

Haydn, bu alandaki en büyük mucit olarak tarihe geçseydi senfonik müzik, sonra Mozart operalarında orkestra ile senfonilerinden çok daha fazla deney yaptı. İkincisi, o zamanın normlarına uyma konusunda kıyaslanamayacak kadar katıdır. Elbette istisnalar olsa da: örneğin Prag veya Paris senfonilerinde minuet yoktur, yani sadece üç bölümden oluşurlar. G majörde 32 numaralı tek hareketlik bir senfoni bile var (ancak, hızlı - yavaş - hızlı, yani daha eski, Haydnian öncesi normlara karşılık geliyor) . Ancak öte yandan, bu senfonide dört korna yer almaktadır (bu arada, G minör 25. Senfoni ve Idomeneo operasında olduğu gibi). 39. Senfoniye klarnetler eklenir (Mozart'ın bu enstrümanlara olan sevgisinden daha önce bahsedilmiştir), ancak geleneksel obua yoktur. Ve Symphony No. 40, klarnetli ve klarnetsiz olmak üzere iki versiyonda bile mevcuttur.

Biçimsel parametreler açısından Mozart, senfonilerinin çoğunda Mannheim ve Haydnian şemalarına göre hareket ediyor - elbette onları dehasının gücüyle derinleştiriyor ve rafine ediyor, ancak yapılar veya kompozisyonlar düzeyinde önemli hiçbir şeyi değiştirmeden. Ancak Mozart, hayatının son yıllarında geçmişin büyük polifonistleri Handel ve Bach'ın çalışmalarını ayrıntılı ve derinlemesine incelemeye başladı. Bu sayede müziğinin dokusu, çeşitli polifonik hilelerle giderek zenginleşiyor. 18. yüzyılın sonlarına ait bir senfoniye özgü homofonik bir depo ile Bach tipi bir füg kombinasyonunun parlak bir örneği, Mozart'ın son 41. senfonisi "Jüpiter" dir. En önemli gelişimsel yöntem olan çoksesliliğin yeniden canlanmasını başlatır. senfonik tür. Doğru, Mozart kendisinden önce başkalarının geçtiği yolu izledi: Michael Haydn'ın iki senfonisinin finalleri, No. 39 (1788) ve 41 (1789), kesinlikle Mozart'ın bildiği, ayrıca füg biçiminde yazılmıştır.

Ludwig van Beethoven'ın portresi. Joseph Karl Stiller. 1820 Wikimedia Commons

Beethoven'ın orkestranın gelişimindeki rolü özeldir. Müziği, iki dönemin muazzam bir birleşimidir: klasik ve romantik. Birinci Senfonide (1800) Beethoven, Haydn'ın sadık bir öğrencisi ve takipçisiyse ve The Works of Prometheus (1801) balesinde Gluck geleneklerinin halefiyse, o zaman Üçüncü Kahramanlık Senfonisinde (1804) orada Haydn-Mozart geleneğinin daha modern bir tonda nihai ve geri alınamaz bir şekilde yeniden düşünülmesidir. İkinci Senfoni (1802) dıştan hala takip ediyor klasik desenler, ancak içinde pek çok yenilik var ve bunlardan en önemlisi, geleneksel minuet'in kaba köylü scherzo (İtalyanca "şaka") ile değiştirilmesidir. O zamandan beri, Sekizinci Senfoni'nin üçüncü hareketinin başlığındaki "minuet" kelimesinin ironik bir şekilde nostaljik kullanımı dışında - "Minuet'in hızında" (tarafından) Beethoven'ın senfonilerinde artık minuet bulunamadı. Sekizinci bestelendiğinde - 1812 - dakikalar zaten her yerde kullanımdan kaldırılmıştı ve Beethoven burada türe yapılan bu göndermeyi "tatlı ama uzak bir geçmişin" işareti olarak açıkça kullanıyor. Ama aynı zamanda dinamik kontrastların bolluğu ve ilk hareketin ana temasının bilinçli olarak çello ve kontrbasa aktarılması, kemanlar eşlikçi olarak onlar için alışılmadık bir rol oynar ve çello ve kontrbasın işlevlerinin sık sık ayrılması (yani, kontrbasın bağımsız bir ses olarak özgürleşmesi) ve uç kısımlarda kodaların genişletilmesi (pratik olarak ikinci gelişmelere dönüşmesi), çarpıcı gelişimini bir sonrakinde bulan yeni tarzın izleridir. Üçüncü Senfoni.

Aynı zamanda İkinci Senfoni, Beethoven'ın sonraki tüm senfonilerinin, özellikle Üçüncü ve Altıncı ile Dokuzuncu senfonilerinin başlangıcını taşır. İkincinin birinci bölümünün girişinde, Dokuzuncu bölümün birinci bölümünün ana temasına benzer iki damla D minör motifi vardır ve İkinci bölümün finalindeki bağlantı bölümü adeta bir eskizdir. Aynı Dokuzuncu filmin finalinden "Ode to Joy", aynı enstrümantasyonla bile.

Üçüncü Senfoni, şimdiye kadar yazılmış tüm senfonilerin hem en uzun hem de en karmaşık olanıdır ve müzik dili ve malzemenin en yoğun çalışmasında. O zamanlar için eşi görülmemiş dinamik kontrastlar (üç piyanodan üç forte!) ve Mozart'la karşılaştırıldığında bile eşit derecede eşi görülmemiş, orijinal motiflerin "hücresel dönüşümü" üzerinde yalnızca her bir harekette mevcut olmayan bir çalışma içerir. ancak, adeta, tek ve bölünmez bir anlatı duygusu yaratarak, dört bölümlük döngünün tamamına nüfuz eder. Kahramanlık Senfonisi artık bir enstrümantal döngünün zıt bölümlerinin uyumlu bir dizisi değil, tamamen yeni bir tür, aslında müzik tarihindeki ilk senfoni romanı!

Beethoven'ın orkestra kullanımı sadece bir virtüöz değil, enstrüman çalanların sınırlarını zorluyor ve çoğu zaman her enstrümanın akla gelebilecek teknik sınırlamalarının ötesine geçiyor. Beethoven'ın, birçok Beethoven dörtlüsünün ilk icracısı olan Count Lichnowsky Quartet'in lideri ve kemancı Ignaz Schuppanzig'e, Beethoven'ın bir pasajının "imkansızlığı" hakkındaki eleştirel yorumuna yanıt olarak hitaben yazdığı ünlü cümle, bestecinin teknik sorunlara karşı tutumunu dikkat çekici bir şekilde karakterize ediyor. müzikte: "Ruh benimle konuştuğunda, onun talihsiz kemanına ne umurumda?!" Müzik fikri her zaman önce gelir ve ancak ondan sonra onu uygulamanın yolları olmalıdır. Ama aynı zamanda Beethoven, zamanının orkestrasının olanaklarının da farkındaydı. Bu arada, Beethoven'ın sağırlığının olumsuz sonuçları hakkında, iddiaya göre daha sonraki bestelerine yansıyan ve bu nedenle notalarına daha sonra her türden rötuş şeklinde izinsiz girişleri haklı çıkaran yaygın görüş, sadece bir efsanedir. dinlemen yeterli iyi performans geç dönem senfonileri veya dörtlüleri, hiçbir kusurları olmadığından emin olmak için, ancak zamanlarının enstrümanları ve yetenekleri hakkında ayrıntılı bilgiye dayanan, sanatlarına karşı oldukça idealist, tavizsiz bir tutum. Beethoven, modern teknik yeteneklere sahip modern bir orkestraya sahip olsaydı, kesinlikle tamamen farklı bir şekilde yazardı.

Enstrümantasyon açısından, Beethoven ilk dört senfonisinde Haydn ve Mozart'ın sonraki senfonilerinin standartlarına sadık kalır. Her ne kadar Kahramanlık Senfonisi geleneksel iki veya nadir fakat geleneksel olarak kabul edilebilir dört boynuz yerine üç korna kullanıyor olsa da. Yani Beethoven, herhangi bir geleneği takip etmenin çok kutsal ilkesini sorguluyor: Orkestrada üçüncü bir korna sesine ihtiyacı var ve onu tanıtıyor.

Ve zaten Beşinci Senfonide (1808), Beethoven finalde bir askeri (veya tiyatro) orkestranın enstrümanlarını - bir pikolo flüt, kontrfagot ve trombonları tanıtıyor. Bu arada, Beethoven'dan bir yıl önce, İsveçli besteci Joachim Nicholas Eggert, Beethoven'ın yaptığı gibi sadece finalde değil, Mi bemol majör Senfonisinde (1807) ve üç bölümün hepsinde trombon kullandı. Yani trombonlar söz konusu olduğunda, avuç içi büyük besteci için değil, çok daha az ünlü meslektaşı içindir.

Altıncı Senfoni (Pastoral), senfoni tarihindeki ilk program döngüsüdür; burada yalnızca senfoninin kendisi değil, aynı zamanda her bölümün önünde bir tür iç programın açıklaması - duyguların açıklaması gelir. kendini doğada bulan şehirli. Aslında müzikte doğa betimlemeleri Barok döneminden beri yeni değil. Ancak Vivaldi'nin The Seasons ve diğer barok program müziği örneklerinden farklı olarak Beethoven ses yazısını kendi başına bir amaç olarak ele almaz.Altıncı Senfoni kendi deyimiyle "bir resimden çok duyguların bir ifadesidir." Pastoral senfoni, Beethoven'ın çalışmasında dört bölümlük senfonik döngünün ihlal edildiği tek senfonidir: scherzo'yu kesintisiz olarak The Thunderstorm adlı formda serbest dördüncü hareket ve ondan sonra da kesintisiz olarak final izler. takip eder. Böylece bu senfonide beş bölüm vardır.

Beethoven'ın bu senfoninin orkestrasyonuna yaklaşımı son derece ilginç: Birinci ve ikinci bölümlerde kesinlikle sadece yaylılar, nefesli çalgılar ve iki korna kullanıyor. Scherzo'da iki trompet onlara bağlanır, The Thunderstorm'da timpani, bir pikolo flüt ve iki trombon birleşir ve finalde timpani ve pikolo tekrar susar ve trompet ve trombonlar geleneksel tantana işlevlerini yerine getirmeyi bırakır ve panteistik doksolojinin genel rüzgar korosuna karışın.

Beethoven'ın orkestrasyon alanındaki deneyinin doruk noktası Dokuzuncu Senfoniydi: finalinde sadece daha önce bahsedilen trombonlar, pikolo flüt ve kontrfagot değil, aynı zamanda bütün bir "Türk" perküsyon seti - bir bas davul, bir zil kullanılıyor. ve bir üçgen ve en önemlisi - koro ve solistler! Bu arada, Ninth'in finalindeki trombonlar çoğunlukla koro bölümünün bir amplifikasyonu olarak kullanılır ve bu, özellikle Haydnian-Mozart kırılmasında kilise ve laik oratoryo müziği geleneğine bir göndermedir (bkz. " Dünyanın Yaratılışı" ya da Haydn'ın "Mevsimler"i, Minörden Önce Ayin ya da Mozart'ın Requiem'i), yani bu senfoni senfoni türünün ve ruhani oratoryonun bir birleşimidir, yalnızca Schiller'in şiirsel, dünyevi bir metni üzerine yazılmıştır. Dokuzuncu Senfoni'nin bir diğer büyük biçimsel yeniliği, yavaş hareketin ve scherzo'nun yeniden düzenlenmesiydi. İkinci sırada yer alan dokuzuncu scherzo, artık finali başlatan neşeli bir zıtlık rolünü oynamıyor, trajik ilk bölümün sert ve tamamen "militarist" bir devamına dönüşüyor. Ve yavaş üçüncü hareket, senfoninin felsefi merkezi haline gelir ve tam olarak altın bölümün bölgesine düşer - senfonik müzik tarihindeki ilk, ancak hiçbir şekilde son durum değildir.

Dokuzuncu Senfoni (1824) ile Beethoven yeni bir çağa adım atıyor. Bu, en ciddi sosyal dönüşümlerin olduğu döneme denk geliyor - Aydınlanma'dan yeni, endüstriyel bir çağa son geçişle, ilk olayı bir önceki yüzyılın sonundan 11 yıl önce gerçekleşti; Viyana klasik okulunun üç temsilcisinin de tanık olduğu bir olay. Elbette Fransız Devrimi'nden bahsediyoruz.