Analyse der Musen des Werkes von Debussy Moonlight. Fernsehen

Zweck des Unterrichts: Erweiterung und Vertiefung des Verständnisses der Kinder für die visuellen Möglichkeiten der Musikkunst.

Lernziele:

1. Entwicklung von kreativem Denken, Aufmerksamkeit und Gedächtnis.
2. Vergleich und Identifizierung ähnlicher und unterschiedlicher Merkmale in der Musik verschiedener Komponisten.
3. Beherrschung der Fähigkeiten der plastischen Intonation.
4. Stärkung der Fähigkeit, Mittel nach Gehör zu erkennen musikalische Ausdruckskraft.

Musikalisches Material: L. van Beethoven Klaviersonate Nr. 14 „Moonlight“, C. Debussy „Moonlight“.

Ausrüstung für den Unterricht:

1. Klavier.
2. DVD Spieler. Fernseher oder Videoprojektor.
3. Porträts von L. Beethoven, G. Guicciardi, C. Debussy.
4. Audioaufnahmen von Beethovens „Moonlight“-Sonate, Debussys „Moonlight“.
5. Beethoven L. Klaviersonate Nr. 14 „Moonlight“ – Klavier.
6. Farbige Karten (farbiger Karton).

Unterrichtsaufbau:

1. Zeit organisieren. Die Hauptphase des Unterrichts.
2. Gespräch.
3. Anhören und Analysieren eines Musikstücks („Mondscheinsonate“ von Beethoven).
4. Plastische Intonation.
5. Anhören und Analysieren eines Musikstücks („Moonlight“ von C. Debussy).
6. Ansehen eines Videos über Musik von Debussy, Analyse, Vergleich.
7. Erstellen einer Farbpalette von Mondfarben (Anwendung).
8. Zusammenfassung der Lektion. Verallgemeinerung und Festigung des erworbenen Wissens.

Während des Unterrichts

1.

Lehrer: (Anwendung: Präsentation - Folie Nr. 2).

Eintauchen in einen tiefen Schlaf, die Seele
Ich werde dich in den offenen Raum der Nacht gehen lassen, -
Fliege über das Meer und über das Land,
Über der Wüste und im dichten Wald.
Die Nacht bedeckte die Erde mit einer Decke
Träume, Fantasien, Märchen und Träume...
Die Sterne und der Mond sehen müde aus,
Frieden, Ruhe und Träume schützen.

Es war kein Zufall, dass ich unseren Unterricht heute mit Poesie begonnen habe, denn er wird der geheimnisvollsten, romantischsten, fabelhaftesten und poetischsten Zeit des Tages gewidmet sein. Die Heldin unserer Lektion ist eine wunderschöne und bezaubernde Nachtleuchte, die Königin der Nacht ist Ihre Majestät der Mond. Wir werden unsere Lektion „Mondmelodie“ nennen, weil wir heute Werke von Komponisten aus verschiedenen Epochen und Ländern hören werden, aber alle diese Werke sind dem Mond gewidmet.

2.

Zunächst schlage ich vor, dass Sie Assoziationen spielen. Welche Gedanken, Emotionen, Erfahrungen erleben Sie, wenn Sie die Worte Nacht, Mond hören? Welche Assoziationen haben Sie mit diesen Konzepten?

Antworten der Kinder.

(Weiter auf der Präsentationsfolie (Anhang: Präsentation – Folie Nummer 3) Es erscheinen Wörter, die mit der Nachtlandschaft in Verbindung gebracht werden können: „Geheimnis“, „Romantik“, „Gefahr“, „Angst“, „Fantasie“, „Kälte“, „Magie“, „Einsamkeit“, „Geheimnis“, „Spaß“. , „Licht“, „Freude“, „Fröhlichkeit“ usw. Bitten Sie die Kinder, die passenden Wörter auszuwählen.

Fassen Sie die Antworten der Kinder und die Wörter auf den Karten zusammen.

Lehrer: Unterschiedliche Leute Sie nehmen den Mond und die Nacht auf unterschiedliche Weise wahr: Für einige ist es eine Zeit der Gefahr, Angst und Einsamkeit, für andere ist es die romantischste Zeit des Tages, wenn Dichter Gedichte schreiben, Magie geschieht und sich Liebende treffen.

Viele Künstler, Musiker und Dichter widmeten ihre Werke dem Mond. Jetzt begeben wir uns auf eine musikalische Reise und hören die Musik des großen deutschen Komponisten Ludwig van Beethoven.

(Anhang: Präsentation – Folie Nummer 4)

Lehrer: Schauen Sie sich das Porträt des Komponisten an. Was ist Ihrer Meinung nach der Charakter der abgebildeten Person? Was für ein Leben führte er?

Antworten der Kinder.

Lehrer: In Beethovens Blick spüren wir Strenge, Strenge. Vor uns steht ein Mann von unbeugsamer Standhaftigkeit, Charakterstärke, denn das ganze Leben des Komponisten war ein endloser Kampf mit dem Schicksal, mit ernsthafte Krankheit, an der er im Alter von 25 Jahren litt. Es war Taubheit. Für einen Komponisten ist der Verlust des Gehörs ein Todesurteil, das Ende seiner Schaffensreise! Nicht so für Beethoven: Mit seinen Werken bewies er der Menschheit immer wieder, dass er sich seiner Krankheit, seinem Schicksal nicht unterwerfen würde.

Beethoven wurde in Deutschland in der kleinen Stadt Bonn geboren. Mit etwa 20 Jahren zog er nach Wien, der Hauptstadt Österreichs. Wo er bis ans Ende seiner Tage lebt. In Wien lernte er ein wunderschönes junges Mädchen kennen, die 16-jährige Giulietta Guicciardi. Beethoven verliebte sich in diese Schönheit (Anhang: Präsentation – Folie Nummer 5), und das schmeichelte der jungen Julia natürlich. Beethoven verewigte den Namen seiner Geliebten, indem er ihr eines seiner berühmtesten Werke widmete – die Klaviersonate Nr. 14 mit dem Titel „Mondschein“. „Mondscheinsonate“ ist die Reflexion des Komponisten allein mit der Natur, in der er seine Gefühle für Juliet Guicciardi offenbart. Vor dem Zuhören Fragen zum Verständnis: A) Die Art der Musik, Bilder. Welche Stimmung wird in der Musik vermittelt? B) Liebte Julia Beethoven? Wie hat sich ihre Beziehung entwickelt? (Anhang: Präsentation – Folie Nummer 6) Der Winterabend schmückte die Fenster, Der Himmel zerfiel in Schneeflocken. Mondlicht ist wie Musik wunderschön Er ging zu den gefrorenen Häusern hinunter. Und die „Mondscheinsonate“ erklang, Es ist, als wäre ein strahlender Engel angekommen ... Ludwig Van Beethoven selbst einmal Am kalten Fenster sitzen: Es war derselbe dunkle Winterabend, Vielleicht schlief die flauschige Katze in der Nähe. Und eine warme Decke über meine Schultern werfend, Der Komponist hat die Musik geschrieben. Der Himmel war voller Sterne, wie Diamanten, Mondlicht - Böhmisches Glas, Und die Häuser sind mit Schneeflocken bedeckt, wie mit Strasssteinen, Und der Wein funkelte im Kristall.

„Mondscheinsonate“ als Audioaufnahme anhören.

Antworten der Kinder auf Fragen, die vor dem Vorsprechen gestellt wurden. Die Zusammenfassung des Lehrers über das, was die Kinder gesagt haben.

3. Plastische Intonation.

Der Lehrer spielt den Anfangsabschnitt der „Mondscheinsonate“ auf dem Klavier.“ Als nächstes folgt ein Gespräch über die Art der Begleitung (drei ansteigende Töne, die an die Bewegung von Wellen erinnern) und über die Besonderheiten der Melodielinie (das Thema auf der Höhe einer Note, im punktierten Rhythmus vorgetragen, gibt die Musik vor). ein männlicher Charakter, aber mit einem Anflug von Verzweiflung). Kinder sind eingeladen, die Merkmale des Melodie- und Harmoniemusters durch plastische Bewegungen zu vermitteln. Zu diesem Zweck werden die Kinder in 3 Gruppen eingeteilt: „Harmonie“ und „Melodie“ und „Bassstimme“.

Harmoniegruppe:

Mit sanften Handbewegungen, ähnlich den Bewegungen von Wellen, reproduziert er die aufsteigende Richtung von Arpeggio-Klängen in der Luft. Bei der „Intonation“ wird die genaue Übereinstimmung von Handbewegungen und Harmoniegeräuschen sowie die Ausdruckskraft von Gesten beurteilt.

Melodiegruppe:

Mit geballter Handfläche auf gleicher Höhe „intoniert“ er die Klänge einer melodischen Stimme. Bewertet werden die genaue Wiedergabe des punktierten Rhythmus und die Ausdruckskraft der Gesten.

Gruppe „Bass“: nach unten gerichtete, sanfte Bewegungen der Hände, als ob sie in die Tiefe „eintauchen“ würden.

4.

Lehrer: Unsere musikalische Reise entlang der „Mondbahn“ geht also weiter. Diesmal reisen wir nach Frankreich zu Beginn des 20. Jahrhunderts.

Zu dieser Zeit begann sich in ganz Europa eine neue Richtung der Malerei mit einem sehr schönen, aber komplexen Namen zu verbreiten – IMPRESSIONISMUS. (Anhang: Präsentation – Folie Nummer 7). Gemälde impressionistischer Künstler – Claude Monet, Auguste Renoir und andere (Anhang: Präsentation – Folien Nr. 8, 9, 10) – waren voller leuchtender Farben und Licht; Künstler malten ihre Bilder immer im Freien, im Schoß der Natur, so dass wir das Gefühl haben, das Wehen des Windes, das Schwanken der Baumblätter, das Schlagen der warmen Luft und das Farbenrauschen der Natur zu spüren.

Sie fragen sich vielleicht: Wie hängt der Impressionismus in der Malerei mit der Musik und darüber hinaus mit dem Mond zusammen? In unseren vorherigen Lektionen haben wir mehr als einmal darüber gesprochen, dass alle Arten von Kunst miteinander verbunden sind, dass Malerei, Architektur, Poesie und Musik viel gemeinsam haben! Der Impressionismus entstand also in der Malerei und manifestierte sich auch in der Musik. Einer der impressionistischen Komponisten war ein Franzose (Anhang: Präsentation – Folie Nummer 11). Debussy gab seinen Musikwerken gerne sehr poetische, „malerische“ Titel: „Fußabdrücke im Schnee“, „Fallen Leaves“, „The Sea: From Dawn to Noon“. Tatsächlich ist es, als wäre es kein Musikstück, sondern ein Gemälde, das nicht mit Farben, sondern mit Tönen gemalt wurde! Beachten Sie, dass viele von Debussys Werken Naturgemälde beinhalten.

Heute werden wir eines der Werke von C. Debussy hören und sogar sehen. Sie ist, genau wie Beethovens Sonate, der Nacht gewidmet. Der Titel der Arbeit lautet „Moonlight“.

Vor dem Zuhören Fragen zum Verständnis:

1. Welches Instrument ist der Solist in diesem Stück?
2. Charakter, Stimmung der Musik (sanft, ruhig, friedlich, gelassen)

Hören Sie sich eine Audioaufnahme von „Moonlight“ von Debussy (arrangiert für Harfe) an.

Antworten der Kinder auf zuvor gestellte Fragen. Es gibt ein Gespräch über die Harfe und die Übereinstimmung ihrer Klangfarbe mit der Musik von C. Debussy. (Anhang: Präsentation – Folie Nummer 12)

5.

Lehrer: Wir werden unser zweites Hören mit dem Ansehen eines Videos zu Debussys Musik verbinden.

Ihre Aufgabe ist es, völlig in die Musik einzutauchen und ihren Klang zu genießen. Und die aufmerksamsten Jungs werden wahrscheinlich einen Unterschied zwischen der ersten und der zweiten Version hören (im Video Arrangement für Klavier). Stellen Sie sich vor, Sie wären ein impressionistischer Künstler. Vor Ihnen liegt eine Farbpalette. Sie möchten eine Nachtlandschaft mit Mondlichtreflexionen auf der Meeresoberfläche, auf den Blättern von Bäumen usw. zeichnen. Ihr Gemälde wird zu einer Illustration der Musik, die Sie gleich hören werden. Welche Farben werden in Ihrem Gemälde dominieren?

Sehen Sie sich ein Video zur Musik von C. Debussy (Bearbeitung für Klavier) an. (Ein Videoclip zur Musik „Moonlight“ von Debussy wird im Video-Tutorial des Autors „The Magic Screen“ präsentiert.) Videooptionen können ausgewählt werden, indem Sie dem Link folgen

http://video.yandex.ru/search.xml?text=%D0%BB%D1%83%D0%BD%D0%BD%D1%8B%D0%B9+%D1%81%D0%B2%D0 %B5%D1%82+%D0%B4%D0%B5%D0%B1%D1%8E%D1%81%D1%81%D0%B8

Antworten der Kinder.

6.

Der Lehrer fasst die Antworten der Kinder zusammen:

Debussys Unterhaltungsmusik bestimmt auch die Farbgebung der Illustrationen zu „Moonlight“ – gedämpfte Töne, Silber- und Gelbtöne. Das Video erfüllt uns mit Frieden und Ruhe. In Beethovens „Mondscheinsonate“ ist kein Platz für Leidenschaften oder Dramatik.

7.

Zusammenstellung Farbpalette. Kinder erhalten mehrfarbige Karten. Aufgabe: Wählen Sie Farben aus, die zur Illustration von Debussys Musik verwendet werden könnten. Sie müssen aus den ausgewählten Karten eine kleine Komposition erstellen.

Antworten der Kinder mit Erklärungen und Geschichten zu ihrer Zusammensetzung.

8.

Wir hörten zwei Werke mit im Wesentlichen demselben Titel von zwei Komponisten aus unterschiedlichen Epochen, Ländern und künstlerischen Strömungen. Es ist erstaunlich, wie unterschiedlich Komponisten dieselben Naturphänomene, Jahreszeiten und Tageszeiten wahrnehmen! Jeder verleiht der Musik seine eigene Bedeutung, seinen eigenen Inhalt, basierend auf seiner Lebenserfahrung und seinem Charakter. Ich bin mir sicher, dass auch Ihre Kreationen zum Thema Mond unterschiedlich sein werden. Unser Spaziergang „unter dem Mond“ neigt sich dem Ende zu und ich würde gerne überprüfen, wie Sie sich an das neue Material erinnern (kurze Übersicht zum behandelten Thema: Präsentation – Folie Nummer 13):

1. Wie war Beethovens Name?
2. In welchem ​​Jahrhundert lebte er?
3. In welchem ​​Land lebte er?
4. An welcher Krankheit litt Beethoven?
5. Wie heißt die Sonate Nr. 14?
6. Wem ist es gewidmet?
7. Wie war Debussys Name?
8. In welchem ​​Jahrhundert lebte er?
9. In welchem ​​Land lebte er?
10. Welche künstlerische Bewegung vertritt er?
11. Wie wird „Impressionismus“ übersetzt?
12. Welches Stück hat dir am besten gefallen?

Hausaufgabe: Machen Sie eine Applikation „Mondlicht“ aus farbigen Karten.

Suite für Klavier:

1. „Vorspiel“
2. „Menuett“
3. „Mondlicht“ (Clair de lune)
4. Passepied

Es ist schwierig, mit Zuversicht darüber zu sprechen „ Bergamasco Suite„(Der Name stammt offensichtlich nicht von einem alten italienischen Tanz, sondern von einem Begriff von Verlaine („...masques et bergamasques...“ in „Clair de lune“ aus der ersten Serie von „Fetes galantes“), seitdem Dies ist ein Werk, das ursprünglich im Jahr 1890 entstand, mehr als einmal überarbeitet und fertiggestellt wurde und seine endgültige Form erst 1905 erhielt, in der Ära von Debussys voller Reife.

Im ersten, zweiten und vierten Satz der Bergamasco-Suite („ Auftakt», « Menuett" Und " Paspier") neoklassizistische Tendenzen sind stark. Das Präludium und das Menuett hatten wahrscheinlich besonders viele spätere Änderungen und Ergänzungen – diese Teile spiegeln Debussys späteren Stil am deutlichsten wider. Eine solche Kollision von Alt und Neu macht sie etwas weit hergeholt. Paspier ist naiver und frischer (wenn auch ausführlicher, weniger kompakt in der Form), da sich Debussy hier weiter von der Stilisierung entfernt und vorgefundene impressionistische Kontraste und Farbtupfer freier nutzt.

Aber der beste Teil der Suite sollte natürlich als Nocturne bezeichnet werden. Mondlicht„(vielleicht ist dies der Teil, der ursprünglich „Sentimental Walk“ hieß). „Moonlight“ ist eine der bezauberndsten Inspirationen der zarten und fragilen Romantik des frühen Debussy, der harmonische Mittel noch sehr sorgfältig einsetzt, darin aber bereits sehr subtile und raffinierte findet.

Die Musik dieses Stückes enthält zweifellos das Bild von fließendem Wasser (was es dem Stück „Auf einem Boot“ aus der „Kleinen Suite“ näher bringt), aber der emotionale Inhalt ist viel tiefer und poetischer. Die „Fließfähigkeit“ der gesamten lyrischen Landschaft ist erstaunlich plastisch, die Form entfaltet sich langsam und schließt mit seltener Natürlichkeit und Weichheit. Melos bildet trotz seiner Fließfähigkeit immer noch ein sehr auffälliges und einprägsames Muster aus großen, sanften Wellen aufgrund aufeinanderfolgender Wiederholungen und Verstärkungen der Hauptgesänge sowie aufgrund klarer Höhepunkte. Trotz der wahrscheinlichen späteren Verbesserungen des Stücks sind die frühen Debussy-Akzente überall mit lyrisch-romantischen Akzenten zu spüren, die später verloren gingen. Wieder einmal fällt mir ein möglicher Prototyp dieser Musik ein, der in seiner emotionalen Struktur sowohl distanziert als auch nah ist – distanziert im Hinblick auf die dramatische Spannung, aber nah im Hinblick auf die poetische Spiritualität. Dies ist das Duett von Marina und dem Pretender aus „

Im 19. Jahrhundert. Als herausragender Pianist eröffnete er völlig neue, ungenutzte Möglichkeiten des Klavierklangs.

Debussys Pianismus ist ein Pianismus mit subtilem, transparentem Klang, murmelnden Passagen, Dominanz der Farben und einer exquisiten Pedaltechnik, die mit der Tonaufnahme verbunden ist. Zeitgenossen bemerkten die gleichen Qualitäten in seinem Spiel, das vor allem durch seinen erstaunlichen Charakter verblüffte Klang: extreme Weichheit, Leichtigkeit, Fließfähigkeit, „streichelnde“ Artikulation, Fehlen von „Schock“-Effekten.

Interessiert an Kreativität am Klavier Der Komponist hatte eine Konstante. Die ersten Klavier-„Experimente“ stammen aus den 80er Jahren („Kleine Suite“ zu 4 Händen), neueste Werke bereits während der Kriegsjahre entstanden (1915 - ein Zyklus von 12 Etüden „In Erinnerung an Chopin“, eine Suite für zwei Klaviere „Weiß und Schwarz“). Insgesamt hat Debussy mehr als 80 Werke geschrieben Klavierwerke, von denen die meisten allgemein anerkannte Meisterwerke der pianistischen Weltliteratur sind.

Die Neuheit von Debussys Klavierstil manifestierte sich bereits in seinen frühen Werken, besonders deutlich in „Bergamos Suite“ (1890) . Komponist auf neue Basis lässt hier die Prinzipien der Antike wieder aufleben Tastatur-Suite: in „Präludium“, „Menuett“, „Paspier“ sind die Merkmale erkennbar Cembalomusik XVIII Jahrhundert. Und daneben erscheint erstmals eine impressionistische Nachtlandschaft – „Mondschein“ (Teil 3), das beliebteste Stück dieses Zyklus.

Die überwiegende Mehrheit von Debussys Klavierstücken sind programmatische Miniaturen oder Miniaturzyklen, was auf den Einfluss der Ästhetik des Impressionismus hinweist (großformatige Formen erwiesen sich als unnötig, um flüchtige Eindrücke festzuhalten). In vielen Stücken greift der Komponist auf die Genres Tanz, Marsch, Gesang, verschiedene Formen Volksmusik. Allerdings nimmt die Interpretation von Genreelementen immer einen impressionistischen Charakter an: Es handelt sich nicht um eine direkte Verkörperung, sondern vielmehr um eine direkte Verkörperung skurrile Echos Tanz, Marsch, Volkslied. Ein markantes Beispiel - « Abend in Grenada“ aus der Serie „Grafiken“ (1903).

Der Zyklus besteht aus drei Programmstücken, einzigartigen musikalischen „Porträts“ dreier verschiedener nationale Kulturen- China („Pagoden“), Spanien („Abend in Grenada“) und Frankreich („Gärten im Regen“). Jedes hat einen besonderen Charme der modalen Struktur (zum Beispiel ist das gesamte thematische Thema von „Pagoden“ aus der pentatonischen Tonleiter und ihren Bestandteilen – großen Sekunden und Trichorden) entstanden – und der Originalität der Klangfarben (in „Pagoden“ gibt es chinesische Trommeln). , Gongs, javanische Volksinstrumente).

Im Spiel „Abend in Grenada“ Es entsteht das Bild eines wunderschönen Sommerabends. Die Hauptelemente ihrer Musik sind Tanzmotive wie Habanera und die Nachahmung des Klangs von Gitarrensaiten. Es scheint, als würde an einem Sommerabend jemand leise spanische Volksmelodien auf einer Gitarre spielen. Der spanische Geschmack ist so lebendig, dass der spanische Komponist Manuel de Falla das Stück bis ins kleinste Detail spanisch nannte ( ein wahres Wunder der Einsicht in das Wesen der Bilder Andalusiens, Wahrheit ohne Authentizität, also ohne Zitat folkloristischer Originale). Es lassen sich drei verschiedene Tanzthemen unterscheiden. Das erste, das die Atmosphäre orientalischer Exotik verkörpert, ist in einem doppelten harmonischen Moll gehalten, das heißt in Moll mit zwei erhöhten Sekunden (wie im Leitmotiv von Carmens tödlicher Leidenschaft). Der lange Klang des dominanten Klangs „cis“ in der oberen „Ebene“ der Klavierstruktur verstärkt die leuchtenden Farben der harmonischen Sprache. Die anderen beiden Themen sind trotz ihrer Originalität nicht so national charakteristisch. Trotz der Tanzbarkeit, die das gesamte Stück durchdringt, handelt es sich nicht um einen Tanz im eigentlichen Sinne des Wortes.

Debussy sagte, dass der Interpret „vergessen muss, dass das Klavier Hämmer hat“.

Der Name bedeutet in diesem Fall - "Italienisch"

Der bildliche und grafische Begriff „Drucke“ (französisch „estampe“ – Druck, Abdruck), der diesem Werk den Titel gab, soll offenbar die Besonderheit des „schwarz-weißen“ Klaviersatzes ohne Orchesterfarben hervorheben. Allerdings verwendet der Komponist in allen drei Stücken sehr auffällige Klangeffekte. Dabei handelt es sich insbesondere um die Nachahmung des javanischen Orchesters – des Gamelan mit seiner besonderen Stimmung und des chinesischen Gongs „Pagoden.“

Debussy hörte ihren Klang während der Weltausstellung in Paris und spürte darin mehr als nur Exotik. Die Kunst „unzivilisierter“ Völker half ihm, seinen eigenen Ausdrucksstil zu finden.

andere Motive. So besteht das Thema des Refrains (A) bei seiner ersten Ausführung aus zwei ungleichen Sätzen – 11 Takte und 6 Takte. In diesen 17 Takten gibt es mindestens vier verschiedene Motive. Auch die erste Folge (B) besteht aus vier Motiven, von denen eines aus dem Refrain abgeleitet ist. Darüber hinaus gibt es Motive, die offensichtliche Verbindungen zum Präludium haben (auf der Ebene melodischer, rhythmischer und struktureller Elemente).

BEISPIEL 23. Menuett (Berga. Chas Suite)

BEISPIEL 23a. Präludium (Bergamas Suite)

BEISPIEL 24. Menuett (Bergamas Suite)

BEISPIEL 24a. Präludium (Bergamas Suite)

So demonstriert Debussy bereits in diesem Stück unerschöpfliche Fantasie und Freiheit in der Form. Aber die Hauptsache ist eine originelle Brechung des Genres des antiken Tanzes, jenseits jeglicher Stilisierung.

Mondlicht Clair de lune

Andante, tres expressif (Andante ist sehr ausdrucksstark), Des-dur, 9/8

„Moonlight“ ist ein Meisterwerk des jungen Debussy, eines seiner Klavierstücke mit dem größten Repertoire. Es existiert in verschiedenen Bearbeitungen: für Violine, für Cello, für Orchester.

„Mit Moonlight betreten wir ein neues Universum“ sagte Halbreich®. „In der Tat ist dies Debussys erstes Werk auf dem Gebiet der Klanglandschaft und der Nachtlandschaft, insbesondere sein Favorit, darüber hinaus die Mondlandschaft. Es genügt, sich an die Namen späterer Werke zu erinnern, um sich Debussys „Nacht“ vorzustellen. Thema: Und der Mond geht einmal unter ehemaliger Tempel. Terrasse der Datteln im Mondlicht, Klavier-Nocturne, Orchester-Nocturnes, Düfte der Nacht, Romantik Sternennacht...

Das Stück ist voller Charme und subtilem Klangaroma. Eine besondere Rolle spielen dabei der Phonismus singender Terzen und Parallelismen absteigender weich klingender Septakkorde. Und Terzen sind ein Intervall, das Debussy viel bedeutete (es ist kein Zufall, dass er ein Präludium hat). Terzen abwechseln, Terzen lernen,„tert“-Vorspiel der Sails).

Die Tonalität von Des-dur (Cis-dur) von mattem Kolorit bedeutete Debussy wahrscheinlich auch viel: Dies ist die Tonalität des Klavier-Nocturne, des Orchesternachspiels von Pelleas, des Arioso von Pelleas aus dem dritten Akt, der Moret-Symphonie, die Präludien Feen sind schöne Tänzer. Tor der Alhambra All dies, mit Ausnahme von Nocturne, wurde viel später geschrieben.

So paradox es auch erscheinen mag, Moonlight ist durch dünne Fäden mit verbunden Vorspiel zum Nachmittag eines Fauns. Die Bedeutung der beiden Stücke ist gegensätzlich (Nacht – Tag), gleichzeitig gibt es aber deutliche Parallelen zwischen ihnen. Erstens sind beide Stücke im gleichen, eher seltenen 9/8-Takt gehalten. Zweitens beginnt Faun mit der Haupttonart E-dur in Cismoll – einer einstimmigen Tonleiter für Des-dur, in der Moonlight geschrieben ist. Drittens gibt es im Eröffnungsthema von Moonlight ein Motiv, das dann in den Eröffnungstakten von Faun erscheint.

Lockspeiser E., Halbreich N Or. cit. R. 558.

BEISPIEL 25. Mondlicht (Bergamas Suite)

BEISPIEL 25a. Nachmittag eines Fauns

p doux et expressif

Schließlich ist der Phonismus des Klangs des dritten Themas in Moonlight eindeutig Flöte (das Hauptthema von Faun wird der Flöte zugeordnet). In einer dreiteiligen Form, in der der Mittelteil ein beweglicheres Tempo aufweist und die Melodie vor dem Hintergrund fließender Figurationen erklingt, wird Debussys Lieblingselement verkörpert, das mit dem fließenden Strom aus Luft, Wasser und Licht verbunden ist – die Sonne oder Mond. Und das ist auch eine Parallele zu Faun.

Der Verzicht auf quadratische Strukturen wird zur Norm für die rhythmische Organisation und weist auf ein neues Gefühl für die musikalische Zeit hin. So besteht beispielsweise der erste Satz aus acht Takten und der zweite aus achtzehn Takten.

Im Bereich der Dynamik ist die Hauptsache festgelegt: das Vorherrschen von Pianopianissimo und nur zwei Takten im gesamten Forte-Stück. Genau diese Beziehung wird für die meisten Werke Debussys charakteristisch werden.

Es ist interessant, dass Debussys Dynamik im zweiten Satz im Pianissimo bleibt (trotz des bescheidenen, fast unmerklichen Crescendo), wenn die Melodie in die oberen Register steigt und eine Akkordstruktur erscheint und jeder romantische Komponist Forte geschrieben hätte. Debussische Beklommenheit, träges Understatement und verfeinerte Gefühle verbergen sich hier bereits. Es gibt noch einen Höhepunkt – im Mittelteil gibt es einen Forte-Takt, danach erfolgt ein schnelles (zwei Takte) Abklingen des Klangs – zunächst zwei Klaviere, dann in der Reprise drei Klaviere. Und im Code danach pianissimo - morendo jusqu"d la fin (eiskalt bis zum Schluss).

V. Yankelevich äußerte in seiner Reflexion über Debussys Philosophie des Mondlichts als solche interessante Gedanken, die es verdienen, ausführlich zitiert zu werden:

„Mondlicht... Debussys Nocturne hat wenig mit romantischem Mondlicht zu tun, da dieses Mondlicht nur eine Gelegenheit ist, die Träume und Gedanken des Dichters zu offenbaren. Die Nacht ist für Debussy das, was seine Gefühle schärft; und sie sind für uns [.. .] wie.“ unerwartete Gnade. Diese Gefühle dringen umso tiefer in unsere Seele ein, weil sie absolut unaufdringlich sind: Sie spiegeln einen gewissen Zustand der Naivität wider – eine Voraussetzung für poetische Inspiration [...]. Schließlich entstehen unsere Träume oft aus dem Windstoß , vom Duft der Glyzinien, der in uns spannende Erinnerungen weckt, ein Gefühl der Nostalgie für den vergangenen Frühling [...].

Im Gegensatz zu aller Subjektivität [...] bleibt Debussy sozusagen im Einklang mit den Naturelementen, [...] mit dem universellen Leben. Er fühlt sich in die universelle Musik eingetaucht, die der Natur innewohnt. Diese Musik umhüllt uns gleichermaßen gut sowohl im Sonnenlicht als auch im Mondlicht der Nacht [...]. Man kann Debussys Musik mit Ekstase vergleichen – der Ekstase des Gebets. Sein strahlender Blick ist gewissermaßen ein Spiegel der Außenwelt. Wo ist Claude Debussy selbst in den halluzinatorischen Bildern, in die uns diese Musik eintauchen lässt? Claude Debussy vergaß sich selbst, Claude Debussy vereinte sich in Ekstase mit der Nacht und dem Licht, mit dem Licht des Mittags, der Dunkelheit der Mitternacht ...“^.

Poetisch und sehr prägnant gesagt über das Wichtigste zum Verständnis von Debussys Musik.

Passepied

Allegretto ta pop troppo, fls-moll, 4/4

Das Finale der Suite ist das umfangreichste Stück. Und sie ist voller Charme und steht Moonlight darin in nichts nach. Seine Idee ist Bewegung. Aber in dieser kontinuierlichen Bewegung steckt viel.

Der 4/4-Takt entspricht nicht dem Paspier-Rhythmus – einem alten Tanz im 6/8- oder 3/8-Takt. Vielleicht hat Debussy diesen Namen gerade als Symbol für schnelle und kontinuierliche Bewegung verwendet? Aber es gibt immer noch Anspielungen auf die Musik jener Zeit, als Paspier in den Suiten und vor allem in der asketischen Textur der Zweistimmigkeit, in der Herangehensweise an den Klang des Cembalos, einbezogen wurde.

Die elegante Melodie (für Debussy außerordentlich ausgedehnt) wird von einem kontinuierlichen Staccato in geraden Achtelnoten begleitet.

nementa (im Geiste albertianischer Bässe) und erinnert an die Vision eines Pferderennens. Aber nicht der dramatische Sprung, der in Schuberts „Zar des Waldes“ vorkommt, und nicht der dramatische Sprung von Wronski aus dem Roman von L.N. Tolstoi Anna Karenina. Nein! Schönes, friedliches Bild. Man kann sich einen Ausritt zu Pferd im Bois de Boulogne vorstellen. Aber unter dieser äußeren Inhaltsschicht verkörpern sich viele verschiedene subtile Emotionen, als ob dieses Rennen mit einer Reihe von Erinnerungen an etwas Leichtes, Angenehmes, verführerisch Zärtliches, Helles vermischt wäre, das mit dem Spaziergang verbunden ist. V. Yankelevich schreibt ganz richtig, dass Debussy das Geheimnis der Dinge spürt, selbst dort, wo es scheinbar kein Geheimnis gibt. „Er stellt das poetische Mysterium, das Geheimnis der Atmosphäre vertrauter Phänomene, alltäglicher Ereignisse als einen Traum dar“^K Und das wird genau in Bezug auf Paspier gesagt.

Das Stück ist seinem Wesen nach französisch. Es verfügt über französische Raffinesse, Subtilität, Flüchtigkeit der Empfindungen, Leichtigkeit und Charme. Motive und Themen werden auf einem kontinuierlichen Ostinato-Hintergrund geschichtet. unterschiedlicher Natur, darunter verträumt, zerbrechlich, träge zart, glockenartig, klangvoll. Ein Kaleidoskop an Motiven verbindet sich mit einem subtilen Spiel der Klangfarben, mit einer flexiblen, entspannten rhythmischen Organisation, mit der Überlagerung von Triolen in Viertelnoten und der sanften Bewegung von Achtelnoten.

Paspiers Form ist eine komplexe dreiteilige Form (das Hauptthema variiert mit jeder neuen Wiederholung), mit einem mehrthematischen Mittelteil und einer abwechslungsreichen Reprise, in der sich die Mitte einem neuen Thema widmet:

A (a-b-a,)

C (s-s1-e-G-e,-move) Aj (a^-g-aj)

Es ist schwierig, Yu. Kremlev zuzustimmen, der neben Lunny

Licht, nennt alle Teile der Suite „gekünstelt“, während es in dieser wunderbaren Suite nichts Natürlicheres und schon sehr Originelles gibt.

Für Klavier (1901) Pour le Piano

Ungefähr 10 Jahre auseinander Bergamasco Suite aus der Suite Pour le Piano. Dies ist das Jahrzehnt der rasanten Entwicklung des Komponisten, die Zeit des Opernschaffens. Möglicherweise wurden einige Stücke der Suite etwas früher geschrieben. Aber die Tatsache bleibt bestehen: Pour le Piano -

„Jankelevitch V. Debussy et le mystère de l'instant.“ S. 19.

eines der ersten Werke nach Pelleas. Harmonische Sprache ist deutlich komplizierter geworden. Debussy verwendet Ketten unaufgelöster Septimen und Nichtakkorde, die Gegenüberstellung von Dreiklängen entfernter Tonalitäten und Ganztonmuster sowohl in der Harmonie als auch in der Melodie.

Der Zyklus besteht aus drei Stücken, was für viele Werke Debussys unterschiedlicher Genres typisch wird. Trotz der recht großen zeitlichen Distanz, die dazwischen liegt Bvrgamas Suite Ab Pour le Piano stehen sie sich in ihrer neoklassizistischen Ausrichtung, der Wiederauferstehung der Musikgattungen des 18. Jahrhunderts, nahe. Aber was ist dieser „Neoklassizismus“? Es ist auf einzigartige Weise mit dem Impressionismus verbunden. Debussy verwendet Anspielungen auf das Werk von Komponisten der Ära Bach, Scarlatti, Couperin, zeigt aber gleichzeitig, was man mit alten Genres, Formen, sogar einigen Entwicklungsprinzipien in der Neuzeit unter den neuen ästhetischen Bedingungen des Impressionismus machen kann .

Auftakt

Assez anime et tresritme (Ziemlich lebhaft und sehr rhythmisch), A-moll, 3/4

Das energische, schnelle Präludium ist vielleicht das einzige Werk von Debussy, in dem sich der Komponist an Bach „erinnert“. Eine einzige rhythmische und strukturelle Formel, die auf der Bewegung von Sechzehntelnoten basiert, wird fast während des gesamten Präludiums beibehalten, nur zweimal durch ein Akkord-Martellato unterbrochen und endet mit einer rezitativ-improvisierenden Coda. Das Präludium zeichnet sich durch Bachs „Ernsthaftigkeit“ und Bedeutung aus. Das tiefe, dröhnende Register des Hauptthemas erinnert an einen schweren Orgelbass. Die kontinuierliche Gestaltung des Themas erinnert an barocke Formen wie Entfaltungen. Auch die kontinuierliche Bewegung der Sechzehntelnoten folgt Bach (wie im Präludium s-toI aus Band I des KhTK), die Rezitativimprovisation in der Coda ähnelt dem Ende desselben Präludiums. All dies deutet darauf hin, dass die Anspielungen auf Bachs Musik beabsichtigt waren.

BEISPIEL 26. Präludium (Für Klavier)

Tempo der Kadenz

BEISPIEL 26a. Bach. Präludium in c-moll, Band I des Charkiw-Theaters

Gleichzeitig ist dies in Harmonie und Formaufbau typisch Debussy. Es verschleiert geschickt die Ränder der Form. So enthalten vier Takte, die als rhythmisch pulsierende Einleitung wahrgenommen werden, tatsächlich eine wichtige Bedeutung thematisches Material(Motiv a, siehe Abbildung), auf dem die kontrastierenden Abschnitte der Form aufbauen.

Schema Nr. 1. Präludium (Für Klavier)

			Mittelteil
			a, (16) bi (22)			a2 -(21)
		(Derivat				Trittfrequenz (16)

Das zweite Thema (b) ist originell. In den motorischen Fähigkeiten des 16. kommt eine versteckte Unterstimme (Melodie in geraden Vierteln) im Geiste des gregorianischen Chorals zum Vorschein. Die lange Durchführung des Themas umfasst 37 Takte. Zusätzlich zu diesen beiden Themen enthält der erste Abschnitt noch ein drittes: akkordisches Martellato fortissimo, in dem Parallelismen gesteigerter Dreiklänge vorherrschen (das Bild einer läutenden Glocke – sie scheint in liturgischen Gesang überzugehen). Aber dieses scheinbar neue Thema (c) ist im Wesentlichen eine Variante (und bildliche Transformation) des Motivs der Einleitung (a).

Der Mittelteil wechselt auf eine völlig andere Bildebene, orientiert sich jedoch an den Motiven der Exposition (a und b). Es basiert auf einem kontinuierlich zitternden zweiten Tremolo (Oper Pelleas und Melisande!), Vor dem Hintergrund, welches Motiv a zuerst entwickelt wird, dann Motiv b. Die Tonalität ist instabil und hängt stark von der Ganztonskala ab. Aber die Hauptsache ist, dass in diesem Abschnitt der Pelleas-Tritonus d-as fast durchgehend auf dem starken Takt betont wird. Alles, was in Debussys Musik mit ihm zusammenhängt, ist stets geheimnisvoll und verstörend.

„“ Die Buchstaben im Diagramm sind Motive, die Zahlen die Anzahl der Balken im Motiv. Diese Form der Notation wird auch in späteren Schemata beibehalten.

Aber. Das Choralthema bewegt sich in eine hohe Lage (hier kommt die Nachahmung der Klangfarbe der Celesta oder Glocken zum Tragen), wird brüchig und unruhig; Als Fortsetzung des Hauptklangs werden Dur-Achteltriolen dem Takt der Sechzehntelnoten überlagert, ähnlich dem Läuten hoher Glocken.

Die Anzahl der Maßnahmen in Motiven zeigt neuer Typ temporäre Organisation. Dem gesamten Stück liegt eine organische Unrechtmäßigkeit zugrunde. Jedes Thema in einer neuen Implementierung erscheint immer in einer anderen Skalendimension, das heißt, seine Struktur ändert sich ständig, einige Elemente verschwinden, andere erscheinen.

Sarabande

Avec un Eleganz Grave et Lente (Mit elegantem Ernst, langsam), cis-moll, 3/4

Sarabande ist eines der ausdrucksstärksten Klavierstücke Debussys. Und Debussy sollte sich später mehr als einmal dieser Gattung zuwenden und dadurch die Aufmerksamkeit von Komponisten einer neuen Generation auf sich ziehen. In Rhythmus und Bewegung behält Debussy die Hauptmerkmale von Q/a bei, wobei der Schwerpunkt auf dem zweiten Takt dieses Genres liegt.

Sarabandes Musik ist voller überirdischer Traurigkeit und Zärtlichkeit. Die Stimmung des Stücks erinnert an eine Szene von Pelleas. Der Komponist führt fast unmerklich mitten im Stück ein lakonisches Zitat (man könnte sagen ein verstecktes Zitat) aus der Orchestereinleitung in die 3. Szene des ersten Akts (das erste Treffen der jungen Helden) ein. Zitat – Mélisandes Motiv in seiner am meisten gesungenen und am meisten gesungenen Form schöne Version. In dieser Form verkörpert dieses Motiv sowohl den ersten Ruf der Liebe als auch die Traurigkeit der Vorahnung. Debussy verschleiert seinen Auftritt in der Sarabande, indem er dem Motiv nicht das Ganze, sondern nur seinen „Schwanz“ gibt. Er scheint das Zitat zu verbergen und es gleichzeitig mit der Dynamik von Mezzo Forte (beim ersten Mal), Mezzo Piano (beim zweiten Mal), umgeben von Piano und Pianissimo, sowie der allgemeinen Cis-Moll-Tonalität des Stücks zu betonen und diese Szene. So bescheiden und unaufdringlich lenkt Debussy die Aufmerksamkeit auf dieses Zitat.

BEISPIEL 27. Sarabande (Für Klavier)

BEISPIEL. 27". Pelleas und Mélisande (I - 3)

Sarabandes Themen sind Debussys wunderbarer melodischer Fund: Es handelt sich um melodische Linien, die mit Septakkorden, Nichtakkorden (gelegentlich und Dreiklängen), verdichtet sind und manchmal herb, manchmal weich klingen, aber von enormer innerer Spannung sind. Das Eröffnungsthema ist sehr ausdrucksstark und wird in Septakkorden in natürlichem Cis-Moll präsentiert, wenn auch eher vage, da es manchmal als Gis-Moll wahrgenommen wird. Die harmonische Farbgebung ist exquisit. Im zweiten Thema (dem Beginn des Mittelteils) geht der Komponist in der Kühnheit der Harmonik sogar noch weiter. Es basiert auf Parallelitäten von Quart-Sekunden-Akkorden mit einer ganz spezifischen Klangfarbe. Aber die beeindruckendste Melodie ist die Terz: ganze Ansammlungen von Septakkorden in zwei Händen, die mit durchdringender Traurigkeit erklingen. Die Hauptsache: Alle Melodielinien folgen in Stimmung und Intonation dem Zitat, sie entstehen aus ihm und der Bedeutung, die der Komponist diesem Thema in der Oper beigemessen hat. So wurde die Sarabande zum ersten Klavierstück, dessen Bedeutung man sich nur allzu gut vorstellen kann

o Pers.

IN Die Textur des Stücks ist ein origineller Kontrast zwischen einer akkordischen Melodie und strengen archaischen Unisonotönen oder ein Kontrast zwischen dissonanten Akkorden und Konsonanzen von Dreiklängen. So wird in der Reprise das erste Thema nicht wie am Anfang mit Septakkorden harmonisiert, sondern mit Dreiklängen (es beginnt mit dem Dreiklang der zweiten tiefen Stufe für cis-moll, forte). Ihr Charakter verändert sich dramatisch. Von zerbrechlich und geheimnisvoll zärtlich wird sie feierlich, als würde sie sich an einen anderen Moment der Oper erinnern: „Ich bin Prinz Golo.“ Somit hat Sarabande einen doppelten Grund mit einer verborgenen Bedeutung.

Tokkata

У1/(Zhivo), cis-moll, 2/4

Das Finale des Zyklus ist die Verkörperung des Bewegungsgedankens (wie Paspier) bzw. der Bewegungsfreude. Ein brillantes, leichtes, lebendiges Virtuosenstück. Paspier ist ebenfalls eine Bewegung, aber anders als in der Toccata. Es entsteht ein fast sichtbares Bild, hier überträgt der Komponist alles auf eine abstrakte Ebene. Im Kern ist die Idee nicht neu – die Idee motorischer Stücke von Bach, Vivaldi und ihren Zeitgenossen. Die Toccata steht in der Nähe des Präludiums, das die Pourlepiano-Suite eröffnet. Aber wenn dieses Stück „Ernsthaftigkeit“ hat, die Massivität von Bachs Orgelstücken, dann ist Toccata den leichten Klavierstücken französischer Cembalisten näher. Seine Textur basiert auf dem besonderen Gefühl des „Klavierens“ eines Instruments ohne Pedal. Hier wird insbesondere die Textur antiker Klavierstücke kombiniert – trocken, monophon, mit zwei Händen gespielt, wobei die Musik frei von hellem Thematismus ist (d. h. auf Figurationen, Sequenzen, harmonischen Modulationen basiert) und einer Textur, in der ein ausdrucksstarker Melodielinie erscheint.

Aus antiken Klavierstücken – das Prinzip, den Stoff in einer kontinuierlichen Bewegung von 16 Dauern zu entfalten. Darüber hinaus bleibt der Rhythmus der Toccata vom Anfang des Stücks bis zum Ende ohne Abweichungen erhalten (ein eher seltener Fall bei Debussy). Aber mit der kontinuierlichen Bewegung der 16er schafft Debussy Erstaunliches. Athematische Musik (im Geiste des Barock) wird hier durch den Phonismus eines Pedalklaviers ersetzt. Und das ist eine Hinwendung zum modernen Sonorismus. Ein solcher Kontrast ist an sich schon interessant. Schauen Sie hier, sagen sie, wie es damals war und was man mit dem gleichen Material heute auf einem modernen Klavier und mit den Mitteln moderner Harmonielehre machen kann. Der gesamte Klavierstil basiert auf alter Musik.

Debussy verbindet das barocke Entwicklungsprinzip (auf einer einzigen rhythmisch-texturalen Formel) mit der kontinuierlichen Erneuerung der Textur und der Ausschmückung mit frischen harmonischen Farben, ungewöhnlichen Tonvergleichen und Modulationen. So werden Toccatas cis-Moll – E-Dur zu Beginn schnell durch chromatische Sequenzen mit instabilem Tonzentrum ersetzt. Der Mittelteil beginnt in einem entfernten C-Dur, das schnell in ein unregelmäßiges Wandern durch die Tonarten übergeht.

Claude Debussy (150. Geburtstag)
Heute fand statt
Konzert in der Kleinen Philharmonie zum 150. Jubiläum des Großen Französischer Komponist Claude Debussy.

Suite für Klavier
Kinderecke. Insel der Freude
Präludien
Igor Uryash Klavier

Streichquartett in g-Moll

Streichquartett benannt nach. I. F. Strawinsky
Alexander Shustin Violine
Victor Lisnyak Violine
Daniil Meerovich Bratsche
Semyon Kovarsky Cello

Ich versuche, neue Realitäten zu finden ... Dummköpfe nennen es Impressionismus.
C. Debussy

Der französische Komponist C. Debussy wird oft als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet. Er zeigte, dass jeder Ton, jeder Akkord, jede Tonalität auf eine neue Art und Weise gehört werden kann, ein freiesres, farbenfroheres Leben führen kann, als würde man seinen Klang selbst, seine allmähliche, geheimnisvolle Auflösung in Stille genießen. Debussy hat wirklich viel mit dem malerischen Impressionismus gemeinsam: die eigenständige Brillanz flüchtiger, sich fließend bewegender Momente, seine Liebe zur Landschaft, die luftige Angst vor dem Raum. Es ist kein Zufall, dass Debussy als Hauptvertreter des Impressionismus in der Musik gilt. Er entfernte sich jedoch weiter von traditionellen Formen als die impressionistischen Künstler; seine Musik ist viel tiefer in unser Jahrhundert gerichtet als die Gemälde von C. Monet und O. Renoir

Debussy glaubte, dass Musik in ihrer Natürlichkeit, endlosen Variabilität und Formenvielfalt der Natur ähnelt: „Musik ist genau die Kunst, die der Natur am nächsten kommt... Nur Musiker haben den Vorteil, die gesamte Poesie von Tag und Nacht, der Erde und … einzufangen.“ Himmel, und erschafft ihre Atmosphäre und vermittelt rhythmisch ihr immenses Pulsieren.“ Sowohl die Natur als auch die Musik werden von Debussy als Mysterium empfunden, und vor allem das Mysterium der Geburt, eine unerwartete, einzigartige Gestaltung des launischen Spiels des Zufalls.

Claude Achille Debussy geboren am 22. August 1862 in einem Vorort von Paris Saint-Germain. Seine Eltern – Kleinbürger – liebten Musik, waren aber weit entfernt von wirklicher professioneller Kunst. Zufällige musikalische Eindrücke frühe Kindheit wenig beigetragen künstlerische Entwicklung zukünftiger Komponist. Er studierte am Pariser Konservatorium. Bereits während seiner Zeit am Konservatorium wurde sein unkonventionelles Denken deutlich, was zu Auseinandersetzungen mit Harmonielehren führte. Im Jahr 1881 begleitete Debussy als Heimpianist den russischen Philanthropen N. von Meck (einen großen Freund von P. Tschaikowsky) auf einer Reise nach Europa und besuchte dann auf ihre Einladung zweimal Russland (1881, 1882). So begann Debussys Bekanntschaft mit der russischen Musik, die die Bildung seines eigenen Stils stark beeinflusste. „Die Russen werden uns neue Impulse geben, uns von absurden Zwängen zu befreien. Sie... öffneten ein Fenster mit Blick auf die Weite der Felder.“ Eines Tages traf Debussy in der Schweiz die Witwe eines großen Industriellen und Eisenbahnbauers, Nadeschda Filaretowna von Meck, Förderer Tschaikowskys und leidenschaftlicher Musikliebhaber. MIT Der siebzehnjährige Debussy war der Musiklehrer der Familie Nadeschda Filaretowna von Meck, Debussy brachte den Kindern des Millionärs Klavier bei, begleitete Sänger und beteiligte sich am Heimspiel Musikalische Abende. Die Gastgeberin war in den jungen Franzosen verliebt und unterhielt sich lange und begeistert mit ihm über Musik. Wann jedoch junger Musiker verliebte sich unsterblich in ihre fünfzehnjährige Tochter Sonya und bat Nadeschda Filaretowna um ihre Hand, die Gespräche über Musik hörten sofort auf ... Dem anmaßenden Musiklehrer wurde sofort sein Platz verweigert.
„Lieber Monsieur“, sagte von Meck trocken zu Debussy, „verwechseln wir Gottes Geschenk nicht mit Rührei!“ Neben der Musik liebe ich Pferde sehr. Das heißt aber keineswegs, dass ich bereit bin, mit dem Bräutigam verwandt zu werden...

Sonechka von Meck heiratete daraufhin zweimal auf Wunsch ihrer Mutter, und sie liebte Claude Debussy, ebenso wie er seine erste Liebe verehrte und ihr viele Werke widmete.

Suchen fantastischer Filmüber von Meck und Debussy

Das musikalische Genie von Claude Debussy und sein Charakter als Mann, der ständig in dunkle Gedanken versunken ist, hinterließen bei vielen Frauen einen unauslöschlichen Eindruck. Sowohl seine Frauen als auch seine Geliebte liebten ihn sehr, und zwei Frauen erschossen sich seinetwegen sogar.

Nach seiner Rückkehr aus Russland nach Paris blieb der „in Ungnade gefallene“ Debussy nicht lange unbeaufsichtigt von Frauen. Debussy begann als Begleiter des jungen Sängers zu arbeiten Madame Vasnier , deren Mann keine Ahnung hatte, was während der Proben in einem separaten Raum ihres Hauses geschah, der für den Musikunterricht vorgesehen war. Dann ging Debussy für zwei Jahre nach Rom, Doch als er nach Paris zurückkehrte, sagte ihm Madame Vasnier, dass ihre Beziehung der Vergangenheit angehöre und er sie vergessen sollte.Zwei Jahre lang hatte Debussy keinen festen Wohnsitz, bis er sich bei einer jungen Blondine namens Gabrielle Dupont niederließ. In den nächsten zehn Jahren arbeitete Gabrielle daran, Debussy, der brillant komponierte, finanziell zu unterstützen Musikalische Werke. Debussy betrog sie ständig, doch sie blieb ihm treu und lebte weiterhin mit ihm zusammen, auch als Claude bereits mit der Sängerin Therese Roger verlobt war. Diese Verlobung wurde nach der gemeinsamen Reise nach Brüssel gelöst, wo Thérèse erfuhr, dass Debussy die Nacht mit einer anderen Frau verbracht hatte. Gabrielles Geduld war einfach unglaublich, aber sie hatte ein Ende, als sie zufällig einen Liebesbrief fand, den ein Freund von ihm an Claude geschrieben hatte. Gabrielle versuchte sich zu erschießen, überlebte jedoch und landete im Krankenhaus. Nachdem sie das Krankenhaus verlassen hatte, lebte sie noch einige Monate mit Debussy zusammen, und er verhielt sich, als hätte es diesen Vorfall noch nie in ihrem Leben gegeben. Zu dieser Zeit freundete sich Gabrielle mit Rosalie „Lily“ Texier an, einer jungen dunkelhaarigen Schönheit, die in einem kleinen Pariser Laden arbeitete. Die Freundinnen trafen sich oft, tranken gemeinsam Kaffee und unterhielten sich freundschaftlich. Das Einzige, was Gabrielle verärgerte, war, dass Claude Lily nicht mochte und er sie oft auslachte. Der Spott wich jedoch bald Komplimenten, und Debussy und Lily heirateten im Oktober 1899. Ihr Familienleben begann in völligem Geldmangel. Am Hochzeitstag gab Debussy Klavierunterricht, um das Frühstück zu bezahlen.
Lily war Debussy absolut ergeben, aber ihre Jugend, Hingabe und Schönheit reichten eindeutig nicht aus, um Debussy zu behalten. Vier Jahre nach der Hochzeit begann Debussy mit Emma Bardac auszugehen, einer Sängerin und Ehefrau eines erfolgreichen Bankiers. Am 14. Juli 1904 machte der Komponist seinen Morgenspaziergang und kehrte nicht nach Hause zurück. Einige Wochen später erfuhr Lily von Freunden, dass auch Emma ihren Mann verlassen hatte und bei Debussy lebte. Am 13. Oktober konnte Lily es nicht ertragen und erschoss sich zweimal. Sie wurde von dem zurückkehrenden Debussy gefunden, dem es gelang, eine Nachricht über ihre Entscheidung, Selbstmord zu begehen, zu schicken. Lily wurde von Ärzten gerettet, aber eine der Kugeln wurde nicht entfernt und Lily trug sie für den Rest ihres Lebens in ihrer Brust. Am 2. August 1904 ließ sich Debussy von Lily scheiden und im Herbst 1905 bekam Emma eine Tochter von ihm. Emma ließ sich 1908 von ihrem Mann scheiden und heiratete Debussy. Ihr Familienleben erwies sich als glücklich, obwohl einige Debussy zu Unrecht beschuldigten, für Geld zu heiraten. Emma war mittleren Alters und hässlich, aber eine sehr kluge Frau und eine fürsorgliche Ehefrau. Sie war eine Stütze für Debussy und betreute und unterstützte ihn bis zu Debussys Tod auf jede erdenkliche Weise. Er starb am 25. März 1918 an Krebs, nachdem er nur 55 Jahre gelebt hatte.

Eines der ersten Werke Debussys - Kantate „Verlorener Sohn“.. Sehr interessant ist die Entstehungsgeschichte der großartigen Kantate „Der verlorene Sohn“, die Claude Debussy den Grand Prix de Rome einbrachte. Es war Diplomarbeit am Pariser Konservatorium. Es entstand in Russland, als er als Hauspianist von Nadeschda Filaretowna von Meck fungierte. Debussy wandte sich schon sehr früh Gott zu. Nachdem er in seiner Jugend Buße getan hatte, begann er Sünden zu begehen und hoffte auf Gottes Liebe.

Man muss sagen, dass das Gleichnis vom verlorenen Sohn der tiefste Ort in der Heiligen Schrift ist, der dem Herzen eines Sünders am nächsten liegt. Es scheint, dass, wenn das Evangelium nur dieses Gleichnis hätte, man allein dadurch ein vollständiges Verständnis von Gottes Liebe zum Menschen gewinnen könnte. Eine solche direkte und mitfühlende Teilnahme Gottes am Schicksal des Sünders lässt keinen Raum für Sünde; Aus dieser väterlichen Liebe wird die Reue gleichsam zur Notwendigkeit. Dieser wunderbare Respekt Gottes vor einem Menschen in Sünde schließt jegliche Gleichgültigkeit gegenüber der Heiligkeit und Reinheit des Lebens aus.
Wie viele verschiedene Urteile über die Natur der Sünde, über ihre „Legalität und Notwendigkeit“ wurden von der sündigen Menschheit gefällt ... Und all diese Vermutungen werden durch die Liebe Gottes des Vaters zu seinem jüngsten Sohn, der von ihr verführt wurde, zunichte gemacht imaginäre Freude der äußeren Freiheit und hat die wahre Freude der inneren Freiheit noch nicht gekannt – Freiheit von Sünden und dem Wahnsinn, die ein Mensch nur durch die Rückkehr zu Gott erhält. Liebe ist die ganze Essenz des Lebens und nur in ihr liegt wahre Freiheit. Das Geheimnis des Lebens bringt uns alle an den Rand von Versuchungen, und manchmal auch ernsthafter. Jeder von uns durchläuft seine eigene Lebensschule und strebt danach, alles Mögliche darin zu sehen und zu erleben. Wir stürzen uns in einen endlosen Kreis von Wünschen, und aus Völlerei, Unzufriedenheit, Unverständnis geraten wir oft in Verzweiflung und manchmal in Verzweiflung. Unser himmlischer Vater weiß das und hat daher Mitleid mit uns und erwartet daher liebevoll unsere Rückkehr zu uns Das Haus des Vaters, von wo Satan uns in sein wildes Königreich führte.

Ausführung "Verlorene Sohn" sorgte am Pariser Konservatorium für Aufsehen. Das öffentliche Idol jener Jahre, Charles Gounod, umarmte den 22-jährigen Autor. Claude Debussy, mit den Worten: „Mein Freund! Du bist ein Genie!"

Hören Sie Lilys Arie aus dieser Kantate

Aus Debussy ist es nicht mehr wegzudenken Klaviermusik. Der Komponist selbst war ein talentierter Pianist (und Dirigent); „Er spielte fast immer in ‚Halbtönen‘, ohne jegliche Härte, aber mit einer Klangfülle und Dichte wie Chopin“, erinnert sich der französische Pianist M. Long. Es war Chopins Leichtigkeit und Räumlichkeit des Klangs des Klaviergewebes, von der Debussy seine koloristischen Suchen ausging. Antike Genres aus der Bergamasco-Suite und der Suite für Klavier (Präludium, Menuett, Passpier, Sarabande, Toccata) stellen eine einzigartige, „impressionistische“ Version des Neoklassizismus dar. Debussy greift überhaupt nicht auf Stilisierung zurück, sondern schafft sein eigenes Bild Alte Musik, eher ein Eindruck von ihr als ein „Porträt“ von ihr.

Heute spielte der wunderbare St. Petersburger Pianist Igor Uryash die Klaviersuiten.

Die Klaviersuite „Children's Corner“ ist Debussys Tochter gewidmet. Der Wunsch, die Welt in der Musik mit den Augen eines Kindes in den ihm vertrauten Bildern zu offenbaren – einem strengen Lehrer, einer Puppe, einem kleinen Hirten, einem Spielzeugelefanten – zwingt Debussy dazu, sowohl alltägliche Tanz- als auch Liedgenres in großem Umfang zu verwenden als Genres professioneller Musik in grotesker, karikierter Form.

Diese Komposition heißt „Der Schnee tanzt“

Eine der Kompositionen heißt „Kinderecke“. „Puppenkuchen-Spaziergang“.Und was ist das? Im wahrsten Sinne des Wortes Spaziergang, („walk with pie“) – ein schwarzer Tanz zur Begleitung eines Banjos, einer Gitarre oder einer Mandoline mit rhythmischen Mustern, die für Ragtime charakteristisch sind: ein synkopierter Rhythmus und kurze unerwartete Pausen auf den Downbeats des Taktes. Der Name des Tanzes war mit dem ursprünglichen Brauch verbunden, die besten Tänzer mit einem Kuchen zu belohnen, sowie mit der Haltung der Tänzer, als würden sie ein Gericht anbieten.

Warum Debu SS wird als Vater der Musik des 20. Jahrhunderts bezeichnet? Der Beginn des Jahrhunderts ist geprägt von einer verstärkten Suche nach neuen, „exotischen“ musikalischen Ausdrucksmitteln. Vielen schien es klassisch und romantische Themen haben sich erschöpft. Auf der Suche nach einem neuen Intonationshintergrund, einer neuen Harmonie interessierten sich Komponisten der 10er – 30er Jahre für Musik, die im Freien entstand Europäische Kultur. Diese Bestrebungen standen im Einklang mit dem Jazz, der Debussy, Ravel und den Komponisten der Six-Gruppe einzigartige Möglichkeiten eröffnete, das System der musikalischen Ausdrucksmittel zu bereichern. Debussy betrachtete Jazz als eine exotische Neuheit und nichts weiter, doch mit seiner leichten Hand eroberte der Jazz Europa und es wurde zur zweiten Heimat des Jazz.

Das Hauptsynkopenmotiv des Cakewalks sind Akzente auf dem schwachen Takt; Pausen statt erwarteter Töne; Verletzung erwarteter Akzente; Akkorde, die die Klänge eines Banjos wiedergeben; unerwartete aufeinanderfolgende Betonungen am Ende einer kurzen Phrase – ähnliche (und andere) fröhlich gespielte Momente führen den Hörer zurück zu den Improvisationen von Minstrel-Banjo-Spielern [Debussy nannte sein Werk nicht „Doll Cakewalk“, wie wir übersetzen, sondern „Golliwog's Cakewalk“ Golliwog ist der Name einer grotesken schwarzen männlichen Puppe. Dieser Spitzname wurde auch von Charakteren in schwarzen Minnesängershows getragen. Auf dem Cover der ersten Ausgabe von „Children's Corner“ ist übrigens eine Minnesängermaske abgebildet.

In den vergangenen Jahren 19. Jahrhundert Der aus der Minstrel-Show hervorgegangene Kuchen wurde nicht nur auf dem amerikanischen Kontinent zu einer starken Mode. In Form des Salontanzes verbreitete er sich in Europa und führte das für die damalige Zeit neue polyrhythmische Denken in die Musikpsychologie der Neuzeit ein. Die enorme Macht des Cakewalks beruhte offensichtlich auf der Tatsache, dass er sich als Träger der Sozialpsychologie des Westens herausstellte, die den „Viktorianismus“ ablehnte. Eine Vielzahl von Formen amerikanischer Alltagsmusik um die Jahrhundertwende unterlagen seinem Einfluss. Der Rhythmus des Cakewalks findet sich auch im Salon wieder Klavierstücke, und in Sortennummern für traditionelle Instrumentalkomposition und in Märschen für Blaskapelle, und manchmal in Gesellschaftstanz europäischen Ursprungs. „Selbst in den Walzern traten Synkopen auf, von denen Waldteufel und Strauss nie zu träumen gewagt hätten.“

Liebe ovyu leuchtet Komposition Debussys „Mondschein“. Claude Debussy liebte im Allgemeinen das Licht des silbernen Erdtrabanten. Er komponierte besser mondhelle Nächte. Vielleicht, weil er sich in seiner Jugend in einer mondhellen Nacht in die Tochter der russischen Millionärin und Philanthropin Nadeschda Filaretowna von Meck verliebte – die begeisterte Schönheit Sonechka?

Sonya ... ein unberechenbarer goldhaariger Engel ... Entweder lernte sie fanatisch Tonleitern, oder sie schmollte und weigerte sich, sich ans Klavier zu setzen. Sie ging mit Claude spazieren, jeden Abend ging sie heimlich mit Claude in den Wald, auf die Wiesen, an den See. Magisches Mondlicht erhellte die Straße. Die goldhaarige Sonya lächelte wie eine Meerjungfrau:
- Du musst mir alles Französisch beibringen – die Sprache und Küsse! - und sie war die Erste, die Claude küsste.

Das Gedicht von K. Balmont steht im Einklang mit der Musik von Debussy.

Wenn der Mond in der Dunkelheit der Nacht funkelt
Mit deiner Sichel, strahlend und zart,
Meine Seele sehnt sich danach eine andere Welt,
Gefesselt von allem Fernen, allem Grenzenlosen.

In die Wälder, in die Berge, auf die schneeweißen Gipfel
Ich fahre Rennen in meinen Träumen; als ob der Geist krank wäre,
Ich wache über einer ruhigen Welt,
Und ich weine süß und atme – den Mond.

Ich trinke in diesem blassen Glanz,
Wie ein Elf schwinge ich in einem Strahlengitter,
Ich höre der Stille zu.

Das Leid meines lieben Volkes ist weit weg,
Die ganze Erde mit ihrem Kampf ist mir fremd,
Ich bin eine Wolke, ich bin ein Windhauch.

Der Komponist N. Ya. Myaskovsky schrieb über Debussys Werk: „...In den Momenten, in denen er (Debussy) es unternimmt, seine Wahrnehmung der Natur einzufangen, geschieht etwas Unverständliches: Eine Person verschwindet, als ob sie sich auflöst oder sich in einen schwer fassbaren Staubkörnchen verwandelt.“ , und herrscht über alles wie eine ewige, veränderliche, unveränderliche, reine und stille, alles verzehrende Natur selbst, all diese stillen, gleitenden „Wolken“, sanftes Spiel und Aufsteigen von „spielenden Wellen“, Rascheln und Rascheln von „Frühlingsrundtänzen“ , sanftes Flüstern und träge Seufzer des Windes, der mit dem Meer spricht – „Ist das nicht der wahre Atem der Natur! Und ist der Künstler, der die Natur in Klängen nachgebildet hat, nicht ein großer Künstler, ein außergewöhnlicher Dichter?“

In seinen Werken mangelt es oft an der Melodie im üblichen Sinne, sie ist auf wenige, manchmal zwei oder drei Klänge beschränkt.

IN Rechnung Debussy sehr wichtig hat Bewegung in parallelen Komplexen (Intervalle, Dreiklänge, Septakkorde). In ihrer Bewegung bilden solche Schichten komplexe polyphone Kombinationen mit anderen Texturelementen. Es entsteht eine einzige Harmonie, eine einzige Vertikale.

Nicht weniger originell Melodie Und Rhythmus Debussy. Ausgedehnte, geschlossene Melodiestrukturen sind in seinen Werken selten zu finden – es dominieren kurze Themenimpulse und komprimierte Phrasenformeln. Die Melodielinie ist sparsam, zurückhaltend und flüssig. Ohne weite Sprünge und scharfe „Schreie“ stützt es sich auf die ursprünglichen Traditionen der französischen poetischen Deklamation. Die dem allgemeinen Stil entsprechenden Eigenschaften wurden erworben und Rhythmus- mit ständiger Verletzung metrischer Prinzipien, Vermeidung klarer Akzente, Tempofreiheit. Debussys Rhythmus zeichnet sich durch kapriziöse Instabilität, den Wunsch, die Kraft der Taktlinie zu überwinden, betonte Rechtwinkligkeit aus (obwohl der Komponist sich bereitwillig der Thematik des Folk-Genres zuwendet). verwendete die charakteristischen Rhythmen der Tarantella-, Habanera-, Cake-Walk- und Marschprozessionen).

Auftakt „Das Mädchen mit dem flachsblonden Haar“(Ces-dur) ist einer der meisten beliebte Werke Debussy. Die betont einfache Klavierstruktur dieses bezaubernden Stücks verbindet sich mit der Frische der melodischen Konturen und der harmonischen Sprache. Kein Ausdruck von Gefühlen, sondern ein Gleiten ...“

Und so klingt diese Melodie in der Interpretation des berühmten amerikanischen Geigers Joshua Bell

Der Einzige Streichquartett Debussy ist das Ergebnis von Experimenten mit einem revolutionären Stil namens Impressionismus. Besonderheit Der Impressionismus ist eine neue Kombination von Klängen, die um ihrer selbst willen zu existieren scheinen und nicht anderen Klängen folgen oder mit ihnen fortfahren. Die Uraufführung des Quartetts war erfolglos, aber Generationen von Interpreten haben die extreme technische und musikalische Komplexität gemeistert und das Publikum kann sich nun an einer atemberaubenden Vielfalt an Texturen und Effekten erfreuen.

Und noch ein paar Worte zum Pianisten. Igor Uryash ist ein neuer Name für mich. Er ist etwa 50 Jahre alt. Er spielt sehr gut.

Igor Uryash — einer der führenden Pianisten Russlands. Mitglied der Ensembles „Neva-Trio“, „St. Petersburg Chamber Players“, „St. Peters-Trio“. Als Solist, Teilnehmer an Symphonieprogrammen und Kammerensembles tourt Igor Uryash ausgiebig durch Russland, Westeuropa und andere Länder Fernost, USA und Kanada. Er machte eine Reihe von Aufnahmen, die höchste Bewertungen erhielten. Igor Uryash arbeitete erfolgreich mit dem herausragenden Cellisten Mstislav Rostropovich zusammen und trat mit ihm sowohl in St. Petersburg als auch auf Tournee im Duett auf. Seit 1996 arbeitet der Pianist mit dem weltberühmten Geiger M. Vengerov zusammen.

Ich möchte mich nicht von Debussys Musik verabschieden.

Debussy ist in seiner Einzigartigkeit erstaunlich! Seine Musik ist voller Leidenschaft, aber nicht durchdringend, sondern bezaubernd; Funken vermischen sich dort auf wundersame und seltsame Weise mit Eisstücken, und das Geheimnis, das für eine Sekunde mit der Möglichkeit einer Lösung aufblitzt, wird nie vollständig gelüftet ...