Ein Fragment der Lektion Solfeggio Auswahl der Harmonie. Musikalische Harmonie - Farben der Musik

Solfeggio-Lektion "Harmonisches Dur und Moll. Beziehung der Elemente"

Ich biete eine Zusammenfassung des Solfeggio-Unterrichts in der 4. Klasse der Kinderkunstschule für Pianisten an. Die Lektion ist eine Studie, die darauf abzielt, Erfahrungen zusammenzufassen theoretische Analyse Musikalische Werke.
Gliederung der Lektion.
Thema: Harmonisches Dur und Moll. Die Beziehung der Elemente in den gleichnamigen Schlüsseln
Art des Unterrichts: Lektion - Forschung
Lernziele:
1. Fassen Sie die zuvor erhaltenen Informationen über die Struktur von Dur und Moll zusammen.
2. Ziehen Sie Rückschlüsse auf die Veränderung der Tonartenelemente beim Zusammenwirken von Dur und Moll.
Lernziele:
Ausbildung:
1. Den Schülern das harmonische Dur, D7, Tritonus in harmonischen Modi vorzustellen.
2. Vergleichen Sie die Höhenlage der Dur- und Mollgrade in harmonischen und natürlichen Formen, untersuchen Sie die Elemente der Modi und identifizieren Sie ihre Änderung, die mit einer Änderung der Höhenstruktur des Modus verbunden ist.
3. Wiederholen Sie die zuvor untersuchten Informationen zu Haupt- und Nebenfach, formulieren Sie Schlussfolgerungen darüber vergleichendes Merkmal Elemente.
4. Lehren Sie, Zeichen in Moll-Tonarten auf unterschiedliche Weise zu erkennen.
5. Entwickeln Sie die Fähigkeit, die harmonischen und melodischen Arten von Dur und Moll, Tritonus, Akkordketten in natürlichem und harmonischem Dur nach Gehör zu identifizieren.
Lehrreich:
Fähigkeit, in einer Gruppe zu arbeiten, sich gegenseitig bei der Lösung des Problems zu helfen.
Interesse an der Forschung wecken.
Unterrichtsausstattung:
Projektor, Computer, Klavier, Musikzentrum.
Reader zur Höranalyse im Solfeggio-Unterricht (zusammengestellt von Shekhtman L.S.)
Noten: J.S. Bach HTK Band I, Präludium in a-Moll.

Unterrichtsphasen

Organisatorisches Moment, Zielsetzung, Motivation Aktivitäten lernen
klein Einführungüber das Genre des Unterrichts - Recherche als aktivste Aktivität beim Studium neuen Materials.
Der Lehrer stellt das Unterrichtsthema vor und bespricht die Formulierungen mit den Schülern. Die Bedeutung von jedem verstehen musikalischer Begriff bei der Formulierung des Unterrichtsthemas.
Die Schüler erklären die Bedeutung bekannter Begriffe (harmonisches Moll, gleichnamige Tonarten, bestandene Elemente des Modus - stabile und instabile Schritte, Hauptdreiklänge des Modus, Tritonus), heben unbekannte Begriffe hervor (harmonisches Dur).
Gemeinsam mit den Schülern formt der Lehrer die Ziele des Unterrichts
Was machen wir heute im Unterricht? – Harmonisches Dur erforschen, Elemente vergleichen.
Was müssen wir wissen, damit dies geschieht? - Diejenigen Elemente von Modi, die zuvor im Solfeggio-Unterricht gelernt wurden.
Der Lehrer teilt die Kinder in zwei Gruppen ein, bezeichnet sie als zwei Forschungslabors und ernennt in jeder Gruppe einen leitenden "Forscher".

Aktualisierung von Wissen, Fähigkeiten, die für die kreative Anwendung und Assimilation von neuem Material erforderlich sind
Der Lehrer bietet an, mehrere Paare derselben Tonarten zu analysieren und Stufen zu finden, die sich in der Höhe in jedem Paar unterscheiden.
Folien 2 - 7.
Als Ergebnis der Analyse schließen die Schüler, dass die Stufen III, VI und VII in jedem Paar unterschiedlich hoch sind.
Der Lehrer macht die Kinder darauf aufmerksam, dass Schlüssel mit unterschiedlicher Zeichenanzahl analysiert wurden. Das Folgende ist eine kurze historische Referenz- über die Existenz einer natürlichen Tonleiter und einer späteren temperierten Tonleiter in der Vergangenheit. Folie 8 – ein Porträt von J.S. Bach, dem Komponisten, der 2 Bände des HTC erstellt und die Theorie der gleichschwebenden Stimmung unterstützt hat.
Der Lehrer bietet an, das Präludium in a-Moll aus dem ersten Band des CTC anzuhören und gibt den Gruppen die Aufgabe, den Modus am Anfang der Arbeit und am Ende zu bestimmen.
Es klingt wie ein Präludium in a-Moll.
Die Schüler identifizieren a-Moll am Anfang des Präludiums und A-Dur am Ende des Präludiums, was die gleichnamigen Tonarten ergibt.
Der Lehrer gibt eine Aufgabe zur Recherche in Gruppen: Die erste Gruppe analysiert den Anfang des Präludiums anhand von Noten und muss Anzeichen von a-Moll finden; die zweite Gruppe analysiert das Ende des Präludiums und muss Anzeichen von A-Dur finden. Folie 9.
Nach 3 Minuten geben die Gruppen eine Antwort: A-Moll hat keine Zeichen auf der Tonart, das Zeichen G #, das am Anfang erscheint, „gehört“ dem gleichnamigen Dur wie der VII. Schritt. In a-Moll lässt sich dieses Zeichen als Stufenwechsel in der harmonischen Form von Moll erklären. Die zweite Gruppe kommt zu dem Schluss, dass das Erscheinen des Tons C# (III. Grad) am Ende des Präludiums von a-Moll zu A-Dur wechselt.
Der Lehrer macht noch einmal auf die Steigerung der siebten Stufe im harmonischen Moll als Element des natürlichen Dur aufmerksam.

Neues Material lernen
Der Lehrer zeigt auf dem Projektor Folie 10 zwei Optionen zum Aufnehmen einer Melodie aus der Oper „Leben für den Zaren“ von M. I. Glinka (ein Fragment von Antonidas Romanze), hören Sie sich diese Melodie an und wählen Sie die richtige Aufnahmeoption aus den beiden vorgeschlagenen aus.
Nach dem Hören wählen die Schüler Option 2.
Der Lehrer macht auf die unterschiedliche modale Färbung des dritten Taktes in den Beispielen 1 und 2 aufmerksam, erklärt die Verwendung der Moll-Tonart als Betonung der emotionalen Spannung in den Worten „ bittere Trauer". Folie 11.
Der Schluss ist formuliert: Um die emotionale Bedeutung des Wortes zu betonen, entlehnt der Komponist eine abgesenkte VI-Stufe von Moll nach Dur. Die Regel zur Bildung des harmonischen Dur-Typs ist in das Heft geschrieben.
Singen eines Fragments aus der Oper von M. I. Glinka mit Begleitung.
Nach dem Singen der Melodie mit Begleitung erfolgt eine harmonische Analyse dieses Fragment. Der Lehrer macht die Schüler auf einen Akkord mit verändertem Klang (Ges) aufmerksam und bittet sie, ihm einen Namen zu geben.
Die Schüler identifizieren diesen Akkord als Moll-Subdominante und schließen zusammen mit dem Lehrer, dass die Moll-Subdominante ein Element ist natürliches Moll im gleichnamigen harmonischen Dur.

Der Lehrer lädt die Schüler ein, sich ein Fragment der Sonate von F. Schubert anzuhören und nach Gehör den Moll-Subdominant-Akkord zu bestimmen, der im Werk verwendet wird.
Nach dem Hören bestimmen die Schüler den S53harm. im zweiten Satz.
Einer der Schüler zeigt diesen Akkord unter den Akkorden der harmonischen Folge Folie 12., dann nennen alle Schüler die Akkorde in der Kette in der Reihenfolge bis S53 Harmonische .. Folie 13.
Singen der Unterstimme der harmonischen Folge (der Lehrer spielt die Oberstimmen auf dem Klavier).
Der Lehrer bittet die Schüler, alle unbekannten Akkorde oder Symbole in der Kette hervorzuheben.
Die Schüler achten auf den siebten Takt der harmonischen Folge. Als Ergebnis der Analyse stellt sich heraus, dass der Akkord von 4 Klängen dominant ist, in der Struktur ist er ein Drittel mehr als der dominante Dreiklang, die extremen Klänge bilden eine Septime. Der Lehrer führt das Konzept des "dominanten Septakkords" ein. Der Lehrer erklärt auch die Bedeutung der Bezeichnung K64 in der finalen harmonischen Revolution.
Der Lehrer gibt eine Forschungsaufgabe: Welche Elemente sind in D7 zu finden?
Nachdem er sich alle Antworten angehört hat, richtet der Lehrer die Aufmerksamkeit der Schüler auf Geist 5, der Teil des Akkords ist. Da die Schüler die Tritonus-Auflösungsregel bereits kennen, merken sie sich leicht die D7-Auflösungsregel.

Gruppenarbeit
Der Lehrer lädt die Schüler in Gruppen ein, die Tonleiter von harmonischem Dur (Gruppe 1) und harmonischem Moll (Gruppe 2) zu erkunden. Die Schüler müssen eine Tonleiter bauen, darin ein Segment von 3 Tönen finden und die Frage beantworten, welche Stufen bei der Bildung von Tritonus in harmonischen Modi beteiligt sind.
Die erste Gruppe kommt zu dem Schluss, dass sich der Tritonus in der harmonischen Dur-Stufe auf den Segmenten II-VIg befindet. Diese Regel entspricht der Regel zur Konstruktion von Tritonus in natürlichem Moll.
Die zweite Gruppe kommt zu dem Schluss, dass der Tritonus im harmonischen Moll auf dem Segment IV-VIIg der Stufe gebildet wird. Diese Regel entspricht der Regel für den Bau von Tritonus in natürlichem Dur.
Der Lehrer hilft bei der Formulierung einer Schlussfolgerung: Eine Änderung der Schritte in harmonischen Modi führt zu einer Änderung und Bildung neuer Elemente, die in den gleichnamigen Tonarten entlehnt sind. Bünde – Dur und Moll – nähern sich, angereichert mit neuen Ausdrucksmitteln.

Primärer Test der Beherrschung des Wissens. Primärbefestigung Wissen. Kontrolle und Selbsttest des Wissens
Folie 14. Der Lehrer gibt die Aufgabe, die Tonleitern von D-Dur und D-Moll in harmonischen Formen zu vergleichen, um Ähnlichkeiten und Unterschiede zu finden.
Die Schüler stellen fest, dass alle Stufen in der Höhe übereinstimmen, mit Ausnahme von III - in Dur ist sie hoch und in Moll ist sie niedrig.
Der Lehrer macht die Schüler darauf aufmerksam, dass der dritte Schritt ein Indikator für die Färbung des Modus ist. Folie 15.
Folie 16. Der Lehrer gibt den Schülern die Aufgabe, Zeichen in harmonische Modi zu bringen, basierend auf den Skalen derselben Tonarten in ihrer natürlichen Form.
Die Schüler ändern leicht die Schritte und leihen sich Zeichen nach dem Schema ihrer Skalen mit denselben Tasten. (beantworten Sie Folie 17).
Folie 18. - Bestätigung dessen, was in der Lektion behandelt wurde, am Beispiel anderer Tonarten.
Der Lehrer erklärt den Schülern, wie sie die Zeichen durch die gleichnamigen Schlüssel bestimmen können. Da sich gleichnamiges natürliches Dur und Moll immer um 3 Zeichen unterscheiden, lässt sich über die gleichnamigen Tonarten eine Formel zur Bestimmung der Zeichen in Moll ableiten:
Bei dur - 3 Zeichen = bei moll
Es ist sehr bequem, dies auf einem numerischen Strahl darzustellen. Flats gehen auf Minus, Kreuze gehen auf Plus. Wenn es in Dur 4 Kreuze gibt (4 - 3 \u003d 1), dann gibt es in dem gleichnamigen Moll 1 Kreuz. Wenn es in Dur 1 Kreuz gibt (1 - 3 \u003d -2), dann gibt es in dem gleichnamigen Moll 2 Wohnungen.

Zusammenfassung der Lektion, Reflexion
Die Schüler sagen, was sie in der Lektion gelernt haben, wiederholen neue Begriffe.
Reflexion - Wer war es einfach? Schwierig? Ist alles klar? Wer will mehr wissen?

Hausaufgaben (freiwillig):
1. Suchen Sie in den Werken des Fachgebiets die Elemente, die in der Lektion besprochen wurden.
2. Formulieren Sie kurz in wenigen Sätzen die wichtigsten Schlussfolgerungen der Lektion.

In diesem Artikel erfahren Sie, warum einige Musikstudenten Harmonie nicht mögen, warum es so wichtig ist, diese Lehren zu lieben und regelmäßig zu praktizieren, und welche Ergebnisse diejenigen erzielen, die das Studium dieser Disziplinen mit Umsicht, Geduld und Sorgfalt angehen Demut.

Viele Musiker geben zu, dass sie in den Jahren ihres Studiums theoretische Disziplinen nicht mochten und sie einfach als überflüssige, unnötige Fächer im Programm betrachteten. In der Regel im Musikschule eine solche Krone nimmt Solfeggio an: aufgrund der Sättigung des Schul-Solfeggio-Kurses,- Schüler der Musikschule(insbesondere Schulschwänzer) haben in diesem Fach oft keine Zeit.

An der Schule ändert sich die Situation: Solfeggio erscheint hier in einer „verwandelten“ Form und wird von den meisten Schülern gemocht, und alle früheren Empörungen fallen auf Harmonie - ein Thema, das denjenigen nicht klar ist, die mit der Elementartheorie in der nicht fertig wurden erstes Jahr. Natürlich kann man nicht sagen, dass solche Statistiken genau sind und die Einstellung der Mehrheit der Studierenden zum Lernen charakterisieren, aber eines ist sicher: Die Situation der Unterschätzung musiktheoretischer Disziplinen ist weit verbreitet.

Warum passiert das? Der Hauptgrund ist gewöhnliche Faulheit oder, wenn Sie es anständiger nennen, Mühsal. Kurse in elementarer Musiktheorie und Harmonielehre basieren auf einem sehr reichhaltigen Programm, das in einer extrem kleinen Anzahl von Stunden bewältigt werden muss. Daraus ergibt sich die intensive Natur des Trainings und eine große Belastung für jede Lektion. Keines der Themen darf ohne Ausarbeitung bleiben, sonst versteht man nicht alles, was folgt, was sicherlich denen passiert, die sich erlauben, den Unterricht zu schwänzen oder keine Hausaufgaben zu machen.

Die Anhäufung von Wissenslücken und das ständige Aufschieben der Lösung drängender Probleme auf später führt zu einer völligen Verwirrung, die nur der verzweifeltste Student zu beseitigen bewegen wird (und dadurch viel gewinnt). So führt Faulheit dazu, dass das berufliche Wachstum eines Schülers oder Studenten durch die Einbeziehung hemmender Prinzipien blockiert wird, beispielsweise der folgenden Art: „Warum zerlegen, was nicht klar ist - es ist besser, es abzulehnen“ oder „Harmonie ist vollständig Unsinn und niemand außer extravaganten Theoretikern braucht es".

Inzwischen ist das Studium der Musiktheorie in seinem verschiedene Gestalten spielt eine große Rolle in der Entwicklung eines Musikers. Solfeggio-Kurse zielen also auf die Ausbildung und das Training des wichtigsten professionellen Instruments eines Musikers ab - seines Gehörs für Musik. Die beiden Hauptkomponenten von Solfeggio – Singen nach Noten und Erkennen nach Gehör – helfen dabei, zwei Hauptfähigkeiten zu meistern:

- um die Noten zu sehen und zu verstehen, welche Art von Musik darin aufgezeichnet ist;

- die Musik zu hören und zu wissen, wie man sie mit Noten aufzeichnet.

Die Elementartheorie könnte man das ABC der Musik nennen, die Harmonie ihre Physik. Wenn uns die Kenntnis der Theorie erlaubt, alle Partikel zu identifizieren und zu analysieren, aus denen Musik besteht, dann enthüllt die Harmonie die Prinzipien der Beziehung zwischen all diesen Partikeln, sagt aus, wie Musik von innen angeordnet ist, wie sie in Raum und Zeit organisiert ist.

Schauen Sie sich mehrere Biografien von Komponisten der Vergangenheit an, Sie werden definitiv Erwähnungen der Leute finden, die ihnen Generalbass (Harmonie) und Kontrapunkt (Polyphonie) beigebracht haben. In Bezug auf die Ausbildung von Komponisten wurden diese Lehren als die wichtigsten und notwendigsten angesehen. Jetzt gibt dieses Wissen einem Musiker eine solide Grundlage für seine tägliche Arbeit: Er weiß genau, wie man Akkorde für Lieder aufnimmt, wie man jede Melodie harmonisiert, wie man seine musikalischen Gedanken formt, wie man keine falschen Töne spielt oder singt, wie man einen Notentext sehr gut auswendig lernen, schnell usw.

Jetzt wissen Sie, warum es so wichtig ist, Harmonie und Solfeggio mit voller Hingabe zu üben, wenn Sie sich entscheiden, ein richtiger Musiker zu werden. Es bleibt hinzuzufügen, dass das Studium von Solfeggio und Harmonie angenehm, spannend und interessant ist.

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Gliederung einer offenen Unterrichtsstunde in Solfeggio im 2. Klasse III-Viertel, 1 Unterrichtsstunde Entwickelt von einem Lehrer für theoretische Disziplinen der Toburdanovskaya-Kinderkunstschule Filippova Natalia Vasilievna S. Toburdanovo-2009 1 Thema der Unterrichtsstunde: Wiederholung des behandelten Materials. Unterrichtsplan:  Vocal Intonation Skills. Singen auf dem Material der durchlaufenen Intervalle (Gesänge, Intervalle – Sekunden, Terzen, Quarts, Quinten; Sequenzen)  Wiederholung: Parallelschlüssel. Drei Arten von Moll. Arbeiten mit der Tonart in d-Moll.  Rhythmisches Aufwärmen  Theorie im Kreuzworträtsel  Hausaufgaben Unterrichtsinhalt: 1. Der Unterricht beginnt mit Gesangsgesängen zum Material der behandelten Intervalle. 2 Wir erinnern an das Konzept der "Sequenz". Das Motiv der Sequenz wird auf die Tafel geschrieben. Wir singen eine aufsteigende Folge mit Noten: Dann eine absteigende: Wir singen Solfeggio, dann mit den Worten das Lied „Folge“: 3 Solfegging von Musikbeispielen für eine Folge: d) 4 2. Erinnern Sie sich, welche Paralleltonarten auf dem Material stehen das Lied „PARALLEL TONALITIES“ Welche Arten von Moll kennen wir? Lieder in Moll singen. 5 Arbeiten Sie in der Tonart d-Moll. Am Quintenzirkel finden wir F-Dur. Parallel zu F-Dur steht d-Moll. a) Wir schreiben in ein Heft und singen drei Arten von d-Moll und Dreiklänge. b) Singschritte auf den Karten. Variationen: natürliches Moll o I-III-V-IV-III-II-I o I-II-III-I-V-VI-V-I o V-III-II-I-II-VII-↓I o V-VI- V-III-II-VII-↓I harmonisch und melodisch I-III-II-I-VII#↓-I I-V-III-I-II-I-VII#↓-I V-VI-V-VII#- I I-V-VI#-VII#-I I-III-V-VI#-VII#-I 6 c) Bekanntschaft mit dem neuen Lied "Wiegenlied" (Anhang 1) Tonträger - Weiter in Form eines Diktats. Der Lehrer spielt eine Melodie, die Schüler singen den Rhythmus mit rhythmischen Silben und bauen den Rhythmus mit Karten auf. -Wir schreiben Noten, singen Solfeggio mit einem Tonträger. -Wählen Sie Harmonie. - Singen zum Backing Track. 3. Rhythmisches Aufwärmen. -rhythmische Kartenübungen. (Nach Ermessen des Lehrers) - Aufgabe: Finde deinen eigenen Rhythmus 4. Theorie in einem Kreuzworträtsel. Wir erinnern uns an die Vergangenheit theoretischer Stoff am Beispiel dieses Kreuzworträtsels. 7 5. Hausaufgaben: -Singen Sie drei Arten von d-Moll und Dreiklängen -Lied "Wiegenlied" - singen Sie mit Noten und mit Worten, spielen Sie ein Instrument, wählen Sie Harmonien. 8 Anschauungsmaterial für den Unterricht. Anhang 1 9 Erklärung für die Lektion. Das Hauptziel dieser Unterrichtsstunde ist die Wiederholung des Stoffes der 1. Jahreshälfte, da die Unterrichtsstunde nach den Winterferien stattfindet. Sie müssen sich daran erinnern, was Sie gelernt haben. Die Lektion umfasst die folgenden Abschnitte:  Gesangs- und Intonationsfähigkeiten. Singen von Gesängen für die vergangenen Intervalle: von m.2 bis h.5  Wiederholung der Konzepte von „Paralleltonarten“ und Moll von 3 Arten. Bekanntschaft mit der Tonart d-Moll. Singende Stufenketten.  Die Tonart d-Moll ist am Beispiel des Liedes „Lullaby“ festgelegt. Hier geht vollständige Analyse Ausdrucksmittel: das Wesen der Musik, Rhythmus, melodische Bewegung. Das Aufnehmen eines Songs mit Noten erfolgt in Form eines Diktats. Es gibt auch eine Auswahl an Harmonien für das weitere Spielen des Instruments.  Rhythmisches Aufwärmen wird gem verschiedene Optionen die Wahl des Lehrers. Zum Beispiel verschiedene Rhythmusfigurationen auf Karten erarbeiten. Schreiben Sie Ihren eigenen Rhythmus. Sie können Noise-Instrumente verwenden.  Kreuzworträtseltheorie. Die Schüler beantworten die theoretischen Fragen, die in den vorherigen Lektionen behandelt wurden. Diese Art der Arbeit ist für Kinder attraktiv. Fazit: Das gesamte Material wird von musikalischen Gesängen begleitet und nicht langweiliges Auswendiglernen von Regeln und Konzepten. 10

Guseva A.V.

Neu über alt:

Harmonie im Solfeggio-Unterricht an einer Musikschule

- Spielen Sie den dominanten Septakkord aus dem Klang von Salz.

Der Schüler spielte.

Zu welchem ​​Ton gehört es?

- Also gleich vom Ton!

Aus einem belauschten Dialog zwischen einem Lehrer und einem Schüler

Seit vielen Jahrzehnten wird in unserem Land eine Tradition gepflegt - von der ersten bis zur siebten Klasse werden die Grundlagen des Solfeggio-Unterrichts erlernt klassische Musik. Auf der nächsten Stufe des Musiklernens – in der Schule – passiert fast dasselbe. Aber kann man argumentieren, dass elf (!) Jahre der Kommunikation mit der Solfeggio-Disziplin zu positiven Ergebnissen geführt haben, nämlich dass die Schüler die gelernten Nummern klar singen, vom Blatt singen, alle klassischen Elemente hören, die in dieser Zeit gelernt wurden, einstimmig schreiben und zweistimmigen Diktaten (wir verzichten auf eine kritische Bewertung der etablierten Formen der Arbeit an Solfeggio und darüber hinaus der ultimativen Ziele dieser akademischen Disziplin)? Leider müssen wir das Gegenteil feststellen: Je mehr sich die theoretische Plattform des Fachs, die auf die Ausbildung und Entwicklung des musikalischen Gehörs ausgelegt ist, verschlechtert, insbesondere in Grundschule Musikschule, desto bescheidener fallen die Ergebnisse der Abschlussprüfung aus dieser Fall. Die Frage nach der emotionalen Einstellung zu Solfeggio, mit der Bildung eines aufrichtigen Interesses an Musik aufgrund der im Solfeggio-Unterricht verbrachten Stunden, sollte besser weggelassen werden.

Aber im Hof ​​schon XX ICH Jahrhundert! Und wir sind von der klassischen Ära, könnte man sagen, durch einen Zeitraum von drei Jahrhunderten getrennt. Ist es möglich, dass in dieser Zeit nicht die Methodik entwickelt wurde, die für die schnelle und erfolgreiche Entwicklung der Grundlagen des klassischen Systems erforderlich ist? So bald wie möglich, denn wir brauchen noch Zeit, um uns (zumindest ein wenig) mit einigen Elementen der musikalischen Sprache vertraut zu machen, die für das vorige Jahrhundert - das zwanzigste Jahrhundert - charakteristisch sind!

Als Antwort hört man die Einwände der Lehrer: „Was sind die Innovationen des zwanzigsten Jahrhunderts? Wir möchten die Grundlagen der Klassiker lernen.“ Aber Kinder in ihrer Spezialität spielen etwas aus der Musik des 20. Jahrhunderts, zum Beispiel Stücke von Bartok, Prokofiev, Slonimsky, Metallidi. Dies bedeutet, dass zumindest einige der Neuerungen des vorigen Jahrhunderts in Solfeggio widergespiegelt werden sollten, wenn man bedenkt, dass Pianisten und Streicher an der Universität kein Fach namens Solfeggio haben und beim Eintritt ins Konservatorium nur Kenntnisse der klassischen Elemente zeigen , dann lohnt es sich, diese auditive Arbeit zur Beherrschung der Merkmale der Musiksprache des zwanzigsten Jahrhunderts anzuerkennen Lehrpläne v momentan nicht vorgesehen.

Der moderne Student spielt im Unterricht seines Faches übrigens nicht nur etwas von Bartok, Sigmeister, Prokofjew und sonst jemandem unserer Zeit, sondern callt auch Mobiltelefon, hat aktiv mitgespielt Computerspiele, auf Urlaubsreisen nach Ägypten, Finnland oder in die Schweiz. Und in den Solfeggio-Notenbüchern eines Musikschulabsolventen finden sich folgende Aufgaben: Baue einen Dominant-Septakkord vom Klang B nach unten, löse den Tritonus mit allem auf verfügbare Mittel, Tonika-, Dominant- und manchmal Subdominant-Akkorde nach Gehör zu bestimmen, die in stolzer Isolation stehen, für sich, das heißt zu verschiedenen Tonarten gehörend und natürlich ohne Bezugnahme auf irgendeinen Notentext. Echte Empörung seitens des Lehrers kann zum Beispiel durch die Unkenntnis der Schüler über die Tonart fis-Moll hervorgerufen werden. Gleichzeitig gelten die Standard-Zulassungsvoraussetzungen für Solfeggio für die Zulassung zu Musikschule, trotz der zahlreichen Tests, die in dieser Prüfung enthalten sind, enthalten keine einzige Aufgabe, die die musikalische Reaktionsfähigkeit des Bewerbers sowie seine praktischen Fähigkeiten im Bereich Musik offenbart.

Kritischer Zustand der Moderne Musikalische Bildung hinter letzten Jahren wird immer mehr zum Gegenstand wissenschaftlicher Diskussionen, wissenschaftlicher und methodischer Konferenzen. Die schmerzlichen Probleme der Musikpädagogik haben eine Art Konzentration in einer sehr symptomatischen Artikelsammlung „Wie man Solfeggio im 20. Jahrhundert unterrichtet“ erhalten. ICH Jahrhundert“, erschienen 2006. Der Herausgeber und Zusammensteller dieser Sammlung, M. Karaseva, stellt fest, dass „die Frage nach Überleben musikalische und theoretische Disziplinen (einschließlich Solfeggio) auf allen Ebenen häusliche Erziehung steht heute so scharf wie eh und je. E. Derunets weist auf den Grund für die krisenhafte Situation im Bildungsprozess hin: „Die Isolierung der musikalischen und theoretischen Disziplinen von den unmittelbaren Bedürfnissen der Aufführungspraxis führt dazu, dass sich das von den Studenten erworbene Wissen als brüchig erweist, und ein erheblicher Teil von ihnen verschwindet bald aus dem Gedächtnis.“ E. Lerner kommt zu dem Schluss, dass radikale Maßnahmen ergriffen werden müssen: „Das Projekt neues Programm in theoretischen Fächern kann nur unter einer Bedingung entwickelt werden - einer Überarbeitung des Konzepts des gesamten Systems der Musikausbildung.

Richten Sie Ihre Aufmerksamkeit auf den Aufbau der Grundlagen musikalisches Denken Passend zum Thema Solfeggio gibt V. Sereda praktisch die Richtung an, in der man nach Wegen suchen sollte, das „Konzept zu überarbeiten“ dieser akademischen Disziplin. Der Autor des Artikels baut seine Methode des Unterrichtens von Solfeggio auf der Grundlage der Integrität und Konsistenz der musikalischen Sprache auf. Die gewählte methodische Position bestimmt V. Seredas scharf ablehnende Haltung gegenüber der gängigen Form des Solfeggio-Unterrichts, bei der die Elemente der Musiksprache in maximaler Isolation voneinander gedeihen: „Studenten studieren Solfeggio nicht Melodie, Harmonie, Modus und Textur, sondern Klänge , Intervalle, Akkorde und Skalen, die aus dem lebendigen und sich ständig verändernden Kontext, in dem sie in der Musik existieren, abgeschnitten sind. funktioniert<…>Das musikalische Ohr manifestiert sich nicht in der Fähigkeit, die Tonhöhe von Tönen zu unterscheiden und isolierte Konsonanzen verschiedener Farben zu erkennen, sondern in der Fähigkeit einer Person, die semantischen Beziehungen der Musenelemente wahrzunehmen und zu bewerten. Sprache. Seine Grundlage ist die Intonation - die Konjugation von Klängen, Konsonanzen, Stimmen des musikalischen Gewebes sowie aller seiner temporären Einheiten - Schläge, Motive und Phrasen.

Auf der Suche nach neuem methodische Leitlinien, im Einklang mit unserer Zeit, ist es zunächst eine Überlegung wert, warum das Thema Solfeggio tatsächlich in die Rubrik der theoretischen Disziplinen fiel. Einmal war der Chorleiter V. Chernushenkov in einem privaten Gespräch darüber empört: „Wie können Sie Solfeggio nennen? theoretisches Fach, das ist die praktischste Disziplin!“. Hinzuzufügen ist, dass solche Fächer wie Harmonielehre, Polyphonie, Analyse als Disziplinen mit am meisten angewandtem Charakter betrachtet werden sollten, aber die Musikgeschichte ist eine Theorie, deren Inhalt es ist, die Logik der Bewegung zu verstehen historische Ereignisse. Vor diesem Hintergrund wäre es für jeden Lehrer, der die eine oder andere „theoretische“ Disziplin unterrichtet, schön, die Frage zu beantworten: Welche praktischen Fähigkeiten, die zum Aufführen oder Hören von Musik erforderlich sind, hat sein Schüler, wenn er die Ausbildung in dieser Disziplin abschließt. Gleichzeitig muss daran erinnert werden, dass nur eine, die durch das lebhafte Interesse desjenigen, der es demonstriert, vergeistigt ist, als praktische Fähigkeit im Zusammenhang mit dem Bereich der Musik angesehen werden sollte. Kann man das sogenannte „Singen aus der Ferne“ oder auch nur das Singen einer vorher erlernten Melodie als erworbene praktische Fertigkeit betrachten, wenn sie in allen Solfeggio-Gruppen immer (!) in der gleichen monotonen Stimme wiedergegeben wird, bei manchen gleichermaßen? auf diese Melodie nicht bezogenes Durchschnittstempo, mit Fehlern in der intonatorischen Lesart, da seine Gattungscharakteristik aufgrund eines Missverständnisses des metrischen Systems unentdeckt bleibt und schließlich niemals als Analogon zum Singen einer Melodie auf einem bestimmten Instrument fungiert und darüber hinaus , personifiziert das Singen nicht als solches, als eine Art musikalischer Betätigung?

Was ist also mit der Musik, die gerade komponiert wurde (vor etwa 50 - 100 Jahren!)? Wird es jemals in das Solfeggio-Programm einer Musikschule kommen, oder ist der Schüler dazu verdammt, noch lange nur die Techniken der klassischen Tonalität zu studieren?Übrigens gibt es in der vorklassischen Zeit noch viele bemerkenswerte künstlerische Phänomene, an verschiedenen nationale Kulturen. Oder ist unsere Hauptaufgabe, nach neuen methodischen Wegen zur Wiederbelebung von Solfeggio zu suchen und dabei im Rahmen des Systems zu bleiben, in dem es erforderlich ist, "sol - si - re - fa - mi - do - do - do" in einem Atemzug zu spielen ?

Das Paradoxe am heutigen Stand der Dinge liegt darin, dass wir, wenn wir an das Solfeggio-Programm an einer Musikschule chronologisch herangehen – zuerst die Klassik, dann … – unseren eigenen Schatten seit dem Studium nie mehr einholen werden Jeder Stil, jede Ära kennt keine Grenzen. Darüber hinaus werden die Angst und das Missverständnis der heutigen Entwicklung der Musiksprache zu einem Indikator für das Missverständnis des klassischen Systems selbst. Die wichtigsten Veränderungen in der Musik des 20. Jahrhunderts, zum Beispiel ein anderes Zusammenspiel von Melodie und Harmonie, die Organisation der Tonalität erfordern eine andere Einstellung zum klassischen System: Was sind die theoretischen Richtlinien für die Bestimmung der Tonalität durch den letzten Ton oder die Bestimmung Tonalität durch Schlüsselzeichen, schließlich die Definition des Tonikums in Form nur der ersten Stufe der Tonleiter. All dies ist ein Anachronismus, ähnlich der Definition des alten Mannes Hottabych über den Standort der Erde, die auf drei Walen ruht.

Neue Methodik Das Unterrichten von Solfeggio an einer Musikschule muss, selbst in der allerersten Phase der Ausbildung, unter Berücksichtigung eines tiefen Verständnisses des wichtigsten Rückgrats für jeden aufgebaut werden historische Periode, die in verschiedenen Prinzipien der Wechselwirkung zwischen Harmonie und Melodie verwurzelt sind, im weiteren Sinne in verschiedene Beziehungen Vertikale und Horizontale. Das klassische System ist eine Dur-Moll-Tonalität, deren Essenz in ihrem harmonischen Wesen liegt. Harmonie erzeugt alles: Melodie, Rhythmus, Metrik, Textur, Syntax, Fingersatz, Dynamik, Instrumentierung. Und umgekehrt: Sowohl vorklassische als auch nachklassische Systeme etablieren andere Unterordnungsverhältnisse: Harmonie gehorcht der Horizontalen, Harmonie wird unberechenbar. Nahezu alle Bestandteile der Musiksprache sind mit Umsetzungsfreiheit ausgestattet. Gleichzeitig wird die Integrität der musikalischen Organisation durch andere Bedingungen erreicht: in jedem separater Fall man muss etwas suchen, das die Bestandteile der musikalischen Sprache zu einem künstlerischen Ganzen vereint. Und hier ergeben sich viele verschiedene Situationen - vom rhythmischen und harmonischen Ostinato bis zur Intonationsähnlichkeit auf der Grundlage von Imitationen, Varianzen, Wiederholungen usw.

Wenn Schülern in einer Musikschule angeboten wird, eine aus Dur-Moll-Funktionalität geborene Melodie als Diktat aufzuschreiben, warum sollte man Schülern dann nicht diese Melodie zusammen mit der ihr innewohnenden harmonischen Funktionalität vorstellen? Sie können das Gegenteil tun: Führen Sie die Schüler zuerst in das harmonische Raster einer bestimmten Melodie ein und dann in die Melodie selbst, während Sie die Freude erleben, eine andere Variation des Themas „Tonika - Dominant“ zu treffen. Entsprechend der harmonischen Grundlage der Melodie ist es möglich (und notwendig!), für die entsprechende Vokalkomposition ein zweistimmiges Harmonic-Pedal zu komponieren oder ein harmonisches Drei-Stimmen (traditionell dreistimmig, aber ohne) anzubieten Bass, den Lehrende aus dem klassischen Harmoniekurs kennen) auch für die nachträgliche Gesangsvertonung. Keine Akkorde allein, in einer abstrakten Folge, sondern Akkorde, die die Essenz des klassischen Tonsystems verkörpern.

Die Arbeit an einer Melodie in engem Kontakt mit Harmonie kann schließlich dazu führen Kunstform, einschließlich Sologesang mit den Worten der Originalmelodie (oder auf dem Instrument spielen, wenn es instrumentaler Natur ist), harmonische Begleitung, die wie Vierklangakkorde in einer einfachen rhythmischen Texturversion aussieht ( linke Hand der Bass spielt, und der rechte spielt die anderen drei Klänge), ein zwei- oder dreistimmiges Gesangspedal, das eine Melodie kontrapunktiert, die auf der Grundlage derselben Harmonie komponiert wurde (erinnern Sie sich an die Ausdrücke „die Melodie bewegt sich entlang der Klänge des dominanter Septakkord“ oder „die Melodie enthält einen tonischen Viertelsext-Akkord“ usw.), aber es gibt eine Melodie, die auf der Grundlage des einen oder anderen Akkords und daher auf einer reduzierten Quinte um gewachsen ist VII Schritte und zu einer kleinen Septime weiter v Schritte, die von einem dominanten Septakkord begleitet werden, können gespielt werden. Dann entwickelt sich vielleicht im Kopf des Schülers, dass die Tonika im klassischen System nicht ein einzelner erster Schritt ist, sondern ein Akkord, der beinhaltet I, III, V Schritte in beliebiger Kombination, in jedem Register, mit beliebiger Anzahl von Wiederholungen dieser Schritte. Und Intervalle existieren nicht für sich allein, sondern sind Träger der modalen Funktion des einen oder anderen klassischen Akkords. Dann wird es endlich möglich sein, anhand von ein Gehör für Musik zu entwickeln harmonische Intonationsvorhersage, das heißt, die Grenzen der Länge einer Harmonie in einer bestimmten Melodie zu finden und auf den Einsatz einer Melodie (oder eines beliebigen linearen Texturelements) als Übergang von einer zu reagieren harmonische Intonation zum nächsten. Dann gibt es vielleicht endlich eine interdisziplinäre Verbindung zwischen Solfeggio und einem Fachgebiet, in dem die in Solfeggio erworbenen Fähigkeiten vermittelt werden harmonische Intonation wird zur Ausbildung eines kompetenten Musikers beitragen.

Wenn wir lernen, wie man eine auf Konsistenz basierende Methodik für den Solfeggio-Unterricht entwickelt, dann können wir das klassische Dur-Moll-System kompetent den Systemen der vorklassischen und modernen Musik gegenüberstellen, wo die gegenteilige Situation herrscht - Freiheit der harmonischen Wahl für jeden Melodie. Hier können Sie kreativ werden! Dafür gibt es bereits Hilfsmittel Musikstunden v Kindergarten, in dem vorgeschlagen wird, weiterzuspielen verschiedene Zeichnungen(Diese Zeichnungen spiegeln direkt das Modell moderner Partituren wie Cage wider). Eine der mächtigsten Quellen bequemer Formen zur Beherrschung der Muster moderner Musik ist die Skalenidentität von Melodie und Harmonie, bei der der Akkord als resultierendes Element der Melodie geboren wird, das weder durch die Anzahl der Töne noch durch den obligatorischen Tertian verbunden ist Struktur. Stellen Sie sich für einen Moment vor, was für eine grandiose Symphonie zu dem Text "Ding-dong, ding-dong, the cat's house is on fire ..." komponiert werden kann, dessen Melodie eine beliebige Folge von zwei benachbarten schwarzen Tasten enthält, und auf dem Klavier gleichzeitig mit der Melodie in allen sieben Registern wird diese Sekunde harmonisch gespielt, also ein Akkord! Die Begleitung kann als Glockengeläut realisiert werden – mit abwechselnd hohen und tiefen Lagen.

Eine weitere "Invasion" in das Feld der zeitgenössischen Musik ist methodisch bequem in den folgenden Richtungen durchzuführen. Eine davon basiert auf dem Vergleich des Vertrauten und der Modifikation dieses Vertrauten. Möglich sind im Vergleich Terzakkorde und Akkorde mit Ersatzton, diatonische und gleiche, aber veränderte Akkorde, Skalenvarianz bei Melodien mit ähnlicher Bewegung usw. Eine andere Richtung ist die gleichzeitige Korrelation von Bekanntem und Unbekanntem (a vertraute melodische Wendung, aber ein ungewohntes harmonisches „Kleiden“ oder umgekehrt), was das sehr zulässt Aktive Form Aufmerksamkeit auf die Stange lenken vertraut, und zum Pol ungewohnt.

Es wird angenommen, dass die Wirtschaftskrise, die jetzt in vielen Ländern der Welt erlebt wird, notwendig ist, um die Suche zu intensivieren neue Form Wohlstand der Gesellschaft. Offensichtlich finden ähnliche Prozesse im Bereich der Musikpädagogik statt, und eine kompetente Einschätzung der alten Arbeitsmethoden wird dazu beitragen, den Wunsch zu erkennen, nach neuen Methoden zu suchen, die für unsere Kinder für ein erfolgreiches spirituelles Dasein unerlässlich sind.

Im Dezember 2008 fand die bereits traditionelle Siebte Internationale Wissenschaftliche und Praktische Konferenz „Moderne Musikpädagogik“ statt, die von zwei führenden Universitäten St. Petersburgs – dem Russischen Staat – organisiert wird Pädagogische Hochschule ihnen. A. I. Herzen und das Staatliche Konservatorium St. Petersburg. N. A. Rimsky-Korsakov. M. Karaseva beschreibt den aktuellen Stand der Dinge treffend, indem sie Solfeggio in der Schule als „vorharmonische“ Stufe und an einer Hochschule als „vorharmonische“ definiert ( M. Karaseva. Russisches Solfeggio der Postmoderne oder Postmoderne im Spiegel der Methodik / SATOR TENET OPERA ROTAS. Yuri Nikolaevich Kholopov und seine wissenschaftliche Schule. M., 2003. S. 334.

Aber in Solfeggio-Lehrbüchern findet man zunächst einen eigenen Absatz, der der Bewegung entlang der Klänge des Dominant-Septakkords gewidmet ist, und später, irgendwo in zwei oder drei Absätzen, wird die Situation betrachtet, die mit der Wiedergabe einer kleinen Septime auf dem fünften Schritt verbunden ist .

Der Autor dieses Artikels hat zuvor darüber nachgedacht mögliche Wege Einbeziehung der Neuerungen der Musik des zwanzigsten Jahrhunderts in Trainingskurs Solfeggio in der Anfangsphase der Ausbildung: Guseva A. V. Suche nach neuen Wegen: Der Beginn der Kreativität / Methodische Probleme moderner Musikpädagogik. Materialien des interuniversitären wissenschaftlich-praktischen Seminars am 21. März 2008. RGPU sie. A. I. Herzen. SPb., 2008. S. 67 - 79.

Zusammenfassung der Unterrichtsstunde „Parallele Tonarten in D-Dur – h-Moll“ für Schülerinnen und Schüler der 2. Klasse der Instrumentalabteilung der Kindermusikschule (DShI) zum Thema „Solfeggio“

Butorina E.I., Lehrerin für theoretische Disziplinen
Arbeitsplatz: MBU DO "Kunstschule für Kinder", Gornozavodsk, Perm Territory
Zielgruppe: Klasse 2 der Instrumentalabteilung der Kindermusikschule, Kinderkunstschule.
Alter der Schüler: 8 - 9 Jahre alt.
Akademisches Fach: Solfeggio, 2. Klasse, II. Quartal.
Zeit Trainingseinheit: 1 Stunde 05 Minuten.
Ausrüstung: Klasse, Multimedia-Beamer, Computer (Laptop), Leinwand, Lautsprecher.
Unterrichtsart: Lektion der Verallgemeinerung und Systematisierung des Wissens.
Der Zweck des Unterrichts- Ermittlung und Systematisierung des studentischen Wissens zum Thema "Parallele Tonarten in D-Dur - h-Moll".
Aufgaben:
- theoretisches Wissen zum behandelten Thema zu testen;
- das erworbene theoretische Wissen in praktischen Aufgabenstellungen anwenden;
- Fähigkeiten weiter entwickeln unabhängige Arbeit, Gruppenarbeit;
- die kreative Anwendung von Wissen in vertrauten und veränderten Situationen zu lehren;
- Weiterbildung in Methoden des Vergleichs und der Verallgemeinerung von Wissen (Erstellen von Tabellen);
- entwickeln Kreative Fähigkeiten jeder Student.
Die Zusammenfassung des Unterrichts kann für Lehrkräfte des Fachs „Solfeggio“ der Kindermusikschule (DShI) interessant sein. Die Wahl des Unterrichtsthemas ist begründet Themenplan Von Thema"Solfeggio" (Zusätzliche Vorprofi Bildungsprogramm im Gebiet Musikalische Kunst„Klavier“, Fachgebiet Theorie und Geschichte der Musik im Fach „Solfeggio“, Chefredakteur I.E. Domogatskaya, Moskau, 2012), 2. Klasse, II. Quartal, Lektion "Parallelschlüssel".
Für die erfolgreiche Durchführung der Trainingseinheit wurde eine Planskizze erstellt; eine Präsentation ist vorbereitet (im Text der Wettbewerbsarbeit sind alle Folien der Präsentation in Form von Abbildungen gestaltet); ausgewählte Musikbeispiele in D-Dur und h-Moll (siehe "Aufgaben für praktische Arbeit»).
Um das Ziel und die Ziele des Unterrichts zu erreichen, wird den Lehrern Folgendes empfohlen: wirksame Methoden: Reproduktionsmethode (um theoretisches Wissen zum behandelten Thema aufzudecken) und Suchmethode (um Wissen zu systematisieren und dieses Wissen in praktischen Aufgaben anzuwenden). Zum Beispiel können Sie bei der Durchführung praktischer Aufgaben die Methode „Finde den Fehler“ im zuvor Gelernten anwenden Musikalische Nummer(„Unser Nachbar hat den Dudelsack genommen“) und die Methode „Musikalischer Detektiv“ (ein Fragment aus E. Griegs Theaterstück „In der Höhle König der Berge» - Suche nach einer Abweichung in der Tonart D-Dur). Die Studierenden interessieren sich für den Prozess der Identifizierung der „emotionalen Färbung“ von Tonarten an Beispielen aus der klassischen Musik. Zum Beispiel ist die Tonart D-Dur - J. Haydn, Sonate D-Dur, erster Teil, Hauptpartei; P. I. Tschaikowsky, „Kamarinskaya“ und „Italian Song“ aus Kinderalbum; Tonart h-Moll - E. Grieg, „In der Höhle des Bergkönigs“; PI. Tschaikowsky, „Wintermorgen“ aus dem Kinderalbum. Ebenso wichtig ist es, die Aufmerksamkeit der Schüler auf die Verwendung von „warm“ und „kalt“ zu lenken. Farben um Ihre eigenen Zeichnungen zu erstellen, die den "Charakter" dieser Tasten widerspiegeln.
Um zu lernen, das erworbene Wissen zu vergleichen und zu verallgemeinern, werden die Studierenden eingeladen, verschiedene praktische Aufgaben in vertrauten und veränderten Situationen durchzuführen, zwei Tabellen zu erstellen („Vergleichstabelle für praktische Arbeiten“, „Hilfstabelle für praktische Arbeiten“). Die erstellten Tabellen können auch beim Lernen anderer Paralleltonarten im Solfeggio-Unterricht verwendet werden.
Während des Unterrichts wird empfohlen, je nach Art der Aufgaben unterschiedliche Formen der Befragung der Schüler (einzeln, Gruppe, frontal) anzuwenden und zu versuchen, die Aufmerksamkeit auf die Gruppe als Ganzes und auf jeden Schüler zu richten. Ich wünsche allen Lehrern der theoretischen Disziplinen kreativer Erfolg! Mit freundlichen Grüßen, Elena Butorina.

Während des Unterrichts

1. Organisatorische Phase (Begrüßung, Überprüfung der Unterrichtsbereitschaft, Organisation der Aufmerksamkeit):
Lehrer: Hallo liebe Jungs! Das Thema unserer Stunde ist „Paralleltonart in D-Dur – h-Moll“. Die Lektion wird voller verschiedener Aufgaben sein, die darauf abzielen, das Hauptziel zu erreichen - das Wissen zu diesem Thema zu festigen und anzuwenden. Ich schlage vor, den Unterricht so produktiv wie möglich zu gestalten, damit er nicht zu einer „Geschichte verlorener Zeit“ wird, und lasse das Motto unseres Unterrichts ein Zitat von Henry Ford sein: „Time does not like to be waste.“ Ist jeder bereit? Lasst uns beginnen!
Folie 1 wird auf die Leinwand projiziert:

2. Kontrolle der Hausaufgaben (Frontalbefragung):
Lehrer: Ich schlage vor, den Unterricht mit der Überprüfung der Hausaufgaben auf folgende Weise zu beginnen: Vergleichen wir die Konstruktion von Tonleitern in einem Notizbuch und auf einer Präsentationsfolie. Hast du alles richtig gebaut?
- Überprüfung des Aufbaus der D-Dur-Tonleiter;
- Überprüfung der Konstruktion der Tonleiter in h-Moll (drei Typen);
Folie 2 wird auf die Leinwand projiziert:

- Singen einer monophonen Nummer auswendig „Unser Nachbar hat den Dudelsack genommen“ (Kollektivwerk):

Lehrer: Gut gemacht! Nun müssen Sie folgende Fragen beantworten:
1. Wie viele Tonartzeichen gibt es in den Tonarten D-Dur und h-Moll?
2. Was sind diese Zeichen?
3. Wie groß ist der Abstand zwischen Passfedern?
4. Gibt es identische („gemeinsame“) Töne in parallelen Tonarten?
Studenten: beantworten und diskutieren.

3. Vorbereitung der Studierenden auf die Hauptarbeit (Teamwork).
Lehrer: Bevor wir mit der praktischen Arbeit (der Hauptphase des Unterrichts) beginnen, machen wir Folgendes: Suchen Sie nach "gemeinsamen" Lauten in parallelen Tonarten: D-Dur - h-Moll (natürlich); D-Dur - h-Moll (harmonische Ansicht); D-Dur - h-Moll (melodische Form).
Studenten: Auf jeder der folgenden Folien finden die Schüler die gleichen („gemeinsamen“) Klänge zwischen den beiden Tonarten, beantworten Sie die Frage: „Wie viele gemeinsame Klänge gibt es zwischen D-Dur und der natürlichen Form h-Moll?“
Folie 3 wird auf die Leinwand projiziert:

Die richtige Antwort ist 7 "allgemeine Geräusche.
Folie 4 wird auf die Leinwand projiziert:

Die richtige Antwort sind 6 gemeinsame Geräusche.
Folie Nummer 5 wird auf die Leinwand projiziert:

Die richtige Antwort sind 5 gemeinsame Geräusche.
Lehrer: Die nächste Aufgabe, die Sie erledigen müssen, ist die folgende: Sie sehen vertraute Akkorde auf dem Bildschirm. Sind sie richtig gebaut? Gibt es "gemeinsame" Klänge in den Hauptdreiklängen D-Dur und h-Moll?
Lassen Sie die Schüler folgende Fragen beantworten:
1. Was sind die Haupttriaden des Modus?
2. Aus welchen Schritten sind sie aufgebaut?
3. Für welche Form der Arbeit im Unterricht sind sie sinnvoll?
Dia Nummer 6 wird auf die Leinwand projiziert:

4. Die Hauptphase der Arbeit (Anwendung von Wissen und Fähigkeiten in der praktischen Arbeit):
- Bestimmen Sie die Arten von Moll in monophonen Nummern Nr. 1, Nr. 2, Nr. 3 ( individuelle Arbeit); „Aufgaben für die praktische Arbeit“, Nr. 1;
- korrigiere die melodischen "Fehler" in der monophonen Nummer "Unser Nachbar hat den Dudelsack genommen" (Einzelarbeit):

- ein musikalisches Fragment von E. Griegs Schauspiel "In der Höhle des Bergkönigs" spielen und feststellen, in welchem ​​Takt in eine andere Tonart abgewichen wird (Sammelarbeit "Musikalischer Detektiv"); den Tonartwechsel mit Taktangabe bestimmen;
Dia Nummer 7 wird auf die Leinwand projiziert:

Die richtige Antwort ist eine Abweichung in D-Dur in Takt 4.
- bestimmen Sie den tonalen Plan der Melodie von Maschas Lied aus dem Cartoon Gänse-Schwäne (Worte von A. Kovalenkov, Musik von Yu. Nikolsky, 1947);
Folie Nummer 8 wird auf die Leinwand projiziert (die richtige Antwort ist der Effekt der Animation "Abfahrt"):

- harmonisieren Sie die erste Strophe des Liedes "Steam Engine" (gemeinsame Arbeit von Lehrer und Schülern).
Die Dias Nr. 9, Nr. 10 werden auf die Leinwand projiziert:
Das Lied "Fahrt, fährt eine Dampflokomotive" (Text von S. Ernesaks, russischer Text von V. Tatarinov, Musik von G. Ernesaks)

5. Systematisierung und Verallgemeinerung von Wissen und Fähigkeiten (Festigung des theoretischen Wissens, Erstellung von Tabellen):
- offenbart die emotionale Färbung von Tonalitäten weiter musikalische Beispiele: Bestimmung der Natur musikalischer Werke in D-Dur (P.I. Tschaikowsky, „Italienisches Lied“, „Kamarinskaja“; J. Haydn, Sonate in D-Dur, erster Teil, Hauptteil) und h-Moll (P.I. Tschaikowsky, „Wintermorgen“ ); Zusammenarbeit:
Dia Nummer 11 wird auf die Leinwand projiziert:

Dia Nummer 12 wird auf die Leinwand projiziert:

Hinweis: Musikfragmente müssen vorab vorbereitet und in die Präsentation eingefügt werden.
- Welche der vorgeschlagenen Wörter können die emotionale Färbung von D-Dur vermitteln und welche - h-Moll?
Dia Nummer 13 wird auf die Leinwand projiziert:

- Bestimmung der Farbskala von D-Dur und h-Moll;
Dia Nummer 14 wird auf die Leinwand projiziert:

- Schlüsselvergleich;
- Erstellung einer Vergleichstabelle zur Durchführung praktischer Aufgaben (Teamarbeit);
Dia Nummer 15 wird auf die Leinwand projiziert:

- Erstellen einer Hilfstabelle für die praktische Arbeit (Teamarbeit):
Dia Nummer 16 wird auf die Leinwand projiziert:

6. Kontrolle und Selbstkontrolle von Wissen und Handlungsmethoden:
- Überprüfung der erledigten Aufgaben durch die Kinder (ein Nachbar auf dem Schreibtisch), dann durch den Lehrer.
7. Korrektur von Kenntnissen und Vorgehensweisen:
- Suche nach Fehlern in der Durchführung der praktischen Arbeit;
- Definition des Aktionsalgorithmus für selbstständige Leistung richtiges Ergebnis.
8. Informationen über Hausaufgaben, Anleitung zur Umsetzung:
- bestimmen Sie die "Stimmung" des Textes der zweiten Strophe des Liedes "Steam Engine" (der Autor des Textes für die zweite Strophe ist Butorina E.I.);
- die Melodie der zweiten Strophe in h-Moll schreiben (umstrukturierte Melodie) mit anschließender Harmonisierung und Aufführung;
- Zeichnen Sie ein Bild für das Lied "Steam Engine" in Dur- und Moll-Versionen unter Berücksichtigung warmer und kalter Farben.
Auf die Leinwand werden die Dias Nr. 17, Nr. 18 projiziert:

9. Zusammenfassung der Trainingsergebnisse:
Bewertung der Aktivitäten durch die SchülerInnen selbst und die Lehrkraft (wie aktiv wurde im Unterricht gearbeitet; ob alle Aufgaben erledigt wurden, wie selbstständig; was gut gelungen ist und was noch verfeinert werden muss; welche theoretischen Kenntnisse korrigiert werden müssen):
Dia Nummer 19 wird auf die Leinwand projiziert: