Versuchen Sie, das Bild der idealen Renaissancestadt zu vergleichen. Renaissance

Das Zeitalter der Stadt hat seine glanzvolle Blütezeit erreicht, aber es gibt bereits Anzeichen dafür, dass es stirbt. Das Jahrhundert war stürmisch und grausam, aber inspirierend. Es entstand aus den Stadtstaaten des antiken Griechenlands (3000 Jahre vor der Renaissance), die das Ideal eines freien Mannes hervorbrachten, der sich selbst regiert. Denn tatsächlich bestand eine solche Stadt aus einer Gruppe von Menschen, die nach vielen Generationen von Streitigkeiten und Bürgerkriegen ein effektives System der Selbstverwaltung entwickelten. Dieses System war von Stadt zu Stadt unterschiedlich. In jedem von ihnen war die Zahl der Personen, die die volle Staatsbürgerschaft beanspruchen konnten, immer gering. Die Masse der Einwohner blieb in einer mehr oder weniger sklavischen Stellung und übte ihre Rechte nur durch gewalttätige und grausame Aufstände gegen die höheren Schichten aus. Dennoch gab es in ganz Europa, insbesondere in Italien, Deutschland und den Niederlanden, eine gewisse gesellschaftliche Übereinstimmung über die Ziele, wenn nicht die Methoden der Regierung, nämlich die Struktur der Gesellschaft, in der die Herrscher von einigen der Beherrschten gewählt wurden. Aus diesem bürgerlichen Konzept begannen endlose blutige Kriege. Der Preis, den die Bürger für ihre Freiheit zahlten, wurde an ihrer Bereitschaft gemessen, zur Verteidigung ihrer Stadt gegen ihre Rivalen zu den Waffen zu greifen.

Die wahre Stimme der Stadt war die große Glocke am Rathaus oder Dom, die beim Herannahen der bewaffneten Bewohner einer feindlichen Stadt Alarm schlug. Er rief alle auf, die in der Lage waren, Waffen an die Mauern und Tore zu halten. Die Italiener verwandelten die Glocke in eine Art mobilen Tempel, eine Art weltliche Arche, die die Armeen in die Schlacht führte. In einem Kampf mit Nachbarstädten um den Besitz eines Ackerlandes, in einem Kampf gegen einen Kaiser oder König um Bürgerrechte, in einem Kampf gegen Horden umherziehender Soldaten ... Während dieser Kämpfe erstarrte das Leben in der Stadt. Alle arbeitsfähigen Männer, ausnahmslos zwischen fünfzehn und siebzig Jahren, brachen ihre normalen Aktivitäten ab, um zu kämpfen. Um des wirtschaftlichen Überlebens willen fingen sie schließlich an, Profis einzustellen, die wussten, wie man kämpft, während sich die zivile Macht in der Zwischenzeit in den Händen eines der prominenten Bürger konzentrierte. Da er Geld und Waffen kontrollierte, wurde dieser Bürger allmählich zum Herrscher einer einst freien Stadt. In den Ländern, die die Zentralmonarchie anerkannten, wurde die Stadt (einfach aus Erschöpfung) mit dem Thron versöhnt. Einige Städte wie London behielten eine größere Autonomie. Andere fanden sich vollständig in die Struktur der Monarchie vertieft. Trotzdem existierten die Städte während der gesamten Renaissance weiterhin als lebendige Einheiten und erfüllten die meisten Funktionen, die in der modernen Gesellschaft in die Zuständigkeit der Zentralregierung fallen. Sie waren weder Industrie-, Schlafviertel oder Vergnügungsparks, was viele von ihnen später wurden, sondern organische Strukturen, die menschliches Fleisch und Bausteine ​​zu ihrem eigenen erkennbaren Lebensrhythmus verbanden.

Stadtform

Städte, mit denen Europa übersät war wie formelle Kleider Edelsteine, von der Renaissance waren bereits uralt. Sie gingen von Jahrhundert zu Jahrhundert und behielten eine überraschend regelmäßige Form und konstante Größe bei. Nur in England fühlten sie sich nicht symmetrisch an, denn englische Städte wurden bis auf seltene Ausnahmen nicht nach einem vorgegebenen Plan gebaut, sondern wuchsen aus bescheidenen Siedlungen, und ihre Struktur war formlos, da das Gebäude am ungeordnetsten an das Gebäude angefügt war Weg. Auf dem Kontinent setzte sich der Trend fort, neue Städte zu gründen, anstatt alte zu unüberschaubaren Ausmaßen auszubauen. Allein in Deutschland wurden in 400 Jahren 2.400 Städte gegründet. Allerdings ist es nach heutigen Maßstäben schwer zu sagen, ob es sich um kleine Städte oder große Dörfer handelte. Orange in Frankreich hatte bis zum 19. Jahrhundert nur 6.000 Einwohner. Und eine Stadt mit einer Viertelmillion Einwohnern galt einfach als Riese, und es gab nur wenige. Die Bevölkerung von Mailand, der Hauptstadt des Herzogtums, betrug 200.000 Menschen, das heißt, doppelt so viele wie ihr Hauptkonkurrent Florenz (siehe Abb. 53, Foto 17), so dass Größe überhaupt kein Maß für Macht war.

Reis. 53. Florenz Ende des 15. Jahrhunderts Aus einem modernen Holzschnitt

Reims, der Ort der Krönungen, ein großes Einkaufszentrum, hatte 100.000 Einwohner und Paris etwa 250.000. Die Bevölkerung der meisten europäischen Städte kann auf 10-50.000 Menschen geschätzt werden. Auch die Verluste durch die Pest machten der Bevölkerung lange nichts aus. Die Zahl der Opfer der Pest wurde immer übertrieben, obwohl sie vielleicht in wenigen Monaten etwa ein Viertel der Einwohner dahinraffte. Nach einer Generation kehrte die Stadt jedoch zu ihrer üblichen Bevölkerungszahl zurück. Der Überschuss an Einwohnern floss in neue Städte. Das italienische Modell, wenn mehrere Städte, verbunden durch militärische oder kommerzielle Bindungen, verbunden sind große Stadt, in unterschiedlichem Maße, kann in ganz Europa verfolgt werden. In einer solchen Föderation wurden das Regierungssystem und die lokalen Bräuche, die jeder Stadt eigen sind, eifrig eingehalten, aber die Erhebung von Steuern und Schutz wurde von der Innenstadt aus kontrolliert.

Die Stadt wuchs wie ein Baum, behielt ihre Form, wurde aber immer größer, und die Stadtmauern markierten wie geschnittene Ringe die Meilensteine ​​ihres Wachstums. Direkt außerhalb der Stadtmauern lebten die Armen, Bettler, Ausgestoßene aller Art, die ihre Hütten um die Mauern bauten und ein ekelhaftes Durcheinander von elenden Straßen schufen. Manchmal wurden sie von der energischen Gemeinde vertrieben, aber häufiger durften sie bleiben, wo sie waren, bis sich ein Plan abzeichnete. Wohlhabende Bewohner ließen sich außerhalb der Stadt in Villen inmitten großer Anwesen nieder, geschützt durch eigene Mauern. Als schließlich wirtschaftliche Notwendigkeiten oder Bürgerstolz den Ausbau der Stadt erforderten, wurde ein weiterer Mauerring um sie herum errichtet. Sie übernahmen neues Land und ließ zusätzlichen Raum für Entwicklung. Und die alten Mauern standen noch mehrere Jahrhunderte, wenn sie nicht für den Bau neuer Gebäude räuberisch abgetragen wurden. Die Städte nahmen ihre Form wieder auf, verfolgten jedoch keine neuen Baumaterialien, so dass sich in tausend Jahren dasselbe Stück Ziegel oder behauener Stein in einem halben Dutzend verschiedener Gebäude befinden konnte. Sie können noch Spuren der verschwundenen alten Mauern sehen, denn später wurden sie zu Ringstraßen oder seltener zu Boulevards.

Die Festungsmauern bestimmten die Form und die Größe der Stadt. Im Mittelalter dienten sie als mächtiger Schutz für die Bewohner, die über Wasser- und Nahrungsvorräte verfügten. Ein militärischer Anführer, der dabei war, eine Stadt zu belagern, hätte sich darauf einstellen müssen, viele Monate zu warten, bis dem Feind die Vorräte ausgehen. Die Mauern wurden auf öffentliche Kosten in Ordnung gehalten, und was sonst noch baufällig wurde, wurde zuerst in Ordnung gebracht. Die eingestürzte Mauer war ein Zeichen für eine zerstörte Stadt, und die erste Aufgabe des siegreichen Eindringlings bestand darin, sie vom Erdboden zu fegen. Es sei denn, er würde dort wohnen. Allmählich verloren die Festungsmauern jedoch an Bedeutung, was sich in der Art und Weise widerspiegelte, wie Städte dargestellt wurden. Im 16. Jahrhundert war die Draufsicht weit verbreitet, der Plan, wobei den Straßen besondere Bedeutung beigemessen wurde. Sie wurden in die Umrandung von Häusern gemalt. Wichtige Gebäude wurden hervorgehoben. Aber nach und nach wurde alles formalisiert, verflacht und der Plan wurde genauer, wenn auch weniger spektakulär und malerisch. Aber bevor der Plan zur Anwendung kam, wurde die Stadt so dargestellt, als ob ein sich nähernder Reisender sie aus der Ferne sehen würde. Es war vielmehr ein Kunstwerk, auf dem die Stadt wie im Leben erschien, mit Mauern, Türmen, Kirchen, eng aneinander gepresst, wie eine riesige Burg (siehe Abb. 54).

Reis. 54. Stadtmauer als Militärbauwerk. Nürnberg 1493. Von einem modernen Stich

Solche Städte gibt es bis heute, wie zum Beispiel Verona, das auf einem Hügel liegt. In ihrem Plan ist die von den Bauherren festgelegte Zeichnung gut sichtbar. Im Süden, vor allem in Italien, dominierten große, turmartige Häuser, die der Stadtlandschaft das Aussehen eines versteinerten Waldes verliehen. Diese Häuser waren Überbleibsel aus einer gewalttätigeren Zeit, als Fehden zwischen Familien und Fraktionen die Städte auseinander rissen. Dann gewannen diejenigen, die höher, höher, noch höher bauen konnten, einen Vorteil gegenüber ihren Nachbarn. Einer geschickten Stadtverwaltung gelang es, ihre Zahl zu reduzieren, aber viele versuchten immer noch, sich auf diese Weise zu erheben, gefährdeten die innere Sicherheit der Stadt und raubten den engen Straßen gierig Luft und Licht.

Reis. 55. Stadttor, wo Zölle auf alle in der Stadt ankommenden Waren erhoben werden

Die Stadttore, die die Mauern durchschnitten (siehe Abb. 55), spielten eine doppelte Rolle. Sie erfüllten nicht nur eine Verteidigungsfunktion, sondern trugen auch zum Einkommen der Stadt bei. Um sie herum wurden Wachen aufgestellt, die für alles, was in die Stadt gebracht wurde, eine Gebühr erhoben. Manchmal waren dies landwirtschaftliche Produkte, Ernten aus den umliegenden Feldern, Obstgärten und Obstgärten. Und manchmal - exotische Gewürze, die von Tausenden von Kilometern gebracht wurden - wurde alles am Tor der Zollkontrolle und Zöllen unterzogen. Zu einer Zeit, als der Florentiner Zoll gefährlich tief gesunken war, schlug einer der Beamten vor, die Anzahl der Tore zu verdoppeln und damit ihre Rentabilität zu verdoppeln. Bei einer Sitzung im Stadtrat wurde er verspottet, aber dieser gedankenlose Vorschlag beruhte auf der Überzeugung, dass die Stadt eine unabhängige Einheit sei. Die Dorfbewohner hassten diese Erpressungen und erhielten nur zweifelhafte Versprechungen von bewaffnetem Schutz für sie. Sie gingen zu allen möglichen Tricks, nur um nicht bezahlen zu müssen. Sacchetti hat eine sehr wahr klingende Geschichte über einen Bauern, der Hühnereier in seiner ausgebeulten Hose versteckte, um die Wachen zu täuschen. Aber diejenigen, die vom Feind des Bauern gewarnt wurden, zwangen ihn, sich hinzusetzen, während sie die Ladung untersuchten. Das Ergebnis ist eindeutig.

In Städten spielten Tore die Rolle von Augen und Ohren. Sie waren der einzige Kontaktpunkt zur Außenwelt. Von außen kam die Bedrohung, und die Wachen am Tor meldeten dem Herrscher akribisch die Ankunft und Abreise von Ausländern und allerlei Fremden im Allgemeinen. In freien Städten waren geschlossene Tore ein Symbol der Unabhängigkeit. Der späte Reisende, der nach Sonnenuntergang ankam, musste die Nacht außerhalb der Stadtmauern verbringen. Daher der Brauch, Hotels draußen am Haupttor zu bauen. Das Tor selbst war wie eine kleine Festung. Sie beherbergten eine Garnison, die die Stadt bewachte. Riesige Burgen, die mittelalterliche Städte überragten, waren in der Tat eine einfache Fortsetzung der Torhäuser der Hauptfestung.

Das Fehlen eines Bauplans in mittelalterlichen Städten war jedoch eher scheinbar als real. Es ist wahr: Die Straßen wanden sich ziellos, kreisten, machten Schleifen, lösten sich sogar in einige Höfe auf, aber sie sollten schließlich keinen direkten Übergang von einem Punkt der Stadt zum anderen bieten, sondern einen Rahmen, eine Kulisse dafür schaffen öffentliches Leben. Der Fremde, der durch die Stadttore gegangen war, konnte leicht den Weg ins Zentrum der Stadt finden, da die Hauptstraßen strahlenförmig vom zentralen Platz ausgingen. "Piazza", "Platz", "Exerzierplatz", "Platz", wie auch immer es in der Landessprache hieß, war der direkte Erbe des Forum Romanum, ein Ort, an dem sich ängstliche Menschen in Kriegstagen versammelten und wo sie umherwanderten, Spaß haben, in Friedenszeiten. . Wiederum hatte nur England keinen solchen Versammlungsort. Die Briten zogen es vor, die Hauptstraße zu einem Markt auszubauen. Es diente dem gleichen Zweck, aber es fehlte an Zusammenhalt und Einheit, und mit zunehmendem Verkehr verlor es seine Bedeutung als zentraler Treffpunkt. Auf dem Kontinent existierte dieses Echo des antiken Roms jedoch weiter.

Reis. 56. Piazza (Platz) San Marco, Venedig

Es hätte ein bescheidenes, unbefestigtes Gelände sein können, im Schatten von Bäumen, vielleicht umgeben von schäbigen Häusern. Und er könnte riesig, erstaunlich sein, wie die Hauptplätze in Siena oder Venedig (siehe Abb. 56), könnte so geplant werden, dass er wie eine riesige Halle ohne Dach wirkt. Doch egal, wie sie aussah, sie blieb das Gesicht der Stadt, der Ort, an dem sich die Einwohner versammelten und die lebenswichtigen Organe der Stadt, die Zentren der Regierung und der Justiz, sich um sie säumten. Woanders könnte es ein weiteres, natürlich geformtes Zentrum geben: zum Beispiel eine Kathedrale mit Nebengebäuden, meist auf einem kleinen Platz errichtet. Vom Haupttor führte eine ziemlich breite, gerade und saubere Straße zum Platz und dann zur Kathedrale. Gleichzeitig wurden die Straßen abseits des Zentrums zu peripheren Adern, die den lokalen Bedürfnissen dienten. Sie wurden bewusst schmal gehalten – sowohl um Passanten vor Sonne und Regen zu schützen, als auch um Platz zu sparen. Manchmal waren die obersten Stockwerke von Gebäuden nur wenige Meter voneinander entfernt. Die Enge der Straßen diente auch während Kriegen als Schutz, denn die erste Aktion der Angreifer bestand darin, durch sie zu galoppieren, bevor die Einwohner Zeit hatten, Sperren zu errichten. Truppen konnten die militärische Ordnung nicht aufrechterhalten, indem sie auf sie marschierten. Unter solchen Umständen konnte ein feindlicher Mob, der mit einfachen Felsbrocken bewaffnet war, den Durchgang von Berufssoldaten erfolgreich verhindern. In Italien wurden Straßen bereits im 13. Jahrhundert gepflastert, und im 16. Jahrhundert waren alle Hauptstraßen der meisten europäischen Städte gepflastert. Es gab keine Trennung zwischen Bürgersteig und Bürgersteig, weil alle entweder fuhren oder gingen. Besatzungen tauchten erst im 16. Jahrhundert auf. Allmählich nahm der Radverkehr zu, die Straßen wurden begradigt, um ihm das Passieren zu erleichtern, und dann wurde für Fußgänger gesorgt, was den Unterschied zwischen Arm und Reich weiter betonte.

Kult des Vitruv

Die Städte der Renaissance hatten eines gemeinsam: Sie wuchsen und entwickelten sich spontan, je nach Bedarf. Nur die Stadtmauern wurden geplant, die als Ganzes gelegt und gebaut wurden, und innerhalb der Stadt bestimmte nur die Größe eines bestimmten Gebäudes die Anordnung des angrenzenden Territoriums. Die Kathedrale bestimmte die Struktur des ganzen Viertels mit angrenzenden Straßen und Plätzen, aber an anderen Stellen entstanden Häuser nach Bedarf oder wurden aus bestehenden wieder aufgebaut. Sogar das eigentliche Konzept der Stadtplanung fehlte bis zur zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, als die Ideen des römischen Architekten Vitruvius Polio wiederbelebt wurden. Vitruv war der Architekt von August Rome, und sein Werk On Architecture stammt aus dem Jahr 30 v. Er war keiner der berühmten Architekten, aber sein Buch war das einzige zu diesem Thema, und es erfreute die Welt, die von der Antike besessen war. Entdeckungen in der Architektur wurden auf die gleiche Weise gemacht wie in der Geographie: Der antike Autor gab Köpfen Impulse, die zu ihrer eigenen Kreativität und Forschung fähig waren. Menschen, die glauben, Vitruv zu folgen, haben tatsächlich seinen Namen verwendet, um ihre eigenen Theorien zu formulieren. Vitruv betrachtete die Stadt als eine autarke Einheit, die wie ein Haus geplant werden sollte, dessen Teile dem Ganzen untergeordnet sind. Kanalisation, Straßen, Plätze, öffentliche Gebäude, Baugrundstücke – alles hat seinen Platz in diesem Plan. Die erste Abhandlung, die auf dem Konzept von Vitruv basiert, wurde von dem Florentiner Leon Battista Alberti geschrieben. Es wurde 1485 veröffentlicht, nur dreizehn Jahre nach seinem Tod, und führte eine lange Reihe von Werken an, die sich bis ins 19. Jahrhundert erstreckten und einen großen Einfluss auf die Stadtplanung hatten. Die meisten dieser Werke waren erstaunlich, sogar zu exquisit, illustriert. Angesichts der mathematischen Grundlage dieses Kultes ist es nicht verwunderlich, dass die Anhänger alles auf die Spitze trieben. Die Stadt wurde erfunden, genau wie ein Problem in der Geometrie, ohne Rücksicht auf menschliche und geografische Faktoren. Theoretische Perfektion führte in der Praxis zu lebloser Trockenheit.

Reis. 57. Palma Nova, Italien: ein strenger Stadtplan

Nur ein Glück, dass nur wenige Städte nach den Prinzipien von Vitruv gebaut wurden. Hin und wieder gab es in einer neuen Stadt Bedarf, häufiger einen militärischen. Zeitweise konnte es nach dieser neuen Theorie gebaut werden (z. B. Palma Nova (siehe Abb. 57) im venezianischen Staat). Meistens mussten sich die Architekten jedoch mit einer Teilerschließung begnügen, da sie selten die Möglichkeit hatten, die alten Gebäude komplett abzureißen und an ihrer Stelle neu zu errichten. Der Architekt stieß auf passiven Widerstand, es genügt, sich daran zu erinnern, wie Leonardo da Vincis Vorschlag, Satellitensiedlungen um Mailand herum zu bauen, erfüllt wurde. Die schreckliche Pest von 1484 forderte 50.000 Einwohner, und Leonardo wollte zehn neue Städte mit 5.000 Häusern bauen und dort 30.000 Menschen ansiedeln, "um zu viel Menschenansammlungen zu entschärfen, die sich wie Ziegen in Herden zusammengekauert haben ... jeden Winkel füllen Raum mit Gestank und Aussaat von Infektion und Tod. Aber nichts dergleichen geschah, weil weder monetäre Gewinne noch militärische Vorteile darin vorgesehen waren. Und der Herrscher von Mailand entschied sich dafür, das Gold für die Dekoration seines eigenen Hofes auszugeben. Dies war in ganz Europa der Fall. Städte haben bereits Gestalt angenommen und für groß angelegte Planungen ist kein Platz mehr. Rom war die einzige Ausnahme von dieser Regel.

Die erste Stadt des Christentums im Mittelalter verfiel. Der Höhepunkt seines Unglücks war die Verlegung des Papsttums nach Avignon im Jahr 1305. Seit mehr als hundert Jahren gab es in der Ewigen Stadt keine Macht, die stark genug war, um die Ambitionen der großen Familien und die brutale Wildheit der Menge zu bändigen. Andere Städte Italiens wurden schöner und gediehen, während Rom mit Schimmel bedeckt war und zusammenbrach. Die Stadt Augusta war fest gebaut, sie überlebte und erlag nicht den Angriffen der Zeit und den Überfällen der Barbaren, sondern starb durch die Hand ihrer eigenen Bürger. Die Kriege waren teilweise schuld, aber hauptsächlich die Tatsache, dass massive antike Gebäude eine Quelle für fertiges Baumaterial waren. 1443 endete das große Schisma und das Papsttum wurde in Rom wieder gegründet. Zum ersten Mal machte Papst Nikolaus V. auf den beklagenswerten Zustand der Ewigen Stadt aufmerksam und verstand, dass Rom wieder aufgebaut werden muss, um es als Hauptstadt der Welt anzuerkennen (siehe Abb. 58). Eine enorme Aufgabe! Die Stadt hatte einst etwa eine Million Einwohner - die größte Einwohnerzahl bis heute 19. Jahrhundert. Vor der industriellen Revolution, die zu einer Ausweitung des Bauwesens führte, konnte sich keine europäische Stadt an Größe mit dem Rom des Augustus messen. Und 1377 hatte es nur etwa 20.000 Einwohner. Sieben seiner Hügel waren verlassen, die Bevölkerung zog es vor, an den sumpfigen Ufern des Tibers zu leben. Vieh durchstreifte die verlassenen Straßen, die von zerstörten Häusern gesäumt waren. Das Forum verlor seinen einstigen Glanz und trug den Spitznamen „Campo Vacchino“, also „Kuhfeld“. Tote Tiere wurden nie gesäubert, und sie verrotteten dort, wo sie starben, und fügten dem schmutzigen Matsch unter den Füßen den Geruch von Schwelen und Fäulnis hinzu. Es gab keine Stadt in Europa, die aus so großer Höhe so tief gesunken ist.

Reis. 58. Panorama von Rom 1493 mit Petersdom (oben). Aus einem modernen Stich in Schedels Buch "The Chronicle of the World"

Mehr als 160 Jahre sind vergangen, seit Papst Nikolaus V. seinen Wiederaufbau konzipierte, und bis Bernini die Kolonnade am Petersdom vollendete, sind mehr als 160 Jahre vergangen. Und alle Päpste, die in diesen anderthalb Jahrhunderten regierten, vom Tugendhaften bis zum Bösen, vom gelehrtesten Nikolaus bis zum verderbten Alexander Borgia, teilten eine Leidenschaft, die der ersten aller Städte der Renaissance neues Leben einhauchte, u Liebe zur Kunst und Architektur, der Wunsch, die antike Stadt in eine würdige Hauptstadt eines christlichen Friedens zu verwandeln.

Die Namensliste der Architekten und Künstler, die dort wirkten, klingt wie eine Namensliste: Alberti, der erste der Vitruvianer, Bramante, Sangallo, Bernini, Raphael, Michelangelo und viele andere, die in den Schatten der Großen gerieten, aber können den Hof jedes Herrschers schmücken. Einiges von dem, was getan wurde, ist bedauerlich: Beispielsweise löste die Zerstörung des alten Petersdoms, um an seiner Stelle einen neuen Bramante-Tempel zu errichten, einen Proteststurm aus. Aber die absolute päpstliche Autorität reichte aus, um eines der größten städtischen Projekte der Geschichte abzuschließen. Das Ergebnis war nicht nur ein prächtiges Denkmal für irgendeinen Herrscher. Eine Reihe von Vorteilen kam den einfachen Bürgern zugute: Die Wasserversorgung wurde verbessert, das alte Kanalisationssystem wurde wiederhergestellt, die Gefahr von Bränden und Pest ging stark zurück.

Stadt leben

Die Stadt war eine Bühne, auf der sich vor allen ehrlichen Menschen abspielte, was jetzt in der Stille der Ämter geschah. Auffallend in ihrer Variabilität waren Details: die Unregelmäßigkeit der Gebäude, der exzentrische Stil und die Vielfalt der Kostüme, die unzähligen Waren, die direkt auf den Straßen hergestellt wurden - all dies gab der Renaissancestadt eine Helligkeit, die in der monotonen Monotonie moderner Städte fehlt . Aber es gab auch eine gewisse Homogenität, eine Verschmelzung von Gruppen, die die innere Einheit der Stadt proklamierten. Im 20. Jahrhundert hat sich das Auge an die durch die Zersiedelung entstandenen Trennungen gewöhnt: Fußgänger- und Autoverkehr finden in unterschiedlichen Welten statt, Industrie ist von Gewerbe getrennt, und beide sind räumlich von Wohngebieten getrennt, die es wiederum sind unterteilt nach dem Vermögen ihrer Einwohner. Ein Städter kann sein ganzes Leben lang leben, ohne zu sehen, wie das Brot gebacken wird, das er isst, oder wie die Toten begraben werden. Je größer die Stadt wurde, desto mehr entfernte sich der Mensch von seinen Mitbürgern, bis das Paradoxon der Einsamkeit inmitten einer Menschenmenge zu einem alltäglichen Phänomen wurde.

In einer ummauerten Stadt mit, sagen wir, 50.000 Einwohnern, in der die meisten Häuser kümmerliche Hütten waren, ermutigte der Platzmangel die Menschen dazu, mehr Zeit in der Öffentlichkeit zu verbringen. Der Ladenbesitzer verkaufte Waren fast vom Stand aus durch ein kleines Fenster. Die Fensterläden der ersten Stockwerke wurden an Scharnieren hergestellt, um sich schnell zurücklehnen zu können und ein Regal oder einen Tisch zu bilden, dh eine Theke (siehe Abb. 60). Er lebte mit seiner Familie in den oberen Räumen des Hauses und konnte, erst erheblich reicher geworden, ein eigenes Geschäft mit Angestellten führen und in einer Gartenvorstadt wohnen.

Reis. 60. Stadthändler, darunter: ein Bekleidungs- und Textilhändler (links), ein Barbier (Mitte) und ein Konditor (rechts)

Ein geschickter Handwerker nutzte die untere Etage des Hauses auch als Werkstatt und bot seine Produkte manchmal direkt vor Ort zum Verkauf an. Handwerker und Kaufleute neigten sehr zum Herdenverhalten: Jede Stadt hatte ihre eigene Tkatskaya-Straße, Myasnitsky Ryad und ihre eigene Rybnikov-Gasse. Und wenn in kleinen überfüllten Räumen oder auch nur bei schönem Wetter der Platz nicht ausreichte, verlagerte sich der Handel auf die Straße, die vom Markt nicht mehr zu unterscheiden war. Unehrliche wurden öffentlich bestraft, auf dem Platz, dort, wo sie ihren Lebensunterhalt verdienten, also in der Öffentlichkeit. Sie wurden an einen Pranger gebunden und wertlose Waren wurden ihnen zu Füßen verbrannt oder um ihre Hälse gehängt. Ein Winzer, der schlechten Wein verkaufte, wurde gezwungen, eine große Menge davon zu trinken, und der Rest wurde über seinen Kopf gegossen. Rybnik wurde gezwungen, an faulem Fisch zu schnüffeln oder sich sogar Gesicht und Haare damit einzuschmieren.

Nachts wurde die Stadt in völlige Stille und Dunkelheit getaucht. Auch dort, wo es keine obligatorische "Löschstunde" gab, versuchte der Weise, nicht zu spät auszugehen und saß nach Einbruch der Dunkelheit sicher hinter starken Türen mit Riegeln. Ein Passant, der nachts von den Wachen erwischt wurde, musste sich darauf vorbereiten, den Grund für seinen verdächtigen Gang überzeugend zu erklären. Es gab keine solchen Versuchungen, die locken konnten ein ehrlicher Mann Nachts von zu Hause weg, weil die öffentliche Unterhaltung bei Sonnenuntergang endete und die Stadtbewohner an der hortenden Gewohnheit festhielten, bei Sonnenuntergang zu Bett zu gehen. Talgkerzen waren erhältlich, aber immer noch ziemlich teuer. Auch übel riechende Dochte, die mit Fettfetzen getränkt waren, wurden sparsam verwendet, denn Fett kostete mehr als Fleisch. Der Arbeitstag, der von morgens bis abends dauerte, ließ wenig Kraft für eine stürmische Nacht voller Spaß. Mit der weit verbreiteten Entwicklung des Buchdrucks wurde es in vielen Haushalten zur Gewohnheit, die Bibel zu lesen. Eine weitere häusliche Unterhaltung war das Musizieren für diejenigen, die es sich leisten konnten, ein Musikinstrument zu kaufen: eine Laute oder eine Gambe oder eine Flöte, sowie das Singen für diejenigen, die kein Geld dafür hatten. Die meisten Menschen verbrachten die kurzen Mußestunden zwischen Abendessen und Schlafenszeit mit Gesprächen. Der Mangel an Abend- und Nachtunterhaltung wurde jedoch tagsüber auf Kosten der öffentlichen Hand mehr als wettgemacht. Häufige kirchliche Feiertage reduzierten die Zahl der Arbeitstage pro Jahr auf eine Zahl, die vielleicht niedriger war als heute.

Reis. 61. Religiöse Prozession

Fastentage wurden streng eingehalten und mit der Kraft des Gesetzes unterstützt, aber Feiertage wurden wörtlich verstanden. Sie schlossen nicht nur die Liturgie ein, sondern verwandelten sich in wilden Spaß. In diesen Tagen zeigte sich die Solidarität der Stadtbewohner deutlich in überfüllten religiösen Prozessionen und religiösen Prozessionen (siehe Abb. 61). Damals gab es wenige Beobachter, weil alle daran teilnehmen wollten. Albrecht Dürer erlebte einen ähnlichen Umzug in Antwerpen, und sein Künstlerauge blickte entzückt auf die endlose Prozession von Farben und Formen. Es war am Tag der Himmelfahrt der Jungfrau Maria „... und die ganze Stadt, unabhängig von Rang und Beruf, versammelte sich dort, jeder gekleidet in die beste Kleidung gemäß seinem Rang. Alle Zünfte und Stände hatten ihre eigenen Kennzeichen, an denen sie zu erkennen waren. In den Pausen trugen sie riesige teure Kerzen und drei lange alte fränkische Trompeten aus Silber. Es gab auch Trommeln und Pfeifen nach deutscher Art. Sie bliesen und schlugen laut und lärmend ... Es gab Goldschmiede und Sticker, Maler, Maurer und Bildhauer, Schreiner und Zimmerleute, Seeleute und Fischer, Weber und Schneider, Bäcker und Gerber ... wirklich Arbeiter aller Art und viele Handwerker und andere Menschen, die ihren eigenen Lebensunterhalt verdienen. Ihnen folgten Bogenschützen mit Gewehren und Armbrüsten, Reiter und Fußsoldaten. Aber vor allen standen Ordensleute ... An dieser Prozession nahm auch eine große Menge von Witwen teil. Sie ernährten sich von ihrer Arbeit und beachteten besondere Regeln. Sie waren von Kopf bis Fuß in weiße, extra für diesen Anlass genähte Kleider gekleidet, es war traurig, sie anzusehen ... Zwanzig Personen trugen das Bild der Jungfrau Maria mit unserem Herrn Jesus, luxuriös gekleidet. Im Zuge der Prozession wurden viele wunderbare Dinge gezeigt, prächtig präsentiert. Es wurden Waggons gezogen, auf denen Schiffe und andere Strukturen voller maskierter Menschen standen. Ihnen folgte eine Truppe, die der Reihe nach die Propheten und Szenen aus dem Neuen Testament darstellte ... Von Anfang bis Ende dauerte die Prozession mehr als zwei Stunden, bis sie unser Haus erreichte.

Die Wunder, die Dürer in Antwerpen so begeisterten, hätten ihn in Venedig und Florenz fasziniert, denn die Italiener behandelten religiöse Feiertage als Kunstform. Beim Fronleichnamsfest in Viterbo im Jahr 1482 wurde die gesamte Prozession in Sektionen unterteilt, von denen jede für einen Kardinal oder den höchsten Würdenträger der Kirche verantwortlich war. Und jeder strebte danach, den anderen zu übertrumpfen, indem er sein Grundstück mit kostbaren Vorhängen schmückte und ihm eine Bühne gab, auf der die Mysterien gespielt wurden, so dass es im Ganzen eine Reihe von Stücken über den Tod und die Auferstehung Christi bildete. Die Bühne, die in Italien für die Aufführung der Mysterien verwendet wurde, war die gleiche wie in ganz Europa: ein dreistöckiges Gebäude, bei dem das obere und das untere Stockwerk als Himmel bzw. Hölle dienten und die mittlere Hauptplattform die Erde darstellte (siehe Abb 62).

Reis. 62. Szene für die Präsentation von Mysterien

Am meisten Aufmerksamkeit erregte die komplexe Bühnenmechanik, die es den Schauspielern ermöglichte, in der Luft zu schweben und zu schwimmen. Es gab eine Szene in Florenz, die aus einer hängenden Kugel bestand, die von Engeln umgeben war, aus der im richtigen Moment ein Streitwagen erschien und zur Erde hinabstieg. Leonardo da Vinci baute für die Herzöge von Sforza eine noch komplexere Maschine, die die Bewegung von Himmelskörpern zeigte, von denen jeder seinen eigenen Schutzengel trug.

Weltliche Prozessionen in Italien stellten die großen Triumphe des klassischen Roms nach und wurden nach ihnen benannt. Manchmal wurden sie zu Ehren der Ankunft eines souveränen oder berühmten Militärführers arrangiert, manchmal nur wegen eines Feiertags. Die glorreichen Namen der großen Römer wurden in Erinnerung gerufen, sie wurden in Togen und Lorbeerkränzen dargestellt und in Streitwagen durch die Stadt transportiert. Sie stellten besonders gerne Allegorien dar: Der Glaube besiegte den Götzendienst, die Tugend vernichtete das Laster. Eine weitere beliebte Darstellung sind die drei Lebensalter des Menschen. Jedes irdische oder übernatürliche Ereignis wurde bis ins kleinste Detail durchgespielt. Die Italiener arbeiteten nicht am literarischen Inhalt dieser Szenen, sondern gaben lieber Geld für den Pomp des Spektakels aus, so dass alle allegorischen Figuren einfache und oberflächliche Wesen waren und nur ohne Überzeugung hochtönende Floskeln verkündeten und so von der Aufführung abgingen etwas leisten. Aber die Pracht der Kulissen und Kostüme entzückte das Auge, und das genügte. In keiner anderen Stadt Europas zeigte sich Bürgerstolz so hell und strahlend wie im jährlichen Ritual der Hochzeit mit dem Meer, das der Herrscher von Venedig vollzog, eine seltsame Mischung aus kommerzieller Arroganz, christlicher Dankbarkeit und östlicher Symbolik . Dieses rituelle Fest beginnt 997 nach der Geburt Christi, als der Doge von Venedig vor der Schlacht ein Trankopfer aus Wein machte und ihn ins Meer goss. Und nach dem Sieg wurde am nächsten Himmelfahrtstag gefeiert. Ein riesiger Staatskahn namens Bucentaur wurde zu derselben Stelle in der Bucht gerudert, und dort warf der Dogen einen Ring ins Meer und erklärte, dass die Stadt durch diese Aktion mit dem Meer, dh mit den Elementen, verheiratet sei machte es toll (vgl. Abb. 63).

Reis. 63. "Bucentaur" Venezianer

"Bucentaur" nahm majestätisch an allen standesamtlichen Zeremonien teil. Feierliche Prozessionen in anderen Städten bewegten sich im Staub in der Hitze, und die Venezianer glitten über die glatte Oberfläche ihres großen Seewegs. Die Bucentaur wurde aus einer Kampfgaleere umgerüstet, die alle Feinde Venedigs von der Adria fegte. Sie behielt den mächtigen und bösartigen Rammbug eines Kriegsschiffs, aber jetzt war das Oberdeck mit scharlachrotem und goldenem Brokat verziert, und eine Girlande aus goldenen Blättern, die sich entlang der Seite erstreckte, funkelte blendend in der Sonne. Am Bug befand sich eine menschengroße Figur der Gerechtigkeit mit einem Schwert in der einen und einer Waage in der anderen Hand. Die zu Besuch kommenden Fürsten wurden auf diesem Schiff in die Inselstadt eskortiert, umgeben von unzähligen kleinen Booten, die ebenfalls mit reichen Stoffen und Girlanden geschmückt waren. Der Gast wurde bis vor die Tür der ihm zugeteilten Wohnung gebracht. Kein Wunder, dass der venezianische Karneval, der mit der gleichen prachtvollen Verschwendungslosigkeit inszeniert wurde und mit der gleichen sinnlichen, fast wilden Vorliebe für leuchtende Farben erstrahlte, Besucher aus ganz Europa anzog. In diesen Tagen verdoppelte sich die Bevölkerung der Stadt. Anscheinend ging die Mode für Maskeraden von Venedig aus, die sich dann auf alle Höfe Europas ausbreitete. Andere Italienische Städte maskierte Schauspieler wurden in die Mysterien eingeführt, aber es waren die Unterhaltung liebenden Venezianer mit ihrem Geschäftssinn, die die Maske als pikante Ergänzung zum Karneval schätzten.

Die militärischen Wettkämpfe des Mittelalters setzten sich fast unverändert bis in die Renaissance fort, obwohl der Stellenwert ihrer Teilnehmer etwas abnahm. So veranstalteten beispielsweise die Nürnberger Fischhändler ein eigenes Turnier. Bogenschießwettbewerbe waren sehr beliebt, obwohl der Bogen als Waffe vom Schlachtfeld verschwand. Am beliebtesten waren jedoch die Feiertage, deren Wurzeln bis ins vorchristliche Europa zurückreichen. Da sie nicht ausgerottet werden konnten, hat die Kirche einige von ihnen gewissermaßen getauft, dh angeeignet, während andere in unveränderter Form sowohl in katholischen als auch in protestantischen Ländern weiterlebten. Der größte davon war der 1. Mai, das heidnische Frühjahrstreffen (siehe Abb. 64).

Reis. 64. Feier zum 1. Mai

An diesem Tag reisten sowohl die Armen als auch die Reichen und verließen die Stadt, um Blumen zu pflücken, zu tanzen und zu feiern. May Lord zu werden, war eine große Ehre, aber auch ein teures Vergnügen, denn alle festlichen Ausgaben fielen auf ihn: Es kam vor, dass einige Männer für eine Weile aus der Stadt verschwanden, um sich dieser Ehrenrolle zu entziehen. Der Urlaub brachte ein Stück Landleben in die Stadt, das Leben in der Natur, so nah und so fern. In ganz Europa wurde der Wechsel der Jahreszeiten mit Festlichkeiten gefeiert. Sie unterschieden sich in Details und Namen voneinander, aber die Ähnlichkeiten waren stärker als die Unterschiede. An einem der Wintertage regierte noch der Herr der Unordnung – der direkte Erbe der römischen Saturnalien, die wiederum ein Relikt des prähistorischen Wintersonnenwendefestes waren. Immer wieder versuchten sie, es auszurotten, aber es wurde in lokalen Karnevalen mit Narren, Kriegern und verkleideten Tänzern wiederbelebt, die der Welt erstmals in Höhlenzeichnungen erschienen. Es ist soweit, und die Feiertage von vor tausend Jahren passen problemlos in das Leben der Städte, wo das Dröhnen der Druckerpressen und der Lärm der Rollwagen den Beginn einer neuen Welt markierten.

Reisende

Die wichtigsten Städte Europas waren durch ein sehr effizientes Postsystem verbunden. Ein einfacher Laie könnte es frei verwenden ... wenn er keine Angst hätte, dass seine Briefe gelesen würden. Die Behörden, die die Post organisierten, waren an Spionage fast ebenso interessiert wie an der Herstellung einer Kommunikation zwischen Städten und Ländern. Trotz des schlechten Zustands der Straßen nahm die Zahl der Fahrzeuge zu. Die Pilgerwelle erreichte eine beispiellose Höhe, und als der Pilgerstrom nachließ, nahmen Kaufleute ihren Platz ein, weil sich der Handel aktiv entwickelte. Staatsbeamte waren allgegenwärtig, das Getrampel der Soldatenstiefel auf dem Marsch ließ keine Minute nach. Reisende, die ihren Geschäften nachgehen, sind keine Seltenheit mehr. Menschen wie der rastlose Erasmus zogen auf der Suche nach einem Ort und einer Existenzgrundlage von einem Wissenschaftszentrum zum anderen. Einige sahen das Reisen sogar als ein Mittel der Bildung, verbunden mit Vergnügen. In Italien entstand eine neue Schule lokaler Geschichtsschreiber, die den Wissbegierigen empfahlen, interessante Orte zu besuchen. Viele reisten zu Pferd, aber es tauchten bereits Kutschen auf (siehe Abb. 65), die angeblich zuerst in Kotz oder Kosice (Ungarn) erfunden wurden.

Reis. 65. Deutsche Kutsche 1563. Fernreisen erforderten mindestens 4 Pferde

Die meisten dieser Kutschen wurden für Showzwecke hergestellt - sie waren äußerst unbequem. Der Körper wurde an Gurten aufgehängt, die theoretisch als Federn dienen sollten, aber in der Praxis die Fahrt in eine Reihe von ekelerregenden Sprüngen und Schaukeln verwandelten. Die Durchschnittsgeschwindigkeit betrug zwanzig Meilen pro Tag, abhängig von der Qualität der Straßen. Es brauchte mindestens sechs Pferde, um die Kutsche durch den dicken Winterschlamm zu ziehen. Sie reagierten sehr empfindlich auf die Unebenheiten, denen sie unterwegs oft begegneten. Einmal in Deutschland bildete sich ein solches Schlagloch, dass drei Kutschen gleichzeitig hineinfielen, und dies kostete einem unglücklichen Bauern das Leben.

Römerstraßen waren immer noch die Hauptverkehrsadern Europas, aber selbst ihre Pracht konnte den Plünderungen der Bauern nicht widerstehen. Wenn Material benötigt wurde, um eine Scheune oder Scheune oder sogar ein Haus zu bauen, wandten sich die Dorfbewohner mit gewohnter Bereitschaft an große Vorräte an bereits behauenen Steinen, die eigentlich die Straße waren. Sobald die oberen Schichten des Straßenbelags abgetragen waren, erledigten Witterung und Transport den Rest. In einigen Regionen gab es Anordnungen, Straßen außerhalb der Städte zu erhalten und zu unterhalten. In England grub ein Müller, der plötzlich Ton für Reparaturen benötigte, ein Loch mit einem Durchmesser von 10 Fuß und einer Tiefe von 2,40 m und warf es dann weg. Die Grube füllte sich mit Regenwasser, ein Reisender fiel hinein und ertrank. Zur Rechenschaft gezogen, sagte der Müller, er habe nicht die Absicht, jemanden zu töten, Ton sei einfach nirgendwo anders zu bekommen. Er wurde aus der Haft entlassen. Der alte Brauch schrieb jedoch vor, Straßen mit minimaler Breite zu bauen: An einer Stelle sollten zwei Karren aneinander vorbeifahren können, an der anderen - um einen Ritter mit einem Speer im Anschlag zu passieren. In Frankreich, wo römische Straßen durch Wälder verliefen, wurde ihre Breite von 20 Fuß auf etwa achtundsiebzig erhöht, als Vorsichtsmaßnahme gegen Räuber, die mit zunehmendem teuren Güterverkehr immer zahlreicher wurden. Ein weiser Mann reiste immer in Gesellschaft, und jeder war bewaffnet. Der einsame Reisende wurde mit Argwohn betrachtet, und er konnte durchaus in einem örtlichen Gefängnis landen, wenn er nicht würdige Gründe für seinen Aufenthalt in dieser Region nannte.

Reisen durch Europa könnten selbst unter günstigen Umständen mehrere Wochen dauern. Daher haben Straßenhotels - Gasthäuser (siehe Abb. 66) eine solche Bedeutung erlangt.

Reis. 66. Zuhause Gemeinschaftsraum Straßenhotel

Es könnte ein großes Etablissement sein, wie das berühmte Bull Hotel in Padua, wo bis zu 200 Pferde in den Ställen untergebracht waren, oder es könnte eine winzige, übel riechende Taverne für Sorglose und Naive sein. In Österreich wurde ein Wirt gefangen genommen, der nachweislich im Laufe der Jahre mehr als 185 Gäste umgebracht und dadurch beträchtlichen Reichtum angehäuft hat. Die meisten Zeitgenossen zeichnen jedoch ein recht freundliches Bild. Die nette Dame, dargestellt von William Caxton im ersten Reiseführer, sollte Reisenden nach einem anstrengenden Tag auf Reisen einen angenehmen Eindruck hinterlassen. Caxton ließ sein Buch 1483 drucken.

Unter anderem lieferte sie seinen einsprachigen Landsleuten genügend französische Phrasen, um sich zu erkundigen, wie man aus der Stadt herauskommt, ein Pferd mietet und eine Unterkunft für die Nacht bekommt. Das dort zitierte Gespräch im Hotel ist eher höflich als informativ, aber es zeigt uns, welche Situationen sich allabendlich in allen Städten Europas wiederholten.

„Gott segne Sie, Frau.

- Willkommen, Junge.

– Kann ich hier ein Bett bekommen?

- Ja, gut und sauber, [auch wenn] es ein Dutzend von Ihnen gibt.

Nein, wir sind zu dritt. Kannst du hier essen?

- Ja, in Hülle und Fülle, Gott sei Dank.

„Bring uns Essen und gib den Pferden Heu und trockne sie gut mit Stroh.“

Reisende aßen, überprüften vorsichtig die Rechnung für das Essen und baten darum, die Kosten zur morgendlichen Berechnung hinzuzufügen. Dann folgt:

„Bring uns ins Bett, wir sind müde.

„Jeanette, zünde eine Kerze an und führe sie nach oben in diesen Raum. Und bringe ihnen heißes Wasser, um ihre Füße zu waschen, und decke sie mit einem Federbett zu.“

Dem Gespräch nach zu urteilen, ist dies ein erstklassiges Hotel. Reisenden wird das Abendessen auf dem Tisch serviert, sie haben offensichtlich kein Essen mitgebracht, obwohl dies der Brauch war. Sie werden mit einer Kerze ins Bett gebracht und mit warmem Wasser versorgt. Vielleicht konnten sie, wenn sie Glück hatten, für jeden ein Bett bekommen und es nicht mit einem Fremden teilen. Doch ob luxuriöses Hotel, in dem den Gästen auch Unterhaltung geboten wurde, oder eine einfache Hütte nahe der Stadtmauer, der Reisende konnte sich darin mehrere Stunden ausruhen, geschützt nicht nur vor schlechtem Wetter und wilden Tieren, sondern auch vor seinen Mitmenschen Menschen.

Zu Beginn des 15. Jahrhunderts kam es in Italien zu großen Veränderungen im Leben und in der Kultur. Seit dem 12. Jahrhundert haben die Bürger, Kaufleute und Handwerker Italiens einen heldenhaften Kampf gegen die feudale Abhängigkeit geführt. Durch die Entwicklung von Handel und Produktion wurden die Städter allmählich reicher, warfen die Macht der Feudalherren ab und organisierten freie Stadtstaaten. Diese freien italienischen Städte wurden sehr mächtig. Ihre Bürger waren stolz auf ihre Eroberungen. Der enorme Reichtum der unabhängigen italienischen Städte ließ sie aufblühen. Die italienische Bourgeoisie sah die Welt mit anderen Augen an, sie glaubte fest an sich, an ihre eigene Stärke. Die Leidenslust, die Demut, die Ablehnung aller irdischen Freuden, die ihnen bisher gepredigt wurden, waren ihnen fremd. Der Respekt vor dem irdischen Menschen, der die Freuden des Lebens genießt, wuchs. Die Menschen begannen, eine aktive Lebenseinstellung einzunehmen, die Welt eifrig zu erkunden und ihre Schönheit zu bewundern. In dieser Zeit werden verschiedene Wissenschaften geboren, Kunst entwickelt sich.

In Italien sind viele Denkmäler der Kunst des antiken Roms erhalten geblieben, so dass die Antike wieder als Vorbild verehrt wurde, die antike Kunst zum Objekt der Bewunderung wurde. Nachahmung der Antike und gab Anlass, diese Zeit in der Kunst zu nennen - Wiedergeburt was auf französisch bedeutet "Renaissance". Das war natürlich keine blinde, exakte Wiederholung antiker Kunst, es war schon neue Kunst, aber nach antiken Vorbildern. Die italienische Renaissance ist in 3 Phasen unterteilt: VIII - XIV Jahrhunderte - Vorrenaissance (Proto-Renaissance oder Trecento- damit.); XV Jahrhundert - Frührenaissance (Quattrocento); spätes 15. - frühes 16. Jahrhundert - Hochrenaissance.

Archäologische Ausgrabungen wurden in ganz Italien durchgeführt, um nach antiken Denkmälern zu suchen. Die neu entdeckten Statuen, Münzen, Utensilien, Waffen wurden sorgfältig aufbewahrt und in eigens dafür geschaffenen Museen gesammelt. Künstler studierten diese antiken Muster und entnahmen sie der Natur.

Trecento (Vorrenaissance)

Der wahre Beginn der Renaissance ist mit dem Namen verbunden Giotto di Bondone (1266? - 1337). Er gilt als Begründer der Renaissancemalerei. Der Florentiner Giotto hat große Beiträge zur Kunstgeschichte geleistet. Er war ein Erneuerer, der Urahn aller europäischen Malerei nach dem Mittelalter. Giotto hauchte den Gospelszenen Leben ein, erschuf Bilder realer Menschen, vergeistigt, aber irdisch.

Giotto schafft erstmals Volumen mit Hilfe von Hell-Dunkel. Er mag klare, helle Farben in kalten Tönen: Rosa, Perlgrau, helles Purpur und helles Flieder. Die Menschen auf den Fresken von Giotto sind stämmig, mit schwerem Schritt. Sie haben große Gesichtszüge, breite Wangenknochen und schmale Augen. Sein Mann ist freundlich, rücksichtsvoll, ernst.

Von den Werken Giottos sind die Fresken in den Tempeln von Padua am besten erhalten. Er präsentierte die Evangeliumsgeschichten hier als existierend, irdisch, wirklich. Darin erzählt er von den Problemen, die Menschen zu allen Zeiten beschäftigen: von Freundlichkeit und gegenseitigem Verständnis, Betrug und Verrat, von Tiefe, Trauer, Sanftmut, Demut und ewiger, alles verzehrender Mutterliebe.

Anstelle disparater Einzelfiguren wie in der mittelalterlichen Malerei gelang es Giotto, eine zusammenhängende Geschichte zu schaffen, eine ganze Erzählung über das komplexe Innenleben der Figuren. Anstelle des herkömmlichen goldenen Hintergrunds der byzantinischen Mosaike führt Giotto einen Landschaftshintergrund ein. Und wenn in der byzantinischen Malerei die Figuren gleichsam im Raum schwebten, hingen, dann fanden die Helden der Fresken Giottos festen Boden unter den Füßen. Giottos Suche nach der Übertragung von Raum, der Plastizität von Figuren, der Ausdruckskraft von Bewegung machte seine Kunst zu einer ganzen Bühne in der Renaissance.

Ein von berühmte Meister vor der Wiederbelebung -

Simone Martini (1284-1344).

In seiner Malerei wurden die Merkmale der nordischen Gotik bewahrt: Martinis Figuren sind länglich und in der Regel auf goldenem Hintergrund. Aber Martini schafft Bilder mit Hilfe von Hell-Dunkel, gibt ihnen eine natürliche Bewegung, versucht, einen bestimmten psychischen Zustand zu vermitteln.

Quattrocento (frühe Renaissance)

Die Antike spielte eine große Rolle bei der Bildung der weltlichen Kultur der Frührenaissance. Die Platonische Akademie wird in Florenz eröffnet, die Laurentianische Bibliothek enthält die reichste Sammlung antiker Manuskripte. Der erste Kunstmuseen gefüllt mit Statuen, Fragmenten antiker Architektur, Marmor, Münzen, Keramik. In der Renaissance ragten die Hauptzentren des künstlerischen Lebens Italiens heraus - Florenz, Rom, Venedig.

Einer von größten Zentren Florenz war der Geburtsort der neuen, realistischen Kunst. Im 15. Jahrhundert lebten, studierten und arbeiteten hier viele berühmte Meister der Renaissance.

Architektur der Frührenaissance

Die Einwohner von Florenz hatten eine hohe künstlerische Kultur, sie beteiligten sich aktiv an der Schaffung von Stadtdenkmälern und diskutierten Möglichkeiten für den Bau schöner Gebäude. Die Architekten gaben alles auf, was der Gotik ähnelte. Unter dem Einfluss der Antike galten mit einer Kuppel gekrönte Gebäude als die vollkommensten. Vorbild war hier das römische Pantheon.

Florenz ist eine der schönsten Städte der Welt, ein Stadtmuseum. Es hat seine Architektur aus der Antike fast unversehrt bewahrt, seine schönsten Gebäude stammen größtenteils aus der Renaissance. Über den roten Backsteindächern der alten Gebäude von Florenz erhebt sich das riesige Gebäude der Kathedrale der Stadt Santa Maria del Fiore, die oft einfach als Kathedrale von Florenz bezeichnet wird. Seine Höhe erreicht 107 Meter. Eine prächtige Kuppel, deren Harmonie durch weiße Steinrippen betont wird, krönt die Kathedrale. Die Kuppel hat eine auffällige Größe (ihr Durchmesser beträgt 43 m), sie krönt das gesamte Panorama der Stadt. Die Kathedrale ist von fast jeder Straße in Florenz aus sichtbar und ragt deutlich in den Himmel. Dieses prächtige Bauwerk wurde vom Architekten erbaut

Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Der prächtigste und berühmteste Kuppelbau der Renaissance war Petersdom in Rom. Es wurde über 100 Jahre gebaut. Die Schöpfer des ursprünglichen Projekts waren Architekten Bramante und Michelangelo.

Renaissancegebäude sind mit Säulen, Pilastern, Löwenköpfen und verziert "Putten"(nackte Babys), Gipskränze aus Blumen und Früchten, Blättern und vielen Details, von denen Proben in den Ruinen antiker römischer Gebäude gefunden wurden. Wieder in Mode halbrunder Bogen. Wohlhabende Menschen begannen, schönere und komfortablere Häuser zu bauen. Statt dicht aneinander gedrängte Häuser wirkten luxuriös Paläste - Palazzo.

Skulptur der Frührenaissance

Im 15. Jahrhundert wirkten in Florenz zwei berühmte Bildhauer - Donatello und Verrocchio.Donatello (1386? - 1466)- einer der ersten Bildhauer Italiens, der die Erfahrung der antiken Kunst nutzte. Er schuf eines der schönsten Werke der Frührenaissance – die David-Statue.

Der biblischen Legende nach besiegte der junge Mann David, ein einfacher Hirte, den Riesen Goliath, rettete dadurch die Einwohner von Judäa vor der Versklavung und wurde später König. David war eines der beliebtesten Bilder der Renaissance. Er wird vom Bildhauer nicht als demütiger Heiliger aus der Bibel dargestellt, sondern als junger Held, Sieger, Verteidiger der Heimatstadt. In seiner Skulptur besingt Donatello den Menschen als das Ideal einer schönen Heldenpersönlichkeit, die in der Renaissance entstand. David wird mit dem Lorbeerkranz des Siegers gekrönt. Donatello hatte keine Angst, ein Detail wie einen Hirtenhut einzuführen - ein Zeichen seiner einfachen Herkunft. Im Mittelalter verbot die Kirche die Darstellung eines nackten Körpers, da sie ihn als Gefäß des Bösen betrachtete. Donatello war der erste Meister, der dieses Verbot mutig gebrochen hat. Er behauptet damit, dass der menschliche Körper schön ist. Die Statue von David ist die erste runde Skulptur in dieser Zeit.

Es ist auch eine andere schöne Skulptur von Donatello bekannt - eine Kriegerstatue , Kommandant von Gattamelata. Es war das erste Reiterdenkmal der Renaissance. Dieses vor 500 Jahren geschaffene Denkmal steht noch immer auf einem hohen Sockel und schmückt den Platz in der Stadt Padua. Zum ersten Mal wurde kein Gott, kein Heiliger, kein edler und reicher Mann in der Skulptur verewigt, sondern ein edler, mutiger und beeindruckender Krieger mit einer großen Seele, der Ruhm für große Taten verdiente. Gekleidet in eine antike Rüstung sitzt Gattemelata (dies ist sein Spitzname und bedeutet „gefleckte Katze“) in einer ruhigen, majestätischen Pose auf einem mächtigen Pferd. Die Gesichtszüge des Kriegers betonen einen entschlossenen, festen Charakter.

Andrea Verrocchio (1436 -1488)

Der berühmteste Schüler von Donatello, der das berühmte Reiterdenkmal für den Condottiere Colleoni schuf, das in Venedig auf dem Platz in der Nähe der Kirche San Giovanni aufgestellt wurde. Das Hauptmerkmal des Denkmals ist die gemeinsame energische Bewegung von Pferd und Reiter. Das Pferd eilt sozusagen über den Marmorsockel hinaus, auf dem das Denkmal errichtet ist. Colleoni, in den Steigbügeln stehend, ausgestreckt, den Kopf hoch erhoben, späht in die Ferne. Eine Grimasse aus Wut und Anspannung erstarrte auf seinem Gesicht. In seiner Haltung spürt man großer Wille, das Gesicht ähnelt einem Raubvogel. Das Bild ist erfüllt von unzerstörbarer Kraft, Energie und rauer Autorität.

Malerei der Frührenaissance

Die Renaissance aktualisierte auch die Kunst der Malerei. Maler haben gelernt, Raum, Licht und Schatten, natürliche Posen, verschiedene menschliche Gefühle richtig zu vermitteln. Es war die frühe Renaissance, die die Zeit der Anhäufung dieses Wissens und dieser Fähigkeiten war. Die Gemälde dieser Zeit sind von Licht und Lebensfreude durchdrungen. Der Hintergrund ist oft in hellen Farben gemalt, während Gebäude und Naturmotive mit scharfen Linien umrandet werden, dominieren reine Farben. Mit naiver Sorgfalt werden alle Details des Geschehens dargestellt, die Figuren meist aneinandergereiht und durch klare Konturen vom Hintergrund getrennt.

Die Malerei der Frührenaissance strebte nur nach Perfektion, berührt jedoch dank ihrer Aufrichtigkeit die Seele des Betrachters.

Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, bekannt unter dem Namen Masaccio (1401 - 1428)

Er gilt als Nachfolger Giottos und als erster Meister der Malerei der Frührenaissance. Masaccio lebte nur 28 Jahre, aber in einem so kurzen Leben hinterließ er einen kaum zu überschätzenden Eindruck in der Kunst. Es gelang ihm, die von Giotto begonnenen revolutionären Veränderungen in der Malerei zu vollenden. Seine Malerei zeichnet sich durch eine dunkle und tiefe Farbe aus. Die Menschen in den Fresken von Masaccio sind viel dichter und mächtiger als in den Gemälden der Gotik.

Masaccio war der erste, der Objekte im Raum unter Berücksichtigung der Perspektive korrekt anordnete; Er begann, Menschen nach den Gesetzen der Anatomie darzustellen.

Er verstand es, Figuren und Landschaft zu einer einzigen Handlung zu verbinden, das Leben der Natur und der Menschen auf dramatische und zugleich ganz natürliche Weise zu vermitteln – und das ist das große Verdienst des Malers.

Dies ist eine der wenigen Staffeleiarbeiten, die Masaccio 1426 für die Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Pisa in Auftrag gab.

Die Madonna sitzt auf einem Thron, der streng nach den Gesetzen der Giotto-Perspektive gebaut wurde. Ihre Figur ist mit selbstbewussten und klaren Strichen geschrieben, was den Eindruck eines skulpturalen Volumens erweckt. Ihr Gesicht ist ruhig und traurig, ihr distanzierter Blick ist nirgendwo hin gerichtet. In einen dunkelblauen Mantel gehüllt, hält die Jungfrau Maria das Kind in ihren Armen, dessen goldene Gestalt sich scharf von einem dunklen Hintergrund abhebt. Die tiefen Falten des Umhangs ermöglichen dem Künstler ein Hell-Dunkel-Spiel, das auch optisch einen besonderen Effekt erzeugt. Das Baby isst schwarze Trauben - ein Symbol der Gemeinschaft. Makellos gezeichnete Engel (der Künstler kannte die menschliche Anatomie perfekt) rund um die Madonna geben dem Bild einen zusätzlichen emotionalen Klang.

Die einzige von Masaccio gemalte Schärpe für ein doppelseitiges Triptychon. Nach dem frühen Tod des Malers wurde der Rest des von Papst Martin V. für die Kirche Santa Maria in Rom in Auftrag gegebenen Werks vom Künstler Masolino vollendet. Es zeigt zwei strenge, monumental ausgeführte, ganz in Rot gekleidete Heiligenfiguren. Hieronymus hält ein aufgeschlagenes Buch und ein Modell der Basilika, zu seinen Füßen liegt ein Löwe. Johannes der Täufer ist in seiner üblichen Gestalt dargestellt: Er ist barfuß und hält ein Kreuz in der Hand. Beide Figuren bestechen durch anatomische Präzision und ein fast skulpturales Volumengefühl.

Das Interesse an einem Menschen, die Bewunderung für seine Schönheit waren in der Renaissance so groß, dass daraus ein neues Genre in der Malerei entstand – das Genre des Porträts.

Pinturicchio (Variante von Pinturicchio) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)

Ein Eingeborener von Perugia in Italien. Eine Zeit lang malte er Miniaturen, half Pietro Perugino, die Sixtinische Kapelle in Rom mit Fresken zu schmücken. Erfahrung in der komplexesten Form der dekorativen und monumentalen Wandmalerei. Einige Jahre später wurde Pinturicchio ein unabhängiger Wandmaler. Er arbeitete an Fresken in den Borgia-Appartements im Vatikan. Er fertigte Wandmalereien in der Bibliothek der Kathedrale in Siena an.

Der Künstler vermittelt nicht nur eine Porträtähnlichkeit, sondern versucht, den inneren Zustand einer Person zu enthüllen. Vor uns steht ein Teenager, gekleidet in ein strenges rosa Stadtkleid, mit einer kleinen blauen Mütze auf dem Kopf. Braunes Haar fällt auf die Schultern und umrahmt ein zartes Gesicht, der aufmerksame Blick brauner Augen ist nachdenklich, ein wenig ängstlich. Hinter dem Jungen ist eine umbrische Landschaft mit dünnen Bäumen, einem silbrigen Fluss, einem Himmel, der sich am Horizont rosa färbt. Die Frühlingszärtlichkeit der Natur als Echo des Charakters des Helden steht im Einklang mit der Poesie und dem Charme des Helden.

Das Bild des Jungen ist im Vordergrund groß und nimmt fast die gesamte Bildfläche ein, und die Landschaft ist im Hintergrund sehr klein gemalt. Dadurch entsteht der Eindruck der Bedeutung einer Person, ihrer Dominanz gegenüber umgebende Natur Sie behauptet, dass der Mensch die schönste Schöpfung auf Erden ist.

Hier wird der feierliche Abschied von Kardinal Kapranik an das Basler Münster dargestellt, der fast 18 Jahre dauerte, von 1431 bis 1449, zuerst in Basel, dann in Lausanne. Auch der junge Piccolomini war im Gefolge des Kardinals. In einem eleganten Rahmen aus einem Halbkreisbogen wird eine Gruppe von Reitern präsentiert, begleitet von Pagen und Dienern. Das Geschehen ist nicht so real und verlässlich, sondern ritterlich raffiniert, fast phantastisch. Im Vordergrund sieht ein schöner Reiter auf einem weißen Pferd in einem luxuriösen Kleid und Hut, der den Kopf dreht, den Betrachter an - das ist Aeneas Silvio. Gerne schreibt der Künstler reiche Kleider, schöne Pferde in Samtdecken. Die gestreckten Proportionen der Figuren, leicht manierierte Bewegungen, leichte Neigungen des Kopfes kommen dem höfischen Ideal nahe. Das Leben von Papst Pius II. war voller heller Ereignisse, und Pinturicchio sprach über die Treffen des Papstes mit dem König von Schottland, mit Kaiser Friedrich III.

Filippo Lippi (1406 - 1469)

Um Lippis Leben ranken sich Legenden. Er selbst war Mönch, verließ aber das Kloster, wurde wandernder Künstler, entführte eine Nonne aus dem Kloster und starb vergiftet von den Angehörigen einer jungen Frau, in die er sich im hohen Alter verliebte.

Er malte Bilder der Madonna mit Kind, gefüllt mit lebendigen menschlichen Gefühlen und Erfahrungen. In seinen Gemälden stellte er viele Details dar: Haushaltsgegenstände, Umfeld, daher waren seine religiösen Themen weltlichen Gemälden ähnlich.

Domenico Ghirlandaio (1449 - 1494)

Er malte nicht nur religiöse Themen, sondern auch Szenen aus dem Leben des Florentiner Adels, seinen Reichtum und Luxus, Porträts von Adeligen.

Vor uns steht die Frau eines wohlhabenden Florentiner, eines Freundes des Künstlers. In dieser nicht sehr schönen, luxuriös gekleideten jungen Frau drückte der Künstler Ruhe aus, einen Moment der Stille und des Schweigens. Der Gesichtsausdruck der Frau ist kalt, gleichgültig gegenüber allem, es scheint, dass sie ihren bevorstehenden Tod voraussieht: Bald nachdem sie das Porträt gemalt hat, wird sie sterben. Die Frau ist im Profil dargestellt, was für viele Porträts dieser Zeit typisch ist.

Piero della Francesca (1415/1416 - 1492)

Einer der bedeutendsten Namen der italienischen Malerei des 15. Jahrhunderts. Er vollendete zahlreiche Transformationen in den Methoden zur Konstruktion der Perspektive eines malerischen Raums.

Das Bild wurde in Eitempera auf Pappelpappe gemalt – offensichtlich hatte der Künstler zu diesem Zeitpunkt noch nicht die Geheimnisse der Ölmalerei gemeistert, in deren Technik seine späteren Werke geschrieben werden sollten.

Der Künstler hat die Manifestation des Mysteriums der Heiligen Dreifaltigkeit zur Zeit der Taufe Christi festgehalten. Die weiße Taube, die ihre Flügel über dem Haupt Christi ausbreitet, symbolisiert die Herabkunft des Heiligen Geistes auf den Erlöser. Die Figuren von Christus, Johannes dem Täufer und den daneben stehenden Engeln sind in zurückhaltenden Farben gehalten.
Seine Fresken sind feierlich, erhaben und majestätisch. Francesca glaubte an die hohe Bestimmung des Menschen und in seinen Werken vollbringen Menschen immer wunderbare Dinge. Er verwendete subtile, sanfte Farbübergänge. Francesca war die erste, die en plein air (in der Luft) malte.

Erstellungsproblem ideale Stadt, trotz der heutigen Relevanz, war besonders akut in der fernen Epoche der Renaissance (XIV - XVI Jahrhundert). Dieses Thema wird durch das Prisma der Philosophie des Anthropozentrismus zum Leitthema in der Kunst der Stadtplanung dieser Zeit. Ein Mann mit seinen Bedürfnissen nach Glück, Liebe, Luxus, Komfort, Bequemlichkeit, mit seinen Gedanken und Ideen wird zum Maß der damaligen Zeit, zum Symbol des wiederauferstandenen alten Geistes, berufen, genau diesen Mann mit einem Großbuchstaben zu besingen. Er bewegt das kreative Denken der Renaissance auf die Suche nach einzigartigen, manchmal utopischen, architektonischen und philosophischen Lösungen für das Problem der Stadtbildung. Letzteres beginnt eine neue Rolle zu spielen, es wird als geschlossener, zusammenhängender Raum wahrgenommen, eingezäunt und anders als die Natur, in dem das ganze Leben eines Menschen vergeht.

In diesem Raum sollten sowohl die körperlichen als auch die ästhetischen Bedürfnisse und Wünsche einer Person vollständig berücksichtigt werden, Aspekte des menschlichen Aufenthalts in der Stadt wie Komfort und Sicherheit sollten vollständig durchdacht werden. Die neuen Schusswaffen machten die mittelalterlichen Steinbefestigungen wehrlos. Dies bestimmte zum Beispiel das Aussehen von Mauern mit Erdbastionen entlang der Umrisse von Städten und bestimmte, wie es scheint, eine bizarre sternförmige Linie von Stadtbefestigungen. Es entsteht eine allgemeine Erweckungsvorstellung von der "idealen Stadt" - der Stadt, in der es sich am bequemsten und sichersten leben lässt. Mit einem Wort, solche Trends sind dem modernen Architekten nicht fremd, aber die Renaissance markierte damals eine neue Grenze, einen neuen Lebenshauch im Geist des Schöpfers und bestimmte Unbekannte. frühere Kriterien, Normen und Klischees, deren Konsequenzen heute bei der Suche nach einer idealen Stadt zu spüren sind.

Die ersten Studien in dieser Richtung wurden von Mark Vitruv (zweite Hälfte des 1. Jahrhunderts v. Chr.), einem Architekten und Ingenieur in der Armee von Julius Caesar, durchgeführt - in seiner Abhandlung Zehn Bücher über Architektur stellte Vitruv das Problem der goldenen Mitte zwischen Theorie und Praxis, beschrieb die Grundbegriffe der Ästhetik, die Proportionalität des Gebäudes und der Person, untersuchte erstmals in der Geschichte das Problem der musikalischen Raumakustik.

Vitruv selbst hat kein Bild der idealen Stadt hinterlassen, aber dies wurde von vielen Forschern und Nachfolgern seiner Ideen getan, von denen, wie oft bemerkt wird, die Renaissance selbst ausging.

Aber die Argumente über die ideale Stadt, ihre Konzepte stammen aus den Abhandlungen der antiken griechischen Philosophen - für eine Sekunde lohnt es sich also, sich einer etwas früheren Zeit zuzuwenden, als wir in Betracht ziehen - der Antike.

Sfortsinda - typischer Häuserbogen. Filarete (Zeichnung von Leonardo da Vinci)

Der jahrhundertealte Prozess des Aufbaus von Stadtstaaten in der Hauptstadt des antiken Griechenlands, Athen, wurde in den Schriften der beiden größten Philosophen der Antike zusammengefasst: Platon (428 - 348 v. Chr.) Und Aristoteles (384 - 322 v. Chr.).

So war der idealistische Philosoph Plato, verbunden mit den aristokratischen Kreisen seiner Zeit, ein Anhänger einer streng geregelten staatliche Struktur, nicht ohne Grund besaß er auch eine Geschichte über das mythische Land Atlantis, regiert von einem König und Archonten. In Platons Interpretation war Atlantis der historische Prototyp jenes idealen Stadtstaates, den er in seinen Werken „Der Staat“ und „Gesetze“ thematisierte.

Zurück zur Renaissance, sagen wir über Leon Batista Alberti, den ersten echten Theoretiker der Stadtplanung in der Geschichte der Menschheit, der detailliert beschreibt, „wie man eine Stadt baut“, beginnend mit der Wahl eines Ortes und endend mit seiner inneren Struktur . Alberti schrieb, dass „Schönheit eine streng proportionale Harmonie aller Teile ist, die durch das, wozu sie gehören, vereint sind, so dass nichts hinzugefügt, weggenommen oder verändert werden kann, ohne es zu verschlimmern.“ Tatsächlich war Alberti der Erste, der die Grundprinzipien des urbanen Ensembles der Renaissance verkündete und den antiken Sinn für Proportionen mit dem rationalistischen Beginn einer neuen Ära verband. Das gegebene Verhältnis der Höhe des Gebäudes zum davor befindlichen Raum (von 1:3 bis 1:6), die Konsistenz der architektonischen Maßstäbe der Haupt- und Nebengebäude, die Ausgewogenheit der Komposition und das Fehlen von dissonante Kontraste - das sind die ästhetischen Prinzipien der Städteplaner der Renaissance.

Alberti zeichnet in seiner Abhandlung „Zehn Bücher über Architektur“ eine ideale Stadt, schön in rationaler Planung und Aussehen Gebäude, Straßen, Plätze. Das gesamte Lebensumfeld eines Menschen wird hier so gestaltet, dass es den Bedürfnissen des Einzelnen, der Familie und der Gesellschaft als Ganzes entspricht.

Bernardo Gambarelli (Rosselino), der bereits vorhandene Ideen aufgreift, trägt zur Entwicklung der Vision einer idealen Stadt bei, die in der Stadt Pienza (1459) mündete, die bis heute existiert und Elemente vieler erhaltener Projekte enthält auf Papier oder in kreativer Form die Absichten der Schöpfer. Diese Stadt ist ein klares Beispiel für die Umwandlung der mittelalterlichen Siedlung Corsignano in eine ideale Renaissancestadt mit geraden Straßen und einem regelmäßigen Grundriss.

Antonio di Pietro Averlino (Filarete) (ca. 1400 - ca. 1469) gibt in seiner Abhandlung eine Vorstellung von der idealen Stadt Sforzinda.

Die Stadt war im Grundriss ein achteckiger Stern, der durch die Kreuzung zweier gleicher Quadrate mit einer Seite von 3,5 km in einem Winkel von 45 ° gebildet wurde. In den Leisten des Sterns befanden sich acht runde Türme und in den "Taschen" - acht Stadttore. Die Tore und Türme waren durch radiale Straßen, von denen einige Schifffahrtskanäle waren, mit dem Zentrum verbunden. Im zentralen Teil der Stadt, auf einem Hügel, befand sich der Hauptplatz mit rechteckigem Grundriss, an dessen kurzen Seiten sich ein Platz befinden sollte fürstlicher Palast und die Stadtkathedrale und entlang der langen - Justiz- und Stadtinstitutionen.

In der Mitte des Platzes befanden sich ein Teich und ein Wachturm. Zwei weitere grenzten an den Hauptplatz mit den Häusern der bedeutendsten Einwohner der Stadt. An der Kreuzung der Radialstraßen mit der Ringstraße befanden sich sechzehn weitere Plätze: acht Einkaufsplätze und acht für Gemeindezentren und Kirchen.

Pienza war nicht die einzige realisierte Stadt in Italien, die die Prinzipien der „idealen“ Planung verkörperte. Italien selbst war damals kein Einheitsstaat, wie wir ihn heute kennen, sondern bestand aus vielen getrennten unabhängigen Republiken und Herzogtümern. An der Spitze jedes dieser Gebiete stand eine Adelsfamilie. Natürlich wollte jeder Herrscher in seinem Staat ein Modell einer „idealen“ Stadt haben, das es ihm ermöglichte, als gebildeter und fortschrittlicher Renaissance-Mensch zu gelten. Daher beschloss der Vertreter der Dynastie D Este, Herzog Ercole I., 1492, eine der wichtigsten Städte seines Herzogtums - Ferrara - wieder aufzubauen.

Die Umstrukturierung wurde dem Architekten Biagio Rossetti anvertraut. Er zeichnete sich durch eine Weite der Ansichten sowie eine Innovationsfreude aus, die sich in fast allen seinen Werken manifestierte. Er studierte gründlich den alten Grundriss der Stadt und kam zu einer interessanten Lösung. Wenn vor ihm Architekten entweder alte Gebäude abrissen oder von Grund auf neu bauten, dann beschloss Biagio, eine neue Stadt auf der alten zu bauen. Damit verkörperte er gleichzeitig das Konzept der Renaissancestadt mit ihren geraden Straßen und Freiflächen und betonte die Integrität und Eigenständigkeit der mittelalterlichen Stadt. Die Hauptinnovation des Architekten war eine andere Nutzung der Räume. Er hielt sich nicht an alle Gesetze des regulären Städtebaus, der offene Plätze und breite Straßen vorsah. Stattdessen spielt Biagio, da der mittelalterliche Teil der Stadt intakt gelassen wurde, mit Gegensätzen: Er wechselt Hauptstraßen mit engen Gassen, helle Plätze mit dunklen Sackgassen, große herzogliche Häuser mit niedrigen Häusern einfacher Einwohner. Darüber hinaus widersprechen sich diese Elemente überhaupt nicht: Die umgekehrte Perspektive wird mit der geraden kombiniert, und die fließenden Linien und wachsenden Volumen widersprechen sich nicht.

Der venezianische Gelehrte und Architekturwissenschaftler Daniele Barbaro (1514-1570) widmete den größten Teil seines Lebens dem Studium der Abhandlung von Vitruv, was zu seinem Buch mit dem Titel "Zehn Bücher über die Architektur von Vitruv mit einem Kommentar von Daniele Barbaro" führte. geschrieben 1556. In diesem Buch spiegelte sich nicht nur der Autor selbst, sondern auch die meisten Architekten des 16. Jahrhunderts gegenüber der antiken Architektur. Daniele Barbaro hat die Abhandlung sein ganzes Leben lang gründlich studiert und versucht, das Schema der idealen Stadt nachzubilden, das die Ideen von Vetruv und seine Konzepte widerspiegeln würde, die seine Vision ergänzen.

Etwas früher veröffentlichte der Renaissance-Architekt Cesare Cesarino 1521 seinen Kommentar zu den Zehn Büchern der Architektur mit zahlreichen Illustrationen, darunter theoretische Diagramme einer idealen Stadt.

Unter den vielen solcher Theoretiker des 16. Jahrhunderts. Einen besonderen Platz nahm Andrea Palladio (1508-1580) ein. In seiner 1570 erschienenen Abhandlung Vier Bücher über Architektur (italienisch: Quattro Libri deHArchitettura) widmete Palladio der Stadt keinen speziellen Abschnitt, sondern sein gesamtes Werk widmete sich im Wesentlichen diesem speziellen Thema. Er sagte: "Eine Stadt ist nichts anderes als eine Art großes Haus, und umgekehrt ist ein Haus eine Art kleine Stadt."

Palladio setzte ein Gleichheitszeichen zwischen Wohnhaus und Stadt und betonte damit die Integrität des urbanen Organismus und die Vernetzung seiner räumlichen Elemente. Er reflektiert die Integrität des urbanen Organismus und die Beziehung seiner räumlichen Elemente. Über das städtische Ensemble schreibt er: „Schönheit ist das Ergebnis einer schönen Form und der Entsprechung des Ganzen zu den Teilen, der Teile zueinander und auch der Teile zum Ganzen.“ Einen herausragenden Platz in der Abhandlung nimmt das Innere von Gebäuden, ihre Dimensionen und Proportionen ein. Palladio versucht, den Außenraum der Straßen mit dem Inneren von Häusern und Höfen organisch zu verbinden.

Ende des 16. Jahrhunderts. Während der Belagerung von Städten wurden Artilleriewaffen mit Sprenggranaten eingesetzt. Dies zwang die Stadtplaner, die Art der Stadtbefestigung zu überdenken. Die Festungsmauern und -türme wurden durch Erdbastionen ersetzt, die, wenn sie über die Stadtgrenzen hinaus vorgetragen wurden, sowohl feindliche Angriffe abwehren als auch Flankenfeuer auf den sich der Stadt nähernden Feind führen konnten. Ausgehend davon war es nicht nötig, die Stadttore zu schützen, die sich von nun an von mächtigen Verteidigungszentren zu den Haupteingängen der Stadt entwickelt haben. Diese Innovationen in Form einer Vielzahl von sternförmigen bizarren Formen spiegeln sich in den Projekten der idealen Städte von Buonayuto Lorini, Antonio Lupicini, Francesco di George Martini, Girolamo Maggi, Giovanni Bellucci, Fra Giocondo, Francesco de Marchi, Daniel Speckle wider , Jacques Perret, Albrecht Dürer, Vicenzo Scamozzi, George Vasari Jr. usw.

Und die Festungsstadt Palmanova kann zu Recht als Höhepunkt der Festungsarchitektur der Renaissance angesehen werden, deren Plan nach dem Plan des Architekten Vicenzo Scamozzi die Form eines neunzackigen Sterns hat und von dem die Straßen strahlenförmig ausgehen der Platz in der Mitte. Das Territorium der Stadt war von zwölf Bastionen umgeben, und jede der Bastionen war so geplant, dass sie die benachbarten schützte, und hatte vier Stadttore, von denen sich zwei Hauptstraßen im rechten Winkel kreuzten. An ihrer Kreuzung befand sich der Hauptplatz, der den Palast, die Kathedrale, die Universität und die städtischen Institutionen überblickte. An den Hauptplatz schlossen sich im Westen und Osten zwei Handelsplätze an, im Norden befand sich der Börsenplatz und im Süden der Platz für den Heu- und Brennholzhandel. Das Territorium der Stadt wurde von einem Fluss durchquert, und näher an seiner Peripherie befanden sich acht Pfarrkirchen. Der Grundriss der Stadt war regelmäßig. Die Festung war von einem Wassergraben umgeben.

Im technischen Umfeld der Renaissance werden Fragen der Komposition, Harmonie, Schönheit und Proportionen sorgfältig untersucht. In diesen Idealkonstruktionen zeichnet sich die Planung der Stadt durch Rationalismus, geometrische Klarheit, zentrische Komposition und Harmonie zwischen dem Ganzen und den Teilen aus. Und was schließlich die Architektur der Renaissance von anderen Epochen unterscheidet, ist der Mensch, der im Mittelpunkt all dieser Konstruktionen steht. Viele weitere Namen und Namen von Städten können als Beispiele dienen. Überlebt hat Urbino mit seinem grandiosen Herzogspalast, „eine Stadt in Form eines Palazzo“, geschaffen vom Architekten Luciano Laurana für Herzog Federico da Montefeltro, Terradel Sole („Stadt der Sonne“), Vigevano in der Lombardei, Valletta (Hauptstadt von Malta). Letztere wuchs auf den wasserlosen, steilen Klippen der Halbinsel Mount Sciberras und erhob sich zwischen den beiden tiefen Häfen Marsamxett und Grand Harbour. Valletta wurde 1566 gegründet und wurde zusammen mit beeindruckenden Bastionen, Festungen und einer Kathedrale in erstaunlich kurzer Zeit – 15 Jahre – vollständig erbaut.

Allgemeine Ideen, Konzepte der Renaissance flossen weit über die Wende des 17. Jahrhunderts hinaus und spritzten heraus stürmischer Strom, die nachfolgende Generationen von Architekten und Ingenieuren abdeckt.

Auch das Beispiel vieler moderner Architekturprojekte zeigt den Einfluss der Renaissance, die seit mehreren Jahrhunderten ihre Vorstellung von der Menschheit und dem Primat des menschlichen Komforts nicht verloren hat. Einfachheit, Bequemlichkeit, "Zugänglichkeit" der Stadt für den Bewohner in allen möglichen variablen Einrichtungen finden sich in vielen Werken, und jeder folgte ihnen auf seine Weise, Architekten und Forscher, alle wie eins, beschritten dennoch bereits den befestigten Weg gepflastert von den Meistern der Renaissance.

In dem Artikel wurden nicht alle Beispiele für „ideale Städte“ berücksichtigt, deren Ursprünge bis in die Tiefen der Ära der schönen Renaissance zurückreichen - in einigen liegt der Schwerpunkt auf der Bequemlichkeit und Ergonomie, Zivilisten zu sein andere über die maximale Effizienz von Verteidigungsoperationen; aber in allen Beispielen beobachten wir ein unermüdliches Streben nach Verbesserung, nach Erzielung von Ergebnissen, sehen wir selbstbewusste Schritte in Richtung der Bequemlichkeit und des Komforts einer Person. Ideen, Konzepte, gewissermaßen die Bestrebungen der Renaissance flossen weit über die Wende des 17. Jahrhunderts hinaus und spritzten in einem stürmischen Strom heraus und umfassten nachfolgende Generationen von Architekten und Ingenieuren.

Und das Beispiel moderner Architekten zeigt deutlich den Einfluss der Konzepte der Renaissancefiguren, etwas modifiziert, aber ohne ihre Vorstellung von Menschlichkeit und den Vorrang des menschlichen Komforts in städtebaulichen Projekten zu verlieren. Einfachheit, Bequemlichkeit, „Zugänglichkeit“ der Stadt für den Bewohner in allerlei variablen Einrichtungen lassen sich in vielen anderen Werken finden, umsetzen und keineswegs – auf dem Papier bleiben. Jeder folgte seinem eigenen Weg, Architekten und Forscher, alle wie einer, beschritten dennoch den gepflasterten Weg, der bereits von den Meistern der Renaissance gepflastert wurde, und folgten dem unsterblich relevanten und verführerischen Licht der Idee der Wiedergeburt, der Wiedergeburt der menschlichen Seele , und die wichtigsten Schritte in diese Richtung wurden im fernen XIV. Jahrhundert unternommen.

Die Konzepte der idealen Stadt der Renaissance hören bei aller Utopie und Unmöglichkeit aus pragmatischer Sicht einer Person, insbesondere einer modernen, nicht vollständig in ihrer Pracht auf oder zumindest teilweise, Elemente schleichen sich regelmäßig in die Arbeit ein romantische Architekten, die nicht so sehr nach Perfektion in ihrem schwierigen kreativen Handwerk streben, wie sehr nach Perfektion in einer Umgebung, die komplexer und unvorhersehbarer ist als Pergament und Perspektive - nach der unerreichbaren Perfektion der menschlichen Seele und des menschlichen Bewusstseins.

Palmanova - Kathedrale

Renaissancekunst in Italien (XIII-XVI Jahrhundert).

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Merkmale der Kunst der Renaissance in Italien.

Die Kunst der Renaissance entstand auf der Grundlage des Humanismus (vom lateinischen humanus – „Mensch“) – einer Strömung des gesellschaftlichen Denkens, die ihren Ursprung im 14. Jahrhundert hat. in Italien und dann in der zweiten Hälfte des 15. und im 16. Jahrhundert. Ausbreitung auf andere europäische Länder. Der Humanismus proklamierte den höchsten Wert des Menschen und sein Wohl. Die Anhänger dieses Trends glaubten, dass jeder Mensch das Recht hat, sich als Person frei zu entwickeln und seine Fähigkeiten zu verwirklichen. Die Ideen des Humanismus sind am vollständigsten und lebendigsten in der Kunst verkörpert, Hauptthema der ein wunderschöner, harmonisch entwickelter Mensch mit unbegrenzten spirituellen und kreativen Möglichkeiten wurde. Humanisten ließen sich von der Antike inspirieren, die ihnen als Wissensquelle und Vorbild künstlerischen Schaffens diente. Die große Vergangenheit Italiens, immer wieder an sich selbst erinnernd, wurde damals als höchste Perfektion empfunden, während die Kunst des Mittelalters ungeschickt und barbarisch wirkte. Der Begriff „Revival“, der im 16. Jahrhundert aufkam, bedeutete die Geburt einer neuen Kunst, die die klassische antike Kultur wiederbelebte. Die Kunst der Renaissance verdankt jedoch viel der künstlerischen Tradition des Mittelalters. Das Alte und das Neue waren untrennbar miteinander verbunden und konfrontiert. Bei aller widersprüchlichen Vielfalt ihrer Ursprünge ist die Kunst der Renaissance von einer tiefen und grundlegenden Neuheit geprägt. Sie legte den Grundstein für die europäische Kultur der Neuzeit. Alle großen Kunstformen – Malerei und Grafik, Bildhauerei, Architektur – haben sich enorm verändert.
In der Architektur die kreativ überarbeiteten Prinzipien der Antike Bestellsystem , neue Typen von öffentlichen Gebäuden entstanden. Die Malerei wurde mit einer linearen und luftigen Perspektive, Kenntnissen der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert. Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Verstärktes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Zusammen mit den monumentalen Wandmalereien, die architektonische Strukturen schmückten, erschien ein Gemälde; Ölmalerei entstanden.
Die Kunst hat noch nicht aufgehört, ein Handwerk zu sein, aber den ersten Platz hat sie bereits eingenommen kreative Individualität Künstler, dessen Aktivitäten damals sehr vielfältig waren. Das universelle Talent der Meister der Renaissance ist erstaunlich - sie arbeiteten oft gleichzeitig auf dem Gebiet der Architektur, Bildhauerei und Malerei, verbanden ihre Leidenschaft für Literatur, Poesie und Philosophie mit dem Studium der exakten Wissenschaften. Das Konzept einer kreativ reichen oder „Renaissance“-Persönlichkeit wurde später zu einem geläufigen Wort.
In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.
Die Herausbildung der Renaissancekultur in Italien fand in wirtschaftlich unabhängigen Städten statt. Beim Aufstieg und Aufblühen der Kunst der Renaissance spielten die Kirche und die prachtvollen Höfe der ungekrönten Herrscher – der herrschenden wohlhabenden Familien, die die größten Förderer und Kunden von Werken der Malerei, Bildhauerei und Architektur waren – eine wichtige Rolle. Die Hauptzentren der Renaissancekultur waren zunächst die Städte Florenz, Siena, Pisa, dann Padua, Ferrara, Genua, Mailand und später, in der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts, das reiche Handelsvenedig. Im 16. Jahrhundert. Rom wurde zur Hauptstadt der italienischen Renaissance. Seitdem haben alle anderen Kulturzentren außer Venedig ihre einstige Bedeutung verloren.
In der Epoche der italienischen Renaissance ist es üblich, mehrere Perioden zu unterscheiden:

Proto-Renaissance (zweite Hälfte des XIII-XIV Jahrhunderts),

Frührenaissance (XV Jahrhundert),

Hochrenaissance (spätes 15. - erstes Drittel 16. Jahrhundert)

Spätrenaissance (letzte zwei Drittel des 16. Jahrhunderts).

Proto-Renaissance

In der italienischen Kultur des XIII-XIV Jahrhunderts. Vor dem Hintergrund der immer noch starken byzantinischen und gotischen Traditionen begannen sich Merkmale einer neuen Kunst abzuzeichnen, die später als Kunst der Renaissance bezeichnet wurde. Daher wurde diese Periode seiner Geschichte genannt Proto-Renaissance(aus dem Griechischen "protos" - "erster", d.h. bereitete den Beginn der Renaissance vor). In keinem der europäischen Länder gab es eine ähnliche Übergangszeit. In Italien selbst entstand und entwickelte sich die Kunst der Proto-Renaissance nur in der Toskana und in Rom.
In der italienischen Kultur waren die Merkmale des Alten und des Neuen miteinander verflochten. Der letzte Dichter des Mittelalters und der erste Dichter der Neuzeit, Dante Alighieri (1265-1321), schuf die italienische Literatursprache. Was Dante begann, wurde von anderen großen Florentinern des 14. Jahrhunderts fortgesetzt - Francesco Petrarca (1304-1374), dem Begründer der europäischen Lyrik, und Giovanni Boccaccio (1313-1375), dem Begründer des Romangenres (Kurzgeschichte) in der Welt Literatur. Der Stolz der Epoche sind die Architekten und Bildhauer Niccolo und Giovanni Pisano, Arnolfo di Cambio und der Maler Giotto di Bondone .
Die Architektur
Die italienische Architektur folgte lange Zeit mittelalterlichen Traditionen, was sich hauptsächlich in der Verwendung einer Vielzahl gotischer Motive ausdrückte. Gleichzeitig unterschied sich die italienische Gotik selbst stark von der gotischen Architektur Nordeuropas: Sie tendierte zu ruhigen großen Formen, gleichmäßigen Licht, horizontalen Gliederungen und breiten Wandflächen. 1296 begann der Bau in Florenz Kathedrale Santa Maria del Fiore. Arnolfo di Cambio wollte den Altar der Kathedrale mit einer riesigen Kuppel krönen. Nach dem Tod des Architekten im Jahr 1310 verzögerte sich der Bau jedoch, er wurde bereits in der Zeit der Frührenaissance fertiggestellt. 1334 wurde nach dem Entwurf von Giotto mit dem Bau des Glockenturms der Kathedrale, des sogenannten Campanile, begonnen - ein schlanker rechteckiger Turm mit horizontaler Unterteilung durch Stockwerke und eleganten gotischen Fenstern, dessen Lanzettbogenform war in der italienischen Architektur seit langem erhalten.
Zu den bekanntesten Stadtpalästen gehört der Palazzo Vecchio (Palazzo della Signoria) in Florenz. Es wird angenommen, dass es von Arnolfo di Cambio gebaut wurde. Es ist ein schwerer Kubus mit einem hohen Turm, der mit einer harten Steinrustizierung ausgekleidet ist. Die dreigeschossige Fassade ist mit in Halbkreisbögen eingeschriebenen Fensterpaaren geschmückt, die dem gesamten Gebäude einen Eindruck zurückhaltender Strenge verleihen. Das Gebäude bestimmt das Erscheinungsbild des alten Stadtzentrums und dringt mit einer harten Masse in den Platz ein.
Skulptur
Früher als in der Architektur und in der Malerei wurden künstlerische Suchen in der Bildhauerei und vor allem in der pisanischen Schule skizziert, deren Gründer Niccolò Pisano (um 1220 - zwischen 1278 und 1284) war. Niccolo Pisano wurde in Apulien in Süditalien geboren. Es wird angenommen, dass er Bildhauerei in den südlichen Schulen studierte, wo der Geist der Wiederbelebung der klassischen Traditionen der Antike blühte. Ohne Zweifel hat Niccolo die bildhauerische Ausstattung spätrömischer und frühchristlicher Sarkophage studiert. Das früheste bekannte Werk des Bildhauers ist ein Sechseck Kanzel aus Marmor, von ihm für das Baptisterium in Pisa (1260) angefertigt, - wurde zu einem herausragenden Werk der Renaissance-Bildhauerei und hatte großen Einfluss auf ihre weitere Entwicklung. Die Hauptleistung des Bildhauers besteht darin, dass er es geschafft hat, den Formen Volumen und Ausdruckskraft zu verleihen, und jedes Bild hat körperliche Kraft.
Aus der Werkstatt von Niccolò Pisano stammen die bemerkenswerten Meister der Bildhauerei der Proto-Renaissance – sein Sohn Giovanni Pisano und Arnolfo di Cambio, auch als Architekt bekannt. Arnolfo di Cambio (um 1245 - nach 1310) wandte sich der monumentalen Bildhauerei zu, in die er seine Lebensbeobachtungen einfließen ließ. Eine der besten Arbeiten, die er zusammen mit seinem Vater und Sohn Pisano gemacht hat - Brunnen auf der Piazza Perugia(1278). Fonte Maggiore, geschmückt mit zahlreichen Statuen und Reliefs, ist zum Stolz der Stadt geworden. Es war verboten, daraus Tiere zu trinken, Wasser in Weinfässern oder in ungewaschenem Geschirr zu trinken. Das Stadtmuseum bewahrt Fragmente liegender Figuren von Arnolfo di Cambio für den Brunnen auf. In diesen Figuren gelang es dem Bildhauer, den ganzen Reichtum der Bewegungen des menschlichen Körpers zu vermitteln.
Malen
In der Kunst der italienischen Renaissance nahm die Wandmalerei einen dominierenden Platz ein. Es wurde in Freskotechnik ausgeführt. Mit auf Wasser zubereiteten Farben schrieben sie entweder auf nassem Putz (eigentlich ein Fresko) oder auf trockenem - diese Technik nennt man "a secco" (übersetzt aus dem Italienischen - "trocken"). Das Hauptbindemittel von Gips ist Kalk. Weil Kalk braucht etwas Zeit zum Trocknen, Freskomalerei musste schnell erfolgen, oft in Teilen, zwischen denen Verbindungsnähte waren. Aus der zweiten Hälfte des XV Jahrhunderts. die Technik des Freskens wurde durch das Malen eines Secco ergänzt; Letzteres ermöglichte eine langsamere Arbeit und die Endbearbeitung von Teilen. Der Arbeit an den Wandgemälden ging die Herstellung von Sinopia voraus - Hilfszeichnungen, die unter dem Fresko auf der ersten Putzschicht angebracht wurden. Diese Zeichnungen wurden mit rotem Ocker angefertigt, der in der Nähe der Stadt Sinop an der Schwarzmeerküste aus Ton abgebaut wurde. Nach dem Namen der Stadt hieß die Farbe Sinop oder Sinopia, später wurden die Zeichnungen selbst so genannt. Sinopia wurde in der italienischen Malerei vom 13. bis Mitte des 15. Jahrhunderts verwendet. Allerdings griffen nicht alle Maler auf die Hilfe von Sinopia zurück - zum Beispiel Giotto di Bondone, der prominenteste Vertreter der Epoche der Proto-Renaissance, verzichtete auf sie. Allmählich wurde die Synopie aufgegeben. Ab Mitte des 15. Jahrhunderts. Kartons wurden häufig in der Malerei verwendet - vorbereitende Zeichnungen auf Papier oder Stoff in der Größe zukünftiger Werke. Die Konturen der Zeichnung wurden mit Hilfe von Kohlenstaub auf nassen Putz übertragen. Es wurde durch die in die Kontur gestochenen Löcher geblasen und mit einem scharfen Werkzeug in den Putz gedrückt. Manchmal wurde aus einer Skizzenskizze eine fertige monumentale Zeichnung, und Kartons erlangten den Wert eigenständiger Gemälde.

Begründer des neuen italienischen Malstils ist Cimabue (eigentlich Cenny di Pepo, ca. 1240 - ca. 1302). Cimabue war in Florenz als Meister feierlicher Altarbilder und Ikonen berühmt. Seine Bilder zeichnen sich durch Abstraktion und statischen Charakter aus. Und obwohl Cimabue in seiner Arbeit byzantinischen Traditionen folgte, versuchte er in seinen Werken, irdische Gefühle auszudrücken und die Starrheit des byzantinischen Kanons aufzuweichen.
Piero Cavallini (zwischen 1240 und 1250 - um 1330) lebte und arbeitete in Rom. Er ist der Autor der Mosaiken der Kirche Santa Maria in Trastevere (1291) sowie der Fresken der Kirche Santa Cecilia in Trastevere (um 1293). Cavallini gab den Formen in seinen Werken Volumen und Greifbarkeit.
Errungenschaften, die Cavallini angenommen und fortgesetzt hat Giotto di Bondone(1266 oder 1267 - 1337), größter Künstler Proto-Renaissance. Der Name Giotto ist mit einer Wendung in der Entwicklung der italienischen Malerei, ihrem Bruch mit mittelalterlichen Kunstkanonen und den Traditionen der italo-byzantinischen Kunst des 13. Jahrhunderts verbunden. Die berühmtesten Werke von Giotto sind die Gemälde der Arena-Kapelle in Padua (1304-06). Die Fresken zeichnen sich durch ihre Klarheit, unkomplizierte Erzählung und das Vorhandensein alltäglicher Details aus, die den dargestellten Szenen Lebendigkeit und Natürlichkeit verleihen. Giotto lehnt den Kirchenkanon ab, der die Kunst dieser Zeit dominierte, und stellt seine Charaktere so dar, dass sie echten Menschen ähneln: mit proportionalen, gedrungenen Körpern, runden (statt länglichen) Gesichtern, dem korrekten Augenschnitt usw. Seine Heiligen schweben nicht über dem Boden, sondern stehen mit beiden Beinen fest darauf. Sie denken mehr an das Irdische als an das Himmlische und erleben ganz menschliche Gefühle und Emotionen. Erstmals in der Geschichte der italienischen Malerei wird die Befindlichkeit der Helden eines Gemäldes durch Mimik, Gestik, Körperhaltung vermittelt. Anstelle des traditionellen goldenen Hintergrunds zeigen Giottos Fresken Landschaften, Interieurs oder Skulpturengruppen an den Fassaden von Basiliken.
In der zweiten Hälfte des XIV Jahrhunderts. die malerische Schule von Siena tritt in den Vordergrund. Der größte und raffinierteste Meister der sienesischen Malerei des 14. Jahrhunderts. war Simone Martini (ca. 1284-1344). Der Pinsel von Simone Martini besitzt das erste Bild in der Kunstgeschichte eines Betons Historisches Ereignis mit einem Porträt eines Zeitgenossen. Dieses Bild " Condottiere Guidoriccio da Fogliano"im Mappamondo-Raum (Weltkarten) im Palazzo Publico (Siena), der der Prototyp für zahlreiche zukünftige Reiterporträts war. Das Altarbild Die Verkündigung von Simone Martini, das heute in den Uffizien in Florenz aufbewahrt wird, genießt wohlverdienten Ruhm.

Merkmale der Renaissance. Proto-Renaissance

Merkmale der Renaissance

Frührenaissance

Im XV Jahrhundert. Die Kunst Italiens nahm eine beherrschende Stellung im künstlerischen Leben Europas ein. In Florenz wurden die Grundlagen einer humanistischen weltlichen (also nicht kirchlichen) Kultur gelegt, die Siena und Pisa in den Hintergrund drängte. Die politische Macht gehörte hier Kaufleuten und Handwerkern, den stärksten Einfluss auf die Angelegenheiten der Stadt übten mehrere wohlhabende Familien aus, die ständig miteinander konkurrierten. Dieser Kampf endete Ende des 14. Jahrhunderts. Sieg des Bankhauses Medici. Sein Oberhaupt, Cosimo de' Medici, wurde der unausgesprochene Herrscher von Florenz. Schriftsteller, Dichter, Wissenschaftler, Architekten und Künstler strömten zum Hof ​​von Cosimo Medici. Die Renaissancekultur von Florenz erreichte ihren Höhepunkt unter Lorenzo de' Medici, der den Spitznamen „der Prächtige“ trug. Lorenzo war ein großer Förderer der Künste und Wissenschaften, der Schöpfer der Platonischen Akademie, wo sich die herausragenden Köpfe Italiens, Dichter und Philosophen versammelten, wo raffinierte Debatten geführt wurden, die Geist und Verstand erhoben.

Die Architektur

Unter Cosimo und Lorenzo Medici fand eine wahre Revolution in der Architektur von Florenz statt: Hier wurden umfangreiche Bauarbeiten in Angriff genommen, die das Gesicht der Stadt erheblich veränderten. Der Vorfahre der Renaissance-Architektur in Italien war Filippo Brunelleschi(1377-1446) - Architekt, Bildhauer und Wissenschaftler, einer der Schöpfer der wissenschaftlichen Theorie der Perspektive. Brunelleschis größte Ingenieursleistung war der Bau der Kuppel. Kathedrale Santa Maria del Fiore in Florenz. Dank seines mathematischen und technischen Genies gelang es Brunelleschi, das schwierigste Problem seiner Zeit zu lösen. Die Hauptschwierigkeit, mit der der Meister konfrontiert war, war die riesige Spannweite des Mittelkreuzes (42 m), die besondere Anstrengungen erforderte, um das Spreizen zu erleichtern. Brunelleschi löste das Problem mit einem ausgeklügelten Design: eine leichte, hohle Kuppel aus zwei Schalen, ein Rahmensystem aus acht tragenden Rippen, die durch sie umgebende Ringe verbunden sind, eine leichte Laterne, die den Bogen schloss und belastete. Die Kuppel der Kathedrale Santa Maria del Fiore wurde zum Vorläufer zahlreicher Kuppelkirchen in Italien und anderen europäischen Ländern.

Brunelleschi war einer der ersten in der Architektur Italiens, der das alte Ordnungssystem ( Ospedale degli Innocenti (Unterkunft für Findelkinder), 1421-44), markierte den Beginn der Entstehung von Kuppelkirchen nach antiker Ordnung ( Kirche San Lorenzo ). Ein wahres Juwel der Frührenaissance wurde von Brunelleschi im Auftrag einer wohlhabenden Florentiner Familie geschaffen Pazzi-Kapelle(begonnen 1429). Der Humanismus und die Poesie von Brunelleschis Werk, die harmonischen Proportionen, die Leichtigkeit und Eleganz seiner Gebäude, die Verbindung mit den Traditionen der Gotik, die kreative Freiheit und die wissenschaftliche Gültigkeit seiner Ideen bestimmten Brunelleschis großen Einfluss auf die spätere Entwicklung der Renaissance-Architektur.

Eine der wichtigsten Errungenschaften der italienischen Architektur des 15. Jahrhunderts. war die Schaffung eines neuen Typus von Stadtpalästen, des Palazzo, der als Vorbild für öffentliche Bauten späterer Zeit diente. Merkmale des Palazzo aus dem 15. Jahrhundert sind eine klare Gliederung des geschlossenen Baukörpers in drei Geschosse, ein offener Innenhof mit sommerlichen Bodenarkaden, die Verwendung von Rost (Stein mit grob abgeschrägter oder konvexer Stirnfläche) für die Fassadenverkleidung sowie ein stark verlängertes Ziergesims . Ein markantes Beispiel dieses Stils ist der Kapitellbau von Brunelleschis Schüler Michelozzo di Bartolommeo (1396-1472), dem Hofarchitekten der Familie Medici, - Palazzo Medici - Riccardi (1444-60), die als Vorbild für den Bau vieler florentinischer Paläste diente. Die Entstehung von Michelozzo steht kurz bevor Palazzo Strozzi(gegründet 1481), die mit dem Namen des Architekten und Bildhauers Benedetto da Maiano (1442-97) verbunden ist.

Einen besonderen Platz in der Geschichte der italienischen Architektur nimmt ein Leon Battista Alberti(1404-72). Als umfassend begabter und umfassend gebildeter Mann war er einer der brillantesten Humanisten seiner Zeit. Das Spektrum seiner Interessen war ungewöhnlich vielfältig. Es umfasste Moral und Recht, Mathematik, Mechanik, Wirtschaft, Philosophie, Poesie, Musik, Malerei, Bildhauerei und Architektur. Als brillanter Stylist hinterließ Alberti zahlreiche Werke in lateinischer und italienischer Sprache. In Italien und im Ausland erwarb sich Alberti den Ruf eines herausragenden Kunsttheoretikers. Die berühmten Abhandlungen „Zehn Bücher über Architektur“ (1449-52), „Über die Malerei“, „Über die Statue“ (1435-36) stammen aus seiner Feder. Aber die Architektur war Albertis Hauptberuf. In der architektonischen Arbeit tendierte Alberti zu mutigen, experimentellen Lösungen, die das alte künstlerische Erbe innovativ nutzten. Alberti erstellt neuer Typ Stadtschloss ( Palazzo Rucellai ). In der religiösen Architektur, die nach Größe und Einfachheit strebte, verwendete Alberti Motive römischer Triumphbögen und Arkaden bei der Gestaltung von Fassaden ( Kirche Sant’Andrea in Mantua, 1472-94). Der Name Alberti gilt zu Recht als einer der ersten unter den großen Schöpfern der Kultur der italienischen Renaissance.

Skulptur

Im XV Jahrhundert. Die italienische Skulptur, die unabhängig von der Architektur eine eigenständige Bedeutung erlangt hat, blüht auf. Aufträge für die Dekoration öffentlicher Gebäude beginnen in die Praxis des künstlerischen Lebens einzudringen; Kunstwettbewerbe stattfinden. Einer dieser Wettbewerbe – für die Herstellung von Bronze für die zweite Nordtür des Florentiner Baptisteriums (1401) – gilt als ein bedeutendes Ereignis, das eine neue Seite in der Geschichte der italienischen Renaissance-Skulptur aufgeschlagen hat. Den Sieg errang Lorenzo Ghiberti (1381-1455).

Als einer der gebildetsten Menschen seiner Zeit, der erste Historiker der italienischen Kunst, ein brillanter Zeichner, widmete Ghiberti sein Leben einer Art von Skulptur - dem Relief. Als Hauptprinzip seiner Kunst betrachtete Ghiberti das Gleichgewicht und die Harmonie aller Elemente des Bildes. Der Höhepunkt von Ghibertis Arbeit war Osttüren der Taufkapelle von Florenz (1425-52), der den Namen des Meisters verewigte. Die Dekoration der Türen umfasst zehn quadratische Kompositionen aus vergoldeter Bronze (" Erschaffung von Adam und Eva“), die mit ihrer ungewöhnlichen Ausdruckskraft an malerische Gemälde erinnern. Dem Künstler gelang es, die Tiefe des Raums zu vermitteln, der mit Naturbildern, Menschenfiguren und architektonischen Strukturen gesättigt war. Mit der leichten Hand von Michelangelo begannen die östlichen Türen des Florentiner Baptisteriums aufgerufen zu werden "Tore des Paradieses".

Die Ghiberti-Werkstatt wurde zur Schule für eine ganze Generation von Künstlern, insbesondere der berühmte Donatello, der große Reformator, arbeitete dort. Italienische Skulptur. Das Werk von Donatello (ca. 1386-1466), das die demokratischen Traditionen der Kultur von Florenz im 14. Jahrhundert aufnahm, ist einer der Höhepunkte in der Entwicklung der Kunst der Frührenaissance. Sie verkörperte die für die Kunst der Renaissance charakteristische Suche nach neuen, realistischen Mitteln der Wirklichkeitsdarstellung, die tiefe Hinwendung zum Menschen und seiner geistigen Welt. Der Einfluss von Donatellos Werk auf die Entwicklung der italienischen Renaissancekunst war enorm.

Die zweite Generation florentinischer Bildhauer tendierte zu einer lyrischeren, friedlicheren, weltlichen Kunst. Die Hauptrolle darin gehörte der Bildhauerfamilie della Robbia. Das Familienoberhaupt Lucca della Robbia (1399/1400 - 1482) wurde durch die Verwendung der Glasurtechnik in Rundskulpturen und Reliefs berühmt. Die Technik der Glasur (Majolika), die den Völkern Kleinasiens seit der Antike bekannt ist, wurde im Mittelalter auf die Iberische Halbinsel und die Insel Mallorca (daher ihr Name) gebracht und dann in Italien weit verbreitet. Lucca della Robbia schuf Medaillons mit Reliefs auf tiefblauem Hintergrund für Gebäude und Altäre, Girlanden aus Blumen und Früchten, Majolika-Büsten der Madonna, Christus und Heiligen. Die fröhliche, elegante, freundliche Kunst dieses Meisters erhielt eine wohlverdiente Anerkennung seiner Zeitgenossen. Große Perfektion in der Majolika-Technik vollbrachte auch sein Neffe Andrea della Robbia (1435-1525) ( Reliefs an der Fassade des Ospedale degli Innocenti).

Malen

Die große Rolle, die Brunelleschi in der Architektur der Frührenaissance und Donatello in der Bildhauerei spielte, gehörte Masaccio (1401-1428) in der Malerei. Masaccio starb jung, bevor er 27 Jahre alt wurde, und dennoch gelang es ihm, viel in der Malerei zu tun. Der berühmte Kunsthistoriker Vipper sagte: „Masaccio ist eines der unabhängigsten und konsequentesten Genies in der Geschichte der europäischen Malerei, der Begründer eines neuen Realismus ...“ Masaccio setzt die Suche nach Giotto fort und bricht kühn mit mittelalterlichen künstlerischen Traditionen. In Fresko "Dreifaltigkeit"(1426-27), geschaffen für die Kirche Santa Maria Novella in Florenz, erstmals in einer Wandmalerei Gemälde von Masaccio wendet volle Perspektive an. In den Wandmalereien der Brancacci-Kapelle der Kirche Santa Maria del Carmine in Florenz (1425-28) – der Hauptschöpfung seines kurzen Lebens – verleiht Masaccio den Bildern eine beispiellose Lebendigkeit, betont die Körperlichkeit und Monumentalität seiner Figuren, vermittelt sie meisterhaft der emotionale Zustand der psychologischen Tiefe der Bilder. In Fresko „Vertreibung aus dem Paradies“ Der Künstler löst die schwierigste Aufgabe seiner Zeit, eine nackte menschliche Figur darzustellen. Die harte und mutige Kunst von Masaccio hatte einen großen Einfluss auf die künstlerische Kultur der Renaissance.

Die Entwicklung der Malerei der Frührenaissance war zwiespältig: Die Künstler gingen ihre eigenen, manchmal auf unterschiedliche Weise. Der weltliche Anfang, der Wunsch nach einer faszinierenden Erzählung, das lyrische Erdgefühl fanden in den Werken von Fra Filippo Lippi (1406-69), einem Mönch des Karmeliterordens, lebendigen Ausdruck. Charmanter Meister, Autor vieler Altarkompositionen, unter denen das Bild als das beste gilt « Anbetung des Kindes » erstellt für die Kapelle in Palazzo Medici - Riccardi gelang es Filippo Lippi, in ihnen menschliche Wärme und poetische Liebe zur Natur zu vermitteln.

In der Mitte des XV Jahrhunderts. Die Malerei Mittelitaliens erlebte eine rasante Blüte, ein markantes Beispiel dafür ist das Werk von Piero della Francesca(1420-92), der größte Künstler und Kunsttheoretiker der Renaissance. Die bemerkenswerteste Kreation von Piero della Francesca - Freskenzyklus in der Kirche San Francesco in Arezzo, die auf der Legende vom lebensspendenden Baum des Kreuzes basieren. Die in drei Ebenen angeordneten Fresken zeichnen die Geschichte des lebensspendenden Kreuzes von den Anfängen nach, als aus dem Samen des Paradiesbaums der Erkenntnis von Gut und Böse auf Adams Grab ein heiliger Baum wächst. ("Tod von Adam") bis zum Ende, wenn der byzantinische Kaiser Heraklius die christliche Reliquie feierlich nach Jerusalem zurückbringt (« Kampf zwischen Heraclius und Chosroes » ). Das Werk von Piero della Francesca ging über die lokalen Malschulen hinaus und bestimmte die Entwicklung der italienischen Kunst im Allgemeinen.

In der zweiten Hälfte des 15. Jahrhunderts arbeiteten viele talentierte Handwerker in Norditalien in den Städten Verona, Ferrara und Venedig. Unter den Malern dieser Zeit ist Andrea Mantegna (1431-1506) der berühmteste – ein Meister der Staffelei- und Monumentalmalerei, Zeichner und Kupferstecher, Bildhauer und Architekt. Die Bildsprache des Künstlers zeichnet sich durch das Jagen von Formen und Zeichnungen, die Strenge und Wahrhaftigkeit verallgemeinerter Bilder aus. Durch die räumliche Tiefe und den skulpturalen Charakter der Figuren erreicht Mantegna den Eindruck einer für einen Moment eingefrorenen realen Szene – so voluminös und natürlich wirken seine Figuren. Die meiste Zeit seines Lebens lebte Mantegna in Mantua, wo er sein berühmtestes Werk schuf - Wandbild "Chamber degli Sposi" im Landschloss des Marquis L. Gonzaga. Allein durch Malerei schuf er hier ein luxuriöses Renaissance-Interieur, einen Ort für feierliche Empfänge und Feiertage. Die Kunst Mantegnas, die sich großer Berühmtheit erfreute, beeinflusste die gesamte norditalienische Malerei.

Ein besonderer Platz in der Malerei kommt der Frührenaissance zu Sandro Botticelli(eigentlich Alessandro di Mariano Filipepi), der 1445 in Florenz in der Familie eines wohlhabenden Ledergerbers geboren wurde. 1459-64. der junge Mann studiert Malerei bei dem berühmten Florentiner Meister Filippo Lippi. 1470 eröffnete er seine eigene Werkstatt in Florenz, und 1472 wurde er Mitglied der Lukasgilde.

Die erste Kreation von Botticelli war die Komposition "Strength", die er für den Kaufmannshof von Florenz aufführte. Der junge Künstler gewann schnell das Vertrauen der Kunden und erlangte Berühmtheit, was die Aufmerksamkeit von Lorenzo dem Prächtigen, dem neuen Herrscher von Florenz, auf sich zog, der sein Hofmeister und Liebling wurde. Botticelli fertigte die meisten seiner Gemälde für die Häuser des Herzogs und anderer florentinischer Adelsfamilien sowie für Kirchen, Klöster und öffentliche Gebäude in Florenz an.

Zweite Hälfte der 1470er und 1480er Jahre wurde für Botticelli zu einer Zeit kreativer Blüte. Für die Hauptfassade der Kirche Santa Maria Novella schreibt er die Komposition „ Anbetung der Könige"- eine Art mythologisiertes Gruppenporträt der Medici-Familie. Wenige Jahre später erschafft der Künstler seine berühmte mythologische Allegorie „Frühling“.

1481 befahl Papst Sixtus IV. einer Gruppe von Malern, darunter Botticelli, seine Kapelle mit Fresken zu schmücken, die später den Namen „Sixtinische Kirche“ erhielten. Fresken in der Sixtinischen Kapelle von Botticelli Versuchung Christi », « Szenen aus dem Leben Moses », « Bestrafung von Korea, Datan und Aviron". In den nächsten Jahren vollendete Botticelli eine Serie von 4 Fresken basierend auf Kurzgeschichten aus Boccaccios Decameron, schuf seine berühmtesten mythologischen Werke („Die Geburt der Venus“, „ Pallas und Centaur“), sowie mehrere Altarkompositionen für Florentiner Kirchen („ Krönung der Jungfrau Maria », « Altar von San Barnaba"). Oft wandte er sich dem Bild der Madonna zu (" Madonna del Magnificat », « Madonna mit Granatapfel », « Madonna mit einem Buch“), arbeitete auch im Porträtgenre („ Porträt von Giuliano Medici“, „Porträt einer jungen Frau“, „Porträt eines jungen Mannes“).

In den 1490er Jahren, während der Zeit der sozialen Bewegungen, die Florenz und die mystischen Predigten des Mönchs Savonarola erschütterten, tauchen in der Kunst von Botticelli („Verleumdung“, „ Klage für Christus », « mystische weihnachten"). Unter dem Einfluss von Savonarola zerstörte der Künstler in einem Anfall religiöser Begeisterung sogar einige seiner Werke. Mitte der 1490er Jahre, mit dem Tod von Lorenzo dem Prächtigen und der Vertreibung seines Sohnes Pietro aus Florenz, verlor Botticelli seinen Ruhm als großer Künstler. Vergessen lebt er still und leise sein Leben im Haus von Bruder Simon. 1510 starb der Künstler.

Die exquisite Kunst Botticellis mit Elementen der Stilisierung (d.h. Verallgemeinerung von Bildern mit konventionellen Techniken – Vereinfachung von Farbe, Form und Volumen) gilt als einer der Höhepunkte der Entwicklung der Malerei. Anders als die meisten Meister der frühen Renaissance basierte Botticellis Kunst auf persönlichen Erfahrungen. Außergewöhnlich sensibel und aufrichtig ging Botticelli einen schwierigen und tragischen Weg der kreativen Suche durch – von der poetischen Wahrnehmung der Welt in seiner Jugend bis zur Mystik und religiösen Erhebung im Erwachsenenalter.

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Hochrenaissance

Die Hochrenaissance, die der Menschheit so große Meister gab wie Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione, Tizian, Bramante, umfasst einen relativ kurzen Zeitraum - das Ende des 15. und das erste Drittel des 16. Jahrhunderts. Nur in Venedig hielt die Blüte der Kunst bis Mitte des Jahrhunderts an.

Grundlegende Verschiebungen im Zusammenhang mit den entscheidenden Ereignissen der Weltgeschichte, den Erfolgen fortschrittlichen wissenschaftlichen Denkens, endlos erweiterten Vorstellungen der Menschen von der Welt - nicht nur von der Erde, sondern auch vom Weltraum. Wahrnehmung der Welt u menschliche Persönlichkeit wie vergrößert; v künstlerische Kreativität Dies spiegelte sich nicht nur in der majestätischen Größe der architektonischen Strukturen, Denkmäler, feierlichen Freskenzyklen und Gemälde wider, sondern auch in ihrem Inhalt und ihrer Ausdruckskraft von Bildern. Die Kunst der Hochrenaissance ist ein lebendiger und komplexer künstlerischer Prozess mit schillernden Aufschwüngen und nachfolgenden Krisen.

Donato Bramante.

Rom wurde zum Zentrum der Architektur der Hochrenaissance, wo auf der Grundlage früherer Entdeckungen und Erfolge ein einziger klassischer Stil. Die Meister nutzten das alte Ordnungssystem kreativ und schufen Strukturen, deren majestätische Monumentalität im Einklang mit der Ära stand. Donato Bramante (1444-1514) wurde zum größten Vertreter der Architektur der Hochrenaissance. Monumentalität und Erhabenheit, harmonische Perfektion der Proportionen, Integrität und Klarheit kompositorischer und räumlicher Lösungen sowie freier, kreativer Umgang mit klassischen Formen zeichnen Bramantes Bauten aus. Die höchste kreative Leistung von Bramante ist die Rekonstruktion des Vatikans (der Architekt hat tatsächlich ein neues Gebäude geschaffen, das organisch verstreute alte Gebäude darin enthält). Bramante verfasste auch das Design des Petersdoms in Rom. Mit seinem Werk bestimmte Bramante die Entwicklung der Architektur im 16. Jahrhundert.

Leonardo da Vinci.

In der Geschichte der Menschheit ist es nicht einfach, einen anderen gleich zu finden brillante Persönlichkeit, als Begründer der Kunst der Hochrenaissance Leonardo da Vinci(1452-1519). Der umfassende Charakter der Aktivitäten dieses großen Künstlers, Bildhauers, Architekten, Wissenschaftlers und Ingenieurs wurde erst deutlich, als die verstreuten Manuskripte aus seinem Nachlass untersucht wurden, die über siebentausend Blätter mit wissenschaftlichen und architektonischen Projekten, Erfindungen und Skizzen umfassten. Es ist schwierig, den Wissensbereich zu benennen, den sein Genie nicht berührt hätte. Der Universalismus Leonardos ist so unverständlich, dass der berühmte Biograph der Renaissance-Figuren, Giorgio Vasari, dieses Phänomen nicht anders als durch das Eingreifen des Himmels erklären konnte: „Was auch immer sich dieser Mann zuwendet, jede seiner Handlungen trägt den Stempel der Göttlichkeit.“

In seiner berühmten „Abhandlung über die Malerei“ (1498) und anderen Notizen widmete Leonardo dem Studium des menschlichen Körpers, Informationen über Anatomie, Proportionen, die Beziehung zwischen Bewegungen, Gesichtsausdrücken und dem emotionalen Zustand einer Person große Aufmerksamkeit. Leonardo beschäftigte sich auch mit den Problemen des Helldunkels, der volumetrischen Modellierung, der linearen und der Luftperspektive. Leonardo würdigte nicht nur die Kunsttheorie. Er schuf eine Reihe prächtiger Altarbilder und Porträts. Leonardos Pinsel gehört zu einem der berühmtesten Werke der Weltmalerei - "Mona Lisa" ("La Gioconda"). Leonardo schuf monumentale skulpturale Bilder, entwarf und baute architektonische Strukturen. Leonardo ist bis heute eine der charismatischsten Persönlichkeiten der Renaissance. Eine große Anzahl von Büchern ist ihm gewidmet, aufs ausführlichste studierte sein Leben. Und dennoch bleibt vieles in seinem Werk ein Mysterium und erregt weiterhin die Köpfe der Menschen.

Raffael Santi.

Auch die Kunst von Raphael Santi (1483-1520) gehört zu den Höhepunkten der italienischen Renaissance. Die Idee von erhabener Schönheit und Harmonie ist mit dem Werk Raffaels in der Geschichte der Weltkunst verbunden. Es ist allgemein anerkannt, dass in der Konstellation der brillanten Meister der Hochrenaissance Raffael der Hauptträger der Harmonie war. Das unermüdliche Streben nach einem hellen, perfekten Anfang durchzieht das gesamte Werk Raffaels, macht seinen inneren Sinn aus. Seine Arbeiten sind in ihrer natürlichen Eleganz außerordentlich reizvoll (" Sixtinische Madonna"). Vielleicht erlangte der Meister deshalb eine so außerordentliche Popularität beim Publikum und hatte zu allen Zeiten viele Anhänger unter den Künstlern. Raphael war nicht nur ein großartiger Maler, Porträtmaler, sondern auch ein Wandmaler, der in der Freskentechnik arbeitete, ein Architekt und ein Dekorateur. All diese Talente manifestierten sich besonders eindrucksvoll in seinen Gemälden der Gemächer von Papst Julius II. im Vatikan ("Schule von Athen"). In der Kunst eines brillanten Künstlers wurde ein neues Bild eines Renaissance-Menschen geboren – schön, harmonisch, körperlich und geistig perfekt.

Michelangelo Bonarotti.

Zeitgenössisch Leonardo da Vinci und Rafael war ihr ewiger Rivale - Michelangelo Buonarroti, der größte Meister der Hochrenaissance - Bildhauer, Maler, Architekt und Dichter. Dieser Titan der Renaissance begann seine Karriere mit der Bildhauerei. Seine kolossalen Statuen sind zum Symbol eines neuen Menschen geworden – eines Helden und Kämpfers („David“). Der Meister errichtete viele architektonische und skulpturale Strukturen, von denen die berühmteste die Medici-Kapelle in Florenz ist. Die Pracht dieser Werke beruht auf der kolossalen Spannung der Gefühle der Charaktere ( Sarkophag von Giuliano de' Medici). Besonders berühmt sind aber die Gemälde von Michelangelo im Vatikan, in der Sixtinischen Kapelle, in denen er sich als brillanter Maler bewies. Vielleicht hat niemand in der Welt der Kunst, weder vor noch nach Michelangelo, Charaktere geschaffen, die an Körper und Geist so stark sind („ Erschaffung Adams"). Das riesige, unglaublich komplexe Fresko an der Decke wurde vom Künstler allein, ohne Assistenten, geschaffen; Bis heute ist es ein unübertroffenes Monumentalwerk der italienischen Malerei. Doch neben den Wandmalereien an der Decke der Sixtinischen Kapelle schuf der Meister bereits im hohen Alter das ungemein inspirierende „Jüngste Gericht“ – ein Symbol für den Zusammenbruch der Ideale seiner großen Zeit.

Michelangelo arbeitete viel und erfolgreich in der Architektur, insbesondere überwachte er den Bau des Petersdoms und des Ensembles Kapitolsplatz in Rom. Das Werk des großen Michelangelo stellte eine ganze Ära dar und war seiner Zeit weit voraus, es spielte eine kolossale Rolle in der Weltkunst, insbesondere beeinflusste es die Bildung der Prinzipien des Barock.

Giorgione und Tizian.

In der Kunstgeschichte der Hochrenaissance hat Venedig eine helle Seite betreten, wo die Malerei auf ihrem Höhepunkt ist. Giorgione gilt als der erste Meister der Hochrenaissance in Venedig. Seine Kunst ist etwas ganz Besonderes. Der Geist klarer Harmonie und einer besonderen intimen Kontemplation und Träumerei herrscht darin. Er schrieb oft entzückende Schönheiten, echte Göttinnen. Normalerweise ist dies eine poetische Fiktion - die Verkörperung eines Wunschtraums, Bewunderung für ein romantisches Gefühl und eine schöne Frau. In seinen Gemälden gibt es einen Hauch von sinnlicher Leidenschaft, süßem Vergnügen, überirdischem Glück. Mit der Kunst von Giorgione erlangte die venezianische Malerei eine gesamtitalienische Bedeutung und betonte ihre künstlerischen Merkmale.

Tizian ein ging als Titan und Oberhaupt der venezianischen Schule, als Symbol ihrer Blütezeit, in die Geschichte der italienischen Kunst ein. Im Werk dieses Künstlers manifestierte sich der Atem einer neuen Zeit mit besonderer Kraft - stürmisch, tragisch, sinnlich. Tizians Werk zeichnet sich durch eine außergewöhnlich breite und vielseitige Abdeckung von Typen und Gattungen der Malerei aus. Tizian war einer der Begründer der monumentalen Altarmalerei, der Landschaft als eigenständiges Genre, verschiedener Arten von Porträts, darunter auch feierlich-zeremonieller. In seinem Werk koexistieren Idealbilder mit lebhaften Charakteren, tragische Konflikte mit Szenen jubelnder Freude, religiöse Kompositionen mit mythologischen und historischen Gemälden.

Tizian entwickelte eine neue Maltechnik, die einen außerordentlichen Einfluss auf die weitere Entwicklung der bildenden Kunst der Welt bis ins 20. Jahrhundert hatte. Tizian gehört zu den größten Koloristen der Weltmalerei. Seine Gemälde glänzen mit Gold und einem komplexen Spektrum vibrierender, leuchtender Farbtöne. Tizian, der fast ein Jahrhundert lebte, überlebte den Zusammenbruch der Renaissanceideale, das Werk des Meisters gehört zur Hälfte der Spätrenaissance an. Sein Held, der in den Kampf gegen feindliche Mächte eintritt, stirbt, behält aber seine Größe. Der Einfluss von Tizians großer Werkstatt beeinflusste die gesamte venezianische Kunst.

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Spätrenaissance

In der zweiten Hälfte des XVI Jahrhunderts. In Italien nahm der Niedergang von Wirtschaft und Handel zu, der Katholizismus trat in einen Kampf mit der humanistischen Kultur, die Kunst befand sich in einer tiefen Krise. Es verstärkte die im Manierismus verkörperten Anti-Renaissance-Tendenzen. Manierismus beeinflusste Venedig jedoch fast nicht, was in der zweiten Hälfte der Fall war XVI Jahrhundert wurde zum Schwerpunkt der Kunst der Spätrenaissance. In Anlehnung an die hochhumanistische Renaissance-Tradition entwickelte sich unter den neuen historischen Bedingungen in Venedig das um neue Formen bereicherte Werk der großen Meister der Spätrenaissance - Palladio, Veronese, Tintoretto.

Andrea Palladio

Das Werk des norditalienischen Architekten Andrea Palladio (1508-80), das auf einem tiefen Studium der Architektur der Antike und der Renaissance basiert, ist einer der Höhepunkte der Kunst der Spätrenaissance. Palladio entwickelte die Prinzipien der Architektur, die in der Architektur des europäischen Klassizismus des 17.-18. Jahrhunderts entwickelt wurden. und erhielt den Namen Palladianismus. Der Architekt skizzierte seine Ideen in der theoretischen Arbeit Four Books on Architecture (1570). Die Bauten von Palladio (hauptsächlich Stadtpaläste und Villen) sind voll anmutiger Schönheit und Natürlichkeit, harmonischer Vollständigkeit und strenger Ordnung, sie zeichnen sich durch Klarheit und Zweckmäßigkeit der Planung und eine organische Verbindung mit der Umgebung aus ( Palazzo Chiericati). Die Fähigkeit, die Architektur mit der umgebenden Landschaft in Einklang zu bringen, manifestierte sich besonders stark in den Palladio-Villen, die von einem elegischen und erleuchteten Naturgefühl durchdrungen und von klassischer Klarheit und Einfachheit in Form und Komposition geprägt waren ( Villa Capra (Rotonda)). Palladio schuf das erste monumentale Theatergebäude Italiens, das Teatro Olimpico. Der Einfluss von Palladio auf die Entwicklung der Architektur in den folgenden Jahrhunderten war enorm.

Veronese und Tintoretto..

Der festliche, lebensbejahende Charakter der venezianischen Renaissance manifestierte sich am deutlichsten im Werk von Paolo Veronese. Als Monumentalkünstler schuf er prächtige Schmuckensembles aus Wand- und Deckengemälden mit vielen Charakteren und unterhaltsamen Details. Veronese schuf seinen eigenen Stil: Seine spektakulären, spektakulären Gemälde sind voller Emotionen, Leidenschaft und Leben, und die Helden, der venezianische Adel, befinden sich normalerweise in Patrizierpalästen oder vor der Kulisse üppiger Natur. Sie werden von grandiosen Festen oder bezaubernden Festlichkeiten („Hochzeit zu Kana“) mitgerissen. Veronese war der Meister des fröhlichen Venedigs, seiner Triumphe, der Dichter seines goldenen Glanzes. Veronese hatte eine außergewöhnliche Begabung als Kolorist. Seine Farben sind lichtdurchflutet, intensiv und verleihen Objekten nicht nur Farbe, sondern sie werden selbst zum Objekt, werden zu Wolken, Stoffen, einem menschlichen Körper. Aus diesem Grund wird die wahre Schönheit von Figuren und Objekten durch die Schönheit von Farbe und Textur multipliziert, was eine starke emotionale Wirkung auf den Betrachter ausübt.

Das komplette Gegenteil von Veronese war sein Zeitgenosse Tintoretto (1518-94) – der letzte große Meister der italienischen Renaissance. Die Fülle äußerer künstlerischer Einflüsse löste sich in der einzigartigen gestalterischen Individualität Tintorettos auf. In seiner Arbeit war er eine gigantische Figur, der Schöpfer von vulkanischem Temperament, heftigen Leidenschaften und heroischer Intensität. Seine Arbeit war sowohl bei Zeitgenossen als auch bei nachfolgenden Generationen ein großer Erfolg. Tintoretto zeichnete sich durch eine wirklich unmenschliche Arbeitsfähigkeit und unermüdliche Suche aus. Er empfand die Tragödie seiner Zeit schärfer und tiefer als die meisten seiner Zeitgenossen. Der Meister rebellierte gegen die etablierten Traditionen in der bildenden Kunst - die Einhaltung von Symmetrie, strengem Gleichgewicht, Statik; erweiterte die Grenzen des Raums, sättigte ihn mit Dynamik, dramatischer Handlung, begann, menschliche Gefühle lebhafter auszudrücken. 1590 . Die Kunst des Manierismus weicht von den Renaissance-Idealen der harmonischen Wahrnehmung der Welt ab. Der Mensch ist übernatürlichen Mächten ausgeliefert. Die Welt erscheint instabil, wackelig, im Verfall. Manieristische Bilder sind voller Angst, Unruhe, Anspannung. Der Künstler entfernt sich von der Natur, strebt danach, sie zu übertreffen, und folgt in seiner Arbeit dem Subjektiven " innere Idee“, dessen Grundlage nicht die reale Welt ist, sondern kreative Vorstellungskraft; das leistungsmittel ist die "schöne art" als summe bestimmter techniken. Dazu gehören die willkürliche Dehnung der Figuren, der komplexe Schlangenrhythmus, die Unwirklichkeit von fantastischem Raum und Licht und manchmal kalten, durchdringenden Farben.

Jacopo Pontormo (1494-1556) war der größte und begabteste Meister des Manierismus, ein Maler mit einem komplexen kreativen Schicksal. In seinem berühmten Gemälde Abstieg vom Kreuz» die komposition ist instabil, die figuren prätentiös gebrochen, die lichtfarben scharf. Francesco Mazzola, Spitzname Parmigianino (1503-40), liebte es, den Betrachter zu beeindrucken: So schrieb er beispielsweise sein „ Selbstporträt in einem konvexen Spiegel". Bewusste Überlegung zeichnet sein berühmtes Gemälde „ Madonna mit langem Hals ».

Der Medici-Hofmaler Agnolo Bronzino (1503-72) ist bekannt für seine zeremoniellen Porträts. Sie spiegelten die Ära der blutigen Gräueltaten und des moralischen Niedergangs wider, die die höchsten Kreise der italienischen Gesellschaft erfassten. Die edlen Kunden von Bronzino sind gleichsam durch eine unsichtbare Distanz vom Betrachter getrennt; die Steifheit ihrer Posen, die Unbewegtheit ihrer Gesichter, der Reichtum ihrer Kleidung, die Gesten ihrer schönen vorderen Hände – all dies ist wie eine äußere Hülle, die ein inneres fehlerhaftes Leben verbirgt. Auf dem Porträt von Eleonore von Toledo mit ihrem Sohn (um 1545) wird die Unnahbarkeit des kalten, unnahbaren Bildes dadurch verstärkt, dass die Aufmerksamkeit des Betrachters vollständig von dem flachen, großen Muster der prächtigen Brokatkleidung der Herzogin absorbiert wird. Der von den Manieristen geschaffene Typ des Hofporträts beeinflusste die Porträtkunst des 16.-17. Jahrhunderts. in vielen anderen europäischen Ländern.

Die Kunst des Manierismus war im Übergang: Die Renaissance verschwand in der Vergangenheit, die Zeit war gekommen für einen neuen gesamteuropäischen Kunststil - den Barock.

Kunst der nördlichen Renaissance.

Die Länder Nordeuropas hatten keine alte Vergangenheit, aber die Renaissancezeit sticht in ihrer Geschichte hervor: von der WendeXV – XVIfür die zweite HälfteXVIIJahrhundert. Diese Zeit zeichnet sich durch das Eindringen von Renaissance-Idealen in verschiedene Kulturbereiche und die allmähliche Veränderung ihres Stils aus. Wie in der Geburtsstätte der Renaissance, in der Kunst der nördlichen Renaissance, Interesse an echte Welt die Form der Kunst verändert. Die Kunst der nördlichen Länder war jedoch nicht vom Pathos der italienischen Malerei geprägt, die die Macht des Menschentitans verherrlichte. Die Bürger (die sogenannten wohlhabenden Städter) legten mehr Wert auf Integrität, Pflicht- und Worttreue, die Heiligkeit des Ehegelübdes und des Herdes. In bürgerlichen Kreisen entwickelte sich ein eigenes Menschenbild – klar, nüchtern, fromm und sachlich. Die Kunst der Bürger poetisiert den gewöhnlichen Durchschnittsmenschen und seine Welt - die Welt des Alltags und der einfachen Dinge.

Renaissance-Meister in den Niederlanden.

Neue Merkmale der Renaissancekunst tauchten vor allem in den Niederlanden auf, die eines der reichsten und am stärksten industrialisierten Länder Europas waren. Aufgrund ihrer umfangreichen internationalen Verbindungen nahmen die Niederlande neue Entdeckungen viel schneller an als andere nordische Länder.

Renaissance-Stil in den Niederlanden eröffnet Jan van Eyck(1390-1441). Sein bekanntestes Werk ist Genter Altarbild, an dem der Künstler mit seinem Bruder zu arbeiten begann und nach seinem Tod weitere 6 Jahre alleine weiterarbeitete. Der für die Stadtkathedrale geschaffene Genter Altar ist eine zweistöckige Falte, auf deren 12 Brettern Bilder des Alltags, des Alltags (auf den äußeren Brettern, die beim Schließen der Falte sichtbar waren) und festlich, jubelnd, verklärt sind Leben (an den Innentüren, die während der kirchlichen Feiertage geöffnet erschienen). Dies ist ein Kunstdenkmal, das die Schönheit des irdischen Lebens verherrlicht. Van Eycks emotionales Gefühl – „die Welt ist wie ein Paradies“, von dem jedes Teilchen schön ist – kommt klar und deutlich zum Ausdruck. Der Künstler stützte sich auf viele Beobachtungen aus der Natur. Alle Figuren und Objekte haben dreidimensionales Volumen und Gewicht. Die Brüder Van Eyck gehörten zu den ersten, die die Möglichkeiten der Ölmalerei entdeckten; ab dieser Zeit beginnt die allmähliche Verdrängung der Tempera durch sie.

In der zweiten Hälfte von XvJahrhunderts voller politischer und religiöser Auseinandersetzungen sticht in der Kunst der Niederlande eine komplexe, eigentümliche Kunst hervor Hieronymus Bosch(1450?-1516). Dies ist ein sehr neugieriger Künstler mit einer außergewöhnlichen Vorstellungskraft. Er lebte in seinem eigenen beängstigende Welt. In Boschs Gemälden verdichten sich mittelalterliche Folkloredarstellungen, groteske Montagen von Lebendigem und Mechanischem, Schrecklichem und Komischem. In seinen Kompositionen, die kein Zentrum hatten, gibt es keine Hauptfigur. Der Raum in mehreren Schichten ist mit zahlreichen Gruppen von Figuren und Objekten gefüllt: monströs überhöhte Reptilien, Kröten, Spinnen, schreckliche Kreaturen, in denen Teile verschiedener Kreaturen und Objekte kombiniert sind. Die Kompositionen von Bosch dienen der moralischen Erbauung. Harmonie und Perfektion findet Bosch nicht in der Natur, seine dämonischen Bilder erinnern an die Vitalität und Allgegenwart des Weltübels, an den Kreislauf von Leben und Tod.

Der Mann in Boschs Gemälden ist erbärmlich und schwach. Also im Triptychon Beförderung von Heu» der künstler enthüllt die geschichte der menschheit. Der linke Flügel erzählt die Geschichte vom Fall Adams und Evas, der rechte zeigt die Hölle und all die Schrecken, die hier auf die Sünder warten. Der zentrale Teil des Bildes illustriert das Volkssprichwort "Die Welt ist ein Heuhaufen, jeder nimmt davon, was er ergattern kann." Bosch zeigt, wie Menschen um ein Stück Heu kämpfen, unter den Rädern eines Wagens sterben, versuchen, darauf zu klettern. Oben auf dem Wagen, der Welt entsagend, singen und küssen sich Liebende. Auf der einen Seite ist ein Engel und auf der anderen der Teufel: Wer wird gewinnen? Gruselige Kreaturen ziehen den Karren in die Unterwelt. Hinter all den Handlungen der Menschen schaut Gott verwirrt. Eine noch düsterere Stimmung wird durchdrungen von dem Bild " Das Kreuz tragen“: Christus trägt sein schweres Kreuz, umgeben von ekelhaften Menschen mit hervorquellenden Augen und aufgerissenen Mündern. Für sie opfert sich der Herr, aber sein Tod am Kreuz wird sie gleichgültig lassen.

Bosch war bereits gestorben, als ein anderer berühmter niederländischer Künstler geboren wurde - Pieter Brueghel der Ältere(1525-1569), Spitzname Muzhitsky für viele Gemälde, die das Leben der Bauern darstellen. Brueghel nahm Volkssprichwörter und Alltagssorgen gewöhnlicher Menschen als Grundlage für viele Handlungen. Die Vollständigkeit der Bilder der Gemälde " Bauernhochzeit" Und " Bauerntanz„trägt die Kraft der Elemente des Volkes. Sogar die Bilder biblische Geschichten Brueghels Werke werden von Holländern bewohnt, und die Ereignisse im fernen Judäa spielen sich vor der Kulisse schneebedeckter Straßen unter dem trüben Himmel seines Heimatlandes ab („ Predigt von Johannes dem Täufer"). Scheinbar unwichtig, nebensächlich, spricht der Künstler über die Hauptsache im Leben der Menschen, lässt den Zeitgeist wieder aufleben.

Eine kleine Leinwand Jäger im Schnee“ (Januar) aus der Serie „Die Jahreszeiten“ gilt als eines der unübertroffenen Meisterwerke der Weltmalerei. Müde Jäger mit Hunden kehren nach Hause zurück. Zusammen mit ihnen betritt der Betrachter den Hügel, von dem aus sich das Panorama einer kleinen Stadt öffnet. Schneebedeckte Ufer des Flusses, dornige Bäume, die in der klaren, frostigen Luft gefroren sind, Vögel fliegen, sitzen auf Ästen und Hausdächern, Menschen sind mit ihren täglichen Aktivitäten beschäftigt. All diese scheinbaren Kleinigkeiten bilden zusammen mit dem Blau des Himmels, den schwarzen Bäumen und dem weißen Schnee im Bild ein Panorama der Welt, das der Künstler leidenschaftlich liebt.

Brueghels tragischstes Gemälde Gleichnis vom Blinden„Geschrieben vom Künstler kurz vor seinem Tod. Es illustriert die Evangeliumsgeschichte „Wenn Blinde Blinde führen, dann werden sie beide in die Grube fallen“. Vielleicht ist dies ein Bild der Menschheit, die von ihren Wünschen geblendet ist und sich ihrem Tod nähert. Brueghel urteilt jedoch nicht, sondern indem er die Gesetze der Beziehung der Menschen zueinander und zur Umwelt versteht und in das Wesen der menschlichen Natur eindringt, offenbart er den Menschen selbst ihren Platz in der Welt.

Malerei in Deutschland während der Renaissance.

Merkmale der Renaissance in der Kunst Deutschlands erscheinen später als in den Niederlanden. Die Blütezeit des deutschen Humanismus, der weltlichen Wissenschaften und der Kultur fällt auf die ersten JahreXVIv. Es war eine kurze Zeit, in der die deutsche Kultur der Welt den höchsten künstlerischen Wert verlieh. Zunächst einmal sollten sie Werke umfassen Albrecht Dürer(1471-1528) - der bedeutendste Künstler der deutschen Renaissance.

Dürer ist ein typischer Vertreter der Renaissance, er war Maler, Kupferstecher, Mathematiker und Ingenieur, er schrieb Abhandlungen über Festungsbau und Kunsttheorie. An Selbstportraits er wirkt intelligent, edel, konzentriert, voller tiefer philosophischer Reflexionen. In den Gemälden begnügt sich Dürer nicht mit formaler Schönheit, sondern sucht abstrakten Gedanken symbolischen Ausdruck zu verleihen.

Ein besonderer Platz in Dürers Schaffenswerk gehört der Serie Apokalypse, die 15 große Holzschnitte umfasst. Dürer illustriert die Vorhersagen aus der „Offenbarung Johannes des Theologen“, zum Beispiel das Blatt „ vier Reiter"symbolisiert schreckliche Katastrophen - Krieg, Pest, Hungersnot, ungerechtes Gericht. Die in Stichen zum Ausdruck gebrachte Vorahnung von Veränderungen, harten Prüfungen und Katastrophen erwies sich als prophetisch (die Reformation und die darauf folgenden Bauern- und Glaubenskriege begannen bald).

Ein weiterer großer Künstler dieser Zeit war Lucas Cranach der Ältere(1472-1553). Die Eremitage beherbergt seine Gemälde Madonna mit Kind unter dem Apfelbaum" Und " Weibliches Porträt". Darin sehen wir ein Frauengesicht, das in vielen Gemälden des Meisters eingefangen ist (es wird sogar „Cranach“ genannt): ein kleines Kinn, ein schmaler Augenschlitz, goldenes Haar. Der Künstler zeichnet Schmuck und Kleidung sorgfältig aus, seine Gemälde sind eine Augenweide. Die Reinheit und Naivität der Bilder lässt einen erneut in diese Gemälde hineinblicken. Cranach war ein wunderbarer Porträtmaler, er schuf Bilder vieler berühmter Zeitgenossen - Martin Luther (der sein Freund war), Herzog Heinrich von Sachsen und viele andere.

Aber der berühmteste Porträtmaler der nördlichen Renaissance ist zweifellos als ein weiterer deutscher Maler zu erkennen. Hans Holbein der Jüngere(1497-1543). Er war lange Zeit Hofmaler des englischen Königs HeinrichVIII. In seinem Porträt vermittelt Holbein perfekt die herrische Natur des Königs, der Zweifel nicht kennt. Kleine intelligente Augen auf einem fleischigen Gesicht verraten einen Tyrannen in ihm. Portrait Heinrichs VIII war so zuverlässig, dass er Menschen, die den König kannten, Angst einjagte. Holbein porträtierte viele berühmte Persönlichkeiten dieser Zeit, insbesondere den Staatsmann und Schriftsteller Thomas Morus, den Philosophen Erasmus von Rotterdam und viele andere.

Die Entwicklung der Renaissancekultur in Deutschland, den Niederlanden und einigen anderen europäischen Ländern wurde durch die Reformation und die darauf folgenden Religionskriege unterbrochen. Danach kam die Zeit für die Bildung neuer Prinzipien in der Kunst, die in die nächste Stufe ihrer Entwicklung eintrat.

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Bundesbehörde Schienenverkehr

Sibirische Staatliche Verkehrsuniversität

Abteilung "Philosophie"

KÜNSTLERISCHE BILDER DER RENAISSANCE

Aufsatz

In der Disziplin "Kulturologie"

Kopf entworfen

Professor Studentin Gr. D-111

Bystrova A. N. ___________ Kamyshova E.V.

(Unterschrift) (Unterschrift)

08.12.2012

(Datum der Prüfung) (Datum der Einreichung zur Prüfung)

Jahr 2012

Einführung

Die Renaissance gilt als eine der hellsten Perioden in der Geschichte der Entwicklung der europäischen Kultur. Wir können sagen, dass die Wiederbelebung eine ganze kulturelle Epoche im Übergangsprozess vom Mittelalter zur neuen Zeit ist, in der ein kultureller Umbruch (ein Wendepunkt, eine Verschiebung) stattfand. Mit der Ausrottung der Mythologie sind grundlegende Veränderungen verbunden.

Trotz der Herkunft des Begriffs Renaissance (fr. Renaissance, „Renaissance“) gab es keine Wiederbelebung der Antike und konnte es auch nicht geben. Der Mensch kann nicht in seine Vergangenheit zurückkehren. Die Renaissance führte Innovationen ein, indem sie die Lehren der Antike nutzte. Er erweckte nicht alle antiken Gattungen wieder zum Leben, sondern nur diejenigen, die für die Bestrebungen seiner Zeit und Kultur charakteristisch waren. Die Renaissance verband eine neue Lektüre der Antike mit einer neuen Lektüre des Christentums.

Die Relevanz des gewählten Themas ergibt sich aus der Verbindung zwischen der Neuzeit und der Renaissance - dies ist vor allem eine Revolution im Wertesystem, in der Bewertung von allem, was existiert, und in Bezug darauf.

Der Hauptzweck der Arbeit besteht darin, die grundlegenden Veränderungen aufzuzeigen, die in der Weltanschauung der größten Persönlichkeiten der betrachteten Epoche stattgefunden haben.

1. Kultur der Renaissance

XIII-XVI Die Jahrhunderte waren eine Zeit großer Veränderungen in Wirtschaft, Politik und Kultur. Das schnelle Wachstum der Städte und die Entwicklung des Handwerks und später der Übergang zur Manufakturproduktion veränderten das Gesicht des mittelalterlichen Europas.

Städte traten in den Vordergrund. Nicht lange zuvor befanden sich die mächtigsten Mächte der mittelalterlichen Welt – das Reich und das Papsttum – in einer tiefen Krise. IN XVI Jahrhunderts wurde das untergehende Heilige Römische Reich Deutscher Nation zum Schauplatz der ersten beiden antifeudalen Revolutionen – des Großen Bauernkriegs in Deutschland und des Niederländischen Aufstands.

Der Übergangscharakter der Epoche, der in allen Lebensbereichen stattfindende Befreiungsprozess von den mittelalterlichen Pfaden, gleichzeitig die sich noch in der Unterentwicklung befindlichen sich etablierenden kapitalistischen Verhältnisse, konnten die Züge nicht übersehen künstlerische Kultur und ästhetisches Denken der Zeit.

Laut A. V. Stepanov gingen alle Veränderungen im gesellschaftlichen Leben mit einer breiten Erneuerung der Kultur einher - dem Aufblühen der Natur- und exakten Wissenschaften, der Literatur Landessprachen, bildende Kunst. Ausgehend von den Städten Italiens eroberte diese Erneuerung dann andere europäische Länder. Der Autor glaubt, dass sich nach dem Aufkommen des Buchdrucks beispiellose Möglichkeiten für die Verbreitung von literarischen und wissenschaftliche Arbeiten, und eine regelmäßigere und engere Kommunikation zwischen den Ländern trugen zur Durchdringung neuer künstlerischer Strömungen bei.

Dies bedeutete nicht, dass das Mittelalter vor neuen Trends zurückwich: Traditionelle Ideen wurden im Massenbewusstsein bewahrt. Die Kirche widersetzte sich neuen Ideen mit einem mittelalterlichen Mittel - der Inquisition. Die Idee der Freiheit der menschlichen Person bestand in einer in Klassen geteilten Gesellschaft fort. Die feudale Form der Abhängigkeit der Bauern verschwand nicht vollständig, und in einigen Ländern (Deutschland, in Zentraleuropa) kam es zur Rückkehr in die Leibeigenschaft. Das feudale System zeigte ziemlich viel Vitalität. Jedes europäische Land hat es auf seine Weise und in seinem eigenen chronologischen Rahmen gelebt. Der Kapitalismus existierte lange Zeit als Lebensweise, die nur einen Teil der Produktion sowohl in der Stadt als auch auf dem Land abdeckte. Die patriarchale mittelalterliche Langsamkeit begann jedoch in die Vergangenheit zurückzuweichen.

Die großen geografischen Entdeckungen spielten bei diesem Durchbruch eine große Rolle. Zum Beispiel 1492. H. Columbus überquerte auf der Suche nach einem Weg nach Indien den Atlantik und landete in der Nähe der Bahamas, um einen neuen Kontinent zu entdecken - Amerika. 1498 Nachdem der spanische Reisende Vasco da Gama Afrika umrundet hatte, brachte er seine Schiffe erfolgreich an die Küste Indiens. MIT XVI v. Die Europäer dringen in China und Japan vor, von denen sie bisher nur eine vage Vorstellung hatten. Ab 1510 beginnt die Eroberung Amerikas. IN XVII v. Australien wurde entdeckt. Die Vorstellung von der Form der Erde hat sich geändert: Die Weltreise von F. Magellan bestätigte die Vermutung, dass sie die Form einer Kugel hat.

An die Stelle der Verachtung alles Irdischen tritt nun ein reges Interesse an der realen Welt, am Menschen, am Bewusstsein für die Schönheit und Erhabenheit der Natur, was durch die Analyse der Kulturdenkmäler der Renaissance belegt werden konnte. Der im Mittelalter unbestrittene Primat der Theologie über die Wissenschaft wird erschüttert durch den Glauben an die unbegrenzten Möglichkeiten des menschlichen Geistes, der zum höchsten Maßstab der Wahrheit wird. Vertreter der neuen säkularen Intelligenz betonten das Interesse am Menschlichen im Gegensatz zum Göttlichen und nannten sich Humanisten, wobei sie dieses Wort aus dem Begriff „ studia humanitanis “, also das Studium von allem, was mit der menschlichen Natur und seiner geistigen Welt zusammenhängt.

Für die Werke und die Kunst der Renaissance wurde die Vorstellung eines freien Wesens mit unbegrenzten Gestaltungsmöglichkeiten charakteristisch. Es ist mit dem Anthropozentrismus in der Ästhetik der Renaissance und dem Verständnis des Schönen, Erhabenen, Heroischen verbunden. Das Prinzip einer schönen künstlerischen und kreativen menschlichen Persönlichkeit wurde von den Theoretikern der Renaissance mit dem Versuch kombiniert, alle Arten von Proportionen, Symmetrien und Perspektiven mathematisch zu berechnen.

Das ästhetische und künstlerische Denken dieser Zeit basiert erstmals auf der menschlichen Wahrnehmung als solcher und auf einem sinnlich realen Bild der Welt. Auch hier fällt die subjektivistisch-individualistische Lebenslust auf, unabhängig von ihrer religiösen und moralischen Interpretation, obwohl letztere grundsätzlich nicht geleugnet wird. Die Ästhetik der Renaissance konzentriert die Kunst auf die Nachahmung der Natur. Allerdings ist hier in erster Linie weniger die Natur als vielmehr der Künstler, der in seiner schöpferischen Tätigkeit mit Gott verglichen wird.

E. Chamberlin betrachtet die Lust als eines der wichtigsten Prinzipien für die Wahrnehmung von Kunstwerken, weil dies auf eine deutliche demokratische Tendenz gegenüber dem scholastischen „Lernen“ bisheriger ästhetischer Theorien hindeutet.

Das ästhetische Denken der Renaissance beinhaltet nicht nur die Idee der Verabsolutierung des menschlichen Individuums im Gegensatz zur göttlichen Persönlichkeit im Mittelalter, sondern auch ein gewisses Bewusstsein für die Grenzen eines solchen Individualismus, basierend auf der absoluten Selbstbejahung der Einzelne. Daher die Motive der Tragödie, die sich in den Werken von W. Shakespeare, M. Cervantes, Michelangelo usw. finden.Dies ist die widersprüchliche Natur einer Kultur, die sich von alten mittelalterlichen Absoluten entfernt hat, aber aufgrund historischer Umstände noch keine neuen gefunden hat verlässliche Fundamente.

Die Verbindung von Kunst und Wissenschaft ist eines der charakteristischen Merkmale der Kultur. Künstler suchten Unterstützung in den Wissenschaften und stimulierten oft ihre Entwicklung. Die Renaissance ist durch das Aufkommen von Künstlern und Wissenschaftlern gekennzeichnet, unter denen Leonardo da Vinci den ersten Platz einnimmt.

Daher ist eine der Aufgaben der Renaissance das Begreifen einer Welt voller göttlicher Schönheit durch den Menschen. Die Welt zieht einen Menschen an, weil er von Gott vergeistigt ist. Aber in der Renaissance gab es einen anderen Trend, nämlich das Gefühl einer Person für die Tragödie ihrer Existenz.

2. Das Welt- und Menschenbild in den Werken großer Meister Renaissance

Der Begriff „Renaissance“ (Übersetzung des französischen Begriffs „Renaissance“) weist auf die Verbindung der neuen Kultur mit der Antike hin. Durch die Bekanntschaft mit dem Osten, insbesondere mit Byzanz, während der Kreuzzüge, lernten die Europäer alte humanistische Manuskripte, verschiedene Denkmäler antiker bildender Kunst und Architektur kennen. Alle diese Antiquitäten wurden teilweise nach Italien transportiert, wo sie gesammelt und untersucht wurden. Aber auch in Italien selbst gab es viele antike römische Denkmäler, die auch von Vertretern der italienischen städtischen Intelligenzia sorgfältig untersucht wurden. In der italienischen Gesellschaft entstand ein tiefes Interesse an den klassischen alten Sprachen, der antiken Philosophie, Geschichte und Literatur. Die Stadt Florenz spielte in dieser Bewegung eine besonders wichtige Rolle. Aus Florenz kam eine Reihe herausragende Persönlichkeiten neue Kultur.

Ausgehend von der antiken Ideologie, die einst im wirtschaftlichen Sinne lebendigste Städte der Antike geschaffen hatte, überarbeitete das neue Bürgertum sie auf seine Weise und formulierte sein neues Weltbild, das dem zuvor vorherrschenden Weltbild des Feudalismus scharf entgegengesetzt war. Der zweite Name der neuen italienischen Kultur - Humanismus beweist dies nur.

Die humanistische Kultur stellte den Menschen selbst (humanus - human) ins Zentrum ihrer Aufmerksamkeit und nicht das Göttliche, Jenseitige, wie es in der mittelalterlichen Ideologie der Fall war. Askese hatte im humanistischen Weltbild keinen Platz mehr. Der menschliche Körper, seine Leidenschaften und Bedürfnisse wurden nicht als etwas „Sündhaftes“ gesehen, das es zu unterdrücken oder zu quälen galt, sondern als Selbstzweck, als das Wichtigste im Leben. Die irdische Existenz wurde als die einzig wahre erkannt. Die Erkenntnis der Natur und des Menschen wurde zum Wesen der Wissenschaft erklärt. Im Gegensatz zu den pessimistischen Motiven, die das Weltbild der mittelalterlichen Scholastiker und Mystiker beherrschten, überwogen in der Weltanschauung und Stimmung der Menschen der Renaissance optimistische Motive; sie waren geprägt vom Glauben an den Menschen, an die Zukunft der Menschheit, an den Triumph der menschlichen Vernunft und Aufklärung. Eine Konstellation bedeutender Dichter und Schriftsteller, Gelehrter und Künstler aller Art nahm an dieser großen neuen intellektuellen Bewegung teil. Der Ruhm Italiens wurde von so wunderbaren Künstlern gebracht: Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raffael, Tizian.

Die unbestrittene Leistung der Renaissance war der geometrisch korrekte Aufbau des Bildes. Der Künstler baute das Bild mit den von ihm entwickelten Techniken. Die Hauptsache für Maler dieser Zeit war es, die Proportionen von Objekten zu beobachten. Sogar die Natur verfiel mathematischen Tricks.

Mit anderen Worten, Künstler der Renaissance versuchten beispielsweise, ein genaues Bild einer Person vor dem Hintergrund der Natur zu vermitteln. Im Vergleich zu modernen Methoden, ein gesehenes Bild auf einer Art Leinwand nachzubilden, hilft ein Foto mit anschließender Anpassung höchstwahrscheinlich zu verstehen, wonach die Künstler der Renaissance strebten.

Renaissance-Maler glaubten, dass sie das Recht hätten, die Fehler der Natur zu korrigieren, das heißt, wenn eine Person hässliche Gesichtszüge hatte, korrigierten die Künstler sie so, dass das Gesicht süß und attraktiv wurde.

Mit der Darstellung biblischer Szenen versuchten Renaissance-Künstler deutlich zu machen, dass die irdischen Manifestationen eines Menschen klarer dargestellt werden können, wenn gleichzeitig biblische Geschichten verwendet werden. Sie können verstehen, was der Fall, die Versuchung, die Hölle oder der Himmel ist, wenn Sie sich mit der Arbeit der Künstler dieser Zeit vertraut machen. Dasselbe Bild der Madonna vermittelt uns die Schönheit einer Frau und vermittelt auch ein Verständnis von irdischer menschlicher Liebe.

So waren in der Kunst der Renaissance die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten. Seine Erkenntnisbedeutung war untrennbar mit erhabener poetischer Schönheit verbunden, in seinem Streben nach Natürlichkeit verfiel er nicht in den kleinlichen Alltag. Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Abschluss

Die Renaissance oder die Renaissance ist also eine Ära im Leben der Menschheit, die durch einen kolossalen Aufstieg in Kunst und Wissenschaft gekennzeichnet ist. Die Renaissance proklamierte den Menschen zum höchsten Wert des Lebens.

In der Kunst war das Hauptthema ein Mensch mit unbegrenzten geistigen und kreativen Möglichkeiten.Die Kunst der Renaissance legte den Grundstein für die europäische Kultur des Neuen Zeitalters und veränderte alle Hauptarten der Kunst radikal.

In der Architektur haben sich neue Typen von öffentlichen Gebäuden entwickelt.Die Malerei wurde mit einer linearen und luftigen Perspektive, Kenntnissen der Anatomie und Proportionen des menschlichen Körpers bereichert.Irdische Inhalte durchdrangen die traditionellen religiösen Themen der Kunstwerke. Verstärktes Interesse an antiker Mythologie, Geschichte, Alltagsszenen, Landschaften, Porträts. Ein Bild erschien, Ölgemälde entstand. Die schöpferische Individualität des Künstlers nahm in der Kunst den ersten Platz ein.

In der Kunst der Renaissance waren die Wege wissenschaftlicher und künstlerischer Welt- und Menschenerkenntnis eng miteinander verflochten.Kunst ist zu einem universellen spirituellen Bedürfnis geworden.

Die Renaissance ist zweifellos eine der schönsten Epochen der Menschheitsgeschichte.

REFERENZLISTE

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