Shamisen - Musikinstrument - Geschichte, Foto, Video. Ein kleiner Rundgang durch die Welt der orientalischen Musikinstrumente und den Ursprung der Duduk

Mit deren Hilfe sich japanische Geschichtenerzähler oder Sänger während der Aufführung begleiteten. Das nächste europäische Analogon des Shamisen ist . Shamisen zusammen mit Hayashi- und Shakuhachi-Flöten, Tsuzumi-Trommel und . Bezieht sich auf traditionelle japanische Musikinstrumente.

Der Name steht im Gegensatz zum Musikgenre für Bunraku und Kabuki - Nagauta (langes Lied). Der bekannteste und komplexeste der Aufführungsstile ist der Gidayu, benannt nach Takemoto Gidayu (1651-1714), a Puppentheater Bunraku aus Osaka. Instrumente und Plektren sind die größten, und der Führer selbst ist sowohl Sänger als auch Kommentator des Bühnengeschehens. Die Arbeit des Geschichtenerzählers ist so komplex, dass mitten in der Aufführung der Führer wechselt. Der Erzähler muss den Text und die Melodie unbedingt kennen. Seit dem 19. Jahrhundert treten auch onna-gidayu, weibliche Geschichtenerzähler, auf.

Herkunft

Shamisen in seiner ursprünglichen Form entstand in den Tiefen Westasiens, von dort kam es nach China (13. Jahrhundert), wo es "Sanxian" genannt wurde, dann auf die Ryukyu-Inseln (modernes Okinawa) zog und erst von dort nach Japan kam. Dieses Ereignis ist sehr deutlich in die Geschichte eingezeichnet – im Gegensatz zur Zeit des Auftretens anderer Musikinstrumente- und stammt aus dem Jahr 1562.

Der Vorläufer des Shamisen, das Sanshin, wurde im Ryukyu-Königreich gespielt, das damals eine Präfektur wurde. Sanshin wiederum kommt vom chinesischen Instrument Sanjian, das sich aus zentralasiatischen Instrumenten entwickelt hat.

Die Shamisen war auch das wichtigste Instrument für die wandernden blinden Goze-Musiker, die zu Beginn des Tokugawa-Shogunats auftauchten.

Anders als in Europa, wo traditionellen/antiken Instrumenten nicht viel Aufmerksamkeit geschenkt wird, sind Shamisen und andere nationale Instrumente in Japan weithin bekannt und beliebt. Die Popularität ist nicht nur dem Respekt der Japaner für ihre Kultur und Geschichte zu verdanken, sondern auch der Verwendung nationaler Instrumente, insbesondere der Shamisen, im traditionellen japanischen Theater - vor allem in den Theatern Kabuki und Bunraku.

Shamisen war in der Tokugawa-Ära am weitesten verbreitet, und die Fähigkeit, es zu spielen, war Teil des obligatorischen Trainingsprogramms für Maiko-Geisha-Schüler. Deshalb wurden die „Spaßquartiere“ oft als „Viertel, in denen Shamisen nicht aufhört“ bezeichnet.

Sorten und Anwendungen

Es gibt verschiedene Arten von Instrumenten, die sich in der Dicke des Halses voneinander unterscheiden.

Werkzeuge mit enger Hals genannt hosozao und werden hauptsächlich in der Musik verwendet Nagauta.

Werkzeuge mit Geier mittel Dicken genannt werden Chuzao und werden in solchen musikalischen Genres wie verwendet Kiyomoto, tokiwazu, jiuta usw.

Im Norden Japans, insbesondere im Tsugaru-Gebiet (westlicher Teil der Präfektur Aomori), eine eigene dickhalsige Version des Shamisen — tsugarujamisen, dessen Spiel besondere Virtuosität erfordert. Der Tsugarujamisen mit dem dicksten Hals wird genannt futozao und wird verwendet in joruri.

Gerät

Der Körper des Shamisen ist ein Holzrahmen, der eng mit Haut bedeckt ist. Auf den Ryukyu-Inseln wurde beispielsweise Schlangenhaut verwendet, und in Japan selbst wurde die Haut von Katzen oder Hunden für diesen Zweck verwendet. Das Gehäuse ist auf beiden Seiten mit Leder bezogen, zusätzlich ist ein kleines Stück Leder auf die vordere Membran geklebt, um es vor Plektrum (Bati)-Schlägen zu schützen.

Zwischen den Wirbeln und dem unteren Ende des Halses, der aus der Mitte der Unterseite des Korpus herausragt, sind drei unterschiedlich dicke Saiten gespannt. Die Saiten bestehen aus Seide, Nylon und Tetlon. Die Länge der Shamisen beträgt etwa 100 cm.

Das Shamisen wird mit einem großen Bachi-Plektrum gespielt, das aus Materialien wie Holz, Elfenbein, Schildpatt, Büffelhorn und Kunststoff besteht. Bati für Nagaut und Jiuta sind fast regelmäßige Dreiecke mit sehr scharfen Kanten.

Tsugarujamisen schlägt ein kleineres Plektrum vor, eher wie ein Ginkgoblatt.

Shamisen-Spieltechnik

Es wurden drei Arten des Shamisen-Spiels gebildet:

Uta-mono - Liedstil. Eines der wichtigsten Genres musikalische Begleitung Theateraufführungen kabuki. Dieses Genre wird durch lange musikalische Zwischenspiele repräsentiert, die vom Hayashi-Ensemble gespielt werden (dieses Ensemble begleitet normalerweise Theateraufführungen, es besteht aus einer Flöte und drei Arten von Trommeln).

Katari-mono ist ein Fantasy-Stil. Es ist am charakteristischsten für die traditionelle japanische Musik und wird durch eine bestimmte Art des Gesangs repräsentiert.

Minyo ist ein Volkslied.

Als die Shamisen zum ersten Mal in Japan auftauchten, wurden die Saiten mit einem kleinen Plektrum (Yubikake) gezupft und erst im Laufe der Zeit begannen die Musiker, das Plektrum zu verwenden, was die klanglichen Möglichkeiten des Instruments erheblich erweiterte. Immer wenn die untere Saite gezupft wird, sind neben ihrem Klang auch Obertöne und leichtes Rauschen zu hören, dieses Phänomen wird „Savari“ („Berührung“) genannt. Savaries treten auch auf, wenn andere Saiten mit der untersten Saite mitschwingen, insbesondere wenn der Tonhöhenabstand zwischen den Saiten eine Oktave ist (zwei Oktaven, drei, Quinten usw.). Die Fähigkeit, diesen zusätzlichen Klang zu verwenden, ist ein Zeichen für das hohe Können des Interpreten, und der akustische Effekt selbst wird von den Shamisen-Machern streng kontrolliert.

Das Plektrum wird in der rechten Hand gehalten, und im richtigen Moment wird der Ton der Saiten von drei Fingern der linken Hand auf einem bundlosen Hals gestoppt. Daumen und kleiner Finger werden im Spiel nicht verwendet. Die charakteristischste Art, die Shamisen zu spielen, ist das gleichzeitige Schlagen des Plektrums auf die Membran und auf die Saite. Darüber hinaus gibt es viele andere wichtige Faktoren, die die Besonderheiten des Klangs bestimmen, wie z. B. die Dicke der Saiten, der Hals, die Membranen, die Stelle, an der das Plektrum auf die Saiten trifft usw. Auch bei der Shamisen können Sie die Saiten mit der linken Hand zupfen, um ein eleganteres Timbre zu erhalten. Diese Fähigkeit, den Ton zu ändern, ist eines der Markenzeichen der Shamisen.

Neben der Spielweise kann die Klangfarbe des Instruments verändert werden, indem man die Länge der Saite, des Halses oder des Plektrums variiert, sowie deren Abmessungen, Dicke, Gewicht, Material - Masseindikatoren! Es gibt fast zwei Dutzend Shamisen, die sich in Tonhöhe und Klangfarbe voneinander unterscheiden, und die Musiker wählen das Instrument aus, das am ehesten zu ihrer Musikrichtung passt, oder stimmen es kurz vor der Aufführung neu.

Bei der Shamisen-Musik fällt die Stimmlinie fast mit der auf dem Instrument gespielten zusammen: Die Stimme ist der Melodie nur geringfügig voraus, was das Hören und Verstehen des Textes ermöglicht und auch den Kontrast zwischen dem Klang der Stimme und der Stimme betont schämen.

Shamisen in der modernen Musik

Shamisen wird aufgrund seines spezifischen Klangs oft verwendet, um den "nationalen" Klang in einigen zu verbessern Japanische filme und Anime (wie in Russland). Shamisen klingt also im Soundtrack der Naruto-Anime-Serie Puni Puni Poemi.

Agatsuma Hiromitsu spielt im New-Age-Stil.

Es wird von Vertretern der europäischen musikalischen Avantgarde (z. B. Henri Pousseur) verwendet.

Die von den Yoshida Brothers dargebotenen Kompositionen sind sehr beliebt, ihre shamisen Klänge mögen.

Michiro Sato führt Improvisationen auf den Shamisen durch, und Jazzpianist Glenn Horiuchi fügte Fragmente des Shamisen-Spiels in seine Kompositionen ein.

Gitarrist Kevin Kmetz leitet die in Kalifornien ansässige Band God of the Shamisen, in der er den Tsugarujamisen spielt.

Video: Shamisen auf Video + Ton

Dank dieser Videos können Sie sich mit dem Tool vertraut machen, siehe echtes Spiel Hören Sie sich den Klang an, fühlen Sie die Besonderheiten der Technik:

Sale: wo kaufen/bestellen?

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Musikinstrument: Laute

Im Zeitalter von Überschallgeschwindigkeit und Nanotechnologien möchte man sich manchmal wirklich entspannen, auf jeglichen weltlichen Rummel verzichten und sich in einer anderen Welt wiederfinden, in der es keinen modernen Aufruhr gibt, zum Beispiel in der romantischen Epoche der Renaissance. Heutzutage braucht man dafür keine Zeitmaschine zu erfinden, sondern besucht einfach irgendwo im Izmailovsky Kreml oder im Scheremetjewo-Palast ein Konzert mit authentischer Musik. Dort werden Sie nicht nur schöne Melodien hören, die sich geistig in vergangene Zeiten versetzen, sondern auch interessante Musikinstrumente kennenlernen, auf denen unsere fernen Vorfahren vor mehreren Jahrhunderten musizierten. Das Interesse an alter Musik wächst heute, moderne Interpreten beherrschen mit Begeisterung die Instrumente vergangener Epochen, darunter die Traversflöte, Gambe, Diskant-Viola, Barock-Kontrabass-Violon, Cembalo und zweifellos ist die Laute ein Instrument privilegierter Klassen und verdient besondere Aufmerksamkeit. Die Araber im Mittelalter nannten sie zu Recht die Königin der Musikinstrumente.

Klang

Die Laute gehört zur Familie der Saiten Zupfinstrumente, von der Art ihres Klanges her ein wenig wie eine Gitarre, jedoch ist ihre Stimme viel weicher und zarter, und ihr Timbre ist samtiger und zitternder, da sie obertongesättigter ist. Die Klangquelle auf der Laute sind gepaarte und einzelne Saiten, die der Spieler mit seiner rechten Hand zupft und mit seiner linken gegen die Bünde drückt, wobei er ihre Länge ändert und dadurch die Tonhöhe ändert.

Der Notentext für das Instrument wurde mit Buchstaben auf einer sechszeiligen Zeile geschrieben, und die Dauer der Klänge wurde durch Noten angezeigt, die über den Buchstaben platziert waren. Bereich Instrument etwa 3 Oktaven. Das Tool hat keine bestimmte Standardeinstellung.

Foto:

Interessante Fakten

• Für viele Nationen diente das Bild der Laute als Symbol für Harmonie, Jugend und Liebe. Bei den Chinesen bedeutete es Weisheit sowie Beständigkeit in Familie und Gesellschaft. Für Buddhisten - Harmonie in der Welt der Götter, für Christen - eine Laute in den Händen von Engeln markiert die Schönheit des Himmels und die Versöhnung der Naturkräfte. In der Kunst der Renaissance symbolisierte sie Musik, und ein Instrument mit gerissenen Saiten deutete auf Meinungsverschiedenheiten und Zwietracht hin.
• Die Laute war ein Emblem - ein symbolisches Bild von Liebenden.
• Die Laute wurde in der Renaissance sehr oft auf Gemälden dargestellt, sogar Orpheus und Apollo wurden von Künstlern dieser Zeit nicht mit einer Leier, sondern mit einer Laute gemalt. Und es ist unmöglich, sich eine harmonischere Komposition als ein Mädchen oder einen jungen Mann mit diesem romantischen Instrument vorzustellen.
• Die sehr beliebte Laute galt einst als bevorzugtes Instrument der weltlichen Kreise, des Adels und der Fürsten. Im Osten wurde sie der Sultan der Instrumente genannt, und in europäischen Ländern galt die Orgel als „Königin aller Instrumente“ und die Laute als „das Instrument aller Könige“.
• Der große englische Dichter und Dramatiker W. Shakespeare erwähnte oft die Laute in seinen Werken. Er bewunderte ihren Klang und schrieb ihr die Fähigkeit zu, Zuhörer in einen ekstatischen Zustand zu versetzen.
• Der größte italienische Bildhauer, Künstler, Dichter und Denker Michelangelo Buonarroti, der die Darbietung des berühmten Lautenspielers Francesco da Milano bewunderte, sagte, dass er von der Musik göttlich inspiriert sei und all seine Gedanken damals zum Himmel gerichtet seien.
• Der Spieler auf der Laute wird Lautenspieler genannt, und der Meister, der die Instrumente herstellt, wird Laute genannt.
• Die Instrumente der Bologneser Handwerker - Laute L. Mahler und G. Frey sowie Vertreter der Familie Tieffenbrucker aus Venedig und Padua, die im 17. und 18. Jahrhundert geschaffen wurden, kosten nach diesen Maßstäben astronomisches Geld.
• Es war nicht so schwierig, das Lautenspiel zu lernen, aber es war problematisch, ein Instrument zu stimmen, das viele Saiten aus natürlichen Materialien hatte, aber aufgrund von Temperatur- und Feuchtigkeitsschwankungen schlecht gestimmt war. Es gab einen sehr berühmten Witz: Ein Lautenspieler verbringt zwei Drittel der Zeit damit, das Instrument zu stimmen, und ein Drittel spielt Musik auf einem ungestimmten Instrument.

Design

Ein sehr elegantes Design der Laute umfasst einen Korpus und einen Hals, der mit einem Wirbelblock endet. Der Körper, der eine Birnenform hat, umfasst ein Deck und einen Körper, der als Resonator wirkt.

• Der Korpus besteht aus gebogenen, halbkugelförmigen Segmenten aus Hartholz: Ebenholz, Palisander, Kirsche oder Ahorn.
• Das Deck ist der vordere Teil des Körpers, der den Körper bedeckt. Es hat eine flache, ovale Form und besteht normalerweise aus Resonatorfichte. Im unteren Teil befindet sich auf dem Deck ein Ständer, und in der Mitte befindet sich ein Schallloch in Form eines eleganten, komplizierten Musters oder einer schönen Blume.

Ein relativ breiter, aber kurzer Lautenhals ist auf Höhe des Resonanzbodens am Korpus befestigt. Eine Ebenholzauflage ist darauf geklebt, und Catgut-Bundbegrenzungen sind ebenfalls gebunden. Oben am Hals befindet sich eine Mutter, die die Spannung der Saiten steuert.

Auch der Wirbelblock der Laute, auf dem sich Einstellstifte für die Saitenspannung befinden, hat seinen eigenen Unterscheidungsmerkmal. Es liegt in der Tatsache, dass der Block in einem ziemlich großen, fast rechten Winkel zum Hals des Halses angeordnet ist.

Die Anzahl der gepaarten Saiten auf verschiedenen Lauten ist sehr unterschiedlich: 5 bis 16 und manchmal 24.

Gewicht das Werkzeug ist sehr klein und wiegt ca. 400 gr., Länge Werkzeug - ca. 80 cm.

Sorten

Die damals sehr beliebte Laute entwickelte sich sehr intensiv. Musikmeister ständig mit ihrer Form, Saitenanzahl und Stimmung experimentiert. Infolgedessen entstand eine ziemlich bedeutende Anzahl von Instrumentenvarianten. Zum Beispiel Renaissancelauten außer traditionelle Instrumente, darunter Instrumente mit einer unterschiedlichen Anzahl gepaarter Saiten - Chöre, hatten Typen unterschiedlicher Größe, die den Registern der menschlichen Stimme ähnelten: kleine Oktave, kleine Höhen, Höhen, Alt, Tenor, Bass und Oktavbass. Darüber hinaus umfasst die Lautenfamilie die Barocklaute, Al-Ud, Archilute, Torban, Kobza, Theorba, Kittaron, Zither, Bandora, Cantabile-Laute, Orfarion, Wandervogel-Laute, Mandora, Mandola.

Anwendung

Kunsthistoriker halten die Laute nicht nur für eines der interessantesten, sondern auch für ein grundlegend wichtiges Instrument der europäischen Musikgeschichte des 16. und 17. Jahrhunderts. Es hat Anerkennung von Vertretern verschiedener Lebensbereiche erhalten, von Bürgern bis zu Königen, und wurde als Begleit-, Solo- und Ensembleinstrument verwendet. Die schnell wachsende Popularität der Laute erforderte eine ständige Ergänzung und Aktualisierung des Repertoires. Sehr oft waren die Komponisten von Werken gleichzeitig Interpreten, so dass in den europäischen Ländern eine ganze Galaxie wunderbarer Lautenkomponisten auftauchte. In Italien - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. In Spanien - L. Mailand, M. Fuenlyana. In Deutschland - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. In England - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. In Polen - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. In Frankreich - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. Es sollte auch beachtet werden, dass selbst so große Meister wie IST. Bach, A. Vivaldi, G. Händel, J. Haydn widmeten sich der Laute und bereicherten ihr Repertoire mit ihren Werken.

Das Interesse an Alter Musik und gleichzeitig an der Laute lässt derzeit nicht nach. Ihr Sound ist zunehmend auf Bühnen zu hören Konzerthallen. Unter zeitgenössische Komponisten die heute für das Instrument komponieren, sind viele interessante Werke von I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

Bemerkenswerte Künstler

In Renaissance und Barock ungewöhnlich modisch, aber von anderen Instrumenten verdrängt und zu Unrecht vergessen, weckt die Laute heute wieder großes Interesse, nicht nur bei authentischen Musikern. Ihr Sound ist nun immer öfter auf anderen zu hören Konzertorte, und zwar nicht nur solo, sondern auch im Ensemble mit anderen schönen alten Musikinstrumenten. Im 21. Jahrhundert sind die berühmtesten Virtuosen, die viel zur Popularisierung des Instruments beitragen, V. Kaminik (Russland), P. O "Dett (USA), O. Timofeev (Russland), A. Krylov (Russland, Kanada) , A Suetin (Russland), B. Yan (China), J. Imamura (Japan), R. Lislevand (Norwegen), E. Karamazov (Kroatien), J. Held (Deutschland), L. Kirchhoff (Deutschland), E Eguez (Argentinien), H. Smith (USA), J. Lindbergh (Schweden), R. Barto (USA), M. Lowe (England), N. North (England), J. van Lennep (Niederlande) und viele mehr andere .

Geschichte

Die ganze Entstehungsgeschichte der Laute, die in östliche Länder galt als eines der fortschrittlichsten Instrumente, es ist unmöglich, es zurückzuverfolgen. Solche Werkzeuge waren bereits vor vier Jahrtausenden in vielen Ländern der Welt weit verbreitet. Sie spielten Musik in Ägypten, Mesopotamien, China, Indien, Persien, Assyrien, Antikes Griechenland und Rom. Kunstwissenschaftler vermuten jedoch, dass die Laute einen unmittelbaren Vorgänger hatte, die Oud, ein Instrument, das im Nahen Osten immer noch mit besonderer Ehrfurcht behandelt wird, und behaupten, dass es das Ergebnis der Erschaffung des Enkels des Propheten sei. Die Oud hatte einen birnenförmigen Körper, der aus Walnuss- oder Birnenholz bestand, einen Resonanzboden aus Kiefernholz, einen kurzen Hals und einen nach hinten gebogenen Kopf. Der Ton wurde mit einem Plektrum extrahiert.

Die Eroberung Europas durch die Laute begann im 8. Jahrhundert von Spanien und Katalonien aus, nachdem die Mauren die Iberische Halbinsel erobert hatten. Das Tool hat sich nicht nur sehr schnell den Kulturen dieser Länder angeschlossen, sondern auch aufgrund Kreuzzüge, begann sich schnell auf andere auszubreiten europäische Länder: Italien. Frankreich, Deutschland und ersetzten andere Instrumente, die zu dieser Zeit existierten, wie die Zisterne und die Pandara. Die immer beliebter werdende Laute wurde ständig verschiedenen Verbesserungen unterzogen. Meister nahmen Änderungen am Design des Instruments vor, modifizierten Korpus und Hals und fügten Saiten hinzu. Wenn er anfangs 4 - 5 gepaarte Saiten - Chöre hatte, dann erhöhte sich die Zahl später allmählich. Bis zum 14. Jahrhundert war die Laute in Europa nicht nur voll ausgebildet, sondern wurde auch zu einem der beliebtesten Instrumente nicht nur bei Hof, sondern auch beim Musizieren zu Hause. Es wurde nicht nur als Begleit-, sondern auch als Soloinstrument eingesetzt. Für die Laute komponierten sie eine Menge unterschiedlicher Musik, machten Transkriptionen nicht nur von Volksliedern und Tänzen, sondern auch von geistlicher Musik. Im 15. Jahrhundert nahm die Popularität des Instruments noch weiter zu, Maler stellten es oft auf ihren Gemälden dar. Komponisten bereichern das Repertoire weiterhin intensiv. Interpreten verzichten auf das Plektrum und bevorzugen die Fingerextraktionsmethode, die die technischen Möglichkeiten erheblich erweitert und die Aufführung sowohl harmonischer Begleitung als auch polyphoner Musik ermöglicht. Lauten wurden immer besser, und die Instrumente mit sechs gepaarten Saiten wurden zu den begehrtesten.

Im 16. Jahrhundert erreichte die Popularität der Laute ihren Höhepunkt. Sie dominierte sowohl professionelle Musiker als auch Amateure. Das Instrument erklang in den Palästen der Könige und des höchsten Adels ebenso wie in den Wohnungen der einfachen Bürger. Es führte Solo- und Ensemblewerke auf, begleitete Sänger und Chöre und führte sie darüber hinaus in Orchester ein. IN verschiedene Länder Schulen für die Herstellung von Lauteninstrumenten wurden gegründet, die berühmteste davon befand sich in Italien in der Stadt Bologna. Die Instrumente wurden ständig modifiziert, die Zahl der paarigen Saiten nahm zu: zuerst zehn, dann vierzehn, später erreichte ihre Zahl 36, was entsprechende Änderungen in der Konstruktion des Instruments erforderte. Es gab viele Varianten der Laute, darunter sieben, die der Tessitura der menschlichen Stimme entsprachen, von Diskont bis Bass.

Gegen Ende des 17. Jahrhunderts begann die Popularität der Laute merklich zu sinken, da sie allmählich von Instrumenten wie z Gitarre, Cembalo, und später das Klavier. Im 18. Jahrhundert wurde es eigentlich nicht mehr verwendet, mit Ausnahme einiger Sorten, die es in Schweden, der Ukraine und Deutschland gab. Und erst an der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert, aufgrund des erneuten Interesses englischer Enthusiasten an alten Instrumenten, angeführt von dem Instrumentalmeister, Berufsmusiker und Musikwissenschaftler Arnold Dolmich, nahm die Aufmerksamkeit für die Laute wieder stark zu.

Die Laute ist ein uraltes, elegantes Musikinstrument mit einer schönen, sanften Stimme, das einst außer Betrieb genommen und zu Unrecht vergessen wurde. Die Zeit verging, die Musiker erinnerten sich an ihn, interessierten sich und brachten ihn erneut auf die Konzertbühne, um die Zuhörer mit einem ausgefeilten Klang zu erobern. Heutzutage ist die Laute oft ein Teilnehmer an authentischen Musikkonzerten und tritt sowohl als Solo- als auch als Ensembleinstrument auf.

Video: Laute hören

Ich habe einmal versprochen, über japanische Musikinstrumente zu sprechen. Diese Zeit ist gekommen. Biva ist mir ganz zufällig in die Hände gefallen, aber es fiel ihr zu, das Thema zu eröffnen :)

Heute wird unsere Aufmerksamkeit von den magischen – wenn auch nicht sanften und nicht luftigen, sondern eher schroffen, metallischen und rhythmischen – Klängen eines traditionellen japanischen Musikinstruments namens Biwa (Biwa) gefesselt.
Biwa ist eine japanische Variante der Laute oder Mandoline, sie kam im 7. Jahrhundert aus China nach Japan, in China wird ein ähnliches Instrument Pipa (pipa) genannt, aber es kam im vierten Jahrhundert n. Chr. Aus Persien nach China.
Und auch die Wurzeln der europäischen Laute gehen nach Zentralasien.
In Japan sind in über tausend Jahren Biwa-Entwicklung viele Modelle, viele Spiel- und Gesangsschulen entstanden.

(Dies ist eine Art Biwa-Konzert mit Orchester. Gion shoja. Komponist Hirohisa Akigishi
Bei der Aufnahme des Prologs „Die Geschichte von Heike“ (die Geschichte von Heike, die auch „Taira monogatari“ genannt wird) geht es um die Hauptsache zeitgenössische Arbeit die in biwa durchgeführt wird. Diese Aufnahme wurde 2004 in Seoul im Sejong-Zentrum gemacht)

Das Werkzeug ähnelt in seiner Form einer nach oben gerichteten Mandelnuss. Die Vorderwand des Körpers ist leicht nach vorne gewölbt, die Rückseite ist flach. Die Wände – also zwei Holzbretter – stehen nicht weit auseinander, das Instrument ist eher flach. In der Vorderwand befinden sich drei Löcher.
Die Biwa hat vier oder fünf Saiten aus feinsten Seidenfäden, die mit Reisleim zusammengeklebt sind. Das Griffbrett hat fünf sehr hohe Bünde.

Die Saiten spannen recht locker, das heißt, sie sind nicht sehr straff. Der Musiker, der die Saite fester drückt, ändert ihre Spannung, d. h. er hebt die Tonhöhe an. Wir können sagen, dass das Instrument überhaupt nicht im westeuropäischen Sinne gestimmt ist, aber der Musiker kann bestimmte Töne spielen, indem er die Druckkraft der Saiten ändert.
Aber es geht gar nicht darum, den richtigen Ton zu treffen. Daher gibt es keinen Todesgriff auf der Saite, der Finger ändert ständig den Druck, was den Klang schweben lässt. Außerdem kann man die Saite mit dem Finger entlang der breiten Bünde bewegen, ab diesem beginnt die Saite zu summen, wie bei einer solchen Indian Streichinstrumente wie eine Sitar oder ein Wein.

Die Biwa wird senkrecht gehalten und beim Spielen wird ein dreieckiges Holzplektrum in Form eines kleinen Fächers verwendet. Eine seiner Seiten erreicht eine Länge von 30 Zentimetern, es ist eine Art Schulterblatt. Die Herstellung dieser Klingen - großartige Kunst, sie müssen gleichzeitig fest und elastisch sein. Der Baum für den Mediator wird zehn Jahre lang getrocknet. Natürlich wird eine seltene Baumart verwendet.
Mit einem Plektrum kann man nicht nur die Saiten, sondern auch den Korpus schlagen, sowie die Saiten kratzen, die Meister sagen jedoch, dass dies eine moderne Technik ist, das war früher nicht der Fall.
Aber es ist klar, dass es mehr als eine Möglichkeit gibt, eine Saite mit einem so großen Plektrum anzuschlagen - und das ist natürlich perfekt hörbar.

BIWA (King Records, 1990)
Die CD hat zwei Instrumentalspuren und vier Vokal-Instrumentalspuren. Am beeindruckendsten ist das epische Lied „Kawanakajima“ („Insel zwischen zwei Flüssen“), dargeboten von Enomoto Shisui.
Enomoto Shizui starb 1978 und wurde im 19. Jahrhundert geboren. Er gehörte zu den berühmten Biwa-Meistern der Ära vor dem Zweiten Weltkrieg.
Im 19. Jahrhundert und in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts erlebte die Biwa-Kunst ein Revival, allein in Tokio gab es 30 Meister, die Musikinstrumente herstellten, nach dem Krieg war in ganz Japan – und der ganzen Welt – nur noch einer übrig . Diese Kunst hatte die Chance, für immer zu verschwinden, weil die Texte von dem jetzt politisch inkorrekten Samurai-Geist durchdrungen waren.
Im Vergleich zur neuen Sängergeneration klingt Enomoto Shizuyas Stimme tragischer, hysterischer und, würde ich sagen, schonungsloser.
Die Insel, der dieses Lied gewidmet ist, ist ein Landstreifen zwischen zwei Flüssen. An diesem Ort fanden im 16. Jahrhundert mehrere Schlachten zwischen den Armeen zweier Militärführer statt.
Ich kann nicht glauben, dass dies unterhaltsame Musik ist, die die Leute abends hören, müde von wichtigen Dingen. Nein, nein, diese Musik erinnert die Samurai deutlich an ihre Pflicht und entfacht ihren Kampfgeist.

Ein weiterer bekannter Gegenstand ist Atsumori, das auf dem Bild auch eine Biwa ist.

Scharfe Metallschläge – ähnlich einem Schwerthieb – kontrastieren mit der sich langsam entfaltenden Stimme des Sängers. Die Vokale ziehen sich lange hin, der Rhythmus ist frei, es gibt viele Pausen in der Musik, aber auf keinen Fall kann man sie als träge bezeichnen. Sie ist sehr angespannt und konzentriert.
Pausen, Leere, Momente der Stille gelten übrigens in der japanischen Tradition auch als akustisches Element, also Klang. Es heißt das Wort "ma". Schweigen kann kurz oder lang, angespannt oder ruhig, unerwartet oder logisch sein. Stille betont einige Klänge und verschiebt die Betonung in einer musikalischen Phrase.

In der Geschichte der Biwa gab es zwei parallele Strömungen: Erstens war die Biwa Teil der Hofkapelle. Eine antike Biwa lag horizontal auf dem Boden und wurde mit einem kleinen Plektrum gespielt. Sie war ein Schlaginstrument.
Im Mittelalter wurde die Biwa von Aristokraten und ihren Vasallen gespielt, es wird angenommen, dass diese Musik rein instrumental war. IN klassische Literatur Viele Beschreibungen der mittelalterlichen Solo-Biwa, ihres anmutigen und raffinierten Klangs und ihrer erhabenen Melodien, die aus China kamen, sind erhalten geblieben, aber die Solo-Biwa hat sich bis heute nicht in der Tradition der Hofmusik erhalten. Im Gagaku-Orchester ist der Biwa-Part so einfach, dass man sich des Eindrucks nicht erwehren kann, dass im Laufe der Zeit etwas Wichtiges verloren gegangen ist.
Die Tradition der Biwa als Soloinstrument wurde im 13. Jahrhundert unterbrochen und erst im 20. Jahrhundert wiederbelebt.

"Ichinotani" en laúd Biwa von Silvain Guignard (Fragment). Europäische Version, wie Sie sehen können

Aber die Hauptfunktion der Biwa ist es, lange Lieder und Geschichten zu begleiten.
Bis ins 20. Jahrhundert wurde die Biwa fast ausschließlich von blinden Musikern gespielt, sie hießen Biwahoshi. Einige von ihnen waren buddhistische Mönche und rezitierten Sutras und Hymnen, aber dennoch erzählten die meisten Sänger von Kriegen und Schlachten legendärer Helden.
Berühmteste heroisches Epos aus dem Biwahoshi-Repertoire - "Heike Monogatari" (Heike Monogatari).
Dies ist ein riesiges und ziemlich blutiges Gedicht darüber, wie der Heike-Clan (alias Taire) nach einer kurzen Blütezeit in der zweiten Hälfte des 12. Jahrhunderts vom Genji-Clan (Genji, alias Minamoto) besiegt wurde.
Das Gedicht hat 200 Episoden, von denen 176 gewöhnlich, 19 geheim und die restlichen 5 streng geheim sind.

(Entschuldigung für die Bild- und Tonqualität. Gespielt von Yukihiro Goto)
Alle Geschichten veranschaulichen auf die eine oder andere Weise die buddhistischen Vorstellungen von Ursache und Wirkung sowie die Vergänglichkeit des Schicksals.
Heute wird "Heike Monogatari" nur noch von wenigen Musikern aufgeführt, die die Biwa spielen. Alle anderen haben ein viel moderneres Repertoire.
Es gibt jedoch die Meinung, dass die im Mittelalter von blinden Mönchen vorgetragenen Heldenlieder ebenso verschwunden sind wie die Tradition der instrumentalen Hof-Biwa. Die Tradition des Heldengesangs wurde mehrfach wiederbelebt, und höchstwahrscheinlich keineswegs in der Form, wie sie vor 700 Jahren existierte.
Die Geschichte des Instruments reicht zwar bis ins 7. Jahrhundert zurück, aber die bis heute überlieferte Musik hat offenbar nichts mehr mit dem Mittelalter zu tun, der Stil, der heute als antik und klassisch bezeichnet wird, wurde nicht geprägt vor so langer Zeit.
Ein wichtiger Moment in der Geschichte der Biwa ist das 16. Jahrhundert.
Dann wurde erstellt neues Werkzeug Satsuma biwa: Der Anführer des Satsuma-Clans gab den Auftrag, die schwache und bescheidene Laute der blinden Mönche so zu verbessern, dass sie ein lautes Instrument mit einem beeindruckenden und scharfen Klang wird. Die Biwa wurde größer, ihr Körper bestand aus härterem Holz. Ihr Sound wurde maskuliner, wenn auch nicht aggressiver.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(besserer Sound, aber Einbetten ist nicht erlaubt)
Auch neue Songs wurden geschrieben. Der Zweck dieser Aktion war Aufklärung und Propaganda: Die jungen Männer, die eine militärische Ausbildung absolvierten, dh die zukünftigen Samurai, mussten im Geiste wachsen und die Grundlagen ritterlicher Fähigkeiten unter diesen Liedern erlernen.
Dann gab es keinen Kanon des Spielens und Singens - jeder Samurai konnte einen Heldentext schreien und für mehr Ausdruck von Zeit zu Zeit die Saiten anschlagen. Die Lieder riefen nicht mehr nur die Jugend zu Heldentaten auf, die Samurai, die den Krieg überlebten, erzählten von ihren Feldzügen, auch zu den Klängen von Biwa.
Im Laufe der Zeit begann sich die recht friedliche Bevölkerung für diese militaristische Musik zu interessieren. Dementsprechend entstand für Zivilisten ein Stil: Machi Fu (Stadtstil) - und für das Militär: Shi Fu (Samurai-Stil).
Neue Arten von Instrumenten erschienen. Nehmen wir an, Chikuzen Biwa (Chikuzen-Biwa) erschien im 19. Jahrhundert, es hat eine zusätzliche - eine hohe Saite. Daher gilt diese Biwa als feminin, weicher. Spielen Sie es jeweils Frauen.

In allen epischen Liedern, die zur Begleitung einer Biwa vorgetragen werden, ist der Text rhythmische Prosa, durchsetzt mit kurzen poetischen Passagen. Einige Phrasen werden zu kanonischen Melodien gesungen, gefolgt von kurzen Instrumentalpausen. Aber in der Regel ertönt am Ende jeder Phrase oder Strophe ein oder zwei Schläge auf die Biwa-Saiten. Diese Beats unterscheiden sich in der Klangfarbe – die Biwa hat viel mehr Möglichkeiten als die Trommel.
Wenn die Klänge der Biwa veranschaulichen, worüber der Erzähler singt, dann nur in der Klangfarbe – ein dünner Ton oder ein tauber, es klingt metallisch oder zischend … Der Text wird in klassischem Japanisch gesungen, die Zuhörer müssen verstehen, was ist gesagt: Intonation, Rhythmik und Klangfarben beziehen sich auf den Inhalt des Dramas.
Dies ist Musik zum direkten Zuhören, für diejenigen, die sich in die Aktion einfühlen, vollständig von ihr erfasst werden.
Wir, die wir der Sprache anscheinend nicht mächtig sind, nehmen einfach nicht viel von dieser Musik wahr, aber sie, auf wundersame Weise Exotisch, skurril oder fantastisch wird sie dadurch aber nicht. Nein, nein, es behält seine Aussagekraft und Überzeugungskraft.
Interessant ist auch, dass das eine sehr emotionale Musik ist, sehr intensiv, offen. Und die Japaner scheinen – wie alle anderen Buddhisten – es zu vermeiden, ihre Gefühle zu zeigen.

In Japan wird die Kraft, die das Universum bewegt, Ki genannt. Es ist eine spirituelle Kraft ähnlich dem griechischen Pneuma.
Der Ausdruck ki hat überhaupt den höchsten Vorrang Japanische Kunst. Im Makrokosmos entspricht Ki den Winden, im Mikrokosmos dem Atem des Menschen. Im Japanischen gibt es viele Wörter, die mit Ki in Verbindung stehen: ki-shФ (Wetter), ki-haku (Geist).
Die Grundlage der Singstimme ist die Atmung, und daher ist das Singen eine der Manifestationen von Ki.
Die alten Japaner glaubten, dass sie durch das Aussprechen oder besser gesagt Ausatmen, Ausblasen eines Wortes eine spirituelle Handlung vollziehen. Und im Russischen sind sich die Wörter "Atem" und "Geist" überhaupt nicht fremd.
Die japanische Gesangstradition steht in direktem Zusammenhang mit dieser Einstellung zum Wort als bedeutungsvollem Atemzug.

Und diese kurze Aufnahme ist nicht nur ein Musikstück, es ist Gagaku – die zeremonielle Musik des japanischen Kaiserpalastes.

Der europäische Gesang basiert – wie jede andere Musik auch – auf der Tonhöhe und der Dauer von Tönen. IN altes japan Gesang verschmolz akustische Elemente wie die Farbe des Klangs, seine Energie, Lautstärke und seine Qualität zu einer einzigen Klanghieroglyphe.
Es ist etwas unermesslich mehr als der richtige Ton.
Und Biwa-Musik unterscheidet sich in vielerlei Hinsicht von westeuropäischer Musik. Das japanische Instrument nimmt eine ganz andere Haltung zum Klang, zum Rhythmus ein.
Der japanische modernistische Komponist Toru Takemitsu hat mehrere Kompositionen geschrieben, die Biwa zusammen mit dem Symphonieorchester verwenden. Es gibt eine traditionelle Art, Biwa-Musik aufzunehmen - im Vergleich zu Westeuropa scheint sie sehr ungefähr zu sein.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

Dies ist Toru Takemitsu gewidmet

Als sich eine Biwa-Darstellerin in einer seiner Kompositionen freiwillig meldete, westeuropäische Notation zu lernen, verbot Takemitsu ihr dies. „Das ist das Letzte, was ich von Ihnen erwarten würde“, sagte der Komponist. „Ich werde die traditionelle Aufnahme von Biwa-Musik selbst studieren und lernen, wie man sie benutzt, Sie brauchen keine westlichen Noten. Heute stirbt der traditionelle Klangsinn durch das westliche System Feinabstimmung Musikinstrumente und Aufzeichnen von Musik mit Noten.

Einst verschwand eine uralte Biwa aus dem Palast des Kaisers Tennoh. Ihr Name war Genjo. Sie hatte keinen Preis, sie war sehr teuer. Der Kaiser konnte keinen Platz für sich finden. Wenn es gestohlen wurde, musste der Dieb es brechen - es war unmöglich, es zu verkaufen. Der Kaiser war sich sicher, dass seine Biwa gestohlen wurde, um seine Seele zu verdunkeln.
Minamoto no Hiromasa war ein Aristokrat und ein ausgezeichneter Musiker. Auch er war sehr traurig über den Verlust.
Eines Nachts hörte er das Geräusch einer Saite – es gab keinen Zweifel: Es war Genjos Biwa. Hiromasa weckte den Dienerjungen und sie gingen, um den Dieb zu fangen. Sie näherten sich dem Geräusch, aber es entfernte sich immer weiter. Irgendein Geist spielte auf der Biwa – nur Hiromasa konnte die Klänge der Saiten hören.
Er folgte dem Geräusch, bis er ganz oben ankam südlicher Punkt Kyoto - zum ominösen Rashomon-Tor. Hiromasa und sein Diener standen unter dem Tor, von oben war der Klang einer Laute zu hören. „Es ist kein Mensch“, flüsterte Hiromasa, „es ist ein Dämon.“
Er erhob seine Stimme: „Hey, wer spielt das Genjo! Der Tenno-Imperator hat nach dem Werkzeug gesucht, seit es verschwunden ist. Ich weiß, dass du hier bist, ich bin dir den ganzen Weg vom Palast aus gefolgt!"
Die Musik verstummte, etwas fiel von oben und hing im Gang. Hiromasa wich zurück – er dachte, es sei ein Dämon. Aber Genjous Laute hing oben an einem Seil.
Der Kaiser freute sich sehr über die Rückkehr von Genjo, niemand zweifelte daran, dass es der Dämon war, der den Schatz gestohlen und dann verschenkt hatte. Hiromasa wurde großzügig belohnt.
Genjo ist noch dabei Kaiserlicher Palast. Das ist nicht nur eine Laute, das ist etwas Lebendiges mit eigenem Charakter. Wenn es von einem unfähigen Musiker aufgenommen wird, macht es keinen Ton.
Eines Tages brannte es im Palast. Alle rannten hinaus und niemand dachte daran, Genjo zu retten. Aber mysteriöserweise wurde sie auf dem Rasen vor dem Palast gefunden, wo sie sich anscheinend selbst erwischt hatte!

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

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hinzugefügt: 04. März 2014

Nationale japanische Musik und Instrumente

Das Land der aufgehenden Sonne Japan hat eine unverwechselbare und einzigartige Kultur. Das Erbe einer großen Nation ist eng mit der Musik verbunden. Nationale japanische Musik ist das gleiche ursprüngliche Phänomen, das auf die Isolation des Landes zurückzuführen war.

Die Menschen in Japan behandeln die Kulturdenkmäler ihrer Heimat stets sorgsam und respektvoll. Jede Musik ist ohne Musikinstrumente undenkbar. Die Musikkultur Japans hat ihr eigenes einzigartiges Genre. Dies erklärt die Vielfalt der Instrumente, die verwendet werden, um musikalische Meisterwerke zu schaffen.

Bemerkenswerte Musikinstrumente

Eines der bekanntesten japanischen Musikinstrumente ist schämen, die der Laute analog ist. Es gehört zur Kategorie der dreisaitigen Zupfinstrumente. Er stammte aus sanshina, aus der wiederum abgeleitet wird Sanxian die in China beheimatet ist.

Japanische Musik und Tänze sind ohne die Shamisen, die noch heute verehrt wird, nicht vollständig Japanische Inseln und wird oft im japanischen Theater verwendet Bunraku und Kabuki. Wichtig ist auch, dass das Spiel auf der Shamisen in das Trainingsprogramm für Geisha-Maiko aufgenommen wird.

Auch die nationale japanische Musik ist untrennbar mit Flöten verbunden. Musikinstrument fue gehört zu einer Familie von Flöten, die für ihre hohe Tonlage bekannt sind. Sie sind aus Bambus gefertigt. Diese Flöte stammt von der chinesischen Flöte ab - " paixiao«.

Die bekannteste Flöte aus der Familie der Fue ist Shakuhachi, die von zen-buddhistischen Mönchen als Musikinstrument verwendet wird. Der Legende nach wurde die Shakuhachi von einem einfachen Bauern erfunden. Als er den Bambus transportierte, hörte er eine wunderbare Melodie, die aus dem Bambus kam, als der Wind hinein blies.

Die Fue-Flöte wird ebenso wie die Shamisen oft als Begleitung in den Banraku- und Kabuki-Theatern und verschiedenen Ensembles verwendet. Einige der Fuets können auf westliche Weise gestimmt werden und werden so zu Solisten. Interessant ist, dass früher das Fuespiel nur für japanische Wandermönche charakteristisch war.

Suikinkutsu

Ein weiteres Tool, das darstellt Japanische Kultur Ist suikinkutsu. Es hat die Form eines umgedrehten Krugs, über den Wasser fließt. Wenn man durch bestimmte Löcher ins Innere gelangt, erzeugt es einen Klang, der dem Läuten einer Glocke sehr ähnlich ist. Dieses Instrument wird vor der Teezeremonie gespielt und wird auch als Attribut des traditionellen japanischen Gartens verwendet.

Die Teezeremonie kann übrigens bequem im Garten stattfinden. Der Klang des Instruments versetzt den Menschen in ein unerklärliches Gefühl der Entspannung, schafft eine kontemplative Stimmung. Ein solcher Zustand eignet sich sehr gut, um in Zen einzutauchen, da das Entspannen im Garten während der Teezeremonie Teil der Zen-Tradition ist.

Verständlicher für unsere Wahrnehmung ist das Werkzeug Taiko,was in der Übersetzung ins Russische "Trommel" bedeutet. Taiko wurde übrigens in militärischen Angelegenheiten berühmt, ebenso wie seine Kollegen in anderen Ländern. Wie man in den Chroniken von Gunji Yeshu sagt, bedeuteten neun mal neun Schläge einen Aufruf zum Kampf, und neun mal drei bedeuteten wiederum, dass der Feind verfolgt werden musste.

Es sollte bedacht werden, dass bei der Darbietung eines Schlagzeugers auf die Ästhetik der von ihm angebotenen Darbietung geachtet wird, da nicht nur die Melodie und der Rhythmus der Darbietung wichtig sind, sondern auch das Erscheinungsbild des Instruments, auf dem die Melodie gespielt wird ist gespielt.

Japanische Musikrichtungen

Die Volksmusik Japans hat in ihrer Entwicklung einen langen Weg zurückgelegt. Seine Ursprünge waren magische Lieder, später die Entwicklung und Formation Musik Genre beeinflusst von Konfuzianismus und Buddhismus. So wird japanische Musik auf die eine oder andere Weise mit Ritualen, traditionellen Feiertagen, Theateraufführungen und anderen Aktivitäten in Verbindung gebracht. japanisch ethnische Musik, online zu hören, was in der modernen Welt zu jeder Tageszeit und überall möglich ist wichtiger Teil kulturelles Erbe Länder.

Es gibt hauptsächlich zwei beliebte Arten nationale japanische Musik.

• Der erste ist schomyo, das ist ein buddhistischer Gesang.
• Zweite - Gagaku, das ist orchestrale Hofmusik.

Aber es gibt auch solche Genres, die keine alten Wurzeln haben. Sie gehören zu Yasugi Bushi und Enka.

Das beliebteste Genre japanischer Volkslieder ist Yasugi Bushi, die nach der Stadt Yasugi benannt ist. Das Thema des Genres ist mit der antiken Geschichte und mytho-poetischen Geschichten verbunden. Aber Yasugi Bushi ist nicht nur ein Lied, sondern auch ein Tanz Sukui-Dojo sowie die Kunst des Jonglierens zu Musik zeni daiko, bei dem Bambushalme als Musikinstrument verwendet werden, die mit Münzen gefüllt sind.

Enka, als Genre, entstand relativ neu, in der Nachkriegszeit. Darin verflechten sich japanische Volksmotive mit Jazz- und Bluesmusik. So hat die japanische Musik ihre eigene nationale Besonderheiten, und unterscheidet sich damit von anderen Musikgenres in anderen Ländern. Es gibt also Musikinstrumente, die als singende Brunnen bezeichnet werden und die Sie nirgendwo auf der Erde sehen werden, außer vielleicht in Tibet.

Japanische Musik zeichnet sich durch ständig wechselnde Tempi und Rhythmen aus. Oft ist keine Größe drin. Japanische Musik ist den Klängen der Natur nahe, was sie noch mysteriöser und ungewöhnlicher macht.

Video: Japanische Musik online

Dutar. Du - zwei. Teer - Zeichenfolge. Ein Instrument mit geschmiedeten Bünden und zwei Venensaiten. Glaubst du, je weniger Saiten, desto einfacher ist es zu spielen?

Na, dann hör dir doch mal eines an die besten Handwerker Dutar spielen - Abdurakhim Khaita, Uigure aus Xinjiang, China.
Es gibt auch einen turkmenischen Dutar. Die Saiten und Bünde der turkmenischen Dutar sind aus Metall, der Korpus ist aus einem einzigen Stück Holz ausgehöhlt, der Klang ist sehr hell, sonor. Die turkmenische Dutar war in den letzten drei Jahren eines meiner Lieblingsinstrumente, und die auf dem Foto gezeigte Dutar wurde mir vor kurzem aus Taschkent gebracht. Erstaunliches Werkzeug!

aserbaidschanische saz. Die neun Saiten sind in drei Gruppen unterteilt, die jeweils unisono gestimmt sind. Ein ähnliches Instrument in der Türkei heißt Baglama.

Hören Sie unbedingt zu, wie dieses Instrument in den Händen eines Meisters klingt. Wenn Sie wenig Zeit haben, dann schauen Sie zumindest ab 2:30 Uhr zu.
Aus Saz und Baglama entstand das griechische Instrument Bouzouki und seine irische Version.

Oud oder al-ud, wie man dieses Instrument auf Arabisch nennt. Aus dem arabischen Namen dieses Instruments leitet sich der Name der europäischen Laute ab. Al-ud - Laute, Laute - hörst du? Das übliche Oud hat keine Bünde - die Bünde auf diesem Exemplar aus meiner Sammlung sind auf meine Initiative hin entstanden.

Hören Sie, wie ein Meister aus Marokko Oud spielt.

Aus der chinesischen zweisaitigen Erhu-Geige mit einfachem Resonanzkörper und kleiner Ledermembran entstand die zentralasiatische Gidjak, die im Kaukasus und in der Türkei Kemancha genannt wurde.

Hören Sie, wie die Kemancha klingt, wenn Imamyar Khasanov sie spielt.

Die Rubab hat fünf Saiten. Die ersten vier von ihnen sind verdoppelt, jedes Paar ist unisono gestimmt, und die Basssaite ist eine. Der lange Hals hat Bünde entsprechend der chromatischen Tonleiter für fast zwei Oktaven und einen kleinen Resonator mit Ledermembran. Was bedeuten Ihrer Meinung nach die nach unten gebogenen Hörner, die vom Hals zum Instrument kommen? Erinnert Sie seine Form an einen Schafskopf? Aber okay Form - was für ein Sound! Den Klang dieses Instruments sollten Sie gehört haben! Es vibriert und zittert trotz seines massiven Halses, es erfüllt den ganzen Raum mit seinem Klang.

Lauschen Sie dem Klang des Kashgar rubab. Aber mein Rubab klingt ehrlich gesagt besser.

Der iranische Teer hat einen doppelt ausgehöhlten Körper aus einem einzigen Stück Holz und eine Membran aus feiner Fischhaut. Sechs gepaarte Saiten: zwei Stahlsaiten, gefolgt von einer Kombination aus Stahl und dünnem Kupfer, und das nächste Paar ist auf eine Oktave gestimmt – eine dicke Kupfersaite ist eine Oktave tiefer als die dünne Stahlsaite gestimmt. Der iranische Teer hat erzwungene Bünde aus Adern.

Hören Sie, wie der iranische Teer klingt.
Der iranische Teer ist der Vorfahre mehrerer Instrumente. Einer von ihnen ist ein indischer Setar (se - drei, tar - Saite), und über die anderen beiden werde ich weiter unten sprechen.

Der aserbaidschanische Tar hat nicht sechs, sondern elf Saiten. Sechs gleiche Saiten wie beim iranischen Teer, eine zusätzliche Basssaite und vier unbespielte Saiten, die beim Spielen mitschwingen, dem Klang Echos hinzufügen und den Klang länger dauern lassen. Tar und Kemancha sind vielleicht die beiden Hauptinstrumente der aserbaidschanischen Musik.

Hören Sie ab 10:30 Uhr oder zumindest ab 13:50 Uhr einige Minuten lang zu. Sie haben so etwas noch nie gehört und können sich nicht vorstellen, dass eine solche Darbietung auf diesem Instrument möglich ist. Dies wird vom Bruder von Imamyar Khasanov - Rufat gespielt.

Es gibt eine Hypothese, dass der Teer der Vorfahre der modernen europäischen Gitarre ist.

Als ich kürzlich über den elektrischen Kessel sprach, machten sie mir Vorwürfe - sie sagen, ich nehme die Seele aus dem Kessel. Wahrscheinlich wurde ungefähr dasselbe zu einer Person gesagt, die vor 90 Jahren vermutete, einen Tonabnehmer an einer Akustikgitarre anzubringen. Etwa dreißig Jahre später entstanden die besten Beispiele für E-Gitarren, die bis heute der Standard sind. Ein Jahrzehnt später erschienen die Beatles, Rollende Steine gefolgt von Pink Floyd.
Und all diese Fortschritte störten die Hersteller nicht. akustische Gitarren und klassische Gitarristen.

Aber Musikinstrumente breiteten sich nicht immer von Ost nach West aus. Zum Beispiel ist das Akkordeon ungewöhnlich geworden beliebtes Instrument in Aserbaidschan im 19. Jahrhundert, als dort die ersten deutschen Siedler auftauchten.

Mein Akkordeon wurde von demselben Meister hergestellt, der Instrumente für Aftandil Israfilov herstellte. Hören Sie, wie dieses Instrument klingt.

Die Welt der orientalischen Musikinstrumente ist groß und vielfältig. Ich habe Ihnen noch nicht einmal einen Teil meiner Sammlung gezeigt, die bei weitem nicht vollständig ist. Aber ich muss Ihnen noch von zwei weiteren Instrumenten erzählen.
Eine Pfeife mit einer Glocke an der Spitze wird Zurna genannt. Und das Instrument darunter heißt Duduk oder Balaban.

Feiern und Hochzeiten beginnen mit den Klängen der Zurna im Kaukasus, in der Türkei und im Iran.

So sieht ein ähnliches Instrument in Usbekistan aus.

In Usbekistan und Tadschikistan heißt Zurna Surnay. IN Zentralasien und Iran werden die anhaltenden Klänge eines anderen Instruments, des Karnay, notwendigerweise zu den Klängen der Surnah und der Tamburine hinzugefügt. Karnay-surnay ist ein stabiler Ausdruck, der den Beginn des Urlaubs bezeichnet.

Interessanterweise existiert in den Karpaten ein mit Karnay verwandtes Instrument, dessen Name vielen bekannt ist - Trembita.

Und die zweite Pfeife, die auf meinem Foto zu sehen ist, heißt Balaban oder Duduk. In der Türkei und im Iran wird dieses Instrument auch Mey genannt.

Hören Sie, wie Alikhan Samedov die Balaban spielt.

Wir werden zum Balaban zurückkehren, aber jetzt möchte ich über das sprechen, was ich in Peking gesehen habe.
Soweit Sie verstehen, sammle ich Musikinstrumente. Und sobald ich während meiner Reise nach Peking eine freie Minute hatte, ging ich sofort in den Musikinstrumentenladen. Was ich mir in diesem Laden gekauft habe, erzähle ich euch ein andermal. Und jetzt, wo ich nicht gekauft habe und was ich schrecklich bereue.
Im Fenster befand sich eine Pfeife mit einer Glocke, deren Design genau einer Zurna ähnelte.
- Wie heißt es? Ich fragte über einen Dolmetscher.
- Sona, - sie haben mir geantwortet.
- Wie ähnlich "sorna - surnay - zurna" - dachte ich laut. Und der Übersetzer bestätigte meine Vermutung:
- Die Chinesen sprechen den Buchstaben r nicht in der Mitte eines Wortes aus.

Sie können mehr über die chinesische Zurna-Variante lesen
Aber wissen Sie, Zurna und Balaban gehen Hand in Hand. Ihr Design hat viele Gemeinsamkeiten - vielleicht ist das der Grund. Und was denkst du? Neben dem Sona-Instrument befand sich ein weiteres Instrument – ​​das Guan oder Guanji. So sah es aus:

So sieht es aus. Leute, Kameraden, Herren, aber das ist der Duduk!
Und wann ist er dort angekommen? Im achten Jahrhundert. Daher ist davon auszugehen, dass es aus China kam – zeitlich und geografisch stimmen überein.
Bisher ist nur dokumentiert, dass sich dieses Werkzeug von Xinjiang nach Osten ausbreitete. Nun, wie spielt man dieses Instrument im modernen Xinjiang?

Sehen und hören Sie ab der 18. Sekunde! Hören Sie sich nur an, was für ein luxuriöser Klang der uigurische Balaman hat - ja, hier heißt er genauso wie in der aserbaidschanischen Sprache (es gibt eine solche Aussprache des Namens).

Und lass uns essen Weitere Informationen in unabhängigen Quellen, zum Beispiel in der iranischen Enzyklopädie:
BALABAN
CH. ALBRECHT
ein ca. 35 cm langes Blasinstrument mit zylindrischer Bohrung und Doppelrohrblatt mit sieben Fingerlöchern und einem Daumenloch, das im östlichen Aserbaidschan im Iran und in der Republik Aserbaidschan gespielt wird.

Oder sympathisiert Iranika mit den Aserbaidschanern? Nun, der TSB sagt auch, dass das Wort Duduk türkischen Ursprungs ist.
Aserbaidschaner und Usbeken haben die Compiler bestochen?
Na, na, Sie werden den Bulgaren definitiv kein Mitgefühl für die Türken verdächtigen!
auf einer sehr seriösen bulgarischen Seite für das Wort duduk:
duduk, dudyuk; duduk, dudyuk (vom türkischen düdük), squeaker, svorche, glasnik, zusätzlich - Narodden darven ist ein Musikinstrument vom Aerophonit-Typ, halbschließende Pfeifen.
Wieder verweisen sie auf den türkischen Ursprung des Wortes und nennen es ihr Volksinstrument.
Wie sich herausstellte, ist dieses Werkzeug vor allem unter den Turkvölkern oder unter den Völkern, die Kontakt zu den Türken hatten, weit verbreitet. Und jede Nation betrachtet es vernünftigerweise als ihr volkstümliches, nationales Instrument. Aber nur einer würdigt seine Entstehung.

Schließlich haben nur die Faulen nicht gehört, dass "Duduk ein alter ist Armenisches Instrument". Gleichzeitig deuten sie an, dass der Duduk vor dreitausend Jahren geschaffen wurde - das heißt in einer unbeweisbaren Vergangenheit. Aber die Fakten und die elementare Logik zeigen, dass dies nicht so ist.

Gehen Sie zurück zum Anfang dieses Artikels und werfen Sie einen weiteren Blick auf Musikinstrumente. Fast alle diese Instrumente werden auch in Armenien gespielt. Aber es ist ziemlich klar, dass all diese Tools in viel mehr erschienen zahlreiche Nationen mit einer klaren und verständlichen Geschichte, unter der die Armenier lebten. Stellen Sie sich ein kleines Volk vor, das zerstreut unter anderen Völkern mit eigenen Staaten und Imperien lebt. Wird ein solches Volk einen kompletten Satz Musikinstrumente für ein ganzes Orchester schaffen?
Ehrlich gesagt dachte ich auch: "Okay, das waren große und komplexe Instrumente, lassen wir sie beiseite. Aber die Armenier konnten wenigstens mit einer Pfeife aufwarten?" Und es stellt sich heraus, dass sie es nicht taten. Wenn sie darauf kämen, hätte diese Pfeife einen rein armenischen Namen und nicht das poetische und metaphorische Tsiranopokh (die Seele eines Aprikosenbaums), sondern etwas Einfacheres, Populäreres, mit einer Wurzel oder völlig onomatopoetisch. Bisher weisen alle Quellen auf die türkische Etymologie des Namens dieses Musikinstruments hin, und die Geographie und die Verbreitungsdaten zeigen, dass der Duduk seine Verbreitung von Zentralasien aus begann.
Nun, machen wir noch eine Annahme und sagen, dass der Duduk aus dem alten Armenien nach Xinjiang kam. Aber wie? Wer hat ihn dorthin gebracht? Welche Völker wanderten um die Jahrtausendwende vom Kaukasus nach Zentralasien ein? Solche Nationen gibt es nicht! Aber die Türken zogen ständig von Zentralasien nach Westen. Sie könnten dieses Instrument gut im Kaukasus und auf dem Territorium der modernen Türkei und sogar in Bulgarien verbreiten, wie die Dokumente zeigen.

Ich sehe ein weiteres Argument der Verteidiger der Version des armenischen Ursprungs des Duduk voraus. Ein echter Duduk wird zum Beispiel nur aus einem Aprikosenbaum hergestellt, der auf Latein Prúnus armeniáca heißt. Aber erstens sind Aprikosen in Zentralasien nicht weniger verbreitet als im Kaukasus. Der lateinische Name weist nicht darauf hin, dass sich dieser Baum vom Gebiet des Gebiets, das den geografischen Namen Armenien trägt, auf der ganzen Welt verbreitet hat. Von dort aus gelangte sie nach Europa und wurde vor etwa dreihundert Jahren von Botanikern beschrieben. Im Gegenteil, es gibt eine Version, die die Aprikose aus dem Tien Shan verbreitet, von dem ein Teil in China und ein Teil in Zentralasien liegt. Zweitens zeigt die Erfahrung sehr talentierter Völker, dass dieses Instrument sogar aus Bambus hergestellt werden kann. Und mein Lieblingsbalaban ist aus Maulbeere und klingt viel besser als Aprikosenbalaban, den ich auch habe und der nur in Armenien hergestellt wird.

Hören Sie, wie ich in ein paar Jahren dieses Instrument gelernt habe. An der Aufnahme teilgenommen Nationaler Künstler Turkmene Gasan Mammadov (Violine) und Volkskünstler der Ukraine, mein Landsmann aus Fergana, Enver Izmailov (Gitarre).

Mit all dem möchte ich dem großen armenischen Duduk-Künstler Jivan Gasparyan Tribut zollen. Es war dieser Mann, der den Duduk zu einem weltweit bekannten Instrument machte, dank seiner Arbeit entstand in Armenien eine wunderbare Schule des Duduk-Spiels.
Aber reden Armenischer Duduk" gilt nur für bestimmte Instrumente, wenn sie in Armenien hergestellt wurden, oder für die Art von Musik, die dank J. Gasparyan entstanden ist. Geben Sie an armenischer Herkunft Duduk können nur diejenigen, die sich unbegründete Behauptungen erlauben.

Bitte beachten Sie, dass ich selbst weder den genauen Ort noch die genaue Zeit des Erscheinens des Duduks angebe. Wahrscheinlich ist es bereits unmöglich festzustellen, und der Prototyp des Duduk ist älter als alle lebenden Völker. Aber ich baue meine Hypothese über die Verbreitung des Duduk auf, basierend auf Fakten und elementarer Logik. Wenn mir jemand widersprechen möchte, dann möchte ich vorab bitten: Bitte verlassen Sie sich bei der Hypothesenbildung ebenso auf beweisbare und verifizierte Fakten aus unabhängigen Quellen, scheuen Sie nicht vor Logik zurück und versuchen Sie, eine andere nachvollziehbare Erklärung zu finden für die aufgeführten Fakten.