Wie heißt die japanische kunst. Japanische Spielfilme

Die Entstehung der Teezeremonie (chanoyu) als eines der größten Phänomene der japanischen Kultur fand in einer für das Land sehr schwierigen, unruhigen Zeit statt, als vernichtende blutige Kriege und Fehden zwischen feudalen Clans das Leben der Menschen unerträglich machten. Die Teezeremonie entstand unter dem Einfluss der Ästhetik und Philosophie des Zen-Buddhismus und versuchte, der Stimmung der Hoffnungslosigkeit die Anbetung der Schönheit entgegenzusetzen.

Damals nutzten die Herrscher der Militärklasse und wohlhabende Kaufleute, die sich zu politischen und kommerziellen Gesprächen versammelten, oft die Gelegenheit, Tee zu servieren. Es galt als ein raffiniertes Vergnügen, in einer ruhigen Teestube zu sitzen, losgelöst von den Sorgen und Sorgen des Lebens, und den Geräuschen von Wasser zu lauschen, das auf einem Kohlenbecken kocht. Der große Lehrer Sen-no-Rikyu machte das Teetrinken zur Kunst. Er konnte die Kunst der Teezeremonie so entwickeln, wie er es tat, auch aufgrund des oben erwähnten sozialen Hintergrunds, der vorhanden war.

Die von Sen no Rikyu gebaute Teestube wirkte auf den ersten Blick sehr einfach und sogar zu klein. Aber es war aufs sorgfältigste geplant, mit feiner Lesbarkeit bis ins kleinste Detail. Es war mit Schiebetüren geschmückt, die mit schneeweißem, durchscheinendem Japanpapier bedeckt waren. Die Decke war mit Bambus oder Stroh verkleidet, und die offene Textur der Wände wurde sehr geschätzt. Die Stützen waren größtenteils aus Holz und behielten ihre natürliche Rinde. Um bei der Gestaltung der Teestube den Effekt einer Einsiedelei zu erzeugen, wurden alle unnützen und übertriebenen Dekorationen verworfen.

Heute ist die Teezeremonie die markanteste, einzigartige Kunst. Es spielt eine wichtige Rolle in der spirituellen und öffentliches Leben Japanisch seit mehreren Jahrhunderten. Im Laufe der Zeit wurde das Ritual der Teezeremonie kanonisiert, die Abfolge von Handlungen und Verhaltensweisen wurde vorgegeben. Bereits durch die einfachen Holztore eingetreten, tauchten die Gäste in eine besondere Welt ein, ließen alles Alltägliche hinter sich und gehorchten in stiller Konzentration nur noch den Gesetzen des Handelns.

Klassisches Chanoyu ist ein streng geplantes Ritual, an dem der Teemeister (die Person, die Tee brüht und eingießt) und die anderen Teilnehmer der Zeremonie teilnehmen. Im Wesentlichen ist ein Teemeister ein Priester, der einen Teeakt aufführt, der Rest sind diejenigen, die sich ihm anschließen. Jeder hat seinen eigenen spezifischen Verhaltensstil, der sowohl die Sitzhaltung als auch jede Bewegung bis hin zu Mimik und Sprechweise umfasst.

Beim Teetrinken werden weise Reden gehalten, Gedichte gelesen, Kunstwerke betrachtet. Blumensträuße und spezielle Utensilien zum Aufbrühen des Getränks werden mit besonderer Sorgfalt für jeden Anlass ausgewählt.

Die Atmosphäre selbst erzeugt die entsprechende Stimmung, die überraschend einfach und bescheiden ist: eine kupferfarbene Teekanne, Tassen, ein Bambusrührer, eine Teeaufbewahrungsbox usw. Die Japaner mögen keine grell glänzenden Gegenstände, sie sind von Stumpfheit beeindruckt. D. Tanizaki schreibt dazu: „Die Europäer verwenden Geschirr aus Silber, Stahl oder Nickel, polieren es auf einen blendenden Glanz, aber wir können einen solchen Glanz nicht ertragen. Wir verwenden auch Silberartikel ... aber wir polieren sie nie auf Hochglanz. Im Gegenteil, wir freuen uns, wenn dieser Glanz von der Oberfläche der Gegenstände abgeht, wenn sie einen Hauch von Rezept bekommen, wenn sie mit der Zeit dunkler werden ... Wir lieben Dinge, die Spuren von menschlichem Fleisch, Ölruß, Verwitterung und Regenschwellungen tragen. Alle Gegenstände für die Teezeremonie tragen die Spuren der Zeit, aber alle sind makellos sauber. Dämmerung, Stille, die einfachste Teekanne, ein Holzlöffel zum Einschenken von Tee, eine raue Keramiktasse – all das fasziniert die Anwesenden.

Das wichtigste Element im Inneren eines Teehauses ist eine Nische - Tokonoma. Es enthält normalerweise eine Schriftrolle mit einem Gemälde oder einer kalligraphischen Inschrift und einem Blumenstrauß, einem Räuchergefäß mit Weihrauch. Tokonoma befindet sich gegenüber dem Eingang und zieht sofort die Aufmerksamkeit der Gäste auf sich. Die Tokonama-Schriftrolle wird mit großer Sorgfalt ausgewählt und ist ein unverzichtbares Diskussionsthema während der Zeremonie. Es ist im Stil des Zen-Buddhismus und mit solch einer archaischen Kalligrafie geschrieben, dass nur wenige die Bedeutung des Geschriebenen erkennen und verstehen können, zum Beispiel: „Bambus ist grün und Blumen sind rot“, „Dinge sind Dinge, und das ist schön !" oder "Wasser ist Wasser." Den Anwesenden wird die Bedeutung dieser äußerlich einfachen, aber gleichzeitig sehr tiefen philosophischen Sprüche erklärt. Mal werden diese Gedanken in der poetischen Form des Haiku ausgedrückt, mal spiegeln sie sich in der Malerei des Altmeisters wider, in der Regel nach dem Prinzip „Wabi“.

In Japan gibt es viele Formen der Teezeremonie, aber nur wenige sind streng etabliert: Nachttee, Sonnenaufgangstee, Morgentee, Nachmittagstee, Abendtee, Spezialtee.

Der Nachttee beginnt mit dem Mond. Die Gäste kommen gegen halb elf an und fahren gegen vier Uhr morgens ab. Üblicherweise wird Tee in Pulverform aufgebrüht, der vor den Augen der Gäste zubereitet wird: Die Blätter werden von Adern befreit und im Mörser zu Pulver gemahlen. Dieser Tee ist sehr stark, er wird nicht auf nüchternen Magen serviert. Daher werden die Gäste zunächst mit etwas anderem Essen verwöhnt. Tee wird bei Sonnenaufgang gegen drei oder vier Uhr morgens getrunken. Die Gäste bleiben zur gleichen Zeit bis sechs Uhr. Morgentee wird bei heißem Wetter praktiziert, die Gäste versammeln sich um sechs Uhr morgens. Der Nachmittagstee wird normalerweise erst gegen 13 Uhr mit Kuchen serviert. Der Abendtee beginnt gegen 18 Uhr. Eine besondere Teeparty (Rinjitya-noyu) wird zu besonderen Anlässen arrangiert: Treffen mit Freunden, Feiertage, Wechsel der Jahreszeiten usw.

Laut den Japanern bringt die Teezeremonie Einfachheit, Natürlichkeit und Ordentlichkeit zum Vorschein. Das stimmt natürlich, aber zur Teezeremonie gehört noch mehr. Es führt die Menschen in ein etabliertes Ritual ein und gewöhnt sie an strenge Ordnung und die bedingungslose Erfüllung sozialer Regeln. Die Teezeremonie ist eine der wichtigsten Grundlagen für die Pflege nationaler Gefühle.

Himeji ist eine der ältesten Burgen Japans.

Japanische Kunst der Antike
Die japanische Kultur nahm Gestalt an und entwickelte sich unter besonderen natürlichen und historischen Bedingungen. Japan liegt auf vier großen und vielen kleinen Inseln, die von Meeren umspült werden. Am äußersten Rand des Ostens gelegen, erlebte sie den periodisch zunehmenden und dann wieder schwindenden Einfluss von Festlandkulturen wie China und Korea. Interaktionszeiten mit Außenwelt wurden in der japanischen Geschichte durch lange Jahrhunderte kultureller Isolation (Zeiträume vom 10. bis 14. und vom 17. bis Mitte des 19. Jahrhunderts) abgelöst. Letzterer Umstand trug zur Entwicklung und Konsolidierung vieler einzigartiger Merkmale der japanischen Kultur im Allgemeinen und der Kunst im Besonderen bei. Die Bekanntschaft mit der Kultur des Westens fand im 16. Jahrhundert statt, als sich die Hauptmerkmale der ursprünglichen japanischen Zivilisation bereits herausgebildet hatten. Bis 1854 handelte Japan mit China und Holland nur über einen einzigen Hafen.

Von den ältesten Bewohnern der japanischen Inseln - Jäger und Fischer - wurden bei archäologischen Ausgrabungen entdeckt Steinäxte, Harpunen, Pfeilspitzen und handgeformte Keramikgefäße, benannt nach dem „Jomon“-Muster, was „Seilspur“ bedeutet, sind auf ihnen aufgedruckt. Daher wird die neolithische Kultur in Japan auch Jomon genannt. Siedler aus Sibirien, Polynesien und später aus Korea und China standen auf verschiedenen Ebenen kulturelle Entwicklung. Dies erklärt die Tatsache, dass in einigen Kulturschichten Denkmäler sowohl aus der Jungsteinzeit als auch aus der Bronzezeit zu finden sind. Die japanische Sprache steht den Sprachen der altaischen Gruppe nahe. Wenn infolge von Kontakten mit chinesische Kultur Seit die Japaner mit der chinesischen Hieroglyphenschrift vertraut wurden, stellte sich heraus, dass es sehr schwierig war, chinesische Hieroglyphen an die mündliche japanische Sprache anzupassen.

Die Anfangszeit der japanischen Kultur, über die zuverlässige Daten erhalten sind, wird als Ära der Kofuns (Hügel) bezeichnet - Bestattungen, deren Bodenteil ein Erdhügel mit charakteristischer Form war - eine Kombination aus einem Kreis und einem Trapez. einem Schlüsselloch ähnelnd, das die Vereinigung von Erde und Wasser symbolisierte. Sie waren von beträchtlicher Größe, sie waren von einem doppelten Graben mit Wasser umgeben, Gras wuchs über dem Hügel und entlang des inneren Umfangs des Hügels befanden sich hohle Tonfiguren von Menschen, Tieren, Modellen von Booten und Häusern von 30 cm bis zu einem anderthalb Meter hoch. Sie wurden "Haniwa" genannt. In der Grabkammer befanden sich Särge mit toten Vertretern des Adels, in denen rituelle Gegenstände platziert wurden: ein Spiegel, eine Dotaku-Glocke, deren Klang böse Geister abschrecken und die Götter anziehen sollte - die Gönner der Ackerbauern. Die Begräbnisse der Yamato-Könige enthielten immer solche rituellen Machtsymbole wie Jadeanhänger und Schwerter. Um die Könige des Yamato-Clans zu erheben, wurde der Beginn der Geschichte festgelegt, die Hierarchie der Götter festgelegt, die Gottheit Amaterasu („Vom Himmel strahlend“) herausgegriffen, die die Macht übergab Japanische Inseln Könige des Yamato-Clans. Der Name "Nippon" oder "Nihon", was "Land der aufgehenden Sonne" bedeutet, tauchte im 7. Jahrhundert auf. Im Jahr 608 begannen Studienreisen nach China, die mehr als zwei Jahrhunderte andauerten.

Dotaku - rituelle Bronzeglocken - nach oben verengte Zylinder mit breiten Schleifen mit geschweiften Leisten, deren Wände in Quadrate unterteilt sind, die mit grafischen Bildern gefüllt sind

Die heterogenen Weltanschauungen der Japaner, die viele Züge des primitiven Animismus und Fetischismus aufweisen, spiegeln sich im Shinto wider. Shinto ("der Weg der Götter") spiegelt in seiner Essenz die japanischen Vorstellungen von der universellen Spiritualität der Natur wider. Unzählige sogenannte "Kami" (Geister) existieren sowohl in wunderbaren Landschaftsobjekten wie dem Biwa-See und dem Berg Fuji als auch in Objekten, die von Menschen geschaffen wurden - Schwerter, Spiegel, die aus diesem Grund mit magischen Eigenschaften ausgestattet sind. Der Shinto-Schrein zeichnete sich durch die Einfachheit seiner Holzstruktur aus: Ein Raum mit einer Halle wurde auf Stelzen gestellt und von allen Seiten von einer Veranda umgeben. Das Innere des Shinto-Schreins war dunkel und leer. Gläubige betraten den Tempel nicht.

Para-Periode (645-794 n. Chr.)

Nara ist der Name der ersten Hauptstadt und damals einzigen Stadt Japans. Dies war die Zeit der Gründung der japanischen Staatlichkeit, der Einführung des Buddhismus und der Schaffung von Denkmälern der buddhistischen Kunst - Tempel, Pagoden, verschiedene Statuen buddhistischer Gottheiten. Der Buddhismus war in dieser Zeit nicht so sehr der Glaube des Volkes als vielmehr eine Fortsetzung der Politik des Hofes. Verschiedene Sekten des Buddhismus spielten am Hof ​​eine sehr bedeutende Rolle, der Landbesitz der buddhistischen Klöster wuchs, die Mönche hatten großen Einfluss am Hof. Es erscheinen buddhistische Klöster, Gruppen von Holzgebäuden, die sich auf einem rechteckigen ummauerten Bereich befinden. Von besonderer Bedeutung war die breite Gasse, die zum Eingangstor führte, der Platz vor dem Tempel und die weithin sichtbare mehrstöckige Pagode. Holztempel waren mit rotem Lack bemalt, auf Steinfundamenten errichtet und hatten breite, geschwungene Doppeldächer - irimoya.

Zu den frühen buddhistischen Tempeln gehören Asukadera, Horyuji, mit dem Bau des letzteren wurde 607 auf Geheiß des damals regierenden Kronprinzen Shotoku Taishi begonnen. Das Kloster bestand aus 53 Gebäuden auf einer Fläche von 90.000 Quadratmetern. Die Fassade des Tempels ist nach Süden ausgerichtet, die Hauptgebäude befinden sich auf der Nord-Süd-Achse, die heilige Zone liegt im Norden, es gab eine Predigthalle - Kodo, Kondo und eine fünfstöckige Pagode. In Horyuji gab es 265 Statuen, das wichtigste skulpturale Bild war die Dreieinigkeit von Shakyamuni, dargestellt durch eine Skulptur des Gründers des Glaubensbekenntnisses, begleitet von zwei Bodhisattvas. Im 8. Jahrhundert In großen Klöstern gab es bereits Bildhauerwerkstätten. Der Kult des Bodhisattva Kannon breitete sich aus, dessen Name eine Übersetzung des Sanskrit-Namens Avalokiteshvara (Aufmerksamkeit auf die Klänge der Welt) war. Voller Mitgefühl für Lebewesen ist ein Bodhisattva in der Lage, den Geräuschen der Leidenden zu lauschen, wo immer sie auch sind. Der Kult von Avalokiteshvara entstand im Nordwesten Indiens und breitete sich nach China aus. Im Lotos-Sutra heißt es, der Bodhisattva habe die Gestalt jener Wesen angenommen, die ihn rufen. In Japan führte die Verbreitung des Kannon-Kultes zum Erscheinen einer großen Anzahl ihrer Bilder - die Heilige Kannon hilft in der Hölle, Kannon mit dem Kopf eines Pferdes verbreitet Gnade über Vieh, böse Geister - Asuras werden zu Tausenden gerettet -bewaffnete Kannon, Kannon mit einem Fischerwald rettet Menschen.

Heian-Zeit (794-1185)

794 wurde die Hauptstadt des Staates in die Stadt Heian (heute Kyoto) verlegt. Während der Heian-Zeit blühte eine anspruchsvolle Hofkultur auf. Eine japanische Silbenschrift wurde erstellt - kana (jap. - eine geliehene Hieroglyphe). Anfangs verwendeten nur Frauen diese Schrift, während die offizielle Schrift weiterhin chinesisch war. Während des X Jahrhunderts. Das Schreiben von Frauen begann, in der privaten Praxis verwendet zu werden. Im XI Jahrhundert. begann die Blütezeit der klassischen japanischen Literatur, ein glänzendes Beispiel dafür ist der Roman "Genji Monogatari", der von der Hofdame Murasaki Shikibu geschaffen wurde.

In der Kunst von Heian nehmen buddhistische Bilder der damals aus China stammenden esoterischen Sekten Tendai und Shingon den Hauptplatz ein, die lehrten, dass alle Lebewesen die Essenz des Buddha haben. Durch die Schulung von Geist und Körper, durch die Erfüllung der Gelübde ist jeder in der Lage, die Essenz des Buddha im Prozess mehrerer Wiedergeburten zu erlangen. Die Tempel dieser Sekten wurden auf den Gipfeln von Bergen und Felsvorsprüngen gebaut, die Kapellen in ihnen waren in zwei Teile geteilt. Im Inneren, wo sich das heilige Bild befand, waren gewöhnliche Gläubige nicht erlaubt.

Die Heian-Ära ist eine Zeit des Luxus für die herrschenden Kreise. Zu dieser Zeit wurde die Art der Behausungen Shinden gebildet. Die Wände und die Bedingungen eines warmen Klimas waren kein Kapital und hatten keinen Referenzwert. Sie könnten sehr leicht auseinander bewegt, bei kaltem Wetter durch haltbarere ersetzt oder bei warmem Wetter ganz entfernt werden. Es gab auch keine Fenster. Anstelle von Glas wurde es auf einen Gitterrahmen gespannt weißes Papier die diffuses Licht in den Raum lässt. Das breite Gesims des Daches schützte die Wände vor Feuchtigkeit und Sonnenlicht. Der Innenraum ohne feste Möbel hatte verschiebbare Trennwände, dank derer es möglich war, nach Belieben entweder eine Halle oder mehrere kleine isolierte Räume zu schaffen, der Boden war mit Strohmatten - Tatami - gleicher Größe (180 um 90 cm).

Konfuzianische und buddhistische Texte wurden während der Heian-Zeit aus China gebracht. Oft waren sie mit Bildern geschmückt. Ursprünglich kopierten japanische Künstler chinesische "berühmte Orte", aber ab dem 10. Jahrhundert. Wenden Sie sich dem Bild von Landschaften und Bräuchen zu Heimatland. „Yamato-e“-Malerei wird entworfen, die sich von chinesischer Malerei unterscheidet, indem sie Themen aus japanischer Poesie, Kurzgeschichten, Romanen oder aus verwendet Volkslegenden. Das Gemälde erhielt seinen Namen vom Namen der Yamato-Region - dem südwestlichen Teil der Insel Honshu, wo die Staatlichkeit Japans gebildet wurde.
Das Bild stellte oft eine Bildrolle mit dem entsprechenden Text dar, die von Hand aufgenommen und von rechts nach links gesponnen wurde, während beim Lesen des entsprechenden Abschnitts die darauf folgende Illustration betrachtet wurde.

Die Yamato-e-Malerei erreichte ihren Höhepunkt in der späten Heian-Zeit. Zu dieser Zeit erschienen professionelle Künstler, die Bilder zu weltlichen Themen auf Bildschirme, Schiebewände (Shoji) und Schriftrollen - Emakimono - malten. Die älteste der Schriftrollen ist die Genji Monogatari. Emakimano-Schriftrollen waren Bildergeschichten. Die Schriftrolle von „Genji-monogatari-emaki“, dem berühmten Roman von Murasaki Shikibu, ist bis heute erhalten geblieben und zeigt in lebhaften Farben das müßige Leben der Aristokratie, sie ist eine Synthese aus Kalligrafie, Literatur und Malerei. In den überlebenden 19 der 54 Kapitel des Romans gibt es keine einzige Handlung und keine durchgehende Handlung in den Illustrationen. Die meisten dargestellten Szenen spielen sich in Innenräumen ab, alles Sichtbare wird von oben gezeigt, es gibt keinen einzigen Fluchtpunkt von Linien, großflächige Übereinstimmungen von Figuren und Architektur, die Gesichter aller Figuren sind gleich, nur Frisuren und Kleidung sind unterschiedlich . Das Hauptthema der Aufmerksamkeit des Künstlers ist die Übertragung des emotionalen Inhalts der Ereignisse des Romans, die allen bekannt sind. Die Haupttechniken sind die Konstruktion von Raum und die Verwendung von Farbmöglichkeiten. Um den inneren Zustand der Charaktere und die Atmosphäre jeder Szene zu vermitteln, ist es für den Künstler wichtig, in welchem ​​​​Winkel in Bezug auf den unteren Rand der Schriftrolle die diagonalen Linien verlaufen, die entweder die Balken der Strukturen oder die Gesimse bezeichnen der Vorhänge oder der Kante der Veranda. Je nach emotionaler Anspannung variiert dieser Winkel zwischen 30 und 54 Grad.

Bodhisattva - Kannon erscheint in China, Korea und Japan hauptsächlich in weiblicher Form, in Händen mit einem Krug, einem Weidenzweig und einem Lasso

In den Häusern der Aristokraten gab es keine Trennwände, die besten Künstler malten Yamato-e-Bilder auf Paravents und Vorhänge. Yamato-e-Gemälde waren Einheit mit literarische Werke, die auch auf Paravents und Vorhängen platziert wurden. In Anthologien der Poesie des X-XIII Jahrhunderts. Verse, die auf Bildschirmen des 9. bis 10. Jahrhunderts geschrieben wurden, sind keine Seltenheit. Die größte Anzahl solcher Gedichte ist in der Anthologie "Sui-shu" enthalten. So wie es in der Poesie um die vier Jahreszeiten ging, so auch in der Malerei für Bildschirme. Im Einklang mit den Volksliedern entwickelte sich ein bestimmtes System poetischer Formeln, das dann zur Grundlage der klassischen japanischen Poetik wurde. Das Zeichen des Frühlings war also ein nebliger Dunst, ein Weidenbaum, ein Zeichen des Sommers - ein Kuckuck, Zikaden, Herbst - scharlachrote Ahornblätter, ein Hirsch, ein Mond, Winter - Schnee und Pflaumenblüten.

Kyoto ist ein altes Juwel Japans.

Die Fülle von Homonymen in der Sprache ermöglichte es, den Versen viele Bedeutungen zu geben. Themen und Handlungen ermöglichten es, durch ein Detail oder einen Hinweis in einer äußerst prägnanten poetischen Form (31 Silben pro Tanka) die Vielfalt aller Schattierungen von Gefühlszuständen auszudrücken. Es gab einen allmählichen Übergang von Bildschirmen mit Texten zu Bildschirmen ohne Text. So entstanden die eigentlichen Bildgattungsunterteilungen shiki-e („Bilder der vier Jahreszeiten“) und mei-se-e („Bilder berühmter Orte“).
Die Komposition solcher Gemälde entsprach keiner der Kategorien Chinesisches Gemälde. Die größte Verschmelzung von Natur und Mensch wird charakteristisch für verschiedene Genres der japanischen Kunst.

Kamakura-Zeit (1185-1333) und Muromachi-Zeit (1333-1568)

Ende des 12. Jahrhunderts wurde die Hauptstadt erneut verlegt, die Macht im Land infolge eines blutigen Bürgerkriegs vom Minamoto-Clan ergriffen, dessen Oberhaupt die Hauptstadt in seine Siedlung Kamakura verlegte, deren Name zum Namen wurde die nächste Etappe in der Geschichte Japans. Die Militärklasse der Samurai kam im Land an die Macht, unter ihnen die Shogune - die eigentlichen Militärherrscher Japans, der Kaiser, der in Nara blieb, behielt nur nominelle Machtattribute. Die Raffinesse der Hofkultur der Samurai bevorzugte Einfachheit. Die Klöster der Zen-Sekte enthielten keine Pagoden mehr, die Tempel glichen ländlichen Hütten. Ab Ende des 13. Jahrhunderts. Unter dem Einfluss der pantheistischen Ideen der Zen-Sekte begann die Landschaft, die Idee der Anwesenheit buddhistischer Gottheiten in allen Landschaftsobjekten zu verkörpern. In den Klöstern von Kamakura hat sich die Ikonographie der Porträts des Minsker Patriarchen entwickelt: eine sitzende und ruhige Pose mit einer betonten Charakteristik des Gesichts, der hypnotischen Kraft des Blicks. Unter dem Einfluss der Zen-Sekte tritt die Bildhauerei in den Hintergrund, die Malerei, insbesondere die Landschaftsmalerei, drückt die Haltung der Menschen dieser Zeit aus.

Die Muromachi-Periode beginnt mit den Ereignissen von 1333, als die Feudalherren der südöstlichen Regionen der Insel Honshu Kamakura eroberten und niederbrannten und die Hauptstadt an Heian zurückgaben. Es war eine Zeit des inneren Streits und der Kriege feudaler Clans. Wegweisend für die Zeit der Trübsal war die Lehre der Anhänger der Zen-Sekte, dass man, wenn man die Einheit mit der Natur erreicht hat, die Härten des Lebens bewältigen und die Einheit mit der Welt erreichen kann. An erster Stelle in der japanischen Kunst steht unter dem Einfluss der Zen-Lehre, dass der „Körper“ des Buddha die Natur ist, die Landschaftsmalerei. In der zweiten Hälfte des XII Jahrhunderts. Malen mit schwarzer Tinte drang aus China nach Japan ein. Die Japaner, die diese Malerei überwiegend praktizierten, waren Mitglieder der Zen-Sekte. Sie erschufen ein neuer Stil, die das neue Glaubensbekenntnis (Shigaku - eine Kombination aus Malerei und Poesie) erklärte. 15. und 16. Jahrhundert - die Zeit der größten Blüte der Tuschemalerei, deren führender Meister Sesshu Toyo (1420-1506) war. Parallel zu diesem Stil existierte auch der Yamato-e-Stil.

Auch Veränderungen in den gesellschaftspolitischen Verhältnissen, die den Militärstand in den Vordergrund rückten, führten zum Auftreten im 16. Jahrhundert. Sein Baustil. Das vormals einzige Volumen des Hauses wird nun mit Hilfe von Schiebetüren (Shoji), Schiebewänden (Fusuma) geteilt. In den Räumen erschien ein besonderer Ort für den Unterricht - ein Regal für Bücher und ein Fenster mit einem breiten Fensterbrett und einer Nische (Tokonoma), in der ein Blumenstrauß oder ein Stein mit skurriler Form platziert und eine vertikale Schriftrolle aufgehängt wurde.

Im 16. Jahrhundert. In der Geschichte der japanischen Architektur tauchen Teepavillons im Zusammenhang mit der Notwendigkeit einer korrekten Durchführung der Teezeremonie auf. Tee wurde während der Kamakura-Zeit von buddhistischen Mönchen als Trank nach Japan gebracht. Das Teeritual (cha-no-yu) wurde auf Initiative des Zen-Mönchs Murata Shuko eingeführt und erforderte eine besondere Methode zur Durchführung. So entstand eine neue Art architektonischer Struktur - Chashitsu (Pavillon für die Teezeremonie), die in ihrer konstruktiven Basis einem Wohnhaus und in ihrer Funktion einem buddhistischen Tempel nahe kam. Die Stützen des Teepavillons waren aus Holz, die Decke war mit Bambus oder Schilf verkleidet. In einer mit Matten ausgekleideten Hütte, 1,5 oder 2 Tatami mit Lehmwänden, kleinen Fenstern auf verschiedenen Ebenen, einer Tokonoma-Nische mit einer hängenden monochromen Landschaft und einer Blume in einer Vase, gab es einen Herd, ein Regal für Utensilien.

Während der Muromachi-Zeit blühte die Gartenkunst auf. Japanische Gärten sind anders. Kleine Gärten befinden sich meistens in Tempeln oder sind mit einem traditionellen Haus verbunden, sie sind so angelegt, dass sie besichtigt werden können. Groß Landschaftsgärten entworfen, um von innen wahrgenommen zu werden.

Kondo - (jap. goldene Halle) - der Haupttempel des buddhistischen Komplexes mit Ikonen, Statuen und Wandmalereien

Der Zen-Tempelgarten wurde nach dem Prinzip einer monochromen Landschaftsrolle angelegt. Anstelle eines Blattes Papier verwendete der Künstler die Fläche eines Sees oder einer mit Kieselsteinen bedeckten Plattform, anstelle von Flecken und Auswaschungen der Dicke - Steine, Moose, Laub von Bäumen und Sträuchern. Allmählich verschwanden Blumen aus dem Garten, sie wurden durch Moose und Sträucher ersetzt, Steine ​​​​wurden anstelle von Brücken verwendet. Einige Gärten waren Landschaft, hügelig (tsukiyama). Die Tsukiyama-Gärten waren eine Kombination aus natürlichen Elementen wie Felsen, Moosen, Bäumen und Teichen mit einem obligatorischen Pavillon am Ufer. Der älteste Landschaftsgarten befindet sich in Kyoto und gehört zum Kloster Sohoji. Trockene Gärten wurden "Hiraniva" genannt, d.h. Wohnung. Hiraniva ist ein „philosophischer“ Garten, da er vom Betrachter eine entwickelte Vorstellungskraft verlangt. Der Hiraniwa-Garten „war von Steinen, Sand und Kieseln übrig. An drei Seiten von einer ihn umgebenden Mauer geschlossen, war der Garten nur zur Kontemplation bestimmt. Am Ende des XV Jahrhunderts. schuf einen der berühmtesten Trockengärten im Ryoanji-Kloster. Es umfasst 15 Steine, die sich auf einer rechteckigen Kiesfläche befinden. Im 1509 angelegten Hiraniwa-Garten des Daitokuji-Klosters wird die Natur durch Kompositionen aus Steinen und Kieselsteinen repräsentiert. Einer der Teile des Gartens wurde "Ozean der Leere" genannt und besteht aus zwei niedrigen Kieselhügeln in der Mitte eines rechteckigen Bereichs. Gärten könnten sich ergänzen.

Am Ende des XV Jahrhunderts. Die Hofschule für dekorative Malerei Kano wurde gegründet. Der Gründer der Schule Kano Masanobu (1434-1530) stammte aus einer Militärklasse und wurde ein anerkannter Berufskünstler am Hof. Seine Landschaften hatten nur Vordergrund, alles andere war in einen nebligen Schleier gehüllt. Die Betonung eines bestimmten Themas des Bildes wurde charakteristisch für die Kano-Schule. Den Hauptplatz in der Arbeit der Künstler der Kano-Schule nahmen dekorative Wandmalereien und Paravents ein Genremalerei. Wandmalereien sind zum Hauptbestandteil der Synthese mit der architektonischen Form und zu einem Mittel geworden, um die figurative Bedeutung des architektonischen Raums zu beeinflussen. Die Merkmale der architektonischen Form wiederum erforderten gewisse stilistische Qualitäten der Gemälde, weshalb sich nach und nach ein neuer Stilkanon herausbildete, der in erhalten blieb Japanische Malerei bis ins 19. Jahrhundert.

Shinden ist eine Art Wohngebäude. Rechteckiger Grundriss des einsäligen Hauptgebäudes mit Südfassade zum Platz hin, von Osten und Westen von Galerien eingerahmt

Momoyama-Zeit (1X73-1614)

Und dieses Mal ging die Ära der Feudalkriege zu Ende, die Macht im Land ging an aufeinanderfolgende Militärdiktatoren über - Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi und Iyaesu Tokugawa. Es war eine Zeit des Städtewachstums, der Säkularisierung und Demokratisierung der Kultur, des Durchbruchs neuer Wertorientierungen. Kultarchitektur hat ihre einstige Bedeutung verloren. Die neuen Herrscher Japans erklärten ihre Macht durch den Bau grandioser Burgen, deren Bau durch das Aufkommen von Schusswaffen in Japan und eine entsprechende Änderung der Kampf- und Verteidigungstaktiken verursacht wurde. Das Schloss ist zu einer grundlegend neuen Art japanischer Architektur geworden. Das asymmetrisch gelegene Territorium der Burg, umgeben von einem Graben und Wach- und Ecktürmen, umfasste einen zentralen Platz und viele Höfe und Räume, unterirdische Unterstände und Gänge. Die Wohnräume befanden sich in einem Holzgebäude auf dem Territorium des Schlosses mit einer strengen Hierarchie des Innenraums, die die soziale Hierarchie widerspiegelte. Die in Dämmerung getauchten Innenräume der Schlösser eigneten sich am besten für dekorative Wandmalereien von grandioser Größe, gefüllt mit leuchtenden Farben auf goldenem Hintergrund.

Kano Eitoku (1543-1590). Der Schöpfer eines neuen Wandmalereistils, der Militärdiktatoren verherrlichen sollte. Er entwickelte zunächst das Prinzip einer einzigen Komposition auf großen horizontalen Flächen, vergrößerte die Formen, verwarf sie kleine Teile um nicht nur Silhouetten, sondern auch die Dynamik ihrer Formen zu vermitteln. Eitoku zeichnet sich durch den Wunsch aus, die Flachheit des Bildes zu erhöhen und seine dekorativen Qualitäten zu verbessern. So gibt es an Stellen, die den leeren Raum symbolisieren, Flecken mit einer Beimischung von Goldpulver. Der Raum der Komposition entfaltet sich nicht in der Tiefe, sondern entlang des Blicks.
Am Ufer des Biwa-Sees wurde 1576 eine bis dahin unbekannte Burg mit einem kolossalen siebenstöckigen Turm errichtet, der die Macht des Diktators Oda Nobunaga demonstrieren sollte. Ein Merkmal des Schlosses war das Vorhandensein nicht nur von offiziellen, sondern auch von privaten Räumen. Die Hauptdekoration der Räume waren Wandmalereien, die von Kano Eitoku in Auftrag gegeben wurden, der drei Jahre lang mit einer großen Gruppe von Assistenten daran arbeitete. Kano Eitoku, der vom Diktator mit der Ausführung des Befehls bedrängt wurde, begann mit einem dicken Pinsel aus Reisstroh die Formen zu vergrößern und griff dabei auf eine lakonische Kunstsprache zurück. Der Hauptplatz wurde von dem Bild von Bäumen, Blumen, Vögeln und Tieren eingenommen. Die Farbgebung war hell, es gab keine Farbnuancen.

Die Veränderung der sozialen Situation im Land nach der Machtübernahme der Tokugawa-Shogune führte zu einem Bauverbot für Burgen.
In der Arbeit von Künstlern des ersten Drittels des 17. Jahrhunderts. neue Eigenschaften beginnen zu übernehmen. In der Malerei machte sich der Wunsch nach ausgewogenen, ruhigen Kompositionen, das Wachstum ornamentaler Formen, das Interesse an der Kultur der Heian-Zeit und den Werken von Yamato-e stärker bemerkbar. Unterscheidungsmerkmal Kano-Schulen dieser Zeit - Ornamentalität und gesteigerte Dekorativität. Als im zweiten Viertel des XVII Jahrhunderts. Der Bau von Burgen wurde verboten, der Paravent wurde zur Hauptform der dekorativen Malerei. Die Monumentalität von Kano Eitoku hinterließ dekorative Malerei. Die Kunst erhielt eine persönliche Färbung, die ihre stilistischen Qualitäten beeinflusste. dekorative Malerei 17. Jahrhundert meistens inspiriert von den Helden und Themen der klassischen Literatur, die das Interessenspektrum der Stammesaristokratie und den Dackel der aufstrebenden bürgerlichen Elite widerspiegeln. Die dekorative Malerei entwickelte sich in der alten Hauptstadt Kyoto.

Ogata Korin wurde zum Sprecher für den Geschmack neuer Kunstkonsumenten - Stadtbewohner, Kaufleute und Kunsthandwerker. neuer Vertreter Kano-Schulen.

Emakimano ist eine horizontale Schriftrolle aus Papier oder Seide, die auf eine Basis geklebt ist, die von einer Brokatbordüre mit einer Holzrolle am Ende umrahmt ist.

Ogata Korin (1658-1716) lebte wie ein reicher Lebemann und besuchte ständig die "Vergnügungsviertel". Erst nach dem Ruin, angesichts der schweren Notwendigkeit, seinen Lebensunterhalt zu verdienen, begann er, Stoffe zu bemalen und zu malen. Ogata Korin befasste sich sowohl mit Keramik als auch mit Lackwaren, bemalten Kimonos und Fächern. Wie
Meister, er begann mit dem Kennenlernen traditionelle Malerei und ihre Methoden. Korin strebte immer nach Kompaktheit, Ausgewogenheit der Formen, einem charakteristischen Merkmal kreative Weise- konzentrieren sich auf die Entwicklung mehrerer Handlungsmotive, ihre wiederholte Wiederholung und Variation. In der Arbeit von Ogata Korin tauchte zum ersten Mal eine Arbeit aus dem Leben auf. Bei der Bemalung des Paravents „Red and White Plum Tree“ geht das von Korin aufgegriffene Handlungsmotiv auf die klassische Poesie mit ihren Bildern vom Vorfrühling und der erwachenden Natur zurück. Auf beiden Seiten des Baches sind auf goldenem Grund blühende Bäume geschrieben: ein stämmiger, mit einem dicken gebogenen Stamm und fast senkrecht aufsteigenden Ästen, ein roter Pflaumenbaum und ein weiterer, nur durch den Fuß des Stammes angedeuteter und scharf gebogener, als würde er ins Wasser fallen, und schoss daher plötzlich einen Zweig hoch, der mit weißen Blumen übersät war.

Kano Eitoku-Falke auf einer Kiefer. Bildschirm. Detail vom Ende des 16. Jahrhunderts.

Ogata Kenzan (1663-1743) war im Gegensatz zu seinem älteren Bruder Ogata Korin seit seiner Jugend zu spirituellen Werten hingezogen, war Anhänger des Zen-Buddhismus, kannte chinesische und japanische klassische Literatur, kein Theater, kein Teeritual. Auf dem zum Ninnaji-Tempel gehörenden Territorium erhielt Kenzan die Erlaubnis, einen eigenen Keramikofen zu bauen, der 13 Jahre lang bis 1712 Produkte produzierte. Er strebte nicht nach Rentabilität, er wurde von der Idee geleitet, hochkünstlerische Produkte zu schaffen . Zum ersten Mal verwendete er traditionelle Tuschemaltechniken in der volumetrischen Malerei. Kenzan begann Farbe zu verwenden, er schrieb auf eine feuchte Scherbe, der poröse Ton saugte die Farbe auf, wie Papier bei der Tuschemalerei. Wie sein großer zeitgenössischer Dichter Basho, der das populäre Low-Genre des Haiku in eine Offenbarung verwandelte, zeigte Ogata Kenzan, dass gewöhnliche Keramikteller, -tassen und -vasen sowohl Gebrauchsgegenstände als auch poetische Meisterwerke der Kunst sein können.

Edo-Zeit (1614-1868)

1615 wurden Samurai von Kyoto nach Edo umgesiedelt. Die Bedeutung der in Mara, Kyoto und Osaka konzentrierten Klasse der Kaufleute, Kaufleute und Wucherer nahm zu. Für Vertreter dieser soziale Gruppen war geprägt von einer säkularen Lebensauffassung, dem Wunsch, sich vom Einfluss der feudalen Moral zu befreien. Erstmals thematisiert die Kunst die Themen des Alltags, darunter auch das Leben der sogenannten. lustige Viertel - die Welt der Teehäuser, Kabuki-Theater, Sumo-Ringer. Das Aufkommen von Holzschnitten wurde mit der Demokratisierung der Kultur in Verbindung gebracht, da Stiche durch Verbreitung, Billigkeit und Zugänglichkeit gekennzeichnet sind. Nach Haushaltsmalerei Gravieren wurde als Ukiyo-e (wörtlich - die veränderliche Welt der Sterblichen) bekannt.

Die Herstellung von Gravuren hat einen weiten Umfang erlangt. Die frühe Periode in der Entwicklung von Ukiyo-e-Grafiken ist mit dem Namen Hasikawa Moronobu (1618-1694) verbunden, der unkomplizierte Szenen aus dem Leben der Bewohner von Teehäusern, Handwerkern, darstellte und Ereignisse zu verschiedenen Zeiten kombinierte, die nichts miteinander zu tun hatten andere, auf einer Gravur. Der Hintergrund der Gravuren blieb weiß, die Linien waren klar. Nach und nach erweiterte sich das Themenspektrum der Gravuren, das Interesse nicht nur an der äußeren, sondern auch an der inneren Welt der Figuren vertiefte sich. Japanischer Stich 1780-1790. tritt in seine Blütezeit. Suzuki Haranobu (1725-1770) begann erstmals, die innere Welt der Helden in Stichen wie „Schönheiten, die einen Pflaumenzweig pflücken“, „Liebhaber in einem schneebedeckten Garten“ zu enthüllen. Er verwendete als erster die Rolltechnik, die einen Übergang von dunklen zu hellen Tönen schafft, variierte die Dicke und Textur der Linien. Er hat sich nie um echte Farben gekümmert, das Meer in seinen Gravuren ist rosa, der Himmel ist sandig, das Gras ist blau, alles hängt vom General ab emotionale Stimmung Szenen. Einer von seinen die besten Werke„Lovers Playing the Same Shamisen“ wurde zum Thema des japanischen Sprichworts „Wenn Musik die Liebe fördert, spiele“ entwickelt.

Tokonoma - eine Nische im Inneren eines Teehauses

Kitagawa Utamaro (1753-1806) - ein herausragender Ukiyo-e-Meister. Seine Arbeit begann mit den Alben "The Book of Insects", "Songs of Shells". In seinen Brust- und Brustporträts von Frauen verwendet Utamaro erstmals Glimmerpulver, das einen schimmernden Hintergrund erzeugt. Perfekte Schönheit Utamaro mit einer anmutigen Form und Passform des Kopfes,
dünner Hals, kleiner Mund, kurze schwarze Augenbrauen. In der Reihe „Zehn weibliche Charaktere"und" Tage und Stunden der Frauen "versuchte er, verschiedene Arten von Aussehen und Charakter von Frauen zu identifizieren. Ende der 90er. In Utamaro behandelt er das Thema Mutterschaft in Stichen wie „Mutter mit Kind“ und „Ballspiel“, gleichzeitig schafft er Triptychen und Polyptychen zu historischen Themen und greift auf indirekte Bezeichnungen zurück (die Helden des Landes werden dargestellt als Schönheiten). Teshusai Shyaraku schuf eine Reihe von Porträts von Kabuki-Theaterschauspielern und Sumo-Ringern. Er gab die allgemein akzeptierten Traditionen auf und machte das Groteske zu seiner Haupttechnik. Die dritte Periode in der Entwicklung von Ukiyo-e-Drucken fällt auf 1800-1868. Zu diesem Zeitpunkt ist der Einfluss auf japanische Kunst Niederländische und deutsche Radierungen. Für die Schaffenskraft der Künstlerdynastie Utagawa wurden die Absage an die Suche nach Individualität, der Wunsch nach formaler Eleganz zu Charakteren. Die Blütezeit der Landschaftsgattung im Kupferstich ist mit dem Namen Katsushika Hokusai (1760-1849) verbunden. Hokusai studierte alte und moderne Trends Japanische Kunst, kannte die Kunst Chinas und lernte die europäische Gravur kennen. Bis zu seinem fast 50. Lebensjahr arbeitete Hokusai in der traditionellen Art und Weise von Ukiyo-e-Künstlern. Erst in den Manga-Alben (einem Skizzenbuch), deren erster Band 1812 erschien, fand Hokusai sein künstlerisches Betätigungsfeld. Jetzt malte er Alltagsszenen, Landschaften, Menschenmassen.

Japanische Landschaftsgärten

Im Alter von 70 Jahren schuf Hokusai seine Serie "36 Ansichten des Berges Fuji", auf jedem der Stiche zeigt der Künstler den Berg Fuji. Die Kombination des Genrethemas mit der Landschaft ist ein Merkmal von Hokusai. Anders als die antiken Landschaftsmaler zeigt Hokusai die Erde von unten. Gleichzeitig schafft er die Serien "Reise durch die Wasserfälle des Landes", "Brücken", "Big Flowers", "100 Views of Fuji". Hokusai konnte Dinge von übertragen unerwartete Seite. In den 100 Views of Fuji-Stichen tauchen die Berge entweder wie eine Vision aus der Dunkelheit der Nacht auf oder sind hinter den Bambushalmen sichtbar oder spiegeln sich im See. Hokusais Nachfolger Ando Hiroshige (1797-1858) malte die Natur viel realistischer. Von Beruf Flussagent, reiste er viel durch das Land und schuf seine Serien „53 Tokaido Stations“, „8 Views of Lake Omi“, „69 Views of Kishikaido“. Die Kunst von Hiroshige nähert sich der europäischen Malerei an und vollendet die zweihundertjährige Blütezeit der Ukiyo-e-Gravur.

Japan? Wie hat es sich entwickelt? Diese und weitere Fragen beantworten wir im Artikel. Die japanische Kultur wurde geprägt von historische Bewegung, die begann, als die Japaner vom Festland auf den Archipel zogen und die Zivilisation der Jomon-Zeit geboren wurde.

Die aktuelle Aufklärung dieses Volkes wurde stark von Europa, Asien (insbesondere Korea und China) und beeinflusst Nordamerika. Eines der Zeichen der japanischen Kultur ist ihre lange Entwicklung in der Ära der völligen Isolation des Staates (Sakoku-Politik) von allen anderen Ländern während der Herrschaft des Tokugawa-Shogunats, die bis Mitte des 19 Meiji-Ära.

Beeinflussen

Wie hat sich die künstlerische Kultur Japans entwickelt? Die Zivilisation wurde maßgeblich durch die isolierte regionale Lage des Landes, klimatisch u geographische Merkmale, sowie Naturphänomene (Taifune und häufige Erdbeben). Dies drückte sich in der außergewöhnlichen Einstellung der Bevölkerung zur Natur als Lebewesen aus. Ein Merkmal des Nationalcharakters der Japaner ist die Fähigkeit, die aktuelle Schönheit des Universums zu bewundern, die in vielen Arten von Kunst in einem kleinen Land zum Ausdruck kommt.

Die künstlerische Kultur Japans entstand unter dem Einfluss von Buddhismus, Shintoismus und Konfuzianismus. Dieselben Trends beeinflussten seine weitere Entwicklung.

Antike

Stimmen Sie zu, die künstlerische Kultur Japans ist großartig. Der Shintoismus hat seine Wurzeln in der Antike. Obwohl der Buddhismus vor unserer Zeitrechnung auftauchte, begann er sich erst ab dem fünften Jahrhundert auszubreiten. Die Heian-Periode (8.-12. Jahrhundert) gilt als das goldene Zeitalter der japanischen Staatlichkeit. Zur gleichen Zeit erreichte die malerische Kultur dieses Landes ihren Höhepunkt.

Der Konfuzianismus entstand im 13. Jahrhundert. Zu diesem Zeitpunkt gab es eine Trennung der Philosophie des Konfuzius und des Buddhismus.

Hieroglyphen

Das Bild der künstlerischen Kultur Japans ist in einer einzigartigen Versschrift verkörpert, die den Titel trägt. In diesem Land ist auch die Kunst der Kalligrafie hoch entwickelt, die der Legende nach aus himmlischen Götterbildern entstanden ist. Sie waren es, die der Schrift Leben eingehaucht haben, daher ist die Bevölkerung freundlich zu jedem Zeichen in der Rechtschreibung.

Gerüchten zufolge waren es Hieroglyphen, die die japanische Kultur hervorbrachten, da von ihnen Bilder erschienen, die die Inschrift umgaben. Wenig später wurde eine starke Kombination von Elementen der Malerei und Poesie in einem Werk beobachtet.

Wenn Sie eine japanische Schriftrolle studieren, werden Sie feststellen, dass das Werk zwei Arten von Symbolen enthält. Dies sind Schriftzeichen - Siegel, Gedichte, Kolofen sowie malerisch. Gleichzeitig gewann das Kabuki-Theater große Popularität. Eine andere Art von Theater – aber – wird vor allem von Militärangehörigen bevorzugt. Ihre Strenge und Grausamkeit hatte einen starken Einfluss auf Nr.

Malen

Die künstlerische Kultur wurde von vielen Spezialisten untersucht. Eine große Rolle bei seiner Entstehung spielte die Kaiga-Malerei, was auf Japanisch Zeichnen oder Malen bedeutet. Diese Kunst gilt als die älteste Malerei des Landes, die durch eine Vielzahl von Lösungen und Formen bestimmt ist.

Darin nimmt die Natur einen besonderen Platz ein, der das heilige Prinzip bestimmt. Die Aufteilung der Malerei in Sumi-e und Yamato-e besteht seit dem zehnten Jahrhundert. Der erste Stil entwickelte sich näher am 14. Jahrhundert. Es ist eine Art monochromes Aquarell. Yamato-e sind horizontal gefaltete Schriftrollen, die häufig zur Dekoration literarischer Werke verwendet werden.

Wenig später, im 17. Jahrhundert, erschien im Land der Druck auf Tafeln - Ukiyo-e. Meister stellten Landschaften, Geishas, Berühmte Schauspieler das Kabuki-Theater. Diese Art der Malerei im 18. Jahrhundert hatte einen starken Einfluss auf die Kunst Europas. Der aufkommende Trend wurde "Japanismus" genannt. Im Mittelalter ging die Kultur Japans über die Grenzen des Landes hinaus - sie wurde weltweit für die Gestaltung stilvoller und modischer Innenräume verwendet.

Kalligraphie

Oh, wie schön ist die künstlerische Kultur Japans! Das Verständnis der Harmonie mit der Natur zeigt sich in jedem seiner Segmente. Was ist moderne japanische Kalligrafie? Es heißt Shodo ("Weg der Benachrichtigungen"). Kalligraphie ist wie das Schreiben eine Pflichtdisziplin. Wissenschaftler haben herausgefunden, dass diese Kunst gleichzeitig mit der chinesischen Schrift entstand.

Übrigens wurde in der Antike die Kultur einer Person nach ihrem Niveau der Kalligrafie beurteilt. Heute gibt es eine Vielzahl von Schreibstilen, die von buddhistischen Mönchen entwickelt werden.

Skulptur

Wie ist die japanische Kultur entstanden? Wir werden die Entwicklung und Art dieses Bereichs des menschlichen Lebens so detailliert wie möglich untersuchen. Die Skulptur ist die älteste Kunstform Japans. In der Antike stellten die Menschen dieses Landes Figuren aus Idolen und Geschirr aus Keramik her. Dann begannen die Menschen, Statuen von Khaniv aus gebranntem Ton auf den Gräbern zu installieren.

Die Entwicklung des Bildhauerhandwerks in der modernen japanischen Kultur ist mit der Verbreitung des Buddhismus im Staat verbunden. Als einer der ältesten Vertreter japanischer Denkmäler gilt die aus Holz gefertigte Statue des Buddha Amitabha, die im Zenko-ji-Tempel aufgestellt ist.

Skulpturen wurden sehr oft aus Balken hergestellt, aber sie sahen sehr reich aus: Die Handwerker bedeckten sie mit Lack, Gold und leuchtenden Farben.

Origami

Magst du die künstlerische Kultur Japans? Das Verständnis der Harmonie mit der Natur wird ein unvergessliches Erlebnis bringen. charakteristisches Merkmal Die japanische Kultur ist zu erstaunlichen Produkten von Origami („gefaltetes Papier“) geworden. Diese Fähigkeit verdankt ihren Ursprung China, wo das Pergament erfunden wurde.

Zunächst wurde "gefaltetes Papier" bei religiösen Zeremonien verwendet. Diese Kunst konnte nur von der Oberschicht studiert werden. Aber nach dem Zweiten Weltkrieg verließ Origami die Häuser der Adligen und fand seine Bewunderer auf der ganzen Welt.

Ikebana

Jeder sollte wissen, was die künstlerische Kultur der Länder des Ostens ist. Japan hat viel Arbeit in seine Entwicklung investiert. Ein weiterer Bestandteil dieser Kultur wundervolles Land ist ikebana ("lebende Blumen", " neues Leben Farben"). Die Japaner sind Fans von Ästhetik und Schlichtheit. Genau diese beiden Qualitäten sind in die Arbeiten investiert. Die Raffinesse der Bilder wird durch die wohltuende Nutzung der natürlichen Schönheit der Vegetation erreicht. Ikebana diente wie Origami auch als Teil einer religiösen Zeremonie.

Miniaturen

Wahrscheinlich haben viele diese künstlerische Kultur bereits verstanden Antikes China und Japan sind eng miteinander verflochten. Und was ist ein Bonsai? Es ist eine einzigartige japanische Fähigkeit, eine fast exakte Miniaturnachbildung eines echten Baumes zu züchten.

In Japan ist es auch üblich, Netsuke herzustellen – kleine Skulpturen, die eine Art Schlüsselanhänger sind. Oft wurden solche Figuren in dieser Funktion an der Kleidung der Japaner befestigt, die keine Taschen hatte. Sie schmückten ihn nicht nur, sondern dienten auch als originelles Gegengewicht. Schlüsselanhänger wurden in Form eines Schlüssels, eines Beutels, eines Weidenkorbs hergestellt.

Geschichte der Malerei

Kunstkultur altes japan Interesse an vielen Menschen. Die Malerei in diesem Land entstand während der japanischen Altsteinzeit und entwickelte sich folgendermaßen:

• Yamato-Zeit. Während der Zeit von Asuka und Kofun (4. bis 7. Jahrhundert) wurden zusammen mit der Einführung von Hieroglyphen, der Schaffung eines Staatsregimes nach chinesischem Vorbild und der Popularisierung des Buddhismus viele Kunstwerke aus China nach Japan gebracht. Danach wurden im Land der aufgehenden Sonne Gemälde im chinesischen Stil reproduziert.
• Nara-Zeit. Im VI und VII Jahrhundert. Der Buddhismus entwickelte sich in Japan weiter. In dieser Hinsicht begann die religiöse Malerei zu gedeihen, mit der die zahlreichen von der Aristokratie errichteten Tempel geschmückt wurden. Im Allgemeinen war der Beitrag zur Entwicklung von Skulptur und Kunst während der Nara-Ära größer als in der Malerei. frühe Gemälde Dieser Zyklus umfasst Wandmalereien der Innenwände des Horyu-ji-Tempels in der Präfektur Nara, die über das Leben von Buddha Shakyamuni erzählen.
• Heian-Ära. In der japanischen Malerei wird ab dem 10. Jahrhundert der Trend des Yamato-e unterschieden, wie wir oben beschrieben haben. Solche Gemälde sind die horizontalen Schriftrollen, die zur Illustration von Büchern verwendet werden.
• Die Ära von Muromachi. Im 14. Jahrhundert erschien der Supi-e-Stil (einfarbiges Aquarell) und in der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Künstler begannen, Gravuren auf Tafeln zu drucken - Ukiyo-e.
• Die Malerei der Azuchi-Momoyama-Ära steht in scharfem Kontrast zur Malerei der Muromachi-Zeit. Es hat einen polychromen Stil mit umfangreicher Verwendung von Silber und während dieser Zeit genoss die Bildungseinrichtung von Kano großes Ansehen und Ruhm. Sein Gründer war Kano Eitoku, der Decken und Schiebetüren zu separaten Räumen bemalte. Solche Zeichnungen schmückten die Burgen und Schlösser des Militäradels.
• Maiji-Ära. Seit der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts teilt sich die Kunst in konkurrierende traditionelle und Europäische Stile. Während der Maiji-Ära erlebte Japan durch den von den Behörden organisierten Prozess der Modernisierung und Europäisierung große soziale und politische Veränderungen. Junge vielversprechende Künstler wurden zum Studium ins Ausland geschickt, und ausländische Künstler kamen nach Japan, um Schulkunstprogramme zu erstellen. Wie dem auch sei, nach anfänglicher Neugier künstlerischer Stil Im Westen ist das Pendel zurückgeschwungen und der traditionelle japanische Stil wurde wiedergeboren. 1880 wurden westliche Kunstpraktiken von offiziellen Ausstellungen verbannt und stark kritisiert.

Poesie

Die künstlerische Kultur des alten Japan wird immer noch untersucht. Sein Merkmal ist Vielseitigkeit, einige Kunststoffe, da es unter dem Einfluss verschiedener Religionen entstanden ist. Es ist bekannt, dass die japanische klassische Poesie aus dem Alltagsleben hervorgegangen ist, in ihm agiert hat und diese Bodenständigkeit bis zu einem gewissen Grad in den traditionellen Formen der heutigen Poesie bewahrt wurde - dreizeiliges Haiku und fünfzeiliges Tanka, die sich durch ein ausgeprägtes auszeichnen Massencharakter. Genau diese Eigenschaft unterscheidet sie übrigens von der elitär orientierten "freien Verse", die zu Beginn des 20. Jahrhunderts unter dem Einfluss der europäischen Poesie in Japan auftauchte.

Ist Ihnen aufgefallen, dass die Entwicklungsstufen der künstlerischen Kultur Japans vielfältig sind? Die Poesie spielte in der Gesellschaft dieses Landes eine besondere Rolle. Eines der bekanntesten Genres ist Haiku, man kann es nur verstehen, wenn man sich mit seiner Geschichte vertraut macht.

Es tauchte erstmals in der Heian-Ära auf, ähnelte dem Renga-Stil, der eine Art Ventil für Dichter war, die eine Pause von den nachdenklichen Versen des Wah einlegen wollten. Haikai entwickelte sich im 16. Jahrhundert zu einem eigenständigen Genre, als Renga zu ernst wurde und Haiku sich auf Umgangssprache stützte und immer noch humorvoll war.

Natürlich wird die künstlerische Kultur Japans in vielen Werken kurz beschrieben, aber wir werden versuchen, ausführlicher darüber zu sprechen. Es ist bekannt, dass im Mittelalter Tanka („lakonisches Lied“) eines der berühmtesten literarischen Genres Japans war. In den meisten Fällen handelt es sich um einen Fünfzeiler, der aus einem Strophenpaar mit einer festen Anzahl von Silben besteht: 5-7-5 Silben in drei Zeilen der ersten Strophe und 7-7 in zwei Zeilen der zweiten. Was den Inhalt betrifft, verwendet das Tanka das folgende Schema: Die erste Strophe stellt ein bestimmtes natürliches Bild dar, und die zweite spiegelt das Gefühl einer Person wider, das dieses Bild widerspiegelt:

• In den fernen Bergen
  Langschwänziger Fasan döst -
  Diese lange, lange Nacht
  Kann ich alleine schlafen? ( Kakinomoto no Hitovaro, frühes 8. Jahrhundert, übersetzt von Sanovich.)

Japanische Dramaturgie

Viele argumentieren, dass die künstlerische Kultur Chinas und Japans faszinierend ist. Magst du darstellende Kunst? Die traditionelle Dramaturgie des Landes der aufgehenden Sonne gliedert sich in Joruri (Puppentheater), Dramaturgie des Noh-Theaters (Kyogen und Yokyoku), Kabuki-Theater und Shingeki. Die Bräuche dieser Kunst umfassen fünf grundlegende Theatergenres: Kyogen No, Bugaku, Kabuki und Bunraku. Alle diese fünf Traditionen sind noch heute präsent. Trotz der kolossalen Unterschiede sind sie durch gemeinsame ästhetische Prinzipien verbunden, die der japanischen Kunst zugrunde liegen. Die Dramaturgie Japans entstand übrigens auf der Bühne von Nr.

Das Kabuki-Theater entstand im 17. Jahrhundert und erreichte gegen Ende des 18. Jahrhunderts seinen Höhepunkt. Auf der modernen Bühne des Kabuki wird die sich über den angegebenen Zeitraum entwickelnde Aufführungsform bewahrt. Die Inszenierungen dieses Theaters sind im Gegensatz zu den Bühnen von No auf einen engen Kreis von Bewunderern der antiken Kunst ausgerichtet und auf das Massenpublikum ausgerichtet. Die Wurzeln der Kabuki-Fähigkeiten stammen aus den Aufführungen von Comedians - Darstellern kleiner Possen, Szenen, die aus Tanzen und Singen bestanden. Die theatralischen Fähigkeiten von Kabuki absorbierten die Elemente von Joruri und No.

Das Erscheinen des Kabuki-Theaters ist mit dem Namen des Arbeiters des buddhistischen Heiligtums O-Kuni in Kyoto (1603) verbunden. O-Kuni trat auf der Bühne mit religiösen Tänzen auf, die die Bewegungen der Volkstänze der Nembutsu-odori beinhalteten. Ihre Auftritte waren mit komischen Stücken durchsetzt. Zu diesem Zeitpunkt hießen die Produktionen Yujo-Kabuki (Kabuki der Kurtisanen), O-Kuni-Kabuki oder Onna-Kabuki (Damen-Kabuki).

Gravuren

Im letzten Jahrhundert begegneten die Europäer und dann die Russen dem Phänomen der japanischen Kunst durch Gravuren. Unterdessen galt im Land der aufgehenden Sonne das Zeichnen auf einem Baum zunächst überhaupt nicht als Kunst, obwohl es alle Eigenschaften der Massenkultur hatte - Billigkeit, Verfügbarkeit, Verbreitung. Ukiyo-e-Kenner konnten sowohl bei der Verkörperung von Handlungen als auch bei ihrer Auswahl höchste Verständlichkeit und Einfachheit erreichen.

Ukiyo-e war eine besondere Kunstschule, daher konnte sie eine Reihe herausragender Meister vorweisen. So ist der Name Hisikawa Moronobu (1618-1694) mit der Anfangsphase der Entwicklung der Plotgravur verbunden. In der Mitte des 18. Jahrhunderts schuf Suzuki Harunobu, der erste Kenner der Mehrfarbengravur. Die Hauptmotive seiner Arbeit waren lyrische Szenen, in denen nicht auf Handlung geachtet wurde, sondern auf die Übertragung von Stimmungen und Gefühlen: Liebe, Zärtlichkeit, Traurigkeit. Wie exquisit Antike Kunst In der Heian-Ära haben Ukiyo-e-Virtuosen den außergewöhnlichen Kult der raffinierten Schönheit einer Frau in einer renovierten städtischen Umgebung wiederbelebt.

Der einzige Unterschied war, dass die Drucke anstelle der stolzen Heian-Aristokraten anmutige Geishas aus den Vergnügungsvierteln von Edo zeigten. Der Künstler Utamaro (1753-1806) ist vielleicht ein einzigartiges Beispiel für einen Fachmann in der Geschichte der Malerei, der sein Schaffen vollständig der Darstellung von Damen in verschiedenen Posen und Kleidern unter verschiedenen Lebensumständen widmete. Eines seiner besten Werke ist der Stich „Geisha Osama“, der in Moskau im Puschkin-Malmuseum aufbewahrt wird. Die Einheit von Gestik und Stimmung, Mimik vermittelte der Künstler ungewöhnlich subtil.

Manga und Anime

Viele Künstler versuchen, die Malerei Japans zu studieren. Was ist Anime (japanische Animation)? Es unterscheidet sich von anderen Animationsgenres dadurch, dass es eher auf einen erwachsenen Zuschauer abgestimmt ist. Hier gibt es eine duplikative Einteilung in Stile für eine Eindeutigkeit Zielgruppe. Das Maß der Vernichtung ist das Geschlecht, das Alter oder das psychologische Porträt des Kinobesuchers. Anime ist sehr oft eine Verfilmung japanischer Manga-Comics, die ebenfalls große Berühmtheit erlangten.

Der grundlegende Teil des Mangas ist für einen erwachsenen Zuschauer konzipiert. Laut Daten aus dem Jahr 2002 waren etwa 20 % des gesamten japanischen Buchmarktes von Manga-Comics besetzt.

Japan liegt uns geografisch nahe, blieb aber trotzdem lange Zeit unverständlich und für die ganze Welt unzugänglich. Heute wissen wir viel über dieses Land. Eine lange freiwillige Isolierung hat dazu geführt, dass sich seine Kultur von den Kulturen anderer Staaten völlig unterscheidet.

Details Kategorie: Bildende Kunst und Architektur des 19. Jahrhunderts Gepostet am 14.08.2017 18:30 Aufrufe: 1604

In der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Ukiyo-e dominierte noch immer die japanische Malerei. 1868, nach der Meiji-Revolution und der Öffnung der Grenzen, wurden die Errungenschaften der westlichen Zivilisation in Japan zugänglicher, und Ukiyo-e geriet allmählich aus der Mode und wurde durch die Fotografie ersetzt.
Aber der Reihe nach.

Ukiyo-e-Stil

Ukiyo-e(Japanische Gemälde (Bilder) der sich verändernden Welt) - ein Trend in der bildenden Kunst Japans. Ursprünglich wurde dieser buddhistische Begriff in der Bedeutung von „Welt der Sterblichen, Tal der Trauer“ verwendet. Aber in der Edo-Zeit, mit dem Aufkommen speziell ausgewiesener Stadtblöcke, in denen das Kabuki-Theater blühte und die Heimstätten von Geishas und Kurtisanen waren, wurde der Begriff neu gedacht und begann, ihn als "die Welt der flüchtigen Freuden, der Welt" zu verstehen Welt der Liebe."
Ukiyo-e-Drucke sind die Hauptart des Holzschnitts in Japan. Diese Kunstform wurde in der zweiten Hälfte des 17. Jahrhunderts in der städtischen Kultur populär. Der Gründer von ukiyo-e ist ein japanischer Maler und Grafiker. Hisikawa Moronobu.

H. Moronobu „Herbst in Asakusa. Kirschblüten im Ueno-Park. Bildschirmmalerei. Freier Galerie (Washington)
Anfangs waren die Gravuren schwarz-weiß, mit Tinte gemacht. Ab Anfang des 18. Jahrhunderts. Einige Werke wurden von Hand mit einem Pinsel gemalt.
Ukiyo-e-Drucke waren hauptsächlich für Stadtbewohner gedacht, die sich teurere Bildmalereien nicht leisten konnten.
Ukiyo-e-Themen sind Bilder des Alltags: schöne Geishas, ​​Sumo-Ringer, beliebte Kabuki-Theaterschauspieler und später Landschaftsdrucke.

Katsushika Hokusai „Die große Welle vor Kanagawa“ (1823-1831)
In der Zeit des XVIII-XIX Jahrhunderts. Bemerkenswerte Künstler waren Utamaro, Hokusai, Hiroshige und Toshusai Syaraku.
Zu einer Zeit, als der Ukiyo-e-Stil in Japan aus der Mode kam und in Westeuropa und Amerika an Popularität gewann, begannen Kunsthistoriker, massiv Gravuren zu kaufen.
Japanische Gravuren inspirierten viele europäische Künstler, die im Stil des Kubismus, Impressionismus, Postimpressionismus arbeiteten: Vincent van Gogh, Claude Monet usw. Dieser Einfluss wurde "Japanismus" genannt.

Vincent van Gogh "Porträt von Papa Tanguy" (1887-1888). Leinwand, Öl. Rodin-Museum (Paris)

Bemerkenswerte Ukiyo-e-Künstler:

Hisikawa Moronobu (17. Jahrhundert)
Kitagawa Utamaro (XVIII Jahrhundert)
Kawanabe Kyosai (19. Jahrhundert)
Katsushika Hokusai (XVIII-XIX Jahrhundert)
Utagawa Hiroshige (19. Jahrhundert)
Utagawa Kunisada (19. Jahrhundert)
Utagawa Kuniyoshi (19. Jahrhundert)
Keisai Eisen (19. Jahrhundert)
Suzuki Harunobu (19. Jahrhundert)
Toyohara Kunitika (19. Jahrhundert)
Tsukioka Yoshitoshi (19. Jahrhundert)
Ogata Gecko (XIX-XX Jahrhundert)
Hasui Kawase (XX Jahrhundert)

Betrachten Sie die Arbeit einiger von ihnen.

Katsushika Hokusai (1760-1849)

Katsushika Hokusai. Selbstportrait
Berühmter japanischer Ukiyo-e-Künstler, Illustrator, Graveur. Arbeitete unter vielen Decknamen (mindestens 30). In eine Handwerkerfamilie hineingeboren, begann er im Alter von 6 Jahren zu malen. Als er in einer Buchhandlung arbeitete, lernte er Lesen und Schreiben. Danach arbeitete er in der Werkstatt eines Graveurs – das Gravieren war damals in Japan sehr beliebt.
1793-1794. beginnt unabhängiges Leben ein Künstler, ziemlich materiell, aber von Kunst durchdrungen - er studiert verschiedene Malschulen: die Kano-Schulen (Landschaften, Bilder von Vögeln und Tieren, Alltagsszenen; sie verzierten die Türen von Schiebewänden mit einem Muster); Sotatsu-Schule (Bild Alltagsleben Japanisch u japanische Landschaften an Schiebetüren). Der Künstler beginnt allmählich, seinen eigenen Stil zu entwickeln.
1796 begann der Künstler, das zu verwenden, was später weit verbreitet war berühmter Spitzname Hokusai. Im Jahr 1800, im Alter von 41 Jahren, begann der Künstler, sich Gakejin Hokusai ("Malender verrückter Hokusai") zu nennen.
Der Künstler begreift das Bild der Welt durch das Bewusstsein um die Bedeutung, den besonderen Wert des Alltags der Menschen, ihrer Arbeit und Anliegen. Das Leben der Natur, ihre Bedeutung und Schönheit in den Landschaften von Hokusai werden nur dank der Anwesenheit von Menschen deutlich, die ihren üblichen Angelegenheiten nachgehen. Hokusai verbrachte den größten Teil seines Lebens damit, durch das Land zu reisen und alles zu skizzieren, was er sah. Hokusai war nicht nur als Kupferstecher, sondern auch als Schriftsteller, Dichter und Maler bekannt.
Er war der erste der japanischen Gravurkünstler, in dessen Werk die Landschaft an Bedeutung gewann. eigenständiges Genre. Die Landschaften von Hokusai haben die lebhafte und majestätische Natur Japans eingefangen.
Für meine lange künstlerische Tätigkeit Er schuf etwa 30.000 Zeichnungen und Stiche und illustrierte etwa 500 Bücher.
Die Blütezeit von Hokusais Kreativität geht auf die 1820er und frühen 1830er Jahre zurück. Zu dieser Zeit schuf er seine beste Landschaftsserie. Diese Serien verblüffen mit der Tiefe und dem Reichtum von Hokusais künstlerischer Vision - von einem breiten philosophischen Verständnis der Weltanschauung in der Serie "36 Ansichten des Berges Fuji" (1823-1829) bis zur epischen Erhabenheit der Natur in der Serie "Bridges" ( 1823-1829), bewundert seine Urgewalt in „Waterfalls“ (1827-1830) bis hin zu einem subtil lyrischen Naturerlebnis in der Serie „Poets of China and Japan“ (1830).

Katsushika Hokusai Südwind. Klarer Tag". Kolorierter Holzschnitt (1823-1831) aus der Folge „Sechsunddreißig Ansichten des Fuji“
Einer der meisten bedeutende Werke Hokusai, in dem die Originalität seiner Arbeit als Künstler-Denker am deutlichsten zum Ausdruck kommt, ist die Serie „36 Views of Fuji“. Die meisten Blätter dieser Serie stellen verschiedene Genreszenen dar: ein Fischer, der seine Netze auswirft; Säger, die in einem Holzlager arbeiten; ein Küfer, der eine Wanne herstellt usw. Alle diese Szenen spielen in einer Landschaft mit dem Berg Fuji im Hintergrund.
Kreativität Hokusai sorgte für zahlreiche Nachahmungen, die Zahl seiner Schüler war sehr groß. Aber fast alle Anhänger des Künstlers zeichnen sich dadurch aus, dass sie nur die äußere Seite seiner kreativen Methode aufnehmen.

Surimono

Surimono ist eine Art traditioneller japanischer Kunst, farbiger Holzschnitt, der als Geschenk unter der japanischen städtischen Intelligenz diente. Jubiläen, die Geburt eines Sohnes, der Beginn der Kirschblütenzeit, das anstehende neue Jahr etc. könnten Anlass für ein solches Geschenk sein. Die Genres von Surimono waren vielfältig: das Bild von Figuren, das Bild von Tieren, Blumen und Vögeln, die Landschaft.
Das Bild, das mit visuellen, poetischen und technischen Mitteln geschaffen wurde, musste Integrität haben. Surimono ist sowohl Kunst als auch ein Spiel und eine Art der Unterhaltung, die zum Alltag der Stadtbewohner gehört.

Katsushika Hokusai „Karpfen“ (Surimono)
Das Verdienst von Hokusai beim Aufstieg der Popularität von Surimono ist groß: Er macht es zur wichtigsten Art japanischer Holzschnitte.
Menschen auf Hokusais Surimono sind "am Leben". Vor dem Hintergrund der Landschaft dargestellt, interagieren sie aktiv mit ihr: Sie bedecken mit den Händen die Augen vor der Sonne, zeigen auf die Wolken, spähen in die unendlichen Weiten, kehren dem Betrachter manchmal sogar den Rücken zu.

Katsushika Hokusai. Surimono

Manga

"Manga" (jap. wörtlich "Zeichnungen von Hokusai") ist eines der wichtigsten Werke im kreativen Erbe des Künstlers, das von ihm auf dem Höhepunkt seines Ruhms geschaffen wurde. „Manga“ ist ein Ausdruck von Hokusais Ansichten über Kreativität, seine Philosophie, enthüllt die Geheimnisse des Meisters; es ist nicht nur als Meilenstein im Leben von Hokusai wertvoll, sondern auch als wichtige Informationsquelle über die Kultur und Kunst Japans in der Ära des Spätfeudalismus. Hokusais Manga wird oft als „Enzyklopädie des japanischen Volkes“ bezeichnet. Die meisten Zeichnungen zeigten Szenen aus dem Stadtleben, es gab viele Skizzen von Menschen. Die Sammlung war ein Tagebuch, in das der Meister alles, was er im Leben sah, in Form von Zeichnungen (nicht Text) eintrug.

Katsushika Hokusai „Betrachtung des Berges Fuji“ (1814) Manga
Hokusai hatte, wie die japanische Kunst im Allgemeinen, einen bedeutenden Einfluss auf die europäische Kunst Kunst XIX Jahrhundert, einschließlich des französischen Impressionismus. Das Thema von Hokusais Stichen ist in den Werken von Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir und anderen präsent.
Der letzte bedeutende Vertreter der japanischen Gravur in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Landschaftsmaler Ando Hiroshige.

Ando Hiroshige (1797-1858)

Utagawa Hiroshige ist ein japanischer Grafiker, ein Vertreter der Ukiyo-e-Richtung, ein Meister des Farbholzschnitts. Autor von mindestens 5400 Stichen. In lyrischen Landschaften mit Genremotiven vermittelte er die unsteten Naturzustände, die atmosphärischen Wirkungen von Schnee und Nebel. Arbeitete unter dem Pseudonym Ando Hiroshige.
Er verlor seinen Vater und seine Mutter früh. Bildende Kunst Ich begann zu studieren, nachdem ich die Arbeit von Hokusai gesehen hatte.
Hiroshige war ein Schüler des Graveurs Utagawa Toyohiro (1763-1828). Das erste Werk, das Hiroshiga Berühmtheit einbrachte, war die Druckserie „53 Tokaido Stations“, die 1834 gedruckt wurde. Hiroshige führt das Landschaftsgenre von Hokusai fort und entwickelt es auf seine eigene Weise weiter.
Der Tokaido war eine der fünf Straßen, die Edo mit anderen Teilen Japans verbanden. Es verlief entlang der Ostküste von Honshu. An ihr entlang befanden sich 53 Poststationen, wo Reisenden Unterkunft, Verpflegung und Stallungen angeboten wurden.
1832 reiste Hiroshige als Teil einer offiziellen Delegation durch den Tokaido, um Pferde für den kaiserlichen Hof zu transportieren. Landschaften machten einen starken Eindruck auf den Künstler, und er fertigte viele Skizzen an. Nach seiner Rückkehr nach Hause schuf er einen Zyklus von 53 Werken. Der Erfolg dieser Serie machte Hiroshige zu einem der bedeutendsten und anerkanntesten Grafiker.

A. Hiroshige. 1. Station: Shinogawa

A. Hiroshige. 30. Station: Maisaka

A. Hiroshige. 32. Station: Shirasuka
IN natürliche Schönheit Die Natur von Hiroshige zieht Ausdruckskraft an.
Hiroshiges Werk schließt die Zeit der glanzvollen Blüte des japanischen Farbholzschnitts des 18. und der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts ab. Gravur 1850-1860 keinen einzigen bedeutenden Künstler vorstellte, Stilisierung und Eklektizismus werden in ihr immer ausgeprägter.
1868 fand in Japan eine bürgerliche Revolution statt, und in den 1880er Jahren wurde es eine Monarchie. Diese Ereignisse markierten den Beginn einer neuen Etappe in der Geschichte der japanischen Kunst, denn. Japan trat in das Weltsystem der kapitalistischen Länder ein. In der japanischen Kunst dieser Zeit entstanden zahlreiche Schulen und Gruppierungen. Einige von ihnen gingen den Weg der Beherrschung der europäischen Kunst, andere japanische Künstler (zum Beispiel Kuroda Kiyoteri (1866-1924) gingen, um in Europa zu studieren. Aber es gab auch diejenigen, die versuchten, die Reinheit nationaler Traditionen zu bewahren.
Ende des 19. bis Anfang des 20. Jahrhunderts in der Kunst Japans war eine Zeit der Revision der alten künstlerischen Tradition, der Entwicklung der europäischen Kunst, der Suche nach einer neuen sowie ihrer eigenen Entwicklung.

Angewandte Kunst Japans

Die Blütezeit der japanischen angewandten Kunst begann Ende des 16. Jahrhunderts. Im 19. Jahrhundert Holzschnitzerei, Knochenschnitzerei, Keramik und Porzellan waren weit verbreitet.
Es sollte auch gesagt werden Netsuke- Miniaturskulptur, ein Werk japanischer Kunst und Handwerk. Netsuke ist ein kleiner geschnitzter Schlüsselanhänger, der für traditionelle japanische Kleidung, Kimono und Kosode verwendet wurde.

Netsuke, das Hotei (den Gott der Kommunikation, des Spaßes und des Wohlstands) darstellt. Elfenbein, zeitgenössische Arbeit
Das erste Netsuke erschien in Japan in der zweiten Hälfte des 16. und frühen 17. Jahrhunderts. Ab Ende des 19. Jahrhunderts und im gesamten 20. Jahrhundert. Netsuke wurden für den Export hergestellt. Sie werden noch heute hergestellt. Dies sind Souvenirprodukte, die mit einem Fließbandverfahren hergestellt werden, nicht sehr Gute Qualität. Aber die Kunst des Netsuke verschwand nicht. Und heute gibt es Meister, deren Spezialität das Netsuke-Schnitzen ist.

Netsuke mit einem Geheimnis

Japan ist ein erstaunliches östliches Land, das auf den Inseln liegt. Ein anderer Name für Japan ist Land aufgehende Sonne. Das milde, warme, feuchte Klima, Bergketten von Vulkanen und Meerwasser schaffen herrliche Landschaften, in denen junge Japaner aufwachsen, was zweifellos die Kunst dieses kleinen Staates geprägt hat. Hier Leute mit frühe Jahre Sie gewöhnen sich an Schönheit, und frische Blumen, Zierpflanzen und kleine Gärten mit einem See sind ein Merkmal ihrer Behausungen. Jeder versucht, sich ein Stück Tierwelt zu organisieren. Wie alle östlichen Nationalitäten haben die Japaner eine Verbindung zur Natur bewahrt, die in den Jahrhunderten des Bestehens ihrer Zivilisation geehrt und respektiert wird.

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Japanische Architektur

Lange Zeit Japan galt als geschlossenes Land, Kontakte gab es nur mit China und Korea. Ihre Entwicklung vollzog sich daher auf einem ganz eigenen Weg. Später, als verschiedene Neuerungen das Territorium der Inseln zu durchdringen begannen, passten die Japaner sie schnell für sich an und machten sie auf ihre eigene Weise neu. Der japanische Baustil besteht aus Häusern mit massiven, geschwungenen Dächern, mit denen Sie sich vor ständigen starken Regenfällen schützen können. Das eigentliche Kunstwerk ist kaiserliche Paläste mit Gärten und Pavillons.

Von den in Japan gefundenen Kultstätten kann man hölzerne Shinto-Tempel unterscheiden, die bis heute erhalten sind, buddhistische Pagoden und buddhistische Tempelkomplexe, die in mehr erschienen sind Spätzeit Geschichte, als der Buddhismus vom Festland ins Land kam und zur Staatsreligion erklärt wurde. Wie Sie wissen, sind Holzgebäude nicht langlebig und anfällig, aber in Japan ist es üblich, Gebäude in ihrer ursprünglichen Form nachzubauen, sodass sie auch nach Bränden in der Form wieder aufgebaut werden, in der sie einst gebaut wurden.

Skulptur von Japan

Der Buddhismus hatte einen starken Einfluss auf die Entwicklung der japanischen Kunst. Viele Werke stellen das Abbild des Buddha dar, so wurden in den Tempeln zahlreiche Statuen und Skulpturen des Buddha geschaffen. Sie waren aus Metall, Holz und Stein. Nur einige Zeit später tauchten Handwerker auf, die begannen, weltliche Porträtskulpturen herzustellen, aber im Laufe der Zeit verschwand der Bedarf an ihnen, so dass immer häufiger skulpturale Reliefs mit tiefen Schnitzereien zur Dekoration von Gebäuden verwendet wurden.

Miniatur-Netsuke-Skulpturen gelten in Japan als nationale Kunstform. Anfänglich spielten solche Figuren die Rolle eines Schlüsselanhängers, der am Gürtel befestigt war. Jede Figur hatte ein Loch für eine Schnur, an der die notwendigen Gegenstände aufgehängt wurden, da die Kleidung zu dieser Zeit keine Taschen hatte. Netsuke-Figuren zeigten weltliche Charaktere, Götter, Dämonen oder verschiedene Artikel die eine besondere geheime Bedeutung hatten, zum Beispiel den Wunsch nach Familienglück. Netsuke bestehen aus Holz, Elfenbein, Keramik oder Metall.

Japanisches Kunsthandwerk

Die Herstellung von Blankwaffen wurde in Japan in den Rang einer Kunst erhoben, was die Herstellung des Samuraischwerts zur Perfektion brachte. Schwerter, Dolche, Schwertrahmen, Elemente der Kampfmunition dienten als eine Art männlicher Schmuck, der die Zugehörigkeit zu einer Klasse anzeigte, also wurden sie hergestellt ausgebildete Handwerker, verziert mit Edelsteinen und Schnitzereien. Zu den Volkshandwerken Japans gehört auch die Herstellung von Keramik, Lackwaren, Weberei und Holzschnitthandwerk. Japanische Töpfer bemalen traditionelle Keramik mit verschiedenen Mustern und Glasuren.

Japanische Malerei

Zunächst dominierte in der japanischen Malerei eine monochrome Malerei, die eng mit der Kalligrafie verflochten war. Beide wurden nach den gleichen Prinzipien erstellt. Die Kunst der Farb-, Tinten- und Papierherstellung kam vom Festland nach Japan. In dieser Hinsicht begann eine neue Entwicklungsrunde der Malkunst. Zu dieser Zeit waren die langen horizontalen Schriftrollen von Emakinomo, die Szenen aus dem Leben des Buddha darstellten, eine der Arten der japanischen Malerei. Die Landschaftsmalerei in Japan begann sich viel später zu entwickeln, woraufhin Künstler auftauchten, die sich auf Szenen spezialisierten weltliches Leben, Schreiben von Porträts und Militärszenen.

In Japan zeichneten sie normalerweise auf Paravents, Shoji, Hauswände und Kleidung. Der Paravent für den Japaner ist nicht nur ein funktionales Element der Wohnung, sondern auch ein Kunstwerk zur Kontemplation, das die allgemeine Stimmung des Raumes bestimmt. Auch die nationale Kimono-Kleidung gehört zu den Objekten der japanischen Kunst und trägt eine besondere orientalische Note. Dekorplatten auf Goldfolie mit leuchtenden Farben können auch den Werken der japanischen Malerei zugeschrieben werden. Die Japaner erreichten große Geschicklichkeit bei der Erstellung von Ukiyo-e, dem sogenannten Holzschnitt. Die Handlung solcher Gemälde waren Episoden aus dem Leben gewöhnlicher Bürger, Künstler und Geishas sowie prächtige Landschaften, die das Ergebnis der Entwicklung der Malkunst in Japan wurden.