Primitive Künstler des 20. Jahrhunderts. Primitivismus – naive Kunst
Der Stil des Primitivismus in der Malerei hat breite Anwendung gefunden. Vertreter dieses Trends waren vor allem autodidaktische Künstler, die nicht über ausreichende berufliche Fähigkeiten verfügten, aber versuchten, sich selbst und ihre Vision von der Welt zu zeigen. Wie jede andere Innovation brachte der Primitivismus große Künstler hervor, die nach Ruhm strebten lange Jahre Nach ihrer Ausbildung waren sie mit der neuen Richtung der Malerei unzufrieden, die nicht die Hälfte ihres Lebens in Anspruch nahm, um ihre künstlerischen Fähigkeiten zu verbessern. Die meisten Kunstkritiker mochten jedoch einfache Meisterwerke, und der Primitivismus eroberte dennoch seinen Platz in einer Vielzahl von Stilen.
Merkmale des Primitivismus
Der Primitivismus in der Malerei zeichnet sich durch eine Vereinfachung der Bilder aus: Künstler verzerren die Umwelt Dadurch sehen die Bilder eher wie gewöhnliche Kinderzeichnungen aus. Die Änderungen wurden jedoch absichtlich vorgenommen: Durch die Illusion von Einfachheit und Nachlässigkeit kann man sehen tiefe Bedeutung funktioniert. Wie in allen anderen künstlerischen Stilen sind auch im Primitivismus Details wichtig – sie tragen die semantische Hauptlast.
Art Brut
Art Brut ist ein wichtiger Zweig des Primitivismus. Ein Synonym für die Definition ist der Begriff „Außenseiterkunst“. Die Werke dieser Branche repräsentieren die Welt der Geisteskranken oder Freaks, die sich einst von der Gesellschaft entfernten und in eine besondere Realität eintauchten. Ein wichtiges Merkmal der Art Brut wird berücksichtigt völlige Abwesenheit klare Grenzen zwischen den Fantasien des Künstlers und wahres Leben. Fülle kleine Teile deutet auf die Gedankenlosigkeit des Lebens und die vergebliche Eile hin moderne Welt- Dies ist eine der häufigsten Autorenbotschaften der Art Brut.
Die Meinung, dass sich hinter der Naivität der Bilder keine Idee verbirgt, ist falsch. Der Primitivismus ist nicht mit Entourage gesättigt, sondern internen Zustand Seelen. Es kann erst nach sorgfältiger Betrachtung und Analyse der dargestellten Details bemerkt werden – ein flüchtiger Blick ist hier unangebracht.
So lernen Sie, den Primitivismus in der Malerei richtig zu erkennen
Der Primitivismus existiert nicht ohne die Naivität und spontane Inspiration des Autors. Wer solchen Geschichten zum ersten Mal begegnet, verspürt ein nostalgisches Gefühl. Die Sicht der Kinder auf die Welt liegt in gebrochenen Proportionen, leuchtenden und satten Farben und tiefen moralischen Untertönen. Ein Mann im Primitivismus gleicht eher einer Puppe als einer echter Charakter- es trägt zu seinem Geheimnis bei.
Die Fähigkeit, auf Details zu achten und diese richtig zu interpretieren, ist ein echtes Talent. Bei der Bestimmung künstlerischer Stil es wird nicht überflüssig sein. Sie können lernen, den Künstler selbst zu verstehen. Um dies zu erreichen, lohnt es sich, sich an einige wichtige Kriterien zu erinnern, anhand derer sich Werke des Primitivismus leicht vom Surrealismus unterscheiden lassen.
Erstens reine Farben. Die Fülle an Tönen und Halbtönen, Hell-Dunkel, Raumtiefe – das ist kein Primitivismus. In der naiven Kunst werden reine Pastellfarben oder im Gegenteil zu helle Farbtöne verwendet. Zweitens gebrochene Proportionen. Wenn das Bild stilisierten Illustrationen für ähnelt Fantasy Buch Es ist also Primitivismus. Drittens verbindet die Vermischung von Realität mit Fantasieideen – Primitivismus in der Malerei – eine ruhige Landschaft und zu eingängige Farben, einen Menschen und unglaubliche Kreaturen.
Herausragende Vertreter des Primitivismus-Stils
Nicht nur Abstraktionisten und Surrealisten sind voll moderne Malerei. Der Primitivismus öffnete den Weg für viele talentierte Schöpfer, deren Arbeit zuvor nicht anerkannt wurde. Unter ihnen sind Babuschka Moses, Henri Rousseau, Niko Pirosmani, Maria Primachenko, Alena Azernaya und viele andere. Bilder der berühmtesten primitiven Künstler werden im Museum für Naive Kunst in Nizza aufbewahrt.
Die Welt der Kindheit
Der Primitivismus in der Malerei nimmt einen besonderen Platz ein. Dies liegt vor allem an der einzigartigen Fähigkeit von Künstlern, einen Menschen in die Welt der Sorglosigkeit, Naivität und spirituellen Reinheit einzutauchen. Trotz des Mangels an künstlerischer Bildung bei vielen Primitivisten sind die Gemälde von dem erfüllt, was den meisten anderen Bereichen so sehr fehlt: Stimmung. Kunstliebhaber verstehen und schätzen dies, weshalb Werke des Genres Primitivismus so beliebt sind.
Tivadar Kostka wurde am 5. Juli 1853 im zu Österreich gehörenden Bergdorf Kishseben (heute Sabinov, Slowakei) als autodidaktischer ungarischer Künstler geboren.
Sein Vater Lasli Kostka war Arzt und Apotheker. Der zukünftige Künstler wusste von Kindheit an, dass er Apotheker werden würde. Doch bevor er einer wurde, wechselte er viele Berufe – er arbeitete als Vertriebsmitarbeiter, besuchte einige Zeit Vorlesungen an der juristischen Fakultät und studierte erst dann Pharmakologie.
Einmal, er war bereits 28 Jahre alt, schnappte er sich in einer Apotheke einen Bleistift und zeichnete auf ein Rezeptformular eine einfache Szene, die er vom Fenster aus sah – einen vorbeifahrenden, von Büffeln gezogenen Karren.Von diesem Zeitpunkt an oder noch früher hatte er fest vor, Künstler zu werden, und versuchte dafür, ein kleines Kapital aufzubauen, das ihm materielle Unabhängigkeit verschaffte.
Über sich selbst schrieb er Folgendes: „Ich, Tivadar Kostka, habe meine Jugend für die Erneuerung der Welt aufgegeben. Als ich vom unsichtbaren Geist die Einweihung erhielt, hatte ich eine sichere Position und lebte in Fülle und Komfort. Aber ich habe meine Heimat verlassen, weil ich sie am Ende meines reichen und glorreichen Lebens wiedersehen wollte. Um dies zu erreichen, bin ich viel in Europa, Asien und Afrika gereist. Ich wollte die mir vorhergesagte Wahrheit finden und sie in Malerei umsetzen.
Es scheint, dass die Idee, Künstler zu werden, Tivadar Kostka hartnäckig verfolgte.
Eines Tages geht er nach Rom, dann nach Paris, wo er den berühmten ungarischen Künstler Mihaly Munkácsy trifft.
Und dann kehrt er in seine Heimat zurück und arbeitet vierzehn Jahre lang in einer Apotheke, um finanzielle Unabhängigkeit zu erlangen. Schließlich ist ein kleiner Kapitalbetrag angesammelt, und eines schönen Tages mietet er eine Apotheke und geht zum Studium zunächst nach München und dann nach Paris.
Was folgt, ist das bekannte Prinzip, das Schicksal eines unerkannten Genies zu konstruieren.
Er erkannte, dass die Fähigkeiten, die er sich im Laufe seines Studiums aneignen würde, nicht seinen Vorstellungen entsprachen. Deshalb brach er die Schule ab und unternahm 1895 eine Reise nach Italien, um Landschaften zu malen. Bin durch ganz Griechenland gereist Nordafrika und der Nahe Osten.
Im Jahr 1900 änderte er seinen Nachnamen Kostka in das Pseudonym Chontvari.
Der Wert seiner Werke wurde von vielen Kritikern in Frage gestellt. In Europa wurden sie ausgestellt (allerdings ohne). besonderer Erfolg), aber in seiner Heimat Ungarn wurde Chontvari ein für alle Mal als verrückt bezeichnet. Erst gegen Ende seines Lebens kam er nach Budapest und brachte seine Gemälde dorthin. Ich habe versucht, sie dem örtlichen Museum zu vermachen, aber niemand brauchte sie. Im Jahr 1919 wurde Tivadar Kostka Chontvari wirklich verrückt und starb arm, einsam, verspottet und nutzlos.
Nachdem sie die Unglücklichen begraben hatten, begannen die Verwandten, das Gute zu teilen. Und alles war gut - nur Bilder. Und so beschlossen sie nach Rücksprache mit den „Experten“, die Leinwände wie eine gewöhnliche Leinwand zu verschrotten und das Geld untereinander aufzuteilen, damit alles gerecht war.
Zu dieser Zeit kam zufällig oder gar nicht zufällig (ein seltsamer Zufall!) ein junger Architekt, Gedeon Gerlotsi, vorbei. Er war es, der die Kreationen des Künstlers rettete und dafür etwas mehr bezahlte, als der Schrotthändler bot. Heute werden die Gemälde von Tivadar Chontvari im Museum der Stadt Pecs (Ungarn) aufbewahrt.
Und erst kürzlich kam einer der Museumsmitarbeiter bei der Untersuchung von Kostkas Gemälde „Der alte Fischer“ aus dem Jahr 1902 auf die Idee, daran einen Spiegel anzubringen. Und dann sah er, dass das Bild auf der Leinwand nicht eins war, sondern mindestens zwei! Versuchen Sie, die Leinwand selbst mit einem Spiegel zu teilen, und Sie werden entweder einen Gott sehen, der in einem Boot vor dem Hintergrund einer friedlichen, man könnte sagen paradiesischen Landschaft sitzt, oder den Teufel selbst, hinter dem schwarze Wellen toben. Oder vielleicht gibt es sie auch in anderen Gemälden von Chontvari versteckte Bedeutung? Schließlich stellt sich heraus, dass ein ehemaliger Apotheker aus dem Dorf Iglo nicht so einfach war.
Marc Chagall „Lovers“ Primitivismus Du trägst deine Haare zu mir, und ich, deinen Blick und dein Zittern, deinen zitternden Körper spürend, möchte dich noch einmal fragen: Wo sind meine Blumen, die seit langem unter der Hochzeitslästerung stehen, in der Ferne? Ich erinnere mich: die Nacht, und du bist nahe, und zum ersten Mal lege ich mich zu dir, und wir löschten den Mond, und die Flamme der Kerzen floss, und ...
Frida Kahlo Stillleben mit einer verängstigten Braut, 1943 Primitivismus Die Bedeutung von Frida Kahlos Werk ist immer tief im Inneren verborgen. Bei einem kurzen Blick auf das Bild wird der Betrachter die Bedeutung nie verstehen, da jeder Gegenstand zum Symbol wird. Die Braut ist eine kleine Puppe, die aus einer aufgeschnittenen Wassermelone schaut. Die beiden auf dem Bild gezeigten Teile der Wassermelone sind keine zwei Hälften. Sie symbolisieren Liebe und Leidenschaft, die…
Mark Zakharovich Chagall „Blaues Haus“, 1917 Museum der Schönen Künste, Lüttich Primitivismus Witebsk war Chagalls Lieblingsstadt, ein Wahrzeichen, an den sich der Künstler immer erinnerte und diese Erinnerungen schätzte. Es ist kein Zufall, dass der Maler Gelegenheit zu einem Besuch hatte die Sowjetunion Auf Einladung von Furtseva lehnte Chagall eine Reise nach Witebsk bewusst ab – er wollte die Altstadt in seiner Seele behalten, seine Stadt ...
Frida Kahlo „Broken Column“, 1944 Dolores Olmedo Museum, Mexiko-Stadt Primitivismus, Selbstporträt In diesem Bild drückte Frida alle physischen und physischen Aspekte aus Herzenskummer was ich mein ganzes Leben lang erlebt habe. Als Kind erkrankte sie an Kinderlähmung, hatte in ihrer frühen Jugend einen Autounfall und war einige Zeit bettlägerig. Ihre Wirbelsäule war an mehreren Stellen gebrochen, ...
Marc Chagall „Ich und das Dorf“, 1911 Museum of Modern Art, New York, USA Primitivismus Dank der finanziellen Unterstützung der Mäzene der Hauptstadt landete Chagall 1910 in Paris. Nachdem der junge Künstler zunächst von Wohnung zu Wohnung gewandert war, ließ er sich bald in einem Pavillon namens „La Ruche“ nieder, was „Bienenstock“ bedeutet. Dieses Holzgebäude beherbergte über hundert schmutzige, schäbige, aber billige…
Henri Rousseau „Karnevalsabend“, 1886 Kunstmuseum, Philadelphia Primitivismus Dies ist einer davon frühe Gemälde Rousseau, obwohl er es im Alter von 42 Jahren schrieb. Henri Rousseau arbeitete bis zu seinem vierzigsten Lebensjahr als Zollbeamter und begann erst im Ruhestand zu schreiben. Ein Jahr vor dem Karnevalsabend stellte er seine Kopien alter Gemälde im kostenlosen Kunstsalon auf den Champs-Élysées aus ...
Frida Kahlo Mädchen mit Totenmaske, 1938 Naive Kunst (Primitivismus) Nagoya City Museum, Japan Frida Kahlo (Spanisch: Magdalena Carmen Frida Kahlo y Calderón, 6. Juli 1907, Coyoacan – 13. Juli 1954, Coyoacan) – mexikanischer Künstler, Ehefrau von Diego Rivera. Der Einfluss der mexikanischen Volkskunst, der Kultur der präkolumbianischen Zivilisationen Amerikas ist in den Werken von sehr stark Frida Kahlo. Ihre Arbeit ist voller Symbole und…
Marc Chagall „Happiness“, 1980 Papier, Lithographie, 116 x 75,5 cm Nationalmuseum Marc Chagall, Nizza, Frankreich Primitivismus Es gibt nur eine Farbe in unserem Leben, genau wie auf der Palette eines Künstlers, die dem Leben und der Kunst einen Sinn gibt. Das ist die Farbe der Liebe. - Marc Chagall.
Details Kategorie: Eine Vielzahl von Stilen und Trends in der Kunst und ihre Merkmale. Gepostet am 24.07.2015, 19:12 Uhr. Aufrufe: 4998Dieser Trend hat seinen Ursprung in Bildende Kunst Ende XIX-Anfang 20. Jahrhundert Es ist anders absichtlich Vereinfachung visuelle Mittel und die Anziehungskraft von Künstlern auf die Formen der primitiven Kunst: primitive, mittelalterliche, Volks- und Kinderkunst.
Üblicherweise werden die Begriffe „Primitivismus“ und „naive Kunst“ gleichgesetzt. Aber wir sind damit überhaupt nicht einverstanden, denn naive Kunst- das ist die Kunst von Laien, und Primitivismus ist gewissermaßen eine Stilisierung. Wir sehen „primitive“ Gemälde von vielen Künstlern, die eine akademische Ausbildung hatten Kunstunterricht oder die die Malschule verschiedener Meister durchlaufen haben. Sie hatten auch Erfahrung in anderen Stilrichtungen. Dies sind zum Beispiel Paul Gauguin, Mikhail Larionov, Pablo Picasso, Natalia Goncharova, Paul Klee, Kliment Redko, Yuri Vasnetsov und viele andere. Vielleicht ist es nicht ganz richtig, die Arbeit solch großer Meister als „Stilisierung“ zu bezeichnen, das ist ihr Werk eigener Stil, die auf der Plastizität der primitiven Kunst basiert. Aber ihre Arbeit kann auch nicht als naiv bezeichnet werden, da die Methoden primitiv sind kreativer Ausdruck Sie entschieden sich bewusst und nicht aufgrund mangelnder künstlerischer Bildung. Zum Beispiel, professioneller Künstler Sergey Zagraevsky von Anfang an Kreative Aktivitäten behält den gleichen charakteristischen Stil. Wir werden diesen Stil Primitivismus nennen. Und vielleicht wird jemand mit uns streiten und seine Bilder der naiven Kunst zuschreiben.
Sergei Zagraevsky „Apple Orchard“ (1992)
Natürlich ist es unmöglich, die Vielfalt der kreativen Ausdrucksmöglichkeiten, Handschriften und Techniken in einen bestimmten Stil zu bringen. Niemals künstlerisches Denken ist nicht auf den Umfang des Stils beschränkt, ein für alle Mal gewählte Richtung.
In diesem Zusammenhang möchte ich an die Arbeit von M. Chagall erinnern.
M. Chagall „Weiße Kreuzigung“ (1938). Öl auf Leinwand, 254,3 x 139,7 cm. Art Institute (Chicago)
Das Gemälde entstand durch den Künstler unter dem Einfluss von Eindrücken aus der Judenverfolgung in Mittel- und Mitteleuropa Osteuropa. Sie ist allegorisch. Das Bild des gekreuzigten Jesus ist für Chagall ein neues Symbol – das Judentum, das tödliche Qualen erlebt.
Symbolismus, Historismus und die naive Ernsthaftigkeit des Primitivismus vermischen sich in diesem Bild.
Marc Chagall (1887-1985) 
Geboren in Witebsk. Er erhielt eine traditionelle jüdische Heimerziehung. Er studierte an der Zeichenschule der Society for the Encouragement of Arts bei L.S. Bakst privat Kunstschule E. N. Zvantseva setzte dann seine Kunstausbildung in Paris fort, wo er Avantgarde-Künstler und Dichter traf.
Wo auch immer er lebte: in St. Petersburg, Paris, USA – überall blieb er der Sohn des jüdischen Volkes, aber er blieb immer in seinem Herzen Heimatstadt, mit seinen ruhigen Straßen und niedrigen Häusern. Witebsk gilt als zweitwichtigstes „Modell“ des Künstlers. Und die erste war Bella, Ehefrau und Muse – von 1909 bis zu ihrem Lebensende.
M. Chagall „Über der Stadt“ (1918)
Bei Chagall ist die bewusste Primitivierung der plastischen Sprache deutlich sichtbar, nur in dieser Form konnte (und wollte) er sich ausdrücken. Über seine Versuche, Künstler zu werden, sagte er: „Ich glaube, ich bin im Allgemeinen nicht lernfähig. Oder sie wussten nicht, wie sie es mir beibringen sollten ... Ich kann nur meinem Instinkt folgen. Verstehst du? A Schulregeln Ich komme nicht in meinen Kopf.
Chagall studierte nicht nur bei den Avantgarde-Künstlern, sondern arbeitete auch mit dem Meister der Zeichen zusammen. Im Volk von Witebsk Kunstschule Chagall bereitete zusammen mit den Meistern der Schilder und ihren Schülern den Entwurf der Stadt für den 1. Jahrestag der Revolution vor. Der Künstler hat studiert Kreativität der Kinder. In seinem Buch „Mein Leben“ schreibt er: „Ich wurde nicht müde, ihre Zeichnungen, ihr inspiriertes Geschwätz zu bewundern ...“. In seinen Werken, insbesondere in der Grafik, tauchten Merkmale einer Kinderzeichnung auf.
M. Chagall liebte alltägliche Szenen und füllte sie mit Fantasie, der Vorahnung eines Wunders, mythologischen Symbolen und Tieren.
Die Ursprünge des europäischen Primitivismus liegen auf den Werken von P. Gauguin, A. Matisse und A. Modigliani.
Henri Matisse (1869-1954)
A. Matisse - französischer Künstler und Bildhauer, Anführer der fauvistischen Strömung. Er suchte seinen eigenen Weg: Zuerst malte er im Geiste des Impressionismus, dann arbeitete er in der Technik des Pointillismus (im Artikel „Postimpressionismus“) und schuf später ein neuer Stil, ging unter dem Namen „Fauvismus“ in die Kunstgeschichte ein. Für seine Gemälde aus der Zeit vom Beginn des 20. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch flache Formen, klare Linien und weniger strengen Pointillismus.
Im Jahr 1906 besuchte Matisse Algerien und entdeckte die Skulptur der Völker Afrikas, interessierte sich für Primitivismus und klassische japanische Holzschnitte.
A. Matisse „Stillleben mit Orangen“ (1912)
Amedeo Modigliani (1884-1920)
Ein italienischer Maler und Bildhauer, der hauptsächlich im expressionistischen Stil arbeitete. Da er jedoch den Einfluss vieler Künstler der Pariser Schule (Toulouse-Lautrec, Cézanne, Picasso, Renoir) erlebt hatte, nahm er deren Züge auf. In seinem Werk finden sich auch Anklänge an Primitivismus und Abstraktion.
A. Modigliani „Porträt von Maria Wassiljewa“ (1918)
Einige Kunstkritiker halten den Primitivismus jedoch für eine stilistische Verschleierung des Expressionismus. Beispielsweise erinnern die Kreationen des brillanten österreichischen Expressionisten Oskar Kokoschka Fachleute nur an Volksbilder.
Gemälde von Oskar Kokoschka
Einige Künstler des frühen 20. Jahrhunderts, die verschiedenen gehören künstlerische Richtungen und Stilrichtungen gibt es Werke im Stil des Primitivismus. Hier finden Sie Beispiele dieser Werke.
P. Picasso „Tänzerin“ (1907-1908)
M. Larionov „Offizier-Friseur“ (1909)
P. Klee „Akrobatik“ (1923)
P. Gauguin „Gelber Christus“ (1889). Leinwand, Öl. 91,1 x 74,3 cm. Albright-Knox Gallery (Buffalo)
Dieses Gemälde von P. Gauguin gilt als eines davon Schlüssel funktioniert im Symbolismus, aber im Stil des Primitivismus ausgeführt.
Die von Christus auf sich genommene grenzenlose Qual widerspricht der „Unsichtbarkeit“ dieses Opfers für die Menschen. Der Künstler wendet sich dem „ewigen“ Thema zu und versucht in seinen Werken die Bedeutung des Opferdienstes zu verstehen und sich selbst und anderen zu erklären. Hauptthema Bilder - menschliche Entfremdung von Gott und dem Himmel. Aber selbst im Gesichtsausdruck Christi selbst kann man weniger Liebe zur Menschheit als vielmehr Zweifel daran erkennen, ob sein Opfer vergeblich war – sein Gesicht spiegelt jenes Stadium des Leidens wider, das an Apathie und Gleichgültigkeit gegenüber allem um ihn herum grenzt.
„Venus“ von M. Larionov (1912), im Stil des Primitivismus geschaffen, sieht aus wie eine Zeichnung auf einem Zaun und sogar mit einer Inschrift. Von naiver Kunst kann hier natürlich keine Rede sein – das ist eine offensichtliche und bewusste Stilisierung, ein Spott.
N. Goncharova „Reigentanz“ (1910)
Aber der Primitivismus von N. Goncharova drückt sich in der rauen Monumentalität der Bauernfiguren aus. Trotz der künstlichen Statik ihrer Bilder sind N. Goncharovas Gemälde voller kraftvoller ewiger Bewegung. Ihr Primitivismus ist eine Variante des Expressionismus.
Und jetzt wenden sich Künstler oft diesem Stil zu. Das Primitive ist nicht an die Tradition der „Schule“ gebunden, es ist frei von Kanons, daher seine Unmittelbarkeit.
Zwei Spielarten des Primitivismus: populärer Druck und romantisch-idyllisch – erwiesen sich als langlebig. Sie leben weiterhin in der Primitivität unserer Tage.
D. Zavgorodniy „Seltsamer Bulle“
D. Zavgorodniy „Nordlichter“
) konnte in ihren ausdrucksstarken, schwungvollen Arbeiten die Transparenz des Nebels, die Leichtigkeit des Segels, das sanfte Schaukeln des Schiffes auf den Wellen bewahren.
Ihre Bilder verblüffen durch ihre Tiefe, ihr Volumen, ihre Sättigung und ihre Textur ist so, dass man den Blick nicht von ihnen abwenden kann.
Warme Einfachheit Valentina Gubareva
Primitiver Künstler aus Minsk Walentin Gubarew nicht auf der Suche nach Ruhm, sondern einfach das tun, was er liebt. Seine Arbeit ist im Ausland wahnsinnig beliebt, seinen Landsleuten jedoch nahezu unbekannt. Mitte der 90er Jahre verliebte sich der Franzose in seine Alltagsskizzen und unterzeichnete einen Vertrag mit dem Künstler über 16 Jahre. Die Gemälde, die, wie es scheint, nur für uns, die Träger des „bescheidenen Charmes des unentwickelten Sozialismus“, verständlich sein sollten, erfreuten sich bei der europäischen Öffentlichkeit großer Beliebtheit, und Ausstellungen begannen in der Schweiz, in Deutschland, Großbritannien und anderen Ländern.
Sinnlicher Realismus von Sergei Marshennikov
Sergei Marschennikow ist 41 Jahre alt. Er lebt in St. Petersburg und kreiert in den besten Traditionen der klassischen russischen Schule des Realismus Porträtgemälde. Die Heldinnen seiner Bilder sind in ihren halbnackten Frauen zärtlich und wehrlos. Auf vielen der Berühmte Gemälde Dargestellt sind die Muse und die Frau des Künstlers, Natalia.
Die kurzsichtige Welt von Philip Barlow
Im modernen Zeitalter der Bilder hochauflösend und der Blütezeit des Hyperrealismus erregt das Werk von Philip Barlow (Philip Barlow) sofort Aufmerksamkeit. Allerdings ist vom Betrachter eine gewisse Anstrengung erforderlich, um sich dazu zu zwingen, auf den Leinwänden des Autors auf verschwommene Silhouetten und helle Flecken zu blicken. Wahrscheinlich sehen Menschen mit Kurzsichtigkeit auf diese Weise die Welt ohne Brille und Kontaktlinsen.
Sunny Bunnies von Laurent Parcelier
Das Gemälde von Laurent Parcelier ist wundervolle Welt in dem es weder Traurigkeit noch Verzweiflung gibt. Düstere und verregnete Bilder werden Sie bei ihm nicht finden. Auf seinen Leinwänden gibt es viel Licht, Luft und leuchtende Farben, die der Künstler mit charakteristischen, erkennbaren Strichen aufträgt. Dadurch entsteht der Eindruck, als wären die Bilder aus Tausenden von Sonnenstrahlen gewoben.
Urbane Dynamik in den Werken von Jeremy Mann
Öl auf Holzplatten Amerikanischer Künstler Jeremy Mann malt dynamische Porträts der modernen Metropole. „Abstrakte Formen, Linien, der Kontrast heller und dunkler Flecken – alles ergibt ein Bild, das das Gefühl hervorruft, das ein Mensch im Gedränge und Trubel der Stadt verspürt, aber auch die Ruhe ausdrücken kann, die man findet, wenn man stille Schönheit betrachtet“, sagt er der Künstler.
Die Scheinwelt von Neil Simon
In den Gemälden des britischen Künstlers Neil Simone (Neil Simone) ist nicht alles so, wie es auf den ersten Blick scheint. „Für mich ist die Welt um mich herum eine Reihe fragiler und sich ständig verändernder Formen, Schatten und Grenzen“, sagt Simon. Und in seinen Bildern ist alles wirklich illusorisch und miteinander verbunden. Grenzen werden verwischt, Geschichten fließen ineinander.
Das Liebesdrama von Joseph Lorasso
Der in Italien geborene zeitgenössische amerikanische Künstler Joseph Lorusso überträgt die Szenen, die er gesehen hat, auf die Leinwand Alltagsleben gewöhnliche Menschen. Umarmungen und Küsse, leidenschaftliche Impulse, Momente der Zärtlichkeit und Sehnsucht füllen seine emotionalen Bilder.
Dorfleben von Dmitry Levin
Dmitry Levin ist ein anerkannter Meister der russischen Landschaft, der sich als talentierter Vertreter der russischen realistischen Schule etabliert hat. Die wichtigste Quelle seiner Kunst ist seine Verbundenheit zur Natur, die er zärtlich und leidenschaftlich liebt und deren Teil er ist.
Heller Osten Valery Blokhin
