Alter Fischer. Tivadar Kostka Chontvari, Gemälde „Der alte Fischer“: Foto, das Geheimnis des Gemäldes Tivadar Kostka Chontvari der alte Fischer 1902
In fast jedem bedeutende Arbeit Kunst ist ein Mysterium, ein „doppelter Boden“ bzw geheime Geschichte, was ich verraten möchte.
Musik auf dem Gesäß
Hieronymus Bosch, „Der Garten der Lüste“, 1500-1510.
Fragment eines Teils eines Triptychons
Streitigkeiten über die Bedeutungen und verborgenen Bedeutungen des berühmtesten Werkes Niederländischer Künstler sind seit ihrem Erscheinen nicht abgeklungen. Der rechte Flügel des Triptychons mit dem Titel „Musikalische Hölle“ zeigt Sünder, die mit Hilfe von Folter in der Unterwelt gefoltert werden Musikinstrumente. Einer von ihnen hat Musiknoten auf seinem Gesäß eingeprägt. Amelia Hamrick, Studentin der Oklahoma Christian University, die das Gemälde studierte, übersetzte die Notation aus dem 16. Jahrhundert in moderner Stil und nahm „ein 500 Jahre altes Arschlied aus der Hölle“ auf.
Nackte Mona Lisa
Die berühmte „La Gioconda“ existiert in zwei Versionen: Die nackte Version heißt „Monna Vanna“ und wurde von ihr geschrieben wenig bekannter Künstler Salai, der ein Schüler und Vorbild des großen Leonardo da Vinci war. Viele Kunsthistoriker sind sich sicher, dass er das Vorbild für Leonardos Gemälde „Johannes der Täufer“ und „Bacchus“ war. Es gibt auch Versionen, dass Salai, gekleidet in ein Frauenkleid, als Abbild der Mona Lisa selbst diente.
Alter Fischer
Im Jahr 1902 malte der ungarische Künstler Tivadar Kostka Csontvary das Gemälde „Der alte Fischer“. Es scheint, dass das Bild nichts Ungewöhnliches enthält, aber Tivadar hat einen Untertext hineingelegt, der zu Lebzeiten des Künstlers nie enthüllt wurde.
Nur wenige Menschen dachten daran, einen Spiegel in der Mitte des Bildes zu platzieren. In jeder Person kann es sowohl Gott (die rechte Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) als auch den Teufel (die linke Schulter des Alten Mannes ist dupliziert) geben.
Gab es einen Wal?
Hendrik van Antonissen, Uferszene.
Es scheint so, gewöhnliche Landschaft. Boote, Menschen am Ufer und ein verlassenes Meer. Und erst eine Röntgenuntersuchung ergab, dass sich Menschen aus einem bestimmten Grund am Ufer versammelten – im Original betrachteten sie den Kadaver eines an Land gespülten Wals.
Der Künstler entschied jedoch, dass niemand einen toten Wal sehen wollte, und schrieb das Gemälde neu.
Zwei „Frühstücke auf der Wiese“
Edouard Manet, „Mittagessen im Gras“, 1863.
Claude Monet, „Mittagessen im Gras“, 1865.
Die Künstler Edouard Manet und Claude Monet werden manchmal verwechselt – schließlich waren sie beide Franzosen, lebten zur gleichen Zeit und arbeiteten im Stil des Impressionismus. Monet übernahm sogar den Titel eines von Manets berühmtesten Gemälden, „Mittagessen im Gras“, und schrieb sein eigenes „Mittagessen im Gras“.
Doppelt beim Letzten Abendmahl
Leonardo da Vinci, „Das letzte Abendmahl“, 1495-1498.
Als Leonardo da Vinci schrieb: „ das letzte Abendmahl„Er legte besonderen Wert auf zwei Figuren: Christus und Judas. Er hat sehr lange nach Modellen für sie gesucht. Schließlich gelang es ihm, bei den jungen Sängern ein Vorbild für das Christusbild zu finden. Leonardo konnte drei Jahre lang kein Vorbild für Judas finden. Doch eines Tages traf er auf der Straße auf einen Trunkenbold, der in einer Dachrinne lag. Er war ein junger Mann, der durch starken Alkoholkonsum gealtert war. Leonardo lud ihn in eine Taverne ein, wo er sofort begann, Judas von ihm zu malen. Als der Trunkenbold zur Besinnung kam, erzählte er dem Künstler, dass er bereits einmal für ihn posiert hatte. Vor einigen Jahren, als er im Kirchenchor sang, malte Leonardo Christus von ihm.
„Nachtwache“ oder „Tageswache“?
Rembrandt, „ Die Nachtwache", 1642.
Eines von Rembrandts berühmtesten Gemälden, „Der Auftritt der Schützenkompanie von Kapitän Frans Banning Cock und Leutnant Willem van Ruytenburg“, hing etwa zweihundert Jahre lang in verschiedenen Räumen und wurde erst im 19. Jahrhundert von Kunsthistorikern entdeckt. Da die Figuren vor einem dunklen Hintergrund zu erscheinen schienen, wurde sie „Nachtwache“ genannt und gelangte unter diesem Namen in die Schatzkammer der Weltkunst.
Und erst bei der Restaurierung im Jahr 1947 stellte sich heraus, dass das Gemälde im Saal mit einer Rußschicht bedeckt war, die seine Farbe verfälschte. Nach der Räumung des Originalgemäldes stellte sich schließlich heraus, dass die von Rembrandt dargestellte Szene tatsächlich tagsüber spielt. Die Position des Schattens von Kapitän Koks linker Hand zeigt, dass die Aktionsdauer nicht mehr als 14 Stunden beträgt.
Umgestürztes Boot
Henri Matisse, „Das Boot“, 1937.
Im New York Museum zeitgenössische Kunst 1961 wurde Henri Matisses Gemälde „Das Boot“ ausgestellt. Erst nach 47 Tagen bemerkte jemand, dass das Gemälde verkehrt herum hing. Die Leinwand zeigt 10 violette Linien und zwei blaue Segel auf weißem Hintergrund. Der Künstler hat aus einem bestimmten Grund zwei Segel gemalt: Das zweite Segel ist eine Spiegelung des ersten auf der Wasseroberfläche.
Um bei der Aufhängung des Bildes keinen Fehler zu machen, müssen Sie auf die Details achten. Das größere Segel sollte sich oben auf dem Gemälde befinden und die Spitze des Segels des Gemäldes sollte sich in der oberen rechten Ecke befinden.
Täuschung im Selbstporträt
Vincent van Gogh, „Selbstbildnis mit Pfeife“, 1889.
Es gibt Legenden, dass Van Gogh sich angeblich das Ohr selbst abgeschnitten haben soll. Die zuverlässigste Version besagt nun, dass van Gogh sich bei einer kleinen Schlägerei, an der ein anderer Künstler, Paul Gauguin, beteiligt war, sein Ohr verletzte.
Das Selbstporträt ist interessant, weil es die Realität in verzerrter Form widerspiegelt: Der Künstler ist mit verbundenem rechten Ohr dargestellt, weil er bei der Arbeit einen Spiegel benutzte. Tatsächlich war das linke Ohr betroffen.
Außerirdische Bären
Ivan Shishkin, „Morgen in Kiefernwald", 1889.
Das berühmte Gemälde gehört nicht nur Shishkin. Viele miteinander befreundete Künstler griffen oft auf „die Hilfe eines Freundes“ zurück, und Iwan Iwanowitsch, der sein ganzes Leben lang Landschaften malte, hatte Angst, dass seine berührenden Bären nicht so werden würden, wie er es wollte. Deshalb wandte sich Shishkin an seinen Freund, den Tierkünstler Konstantin Savitsky.
Savitsky zeichnete vielleicht die besten Bären der Geschichte Russische Malerei, und Tretjakow befahl, seinen Namen von der Leinwand zu waschen, da alles auf dem Gemälde „vom Konzept bis zur Ausführung alles über die Art des Malens spricht, über kreative Methode, charakteristisch für Shishkin.“
Die unschuldige Geschichte von „Gothic“
Grant Wood, „ Amerikanische Gotik", 1930.
Grant Woods Werk gilt als eines der seltsamsten und deprimierendsten in der Geschichte der amerikanischen Malerei. Das Bild mit dem düsteren Vater und der Tochter ist voller Details, die auf die Strenge, den Puritanismus und die Rückschrittlichkeit der dargestellten Menschen hinweisen.
Tatsächlich hatte der Künstler nicht die Absicht, irgendwelche Schrecken darzustellen: Während einer Reise nach Iowa fiel ihm ein kleines Haus in auf Gothic Style und beschloss, diejenigen Menschen darzustellen, die seiner Meinung nach als Bewohner ideal wären. Grants Schwester und sein Zahnarzt sind als die Charaktere verewigt, die die Iowaner so beleidigten.
Salvador Dalis Rache
Das Gemälde „Figur am Fenster“ entstand 1925, als Dali 21 Jahre alt war. Zu diesem Zeitpunkt war Gala noch nicht in das Leben des Künstlers getreten und seine Muse war seine Schwester Ana Maria. Die Beziehung zwischen Bruder und Schwester verschlechterte sich, als er in einem der Gemälde schrieb: „Manchmal spucke ich auf das Porträt meiner eigenen Mutter, und das macht mir Freude.“ Ana Maria konnte solch ein schockierendes Verhalten nicht verzeihen.
In ihrem 1949 erschienenen Buch Salvador Dali Through the Eyes of a Sister schreibt sie über ihren Bruder, ohne ihn zu loben. Das Buch machte Salvador wütend. Weitere zehn Jahre danach erinnerte er sich bei jeder Gelegenheit wütend an sie. Und so erschien 1954 das Gemälde „Eine junge Jungfrau, die sich mit Hilfe der Hörner ihrer eigenen Keuschheit der Sünde der Sodomie hingibt“. Die Pose der Frau, ihre Locken, die Landschaft vor dem Fenster und die Farbgebung des Gemäldes erinnern deutlich an „Figur am Fenster“. Es gibt eine Version, dass Dali sich für ihr Buch an seiner Schwester gerächt habe.
Danae mit zwei Gesichtern
Rembrandt Harmens van Rijn, „Danae“, 1636 – 1647.
Viele Geheimnisse eines der berühmtesten Gemälde Rembrandts wurden erst in den 60er Jahren des 20. Jahrhunderts gelüftet, als die Leinwand mit Röntgenstrahlen beleuchtet wurde. Beispielsweise zeigten die Dreharbeiten, dass in einer frühen Fassung das Gesicht der eintretenden Prinzessin zu sehen war Liebesaffäre Bei Zeus ähnelte es dem Gesicht von Saskia, der Frau des Malers, die 1642 starb. In der endgültigen Fassung des Gemäldes begann es dem Gesicht von Gertje Dirks zu ähneln, der Geliebten von Rembrandt, mit der der Künstler nach dem Tod seiner Frau zusammenlebte.
Van Goghs gelbes Schlafzimmer
Vincent Van Gogh, „Schlafzimmer in Arles“, 1888 – 1889.
Im Mai 1888 erwarb Van Gogh ein kleines Atelier in Arles im Süden Frankreichs, wohin er vor Pariser Künstlern und Kritikern floh, die ihn nicht verstanden. In einem der vier Zimmer richtet Vincent ein Schlafzimmer ein. Im Oktober ist alles fertig und er beschließt, „Van Goghs Schlafzimmer in Arles“ zu malen. Für den Künstler waren die Farbe und die Behaglichkeit des Raumes sehr wichtig: Alles musste Gedanken der Entspannung hervorrufen. Gleichzeitig ist das Bild in alarmierenden Gelbtönen gestaltet.
Forscher von Van Goghs Werk erklären dies damit, dass der Künstler Fingerhut einnahm, ein Mittel gegen Epilepsie, das zu gravierenden Veränderungen in der Farbwahrnehmung des Patienten führt: Die gesamte umgebende Realität wird in Grün- und Gelbtönen gemalt.
Zahnlose Perfektion
Leonardo da Vinci, „Porträt der Lady Lisa del Giocondo“, 1503 – 1519.
Die allgemein anerkannte Meinung ist, dass die Mona Lisa Perfektion ist und ihr Lächeln in seinem Geheimnis wunderschön ist. Allerdings glaubt der amerikanische Kunstkritiker (und Teilzeitzahnarzt) Joseph Borkowski, ihrem Gesichtsausdruck nach zu urteilen, dass die Heldin viele Zähne verloren hat. Beim Studium vergrößerter Fotos des Meisterwerks entdeckte Borkowski auch Narben um ihren Mund. „Sie „lächelt“ gerade wegen dem, was ihr passiert ist, so“, glaubt der Experte. „Ihr Gesichtsausdruck ist typisch für Menschen, die ihre Vorderzähne verloren haben.“
Hauptfach Gesichtskontrolle
Pavel Fedotov, „Major's Matchmaking“, 1848.
Das Publikum, das zum ersten Mal das Gemälde „Major's Matchmaking“ sah, lachte herzlich: Der Künstler Fedotov füllte es mit ironischen Details, die für das damalige Publikum verständlich waren. Der Major ist beispielsweise offensichtlich nicht mit den Regeln der edlen Etikette vertraut: Er erschien ohne die erforderlichen Blumensträuße für die Braut und ihre Mutter. Und ihre Kaufmannseltern kleideten die Braut selbst in ein Abendballkleid, obwohl es Tag war (alle Lampen im Raum waren erloschen). Das Mädchen probiert offensichtlich zum ersten Mal ein tief ausgeschnittenes Kleid an, ist verlegen und versucht, in ihr Zimmer zu fliehen.
Warum ist Liberty nackt?
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, „Freiheit auf den Barrikaden“, 1830.
Laut dem Kunstkritiker Etienne Julie hat Delacroix das Gesicht der Frau an die berühmte Pariser Revolutionärin angelehnt – die Wäscherin Anne-Charlotte, die nach dem Tod ihres Bruders durch königliche Soldaten auf die Barrikaden ging und neun Gardisten tötete. Der Künstler stellte sie mit nackten Brüsten dar. Nach seinem Plan ist dies ein Symbol für Furchtlosigkeit und Selbstlosigkeit sowie für den Triumph der Demokratie: Die nackte Brust zeigt, dass die Freiheit als Bürgerin kein Korsett trägt.
Nicht quadratisches Quadrat
Kasimir Malewitsch, „Schwarzer suprematistischer Platz“, 1915.
Tatsächlich ist „Schwarzes Quadrat“ überhaupt nicht schwarz und überhaupt nicht quadratisch: Keine der Seiten des Vierecks ist parallel zu einer seiner anderen Seiten und zu keiner der Seiten des quadratischen Rahmens, der das Bild umrahmt. A dunkle Farbe- Dies ist das Ergebnis der Mischung verschiedener Farben, darunter kein Schwarz. Es wird angenommen, dass dies nicht die Nachlässigkeit des Autors war, sondern eine prinzipielle Haltung, der Wunsch, eine dynamische, mobile Form zu schaffen.
Spezialisten Tretjakow-Galerie entdeckte die Inschrift des Autors auf berühmtes Gemälde Malewitsch. Die Inschrift lautet: „Der Kampf der Schwarzen in der dunklen Höhle.“ Dieser Satz bezieht sich auf den Titel des humorvollen Gemäldes des französischen Journalisten, Schriftstellers und Künstlers Alphonse Allais, „Die Schlacht der Neger in einer dunklen Höhle mitten in der Nacht“, das ein komplett schwarzes Rechteck darstellte.
Melodram der österreichischen Mona Lisa
Gustav Klimt, „Porträt der Adele Bloch-Bauer“, 1907.
Eines der bedeutendsten Gemälde Klimts zeigt die Frau des österreichischen Zuckermagnaten Ferdinad Bloch-Bauer. Ganz Wien diskutierte über die stürmische Romanze von Adele und berühmter Künstler. Der verwundete Ehemann wollte sich an seinen Liebhabern rächen, entschied sich aber dafür Auf ungewöhnliche Art und Weise: Er beschloss, bei Klimt ein Porträt von Adele zu bestellen und ihn zu zwingen, Hunderte von Skizzen anzufertigen, bis der Künstler anfing, sich von ihr zu übergeben.
Bloch-Bauer wollte, dass das Werk mehrere Jahre hält, damit der Dargestellte sehen konnte, wie Klimts Gefühle nachließen. Er machte dem Künstler ein großzügiges Angebot, das er nicht ablehnen konnte, und alles verlief nach dem Szenario des betrogenen Mannes: Die Arbeit war in 4 Jahren abgeschlossen, die Liebenden hatten sich längst abgekühlt. Adele Bloch-Bauer wusste nie, dass ihr Mann sich ihrer Beziehung zu Klimt bewusst war.
Das Gemälde, das Gauguin wieder zum Leben erweckte
Paul Gauguin, „Wo kommen wir her? Wer sind wir? Wohin gehen wir?“, 1897-1898.
Am meisten berühmtes Gemälde Gauguin hat eine Besonderheit: Es wird nicht von links nach rechts „gelesen“, sondern von rechts nach links, wie die kabbalistischen Texte, für die sich der Künstler interessierte. In dieser Reihenfolge entfaltet sich die Allegorie des menschlichen geistigen und körperlichen Lebens: von der Geburt der Seele (ein schlafendes Kind in der unteren rechten Ecke) bis zur Unvermeidlichkeit der Todesstunde (ein Vogel mit einer Eidechse in den Klauen). in der unteren linken Ecke).
Das Gemälde wurde von Gauguin auf Tahiti gemalt, wo der Künstler mehrmals der Zivilisation entkam. Doch dieses Mal klappte das Leben auf der Insel nicht: Die völlige Armut führte zu einer Depression. Nachdem er das Gemälde fertiggestellt hatte, das sein geistliches Testament werden sollte, nahm Gauguin eine Schachtel Arsen und ging in die Berge, um zu sterben. Allerdings berechnete er die Dosis nicht und der Selbstmord scheiterte. Am nächsten Morgen schwankte er zu seiner Hütte und schlief ein, und als er aufwachte, verspürte er einen vergessenen Lebensdurst. Und im Jahr 1898 begann sich sein Geschäft zu verbessern und eine bessere Zeit für seine Arbeit begann.
112 Sprichwörter auf einem Bild
Pieter Bruegel der Ältere, „Niederländische Sprichwörter“, 1559
Pieter Bruegel der Ältere stellte ein Land dar, das von wörtlichen Bildern niederländischer Sprichwörter jener Zeit bewohnt war. Das Gemälde enthält etwa 112 erkennbare Redewendungen. Einige davon werden heute noch verwendet, zum Beispiel: „Schwimmen Sie gegen den Strom“, „schlagen Sie Ihren Kopf gegen die Wand“, „bis an die Zähne bewaffnet“ und „Große Fische fressen kleine Fische“.
Andere Sprichwörter spiegeln die menschliche Dummheit wider.
Subjektivität der Kunst
Paul Gauguin, „Bretonisches Dorf im Schnee“, 1894
Gauguins Gemälde „Bretonisches Dorf im Schnee“ wurde nach dem Tod des Autors für nur sieben Franken und noch dazu unter dem Namen „Niagarafälle“ verkauft. Der Mann, der die Auktion durchführte, hängte das Gemälde versehentlich verkehrt herum auf, weil er darin einen Wasserfall sah.
Verstecktes Bild
Pablo Picasso, „Blaues Zimmer“, 1901
Im Jahr 2008 enthüllte Infrarotstrahlung, dass sich unter dem Blauen Raum ein weiteres Bild verbarg – das Porträt eines Mannes im Anzug mit Fliege, dessen Kopf auf die Hand gestützt war. „Sobald Picasso es getan hatte neue Idee, er nahm den Pinsel auf und verkörperte ihn. Aber er hatte nicht die Möglichkeit, jedes Mal, wenn eine Muse ihn besuchte, eine neue Leinwand zu kaufen“, erklärt er möglicher Grund diese Kunstkritikerin Patricia Favero.
Nicht verfügbare Marokkaner
Zinaida Serebryakova, „Nackt“, 1928
Eines Tages erhielt Zinaida Serebryakova ein verlockendes Angebot – auf eine kreative Reise zu gehen, um die nackten Figuren orientalischer Mädchen darzustellen. Es stellte sich jedoch heraus, dass es an diesen Orten einfach unmöglich war, Models zu finden. Zinaidas Übersetzer kam zur Rettung – er brachte seine Schwestern und seine Verlobte zu ihr. Niemandem zuvor oder danach ist es gelungen, nackte, verschlossene orientalische Frauen einzufangen.
Spontane Einsicht
Valentin Serov, „Porträt von Nikolaus II. in einer Jacke“, 1900
Serow konnte lange Zeit kein Porträt des Zaren malen. Als der Künstler völlig aufgab, entschuldigte er sich bei Nikolai. Nikolai war etwas verärgert, setzte sich an den Tisch und streckte die Arme vor sich aus... Und dann dämmerte es dem Künstler – hier ist das Bild! Ein einfacher Militärmann in einer Offiziersjacke mit klaren und traurigen Augen. Dieses Porträt gilt als die beste Darstellung des letzten Kaisers.
Noch eine Zwei
© Fedor Reshetnikov
Das berühmte Gemälde „Deuce Again“ ist nur der zweite Teil einer künstlerischen Trilogie.
Der erste Teil lautet „Angekommen im Urlaub“. Offensichtlich eine wohlhabende Familie, Winterferien, ein fröhlicher, ausgezeichneter Student.
Der zweite Teil ist „A deuce again.“ Eine arme Familie aus den Randbezirken der Arbeiterklasse, auf dem Höhepunkt von Schuljahr, der niedergeschlagene Stunner, der sich erneut den Deuce schnappte. In der linken obere Ecke das Gemälde „Im Urlaub angekommen“ ist zu sehen.
Der dritte Teil ist „Nachprüfung“. Ein ländliches Haus, Sommer, alle gehen spazieren, ein bösartiger Ignorant, der die jährliche Prüfung nicht bestanden hat, ist gezwungen, in seinen vier Wänden zu sitzen und zu stopfen. In der oberen linken Ecke ist das Gemälde „Deuce Again“ zu sehen.
Wie Meisterwerke entstehen
Joseph Turner, Regen, Dampf und Geschwindigkeit, 1844
Im Jahr 1842 reiste Frau Simon mit dem Zug durch England. Plötzlich setzte ein heftiger Regenguss ein. Der ihr gegenüber sitzende ältere Herr stand auf, öffnete das Fenster, streckte den Kopf hinaus und starrte etwa zehn Minuten lang. Die Frau konnte ihre Neugier nicht zurückhalten, öffnete auch das Fenster und begann nach vorne zu schauen. Ein Jahr später entdeckte sie auf einer Ausstellung in der Royal Academy of Arts das Gemälde „Rain, Steam and Speed“ und konnte darin dieselbe Episode im Zug erkennen.
Anatomie-Lektion von Michelangelo
Michelangelo, „Die Erschaffung Adams“, 1511
Zwei amerikanische Neuroanatomie-Experten glauben, dass Michelangelo tatsächlich einige anatomische Illustrationen in einem seiner größten Werke hinterlassen hat Berühmte Werke. Sie glauben, dass die rechte Seite des Gemäldes ein riesiges Gehirn darstellt. Überraschenderweise lassen sich sogar komplexe Bestandteile finden, etwa das Kleinhirn, die Sehnerven und die Hypophyse. Und das auffällige grüne Band passt perfekt zur Lage der Wirbelarterie.
„Das letzte Abendmahl“ von Van Gogh
Vincent van Gogh, " Nachtterrasse Café“, 1888
Der Forscher Jared Baxter glaubt, dass Van Goghs Gemälde „Caféterrasse bei Nacht“ eine verschlüsselte Widmung an Leonardo da Vincis „Letztes Abendmahl“ enthält. In der Bildmitte steht ein Kellner mit lange Haare und in einer weißen Tunika, die an die Kleidung Christi erinnert, und um ihn herum sind genau 12 Cafébesucher. Baxter macht auch auf das Kreuz aufmerksam, das sich direkt hinter dem Kellner in Weiß befindet.
Dalis Bild der Erinnerung
Salvador Dali, „Die Beständigkeit der Erinnerung“, 1931
Es ist kein Geheimnis, dass die Gedanken, die Dali bei der Entstehung seiner Meisterwerke besuchten, stets in Form sehr realistischer Bilder vorlagen, die der Künstler dann auf die Leinwand übertrug. So entstand nach Angaben des Autors das Gemälde „Die Beständigkeit der Erinnerung“ als Ergebnis von Assoziationen, die beim Anblick von Schmelzkäse entstanden.
Worüber schreit Munch?
Edvard Munch, „Der Schrei“, 1893.
Munch erzählte, wie er auf die Idee zu einem der schönsten kam geheimnisvolle Gemälde in der Weltmalerei: „Ich ging mit zwei Freunden einen Weg entlang – die Sonne ging unter – plötzlich wurde der Himmel blutrot, ich blieb erschöpft stehen und lehnte mich an den Zaun – ich betrachtete das Blut und die Flammen über dem Bläulichen- Schwarzer Fjord und die Stadt – meine Freunde zogen weiter, und ich stand zitternd vor Aufregung und spürte, wie ein endloser Schrei die Natur durchdrang. Aber welcher Sonnenuntergang könnte den Künstler so sehr erschrecken?
Es gibt eine Version, dass die Idee zu „Der Schrei“ Munch im Jahr 1883 geboren wurde, als es zu mehreren gewaltigen Ausbrüchen des Krakatau-Vulkans kam – so heftig, dass sie die Temperatur der Erdatmosphäre um ein Grad veränderten. Große Mengen Staub und Asche breiten sich über den ganzen Globus aus und erreichen sogar Norwegen. Mehrere Abende hintereinander wirkten die Sonnenuntergänge, als stünde die Apokalypse bevor – einer davon wurde zur Inspirationsquelle für den Künstler.
Ein Schriftsteller unter den Menschen
Alexander Ivanov, „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, 1837-1857.
Dutzende Dargestellte posierten für Alexander Iwanow für sein Hauptgemälde. Einer von ihnen ist nicht weniger bekannt als der Künstler selbst. Im Hintergrund ist zwischen Reisenden und römischen Reitern, die die Predigt Johannes des Täufers noch nicht gehört haben, eine Figur in einer Gewandtunika zu sehen. Ivanov hat es von Nikolai Gogol geschrieben. Der Schriftsteller stand in Italien in engem Kontakt mit dem Künstler, insbesondere in religiösen Fragen, und gab ihm während des Malprozesses Ratschläge. Gogol glaubte, dass Iwanow „seit langem für die ganze Welt gestorben ist, außer für sein Werk“.
Michelangelos Gicht
Raphael Santi, „Die Schule von Athen“, 1511.
Raffael schuf das berühmte Fresko „Die Schule von Athen“ und verewigte seine Freunde und Bekannten in den Bildern antiker griechischer Philosophen. Einer von ihnen war Michelangelo Buonarotti „in der Rolle“ des Heraklit. Mehrere Jahrhunderte lang bewahrte das Fresko Geheimnisse aus Michelangelos Privatleben, und moderne Forscher vermuten, dass das seltsam eckige Knie des Künstlers auf eine Gelenkerkrankung hinweist.
Dies ist angesichts der Besonderheiten des Lebensstils und der Arbeitsbedingungen von Renaissance-Künstlern und Michelangelos chronischer Arbeitssucht durchaus wahrscheinlich.
Spiegel des Ehepaares Arnolfini
Jan van Eyck, „Bildnis des Ehepaares Arnolfini“, 1434
Im Spiegel hinter dem Ehepaar Arnolfini sieht man das Spiegelbild zweier weiterer Personen im Raum. Höchstwahrscheinlich handelt es sich hierbei um Zeugen, die beim Vertragsabschluss anwesend waren. Einer von ihnen ist van Eyck, wie die entgegen der Tradition über dem Spiegel in der Mitte der Komposition angebrachte lateinische Inschrift beweist: „Jan van Eyck war hier.“ Auf diese Weise wurden üblicherweise Verträge besiegelt.
Wie aus einem Nachteil ein Talent wurde
Rembrandt Harmens van Rijn, Selbstporträt im Alter von 63 Jahren, 1669.
Die Forscherin Margaret Livingston untersuchte alle Selbstporträts von Rembrandt und stellte fest, dass der Künstler an Schielen litt: Auf den Bildern schauen seine Augen in verschiedene Richtungen, was der Meister in den Porträts anderer Menschen nicht beobachtet. Die Krankheit führte dazu, dass der Künstler die Realität zweidimensional besser wahrnehmen konnte als Menschen mit normalem Sehvermögen. Dieses Phänomen wird „Stereoblindheit“ genannt – die Unfähigkeit, die Welt in 3D zu sehen. Da der Maler jedoch mit einem zweidimensionalen Bild arbeiten muss, könnte genau dieser Fehler Rembrandts eine Erklärung für sein phänomenales Talent sein.
Sündenlose Venus
Sandro Botticelli, „Geburt der Venus“, 1482-1486.
Vor dem Erscheinen der „Geburt der Venus“ entstand das Bild einer Nackten Weiblicher Körper in der Malerei symbolisierte es nur die Idee der Erbsünde. Sandro Botticelli war der erste europäische Maler, der nichts Sündhaftes an ihm fand. Darüber hinaus sind sich Kunsthistoriker sicher, dass das Fresko die heidnische Liebesgöttin symbolisiert Christliches Bild: Ihr Aussehen ist eine Allegorie der Wiedergeburt einer Seele, die den Ritus der Taufe durchlaufen hat.
Lautenspieler oder Lautenspieler?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, „Der Lautenspieler“, 1596.
Das Gemälde wurde lange Zeit in der Eremitage unter dem Titel „Der Lautenspieler“ ausgestellt. Erst zu Beginn des 20. Jahrhunderts waren sich Kunsthistoriker einig, dass das Gemälde einen jungen Mann darstellt (wahrscheinlich posierte Caravaggios Bekannter, der Künstler Mario Minniti): Auf den Noten vor dem Musiker ist eine Aufnahme des Basses zu sehen Zeile aus Jacob Arkadelts Madrigal „Du weißt, dass ich dich liebe“. Eine Frau könnte eine solche Wahl kaum treffen – es liegt einfach im Hals. Darüber hinaus galt die Laute, ebenso wie die Geige am äußersten Bildrand, zu Caravaggios Zeiten als männliches Instrument.
Zu den Zedern des Libanon
Dies geschah mit einem bescheidenen ungarischen Apotheker namens Tivadar Kostka Csontvary, an den wir uns nur schwer erinnern können. Er saß in seiner Apotheke in einem kleinen Karpatendorf namens Iglo, sortierte unleserliche Rezepte aus, verteilte Tropfen und Pillen und hörte sich die Beschwerden alter Frauen an, dass die Pulver nicht halfen. Er saß lange Zeit, mehr als ein Dutzend Jahre. Und plötzlich warm Sommernacht 1881 hatte er einen Traum...
Kostka erzählte niemandem von seinem Traum, aber buchstäblich am nächsten Tag mietete er eine Apotheke, sammelte das gesamte Geld ein, kaufte Pinsel und Farben und reiste direkt in den Libanon, um libanesische Zedern zu bemalen.
Der frischgebackene Künstler erschien nicht mehr in seiner Apotheke. Reiste nach Griechenland, Italien, Nordafrika reiste und schuf in dieser Zeit mehr als hundert Gemälde.
Über sich selbst schrieb er Folgendes: „Ich, Tivadar Kostka, habe im Namen der Erneuerung der Welt auf meine Jugend verzichtet. Als ich die Einweihung durch den unsichtbaren Geist empfing, hatte ich eine sichere Position und lebte in Wohlstand und Komfort. Aber ich habe meine Heimat verlassen, weil ich sie am Ende meines Lebens reich und herrlich sehen wollte. Um dies zu erreichen, bin ich viel durch Europa, Asien und Afrika gereist. Ich wollte die mir vorhergesagte Wahrheit finden und sie in Malerei umsetzen.“
Der Wert seiner Werke wurde von vielen Kritikern in Frage gestellt. Sie wurden in Europa ausgestellt (allerdings ohne). besonderer Erfolg), aber in seiner ungarischen Heimat galt Csontvary ein für alle Mal als verrückt. Erst am Ende seines Lebens kam er nach Budapest und brachte seine Bilder dorthin. Ich habe versucht, sie einem örtlichen Museum zu vermachen, aber niemand brauchte sie. Im Jahr 1919 wurde Tivadar Kostka Chontvari wirklich verrückt und starb arm, einsam, verspottet und für niemanden nutzlos.
Nachdem sie den unglücklichen Mann begraben hatten, begannen die Verwandten, das Eigentum aufzuteilen. Aber das Einzige, was gut war, waren die Bilder. Und so beschlossen sie nach Rücksprache mit den „Experten“, die Leinwände wie gewöhnliche Leinwände zu verschrotten und das Geld untereinander aufzuteilen, damit alles fair wäre.
Zu dieser Zeit kam zufällig der junge Architekt Gedeon Gerlotsi vorbei. Er war es, der die Kreationen des Künstlers rettete und dafür etwas mehr bezahlte, als der Schrotthändler bot.
Heute werden die Gemälde von Tivadar Csontvari im Museum der Stadt Pecs (Ungarn) aufbewahrt.
Und erst kürzlich kam einem Museumsmitarbeiter beim Betrachten von Kostkas Gemälde „Der alte Fischer“ aus dem Jahr 1902 die Idee, einen Spiegel darauf anzubringen. Und dann sah er, dass nicht ein Bild auf der Leinwand war, sondern mindestens zwei! Versuchen Sie, die Leinwand selbst mit einem Spiegel zu teilen, und Sie werden entweder einen Gott sehen, der in einem Boot vor dem Hintergrund einer friedlichen, man könnte sagen himmlischen Landschaft sitzt, oder den Teufel selbst, hinter dem schwarze Wellen toben. Oder vielleicht gibt es das in anderen Filmen von Chontvari versteckte Bedeutung? Schließlich stellt sich heraus, dass der ehemalige Apotheker aus dem Dorf Iglo nicht so einfach war.
In jüngerer Zeit das Thema genaue Aufmerksamkeit Kunsthistorikern wurde das 1902 von ihm gemalte Gemälde „Der alte Fischer“ von Tivadar Kostka Chontvary bekannt Spiegelreflexion Abwechselnd ergeben der linke und der rechte Teil des Bildes zwei absolute Elemente verschiedene Bilder– Gott in einem Boot vor der Kulisse eines ruhigen Sees oder der Teufel auf einem Vulkan und dahinter stürmische Gewässer.
Nach dem Öffnen dieser Fakt, wurde die Anerkennung der Kreativität des Autors anders angegangen. Aber was wollte Tivadar Chontvari mit seiner Arbeit sagen? Viele vermuteten den Zusammenhang des Werks des Künstlers mit der Mystik und begannen, sich mit großem Eifer mit dem Erbe des ungarischen Malers zu beschäftigen.
Bis vor Kurzem kannten nur wenige Menschen, die sich für Malerei, insbesondere Expressionismus und Primitivismus, interessierten, den Namen des ungarischen Künstlers Tivadar Kostka Csontvary. In letzter Zeit sprechen viele Menschen über den vor fast 100 Jahren in Armut verstorbenen Maler, der ebenfalls als verrückt galt (einige Forscher seiner Biografie glauben, dass Tivadar an Schizophrenie erkrankt war).
Tatsache ist, dass einer der Mitarbeiter des Stadtmuseums von Pec beim Betrachten des Gemäldes „Der alte Fischer“ von Tivadar Chontvari entdeckte, dass man zwei verschiedene Bilder erhält, wenn man die Leinwand mit einem Spiegel in zwei Hälften teilt!
Dieses Detail interessierte nicht nur viele Kunsthistoriker, sondern auch gewöhnliche Menschen. Sie begannen über die geheime Mystik des Werkes zu sprechen, die Einstellung dazu kreatives Erbe Ungarischer Autodidakt. In Russland wuchs das Interesse an dieser Tatsache nach der Ausstrahlung der Sendung „Was? Wo? Wann?" vom 1. Oktober 2011, bei dem es einem Betrachter mit einer Frage zum Gemälde „Der alte Fischer“ gelang, die Experten zu schlagen.
Die plausibelste Version der Idee hinter dem Gemälde ist die Idee der dualistischen Natur der menschlichen Natur, die Tivadar vermitteln wollte. Ein Mensch verbringt sein ganzes Leben in einem ständigen Kampf zwischen zwei Prinzipien: männlich und weiblich, gut und böse, intuitiv und logisch. Dies sind die Bestandteile der Existenz. Wie Gott und der Teufel in Chontvaris Gemälde ergänzen sie einander, ohne das eine gibt es kein anderes.
„Der alte Fischer“, als Verkörperung eines gelebten Lebens und menschlicher Weisheit, zeigt mit Hilfe einer einfachen Technik, wie Gut und Böse, Gut und Böse, Gott und Teufel in jedem von uns harmonieren. Und sie auszubalancieren ist die Aufgabe eines jeden Menschen.
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Ein wenig über den Künstler.5. Juli 1853 Kisseben (heute Sabinov, Slowakei) – 13. Oktober 1919 Budapest
Ungarischer Autodidakt.
Chontvaris Entscheidung, Maler zu werden, stand laut Kunsthistorikern unter dem Einfluss der Schizophrenie. Er arbeitete vierzehn Jahre lang als Apotheker, um finanziell unabhängig zu werden, und begann im Alter von einundvierzig Jahren, Malerei zu studieren.
Im Jahr 1880 erlebte er eine Offenbarung, die sein Schicksal als großer Maler vorwegnahm. Er war entschlossen, weltweit zu werden berühmter Maler mit einem Ruhm, der sogar Raffael übertraf.
Die Mission des Künstlers bestand darin, durch seine Kunst die historische Existenz der ungarischen Nation zu legitimieren. Seine besondere Weltanschauung und das Gefühl seiner Berufung, das alle seine Bemühungen auf ein einziges Ziel konzentrierte, unterstreichen die Großartigkeit seines Schaffens.
Er behauptete seine künstlerische Souveränität, ignorierte alle Regeln der Kunst und widersetzte sich mit seinen Gemälden allen Versuchen, ihn als naiven Maler einzustufen.
Kostka studierte zunächst in München an einer Privatschule Kunstschule Shimon Holloshi, damals in Karlsruhe bei Kallmorgen.
1895 reiste er nach Dalmatien und Italien, um Landschaften zu malen.
Er reiste auch nach Griechenland, Nordafrika und in den Nahen Osten.
Im Jahr 1900 änderte er seinen Nachnamen Kostka in das Pseudonym Chontvari.
Obwohl er im Alter von sechzig Jahren starb, war er Schaffensperiode war sehr kurz.
Chontvari begann Mitte der 1890er Jahre zu malen. Er besitzt über hundert Gemälde und zwanzig Zeichnungen. Die wichtigsten, stilistisch dem Expressionismus nahestehenden, entstanden zwischen 1903 und 1909.
Sein individueller Stil – am besten veranschaulicht durch die Gemälde „Bäume im elektrischen Licht eines Eies“ und „Sturm“ – war 1903 vollständig entwickelt.
Das zwischen 1904 und 1905 entstandene Gemälde „Ruinen des griechischen Theaters in Taormina“ war das Ergebnis seiner Reisen in Griechenland.
1907 stellte Chontvari seine Werke zunächst in Paris aus und ging dann in den Libanon.
Im Libanon entstanden seine symbolträchtigen Gemälde mit geheimnisvoller Atmosphäre: „Die einsame Zeder“, „Die Pilgerfahrt“ und „Maria in Nazareth“.
Seine nächsten Ausstellungen fanden 1908 und 1910 statt, brachten ihm jedoch nicht die Anerkennung, die er sich so sehr erhofft hatte.
Auch in Ungarn fanden seine Gemälde keine Anerkennung, wo ihr Autor einen asketischen Lebensstil führte, sich durch seltsames Verhalten auszeichnete, zu einem prophetischen Ton in der Kommunikation neigte und als Verrückter galt.
Zuletzt Hauptbild„Ride Along the Shore“ wurde 1909 in Neapel geschrieben.
Danach führten Einsamkeit und Unverständnis dazu, dass der Künstler keine Gemälde mehr schaffen konnte, sondern nur noch Skizzen seiner surrealen Visionen zeichnete.
Die Hauptwerke des Künstlers sind im Pest Museum gesammelt.
Eines der Gemälde dieses Künstlers, das die Aufmerksamkeit von Kunstkritikern auf sich zieht, ist „Der alte Fischer“. Das Gemälde wurde 1902 gemalt.
