später Klassiker. Die Kunst des antiken Griechenlands der Spätklassik (vom Ende der Peloponnesischen Kriege bis zum Aufstieg des Mazedonischen Reiches) Dieses Problem wurde erstmals von O

Die neue Zeit in der politischen Geschichte von Hellas war weder rosig noch kreativ. Wenn Vc. BC e. war geprägt von der Blüte der griechischen Politik, dann im IV. Jahrhundert. Ihr allmählicher Verfall erfolgte zusammen mit dem Niedergang der Idee einer griechischen demokratischen Staatlichkeit.

Im Jahr 386 nutzte Persien, das im vorigen Jahrhundert von den Griechen unter der Führung Athens völlig besiegt worden war, den Vernichtungskrieg, der die griechischen Stadtstaaten schwächte, um ihnen Frieden aufzuzwingen, wonach alle Städte Asiens Die kleinere Küste kam unter die Kontrolle des persischen Königs. Der persische Staat wurde zum wichtigsten Schiedsrichter in der griechischen Welt; es erlaubte keine nationale Einigung der Griechen.

Interne Kriege haben gezeigt, dass die griechischen Staaten nicht in der Lage sind, sich alleine zu vereinen.

In der Zwischenzeit war die Vereinigung eine wirtschaftliche Notwendigkeit für das griechische Volk. Diese historische Aufgabe zu erfüllen, lag in der Macht der inzwischen erstarkten Nachbarmacht Mazedonien, deren König Philipp II. 338 die Griechen bei Chaironeia besiegte. Diese Schlacht entschied über das Schicksal von Hellas: Es stellte sich heraus, dass es vereint, aber unter fremder Herrschaft stand. Und der Sohn Philipps II. – der große Feldherr Alexander der Große – führte die Griechen auf einen siegreichen Feldzug gegen ihre Urfeinde – die Perser.

Dies war die letzte klassische Periode der griechischen Kultur. Am Ende des IV Jahrhunderts. Die antike Welt wird in eine Ära eintreten, die nicht mehr die hellenische, sondern die hellenistische genannt wird.

In der Kunst der Spätklassiker erkennen wir deutlich neue Tendenzen. In Zeiten großen Wohlstands ideal menschliches Bild wurde in dem tapferen und feinen Bürger des Stadtstaates verkörpert. Der Zusammenbruch der Politik erschütterte diese Vorstellung. Das stolze Vertrauen in die alles überwindende Macht des Menschen verschwindet nicht vollständig, aber manchmal scheint es verdunkelt zu sein. Reflexionen entstehen, die Angst oder eine Tendenz zu gelassener Lebensfreude hervorrufen. Das Interesse an der individuellen Welt des Menschen wächst; schließlich markiert es eine Abkehr von der mächtigen Verallgemeinerung früherer Zeiten.

Die Grandiosität des Weltbildes, verkörpert in den Skulpturen der Akropolis, wird allmählich kleiner, aber die allgemeine Wahrnehmung von Leben und Schönheit wird bereichert. Die ruhige und majestätische Vornehmheit der Götter und Helden, wie Phidias sie darstellte, weicht der Identifizierung komplexer Erfahrungen, Leidenschaften und Impulse in der Kunst.

Griechisch 5. Jahrhundert er schätzte kraft als grundlage für einen gesunden, mutigen anfang, starken willen und vitale energie – und so verkörperte die statue eines athleten, eines siegers bei wettkämpfen, für ihn die bekräftigung menschlicher kraft und schönheit. Künstler des 4. Jahrhunderts ziehen zum ersten Mal den Charme der Kindheit, die Weisheit des Alters, den ewigen Charme der Weiblichkeit an.

Die große Kunstfertigkeit der griechischen Kunst des 5. Jahrhunderts ist auch im 4. noch lebendig, so dass die genialsten Kunstdenkmäler der Spätklassik den gleichen Stempel höchster Perfektion tragen. Wie Hegel feststellt, scheint der Geist Athens selbst in seinem Tod schön zu sein.

Die drei größten griechischen Tragiker – Aischylos (526-456), Sophokles (90er Jahre des 5. Jahrhunderts – 406) und Euripides (446 – ca. 385) brachten die spirituellen Bestrebungen und Hauptinteressen ihrer Zeit zum Ausdruck.

Die Tragödien von Aischylos verherrlichen Ideen: menschliche Leistung, patriotische Pflicht. Sophokles verherrlicht den Menschen, und er selbst sagt, dass er die Menschen so darstellt, wie sie sein sollten. Vvripid sucht sie so zu zeigen, wie sie wirklich sind, mit all ihren Schwächen und Lastern, seine Tragödien offenbaren in vielerlei Hinsicht bereits den Inhalt der Kunst des 4. Jahrhunderts.

In diesem Jahrhundert nahm der Bau von Theatern in Griechenland einen besonderen Stellenwert ein. Sie waren für eine große Anzahl von Zuschauern ausgelegt - fünfzehn- bis zwanzigtausend oder mehr. Architektonisch entsprachen Theater wie beispielsweise das marmorne Theater des Dionysos in Athen voll und ganz dem Prinzip der Funktionalität: Die im Halbkreis auf den Hügeln angeordneten Sitzplätze für die Zuschauer umrahmten die Tribüne für den Chor. Die Zuschauer, das heißt das gesamte Volk von Hellas, erhielten im Theater eine lebendige Vorstellung von den Helden ihrer Geschichte und Mythologie, und es wurde, vom Theater legalisiert, eingeführt Kunst. Das Theater zeigte ein detailliertes Bild der einen Menschen umgebenden Welt – Kulissen in Form von tragbaren Flügeln erzeugten durch die Darstellung von Objekten in perspektivischer Reduktion die Illusion der Realität. Auf der Bühne lebten und starben die Helden der Tragödien des Euripides, freuten sich und litten und zeigten in ihren Leidenschaften und Impulsen eine spirituelle Gemeinschaft mit dem Publikum. Das griechische Theater war eine echte Massenkunst, die gewisse Anforderungen auch an andere Künste entwickelte.

So wurde in der gesamten Kunst von Hellas der große griechische Realismus bestätigt, der ständig bereichert und von der Idee der Schönheit inspiriert wurde.

IV Jahrhundert spiegelt neue Trends in seiner Konstruktion wider. Die spätklassische griechische Architektur ist geprägt von einem gewissen Streben sowohl nach Prunk, ja Grandiosität, als auch nach Leichtigkeit und dekorativer Eleganz. Die rein griechische Kunsttradition ist verflochten mit orientalischen Einflüssen aus Kleinasien, wo die griechischen Städte persischer Herrschaft unterliegen. Neben den wichtigsten architektonischen Ordnungen - dorisch und ionisch - wird zunehmend die später entstandene dritte - korinthische verwendet.

Die korinthische Säule ist die prächtigste und dekorativste. Die realistische Tendenz überwindet darin das ursprüngliche abstrakt-geometrische Schema des Kapitells, das in der korinthischen Ordnung in das blühende Gewand der Natur gekleidet ist - zwei Reihen von Akanthusblättern.

Die Isolierung der Richtlinien war veraltet. Für die antike Welt stand eine Ära mächtiger, wenn auch zerbrechlicher, sklavenbesitzender Despotien bevor. Der Architektur wurden andere Aufgaben zugeteilt als im Zeitalter des Perikles.

Eines der grandiosesten Denkmäler der griechischen Architektur der Spätklassik war das Grab in der Stadt Halikarnassos (in Kleinasien), des Herrschers der persischen Provinz Carius Mausolus, der nicht auf uns übergegangen ist, von dem das Wort " Mausoleum" stammt.

Alle drei Orden wurden im Mausoleum von Halikarnassos vereint. Es bestand aus zwei Ebenen. Der erste beherbergte eine Totenkammer, der zweite einen Totentempel. Über den Rängen befand sich eine hohe Pyramide, die von einem vierspännigen Streitwagen (Quadriga) gekrönt wurde. Die lineare Harmonie der griechischen Architektur fand sich in diesem Monument von enormer Größe (es erreichte anscheinend eine Höhe von vierzig oder fünfzig Metern), dessen Feierlichkeit an die Bestattungsstrukturen der alten östlichen Herrscher erinnerte. Das Mausoleum wurde von den Architekten Satyr und Pythius erbaut, und seine skulpturale Dekoration wurde mehreren Meistern anvertraut, darunter Skopas, der wahrscheinlich eine führende Rolle unter ihnen spielte.

Skopas, Praxiteles und Lysippus sind die größten griechischen Bildhauer der Spätklassik. Durch den Einfluss, den sie auf alle nachfolgende Entwicklung hatten Antike Kunst, die Arbeit dieser drei Genies kann mit den Skulpturen des Parthenon verglichen werden. Jeder von ihnen drückte seine helle individuelle Weltanschauung, sein Schönheitsideal, sein Verständnis von Perfektion aus, die durch persönliche, nur von ihnen offenbarte, die ewigen – universellen – Gipfel erreichen. Und wieder steht dieses Persönliche in der Arbeit eines jeden im Einklang mit der Zeit, verkörpert jene Gefühle, jene Wünsche der Zeitgenossen, die seinen eigenen am ehesten entsprachen.

Leidenschaft und Impuls, Angst, Kampf mit einigen feindlichen Kräften, tiefe Zweifel und traurige Erfahrungen atmen die Kunst von Scopas. All dies war offensichtlich charakteristisch für sein Wesen und drückte gleichzeitig bestimmte Stimmungen seiner Zeit anschaulich aus. Vom Temperament her steht Scopas Euripides nahe, wie nah sie in ihrer Wahrnehmung des traurigen Schicksals von Hellas sind.

Skopas (ca. 420-ca. 355 v. Chr.) stammte aus der marmorreichen Insel Paros und arbeitete in Attika, in den Städten des Peloponnes und in Kleinasien. Sein sowohl in der Zahl der Werke als auch in der Thematik äußerst umfangreiches Schaffen ist fast spurlos untergegangen.

Von der von ihm oder unter seiner direkten Leitung geschaffenen Skulpturenausstattung des Tempels der Athene in Tegea (der nicht nur als Bildhauer, sondern auch als Architekt berühmt gewordene Scopas war auch der Erbauer dieses Tempels) nur wenige Fragmente blieb. Aber es genügt, sich zumindest den verkrüppelten Kopf eines verwundeten Kriegers (Athen, Nationalmuseum) anzusehen große Kraft sein Genie. Denn dieser Kopf mit hochgezogenen Augenbrauen, himmelwärts blickenden Augen und geöffnetem Mund, ein Kopf, in dem alles – sowohl Leid als auch Trauer – gleichsam die Tragödie nicht nur des von Widersprüchen zerrissenen und zertrampelten Griechenlands im 4. Jahrhundert ausdrückt durch fremde Eindringlinge, sondern auch die ursprüngliche Tragödie der gesamten Menschheit in ihrem ständigen Kampf, wo dem Sieg noch der Tod folgt. So scheint uns nichts geblieben von der hellen Seinsfreude, die einst das Bewusstsein der Hellenen erhellte.

Fragmente des Frieses des Grabes von Mausolus, der den Kampf der Griechen mit den Amazonen darstellt (London, British Museum). Dies ist zweifellos das Werk von Scopas oder seiner Werkstatt. Das Genie des großen Bildhauers atmet in diesen Ruinen.

Vergleichen Sie sie mit den Fragmenten des Parthenon-Frieses. Und hier und da - Emanzipation der Bewegungen. Doch dort mündet die Emanzipation in eine majestätische Regelmäßigkeit, und hier – in einen wahren Sturm: Die Winkel der Figuren, die Expressivität der Gesten, die weit flatternden Kleider erzeugen eine heftige Dynamik, die in der antiken Kunst noch nicht zu sehen war. Dort baut die Komposition auf der allmählichen Kohärenz der Teile auf, hier auf den schärfsten Kontrasten. Und doch sind das Genie des Phidias und das Genie des Scopas in etwas sehr Bedeutendem, fast in der Hauptsache verwandt. Die Kompositionen beider Friese sind gleichermaßen schlank, harmonisch und ihre Bilder sind gleichermaßen konkret. Schließlich sagte Heraklit nicht umsonst, dass die schönste Harmonie aus Kontrasten entsteht. Scopas schafft eine Komposition, deren Einheit und Klarheit so makellos sind wie die von Phidias. Darüber hinaus löst sich keine einzige Figur darin auf, verliert nicht ihre eigenständige plastische Bedeutung.

Das ist alles, was von Scopas selbst oder seinen Schülern übrig geblieben ist. Andere im Zusammenhang mit seiner Arbeit, dies sind spätere römische Kopien. Einer von ihnen gibt uns jedoch die wahrscheinlich lebhafteste Vorstellung von seinem Genie.

Parischer Stein - Bacchante. Aber der Bildhauer hat dem Stein eine Seele gegeben. Und wie berauscht sprang sie auf und stürzte sich in den Tanz. Nachdem du diese Mänade in Raserei mit einer getöteten Ziege erschaffen hast, hast du mit einem vergötternden Meißel ein Wunder vollbracht, Skopas.

So lobte ein unbekannter griechischer Dichter die Statue der Mänade oder Bacchantin, die wir nur anhand einer kleinen Kopie (Museum Dresden) beurteilen können.

Zunächst bemerken wir eine charakteristische Neuerung, die für die Entwicklung der realistischen Kunst sehr wichtig ist: Im Gegensatz zu den Skulpturen des 5. Jahrhunderts ist diese Statue vollständig auf die Betrachtung von allen Seiten ausgelegt, und Sie müssen sie umgehen, um alles wahrzunehmen Aspekte des vom Künstler geschaffenen Bildes.

Den Kopf in den Nacken werfend und den ganzen Körper beugend, stürmt die junge Frau in einem stürmischen, wahrhaft bacchischen Tanz – zur Ehre des Weingottes. Und obwohl auch die marmorne Kopie nur ein Fragment ist, gibt es vielleicht kein anderes Kunstdenkmal, das das selbstlose Pathos der Wut so eindringlich vermittelt. Das ist keine schmerzliche Erhebung, sondern eine erbärmliche und triumphale, obwohl die Macht über die menschlichen Leidenschaften darin verloren geht.

Also rein letztes Jahrhundert Klassikern konnte der mächtige hellenische Geist auch in der Wut brodelnder Leidenschaften und schmerzlicher Unzufriedenheit all seine ursprüngliche Größe bewahren.

Praxitel (ein gebürtiger Athener, wirkte 370-340 v. Chr.) drückte in seinem Werk einen ganz anderen Beginn aus. Über diesen Bildhauer wissen wir etwas mehr als über seine Brüder.

Wie Scopas vernachlässigte Praxiteles die Bronze und schuf seine größten Werke aus Marmor. Wir wissen, dass er reich war und einen überwältigenden Ruhm genoss, der einst sogar den Ruhm von Phidias in den Schatten stellte. Wir wissen auch, dass er Phryne liebte, die berühmte Kurtisane, die der Blasphemie beschuldigt und von den athenischen Richtern freigesprochen wurde, die ihre Schönheit bewunderten, die von ihnen als der Volksverehrung würdig anerkannt wurde. Phryne diente ihm als Vorbild für die Statuen der Liebesgöttin Aphrodite (Venus). Der römische Gelehrte Plinius schreibt über die Entstehung dieser Statuen und ihren Kult, wobei er die Atmosphäre der Ära des Praxiteles lebendig wiedergibt:

„... Vor allem die Werke, die nicht nur von Praxiteles, sondern im Allgemeinen im Universum existieren, ist die Venus seines Werkes. Um sie zu sehen, segelten viele nach Knidos. Praxitel fertigte und verkaufte gleichzeitig zwei Statuen der Venus, aber eine war mit Kleidung bedeckt - sie wurde von den Einwohnern von Kos bevorzugt, die das Recht hatten zu wählen. Praxiteles berechnete für beide Statuen den gleichen Preis. Aber die Einwohner von Kos erkannten diese Statue als ernst und bescheiden an; die sie ablehnten, kauften die Knidier. Und ihr Ruhm war unermesslich höher. Zar Nikomedes wollte sie später von den Cnidianern kaufen und versprach, dem Staat der Cnidianer all die riesigen Schulden zu vergeben, die sie schuldeten. Aber die Cnidier zogen es vor, alles zu ertragen, anstatt sich von der Statue zu trennen. Und nicht umsonst. Schließlich schuf Praxiteles mit dieser Statue den Ruhm von Knidus. Das Gebäude, in dem sich diese Statue befindet, ist ganz offen, sodass sie von allen Seiten betrachtet werden kann. Außerdem glauben sie, dass die Statue unter wohlwollender Beteiligung der Göttin selbst gebaut wurde. Und auf beiden Seiten ist die Freude, die es verursacht, nicht geringer ... "

Praxiteles - inspirierter Sänger weibliche Schönheit, so verehrt von den Griechen des IV. Jahrhunderts. In einem warmen Licht- und Schattenspiel leuchtete wie nie zuvor die Schönheit des weiblichen Körpers unter seinem Meißel.

Die Zeit, in der eine Frau nicht nackt dargestellt wurde, ist längst vorbei, aber diesmal stellte Praxiteles in Marmor nicht nur eine Frau, sondern eine Göttin dar, was zunächst einen überraschten Verweis hervorrief.

Die Ungewöhnlichkeit eines solchen Bildes von Aphrodite scheint in den Versen eines unbekannten Dichters durch:

Als Cyprida (Cyprida ist der Spitzname der Aphrodite, deren Kult auf der Insel Zypern besonders verbreitet war) auf Knida sah, sagte Cyprida schüchtern:
Wehe mir, wo hat Praxiteles mich nackt gesehen?

"Seit langem sind sich alle einig", schrieb Belinsky, "dass die nackten Statuen der Alten die Aufregung der Leidenschaft beruhigen und beruhigen und sie nicht erregen, dass der Beschmutzte sie gereinigt zurücklässt."

Ja natürlich. Aber die Kunst des Praxiteles ist anscheinend immer noch eine Ausnahme.

Marmor, der wiederbelebt wurde? Wer hat Cyprida schon mit eigenen Augen gesehen?
Leidenschaftliches Verlangen, wer hat es in einen kalten Stein gelegt?
Sind die Hände von Praxiteles eine Schöpfung oder eine Göttin?
Sie hat sich selbst nach Knidos zurückgezogen und den Olymp verwaist zurückgelassen?

Auch dies sind Gedichte eines unbekannten griechischen Dichters.

Lust auf Leidenschaft! Alles, was wir über das Werk von Praxiteles wissen, weist darauf hin, dass der große Künstler in der Liebeslust eine der treibenden Kräfte seiner Kunst sah.

Cnidian Aphrodite ist uns nur aus Kopien und Entlehnungen bekannt. In zwei römischen Marmorkopien (in Rom und in der Münchner Glyptothek) ist sie vollständig überliefert, so dass wir ihr allgemeines Aussehen kennen. Aber diese einteiligen Kopien sind nicht erstklassig. Einige andere, wenn auch in Trümmern, geben ein lebendigeres Bild von diesem großartigen Werk: der Kopf der Aphrodite im Louvre in Paris mit so süßen und seelenvollen Zügen; ihre Torsi, auch im Louvre und im neapolitanischen Museum, in denen wir die bezaubernde Weiblichkeit des Originals erahnen, und sogar eine römische Kopie, die nicht vom Original, sondern von der hellenistischen Statue stammt, inspiriert vom Genie von Praxiteles, “ Venus Khvoshchinsky“ (benannt nach dem Russen, der ihn erworben hat), in dem Marmor, wie wir meinen, die Wärme des schönen Körpers der Göttin ausstrahlt (dieses Fragment ist der Stolz der Antikenabteilung des Moskauer Museums der Schönen Künste). ).

Was hat die Zeitgenossen an diesem Bild der faszinierendsten der Göttinnen, die ihre Kleider abwarf und sich darauf vorbereitete, ins Wasser zu tauchen, so begeistert? Was erfreut uns sogar an kaputten Kopien, die einige Merkmale des verlorenen Originals vermitteln?

Mit feinster Modellierung, in der er alle seine Vorgänger übertraf, Marmor mit schimmernden Lichtreflexen belebte und mit einer nur ihm innewohnenden Virtuosität einem glatten Stein eine zarte Samtigkeit verlieh, eroberte Praxiteles die Glätte der Konturen und idealen Proportionen des Körpers Göttin, in der berührenden Natürlichkeit ihrer Körperhaltung, in ihrem Blick, „nass und glänzend“, nach der Antike begannen jene großen Prinzipien, die Aphrodite in der griechischen Mythologie ausdrückte, für immer im Bewusstsein und in den Träumen der Menschheit:

Schönheit und Liebe.

Schönheit - liebevoll, feminin, schillernd und fröhlich. Liebe ist auch zärtlich, verheißungsvoll und glücklich machend.

Praxiteles wird manchmal als der auffallendste Vertreter in der antiken Kunst jener philosophischen Richtung anerkannt, die im Genuss (woraus auch immer er bestand) das höchste Gut und das natürliche Ziel aller menschlichen Bestrebungen, d. h. den Hedonismus, sah. Doch seine Kunst kündet bereits von der Philosophie, die Ende des vierten Jahrhunderts aufblühte. „in den Hainen des Epikur“, wie Puschkin den athenischen Garten nannte, in dem Epikur seine Schüler versammelte …

Wie K. Marx feststellt, enthält die Ethik dieses berühmten Philosophen etwas Höheres als Hedonismus. Die Abwesenheit von Leiden, ein gelassener Geisteszustand, die Befreiung der Menschen von Todesangst und Gottesfurcht – das waren laut Epikur die Hauptbedingungen für wahren Lebensgenuss.

In der Tat bekräftigte die Schönheit der von Praxiteles geschaffenen Bilder, die sanfte Menschlichkeit der von ihm geschaffenen Götter, durch ihre Heiterkeit die Wohltat der Befreiung von dieser Angst in einer Zeit, die keineswegs heiter und nicht barmherzig war.

Das Bild eines Athleten interessierte Praxiteles offensichtlich nicht, genauso wie ihn bürgerliche Motive nicht interessierten. Er strebte danach, in Marmor das Ideal eines körperlich schönen jungen Mannes zu verkörpern, nicht so muskulös wie Polikleitos, sehr schlank und anmutig, fröhlich, aber leicht verschmitzt lächelnd, vor niemandem besonders ängstlich, aber niemand bedrohend, heiter glücklich und voller Bewusstsein der Harmonie seines ganzen Wesens. .

Ein solches Bild entsprach offenbar seinem eigenen Weltbild und lag ihm deshalb besonders am Herzen. Eine indirekte Bestätigung dafür finden wir in einer amüsanten Anekdote.

Die Liebesbeziehung zwischen dem berühmten Künstler und einer so unvergleichlichen Schönheit wie Phryne war für seine Zeitgenossen sehr interessant. Der lebhafte Geist der Athener zeichnete sich durch Mutmaßungen über sie aus. Es wurde zum Beispiel berichtet, dass Phryne Praxiteles bat, ihr sie zu geben beste Skulptur. Er stimmte zu, überließ ihr aber die Wahl und verschwieg heimlich, welches seiner Werke er für das perfekteste hält. Dann beschloss Phryne, ihn zu überlisten. Eines Tages lief ein von ihr geschickter Sklave mit der schrecklichen Nachricht nach Praxiteles, dass die Werkstatt des Künstlers niedergebrannt war ... „Wenn die Flamme Eros und Satyr zerstörte, dann starb alles!“ rief Praxiteles vor Trauer. Also fand Phryne die Einschätzung des Autors selbst heraus ...

Wir kennen diese Skulpturen, die sich in der Antike großer Berühmtheit erfreuten, durch Reproduktionen. Mindestens einhundertfünfzig Marmorexemplare von „Der ruhende Satyr“ sind zu uns gekommen (fünf davon befinden sich in der Eremitage). Nicht dazu zählen auch antike Statuen, Figuren aus Marmor, Ton oder Bronze, Grabsteine ​​und alle Arten von Produkten. angewandte Künste, auf die eine oder andere Weise inspiriert vom Genie des Praxiteles.

Zwei Söhne und ein Enkel führten die Arbeit von Praxiteles in der Bildhauerei fort, der selbst Sohn eines Bildhauers war. Aber diese Blutskontinuität ist natürlich vernachlässigbar im Vergleich zu der allgemeinen künstlerischen Kontinuität, die auf sein Werk zurückgeht.

In dieser Hinsicht ist das Beispiel von Praxiteles besonders bezeichnend, aber keineswegs außergewöhnlich.

Möge die Perfektion eines wirklich großen Originals einzigartig sein, aber ein Kunstwerk, das eine neue „Variante des Schönen“ zeigt, ist auch im Falle seines Todes unsterblich. Wir haben keine eine exakte Kopie weder die Statue des Zeus in Olympia noch die Athena Parthenos, aber die Größe dieser Bilder, die den spirituellen Inhalt fast aller griechischen Kunst der Blütezeit bestimmten, ist selbst in Miniaturschmuck und Münzen dieser Zeit deutlich zu sehen. Ohne Phidias wären sie nicht in diesem Stil entstanden. So wie es in hellenistischer und römischer Zeit keine Statuen sorgloser Jünglinge gab, die sich träge an einen Baum lehnten, oder nackte Göttinnen aus Marmor, die durch ihre lyrische Schönheit bestechen, in einer Vielzahl von Dekorationen der Villen und Parks der Adligen in hellenistischer und römischer Zeit sei kein praxiteleanischer Stil, praxiteleanische süße Glückseligkeit, die so lange in der antiken Kunst aufbewahrt wurde - wenn nicht der authentische "Ruhende Satyr" und die echte "Aphrodite von Knidus", jetzt Gott weiß wo und wie verloren wären. Sagen wir es noch einmal: Ihr Verlust ist irreparabel, aber ihr Geist lebt selbst in den gewöhnlichsten Werken von Nachahmern weiter, er lebt also für uns. Aber wenn diese Werke nicht erhalten geblieben wären, würde dieser Geist irgendwie in der menschlichen Erinnerung aufflackern, um bei der ersten Gelegenheit wieder zu leuchten.

in der antiken Kunst - sei kein echter "ruhender Satyr" und keine echte "Aphrodite von Knidus", jetzt Gott weiß wo und wie verloren. Sagen wir es noch einmal: Ihr Verlust ist irreparabel, aber ihr Geist lebt selbst in den gewöhnlichsten Werken von Nachahmern weiter, er lebt also für uns. Aber wenn diese Werke nicht erhalten geblieben wären, würde dieser Geist irgendwie in der menschlichen Erinnerung aufflackern, um bei der ersten Gelegenheit wieder zu leuchten.

Schönheit wahrnehmen Kunstwerk, eine Person wird geistig bereichert. Die lebendige Verbindung der Generationen bricht nie ganz. Das antike Schönheitsideal wurde von der mittelalterlichen Ideologie entschieden abgelehnt und die Werke, die es verkörperten, rücksichtslos zerstört. Aber die siegreiche Wiederbelebung dieses Ideals im Zeitalter des Humanismus bezeugt, dass es nie vollständig zerstört wurde.

Dasselbe gilt für den Beitrag zur Kunst jedes wirklich großen Künstlers. Denn ein Genie, das ein neues, in seiner Seele geborenes Bild von Schönheit verkörpert, bereichert die Menschheit für immer. Und so seit der Antike, als zum ersten Mal diese beeindruckenden und majestätischen Tierbilder in einer paläolithischen Höhle geschaffen wurden, aus der alle schönen Künste gingen und in die unsere entfernter Vorfahre Er legte seine ganze Seele und alle seine Träume, erleuchtet von hoher kreativer Inspiration.

Brillante Höhen in der Kunst ergänzen sich gegenseitig und führen etwas Neues ein, das nicht mehr stirbt. Dieses Neue prägt manchmal eine ganze Ära. So war es mit Phidias, so war es mit Praxiteles.

Ist aber alles zugrunde gegangen von dem, was Praxiteles selbst geschaffen hat?

Aus den Worten eines antiken Autors war bekannt, dass die Statue von Praxiteles "Hermes mit Dionysos" im Tempel von Olympia stand. Bei Ausgrabungen im Jahr 1877 wurde dort eine vergleichsweise leicht beschädigte Marmorskulptur dieser beiden Götter gefunden. Anfangs zweifelte niemand daran, dass dies das Original von Praxiteles war, und auch heute noch wird seine Urheberschaft von vielen Experten anerkannt. Ein sorgfältiges Studium der Marmortechnik selbst hat jedoch einige Gelehrte davon überzeugt, dass die in Olympia gefundene Skulptur eine hervorragende hellenistische Kopie ist, die das Original ersetzt, das wahrscheinlich von den Römern exportiert wurde.

Diese Statue, die nur von einem griechischen Autor erwähnt wird, galt offenbar nicht als Meisterwerk des Praxiteles. Dennoch sind seine Vorzüge unbestreitbar: erstaunlich feine Modellierung, weiche Linien, ein wunderbares, rein praxitelisches Spiel von Licht und Schatten, eine sehr klare, perfekt ausbalancierte Komposition und vor allem der Charme von Hermes mit seinem verträumten, leicht zerstreuten Blick und der kindliche Charme des kleinen Dionysos. Und doch liegt in diesem Zauber eine gewisse Süße, und wir spüren, dass in der ganzen Statue, sogar in der überraschend schlanken Gestalt eines sehr wohlgekrümmten Gottes in ihrer glatten Kurve, Schönheit und Anmut leicht die Grenze überschreiten, jenseits von Schönheit und Gnade beginnen. Die ganze Kunst des Praxiteles ist dieser Linie sehr nahe, aber sie verletzt sie nicht in ihren spirituellsten Schöpfungen.

Farbe spielte anscheinend eine große Rolle im Gesamtbild der Statuen von Praxiteles. Wir wissen, dass er einige von ihnen bemalt hat (durch Reiben geschmolzener Wachsfarben, die sanft das Weiß des Marmors beleben) Nicias selbst, ein berühmter Maler dieser Zeit. Die anspruchsvolle Kunst des Praxiteles gewann dank der Farbe noch mehr Ausdruckskraft und Emotionalität. Die harmonische Verbindung der beiden großen Künste wurde wohl in seinen Schöpfungen vollzogen.

Wir fügen schließlich hinzu, dass in unserer nördlichen Schwarzmeerregion in der Nähe der Mündungen von Dnjepr und Bug (in Olbia) ein Sockel einer Statue mit der Signatur des großen Praxiteles gefunden wurde. Leider war die Statue selbst nicht im Boden (Ende letzten Jahres ging eine sensationelle Nachricht durch die Weltpresse. Professor Iris Love (USA), bekannt für ihre archäologischen Entdeckungen, behauptet, sie habe den Kopf von Praxiteles echt entdeckt Aphrodite, nicht im Boden, sondern ... im Lagerraum des Britischen Museums in London, wo dieses Fragment, von niemandem identifiziert, mehr als hundert Jahre lang lag.

Der stark beschädigte Marmorkopf wird heute als Denkmal der griechischen Kunst des 4. Jahrhunderts v. Chr. in die Ausstellung des Museums aufgenommen. BC e. Die Argumente des amerikanischen Archäologen zugunsten der Urheberschaft von Praxiteles werden jedoch von einer Reihe englischer Wissenschaftler bestritten.).

Lysippus wirkte im letzten Drittel des 4. Jahrhunderts, bereits zur Zeit Alexanders des Großen. Sein Werk vervollständigt sozusagen die Kunst der Spätklassik.

Bronze war das bevorzugte Material dieses Bildhauers. Wir kennen seine Originale nicht, daher können wir ihn nur anhand der erhaltenen Marmorkopien beurteilen, die bei weitem nicht sein gesamtes Werk widerspiegeln.

Die Zahl der nicht überlieferten Kunstdenkmäler des antiken Hellas ist unermesslich. Das Schicksal des riesigen künstlerischen Erbes von Lysippus - schrecklich dazu nachweisen.

Lysippus galt als einer der produktivsten Meister seiner Zeit. Sie sagen, dass er als Belohnung für jeden abgeschlossenen Auftrag eine Münze beiseite gelegt hat: Nach seinem Tod waren es bis zu anderthalbtausend. Zu seinen Werken gehörten unterdessen Skulpturengruppen mit bis zu zwanzig Figuren, und die Höhe einiger seiner Skulpturen überschritt zwanzig Meter. Mit all dem gingen Menschen, die Elemente und die Zeit gnadenlos um. Aber keine Macht konnte den Geist von Lysippus' Kunst zerstören, die Spur auslöschen, die er hinterlassen hatte.

Laut Plinius sagte Lysippus, dass er, Lysippus, im Gegensatz zu seinen Vorgängern, die die Menschen so darstellten, wie sie sind, versuchte, sie so darzustellen, wie sie zu sein scheinen. Damit bekräftigte er das Prinzip des Realismus, das in der griechischen Kunst längst gesiegt hatte, das er aber nach den ästhetischen Grundsätzen seines Zeitgenossen, des größten Philosophen der Antike, Aristoteles, zur vollen Vollendung bringen wollte.

Darüber haben wir bereits gesprochen. Obwohl sie die Natur in Schönheit verwandelt, reproduziert die realistische Kunst sie in sichtbarer Realität. Das bedeutet, dass die Natur nicht so ist, wie sie ist, sondern wie sie unseren Augen zum Beispiel in der Malerei erscheint – mit einer Veränderung der Größe des Dargestellten je nach Entfernung. Allerdings waren die Gesetze der Perspektive den damaligen Malern noch nicht bekannt. Die Innovation von Lysippus lag darin, dass er in der Kunst der Bildhauerei enorme realistische Möglichkeiten entdeckte, die vor ihm noch nicht genutzt worden waren. Und tatsächlich werden seine Figuren von uns nicht als „for show“ geschaffen wahrgenommen, sie posieren nicht für uns, sondern existieren für sich, wie sie das Auge des Künstlers in der ganzen Komplexität der unterschiedlichsten Bewegungen erhascht, ein oder widerspiegelt ein weiterer spiritueller Impuls. Natürlich war Bronze, die beim Gießen leicht jede Form annimmt, am besten geeignet, solche bildhauerischen Probleme zu lösen.

Der Sockel grenzt die Figuren des Lysippos nicht ab Umfeld, sie leben wirklich darin, wie aus einer gewissen räumlichen Tiefe herausragend, in der sich ihre Ausdruckskraft von allen Seiten gleich deutlich, wenn auch auf unterschiedliche Weise, manifestiert. Sie sind daher vollkommen dreidimensional, vollkommen befreit. Die menschliche Figur wird von Lysippus neu aufgebaut, nicht in ihrer plastischen Synthese, wie bei den Skulpturen von Myron oder Polikleitos, sondern in einem gewissen flüchtigen Aspekt, genau so, wie sie sich dem Künstler in einem bestimmten Moment präsentierte (scheinte). die es bisher noch nicht war und in der Zukunft schon nicht mehr sein wird.

Schnappschuss? Impressionismus? Diese Vergleiche kommen mir in den Sinn, sind aber natürlich nicht auf das Werk des letzten Bildhauers der griechischen Klassik anwendbar, weil es trotz aller visuellen Unmittelbarkeit tief durchdacht, fest begründet ist, so dass die augenblicklichen Bewegungen es tun keineswegs ihre Zufälligkeit bei Lysippus.

Die erstaunliche Flexibilität der Figuren, die Komplexität, manchmal der Kontrast der Bewegungen - all dies ist harmonisch geordnet, und dieser Meister hat nichts, was auch nur im Geringsten dem Chaos der Natur ähnelt. In erster Linie einen visuellen Eindruck vermittelnd, ordnet er diesen Eindruck einer bestimmten Ordnung unter, die dem Geist seiner Kunst ein für allemal entspricht. Er, Lysippus, ist es, der den alten, polykletischen Kanon der menschlichen Figur zerstört, um einen eigenen, neuen, viel leichteren, geeigneteren für seine dynamische Kunst zu schaffen, die jede innere Unbeweglichkeit, jede Schwere ablehnt. Bei diesem neuen Kanon beträgt der Kopf nicht mehr 1¦7, sondern nur noch 1¦8 der Gesamthöhe.

Die uns überlieferten marmornen Wiederholungen seiner Werke geben im Allgemeinen nach klares Bild realistische Errungenschaften von Lysippus.

Die berühmten "Apoxiomen" (Rom, Vatikan). Das ist ein junger Athlet, aber keineswegs so wie in der Skulptur des vorigen Jahrhunderts, wo sein Bild ein stolzes Siegesbewusstsein ausstrahlte. Lysippus zeigte uns den Athleten nach dem Wettkampf, wie er den Körper fleißig mit einem Metallschaber von Öl und Staub befreite. In der ganzen Figur ist überhaupt keine scharfe und scheinbar ausdruckslose Handbewegung gegeben, was ihr eine außergewöhnliche Lebendigkeit verleiht. Äußerlich ist er ruhig, aber wir spüren, dass er große Aufregung erlebt hat, und in seinen Zügen sieht man die Müdigkeit von der größten Anstrengung. Dieses Bild, wie aus der sich ständig verändernden Realität entrissen, ist zutiefst menschlich, äußerst edel in seiner vollkommenen Leichtigkeit.

"Herkules mit einem Löwen" (Leningrad, Eremitage). Das ist ein leidenschaftliches Pathos des Kampfes nicht ums Leben, sondern wieder um den Tod, wie vom Künstler von der Seite gesehen. Die gesamte Skulptur scheint von einer stürmischen, intensiven Bewegung aufgeladen, die unwiderstehlich zu einem harmonisch schönen Ganzen verschmilzt, die mächtigen Figuren von Mensch und Tier, die sich aneinander klammern.

Welchen Eindruck die Skulpturen des Lysippus auf die Zeitgenossen machten, können wir anhand der folgenden Geschichte beurteilen. Alexander der Große liebte seine Figur „Festlicher Herkules“ (eine seiner Wiederholungen befindet sich auch in der Eremitage) so sehr, dass er sich auf seinen Feldzügen nicht davon trennte, und als seine letzte Stunde kam, befahl er, sie davor zu stellen ihn.

Lysippus war der einzige Bildhauer, den der berühmte Eroberer für würdig hielt, seine Gesichtszüge festzuhalten.

Voller Mut, der Look von Alexander und sein ganzes Auftreten
Von Lysippus aus Kupfer gegossen. Als ob dieses Kupfer lebt.
Es scheint, als würde die Statue zu Zeus sagen:
"Ich nehme die Erde für mich, dir gehört der Olymp."

So drückte der griechische Dichter seine Freude aus.

... "Die Statue des Apollo ist das höchste Kunstideal unter allen Werken, die uns aus der Antike erhalten geblieben sind." Dies wurde von Winckelmann geschrieben.

Wer war der Autor der Statue, die den berühmten Vorfahren mehrerer Generationen „alter“ Wissenschaftler so erfreute? Keiner der Bildhauer, dessen Kunst bis heute am hellsten strahlt. Wie ist das und was ist hier das Missverständnis?

Der Apollo, von dem Winckelmann spricht, ist der berühmte "Apollo Belvedere": eine marmorne römische Kopie mit Bronze-Original Leohara (letztes Drittel des 4. Jahrhunderts v. Chr.), so benannt nach der Galerie, in der es lange ausgestellt war (Rom, Vatikan). Diese Statue hat einst für viel Begeisterung gesorgt.

Enorm sind die Verdienste Winckelmanns, der sein ganzes Leben der Erforschung der Antike widmete. Obwohl nicht sofort, wurden diese Verdienste anerkannt, und er übernahm (1763) den Posten des obersten Superintendenten für Altertümer in Rom und Umgebung. Aber was könnte selbst der tiefste und subtilste Kenner wissen größten Meisterwerke griechische Kunst anerkannt, und er übernahm (1763) den Posten des obersten Superintendenten für Altertümer in Rom und Umgebung. Aber was konnte selbst der tiefste und subtilste Kenner dann über die größten Meisterwerke der griechischen Kunst wissen?

Winckelmann wird in dem bekannten Buch des russischen Kunsthistorikers gut gesagt gegenwärtigen Jahrhundert P. P. Muratova „Images of Italy“: „Der Ruhm der klassischen Statuen, der sich in den Tagen von Winckelmann und Goethe entwickelte, wurde in der Literatur gestärkt ... Winckelmanns ganzes Leben war eine Leistung und seine Haltung gegenüber der antiken Kunst war zutiefst aufopfernd. Es ist ein Element des Wunderbaren in seinem Schicksal, diese feurige Liebe zur Antike, die den im brandenburgischen Sand aufgewachsenen Schuhmachersohn so seltsam ergriff und ihn durch alle Wechselfälle nach Rom führte ... Weder Winckelmann noch Goethe waren Menschen des 18. Jahrhunderts. In einem von ihnen erweckte die Antike die feurige Begeisterung des Entdeckers neuer Welten. Zum anderen war es eine lebendige Kraft, die ihn befreite eigene Kreativität. Ihre Einstellung zur Antike wiederholt die spirituelle Wendung, die die Menschen der Renaissance auszeichnete, und ihr spiritueller Typ behält viele Merkmale von Petrarca und Michelangelo. Die für die Antike charakteristische Fähigkeit zur Wiederbelebung wiederholte sich somit in der Geschichte. Dies dient als Beweis dafür, dass es für lange Zeit und auf unbestimmte Zeit existieren kann. Erweckung ist kein zufälliger Inhalt einer historischen Epoche, sondern einer der ständigen Instinkte des geistigen Lebens der Menschheit. Aber in den damaligen römischen Sammlungen war „nur Kunst im Dienste des kaiserlichen Roms vertreten – Kopien berühmter griechischer Statuen, die letzten Triebe hellenistischer Kunst ... Winckelmanns Einsicht war, dass es ihm manchmal gelang, Griechenland dadurch zu erraten. Aber die Kenntnis der Kunstgeschichte ist seit der Zeit Winckelmanns weit fortgeschritten. Wir müssen Griechenland nicht mehr erraten, wir können es in Athen, in Olympia, im Britischen Museum sehen."

Die Kenntnis der Kunstgeschichte und insbesondere der Kunst von Hellas ist noch weiter gegangen, seit diese Zeilen geschrieben wurden.

Die Vitalität der reinen Quelle der alten Zivilisation kann jetzt besonders wohltuend sein.

Wir erkennen im Belvedere „Apollo“ ein Spiegelbild der griechischen Klassik. Aber es ist nur eine Reflexion. Wir kennen den Fries des Parthenon, den Winckelmann nicht kannte, und deshalb erscheint uns die Leochar-Statue bei aller unzweifelhaften Prunkhaftigkeit innerlich kalt, etwas theatralisch. Obwohl Leochar ein Zeitgenosse von Lysippus war, hat seine Kunst, die die wahre Bedeutung des Inhalts verliert, den Beigeschmack von Akademismus und markiert einen Niedergang in Bezug auf die Klassiker.

Der Ruhm solcher Statuen führte manchmal zu einem Missverständnis über die gesamte hellenische Kunst. Diese Vorstellung ist bis heute nicht verblasst. Einige Künstler neigen dazu, die Bedeutung des künstlerischen Erbes von Hellas zu reduzieren und sich bei ihrer ästhetischen Suche ganz anderen kulturellen Welten zuzuwenden, die ihrer Meinung nach dem Weltbild unserer Zeit besser entsprechen. (Es genügt zu sagen, dass ein so maßgeblicher Vertreter der modernsten westlichen Ästhetik schmeckt wie Französischer Schriftsteller und der Kunsttheoretiker Andre Malraux, platzierte in seinem Werk „Imaginary Museum of World Sculpture“ halb so viele Reproduktionen der skulpturalen Denkmäler des antiken Hellas wie die sogenannten primitiven Zivilisationen Amerikas, Afrikas und Ozeaniens!) Aber ich möchte hartnäckig glauben dass die majestätische Schönheit des Parthenon erneut in den Köpfen der Menschheit triumphieren wird und darin das ewige Ideal des Humanismus bekräftigt.

Zwei Jahrhunderte nach Winckelmann wissen wir weniger über die griechische Malerei als er Griechische Skulptur. Die Reflektion dieses Bildes erreicht uns, eine Reflektion, aber kein Strahlen.

Sehr interessant ist die bereits in unserer Zeit (1944) beim Ausheben einer Baugrube für einen Luftschutzbunker entdeckte Malerei der thrakischen Grabkrypta in Kazanlak (Bulgarien), die auf das Ende des 4. oder Anfang des 3. Jahrhunderts datiert wird . BC e.

Die Bilder des Verstorbenen, seiner Angehörigen, Krieger, Pferde und Streitwagen sind harmonisch in die runde Kuppel eingeschrieben. Schlanke, imposante und manchmal sehr anmutige Gestalten. Und doch ist es offensichtlich im Geiste Provinzmalerei. Das Fehlen einer räumlichen Umgebung und inneren Einheit der Komposition passt nicht zu den literarischen Zeugnissen der bemerkenswerten Errungenschaften der griechischen Meister des 4. Jahrhunderts: Apelles, dessen Kunst als Höhepunkt der Malerei verehrt wurde, Nikia, Pausia, Euphranar, Protogenes, Philoxenus, Antiphilus.

Für uns sind das alles nur Namen...

Apelles war der Lieblingsmaler von Alexander dem Großen und arbeitete wie Lysippus an seinem Hof. Alexander selbst sprach von seinem Porträt seiner Arbeit, dass es zwei Alexanders darin gibt: den unbesiegbaren Sohn Philipps und den von Apelles geschaffenen „unnachahmlichen“.

Wie können wir das tote Werk von Apelles wiederbeleben, wie können wir es genießen? Lebt nicht der Geist des Apelles, scheinbar dem Praxiteles nahe, in den Versen des griechischen Dichters:

Ich sah Apelles Cyprida, geboren von der Meeresmutter.
Im Glanz ihrer Nacktheit stand sie über der Welle.
So auf dem Bild sie: mit ihren Locken, schwer von Feuchtigkeit,
Sie beeilt sich, den Meeresschaum mit sanfter Hand zu entfernen.

Die Göttin der Liebe in all ihrer faszinierenden Pracht. Wie schön muss die Bewegung ihrer Hand gewesen sein, die den Schaum von ihren „nass-schweren“ Locken streicht!

Die fesselnde Ausdruckskraft der Malerei von Apelles scheint in diesen Versen durch.

Homerischer Ausdruck!

Bei Plinius lesen wir über Apelles: „Er machte auch Diana, umgeben von einem Chor opfernder Jungfrauen; und wenn man das Bild sieht, scheint es, als würde man die Verse von Homer lesen, die es beschreiben.

Verlust der griechischen Malerei des 4. Jh. BC e. umso dramatischer, als dies nach vielen Zeugnissen das Jahrhundert war, in dem die Malerei neue bemerkenswerte Höhen erreichte.

Lasst uns noch einmal die verlorenen Schätze bedauern. Egal wie sehr wir die Fragmente griechischer Statuen bewundern, unsere Vorstellung von der großen Kunst von Hellas, in deren Schoß alle europäische Kunst entstand, wird unvollständig sein, genauso offensichtlich unvollständig wäre zum Beispiel die Vorstellung von ​​unsere fernen Nachfahren über die Entwicklung der Künste im letzten 19. Jahrhundert, wenn von seiner Malerei nichts mehr übrig wäre...

Alles deutet darauf hin, dass die Übertragung von Raum und Luft für die griechische Malerei der Spätklassik kein unlösbares Problem mehr war. Grundlagen Geradlinige Perspektive waren schon da. Laut literarischen Quellen klang die Farbe darin voll, und die Künstler lernten, die Töne allmählich zu verstärken oder abzuschwächen, so dass die Grenze zwischen der gemalten Zeichnung und dem echten Gemälde anscheinend überschritten wurde.

Es gibt einen solchen Begriff - "valere", der in der Malerei Tonschattierungen oder Abstufungen von Licht und Schatten innerhalb desselben Farbtons bezeichnet. Dieser Begriff ist entlehnt Französisch und in buchstäblich bedeutet Wert. Farbwert! Oder - Blume. Die Gabe, solche Werte und deren Kombination im Bild zu schaffen, ist die Gabe eines Koloristen. Obwohl wir dafür keine direkten Beweise haben, kann davon ausgegangen werden, dass es sich bereits in Teilen im Besitz der größten griechischen Maler der Spätklassik befand, auch wenn Linie und reine Farbe (eher als Ton) in ihren Kompositionen weiterhin eine große Rolle spielten.

Antiken Autoren zufolge waren diese Maler in der Lage, Figuren in einer einzigen, harmonisch vereinenden Komposition zu gruppieren, spirituelle Impulse in Gesten zu vermitteln, mal scharf und stürmisch, mal weich und zurückhaltend, in Blicken - funkelnd, wütend, triumphierend oder träge, in a Wort, dass sie alle ihrer Kunst übertragenen Aufgaben oft so brillant wie ihre zeitgenössischen Bildhauer sind.

Wir wissen schließlich, dass sie in den unterschiedlichsten Genres wie Historien- und Schlachtenmalerei, Porträtmalerei, Landschaftsmalerei und sogar toter Natur erfolgreich waren.

Im durch einen Vulkanausbruch zerstörten Pompeji wurden neben Wandmalereien auch Mosaike entdeckt, darunter eines, das uns besonders am Herzen liegt. Dies ist eine riesige Komposition „Schlacht Alexanders mit Darius bei Issus“ (Neapel, Nationalmuseum), d. h. Alexander der Große mit dem persischen König Darius III., der in dieser Schlacht eine schwere Niederlage erlitt, der bald der Zusammenbruch des Reich der Achämeniden.

Die mächtige Gestalt von Darius mit nach vorne geworfener Hand, wie in einem letzten Versuch, das Unvermeidliche zu stoppen. In seinen Augen liegt Wut und tragische Spannung. Wir fühlen, dass er wie eine schwarze Wolke drohte, mit seiner ganzen Armee über dem Feind zu hängen. Aber es kam anders.

Zwischen ihm und Alexander ist ein verwundeter persischer Krieger, der mit seinem Pferd hingefallen ist. Dies ist das Zentrum der Komposition. Nichts kann Alexander aufhalten, der wie ein Wirbelsturm auf Darius zueilt.

Alexander ist das genaue Gegenteil der von Darius verkörperten barbarischen Macht. Alexander ist ein Sieg. Daher ist er ruhig. Junge, mutige Gesichtszüge. Die Lippen leicht traurig trennten sich ein leichtes Lächeln. Er ist gnadenlos in seinem Triumph.

Die Speere der persischen Krieger erheben sich noch immer wie eine schwarze Palisade. Doch der Ausgang des Kampfes steht bereits fest. Das traurige Skelett eines zerbrochenen Baumes deutet sozusagen dieses Ergebnis für Darius an. Die Peitsche des wütenden Wagenlenkers der königlichen Streitwagen pfeift. Die Erlösung liegt nur im Flug.

Die ganze Komposition atmet Kampfpathos und Siegespathos. Kühne Winkel vermitteln das Volumen von Figuren von Kriegern und zerrissenen Yacons. Ihre stürmischen Bewegungen, Kontraste aus hellen Lichtern und Schatten lassen ein Gefühl von Raum entstehen, in dem sich ein gewaltiger ethischer Kampf zwischen den beiden Welten vor uns entfaltet.

Eine Kampfszene von erstaunlicher Kraft.

Malen? Aber es ist nicht echte Malerei, sondern nur eine malerische Kombination aus farbigen Steinen.

Tatsache ist jedoch, dass das berühmte Mosaik (wahrscheinlich aus hellenistischer Arbeit, von irgendwoher nach Pompeji gebracht) ein Bild des griechischen Malers Philoxenus wiedergibt, der am Ende des 4 Hellenistische Ära. Gleichzeitig reproduziert es recht gewissenhaft, da es uns irgendwie die kompositorische Kraft des Originals vermittelt.

Natürlich, und das ist natürlich nicht das Original, und hier ist das verzerrende Prisma einer anderen, wenn auch der Malerei nahestehenden Kunst. Aber vielleicht ist es dieses von der pompejanischen Katastrophe verkrüppelte Mosaik, das nur den Fußboden eines reichen Hauses schmückte, und öffnet ein wenig den Schleier über dem aufregenden Geheimnis der bildlichen Offenbarungen der großen Künstler des antiken Hellas.

Der Geist ihrer Kunst sollte am Ende des Mittelalters unserer Zeitrechnung wiederbelebt werden. Die Künstler der Renaissance sahen kein einziges Beispiel antiker Malerei, aber sie schafften es, ihre eigene großartige Malerei zu schaffen (noch raffinierter, sich all ihrer Möglichkeiten bewusster), die die einheimische Tochter des Griechen war. Denn, wie schon gesagt, wahre Offenbarung in der Kunst verschwindet nie spurlos.

Zum Abschluss dieses kurzen Überblicks über die griechische klassische Kunst möchte ich noch ein weiteres bemerkenswertes Denkmal erwähnen, das in unserer Eremitage aufbewahrt wird. Dies ist die weltberühmte italienische Vase des 4. Jahrhunderts. BC e., gefunden in der Nähe der antiken Stadt Kuma (in Kampanien), benannt nach der Perfektion der Komposition und dem Reichtum der Dekoration "Königin der Vasen", und obwohl sie wahrscheinlich nicht in Griechenland selbst geschaffen wurde, spiegelt sie die höchsten Errungenschaften wider Griechische Kunststoffe. Das Wichtigste an der schwarz glasierten Vase aus Qum sind ihre wirklich makellosen Proportionen, schlanken Umrisse, allgemeine Harmonie der Formen und erstaunlich schöne mehrfigurige Reliefs (die Spuren von leuchtenden Farben behalten), die dem Kult der Fruchtbarkeitsgöttin Demeter gewidmet sind. die berühmten eleusinischen Mysterien, in denen die dunkelsten Szenen durch schillernde Visionen ersetzt wurden, die Tod und Leben, den ewigen Verfall und das Erwachen der Natur symbolisierten. Diese Reliefs sind Anklänge an die monumentale Skulptur der größten griechischen Meister des 5. und 4. Jahrhunderts. So ähneln alle stehenden Figuren den Statuen der Praxiteles-Schule, und die sitzenden Figuren ähneln denen der Phidias-Schule.

Erinnern wir uns an eine andere berühmte Eremitage-Vase, die die Ankunft der ersten Schwalbe darstellt.

Es gibt noch unausgereifte Archaik, nur Vorbote der Kunst der Klassik, duftender Frühling, geprägt von einer noch schüchternen, naiven Weltanschauung. Hier - fertig, weise, schon etwas protzig, aber immer noch ideal schöne Handwerkskunst. Die Klassiker gehen zur Neige, aber die klassische Pracht ist noch nicht zum Pomp verkommen. Beide Vasen sind gleich schön, jede auf ihre Art.

Die zurückgelegte Distanz ist enorm, wie der Weg der Sonne von morgens bis abends. Es gab ein morgendliches Hallo und hier - ein abendliches Lebewohl.

Einführung

2. Früher Klassiker

3. Hoher Klassiker

4. Spätklassiker

Abschluss

Verzeichnis der verwendeten Literatur

Einführung

Antike Kunst ist die Bezeichnung für antike griechische und römische Kunst, die ihren Ursprung im südlichen Teil der Balkanhalbinsel, auf den Inseln des Ägäischen Archipels und an der Westküste Kleinasiens hatte und im antiken Griechenland im 5.-4. Jahrhundert ihre höchste Blüte erlebte . BC e. In hellenistischer Zeit erstreckte sich sein Einfluss auf die weiten Gebiete neben dem Mittelmeer und dem Schwarzen Meer sowie auf die Nahen und Mittleren Osten Naher Osten(bis nach Indien), wo sich lokale Schulen hellenistischer Kunst entwickelten. Die Traditionen der antiken griechischen und hellenistischen Kunst erhielten eine neue Entwicklung in der Kunst des antiken Roms.

Die besten Werke der antiken Kunst, die hohe humanistische Ideale in klassisch klaren, erhabenen Formen verkörperten, werden meist mit Vorstellungen von künstlerischer Perfektion und einem unerreichbaren künstlerischen Vorbild in Verbindung gebracht.

Das goldene Zeitalter ist nach Ansicht vieler alter Völker die früheste Zeit des menschlichen Daseins, als die Menschen ewig jung blieben, keine Sorgen und Sorgen kannten, wie Götter waren, sondern dem Tod unterworfen waren, der wie eine Süßigkeit zu ihnen kam Traum (beschrieben in "Werke und Tage" Hesiod, Ovids Metamorphosen usw.). Im übertragenen Sinne - die Blütezeit von Kunst und Wissenschaft.

Die Kunst des antiken Griechenlands, die Gegenstand dieser Studie ist, ist eines der bedeutendsten Phänomene der künstlerischen Weltkultur. Die im Mittelalter begrabenen antiken griechischen Ruinen wurden von den Meistern der Renaissance entdeckt und gaben den Werken der klassischen Antike die höchste Bewertung. Die Antike wurde für unübertroffen und vollkommen erklärt. Sie inspirierte fast alle großen Künstler – von Raffael und Michelangelo bis Picasso.

1. Periodisierung der antiken Kunst

Im antiken Griechenland wurde formvollendete Kunst geschaffen. Während die Kreationen von Ägypten, Sumer, China oder Assyrien die Denkweise und Ideale nur dieser spezifischen Länder und Völker tiefer zum Ausdruck brachten, Hellas ( Antikes Griechenland) ging weit über nationale Grenzen hinaus und schuf eine Kunst, die nicht nur einigen Hellenen, sondern auch allen anderen Völkern verständlich ist. Wie und warum sie das geschafft haben, wird für immer ein Rätsel bleiben. Schönheit und tiefe Bedeutung Hellenische Kreationen faszinieren die Menschheit seit zwei Jahrtausenden.

Die Kunst des antiken Griechenlands ist nicht aus dem Nichts aufgetaucht, sie ist aus den kretisch-mykenischen Wurzeln gewachsen und hat auf ihrer Grundlage eine neue geschaffen künstlerische Überlieferung. Kulturelle Errungenschaften griechischer Städte im II. Jahrtausend v. e. wurden im 1. Jahrtausend v. Chr. neu gedacht. e. Nach der sogenannten Ära des „dunklen Mittelalters“, die vom Untergang der mykenischen Welt bis ins 8. Jahrhundert dauerte. BC h., begann eine schnelle, kraftvolle Wiederbelebung der Kultur. Es war die Zeit der „Griechischen Renaissance“, die den Boden für das weitere Aufblühen der Kunst schuf. Auf dem Weg ihrer Entwicklung durchlief diese Kunst mehrere Hauptphasen (Stile): Geometrie(IX-VIII Jahrhundert v. Chr.), archaisch(VII-VI Jahrhunderte v. Chr.), Klassiker, die unterteilt ist in früh(490-450 v. Chr.), hoch(450-400 v. Chr.) und spät(400-323 v. Chr.). III-I Jahrhunderte. BC e. geschäftige Ära Hellenismus- die Zeit nach dem Tod Alexanders des Großen (323 v. Chr.), als dank der Eroberungen des großen Feldherrn erstmals die bunte und vielfältige Welt vereint wurde - von Griechenland über Persien und Zentralasien bis nach Indien. Dann breitete sich der hellenische Stil, der an verschiedenen Orten unterschiedliche Formen annahm, über ein weites Gebiet aus. Im II Jahrhundert. BC e. Griechenland fiel unter die Herrschaft der Römischen Republik und wurde eine Provinz namens Achaia, aber die hellenische Kunst existierte weiterhin auf dem Boden Roms und wurde zum brillantesten Bestandteil in der sehr komplexen und multinationalen Kunstwelt des Reiches.

2. Früher Klassiker

Zeitraum strenger Stil, wie heißt das jetzt frühe Klassiker markiert 490-450 v. e.. Diese Ära, verbunden mit dem Kampf Griechenlands gegen den mächtigen persischen Staat, war die Zeit der Demokratiebildung in den griechischen Stadtstaaten (polises). Die Ära der Archaik, geprägt von der Herrschaft der Tyrannen, schwand in die Vergangenheit. Ein unabhängiger Bürger, eine Person, betrat die historische Bühne. Der strenge Stil zeichnet sich durch die dramatische Intensität des Kampfes aus: Die meisten Themen beziehen sich auf Schlachten, intensive dynamische Aktionen und die Schwere der Bestrafung der Feinde.

Unter den Meistern dieser Zeit zeichneten sich besonders Onesimus, Duris, der Vasenmaler Cleophrades, der Vasenmaler Brig und andere aus, von denen einer, der Vasenmaler Cleophradus, die berühmte besitzt hydria(Wassergefäß) aus Nola mit der Szene "Tod von Troja". Das kreisförmige Bild im oberen Teil des Gefäßes ist von echter Tragödie durchdrungen: In der Mitte ist der Schrein der Trojaner dargestellt - das heilige Palladium (eine Holzstatue von Athena Pallas, Wächterin der Stadt Troja), - zu dem die Tochter des Königs Priamos, die Prophetin Kassandra, fiel. Der griechische Anführer Ajax trat auf den Körper des gefallenen Feindes und riss Kassandra, die in seiner Nähe floh, gewaltsam aus dem Palladium. Dies war ein bisher unerhörtes Sakrileg, für das dem Volk von Ajax für ganze tausend Jahre eine besondere Strafe auferlegt werden sollte. Tod und Gewalt sind überall, und sogar die Palme biegt traurig ihre Äste, und dahinter, direkt auf dem Altar, wird der ältere Priamos selbst getötet, befleckt mit dem Blut seines kleinen Enkels Astyanax.

Das Thema der Beseitigung von Willkür, Unkontrollierbarkeit und der Herrschaft der Vernunft zieht sich durch alle Denkmäler dieser Zeit. In den 60er Jahren. 5. Jahrhundert BC e. Der Zeustempel von Olympia wurde wieder aufgebaut - das wichtigste panhellenische Heiligtum, in dem alle vier Jahre die weltberühmten Olympischen Spiele stattfanden. Beide Giebel des Tempels, die vom Architekten Libon aus Kalkstein gebaut wurden, hatten Marmorskulpturengruppen (jetzt im Olympia-Museum aufbewahrt). Die Komposition auf dem Westgiebel des Gebäudes zeigte eine leidenschaftliche, erbärmliche Szene: Zentauren griffen Frauen und Jungen während des Hochzeitsfestes von König Pirithous an. Dynamische und angespannte Figuren scheinen zu Gruppen zu verschmelzen, die zu den Ecken hin allmählich abnehmen, gleichzeitig wird die Handlung immer intensiver. Es stellte sich heraus, dass das gesamte Bild sowohl in der Form als auch in der Handlung verbunden war. Es ist voller spiritueller Kraft: Der Gott Apollo, der in der Mitte steht, hebt seine rechte Hand und kündigt den Sieg für die Menschen an.

Auf dem anderen, östlichen Giebel wird eine statische Komposition präsentiert, auf der Enomai und Pelops sich auf den Wettbewerb vorbereiten. Der Mythos des ersten Wagenrennens war die Grundlage Olympische Spiele. Pelops kam einst aus Kleinasien, um nach seiner Frau Hippodamia, der Tochter von Enomai, zu fragen. Er sah den Tod durch den Bräutigam voraus und rief ihn dennoch wie die vorherigen Bewerber zum Wettbewerb auf. Pelops tötete den alten König durch List und stiftete den Wagenlenker zum Verrat an.

Die Gelassenheit der Helden ist trügerisch, alle sind gespannt auf den Ausgang. Oenomaus akimbo, Pelops, als Sieger, ist in eine goldene Muschel gekleidet. Neben ihnen stehen Frauen und dann - die mysteriösen Statuen von Priestern, Jungen und liegenden männlichen Figuren, die die Flüsse Alpheus und Kladei symbolisieren, in deren Tal Wettbewerbe stattfanden.

Die Bilder eines strengen Stils sind wirklich streng. Die Statue des Wagenlenkers von Delphi spiegelt die Ideale der damaligen Zeit zutiefst wider. Es wurde Apollo von einem der Herrscher Süditaliens gewidmet. Die Figur ist halb vom Streitwagen verdeckt, aber alle sichtbaren Details sind mit größter Sorgfalt ausgearbeitet: die Zehen, die geschwollenen Adern und die Flöten – vertikale Rillen, die die Roben bedecken. Ein Forscher sagte treffend, dass die Figuren des strengen Stils wie die Pfeifen einer Orgel stehen. Ihre Miene ist genauso streng. Zieht Aufmerksamkeit auf sich neuer Typ Gesichter mit glatter, niedriger Frisur, die die Stirn bedeckt, regelmäßigen Gesichtszügen und einem kräftigen, schweren Kinn.Zu dieser Zeit arbeitete einer der größten Bildhauer des 5. Jahrhunderts. BC e. Miron. Er schuf die berühmte Statue des Diskuswerfers – „Discobolus“, die bis heute nicht erhalten ist, aber dank römischer Kopien rekonstruiert wurde. Sie war aus Bronze, wie die meisten anderen Statuen, von einem strengen Stil, der durchaus dem Zeitgeist entsprach.

„Disco Thrower“ besticht durch sein witziges Design: Es bewegt sich schnell und ist gleichzeitig bewegungslos. Miron porträtierte im Allgemeinen gerne einen Menschen in Extremsituationen und fertigte sogar eine Statue des Läufers Lad an, der in Versen gesungen wurde und an der Ziellinie starb. Eine Besonderheit dieser Statue ist nicht die Harmonie einer komplexen Figur, sondern die speziell in sie eingebrachten Disproportionen unter Berücksichtigung optischer Korrekturen: Das Gesicht des jungen Mannes ist von vorne (vorne) betrachtet asymmetrisch, der Kopf jedoch in starker Neigung angeordnet, und durch all diese optischen Effekte entsteht beim Betrachter eine überraschend integrale Gesichtswahrnehmung. Das gleiche ungewöhnliche Design kennzeichnete seine bronzene Skulpturengruppe "Athena und Marsyas", die auf der Athener Akropolis stand. Auch sie war im Zeitgeist: Die Göttin bestrafte den Waldgott Marsyas, der es wagte, gegen das Verbot zu verstoßen, ihre Rohrflöte zu finden und aufzuheben. Dieses Instrument wurde von Athena selbst erfunden, aber als sie bemerkte, dass das Spielen die schönen Züge ihres Gesichts verzerrte, warf sie die Flöte weg, verfluchte sie und verbot ihr, sie zu berühren.

3. Hoher Klassiker

Bis zur Mitte des 5. Jh. BC e. die Schärfe des frühklassischen Stils überlebte sich allmählich. Die Kunst Griechenlands trat in eine Blütezeit ein. Überall wurden nach der Zerstörung durch die Perser Städte wieder aufgebaut, Tempel, öffentliche Gebäude und Heiligtümer errichtet. In Athen ab 449 v. e. Perikles regierte, ein hochgebildeter Mann, der alle vereinte die besten Köpfe Hellas: seine Freunde waren der Philosoph Anaxagoras, der Maler Polykleitos und der Bildhauer Phidias. Es fiel Phidias zu, die Athener Akropolis wieder aufzubauen, deren Ensemble heute als das schönste gilt.

Die Athener Akropolis stand auf einer hohen, steilen Klippe, die sich über der Stadt erhob. Die Akropolis war das Zentrum aller höchsten Schreine der Athener. Unter Perikles wurde es als einzigartiger architektonischer Komplex neu verwirklicht. Nach dem Plan des Architekten Mnesicles wurde zum Heiligtum ein prächtiger Eingangsportikus errichtet, der es mit ionischen Säulen schmückte. Links von den Propyläen (Eingangstor) befand sich das Gebäude der Pinakothek - eine Kunstgalerie, in der sich Bilder der Haupthelden Attikas befanden, und am Eingang standen Statuen der Schutzgötter: Hermes und Hekate.

Thematischer Abstract zum Thema „Spätklassik des antiken Griechenlands,

4. Jahrhundert v

Der Privatkunde wird stärker als der öffentliche. Die Meister werden eher von einem Interesse an menschlichen als an göttlichen Bildern dominiert. Sie werden mehr von den Ideen der Sinnlichkeit als vom Rationalismus angezogen. Architektur und Bildhauerei spielen weiterhin eine große Rolle, während die Vasenmalerei ihre frühere Bedeutung verliert.

Die Architektur. Im 4. Jahrhundert v. Extreme werden deutlicher: riesigTempel der Artemis von Ephesus, Mausoleum von Halikarnassos(Mitte des 4. Jahrhunderts v. Chr.) Und kleine Gebäude mit einer dekorativen Lösung von Formen wieDenkmal des Lysikrates. Die Zahl profaner Bauten wächst. Die Begeisterung der Architekten für verschiedene Grundrisse ist spürbar: quadratisch, rund, rechteckig. Häufiger ist eine Kombination verschiedener Ordnungen.Heiligtum des Asklepios in Epidauruswo viel gebaut wird. Asklepios wurde im 4. Jahrhundert v. Chr. besonders verehrt. Ein wichtiger Ort des „Krankenhauses“ war ein 70 Meter langer Säulengang, in dem die Heilungswilligen schliefen und in dessen Nähe sich eine Waschquelle befand. In Epidauros, Propylaea, wurden Tempel für Asklepios und Artemis gebaut, wo nach der Genesung Bilder von kranken Körperteilen aus Gips gebracht wurden, sowie Bild - ein runder Saal, offensichtlich für Konzerte, ein riesiges Theater und viele schöne Laubengänge. Es hatte eine quadratische Turnhalle mit einem Spielplatz für Spiele und Training, Klassen für Literatur- und Musikunterricht und ein Stadion. Tholos (Fimela) , Konzertsaal - wurde von einem prominenten Architekten der damaligen Zeit erbautPolykletos der Jüngere. Das Gebäude mit rundem Grundriss aus Pentelli- und Parian-Marmor war außen mit 20 dorischen Säulen und innen mit 14 korinthischen Säulen geschmückt. Das von Polykleitos dem Jüngeren erbaute Theater in Epidaurus ist eines der besten in Griechenland und beeindruckt mit seiner Akustik.

Bauen in Kleinasien.Im 4. Jahrhundert wurde in den Städten Kleinasiens, die Gebäude der ionischen Ordnung bevorzugten, schnell gebaut. Zu dieser Zeit erschaffen sieDas Löwengrab in Knida, der Tempel der Artemis von Ephesus, der Tempel der Artemis in Sardes, der Tempel der Athene in Priene, Apollo in Didyma.

Mausoleum von Halikarnassos.Das Grab begann mit dem Bau Pytheas und Satyr zu Lebzeiten des Königs, endete aber nach seinem Tod. Skulpturale Dekorationen wurden durchgeführtScopas, Briaxides, Timothy und Leohar. Im 15. Jahrhundert wurde dieses Wunder der antiken Architektur von den Johannitern zerstört. Griechische Formen wurden hier in Kolonnaden und Ordnungen und orientalische Formen in der Verwendung der Pyramide kombiniert.

Im 4. Jahrhundert v. schuf auch viele Sarkophage, streng in architektonischen Formen, oft mit Farbe bemalt.

Skulptur. Die Entwicklung der Bildhauerei im 4. Jahrhundert wird durch Namen bestimmtScopas, Praxiteles, Lysippus; zusammen mit ihnen solche herausragenden Meister wieLeohar, Timotheus, Briaxides, Euphranor, Silanion und andere.

Umfang seinen eigenen Stil geschaffen. Paphos, emotionale Erregung sind typisch für seine Denkmäler. Er wurde auf der Insel Paros geboren und arbeitete zwischen 370 und 330 v. in verschiedenen Gebieten: Attika, Böotien, Arkadien, Kleinasien. Als vielseitiger Meister ist er auch als Architekt bekanntTempel der Athena Alei in Tegea(nicht gespeichert). Kunstwerke Umfang zeugen von einem ausgeprägten Interesse an Emotionalität, an der Offenlegung menschlicher Gefühle in einem Kunstdenkmal. In der Bildhauerei zeigt sich dies in der Kompliziertheit der Komposition, der Steigerung von Dynamik und Ungestüm, im Kontrast des Hell-Dunkels. In leidenschaftlichen Bildern Umfang neue Beziehungen der Griechen zur Welt erklangen, der Verlust an Klarheit und Ruhe fand einen plastischen Ausdruck. Umfang wandte sich gerne ausdrucksstarken Themen zu ( Mänade ). In den Reliefs, die den Fries des Halikarnassos-Mausoleums schmückten, drückte der Bildhauer im Vergleich zu den Werken des 5. Jahrhunderts v. Chr. Die Zunahme emotionaler Ausdruckskraft aus. diese Ausdruckskraft hat sich um ein Vielfaches gesteigert. Die Entdeckung neuer künstlerischer Ausdrucksmittel (Dramatik, Leidenschaft) führte zum Verlust der monumentalen Klarheit hoher Klassiker, in deren Werken menschlicher Verstand gewann im Zusammenstoß mit den Elementen als höchstes Prinzip.

Praxiteles , geboren um 390 v. Chr., drückte in seinen Werken andere Stimmungen aus. Frühe Arbeit"Satyr gießt Wein ein"wurde so verherrlicht, dass es uns in vielen römischen Nachbildungen überliefert ist. Die Fähigkeit, glatte, fließende Konturen von Statuen zu schaffen, ist eine der bemerkenswertesten Fähigkeiten Praxiteles. Wenn das Genie von Scopas verkörpert dann Impulsivität, Pathos Praxiteles - ein Meister der Harmonie, Entspannung, Entspannung nach einem Aufruhr ängstlicher Gefühle. Umfang - ein Exponent des dionysischen Prinzips, Praxiteles - Apollinisch. Praxiteles wurde berühmt für die Statue der Aphrodite, die für die Einwohner von Kos zwei Statuen der Göttin aufführte, bekleidet und nackt. Den Kunden war die Kühnheit des Bildhauers peinlich und sie nahmen den Akt nicht. Es wurde von den Einwohnern von Knidos (Aphrodite von Knidos), und sie brachte Ruhm in ihre Stadt (Wallfahrt). Der Bildhauer zeigte die schöne Nacktheit einer harmonisch gebauten Frau, es gelang ihm, an den Grenzen der Sinnlichkeit anzuhalten, die sich in Aphrodites der hellenistischen Ära abzuzeichnen beginnt. Statue des Hermes Das Tragen des kleinen Dionysos, der von Nymphen aufgezogen werden soll, gefunden im Tempel der Hera in Olympia, ist nahStatue von Eirene mit Plutos. Wie auf anderen Bildern Praxiteles , wird hier die ideale menschliche Schönheit verherrlicht. Gott wird dargestellt als ein idealer Mensch, und ein Mensch wird, wenn er harmonisch entwickelt ist, als eine schöne Gottheit wahrgenommen. Die Farbgebung war schlecht erhalten: Haare, Gesicht und natürlich die Pupillen waren bemalt. Marmor wurde mit getöntem Wachs getönt, das seine Oberfläche unter Hitzeeinwirkung imprägnierte. Es stellte sich farbiger Marmor heraus, ohne eine Farbschicht, die in der archaischen Zeit auf dem Stein lag. In Arbeit Praxiteles Es gibt eine starke Anziehungskraft zur Realität.

IN Statue eines ruhenden Satyrs, von dem besonders viele Nachbauten erhalten sind, klingt das Thema Entspannung noch deutlicher. Im späterenStatue "Apollo der Eidechsentöter"Der Gott des Lichts wird von einem dünnen Jungen dargestellt. Die Skulptur besticht durch ihre Schönheit, aber gleichzeitig gibt es eine gewisse Manier.

Die Söhne von Praxiteles - Timarchus und Kephistodot der Jüngere, die Ende des 4. Jahrhunderts – Anfang des 3. Jahrhunderts v. Chr. wirkten, waren bereits Künstler der hellenistischen Zeit.

Lysipp , ein Bildhauer von zurückhaltendem und starkem Temperament, der Hofmeister Alexanders des Großen, öffnete den Weg für eine neue, neoklassizistische Kunstform, die nicht mit den bürgerlichen Ideen der Stadtpolis verbunden war. Zeigt die heroischen Charaktere der Mythologie oder Athleten. Seine Statue ist besonders ausdrucksstark. Apoxyomen. Lysippos gelang es, die Erregung des jungen Mannes, der nach dem Kampf noch nicht abgekühlt war, plastisch vollständig wiederzugeben. In der Statue von Apoxyomenes gibt es keinen einzigen ruhigen Körperteil (die zitternde Nervosität der Aufregung, die der römische Kopist im Marmorgesicht von Apoxyomenes nicht vermitteln konnte, blieb erhaltenBronzestatue von Ephebe von Antifikera). Lysipp arbeitete lieber in Bronze, und in der ursprünglichen Statue des Apoxyomenes gab es keine Requisiten, die, nachdem sie in einer römischen Marmorkopie entstanden sind, das Aussehen der Statue beeinträchtigen und die Leichtigkeit und Beweglichkeit der Figur verringern. Lysipp setzt den begonnenen Prozess der Eroberung des Weltraums durch die Statue fort Umfang . Der Bildhauer nutzt bereits viel umfassender die Möglichkeit, verschiedene Zustände einer Person aus verschiedenen Blickwinkeln darzustellen (verschiedene Eindrücke entstehen aus verschiedenen Blickwinkeln).

Die Schule des Lysippus wird zugeschrieben Ruhestatue des Hermes, eher an die Figur eines Läufers erinnernd. Lysipp Mehrere Skulpturen wurden zum Thema der Heldentaten des Herkules geschaffen. Eine römische Kopie ist erhalten geblieben, die Herkules im Kampf mit einem Löwen zeigt. Die pyramidale Formation der Gruppe verleiht der Kampfkomposition Stabilität. Die melancholischen Töne, die in den Bildern von Aoxiomen, Agia und Hermes latent erklangen, wurden fortgeführtRuhestatue des Herkules. Eine eigentümliche Kombination des Auftretens hypertrophierter Muskeln mit dem Ausdruck tiefer Ermüdung ist eine Hommage an die Zeit. Der Verlust der klassischen Harmonik wird hier besonders deutlich. In den Klassikern war es nicht nötig, Hercules als übermächtig zu zeigen: Seine Stärke manifestierte sich im Vertrauen, in der klaren Komposition des Werkes.

Die Abkehr von der Typisierung, der Wunsch nach einem scharfen Charakter im Bild, führte zu InteresseSilanion, Lysistratus und Lysippus zum Porträt. Alexander der Große posierte für Lysippus . In den später erhaltenen Kopien des Kommandantenporträts zeigte der Meister einen starken Mann, dessen Bewusstsein von innerer Zerrissenheit und Angst aufgewühlt war. Es ist kein Zufall, dass der Appell Lysippus und das Porträt des Sokrates , dessen tragisches Schicksal ihn wohl beunruhigte. Schon in den verzerrten Zügen Alexanders spürt man die ersten beunruhigenden Blicke auf die kommenden Prüfungen der antiken Welt.

Leohar. Im Werk eines älteren Zeitgenossen des Bildhauers Lysippus Leohara Ausdruck anderer Stimmungen gefunden. Leohar , der sich nach den harmonischen Bildern der Klassiker sehnte, suchte er nach Schönheit in den Formen der Vergangenheit. Diese Suchen gaben bereits im 4. Jahrhundert v. Chr. Anlass. Klassizismus, der sich auch in den folgenden Jahrhunderten manifestierte. In seiner besten Statue -Apoll Belvedere(ca. 330 - 320 v. Chr.) - besticht durch die Perfektion des Bildes und die Geschicklichkeit der Ausführung, aber diese Schönheit ist von einem anderen Plan als bei den Skulpturen von Phidias und Lysippus. Theatralik und Körperhaltung ersetzten die natürliche Leichtigkeit der Bilder des 5. Jahrhunderts und die Vitalität der vor Energie pulsierenden Charaktere des Lysippus. Dem Apollo Belvedere in der Art des Bildes und der plastischen Lösung zugeschriebenLeocharu-Statue der Artemis von Versailles mit Reh(um 325 v. Chr.). Das Bild der schnellen Bewegung, eine schöne Wendung der Figur ist typisch für einen geschickten Bildhauer. Die Verschmelzung von theatralischem Pathos mit Genrespiel in der Skulpturengruppe Leohara der die Entführung durch den Adler darstellte Ganymed . Von dieser Arbeit ist es nicht weit entfernt von den Genreskulpturen des Hellenismus.

Malen. Vasenmalerei. Künstler des späten 5. Jahrhunderts v Apollodoros, der Staffeleiarbeiten in Tempera schuf, die Hell-Dunkel-Modellierung ins Bild einführte und daher mit Recht als einer der ersten Maler bezeichnet werden kann. Künstler dieser Zeit wurden häufiger von Verschwörungen mythologischer Natur angezogen. Timanf vermittelt die Intensität dramatischer Gefühle mit der Kraft, die seiner Komposition innewohnt"Das Opfer der Iphigenie". Liebe zu Malern des 4. Jahrhunderts v die mehrfigurigen Kampfszenen werden durch eine pompejanische Mosaikkopie nach einem Gemälde eines Künstlers aus dem 4. Jahrhundert bestätigt Philoxena , die die Schlacht von Darius mit Alexander dem Großen bei Issus darstellt.

Vasenmaler des 4. Jahrhunderts v zunehmend wurden Reliefdekorationen verwendet, bei denen Vergoldungen weit verbreitet waren. Auf den Schultern der Hydria von Qom ("Königin Vase" ) stellte der Künstler die Götter dar, die mit dem Kult der eleusinischen Mysterien verbunden sind.

Blütezeit monumentale Malereiim 4. Jahrhundert trug er zur weiten Verbreitung bunter vielfiguriger Mosaike in zahlreichen Städten der hellenistischen Monarchien bei. Die Kompositionen, die den Palast des mazedonischen Königs Archelaus schmückten, verblüffen die Eroberer und Mosaikkünstler mit der Ausdruckskraft der Darstellung der menschlichen Figur, der Ausdruckskraft der Konturlinie.Mosaik "Löwenjagd", farbenfrohe Komposition"Dionysos auf einem Panther", angelegt aus vielfarbigen Flusskieseln, lassen die Größe des Erfolges der Monumentalmalerei erahnen.

Letztes Viertel des 4. Jahrhunderts v und dann können die folgenden Jahrhunderte des Hellenismus als die Blütezeit der griechischen Terrakotta bezeichnet werden. In diesen Jahren entstanden die besten elegischen Bilder von Tanagra, viele groteske Figuren erscheinen in den Händen erfahrener Koroplasten.

LEHRSTRUKTUR:

ICH. Kunst der Hochklassik.

II. Kunst der Spätklassik.

III. Hellenistische Kunst.

3.1. Alexandrinische Schule.

3.2. Pergamonschule.

3.3. Rhodos-Schule.

IV. Referenzliste.

v. Liste der wichtigsten Artefakte.

Kunst der Hochklassik (zweite Hälfte des 5. Jahrhunderts v. Chr.).

Wie in anderen Lebensbereichen auch in der Kultur des 5. Jahrhunderts. BC. es gibt eine Kombination aus traditionellen Merkmalen, die auf archaische und sogar frühere Epochen zurückgehen, und völlig anderen, die durch neue Phänomene in den sozioökonomischen und politischen Sphären erzeugt wurden. Die Geburt des Neuen bedeutete nicht den Tod des Alten. So wie in Städten der Bau neuer Tempel sehr selten mit der Zerstörung alter einherging, so ging auch in anderen Kulturbereichen das Alte zurück, verschwand aber meist nicht ganz. Der wichtigste neue Faktor, der den Verlauf der kulturellen Entwicklung in diesem Jahrhundert am stärksten beeinflusst hat, ist die Konsolidierung und Entwicklung der Polis, insbesondere der demokratischen. Es ist kein Zufall, dass die bemerkenswertesten Werke der materiellen und spirituellen Kultur in Athen geboren wurden. Richtung Mitte

5. Jahrhundert BC e. die Schärfe des frühklassischen Stils überlebte sich allmählich. Die Kunst Griechenlands trat in eine Blütezeit ein. Überall wurden nach der Zerstörung durch die Perser Städte wieder aufgebaut, Tempel, öffentliche Gebäude und Heiligtümer errichtet. In Athen ab 449 v. e. Perikles regierte, ein hochgebildeter Mann, der alle besten Köpfe von Hellas um sich vereinigte: seine Freunde waren der Philosoph Anaxagoras, der Künstler Poliklet und der Bildhauer Phidias.

Die Städte der Antike erschienen normalerweise in der Nähe einer hohen Klippe, wurde darauf eine Zitadelle errichtet, damit man sich verstecken konnte, wenn der Feind in die Stadt eindrang. Eine solche Zitadelle wurde Akropolis genannt. Ebenso bildete sich auf einem fast 150 Meter über Athen aufragenden Felsen, der lange Zeit als natürliche Verteidigungsanlage gedient hatte, allmählich die Oberstadt in Form einer Festung (Akropolis) mit verschiedenen Verteidigungs- und religiösen Strukturen.

Akropolis von Athen wurde bereits 2000 v. Chr. aufgebaut. e. Während der griechisch-persischen Kriege wurde es vollständig zerstört, später unter der Leitung eines Bildhauers und Architekt Phidias seine Restaurierung und Rekonstruktion begannen (Abb. 156).

Der neue Komplex der Athener Akropolis ist jedoch asymmetrisch es basiert auf einer einzigen künstlerischen Idee, einem einzigen architektonischen und künstlerischen Entwurf. Zum Teil wurde die Asymmetrie durch die unregelmäßigen Umrisse des Hügels, die unterschiedlichen Höhen seiner einzelnen Teile und das Vorhandensein früher errichteter Tempelstrukturen in einigen Abschnitten angedeutet. Die Erbauer der Akropolis haben sich bewusst für eine asymmetrische Lösung entschieden, um eine möglichst harmonische Korrespondenz zwischen den einzelnen Teilen des Ensembles zu schaffen.

Das künstlerische Konzept von Phidias und den mit ihm kooperierenden Architekten basierte auf dem Prinzip der harmonischen Ausgewogenheit der einzelnen Baukörper innerhalb des Gesamtkomplexes und der konsequenten Offenlegung der künstlerischen Qualitäten des Ensembles und der darin enthaltenen Gebäude in einem schrittweisen Prozess herumlaufen und sie von außen und innen betrachten.

Die Mauern der Akropolis sind steil und steil. Eine breite Serpentinenstraße verläuft vom Fuß des Hügels bis zum einzigen Eingang. Das Propyläen, erbaut vom Architekten Mnesicles- ein monumentales Tor mit dorischen Säulen und einer breiten Treppe.

Die Propyläen waren eigentlich ein öffentliches Gebäude. Die Säulenhöhe des westlichen sechssäuligen dorischen Portikus des Gebäudes beträgt 8,57 m; die dahinter liegenden ionischen Säulen an den Seiten des Mittelschiffs sind etwas höher, ihre Abmessungen betragen 10,25 m. Die Zusammensetzung der Propyläen führte seitliche Flügel neben ihnen ein. Links, Norden- Pinakothek - diente zum Sammeln von Gemälden und in rechts, Süden, gab es ein Depot von Manuskripten (Bibliothek). Im Allgemeinen entstand eine asymmetrische Komposition, die durch einen kleinen Tempel für Nike Apteros (die flügellose Siegesgöttin Nike) ausgeglichen wurde, der vom Architekten Kallikrates errichtet wurde (Abb. 157). Interessant ist, dass die Achse des Nike-Apteros-Tempels nicht parallel zur Achse der Propyläen verläuft: Die Hauptfassade des Tempels ist etwas zum Zugang zu den Propyläen gedreht, was im Interesse einer größtmöglichen Offenlegung des Tempels geschieht künstlerische Qualitäten dieser Struktur an den Betrachter. Der Tempel der Nike ist eines der Meisterwerke der antiken griechischen Architektur aus ihrer Blütezeit.

Das wichtigste und größte Gebäude auf der Akropolis war der Parthenon, der Tempel der Göttin Athene, erbaut von den Architekten Iktin und Kallikrat. Sie steht nicht in der Mitte des Platzes, sondern etwas seitlich, sodass Sie die Vorder- und Seitenfassaden sofort mit den Augen erfassen können (Abb. 158).

An den Endfassaden hatte es acht Säulen, an der Seite siebzehn. Der Tempel wurde wahrgenommen und nicht zu lang und nicht zu kurz. Er war äußerst harmonisch dank kombiniert darin die Eigenschaften zweier Ordnungen - dorisch und ionisch. Die äußeren Säulen des Parthenon waren von der dorischen Ordnung. Die Wände des Tempels selbst - Cella - gekrönter durchgehender ionischer Fries. Wenn die Außenseite des Parthenon mit Szenen erbitterter Schlachten geschmückt war, in deren Stil der strenge Stil immer noch gewichtig klang, stellte der innere Fries ein friedliches Ereignis dar - die feierliche Prozession der Athener beim Fest der Großen Panathenas (Festlichkeiten zu Ehren der Göttin Athene). Auf dem Panathenaikum wurde ein neues Gewand für Athena auf einem Schiff transportiert - Peplos. Dieses Geschenk war ein Zeichen ihrer Auferstehung. Die allathenische Prozession wurde hier in einem gemessenen, festlichen Rhythmus präsentiert: sowohl edle Älteste mit Zweigen in ihren Händen als auch Mädchen in neuen Chitons und Peplos, und Musiker und Priester und Reiter auf sich aufbäumenden, aufgeregten Pferden.

Ein weiterer Tempel der Athener Akropolis – das Erechtheion, das den beiden Hauptgottheiten der Stadt Athen – Athena Poliade und Poseidon – gewidmet ist, wurde später fertiggestellt, bereits um 410 v. e. Vor der Kulisse des grandiosen Parthenon wirkt das anmutige Erechtheion mit drei verschiedenen Portiken und Statuen von Karyatiden (Mädchen, die eine Decke tragen) wie ein magisches Spielzeug. Groß und klein, archaisch und modern, grandios und intim verschmolzen harmonisch in der Akropolis von Athen. Auch heute noch ist es der Maßstab für Natürlichkeit, Schönheit und edlen Geschmack.

In der antiken griechischen Kunst, im Tempelbau, gab es eine untrennbare Verbindung zwischen Architektur und Skulptur. Diese Einheit ist im Parthenon sehr deutlich zu sehen.

Die Fülle der klassischen Perfektion der griechischen Plastik erreichte in den Friesen des Parthenon, die von mehreren Künstlern unter der Leitung des großen Phidias, eines Freundes von Perikles, in den 50-40er Jahren des 5. Jahrhunderts geschaffen wurden. BC e. Die allerersten beim Bau des Parthenon sollten fertige Metopen sein, mit ihnen begann die bildhauerische Arbeit, an der viele Meister verschiedener Generationen und aus verschiedenen Orten Griechenlands beteiligt waren. Auf jeder Seite des Tempels waren Metopen einem bestimmten Thema gewidmet: im Osten - Gigantomachie, im Westen - Amazonomachie (Abb. 159), im Norden - die Schlacht der Griechen und Trojaner, im Süden - Zentauromachie ( Abb. 160, 161, 162).

Zusammen mit den letzten Metopen begannen die Arbeiten weiter Fries mit Darstellung der zwölf olympischen Götter und der panathenäischen Prozession. Der Fries war etwa 160 m lang und wurde über dem Eingang zum Pronaos, dem Opisthod und an den Wänden der Cella in einer Höhe von 12 m angebracht und bereits vor Ort ausgeführt. Wenn die Metopen in sehr hohem Relief dargestellt sind – an manchen Stellen berühren die Figuren den Hintergrund nur mit wenigen Punkten – dann ist der Fries in sehr niedrigem Relief (nur 5,5 cm) ausgeführt, aber reich an malerischer Modellierung eines nackten Körpers und Kleidung .

Frieskomposition, gehört zweifellos einem herausragenden Meister, dem es bei der Darstellung einer so großen Anzahl von Figuren gelungen ist, Wiederholungen zu vermeiden und ein lebendiges Bild eines Nationalfeiertags zu schaffen, an dem alle Beteiligten von einer gemeinsamen Stimmung durchdrungen sind, in einem einzigen Satz verschmolzen, aber jeder bei Gleichzeitig behält er, dem allgemeinen Ton gehorchend, seine Individualität. Diese Individualität drückt sich in der Gestik aus, in der Art der Bewegung, im Kostüm. Die Gesichtszüge, die Struktur der Figur, sowohl Götter als auch bloße Sterbliche, sind ein verallgemeinertes Bild - das Ideal der griechischen Schönheit.

Der Wechsel von Tier- und Menschenfiguren, Reitern und Lakaien, bekleidet und nackt, die Segmentierung des allgemeinen Ablaufs der Prozession durch eine zurückgedrehte Figur verleihen dem ganzen Fries eine besondere Überzeugungskraft, Lebendigkeit. Farbgebung und Accessoires aus Kupfer trugen dazu bei, dass sich das Relief deutlich vom Hintergrund der Marmorwand abhob. Trotz der Tatsache, dass viele Bildhauer an dem Fries gearbeitet haben, haben die darstellenden Künstler in Bezug auf Proportionen, die Art des Gesichts, die Frisuren, die Art der Bewegung von Menschen und Tieren, die Interpretation der Kleidungsfalten den Willen des Autors strikt ausgeführt und ordneten ihren künstlerischen Stil bemerkenswert dem allgemeinen Stil unter.

Im Vergleich zu Metopen stellt der Fries einen weiteren Schritt in der Entwicklung des Realismus dar.; keine Spuren von Starrheit oder Steifheit in Posen, völlige Bewegungsfreiheit, Leichtigkeit der Kleidung, die nicht nur die Form des Körpers offenbart, sondern auch zur Ausdruckskraft der Bewegung beiträgt, wie flatternde Mäntel, die die Tiefe des Raums vermitteln - all dies macht der Fries das deutlichste Beispiel für die Blüte der klassischen Kunst.

Gleichzeitig mit dem Fries wurde an den Giebeln des Parthenon gearbeitet. Im Osten wurde dargestellt Szene der Geburt der Athene aus dem Kopf des Zeus in Anwesenheit der olympischen Götter, im Westen - der Streit zwischen Athena und Poseidon um die Vorherrschaft in Attika. Von der mehrfigurigen Komposition sind wenige stark beschädigte Figuren übrig geblieben, jede davon eine rundum sorgfältig von allen Seiten bearbeitete Skulptur.

Die Giebel des Parthenon sind der Höhepunkt der kompositorischen Lösung einer solchen mehrfigurigen Gruppe: Die Tiefe der Erschließung der Handlung wird durch perfekte künstlerische Mittel, eine lebendige Charakterisierung der Bilder und gleichzeitig eine erstaunliche Harmonie mit dem allgemeinen architektonischen Ganzen ausgedrückt. Das Zentrum beider Giebel ist zwischen den beiden Hauptfiguren aufgeteilt: Zeus und Athene, Poseidon und Athene, zwischen denen im Osten eine kleine Nike-Figur und im Westen ein Olivenbaum platziert wurde, den die Göttin den Bewohnern schenkte von Attika.

Auf dem östlichen Giebel hinter den zentralen Hauptfiguren saßen zwei weitere Gottheiten auf Thronen - Hera und Poseidon. Im Hintergrund hinter den Hauptgöttern die Figuren der jüngeren Götter, Hephaistos, Iris, noch weiter in den Ecken die stehenden Götterfiguren und die sitzenden und liegenden Götter: rechts drei Göttinnen: Hestia, Dione und Aphrodite(Abb. 163), links - eine Gruppe von zwei Göttinnen, wahrscheinlich Demeter und Persephone, und einer Liegenden junger Gott, offenbar Dionysos(Abb. 164).

Das Ideal der menschlichen Persönlichkeit wird von Phidias in großem Kult verkörpertStatuen von Athena Parthenos und olympischer Zeus. Die 12 m hohe Figur der Göttin ist aus Elfenbein und Gold und stand im Innern des Parthenon-Tempels. Sie bezeugt das berühmter Meister gelang es, die Starrheit und Strenge des frühklassischen Stils zu überwinden und dabei beizubehaltensein Geist der Ernsthaftigkeit und Würde. Der weiche, zutiefst menschliche Blick des allmächtigen Gottes Zeus ließ jeden, der in sein Heiligtum in Olympia kam, die Sorgen, die die Seele bedrücken, für eine Weile vergessen, weckte Hoffnung.

Neben Phidias, etwa Mitte des 5. Jh. v. BC e. geschaffen von dem herausragenden griechischen Bildhauer Myron, ursprünglich aus Elefevr in Böotien, dessen Aktivitäten alle in Athen stattfanden. Myron, dessen Werk uns nur von römischen Kopien bekannt ist, arbeitete in Bronze und war ein Meister der runden Plastik. Der Bildhauer beherrscht die plastische Anatomie sehr gut und vermittelt Bewegungsfreiheit, wobei er eine gewisse Steifheit überwindet, die in den Skulpturen von Olympia noch vorhanden war..

Bekannt für seine großartige Skulptur „Discobolus“(Abb. 165) Miron wählte darin ein kühnes künstlerisches Motiv – den kürzesten Halt zwischen zwei starken Bewegungen, den Moment der letzten Handbewegung vor dem Wurf der Scheibe. Das gesamte Körpergewicht lastet auf dem rechten Bein, dessen Zehen auch angespannt sind, das linke Bein ist frei und berührt kaum den Boden. Die linke Hand berührt das Knie, als würde sie die Figur im Gleichgewicht halten. Ein gut trainierter Athlet führt eine erlernte Bewegung schön und frei aus. Bei so starker Anspannung des ganzen Körpers überrascht das Gesicht des jungen Mannes den Betrachter mit seiner vollkommenen Ruhe. Die Übertragung der Mimik entspricht der Anspannung des Körpers.

Kompositorischer Aufbau von „Discobolus“ etwas flach gelöst, wie in Form eines Reliefs, aber gleichzeitig zeigt jede Seite der Statue deutlich die Intention des Autors; Aus allen Blickwinkeln ist die Bewegung des Athleten verständlich, obwohl der Künstler einen Hauptgesichtspunkt hervorhebt.

Berühmt ist auch die Gruppe von Myron, der einst auf der Akropolis von Athen stand und Athena darstellt, die die von ihr erfundene Flöte warf, und den starken Marsyas(Abb. 166). Ein wilder, ungezügelter Walddämon mit tierhaftem Gesicht, scharfen, groben Bewegungen steht einer sehr jungen, aber ruhigen Athene gegenüber. Die Figur des Marsyas drückt die Angst vor der Göttin und ein starkes, gieriges Verlangen aus, die Flöte zu ergreifen. Athena stoppt Silenus mit einer Handbewegung. Miron in dieser Gruppe erscheint vor uns als Meister der hellen und scharfen Eigenschaften.

Der dritte große Klassiker der griechischen Skulptur war Polykletos. aus Argos, der einige Zeit in Athen arbeitete. Er schuf die Kanons zur Definition und plastischen Übertragung der Proportionen des menschlichen Körpers. Nach dem Kanon von Polykleitos sollte die Länge des Fußes 1/6 der Körperlänge und die Höhe des Kopfes 1/8 betragen haben. Diese und andere Beziehungen werden in der Figur genau beobachtet. "Doriphora"(Abb. 167), der das damalige männliche Schönheitsideal in der Bildhauerei verkörperte "Verwundete Amazone"(Abb.168).

Und Phidias in den Parthenon-Friesen und Myron in „Discobolus“ und Poliklet in „Dorifor“ zeigen ideale Menschen, wie sie sein sollten.

In der Zeit der Hochklassik hat sich die Malerei zweifellos entwickelt. Mit dem Anwachsen des Realismus in der griechischen Kunst musste die Malerei neue Ausdrucksmittel finden. Zwei Errungenschaften ebneten den Weg für die Weiterentwicklung der Malerei: die Entdeckung der Regeln der Linearperspektive und die Bereicherung der Bildtechnik durch das Hell-Dunkel.

In dieser Zeit arbeiteten Meister wie Agafarchus, Zeuslis, Parrasius, Timanf (Abb. 168).

Zweite Hälfte des 5. Jahrhunderts. BC e. war eine wichtige Etappe in der Entwicklung der antiken griechischen Kunst. Die Traditionen der hohen Klassik wurden unter neuen historischen Bedingungen überarbeitet. In dieser Zeit lässt sich ein hoher Humanismus der Bilder, des Patriotismus und der Staatsbürgerschaft nachweisen. Das Ensemble der Akropolis von Athen ist eine Synthese der Errungenschaften der Hochklassik. In der bildenden Kunst dominiert das Bild des siegreichen Helden, des Verteidigers der Politik. Die Künstler kamen der realistischen Darstellung der menschlichen Figur so nahe wie möglich, werden immer häufiger Werke aufgeführt, in denen sich Menschen bewegen und Gesichter ihre eigene Individualität, Mimik haben.

Kunst der Spätklassik (4. Jahrhundert v. Chr.).

Die veränderten Bedingungen des gesellschaftlichen Lebens führten zu einem Wandel im Wesen des antiken Realismus.

Zusammen mit der Fortführung und Entwicklung traditioneller klassischer Kunstformen des 4. Jahrhunderts. BC d.h. insbesondere Architektur, musste sich entscheiden uganz neue Herausforderungen. Die Kunst begann zum ersten Mal, den ästhetischen Bedürfnissen und Interessen des Einzelnen und nicht der Politik als Ganzes zu dienen; erschienund Werke, die monarchische Prinzipien behaupteten. Während des gesamten 4. Jh. BC e. ständig intensiviert der Prozess der Abkehr einiger Vertreter der griechischen Kunst von den Idealen der Nationalität und des Heldentums des 5. Jahrhunderts. BC e.

Gleichzeitig spiegelten sich die dramatischen Widersprüche der Epoche wider künstlerische Bilder, zeigt den Helden in einem angespannten tragischen Kampf mit ihm feindlich gesinnten Kräften, versunken in tiefe und traurige Erfahrungen, zerrissen von tiefen Zweifeln.

Griechische Architektur 4. Jh. BC e. hatte eine Reihe von großen Erfolgen, obwohl seine Entwicklung sehr ungleichmäßig und widersprüchlich war. Ja, während erstes Drittel des 4. Jh. in der Architektur gab es einen bekannten BaurückgangAktivitäten, Dies spiegelt die wirtschaftliche und soziale Krise wider, die alle griechischen Politiken erfasste, insbesondere die in Griechenland selbst. Dieser Rückgang war jedoch alles andere als universell. Am stärksten betroffen war Athen, das in den Peloponnesischen Kriegen besiegt wurde. Auf dem Peloponnes hörte der Bau von Tempeln nicht auf. Ab dem zweiten Drittel des Jahrhunderts wurde wieder intensiver gebaut. Im griechischen Kleinasien und teilweise auf der Halbinsel selbst wurden zahlreiche architektonische Bauwerke errichtet.

Denkmäler des 4. Jh. BC e. folgten im Allgemeinen den Prinzipien des Ordnungssystems. Dennoch unterschieden sie sich charakterlich deutlich von den Werken der Hochklassik. Der Bau von Tempeln setzte sich fort, aber eine besonders umfangreiche Entwicklung im Vergleich zum 5. Jahrhundert. BC. erhalten Bau von Theatern (Abb. 170),Palästra, geschlossene Räume für öffentliche Versammlungen(Boleuterium) usw.

Die auffälligsten Merkmale der Entwicklung der kleinasiatischen Architektur betroffen in gebaut um 353 v. e. die Architekten Pytheas und Satyr Halicarnassus Mausoleum - das Grab von Mausolos, dem Herrscher der persischen Provinz Karius (Abb. 171).

Das Mausoleum beeindruckte weniger mit der majestätischen Harmonie der Proportionen als vielmehrGrandiosität der Größe und prächtiger Reichtum der Dekoration. In der Antike wurde es zu den sieben Weltwundern gezählt. Die Höhe des Mausoleums erreichte wahrscheinlich 40 - 50 m. Das Gebäude selbst war eine ziemlich komplexe Struktur, die lokale kleinasiatische Traditionen der griechischen Ordensarchitektur mit aus dem klassischen Osten entlehnten Motiven kombinierte. Im 15. Jahrhundert Das Mausoleum wurde schwer beschädigt und seine genaue Rekonstruktion ist derzeit unmöglich; nur einige seiner allgemeinsten Merkmale sorgen unter Wissenschaftlern nicht für Kontroversen. Im Plan war es ein Rechteck, das sich einem Quadrat näherte. Die erste Ebene in Bezug auf die nachfolgenden diente als Sockel. Das Mausoleum war ein riesiges Steinprisma aus großen Quadraten. An den vier Ecken wurde der erste Rang von Reiterstatuen flankiert. In der Dicke dieses riesigen Steinblocks befand sich ein hoher Gewölberaum, in dem die Gräber des Königs und seiner Frau standen. Die zweite Reihe bestand aus einem Raum, der von einer hohen Kolonnade ionischer Ordnung umgeben war. Zwischen den Säulen wurden Marmorstatuen von Löwen aufgestellt. Die dritte, letzte Stufe war eine Stufenpyramide, auf deren Spitze große Figuren des Herrschers und seiner Frau auf einem Wagen standen. Das Grab von Maveola war von drei Reihen von Friesen umgeben, aber ihre genaue Position im architektonischen Ensemble wurde nicht festgestellt. Alle bildhauerischen Arbeiten wurden von griechischen Meistern, einschließlich Skopas, angefertigt.

Die Kombination aus bedrückender Gewalt und den gewaltigen Ausmaßen des Untergeschosses mit der prachtvollen Feierlichkeit der Kolonnade sollte die Macht des Königs und die Größe seines Staates betonen.

Der allgemeine Charakter der Skulptur und Kunst der Spätklassik ist hauptsächlichbestimmt durch die schöpferische Tätigkeit realistischer Künstler. Die führenden und größten Vertreter dieser Richtung waren Skopas, Praxiteles und Lysippus.

Kopf eines verwundeten Kriegers aus dem Tempel der Athena Alei in Tegea zeigt Scopas als tiefgreifenden Reformer des Konzepts von Phidias. Unter seinem Schneidezahn wird eine zuvor schöne Form verzerrt: Leiden macht einen Menschen hässlich, entstellt sein Gesicht. Früher schloss die griechische Ästhetik Leiden generell aus.

Damit wurde das moralische Grundprinzip der antiken griechischen Kunst verletzt. Schönheit weicht Schmerz, Schmerz verändert das Gesicht eines Menschen und ein Stöhnen entkommt seiner Brust. Die Proportionen des Gesichts sind verzerrt: Der Kopf wird fast kubisch und abgeflacht. Eine solche Ausdruckskraft hat das Bild der Trauer noch nicht erreicht.

Die berühmten „Bacchen“(Abb. 172) - eine kleine Figur eines Kultdieners des Dionysos - repräsentiert Skopas als Meister neuer plastischer Lösungen. Halbnackt, in einem wilden Tanz steht die Figur nicht mehr, dreht sich nicht, sondern dreht sich in einer schnellen, stürmischen Bewegung um eine Achse. Die Bacchantin wird von Leidenschaft ergriffen – sie zerreißt das Tier, in dem sie die Inkarnation Gottes sieht. Vor den Augen des Betrachters vollzieht sich ein blutiges Ritual, das so noch nie in der griechischen Bildhauerei dargestellt wurde.

Praxiteles hingegen war ein Meister der lyrischen Götterbilder. Viele römische Kopien seiner Werke sind erhalten: „Satyr gießt Wein“, „Ruhender Satyr“, „Apollo Saurokton“ (oder „Apollo tötet eine Eidechse“), „Eros“ usw. Seine berühmteste Skulptur einer nackten Aphrodite, hergestellt im Auftrag der Insel Nehrung, aber von den Bewohnern der Insel Knidos zurückgekauft, die den Namen erhielten "Aphrodite von Knidos"(Abb. 173). Praxiteles entlarvte zuerst Aphrodite: Nur sie allein durfte ihre Schönheit unbekleidet demonstrieren. Sie schien gerade aus dem Wasser gekommen zu sein und versteckte sich hinter ihren Händen.

Eines der Werke des großen Meisters ist bis in unsere Tage überliefertOriginal. Das ist Hermes mit dem Baby Dionysos.(Abb. 174). Die Gruppe wurde in den Tempel der Hera in Olympia eingeweiht, wo sie bei Ausgrabungen gefunden wurde. Nur die Beine und die Hand von Hermes, der eine Weintraube hielt, sind verloren. Hermes, der das Baby trägt, das von den Nymphen aufgezogen werden soll, ruht sich unterwegs aus. Die Figur des Gottes ist stark geneigt, was die Skulptur jedoch nicht hässlich macht. Sie hingegen wird von einer Atmosphäre der Glückseligkeit umweht. Die Gesichtszüge sind nicht zu stark ausgeprägt, sie scheinen unter dem Einfluss der Mittagssonne zu schmelzen. Die Augenlider werden nicht mehr betont und der Blick wird träge, als wäre er zerstreut. Oft Praxitelesauf der Suche nach zusätzlicher Unterstützung für seine Figuren: Baumstämme, Pylone oder andere Stützen, als ob sie sich nicht auf die Stärke ihrer eigenen Tektonik verlassen würden.

An der Wende von griechischer Klassik und Hellenismus wirkte der letzte große Bildhauer, Lysippus, der Hofbildhauer Alexanders des Großen. Als Künstler war er sehr vielseitig – er schuf Skulpturengruppen (zum Beispiel „Die Arbeiten des Herkules“), einzelne Statuen und sogar Porträts, unter denen das Porträt von Alexander dem Großen selbst am bekanntesten ist. Lysippos versuchte sich hinein verschiedene Genres, vor allem aber gelang es ihm, Sportler darzustellen.

Sein Hauptwerk - "Apoxiomen" (Abb. 175) - zeigt einen jungen Mann, der nach Wettkämpfen Sand von seinem Körper reinigt (griechische Sportler rieben ihre Körper mit Öl ein, an dem während der Wettkämpfe Sand klebte); es unterscheidet sich deutlich von den Werken der Spätklassik und insbesondere von den Werken des Polyklet. Die Körperhaltung des Athleten ist frei und sogar etwas abgeschraubt, die Proportionen sind völlig anders - der Kopf ist nicht ein Sechstel der gesamten Figur, wie im "quadratischen" Kanon der Argiven, sondern ein Siebtel. ZahlenLysippus sind schlanker, natürlicher, beweglicher und unabhängiger. Allerdings verschwindet in ihnen etwas sehr Wichtiges, der Athlet wird nicht mehr als Held wahrgenommen, das Image wird verkleinert, während es in den hohen Klassikern aufstieg: Menschen wurden verherrlicht, Helden vergöttert und die Götter auf die Ebene gestellt von höchster geistiger und natürlicher Kraft.

Alle Errungenschaften der klassischen Architektur und Kunst wurden in den Dienst neuer sozialer Ziele gestellt, die den Klassikern fremd waren und durch die unvermeidliche Entwicklung der antiken Gesellschaft erzeugt wurden. Die Entwicklung ging von der überholten Isolation der Politiken hin zu mächtigen, wenn auch fragilensklavenhaltende Monarchien, die die Spitze der Gesellschaft befähigenStärkung der Grundlagen der Sklaverei.

Griechische Kunst 4. Jh. BC. geprägt von einem hellen Aufblühen der Malerei. Meister dieser Zeit weit verbreitet Erfahrungen früherer Künstler und da sie realistische Techniken der Darstellung von Mensch und Tier beherrschten, bereicherten sie die Malerei um neue Errungenschaften.

Die Landschaft nimmt nun einen noch bedeutenderen Platz in der Komposition ein und beginnt, nicht nur als Hintergrund für die Figuren zu dienen, sondern als wichtige Seite der gesamten Handlungsgestaltung. Das Bild der Lichtquelle offenbarte unbegrenzte bildnerische Möglichkeiten. Das bildnerische Porträt erreichte eine glänzende Entwicklung.

In Sikyon zu Beginn des 4. Jh. v. BC e. eine echte Akademie der Malerei entsteht, die eigene Regeln für die Lehre entwickelt hat, eine solide, fundierte Theorie der Malerei. Der Theoretiker der Schule war Pamphilos, der die Grundlage für die malerische Chrestographie legte, also die Konstruktion von Figuren durch Berechnung, in der die Tradition von Polykleitos fortgesetzt wurde. Perspektive, Mathematik und Optik wurden in den Malunterricht eingeführt, besonderes Augenmerk wurde auf das Zeichnen gelegt.

Der berühmte Maler Pausius war ein Schüler von Pamphilus und seinen Anhängern, der in der Technik der Enkaustik arbeitete, die es ihm ermöglichte, das Hell-Dunkel-Spiel zu perfektionieren und subtile Tonabstufungen zu vermitteln. Berühmt wurde Pausius durch seine Stillleben, die illusorische Blumensträuße und Blumengirlanden darstellen.

Eine Schule einer anderen Richtung wurde in den 70er Jahren in Theben gegründet. 4. Jh. BC e. Besonders hervorzuheben ist der Künstler Aristide der Ältere, dessen Gemälde sich durch ihre dramatische Gestaltung, die lebendige Ausdruckskraft der Charaktere und die Fähigkeit auszeichneten, komplexe pathetische Gefühle zu vermitteln. Die thebanisch-attische Schule unterschied sich von der sikyonischen durch die Tiefe ihres ideologischen Inhalts, die Aktualität der Handlung und ihre politische Schärfe.

Ein herausragender attischer Künstler - Nicias, berühmt für seine Malkünste. Er malte Staffeleibilder, die im Geiste weit von hohen bürgerlichen Idealen entfernt waren. Er nahm die Handlung aus romantischen Mythen und gab einen Grund, die Anmut und exquisite Schönheit der Charaktere, die Sentimentalität der Situation zu zeigen. In römischen und pompejanischen Fresken sind Wiederholungen erhalten geblieben Gemälde von Nikias „Perseus und Andromeda“(Abb. 176). Hier wird der Moment gezeigt, in dem das Kunststück bereits vollbracht ist, das Monster getötet wurde und der Held wie ein galanter Kavalier der schönen Heldin die Hand reicht. Einen bedeutenden Platz in diesen Gemälden nimmt die Landschaft ein, obwohl sie im Allgemeinen geschrieben wird.

berühmte Apelles, studierte ab 340 v. Chr. auch in Sikyon. e. arbeitete am Hof ​​der mazedonischen Könige, wo er Porträts von Alexander malte. Apelles zeigte im Porträt von Alexander mit Blitz zum ersten Mal die Lichtquelle und Glanzlichter auf Gesicht und Körper, was eine große Eroberung in der Geschichte der realistischen Malerei war.

Apelles war besonders berühmt für sein Gemälde, das Aphrodite darstellt, das aus dem Meer auftaucht. Die Füße der Göttin waren noch immer vom Wasser verdeckt und durch das Wasser leicht sichtbar. Die Göttin, die Hände hebend, ihr Haar auswringend,

Leider sind alle berühmten Gemälde von Apelles und seinen Zeitgenossen verschwunden. Nur Gemälde von Philoxenus "Kampf von Alexander mit Darius"(Abb. 177, 178) ist uns bekannt aus der mosaikartigen Wiederholung des 3. Jhs. BC e. Ein großes (5 m x 2,7 m) Mosaik war die Dekoration des Bodens in Pompeji. Es ist ein komplexer Myogo-Figurenkampf. Die Idee des Bildes ist die Verherrlichung des Mutes und Heldentums von Alexander. Philoxen vermittelte perfekt das Pathos der Charaktere, verschiedene Emotionen. Fette Winkel, wie ein Krieger, der vor einen Streitwagen oder ein Pferd fällt Vordergrund, ein reiches Hell-Dunkel-Spiel, leuchtende Highlights, die den Eindruck dreidimensionaler Figuren verstärken, offenbaren die Hand eines erfahrenen und geschickten Meisters und lassen vor allem die Natur der Malerei in der zweiten Hälfte des 4. Jahrhunderts erahnen . BC e.

In der Zeit der Spätklassik bestand eine enge Verbindung zwischen der Vasenmalerei und der Monumental- und Staffeleimalerei. In der zweiten Hälfte des 4. Jh. BC e. umfasst eine Reihe ausgezeichneter attischer und süditalienischer rotfiguriger Vasen. Bis Ende des 4. Jh. BC e. die rotfigurige Technik verschwindet und weicht bescheidenen Wandmalereien rein ornamentaler Natur. Die mehrfarbige Palette, die Techniken des Hell-Dunkel-Malens wurden für die Meister der Vasenmalerei aufgrund der begrenzten Anzahl von Farben, die einem starken Brennen standhalten können, unzugänglich.

Die klassische Kunst hat sich zum ersten Mal in der Geschichte der Menschheit die wahrheitsgemäße Offenlegung des ethischen und ästhetischen Wertes des Menschen zum Ziel gesetztIndividuum und Menschengruppe. Die klassische Kunst in ihrer besten Form brachte zum ersten Mal in der Geschichte der Klassengesellschaft die Ideale der Demokratie zum Ausdruck.

Auch die künstlerische Kultur der Klassik bewahrt für uns einen ewigen, bleibenden Wert als eine der absoluten Spitzenleistungen in der künstlerischen Entwicklung der Menschheit. In den Werken der klassischen Kunst fand zum ersten Mal das Ideal eines harmonisch entwickelten Menschen seinen vollkommenen künstlerischen Ausdruck, die Schönheit und Tapferkeit eines körperlich und moralisch schönen Menschen wurden wirklich offenbart.

Klassische Skulptur n Frühklassik (500–450 v. Chr.) n Hochklassik (450–400 v. Chr.) n Spätklassik (400–330 v. Chr.)

Skulptur der Klassiker n Das Bild eines Bürgers – eines Athleten und eines Kriegers – wird in der Kunst der Klassiker zentral. n Körperproportionen und vielfältige Bewegungsformen sind zum wichtigsten Charakterisierungsmittel geworden. n Nach und nach wird das Gesicht der abgebildeten Person von Steifheit und Statik befreit.

Bronze ist das Hauptmaterial n Nur Bronze erlaubte den griechischen Bildhauern, der Figur jede Position zu geben. n Daher Bronze im 5. Jh. BC e. wurde zum Hauptmaterial, mit dem alle großen Meister arbeiteten, als sie sich der Schaffung einer runden Skulptur widmeten. n In einer Bronzestatue wurden Augen mit glasiger Paste und farbigem Stein eingelegt, und Lippen, Frisuren oder Schmuck wurden aus einer Bronzelegierung mit einem anderen Farbton hergestellt.

Marmorskulpturen n Skulpturale Dekorationen von Tempeln, III Grabreliefs III und solche Statuen wurden aus Marmor gefertigt, die entweder Figuren in langen Gewändern oder eine nackte Figur darstellten, die aufrecht mit gesenkten Armen stand. n Marmorskulpturen wurden noch bemalt. n Es war schwierig, eine nackte Figur mit einer Stütze auf einem Bein zu formen, während das andere Bein ohne spezielle Stütze frei vom Marmor abgesetzt war.

Frühe Klassiker n Persönliche Originalität, der Beitrag seines Charakters erregte nicht die Aufmerksamkeit der Meister der frühen griechischen Klassiker. n Der Bildhauer versucht nicht, den individuellen Charakter zu offenbaren, indem er ein typisches Bild eines menschlichen Bürgers schafft. n Dies war sowohl die Stärke als auch die Grenzen des Realismus der griechischen Klassiker.

Frühe Klassik 1. 500 v e. Tyrannizid. Bronze 2. 470 n. Chr e. Wagenlenker aus Delphi. Bronze 3. 460 v e. Statue des Zeus (Poseidon) vom Kap Artemision. Bronze 4. 470 v e. Blonder junger Mann. Marmor 5. 470 v e. Läufer am Start 6. 5 in. BC e. Miron. Diskuswerfer. Bronze 7. 5 c. BC e. Miron. Marsyas und Athene. Bronze 8. 470 -460 BC e. Thron von Ludovisi. Erleichterung. Marmor

500 v. Chr e. Tyrannoslayers n römische Marmorkopie nach einem Bronzeoriginal. n Critias und Nesiot sind die Schöpfer der berühmten Gruppe. n Das am Hang des Athener Areopag errichtete Denkmal für die patriotischen Helden Harmodius und Aristogeiton, die Tyrannenmorde von Antenor, wurde 480 v. Chr. abgetragen. e. Perser. n Nach der Vertreibung der Feinde von Attika befahlen die Athener sofort neues Denkmal Bildhauer Kritias und Nesiotes.

Kraftvolle Figuren n In der Arbeit an einigen Resten des Archaischen, der dekorativen Interpretation der Haare, des archaischen Lächelns. n Die Meister brachten einen ganz anderen Geist in das Werk, obwohl wir statt anmutiger archaischer Kouros ganz andere Figuren sehen, kraftvolle, langgestreckte Proportionen, mit massivem Körper, in energischer Bewegung. n Höhe - 1,95 m

Ein strenges Denkmal n Der Ältere - Aristogeiton - beschützt den Jüngeren, der sein Schwert über den Tyrannen erhob. n Die Muskeln der nackten Körper der Helden sind etwas verallgemeinert, aber sehr genau und mit klarem Verständnis der Natur modelliert. n Dieses Denkmal ist streng, voller patriotischem Pathos, verherrlicht den Sieg der Demokratie, die nicht nur die Tyrannei abwarf, sondern auch die persische Invasion abwehrte.

474 v e. Wagenlenker von Delphi n Berühmtes Original der antiken griechischen Skulptur. Eine der wenigen Statuen, die bis heute überlebt haben. n Es wurde 1896 von französischen Archäologen bei Ausgrabungen im Apollo-Heiligtum von Delphi entdeckt. n Die Statue wurde errichtet, um an den Sieg der Streitwagenmannschaft bei den Pythischen Spielen im Jahr 478 zu erinnern. n Die Inschrift auf dem Sockel der Skulptur besagt, dass sie im Auftrag von Polisalos, dem Tyrannen der griechischen Kolonie auf Sizilien, als Geschenk an Apollo errichtet wurde.

Skulpturengruppe n Ursprünglich war der Wagenlenker Teil einer großen Skulpturengruppe. n Es umfasste einen Streitwagen, eine Quadriga aus Pferden und zwei Pferdeknechte. n Neben der Statue wurden mehrere Fragmente von Pferden, ein Streitwagen und die Hand eines Dienerjungen gefunden. n In seinem ursprünglichen Zustand war es eine der beeindruckendsten Statuen seiner Zeit. n Die Gruppe stand höchstwahrscheinlich auf den flachen Dachterrassen, die vom Heiligtum absteigen.

Hoher Wuchs n Die Skulptur in Menschengröße (Höhe 1,8 m) zeigt einen Wagenlenker. n Abgebildet ist ein sehr junger Mann, ein junger Mann. n Wagenlenker wurden wegen ihres geringen Gewichts und ihrer hohen Statur ausgewählt, daher wurden oft Teenager für diesen Job genommen. n Der junge Mann trägt eine Art Tunika - xistis, die Kleidung der Wagenlenker während des Wettbewerbs. Es reicht fast bis zu den Knöcheln und ist mit einem einfachen Gürtel gegürtet.

Tiefe Falten n Tiefe parallele Falten seiner Kleidung verbergen den gesamten Körper. n Aber die Modellierung von Kopf, Armen, Beinen zeigt, wie fließend der uns unbekannte Meister der plastischen Anatomie war

n Zwei überkreuzte Riemen auf seinem Rücken verhinderten, dass die Xistis während des Rennens im Wind explodierten.

Frühe Klassik n Der Wagenlenker gehört der frühen Klassik an und ist naturalistischer als die Kouros. n Aber die Pose bleibt im Vergleich zu den klassischen Statuen späterer Zeit immer noch eingefroren. n Ein weiteres Erbe der Archaik ist, dass der Kopf leicht zur Seite geneigt ist. n Die Gesichtszüge wurden für mehr Realismus etwas asymmetrisch gestaltet.

Augenintarsien n Diese Skulptur ist eine der wenigen griechischen Bronzen, die Onyx-Augenintarsien und Kupferdetails von Wimpern und Lippen bewahrt hat. n Das Stirnband ist aus Silber und könnte verziert werden Edelsteine die herausgenommen wurden.

460 v. Chr e. Statue des Zeus (Poseidon) n Original griechische Bronzestatue aus dem 5. BC e. n 1926 von Schwammtauchern in der Ägäis vor Kap Artemision im Schiffswrackgebiet gefunden n 1928 an die Oberfläche gehoben. n Höhe der Statue: 2,09 m n Die Statue stellt Poseidon oder Zeus dar, der schwingt, um Waffen zu werfen, die bis heute nicht erhalten sind: ein Speer, ein Dreizack (ein Attribut von Poseidon) oder ein Blitz (ein Attribut von Zeus)

470 v. Chr e. Zeus n „Zeus von Dodona“ hält einen Blitz in seinen Händen, der in Form einer abgeflachten länglichen Scheibe ausgeführt ist.

Verborgene Energie n Die Statue verkörpert verborgene Energie, große spirituelle Kraft. n Die Größe Gottes drückt sich nicht nur in den kraftvollen Formen des Körpers aus, SH nicht nur in einer starken Bewegung, SH befehlende Geste, SH sondern vor allem in den Zügen eines schönen, mutigen Gesichts, SH in einem ernsten, aber leidenschaftlichen Blick.

n Die Statue hat leere Augenhöhlen, die ursprünglich mit Elfenbein eingelegt waren, Augenbrauen sind aus Silber, Lippen und Brustwarzen sind aus Kupfer

470 v. Chr e. Blonder junger Mann n In der Kunst des 5. Jahrhunderts. BC e. ein neues schönheitsideal entsteht, ein neuer gesichtstyp: Ø längliches, aber abgerundetes oval, Ø gerader nasenrücken, Ø gerade linie von stirn und nase, Ø glatter bogen der augenbrauen, über den mandelförmigen augen hervortretend , Ø Lippen, ziemlich prall, schönes Muster, ohne Lächeln. n Die Falten der Kleidung werden nach und nach zum „Echo des Körpers“.

Ein neues Schönheitsideal n Der Gesamtausdruck ist ruhig und ernst. Das Haar wird mit weichen, gewellten Strähnen behandelt, die die Form des Schädels umreißen.

470 v. Chr e. Läufer am Start n Die schwierigste Aufgabe in der Bildhauerkunst bestand darin, den Moment des Übergangs von der Statik zur Bewegung zu fixieren. n Die erfolgreiche Umsetzung all dieser schwierigen Aufgaben zeigt diese kleine griechische Figur (16 cm) n Der Athlet wird in letzter Sekunde vor einem schnellen Sprung nach vorne gezeigt, in dem Moment, in dem die Spannung ihren Höhepunkt erreicht.

Chiasmus n Nach vorne gestreckt linke Hand und der rechte Ellbogen nach hinten geschoben, das linke Bein nach vorne gestellt, erzeugt ein Motiv der Kreuzbewegung. n Die Beine des Läufers sind in den Knien gebeugt, der Körper ist nach vorne geneigt. Die Figur enthält zwei Bewegungen: Ø der untere Körperteil befindet sich in seiner ursprünglichen Position, Ø der obere erhält die Position, in der sich der untere in einem Moment befinden wird. n Hier gibt es ein Chiasma: Ø Kreuzbewegung von Armen und Beinen, Ø die Lage der Schultern, des Körpers, der Hüften in verschiedenen Ebenen.

Myron n griechischer Bildhauer der Mitte des 5. Jahrhunderts. BC e. aus Eleuthera, an der Grenze zwischen Attika und Böotien. n Myron war ein Zeitgenosse von Phidias und Polykleitos. n Er lebte und arbeitete in Athen und erhielt den Titel eines athenischen Bürgers, der damals als große Ehre galt. n Miron ist ein Meister runder Kunststoffe. Sein Werk ist nur aus römischen Abschriften bekannt.

Römische Kopien n Er stellte Götter, Helden und Tiere dar, reproduzierte schwierige, flüchtige Posen mit besonderer Liebe. n Der Bildhauer war ausgezeichnet in der plastischen Anatomie und vermittelte Bewegungsfreiheit, wobei er eine gewisse Steifheit überwand, die noch in den Skulpturen von Olympia vorhanden war. n Die Alten charakterisieren ihn als den größten Realisten, der es aber nicht verstand, den Gesichtern Leben und Ausdruck zu verleihen.

Discobolus n Sein bekanntestes Werk ist Discobolus, ein Athlet, der beabsichtigt, einen Diskus zu werfen. n Die Statue ist in mehreren Exemplaren bis in unsere Zeit überliefert, von denen das beste aus Marmor ist und sich im Massimi-Palast in Rom befindet. n Und die Kopie im Britischen Museum hat einen falschen Kopf.

Der Eindruck von Stabilität n Der Bildhauer stellte einen jungen Mann dar, schön an Geist und Körper, der sich in schneller Bewegung befindet. n Der Werfer wird in dem Moment präsentiert, in dem er seine ganze Kraft in das Werfen der Scheibe steckt. n Trotz der Spannung, die die Figur durchdringt, vermittelt die Statue den Eindruck von Stabilität. n Dies wird bestimmt durch die Wahl des Moments der Bewegung – ihres Höhepunkts.

Elastischer Körper n n Ein Moment der Ruhe erzeugt ein Gefühl der Stabilität des Bildes. n Disco-Werfer. Römische Kopie, 2. Jh. Glyptothek. München Der junge Mann beugte sich vor und brachte die Hand mit der Scheibe zurück, noch einen Moment, und der elastische Körper wie eine Feder würde sich schnell aufrichten, die Hand würde die Scheibe kraftvoll in den Raum werfen. Trotz der Komplexität der Bewegung bleibt die Hauptansicht in der Discobolus-Statue erhalten, sodass Sie sofort ihren ganzen figurativen Reichtum sehen können.

n Miron wählte ein kühnes künstlerisches Motiv – einen kurzen Stopp zwischen zwei starken Bewegungen, den Moment, in dem die letzte Handbewegung gemacht wurde, bevor die Scheibe geworfen wurde.

450 v. Chr e. Vorderseite der Tetradrachme. Silber Ende 2. - Anfang 3. Jahrhundert. Diskuswerfer. Mosaik aus Rom.

450 v. Chr e. Athena und Marsyas n Alte Schriftsteller erwähnen mit Lob die Statue von Marsyas, die mit Athena gruppiert ist. Wir erhalten auch einen Begriff dieser Gruppe aus ihren mehreren späteren Wiederholungen.

n Die berühmte Myronengruppe, die einst auf der Akropolis von Athen stand, zeigte Athene beim Flötenwerfen der von ihr erfundenen Flöte, und die Silena des Marsyas ist in Marmorkopien erhalten.

Der Mythos von Athene und Marsyas n Dem Mythos nach erfand Athene die Flöte, aber ihre Wangen schwollen beim Spielen des Instruments hässlich an. Die Nymphen lachten sie aus, dann warf Athene ihre Flöte hin und verfluchte das Instrument, das die Harmonie des menschlichen Antlitzes störte. n Silenus Marsyas ignorierte den Fluch der Athene und beeilte sich, die Flöte aufzuheben. n Myron stellte sie in dem Moment dar, in dem Athena, als sie ging, sich den Ungehorsamen zuwandte und Marsyas erschrocken zurückschreckte.

n n Ruhige Selbstbeherrschung, Beherrschung der eigenen Gefühle ist ein charakteristisches Merkmal der griechischen klassischen Weltanschauung, die das Maß für den ethischen Wert einer Person bestimmt. Die Bejahung der Schönheit des rationalen Willens, der die Macht der Leidenschaft bändigt, fand in dieser Skulpturengruppe Ausdruck.

Marsyas n Die gewählte Situation enthält eine vollständige Offenlegung des Wesens des Konflikts. Athena und Marsyas sind gegensätzliche Charaktere. n Die Bewegung von Silenus, der sich schnell zurücklehnte, war grob und abrupt. Sein starker Körper ist frei von Harmonie. Ein Gesicht mit einer wulstigen Stirn und einer abgeflachten Nase ist hässlich. n Ein wilder, ungezügelter Walddämon mit tierhaftem Gesicht, scharfen, groben Bewegungen steht einer jungen, aber ruhigen Athene gegenüber. n Die Figur des Marsyas drückt die Angst vor der Göttin und ein starkes, gieriges Verlangen aus, die Flöte zu ergreifen.

Ein strenger Blick n Die Bewegung von Athene, herrisch, zurückhaltend, ist voller natürlicher Vornehmheit. n Nur verächtlich halb herabhängende Lippen und ein strenger Blick verraten Wut. n Silena stoppt Athena mit einer einzigen Geste.

n n Die Gruppe "Athena und Marsyas" bekräftigt bildlich die Vorstellung von der Überlegenheit des Geistes über die elementaren Kräfte der Natur. Diese Skulpturengruppe skizzierte die Entwicklung des Realistischen Handlungsaufbau, die die Beziehung von Zeichen zeigt, die durch eine gemeinsame Aktion verbunden sind.

Reibungslose Bewegungen n … Die Bewegung ist hier komplexer als in Disco Thrower. n Athena dreht sich um, aber es gibt keinen scharfen Bruch in ihrer Taille, wenn der obere und der untere Teil des Körpers als unabhängige Elemente wahrgenommen wurden. n Die Biegungen der Kleiderfalten sind glatt, die Neigung des Kopfes ist harmonisch.

Die Statue des Läufers Lada n n Die Statue des Läufers ist bis heute nicht erhalten. Über die Statue des Läufers Lada, eines berühmten Sportlers, der nach einem seiner Siege starb, schrieb der antike Dichter: „Der Läufer ist voller Hoffnung, nur Atem ist auf seinen Lippenspitzen zu sehen; nach innen gezogen, die Seiten wurden hohl. Ш Bronze strebt nach einem Kranz; halte ihren Stein nicht zurück; W Vetra ist der schnellste Läufer, du bist ein Wunder von Mirons Händen.

Statue einer Kuh (Färse). Kupfer n Laut Zeitgenossen sah es so aus wie ein lebendes Kupfer, dass Bremsen darauf saßen. n Die Hirten und Stiere hielten es auch für das Echte: Ш Du bist Kupfer, aber schau dich an, der Pflug wurde von der Pinne gebracht, Ш Das Geschirr und die Zügel wurden gebracht, die Färse ist ein Betrüger aller. Sh Miron war das Ding, der Erste in dieser Kunst, Sh machte dich lebendig und gab dir das Aussehen einer arbeitenden Färse. Unbekannter Autor. Stierstatue. Olympia. 5. Jh. BC e.

n Dreiteiliger Altar aus griechischem Marmor. n 1887 bei der Renovierung der Villa Ludovisi in Rom entdeckt. n Höhe 84 cm 470 -460 v e. Thron von Ludovisi

Geburt der Venus n Der zentrale Teil - mit der Szene der Geburt von Aphrodite aus Meeresschaum. n Die schöne zerbrechliche Gestalt der Aphrodite in einer dünnen, eng anliegenden Tunika taucht aus den Meereswellen auf. n Ihr leicht nach oben gerichtetes Gesicht strahlt vor Freude. n Das Relief des Throns von Ludovisi ist nicht hoch, aber der Meister hat die Plastizität des Körpers und die zahlreichen Kleiderfalten perfekt vermittelt. Die Zeichnung ist dünn und präzise.

n n An den Seiten der Göttin stützen ihre beiden jungen Diener - Ores (Jahreszeiten), die am Meeresufer stehen, sich bücken, die aus dem Wasser aufsteigende Göttin und bedecken sie mit einem Umhang. Die Mädchen sind in lange, fließende Gewänder gekleidet, und ihre symmetrisch angeordneten Figuren werden durch das vielfältige Faltenspiel der Tunika belebt.

n n Auf den Seitenreliefs: einerseits ein nacktes Mädchen (Hetäre) beim Flötenspiel, andererseits eine in einen Umhang gehüllte sitzende Frauengestalt (Matrone) vor einem Räuchergefäß. Dies sind die Diener des Kultes der Aphrodite, die symbolisieren verschiedene Inkarnationen Liebe oder Bilder des Dienstes an der Göttin.

Realismus der Interpretation Realistisch interpretierte Kissen, auf denen die Begleiter sitzen, kleine Küstenkiesel unter Ors Füßen verleihen der ganzen Szenerie eine überzeugende Konkretheit.

n Die Bewegungen von Aphrodite, die sich erhebt, und Or, der sich ihr zuneigt, sind in ihrer Richtung entgegengesetzt, aber die Linien der Komposition werden nicht unterbrochen. Die Verflechtung der Hände und die weichen Falten der Kleidungsstücke erwecken den Eindruck einer kontinuierlichen Aktion.