Was wie eine Drehleier klingt. Musikinstrumente und Spielzeug: Drehorgel

Romanova E.V.

Promotion in Kunstgeschichte, Staatliche Haushaltsbildungsanstalt höhere Bildung„St. Petersburg State Conservatory benannt nach N.A. Rimski-Korsakow"

ÜBER ZUSAMMENSETZUNGDIMINUENDO IN TSCHAIKOWSKIS STÜCK "Singt DER Leierkastenmann"

Anmerkung

Bei der Betrachtung des Stücks von Tschaikowsky wurden einerseits die traditionellen Kriterien der heimischen Theorie der einfachen Formen und andererseits einige Kriterien der Theorie der gemischten Formen auf seine Komposition angewendet. Das Zusammenspiel der strukturell-kompositorischen, motivisch-intonativen, harmonischen, texturalen und dynamischen Entwicklungsaspekte wird gezeigt, bestätigt bedeutende Rolle Zusammensetzungsmerkmale in der Ausführungsform musikalisches Bild Theaterstücke. Die Ergebnisse können in der Praxis des Lehrens der Analyse musikalischer Werke bei der Umsetzung der wichtigsten Bildungsprogramme der Hochschulbildung verwendet werden.

Stichworte: einfache zweistimmige Form, Kontrast-Kompositform, Chorus, Chorus, tragende Form.

Romanova E.V.

Promotion in Kunst, Landeshochschule

Staatliches Rimski-Korsakow-Konservatorium in Sankt Petersburg

ÜBER COMPOSITE DIMINUENDOIN TSCHAIKOWSKIS STÜCK „DER ORGELSPIELER SINGT“

Abstrakt

Im Zuge der Betrachtung des Schauspiels von Tschaikowsky werden traditionelle Kriterien der heimischen Theorie der einfachen Formen einerseits und einige Kriterien der Theorie der Mischformen andererseits auf ihre Komposition angewendet. Es wird die Wechselwirkung von strukturellen und zusammengesetzten, motivno-intonativen, harmonischen, beeindruckenden und dynamischen Aspekten der Entwicklung gezeigt, die wesentliche Rolle der zusammengesetzten Merkmale in der Verkörperung des musikalischen Bildes des Stücks wird bestätigt. Die Ergebnisse können in der Praxis des Lehrens der Analyse von Musikstücken bei der Umsetzung der wichtigsten Bildungsprogramme der Hochschulbildung verwendet werden.

Schlüsselwörter: einfache binäre Form, Kontrast und zusammengesetzte Form, angefangen zu singen, ein Refrain, eine Form des zweiten Plans.

Das Konzept einer sekundären Form wird hauptsächlich in der Zusammensetzungsanalyse von Zusammensetzungen verwendet, die auf Sorten von Variationsformen sowie Formen basieren, die normalerweise als gemischt definiert werden. Gleichzeitig zeigt die Analyse des kompositorischen Subtextes einer Miniatur oft einen solchen Grad der Individualisierung der Umsetzung der Prinzipien der einen oder anderen einfachen Form, der es uns ermöglicht, über die verborgene Wirkung der Form des zweiten Plans zu sprechen . Die Einrichtung dieses Formulars hilft in der Regel, die Ergebnisse der Analyse zu verdeutlichen. Musikalisches Material weniger im strukturellen als im inhaltlichen Aspekt. Als einer von klare Beispiele Wenden wir uns der Komposition des Stücks "The Organ Grinder Sings" aus " Kinderalbum» P.I. Tschaikowsky.

Dieses Stück ist (wie viele andere Miniaturen in der Sammlung) eine musikalische Skizze aus der Natur und verkörpert damit die Idee einer „virtuellen“ Reise. Darin verwendete Tschaikowsky, wie in The Neapolitan Song, die Melodie, die er in Venedig von Straßenkünstlern gehört hatte. Im Rahmen einer kontrastierenden, zusammengesetzten einfachen zweiteiligen Form scheint dieses Stück eine Szene eines Treffens mit einem Leierkastenmann zu zeichnen und vermittelt einige ihrer Nuancen und Details.

Das Verhältnis der Stimmen im Stück ist ähnlich dem Verhältnis von Solo und Chor in der Strophe und entspricht einer der typischen Möglichkeiten, eine zweistimmige Form zu konstruieren. Der Expositionsteil (Takt 1-16 des Stücks, Beispiel 1) ist eine quadratische Periode von wiederholter Struktur und weist gleichzeitig eine Reihe von Ausdrucksmerkmalen auf. Am auffälligsten ist die nicht normative Vereinbarung von Kadenzen, bedingt durch die Abweichung in die Tonalität des zweiten Schritts am Ende des ersten Satzes – die mittlere Kadenz entpuppt sich somit als subdominant. Der romanische Gattungscharakter dieses meist sehr unprätentiösen, aber dennoch nicht ohne Raffinesse auskommenden Durthemas wird durch eine Abweichung ins Moll ausdrucksstark überschattet, was den Eindruck einer vergeistigten, offenen und direkten Aussage verstärkt , dessen Beginn von einem Gefühlsausbruch geprägt zu sein scheint. So klingt der erste Teil der Komposition besonders fett und prominent.

Andere Eigenschaften Anfangszeit, verursacht durch die oben erwähnte tonale Abweichung, werden der Beginn des zweiten Satzes auf einer anderen Tonhöhe (Melodie eine Sekunde höher) und auf einer anderen harmonischen Funktion (II65). Sie verleihen der Äußerung Dynamik und der Periode eine große Einheit, basierend auf der funktionalen Heterogenität der Sätze (der erste ist exponierend und entwickelnd, der zweite entwickelt und endgültig).

Reis. 1 - anfängliche Expositionsdauer

Der zweite Teil des Stücks ist ebenfalls eine Periode, aber (in tonalen und funktionalen Aspekten) viel traditioneller organisiert, wodurch es ganz selbstverständlich als Chor wahrgenommen wird. Diese quadratische Periode wiederholter Struktur (Takte 17-32 des Stücks, Beispiel 2) unterscheidet sich von der normativen nur in der mittleren Kadenz auf der Tonika. Aufgrund des Fehlens von Abweichungen, des streng eingehaltenen Tonika-Dominanz-Funktionsharmonik-Schemas (ohne Verwendung von Akkorden der Subdominant-Funktion), der exakten Satzwiederholung klingt der zweite Teil des Stücks wie ein emotionaler Niedergang - der „sensitive Romance Revelation“ wird durch eine ruhigere und friedlichere, zusammenfassende Intonation ersetzt, die durch sich wiederholende Phrasen wie einen liebevollen, sanften Abschied deutlich wird.

Beachten Sie einige stark individualisierte Funktionen thematisches Material der zweite Teil, die die Wahrnehmung der Form des Stücks als Ganzes wesentlich beeinflussen.

Erstens wird die exakte Wiederholung von Sätzen durch die Dynamik verletzt: P im ersten Satz u pp - in dieser Sekunde. Idee diminuendo findet dabei einen direkten, unmittelbaren Ausdruck, der offensichtlich zu dem im Spiel verkörperten Effekt der räumlichen Entfernung beiträgt: Die Melodie des Leierkastenmanns wird immer weniger deutlich hörbar, weniger unterscheidbar - ob der Zuhörer am Darsteller vorbeigegangen ist oder umgekehrt.

Zweitens ist ein sehr auffallendes Merkmal des zweiten Teils der Dialog kurzer Motive, die in der Melodie skizziert sind (manchmal Assoziationen an die Technik der versteckten Zweistimmigkeit hervorrufend): in diesem Dialog einerseits das Prinzip der Zerstreuung, Reduktion Erleichterung und die Besonderheit der Thematik manifestiert, und auf der anderen Seite, die Idee Register Appell, charakteristisch für die letzten Abschnitte der musikalischen Form, basierend auf der Wirkung von Rezession, Hemmung.

Schließlich wird der über die gesamte Länge gehaltene Orgelpunkt auf der tonischen Quinte zum bestimmenden Merkmal des zweiten Satzes. Seine Verwendung betont deutlich die kompositorische Endfunktion im Klang des zweiten Satzes, was es ermöglicht, ihn nicht so sehr als Kontrast, sondern als zweiten Teil des Coda-Typus zu definieren.

Beachten Sie auch, dass der obere Ton der Quinte beziffert ist - ein kontinuierlicher Wechsel von Tönen D– e wie Vibrationen, wodurch ein klanglicher Effekt von Unschärfe, Verwischen von Konturen und einer weiteren Verstärkung des oben erwähnten Effekts der räumlichen Entfernung entsteht.

Eine wesentliche Note, die die „absteigende“ kompositorische Ausrichtung des zweiten Satzes und des gesamten Stücks betont, ist die sogenannte schriftliche Verlangsamung, die Tschaikowsky im letzten Takt (Takt 32, Beispiel 2) anwendet: in diesem Moment das Durch das Pulsieren der Achtel, das zuvor aufgrund des Komplementärrhythmus immer beobachtet wurde, hört auf. Die in der mittleren Texturschicht erhaltenen synkopierten Terzen der Begleitung pulsieren dabei doppelt so langsam, was den Effekt einer Verlangsamung ohne den Einsatz entsprechender verbaler Äußerungen erzeugt ( ritardando, ritenuto usw.).

Reis. 2 - kontrastierender zweiter Teil (zweiter Teil des Coda-Typs).

Die Form des Stücks als Ganzes kann daher als einfaches zweistimmiges Kontrast-Komposit mit einer deutlichen Manifestation der Zeichen einer einfachen zweistimmigen Form mit einem zweiten Teil des Coda-Typus im Hintergrund definiert werden. Gleichzeitig wird eine sich allmählich herauskristallisierende Idee zu ihrem individuellen Merkmal. diminuendo, mit rhythmisch-dynamischen Mitteln unterstützt: Dem in subjektiv-lyrischen Tönen gemalten emotional lebendigen Material der Anfangszeit steht ein neutraleres, objektiveres und weniger individualisiertes, den emotionalen Niedergang verkörperndes Material des zweiten Teils gegenüber (ein Rückgang von Relief, Helligkeit und individueller Charakteristik). des Materials erklärt die kompositorische Beziehung der betrachteten zweistimmigen Form zur Formperiode mit Addition), die im letzten Takt geschriebene Entschleunigung und die abnehmende dynamische Nuance betonen den Abklingeffekt. Es ist dieses Merkmal, das zur Helligkeit der Verkörperung des Hauptbildes des Stücks beiträgt, verbunden mit dem allmählichen Verschwinden, als würde es sich im Raum seiner Hauptfigur auflösen, und mit dem eigentümlichen Verschwinden-Schmelzen der Tonspuren seiner Anwesenheit.

Ich erinnere mich an den Titel „Von fremden Ländern und Menschen“, den Schumann einem seiner „Kinderszenen“ gegeben hat.

„In Venedig kam abends manchmal ein Straßensänger mit einer kleinen Tochter zu unserem Hotel, und ich mag einen ihrer Songs sehr.“

In der Klassifizierung von Yu.N. Tyulin wird vorgeschlagen, solche Formen aufgrund der thematischen Unabhängigkeit des zweiten Teils und des Vorhandenseins neuer intonatorischer Elemente darin durch das A + B-Schema auszudrücken.

In diesem Fall entsteht eine exakte Satzwiederholung, wodurch der Punkt eine Ähnlichkeit mit einer Strophenstruktur erhält.

Die kompositorische Beziehung der betrachteten zweiteiligen Form zur Form der Periode mit dem Zusatz lässt uns von einem Phänomen sprechen, das mit der absteigenden kompositorischen Modulation in der Klassifikation von V. Bobrovsky zusammenhängt.

Eine ähnliche kompositorische Abstammung (Verwendung des zweiten Teils des Coda-Typs) findet sich auch im Stück aus dem „Kinderalbum“ „In der Kirche“. Wir bemerken auch einige kompositorische Analogien des betrachteten Stücks mit dem Stück „ Morgengebet“: Beide enden mit einem Abschnitt, der eindeutig die abschließende kompositorische Funktion erfüllt, gleichzeitig stellt „Morning Prayer“ aber formal eher eine Periode mit einem Zusatz dar.

Referenzen / Referenzen

1. Bobrovsky V. Funktionelle Grundlagen der musikalischen Form. - M.: Musik, 1978. - 332 S.
2. Tyulin Y. Musikform / Y. Tyulin, T. Bershadskaya, I. Pustylnik und andere; allgemeine Hrsg. Prof. Yu.N. Tyulin. - 2. Aufl., korrigiert. und zusätzlich - M.: Musik, 1974. - 361 S.
3. PI. Tschaikowsky - N.F. von Meck: Korrespondenz, 1876-1890: in 4 Bänden T. 1. 1876-1877 / erg., Wissenschafts- und Textkritik. Hrsg., Kommentare P.E. Vaidman. - Tscheljabinsk: MPI, 2007. - 704 p.

Referenzen in Englisch / Referenzen in Englisch

1. Bobrovskij V. Funkcional'nye osnovy muzykal'noj formy. . – M.: Muzyka, 1978. – 332 S.
2. Tjulin Ju. Muzykal'naja forma / Ju. Tjulin, T. Bershadskaja, I. Pustyl’nik und andere, allgemein herausgegeben von Yu. N. Tyulin. – 2. Auflage, korrigiert und top. – M.: Muzyka, 1974. – 361 S.
3. I. Chajkovskij – N.F. fon Mekk: perepiska, 1876-1890: v 4 t. T. 1. 1876-1877. / Erarbeitung, wissenschaftliche und textuelle Ausgabe, Kommentare P.E. Vaydman. - Tscheljabinsk: MPI, 2007. - 704 p.

Leierkasten

Viele von uns haben in der Kindheit mit Begeisterung das Werk des bemerkenswerten französischen Schriftstellers G. Malo „Ohne Familie“ gelesen. Eine Geschichte, die sicherlich niemanden gleichgültig lassen konnte. In dieser berührenden Geschichte stecken die Helden in Schwierigkeiten Lebenssituationen, half, ein interessantes Objekt zu überleben, ein mechanisches Musikinstrument - eine Drehleier. Um darauf zu spielen, war es nicht notwendig, die Noten zu studieren und sogar zu kennen, den Knopf zu drehen - die Melodie erklingt.

Schon jetzt ist die Drehleier ein Kuriosum. Wir hören Musik von digitalen Medien, denen Plattenspieler und Tonbandgeräte und noch früher Grammophone und Grammophone vorausgingen. Der Urvater all dieser Techniken war die Drehleier, die früher so beliebt war, dass viele große Dichter ihr ihre Gedichte widmeten.

Der Klang einer Drehorgel wird durch eingelegte Pfeifen erzeugt akustische Einhausung. Ein sehr wichtiges Element des Werkzeugs ist die Rolle mit den darin eingebauten Stollen. Nieten werden eingesteckt bestimmte Reihenfolge entsprechend der Melodie, die wir hören wollen. Wenn Sie die Haarnadeln neu anordnen, wird die Musik völlig anders. Das Instrument beginnt zu klingen, wenn Sie den Griff der Drehleier drehen, was einen ziemlich komplizierten Mechanismus in Gang setzt.

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Interessante Fakten

• Jedes Land hat seinen eigenen Namen für die Drehleier. In Deutschland - Leierkasten, in England - Drehorgel, in Frankreich - Orgue de Barbarie, in Spanien - Organillo und in Italien - Organistro, in Bulgarien - Laterna, in Ungarn - Kintorna.
• Der französische „Sonnenkönig“ Ludwig XIV war der erste der Monarchen, der die Drehorgel schätzte und die Mode für das Instrument einführte.
• Viele große russische Dichter, darunter A. Vertinsky, A. Fet, P. Antokolsky, O. Mandelstam, I. Annensky, L. Semenov, M. Tsvetaeva, V. Bryusov, B. Okudzhava, widmeten ihre Gedichte der Drehleier .

• Das Musikinstrument Drehleier findet sich sehr oft in der Kinderliteratur, zum Beispiel in den Märchen von H.K. Andersen "Schweinehirt", K. Collodi "Pinocchio", A. Tolstoi "Der goldene Schlüssel oder die Abenteuer von Pinocchio", in den Werken von A. Kuprin "Weißer Pudel". VON. Walton „Christys alte Drehorgel“, G. Malo „Ohne Familie“.
• Überall auf der Welt wird dem Instrument großer Respekt entgegengebracht. In vielen europäische Länder wie Schweiz, Frankreich, Finnland, Ungarn, Estland, Deutschland, Tschechien regelmäßig Internationale Festivals Drehorgelspieler. Das größte Festival, das mehr als hundert Künstler zusammenbringt, findet jährlich, normalerweise im Juli, in Berlin, der Hauptstadt Deutschlands, statt. Ein imposanter Umzug von Leierkastenmännern in antiken Kostümen über den berühmten Boulevard Kurfürstendamm zieht Aufmerksamkeit auf sich und weckt reges Interesse nicht nur bei Einwohnern der Hauptstadt, sondern auch bei Gästen der Stadt.
• In Brasilien wurde der Tango sogar zum Klang einer Drehleier getanzt.
• In Dänemark glaubt man immer noch, dass wenn ein Leierkastenmann zu einer Hochzeit eingeladen wird, die Jungvermählten ihr Leben lang glücklich sein werden.
• In Wien, der Hauptstadt Österreichs, ist auf dem Stephansplatz in der Nähe des Wiener Doms immer der Klang einer Drehleier zu hören.
• In Prag sind Leierkastenmänner immer an den wichtigsten historischen Sehenswürdigkeiten der Stadt zu finden - der Karlsbrücke und dem Altstädter Ring.
• Australien veranstaltet jedes Jahr viele verschiedene, manchmal sehr exzentrische und exzentrische Paraden und Festivals. Sie sind in der Regel hell und interessant, oft begleitet von Drehleierklängen.
• Denkmäler für die Drehorgel und Drehorgelspieler sind in verschiedenen Städten auf der ganzen Welt zu finden: Moskau (Russland), St. Petersburg (Russland), Kiew (Ukraine), Gomel (Weißrussland), Berlin (Deutschland), Newport (USA).
• Im Russischen gibt es einen Ausdruck "start a hurdy-gurdy", was bedeutet, dass man ärgerlich über dasselbe redet.
• Derzeit ist die Drehorgel in Form eines Kinderspielzeugs sehr beliebt, das die Muskulatur und Fingermotorik des Kindes entwickelt und zudem eine beruhigende Wirkung hat.
• Funkamateure nennen eine Drehorgel ein Funksendegerät aus eigener Herstellung.

Design

Das Design der Drehorgel ist nicht so einfach, wie es scheinen mag. Es besteht aus einem Griff, der Kragen genannt wird, einer Fellkammer, einem Stift, einer Klangrolle, Stiften, Hebeln, Stöcken, Ventilen und Rohren.
Der Griff der Drehorgel versetzt Stift und Klangwalze in Bewegung. Mit Hilfe einer Nadel wird Luft in die Fellkammer gepumpt, die sich an der Unterseite des Werkzeugs befindet. Auf der Klangwalze befinden sich Noppen, bei deren Kontakt sich die Hebel heben und senken. Die Hebel wiederum bewirken, dass sich die Stimmzungen bewegen und Ventile öffnen und schließen, die den Luftstrom in die Pfeifen steuern, die den Klang erzeugen.

Geschichte

Die Drehorgel war einst so beliebt, dass mehrere europäische Länder: Frankreich, Holland, die Schweiz und Italien noch immer streiten und nach Beweisen suchen, in welchem ​​Land die Drehorgel das erste Mal geboren wurde. Die Geschichte des Instruments geht jedoch in der Antike verloren. Die Verwendung von Nockenvorrichtungen, die zur Tonerzeugung in einer Drehleier dienen, ist seit der Antike bekannt. Schon damals wurden sie beim Bau verschiedener Arten von Unterhaltungsmechanismen verwendet. Zum Beispiel gab es im antiken Griechenland Theater, die sich selbst bewegende Figuren darstellten, die Androiden genannt wurden und sich zur Begleitung von mechanisch extrahierten Geräuschen bewegten. Und der berühmte chinesische Philosoph Konfuzius, der im 6. Jahrhundert v. Chr. lebte, hörte eine ganze Woche lang ohne Unterbrechung den Klang von Melodien, die aus einem Gerät namens "Tigerrippen" extrahiert wurden und aus Platten bestanden, die Geräusche machen verschiedene Höhen. Vielleicht war dieses Musikwerk der Vorläufer der Drehorgel. Und sogar die pneumatische Orgel, die im 3. Jahrhundert v. Chr. von dem berühmten antiken griechischen Erfinder Ktesibius erfunden wurde, war indirekt mit dem Aussehen der Drehorgel verbunden.

Während der Renaissance wurden die Mechanismen zur Schallgewinnung immer besser, und zur Freude des Adels wurden bereits mechanische Musikinstrumente geschaffen, die Melodien wiedergaben: Drehorgel, Spieldosen und Schnupftabakdosen.

Das erste Instrument, das überlebte und zu uns kam, war eine primitive Kopie, die im 17. Jahrhundert in Frankreich hergestellt wurde. Sie konnte nur eine Melodie spielen und diente dem Unterrichten von Singvögeln, weshalb sie „Vogelorgel“ genannt wurde. Die Drehleier wurde schnell von Wanderkünstlern angenommen, weil es möglich war, Melodien darauf zu spielen, ohne auch nur eine einzige Note zu kennen, man musste nur den Griff des Instruments drehen. So ließen beispielsweise die Einwohner von Savoyen, einer Region im Südosten Frankreichs am Fuße der Alpen, in Zeiten der Hungersnot ihre Kinder alleine gehen, um ihren Lebensunterhalt zu verdienen. Durchreisende Kinder große Städte, zu den Klängen einer Drehleier unter Beteiligung ihres vierbeinigen Haustieres - Murmeltiere - arrangierten verschiedene Straßenaufführungen. Unter dem Eindruck einer dieser Aufführungen erschien das weltberühmte Lied "Murmeltier" auf den Versen des berühmten deutschen Dichters I.V. Goethe und Musik LV Beethoven.

Das bei den Menschen sehr beliebte Instrument hat sich ständig weiterentwickelt. Meister aus verschiedene Länder hat es ständig verbessert. Der Italiener D. Barbieri, der Franzose J. Wacanson und der Schweizer A. Favre sind Mechaniker und Erfinder, die das Design der Drehorgel maßgeblich verändert haben. Das Instrument wurde zu einer kleinen mechanischen Orgel ohne Tastatur - eine Kiste, in der Schallröhren, Fell und eine Walze mit kleinen Vorsprüngen - Haarnadeln in Reihen angeordnet waren. Auf der Drehorgel war es bereits möglich, nicht wie früher eine Melodie zu spielen, sondern sechs oder acht oder sogar mehr, da die Walze unabhängig voneinander entfernt werden konnte, wodurch sich das Repertoire des Instruments änderte. Der Anwendungsbereich der Drehleier hat sich erheblich erweitert. Zum Beispiel im Englische Kirchen es wurde zum Stimmen von Hymnen und Psalmen verwendet.

In Russland tauchte das Instrument Ende des 18. Jahrhunderts aus Polen auf und wurde in kurzer Zeit von Wandermusikern sowie Künstlern des großen Zirkus beherrscht. Die Melodie, die die Russen zum ersten Mal bei der Aufführung der Drehleier hörten, war die Melodie eines Liedes, das auf Französisch "Charmant Katarina" hieß. Es gibt eine Version, dass das Instrument in unserem Land von diesem Namen einen so ungewöhnlichen Namen erhielt - eine Drehleier, manchmal wurde es auch "Katrinka" genannt. Eine andere Variante der Herkunft des Instrumentennamens wird ebenfalls berücksichtigt. Vielleicht hieß es anfangs Shirmanka, nach dem Wort Bildschirm, da sich die Darsteller auf dem Instrument während ihrer Aufführungen oft mit Puppenspielern zusammenschlossen, die während der Aufführungen hinter der Leinwand arbeiteten.

Dank Leierkastenmännern wuchs die Popularität des Instruments in Russland sehr schnell. Um ihren Lebensunterhalt zu verdienen, gingen wandernde Musikanten, manchmal begleitet von Waisenkindern, mit erbärmlichen Stimmen singend durch die Höfe der Häuser. Drehorgelspieler in ihren Darbietungen beteiligten auch kleine Affen, die zu den Klängen der Drehorgel Gesichter schnitten, taumelten und sogar tanzten, sowie große Papageien. Die Vögel zogen gefaltete Papiere aus der Schachtel, auf denen Vorhersagen über die Zukunft geschrieben standen.

Die stark nachgefragte Drehleier wurde ständig modifiziert. An der Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert wurden verschiedene Arten von Instrumenten geschaffen. Rollen wurden durch perforierte Bänder ersetzt , die jeweils einem bestimmten Ton entsprachen. Dadurch wurden die Möglichkeiten des Instruments erheblich erweitert und es konnten nicht nur populäre Lieder und Tänze, sondern sogar Ausschnitte aus Opern aufgenommen werden. Solche Instrumente werden Aristons genannt. Bereits in dieser Form existierten die Drehleier bis in die 30er Jahre des letzten Jahrhunderts, und nach dem Erscheinen fortschrittlicherer Mittel zur Wiedergabe von Tönen: Grammophone, Grammophone, elektrische Spieler, Tonbandgeräte, wurden sie vollständig verdrängt und gehörten der Vergangenheit an Vergangenheit.

Heutzutage ist die Drehleier ein Kuriosum, das man öfter im Museum sieht als auf der Straße hört. Die Einwohner von Paris, Wien, Berlin, Amsterdam und einigen anderen Städten der Welt erinnern sich zwar noch an sie, denn dort kann man noch allein spielende Drehorgelspieler treffen. Und Hommage an die Drehleier, die den Test der Zeit bestanden hat, verschiedene Feiertage und Feste mit der Teilnahme von altes Instrument, heute stark verbessert.

Video: Drehorgel anhören

MUSIKINSTRUMENTE UND SPIELZEUG

Leierkasten

Dimitri Schostakowitsch. Leierkasten;
Peter Iljitsch Tschaikowsky. Der Drehorgelspieler singt.

1. Lektion

Software-Inhalt. Kindern beizubringen, die Natur der Musik zu bestimmen (fröhlich, verspielt, schelmisch), ihre Bildlichkeit zu unterscheiden (Nachahmung der Klänge einer Drehleier).

Unterrichtsfortschritt:

Erzieher: Kinder, Sie kennen das Werk von Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch bereits ein wenig. Denken Sie daran, welches Werk von D. Schostakowitsch Sie gehört haben (spielt ein Fragment).

Kinder. "Marsch".

Erzieher: Was ist die Natur dieses Marsches? (Führt ein Theaterstück auf.)

Kinder. Verspielt, lustig, schelmisch.

Erzieher: Warum haben Sie den Charakter dieser Musik so definiert?

Kinder. Der Marsch klingt ruckartig, hoch, leise, mit Akzenten, als würden Spielzeugsoldaten gehen.

Erzieher: Heute hören Sie ein weiteres Stück von D. Schostakowitsch - "Die Drehorgel". Wer weiß, was eine Drehorgel ist?

Kinder. Das ist ein Musikinstrument.

Erzieher: Richtig, das ist ein altes mechanisches Musikinstrument, das Melodien spielt, wenn der Leierkastenmann an der Kurbel dreht. Sie kann eine oder mehrere Melodien viele Male wiederholen. Oft sind die Drehleiermelodien klagend, traurig. Drehorgelspieler waren arme Leute. Sie verdienten ihren Lebensunterhalt damit, durch die Höfe und Straßen zu streifen und unermüdlich an der Kurbel ihrer Drehorgel zu drehen. Ihre klagenden Laute gingen umher, und die Leute warfen Kleingeld von den Fenstern auf den Leierkastenmann. Sie alle kennen das Märchen von A. Tolstois "Der goldene Schlüssel ..." Papa Carlo, der Pinocchio aus einem Baumstamm machte, war ein Drehorgelspieler. Sie haben auch Drehorgelspieler in Filmen gesehen. Wer sich nicht erinnert, wie sie aussieht, schaut sich ihr Bild an (zeigt ein Bild). Aber es gab auch Drehleier, die fröhliche, amüsante Melodien spielten. Hören Sie D. Schostakowitschs Stück "Bar-Orgel" und sagen Sie, welche Melodie sie spielt (spielt das Stück).

Kinder. Fröhlich, verspielt, frech, lustig.

Erzieher Richtig, die Musik ist sorglos, verspielt, tanzend. Sie ähnelt einem fröhlichen, schelmischen Liedchen. Wie hat D. Schostakowitsch die Drehleier in diesem Stück dargestellt? Wiederholt es etwas? (Führt eine separate Begleitung durch.)

Kinder. Ja, die gleichen Geräusche werden wiederholt.

Erzieher Die Begleitung im Stück klingt von Anfang bis Ende unverändert (spielt ein Begleitfragment). Das vermittelt die Monotonie, den mechanischen Klang dieses Instruments. Hören Sie sich das Stück noch einmal an (führt es auf).

2. Lektion

Inhalt des Programms. Unterscheide die Form eines musikalischen Werkes, die Art der einzelnen Teile, bestimme die musikalischen Ausdrucksmittel, die ein Bild erzeugen (Dynamik, Tonlage, Akzente, Artikulation), die Art des Tanzes (eine klare, ruckartige Polka).

Unterrichtsfortschritt:

Erzieherin: Kinder, jetzt spiele ich euch einen Ausschnitt aus dem Stück vor, das ihr schon gehört habt. Merken Sie sich seinen Namen und Autor (spielt ein Fragment).

Kinder. Drehorgel von D. Schostakowitsch.

P e d a g o g. Was ist das Wesen der Musik? (Führt ein Theaterstück auf.)

Kinder. Fröhlich, verspielt, verspielt, schelmisch, tanzend.

P ed a g o r. Und was für einen Tanz spielt die Drehorgel?

Kinder. Polka.

P e da go o g. Das stimmt. Warum haben Sie festgestellt, dass dies eine Polka ist?

Kinder. Die Musik ist schnell, ruckelig, hüpfend, fröhlich.

P e da go o g. Das stimmt. Der Rhythmus ist klar und tanzbar. Die Melodie baut auf dem Wechsel von glatten, gleitenden und ruckartigen, scharfen Klängen auf. Es gibt viele humorvolle Akzente in der Musik, die unerwartet, provokativ klingen. Ich spiele den Anfang des Stücks, und Sie markieren die Akzente mit Klatschen (führt das erste Halten des Themas durch, die Kinder führen die Aufgabe aus). Wie klingt die Melodie beim zweiten Mal? (Führt die erste Variation vor - Takte 11-18.)

Kinder. Leise, abrupt, leicht.

Erzieher: Stimmt, die Melodie klingt leicht, einschmeichelnd, wird aber von verschmitzten, großspurigen Akzenten unterbrochen (führt ein Fragment vor). Markieren Sie sie mit Klatschen (wird wiederholt ausgeführt, die Kinder erledigen die Aufgabe). Die Melodie ändert sich weiter und die Begleitung wiederholt sich die ganze Zeit (spielt das Stück bis zum Ende). Die ersten beiden Male klang die Melodie anders – zunächst recht laut, fröhlich, provozierend, dann leise, zaghaft, aber immer noch mit verspielten, scharfen Akzenten. Wie klingt die Melodie als nächstes? (Spielt die zweite Hälfte des Stückes ab Takt 19.)

Kinder. Erst sanft, hoch, leise, melodiös, dann laut, fröhlich, laut.

Erzieher Am Anfang und am Ende klingt die Melodie hell (führt die erste und letzter Halt Themen), und in der Mitte ist es zweimal ruhig, aber auf unterschiedliche Weise. Hören Sie den Charakter des Themas zum zweiten und dritten Mal (führt diese Variationen auf).

Kinder. Das zweite Mal - ruckartig, leicht, munter und das dritte Mal - glatt, sanft.

Erzieher: Hören Sie gut zu. Trotz der Tatsache, dass das letzte Mal die melodie klang glatt, sanft, sie verlor dennoch nicht ihren verspielten, munteren, schelmischen ton. Jedes Mal beginnt es liebevoll und endet mit einem kurzen, abrupten Ton (spielt Takte 19-26). Hören Sie sich das Stück noch einmal an (führt es auf).

3. Lektion

Inhalt des Programms. Um die Fähigkeit der Kinder zu festigen, zwischen Einleitung und Schluss zu unterscheiden, werden Teile des Stücks aufgrund der Veränderung in der Art der Musik. Bestimmen Sie die Klangfarben von Musikinstrumenten, die der Klangnatur der Teile des Stücks entsprechen. Spielen Sie diese Instrumente und betonen Sie die rhythmische und klangliche Originalität der Musik.

Unterrichtsfortschritt:

Erzieher Kinder, versuchen Sie herauszufinden, was ich für Sie spiele (führt den Schluss auf).

Kinder. Das ist die Drehorgel von D. Schostakowitsch. Das Ende des Stücks.

Lehrer Sagen Sie mir, ob das Stück eine Einleitung und einen Schluss hat (führt es vollständig auf).

Kinder. Essen.

Erzieher Wie klingt die Einleitung? (Führt es aus.)

Kinder. Wiederholte Klänge einer Drehleier sind zu hören.

Erzieher Und die Schlussfolgerung? (Führt es aus.)

Kinder. Zuerst sanft, leise und dann laut, fröhlich.

Erzieherin: Und am Ende des Stücks klingt die Musik verspielt, amüsant. Es beginnt liebevoll, verschmitzt und wird plötzlich von einem lauten Akkord unterbrochen, der das Stück beendet. Der Schluss ähnelt dem sanften Durchgang einer Melodie, die in hoher Lage erklingt (ein Fragment vorführt). Wir sagten, dass die Melodie im Stück auf verschiedene Weise wiederholt wird. Es variiert. Wie klingt es beim ersten und letzten Mal? (Führt Auszüge vor.)

Kinder. Laut, inbrünstig, mit Akzenten.

Erzieher: Wir haben Akzente mit Klatschen markiert, und heute benutzen wir dafür ein Tamburin. Es wird die Akzente betonen und dem Klang Klangfülle verleihen. Lassen Sie uns die Akzente in der Musik zuerst mit Klatschen und dann mit Tamburinen markieren (führt den ersten Teil aus, die Kinder erledigen die Aufgabe). Vergleichen Sie nun diesen Teil des Stücks mit dem letzten (vierten). Hat es so viele Akzente wie das erste oder nicht? (Führt Auszüge vor.)

Kinder. Nein.

Erzieher Wie viele Akzente hat diese Melodie? (Führt den vierten Teil vor.)

Kinder. Zwei.

Erzieher Lasst uns sie mit Klatschen feiern (führt eine Variation vor, die Kinder erledigen die Aufgabe). Und jetzt schlagen wir das Tamburin während der Akzente (zweimal); Dies verleiht der Musik Klangfülle und Helligkeit. Lasst uns diesen Teil zusammen singen (spielt ihn mit den Kindern). Und jetzt überlegen wir uns, welche Instrumente in der zweiten und dritten Aufführung der Melodie verwendet werden können (führt sie auf). Wie klingt die Musik?

Kinder. Leise, sanft. Im zweiten Teil abrupt, im dritten sanft.

Erzieher Die Musik im zweiten Teil klingt leise, transparent, leicht. Sie können sanfte Glocken verwenden, und die Akzente betonen immer noch die Tamburine. Markieren Sie die Akzente in diesem Teil des Stücks mit Klatschen (führt das zweite Halten des Themas aus, die Kinder erledigen die Aufgabe). Jetzt spielen wir diese Rolle sowohl auf Glocken als auch auf Tamburinen (spielt sie noch einmal mit den Kindern). Und im sanften Teil, wenn die Musik sehr hoch klingt, welches Instrument kann verwendet werden? (Legt ein Fragment vor.)

Kinder. Dreieck.

P e da go o g. Das stimmt. In diesem Teil gibt es keine Akzente, und das Dreieck betont den hohen, sonoren Klang der Musik. Lasst uns das ganze Stück aufführen (teilt die Kinder in Gruppen auf, verteilt Musikinstrumente, führt das Stück mit ihnen auf).

4. Lektion

Inhalt des Programms. Stärken Sie die Fähigkeit von Kindern, Musik zu orchestrieren. Unterscheiden Sie den emotional-figurativen Inhalt von Stücken mit demselben Namen.

Unterrichtsfortschritt:

Erzieher: Kinder, lasst uns heute selbstbewusster, ausdrucksvoller D. Schostakowitschs Stück "Bar-Orgel" spielen. Die Akzente in der Musik markieren die Tamburine. Der sanfte, transparente und ruckartige Klang der Melodie wird durch die Glocken vermittelt, der sanfte durch die Triangel. Welche Tools können abschließend verwendet werden? (Schnipsel wird abgespielt.)

Kinder. Dreieck und am Ende des Tamburins.

P e da go o g. Das stimmt. Wenn die Melodie sanft und weich klingt, wird ein Dreieck gespielt. Und für den Schlussakkord - alle Instrumente machen Spaß, provozierend (führt den Schluss mit den Kindern auf). Und jetzt werden wir das ganze Stück aufführen (spielen). Was haben wir für feurige, schelmische Musik herausgebracht, wie fröhlich spielt die Drehorgel!

Und jetzt werde ich Ihnen ein anderes Stück mit einem ähnlichen Titel vorführen, "Der Leierkastenmann singt". Es wurde von dem großen russischen Komponisten Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky geschrieben. Hören Sie sich das Stück an und sagen Sie, welche Gefühle, Stimmungen die Musik vermittelt (spielt es auf).

Kinder. Die Musik ist traurig, traurig.

Erzieher: Stimmt, diese Drehleier spielt eine traurige, wohlklingende, traurige Melodie, im Gegensatz zu dem uns bekannten Stück. Und wie wird der monotone Klang einer Drehleier in das neue Werk übertragen? Gibt es sich wiederholende Geräusche, die sie an das Spielen erinnern? (Legt den zweiten Teil vor.)

Kinder. Essen. Die Geräusche werden wiederholt.

Der Lehrer Das Stück besteht aus zwei Teilen. Ich habe den zweiten Teil für dich gespielt. Die sich wiederholenden Klänge der Drehleier sind darin besonders hörbar. Die Musik klingt traurig, traurig. Trotz der Tatsache, dass in beiden Stücken die Nachahmung der Klänge eines antiken Musikinstruments – einer Drehorgel – vermittelt wird, welch unterschiedliche Gefühle und Stimmungen werden in ihnen ausgedrückt! Hören Sie sich beide Stücke noch einmal an (spielt sie vor).

5. Lektion

Inhalt des Programms. Den Charakter von Musik in Bewegung zu vermitteln, zu bestimmen unterschiedlicher Charakter Tanzbarkeit kontrastierender Stücke (Polka, Walzer).

Unterrichtsfortschritt:

Erzieher Kinder, hört euch zwei Stücke an, die ihr kennt, und nennt sie (führt Werke auf).

Kinder. Dies sind die Drehorgel von D. Schostakowitsch und Die Leierkastenmann-Singungen von P. Tschaikowsky.

Erzieher Warum heißt das Stück von P. Tschaikowsky "Der Drehorgelspieler singt"?

Kinder. Es klingt wie ein Lied – sanft, summend.

Pädagoge: Richtig, in der Musik von P. Tschaikowsky spürt man die Liedähnlichkeit der Melodie, die Geschmeidigkeit, die Ruhe. Gibt es Tanz in dieser Musik? (Spielt den Anfang des Stückes.)

Kinder. Das ist ein Walzer.

Erzieher Richtig, die Drehleier in P. Tschaikowskys Stück spielt einen monotonen, klagenden Walzer. Und was für einen Tanz spielt die Drehleier in D. Schostakowitschs Stück? (Legt ein Fragment vor.)

Kinder. Polka.

Erzieher Im Schauspiel von D. Schostakowitsch erklingt ein schelmisches Liedchen, das zum Tanz vorgetragen werden kann – eine leichte, muntere Polka. Versuchen wir, die Andersartigkeit dieser Stücke in Bewegung zu vermitteln, indem wir tänzerische Elemente verwenden - Polka und Walzer (Kinder in Gruppen rufen, Stücke aufführen, erfolgreich gefundene Bewegungen besprechen).

Präsentation

Im Komplekt:
1. Präsentation, ppsx;
2. Musikklänge:
Tschaikowsky. Der Drehorgelspieler singt. Kinderalbum, mp3;
Schostakowitsch. Drehorgel (drei Versionen: Klavier, Sinfonieorchester, Lied), mp3;
3. Begleitartikel - Zusammenfassung der Klassen, docx;
4. Anmerkungen zum selbstständigen Vortragen durch den Lehrer, jpg.

Städtische Haushaltsanstalt

zusätzliche Ausbildung

Kinderkunstschule Nr. 8

Uljanowsk

Methodische Entwicklung

„Methodische Analyse von Theaterstücken aus

„Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky“

Hochschullehrer Qualifikationskategorie

Klavierklasse

MBU ZU DSHI Nr. 8

Chevachina Galina Alexandrowna

201 6 G.

Anmerkung

Der Beitrag präsentiert die Entstehungsgeschichte der berühmtesten und beliebtesten Komposition für Kinder in enger Beziehung zur Biographie des Komponisten. Im Hauptteil der Arbeit werden eine bildliche Beschreibung der Stücke und methodische Empfehlungen für Lehrerinnen und Lehrer bei der Bearbeitung von Werken gegeben. .

1.Einführung……………………………………………..………….………….2-4

2. Hauptteil ………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… ……………………………………………………………………………………………………………………………………… …………………………………………………………………….

3. Schlussfolgerung ………………………………………………………………………….20

4. Literatur ……………………………………………………………………….20-21

„Methodische Analyse von Theaterstücken aus

„Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky“

ICH. Einführung

musikalische Sprache sehr gut darin, Gefühle und Stimmungen zu vermitteln. Um etwas mit Hilfe von Musik zu „zeichnen“ oder etwas zu „erzählen“, greifen Komponisten auf die Hilfe der gewöhnlichen, verbalen Sprache zurück. Es kann nur ein Wort im Titel des Stücks sein.

Aber dieses Wort leitet unsere Vorstellungskraft. So vermitteln beispielsweise im Stück „Lied der Lerche“ kleine Figuren mit Triolen und Vorschlagsnoten Vogelgezwitscher.

Alle Namen und verbalen Erklärungen für Musikalische Werke ein Programm genannt. Und Musik, die ein Programm hat, heißt Programmmusik. Alle Werke der Sammlung „Kinderalbum“ sind programmatisch.

Die erste herausragende Sammlung von Musik für Kinder in der russischen Klavierliteratur war das „Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky. Das Erscheinen dieser Sammlung ist kein zufälliges Phänomen in kreative Biographie Komponist. Tschaikowsky widmete viel Zeit und Mühe pädagogische Tätigkeit. Neben seiner Tätigkeit am Moskauer Konservatorium schrieb er ein Lehrbuch über Harmonielehre und übersetzte mehrere Werke westeuropäischer Musiker, die für die Ausbildung russischer Studenten nützlich sein könnten.

Das „Kinderalbum“ ist nicht nur von großem künstlerischen Wert, sondern auch äußerst nützlich für die Ausbildung von Schülern.

Als Tschaikowsky nach einer Auslandsreise im Frühjahr 1878 nach Russland zurückkehrte, besuchte er das Dorf. Kamenka seine Schwester Alexandra Ilyinichna Davydova, die 7 Kinder hatte. Pjotr ​​Iljitsch verehrte seine Neffen und Nichten, er ging mit ihnen spazieren, arrangierte Feuerwerke, musikalische Darbietungen, Tanzabende, nahm an Spielen teil, genoss die Spontaneität von Kindern.

Tschaikowsky hörte oft den Jungs zu, die Musik machten, insbesondere dem 7-jährigen Volodya Davydov. Er schrieb N. F. mit großer Wärme über seinen Neffen. von Meck: "Seiner unnachahmlich reizvollen Figur zuliebe, wenn er spielt, auf die Noten schaut und überlegt, kann man ganze Symphonien widmen."

Diesem Wolodja Dawydow widmete P. I. Tschaikowsky sein „Kinderalbum“, das die Musikliteratur für Kinder bereicherte Klavierstücke„Kinderalbum“, op. 89 wurde im Mai 1878 von P. I. Tschaikowsky geschrieben und im Oktober desselben Jahres von P. Jurgenson veröffentlicht. Auf dem Titelblatt der Erstausgabe der vollständige Name des Zyklus: „Kinderalbum. Sammlung von Lichtspielen für Kinder (Schumann-Nachahmung). Komposition von P. Tschaikowsky.

Allerdings kann man den Zusammenhang des "Kinderalbums"

PI. Tschaikowsky mit einem ähnlichen Werk von R. Schumann "Album for Youth". Dies drückt sich nicht nur in der Wahl der Handlungen aus ("Marsch der Soldaten" - und "Marsch der Holzsoldaten", "Erster Verlust" - "Puppenbegräbnis", "Volkslied" - "Russisches Lied" usw.), sondern auch auch in der Wahl der Mittel der musikalischen Inkarnation. Beide Komponisten sprechen Kinder überraschend klar und einfach und zugleich ernsthaft an, ohne jegliche „Anpassung“. Kollektionen bestechen durch ihre Lyrik. Wie Schumann bereichert Tschaikowsky in den meisten seiner Stücke das musikalische Gefüge mit Elementen der Polyphonie. Aber auch in diesen Werken für Kinder weichen die Komponisten nicht von den Grundprinzipien ihres Klavierstils ab. Daher wird Tschaikowskys "Kinderalbum" als russische Musik wahrgenommen, als eine Reihe von Bildern, die dem Leben und Leben russischer Kinder gewidmet sind. Pjotr ​​Iljitsch strebte danach, dass seine Musik lebendig und spannend war, deshalb zeigte er Interesse sogar an der äußeren Gestaltung der Theaterausgabe – in Bildern, im Format der Sammlung.

Schumanns Einfluss auf Tschaikowskys Klavierstil zeigt sich in der Ähnlichkeit von Textur, Rhythmus und Dynamik. Im "Album für die Jugend" und im "Kinderalbum" sind die Stücke intonatorisch einprägsam, dem Kind zugänglich, im Charakter gegensätzlich, aber durch eine Idee verbunden. Jedes Stück ist eine kleine Geschichte aus dem Leben der Kinder. Aneinandergereiht spiegeln sie die ganze Welt wider. Der programmatische Charakter der Sammlungen macht sie für angehende Pianisten verständlich und interessant. Mit außerordentlicher Sensibilität und subtilem Verständnis für die Kinderpsychologie reflektierte der Komponist im „Kinderalbum“ das Leben und Leben der Kinder der ihn tagtäglich umgebenden Umwelt.

Das „Kinderalbum“ von P. I. Tschaikowsky enthält 24 Theaterstücke, die nicht durch ein einziges Thema verbunden sind. Jedes Stück enthält eine bestimmte Handlung, einen lebendigen poetischen Inhalt. Die Sammlung umfasst eine breite Palette von Bildern. Dies sind Naturbilder - "Wintermorgen", "Lied der Lerche", Kinderspiele - "Spiel der Pferde", "Puppenkrankheit", "Puppenbegräbnis", "Neue Puppe", "Marsch der Zinnsoldaten". Charaktere russischer Volksmärchen werden skizziert - "Nanny's Tale", "Baba Yaga", Russisch Volkskunst- "Russisches Lied", "Ein Mann spielt Mundharmonika", "Kamarinskaya", Lieder anderer Nationen - "Altfranzösisches Lied", "Italienisches Lied", "Deutsches Lied", "Neapolitanisches Lied", Europäische Tänze - "Walzer" , „ Mazurka, Polka.

Die Werke der Sammlung sind für Kinder geschrieben, daher berücksichtigen Textur, Fingersatz, Harmonik, Artikulation, Dynamik und Pedalisierung die Leistungsfähigkeit des Kindes. Tschaikowsky schrieb 19 von 24 Stücken in Dur, die Akkorde sind für Kinderhände bestimmt, die Dynamik geht von pp bis f. Die meisten Stücke sind in einfacher zweiteiliger oder dreiteiliger Form geschrieben.

Zweck des Schreibens der Arbeit:

Die Analyse der Programmwerke russischer Komponisten für Kinder am Beispiel von P.I. Tschaikowsky.

Arbeitsaufgaben:

die Relevanz des Erscheinungsbildes der Sammlung analysieren;

enthüllen die figurativen Merkmale der Stücke des Albums;

II. Hauptteil

"Morgenreflexion"

In der Erstausgabe hieß das Stück "Morgengebet", es ähnelt einer Sarabande - einer strengen Vierstimmigkeit, einer rhythmischen Figur - einem Viertel mit einem Punkt - einer Achtel.

Eine helle und ernste Stimmung warnt sozusagen davor, dass die Geschichte über Kinder einen ernsten Ton annehmen wird. Das Stück ist in der Tonart G-Dur geschrieben. Der Charakter ist ruhig, nachdenklich, die Textur mit Elementen der Polyphonie, die Form einer ausgedehnten Periode mit einem großen Zusatz auf der tonischen Orgelspitze.

Artikulation und Dynamik sollen die Ausdruckskraft des Stückes betonen. Es ist wichtig, in allen Stimmen einen weichen, wohlklingenden Legato-Klang zu erzielen.

Besondere Arbeit sollte am tonischen Orgelpunkt geleistet werden.

"Wintermorgen"

Das Stück fängt ein Bild eines verschneiten, frostigen Wintermorgens ein und vermittelt gleichzeitig die psychische Stimmung des Kindes. Das Werk beginnt in einem fröhlichen D-Dur, das bald in ein paralleles Moll moduliert, als ob die Freude von bewölktem Wetter überschattet würde.

Das Stück ist in einer einfachen 3-teiligen Form geschrieben. Den aufgeregten, durchsetzungsfähigen Extrempartien steht die Mitte gegenüber, in der flehende, klagende Intonationen auftauchen.

Zu Beginn des Stücks erzeugt eine Abfolge von schnell fallenden Sekunden ein Gefühl von Lebendigkeit, der Hektik eines gerade begonnenen Tages. Und in der Mitte erwecken die rhythmische Umgruppierung, der Ton des Intervalls einer erhöhten Sekunde und der Wechsel der Bewegungsrichtung nach oben in die nach unten den Eindruck einer klagenden Intonation eines Kindes. In der Reprise scheinen sich aktive und bittende Intonationen zu verbinden.

Die Textur des Stückes ist akkordisch. Das Pedal im ersten Teil des Stücks ist gerade, kurz: Es wird beim ersten Schlag und in der Mitte genommen - beim ersten Schlag jedes zweiten Takts.

"Mama"

Der Titel selbst enthält die Bedeutung des Werkes, die durch die Bemerkung des Autors - "Mit viel Gefühl und Zärtlichkeit" - unterstrichen wird. Eine liebevolle, sanfte, leichte Melodie singt, und die gesamte Textur singt mit einer „melodisierten“ tieferen Stimme. Bei der Arbeit an einer Melodie ist es notwendig, einen schönen, tiefen Kantilenenklang zu erzielen (es ist besser, ihn mit der Kuppe eines leicht ausgestreckten Fingers mit einer leichten einheitlichen Bewegung des Pinsels für alle drei Noten zu extrahieren).

Mitten im Stück zieht eine „Schattenwolke“ auf, melodische Echos tauchen auf. Es ist wichtig, die melodische Basslinie gut zu hören. Es muss separat und legato unterrichtet werden.

"Pferdespiel"

Dieses flotte, malerische, sonnige Scherzo ist aufreizend knabenhaft, mit einem eigensinnigen Ostinato-Rhythmus. Dies ist das Tempo einer kleinen Toccata, die sich durch ein schnelles Thema und eine leichte Ausführung auszeichnet. Der Schüler kann sich vorstellen Schauspieler Reiten auf einem Stock oder einem Spielzeugpferd. Das ganze Stück soll sehr deutlich und scharf klingen.

Das Stück ist in einer einfachen dreiteiligen Form in Form einer Toccata mit dem gleichen rhythmischen Puls geschrieben, der das Klappern der Hufe eines galoppierenden Pferdes imitiert. Das Stück steht im Einklang mit R. Schumanns Miniatur "Der kühne Reiter".

Das Stück ist von Anfang bis Ende in einer vierstimmigen Quartett-Akkordstruktur geschrieben. Dem Schüler muss geholfen werden, die Klangharmonie der Akkorde zu erreichen. Daher ist es notwendig, beim Staccato in einem langsamen Tempo zu arbeiten: Staccato wird mit kleinsten Bewegungen des Pinsels mit aufeinander abgestimmten Fingerspitzen ausgeführt. Der Lehrer muss dafür sorgen, dass der Schüler keine unnötigen Bewegungen macht und bei wiederholten Noten eine doppelte Probe des Klaviers verwendet.

Es ist sinnvoll, Melodie und Begleitung separat zu lernen, Sie können auch den Part der rechten Hand in langsamem Tempo erarbeiten, indem Sie ihn mit beiden Händen spielen.

Wenn die Klangfülle erhöht wird, „verbindet“ sich die Hand mit den Fingern und dann mit dem Unterarm. Wenn Sie zu einem schnellen Tempo übergehen, müssen Sie pianistische Techniken beibehalten.

Im Mittelteil des Stücks (ab Takt 25) ist ein Moduswechsel deutlich zu spüren (zunächst in h-Moll, dann wiederholt sich alles in e-Moll). In der Akkordtextur erscheinen Echos. Nach einem laufenden Schatten klingt D-Dur in der Reprise besonders leicht und durchsetzungsfähig.

"Marsch der Holzsoldaten"

Dieses Stück ist ein lustiger Marsch, zu den Klängen eines „Spielzeug“-Orchesters mit Flöten und einer Trommel scheint eine Spielzeugarmee aus Holzsoldaten einen Schritt zu prägen. Daher sind die Hauptschwierigkeiten in diesem Stück rhythmisch. Das ganze Stück muss extrem klar, gleichmäßig, streng, rein gespielt werden Mäßiges Tempo. Erstens ist es wichtig, das Stück in einem langsamen Tempo mit kräftigen Fingern zu unterrichten. Es ist wichtig, vom Schüler das gleichzeitige Entfernen der Hände in den Pausen, die exakte Ausführung des rhythmischen Musters und die Beachtung des Fingersatzes zu erreichen.

Das Stück ist in einer einfachen dreisätzigen Form geschrieben. Die Mitte des Stücks klingt geheimnisvoll und sogar ein wenig bedrohlich, dank des Moduswechsels (a-Moll) und der Verwendung neapolitanischer Harmonien.

"Puppenkrankheit"

Tschaikowsky schrieb einen Zyklus über Puppen, darunter: „Die Krankheit der Puppe“, „Das Begräbnis der Puppe“, „Die neue Puppe“.

Wie viel P. I. Tschaikowsky hat eine lebhafte Beobachtung, gezielte Skizzen einer kapriziösen kindlichen Psyche mit charakteristischen Übergängen von Traurigkeit zu Freude, von Tränen zu Lachen und Spaß.

"The Doll's Illness" ist ein trauriges Stück: Die Puppe ist krank, leidet, stöhnt, klagt. Es ist notwendig, mit dem Schüler an einer melodischen Melodie, einem ausdrucksstarken Bass und aufeinander folgenden Harmonien zu arbeiten. Sie können die Melodie separat lernen, ohne Pausen in einem beweglicheren Tempo, um ihre Entwicklung besser zu spüren. Vertikale Harmonien müssen zu einem Akkord zusammengesetzt werden, damit sie leichter zu hören sind.

Bei diesem Stück ist es gut, dem Kind das verzögerte Pedal beizubringen. Nehmen Sie es mit einem Punkt im Teil der linken Hand auf ein Viertel und hören Sie es zusammen mit der melodischen Note bis zum Ende des Takts an und entfernen Sie es dann sanft. Und so in jedem nächsten Zyklus.

In der Musik hört man Seufzer, Tränen und unruhiges Atmen.

7. "Beerdigungspuppe"

Erste Verluste kleiner Mann, ernste Erfahrungen, die Begegnung mit dem Tod stehen im Einklang mit R. Schumanns Stück "Der erste Verlust".

In einem feierlichen Trauerzug erklingt ein düsteres c-Moll, ein Trauermarsch. Mit Dynamik schildert der Komponist entweder die Annäherung des Trauerzuges oder die Entfernung. Rhythmische Figur: Halb, Achtel mit Punkt, Sechzehntel und wieder Halb - charakteristisch für den Trauermarsch.

Die düstere Natur der Musik wird durch schwere Akkorde und Intervalle in der Begleitung betont.

Dem Kind muss erklärt werden, dass in diesem Stück die Beerdigung eine Marionette ist und es behandelt werden muss, Spielanleitung.

"Walzer"

Walzer ist Paartanz, es basiert auf glattem Wirbeln. Walzer ist eines der Lieblingsgenres von P. I. Tschaikowsky. Dieser Walzer hat im ersten Teil Züge von Ballsaal und lyrischer Stimmung und wird im zweiten Teil charakteristisch brillant. Und Sie können sich den ersten Teil als „Kinderlächeln“ und den zweiten Teil als „Schluchzen“ vorstellen. Schließlich können nur Kinder gleichzeitig lächeln und schluchzen.

Dieses Stück ist in einer komplexen dreiteiligen Form geschrieben. Neben dem Walzer selbst enthält es Abschnitte mit Elementen eines charakteristischen Tanzes (im Mittelteil). Um die Merkmale der Arbeit aufzudecken, müssen Sie sich bildliche Vergleiche einfallen lassen. Stellen Sie sich zum Beispiel vor Silvesterfeier und Kinder, die neben dem Weihnachtsbaum tanzen. Ein fröhlicher Tanz folgt dem anderen. Der glatte, anmutige Walzer wird durch den Tanz einer kleinen Ballerina ersetzt, die komplizierte Schritte ausführt (Takte 18-38), der durch einen unbeholfenen und lustigen Tanz von Mumien ersetzt wird (Takte 38-52).

Es ist besser, mit der Arbeit an einem Walzer mit Begleitung zu beginnen - legato, mit einer leicht merklichen Abhängigkeit vom Bass.

Wenn Sie an einer Melodie arbeiten, müssen Sie Melodiösität und Plastizität erreichen und auf Synkopen in 2-4 Takten achten.

Im Mittelteil müssen Sie dem Schüler helfen, die Polymetrie zu spüren – eine Kombination aus einer dreistimmigen Walzerbegleitung mit einem zweistimmigen Teil der rechten Hand, um die Zweistimmigkeit zu spüren.

Die Pedalisierung hilft, die Tanzbarkeit zu identifizieren: ein verzögertes Basspedal mit Akkorden verbinden.

"Neue Puppe"

Dies ist eine subtile psychologische Skizze - die Freude eines Mädchens über ein wunderbares Geschenk - eine neue Puppe.

Das Stück basiert auf dem Walzer-Genre. Die Leichtigkeit der flexiblen intermittierenden Bewegung der Melodie schafft eine Atmosphäre kindlicher Fröhlichkeit.

Das Gefühl einer „fliegenden“ Melodie zum „G“-Ton des sechsten Taktes ermöglicht es, die gesamte erste Formation „in einem Atemzug“ zu spielen.

Der Schüler sollte erklären, dass die Ligen im Mittelteil nicht phrasiert, sondern gestrichelt sind, sie spiegeln Aufregung und Ungeduld wider.

Nehmen Sie das Pedal kurz, auf Kosten von "mal".

"Mazurka"

Polnischer Name Volkstanz"Mazurka" kommt von "mazur" - dem Namen der Einwohner von Masowien. Die Mazurka zeichnet sich durch einen dreiteiligen Takt und Rhythmus aus, wobei die Betonung häufig auf den zweiten und dritten Taktschlag verlagert wird.

Ein deutlicher, präziser Anschlag der Fingerspitzen auf der Klaviertastatur, ein langsames Tempo, ein klares Hören der Harmonien, bequeme Fingersätze, eine Pedalisierung, die hilft, entweder einen starken Takt oder eine Synkopierung zu markieren - das hilft dem Schüler, die Mazurka zu lernen der richtige Charakter.

"Russisches Lied"

„Russian Song“ baut auf einer echten Volksmelodie „You’re Head, My Little Head“ auf, die der Komponist in seine Sammlung „50 Russian Folk Songs for Piano in 4 Hands“ aufgenommen hat.

Bei gleicher Melodie variiert die Musik aufgrund der bewegenden Bässe und Untertöne.

Wenn Sie an einem Theaterstück arbeiten, müssen Sie sicherstellen, dass der Schüler eine Kombination von Stimmen hört. Zu diesem Zweck muss Zweistimmigkeit in einer Hand mit zwei Händen unterrichtet werden.

Der Mann spielt die Mundharmonika

Das Spiel ist sehr fantasievoll. Das Bild eines Mannes auf einem Hügel, der versucht, Mundharmonika spielen zu lernen. Wie widerwillig, gemächlich, mit Faulheit züchtet der Bauer Mundharmonikapelze - er weiß offenbar nur dieses eine Motiv zu spielen und wiederholt es endlos. Hier gibt es keine Entwicklung.

In der Form ist es ein Thema der Variationen. Die Miniatur endet mit einer wiederholten Wiederholung ihrer Hauptharmonie – dem Dominant-Septakkord, der als tonale Grundlage dient. Trotz seiner Schlichtheit klingt das Stück frisch und malerisch.

13. Kamarinskaja

Dieses Stück hat die größte Popularität erlangt. Tschaikowsky verwendet darin die natürliche Alltagsstimmung des Tanzes.

„Kamarinskaya ist in D-Dur geschrieben, das ist der Ton des Helden des Zyklus, das Ergebnis der Entwicklung des Helden, seiner Formation als russische Person.

In „Kamarinskaja“ ist ein Volkslied zu hören – ein Tanz mit gewagtem, keckem Charakter.

"Kamarinskaya" ahmt volkstümliche Variationsmethoden nach. Auf das Thema (12 Takte) des Parts der linken Hand erinnern der summende D-Bass-Sound und die Oberstimme an den Sound Volksinstrument Dudelsäcke, auf denen Sie gleichzeitig eine Melodie und einen sich ausdehnenden Bass spielen können. Die Oberstimme klingt wie eine Balalaika. Staccato sollte sehr kurz gespielt werden, mit einer "Prise".

Der Höhepunkt des Stücks liegt in der zweiten Variation. Massive Akkorde in zwei Oktaven klingen dick und satt. Um die gewünschte Klangfülle zu erreichen, müssen sie mit der ganzen Hand, mit einer Bewegung „von der Tonart“ entfernt werden. Diese Variation der Klangfülle ähnelt einer Mundharmonika.

Das Pedal ist gerade, kurz, für jeden Akkord.

14. "Polka"

Polka ist ein anmutiger und fröhlicher Tanz mit frechem Humor in den Extrempartien und mit einem Hauch von komischer Kantigkeit und Ungeschicklichkeit in der Mitte. Bei der Polka muss ein leichter, eleganter Klang erzielt werden. Es ist notwendig, an der Begleitung zu arbeiten und ein leichtes Staccato mit kleinen „Stichen“ von Bassnoten zu erzielen. Es ist besser, Staccato mit einem kleinen Druck „von der Taste“ auszuführen.

15. "Italienisches Lied"

Geschrieben in der Tonart D-Dur. Es entstand als Haushaltsskizze auf Auslandsreisen. In einem Brief aus Florenz schrieb der Komponist, dass er einmal mit seinem Bruder einen zehnjährigen Jungen ein tragisches Lied mit einer Gitarre singen hörte. Er sang mit einer wunderschönen, dicken Stimme mit einer solchen Wärme, dass er Pjotr ​​Iljitschs Herz berührte. Und dieses Lied wurde in die Sammlung namens "Italian Song" aufgenommen.

Das Stück ist in einer einfachen zweiteiligen Form geschrieben. Die leichte Melodie fließt ruhig und ohne Eile.

Wenn man dieses Stück mit einem Schüler lernt, sollte man sich auf die Walzer-Natur des musikalischen Bildes konzentrieren. Es ist notwendig, die Melodie (bewegend, anmutig im ersten Teil und die Kantilene im zweiten) und die Begleitung (leicht, Walzer, mit einer leicht merklichen Betonung des Basses) getrennt zu bearbeiten.

Im zweiten Teil wird die Struktur komplizierter: Melodie und Begleitung werden auf die rechte Hand übertragen, und in der linken erscheint eine monotone „mechanisierte“ Viertelbewegung auf dem ausgehaltenen Bass.

Es ist darauf zu achten, dass die Begleitung in der rechten Hand sehr leise klingt und die Melodie nicht übertönt.

16. "Ein altes französisches Lied"

Dies ist ein melancholischer, gefühlvoller Song, wie eine Erinnerung an eine ferne Vergangenheit.

Das Stück ist dreisätzig in g-Moll geschrieben. Die Melodie im ersten Teil soll tief und langgezogen klingen. Es gibt zwei Stimmen in der linken Hand.

Der Mittelsatz beginnt heimlich mit "Cello"-Staccato-Begleitung und erreicht dann schnell einen Höhepunkt. In der Melodie müssen Sie trotz der kurzen Ligen versuchen, ein Zerquetschen zu vermeiden. Die Begleitung wird am besten mit leichten Besenbewegungen, aber kräftigen Fingern ausgeführt. Vor der Kulmination bietet es sich an, ein kleines Ritenuto und eine Zäsur zu machen, damit danach die wunderbare Melodie der Reprise noch eindringlicher erklingt.

17. "Deutsches Lied"

"Deutsches Lied" - fröhlich, mit "hüpfender Melodie". Er basiert auf den Intonationen des Tiroler Liedes, und der Rhythmus ähnelt dem in Deutschland und Österreich beliebten alten Lendler-Tanz.

Bei Schülern ist es sinnvoll, die Begleitung separat zu unterrichten: Nehmen Sie den Bass tiefer und der zweite und dritte Schlag sind einfacher. Nehmen Sie das verzögerte Pedal auf die „Eins“-Zählung. "Deutsches Lied" ist in dreiteiliger Form geschrieben.

18. "Neapolitanisches Lied"

"Neapolitanisches Lied" ist voller geschäftiger Wiederbelebung italienischer Plätze. Es sollte leicht ausgeführt werden und alle Schläge genau beobachten.

Das temperamentvolle, anmutige Stück gleicht dem italienischen Nationaltanz Tarantella – voller Energie, die gegen Ende vor Spaß aufflammt. In der Melodie und Rhythmik des Stückes die charakteristischen Wendungen des Italieners Volksmusik- sich wiederholende Rhythmen und Intonationen, Akzente nach Pausen, Nachahmung der Klänge von Volksmusikinstrumenten.

Ein häufiger Leistungsfehler ist der verschwommene Klang einer für Kastagnetten oder Gitarren typischen rhythmischen Figur - zwei Sechzehntel- und zwei Achtelnoten, bei denen das zweite Sechzehntel nicht immer klar ist.

Ein weiterer Nachteil ist die Schwere der Begleitung, die die Ausdruckskraft der Darbietung des Stückes erheblich mindert. Um diese technischen Schwierigkeiten zu überwinden, ist es sinnvoll, den Part der linken Hand mit einer Handgelenksbewegung nach oben auf einem betonten zweiten Schlag zu üben. Bei der Aufführung einer Melodie müssen alle vom Komponisten angegebenen Schläge ausgeführt werden: Ligen, Pausen, Akzente.

Das Stück ist in drei Teilen geschrieben. Es besteht aus drei Perioden, die jeweils aus zwei Sätzen bestehen. Die zweite Periode (Takte 20 und 36) baut auf der ersten auf, klingt aber lyrischer und weicher. Der dritte hingegen ist temperamentvoller und fröhlicher: Tempo, Dynamik und Textur ändern sich. Die Darbietung der Begleitung dieses Teils verursacht einige Schwierigkeiten wegen ihrer Streuung. Es ist notwendig, Bass und Akkord (in ständigem Wechsel) in einem Satz zu vereinen. Dies vermeidet Umständlichkeit und Schwere, verleiht dem Spiel Genauigkeit und Selbstvertrauen.

Wiederholte Töne der Melodie nach den Ligen sollten einfach, aber klar klingen. Bei der Aufführung eines Stücks ist es notwendig, eine dichte Pedalklänge zu vermeiden.

19. "Nanny's Tale"

Unter lebendige Eindrücke Kindheit, eingefangen von Tschaikowsky, kann man die Bilder von Volksmärchen bemerken. Es findet am späten Abend statt. Es ist Zeit, das Baby ins Bett zu bringen und zu "erschrecken". Hier erklingen die Originalstücke: "Nanny's Tale" und "Baba Yaga" - ein sehr seltenes und ausdrucksstarkes Beispiel für Tschaikowskys Fantasie.

In diesem Stück kann man sich ein altes Kindermädchen vorstellen, das sich in unserer Vorstellung sofort in das Bild einer fantastischen Zauberin verwandelt.

(zum Beispiel Puschkins Naina). Etwas Kantigkeit, "stachelige" Präsentation, rhythmische Eigenheiten, raffinierte Akzentsetzungen tragen dazu bei, eine märchenhafte Atmosphäre zu schaffen, die Basslinie erinnert an Kinderängste.

Das ursprüngliche Bild der Kindermärchen eröffnet eine neue Seite in der "Kinder"-Romanze, die sich sowohl im Ausdruck als auch in der Form von der Mussorgskys unterscheidet. In "Nanny's Tale" hört man ungewöhnliche Harmonien, etwas Skurriles, Phantastisches in der Musik.

Das Stück ist in drei Teilen geschrieben.

"Nanny's Tale" und "Baba Yaga" sind zwei symphonische Vergänglichkeiten zwischen den visuellen Bildern der Kinderwelt und den lyrischen Bildern des "Children's Album".

20. Baba Jaga

Baba Jaga ist fabelhaft fantastisches Bild. Trockenes Stakkato erweckt den Eindruck von Härte und Stacheligkeit, die in unserer Vorstellung untrennbar mit dem Bild einer wilden Hexe verbunden sind. In der Musik hört man, wie die „Baba Yaga“ einem Verfolger hinterherrauscht. Und man glaubt, wie sie in ihrem Mörser über die Wälder und Täler fliegt, "den sechsten fährt, mit einem Besenstiel die Spur fegt".

Wütende Attacken von Achtelnoten, als würden sie Sforzando-Akkorde brechen, verleihen diesem Bild einen Hauch von Dumpfheit (ein ähnlicher Eindruck entsteht in Mussorgskys „Hut on Chicken Legs“ durch eine stetige Rückkehr zum Klang „Salz“).

Lernen Sie Staccato mit einem Schüler auf Legato und dann in einem langsamen Tempo Portamento.

Spielt eine bedeutende Rolle harmonische Sprache Theaterstücke. P. I. Tschaikowsky verwendete wie Mussorgsky den Triton, um Baba Yaga zu charakterisieren.

Das Stück ist in einer einfachen dreisätzigen Form geschrieben. Der kantige Klang des Beginns des Werks ähnelt einem hinkenden Gang Märchenfigur. Im Achtelsatz des Mittelteils scheint ein phantastischer Flug von einem „Windpfeifen“ begleitet, ein „Stakkato“-Anschlag verleiht der Charakterisierung der Musik eine bedrohliche Skurrilität.

21. "Süßer Traum"

Dieses Stück ist im Genre der Liebestexte geschrieben. Jedes Kind möchte, dass seine Mutter abends etwas sehr Angenehmes erzählt oder singt, dann werden die Träume angenehm. "Sweet Dream" ist in dreiteiliger Form geschrieben.

Damit das Spiel des Kindes nicht statisch und eintönig wird, muss ihm beigebracht werden, die Konstruktion einer Melodielinie zu zerlegen und die gegenseitige Anziehungskraft von Klängen innerhalb von Phrasen zu spüren. Wenn Sie mit einem Schüler an der Melodie des 1. Teils arbeiten, müssen Sie ihm die Art der Haupttonation des Stücks (der erste Zweitakt) erklären und ein zärtliches spirituelles Verlangen ausdrücken. Zeigen Sie das Streben der Melodie zum Ton „mi“ und dann einen leichten Rückgang zur halben Note „la“. Weitere Arbeiten zur Entwicklung der Melodielinie. Tschaikowsky hat alle dynamischen Schattierungen selbst arrangiert: Der Klang wächst allmählich zum 6. Takt jedes der beiden Sätze hin an, und der Haupthöhepunkt der gesamten Periode liegt im zweiten Satz (14. Takt). Der Höhepunkt sollte nicht nur mit einem helleren Klang gespielt werden, sondern auch breiter, als würden die Klänge etwas auseinander gesetzt. Der Schüler muss die Bedeutung einiger Phrasen erklären, damit er die Änderungen in der Hauptmelodie erfasst, die entweder hartnäckig und energisch oder etwas traurig wird.

Der Haupthöhepunkt von "Sweet Dream" liegt im zweiten Aufbau des Mittelteils. Im Mittelteil des Stücks geht die Melodie in die tiefere Lage „Cello“ über und soll daher besonders reich klingen. Dann (in den Takten 22-24, 31-32) führen zwei Stimmen die Melodie an: die obere "Violine" und das untere "Cello". Der Haupthöhepunkt des Mittelteils trägt zu einer größeren Erleichterung des Klangs der Reprise bei.

Die Begleitung im Stück erfolgt in der Mittelstimme. Es sollte sehr weich und gleichmäßig klingen. Dazu ist es notwendig, den Part der linken Hand in den Extrempartien mit beiden Händen zu unterrichten: Das linke Legato führt die Unterstimme, und die rechte führt mit einer kleinen Berührung des Instruments Achtel aus.

Das Pedal muss für jede Note der Melodie genommen werden, es dient als Mittel zum Färben.

„Sweet Dream“ ist exzellentes Legato-Material.

22. "Lied der Lerche"

„Lied der Lerche“ – leicht, klar, als würde azurblaue Musik erklingen, das Gefühl des Erwachens vermitteln Frühling Natur. Für Kinder ist eine Lerche ein Vogel über dem Feld, und für einen Komponisten ist sie ein Symbol für den Flug seiner Fantasie, Inspiration. Das ist die Erleuchtung des Helden im „Kinderalbum“. Kehren Sie in Erinnerung an den Morgen des Lebens zurück, denn die Lerche singt früh am Morgen. Das ist ein Gegengewicht zu "Winter Morning". Dieses Stück ist der Höhepunkt des gesamten Zyklus. Das „Lied der Lerche“ ist gleichsam von „Vogelgesang“ durchdrungen. Dies ist eine malerische Skizze mit einer hellen und freudigen Stimmung, und nur im zweiten Teil ist ein Hauch von Traurigkeit in der Anmut des Walzers zu hören.

Und so ist Lark selbst der Komponist, Sänger und Schöpfer.

Das Stück ist in einfacher dreistimmiger Form geschrieben, mit Akkordbegleitung, mit einem Oberton in der Oberstimme. Die Textur des Stücks basiert auf kleinen Figuren in Triolen und Vorschlagsnoten, die im oberen Register angesiedelt sind. Die durchgehende Kette von Vorschlagsnoten weckt Assoziationen an fröhliches Vogelgezwitscher.

Bei der Arbeit mit einem Schüler an einer Positionsfigur ist es notwendig, dem Schüler zu erklären, dass drei Sechzehntel auf die Achte gerichtet, rhythmisch genau gespielt und klar, krümelig, nicht zerknittert klingen sollen.

Vorschlagsnoten müssen separat gelernt werden, damit sie sehr klar und laut klingen.

Wenn Sie an einem Part für die linke Hand arbeiten, ist es nützlich, ihn legato und dann in Form von hartnäckigen kurzen Akkorden zu spielen.

23. "Der Drehorgelspieler singt"

P. I. Tschaikowsky, der sich an Italien erinnerte, das er mit seinen Drehorgeln und Straßensängern liebte, schrieb das Stück "The Orgel Grinder Sings", das in das "Children's Album" aufgenommen wurde. Dieses Stück basiert auf der Melodie eines der Lieder, gesungen von einem kleinen italienischen Mädchen.

„The Organ Grinder Sings“ ist ein musikalisches Bild, in dem ein wandernder Musiker mit Drehorgel und einem Affen seine Lieder singt, während er um die Welt reist, und für den Komponisten ist es er selbst, der in seinen Kreationen um die Welt reist.

Das Stück ist in einer einfachen zweistimmigen Form geschrieben, im Rhythmus eines Walzers, wie das "Italienische Lied". Die Melodie ist leicht, fließt ruhig, ohne Eile. Damit der Schüler die anfängliche Melodielinie spielen kann, ohne zu brechen und zu drücken, muss er den Anstieg der Schallwelle bis zur Note „mi“ zeigen.

Im zweiten Teil wird die Textur komplizierter. Melodie und Begleitung werden auf die rechte Hand übertragen, und in der linken Hand erscheint auf einem ausgehaltenen Bass eine monotone Viertelbewegung (dies ähnelt der gleichförmigen Bewegung der Hand eines Drehorgelspielers). Beim Schüler müssen Sie mehr an der Ausdruckskraft der Melodie und dem leisen Klang der Begleitung arbeiten, der die Melodie nicht übertönt.

24. Chor

Tschaikowskys „Kinderalbum“ beginnt mit „Morgenreflexion“ und endet mit dem Stück „Choral“ (in der Erstausgabe hatten beide Stücke unterschiedliche Titel – „Morgengebet“ und „In der Kirche“). Die Musik von „Morning Reflection“ ist von einer hellen und ernsten Stimmung erfüllt, als ob sie davor warnen würde, dass die Geschichte über Kinder einen ernsten Ton annehmen wird. "Choral" klingt konzentrierter, harscher, trauriger.

Beide Stücke haben viel gemeinsam: einen ruhigen, nachdenklichen Charakter, eine Struktur mit polyphonen Elementen, eine ausgedehnte Periodenform mit einem großen Zusatz auf dem tonischen Orgelpunkt. Sie werden auch durch die Verwandtschaft der Tonarten (G-Dur und e-Moll) zusammengeführt. Im Choral bezieht sich Tschaikowsky auf den Kanon des Abendgottesdienstes. Dieses Stück klingt wie ein Aufruf, „den Weg zum Tempel“ zu suchen. Tschaikowsky wendet sich an Kinder mit der Hoffnung, dass alle Schwierigkeiten im Leben überwunden werden können. Sie können mit Hilfe enger Menschen aus den Konflikten des Lebens herauskommen - das Stück "Mama", sich der Kunst zuwenden - "Walzer", in Einheit mit den Menschen - "Kamarinskaya" und schließlich hinein eigene Kreativität- "Lied der Lerche".

Das Stück ist in zwei Teilen geschrieben. Der Charakter des ersten Teils konzentriert sich in der Tiefe auf die Erde. Akkordeon-Textur. Sie müssen mit dem Schüler an der Harmonie der Akkorde arbeiten und dem Kind dazu erklären, dass es notwendig ist, die Oberstimme und den Bass in den Akkorden hervorzuheben.

Im zweiten Teil sind die Akkorde in einem hohen Register geschrieben, und die Bässe auf dem tonischen Orgelpunkt (der Ton „G“) klingen intensiver (symbolisiert die unaufhaltsam verstreichende Zeit).

Die Musik dieses Stücks erinnert an den Kirchenkanon „Herr, erbarme dich ...“ Das Pedal ist verzögert (es ist ratsam, es nicht ganz nach unten zu nehmen).

III. Abschluss.

Die subtilen semantischen Verbindungen, die zwischen den extremen Stücken der Sammlung „Morgengebet“ und „In der Kirche“ (Titel in der Erstausgabe) bestehen, tragen zur kompositorischen Harmonie und Vollständigkeit des „Kinderalbums“ bei. Seine 24 Stücke sind wie eine Skizze der bunten Eindrücke des Tages.

"Children's Album" zielt sowohl auf die Ausbildung des Darstellers als auch auf die Erziehung der Persönlichkeit des Kindes ab. Für Kinder verständliche Werke sind Wegweiser zur „erwachsenen“ Musik.

"Children's Album" von P. I. Tchaikovsky ist die erste russische Klaviersammlung, die speziell für Kinder geschrieben wurde.

"Children's Album" wird in den Goldfonds der Welt aufgenommen Musikalische Literatur für Kinder.

In einem seiner Briefe schrieb P. I. Tschaikowsky: „Kunst ist gleichermaßen in der Lage, die Seele eines Kindes und eines Erwachsenen zu berühren, daher wird der Weg von der Kunst zur Kreativität zum Thema des Kinderalbums. Durch das „Kinderalbum“ erhielten wir brillante Hörbeispiele – sowohl musikalisches als auch pädagogisches Material für Kinder, aber auch weise Lebenslektionen für uns alle.

IV. Literatur

1. B. Asafiev Russische Musik über Kinder und für Kinder // Ausgewählte Werke, Bd. IV. Moskau: Akademie der Wissenschaften der UdSSR, 1955

2. P. I. Tschaikowsky Briefe an Verwandte. Favoriten. Moskau: Muzgiz, 1955

3. A. D. Alekseev Geschichte der Klavierkunst M.: Musik 1988.

4. A. Alshvang P. I. Tschaikowsky - M: Muzgiz, 1959.

5.G.G.Neigauz "Notizen eines Lehrers". M, 1961; 1982.

6.G.Dombaev Kreativität P.I. Tschaikowsky. in Materialien und Dokumenten. M.: Muzgiz, 1958.

7. P. I. Tchaikovsky "Children's Album" - ein Klavierzyklus mit 24 Stücken. Moskau "Musik" 1981

Heute werden wir das Thema interessanter Musikinstrumente fortsetzen (denken Sie an Lektion Nr. 014 ""). Papa Carlo aus dem Märchen „Pinocchio“ war ein Drehorgelspieler! Wir hören mit den Kindern „Der Leierkastenmann singt“ von Pjotr ​​Tschaikowsky und „Die Drehorgel“ von Dmitri Schostakowitsch. Drehen Sie den Griff einer imaginären Drehleier, zeichnen Sie die Klänge einer Drehleier und phantasieren, kreieren und tauchen Sie ein in die wunderbare Welt der klassischen Musik.

Leierkasten! Leierkasten! Leierkastenmann! Sehen! Er dreht den Griff und Musik erklingt, welch ein Wunder, welch ein Wunder! Erinnern wir uns an das Märchen goldener Schlüssel". Wer arbeitete als Papa Carlo, der Pinocchio aus Baumstämmen machte? Er war Leierkastenmann.

Sharmanka ist ein uraltes mechanisches Musikinstrument, das Melodien spielt, wenn ein Leierkastenmann eine Kurbel dreht. Die Drehleier kann eine oder mehrere Melodien spielen. Oft sind die Drehleiermelodien klagend, traurig. Drehorgelspieler waren arme Leute. Sie verdienten ihren Lebensunterhalt damit, durch die Höfe und Straßen zu streifen und unermüdlich an der Kurbel ihrer Drehorgel zu drehen. Ihre klagenden Laute gingen umher, und die Leute warfen Kleingeld von den Fenstern auf den Leierkastenmann.

"... Ein alter Mann betrat den Hof mit einer bunt bemalten Kiste auf der Schulter, auf der oft ein Affe saß. Es war ein Drehorgelspieler. Er nahm seine Last von der Schulter, begann, den Griff der Drehleier stetig zu drehen -gurdy, und die Klänge von Walzern und Polkas wurden mit einem Wimmern und Schluchzen gehört, oft disharmonisch und falsch ... "(L. Michejewa).

"Der Drehorgelspieler singt" Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky (ein Stück aus dem "Kinderalbum") - Dieses Stück ist eine genretypische Skizze, deren Klänge einen alten Mann darstellen. Er dreht den Griff der Drehleier, und es strömen schöne langgezogene Klänge heraus. Das Stück „Der Leierkastenmann singt“ basiert auf dem italienischen (venezianischen) Motiv. Ein unprätentiöses, aber klug ruhiges Thema vertreibt die düsteren Gedanken eines Kindes. Die Musik ist wie ein Walzer. Die Musik ist traurig, traurig. Die Drehleier spielt klagend, melodiös, traurig.

Drehorgel Dmitri Dmitrijewitsch Schostakowitsch- unbeschwerte, verspielte, fröhliche, verspielte, muntere, lustige, peppige Musik, ähnlich einem Polka-Tanz. Die gleichen Geräusche werden wiederholt und imitieren das Drehen eines Drehleiergriffs, monoton und monoton.

Der Ablauf unseres Unterrichts:

1. Erzählen in deinen eigenen Worten, was ist eine drehleier, zeigen, wie der Drehorgelspieler den Drehorgelspieler dreht, zu welchen Zeiten und wofür der Drehorgelspieler eingesetzt wurde. Abbildungen zeigen Drehleier, Drehleier. Der Schlüssel liegt hier in Ihren eigenen Worten! Keine Notwendigkeit, Definitionen aus Wörterbüchern zu lesen. Lesen Sie das Gedicht, Zitat, aber den Haupttext bitte mit eigenen Worten.
2. Hören Sie „Der Leierkastenmann singt“ von Pjotr ​​Tschaikowsky. Erinnern Sie die Kinder daran, dass dieses Stück aus dem „Kinderalbum“ stammt, das Sie bereits in früheren Lektionen kennengelernt haben. Versuchen Sie, so viele Adjektive wie möglich aufzugreifen, um die Musik, den Charakter und die Stimmung zu beschreiben.
3. Hören Sie die Drehorgel von Dmitri Schostakowitsch. Dies ist ein neuer Komponist für uns. Fragen Sie die Kinder nach der Stimmung der Musik. Vergleichen Sie mit "The Organ Grinder Sings", diskutieren Sie die Unterschiede und warum.
4. Tanze zu der Musik, bewegen Sie sich unter den „Orgeldreher-Singen“ und „Drehorgelspieler“. Frei bewegen. Drehen Sie die Drehleier, tanzen Sie auf den Straßen der Stadt, träumen Sie am Fenster vom traurigen Lied des Leierkastenmanns.
5. Ziehen Bleistifte, Farben, Buntstifte, Schreibstifte, Filzstifte. Was auch immer sich Ihre kleinen Zuhörer wünschen. Besprechen Sie die Bilder, die Sie gezeichnet haben, während Sie die Musik noch einmal beschreiben. Fragen Sie, welches Stück Ihnen besser gefallen hat und warum, welches Sie gerne noch einmal hören würden.

Afanasy Afanasyevich Fet

Leierkastenmann

Ich klammerte mich im Dunkeln ans Fenster -
Tja, richtig, unpassender kann es nicht sein:
Wieder in der Gasse der Alte
Mit deinem unaufhörlichen Lied!

Diese Töne pfeifen und singen
Peinlich-trostlos-peinlich...
Erhebe dich vor mir, erhebe dich
Hinter dem Rahmen sind zwei helle Köpfe.

Darüber die Glasfläche
Während des Monats ist es kristallklar.
Man ist so munter fröhlich
Der andere ist so träge traurig.

Und es ist ein altes Lied! - mit Traurigkeit
Wir bewahren sanft die Vergangenheit
Und beides tut mir leid
Und ich freue mich für die beiden.

Dazwischen ist sichtbar
Noch ein junger Kopf
Und alles, was er gut ist, als einer,
Und alles, was er ist traurig, wie ein anderer.

Einem ist er für immer ergeben
Und Traurigkeit wird von Ködern gequält ...
Wirst du gehen, grauhaariger Gaer,
Mit deiner hartnäckigen Drehleier? ..

Laden Sie Musik und Illustrationen für den klassischen Musikunterricht mit Kindern "Unter der Eiche - 365" in unserer Vkontakte-Gruppe unter dem Link herunter -