Libretto der Oper "Aleko" (Rachmaninow S. V.)

Am meisten berühmte Opern Frieden. Originaltitel, Autor und Kurzbeschreibung.

Aleko, S. W. Rachmaninov.

Oper in einem Akt; Libretto von V. I. Nemirovich-Danchenko nach dem Gedicht „Zigeuner“ von A. S. Puschkin.
Erstinszenierung: Moskau, Bolschoi-Theater, 27. April (9. Mai) 1893.

Figuren: Aleko (Bariton), ein junger Zigeuner (Tenor), ein alter Mann, Zemfiras Vater (Bass), Zemfira (Sopran), ein alter Zigeuner (Alt), Zigeuner.

Zeitpunkt und Ort der Aktion sind ungewiss.

Am Flussufer schlug ein Zigeunerlager seine Zelte auf. Leise singend bereiten sie sich auf die Nacht vor. Der alte Zigeuner, der Vater der schönen Zemfira, erinnert sich an seine Jugend und seine Liebe, die ihm viel Leid zugefügt haben. Mariula liebte ihn nicht lange, ein Jahr später verließ sie ein anderes Lager und ließ ihren Mann und ihre kleine Tochter zurück.

Die Geschichte des alten Mannes löst bei Aleko eine stürmische Reaktion aus. Er würde Verrat nicht vergeben und kann daher nicht verstehen, warum der alte Mann sich nicht an seiner untreuen Frau und ihrem Liebhaber rächte. Wenn er einen Feind findet, der sogar über dem Abgrund des Meeres schläft, wird er ihn in den Abgrund stoßen!

Alekos Reden sind Zemfira, die ihn bis vor kurzem liebte, zutiefst fremd und unangenehm. Nun ist ihr dieser Mann, der aus einer anderen Welt zu ihnen kam, feindlich gesinnt, seine Grausamkeit ist unbegreiflich, seine Liebe widerlich. Zemfira verhehlt den Ausbruch der Leidenschaft für die junge Zigeunerin nicht. Sie wiegt die Wiege und singt ein Lied über einen alten, eifersüchtigen, ungeliebten Ehemann. „Ich singe ein Lied über dich“, sagt sie zu Aleko. Die Nacht bricht herein und Zemfira geht auf ein Date.

Allein gelassen, stürzt Aleko in einen bitteren, quälenden Gedanken. Mit Schmerz erinnert er sich an das vergangene Glück. Der Gedanke an Zemfiras Verrat treibt ihn zur Verzweiflung.

Erst am Morgen kehren Zemfira und eine junge Zigeunerin zurück. Aleko kommt ihnen entgegen. Zum letzten Mal betet er zu Zemfira um Liebe und erinnert sich daran, dass er sich um ihrer Liebe willen zum freiwilligen Exil aus der Gesellschaft, in der er geboren und aufgewachsen ist, verdammt hat. Aber Zemfira ist unnachgiebig. Alekos Bitten werden durch Drohungen ersetzt. Voller Wut ersticht er den jungen Zigeuner. Zemfira trauert um ihren Geliebten und verflucht Alekos Schurkerei. Aleko tötet auch Zemfira. Die Zigeuner konvergieren auch auf den Lärm. Sie, die Hinrichtungen und Morde hassen, verstehen Alekos grausame Tat nicht.

Wir sind wild, wir haben keine Gesetze,
Wir quälen nicht, wir exekutieren nicht,
Wir brauchen kein Blut und kein Stöhnen,
Aber wir wollen nicht mit einem Mörder leben —

Sagt Zemfiras Vater. Die Zigeuner gehen und lassen Aleko allein, überwältigt von hoffnungsloser Sehnsucht.

In der Kleinen Halle des Moskauer Konservatoriums befinden sich Marmortafeln mit den Namen der Absolventen, die das Konservatorium mit einer Goldmedaille abgeschlossen haben. Unter diesen Namen ist S. V. Rachmaninov, dessen Name im Jahr 1892 eingeschrieben ist. Er absolvierte das Konservatorium mit Auszeichnung als Komponist. Und seine Abschlussarbeit war die Oper "Aleko". Rachmaninow war 19 Jahre alt.

Das Schreiben einer Oper war für einen Absolventen des Konservatoriums in der Kompositionsabteilung eine übliche Studienaufgabe, ebenso wie das Schreiben einer Fuge, einer Sonate oder einer Symphonie in früheren Studiengängen. Rachmaninow war von dieser Aufgabe ungewöhnlich fasziniert. Das Libretto zur Oper wurde von der berühmten Theaterfigur Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko, einem älteren Zeitgenossen des Komponisten, geschrieben. Die Oper entstand in erstaunlich kurzer Zeit – 17 Tage, was von der außergewöhnlichen Begabung des jungen Komponisten und seiner Leidenschaft für dieses Werk zeugt.

Dieses jugendliche Werk von Rachmaninoff erregte mit dem Ballett Der Nussknacker die große und begeisterte Aufmerksamkeit von P.I.

Ein herausragender Darsteller der Rolle von Aleko war F. I. Chaliapin, ein Freund von Rachmaninoff. Aber eine seltsame Episode ist mit seiner ersten Aufführung in diesem Teil verbunden: Die Aufführung der Oper fand im Rahmen des 100. Jahrestages der Geburt von A. S. Puschkin statt, und Chaliapin, der die Rolle von Aleko spielte, schminkte sich . .. von Puschkin selbst, dass er eine gewisse Ähnlichkeit zwischen A. S. Puschkin und Aleko sieht).

Geschichte der Schöpfung.

Einen Monat vor der Abschlussprüfung in der Kompositionsklasse erhielt Rachmaninow den Auftrag zu schreiben These- eine Oper zum Libretto von V. I. Nemirovich-Danchenko (1858-1943) nach dem Gedicht "Zigeuner" von A. S. Puschkin. Die vorgeschlagene Handlung fesselte den Komponisten; Die Oper wurde in kürzester Zeit geschrieben - 17 Tage, was von der herausragenden Fähigkeit und Begabung des 19-jährigen Autors zeugt. Der Prüfungsausschuss erteilte Rachmaninov die Bestnote; Der Name des Komponisten war auf einer Marmorplakette eingraviert. Die Uraufführung der Oper, die am 27. April (9. Mai) 1893 im Moskauer Bolschoi-Theater stattfand, war ein Erfolg. P. I. Tschaikowsky, der bei der Aufführung anwesend war, sprach herzlich über sie.

Im Libretto der Oper ist Puschkins Gedicht stark reduziert, manchmal verändert. Die Handlung leitet sofort eine dramatisch angespannte Situation ein. Der Librettist hielt sich an Puschkins Gedanken und betonte den Hauptkonflikt - den Zusammenstoß der freien, fernab der zivilisierten Welt der Zigeuner mit dem stolzen und einsamen Aleko. Der „Knechtschaft stickiger Städte“ entronnen und davon geträumt, in den Steppen unter dem gastfreundlichen Schutz der Nomaden Ruhe zu finden, war er jedoch vom Fluch seiner Gesellschaft gezeichnet. Die Trauer bringt Aleko zu den Zigeunern, die ihn beschützt haben. Der Komponist widmete der Charakterisierung von Alekos emotionalen Erfahrungen die Hauptaufmerksamkeit.

Musik.

"Aleko" ist eine lyrisch-psychologische Kammeroper mit intensiver dramatischer Handlung. Die Bilder der Helden des Dramas erscheinen vor dem Hintergrund farbenfroher Bilder der Natur und des Zigeunerlebens. Die Musik der Oper besticht durch Aufrichtigkeit des Ausdrucks und melodische Großzügigkeit.

In der Orchestereinleitung werden die mit Reinheit und Frieden aufgefächerten Melodien der Flöten und Klarinetten mit einem düsteren, finsteren Motiv kontrastiert, das in der Oper mit dem Bild von Aleko verbunden ist. Der Refrain „Unsere Unterkunft für die Nacht ist fröhlich wie eine Freiheit“ ist von einer heiteren lyrischen Stimmung durchdrungen. Die Geschichte des alten Mannes „Die magische Kraft des Chantens“ ist geprägt von Adel und weiser Einfachheit. Zigeunertanz bringt leuchtende Farben und temperamentvolle Rhythmen in die Musik; im Frauentanz wird eine sanfte, zurückhaltende Bewegung durch eine inbrünstig lebhafte ersetzt; Ein Männertanz, der auf einer authentischen Zigeunermelodie basiert, endet mit einem stürmischen, hektischen Tanz. In den folgenden Nummern der Oper beginnt sich das Drama schnell zu entfalten. Zemfiras Song „Old Husband, Formidable Husband“ umreißt ihren Charakter, stark und leidenschaftlich, meisterhaft und unverschämt. Cavatina Aleko „Das ganze Lager schläft“ entwirft ein romantisches Bild des von Eifersucht gequälten Helden; wenn man sich an Zemfiras Liebe erinnert, erhebt sich eine breite und bezaubernd schöne Melodie. Das orchestrale Intermezzo zeichnet ein poetisches Bild der Morgendämmerung. Die in Walzerbewegungen geschriebene Romanze des jungen Zigeuners „Schau, unter einem fernen Gewölbe“ ist von einem freudigen Gefühl der Fülle des Lebens durchdrungen. Im Moment der fatalen Auflösung erklingt die traurige Melodie von Alekos Einsamkeit.

Aleko ist die Hauptfigur in Puschkins Gedicht Zigeuner. Seltsamerweise aber Aleko selbst ist kein Zigeuner und wird es auch nicht, obwohl er die Gewohnheiten dieses Volkes annimmt.

Nachdem die Zigeuner Aleko aufgenommen haben, beginnt er in den Dörfern Geld zu verdienen, indem er sich mit einem Bären vergnügt – ein typisches Zigeunereinkommen. Außerdem liebt er leidenschaftlich Zemfira, das Mädchen, das ihn ins Lager gebracht und mit dem er seine Beziehung begonnen hat. Tatsächlich bekommt er sein neues Zuhause, aber in Wirklichkeit bleibt er ein Zivilisationsmensch.

Dieser Held ist stolz und eifersüchtig. Er ist freiheitsliebend, erkennt aber die Freiheit anderer nicht an. Eigentlich hat er das nicht zugegeben, und wann er in der Stadt lebte, darüber können wir nur spekulieren, aber wahrscheinlich versteckt er sich hinterher vor den Behörden begangenes Verbrechen, zu dem seine Begeisterung führte.

Wenn Aleko vollständig Zigeuner geworden wäre, hätte er die Worte des alten Zigeuners beachtet, der über die Liebe der Frauen seines Volkes sprach (sie können frei wählen, und sogar der Ehepartner verließ den alten Zigeuner und verliebte sich mit einem anderen) und würde Zemfira verstehen. Wenn er Freiheit für sich selbst sucht, dann hätte er die Möglichkeit der Freiheit für andere akzeptieren sollen, insbesondere die Möglichkeit der Freiheit für Zemfira, ihren Liebhaber zu wählen. Zemfira ist ein junges Mädchen, das sich, obwohl Teil einer jungen Familie, nichts vormachen will eigene Gefühle, wenn sie sich in eine junge Zigeunerin verliebt, dann geht sie ihrem Gefühl nach und beginnt eine neue Beziehung.

Aleko ist ein stolzer Europäer, der alles ziemlich arrogant behandelt. Trotzdem ist er eine würdige Person, weil er seine Auserwählte sehr liebt und nicht davon abweichen wird eigene Wahl. Der Mangel an Gegenseitigkeit seitens des jungen Zigeuners führt dazu, dass Aleko eine unparteiische Tat begeht, die zu seiner Verbannung führt.

Infolgedessen bleibt er mit seinem eigenen Karren allein in der Mitte des Feldes und außerhalb des Lagers. Tatsächlich war er auch einsam, selbst als er Teil des Lagers war, er konnte nicht Teil einer anderen Welt werden, und das neue Welt nahm es nicht an. Gleichzeitig respektieren ihn die Zigeuner für seinen Mut, nennen ihn aber böse, sie respektieren seine Wahl, können aber eine solche Person im Lager nicht dulden.

Essay über Aleko

Puschkin schrieb nicht nur Gedichte und Romane, er schrieb auch Gedichte. Eines der bekanntesten ist das Gedicht „Zigeuner“. Protagonist dieses Gedichts - ein junger Mann, der in einem reichen europäischen Land aufgewachsen ist, dort aber nie die Freiheit gefunden hat. Alle moralischen Normen, Gesetze, Traditionen und Grundlagen erscheinen ihm als Hindernis für die Freiheit der ganzen Welt, sie erscheinen absurd und fesseln die Seele solcher Adler der Freiheit wie er selbst.

Eines schönen Tages trifft Aleko die Zigeunerin Zemfira, in die sie sich auf den ersten Blick verliebt. Zemfira erwidert ihn. Sie begleitet ihren Geliebten zu ihrem Zigeunerlager, wo sie beginnen, zusammen zu leben. Zusammen mit ihrer Geliebten erfährt Zemfira wie der Leser, dass ihr Mann vom Gesetz verfolgt wird, dass er sich vor den Behörden versteckt.

Aleko - sehr leidenschaftlicher Mensch, er liebt und schätzt Zemfira nicht nur, sie ersetzt ihm die ganze Welt. Er braucht überhaupt niemanden außer ihr allein, er liebt und schätzt sie so sehr. Bei alledem glaubt er, dass Frauenherzen scherzhaft und spielerisch lieben, im Gegensatz zu Männern, die in der Liebe leiden, ihren ganzen Saft geben, um die Leidenschaft aufrechtzuerhalten und das Objekt der Sympathie glücklich zu machen. Der Leser erfährt sofort, dass Aleko ein sehr rachsüchtiger Mensch ist, der seinen Feinden und Tätern nicht verzeiht. Er ist bereit, den schlafenden Feind zu töten, also ist er eine böse und grausame Person. Für viele ist dies ein Beweis seiner Unehre, denn selbst in den schrecklichsten Kriegen gab es Menschen, die ihre Feinde niemals im Schlaf töten würden.

Um für sich und seine Frau zu sorgen, tritt Aleko in einem Lager mit einem Bären vor Publikum auf. Er verlor die Gewohnheit des Stadtlebens vollständig, gewöhnte sich an das Lager und verliebte sich in seine Seele. Zemfira sagt, dass Aleko die Freiheit nur für sich will und nicht für alle Menschen, dass sein Kampf für die Freiheit auf der ganzen Welt nur ein Kampf für die Freiheit für sich selbst ist, ein egoistischer Kampf.

Bald wird ihnen ein Kind geboren, aber Zemfiras Gefühle beginnen sich abzukühlen, sie findet Aleko nicht mehr als einen so wunderbaren Mann, wie sie ihn vor der Hochzeit betrachtet hat - jetzt hat sie wirklich herausgefunden, was ein junger Rebell wirklich ist. Das Gedicht endet damit, dass Zemfira Aleko mit einem anderen Zigeuner betrügt, weil sie weiß, wie eifersüchtig ihr Ehemann ist. Aleko, die von dem Verrat erfahren hat, tötet sowohl ihren Geliebten als auch Zemfira selbst, wofür er aus dem Lager ausgewiesen wird, und lässt ihn wie einen verlassenen Vogel allein auf dem Feld zurück. Aleko ist ein sehr stolzer Mann, und er würde das Lager niemals um Vergebung bitten, zurückgelassen zu werden. Ja, und was für ein Leben ist er jetzt ohne einen Mann, der seine ganze Welt war. Aber wenn Aleko Zemfira wirklich so sehr geliebt hätte, hätte er sie dann getötet?

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Nach dem Libretto von V. I. Nemirovich-Danchenko, basierend auf dem Gedicht von A. S. Puschkin "Zigeuner".

Figuren:

ALEKO (Bariton)
junger Zigeuner (Tenor)
ALTER MANN, Zemfiras Vater (Bass)
ZEMFIRA (Sopran)
ALTE ZIGEUNER (Alt)
Zigeuner

Dauer: unbestimmt.
Ort: unbestimmt (A.S. Puschkin - Bessarabien).
Uraufführung: Moskau, Bolschoi-Theater, 27. April (9. Mai) 1893.

In der Kleinen Halle des Moskauer Konservatoriums befinden sich Marmortafeln mit den Namen der Absolventen, die das Konservatorium mit einer Goldmedaille abgeschlossen haben. Unter diesen Namen ist S. V. Rachmaninov, dessen Name im Jahr 1892 eingeschrieben ist. Er absolvierte das Konservatorium mit Auszeichnung als Komponist. Und seine Abschlussarbeit war die Oper "Aleko". Rachmaninow war 19 Jahre alt.

Das Schreiben einer Oper war für einen Absolventen des Konservatoriums in der Kompositionsabteilung eine übliche Studienaufgabe, ebenso wie das Schreiben einer Fuge, einer Sonate oder einer Symphonie in früheren Studiengängen. Rachmaninow war von dieser Aufgabe ungewöhnlich fasziniert. Das Libretto zur Oper wurde von der berühmten Theaterfigur Vladimir Ivanovich Nemirovich-Danchenko, einem älteren Zeitgenossen des Komponisten, geschrieben. Die Oper entstand in erstaunlich kurzer Zeit – 17 Tage, was von der außergewöhnlichen Begabung des jungen Komponisten und seiner Leidenschaft für dieses Werk zeugt.

Dieses jugendliche Werk von Rachmaninoff erregte mit dem Ballett Der Nussknacker die große und begeisterte Aufmerksamkeit von P.I.

Ein herausragender Darsteller der Rolle von Aleko war F. I. Chaliapin, ein Freund von Rachmaninoff. Aber eine seltsame Episode ist mit seiner ersten Aufführung in diesem Teil verbunden: Die Aufführung der Oper fand im Rahmen des 100. Jahrestages der Geburt von A. S. Puschkin statt, und Chaliapin, der die Rolle von Aleko spielte, schminkte sich . .. von Puschkin selbst spüren, dass er eine gewisse Ähnlichkeit zwischen A. S. Puschkin und Aleko sieht).

OPER

Flussufer. Ringsherum stehen verstreute Zelte aus weißem und buntem Segeltuch. Rechts ist das Zelt von Aleko und Zemfira. In der Tiefe stehen mit Teppichen behangene Wagen. Hier und da werden Freudenfeuer angezündet, das Abendessen wird in Töpfen gekocht. Hier und da gibt es Gruppen von Männern, Frauen und Kindern. Allgemeines, aber ruhiges Treiben. Ein rötlicher Mond geht über dem Fluss auf. Unter den Zigeunern - Aleko. Zwei Jahre ist es her, seit er die Stadt verlassen hat, seine Familie, seine Freunde, sind mit ihrem Lager zu den Zigeunern gegangen und umhergewandert. Die Oper beginnt mit einer Einleitung, in der reine und helle Bilder, ausgedrückt durch Melodien von Flöten und Klarinetten, mit einem dunklen, unheimlichen Motiv kontrastieren, das mit dem Bild von Aleko verbunden ist.

Wenn sich der Vorhang hebt, eröffnet sich dem Betrachter der Blick auf ein weitläufiges Zigeunerlager. Der Zigeunerchor „Unser Nachtquartier ist fröhlich wie eine Freiheit“ ist von einer heiter-lyrischen Stimmung durchdrungen. Der alte Zigeunermann erinnert sich an diesen Gesang. Er erzählt eine traurige Geschichte seiner Liebe: Die Zigeunerin Mariula liebte ihn nur ein Jahr lang, dann floh sie mit der Zigeunerin aus einem anderen Lager und hinterließ ihm die kleine Zemfira. Aleko fragt sich, warum der Zigeuner sich nicht an dem Verräter gerächt hat; er selbst würde nicht zögern, auch einen schlafenden Feind in den Abgrund zu stoßen. Zemfira ärgert sich über Alekos Reden. Sie hatte seine Liebe satt: „Mir ist langweilig, mein Herz verlangt nach Freiheit“, sagt sie zu ihrem Vater. Alle ihre Gedanken gehören nun einer jungen Zigeunerin. Aleko sinnt auf Rache.

Andere Zigeuner wollen mit Spaß und Tanz die traurige Stimmung aus der traurigen Geschichte der alten Zigeunerin vertreiben. Zuerst wird der "Frauentanz" mit seiner flexiblen, subtilen, rhythmisch skurrilen Klarinettenmelodie aufgeführt; in seinen skurril gelockten Wendungen, elastischen walzerartigen Rhythmen drückt sich der Wechsel der Schattierungen leidenschaftlicher Gefühle aus: entweder zurückhaltend, wie träge, oder mit aufblitzenden Sinnlichkeitsblitzen oder verführerischem Enthusiasmus aufflammend. Er wird durch den "Tanz der Männer" ersetzt; hier wendet sich der Komponist einer authentischen Zigeunermelodie zu. Am Ende beteiligen sich alle an einem gemeinsamen Tanz.

Zemfira und ein junger Zigeuner erscheinen. Er bittet sie um einen Kuss. Zemfira hat Angst vor der Ankunft ihres Mannes (Aleko) und verabredet eine junge Zigeunerin zu einem Date hinter dem Hügel über dem Grab. Aleko erscheint. Der junge Zigeuner geht. Zemfira betritt das Zelt und setzt sich neben die Wiege. Aleko sammelt Seile in der Nähe des Zeltes. Zemfira singt ein Lied an der Wiege ("Alter Ehemann, formidabler Ehemann"). Aleko schmachtet: „Wo sind die Freuden der zufälligen Liebe?“ Zemfira bekundet immer entschiedener und scharfer ihre Abneigung gegen Aleko und ihre Liebe zu der jungen Zigeunerin. Sie gibt mit extremer und sogar zynischer Offenheit zu: „Wie ich ihn / mich in der Stille der Nacht gestreichelt habe! Wie sie damals lachten / Wir sind deine grauen Haare! Am Ende geht Zemfira. Der Mond steigt hoch und wird kleiner und blasser. Aleko allein. Er singt seine großartige Arie „Das ganze Lager schläft“.

Der Mond versteckt sich; ein kleiner Morgen bricht an. Aus der Ferne ertönt die Stimme einer jungen Zigeunerin („Schau: Unter einem fernen Gewölbe / Der Vollmond geht“). Es beginnt zu leuchten. Rückkehr Zemfira und eine junge Zigeunerin. Zemfira vertreibt die junge Zigeunerin – es ist schon spät, Aleko darf auftauchen. Er will nicht gehen. Und dann, von ihnen unbemerkt, taucht Aleko wirklich auf. Er wird Zeuge ihrer Liebesszene. Zu seinem Vorwurf: "Wo ist deine Liebe?" - Zemfira antwortet wütend: „Lass mich in Ruhe! Du hast mich angewidert. / Die Vergangenheit wird nicht wiederkehren. Aleko bittet Zemfira, sich an ihr vergangenes Glück zu erinnern. Aber nein, sie ist kalt und ruft zusammen mit dem jungen Zigeuner aus: „Er ist lächerlich und erbärmlich!“ Aleko verliert den Verstand. Er ist bereit, sich zu rächen. Zemfira fordert die junge Zigeunerin auf, wegzulaufen. Doch Aleko versperrt ihm den Weg und ersticht ihn. Zemfira beugt sich verzweifelt über ihren Geliebten und weint. Wütend wirft sie Aleko zu: „Ich habe keine Angst vor dir. / Ich verachte deine Drohungen, / Ich verfluche deinen Mord. "Stirb auch du!" ruft Aleko aus und ersticht sie mit einem Messer.

Zigeuner kommen aus den Zelten. Sie werden durch den Lärm geweckt. Ein alter Mann rennt zu dem Lärm hinaus. Er ist entsetzt über den Anblick vor seinen Augen. Auch die Zigeuner sind entsetzt, sie umringen den alten Mann, Aleko, Zemfira und die junge Zigeunerin. Zemfira stirbt. Der alte Zigeuner will sich nicht am Mörder seiner Tochter rächen, kann ihn aber auch im Lager nicht ausstehen. Aleko wird verbannt. Kummervolle Verzweiflung, Bewusstsein des Schreckens der Einsamkeit sind durchdrungen letzte Worte Aleko: „Oh, Leid! O Sehnsucht! Wieder allein, allein!

A. Maykapar

Geschichte der Schöpfung

Einen Monat vor der Abschlussprüfung in der Kompositionsklasse wurde Rachmaninov beauftragt, eine Diplomarbeit zu schreiben - eine Oper zum Libretto von V. I. Nemirovich-Danchenko (1858-1943) nach dem Gedicht "Zigeuner" von A. S. Puschkin. Die vorgeschlagene Handlung fesselte den Komponisten; Die Oper wurde in kürzester Zeit geschrieben - 17 Tage, was von der herausragenden Fähigkeit und Begabung des 19-jährigen Autors zeugt. Der Prüfungsausschuss erteilte Rachmaninov die Bestnote; Der Name des Komponisten war auf einer Marmorplakette eingraviert. Die Uraufführung der Oper, die am 27. April (9. Mai) 1893 im Moskauer Bolschoi-Theater stattfand, war ein Erfolg. P. I. Tschaikowsky, der bei der Aufführung anwesend war, sprach herzlich über sie.

Im Libretto der Oper ist Puschkins Gedicht stark reduziert, manchmal verändert. Die Handlung leitet sofort eine dramatisch angespannte Situation ein. Der Librettist hielt sich an Puschkins Gedanken und betonte den Hauptkonflikt - den Zusammenstoß der freien, fernab der zivilisierten Welt der Zigeuner mit dem stolzen und einsamen Aleko. Der „Knechtschaft stickiger Städte“ entronnen und davon geträumt, in den Steppen unter dem gastfreundlichen Schutz der Nomaden Ruhe zu finden, war er jedoch vom Fluch seiner Gesellschaft gezeichnet. Die Trauer bringt Aleko zu den Zigeunern, die ihn beschützt haben. Der Komponist widmete der Charakterisierung von Alekos emotionalen Erfahrungen die Hauptaufmerksamkeit.

Musik

"Aleko" ist eine lyrisch-psychologische Kammeroper mit intensiver dramatischer Handlung. Die Bilder der Helden des Dramas erscheinen vor dem Hintergrund farbenfroher Bilder der Natur und des Zigeunerlebens. Die Musik der Oper besticht durch Aufrichtigkeit des Ausdrucks und melodische Großzügigkeit.

In der Orchestereinleitung werden die mit Reinheit und Frieden aufgefächerten Melodien der Flöten und Klarinetten mit einem düsteren, finsteren Motiv kontrastiert, das in der Oper mit dem Bild von Aleko verbunden ist. Der Refrain „Unsere Unterkunft für die Nacht ist fröhlich wie eine Freiheit“ ist von einer heiteren lyrischen Stimmung durchdrungen. Die Geschichte des alten Mannes „Die magische Kraft des Chantens“ ist geprägt von Adel und weiser Einfachheit. Zigeunertanz bringt leuchtende Farben und temperamentvolle Rhythmen in die Musik; im Frauentanz wird eine sanfte, zurückhaltende Bewegung durch eine inbrünstig lebhafte ersetzt; Ein Männertanz, der auf einer authentischen Zigeunermelodie basiert, endet mit einem stürmischen, hektischen Tanz. In den folgenden Nummern der Oper beginnt sich das Drama schnell zu entfalten. Zemfiras Song „Old Husband, Formidable Husband“ umreißt ihren Charakter, stark und leidenschaftlich, meisterhaft und unverschämt. Cavatina Aleko „Das ganze Lager schläft“ entwirft ein romantisches Bild des von Eifersucht gequälten Helden; wenn man sich an Zemfiras Liebe erinnert, erhebt sich eine breite und bezaubernd schöne Melodie. Das orchestrale Intermezzo zeichnet ein poetisches Bild der Morgendämmerung. Die in Walzerbewegungen geschriebene Romanze des jungen Zigeuners „Schau, unter einem fernen Gewölbe“ ist von einem freudigen Gefühl der Fülle des Lebens durchdrungen. Im Moment der fatalen Auflösung erklingt die traurige Melodie von Alekos Einsamkeit.

M. Druskin

Diskographie: CD - Melodie. Dir. Kitayenko, Aleko (Nesterenko), Zemfira (Volkova), Old Man (Matorin), Young Gypsy (Fedin).

„Aleko“ war das erste Werk Rachmaninows, das breite öffentliche Anerkennung fand. Aufführungen dieser Oper in Moskau und kurz nach dem Abschluss des Konservatoriums bei Rachmaninow in Kiew brachten dem Autor großen Erfolg und begründeten seinen Ruf als einer der begabtesten jungen russischen Komponisten. Und tatsächlich übertraf die Oper das Niveau talentierter Studentenarbeit bei weitem und wurde Anfang der 1990er Jahre zu einem der bemerkenswertesten Phänomene im russischen Musik- und Theaterleben.

Die aus Puschkins Gedicht "Zigeuner" entlehnte Handlung erwies sich als nah am Komponisten und konnte sofort seine kreative Fantasie entfachen. Die schmerzhaften Erfahrungen eines einsamen Helden, der seiner Umgebung fremd ist, die Romantik der allgemeinen Färbung der Handlung, die Kombination von scharfem, intensivem Drama mit einer Fülle poetischer Genreszenen - all dies hat Rachmaninov gefangen genommen und in ihm diese glühende, leidenschaftliche Begeisterung geweckt das ist in der Musik der gesamten Oper zu spüren.

Eine der Voraussetzungen für den kreativen Erfolg war ein gut geschriebenes Libretto, dessen Autor ein damals bekannter Dramatiker und Schriftsteller und später einer der Reformer des russischen Dramas und Musiktheaters Vl war. I. Nemirowitsch-Dantschenko. Für ihn war diese Arbeit nicht nur eine zufällige, vorübergehende Episode. In den frühen 1990er Jahren zeigte Nemirovich-Danchenko großes Interesse am Operngenre. Im Zusammenhang mit den Aufführungen der italienischen Operntruppe in Moskau im Frühjahr 1891 veröffentlichte er in der Zeitung „News of the Day“ eine Artikelserie, in der er neben einer Einschätzung einzelner Aufführungen auch eine Gesamtansicht der Oper zum Ausdruck brachte Entwicklung der modernen Oper (Die Artikel sind mit dem Pseudonym Oboe signiert. Ihre Zugehörigkeit Vl. I. Nemirovich-Danchenko wurde von L. Freidkina gegründet.). Die Hauptposition, die er in allen Artikeln vertritt, ist, dass in der Oper lebendige, intensive Handlung, die Wahrheit menschlicher Leidenschaften und Charaktere notwendig sind, dass alle ihre Mittel auf ein Ziel gerichtet sein sollten - die lebendigste und überzeugendste Verkörperung der Dramatik Bedeutung. Ein solches Werk war Nemirowitsch-Dantschenkos „Carmen“ von Jean Bizet, das er der alten italienischen Oper gegenüberstellte, wo die dramatische Handlung oft nur als Vorwand diente, um spektakuläre Gesangsnummern zu bespannen. „Unser Geschmack“, schrieb er, „fordert jetzt, dass die Oper nicht nur im musikalischen, sondern auch im dramatischen Sinne sinnvoll ist. Wir fordern ein intelligentes und interessantes Libretto. „Carmen“ ist in dieser Hinsicht besonders modern.

Für Begeisterung sorgte bei Nemirovich-Danchenko auch die in Russland uraufgeführte neue Oper „Country Honor“ von P. Mascagni Italienische Künstler auf der Bühne des Moskauer Korsh-Theaters am 17. März 1891 unter Beteiligung von F. Litvin und A. Mazini. „Ich kann mich schon lange nicht mehr an eine neue Oper erinnern, die mich sofort so von der Frische des inspirierten Temperaments beeindruckt hätte wie Cavalleria rusticana“, gestand Nemirovich-Danchenko. in dem er das Geheimnis des außergewöhnlichen Erfolgs „Carmen“ sah – eine echte und wahrheitsgemäße Geschichte aus dem Leben gewöhnlicher Menschen, die Lebendigkeit einer dramatischen Handlung, eine saftige, farbenfrohe Darstellung des Lebens: „Das Drama kocht förmlich. Es gibt es nicht eine einzige zusätzliche Szene. Ich bin sogar bereit zu sagen, dass es keinen einzigen zusätzlichen Akkord gibt.“ „Ländliche Ehre“ Nemirovich-Danchenko schrieb die Tatsache zu, dass es „viele echte Volksmelodien enthält, die immer so hell sind und so fesseln Hörer."

Das Werk des jungen, aufstrebenden Komponisten Mascagni, das zur Quelle des Opern-Verismo wurde, zog sofort das Publikum verschiedener Länder in seinen Bann und machte den Namen des Autors auf der ganzen Welt berühmt. Nach der italienischen Erstaufführung, die 1890 stattfand, umging „Country Honour“ mit rasanter Geschwindigkeit alle großen europäischen Opernbühnen. In Moskau machte sie einen geradezu sensationellen Eindruck.

Eine Reihe von Rezensionen, die in der Presse erschienen sind, kommen Nemirowitsch-Dantschenkos Einschätzung dieser Oper naturgemäß sehr nahe. Besonders bezeichnend ist ein großer Artikel mit einer kritischen Analyse von „Rural Honor“, der in „Moskovskie Vedomosti“ unter dem Anfangsbuchstaben „G“ veröffentlicht wurde. Der Autor des Artikels stellt zunächst die gelungene Wahl der Handlung fest: „Die dramatische Kraft und extreme Popularität des gleichnamigen Volksdramas (scene popolari) aus der Feder von Giovanni Verga bereiteten den Erfolg der Oper erfolgreich vor.“ Er lobt den Komponisten besonders für die Intensität und Schnelligkeit des Bühnentempos – „die Schnelligkeit der Handlung macht die ganze Kraft, die ganze Kraft des Eindrucks der wenigen Szenen dieser Oper aus.“ N. D. Kashkin betonte das gleiche Merkmal in Rural Honor: „As on Gute Seite Musik kann darauf hingewiesen werden, dass sie die Handlung nirgendwo verzögert und sich in ihren Formen gut in die Konturen des Dramas einfügt.

"Rural Honor" wurde auch von einigen der herausragenden russischen Komponisten mit Zustimmung aufgenommen. Besonders Tschaikowsky behandelte sie mit großem Interesse und Sympathie.

Libretto "Aleko", geschrieben von Vl. I. Nemirovich-Danchenko hat in seiner dramatischen Struktur viel mit der Art der veristischen Oper in einem Akt gemeinsam, und einige seiner Momente könnten direkt von Eindrücken aus Rural Honour inspiriert sein. Der Inhalt von Puschkins Gedicht spiegelte sich bei weitem nicht vollständig darin wider. Ihr gesamter erster Teil, der von Alekos Ankunft bei den Zigeunern, von seinen Wanderungen mit ihnen erzählt, blieb außerhalb des Rahmens der Opernhandlung. Übrig blieb im Wesentlichen nur das Drama der Eifersucht, das in einer blutigen Auflösung endete. Die Ereignisse entwickeln sich sehr schnell, innerhalb einer Nacht. Der einzige Akt von „Aleko“ ist in zwei Teile gegliedert, deren verbindendes Glied das orchestrale Intermezzo ist. Die Rural Honor wurde auf die gleiche Weise gebaut. Nemirovich-Danchenko bemerkte, dass es in zwei Akte aufgeteilt werden könnte, aber der Autor wollte dies nicht, "und er hat sich bei der Berechnung nicht geirrt". „Und das Intermezzo zwischen dem ersten und dem zweiten Teil der Oper“, fügt er hinzu, „das bereits als „berühmt“ bezeichnet wird, scheint endlos angehört zu werden.“

Diese Parallelen konnten kaum zufällig sein. Süchtig nach neue Oper Der italienische Komponist Nemirovich-Danchenko folgte offenbar absichtlich einigen Merkmalen ihrer Dramaturgie und versuchte, ein Beispiel für seinen eigenen heimischen Verismo zu schaffen. Die unvermeidlichen Einschränkungen, die sich aus der Natur der Trainingsaufgabe ergeben – die Anforderungen an die Kürze der Handlung, einfache und prägnante dramatische Intrigen – fielen in diesem Fall mit seinen eigenen kreativen Bestrebungen zusammen.

Die offensichtlichen Analogien mit der einaktigen Verist-Oper in der Dramaturgie von Aleko konnten nicht umhin, Aufmerksamkeit zu erregen, als Rachmaninovs Oper auf der Bühne erschien. In der Rezension von News of the Day heißt es: „Aus der leichten Hand von Mascagni werden sowohl in Europa als auch in Russland von Tag zu Tag mehr und mehr Opern-Etüden gepfropft, ebenso wie Etüden auf dem Gebiet der Literatur. Mr. Rachmaninovs Aleko ist ein Beispiel für einen solchen Operntyp... Dies ist die dritte Opern-Etüde, die speziell ein und dasselbe Gefühl illustriert - Eifersucht: Rural Honor, Pagliacci, Aleko.

Diese Ähnlichkeit wurde teilweise kritisch bewertet. Also, so Kruglikov, „diente der modische Einakter nicht zugunsten des Librettos. Ihr war es zu verdanken, dass ich vom Plan des Gedichts abweichen musste. Zweifellos wurde der Inhalt von Puschkins Gedicht im Libretto bis zu einem gewissen Grad erschöpft: Die Motivation für das Bild des Helden verschwand, komplexe Natur Puschkins Aleko, der freiheitsliebende Züge mit dem Egoismus eines individualistischen Besitzers verbindet, wurde etwas vereinfacht. Opera Aleko ist ein typischer Held des ausgehenden Jahrhunderts, der unter Einsamkeit leidet, Wärme, Zuneigung und Herzlichkeit sucht, aber in seinen Hoffnungen getäuscht wird. Daher ist es weicher, lyrischer, aber intellektuell ärmer und elementarer.

Es ist merkwürdig festzustellen, dass Chaliapin bereits mehr als vierzig Jahre nach dem Schreiben der Oper im Zusammenhang mit dem 100. Todestag von Puschkin, der 1937 gefeiert wurde, die Idee hatte, einen Prolog zur Oper zu schaffen, in dem die Biographie des Helden enthalten sein würde restauriert, bevor er zu den Zigeunern kam und während der Wanderjahre mit ihnen. Diese Idee wurde jedoch nicht umgesetzt, da Rachmaninow nicht zu seiner Jugendarbeit zurückkehren wollte, die ihm als längst vergangene Etappe erschien.

Man kann die unbestrittenen Vorzüge des Librettos von Nemirowitsch-Dantschenko nicht leugnen. Innerhalb der Grenzen, die der Umfang einer kleinen Einakter-Oper zuließ, behandelte der Librettist Puschkins Text mit großer Sorgfalt. An sich war Puschkins Gedicht ein äußerst dankbares Material für die Theatralisierung. Die Fülle an dialogischen Momenten, die direkte Rede der Charaktere, zusammen mit extremer Lakonie und Geiz an beschreibenden Momenten, die Geschwindigkeit und Schnelligkeit der Entwicklung der Handlung - all dies bringt sie dem dramatischen Genre näher (wie D. D. Blagoy anmerkt, in diese Arbeit "geht von der deskriptiv-lyrischen Methode der Heldendarstellung Puschkins zu einer dramatischen Darstellung ihrer über. "... Der größte Teil des Gedichts - wir lesen von demselben Forscher - ist dramatisiert buchstäblich dieses Wortes, das heißt in eine dialogische Form gekleidet, ist die kühne Neuerung Puschkins selbst, die in direkten Konflikt mit der lyrisch-monologischen Struktur eines romantischen Gedichts vom Typ Byron gerät ... Der Lyriker Puschkin in The Zigeuner wird auch ein Dichter-Dramatiker ... ".).

Nemirovich-Danchenko tat sein Bestes, um seine eigenen Puschkin-Gedichte zu bewahren. Einige Szenen der Oper geben textlich oder mit leichten Erweiterungen, teilweise mit Kürzungen und Ersetzungen einzelner Wörter, die entsprechenden Passagen des Gedichts vollständig wieder: so die Geschichte vom Alten mit dem Beginn der vierten Szene, die sich daran anschließt ( Zeilen 287–425), die Szene an der Wiege (Zeilen 259–286), das Duett und die Mordszene im Finale (Zeilen 468–486). Bei den unvermeidlichen Ergänzungen und Einfügungen innerhalb der Szenen verwendete der Librettist zum größten Teil die Verse von Puschkin selbst und entlehnte sie aus anderen Teilen des Gedichts.

Wenn die dramatische Komposition „Aleko“ weitgehend von veristischen Opern inspiriert war, dann kann man in Rachmaninoffs Musik kaum Spuren des direkten, direkten Einflusses italienischer Komponisten finden. Bei der Komposition von Aleko stützte sich Rachmaninoff vor allem auf Beispiele russischer Opernklassiker. Wie in allen Werken Rachmaninows jener Jahre sind auch in dieser ersten, jugendlichen Oper die Einflüsse von Tschaikowsky und einigen Vertretern der Mächtigen Handvoll (vor allem Borodin und Rimski-Korsakow) miteinander verflochten, jedoch ganz eigenständig gebrochen. Als treuer Erbe seiner Lehrer – der großen russischen Meister des 19. Jahrhunderts – tritt Rachmaninow hier zugleich schon als Künstler mit deutlichem Ausdruck auf kreative Persönlichkeit. Die Musiksprache der Oper enthält eine Reihe eigenartiger melodischer und harmonischer Wendungen, die später zu charakteristischen Merkmalen von Rachmaninows Stil werden sollten.

Aleko wurde von den Ergebnissen der bisherigen Arbeit des Komponisten in verschiedenen Genres beeinflusst, darunter schon ziemlich hohes Niveau Symphonisches Denken. Die Kontinuität der symphonischen Entwicklung der wichtigsten thematischen Elemente überwindet eine gewisse Mechanik der „nummerierten“ Struktur, die in der Konstruktion des Librettos bewahrt wurde. In dieser Hinsicht ist der Einfluss von Tschaikowskys Operndramaturgie am stärksten ausgeprägt. Der enorme Eindruck, den Rachmaninov aus Pique Dame erhielt, blieb für sein eigenes Operndebüt nicht unwirksam. Es spiegelte sich sogar in der Art einzelner thematischer Bilder wider. So weist die Literatur zu Recht auf die bekannte Ähnlichkeit des melodisch-rhythmischen Musters des Aleko-Themas mit dem Thema dreier Karten aus Pique Dame hin:

Eine kurze Orchestereinleitung zu Pique Dame, die eine prägnante symphonische Zusammenfassung des dramatischen Hauptkonflikts enthielt, diente zweifellos als Prototyp der Einleitung in Rachmaninows Oper. Der Mittelteil der Einleitung baut auf dem Thema Aleko auf, das hier eine lebendige dramatische Spannung erreicht. Kontrastiert wird es von einem kurzen einleitenden Aufbau von traurig-elegischem Charakter und einem abschließenden Andante, das in hellen, ruhigen Tönen gehalten ist. Die Eröffnungsphrase von Flöten und Klarinetten dient als Epigraph für die gesamte Oper:

Alle thematischen Elemente der Einleitung werden im Verlauf der dramatischen Handlung entwickelt. So erklingt der obige Anfangssatz im Orchester am Ende der Oper, nach den Worten des Abschieds der Zigeuner an Aleko: „Vergib mir! Möge Frieden mit dir sein“, was die Friedfertigkeit und Sanftheit des Nomadenstammes charakterisiert, der das Gefühl der Rache nicht kennt, im Gegensatz zu den grausamen, selbstsüchtigen Leidenschaften, die die Seele des Außerirdischen besitzen. In den letzten Takten des Finales taucht dieselbe Phrase in anderer klangfarbenexpressiver Färbung noch einmal auf: Die tiefe Lage von Klarinetten und Fagotten verleiht ihr eine dunkle, düstere Färbung. Als Kommentar zu dieser letzten Aufführung könnten folgende Zeilen aus dem Epilog von Puschkins Gedicht dienen:

Aber es gibt kein Glück zwischen euch,
Die armen Söhne der Natur!
..........
Und Ihr Baldachin ist nomadisch
In den Wüsten entkamen sie den Schwierigkeiten nicht,
Und überall verhängnisvolle Leidenschaften
Und es gibt keinen Schutz vor dem Schicksal.

Besonders groß ist die Bedeutung des Aleko-Themas als wichtigstes Zementierungselement musikalischer Dramaturgie. Die Intonationen dieses Themas platzen bedrohlich in den scharfen Klang der Posaune nach der Geschichte des Alten Mannes, in die Worte des von Zorn und Empörung ergriffenen Helden:

Wie hast du es nicht eilig
Unmittelbar nach dem Undankbaren
Und das Raubtier und sie, heimtückisch,
Hast du nicht einen Dolch ins Herz gestochen?

Der kontinuierliche Bogen springt von der Einleitung zur Mordszene durch die buchstäbliche Wiederholung ganzer Konstruktionen mit nur geringfügigen strukturellen Variationen. Einzelne Wendungen des Aleko-Themas tauchen immer wieder an verschiedenen Stellen in der Oper auf und interagieren mit anderen thematischen Elementen.

Das leise, friedlich klingende Motiv des abschließenden Andante der Einleitung erklingt als letztes „sorry“ in der Szene von Zemfiras Tod (auf dem Wort „dying“). Auf diese Weise bereitet die Einleitung die Höhepunkte der dramatischen Handlung vor und nimmt sie vorweg.

Die Dramaturgie der Oper als Ganzes baut auf dem Wechsel aktiver, sich entwickelnder Szenen mit abgeschlossenen, relativ eigenständigen Gesangsepisoden auf. Meistens gibt es jedoch keine scharfe Grenze zwischen den beiden, und Solonummern werden in der Regel organisch in den allgemeinen Ablauf einbezogen.

Die Geschichte des alten Mannes dient als eine Art Prolog für die dramatischen Ereignisse, die sich weiter entfalten. V. G. Belinsky betonte den epischen Charakter dieses Bildes, das eine ähnliche Rolle spielt wie der Chor in Puschkins Gedicht antike griechische Tragödie. In der Oper wird diese Rolle dadurch unterstrichen, dass die Geschichte des Alten Mannes an den Anfang gerückt wird und der Episode mit Zemfiras Lied vorangeht. Die Zeilen des poetischen Appells des Autors werden dieser Figur in den Mund gelegt:

Die magische Kraft des Gesangs
In meiner verschwommenen Erinnerung
So werden Visionen lebendig
Entweder helle oder traurige Tage.

Die Eröffnungssätze der Geschichte, begleitet von gemessenen Harfenakkorden, erinnern an die majestätische Figur von Bayan aus Ruslan und Lyudmila von Glinka. Aber schon am Ende dieser einleitenden Konstruktion findet ein Majorwechsel statt Minor mit dem gleichen Namen und die Oboe lässt zärtlich einen Satz erklingen, den man als Motiv trauriger Erinnerung bezeichnen kann:

In der Geschichte selbst wird die für das Genre der erzählenden Balladen charakteristische gemessene rhythmische Bewegung mit einer unterstrichenen traurig-lyrischen Ausdruckskraft der Intonationen kombiniert. Gleichzeitig verleiht die immer wieder wiederholte harmonische Wendung am Schluss der Phrasen der Musik eine besondere ergreifende und düstere Färbung:

Dieser Wechsel, dessen Anfänge wir bereits in den frühesten Jugendwerken Rachmaninows antreffen (z. B. einige vom Autor unveröffentlichte Romanzen, bestimmte Momente in der symphonischen Pose „Fürst Rostislav“), gehört zu den beliebtesten harmonischen Mitteln des Komponisten und findet sich so oft in seinen Kompositionen, die den Namen "Harmonie von Rachmaninow" erhielten. Der Akkord, der dem Tonika-Dreiklang vorausgeht, wird als verminderter Moll-Akkord der einleitenden Septims erklärt, wobei eine Terz durch eine Quarte ersetzt wird (in diesem Beispiel wird er als Terz-Viertel-Akkord dargestellt, überwiegend in Moll). Die Ausdrucksschärfe des gegebenen Umschlags wird durch den melodischen Verlauf der Oberstimme vom Eingangston nicht zur Tonika, sondern zur Terz des Modus verstärkt, wodurch ein gespannt klingendes instabiles Intervall einer reduzierten Quarte entsteht.

In „Aleko“ kommt dieser Wechsel in verschiedenen Fassungen immer wieder vor, spielt aber in der Geschichte des Alten Mannes eine besonders große Rolle, was die dramatische Knotenbedeutung dieser Episode unterstreicht.

Zemfiras Lied "Old Husband, Terrible Husband", das die mutige, unabhängige und freiheitsliebende Natur eines jungen Zigeuners charakterisiert, wurde von Puschkin in die Komposition der dramatischen Szene aufgenommen, die, wie oben erwähnt, vollständig und unverändert war. in die Oper verlegt. Mit großer Dramatik vermittelt der Komponist die Übergänge von einem ironischen, spöttischen Ton zu heftigen Hass- und Wutausbrüchen (vgl. chromatisch zugespitzte Anfangsphrasen mit schnellem melodischem Anstieg in den Worten: „Ich hasse dich, verachte dich“). Die wichtigsten melodischen Intonationen von Zemfiras Lied entwickeln sich und werden in der Szene ihres Todes teilweise weiter transformiert:

Das dramatische Zentrum der Oper ist Alekos Cavatine, unmittelbar im Anschluss an die Szene an der Wiege. Es offenbart mit großer Eindringlichkeit die schmerzlichen Erfahrungen des gespaltenen, zweifelnden Helden der Tschechow-Ära, dessen Gesichtszüge mit Puschkins Aleko in Rachmaninow ausgestattet sind. In der Musik der Cavatine gelang es dem Komponisten, eine Freiheit und Weite des melodischen Atmens zu erreichen, die seinen früheren Stimmexperimenten oft fehlte. Dominiert der erste Teil der Cavatine (Moderato. Allegro ma non troppo) von expressiver rezitativischer Deklamation, so ist ihre zweite Hälfte (Meno mosso) im Geiste einer elegischen Romanze. Schon das Warenhaus der Melodie und das Begleitmuster, das auf sanft schwankenden Triolen basiert, sind typisch für das Genre der Elegie, das in der russischen Gesangslyrik so beliebt ist. Diese lyrisch-romantische Form wird jedoch von Rachmaninow symphonisiert und mit lebhaftem dramatischem Ausdruck gefüllt. Hier verwendet der Komponist Tschaikowskys übliche Technik – die Darstellung lyrischer Themen mit allmählich zunehmender Ausdruckskraft und Spannung. Nach dem ersten Durchgang der Hauptmelodie in der Stimme wird sie auf Flöte und Klarinette übertragen, erhält eine hellere Farbe und klingt schließlich in der Orchestercoda pathetisch in kraftvollen Unisonos von Holz und Streichern.

Als bemerkenswertes Beispiel eines lyrisch-dramatischen Opernmonologs gehört Alekos Cavatine zu den besten Schaffensleistungen des jungen Rachmaninow. Es ist kein Zufall, dass sie als Konzertnummer eine so große Popularität erlangte.

Es kontrastiert mit der Romanze des jungen Zigeuners, die hinter der Bühne aufgeführt wird (Diese Technik könnte dem Librettisten durch eine der „Kampf“-Nummern von „Country Honor“ nahegelegt worden sein – Turiddus Romanze hinter der Bühne). Die Romanze wird in der Art einer Serenade getragen, die teilweise an Tschaikowskys Interpretation dieser Gattung erinnert. Wenn das Bild des jungen Zigeuners in der Oper keine helle individuelle Charakterisierung erhält (für die jedoch auch Puschkins Gedicht kein Material enthält), so drückt diese Episode den hellen Impuls eines jungen feurigen Gefühls im Gegensatz zu gut aus Alekos düstere Leidenschaft.

Rachmaninovs Oper ist vollgestopft mit verschiedenen Genreszenen des Chor- und Orchesterchoreografieplans. Ihre Rolle beschränkt sich nicht darauf, einen farbenfrohen Hintergrund für die Entwicklung einer dramatischen Handlung zu schaffen. In Anlehnung an Puschkin gibt der Librettist und Komponist eine romantisierte Darstellung des Lebens und der Bräuche der Zigeuner als Verkörperung natürlicher freiheitsliebender Gefühle, Freiheit von allen falschen Konventionen, die menschliche Beziehungen verzerren. Eine solche Romantisierung des Zigeunerelements war auch der russischen Kunst nicht fremd. spätes XIX Jahrhundert. Es genügt, an Gorkis Erzählung „Makar Chudra“ zu erinnern, die im selben Jahr wie Rachmaninows „Aleko“ erschien. Zigeunergesang zog Rachmaninoff schon in jungen Jahren an. Als Teenager hörte er den Gesang des berühmten Zigeunerlieders V. V. Zorina, der oft das Haus von N. S. Zverev besuchte. Das Interesse des Komponisten am Zigeunergesang spiegelte sich auch in dem kurz nach Aleko entstandenen Capriccio über Zigeunerthemen wider, das sogar einen thematischen Bezug zu dieser Jugendoper hat.

In „Aleko“ ist die authentische Zigeunerfolklore noch relativ schwach verkörpert. Die meisten Genreepisoden sind in allgemein gehaltenen, manchmal etwas neutralen orientalischen Tönen gehalten. So ist der Chor „Unsere Nachtruhe ist fröhlich wie eine Freiheit“, mit dem die Handlung der Oper beginnt, und ein kleiner poetischer Chor „Die Lichter werden gelöscht, ein Mond scheint von den himmlischen Höhen“ vor dem Duett von Zemfira und der junge Zigeuner. In diesen beiden Episoden kann man den offensichtlichen Einfluss der "Kuchkisten" und teilweise des Rubinstein-Ostens spüren.

Charakteristischer in der Farbigkeit sind die Tänze, die dramaturgisch die Rolle der „Entfernung“ nach Alekos Wutausbruch spielen, ausgelöst durch die Geschichte des Alten Mannes. Das Nebeneinander des geschmeidigen, lyrischen Frauentanzes und des schnellen Männertanzes bildet einen kleinen Zyklus, dessen Vorbilder im Opernschaffen russischer Komponisten zu finden sind. Der erste Tanz hat den Charakter eines melancholischen Walzers, aber mit einer merklichen orientalischen Färbung, die sich sowohl im melodischen Muster des Themas als auch in den Methoden der orchestralen Präsentation ausdrückt. Dies ist die erste Aufführung des Themas durch eine Klarinette, begleitet von Pizzicato-Streichern, gefolgt von einer Art schnellerem „Ausagieren“ (Con moto), das die typischen Wendungen von Zigeunertanzliedern wiedergibt.

Das Thema der damals beliebten Zigeunerromanze „Perstenek“ wurde im Männertanz verwendet. Anfangs scheint es im Bass langsam schwer zu schwanken (Meno mosso, alias zingara), dann klingt es immer schneller, mit zunehmender Energie, demonstriert Kraft, Wagemut und Mut.

Besonders hervorzuheben ist das Intermezzo, das die Handlung der Oper in zwei relativ unabhängige Teile teilt. Dieses kleine Orchesterbild ist ein Beispiel für eine ungewöhnlich feine instrumentale Klangmalerei. Das Gefühl der Morgendämmerung, des unsteten Zwielichts wird mit Hilfe von Licht, transparenter Instrumentierung, dem flackernden Wechsel einzelner Kurzkonstruktionen und der Unfassbarkeit der Klangfarbe wunderbar vermittelt. Die Tonika F-dur erscheint in ihrer reinsten Form nur in den allerletzten Takten des Intermezzos, während der eindringlich wiederholte Bass erklingt F wird dank des allgemeinen harmonischen Zusammenhangs eher als dominanter Orgelpunkt wahrgenommen. Sie wird überlagert von Harmonien, die der Haupttonalität fremd sind, was den Eindruck von Instabilität kombiniert mit einer besonderen Klangherbigkeit verstärkt. So hören im ersten Aufbau mit einem trägen, bewegungslosen Thema orientalischen Charakters das Englischhorn und die Klarinetten deutlich d-moll:

Der Eindruck tonaler Instabilität wird in der zweiten Darbietung des gleichen Themas noch verstärkt, wo zwei Klangebenen deutlich unterschieden werden. In der oberen Ebene wechseln sich Dreiklänge der V- und IV-Grade von d-Moll rhythmisch ab, während der Bass gleichmäßig auf den Klängen schwankt B Und F.

Intermezzo ist bei Rachmaninoff keine eigenständige, geschlossene orchestral-beschreibende Episode. Sein Hauptthema erklingt erneut zu Beginn der letzten Szene (nach der Romanze der jungen Zigeunerin), aber in der Tonart B-dur, nicht F-dur, und die gleichen Harmonien begleiten die Abschiedsworte von Zemfira und ihrem Geliebten. Dadurch wird das Intermezzo als detaillierter Vorläufer des nachfolgenden Bildes wahrgenommen, in dem die Handlung einen tragischen Höhepunkt erreicht. Auf diese Weise bereitet der Komponist den kraftvollsten und intensivsten Moment in der Entwicklung des Dramas gut vor.

Die Oper endet mit einer Art symphonischem Nachwort, einem Epilog in der Art eines Trauermarsches (Lento lugubre. Alia marcia funebre). Das breite, traurige Thema, das in den Streichern ausdrucksstark erklingt, wird von Alekos etwas melodramatisch gefärbten Bemerkungen „überlagert“: „Oh, Trauer! O Sehnsucht! Wieder allein, allein!

Trotz der bekannten Schieflage der Musik und einiger dramatischer Fehleinschätzungen scheint Rachmaninows Oper für einen so jungen Autor eine Ausnahmeerscheinung zu sein. Kruglikov bemerkte zu Recht, dass "keiner unserer besten Komponisten in seinen Jahren sein Debüt mit einer Oper gab, die an Verdiensten wie Aleko gleichwertig war".

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Finale der Oper "Aleko"

1. Historische und stilistische Analyse

Sergey Vasimlievich Rakhmamninov (1. April (20. März) 1873 - 28. März 1943) - Russischer Komponist, Pianist und Dirigent. Synthetisierte in seiner Arbeit die Prinzipien von St. Petersburg und Moskau Komponistenschulen(sowie die Traditionen der westeuropäischen Musik) und schuf seinen eigenen originellen Stil, der später sowohl die russische als auch die Weltmusik des 20. Jahrhunderts beeinflusste. Rachmaninoff Aleko Operngesang

Sergej Wassiljewitsch Rachmaninow wurde am 1. April 1873 in eine Adelsfamilie hineingeboren. S. V. Rachmaninovs Interesse an Musik zeigte sich in frühe Kindheit. Den ersten Klavierunterricht erhielt er von seiner Mutter, dann wurde der Musiklehrer A. D. Ornatskaya eingeladen. Mit ihrer Unterstützung trat Rachmaninov im Herbst 1882 in die Juniorabteilung des St. Petersburger Konservatoriums in die Klasse von V. V. Demyansky ein. Die Ausbildung am St. Petersburger Konservatorium verlief schlecht, daher wurde der Junge beim Familienrat nach Moskau versetzt und im Herbst 1885 in das dritte Jahr der Juniorabteilung des Moskauer Konservatoriums bei Professor N. S. Zverev aufgenommen.

Rachmaninov verbrachte mehrere Jahre in einem berühmten Moskauer Privatinternat. Musiklehrer Nikolai Zverev, dessen Schüler auch Alexander Nikolayevich Skryabin und viele andere herausragende russische Musiker waren (Alexander Ilyich Ziloti, Konstantin Nikolayevich Igumnov, Arseny Nikolayevich Koreshchenko, Matvey Leontievich Presman usw.). Hier wurde Rachmaninow im Alter von 13 Jahren Pjotr ​​Iljitsch Tschaikowsky vorgestellt, der später großen Anteil am Schicksal des jungen Musikers hatte.

1888 setzte Rachmaninov sein Studium an der Oberabteilung des Moskauer Konservatoriums in der Klasse seines Cousins ​​A. I. Siloti fort und begann ein Jahr später unter der Leitung von S. I. Tanejew und A. S. Arensky Komposition zu studieren.

Im Alter von 19 Jahren schloss Rachmaninov das Konservatorium als Pianist (bei AI Siloti) und als Komponist mit einer Goldmedaille ab. Zu dieser Zeit entstand seine erste Oper „Aleko“ (Abschlussarbeit) nach dem Werk von A. S. Puschkin „Zigeuner“, das erste Klavierkonzert, eine Reihe von Romanzen, Klavierstücke, darunter das Präludium in cis-Moll, das später wurde eines der berühmtesten Werke Rachmaninows.

Mit 20 Jahren wurde er Lehrer an der Moskauer Mariinsky-Frauenschule, mit 24 Jahren Dirigent der Moskauer Russischen Privatoper Savva Mamontov, wo er eine Saison lang arbeitete, aber einen wesentlichen Beitrag zur Entwicklung des Russischen leisten konnte Oper.

Rachmaninow wurde als Komponist, Pianist und Dirigent früh berühmt. Allerdings seine erfolgreiche Karriere wurde am 15. März 1897 durch die erfolglose Uraufführung der Ersten Symphonie (Dirigent - A.K. Glazunov) unterbrochen, die aufgrund schlechter Aufführung und - hauptsächlich - wegen des innovativen Wesens der Musik mit einem völligen Misserfolg endete. Dieses Ereignis verursachte eine schwere Nervenkrankheit.

1901 vollendete er sein Zweites Klavierkonzert, dessen Entstehung Rachmaninows Ausstieg aus der Krise und zugleich den Eintritt in die nächste markierte, Reifezeit Kreativität. Bald nahm er eine Einladung an, die Stelle eines Dirigenten am Moskauer Bolschoi-Theater einzunehmen. Nach zwei Spielzeiten unternahm er eine Italienreise (1906) und ließ sich dann für drei Jahre in Dresden nieder, um sich ganz der Komposition zu widmen. 1909 unternahm Rachmaninoff eine große Konzerttournee durch Amerika und Kanada und trat als Pianist und Dirigent auf.

Kurz nach der Revolution von 1917 nahm Rachmaninoff ein unerwartetes Angebot aus Schweden wahr, in Stockholm in einem Konzert aufzutreten, und verließ Ende 1917 zusammen mit seiner Frau Natalja Alexandrowna und seinen Töchtern Russland. Mitte Januar 1918 reiste Rachmaninoff über Malmö nach Kopenhagen. Am 15. Februar trat er zum ersten Mal in Kopenhagen auf, wo er sein Zweites Konzert mit dem Dirigenten Höheberg spielte. Bis zum Saisonende trat er in elf Sinfonie- und Kammerkonzerten auf, die ihm die Möglichkeit gaben, seine Schulden zu begleichen.

Am 1. November 1918 segelte er zusammen mit seiner Familie von Norwegen nach New York. Bis 1926 schrieb er keine bedeutenden Werke; kreative Krise so etwa 10 Jahre fortgesetzt. Nur 1926-1927. neue Werke erscheinen: das vierte Konzert und drei russische Lieder. Während seines Lebens im Ausland (1918-1943) schuf Rachmaninoff nur 6 Werke, die zu den Höhen der russischen und Weltmusik gehören.

Er wählte die Vereinigten Staaten als seinen ständigen Wohnsitz, tourte viel in Amerika und Europa und wurde bald als einer von ihnen anerkannt die größten Pianisten seiner Zeit und der größte Dirigent. 1941 vollendete er sein letztes Werk, das von vielen als sein größtes Werk anerkannt wird, Symphonic Dances. In den Jahren des Großen Vaterländischer Krieg Rachmaninov gab mehrere Konzerte in den USA, sammelte das gesamte Geld und schickte es an den Fonds der Roten Armee. Er spendete das Geld von einem seiner Konzerte an den Verteidigungsfonds der UdSSR mit den Worten: „Von einem der Russen alle mögliche Unterstützung für das russische Volk in seinem Kampf gegen den Feind. Ich möchte glauben, ich glaube an den vollständigen Sieg.

Die letzten Lebensjahre von Rachmaninov wurden von einer tödlichen Krankheit (Lungenkrebs) überschattet. Trotzdem setzte er seine Konzerttätigkeit fort, die erst kurz vor seinem Tod eingestellt wurde. Einigen Berichten zufolge ging Rachmaninoff zur sowjetischen Botschaft, wollte kurz vor seinem Tod nach Hause.

2. Oper "Aleko"

Oper in einem Akt von Sergej Wassiljewitsch Rachmaninoff nach einem Libretto von V.I. Nemirovich-Danchenko, basierend auf dem Gedicht von A.S. Puschkin „Zigeuner“.

Libretto.

Flussufer. Ringsherum stehen verstreute Zelte aus weißem und buntem Segeltuch. Rechts ist das Zelt von Aleko und Zemfira. In der Tiefe stehen mit Teppichen behangene Wagen. Hier und da werden Freudenfeuer angezündet, das Abendessen wird in Töpfen gekocht. Hier und da gibt es Gruppen von Männern, Frauen und Kindern. Allgemeines, aber ruhiges Treiben. Ein rötlicher Mond geht über dem Fluss auf. Unter den Zigeunern ist Aleko. Zwei Jahre ist es her, seit er die Stadt verlassen hat, seine Familie, seine Freunde, sind mit ihrem Lager zu den Zigeunern gegangen und umhergewandert. Die Oper beginnt mit einer Einleitung, in der reine und helle Bilder, ausgedrückt durch Melodien von Flöten und Klarinetten, mit einem dunklen, unheimlichen Motiv kontrastieren, das mit dem Bild von Aleko verbunden ist.

Wenn sich der Vorhang hebt, eröffnet sich dem Betrachter der Blick auf ein weitläufiges Zigeunerlager. Der Zigeunerchor „Unser Nachtquartier ist fröhlich wie eine Freiheit“ ist von einer heiter-lyrischen Stimmung durchdrungen. Der alte Zigeunermann erinnert sich an diesen Gesang. Er erzählt eine traurige Geschichte seiner Liebe: Die Zigeunerin Mariula liebte ihn nur ein Jahr lang, dann floh sie mit der Zigeunerin aus einem anderen Lager und hinterließ ihm die kleine Zemfira. Aleko fragt sich, warum der Zigeuner sich nicht an dem Verräter gerächt hat; er selbst würde nicht zögern, auch einen schlafenden Feind in den Abgrund zu stoßen. Zemfira ärgert sich über Alekos Reden. Sie hatte seine Liebe satt: „Mir ist langweilig, mein Herz verlangt nach Freiheit“, sagt sie zu ihrem Vater. Alle ihre Gedanken gehören nun einer jungen Zigeunerin. Aleko sinnt auf Rache.

Andere Zigeuner wollen mit Spaß und Tanz die traurige Stimmung aus der traurigen Geschichte der alten Zigeunerin vertreiben. Zuerst wird der "Frauentanz" mit seiner flexiblen, subtilen, rhythmisch skurrilen Klarinettenmelodie aufgeführt; in seinen skurril gelockten Wendungen, elastischen walzerartigen Rhythmen drückt sich der Wechsel der Schattierungen leidenschaftlicher Gefühle aus: entweder zurückhaltend, wie träge, oder mit aufblitzenden Sinnlichkeitsblitzen oder verführerischem Enthusiasmus aufflammend. Er wird durch den "Tanz der Männer" ersetzt; hier wendet sich der Komponist einer authentischen Zigeunermelodie zu. Am Ende beteiligen sich alle an einem gemeinsamen Tanz.

Zemfira und ein junger Zigeuner erscheinen. Er bittet sie um einen Kuss. Zemfira hat Angst vor der Ankunft ihres Mannes (Aleko) und verabredet eine junge Zigeunerin zu einem Date hinter dem Hügel über dem Grab. Aleko erscheint. Der junge Zigeuner geht. Zemfira betritt das Zelt und setzt sich neben die Wiege. Aleko sammelt Seile in der Nähe des Zeltes. Zemfira singt ein Lied an der Wiege ("Alter Ehemann, formidabler Ehemann"). Aleko schmachtet: „Wo sind die Freuden der zufälligen Liebe?“ Zemfira bekundet immer entschiedener und scharfer ihre Abneigung gegen Aleko und ihre Liebe zu der jungen Zigeunerin. Sie gibt mit extremer und sogar zynischer Offenheit zu: „Wie ich ihn / mich in der Stille der Nacht gestreichelt habe! Wie sie damals lachten / Wir sind deine grauen Haare! Am Ende geht Zemfira. Der Mond steigt hoch und wird kleiner und blasser. Aleko allein. Er singt seine großartige Arie „Das ganze Lager schläft“.

Der Mond versteckt sich; ein kleiner Morgen bricht an. Aus der Ferne ertönt die Stimme einer jungen Zigeunerin („Schau: Unter einem fernen Gewölbe / Der Vollmond geht“). Es beginnt zu leuchten. Rückkehr Zemfira und eine junge Zigeunerin. Zemfira vertreibt die junge Zigeunerin – es ist schon spät, Aleko darf auftauchen. Er will nicht gehen. Und dann, von ihnen unbemerkt, taucht Aleko wirklich auf. Er wird Zeuge ihrer Liebesszene. Zu seinem Vorwurf: "Wo ist deine Liebe?" - Zemfira antwortet wütend: „Lass mich in Ruhe! Du hast mich angewidert. / Die Vergangenheit wird nicht wiederkehren. Aleko bittet Zemfira, sich an ihr vergangenes Glück zu erinnern. Aber nein, sie ist kalt und ruft zusammen mit dem jungen Zigeuner aus: „Er ist lächerlich und erbärmlich!“ Aleko verliert den Verstand. Er ist bereit, sich zu rächen. Zemfira fordert die junge Zigeunerin auf, wegzulaufen. Doch Aleko versperrt ihm den Weg und ersticht ihn. Zemfira beugt sich verzweifelt über ihren Geliebten und weint. Wütend wirft sie Aleko zu: „Ich habe keine Angst vor dir. / Ich verachte deine Drohungen, / Ich verfluche deinen Mord. "Stirb auch du!" ruft Aleko aus und ersticht sie mit einem Messer.

Zigeuner kommen aus den Zelten. Sie werden durch den Lärm geweckt. Ein alter Mann rennt zu dem Lärm hinaus. Er ist entsetzt über den Anblick vor seinen Augen. Auch die Zigeuner sind entsetzt, sie umringen den alten Mann, Aleko, Zemfira und die junge Zigeunerin. Zemfira stirbt. Der alte Zigeuner will sich nicht am Mörder seiner Tochter rächen, kann ihn aber auch im Lager nicht ausstehen. Aleko wird verbannt. Eine bittere Verzweiflung, ein Bewusstsein des Schreckens der Einsamkeit durchziehen Alekos letzte Worte: „Oh, wehe! O Sehnsucht! Wieder allein, allein!

3. Schöpfungsgeschichte

Einen Monat vor der Abschlussprüfung in der Kompositionsklasse wurde Rachmaninov beauftragt, eine Diplomarbeit zu schreiben - eine Oper zum Libretto von V. I. Nemirovich-Danchenko (1858--1943) nach dem Gedicht "Zigeuner" von A. S. Puschkin. Die vorgeschlagene Handlung fesselte den Komponisten; Die Oper wurde in kürzester Zeit geschrieben - 17 Tage, was von der herausragenden Fähigkeit und Begabung des 19-jährigen Autors zeugt. Der Prüfungsausschuss erteilte Rachmaninov die Bestnote; Der Name des Komponisten war auf einer Marmorplakette eingraviert. Die Uraufführung der Oper, die am 27. April (9. Mai) 1893 im Moskauer Bolschoi-Theater stattfand, war ein Erfolg. P. I. Tschaikowsky, der bei der Aufführung anwesend war, sprach herzlich über sie.

Im Libretto der Oper ist Puschkins Gedicht stark reduziert, manchmal verändert. Die Handlung leitet sofort eine dramatisch angespannte Situation ein. Der Librettist hielt sich an Puschkins Gedanken und betonte den Hauptkonflikt - den Zusammenstoß der freien, fernab der zivilisierten Welt der Zigeuner mit dem stolzen und einsamen Aleko. Der „Knechtschaft stickiger Städte“ entronnen und davon geträumt, in den Steppen unter dem gastfreundlichen Schutz der Nomaden Ruhe zu finden, war er jedoch vom Fluch seiner Gesellschaft gezeichnet. Die Trauer bringt Aleko zu den Zigeunern, die ihn beschützt haben. Der Komponist widmete der Charakterisierung von Alekos emotionalen Erfahrungen die Hauptaufmerksamkeit.

"Aleko" ist eine lyrisch-psychologische Kammeroper mit intensiver dramatischer Handlung. Die Bilder der Helden des Dramas erscheinen vor dem Hintergrund farbenfroher Bilder der Natur und des Zigeunerlebens. Die Musik der Oper besticht durch Aufrichtigkeit des Ausdrucks und melodische Großzügigkeit.

In der Orchestereinleitung werden die mit Reinheit und Frieden aufgefächerten Melodien von Flöten und Klarinetten mit düsteren, unheimlichen Motiven kontrastiert, die in der Oper mit dem Bild von Aleko verbunden sind. Der Refrain „Unsere Unterkunft für die Nacht ist fröhlich wie eine Freiheit“ ist von einer heiteren lyrischen Stimmung durchdrungen. Die Geschichte des alten Mannes „Die magische Kraft des Chantens“ ist geprägt von Adel und weiser Einfachheit. Zigeunertanz bringt leuchtende Farben und temperamentvolle Rhythmen in die Musik; im Frauentanz wird eine sanfte, zurückhaltende Bewegung durch eine inbrünstig lebhafte ersetzt; Ein Männertanz, der auf einer authentischen Zigeunermelodie basiert, endet mit einem stürmischen, hektischen Tanz. In den folgenden Nummern der Oper beginnt sich das Drama schnell zu entfalten. Zemfiras Song „Old Husband, Formidable Husband“ umreißt ihren Charakter, stark und leidenschaftlich, meisterhaft und unverschämt. Cavatina Aleko „Das ganze Lager schläft“ entwirft ein romantisches Bild des von Eifersucht gequälten Helden; wenn man sich an Zemfiras Liebe erinnert, erhebt sich eine breite und bezaubernd schöne Melodie. Das orchestrale Intermezzo zeichnet ein poetisches Bild der Morgendämmerung. Die in Walzerbewegungen geschriebene Romanze des jungen Zigeuners „Schau, unter einem fernen Gewölbe“ ist von einem freudigen Gefühl der Fülle des Lebens durchdrungen. Im Moment der fatalen Auflösung erklingt die traurige Melodie von Alekos Einsamkeit.

4. Analyse des poetischen Textes

Zigeuner: Worüber reden sie? Was ist der Schrei?

Wen interessiert diese Nacht! Was ist hier passiert?

Steh auf, alter Mann!

Alter Mann: Aleko! Zemfira! Tochter!

Schau, weine, hier ist es!

Blutverschmierte Lügen.

Zigeuner: Eine schreckliche Sache, die ein Sonnenstrahl trifft.

Für wessen Verbrechen leidet unser Lager?

Zemfira: Vater! Seine Eifersucht ruiniert ... Ich sterbe!

Der alte Mann und die Zigeuner: Für immer ruhen.

Aleko: Zemfira! Sieh dir den Bösewicht an.

Für einen Moment deines freudigen Lebens werde ich meines ohne Reue geben.

Alter Zigeuner: Ehemänner! Gehen Sie über den Fluss, um frische Gräber zu graben.

Und die Frauen küssen in trauriger Folge alles vor den Augen der Toten.

Der Alte und die Zigeuner: Wir sind wild, wir haben keine Gesetze, wir quälen nicht, wir exekutieren nicht.

Wir brauchen kein Blut und kein Stöhnen, aber wir wollen nicht mit einem Mörder leben.

Deine Stimme wird für uns schrecklich sein.

Wir sind schüchtern und freundlich im Herzen. Du bist wütend und mutig, verlass uns.

Es tut mir leid! Möge der Friede mit Dir sein.

Aleko: Oh, wehe! Oh Traurigkeit! Wieder allein!

Der Text des Werkes ist eine direkte Rede im Namen der auf der Bühne agierenden Figuren: Aleko, Zemfira, ein alter Mann (Zemfiras Vater), ein alter Zigeuner und andere Zigeuner. Der Text hat keinen klaren Reim und Rhythmus und stellt kein ganzes Gedicht dar. Im Gegenteil, es besteht aus einzelnen Schreien von Zigeunern, einem allgemeinen Tumult, der Rede eines alten Mannes, dem Ausruf von Zemfira und den Bemerkungen von Aleko. Der Text spiegelt die Reaktion der Menschen auf den Mord wider. Die Sätze sind emotional gefärbt. Fast alle Sätze sind sehr kurz, haben einen extrem einfachen Aufbau.

Es stammt von verschiedenen Personen, hat jedoch keine klare Gesprächsstruktur. Die Zigeuner zeigen hauptsächlich ihre Besorgnis und ihre Einstellung zu dem, was passiert, während Zemfira ihren Vater direkt anspricht und Aleko Zemfira anspricht. Am Ende von allem Figuren Wende dich an Aleko. Es gibt auch eine gesichtslose Aussage einer alten Zigeunerin, die wie eine alte und weise Frau sagt, was zu tun ist. Während der gesamten Passage gibt es Aufregung, Spannung, Tragödie, die durch zahlreiche Ausrufe erzeugt wird. Der Text ist in einem hohen Stil geschrieben und vermittelt den Geschmack des ursprünglichen Puschkin-Textes.

Im Allgemeinen ist der Text vollständig eine direkte Ansprache von Menschen am Tatort. Alle Äußerungen sind stark emotional gefärbt, der Text vermittelt eine Atmosphäre des Grauens und die Tragik der vollbrachten Handlung. Alle Teilnehmer der Veranstaltung bringen ihre Position und ihre Einstellung zum Geschehen zum Ausdruck.

5. Analyse musikalischer Ausdrucksmittel

Die Szene wurde für vier Solisten geschrieben: Bass (Starik), Bariton (Aleko), Sopran (Zemfira) und Alt (Old Gypsy), sowie einen gemischten Chor und ein Sinfonieorchester. Die Größe ist grundsätzlich 4/4, sie ändert sich nur 2 Mal: ​​in der Folge mit Tempowechsel zu Allegro fiero mit den Worten „Ein schreckliches Ding trifft einen Sonnenstrahl“ – hier ändert sich die Größe auf 3/4, aber dieser Teil wird aufgrund des Tempos nach dem 2-Takt-Muster durchgeführt, wobei jeder Schlag ein ganzer Takt ist; und die zweite Größenänderung - im allerletzten Teil ändert sie sich zu 12/8 und letzter Satz kehrt zur ursprünglichen Größe zurück. Das Tempo ändert sich während der gesamten Szene. Das Finale beginnt im Vivo-Tempo, wechselt aber bald (für den Einsatz des Solisten) zu Moderato. Als der Chor nach dem Solisten einsetzt, ändert sich das Tempo erneut - Allegro fiero. Die Nachbildung des Solisten erklingt im Lento-Tempo und wechselt bei der Einleitung des Solisten wieder ins Moderato. Die Worte des alten Zigeuners werden von einem neuen Tempowechsel geleitet - Allegro ma non troppo, aber bald gibt es wieder einen Tempowechsel, Zemfiras Vater tritt in einem neuen Tempo ein - Grave (sehr langsam, bedeutend, feierlich, schwer). In dem Moment, in dem sich der Chor dem Solisten anschließt, wird das Tempo als Con moto und dann als Tranquillo angegeben, was ruhig bedeutet. Und der allerletzte Teil trägt den Titel Lento lugubre. Alla Marcia funebre, was übersetzt „düster“ bedeutet. Im Geiste eines Trauermarsches. Außerdem erfolgen alle Tempowechsel ziemlich abrupt, die Noten weisen vor dem neuen Tempo nicht auf Ritenuto oder Accelerando hin. Es gibt nur ein Ritenuto in der ganzen Szene – auf den allerletzten Schlägen der Schlussphrase, die im kantablen Andante-Tempo erklingt, was das tragische Ende der Oper betont. Gleichzeitig wiederholt die letzte Phrase das musikalische Material vom Anfang der Oper, wodurch Vollständigkeit und Vollständigkeit des Werks geschaffen werden. Alle vorherigen plötzlichen Tempowechsel tragen dazu bei, die Atmosphäre der Spannung und des Schreckens aufrechtzuerhalten, und ergänzen auch die Charakterisierung der Charaktere, da jede Replik eines jeden Solisten von einem neuen Tempo angeführt wird, das die den Worten innewohnenden Emotionen vermittelt.

Das Orchester erklingt fast während der gesamten Szene, nur in bestimmten Takten bleibt der Chor oder Solist a cappella zu singen. Das meiste Werk wird vom Chor in voller Kraft gesungen, alle Stimmen zusammen, aber Fugato wird auch zu Beginn verwendet Die Szene, die ein Bild von Aufruhr und Angst der Zigeuner erzeugt, die Aleko entdeckten, der Zemfira tötete, hier tritt jeder Teil separat ein, wiederholt eine musikalische Phrase und überlagert sich gegenseitig. Die Solisten singen meistens getrennt vom Chor und ihre Stimmen tun dies nicht zusammen mit dem Material des Chores erklingen, bis auf die Bemerkungen des alten Mannes gegen Ende der Szene - hier singen Zemfiras Vater und die Zigeuner zusammen, ihr Text erklingt gleichzeitig. Und noch eine Stelle überlagert der Chor den des Solisten Bemerkung - Zemfiras Bemerkung "Vater, Eifersucht hat ihn ruiniert", vor deren Hintergrund der Chor auf pp einen Satz mit den Worten "schreckliche Sache" ausgibt, der die Beziehung der Zigeuner zu Aleko betont Nach Zemfiras Worten "Ich sterbe" , erklingt im Orchester eine melodische Phrase aus Zemfiras vorherigem Song „Old Husband“.

Die dynamische Entwicklung ist sehr vielfältig und sehr flexibel. Die Dynamik schwankt von fff bis ppp mit allen möglichen Schattierungen. Jeder neue Eintrag ist von einer neuen Dynamik gekennzeichnet, die sehr gut mit der Sprachmelodie der gesprochenen Phrasen übereinstimmt. Der Höhepunkt ab 3 f kommt mit den Worten „aber wir wollen doch nicht mit einem Mörder leben“, und gerade 3 forte ist eigens für das Wort „Mörder“ geschrieben, was den Schrecken der Zigeuner in Relation zu betont Alekos Tat. Das ruhigste Element der Szene ist der letzte Teil.

Im Allgemeinen ist jeder Teil eines Solisten oder Chors ein separater Teil mit seinem eigenen Tempo und seiner eigenen Dynamik. Die Teile stehen recht kontrastreich zueinander und vermitteln den Charakter des Textes.

Was den Rhythmus betrifft, ist die Bewegung hauptsächlich in Achteln und Vierteln (gestrichelte Viertel). Es gibt sowohl die Hälfte als auch die Hälfte mit einem Unentschieden. Das Orchester hat oft einen punktierten Rhythmus, Tremolo, verschiedene Triolen, Sextolen und viele kleine Dauern, zum Beispiel bewegt sich das Orchester bei einer der Mittelstimmen, wenn die Größe zu s und dem Allegro fiero Tempo wechselt, in Sechzehntelnoten, mit solchen ein so kurzes Tempo betont die Erregung der Zigeuner, ihre Entmutigung.

6. Analyse performativer Ausdrucksmittel

Um dem Zuhörer möglichst lebendige und überzeugende künstlerische und figurative Inhalte der Komposition zu vermitteln, können viele Techniken eingesetzt werden. Das Werk ist dramatisch, aber gleichzeitig lyrisch. Die Musik ist sehr dynamisch, angespannt, während es noch intensivere Stellen gibt, wenn auch leise und langsam, wie das Ende der Szene. Diese Arbeit zeichnet sich durch Ausdruck und ein Übermaß an hellen, starken Gefühlen aus, da die Handlungen am Rande von Leben und Tod stattfinden. Daraus folgt, dass die Arbeit ganz frei, mit Gefühlen, mit Bewegung und Flucht, aber gleichzeitig ohne Hysterie und unnötig schnelles Tempo ausgeführt werden sollte. Dennoch sollte es in einem Atemzug gesungen werden und die gegensätzlichen Teile des Werks zu einem einzigen Ganzen verbinden.

Wenn Themen im Anfangsteil mit Fugato dirigiert werden, müssen die Chorstimmen in den Einleitungen klar sein und einen nahen Anschlag verwenden nicht legato. Und jeder Eintrag der Partei während der neuen Umsetzung des Themas sollte aktiver sein als der vorherige. In den Mittelstimmen wird vom Chor eine weichere und leichtere Tonführung gefordert. Das Führen der Melodie mit der Stimme sollte nicht zu einem sorgfältig gemachten Legato werden, im Gegenteil, Worte und Musik sollten zusammenhängend, aber leicht ausgesprochen werden. Die Übergänge in den Parteien sollten klar, aber nicht scharf sein. Im Schlussteil soll der Sound gesammelter und „schwerer“ werden, mit klaren und noch schärferen Übergängen, unter Verwendung eines Marcato-Anschlags.

Basierend auf der Analyse der Textur können wir sagen, dass Kohärenz und Synchronität von den Sängern verlangt werden. In diesem Werk sollte das Prinzip des „Alles-als-eins-Singens“ betont werden, besonders in der Einleitung und in den einzelnen Teilen in der Mitte, wo keine bestimmte Stimme hervorsticht. Gleichzeitig sollte es klare, klare dynamische Übergänge geben, die nicht zu scharf, sondern in einigen Teilen im Gegenteil so glatt wie möglich sein sollten. Jeder Teil muss seine Melodie mit Klangfarbe sättigen.

Es sei darauf hingewiesen, dass sich in diesem Aufsatz kontrastierende Bilder abwechseln. Am Anfang, im Fugato, sollte jede neu eintretende Stimme bis zur nächsten im Vordergrund stehen und so die vorherige "zum Schweigen bringen", wodurch das Bild einer aufgeregten und besorgten Menge über das Geschehene entsteht. In den restlichen Teilen sollten alle Einleitungen klar und allgemein sein, der Chor schafft das Bild einer einzigen Masse von Zigeunern, die als Zeugen des Dramas und als Hintergrund für die Enthüllung der Bilder von Aleko, Zemfira und Zemfiras Vater dienen. Besonderes Augenmerk sollte auf die Klarheit und Genauigkeit der Wiedergabe des Notentextes und der manchmal sehr gegebenen Ideen des Komponisten gelegt werden schnelles Tempo funktioniert. Jeder Sänger muss das Pulsieren der Dauer in sich spüren, ihm aber gleichzeitig nicht folgen, sondern ruhig bleiben, um ein ohnehin schon schnelles Tempo nicht zu beschleunigen. Der Klang soll fließen und fließen und die ganze Schönheit der Musik vermitteln. Dieses Werk kann nicht einfach so gesungen werden, es muss gefühlt werden und den Charakter von Tragik, Ausdruck, aktivem Erleben bekommen, um den Zuhörer zu fesseln und bis zum Schluss „nicht mehr loszulassen“. Der Chor muss den Schock der Zigeuner, deren ganze Welt durch Alekos schreckliche Tat zerstört wurde, fremd erklingen lassen.

Zu all dem sollte die Aufmerksamkeit jedes Sängers auf die Abstimmung der Musik mit dem Text und eine klare Artikulation hinzugefügt werden. Die Diktion sollte klar sein, mit längerer Beibehaltung des Tons auf Vokalen, mit einem geringeren Grad ihrer Reduktion, wenn sie in verschiedenen Registern ausgesprochen werden, mit schneller und klarer Aussprache von Konsonanten, die sie innerhalb des Wortes auf den nachfolgenden Vokalton beziehen. Die Stärke des Tons sollte nicht zu hell sein, aber die Wörter sollten ziemlich leicht und aktiv ausgesprochen werden. Es gilt, im Text auf die Intonationen und semantischen Betonungen zu achten und diese mit der Musik abzustimmen.

Der Chor muss ein helles, aufgeregtes, angespanntes, dramatisches, aber gleichzeitig sehr ernstes, tiefes und ruhiges Bild schaffen, das die Natur des Bewusstseins der Tragödie vermittelt, die sich vor den Augen der Zigeuner ereignet hat. Damit wird die Nummer in einem Atemzug befolgt, was die Zuhörer zum Zittern, Entsetzen, Anspannung und seelischen Ausbruch bringt.

7. Technische Vokal-Chor-Analyse

Der Schreibstil des Werkes ist überwiegend homophon-harmonisch. Dies führt zur ersten Schwierigkeit – Dynamik. Es ist darauf zu achten, dass die Stimmen in der Anzahl der Töne gleich sind und klar von Akkord zu Akkord übergehen, mit Ausnahme der Fugatopassage, wo die Parteien Themen haben. In Zeiten melodischer Überlegenheit einer der Stimmen ist es erforderlich, eine Gleichmäßigkeit zwischen den Begleitstimmen zu erreichen, damit sich die führende Stimme von ihrem Hintergrund abhebt. Außerdem ist es notwendig, Klarheit bei allen Entfernungen und Einführungen zu erreichen.

Zu Beginn der Szene ist es notwendig, klare Intros von jeder Stimme und Harmonie in den Lautsprechern zu erreichen – jedes neue Intro sollte klar und hell sein, während die restlichen Stimmen in diesem Moment „in den Hintergrund gehen“ und so das schaffen Wirkung von sprechenden Menschen in der Menge, die durch das, was sie sehen, entmutigt sind.

Außerdem gibt es hier rhythmische Schwierigkeiten. Ziemlich oft gibt es synkopierte Intros und Out-of-Bar-Intros. Diese Einführungen müssen ausgearbeitet werden. Der punktierte Rhythmus sollte klar, aber nicht abrupt ausgeführt werden und den Fluss des Stücks nicht beeinträchtigen. Plus variables Tempo. Es ist zu beachten, dass dies alles mit völlig unterschiedlichen Geschwindigkeiten geschieht - von sehr schnell bis sehr langsam.

Es gilt, künstlerische Einheit in der Aufführung zu erreichen, d.h. Ensemble. "Chordarbietung impliziert eine organische Verschmelzung von Individualitäten, die Fähigkeit, die eigene Stimme und den Chor als Ganzes zu hören, die eigene Stimme mit der allgemeinen Klangfülle gleichzusetzen, die eigenen Aktionen flexibel mit den Aktionen anderer Sänger zu koordinieren." Sie sollten an privaten und allgemeinen Ensembles arbeiten.

Außerdem sollte auf die Abstimmung des Chores mit dem Orchester und den Solisten geachtet werden. Im Ensemble sollten alle harmonisch klingen, die Solisten sollten mit dem Orchester kombiniert werden, ebenso wie der Chor. Gleichzeitig muss das Orchester den Chor begleiten und keinesfalls überlagern, auch wenn der Chor auf dem Klavier singt.

Zusätzlich zu all dem oben Genannten gibt es große Schwierigkeiten, einen Chor mit einem Solisten ohne Begleitung zu singen. Der Chor hat nicht das Recht, auch nur minimal zu "rutschen", da nach dem separaten Eintritt des Chores ein Orchester hinzugefügt wird, zu dessen Zeitpunkt sich die Tonalität nicht einmal um 1/8 eines Tons ändern sollte .

8. Schwierigkeiten des horizontalen Systems

In jeder Partei ist es notwendig, ein Ensemble zu erreichen; Dazu muss sichergestellt werden, dass alle Stimmen in ihrer Stärke ausgewogen sind und farblich ineinander übergehen. Dazu ist darauf zu achten, dass jeder Sänger auf sich und seine Parteinachbarn hört und beim Singen seine Stimme in die allgemeine Stimmenmasse seiner Partei einbaut.

Außerdem hat die Melodie jedes Teils ihre eigenen Schwierigkeiten. Hier sind einige Beispiele von ihnen:

Wiederholung einer Note

(Sopran und Alt)

Bei einer solchen Komplexität ist es notwendig, dass der Chor alle Wiederholungen gleichmäßig singt, und jede nachfolgende Note sollte nicht intonatorisch niedriger / höher als die vorherige sein. Alle gleichen Noten müssen gleich sein.

Stoppen Sie bei einer Note

(Sopran)

Hier sollten die Sänger auf ihre Intonation achten. An solchen Stellen müssen Sie aufpassen, dass das System nicht kriecht. Um dies zu tun, müssen Sie zuhören, damit der gerade gehaltene Akkord klar gehalten wird, und sich nicht nur auf Ihren eigenen Part, sondern auch auf andere konzentrieren.

Damit die Sprünge genau und ohne große Schwierigkeiten erreicht werden, sollten diese Stellen mit jeder Partei einzeln und dann mit dem gesamten Chor mehrmals ausgearbeitet werden.

Hinzu kommen Schwierigkeiten wie schrittweises Auf- oder Abwärtsbewegen, Singen einer Note, rhythmische Schwierigkeiten in Form von Achtel- und Viertelwechseln, Zavyaschi, dynamische Schwierigkeiten wie „Gabeln“, abrupte Dynamikwechsel, alle Entfernungen und Einführungen, Schwierigkeiten beim Größenwechsel, die Gefahr der Fokussierung auf den schwachen Takt etc.

9. Schwierigkeiten des vertikalen Systems

Es ist notwendig, ein gemeinsames Ensemble zu erreichen, dazu sollte sichergestellt werden, dass jeder Teil in der Klangstärke mit anderen ausgewogen ist.

Hinzu kommen spezifische Gefahren für den Chor, wie Tonart- und Moduswechsel, instabile Akkorde, Imitationen in verschiedenen Stimmen. Hier lohnt es sich, auf den Basspart zu achten und darauf zu achten, dass sie ihre Bewegungen sauber und klar singen und vor allem, dass als Ergebnis des Singens dieser Bewegungen die stabilen Haupttöne, die die harmonische Unterstützung des Akkords darstellen, entstehen würden genau sein.

Bei der Solistenstimme ist darauf zu achten, dass der eintretende Chor die Linie des Solisten fortsetzt und zum Bild passt. Dazu ist es notwendig, die Dynamik des Chores so zu korrigieren, dass seine Einleitung nicht lauter als der Solist ist, sowie die Begleitstimmen klanglich gleich sind und ihre Melodie sauber und klar ausführen. Dabei soll sich das Orchester nicht einmischen, sondern im Gegenteil helfen und einen Hintergrund und eine klangliche Grundlage schaffen. Hier ist es äußerst wichtig, klare und gut koordinierte Übergänge der Begleitstimmen sowie deren sehr genaue Rückzüge und Einführungen herauszuarbeiten.

Es gibt auch Akkorde, die für die Einleitung unbequem sind, mit Synkopen und der Bildung verschiedenfarbiger Konsonanzen. An diesen Stellen kommt das Orchester zu Hilfe, in dessen klingenden Akkorden sich meistens Referenzklänge befinden.

Schwierig sind Stimmen mit Imitationen, wo es gilt, rhythmisch und intonatorisch klare Einleitungen jeder Stimme und den Durchgang ihrer Motive zu erreichen, Appelle und Polyphonie zu schaffen.

Darüber hinaus hat das Werk eine gewisse Anzahl verschiedener Verzögerungen und Stopps in verschiedenen Stimmen, Unisonos zwischen verschiedenen Stimmen. Aber die Hauptschwierigkeit des ganzen Werkes bleibt dennoch das Ensemble.

Im Allgemeinen ist das System als eines der Hauptelemente der Chortechnik im gesamten Werk sehr wichtig. Es muss darauf geachtet werden, dass der gesamte Chor die Intonationsregeln der Schritte je nach Bund befolgt und den Klang mit dem Orchester verbindet. Da das Werk stellenweise a cappella mit Ein- und Ausstieg der Begleitung vorgetragen wird, kommt es hier besonders auf die Schärfe und Klarheit der Intonation an. Sängerinnen und Sänger müssen das von ihnen gesungene Werk kontinuierlich analysieren und die Ergebnisse dieser Analyse in der Praxis anwenden, um das Gewünschte zu erreichen Es muss ihnen erklärt werden, dass und wofür sie zu tun haben, um ihr Verständnis in der Arbeit an der Arbeit zu erreichen.

Darüber hinaus sollten im Chor alle Arten von Ensembles erreicht werden: rhythmisches Ensemble – dies ist besonders schwierig, da die Größe variabel ist und der Rhythmus variiert, ist es notwendig, dass der Chor dies lernt metrische Schläge fühlen; dynamisches Ensemble - es ist notwendig, die Schönheit der Klangfarben und die Proportionalität der Schattierungen zu bewahren; Unisono-Ensemble; Harmonisches Ensemble usw. Und natürlich das Ensemble aus Chor, Orchester und Solisten.

10. Analyse der Mittel und Techniken der Dirigieraufführung

Um das beste Ergebnis zu erzielen, braucht der Dirigent maximale Gelassenheit. Die Geste sollte auf keinen Fall zu leicht sein, im Gegenteil, sie sollte schwerer und klarer sein, aber auf keinen Fall zu schwer oder sprunghaft. Der Klang, der unter dem Einfluss der Gesten des Dirigenten entsteht, soll melodisch und fliegend sein, aber nicht in die Länge gezogen, sondern im Gegenteil – mit Lust nach vorne. Es ist auch wichtig, dass das Tempo und der Charakter sofort klar sind und dass der Dirigent die Einleitungen klar zeigt.

Da das Tempo des Werks stellenweise schnell ist, lohnt es sich, einen recht kompakten, aber durchaus dynamischen Gestus zu verwenden, der sowohl den Chor als auch das Orchester und die Solisten umfasst. Seine Amplitude sollte recht groß sein, aber gleichzeitig je nach Dynamik richtig variiert werden. Die Geste sollte sanft, kraftvoll genug und rhythmisch klar sein, aber gleichzeitig schwer und angespannt genug, um die Natur der Arbeit zu vermitteln. Der Dirigent muss mit der Emotionalität der Geste die innere Ruhe bewahren. Aufregung der Show sowie „Langweiligkeit“ und Langwierigkeit sollen nicht erlaubt sein, die Geste soll die Spannung widerspiegeln, die der Dramatik des Werkes entspricht. Der Auftakt soll Tempo, Dynamik und Charakter des Werkes widerspiegeln. Da die ersten beiden Fragmente mit dem Chor recht schnell im Tempo und unruhig im Charakter sind, sollte die Gestik des Dirigenten angespannt und konzentriert sein, mit innerer Zurückhaltung, damit der Chor keinen Anlass hat, das ohnehin schon schnelle Tempo zu beschleunigen. In den anschließenden langsameren Passagen soll die Spannung erhalten bleiben, die Geste aber legitimer und viskoser werden.

Legen Sie von Anfang an das Tempo für den Chor fest und konzentrieren Sie sich dann darauf, die Übergänge in der Dynamik klar darzustellen, Charakter zu vermitteln und auf die führenden Stimmen und Solisten zu achten. Außerdem sollten Änderungen im Tempo äußerst deutlich sein. Es sollte jedoch sichergestellt werden, dass die Spannung in verschiedenen Raten aufrechterhalten wird, die in Zukunft zunehmen und eine Intensität der Gefühle und Verzweiflung der Zigeuner erzeugen sollten. Darüber hinaus sind genaue Anzeigen von Auszahlungen und Intros erforderlich. Shows sollten klar emotional sein. Im Finale muss der Dirigent die Einführungen und Rückzüge für alle Stimmen zeigen, während er die Dynamik und den Charakter zeigt, da dies der Höhepunkt und der dramatischste Moment des Werks ist. Alle dynamischen Kontraste müssen sehr klar vermittelt und mit einer Geste ausgedrückt werden.

Das Tempo ist eine separate Schwierigkeit. Zunächst sollten Sie denken, dass es nicht zu schnell ist. Es muss Vorwärtsbewegung und Flucht vorhanden sein, aber die Beschleunigung des Tempos darf nicht zugelassen werden. In den mittleren Teilen ist es notwendig, sich in den Bereich eines langsamen Tempos zu bewegen, aber nicht zu langsam, damit es nicht in die Länge gezogen wird und es zu Bewegung und Flucht kommt. Außerdem muss dieses Tempo entsprechend den Noten des Komponisten flexibel variiert werden. Jedes gewählte Tempo muss begründet werden und dem Bild entsprechen.

Im Allgemeinen muss der Dirigent Gesten verwenden, um die Art des Werks so genau wie möglich zu vermitteln, um dem Zuhörer seine Gefühle und Vision des Werks durch den Chor zu vermitteln. Zwingt Sie, sein gesamtes Werk in einem Atemzug zu hören, mit angehaltenem Atem und in ständiger Spannung.

Referenzliste

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2. Krasnoshchekov V. I. Fragen der Chorwissenschaft. M.; Musik, 1969

3. Romanovsky N.V. Chorlexikon. M.; Musik, 2005

4. Chesnokov P. G. Chorus und Management von ihnen M., 1953.

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Das Zigeunerlager durchstreift die Steppen von Bessarabien. Eine Zigeunerfamilie bereitet das Abendessen am Feuer zu, Pferde grasen in der Nähe und ein zahmer Bär liegt hinter dem Zelt. Allmählich verstummt alles und verfällt in einen Traum. Nur in einem Zelt schläft der alte Mann nicht und wartet auf seine Tochter Zemfira, die auf dem Feld spazieren gegangen ist. Und dann erscheint Zemfira zusammen mit einem jungen Mann, der dem alten Mann unbekannt ist. Zemfira erklärt, dass sie ihn hinter dem Schubkarren getroffen und ins Lager eingeladen habe, dass er vom Gesetz verfolgt werde und Zigeuner werden wolle. Sein Name ist Aleko. Der alte Mann lädt den jungen Mann herzlich ein, so lange zu bleiben, wie er möchte, und sagt, dass er bereit ist, Brot und Obdach mit ihm zu teilen.

Am Morgen weckt der alte Mann Zemfira und Aleko, das Lager erwacht und macht sich mit einer malerischen Menschenmenge auf den Weg. Das Herz des jungen Mannes schrumpft vor Angst beim Anblick der verlassenen Ebene. Aber wonach sehnt er sich? Das will Zemfira wissen. Es kommt zu einem Gespräch zwischen ihnen. Zemfira befürchtet, dass er das Leben bereut, das er verlassen hat, aber Aleko beruhigt sie und sagt, dass er „die Gefangenschaft stickiger Städte“ ohne Reue verlassen hat. In dem Leben, das er aufgegeben hat, gibt es keine Liebe, was bedeutet, dass es keinen Spaß gibt, und jetzt ist es sein Wunsch, immer bei Zemfira zu sein. Der alte Mann, der ihr Gespräch hört, erzählt ihnen eine alte Legende über einen Dichter, der einst vom König in diese Länder verbannt wurde und trotz der Liebe und Fürsorge der Einheimischen in seiner Heimat in seiner Seele schmachtete. Aleko erkennt Ovid im Helden dieser Legende und ist erstaunt über die Wechselfälle des Schicksals und die Vergänglichkeit des Ruhms.

Zwei Jahre lang streift Aleko mit dem Lager herum, frei wie die Zigeuner selbst, und bereut die Aufgabe nicht. Er führt einen Bären durch die Dörfer und verdient damit seinen Lebensunterhalt. Nichts stört seinen Seelenfrieden, aber eines Tages hört er Zemfira ein Lied singen, das ihn verwirrt. In diesem Lied gibt Zemfira zu, dass sie sich nicht mehr in ihn verliebt hat. Aleko bittet sie, mit dem Singen aufzuhören, aber Zemfira fährt fort, und dann erkennt Aleko, dass Zemfira ihm untreu ist. Zemfira bestätigt Alekos schrecklichste Annahmen.

Nachts weckt Zemfira ihren Vater und sagt, dass Aleko im Schlaf weint und stöhnt, sie ruft, aber seine Liebe hat Zemfira angewidert, ihr Herz verlangt nach Freiheit. Aleko wacht auf und Zemfira geht zu ihm. Aleko will wissen, wo Zemfira war. Sie antwortet, dass sie bei ihrem Vater gesessen habe, weil sie den Anblick von Alekos seelischer Qual, die er in einem Traum erlebt habe, nicht ertragen könne. Aleko gibt zu, dass er Zemfiras Verrat in einem Traum gesehen hat, aber Zemfira überredet ihn, nicht an hinterhältige Träume zu glauben.

Der alte Zigeuner bittet Aleko, nicht traurig zu sein und versichert ihm, dass die Sehnsucht ihn zerstören wird. Aleko gibt zu, dass der Grund für seine Traurigkeit Zemfiras Gleichgültigkeit ihm gegenüber ist. Der alte Mann tröstet Aleko, sagt, dass Zemfira ein Kind ist, dass das Herz einer Frau scherzhaft liebt, dass es niemandem freisteht, einem Frauenherz zu befehlen, einen zu lieben, wie man dem Mond befiehlt, an Ort und Stelle zu gefrieren. Aber Aleko, der sich an die Stunden der Liebe mit Zemfira erinnert, ist untröstlich. Er beklagt, dass "Zemfira sich abgekühlt hat", dass "Zemfira untreu ist". Zur Erbauung erzählt der alte Mann Aleko von sich, wie jung er war, wie er die schöne Mariula liebte und wie er schließlich Gegenseitigkeit erlangte. Aber die Jugend verging schnell, noch schneller - Mariulas Liebe. Einmal ging sie mit einem anderen Lager weg und hinterließ ihre kleine Tochter, dieselbe Zemfira. Und seitdem hassen "alle Jungfrauen der Welt" den alten Mann. Aleko fragt, wie der alte Mann sich nicht an den Tätern rächen konnte, wie er dem Entführer und der untreuen Frau keinen Dolch ins Herz stoßen konnte. Der alte Mann antwortet, dass nichts die Liebe halten kann, nichts zurückgegeben werden kann, "was war, wird nicht wieder sein". Aleko versichert dem alten Mann, dass er selbst nicht so ist, dass er seine Rechte nicht aufgeben oder gar Rache genießen kann.

Unterdessen ist Zemfira mit einer jungen Zigeunerin verabredet. Sie einigen sich auf ein neues Datum für diese Nacht, nachdem der Mond untergegangen ist.

Aleko schläft unruhig und findet beim Aufwachen Zemfira nicht in der Nähe. Er steht auf, verlässt das Zelt, Misstrauen und Angst befallen ihn, er wandert um das Zelt herum und sieht eine im Sternenlicht kaum sichtbare Spur, die über die Hügelgräber hinausführt, und Aleko folgt dieser Spur. Plötzlich sieht er zwei Schatten und hört die Stimmen zweier Liebender, die sich nicht voneinander trennen können. Er erkennt Zemfira, die ihren Geliebten bittet, wegzulaufen, aber Aleko sticht mit einem Messer auf ihn ein ... Zemfira sagt verängstigt, dass sie Alekos Drohungen verachtet und ihn verflucht. Aleko tötet sie auch.

Dawn fand Aleko mit einem blutigen Messer in der Hand hinter einem Hügel sitzend. Vor ihm liegen zwei Leichen. Die Stammesangehörigen verabschieden sich von den Toten und graben Gräber für sie. Ein alter Zigeuner sitzt in Gedanken. Nachdem die Leichen der Liebenden beigesetzt sind, geht er auf Aleko zu und sagt: „Verlass uns, stolzer Mann!“ Er sagt, die Zigeuner wollten nicht neben einem Mörder leben, mit einem Mann, der „nur für sich“ die Freiheit will.

Der alte Mann sagte dies, und das Lager entfernte sich bald und verschwand in der Ferne der Steppe. Nur ein Karren blieb im tödlichen Feld. Die Nacht brach herein, aber niemand legte vor ihr Feuer und niemand verbrachte die Nacht unter ihrem Dach.

nacherzählt