Rokotov, Fjodor Stepanowitsch. Porträt von A.P. Struyskaya. 1772. Tretjakow-Galerie
Leinwand, Öl. 59,8 x 47,5

Die Frau im Porträt scheint aus der Dunkelheit aufzutauchen, er ist halb im Dunst versunken. Nur ausdrucksstarke Augen sind klar definiert – strahlend, auffällig. Besonders gelungen im Porträt von Struyskaya, die Augen sind in Rokotovs Porträts immer interessant. Sie drücken vielfältige Gefühle aus, sind immer besonders leuchtend und bilden den Mittelpunkt des Porträts. Sie sprechen sogar von „Rokotovs Augen“ als besonderem „Know-how“.
Das Porträt wurde von Nikolai Struysky, dem Ehemann von Alexandra Petrowna, in Auftrag gegeben. Zur gleichen Zeit malte Rokotov auch ein Porträt von Nikolai Struysky selbst. Nikolai Struysky, der auf die gleiche Weise aufgeführt wird, ist noch viel weniger bekannt. Dieses Porträt ist auch in der Tretjakow-Galerie in einem anderen Raum zu sehen.
Vermutlich wurden für die Hochzeit Paarporträts bestellt, und in diesem Fall ist Alexandra Struyskaya auf dem Porträt nicht älter als 18 Jahre.
Rokotov blieb viele Jahre lang ein Freund der Familie Struysky, und Nikolai Struysky war fast der einzige Bewunderer von Rokotovs Talent und er war der erste, der eine Sammlung seiner Werke zusammenstellte.
Über Nikolai Struysky werden viele widersprüchliche Geschichten erzählt. Ich interessiere mich sehr für Malerei und Literatur Veröffentlichung Er blieb in seinem Haushalt immer noch ein Tyrann, für die Leibeigenen ein kleiner Tyrann.
Der „seltsame Herr“ hielt sich übrigens für einen Dichter und widmete seiner angebeteten Frau haufenweise plumpe, schwerfällige Verse. Ironischerweise ging keines davon in die Geschichte ein, aber das Gedicht, das nicht der Schönheit selbst, sondern Rokotovs Porträt gewidmet war, wurde zum Lehrbuch.
Dies ist das berühmte „Porträt“ von Nikolai Zabolotsky, gemalt im 20. Jahrhundert, nach dem Tod aller drei Charaktere: des Künstlers und seiner beiden Modelle.
Liebe Malerei, Dichter!
Nur sie, die Einzige, ist gegeben
Seelen mit veränderlichen Zeichen
Auf Leinwand übertragen.
Erinnerst du dich, wie aus der Dunkelheit der Vergangenheit,
Kaum in Satin gehüllt
Nochmals aus dem Porträt von Rokotov
Hat Struyskaya uns angesehen?
Ihre Augen sind wie zwei Wolken
Halb lächeln, halb weinen
Ihre Augen sind wie zwei Lügen
Umhüllt vom Nebel des Scheiterns.
Kombination zweier Geheimnisse
Halb Freude, halb Schrecken
Ein Anfall wahnsinniger Zärtlichkeit,
Die Vorfreude auf Todesqualen.
Wenn die Dunkelheit kommt
Und der Sturm kommt
Aus tiefstem Herzen flackert es
Ihre wunderschönen Augen.

Borowikowski Wladimir Lukitsch
Porträt von M. I. Lopukhina
1797
Leinwand, Öl
72 x 53,5

„Sie ist schon lange verstorben und diese Augen gibt es nicht mehr
Und es gibt kein Lächeln, das stillschweigend ausgedrückt wurde
Leiden ist der Schatten der Liebe und Gedanken sind der Schatten der Trauer,
Aber Borovikovsky hat ihre Schönheit gerettet.
Damit ein Teil ihrer Seele nicht von uns flog,
Und es wird dieses Aussehen und diese Schönheit des Körpers geben
Um ihr gleichgültige Nachkommen anzulocken,
Lehre ihn zu lieben, zu leiden, zu vergeben und zu schweigen.
(Y. Polonsky)

Borovikovsky hat etwas Geheimnisvolles – ein Porträt von M. I. Lopukhina, zweifellos sein bestes Werk, sein Meisterwerk. Zuallererst ist das Licht, mit dem die Figur einer Frau durchflutet wird, auffällig, wie T. Alekseeva treffend feststellte, es „absorbiert die Helligkeit der Farbe“ und Farbflecken (wir werden ihre Bemerkung verwenden, die sich jedoch darauf bezieht, jedoch zu einem anderen Porträt von Borovikovsky) entstehen „wie aus den Tiefen der Luft Hintergrund“. Lopukhina ist in diesen Luftstrom eingetaucht.
Wie immer bei Borovikovsky trägt sie ein weißes Kleid und einen farbigen Schal, wie immer ist sie leicht nach rechts verschoben, damit wir die Landschaft sehen können. Sie ist manchmal ein wenig kokett, äußerst unabhängig und souverän und sieht etwas trotzig aus. Aber dieses Licht, das über ein junges Gesicht gleitet, diese fliegenden Locken, diese so zart umrissenen Lippen (sie zittern einfach nicht) – alles in diesem bezaubernden Gesicht ist voller Sanftheit und Lyrik – genau der Leichtgläubigkeit, die vollkommenes Selbstvertrauen einflößt. Doch das Gefühl von Leichtigkeit, Lyrik und Leichtgläubigkeit verschwindet sofort, man muss ihr nur in die Augen schauen – sie haben das harte Grün einer Traube. Nein, mehr noch: Sie sind entfremdet, fast feindselig. Auf jeden Fall ist die Barriere noch deutlicher und schärfer als bei Rokotovs Modellen. Mit welcher realistischen Geschicklichkeit wird Lopukhinas Gesicht ausgeschrieben, und doch entpuppt sich die höchste Realität als eine unbekannte tiefe Erfahrung, über die wir raten (die wir genauer gesagt zu enträtseln versuchen). Egal wie unterschiedlich beide Künstler sind, auch polare, in der Schreibweise, im Stil, im Verhältnis zum Vorbild, in der Weltanschauung – immer noch ihre eigenen Das beste Ding Borovikovsky nähert sich Rokotov an, und die gemeinsame Basis für die Annäherung ist die Nähe zum Unerkennbaren und das Gefühl eines Schleiers.
Chaikovskaya O.G. „Wie ein neugieriger Skythen …“: Russische Porträts und Erinnerungen aus der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. - M.: Buch, 1990. S.267.
(

Walentin Alexandrowitsch Serow
Von der Sonne beleuchtetes Mädchen (Porträt von M.Ya.Simonovich)
Leinwand, Öl. 89,5 x 71 cm.
Zustand Tretjakow-Galerie, Moskau.

Maria Jakowlewna Simonowitsch (1864–1955), seine Cousine, posierte für den Künstler. Die Originalität der Komposition kam darin zum Ausdruck, dass das Modell unter dem Blätterdach der Bäume platziert wurde. Mit Teilschlägen vermittelt Serov das Spiel Sonnenstrahlen, flackernde farbige Schatten. Warme, sanfte Strahlen stören den gebannten Zustand der jungen Heldin nicht. Ihre entspannte Haltung verstärkt den Eindruck der Auflösung in Lichtreflexionen und irisierenden Blitzen. Nur das Gesicht, die weiße Bluse und die Hände des Mädchens sind mit farbimpressionistischen Reflexen bedeckt, und die Details, die ihre Figur umrahmen, sind in dunklen Farben gemalt. Auffallend ist die Kunstfertigkeit des Künstlers, die Augen des Modells darzustellen, aus denen ein ruhiges Licht zu fließen scheint. So entsteht ein Bild der Durchdringung von Sonnenlicht und dem Licht der menschlichen Seele.

Somov Konstantin Andrejewitsch
(1869-1939)
Porträt von E.P. Nosova. 1911
Leinwand, Öl. 138,5 x 88 cm
Staatliche Tretjakow-Galerie

Im Jahr 1910, als Somov in Moskau ankam und mit der Arbeit an dem Porträt von Evfemia Pavlovna Nosova begann, schrieb er in Briefen: „Eine Blondine, dünn, mit blassem Gesicht, stolzem Blick und sehr klug, guter Geschmack dabei".
Es ist bekannt, dass Evfimiya Pavlovna die Tochter eines der Rjabuschinskis war, berühmter Kaufleute und Industrieller in der dritten Generation, die unter der Leitung des Architekten Shekhtel direkt an der Entwicklung des russischen Jugendstils beteiligt waren. Sie wurde 1883 geboren (es wird auch 1881 angegeben, das Sterbejahr ist jedoch zweifelhaft). Auf jeden Fall im Buch „K.A. Somov. Die Welt des Künstlers. Briefe. Tagebücher. Urteile von Zeitgenossen. Moskau, 1979, das ich im selben Jahr 1979 in meinen Händen hielt, wurde berichtet, dass E.P. Nosova in Rom lebt.
Das Porträt wurde bei Somov bestellt, der nach Moskau kam, um ein Porträt von G. L. Girshman zu malen, offenbar im Zusammenhang mit einer bevorstehenden oder vergangenen Hochzeit im selben Jahr. Über das Geburts- und Sterbedatum herrscht noch völlige Uneinigkeit. Wenn Evfimiya Pavlovna (Name einer Großmutter aus einer altgläubigen Familie) 1883 geboren wurde, ist es seltsam, dass sie erst mit 27 Jahren heiratet. Sie studierte Musik und Malerei, liebte das Theater, vielleicht träumte sie von einer Bühne? Und anderen Quellen zufolge wurde sie 1881 geboren und starb 1970. Sie hat also erst mit 29 Jahren geheiratet? Ist das eine schöne und reiche Braut?
Es gibt auch Daten zu Geburt und Tod: 1886-1976. Sogar die Tage und Monate sind aufgeführt. Es scheint, dass dies die treuesten sind. Sie heiratet mit 24 Jahren und wir sehen eine junge Frau an einem Wendepunkt in ihrem Leben, stolz und eigensinnig in ihrer Jugend. Das von mir erwähnte Buch war zwei oder drei Jahre vor seiner Veröffentlichung zur Veröffentlichung bereit, wenn nicht früher, so der Plan, Bücher wurden zu diesem Zeitpunkt veröffentlicht, und Evfemia Pavlovna konnte noch in Rom leben.
Und ihr Porträt von Somov landete zusammen mit ihrer Sammlung in der Tretjakow-Galerie, wohin sie es 1917 zur Aufbewahrung überführte. Ihre Sammlung umfasste Gemälde von Rokotov, die damals völlig vergessen waren, Borovikovsky, Kiprensky, Venetsianov. Seltsam, ich kann mich nicht erinnern, ob ich in den Wänden der Tretjakow-Galerie ein Porträt von E.P. Nosova gesehen habe? Ich weiß vielleicht noch nichts über den Künstler, aber die Schönheit seines Modells hätte meine Aufmerksamkeit sicherlich erregt.
Somov schrieb: „Sie sitzt in einem weißen Satinkleid, verziert mit schwarzer Spitze und Korallen, es ist von Lamanova, sie hat 4 Perlenketten um ihren Hals, ihr Haar ist atemberaubend … wie eine Art riesiger Käfer auf ihrem Kopf.“ .“ Auch aus der Reproduktion im Buch geht hervor: Evfimiya Pavlovna ist tatsächlich ein außergewöhnliches Modell. Und das nicht nur im Reichtum, sondern auch im Stil, ein Kind der russischen Moderne, ihr lebendiges Vorbild, zwar kein Hauch von Dekadenz, sondern Schönheit und die Kraft der Lebensbejahung.
Somov schrieb: „Ich war in der Kiste von Nosova, die atemberaubend gekleidet war, ein leuchtend blaues Satinkleid, bestickt mit Perlmuttseide mit rosa Tüllschultern, an ihrem Hals eine Riviera mit langen hängenden Enden aus diamantenem großem Trefl, verbunden durch Diamanten ...“
Euphemia Pawlowna, Prominente und Sammlerin russischer Gemälde Künstler des XVIII - Anfang des 19. Jahrhunderts Jahrhunderte, 27 Jahre. Zählen wir 24. bestes Alter weibliche Schönheit wenn die Jugend noch durch die reife Weiblichkeit lugt, aber kein Schatten von Frivolität und Eitelkeit, sondern nachdenklicher Ernst und der natürlichste Stolz einer herausragenden Persönlichkeit.
"Sie ist sehr schön. Aber was für eine Qual ist ihr Kleid, es kommt nichts raus ...“ – die Künstlerin gerät direkt in Verzweiflung. Aber Tag für Tag für eine strahlende Schönheit zu posieren, ist keine leichte Aufgabe. Anzumerken ist auch, dass das Kleid von Lamanova für sie nicht einfach war. Nicht wegen des Preises. Nadezhda Pavlovna Lamanova (1861-1941) schuf Kleider als Kunstwerk und nicht im Allgemeinen, sondern nach einem Modell. Sie wandelte sich von einer Schaufensterpuppe zu einem lebenden Modell, veränderte und bearbeitete sie wie eine Malerin und brachte sie oft in Ohnmacht. Die Damen hielten es aus, weil sie wussten: Sie würde sich abnutzen, aber das Kleid würde wie aus Paris herauskommen. Aus historischer Sicht ist es klar – besser als aus Paris.
Somov macht eine Notiz: „Ich habe mein Versagen gestanden, sie belebt mich, sagt, dass sie stur und geduldig ist.“
Da sie über einen künstlerischen Geschmack verfügte, wusste sie, dass sowohl das Kleid von Lamanova als auch ihr Porträt von Somov Meisterwerke sein würden, und sie strebte hartnäckig und geduldig danach, ihrerseits dasselbe zu tun wie diese Künstler, jeder in seinem eigenen Bereich, und ihr eigener Bereich war das Leben selbst seine höchsten Manifestationen.
Somov, immer unzufrieden mit sich selbst, immer verzweifelt im Laufe der Arbeit, arbeitete mühsam dort, wo andere nichts anderes gefunden hätten, und schuf etwas Einzigartiges. Das Porträt wurde 1911 fertiggestellt. Eine interessante Einschätzung von Michail Nesterow, der die bekannte Schönheit in Moskau, einem Teilnehmer an den Treffen der Gesellschaft für freie Ästhetik, offenbar noch nicht gesehen hatte.
Aus einem Brief von M. Nesterov vom 3. März 1911 (Moskau):
„Nun, um mein Schreiben mit Würde abzuschließen, erzähle ich dir von dem neuen großen Porträt von Somov mit einer gewissen Nosova, das hier in der World of Art ausgestellt ist – hier, Bruder, ist ein wahres Meisterwerk! - ein lang erwartetes Werk, bei dem man sich entspannen kann. So ist es eindringlich, zurückhaltend-edel, meisterhaft verarbeitet. Dies ist nicht Levitsky und nicht Kramskoy, sondern etwas, das in seiner Schönheit dem ersten und in seiner Ernsthaftigkeit dem zweiten nahe kommt. Sofort wuchs der Mann zu einem sehr großen Meister heran.
Der Künstler sieht zuallererst das Werk des Künstlers, mittlerweile ist klar: Grundlage des Erfolgs ist ein außergewöhnliches Vorbild mit seinem Interesse an der Kunst, insbesondere an der russischen Malerei des 18. – frühen 19. Jahrhunderts. Und zur Renaissance in Italien.
Evfimia Pavlovna, die V. V. Nosov, den Sohn eines Textilfabrikanten, geheiratet hatte, ließ sich in einem Herrenhaus am Vvedenskaya-Platz nieder, dessen Innenräume sofort nach ihrem Geschmack umgestaltet wurden. Sie zog berühmte Architekten und Künstler für ihre Idee an, sogar Valentin Serov, mit dem sie angeblich nicht klarkam, der aber höchstwahrscheinlich bald starb, und schickte sogar Mstislav Dobuzhinsky nach Italien, wahrscheinlich um dort zu besuchen, wo sie bereits gewesen war. und er Bei seiner Rückkehr schuf er ein Fresko im Geiste derjenigen, die im Palast von Cosimo Medici zu sehen waren: Auf einem kobaltfarbenen Hintergrund mit Vergoldung wird eine mythologische Handlung mit Porträts der Besitzer des Herrenhauses reproduziert. Sie sprechen von Neoklassizismus, wenn es die gleiche Renaissance-Ästhetik gibt wie die von Sandro Botticelli.
Veränderungen im Inneren des Herrenhauses, die Schaffung eines Freskos im Geiste der Renaissance gingen Hand in Hand mit Somovs Arbeit am Porträt von E.P. Tatsächlich ein Meisterwerk, ein Weltmeisterwerk der russischen Kunst. Somov hat nichts dergleichen. Ein reiner Klassiker unter seinen romantischen Fantasien.
Petr Kile

Serebryakova Zinaida Evgenievna. Hinter der Toilette. Selbstporträt. 1909.
Staatliche Tretjakow-Galerie, Moskau
Leinwand auf Karton, Öl.
75x65cm

Die Komposition wird als Spiegelbild präsentiert, was für das Selbstporträt-Genre traditionell ist. Diese Technik bringt einen Hauch von Intimität und schafft gleichzeitig die nötige Distanz. Die Künstlerin hinter der Morgentoilette scheint sich selbst von der Seite zu betrachten, als würde sie ein posierendes Model betrachten. Das Motiv „durch den Spiegel“ ruft kein Geheimnis hervor. Selbst Kerzen, die in der Malerei meist die Vergänglichkeit der Zeit symbolisieren, scheinen in der hellen Bildatmosphäre ihre Bedeutung zu vergessen. Der Raum ist mit Weißtönen gefüllt. Aus den riesigen glänzenden braunen Augen strahlt das freundliche Gesicht der Heldin Wärme aus. Hände und Haare bilden einen Rahmen für das Gesicht. Anstelle der Attribute der Malerei finden sich auf dem Schminktisch Attribute weiblicher Schönheit. Serebryakova demonstriert in keiner Weise ihre Zugehörigkeit zu ihren Künstlerkollegen. Es besteht der Eindruck, dass das Selbstporträt für nahestehende Personen aus dem Familienkreis geschrieben wurde.

ALTMAN Natan Isaevich (1889-1970)

„... Altman war beeindruckt von ihrem Aussehen, ihrer großartigen Fähigkeit, die Last ihres plötzlichen Ruhms zu tragen, was dieser jungen Frau in seinem Alter bereits etwas Königliches verlieh. Als Altman Achmatowa bat, für ihn zu posieren, stimmte sie zu, obwohl sie war bereits Besitzer einer atemberaubenden Zeichnung von Modigliani, die Altman jedoch nicht sehen konnte: Anna Andreevna, die junge Frau von Lev Gumilyov, konnte sie niemandem zeigen. Zunächst fertigte N. Altman mit einem Strich eine freundliche Karikatur an , heute wenig bekannt. Das berühmte Porträt erschien später, als lange Sitzungen im Dachstudio auf der Wassiljewski-Insel begannen, wo Anna Achmatowa in einem Studentenwohnheim lebte. Natan Altman lebte in der Nähe, entweder im „möblierten Haus New York“, wie später Achmatowa sagte erinnert, oder in den möblierten Räumen „Knyazhy Dvor“, wie er sich selbst erinnerte. Altman malte eine Frau der futuristischen Ära, die dem urbanen Rhythmus ähnelt, er schrieb darin Selbstvertrauen, Gesundheit, fast akrobatische Flexibilität der Figur. Jedes Porträt hat seinen eigenen Subtext und seine eigene verborgene Dramaturgie. Und über die Motive, die Altman dazu zwangen, das Bild von Achmatowa zu überdenken, kann man nur raten. Als dieses Porträt gemalt wurde, lebte Anna Andreevna allein in St. Petersburg, nachdem sie das Haus von Zarskoje Selo und Gumilev verlassen hatte. Ihr endgültiger Bruch mit Gumilyov kam, und es war, als würde ein anderes Leben beginnen, sie erlebte das Gefühl einer Neugeburt, und wahrscheinlich hatte sie selbst keine Ahnung, wie sie sein würde. Zumindest lässt sich aus Achmatows Gedichten über dieses Selbstporträt eine solche Schlussfolgerung ziehen:

Wie in einen Spiegel schaute ich ängstlich
Auf einer grauen Leinwand und jede Woche
Umso bitterer und seltsamer war die Ähnlichkeit
Meins mit meinem neuen Bild...

Dies ist einer von beste Porträts Altman, einer von denen, bei denen seine Vorliebe, das Unverbundene zu verbinden, eine unerwartete Wirkung hervorrief. Wenn wir die lyrischen Untertöne weglassen, ist das Porträt von Achmatowa ein typisch weltliches Porträt und gleichzeitig ein Avantgarde-Porträt. In einer solchen Stilmischung liegt sowohl Schärfe als auch ästhetische Berechtigung. Das Porträt von Achmatowa wurde 1915 auf einer der Kunstausstellungen in St. Petersburg zu einer Sensation. Bekannter Kritiker L. Bruni schrieb: „Dies ist kein Ding, sondern ein Meilenstein in der Kunst“ ... Die Kraft von Altmans Porträt fixierte nicht nur das Bild von Achmatowa in den Köpfen der Zeitgenossen, sondern erwies sich viele Jahre später als hypnotisch, als andere Porträts von ihr existierten bereits, und Achmatowa selbst war bereits eine andere. Das Porträt blieb auch fünf Jahre nach seinem Erscheinen in Erinnerung: „Ich kenne dich und liebe dich von dem Tag an, als ich dein Porträt von Achmatowa sah“, schrieb Vyach. Ivanov im Album des Künstlers von 1920. Zwanzig Jahre später erinnerte ich mich daran. M.V. Alpatov, der Achmatowa zum ersten Mal in den 1930er Jahren sah, erinnerte sich an dasselbe Porträt: „In diesem Moment öffnete sich die Tür und sie selbst betrat den Raum, unhörbar und leicht, als wäre sie von Altmans Porträt heruntergekommen.“ Es ist interessant, dass Akhmatova selbst Altmans Porträt nie mochte und immer wieder wiederholte, dass sie Altmans Porträt „wie jede Stilisierung in der Kunst“ nicht mag. Sie war intolerant gegenüber dem mythologischen Bild, das sich bereits in den 1910er Jahren herausgebildet hatte und das Achmatowa ihr ganzes Leben lang begleitet hatte, obwohl ihr eigenes Schicksal überhaupt nicht diesem Porträt entsprach.
(

Marina Zwetajewa „Anna Achmatowa“
Enges, nichtrussisches Lager -
Über den Blättern.
Schal aus türkischen Ländern
Fiel wie ein Mantel.

Sie werden einem übergeben
Gebrochene schwarze Linie.
Kälte - im Spaß, Hitze -
In deiner Verzweiflung.

Dein ganzes Leben ist ein Schauer
Und es wird enden – was ist das?
Bewölkt - dunkel - Stirn
Junger Dämon.

Jeder der Irdischen
Du spielst - eine Kleinigkeit!
Und ein unbewaffneter Vers
Zielt auf unser Herz.

Morgens schläfrige Stunde
- Ich glaube, es ist Viertel nach fünf, -
ich habe dich geliebt
Anna Achmatowa.

Veröffentlichungen der Museumsabteilung

Tatjana vor und nach Puschkin: Porträts aus drei Jahrhunderten

Es wird angenommen, dass beliebter Name Tatjana wurde nach der Veröffentlichung des Romans „Eugen Onegin“. Allerdings war dieser Name schon vorher im Adel keine Seltenheit. Wir erinnern uns zusammen mit Sofia Bagdasarova an die Porträts von Tatjana aus dem 18. bis 20. Jahrhundert.

A. Antropow. Porträt von Prinzessin Tatjana Alekseevna Trubetskoy. 1761. Tretjakow-Galerie

A. Peng. Porträt der Prinzessin Tatjana Borissowna Kurakina. 1. Etage XVIII Jahrhundert, GE

Unbekannter Künstler. Porträt von Anastasia Naryshkina mit ihren Töchtern Tatjana und Alexandra. Anfang der 1710er Jahre, Staatliche Tretjakow-Galerie

Mädchen aus der Familie Romanov wurden bereits im 17. Jahrhundert Tatjana getauft: So hießen beispielsweise die Schwester des ersten Zaren Michail Fedorowitsch und seine jüngste Tochter. Dann dieser Name von königliche Dynastie verschwand und die nächste Tatjana erschien in den 1890er Jahren in der kaiserlichen Familie. In den Adelsfamilien des 17. und 18. Jahrhunderts blieb der Name jedoch weiterhin beliebt. Eine der berühmtesten Tatjana ist Tatjana Schuwalowa. Ihr Sohn, der Liebling der Kaiserin Elisabeth, Iwan Schuwalow, wählte den Namenstag seiner Mutter, um ein Dekret über die Gründung der Moskauer Universität zu unterzeichnen. So wurde Tatjanas Tag zum Studententag. Das Porträt von Tatyana Shuvalova ist nicht erhalten.

Das älteste russische Porträt mit Tatjana wurde offenbar Familienporträt Naryshkins in den 1710er Jahren. Es zeigt die Tochter des ersten Kommandanten von St. Petersburg, des Moskauer Gouverneurs Kirill Naryshkin, mit ihrer Mutter und ihrer Schwester. Ein unbekannter Künstler hat die Gesichter nicht sehr subtil herausgearbeitet, sondern die Muster sorgfältig auf den Stoff und den modischen Spitzenfontange (Kopfschmuck) der Mutter geschrieben.

Um ein Porträt der Tochter des Fürsten Boris Kurakin – und der Nichte der Kaiserin Evdokia Lopukhina – zu malen, luden sie den Hofmaler des preußischen Königs Antoine Pen ein. Der Direktor der Berliner Akademie der Künste arbeitete in der Tradition des Klassizismus das Hell-Dunkel, die Falten der Kleidung aus und vermittelte sogar die subtilsten Überläufe teurer Stoffe auf den Schultern von Prinzessin Tatyana Kurakina.

Auf einem Porträt von 1761 sieht Prinzessin Tatjana Trubetskaja, die Schwester des Dichters Fjodor Koslowski, beeindruckend aus: Der Künstler Alexei Antropow stellte sie in einem mit roten und grünen Schleifen und Blumen geschmückten Outfit dar. Die Prinzessin mit vollem Make-up: In jenen Jahren war es in Mode, nicht nur zu pudern, sondern auch Rouge aufzutragen und Augenbrauen zu zeichnen.

D. Levitsky. Porträt von Tatjana Petrowna Rasnatowskaja. 1781. Staat Kunstmuseum Weißrussland

N. Argunow. Porträt der Ballerina Tatyana Vasilievna Shlykova-Granatova. 1789. Kuskowo

E. Vigée-Lebrun. Porträt von Tatjana Wassiljewna Engelhardt. 1797. Fuji Museum, Tokio

Zwanzig Jahre später schrieb Dmitry Levitsky Tatyana Raznatovskaya. Eine junge Frau mit stolzer Haltung wirkt edel und elegant. Ihr hellblaues Kleid und der weiße Seidenumhang kontrastieren mit dem dunklen, tiefen Hintergrund in der Bildtradition jener Jahre.

Eine der reichsten Frauen Russlands, die Nichte des Fürsten Potemkin, Tatjana Engelhardt, heiratete einen der Jussupows und brachte ihrer Familie ein riesiges Vermögen und den erblichen Namen Tatjana. Auf dem Porträt der zu Besuch befindlichen französischen Porträtmalerin Vigée-Lebrun webt Tatiana Engelhardt einen Kranz aus Rosen und ist bereits neu gekleidet – in einem hochtaillierten Kleid.

Forscher gehen davon aus, dass der Name Tatiana im 18. und 19. Jahrhundert unter den Bauern dreimal beliebter war als unter den Adligen. Scheremetews Leibeigener Maler Nikolai Argunow porträtierte eine Bäuerin, Tatyana Shlykova, eine Schauspielerin in einem Leibeigenentheater, in einem eleganten Bühnenkostüm. Später erwarb der Graf „kostbare“ Nachnamen für seine schönen Schauspielerinnen. Aus Shlykova wurde Granatova und ihre „Kollegen“ - Zhemchugova und Türkis.

A. Brjullow. Porträt von Tatjana Borissowna Potemkina. 1830er Jahre VMP

V. Tropinin. Porträt von Tatjana Sergejewna Karpakowa. 1818. Museum der Schönen Künste der Republik Tatarstan

K. Reichel. Porträt von Tatjana Wassiljewna Golitsyna. 1816, RM

Unter den auf den Leinwänden von Tatjana verewigten Schauspielerinnen befinden sich auch andere Schauspielerinnen. Im Jahr 1818 porträtierte Wassili Tropinin die junge Tänzerin Karpakova. Ihre Eltern spielten in den Kaiserlichen Theatern und sie selbst liebte seit ihrer Kindheit das Ballett. Tatyana Karpakova tanzt seit ihrem 12. Lebensjahr auf der Bühne des Bolschoi-Theaters, ihre Zeitgenossen bewunderten ihre ausdrucksstarke Mimik, Leichtigkeit des Tanzes und tadellose Technik.

Im selben Jahr entstand ein Porträt der Prinzessin Tatjana Golitsyna. Die Schwiegertochter von Natalya Golitsyna, dem Prototyp von Puschkins Pik-Dame, ist mit einer schwarzen Baskenmütze dargestellt. Im ersten Drittel des 19. Jahrhunderts wurden diese Kopfbedeckungen traditionell von verheirateten Damen getragen. Zwar bevorzugten Modefrauen häufiger leuchtende Farben – Himbeere, Grün, Scharlach.

„Die Breite der Baskenmütze reicht bis zu zwölf Zoll; Der obere Teil davon ist eins, der untere Teil hat eine andere Farbe. Auch die Materialien, aus denen solche Baskenmützen hergestellt werden, sind unterschiedlich: Satin und Samt. Diese Baskenmützen werden so schief auf den Kopf gesetzt, dass eine Kante fast die Schulter berührt.

Auszug aus einem Modemagazin des 19. Jahrhunderts

Ein Aquarell von Alexander Bryullov aus den 1830er Jahren zeigt Tatjana Potemkina. Darauf trägt das Model ein Outfit, das nicht nur die Schultern, sondern auch den Hals, die Ohren und die Haare der Prinzessin bedeckt: Potemkina war sehr religiös. Als geistliche Tochter des Heiligen Ignatius (Brjanchaninow) kümmerte sie sich um die Verbreitung der Orthodoxie, baute Kirchen, spendete viel Geld für wohltätige Zwecke und erlaubte sich natürlich nicht, einen Ausschnitt zu tragen.

V. Wasnezow. Porträt von Tatjana Anatoljewna Mamontowa (1884, Staatliche Tretjakow-Galerie)

I. Repin. Porträt von Tatjana Lwowna Tolstaja (1893, Jasnaja Poljana)

F. Winterhalter. Porträt von Tatjana Alexandrowna Jussupowa (1858, GE)

In den Jahren 1825–1837 wurde Eugen Onegin von Alexander Puschkin in Teilen veröffentlicht. Tatjana Larina wurde die „erste Tatjana“ der russischen Literatur – zuvor bevorzugten Schriftsteller andere Namen. Nach der Veröffentlichung des Romans wurde der Name viel beliebter – viele benannten ihre Töchter nach der romantischen und tugendhaften Heldin von Puschkin.

Es sind jedoch nicht so viele Porträts von Tatjana aus diesen Jahren erhalten geblieben. Darunter befindet sich eine Leinwand, auf der der modische Porträtmaler Franz Xaver Winterhalter Tatjana Jussupowa porträtierte. Die Heldin des Porträts hat es von ihrer Großmutter Tatjana Engelhardt geerbt, und Jussupowa nannte auch eine ihrer Töchter.

Porträts der Töchter von Leo Tolstoi und Anatoli Mamontow wurden in den 1880er und 1890er Jahren von B. Kustodiev geschaffen. Porträt von Tatjana Nikolajewna Tschischowa. 1924. Regionales Kunstmuseum Iwanowo

M. Vrubel. Porträt von Tatjana Spiridonowna Ljubatowitsch als Carmen. 1890er Jahre GTG

Zu Beginn des 20. Jahrhunderts wurde der Name Tatiana in Moskau und der Moskauer Provinz nach Maria, Anna, Katharina und Alexandra der fünftbeliebteste Name.

Das Porträt einer der Tatjanas gehört ebenfalls zum Pinsel von Michail Vrubel. Opernsänger Tatyana Lubatovich wird als Carmen dargestellt – zu Beginn des 20. Jahrhunderts war es ein sehr beliebtes Bild unter Künstlern und den Heldinnen ihrer Gemälde.

Im Jahr 1908 malte der Saratower Künstler Alexander Savinov das Gemälde „Harfenist“. Seine Heldin war die Frau des berühmten Philosophen Semyon Frank, Tatyana Frank (geb. Bartseva). Savinov schuf ein ornamentales Porträt mit strukturiertem Ton und gedämpften Farben in der Tradition des neuen, an Dynamik gewinnenden Stils – der Moderne.

In diesem Künstlerkreis von Tatyana ist das „Porträt der Künstlerin Tatyana Chizhova“ hervorzuheben, das 1924 von Boris Kustodiev gemalt wurde. Der Titel des Bildes ist eine Ungenauigkeit. Nach dem Tod von Kustodijew wurde das Porträt in das Russische Museum überführt und in der Signatur mit der Abkürzung „Architekt“ versehen. als „Künstler“ entziffert. Tatsächlich war Tatyana Chizhova eine Archäologin. Auf dem Porträt ist sie in ihrem Lieblingskleid und mit dem Ring ihrer Großmutter am Finger abgebildet.

Die Genauigkeit beim Schreiben einzelner Details und Motive von Mustern, die von russischen Stickern gewebt wurden, oder klarer Ornamente auf geschnitzten Kelchen und Schalen überrascht und erfreut Betrachter der Vergangenheit und Gegenwart.

Luxuriöse, mit Perlen bestickte Kleidung, unglaublich schöne Kopfbedeckungen der damaligen Zeit, wunderschöner Weißdorn, der mit kostbaren Halsketten geschmückt ist, Bojaren in Brokatkaftanen – alles ist spürbar, mit welcher Liebe zur russischen nationalen Schönheit und Kultur, zum reichen Erbe unserer Vorfahren, diese Bilder gemalt wurden . Man kann lange Zeit neben jedem von ihnen stehen – die russischen Muster bewundern und Stolz auf sich selbst empfinden und gleichzeitig Traurigkeit, Traurigkeit darüber, dass vieles verloren gegangen ist, nicht erhalten geblieben ist und heute nicht erhalten bleibt. Daher sind solche Gemälde für uns besonders wertvoll, in denen einzigartige Zeugnisse der Kultur des russischen Landes erhalten geblieben sind.

Biografie des Künstlers Konstantin Makovsky

Und Konstantin Jegorowitsch, der die Leidenschaft seines Vaters geerbt hatte, sammelte alle Meisterwerke der alten russischen Handwerkskunst, aber es war „schöne Antike“. Er baute geschickt etwas in Wohnzimmern und Werkstätten, verwendete es dann in seinen Gemälden und legte etwas einfach in seinen alten großen Ebenholzschrank, damit er später die Schönheit und das Können russischer Meister bewundern und bewundern konnte.

Auf dem Gesims des Kamins standen alte Haushaltsutensilien: silberne Schöpfkellen, Tassen, Waschtische, Fächer – Gegenstände aus der Bojarenzeit. Alte Brokatkostüme der Bojaren, bunte Sommerkleider, mit Perlen besetzte Handläufe, mit Perlenspitze bestickte Kokoshniks – all das ist auf den Gemälden des Künstlers zu sehen. Und neben den von Konstantin Jegorowitsch liebevoll gesammelten Dingen beteiligten sich auch Menschen, die sich um ihn versammelten, an seinen Gemälden. Manchmal spielten sie Szenen aus dem Bojarenleben nach, die dann auf die Leinwand übertragen wurden. Und dies weckte zweifellos das große Interesse des Publikums, denn durch die Gemälde von Makovsky wurden ihnen Kenntnisse über die Geschichte Russlands und die Kultur ihrer Vorfahren vermittelt.

Die Tochter des Künstlers erzählte in ihren Memoiren, wie „... luxuriöse“ Wohnbilder „aus dem Leben der Bojaren inszeniert wurden ...“. Zu diesen Abenden waren teilweise bis zu 150 Personen eingeladen, darunter Vertreter alter Familien, Nachkommen der vom Künstler Dargestellten. Sie „... sind geschickt und schön in Brokat- und Samtkleider gekleidet ...“, um in ihnen die vom Künstler konzipierte Szene wiederzugeben. So entstanden die Gemälde – „Das Hochzeitsfest“, „Die Wahl der Braut“ und viele andere Gemälde.

Gemälde von Konstantin Makovsky

Sammeln von Objekten der russischen Antike K.E. Makovsky studierte sein ganzes Leben lang. Durch das Sammeln von Meisterwerken russischer Meister lernte der Künstler die Geschichte Russlands kennen und ließ sich durch ihre Bewunderung von neuen Ideen inspirieren. Jetzt wecken seine Leinwände in uns nicht nur Bewunderung für das reichste Erbe unserer Vorfahren, sondern auch den Wunsch, immer mehr über unser Heimatland zu erfahren.

Darüber, wie K.E. Makovsky seine Sammlung in seinem Werk nutzte, berichtete der Schriftsteller E.I. Fortunato, der das Glück hatte, sein Vorbild zu sein.

KE Makovsky war nicht nur ein Künstler. Durch die Kommunikation mit prominenten Historikern wurde er selbst zu einem großen Spezialisten auf dem Gebiet der russischen Antike. K.E. Makovsky war bestrebt, das künstlerische Erbe Russlands zu bewahren. Daher ist es kein Zufall, dass er 1915 Mitglied der Renaissance Society wurde künstlerische Rus', dessen Hauptaufgabe die Bewahrung, Erforschung und Förderung der russischen Antike war.

Es ist bitter und traurig, dass die seit einem halben Jahrhundert gesammelte Sammlung, die einen so wichtigen Platz im Leben des Künstlers einnimmt und zum Spiegelbild einer ganzen Ära der russischen Kultur geworden ist, aufgegeben wird Auktion nur sechs Monate nach seinem Tod. Im September 1915 wurde K. E. Makovsky auf einer der Straßen Petrograds von einem Straßentaxi angefahren. Erhalten schwere Verletzung Kopf, der Künstler starb zwei Tage später. Der plötzliche Tod machte alle Pläne zunichte ...

Bei der Auktion wurden mehr als 1.000 Objekte versteigert, einige davon gingen an die Museen der Hauptstadt: das Russische Museum, die Eremitage, das Museum der Schule für technisches Zeichnen von Baron Stieglitz und Moskauer Museen. Viele Gegenstände wurden von Vertretern Moskauer Antiquitätenfirmen aufgekauft. Authentische Kostüme, silberne Kelche, Schöpfkellen und Gläser gelangten in die Hände prominenter Moskauer Sammler.

Aber nicht jeder bewunderte die Gemälde von K. Makovsky und seine Arbeitsweise.

Zu Beginn seines kreative Art und Weise K. Makovsky teilte die Ansichten der Wanderer, er malte Bauernkinder („Kinder, die vor einem Gewitter fliehen“, „Date“), doch bereits in den 1880er Jahren entfernte sich der Künstler unwiderruflich von ihnen und begann, Einzelausstellungen zu organisieren.

Im Jahr 1883 schuf er das Gemälde „Hochzeitsfest der Bojaren XVII Jahrhundert“, gefolgt von „Die Wahl der Braut durch Zar Alexei Michailowitsch“ (1886), „Der Tod Iwans des Schrecklichen“ (1888), „Der Braut die Krone anziehen“ (1890), „Kussritus“ (1895, ). Die Gemälde waren sowohl in Russland als auch darüber hinaus ein Erfolg internationale Ausstellungen. Für einige von ihnen wurde K. Makovsky auf der Weltausstellung 1889 in Paris eine Goldmedaille verliehen.

Die Preise für seine Gemälde waren stets hoch. P.M. Tretjakow konnte sie manchmal nicht bekommen. Aber ausländische Sammler kauften bereitwillig Gemälde des „Bojaren“-Zyklus, sodass die meisten Werke des Künstlers Russland verließen.

Dank dieses Erfolgs wurde K.E. Makovsky einer der reichsten Menschen. Sein ganzes Leben lang war er von Luxus umgeben, von dem kein russischer Künstler geträumt hätte. Makovsky erfüllte jeden Auftrag zu jedem Thema mit der gleichen Brillanz. Letzteres führte zu vielen Missverständnissen und sogar zu Verurteilungen. Einige waren offenbar neidisch auf den Erfolg, andere glaubten, dass die Menschen ihren eigenen Erfolg hatten Alltagsleben. Aber solche Gemälde wurden nicht so gerne verkauft, und viele glaubten, dass Makovsky zu den gefragten Themen schrieb, also um seiner eigenen Bereicherung willen.

Er lebte jedoch immer so, wie er wollte, und schrieb, was er wollte. Seine Vision von Schönheit deckte sich einfach mit den Anforderungen und Ansprüchen jener Menschen, die bereit waren, viel Geld für seine Bilder zu zahlen. Sein leichter Erfolg war der Hauptgrund für die negative Einstellung der Wanderers ihm und seiner Arbeit gegenüber. Ihm wurde vorgeworfen, er nutze seine Kunst und sein Talent für materielle Zwecke.

K.E. Makovsky begann seine künstlerischer Weg zusammen mit den Wanderers Gemälde zum Thema Volksleben ausstellen. Mit der Zeit änderten sich jedoch seine Interessen und ab den 1880er Jahren wurde er ein erfolgreicher Salonporträtmaler. Dass dies um des materiellen Reichtums willen geschah, ist nicht zu glauben. Davon zeugen schließlich seine zahlreichen Sammlungen und sein vielfältiges Talent. Es lässt sich jedoch nicht leugnen, dass Makovsky sich nicht um Anerkennung im Ausland bemühte. Darüber hinaus interessierten sich die Europäer für die russische Geschichte, weshalb sein Werk schnell verkauft wurde.

Auch privat war Makovsky glücklich. Sein angenehmes Aussehen, seine Geselligkeit, sein stets offener und lächelnder Blick aus klaren Augen machten Konstantin Jegorowitsch immer zu einem gern gesehenen Gast. Er war dreimal verheiratet. Seine erste Frau Lenochka Burkova, Schauspielerin Alexandrinsky-Theater wohnte bei ihm kurzes Leben. Ein charmantes und sanftes Mädchen brachte viel Freude und Wärme in sein Leben. Doch die Krankheit riss sie schon früh vom irdischen Leben ab.

Sorglos und gierig nach den Freuden des Lebens tröstete sich Konstantin Jegorowitsch schnell, als er auf dem Ball ein Mädchen von außergewöhnlicher Schönheit sah – Yulenka Letkova. Das Mädchen war erst sechzehn Jahre alt und der charmante Maler war sechsunddreißig. Die Hochzeit fand kurz darauf statt. Nach zwanzig Jahren eines glücklichen Familienlebens malte Konstantin Jegorowitsch viele Gemälde, von denen die meisten ein niedliches Bild seiner jungen Frau enthalten. Für seit langen Jahren Julia Pawlowna Makowskaja war seine Muse und Modell für Porträts.

1889 besuchte Konstantin Makovsky die Weltausstellung in Paris, wo er mehrere seiner Gemälde ausstellte. Dort interessierte er sich für die junge Maria Alekseevna Matavtina (1869–1919). Geboren 1891 unehelicher Sohn Konstantin. Ich musste meiner Frau alles gestehen. Julia Pawlowna hat den Verrat nicht vergeben. Einige Jahre später wurde die Scheidung eingereicht. Und Konstantin Jegorowitsch setzte seine Freude fort Familienleben mit seiner dritten Frau, die ihm auch als Vorbild diente. Auf seinen Leinwänden stellte er auch oft seine Kinder aus seiner zweiten und dritten Ehe dar.

Leute, wir haben unsere ganze Seele in die Seite gesteckt. Dank dafür
für die Entdeckung dieser Schönheit. Danke für die Inspiration und Gänsehaut.
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Zunächst wissen wir zwei Dinge über das Gemälde: seinen Autor und möglicherweise die Geschichte der Leinwand. Aber über das Schicksal derer, die uns von Leinwänden aus betrachten, wissen wir nicht so viel.

Webseite Ich beschloss, über Frauen zu sprechen, deren Gesichter uns bekannt sind, ihre Geschichten jedoch nicht.

Jeanne Samary
Auguste Renoir, Porträt der Schauspielerin Jeanne Samary, 1877

Die Schauspielerin Jeanne Samary konnte zwar kein Bühnenstar werden (sie spielte hauptsächlich Dienstmädchen), hatte aber noch etwas anderes Glück: Sie lebte einige Zeit unweit der Werkstatt von Renoir, der 1877-1878 vier Porträts von ihr malte. Dadurch verherrlichte sie viel mehr, als es ihr bringen konnte Schauspielerkarriere. Zhanna spielte ab ihrem 18. Lebensjahr in Auftritten, mit 25 heiratete sie und bekam drei Kinder, dann schrieb sie sogar ein Kinderbuch. Doch diese charmante Dame lebte leider nicht lange: Im Alter von 33 Jahren erkrankte sie an Typhus und starb.

Cecilia Gallerani
Leonardo da Vinci, Dame mit Hermelin
1489-1490

Cecilia Gallerani war ein Mädchen aus einer italienischen Adelsfamilie, das bereits im Alter von 10 (!) Jahren verlobt war. Als das Mädchen jedoch 14 Jahre alt war, wurde die Verlobung aus unbekannten Gründen aufgelöst und Cecilia in ein Kloster geschickt, wo sie den Herzog von Mailand, Ludovico Sforza, traf (oder alles wurde arrangiert). Eine Affäre begann, Cecilia wurde schwanger und der Herzog ließ das Mädchen in seinem Schloss unterkommen, doch dann war es an der Zeit, eine dynastische Ehe mit einer anderen Frau einzugehen, der die Anwesenheit ihrer Geliebten in ihrem Haus natürlich nicht gefiel. Dann, nach der Geburt von Gallerani, nahm der Herzog seinen Sohn für sich und heiratete sie mit einem verarmten Grafen.

In dieser Ehe brachte Cecilia vier Kinder zur Welt, unterhielt fast den allerersten literarischen Salon in Europa, besuchte den Herzog und spielte mit Vergnügen mit seinem Kind von einer neuen Geliebten. Nach einer Weile starb Cecilias Ehemann, der Krieg brach aus, sie verlor ihr Wohlergehen und fand Zuflucht im Haus der Schwester derselben Frau des Herzogs – in einer so wunderbaren Beziehung gelang es ihr, mit Menschen zusammen zu sein. Nach dem Krieg kehrte Gallerani auf ihr Anwesen zurück, wo sie bis zu ihrem Tod im Alter von 63 Jahren lebte.

Zinaida Jussupowa
V.A. Serov, „Porträt der Prinzessin Zinaida Jussupowa“, 1902

Prinzessin Sinaida, die reichste russische Erbin und letzte der Familie Jussupow, sah unglaublich gut aus und wollte trotz der Tatsache, dass unter anderem erhabene Persönlichkeiten ihre Gunst suchten, aus Liebe heiraten. Sie erfüllte sich ihren Wunsch: Die Ehe war glücklich und brachte zwei Söhne hervor. Yusupova hat viel Zeit und Mühe darauf verwendet Gemeinnützige Aktivitäten und setzte es nach der Revolution im Exil fort. Der geliebte älteste Sohn starb in einem Duell, als die Prinzessin 47 Jahre alt war, und sie konnte diesen Verlust kaum ertragen. Als die Unruhen begannen, verließen die Jussupows St. Petersburg und ließen sich in Rom nieder. Nach dem Tod ihres Mannes zog die Prinzessin zu ihrem Sohn nach Paris, wo sie den Rest ihrer Tage verbrachte.

Maria Lopukhina
V.L. Borovikovsky, „Porträt von M.I. Lopukhina“, 1797

Borovikovsky malte viele Porträts russischer Adligerinnen, aber dieses ist das bezauberndste. Hier ist Maria Lopukhina, ein Mitglied der Grafenfamilie Tolstoi, im zarten Alter von 18 Jahren abgebildet. Das Porträt wurde kurz nach der Hochzeit von ihrem Ehemann Stepan Avraamovich Lopukhin in Auftrag gegeben. Leichtigkeit und ein leicht hochmütiger Blick scheinen entweder die übliche Pose für ein solches Porträt der Ära des Sentimentalismus zu sein oder Zeichen einer melancholischen und poetischen Veranlagung. Das Schicksal dieses mysteriösen Mädchens erwies sich als traurig: Nur sechs Jahre nach dem Gemälde starb Maria an Schwindsucht.

Giovannina und Amacilia Pacini
Karl Brüllow, Reiterin, 1832

„Reiterin“ Bryullov – brillant formelles Porträt, in dem alles luxuriös ist: die Helligkeit der Farben, die Pracht der Vorhänge und die Schönheit der Modelle. Dargestellt sind zwei Mädchen, die den Nachnamen Pacini trugen: Die älteste Giovannina sitzt auf einem Pferd, die jüngste Amacilia schaut sie von der Veranda aus an. Das Bild für Karl Bryullov – ihren langjährigen Liebhaber – wurde von ihrer Adoptivmutter, Gräfin Julia Pawlowna Samoilowa, einer von ihnen, bestellt schöne Frauen Russland und Erbin eines riesigen Vermögens. Die Gräfin garantierte ihren erwachsenen Töchtern eine große Mitgift. Aber es stellte sich heraus, dass sie im Alter praktisch ruiniert war, und dann adoptierte Töchter Giovanina und Amazilia holten über die Gerichte das versprochene Geld und Eigentum von der Gräfin ein.

Simonetta Vespucci
Sandro Botticelli, Die Geburt der Venus
1482–1486

Das berühmte Gemälde von Botticelli zeigt Simonetta Vespucci, die erste Schönheit der Florentiner Renaissance. Simonetta wurde in eine wohlhabende Familie hineingeboren und heiratete im Alter von 16 Jahren Marco Vespucci (einen Verwandten von Amerigo Vespucci, der Amerika „entdeckte“ und dem Kontinent seinen Namen gab). Nach der Hochzeit ließen sich die Frischvermählten in Florenz nieder und wurden am Hof ​​von Lorenzo Medici empfangen, der in jenen Jahren für üppige Feste und Empfänge berühmt war.

Die schöne, zugleich sehr bescheidene und wohlwollende Simonetta verliebte sich schnell in florentinische Männer. Der Herrscher von Florenz, Lorenzo selbst, versuchte, sich um sie zu kümmern, aber sein Bruder Giuliano war bei der Suche nach ihr am aktivsten. Die Schönheit von Simonetta inspirierte viele Künstler dieser Zeit, darunter auch Sandro Botticelli. Man geht davon aus, dass Simonetta von dem Moment an, als sie sich trafen, das Vorbild für alle Madonnen und Venusfiguren Botticellis war. Im Alter von 23 Jahren starb Simonetta trotz der Bemühungen der besten Hofärzte an Schwindsucht. Danach stellte der Künstler seine Muse nur noch aus dem Gedächtnis dar und vermachte sie im hohen Alter, um neben ihr begraben zu werden, was auch geschah.

Vera Mamontova
V.A. Serov, „Mädchen mit Pfirsichen“, 1887

Am meisten berühmtes Gemälde Das Porträt des Meisters Valentin Serov wurde im Nachlass des wohlhabenden Industriellen Savva Ivanovich Mamontov gemalt. Zwei Monate lang posierte seine Tochter, die 12-jährige Vera, jeden Tag für den Künstler. Das Mädchen wuchs auf und wurde charmante Mädchen, aus gegenseitiger Liebe verheiratet Alexander Samarin, der einer bekannten Adelsfamilie angehört. Nach Flitterwochen In Italien ließ sich die Familie in der Stadt Bogorodsk nieder, wo nacheinander drei Kinder geboren wurden. Doch unerwartet starb Vera Savvishna im Dezember 1907, nur fünf Jahre nach der Hochzeit, an einer Lungenentzündung. Sie war erst 32 Jahre alt und ihr Mann heiratete nie wieder.

Alexandra Petrovna Struyskaya
F.S. Rokotov, „Porträt von Struyskaya“, 1772

Dieses Porträt von Rokotov ist wie ein luftiger Hinweis. Alexandra Struyskaya war 18 Jahre alt, als sie mit einem sehr reichen Witwer verheiratet war. Einer Legende zufolge schenkte ihr Mann ihr zur Hochzeit nichts Geringeres als eine neue Kirche. Und sein ganzes Leben lang schrieb er ihr Gedichte. Ob diese Ehe glücklich war, ist nicht sicher, aber jeder, der in ihrem Haus war, achtete darauf, wie unterschiedlich die Ehepartner waren. In den 24 Jahren ihrer Ehe brachte Alexandra ihrem Mann 18 Kinder zur Welt, von denen 10 im Säuglingsalter starben. Nach dem Tod ihres Mannes lebte sie noch 40 Jahre, verwaltete das Anwesen gewissenhaft und hinterließ den Kindern ein anständiges Vermögen.

Zusammen mit ihrem Mann zog Lisa fünf Kinder groß und ihre Ehe basierte höchstwahrscheinlich auf Liebe. Als ihr Mann an der Pest starb und auch Lisa von dieser schweren Krankheit heimgesucht wurde, scheute sich eine der Töchter nicht, ihre Mutter zu sich zu nehmen und sie gehen zu lassen. Mona Lisa erholte sich und lebte einige Zeit mit ihren Töchtern zusammen, bis sie im Alter von 63 Jahren starb.

Die russische Malerei wird zu Recht von der Welt hervorgehoben Kunst. Tatsache ist, dass bis zum 17. Jahrhundert ausschließlich häusliche Malerei in Verbindung gebracht wurde religiöses Thema. Die Situation änderte sich mit der Machtübernahme des Zarenreformers Peter des Großen. Dank seiner Reformen begannen russische Meister, sich der weltlichen Malerei zu widmen, und die Ikonenmalerei wurde als eigenständige Richtung abgegrenzt. Das 17. Jahrhundert ist die Zeit von Künstlern wie Simon Ushakov und Iosif Vladimirov. Dann wurde in der russischen Kunstwelt das Porträt geboren und erfreute sich schnell großer Beliebtheit. Im 18. Jahrhundert traten die ersten Künstler auf, die von der Porträtmalerei zur Landschaftsmalerei übergingen. Auffällig ist die ausgeprägte Sympathie der Meister für Winterpanoramen. Das 18. Jahrhundert ist auch als Geburtsstunde der Alltagsmalerei bekannt. Im 19. Jahrhundert gewannen in Russland drei Strömungen an Popularität: Romantik, Realismus und Klassizismus. Nach wie vor wandten sich russische Künstler weiterhin an Porträtgenre. Damals erschienen weltberühmte Porträts und Selbstporträts von O. Kiprensky und V. Tropinin. In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts porträtierten Künstler immer häufiger das einfache russische Volk in seinem unterdrückten Zustand. Der Realismus wird zum zentralen Trend der Malerei dieser Zeit. Damals erschienen die Wanderers, die nur das wirkliche, wirkliche Leben darstellten. Nun, das 20. Jahrhundert ist natürlich die Avantgarde. Die damaligen Künstler beeinflussten maßgeblich ihre Anhänger in Russland und auf der ganzen Welt. Ihre Gemälde wurden zu Vorläufern des Abstraktionismus. Die russische Malerei ist eine riesige wunderbare Welt talentierter Künstler, die Russland mit ihren Kreationen verherrlichten