Berühmte Kulturschaffende in Russland des 19. bis 20. Jahrhunderts. Die künstlerische Kultur Europas im 19. Jahrhundert in der Liste ausländischer Kulturschaffender des 19. Jahrhunderts

GASHEK Jaroslaw

Tschechischer Satiriker

Geboren in der Familie eines Schullehrers. In seiner Jugend zeichnete er sich durch einen explosiven Charakter aus, war ein unverzichtbarer Teilnehmer an antideutschen Reden in Prag, verschiedenen Skandalen und Kämpfen.

Er war schon immer die Seele des Unternehmens, ein Stammgast in Prager Kneipen und Kneipen. 1902 schloss er die Handelsakademie mit Auszeichnung ab und bekam eine Anstellung bei der Slavia Bank. 1903 kündigte er seinen Job und bereiste den Balkan und Mitteleuropa.

Nach der Veröffentlichung der gemeinsam mit Ladislav Gaek verfassten Gedichtsammlung „May Cries“ im Jahr 1903 und dem Erhalt von Geld für seine Notizen, die er auf seinen Reisen schrieb, entschloss er sich, Schriftsteller zu werden. Er erlangte schnell Popularität als meistgelesener tschechischer Humorist, der in den Unterhaltungsrubriken von Tages- und Wochenzeitungen, Humorzeitschriften und Kalendern veröffentlichte.

Mitte des 20. Jahrhunderts knüpfte er Kontakte zu anarchistischen Kreisen, nahm an Kundgebungen teil und unternahm Wahlkampfreisen. 1909 brach er mit der anarchistischen Bewegung.

1909 wurde er Herausgeber der Zeitschrift Animal World. Der ruhige akademische Charakter der Veröffentlichung ekelte die fröhliche Natur von Hasek an und er beschloss, die Leser mit allerlei Entdeckungen aus dem Leben der Tiere zu erfreuen. Aus seiner Feder stammte das geheimnisvolle „Tabu-Taburan“, in dem er lebte Pazifik See, eine Fliege mit sechzehn Flügeln, von denen acht sich wie ein Fächer auffächern, heimische silbergraue Ghule, eine uralte „Idiotosaurus“-Eidechse. Es überrascht nicht, dass er bald von seinem Posten als Redakteur entlassen wurde. In den Jahren 1912-1915 erschienen die Sammlungen „Der gute Soldat Schweik und andere“. erstaunliche Geschichten“, „Leiden des Pan Tenkrat“, „Führer für Ausländer“, „Mein Handel mit Hunden“.

Dann eröffnete er das „Kynologische Institut“, eigentlich aber nur ein Büro für den Verkauf von Hunden. Da er kein Geld hatte, um reinrassige Welpen zu kaufen, fing er Mischlinge, bemalte sie neu und fälschte einen Stammbaum. Dieser Betrug dauerte nicht lange und endete vor Gericht. Im Allgemeinen tauchte der Name Hasek häufig in Polizeiprotokollen auf: „Er war betrunken und verrichtete vor dem Gebäude der Polizeibehörde seine Notdurft“; „in einem Zustand des Lichts Alkoholvergiftung zwei Eisenzäune beschädigt“; „Ich habe unweit der Polizeiwache drei Straßenlaternen angezündet, die bereits erloschen waren“; „aus einer Kindervogelscheuche erschossen.“ Er stellte sich der Polizei als der 518-jährige Johannes von Nepomuk vor und wurde in eine Irrenanstalt gebracht, wo er Materialien für neue Humoresken sammelte. Während des Ersten Weltkriegs ließ er sich in einem Prager Hotel nieder und registrierte sich als „Lev Nikolaevich Turgenev“. Geboren am 3. November 1885 in der Stadt Kiew. Lebt in Petrograd. Orthodox. Privatangestellter. Kam aus Moskau. Zweck des Besuchs ist die Revision des österreichischen Generalstabs.“ Als er als russischer Spion verhaftet wurde, erklärte er, dass er es als loyaler Bürger für seine Pflicht halte, zu überprüfen, „wie die Staatspolizei in dieser für das Land schwierigen Zeit funktioniert“.

Im Jahr 1915 wurde er zur Armee eingezogen und in das 91. Infanterieregiment in Ceske Budejovice aufgenommen. Vieles von dem, was Hasek in der Armee widerfuhr, beschrieb er später in dem Roman „Die Abenteuer von“. guter Soldat Schweik. So erschien er im Regiment in Militäruniform, aber mit Zylinder. Er wurde wegen Verstößen gegen die Disziplin aus der Freiwilligenschule ausgeschlossen. Und die Simulation von Rheuma wurde als versuchte Fahnenflucht gewertet und sogar zu drei Jahren Haft mit Ausreise nach Kriegsende verurteilt. Also fuhr Hasek mit einem Gefängniswagen an die Front.

In der Armee erhielt er die Position eines Hilfssekretärs, was es ihm ermöglichte, den Lehren zu entgehen und seine Arbeit fortzusetzen. Gleichzeitig verstand er sich recht gut mit dem Batman Frantisek Strashlipka, der zu einem der Hauptprototypen von Schwejk wurde. An der Front in Galizien übte er die Aufgaben eines Untermieters aus, später war er Ordonnanz und Zugverbindungsoffizier. Er nahm an den Schlachten in der Nähe des Berges Sokal teil, erhielt eine Silbermedaille für Tapferkeit und wurde in den Rang eines Unteroffiziers befördert. Am 24. September 1915, während der Gegenoffensive der russischen Armee im Sektor des 91. Regiments, ergab sich Hasek zusammen mit Strashlipka freiwillig.

In der Gefangenschaft schloss er sich wie viele andere Landsleute der Tschechoslowakischen Legion an, die auf der Seite der russischen Armee kämpfte. Im Sommer 1917 wurde ihm für die Schlacht bei Zborov sogar das St.-Georgs-Kreuz vierten Grades verliehen.

Nach dem Abschluss eines Separatfriedens zwischen Russland und Deutschland und der Evakuierung des tschechischen Korps nach Europa über Wladiwostok ging er nach Moskau, wo er der Kommunistischen Partei beitrat. Im April 1918 wurde er nach Samara geschickt, wo er unter Tschechen und Slowaken gegen die Evakuierung nach Frankreich kämpfte und sie auch zum Eintritt in die Rote Armee drängte. Bis Ende Mai bestand Haseks Abteilung aus 120 Kämpfern, die an Kämpfen mit Einheiten der Weißen Armee teilnahmen und einen anarchistischen Aufstand in Samara erfolgreich niederschlugen. Im Juli erließ das Feldgericht der Tschechoslowakischen Legion einen Haftbefehl gegen Hasek als Verräter am tschechischen Volk. Nach dem weiß-tschechischen Aufstand musste er sich auf dem von Koltschak kontrollierten Gebiet verstecken. Erst im September überquerte er die Frontlinie und schloss sich in Simbirsk erneut den Einheiten der Roten Armee an.

Ab Oktober 1918 war er in der politischen Abteilung der 5. Armee der Ostfront in parteipolitischer, politischer und administrativer Arbeit tätig. Im Dezember 1918 wurde er zum Kommandanten der Stadt Bugulma ernannt. Er beteiligte sich persönlich am Roten Terror. 1919 wurde er nach Ufa versetzt, wo er die Druckerei leitete und die bolschewistische Zeitung „Unser Weg“ herausgab. Dort heiratete er einen Mitarbeiter der Druckerei A.G. Lemberg. Zusammen mit der 5. Armee besuchte er Tscheljabinsk, Omsk, Krasnojarsk, Irkutsk, wo er bei einem Attentat leicht verwundet wurde.

In Irkutsk wurde er in den Stadtrat gewählt. Gleichzeitig gab er die Zeitungen „Shturm“ auf Deutsch, „Rogam“ auf Ungarisch, „Bulletin eines politischen Arbeiters“ auf Russisch und „Ur“ („Dawn“) auf Burjatisch heraus. Nach dem Ende des Bürgerkriegs blieb Gashek in Irkutsk, wo er sogar ein Haus kaufte. Allerdings gab es damals in Sibirien ein „Trockengesetz“, das den berühmten Trinker nur verärgern musste. Vielleicht war dies einer der Gründe für die Rückkehr in ihre Heimat.

Im Dezember 1920 kehrte er zusammen mit seiner Frau nach Prag zurück, wo er im Zusammenhang mit seinem Dienst bei den Bolschewiki auf äußerste Feindseligkeit stieß. Er hatte fast keinen Lebensunterhalt mehr und verkaufte sogar Exemplare seiner Bücher auf der Straße, die die Verleger während des Krieges angesammelt hatten. Bald lebte er wieder von den Vorschüssen der Verleger und wanderte von Wirtshaus zu Wirtshaus. In Tavernen schrieb er seine neuen Werke und las sie dort oft. Ständiges Trinken, zwei Typhus-Fieber, die Weigerung, den Empfehlungen der Ärzte zu folgen – all dies führte zu einer ständigen Verschlechterung von Haseks Gesundheitszustand.

Nach seiner Rückkehr nach Prag veröffentlichte er Kurzgeschichtensammlungen „Zwei Dutzend Geschichten“, „Drei Männer und ein Hai“ und „Friedenskonferenz und andere Humoresken“. Gleichzeitig begann er mit der Arbeit an dem Roman „Der gute Soldat Schwejk“, der in Einzelausgaben erschien. Der Roman wurde sofort geschrieben und jedes geschriebene Kapitel wurde sofort an den Verlag geschickt. Gleichzeitig mit der tschechischen Ausgabe erscheint die Übersetzung des Buches als Original in Frankreich, England und Amerika. Bis 1922 erlebte der erste Band des Romans bereits vier Auflagen, der zweite drei.

Im August 1921 zog er in die Kleinstadt Lipnice, wo er weiterhin aktiv an einem Roman über Schwejk arbeitete. Doch sein Gesundheitszustand verschlechterte sich zunehmend. Aufgrund von Schmerzen musste die Arbeit oft unterbrochen werden. Der Autor arbeitete jedoch bis zum Ende. Das letzte Mal er diktierte Schweik nur fünf Tage vor seinem eigenen Tod. Der Roman blieb unvollendet. Am 3. Januar 1923 starb Hasek.

In vielen Städten der Welt sind Straßen nach Jaroslav Hasek benannt, und die Zahl der Denkmäler für Josef Schweik übersteigt sogar die Zahl der Denkmäler für Hasek selbst. Es gibt mehrere Hasek-Museen auf der Welt, darunter auch in Russland (in Bugulma). Zu Ehren von J. Hasek ist der Asteroid 2734 Hasek benannt, und zwar zu Ehren von ihm berühmter Charakter- Asteroid 7896 Schweik.

Russische Kunst der ersten Hälfte XIX Jahrhundert. Nationaler Aufschwung im Zusammenhang mit dem Vaterländischen Krieg von 1812. Krieg und Dekabristenaufstand in der russischen Kultur im ersten Drittel des Jahrhunderts. Akute Zeitwidersprüche in den 40er Jahren. Romantische Motive in Literatur und Kunst, was für Russland, das seit mehr als einem Jahrhundert am gesamteuropäischen Kulturprozess beteiligt ist, selbstverständlich ist. Der Weg vom Klassizismus zum kritischen Realismus durch die Romantik.

Die gestiegene gesellschaftliche Rolle des Künstlers, die Bedeutung seiner Persönlichkeit, das Recht auf Freiheit der Kreativität, in der soziale und Moralische Probleme; die Gründung von Kunstvereinen und Spezialzeitschriften („Freie Gesellschaft der Liebhaber von Literatur, Wissenschaft und Kunst“, „Journal of Fine Arts“, „Gesellschaft zur Förderung von Künstlern“, „Russisches Museum“, „Russische Galerie“), provinziell Kunstschulen. Der vorherrschende Stil dieser Zeit ist der reife oder hohe Klassizismus (Russisches Reich).

Die Architektur des ersten Drittels des Jahrhunderts ist die Lösung großer städtischer Probleme. In St. Petersburg wird die Gestaltung der Hauptplätze der Hauptstadt fertiggestellt: des Palastes und des Senats. Besonders intensiv wurde Moskau nach dem Brand von 1812 ausgebaut. Die Antike in ihrer griechischen (und sogar archaischen) Version wird zum Ideal. Es wird die dorische (oder toskanische) Reihenfolge verwendet, streng und prägnant. Eine große Rolle im Gesamterscheinungsbild des Gebäudes spielt die Skulptur, die eine gewisse semantische Bedeutung hat. Die Farbe entscheidet viel, meist ist die Architektur des Hochklassizismus zweifarbig: Säulen und Stuckstatuen sind weiß, der Hintergrund ist gelb oder Ohrringe. Unter den Gebäuden nehmen öffentliche Gebäude den Hauptplatz ein: Theater, Abteilungen, Bildungseinrichtungen, Paläste und Tempel werden deutlich seltener gebaut.

A. Woronikhin - der größte Architekt dieser Zeit (Kasaner Kathedrale). A. Sacharow seit 1805 - „Chefarchitekt der Admiralität“ (Admiralität als Hauptensemble von St. Petersburg). C. Rossi - der führende Petersburger Architekt des ersten Drittels des 19. Jahrhunderts. („Russisches Reich“), „Denken in Ensembles“: Er verwandelte einen Palast oder ein Theater in ein städtebauliches Zentrum aus Plätzen und neuen Straßen (Michailowski-Palast, heute das Russische Museum; das Gebäude des Alexandria-Theaters; das Gebäude des Senat auf dem berühmten Senate Square). „Der strengste“ aller Architekten des Spätklassizismus V. Staso V(Pavlovsky-Kaserne auf dem Marsfeld, die „Stallabteilung“ am Moika-Damm, die Regimentskathedrale des Izmailovsky-Regiments, die Triumphtore von Narva und Moskau, Innenräume Winterpalast nach dem Brand), der überall die Masse, ihre plastische Schwere, Statik, Eindrücklichkeit und Schwere betont. Die St. Isaaks-Kathedrale in St. Petersburg (O. Montferrand) ist eines der letzten herausragenden Denkmäler der Kultarchitektur in Europa des 19. Jahrhunderts, das die besten Kräfte von Architekten, Bildhauern, Malern, Maurern und Gießern vereinte, ein Beispiel dafür Der Klassizismus verliert seine Harmonie, Gewichtung und Komplikation.

Die Verbindung zwischen der Skulptur der ersten Hälfte des Jahrhunderts und der Entwicklung der Architektur: die Statuen von Barclay de Tolly und Kutuzov in der Kasaner Kathedrale (B. Orlovsky), die den Symbolen des heroischen Widerstands einen schönen architektonischen Rahmen gaben. („Guy Playing Money“ von N. Pimenov, „Guy Playing Pile“ von A. Loganovsky). die andere offenbart den Wunsch nach einer direkteren und multilateraleren Reflexion der Realität, sie verbreitet sich in der zweiten Hälfte des Jahrhunderts, aber beide Richtungen verlieren allmählich die Merkmale des monumentalen Stils.

Wahre Erfolge der Malerei in der Romantik. Im Porträtgenre nimmt es den Spitzenplatz ein O. Kiprensky (das Gemälde „Dmitry Donskoy über den Sieg über Mamai“, das einem Rentner das Recht auf eine Auslandsreise einräumte; Porträts von E. Rostopchin, D. Khvostov, dem Jungen Chelishchev, Oberst der Lebenshusaren E. Davydov – ein kollektives Bild von der Held des Krieges von 1812).

Die Romantik findet ihren Ausdruck in der Landschaft. S. Shchedrin („Ansicht von Neapel in einer mondhellen Nacht“) war der erste, der für Russland Open-Air-Malerei anfertigte: Er malte Skizzen unter freiem Himmel und vollendete das Bild („dekoriert“) im Atelier. In den letzten Werken Shchedrins wurde das Interesse an Licht- und Schatteneffekten immer deutlicher. Wie der Porträtmaler Kiprensky und der Schlachtenmaler Orlovsky malte auch der Landschaftsmaler Shchedrin häufig Genreszenen.

Brechung des alltäglichen Genres im Porträt V. Tropinina (Porträt seines Sohnes Arseny, Porträt von Bulakhov), einem Künstler, der erst im Alter von 45 Jahren aus der Leibeigenschaft befreit wurde. Die besten Porträts von Tropinin zeichnen sich durch hohe künstlerische Perfektion, Aufrichtigkeit der Bilder, Lebendigkeit und Unmittelbarkeit aus, die durch geschickte Beleuchtung betont werden.

Tropinin führte lediglich ein Genreelement in das Porträt ein. „Vater des russischen Haushaltsgenres“ – A. Venetsianov („Schnitter“, „Frühling. Auf Ackerland“, „Bäuerin mit Kornblumen“, „Morgen des Gutsbesitzers“), der in seinem Werk Elemente des Klassizismus, der Romantik, des Sentimentalismus und des Naturalismus kombinierte, d. h. aller „lebendigen“ künstlerischen Bewegungen zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Er enthüllte nicht die scharfen Kollisionen des Bauernlebens, warf nicht die „kranken Fragen“ unserer Zeit auf. Er malte eine patriarchalische Lebensweise, aber er brachte die Poesie nicht von außen hinein, er erfand sie nicht, sondern bezog sie aus dem Leben der Menschen selbst.

Die Entwicklung der russischen Historienmalerei in den 1930er und 1940er Jahren im Zeichen der Romantik. „Das Genie des Kompromisses“ zwischen den Idealen des Klassizismus und den Neuerungen der Romantik – K. Brjullow („Narziss“ ist eine Skizze, die zu einem Gemälde wurde; „Der letzte Tag von Pompeji“ ist das Hauptwerk des Künstlers und zeigt die Größe und Würde eines Menschen angesichts des Todes.) Die zentrale Figur im Gemälde von Mitte des Jahrhunderts ist A. Iwanow (das Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, das den leidenschaftlichen Glauben des Künstlers an die moralische Transformation der Menschen, an die Vollkommenheit eines Menschen, der nach Freiheit und Wahrheit strebt, widerspiegelte).

Die Hauptquellen der Genremalerei der zweiten Hälfte des Jahrhunderts liegen im Werk von P. Fedotova , dem es gelang, den Geist Russlands in den 40er Jahren auszudrücken. Der Weg vom einfachen Alltagsschreiben zur Umsetzung der Probleme des russischen Lebens in Bildern: „Major's Matchmaking“ (Aufdeckung der Ehen verarmter Adliger mit Kaufmanns-„Geldsäcken“) , „Die wählerische Braut“ (eine Satire auf die Vernunftehe), „Frühstück eines Aristokraten“ (Anprangerung der Leere eines säkularen Kerls, der ihm Staub in die Augen streut), „Anker, noch mehr Anker!“ (ein tragisches Gefühl der Sinnlosigkeit des Daseins), „Der frische Kavalier“ ... Fedotovs Kunst vollendet die Entwicklung der Malerei in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts. und öffnet sich neue Bühne- die Kunst des kritischen (demokratischen) Realismus.

Russische Kunst der zweiten Hälfte XIX Jahrhundert . Skulptur und Architektur entwickelten sich in dieser Zeit weniger schnell. Die künstlerischen Ausdrucksmittel des Klassizismus widersprechen den Aufgaben der Architektur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Historismus (retrospektive Stilisierung, Eklektizismus) als Reaktion auf die Kanonizität des klassischen Stils. Neue Gebäudetypen der Zeit des Kapitalismus erforderten neue und vielfältige kompositorische Lösungen, nach denen Architekten in den dekorativen Formen der Vergangenheit zu suchen begannen und dabei Gotik-, Renaissance-, Barock- und Rokoko-Motive verwendeten.

1840er Jahre: Faszination für Renaissance, Barock, Rokoko. Im Geiste des Neobarocks und der Neorenaissance sind einige Innenräume des Nikolaevsky-Palastes gestaltet. In den 1970er und 1980er Jahren verschwanden klassische Traditionen in der Architektur. Die Einführung von Metallbeschichtungen und Metallrahmenkonstruktionen erweckte eine rationale Architektur mit ihren neuen funktionalen und konstruktiven Konzepten zum Leben. Technische und funktionale Zweckmäßigkeit beim Bau neuer Gebäudetypen: Industrie- und Verwaltungsgebäude, Bahnhöfe, Passagen, Märkte, Krankenhäuser, Banken, Brücken, Theater- und Unterhaltungseinrichtungen.

Die Krise des Monumentalismus wirkte sich auch auf die Entwicklung der Monumentalskulptur aus. Denkmäler werden zu erbärmlich, fragmentarisch in der Silhouette, detailliert (das Denkmal für Katharina II. in St. Petersburg) oder kammerförmig im Geiste (das Denkmal für Puschkin in Moskau). In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Staffelei-Skulptur entwickelt sich hauptsächlich im Genre, erzählerisch, sieht aus wie ein in Skulptur übersetztes Genregemälde (M. Chizhov „Ein Bauer in Schwierigkeiten“, V. Beklemishev „Dorfliebe“). Das animalische Genre entwickelt sich (E. Lansere und A. Aubert), das eine große Rolle bei der Entwicklung der russischen realistischen Skulptur kleiner Formen spielte.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts waren auch eine kritische Einstellung zur Realität, ausgeprägte bürgerliche und moralische Positionen sowie eine ausgeprägte soziale Orientierung charakteristisch für die Malerei, in der sich ein neues künstlerisches Sichtsystem herausbildete, das im kritischen Realismus zum Ausdruck kam. A enge Verbindung zwischen Malerei und Literatur. Künstler als Illustratoren, geradlinige Interpreten akuter sozialer Probleme der russischen Gesellschaft.

Seele kritische Richtung in der Malerei V. Perov , der Fedotovs Fall aufgriff und es schaffte, einfach und eindringlich die Seiten des einfachen Alltags zu zeigen: das unansehnliche Aussehen des Klerus („Landprozession zu Ostern“), das hoffnungslose Leben der russischen Bauern („Seeing the Dead“), die Leben der städtischen Armen („Troika“) und der Intelligenz („Die Ankunft der Gouvernante im Haus des Kaufmanns“).

Der Kampf um das Recht der Kunst, sich dem wirklichen, wirklichen Leben zuzuwenden, an der St. Petersburger Akademie der Künste („Aufstand der 14“). Die Vereinigung von Absolventen der Akademie, die sich weigerten, ein programmatisches Bild zu einem Thema des skandinavischen Epos zu schreiben (es gibt so viele moderne Probleme!), Verband der Wanderkunstausstellungen (1870-1923). Diese Ausstellungen wurden als mobil bezeichnet, weil sie in St. Petersburg, Moskau und in der Provinz („zum Volk gehen“) organisiert wurden. Jede Ausstellung der „Wanderer“ ist wie ein riesiges Ereignis. Das ideologische Programm der Partnerschaft: ein Spiegelbild des Lebens mit all seinen akuten gesellschaftlichen Problemen, in seiner ganzen Aktualität. Die Kunst der Wanderer als Ausdruck revolutionär-demokratischer Ideen in der künstlerischen Kultur der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. Die Partnerschaft wurde auf Initiative von Myasoedov gegründet, unterstützt von Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin und den Brüdern Makovsky. Später kamen junge Künstler hinzu; Repin, Surikow, Wasnezow, Jaroschenko. Serov, Levitan, Polenov nehmen seit Mitte der 80er Jahre an Ausstellungen teil. Der Anführer und Theoretiker der Wanderer I. Kramskoy.

Kampfgenre in den 70-80er Jahren. V. Wereschtschagin („Die Apotheose des Krieges“) als den Wanderern nahestehend (organisatorisch gehörte er ihnen nicht an). Er veranstaltete seine Ausstellungen in verschiedenen Teilen der Welt und verwirklichte die Idee des Wanderns sehr weit.

Demokratie im Landschaftsgenre. Eine etwas spektakuläre äußerlich zentralrussische Landschaft, raue nördliche Natur wie Hauptthema Maler. A. Savrasov („Rooks Have Arrival“, „Rye“, „Country Road“) – „der König der Lüfte“, der es verstand, im Einfachsten jene zutiefst ergreifenden, oft traurigen Züge zu finden, die in der heimischen Landschaft so stark zu spüren sind wirken so unwiderstehlich auf die Seele. ... Eine weitere Konzeptlandschaft in der Kunst F. Wassiljewa („After the Rain“, „Thaw“, „Wet Meadow“) – ein „brillanter Junge“, der den „lebendigen Himmel“ für die Landschaftsmalerei entdeckte und mit seinem „mozartischen“ Schicksal zeigte, dass das Leben nicht für die gelebten Jahre gezählt wird, Sondern dafür, wie bereit ein Mensch ist, zu sehen, zu erschaffen, zu lieben und sich überraschen zu lassen. V. Polenow („Moscow Yard“, „Christus und der Sünder“) beschäftigte sich viel mit häuslichen und historischen Genres, in denen die Landschaft eine große Rolle spielte. Polenow ist ein echter Reformator der russischen Malerei, der sie auf dem Weg des Pleinairismus weiterentwickelte. Sein Verständnis der Skizze als eigenständiges Kunstwerk hatte großen Einfluss auf die Maler der Folgezeit. I. Levitan als Nachfolger der Traditionen von Savrasov und Vasilyev („Birch Grove“, „Evening Ringing“, „At the Pool“, „March“, „Golden Autumn“), „ein riesiges, originelles, originelles Talent“, „das Beste.“ Russischer Landschaftsmaler“.

Der Höhepunkt des demokratischen Realismus in der russischen Malerei der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts. betrachtete zu Recht das Werk von Repin und Surikow, die jeder auf seine Weise ein monumentales Heldenbild des Volkes schuf. I. Repin („Kahnschlepper auf der Wolga“, „Die Prozession in der Provinz Kursk“, „Die Verhaftung eines Propagandisten“, „Verweigerung des Geständnisses“, „Sie hatten nicht damit gerechnet“) – „ein großer Realist“, der in a arbeitete Eine Vielzahl von Genres, von Folklore bis hin zu Porträts, die es geschafft haben, nationale Merkmale des russischen Lebens auszudrücken, sind lebendiger als andere Maler. Seine künstlerische Welt ist ganz, weil sie durch einen Gedanken, eine Liebe „durchsichtig“ ist – die Liebe zu Russland. In der Kreativität V. Surikow („Morgen der Streltsy-Hinrichtung“, „Menschikow in Beresow“, „Bojar Morosowa“, „Die Eroberung Sibiriens durch Ermak“, „Die Eroberung der Schneestadt“) hat die historische Malerei ihren Platz gefunden modernes Verständnis. Surikow gelang es als „Zeuge der Vergangenheit“, „die schrecklichen Dinge der Vergangenheit zu zeigen, indem er der Menschheit in seinen Bildern die heroische Seele seines Volkes präsentierte.“ Neben Surikow im russischen Geschichtsgenre der zweiten Hälfte das 19. Jahrhundert. auch andere Künstler arbeiteten. In der Kreativität V. Vasnetsova Es herrschen Märchen, Folklore oder Sagenbilder vor („Aljonuschka“, „Der Ritter am Scheideweg“, „Die Bogatyrer“).

Russische Kunst des Endes XIX -Anfang XX Jahrhundert . Mit der Krise der populistischen Bewegung in den 1990er Jahren wurde die „analytische Methode des Realismus des 19. Jahrhunderts“ obsolet. Der kreative Niedergang der Wanderers, die sich dem „kleinen Thema“ eines unterhaltsamen Genrebildes widmeten. Perows Traditionen wurden an der Moskauer Schule für Malerei, Bildhauerei und Architektur bewahrt. Alle Kunstgattungen – Malerei, Theater, Musik, Architektur – stehen für die Erneuerung der künstlerischen Sprache, für hohe Professionalität.

Für die Maler der Jahrhundertwende sind andere Ausdrucksweisen charakteristisch als die der Wanderer, andere Formen künstlerischen Schaffens – in Bildern, die widersprüchlich, kompliziert und die Moderne widerspiegeln, ohne Illustration und Erzählung. Künstler suchen schmerzlich nach Harmonie und Schönheit in einer Welt, die sowohl Harmonie als auch Schönheit grundsätzlich fremd ist. Deshalb sahen viele ihre Mission darin, den Sinn für Schönheit zu kultivieren. In dieser Zeit der „Vorabende“, der Erwartung von Veränderungen im öffentlichen Leben, entstanden viele Bewegungen, Vereine, Gruppierungen.

Die Rolle der Vereinskünstler „Welt der Kunst“ bei der Popularisierung heimischer und westeuropäischer Kunst. „Welt der Kunst“ (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) trug zur Konsolidierung der künstlerischen Kräfte bei, die Gründung der „Union russischer Künstler“. Bedeutung für die Bildung der Vereinigung der Persönlichkeit von Diaghilew, Mäzen, Veranstalter von Ausstellungen, Impresario russischer Ballett- und Operntourneen im Ausland („Russische Jahreszeiten“). Die wichtigsten Bestimmungen der „Welt der Kunst“: Autonomie der Kunst, Probleme der Kunstform, Hauptaufgabe der Kunst ist die Erziehung des ästhetischen Geschmacks der russischen Gesellschaft durch Bekanntschaft mit Werken der Weltkunst.

Die Geburt des Jugendstils, der alle bildenden Künste, von der Architektur bis zur Grafik, betraf, ist kein eindeutiges Phänomen, sie enthält auch dekadente Anmaßung, Anmaßung, die auf den bürgerlichen Geschmack ausgelegt ist, aber es gibt auch den Wunsch nach stilistischer Einheit ist an sich schon bedeutsam. Merkmale des Jugendstils: in der Skulptur - die Fließfähigkeit der Formen, die besondere Ausdruckskraft der Silhouette, die Dynamik der Komposition; in der Malerei - die Symbolik der Bilder, die Sucht nach Allegorien.

Das Aufkommen des Jugendstils bedeutete nicht den Zusammenbruch der Wanderideen, die sich anders entwickeln: Das bäuerliche Thema wird auf neue Weise offenbart (S. Korovin, A. Arkhipov). M. Nesterow , aber das Bild von Rus erscheint in seinen Gemälden als eine ideale, verzauberte Welt im Einklang mit der Natur, verschwand jedoch wie die legendäre Stadt Kitezh („Vision für den jungen Bartholomäus“).

Eine andere Sicht auf die Welt K. Korovina , der schon früh begann, unter freiem Himmel zu schreiben. Seine französischen Landschaften („Pariser Lichter“) sind bereits recht impressionistische Schriften. Scharfe, unmittelbare Eindrücke vom Leben einer Großstadt: ruhige Straßen zu verschiedenen Tageszeiten, in einer hellen Luftumgebung aufgelöste Objekte – Merkmale, die an die Landschaften von Manet und Pissarro erinnern. Impressionistische Etüden, malerische Meisterschaft und Kunstfertigkeit bewahren Korovin im Porträt und Stillleben, in dekorativen Tafeln, in theatralischen Kulissen.

Erneuerer der russischen Malerei um die Jahrhundertwende V. Serov („Das Mädchen mit den Pfirsichen“, „Das von der Sonne beleuchtete Mädchen“) ist eine ganze Etappe der russischen Malerei. Porträt, Landschaft, Stillleben, häusliche, historische Malerei; Öl, Gouache, Tempera, Kohle – es ist schwierig, Genres zu finden, in denen Serov nicht arbeiten würde. Ein besonderes Thema in seinem Werk ist die bäuerliche Kunst, in der es keine umherziehende soziale Schärfe gibt, aber ein Gefühl für die Schönheit und Harmonie von Bauernleben, Bewunderung für die gesunde Schönheit des russischen Volkes.

„Herold anderer Welten“ M. Vrubel , was als Person Verwirrung und als Künstler Empörung hervorrief („Pan“, „Die Schwanenprinzessin“, „Sitzender Dämon“, „Wahrsager“, „Lilac“). Als erster Symbolist (?), „universal in der Kunst“, dessen Suche mit der Methode von Leonardo da Vinci verglichen wird, „fällt“ Vrubel sehr schnell aus der „traditionellen“ Malerei aus, verblüfft mit einem Original, voller Geheimnisse und fast dämonische Macht in der Art der Malerei, die sich als prophetisch für neue künstlerische Richtungen des 20. Jahrhunderts erwies ...

„Miriskussnik“ N. Roerich . Als Kenner der Philosophie und Ethnographie des Ostens hatte der Archäologe und Wissenschaftler Roerich mit der „Welt der Kunst“ die Liebe zur Rückschau, zur heidnischen slawischen und skandinavischen Antike („Messenger“, „The Elders Converge“, „Sinister“) gemeinsam. ). Roerich stand der Philosophie und Ästhetik des russischen Symbolismus am nächsten, doch seine Kunst passte nicht in die bestehenden Strömungen, denn entsprechend der Weltanschauung des Künstlers appellierte er mit einem Appell an die gesamte Menschheit an eine freundschaftliche Vereinigung aller Völker. Später weichen historische Themen religiösen Legenden („Himmelsschlacht“). Seine dekorative Tafel „Die Schlacht von Kerzhents“ wurde während der Aufführung eines gleichnamigen Fragments aus Rimsky-Korsakovs Oper „Die Legende von der unsichtbaren Stadt Kitezh und der Jungfrau Fevronia“ in den Pariser „Russischen Jahreszeiten“ ausgestellt.

In der zweiten Generation der „Welt der Kunst“ war er einer der begabtesten Künstler B. Kustodijew , ein Schüler von Repin, der sich durch Stilisierung auszeichnet, aber dies ist eine Stilisierung eines beliebten populären Drucks („Messen“, „Fasnacht“, „Balagany“, „Händler für Tee“).

1903 erfolgte die Gründung des Vereins „Union russischer Künstler“ , zu dem Figuren aus der „Welt der Kunst“ gehören – Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, und die Teilnehmer der ersten Ausstellungen waren Vrubel, Borisov-Musatov. Die Initiatoren der Vereinsgründung waren Moskauer Künstler, die mit der „Welt der Kunst“ verbunden waren, aber von der programmatischen Ästhetik der Petersburger belastet waren. K. Korovin galt als Anführer der „Union“.

1910, Gründung des Vereins "Der Karobube" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), der sich gegen die Unbestimmtheit, Unübersetzbarkeit, Nuancen der Symbolsprache der „Blauen Rose“ und den ästhetischen Stil der „Welt von“ aussprach Kunst". „Knaves of Diamonds“ bekennt sich zu einem klaren Bildaufbau, betont die Objektivität der Form, Intensität, voll klingende Farbe. Stillleben als Lieblingsgenre von „Jacks“.

„Einsame und einzigartige“ Kreativität P. Filonova , der sich zum Ziel gesetzt hat, die Metaphysik des Universums mittels Malerei zu begreifen und kristallähnliche Formen als Grundelemente des Universums zu schaffen („Fest der Könige“, „Heilige Familie“). Lebendigkeit nationaler Traditionen, großes altes Russisch Malen in Kreativität K. Petrova-Vodkina , ein Künstler-Denker („Baden des roten Pferdes“ als Bildmetapher, „Mädchen an der Wolga“ – eine Orientierung an den Traditionen der russischen Kunst).

Die Ära des hochentwickelten Industriekapitalismus und Veränderungen in der Architektur der Stadt. Neue Gebäudetypen: Fabriken, Bahnhöfe, Geschäfte, Banken, Kinos. Neue Baumaterialien – Stahlbeton- und Metallkonstruktionen, die es ermöglichen, riesige Räume zu überdachen und riesige Ladenfronten zu schaffen.

Die Kunst der vorrevolutionären Jahre in Russland ist durch die ungewöhnliche Komplexität und Widersprüchlichkeit der künstlerischen Suche gekennzeichnet, weshalb sich die Gruppierungen gegenseitig durch eigene Programmeinstellungen und stilistische Sympathien ersetzten. Aber neben den Experimentatoren auf dem Gebiet der abstrakten Formen in der russischen Kunst dieser Zeit, der „Welt der Kunst“ und „Blauen Träger“, „Verbündeten“, „Knaves of Diamonds“, arbeiteten gleichzeitig Künstler des neoklassizistischen Trends weiter .

Adams John

Adams, John (30. November 1735 – 04.07.1826) – 2. Präsident der Vereinigten Staaten, Nachfolger von George Washington, im Gegensatz dazu kann er weniger politischen Praktikern als vielmehr politischen Theoretikern zugeschrieben werden. Er wurde in Massachusetts als Sohn einer Bauernfamilie geboren, schloss sein Studium an der Harvard University ab, praktizierte als Anwalt und wurde einer der beliebtesten Anwälte in Boston.

Adams John Quincy

Adams, John Quincy Adams (07.11.1767–23.02.1848) – 6. Präsident der Vereinigten Staaten. Studierte in Holland, Frankreich, USA (Harvard). In con. Im 18. und frühen 19. Jahrhundert schloss er sich den Föderalisten an (als Föderalist kritisierte er T. Paynes Broschüre „Die Rechte des Menschen“), doch 1807 brach er mit ihnen. US-Gesandter in Holland und Preußen (1794-1801); Kongressabgeordneter (1802); Senator aus Massachusetts (1803–1808); der erste US-Gesandte in Russland (1809-1814). Durch Adams bot Alexander I. 1813 Russland eine Vermittlung bei der Beilegung des angloamerikanischen Konflikts an.

Admiral Nelson Horatio

Nelson, Horatio (129.09.1758-21.10.1805) – englischer Marinekommandant.

Horatio Nelson wurde in eine Priesterfamilie im Norden Norfolks hineingeboren. Im Alter von 12 Jahren ging er zur Marine. Im Jahr 1773 segelte Horatio im Rahmen einer Expedition durch die nördlichen Meere. Sein militärischer Marinedienst begann während des Krieges mit Frankreich. Im Jahr 1793

Nelson wurde zum Kapitän des 64-Kanonen-Schiffes Agamemnon ernannt. Als Teil des englischen Geschwaders bewachte Agamemnon das Mittelmeer vor französischen Schiffen. Bereits in den ersten Kriegsmonaten zeigten sich die besten Charaktereigenschaften Nelsons – Mut und strategisches Talent. Am 14. Februar 1797 nahm er an der Schlacht von St. Vincent teil, trug viel zum Sieg der englischen Flotte bei und wurde Konteradmiral. In einer der Schlachten wurde Horatio verwundet und verlor seinen rechten Arm.

Andrássy Gyula

Andrassy, ​​​​Gyula, Graf (03.03.1823-18.02.1890) – ungarischer Politiker und Diplomat. Nach der Niederlage der ungarischen Revolution von 1848–1849, an der er aktiv teilnahm, emigrierte Andrássy nach Frankreich. Gyula wurde in Abwesenheit zum Tode verurteilt, später jedoch amnestiert und kehrte 1858 nach Ungarn zurück.

Benjamin Disraeli

Disraeli, Benjamin (21.12.1804-19.04.1881) – berühmter britischer Staatsmann und Politische Figur, Schriftsteller. Der Sohn des Schriftstellers I. Disraeli, eines jüdischen Emigranten, der zum Christentum konvertierte. In den Werken „Vivian Gray“, „Der junge Herzog“ und anderen nahm Disraeli gekonnt die Besonderheiten des politischen Lebens des Landes wahr und vertrat konservative Prinzipien (Schutz der Krone, Kirche, Aristokratie).

Blanquis Louis Auguste

Blanqui, Louis Auguste (02.08.1805-01.01.1881) – französischer Revolutionär, utopischer Kommunist. Louis wurde am Lycée Charlemagne in Paris ausgebildet. Seine Leidenschaft für republikanisch-demokratische Ideen führte ihn in die Reihen der Gegner des Restaurationsregimes (1814-1830). Als aktiver Teilnehmer der Julirevolution von 1830 wurde der Republikaner Blanqui zum unerbittlichen Gegner der Louis-Philippe-Monarchie. In den 1930ern war der Organisator und Anführer geheimer republikanischer Gesellschaften, die sich für die Schaffung einer demokratischen Republik und die Zerstörung der Ausbeutung einsetzten.

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Westeuropäische Kunst des 18.–19. Jahrhunderts

18. Jahrhundert in Westeuropa die letzte Etappe des langen Übergangs vom Feudalismus zum Kapitalismus. In der Mitte des Jahrhunderts war der Prozess der ursprünglichen Kapitalakkumulation abgeschlossen, ein Kampf wurde in allen Bereichen des gesellschaftlichen Bewusstseins geführt, revolutionäre Situation. Später führte es zur Dominanz der klassischen Formen des entwickelten Kapitalismus. Im Laufe eines Jahrhunderts vollzog sich ein gigantischer Zusammenbruch aller gesellschaftlichen und staatlichen Grundlagen, Konzepte und Kriterien zur Bewertung der alten Gesellschaft. Eine zivilisierte Gesellschaft entstand, eine Zeitschrift erschien, politische Parteien wurden gegründet, es wurde um die Befreiung des Menschen aus den Fesseln einer feudal-religiösen Weltanschauung gekämpft.

In der bildenden Kunst gewann die unmittelbare Darstellung des Lebens an Bedeutung. Die Sphäre der Kunst erweiterte sich, sie wurde zu einem aktiven Sprecher der Befreiungsideen, erfüllt von Aktualität und Kampfgeist, prangerte die Laster und Absurditäten nicht nur der feudalen, sondern auch der aufstrebenden bürgerlichen Gesellschaft an. Es stellte auch ein neues positives Ideal einer uneingeschränkten Persönlichkeit eines Menschen dar, der frei von hierarchischen Vorstellungen ist, individuelle Fähigkeiten entwickelt und gleichzeitig mit einem edlen Sinn für Staatsbürgerschaft ausgestattet ist. Kunst wurde national und fand nicht nur Anklang bei einem Kreis anspruchsvoller Kenner, sondern bei einem breiten demokratischen Umfeld.

Die wichtigsten Trends in der sozialen und ideologischen Entwicklung Westeuropas im 18. Jahrhundert. waren in den verschiedenen Ländern ungleichmäßig. Konsolidierte in England die industrielle Revolution Mitte des 18. Jahrhunderts den Kompromiss zwischen Bürgertum und Adel, so hatte in Frankreich die antifeudale Bewegung einen massiveren Charakter und bereitete eine bürgerliche Revolution vor. Allen Ländern gemeinsam war die Krise des Feudalismus, seiner Ideologie, die Bildung einer breiten sozialen Bewegung – der Aufklärung mit ihrem Kult der ursprünglichen, unberührten Natur und der sie schützenden Vernunft, mit ihrer Kritik an der modernen korrupten Zivilisation und dem Traum vom Harmonie der wohltätigen Natur und einer neuen demokratischen Zivilisation, die sich auf die natürlichen Bedingungen konzentriert.

18. Jahrhundert - das Zeitalter der Vernunft, des alles zerstörenden Skeptizismus und der Ironie, das Zeitalter der Philosophen, Soziologen, Ökonomen; Es entwickelten sich die exakten Naturwissenschaften, die Geographie, die Archäologie, die Geschichte und die materialistische Philosophie, verbunden mit der Technik. Wissenschaftliche Erkenntnisse drangen in das Geistesleben der damaligen Zeit ein und schufen die Grundlage für eine genaue Beobachtung und Analyse der Realität in der Kunst. Aufklärer proklamierten das Ziel der Kunst, die Natur nachzuahmen, sondern die Natur zu ordnen, zu verbessern (Didero, A. Pope), durch Vernunft von den schädlichen Auswirkungen einer vom Menschen geschaffenen Zivilisation, die durch ein absolutistisches Regime, soziale Ungleichheit, Müßiggang und Luxus geschaffen wurde, befreit zu werden. Der Rationalismus des philosophischen und ästhetischen Denkens des 18 angewandte Kunst. Aufklärer legten im Leben und in der Kunst großen Wert auf das Gefühl – den Mittelpunkt der edelsten Bestrebungen der Menschheit, ein Gefühl, das sich nach zielgerichtetem Handeln sehnt, das eine Kraft enthält, die das Leben revolutioniert, ein Gefühl, das die Urtugenden wiederbeleben kann. natürlicher Mensch„(Defoe, Rousseau, Mercier), den Naturgesetzen folgend.

Rousseaus Aphorismus „Der Mensch ist nur in seinen Gefühlen groß“ drückte einen der bemerkenswerten Aspekte des gesellschaftlichen Lebens des 18. Jahrhunderts aus, der in einem realistischen Porträt und Genre Anlass zu einer tiefgreifenden, verfeinerten psychologischen Analyse gab. Die lyrische Landschaft ist durchdrungen von der Poesie der Gefühle (Gainsborough, Watteau, J. Bernet, Robert), „ lyrischer Roman“, „Gedichte in Prosa“ (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), erreicht es seinen höchsten Ausdruck im Aufstieg der Musik (Händel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, Opernkomponisten Italien). Helden Kunstwerke Malerei, Grafik, Literatur und Theater des 18. Jahrhunderts. Einerseits wurden „kleine Leute“ – Menschen, wie alle anderen auch, in die üblichen Verhältnisse der Zeit gebracht, nicht durch Wohlstand und Privilegien verwöhnt, den gewöhnlichen natürlichen Bewegungen der Seele unterworfen, zufrieden mit bescheidenem Glück. Künstler und Schriftsteller bewunderten ihre Aufrichtigkeit, ihre naive Unmittelbarkeit der Seele und ihre Naturverbundenheit. Andererseits liegt der Fokus auf dem Ideal eines emanzipierten, zivilisierten, intellektuellen Menschen, geboren aus der Kultur der Aufklärung, der Analyse seiner individuellen Psychologie, widersprüchlichen Geisteszuständen und Gefühlen mit ihren subtilen Nuancen, unerwarteten Impulsen und nachdenklichen Stimmungen.

Scharfe Beobachtungsgabe, eine verfeinerte Denk- und Gefühlskultur sind charakteristisch für alle Kunstgattungen des 18. Jahrhunderts. Künstler versuchten, Alltagssituationen in verschiedenen Schattierungen, originellen Einzelbildern einzufangen, die sich für unterhaltsame Erzählungen und bezaubernde Spektakel, scharfe widersprüchliche Handlungen, dramatische Intrigen und komödiantische Handlungen, raffinierte Grotesken, Possenreißer, anmutige Pastorale und galante Festlichkeiten interessierten.

Auch in der Architektur wurden neue Probleme aufgeworfen. Die Bedeutung des Kirchenbaus hat abgenommen und die Rolle der zivilen Architektur hat zugenommen, äußerst einfach, modern, frei von übermäßiger Beeindruckung. In einigen Ländern (Frankreich, Russland, teilweise Deutschland) wurden die Probleme der Planung der Städte der Zukunft gelöst. Es entstanden architektonische Utopien (grafische Architekturlandschaften – D.B. Piranesi und die sogenannte „Papierarchitektur“). Charakteristisch wurden der Typus des privaten, meist intimen Wohnbaus und städtische Ensembles öffentlicher Gebäude. Allerdings in der Kunst des 18. Jahrhunderts. Im Vergleich zu früheren Epochen haben die synthetische Wahrnehmung und die Vollständigkeit der Berichterstattung über das Leben abgenommen. Die frühere Verbindung der monumentalen Malerei und Skulptur mit der Architektur wurde gebrochen, die Merkmale der Staffeleimalerei und des Dekorativs verstärkten sich in ihnen. Gegenstand eines besonderen Kults waren die Kunst des Alltags, dekorative Formen. Gleichzeitig haben die Interaktion und die gegenseitige Bereicherung zugenommen. verschiedene Sorten Kunst. Die durch eine Kunstform erworbenen Errungenschaften wurden von anderen freier genutzt. Somit war der Einfluss des Theaters auf Malerei und Musik sehr fruchtbar.

Kunst des 18. Jahrhunderts durchlief zwei Etappen. Die erste bestand bis 1740–1760. Es zeichnet sich durch eine Abwandlung der spätbarocken Formen aus dekorativer Stil Rokoko. Die Originalität der Kunst der ersten Hälfte des 18. Jahrhunderts. - in einer Kombination aus witziger und spöttischer Skepsis und Raffinesse. Diese Kunst ist einerseits verfeinert, analysiert die Nuancen von Gefühlen und Stimmungen, strebt nach eleganter Intimität, zurückhaltender Lyrik, andererseits tendiert sie zur „Philosophie des Vergnügens“, zu fabelhaften Bildern des Ostens – Araber, Chinesen, Perser. Gleichzeitig mit dem Rokoko entwickelten sich Tendenzen realistischer Natur – für einige Meister erhielten sie einen scharf anklagenden Charakter (Hogarth, Swift). Der Kampf war offen künstlerische Richtungen innen nationale Schulen. Die zweite Stufe ist mit der Vertiefung der ideologischen Widersprüche, dem Anwachsen des Selbstbewusstseins und der politischen Aktivität der Bourgeoisie und der Massen verbunden. An der Wende der 1760er-1770er Jahre. Die Königliche Akademie in Frankreich lehnte die Kunst des Rokoko ab und versuchte, den zeremoniellen, idealisierenden Stil der akademischen Kunst des späten 17. Jahrhunderts wiederzubeleben. Die galanten und mythologischen Genres wichen dem historischen Genre mit Handlungssträngen, die der römischen Geschichte entlehnt sind. Sie waren aufgerufen, die Größe der an Autorität verlorenen Monarchie entsprechend der reaktionären Interpretation der Ideen des „aufgeklärten Absolutismus“ hervorzuheben.

Vertreter des fortgeschrittenen Denkens wandten sich dem Erbe der Antike zu. In Frankreich eröffnete der Comte de Caylus das wissenschaftliche Zeitalter der Forschung auf diesem Gebiet („Antiquitätensammlung“, 7 Bände, 1752-1767). In der Mitte des 18. Jahrhunderts. Der deutsche Archäologe und Kunsthistoriker Winckelmann („Geschichte der Kunst der Antike“, 1764) forderte die Künstler auf, zu „edler Einfachheit und ruhiger Erhabenheit“ zurückzukehren Antike Kunst die in sich ein Spiegelbild der Freiheit der Griechen und Römer zur Zeit der Republik trägt. Der französische Philosoph Diderot fand in der antiken Geschichte Verschwörungen, die Tyrannen anprangerten und zu einem Aufstand gegen sie aufriefen. Es entstand der Klassizismus, der die Dekorativität des Rokoko mit natürlicher Einfachheit, der subjektiven Willkür der Leidenschaften – dem Wissen um Muster – kontrastierte echte Welt, Augenmaß, Adel im Denken und Handeln. Künstler studierten zunächst antike griechische Kunst wieder an offene Denkmäler. Die Verkündigung einer idealen, harmonischen Gesellschaft, der Vorrang der Pflicht vor dem Gefühl, das Pathos der Vernunft sind gemeinsame Merkmale des Klassizismus des 17. und 18. Jahrhunderts. Der Klassizismus des 17. Jahrhunderts, der auf der Grundlage der nationalen Einigung entstand, entwickelte sich jedoch unter den Bedingungen der Blüte einer Adelsgesellschaft. Für den Klassizismus des 18. Jahrhunderts. gekennzeichnet durch eine antifeudale Ausrichtung. Ziel war es, die fortschrittlichen Kräfte der Nation im Kampf gegen den Absolutismus zu vereinen. Außerhalb Frankreichs hatte der Klassizismus nicht den revolutionären Charakter wie in den frühen Jahren der Französischen Revolution.

Gleichzeitig mit dem Klassizismus, der seine Wirkung erlebte, lebte der linke Trend weiter. Darin wurden rationalistische Tendenzen skizziert: Künstler versuchten, Lebensphänomene zu verallgemeinern.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts. Der Sentimentalismus wurde mit seinem Kult des Gefühls und der Leidenschaft, der Verehrung von allem Einfachen, Naiven, Aufrichtigen geboren, es entstand eine damit verbundene vorromantische Kunstrichtung, es entstand ein Interesse am Mittelalter und an Formen der Volkskunst. Vertreter dieser Bewegungen betonten den Wert der edlen und aktiven Gefühle eines Menschen, enthüllten die Dramatik seiner Konflikte mit der Umwelt und veranlassten ihn, sich im Namen des Triumphs der Gerechtigkeit in reale öffentliche Angelegenheiten einzumischen. Sie ebneten den Weg „zur Erkenntnis des menschlichen Herzens und magische Kunst den Ursprung, die Entwicklung und den Zusammenbruch einer großen Leidenschaft vor Augen zu führen“ (Lessing) und drückte das wachsende Bedürfnis nach bewegter, pathetischer Kunst aus.

Im gesamten 19. Jahrhundert Der Kapitalismus wird zur dominierenden Formation nicht nur in Europa, sondern auch auf anderen Kontinenten. Ausdruck der fortschrittlichen Ideen der Zeit, der realistischen Kunst des 19. Jahrhunderts. behauptete die ästhetischen Werte der Realität, verherrlichte die Schönheit der echten Natur und des arbeitenden Menschen. Aus der extralinken Kunst früherer Jahrhunderte Realismus XIX V. unterschied sich darin, dass es direkt die Hauptwidersprüche der Zeit, die sozialen Lebensbedingungen der Menschen, widerspiegelte. Kritische Positionen bestimmten im 19. Jahrhundert die Grundlage der Methode der realistischen Kunst.

Verschiedene Gebiete entwickelten sich ungleichmäßig Kultur XIX V. Weltliteratur (Hugo, Balzac, Stendhal), Musik (Beethoven, Chopin, Wagner) erreicht höchste Höhen. Was Architektur und angewandte Künste Nach dem Aufstieg des sogenannten Empire-Stils befinden sich beide Kunstformen in einer Krise. Es gibt einen Zerfall monumentaler Formen, eine stilistische Einheit als Ganzes Kunstsystem deckt alle Arten von Kunst ab. Die vollständigste Entwicklung erfahren die Staffeleiformen der Malerei, Grafik und teilweise der Skulptur, die in ihren besten Erscheinungsformen zu monumentalen Formen tendieren.

Mit der nationalen Identität werden in der Kunst eines jeden kapitalistischen Landes gemeinsame Merkmale verstärkt: eine kritische Bewertung der Phänomene des Lebens, Historismus des Denkens, also ein tieferes objektives Verständnis Antriebskräfte gesellschaftliche Entwicklung sowohl vergangener historischer Phasen als auch der Gegenwart. Eine der wichtigsten Errungenschaften der Kunst des 19. Jahrhunderts. - die Entwicklung historischer Themen, in denen erstmals die Rolle nicht nur einzelner Helden, sondern auch der Volksmassen offengelegt und das historische Umfeld konkreter nachgebildet wird. Alle Arten von Porträts sind weit verbreitet, Haushaltsgenre, eine Landschaft mit ausgeprägtem Nationalcharakter. Die Blütezeit erlebt satirische Grafiken.

Mit dem Sieg des Kapitalismus wird die Großbourgeoisie zur Hauptinteressenskraft bei der Einschränkung und Unterdrückung der realistischen und demokratischen Tendenzen der Kunst. Kreationen führender Persönlichkeiten Europäische Kultur Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet,
E. Manet wurde oft verfolgt. Die Ausstellungen waren gefüllt mit polierten Werken der sogenannten Salonkünstler, also derjenigen, die in Kunstsalons eine dominierende Stellung einnahmen. Um den Geschmack und die Ansprüche der bürgerlichen Kundschaft zu befriedigen, kultivierten sie oberflächliche Beschreibungen, erotische und unterhaltsame Motive, den Geist der Entschuldigung für bürgerliche Stiftungen und den Militarismus.

Damals in den 1860er Jahren. Führende Denker unserer Zeit stellten fest, dass „die kapitalistische Produktion bestimmten Zweigen der spirituellen Produktion, wie Kunst und Poesie, feindlich gegenübersteht.“ Kunst interessiert das Bürgertum hauptsächlich entweder als rentable Investition Geld (Sammeln) oder als Luxusartikel. Natürlich gab es Sammler mit wahres Verständnis Kunst und ihr Zweck, aber das waren Einheiten, Ausnahmen von den Regeln. Im Allgemeinen drängte das Bürgertum als Trendsetter und Hauptkonsument von Kunst den Künstlern oft sein begrenztes Kunstverständnis auf. Die Entwicklung der Massenproduktion im großen Maßstab mit ihrer Unpersönlichkeit und Abhängigkeit vom Markt führte zur Unterdrückung der Kreativität. Die Arbeitsteilung in der kapitalistischen Produktion fördert eine einseitige Entwicklung des Einzelnen und beraubt das Erz selbst seiner schöpferischen Integrität.

Demokratische Kunstlinie des 19. Jahrhunderts. in der ersten Phase - seit der Großen Französischen Revolution von 1789-1794. bis 1815 (die Zeit des nationalen Befreiungskampfes der Völker gegen die napoleonische Aggression) - entsteht im Kampf gegen die Überreste der edlen Kunstkultur sowie Manifestationen der Beschränkungen der bürgerlichen Ideologie. Die höchsten künstlerischen Errungenschaften dieser Zeit waren mit dem revolutionären Pathos der Massen verbunden, die an den Sieg der Ideale von Freiheit, Gleichheit und Brüderlichkeit glaubten. Dies ist die Blütezeit des revolutionären Klassizismus und die Geburtsstunde der romantischen und realistischen Kunst.

Die zweite Phase, von 1815 bis 1849, fällt in die Zeit der Errichtung des kapitalistischen Systems in den meisten europäischen Ländern. In der fortgeschrittenen demokratischen Kunst ist diese Phase die Periode der höchsten Blüte der revolutionären Romantik und der Entstehung realistischer Kunst.

Mit der Verschärfung der Klassengegensätze zwischen Bourgeoisie und Proletariat, die während der Pariser Kommune (1871) ihren Höhepunkt erreichte, wird der Antagonismus zwischen bürgerlichen Werten und demokratischer Kultur noch deutlicher. Am Ende des 19. Jahrhunderts. Kritik moderne Gesellschaft sowohl in der Literatur als auch in der bildenden Kunst, verbunden mit Versuchen, von der eklatanten Unvollkommenheit der Welt in die Sphäre der „Kunst um der Kunst willen“ überzugehen.

RUSSLAND

Russische Literatur des späten 18. – 19. Jahrhunderts. unter schwierigen Bedingungen entwickelt. Das Russische Reich war wirtschaftlich eines der rückständigsten Länder Europas. Reformen des 18. Jahrhunderts Peter I. und Katharina II. befassten sich hauptsächlich mit militärischen Angelegenheiten.

Wenn im 19. Jahrhundert Russland blieb zwar immer noch ein wirtschaftlich rückständiges Land, aber auf dem Gebiet der Literatur, Musik und bildenden Künste war es bereits an der Spitze.

LITERATUR VOM JAHRHUNDERTANFANG

Der gebildetste Stand in Russland war der Adel. Die meisten kulturellen Persönlichkeiten dieser Zeit stammen auf die eine oder andere Weise aus dem Adel oder Volkmit edler Kultur verbunden. Der ideologische Kampf in der Literatur zu Beginn des Jahrhunderts fand zwischen der Gesellschaft „Gespräch der Liebhaber des russischen Wortes“ (Derzhavin, Shirinsky-Shikhmatov, Shakhovskoy, Krylov, Zakharov usw.), die konservative Adlige vereinte, und radikalen Schriftstellern, die daran teilnahmen, statt des Arzamas-Kreises (Schukowski, Batjuschkow, Wjasemski, Puschkin und andere). Der erste und der zweite schrieben ihre Werke im Geiste des Klassizismus und der Romantik, aber die Dichter von „Arzamas“ kämpften aktiver für die neue Kunst und verteidigten bürgerliches und demokratisches Pathos in der Poesie.

In den frühen 1920er Jahren spielten Dichter und Schriftsteller, die mit der Dekabristenbewegung verbunden waren oder ihr ideologisch nahe standen, eine wichtige Rolle in der Literatur. Nach der Niederlage des Dekabristenaufstands, in der Ära der trüben Nikolaev-Reaktion, waren F. Bulgarin und N. Grech die berühmtesten Schriftsteller, die in ihren Organen sprachen – der Zeitung „Northern Bee“ und der Zeitschrift „Son of the Fatherland“. ". Beide widersetzten sich den neuen Trends in der russischen Literatur, die von Puschkin, Gogol und anderen vertreten wurden, und waren trotz alledem nicht ohne Talent.

Die beliebtesten Werke von Thaddeus Bulgarin (1789 - 1859) waren die didaktisch-moralisch-deskriptiven Romane „Iwan Wyschigin“ (1829) und „Pjotr ​​Iwanowitsch Wyschigin“ (1831), die zu Lebzeiten des Autors zu Bestsellern wurden, von ihren Zeitgenossen jedoch völlig vergessen wurden; Melodramatische Effekte sind in seinen historischen Romanen „Dmitry the Pretender“ und „Mazepa“ reichlich vorhanden.

Die bedeutendste Schöpfung von Nikolai Grech (1787 - 1867) war der abenteuerliche moralisch-deskriptive Roman „Die schwarze Frau“ (1834), geschrieben im Geiste der Romantik. Grech schrieb auch einen Briefroman"VonReise nach Deutschland“ (1836), „Erlebnis.“ kurze Geschichte Russische Literatur“ (1822) – das erste Werk des Landes zur Geschichte der russischen Literatur – und mehrere andere Handbücher zur russischen Sprache.

Der größte Prosaschriftsteller des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts, der Schriftsteller und Historiograph Nikolai Michailowitsch Karamzin (1766 – 1826), war dem Liberalismus nicht fremd, wenn es um abstrakte Ideen ging, die keinen Einfluss auf die russische Ordnung hatten. Seine „Briefe eines russischen Reisenden“ spielten eine wichtige Rolle bei der Bekanntmachung der Leser mit dem Leben und der Kultur Westeuropas. Die berühmteste seiner Geschichten ist „Die arme Liza“ (1792). berührende Geschichte Liebe eines Adligen und einer Bäuerin. „Und Bäuerinnen wissen zu fühlen“, dieser in der Geschichte enthaltene Grundsatz zeugte von der humanen Ausrichtung der Ansichten ihres Autors.

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. Karamzin schreibt das bedeutendste Werk seines Lebens – die mehrbändige „Geschichte des russischen Staates“, in der er in Anlehnung an Tatischtschow die Ereignisse der Geschichte der ostslawischen Völker im Geiste der bestehenden russischen Monarchie interpretiert und erhebt die historische Rechtfertigung der Eroberung der Ländereien seiner Nachbarn durch Moskau in den Rang der Staatsideologie der Zarendynastie Romanow.

Die Werke von Wassili Schukowski (1783 – 1852) stellten eine wichtige Etappe in der Entwicklung romantischer Lyrik dar. Schukowski erlebte eine tiefe Enttäuschung über die Aufklärung des 18. Jahrhunderts, und diese Enttäuschung lenkte seine Gedanken auf das Mittelalter. Wie ein wahrer Romantiker betrachtete Schukowski die Segnungen des Lebens als vergänglich und sah Glück nur im Eintauchen in sie Innere Person. Als Übersetzer öffnete Schukowski dem russischen Leser die westeuropäische romantische Poesie. Besonders bemerkenswert sind seine Übersetzungen von Schiller und den englischen Romantikern.

Die Texte von K. N. Batyushkov (1787 - 1855) waren im Gegensatz zur Romantik von Schukowski irdisch, sinnlich, von einem hellen Weltbild durchdrungen, harmonisch und anmutig.

Das Hauptverdienst von Ivan Krylov (1769 - 1844) ist die Schaffung einer klassischen Fabel in russischer Sprache. Krylov übernahm die Handlung seiner Fabeln von anderen Fabulisten, vor allem von Lafontaine, blieb aber gleichzeitig immer ein zutiefst nationaler Dichter, der in Fabeln die Merkmale des nationalen Charakters und Geistes widerspiegelte und seiner Fabel eine hohe Natürlichkeit und Einfachheit verlieh.

Die Dekabristen schrieben ihre Werke im Geiste des Klassizismus. Sie wandten sich den Heldenbildern von Cato und Brutus und den Motiven der romantischen Nationalantike zu, den freiheitsliebenden Traditionen Nowgorods und Pskows, den Städten des antiken Russlands. Der größte Dichter unter den Dekabristen war Kondraty Fedorovich Ryleev (1795 - 1826). Der Autor tyrannischer Gedichte („Bürger“, „An einen Zeitarbeiter“) schrieb auch eine Reihe patriotischer „Dooms“ und schuf ein romantisches Gedicht „Voinarovsky“, das das tragische Schicksal eines ukrainischen Patrioten schildert.

Alexander Gribojedow (1795 - 1829) trat als Autor eines Werkes in die russische Literatur ein – der Komödie „Woe from Wit“ (1824), in der es keine Intrige im Sinne französischer Komiker und kein Happy End gibt. Die Komödie basiert auf der Opposition von Chatsky zu anderen Charakteren, die den Famus-Kreis, die Adelsgesellschaft Moskaus, bilden. Der Kampf eines Mannes mit fortgeschrittenen Ansichten - gegen die Bar, Parasiten und verdorbene Menschen, die ihre nationale Würde verloren haben und vor allem Französischen, dummen Martinets und Verfolgern der Aufklärung kriechen, endet mit der Niederlage des Helden. Doch das öffentliche Pathos von Chatskys Reden spiegelte die ganze Wucht der Empörung wider, die sich unter der radikalen russischen Jugend angesammelt hat, die sich für Reformen in der Gesellschaft einsetzt.

Gribojedow schrieb zusammen mit P. Katenin mehrere weitere Stücke („Student“, „Vorgetäuschte Untreue“), ideologischer Inhalt die sich gegen die Dichter von Arzamas richtete.

PUSCHKIN UND LERMONTOW

Alexander Puschkin (1799 - 1837) wurde zu einem Wendepunkt für die russische Literatur und trennte die neue Literatur von der alten. Sein Werk bestimmte die Entwicklung der gesamten russischen Literatur bis zum Ende des Jahrhunderts. Puschkin erhob die russische Poesie auf die Höhe der europäischen Poesie und wurde zum Autor von Werken von unübertroffener Schönheit und Perfektion.

Puschkins Genie wurde in vielerlei Hinsicht durch die Umstände seiner Lehrtätigkeit am Zarskoje-Selo-Lyzeum bestimmt, das 1811 eröffnet wurde, einer höheren Bildungseinrichtung für die Kinder des Adels, aus deren Mauern viele Dichter der „goldenen Ära“ der russischen Poesie hervorgingen kamen in diesen Jahren heraus (A. Delvig, V. Küchelbecker, E. Baratynsky und andere). Aufgewachsen im französischen Klassizismus des 17. Jahrhunderts und pädagogisch Literatur XVIII c., er steht am Anfang seines kreative Art und Weise durchlief den Einfluss der romantischen Poesie und erreichte, bereichert durch ihre künstlerischen Errungenschaften, das Niveau des hohen Realismus.

In seiner Jugend schrieb Puschkin lyrische Gedichte, in denen er die Freude am Leben, an der Liebe und am Wein verherrlichte. Die Texte dieser Jahre atmen Witz, durchdrungen von einem epikureischen Lebensgefühl, das der Poesie entstammt.XVIIIV. Gleich zu Beginn der 1920er Jahre tauchten in Puschkins Gedichten neue Motive auf: Er verherrlichte die Freiheit und lachte über die Herrscher. Seine brillanten politischen Texte führten zum Exil des Dichters nach Bessarabien. In dieser Zeit entstanden seine romantischen Gedichte „Der Gefangene des Kaukasus“ (1820 – 1821), „Die Räuberbrüder“ (1821 – 1822), „Der Bachtschissarai-Brunnen“ (1821 – 1823) und „Zigeuner“ (1824 – 1825). ).

Puschkins späteres Werk ist von der veröffentlichten „Geschichte des russischen Staates“ von Karamzin und den Ideen der Dekabristen beeinflusst. In dem Bemühen, den russischen Kaiser Alexander I. deutlicher darzustellen, und dannNikolaus II. „Erlebt“ die Herrschaft der russischen Herrscher und glaubt, dass Reformen im Staat vom König ausgehen sollten. Wenn das Volk schweigt, kreiert Puschkin die historische Tragödie „Boris Godunow“ (1824 - 1825), die der „Ära“ gewidmet ist der vielen Aufstände“ des frühen 17. Jahrhunderts. Und Ende der 20er Jahre schrieb er das Gedicht „Poltawa“ (1828), den historischen Roman „Arap von Peter dem Großen“ (unvollendet) und eine Reihe von Gedichten, die sich auf das Bild des reformatorischen Zaren Peter I. bezogen in diesem Bild Kaiser Nikolaus I., dessen Mission es ist, neue Reformen in Russland voranzutreiben, d.h. Werde ein aufgeklärter Monarch.

Nachdem er den Glauben an seine Bestrebungen verloren hat, den Willen des Zaren zu ändern, der die Dekabristen an den Galgen und ins Exil schickte, arbeitet Puschkin im Geiste von Byrons Werk „Childe Harolds Pilgrimage“ an einer seiner besten Kreationen – einem Roman im Vers „Eugen Onegin“ (1823 - 1831). Onegin vermittelt ein umfassendes Bild des Lebens der russischen Gesellschaft, und die lyrischen Exkurse des Romans spiegeln in vielerlei Hinsicht die Persönlichkeit des Dichters selbst wider, mal nachdenklich und traurig, mal bissig und verspielt. Puschkin offenbart in seiner Schöpfung das Bild eines Zeitgenossen, der sich im Leben noch nicht gefunden hat.

In der nächsten bedeutenden Schöpfung, Little Tragedies (30er Jahre), zeichnet der Dichter unter Verwendung von Bildern und Handlungen, die aus der europäischen Literatur bekannt sind, einen Zusammenprall von Unverschämtheit menschliche Persönlichkeit mit Gesetzen, Tradition und Autorität. Puschkin wendet sich auch der Prosa zu (die Erzählung „Die Pique Dame“, der Zyklus „Tales of Belkin“, „Dubrovsky“). Verlassen auf künstlerische Prinzipien Walter Scott, Puschkin schreibt: „ Tochter des Kapitäns“(1836) und in die tatsächlichen Ereignisse des von Emelyan Pugachev angeführten Bauernaufstands des 18. Jahrhunderts verwebt er das Leben des Protagonisten, dessen Schicksal eng mit großen gesellschaftlichen Ereignissen verbunden ist.

Puschkin ist in seinen lyrischen Gedichten am stärksten. Die einzigartige Schönheit seiner Texte offenbart zutiefst die innere Welt eines Menschen. Seine Gedichte gehören in gefühlsmäßiger Tiefe und klassischer Formharmonie zusammen mit Goethes lyrischen Gedichten zu den besten Schöpfungen der Weltdichtung.

Der Name Puschkin wird nicht nur mit der Blüte der russischen Poesie, sondern auch mit der Entstehung der russischen Literatursprache in Verbindung gebracht. Die Sprache seiner Werke wurdedie Norm der modernen russischen Sprache.

Im Schatten von Puschkins Poesie blieben nicht weniger hervorragende Dichter seiner Zeit, die das „goldene Zeitalter“ der russischen Poesie ausmachten. Unter ihnen waren der feurige Lyriker N. M. Yazykov, der Autor witziger Feuilletons in Versen P. A. Vyazemsky, der Meister der elegischen Poesie E. A. Baratynsky. Fjodor Tjutschew (1803 – 1873) hebt sich von ihnen ab. Als Dichter erreicht er eine erstaunliche Einheit von Denken und Fühlen. Tyutchev widmet seine lyrischen Miniaturen der Darstellung der Verbindung zwischen Mensch und Natur.

Michail Lermontow (1814 - 1841) war als Dichter nicht weniger talentiert als Puschkin. Seine Poesie ist geprägt vom Pathos der Verleugnung der zeitgenössischen Realität. In vielen Gedichten und Gedichten tauchen Motive der Einsamkeit und bitteren Enttäuschung im Leben oder der Rebellion, einer mutigen Herausforderung und des Wartens auf einen Sturm auf. In seinen Gedichten tauchen oft Bilder von Rebellen auf, die nach Freiheit streben und gegen soziale Ungerechtigkeit rebellieren (Mtsyri, 1840; Lied über den Kaufmann Kalaschnikow, 1838). Lermontov ist ein Dichter der Tat. Gerade wegen ihrer Untätigkeit geißelt er seine zum Kampf und zur schöpferischen Arbeit unfähige Generation (die Duma).

Im Zentrum von Lermontovs bedeutendsten Werken steht das romantische Bild einer stolzen, einsamen Persönlichkeit, die im Kampf nach starken Sensationen sucht. Dazu gehören Arbenin (Drama „Maskerade“, 1835 – 1836), Dämon („Dämon“, 1829 – 1841) und Pechorin („Held unserer Zeit“, 1840). Lermontovs Werke spiegeln scharf die ganze Komplexität des gesellschaftlichen Lebens und die Widersprüchlichkeit der Probleme der russischen Kultur wider, die das fortschrittliche Volk Russlands in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts aufgeworfen hat.

LITERATUR 30 - 60er Jahre

nächste Meilenstein in der Geschichte der russischen Literatur war das Werk von Nikolai Gogol (1809 - 1852). Zu Beginn seines Kreative Aktivitäten er fungierte als Autor des romantischen Gedichts Hans Küchelgarten (1827). Zukünftig schreibt er ausschließlich Prosa. Die ersten Prosawerke, die auf der Grundlage ukrainischer Folklore in ironischem, fröhlichem Ton verfasst wurden, bringen dem Autor Erfolg (Erzählsammlung „Abende auf dem Bauernhof“)in der Nähe von Dikanka. In der neuen Sammlung „Mirgorod“ führt der Autor das erfolgreich begonnene Thema fort und erweitert den Bereich deutlich. Bereits in der Geschichte aus dieser Sammlung „Über den Streit zwischen Iwan Iwanowitsch und Iwan Nikiforowitsch“ weicht Gogol von der Romantik ab und zeigt die Dominanz von Vulgarität und kleinlichen Interessen im modernen russischen Leben.

„Petersburg Tales“ schildert Gogols zeitgenössische Großstadt mit ihren gesellschaftlichen Gegensätzen. Eine dieser Geschichten, „Der Mantel“ (1842), hatte besonderen Einfluss auf die spätere Literatur. Gogol schilderte mitfühlend das Schicksal eines unterdrückten und entrechteten Unterbeamten und ebnete den Weg für die gesamte demokratische russische Literatur von Turgenjew, Grigorowitsch und dem frühen Dostojewski bis Tschechow.

In der Komödie „Der Generalinspekteur“ (1836) entlarvt Gogol tiefgreifend und gnadenlos die bürokratische Kamarilla, ihre Gesetzlosigkeit und Willkür, die alle Aspekte des Lebens der russischen Gesellschaft durchdrang. Gogol lehnte die in Komödien traditionelle Liebesbeziehung ab und baute sein Werk auf der Darstellung sozialer Beziehungen auf.

Nikolai Chernyshevskys (1828 - 1889) Roman „Was tun?“ war mit den Ideen sozialistischer Utopien verbunden. (1863). Darin zeigte Chernyshevsky Intellektuelle, die danach streben, das Leben in Russland zum Besseren zu verändern.

Mit Nikolai Nekrasov (1821 - 1878) stellte die russische Literatur einen Dichter von großer ideologischer Tiefe und künstlerischer Reife vor. In vielen Gedichten, wie „Frost, rote Nase“ (1863), „Wem es gut ist, in Russland zu leben“ (1863 - 1877), zeigte der Dichter nicht nur das Leiden der Menschen unter den Menschen, sondern auch ihr körperliches und moralische Schönheit offenbarten ihre Vorstellungen vom Leben, ihren Geschmack. Nekrasovs lyrische Gedichte offenbaren das Bild des Dichters selbst, eines fortgeschrittenen Bürgerschriftstellers, der das Leid des Volkes spürt und ihm ritterlich ergeben ist.

Alexander Ostrowski (1823 – 1886) verhalf dem russischen Drama zu Weltruhm. Die wichtigsten „Helden“ seiner Werke sind unter den neuen kapitalistischen Verhältnissen geborene Kaufleute und Unternehmer, die aus den Reihen der Gesellschaft hervorgingen, aber ebenso unwissend, in Vorurteilen verstrickt, anfällig für Tyrannei, absurde und lustige Launen blieben (die Stücke „Gewitter“) „, „Mitgift“, „Talente und Fans“, „Wald“ usw.). Allerdings idealisiert Ostrowski auch den Adel – eine veraltete Klasse – nicht, er stellt auch das „dunkle Königreich“ Russlands dar.

In den 40er und 50er Jahren wurde das Talent von Meistern des Wortes wie Ivan Turgenev (1818 – 1883) und Ivan Goncharov (1812 – 1891) offenbart. Beide Autoren zeigen in ihren Werken das Leben der „überflüssigen Menschen“ der Gesellschaft. Wenn Turgenjew jedoch ein Mann ist, der alles Erhabene im Leben leugnet (die Romane „Väter und Söhne“, „RuLärm").

LITERATUR DER VÖLKER DES RUSSISCHEN REICHES

Russisches Reich zu Beginn der 70er Jahre des 19. Jahrhunderts. war ein riesiges multinationales Land. Es ist klar, dass die Kultur der herrschenden Nation, die hauptsächlich in edler Literatur und Kunst zum Ausdruck kam, einen erheblichen Einfluss auf die kulturelle Entwicklung anderer Völker Russlands hatte.

Der russische Kulturfaktor spielte für Ukrainer und Weißrussen die gleiche Rolle wie der polnische Faktor in der Zeit, nachdem die Union von Lublin im Jahr 1569 die Länder der polnischen Krone und des Großfürstentums Litauen im Commonwealth vereinte – die talentiertesten Vertreter von Diese Völker trugen zum Wachstum der Kunst der Nachbarnation bei und nahmen eine beherrschende Stellung in der Gesellschaft ein, beispielsweise als Hauptfiguren der polnischen Kultur des späten 18. und frühen 19. Jahrhunderts. verließ Weißrussland und die Ukraine (F. Bogomolets, F. Knyazkin, A. Narushevich, A. Mitskevich, Yu. Slovatsky, I. Krasitsky, V. Syrokomlya, M.K. Oginsky und andere). Nach dem Beitritt der Ukraine und Weißrusslands zum Russischen Reich begannen die Menschen aus diesen Orten, die russische Kultur zu fördern (N. Gogol, N. Kukolnik, F. Bulgarin, M. Glinka, N. Kostomarov usw.).

Trotz des enormen Einflusses der russischen Sprache herrschte in der Ukraine Ende des 18. und Anfang des 19. Jahrhundertsdie Prämissen der Entstehung national gesinnter Adliger, die erkannten, dass die ukrainische Sprache, die ausschließlich von ungebildeten einfachen Leuten gesprochen wird, zur Schaffung origineller Werke genutzt werden kann. Zu dieser Zeit ist das Studium der Geschichte des ukrainischen Volkes und seiner mündliche Kunst. Die „Geschichte Kleinrusslands“ von N. Bantysh-Kamensky erschien, die „Geschichte der Russen“ erschien in handschriftlichen Listen, in denen ein unbekannter Autor das ukrainische Volk getrennt vom russischen betrachtete und argumentierte, dass es sich um die Ukraine und nicht um Russland handele. das war der direkte Erbe der Kiewer Rus.

Ein wichtiger Wachstumsfaktor Nationalbewusstsein Die Ukrainer spielten die Eröffnung 1805 an der Universität Charkow. Ein wichtiger Indikator für die Lebensfähigkeit der ukrainischen Sprache war die Qualität und Vielfalt der in ihr geschaffenen Literatur. Ivan Petrovich Kotlyarevsky (1769 - 1838) war der erste, der sich der lebendigen ukrainischen Volkssprache zuwandte und dabei in großem Umfang die mündliche Kunst seiner Heimat nutzte. Vergils „Aeneis“ (1798), die er im burlesken Stil umarbeitete, sowie die Stücke „Natalka-Poltawka“ und „Der Zauberer“ (im Original „Der Moskauer Charmeur“) zeichneten sich durch ihre meisterhafte Darstellung des ukrainischen Volkslebens aus.

Erste Prosawerke Die sentimentalen Geschichten des in Charkiw lebenden Hryhoriy Kvitka (1778 - 1843), der unter dem Pseudonym „Grytsko Osnovyanenko“ auftrat (die Geschichte „Marusya“, die Komödie „Shelmenko-Batman“ usw.), erschienen 1834 im modernen Ukrainisch. Ein weiterer Einwohner von Charkiw, Levko Borovikovsky, legte den Grundstein für die ukrainische Ballade.

Der Entstehungsprozess der neuen ukrainischen Literatur und die Entstehung der ukrainischen Literatursprache wurden durch das Werk des großen Nationaldichters, Denkers und Revolutionärs Taras Schewtschenko abgeschlossenÖ. Der Dichter begann, seine Gedichte nicht wie viele seiner Landsleute für den Adel auf Russisch zu schreiben, sondern ausschließlich für sein Volk.

Schewtschenkos Biografie ist für Landsleute zum Symbol des tragischen nationalen Schicksals geworden. Als Leibeigener geboren, landete er den Umständen entsprechend bei seinem Herrn in St. Petersburg, wo 1838 mehrere Vertreter des Adelskreises dem talentierten jungen Künstler halfen.tilgennach Belieben. Schewtschenko erhält eine hervorragende Ausbildung. Die Kommunikation mit vielen ukrainischen und russischen Künstlern und Schriftstellern erweiterte den Horizont des jungen Mannes und 1840 veröffentlichte er seinen ersten Gedichtband „Kobzar“, in dem er sich auf die Geschichte der Ukraine bezieht.

Schewtschenko stigmatisiert wütend die Kosaken-Hetmans, die mit Moskau zusammengearbeitet haben, Chmelnizki versteht es auch (in Schewtschenko ist dies sowohl ein „brillanter Rebell“ als auch der Schuldige des für die Ukraine fatalen Bündnisses mit Russland, das sie den Verlust der Unabhängigkeit kostete). Der Dichter prangert die Willkür der Feudalherren an und enthüllt im Streit mit Puschkin, der die Monarchen Peter I. und Katharina II. besang, den Despotismus der russischen Zaren, die für den beklagenswerten Zustand seines Heimatlandes verantwortlich sind, und nennt sie offen Tyrannen und Henker (Gedichte „Naymichka“, „Kavkaz“, „Traum“, „Katerina“ usw.), besingt Volksaufstände (das Gedicht „Gaidamaki“) und die Heldentaten der Volksrächer (das Gedicht „Varnak“).

Schewtschenko betrachtete den Wunsch der Ukraine nach Freiheit als Teil des Kampfes für Gerechtigkeit nicht nur für sein eigenes Volk, sondern auch für andere Völker, die unter nationaler und sozialer Unterdrückung leiden.

Auch in Weißrussland fanden Prozesse des Erwachens des nationalen Selbstbewusstseins statt. Dank der Bemühungen von Vertretern der national gesinnten Intelligenz (die sich sowohl Litwins als auch Weißrussen nannten), die bereits in der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts die Identität der Menschen in Weißrussland erkannten. Es wurde bedeutendes Material zur Geschichte und Ethnographie gesammelt (Veröffentlichungen von Denkmälern der mündlichen Kunst, Mythen, Legenden, Rituale, Dokumente der Antike). In den westlichen Regionen waren Historiker und Ethnographen aktiv, die auf Polnisch (Syrokomlya, Borshevsky, Zenkevich) schrieben, und in den östlichen Regionen - auf Russisch (Nosovich).

Im Jahr 1828 veröffentlichte Pavlyuk Bagrim (1813 - 1890), der Autor des ersten Gedichts in der modernen belarussischen Sprache „Spiel, Junge!“

In den 40er Jahren des 19. Jahrhunderts. Der Beginn der Tätigkeit des Schriftstellers Vincent Dunin-Martsinkevich (1807 - 1884), der die Farbe des belarussischen Dorfes („Selyanka“, „Gapon“, „Karal Letalsky“) in sentimentalen und didaktischen Gedichten und Komödien widerspiegelte Der Geist des europäischen Klassizismus reicht bis in die Anfänge zurück. Schreibt auf Weißrussischeinige der berühmten polnischen Dichter, die aus diesen Orten kamen.

Im Jahr 1845 wurde ein anonymes burleskes Gedicht „Die Aeneis im Gegenteil“ veröffentlicht, das im Geiste der ukrainischen „Aeneis“ von Kotlyarevsky verfasst wurde und dessen Urheberschaft V. Ravinsky zugeschrieben wird. Später erscheint ein weiteres anonymes Gedicht „Taras on Parnassus“, das die fabelhafte Geschichte des Waldarbeiters Taras beschreibt, der es geschafft hat Griechische Götter zum Berg Parnassus, spricht eine einfache Sprache und repräsentiert gewöhnliche Dorfbewohner.

Später entstand in der belarussischen Literatur eine nationalpatriotische und demokratische Richtung, die in den 60er Jahren am deutlichsten durch den Journalismus des tapferen Kämpfers für das Glück des Volkes, des belarussischen Nationalhelden Kastus Kalinouski, des Herausgebers der ersten illegalen belarussischen Zeitung Muzhitskaya, repräsentiert wurde Prawda.

Die Entwicklung der Nationalkultur Lettlands und Estlands erfolgte im Kampf gegen die feudal-klerikale Ideologie der deutsch-schwedischen Barone. 1857 - 1861. Der Begründer der estnischen Literatur, Friedrich Kreutzwald (1803 – 1882), veröffentlicht das Nationalepos Kalevipoeg und estnische Volksmärchen. Unter der lettischen Intelligenz entstand eine nationale Bewegung „junger Letten“, deren Organ die Zeitung „Petersburg Vestnik“ war. Die meisten „jungen Letten“ vertraten liberal-reformistische Positionen. Berühmt wurde damals die Poesie des lettischen Patrioten Andrei Pumpurs (1841 – 1902).

In Litauen, oder wie es damals auch Samogitia genannt wurde, erschien eine Gedichtsammlung von Antanas Strazdas (1763 - 1833) „Weltliche und geistliche Lieder“.

Der Anschluss des Kaukasus an Russland verstärkte trotz der langwierigen Natur des Krieges das Eindringen europäischer kultureller Werte und Fortschritte in das Leben der Völker des Kaukasus durch die russische Kultur, was sich in der Entstehung einer säkularen Schule widerspiegelte , die Entstehung von Zeitungen und Zeitschriften und ein Nationaltheater. Das Werk der georgischen Dichter Nikolai Barataschwili (1817–1845) und Alexander Tschawtschawadse (1786–1846) wurde von der russischen Romantik beeinflusst. Dies sind Dichter, die in den 30er Jahren des 19. Jahrhunderts schufen. romantische Schule In der georgischen Literatur waren freiheitsliebende Bestrebungen und tiefe patriotische Gefühle verankert. In den 60er Jahren des 19. Jahrhunderts. bezieht sich auf den Beginn der gesellschaftspolitischen und literarischen Aktivitäten von Ilja Tschawtschawadse (1837 - 1907).

eine anklagende Tendenz zu entwickeln, die erstmals in der Geschichte von Daniel Chonkadze (1830 - 1860) „Surami-Festung“ (1859) deutlich zum Ausdruck kam. Der Protest gegen die feudale Willkür und die Sympathie für die unterdrückte Bauernschaft zogen fortschrittliche georgische Jugendliche nach Tschawtschawadse, unter denen eine Gruppe „derer, die das Wasser des Terek tranken“ („tergdaleuli“) hervorstach.

Der Begründer der neuen armenischen Literatur, Khachatur Abovyan, wurde aufgrund des Mangels an höheren Bildungseinrichtungen in Armenien in Russland ausgebildet. Er akzeptierte zutiefst die humanistischen Ideen der fortgeschrittenen russischen Kultur. Sein realistischer Roman „Die Wunden Armeniens“ war durchdrungen vom Gedanken an die Bedeutung der Annexion armenischer Länder an Russland. Abovyan lehnte die tote Sprache der alten armenischen Schrift (grabar) ab und entwickelte die moderne literarische armenische Sprache auf der Grundlage der mündlichen Volkssprache.

Dichter, Publizist u Literaturkritiker Mikael Nalbandian legte den Grundstein für den nationalpatriotischen Trend in der armenischen Literatur. Seine Gedichte („Das Lied der Freiheit“ usw.) waren ein Beispiel bürgerlicher Poesie, die die armenische Jugend zu patriotischen und revolutionären Taten inspirierte.

Der herausragende aserbaidschanische Pädagoge Mirza Fatali Akhundov legte in seinen Erzählungen und Komödien eine solide Grundlage für die neue, säkulare aserbaidschanische Literatur und das nationale aserbaidschanische Theater, indem er die Traditionen der alten persischen Literatur ablehnte und gleichzeitig nutzte.

In der Folklore der Völker und Nationalitäten des Nordkaukasus und Asiens, die kürzlich Teil Russlands geworden sind, haben sich patriotische Motive und Motive des sozialen Protests verstärkt. Der Kumyk-Dichter Irchi Kazak (1830 - 1870), der Lesgin Etim Emin (1839 - 1878) und andere Volkssänger Dagestans riefen ihre Stammesgenossen zum Kampf gegen die Unterdrücker auf. In der Kultur dieser Völker ist es jedoch in Mitte des neunzehnten V. sehr wichtig hatte Bildungsaktivitäten von Einheimischen, die in Russland ausgebildet wurden. Unter ihnen waren der abchasische Ethnograph S. Zvanba (1809 - 1855); der Verfasser der ersten Grammatik der kabardischen Sprache und der Autor der „Geschichte des Adyghe-Volkes“ Sh. Nogmov (1801 - 1844); der Lehrer U. Bersey, der 1855 die erste „Grundlage der tscherkessischen Sprache“ schuf; der ossetische Dichter I. Yalguzidze, der 1802 das erste ossetische Alphabet zusammenstellte.

In der ersten Hälfte des Jahrhunderts gab es auch im kasachischen Volk eigene Aufklärer. Ch. Valikhanov sprach sich mutig gegen die russischen Kolonisatoren und den örtlichen feudal-klerikalen Adel aus, die die Interessen ihres Volkes verrieten. Gleichzeitig argumentierte er, dass die Kasachen für immer in der Nachbarschaft Russlands leben würden und sich dessen kulturellem Einfluss nicht entziehen könnten, und verband das historische Schicksal des kasachischen Volkes mit dem Schicksal Russlands.

RUSSISCHES THEATER

Unter dem Einfluss der europäischen Kultur in Russland seit dem Ende des 18. Jahrhunderts. Es gibt auch ein modernes Theater. Zunächst entwickelte es sich noch auf den Gütern großer Magnaten, doch nach und nach erlangten die Truppen ihre Unabhängigkeit kommerzieller Basis wurde unabhängig. Im Jahr 1824 wurde in Moskau eine unabhängige Schauspieltruppe des Maly-Theaters gegründet. In St. Petersburg im Jahr 1832 ein Drama Alexandria Theater Gönner sind nach wie vor Großgrundbesitzer, Adlige und der Kaiser selbst, die ihr Repertoire vorgeben.

Führender Wert im russischen Theater erwirbt er pädagogischen Sentimentalismus. Die Aufmerksamkeit der Dramatiker wurde auf die innere Welt eines Menschen, seine spirituellen Konflikte (Dramen von P. I. Ilyin, F. F. Ivanov, Tragödien von V. A. Ozerov) gelenkt. Mit sentimentalen Tendenzen bestand der Wunsch, die Widersprüche des Lebens, Merkmale der Idealisierung und des Melodrams zu glätten (Werke von V. M. Fedorov, S. N. Glinka usw.).

Nach und nach werden in der Dramaturgie die für den europäischen Klassizismus charakteristischen Themen entwickelt: ein Appell an die heroische Vergangenheit ihres Heimatlandes und Europas, an eine antike Handlung („Marfa Posadnitsa oder die Eroberung von Nowgorod“ von F. F. Ivanov, „Velzen oder die Befreiten“. Holland“ von F. N. Glinka, „Andromache“ von P. A. Katenin, „The Argives“ von V. K. Kuchelbeker usw.). Gleichzeitig entwickelten sich Genres wie Varieté (A. A. Shakhovskoy, P. I. Khmelnitsky, A. I. Pisarev) und das Familienstück (M. Ya. Zagoskin).

Im ersten Viertel des 19. Jahrhunderts Im russischen Nationaltheater entbrennt ein Kampf um die Schaffung eines neuen, national originellen Theaters. Diese Aufgabe wurde durch die Schaffung einer wirklich nationalen, originellen Komödie von A. Griboyedov „Woe from Wit“ erfüllt. Ein Werk von innovativer Bedeutung war Puschkins historisches Drama Boris Godunow, dessen Autor aus den Formen der Hoftragödie des Klassizismus und Byrons romantischem Drama hervorgegangen ist. Die Produktion dieser Werke wurde jedoch einige Zeit durch die Zensur behindert. Auch die von freiheitsliebenden Ideen durchdrungene Dramaturgie von M. Yu. Lermontov bleibt außerhalb des Theaters: sein Drama „Maskerade“ in den Jahren 1835-1836. dreimal durch Zensur verboten (Auszüge aus dem Stück wurden dank der Beharrlichkeit der Schauspieler erstmals 1852 aufgeführt und erst 1864 vollständig aufgeführt).

Die Bühne des russischen Theaters war in den 1930er und 1940er Jahren hauptsächlich mit Varieté besetzt, das hauptsächlich Unterhaltungszwecken diente (Stücke von P. A. Karatygin, P. I. Grigoriev, P. S. Fedorov, V. A. Sollogub, N. A. Nekrasov, F. A. Koni und anderen). Zu dieser Zeit wuchs die Fähigkeit der talentierten russischen Schauspieler M. S. Shchepkin und A. E. Martynov, die in der Lage waren, die Widersprüche des wirklichen Lebens hinter komischen Situationen zu erkennen und den geschaffenen Bildern ein echtes Drama zu verleihen.

Von großer Bedeutung für die Entwicklung des russischen Theaters waren die Stücke von A. N. Ostrovsky, die in den 50er Jahren erschienen und die russische Dramaturgie sehr hoch hoben.

BILDENDE KUNST UND ARCHITEKTUR

Zu Beginn des 19. Jahrhunderts. In Russland erhält der Klassizismus unter dem Einfluss eines sozialen und patriotischen Aufschwungs in einer Reihe von Kunstbereichen neue Inhalte und eine fruchtbare Entwicklung. Im Stil des reifen Klassizismus mit seinen kraftvollen, starken und monumental einfachen Formen entstehen die besten öffentlichen, Verwaltungs- und Wohngebäude von St. Petersburg, Moskau und einer Reihe von Städten: in St. Petersburg - die Admiralität von A. D. Zakharov , die Kasaner Kathedrale und das Bergbauinstitut – A. N Voronikhina, Exchange – Thomas de Thomon und eine Reihe von Gebäuden von K.I. Russland; und Moskau - Gebäudekomplexe von O. I. Bove, D. I. Gilardi und anderen Meistern (die neue Fassade der Universität, die Manege usw.). Im intensiven Bauprozess in den ersten Jahrzehnten des 19. Jahrhunderts. Vervollständigung des klassischen LooksPetersburg.

Der patriotische Aufschwung des Volkes sollte durch die Installation eines Denkmals für die Befreier Minin und Poscharski durch den Bildhauer I.P. im Jahr 1818 auf dem Roten Platz in Moskau erleichtert werden.Russischer Sieg über Polen und Litauen.

Der Einfluss des Klassizismus in der Architektur verschwindet auch in der Mitte des Jahrhunderts nicht. Die damaligen Gebäude zeichnen sich jedoch durch eine gewisse Verletzung des früheren harmonischen Formenverhältnisses aus und sind teilweise mit dekorativen Verzierungen überladen. In der Skulptur werden häusliche Elemente deutlich hervorgehoben. Die bedeutendsten Denkmäler – die Denkmäler für Kutuzov und Barclay de Tolly von V. I. Orlovsky und die Skulpturen von P. K. Klodt (Pferdefiguren auf der Anichkov-Brücke) – vereinen die Merkmale klassischer Strenge und Monumentalität mit neuen romantischen Bildern.

Fast alles Kunst Anfang des 19. Jahrhunderts zeichnet sich durch klassische Klarheit, Einfachheit und Maßhaltigkeit der Formen aus. Doch die Maler und Grafiker dieser Zeit durchbrechen den alten, bedingten und begrenzten Rahmen künstlerischen Schaffens, der durch die klassische Ästhetik festgelegt wurde, und nähern sich allmählich einer freieren und umfassenderen Wahrnehmung und einem Verständnis, das manchmal von spiritueller Erregung geprägt ist. umliegende Natur und eine Person. Eine fruchtbare Entwicklung in dieser Zeit erhält ein alltägliches Genre. Ein Beispiel dafür ist das Werk von O. A. Kiprensky (1782 – 1836), S. F. Shchedrin (1751 – 1830), V. A. Tropinin (1776 – 1857), A. G. Venetsianov (1780 – 1847).

In der Kunst der 1930er und 1940er Jahre rückte die Historienmalerei in den Vordergrund. In dem Gemälde von K. P. Bryullov (1799 - 1852) „Der letzte Tag von Pompeji“ wirkt sich in der Komposition noch die Plastizität der Figuren der Menschen aus, der Einfluss der klassischen Schule wirkt sich jedoch immer noch aus und zeigt die Erfahrungen der Menschen, die davon betroffen waren Als blindes, alles zerstörendes Element geht der Künstler bereits über den Klassizismus hinaus. Dies zeigte sich deutlich in Bryullovs späteren Werken (insbesondere in Porträts und Landschaftsskizzen).

Die spannenden Ideen der Moderne spiegelten sich in seinem Gemälde von Alexander Ivanov (1806 – 1858) wider. Mehr als 20 Jahre lang arbeitete der Künstler an seinem monumentalen Gemälde „Die Erscheinung Christi vor dem Volk“, dessen Hauptthema die spirituelle Wiedergeburt von Menschen war, die in Leiden und Lastern versunken waren.

Die Werke von Pavel Fedotov (1815 – 1852) markierten eine neue Etappe in der Entwicklung der russischen Malerei. Fedotov zeichnete das Leben von Beamten, Kaufleuten und Verarmten aus, obwohl sie ihre Ansprüche gegenüber den Adligen nicht verlor, und machte dies öffentlichKunstbilder und Themen, die bisher von der Genremalerei nicht berührt wurden. Er zeigte die Prahlerei und Dummheit der Beamten, die naive Selbstgefälligkeit und List der neuen reichen Kaufleute, die hoffnungslose Leere der Existenz der Offiziere in den Provinzen im Zeitalter der Nikolaev-Reaktion, das bittere Schicksal seines Künstlerkollegen.

Vasily Perov (1834 - 1882), I. M. Pryanishnikov (1840 - 1894), N. V. Nevrev (1830 - 1904) und eine Reihe anderer Maler, die ihr kreatives Leben in den 60er Jahren begannen, wurden zu Schöpfern anklagender Genrebilder, die die Phänomene der Moderne widerspiegeln Wirklichkeit. Die Werke dieser Künstler zeigen die Ignoranz der Priester, die Willkür der Beamten, die grausame und unhöfliche Moral der Kaufleute – der neuen Herren der Gesellschaft, das harte Schicksal der Bauernschaft und die Unterdrückung der kleinen „gedemütigten und beleidigten“ Menschen der gesellschaftlichen Ränge.

Im Jahr 1863G. 14 Absolventen der Akademie unter der Leitung von I.N. Kramskoy (1837 - 1887), der sich weigerte, Programme zu einem bestimmten Thema durchzuführen, schloss sich in einer Artel von Künstlern zusammen, um mit ihrer Kunst den Interessen der Gesellschaft dienen zu können. Im Jahr 1870 entstand der Verband der Wanderkunstausstellungen, der die besten kreativen Kräfte um sich versammelte. Im Gegensatz zur offiziellen Akademie der Künste, die die Salonkunst in Malerei und Bildhauerei entwickelte, unterstützten die Wanderers neue künstlerische Initiativen in der russischen Malerei, die den Weg für den Aufstieg der Kunst in den 70er und 80er Jahren ebneten.

RUSSISCHE MUSIK

Im 19. Jahrhundert Die russische Musik, die noch keine starken Traditionen hatte, spiegelte die allgemeinen Trends in der Entwicklung der gesamten Kunst wider und gab, indem sie die Liedtraditionen vieler Völker Russlands aufnahm, am Ende des 20. Jahrhunderts den Anstoß für die Entstehung weltberühmter Komponisten Jahrhundert.

Zu Beginn des Jahrhunderts, unter dem Einfluss der Ereignisse des Vaterländischen Krieges von 1812, wurde das heroisch-patriotische Thema im Werk von S.A. verkörpert. Degtyarev – der Autor des ersten russischen Oratoriums „Minin und Pozharsky“, D.N. Cashina, S.I. Davydova, I.A. Kozlovsky – der Autor des ersten russischen BuchesHymne „Donner des Sieges!“

Basierend auf den Volksmelodien der russischen, ukrainischen und weißrussischen Völker entstehen reiche und vielfältige Liedtexte, die die Gefühlswelt eines einfachen Menschen zutiefst zum Ausdruck bringen (Romanzen von A. A. Alyabyev, lyrische Lieder von A. E. Varlamov und A. L. Gurilev, romantische Opern von A. N. . Werstowski).

Der berühmteste Komponist der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts, dessen Werk die russische Musik in den Kreis von Phänomenen von Weltbedeutung brachte, war Michail Glinka (1804 - 1857). In seiner Kunst brachte er die Grundzüge des nationalen Charakters des russischen Mannes zum Ausdruck, der trotz aller Widrigkeiten und Unterdrückung ein Patriot seiner Heimat bleibt.

Bereits Glinkas erste Oper „Ein Leben für den Zaren“ (Ivan Susanin, 1836) wurde zu einem Phänomen im kulturellen Leben nicht nur Russlands, sondern auch Europas. Glinka schuf eine hochpatriotische Tragödie, die auf der Opernbühne ihresgleichen suchte. In einer weiteren Oper – „Ruslan und Ljudmila“ (1842) – setzt der Komponist die Themen der Verherrlichung der russischen Antike fort, allerdings bereits auf sagenhaft epischem, epischem Stoff. Das historische Drama und Glinkas Märchenoper bestimmten den weiteren Weg der russischen Opernklassiker. Auch die Bedeutung von Glinkas Symphonie ist groß. Seine Orchesterfantasie „Kamarinskaya“, zwei spanische Ouvertüren zu Volksliedthemen, die lyrische „Walzer-Fantasie“ dienten als Grundlage für die russische Symphonieschule des 19. Jahrhunderts.

Glinka zeigte sich deutlich im Bereich der Kammertexte. Glinkas Romanzen zeichnen sich durch typische Merkmale seines Stils aus: die Plastizität und Klarheit einer breiten, singenden Melodie, die Vollständigkeit und Harmonie der Komposition. Der Komponist greift auf Puschkins Texte zurück und das poetische Denken findet in ihm einen einzigartig schönen, harmonischen, klaren Ausdruck von Puschkins Strophe.

Alexander Dargomyzhsky (1813 - 1869) führte die Traditionen von Glinka fort. Dargomyzhskys Werk spiegelte die neuen Tendenzen in der gesamten Kunst wider, die in der kritischen Zeit der 1940er und 1950er Jahre heranreiften. Das Thema soziale Ungleichheit und Rechtslosigkeit erlangt für den Komponisten große Bedeutung. Ob er das Drama eines einfachen Bauernmädchens in der Oper „Meerjungfrau“ malt oder den tragischen Tod eines Soldaten in „Der alte Korporal“ – überall agiert er als einfühlsamer humanistischer Künstler, der bestrebt ist, seine Kunst den Anforderungen der Welt näher zu bringen demokratische Schichten der russischen Gesellschaft.

Dargomyzhskys Oper Meerjungfrau (1855) markierte den Beginn eines neuen Genres des psychologischen Dramas in der russischen Musik. Der Komponist schuf in seiner Tiefe wunderbare Bilder von leidenden, mittellosen Menschen – Natascha und ihrem Vater, dem Müller. In der musikalischen Sprache der Oper mit ihrer breiten Entwicklung des dramatischen Ausdrucksrezitativs und in dramatischen Szenen manifestierte sich Dargomyzhskys inhärente Fähigkeit und Sensibilität bei der Vermittlung emotionaler Erfahrungen.

Dargomyzhskys innovative Suche findet ihren größten Ausdruck in seiner neuesten Oper „Der steinerne Gast“, die auf der Handlung von Puschkins Drama basiert. Nachdem der Komponist den gesamten Puschkin-Text bewahrt hat, baut er die Oper auf der Grundlage eines kontinuierlichen Rezitativs ohne Unterteilung in vollständige Teile auf und ordnet die Gesangsstimmen den Prinzipien der sprachlichen Ausdruckskraft und der flexiblen Intonation des Verses unter. Dargomyzhsky verzichtet bewusst auf die traditionellen Formen der Oper – Ensembles und Arien – und macht sie zu einem psychologischen Musikdrama.

In den 60er Jahren kam es in Russland zu einem neuen Aufschwung des musikalischen und gesellschaftlichen Lebens. M. A. Balakirev, A. G. und N. G. Rubinstein gründeten Musikorganisationen neuen Typs, die ersten Konservatorien in Russland. Die Werke der bedeutenden Kunstwissenschaftler V. V. Stasov und A. N. Serov legten den Grundstein für die klassische Musikwissenschaft. All dies prägte den Aufstieg der russischen Musik in der nächsten Periode, der von so herausragenden Komponisten wie Tschaikowsky, Mussorgski, Borodin und Rimski-Korsakow vorangetrieben wurde.