जापान के कलाकार - प्राचीन काल से लेकर आज तक। स्कूल विश्वकोश कला जापान

आर्टेलिनो

« एक बड़ी लहरकत्सुशिका होकुसाई (1760-1849) द्वारा लिखित "इन कानागावा" सबसे प्रसिद्ध उत्कीर्णन में से एक है और फ़ूजी श्रृंखला के छत्तीस दृश्यों की पहली शीट है। 1830 के दशक की शुरुआत में, ईजुडो पब्लिशिंग हाउस द्वारा नियुक्त कात्सुशिका होकुसाई ने 46 शीट (36 मुख्य और 10 अतिरिक्त) की एक श्रृंखला बनाना शुरू किया, और द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा एक उत्कीर्णन था जो पूरी श्रृंखला को खोलता है।

उत्कीर्णन के ऐसे संग्रह उस समय के नगरवासियों के लिए एक प्रकार के " आभासी यात्रा”, जिज्ञासा को संतुष्ट करने का एक तरीका - सुविधाजनक और सस्ता। फ़ूजी जैसे प्रिंट की कीमत लगभग 20 महीने थी - जो उस समय के जापानी भोजनालय में नूडल्स के दोगुने हिस्से के बराबर थी। हालाँकि, सफलता इतनी शानदार थी कि 1838 तक होकुसाई की शीट की लागत लगभग 50 मोन तक बढ़ गई थी, और मास्टर की मृत्यु के बाद, अकेले वेव को 1000 से अधिक बार नए बोर्डों से पुनर्मुद्रित किया गया था।

यह आश्चर्य की बात है कि, पूरी श्रृंखला के घोषित विषय के बावजूद, द वेव में फ़ूजी जैसा खेलता है छोटी भूमिका. अध्यक्ष " अभिनेता”इस उत्कीर्णन पर एक लहर है, और अग्रभूमि में तत्वों के साथ एक आदमी के संघर्ष का एक नाटकीय दृश्य सामने आता है। फोम शिखा के किनारे एक शानदार क्रोधित दानव की मुड़ी हुई उंगलियों की तरह दिखते हैं, और नावों में मानव आकृतियों की चेहराविहीनता और निष्क्रियता इसमें कोई संदेह नहीं छोड़ती है कि इस लड़ाई में विजेता कौन होगा। हालाँकि, यह वह टकराव नहीं है जो संघर्ष है जो उत्कीर्णन की साजिश बनाता है।
उस क्षण को रोककर जिसके बाद नावें दुर्घटनाग्रस्त हो जाती हैं, होकुसाई दर्शकों को फ़ूजी को एक पल के लिए भूरे आकाश के नीचे, क्षितिज की ओर अंधेरा होते हुए देखने की अनुमति देता है। हालाँकि जापानी उत्कीर्णक उस समय तक यूरोपीय रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य के सिद्धांतों से परिचित थे, लेकिन उन्हें इस तकनीक की आवश्यकता महसूस नहीं हुई। अंधेरे पृष्ठभूमि, साथ ही नावों के साथ अग्रभूमि से फ़ूजी तक लहर की गति के माध्यम से आंख की लंबी यात्रा, आंख को विश्वास दिलाती है कि पवित्र पर्वतसमुद्र द्वारा हमसे अलग कर दिया गया।

तूफानी तत्वों के विपरीत, फ़ूजी स्थिरता और निरंतरता के प्रतीक के रूप में किनारे से बहुत दूर उगता है। विरोधियों की एकता और परस्पर निर्भरता सुदूर पूर्व के विश्वदृष्टि में ब्रह्मांडीय व्यवस्था और पूर्ण सामंजस्य के विचार को रेखांकित करती है, और यह वे थे जो "द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा" उत्कीर्णन का मुख्य विषय बन गए, जिसने श्रृंखला की शुरुआत की। कत्सुशिका होकुसाई।

कितागावा उटामारो द्वारा "ब्यूटी नानिवाया ओकिता", 1795-1796

शिकागो का कला संस्थान

कितागावा उतामारो (1753-1806) को उचित ही गायक कहा जा सकता है महिला सौंदर्यजापानी प्रिंट में Ukiyo ए: उन्होंने जापानी सुंदरियों की कई विहित छवियां बनाईं ( बिजिंगा) - जापान की राजधानी ईदो में चाय घरों और प्रसिद्ध मनोरंजन क्वार्टर योशिवारा के निवासी ईदो — 1868 तक टोक्यो का नाम।.

बिजिंगा उत्कीर्णन में, सब कुछ वैसा नहीं है जैसा आधुनिक दर्शक को दिखता है। अमीर कपड़े पहनने वाली कुलीन महिलाएं, एक नियम के रूप में, शर्मनाक शिल्प में लगी हुई थीं और निम्न वर्ग की थीं, और सुंदरियों के चित्रों के साथ उत्कीर्णन का खुले तौर पर विज्ञापन समारोह था। उसी समय, उत्कीर्णन ने लड़की की उपस्थिति का अंदाजा नहीं दिया, और हालांकि असाकुसा मंदिर के पास नानिवाया चाय घर की ओकिता को एदो की पहली सुंदरता माना जाता था, उत्कीर्णन में उसका चेहरा है व्यक्तित्व से पूर्णतया रहित।

10वीं शताब्दी के बाद से, जापानी कला में महिला छवियां अतिसूक्ष्मवाद के सिद्धांत के अधीन रही हैं। "लाइन-आई, हुक-नाक" - रिसेप्शन हिकिमे-कगिहानाकलाकार को केवल यह इंगित करने की अनुमति दी गई कि एक निश्चित महिला को चित्रित किया गया था: जापानी पारंपरिक संस्कृति में, शारीरिक सुंदरता का मुद्दा अक्सर छोड़ दिया जाता था। कुलीन जन्म की महिलाओं में, "हृदय की सुंदरता" और शिक्षा को अधिक महत्व दिया जाता था, और खुशहाल इलाकों के निवासी हर चीज में उच्चतम उदाहरणों का अनुकरण करने का प्रयास करते थे। उटामारो के मुताबिक, ओकिता वाकई खूबसूरत थी।

शीट "ब्यूटी नानिवाया ओकिता" 1795-1796 में "प्रसिद्ध सुंदरियों की तुलना छह अमर कवियों से की गई" श्रृंखला में छपी थी, जिसमें 9वीं शताब्दी के लेखकों में से एक ने प्रत्येक सुंदरता का वर्णन किया था। ऊपरी बाएँ कोने में ओकिता के चित्र वाली शीट पर अरिवारा नो नारिहिरा (825-880) की छवि है, जो जापान के सबसे सम्मानित कवियों में से एक हैं, जिनके लिए पारंपरिक रूप से इसे मोनोगेटरी उपन्यास का श्रेय दिया जाता है। यह महान रईस और प्रतिभाशाली कवि अपने प्रेम संबंधों के लिए भी प्रसिद्ध हुए, जिनमें से कुछ ने उपन्यास का आधार बनाया।

यह शीट तकनीक का एक अनोखा प्रयोग है mitate(तुलना) जापानी उत्कीर्णन में। एक आधिकारिक "प्रोटोटाइप" के गुणों को चित्रित सुंदरता में स्थानांतरित कर दिया जाता है, और एक शांत चेहरे के साथ मेहमान को चाय का कप परोसने वाली सुरुचिपूर्ण वेश्या को दर्शक पहले से ही कविता और प्रेम के कार्यों में कुशल महिला के रूप में पढ़ते हैं। अरिवारा नो नारिहिरा के साथ तुलना वास्तव में एदो सुंदरियों के बीच उसकी श्रेष्ठता की पहचान थी।

उसी समय, उतामारो आश्चर्यजनक रूप से गीतात्मक छवि बनाता है। पत्ती पर गहरे और हल्के धब्बों को संतुलित करते हुए और मधुर, सुंदर रेखाओं के साथ रूप को रेखांकित करते हुए, वह वास्तव में अनुग्रह और सद्भाव की एक आदर्श छवि बनाता है। "विज्ञापन" कम हो गया है, और उटामारो द्वारा पकड़ी गई सुंदरता कालातीत बनी हुई है।

ओगाटा कोरिन द्वारा स्क्रीन "इराइजेस", 1710

विकिमीडिया कॉमन्स / नेज़ू संग्रहालय, टोक्यो

छह-पैनल आईरिस स्क्रीन की एक जोड़ी - जो अब जापान का राष्ट्रीय खजाना है - क्योटो में निशि होंगान-जी मंदिर के लिए 1710 के आसपास ओगाटा कोरिन (1658-1716) द्वारा बनाई गई थी।

16वीं शताब्दी के बाद से, दीवार पैनलों और पेपर स्क्रीन पर पेंटिंग जापान में सजावटी कला की अग्रणी शैलियों में से एक बन गई है, और रिनपा कला विद्यालय के संस्थापक ओगाटा कोरिन इसके महानतम उस्तादों में से एक थे।

जापानी इंटीरियर में स्क्रीन ने एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। विशाल महल परिसर संरचनात्मक रूप से एक साधारण जापानी के आवासों से अलग नहीं था: उनमें लगभग कोई आंतरिक दीवारें नहीं थीं, और अंतरिक्ष को तह स्क्रीन के साथ ज़ोन किया गया था। डेढ़ मीटर से थोड़ी अधिक ऊंची, स्क्रीन सभी वर्गों की सामान्य जापानी परंपरा के अनुसार फर्श पर रहने के लिए डिज़ाइन की गई थी। जापान में, 19वीं शताब्दी तक ऊंची कुर्सियों और मेजों का उपयोग नहीं किया जाता था, और स्क्रीन की ऊंचाई, साथ ही इसकी पेंटिंग की संरचना, घुटनों पर बैठे व्यक्ति के दृश्य के लिए डिज़ाइन की गई है। यह इस दृष्टिकोण से है कि एक अद्भुत प्रभाव उत्पन्न होता है: irises बैठे हुए व्यक्ति को घेरने लगते हैं - और एक व्यक्ति खुद को नदी के तट पर, फूलों से घिरा हुआ महसूस कर सकता है।

आईरिस को गैर-समोच्च तरीके से चित्रित किया जाता है - लगभग प्रभावशाली, गहरे नीले, बकाइन और बैंगनी रंग के चौड़े स्ट्रोक इस फूल की शानदार भव्यता को व्यक्त करते हैं। सुरम्य प्रभाव को सोने की मंद चमक से बढ़ाया जाता है, जिसके विपरीत आईरिस को चित्रित किया गया है। स्क्रीन पर फूलों के अलावा और कुछ नहीं दर्शाया गया है, लेकिन उनकी विकास की कोणीय रेखा से पता चलता है कि फूल नदी के घुमावदार रास्ते या लकड़ी के पुलों के टेढ़े-मेढ़े मोड़ पर झुकते हैं। जापानियों के लिए स्क्रीन से एक पुल गायब देखना स्वाभाविक होगा, एक विशेष "आठ तख्तों का पुल" ( यत्सुहाशीसुनो)), शास्त्रीय जापानी साहित्य में irises से जुड़ा हुआ है। इसे मोनोगेटरी (9वीं शताब्दी) उपन्यास में राजधानी से निष्कासित एक नायक की दुखद यात्रा का वर्णन किया गया है। अपने अनुचर के साथ यत्सुहाशी पुल के पास नदी तट पर आराम करने के बाद, नायक, आँखों की पुतलियों को देखकर, अपने प्रिय को याद करता है और कविताएँ लिखता है:

मेरे प्रियतम वस्त्रों में
शोभायमान वहाँ, राजधानी में,
प्यार बाकी है...
और कितनी हसरत से सोचता हूँ
मैं उससे बहुत दूर हूं... एन.आई. कोनराड द्वारा अनुवाद।

कहानी के लेखक और गीतकार, अरिवारा नो नारिहिरा कहते हैं, "तो उसने मोड़ा, और सभी ने अपने सूखे चावल पर आंसू बहाए, ताकि वह नमी से फूल जाए।"

एक शिक्षित जापानी के लिए, ब्रिज द्वारा आईरिस और इसे मोनोगटारी, आईरिस और अलग हुए प्यार के विषय के बीच संबंध स्पष्ट था, और ओगाटा कोरिन वाचालता और चित्रण से बचते हैं। सजावटी पेंटिंग की मदद से, वह केवल प्रकाश, रंग और साहित्यिक अर्थों से भरा एक आदर्श स्थान बनाता है।

किंकाकुजी गोल्डन पवेलियन, क्योटो, 1397

येवगेन पोगोरीलोव / फ़्लिकर.कॉम, 2006

स्वर्ण मंदिर जापान के प्रतीकों में से एक है, विडंबना यह है कि इसके निर्माण की तुलना में इसके विनाश से अधिक महिमामंडित किया गया था। 1950 में, रोकुओन्जी मठ, जिसकी यह इमारत है, के एक मानसिक रूप से अस्थिर भिक्षु ने इसकी सतह पर खड़े एक तालाब में आग लगा दी।
मंडप 1950 में आग लगने के दौरान मंदिर लगभग नष्ट हो गया था। किंकाकु-जी में पुनरुद्धार कार्य 1955 में शुरू हुआ, 1987 तक समग्र रूप से पुनर्निर्माण पूरा हो गया, लेकिन पूरी तरह से खोए हुए हिस्से का प्रतिस्थापन किया गया भीतरी सजावट 2003 तक जारी रहा।. उनके कृत्य का असली उद्देश्य अस्पष्ट रहा, लेकिन लेखक युकिओ मिशिमा की व्याख्या में, इस मंदिर की अप्राप्य, लगभग रहस्यमय सुंदरता को दोष दिया गया था। दरअसल, कई शताब्दियों तक किंकाकुजी को जापानी सुंदरता का प्रतीक माना जाता था।

1394 में, शोगुन अशिकागा योशिमित्सु (1358-1408), जिसने लगभग पूरे जापान को अपनी इच्छा के अधीन कर लिया, औपचारिक रूप से सेवानिवृत्त हो गया और उत्तरी क्योटो में एक विशेष रूप से निर्मित विला में बस गया। कृत्रिम झील क्योकोटी ("झील-मिरर") पर तीन-स्तरीय इमारत ने एक प्रकार के आश्रम, विश्राम, पढ़ने और प्रार्थना के लिए एक एकांत मंडप की भूमिका निभाई। इसमें शोगुन के चित्रों का संग्रह, एक पुस्तकालय और बौद्ध अवशेषों का संग्रह शामिल था। तट के पास पानी पर स्थित, किंकाकुजी का किनारे के साथ केवल नाव संचार था और क्योकोटी के चारों ओर बिखरे हुए पत्थरों और देवदार के पेड़ों के साथ कृत्रिम द्वीपों के समान द्वीप था। "आकाशीय द्वीप" का विचार चीनी पौराणिक कथाओं से उधार लिया गया था, जिसमें पेंगलाई द्वीप, अमरों का द्वीप, स्वर्गीय निवास की छवि के रूप में कार्य करता था। पानी में मंडप का प्रतिबिंब पहले से ही नश्वर दुनिया की भ्रामक प्रकृति के बारे में विचारों के साथ बौद्ध संघों को उजागर करता है, जो बौद्ध सत्य की दुनिया के वैभव का केवल एक हल्का प्रतिबिंब है।

हालाँकि ये सभी पौराणिक अर्थ काल्पनिक हैं, मंडप का स्थान इसे एक अद्भुत सामंजस्य और सामंजस्य प्रदान करता है। परावर्तन इमारत के टेढ़े-मेढ़ेपन को छिपा देता है, जिससे वह ऊंची और पतली हो जाती है; साथ ही, यह मंडप की ऊंचाई है जो इसे तालाब के किसी भी किनारे से हमेशा हरियाली की अंधेरी पृष्ठभूमि में देखना संभव बनाती है।

हालाँकि, यह पूरी तरह से स्पष्ट नहीं है कि यह मंडप कितना सुनहरा था मूल स्वरूप. संभवतः, आशिकागा योशिमित्सु के तहत, यह वास्तव में सोने की पत्ती और वार्निश की एक सुरक्षात्मक परत से ढका हुआ था। लेकिन अगर आप 19वीं - 20वीं सदी की शुरुआत और युकिओ मिशिमा की तस्वीरों पर विश्वास करते हैं, तो 20वीं सदी के मध्य तक सोने का पानी लगभग छिल चुका था और इसके अवशेष केवल इमारत के ऊपरी स्तर पर दिखाई दे रहे थे। इस समय, उन्होंने आत्मा को सूनेपन के आकर्षण, समय के निशान, यहां तक ​​​​कि सबसे खूबसूरत चीजों के लिए भी अनुभवहीन बना दिया। यह उदासी भरा आकर्षण सौन्दर्यात्मक सिद्धांत के अनुरूप था सबीजापानी संस्कृति में अत्यधिक पूजनीय।

किसी न किसी रूप में, इस इमारत की शोभा बिल्कुल भी सोने में नहीं थी। किंकाकुजी के रूपों की उत्कृष्ट गंभीरता और परिदृश्य के साथ इसका त्रुटिहीन सामंजस्य इसे जापानी वास्तुकला की उत्कृष्ट कृतियों में से एक बनाता है।

करात्सु की शैली में बाउल "आइरिस", XVI-XVII सदियों

डायने मार्टिनो /pinterest.com/मेट्रोपॉलिटन म्यूज़ियम ऑफ़ आर्ट, न्यूयॉर्क

शब्द meibutsu- एक नाम वाली चीज़। केवल इस कप का नाम ही वास्तव में बच गया है, क्योंकि न तो इसके निर्माण का सही समय और स्थान, न ही स्वामी का नाम संरक्षित किया गया है। फिर भी, इसे जापान के राष्ट्रीय खजाने के रूप में वर्गीकृत किया गया है और यह एक है स्पष्ट उदाहरणराष्ट्रीय शैली में चीनी मिट्टी की चीज़ें।

16वीं शताब्दी के अंत में, चाय समारोह चा कोई यू-परिष्कृत को त्याग दिया चीनी चीनी मिट्टी के बरतनऔर ग्लेज़ के साथ चीनी मिट्टी की चीज़ें कीमती सामग्रियों की याद दिलाती हैं। उनकी शानदार सुंदरता चाय मालिकों को बहुत अधिक कृत्रिम और स्पष्ट लग रही थी। उत्तम और महंगी वस्तुएँ - कटोरे, पानी के बर्तन और चाय की कैडियाँ - ज़ेन बौद्ध धर्म के लगभग तपस्वी आध्यात्मिक सिद्धांतों के अनुरूप नहीं थीं, जिनकी भावना से चाय समारोह विकसित हुआ था। चाय के क्षेत्र में एक वास्तविक क्रांति जापानी चीनी मिट्टी की अपील थी, जो उस समय बहुत सरल और कलाहीन थी जब जापान की कार्यशालाओं ने महाद्वीपीय मिट्टी के बर्तनों की प्रौद्योगिकियों में महारत हासिल करना शुरू कर दिया था।

आइरिस बाउल का आकार सरल और अनियमित है। दीवारों की हल्की वक्रता, पूरे शरीर पर दिखाई देने वाले कुम्हार के डेंट कटोरे को लगभग सहज सहजता प्रदान करते हैं। मिट्टी का टुकड़ा दरारों के जाल के साथ हल्के शीशे से ढका हुआ है - क्रेक्वेलर। सामने की तरफ, जो चाय समारोह के दौरान अतिथि को संबोधित करता है, शीशे के नीचे एक परितारिका की छवि लगाई गई है: चित्र भोला है, लेकिन एक ऊर्जावान ब्रश के साथ निष्पादित किया गया है, बिल्कुल, जैसे कि एक आंदोलन में, ज़ेन की भावना में सुलेख। ऐसा लगता है कि रूप और सजावट दोनों अनायास और विशेष बल के प्रयोग के बिना बनाई जा सकती थीं।

यह सहजता आदर्श को दर्शाती है वाबी- सादगी और कलाहीनता, आध्यात्मिक स्वतंत्रता और सद्भाव की भावना को जन्म देती है। ज़ेन बौद्ध धर्म के जापानी अनुयायियों के विचारों में किसी भी व्यक्ति या यहां तक ​​कि एक निर्जीव वस्तु में बुद्ध की प्रबुद्ध प्रकृति है, और निपुण के प्रयासों का उद्देश्य इस प्रकृति को अपने और अपने आसपास की दुनिया में खोजना है। चाय समारोह में उपयोग की जाने वाली चीजें, अपनी सारी अनाड़ीपन के बावजूद, सच्चाई का गहरा अनुभव, हर पल की प्रासंगिकता, सबसे सामान्य रूपों में झाँकने और उनमें सच्ची सुंदरता देखने के लिए मजबूर होनी चाहिए थीं।

कटोरे की खुरदुरी बनावट और इसकी सादगी के विपरीत एक छोटे से चिपके हुए सोने के लाह के साथ बहाली है (इस तकनीक को कहा जाता है) किंत्सुगी). पुनर्स्थापन 18वीं शताब्दी में किया गया था और यह उस श्रद्धा को दर्शाता है जिसके साथ जापानी चाय मालिकों ने चाय समारोह के लिए बर्तनों की देखभाल की थी। इसलिए चाय समारोह प्रतिभागियों को आइरिस बाउल जैसी चीज़ों की वास्तविक सुंदरता की खोज करने का "रास्ता" प्रदान करता है। निहितार्थ, गोपनीयता वाबी की सौंदर्यवादी अवधारणा का आधार और जापानी विश्वदृष्टि का एक महत्वपूर्ण हिस्सा बन गई है।

भिक्षु गैंडज़िन का चित्र, नारा, 763

तोशोदाईजी, 2015

आठवीं शताब्दी में, मूर्तिकला युग की कलात्मक अभिव्यक्ति का मुख्य रूप बन गई, नारा युग (710-794), जो जापानी राज्य के गठन और बौद्ध धर्म की मजबूती से जुड़ा था। जापानी स्वामी पहले ही महाद्वीपीय तकनीकों और छवियों की प्रशिक्षुता और अंधानुकरण के चरण को पार कर चुके हैं और मूर्तिकला में अपने समय की भावना को स्वतंत्र रूप से और स्पष्ट रूप से व्यक्त करना शुरू कर चुके हैं। बौद्ध धर्म के अधिकार के प्रसार और विकास के कारण बौद्ध मूर्तिकला चित्र का उदय हुआ।

इस शैली की उत्कृष्ट कृतियों में से एक गैंडज़िन का चित्र है, जिसे 763 में बनाया गया था। सूखी लाह की तकनीक में निर्मित (कपड़े से ढके लकड़ी के फ्रेम पर लाह की परतें बनाकर), यह मूर्तिकला लगभग है जीवन आकारवास्तविक रूप से चित्रित किया गया था, और मंदिर के अर्ध-अंधेरे में, गंजिन ध्यान की मुद्रा में बैठे थे "मानो जीवित हों।" यह सजीवता ऐसे चित्रों का मुख्य पंथ कार्य था: शिक्षक को हमेशा नारा शहर में टोडाईजी मठ की दीवारों के भीतर रहना पड़ता था और सबसे महत्वपूर्ण दिव्य सेवाओं में उपस्थित रहना पड़ता था।

बाद में, 11वीं-13वीं शताब्दी में, मूर्तिकला चित्र लगभग निर्दयी भ्रमवाद तक पहुंच गए, जिसमें आदरणीय शिक्षकों की वृद्धावस्था, उनके धँसे हुए मुँह, झुके हुए गाल और गहरी झुर्रियों को दर्शाया गया। रॉक क्रिस्टल और लकड़ी से जड़े ये चित्र बौद्ध धर्म के अनुयायियों को जीवित आँखों से देखते हैं। लेकिन गैंडज़िन का चेहरा धुंधला लगता है, इसमें कोई स्पष्ट रूपरेखा और स्पष्ट रूप नहीं हैं। आधी बंद और बिना परत वाली आंखों की पलकें सूजी हुई दिखाई देती हैं; तनावपूर्ण मुँह और गहरी नासोलैबियल सिलवटें ध्यान की एकाग्रता के बजाय आदतन सावधानी व्यक्त करती हैं।

इन सभी विशेषताओं से इस भिक्षु की नाटकीय जीवनी, अद्भुत तप और त्रासदियों की कहानी का पता चलता है। गंजिन, एक चीनी बौद्ध भिक्षु, को नारा के सबसे बड़े मठ, तोडाईजी के अभिषेक समारोह के लिए जापान में आमंत्रित किया गया था। जहाज पर समुद्री डाकुओं ने कब्ज़ा कर लिया, अमूल्य स्क्रॉल और बौद्ध मूर्तियाँ, जो एक दूर के जापानी मंदिर के लिए बनाई गई थीं, आग में नष्ट हो गईं, गंजिन का चेहरा जल गया और उसकी दृष्टि चली गई। लेकिन उन्होंने सभ्यता के सुदूर इलाकों में प्रचार करने की इच्छा नहीं छोड़ी - अर्थात्, उस समय महाद्वीप द्वारा जापान को कैसे समझा जाता था।

समुद्र पार करने के कई और प्रयास उसी असफल तरीके से समाप्त हुए, और केवल पांचवें प्रयास में, पहले से ही मध्यम आयु वर्ग का, अंधा और बीमार गंजिन जापानी राजधानी नारा तक पहुंच गया।

जापान में, गंजिन ने लंबे समय तक बौद्ध कानून नहीं पढ़ाया: उनके जीवन की नाटकीय घटनाओं ने उनके स्वास्थ्य को कमजोर कर दिया। लेकिन उनका अधिकार इतना ऊँचा था कि, शायद, उनकी मृत्यु से पहले ही, उनकी मूर्ति बनाने का निर्णय लिया गया था। निस्संदेह, कलाकार-भिक्षुओं ने मूर्तिकला को यथासंभव मॉडल से समानता देने की कोशिश की। लेकिन बचाने के लिए ऐसा नहीं किया गया उपस्थितिएक व्यक्ति का, लेकिन उसके व्यक्तिगत आध्यात्मिक अनुभव को पकड़ने के लिए, वह कठिन रास्ता जिससे गंजिन गुजरा और जिसे बौद्ध शिक्षण कहते हैं।

दाइबुत्सु - टोडाइजी मंदिर, नारा का बड़ा बुद्ध, 8वीं शताब्दी के मध्य में

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8वीं शताब्दी के मध्य में, जापान प्राकृतिक आपदाओं और महामारी से पीड़ित था, और प्रभावशाली फुजिवारा परिवार की साज़िशों और उनके द्वारा उठाए गए विद्रोह ने सम्राट शोमू को राजधानी, नारा शहर से भागने के लिए मजबूर किया। निर्वासन में, उन्होंने बौद्ध शिक्षाओं के मार्ग पर चलने की कसम खाई और 743 में देश के मुख्य मंदिर के निर्माण और बुद्ध वैरोचन (बुद्ध महान सूर्य या सभी रोशन प्रकाश) की एक विशाल कांस्य प्रतिमा की ढलाई का आदेश दिया। इस देवता को बौद्ध शिक्षाओं के संस्थापक बुद्ध शाक्यमुनि का सार्वभौमिक अवतार माना जाता था, और अशांति और विद्रोह की अवधि के दौरान सम्राट और पूरे देश की सुरक्षा का गारंटर बनना था।

काम 745 में शुरू हुआ और चीनी राजधानी लुओयांग के पास लॉन्गमेन गुफा मंदिरों में विशाल बुद्ध प्रतिमा पर आधारित था। नारा की मूर्ति, बुद्ध की किसी भी छवि की तरह, "बुद्ध के महान और छोटे लक्षण" दिखाने वाली थी। इस प्रतीकात्मक कैनन में लम्बी ईयरलोब शामिल हैं, जो इस तथ्य की याद दिलाती हैं कि बुद्ध शाक्यमुनि एक राजसी परिवार से आते थे और बचपन से भारी बालियां पहनते थे, उनके सिर के शीर्ष पर एक ऊंचाई (उष्णिशा), उनके माथे पर एक बिंदी (कलश)।

मूर्ति की ऊंचाई 16 मीटर, चेहरे की चौड़ाई 5 मीटर, फैली हुई हथेली की लंबाई 3.7 मीटर और कलश मानव सिर से भी बड़ा था। निर्माण में 444 टन तांबा, 82 टन टिन और भारी मात्रा में सोना लगा, जिसकी खोज विशेष रूप से देश के उत्तर में की गई थी। मंदिर की सुरक्षा के लिए मूर्ति के चारों ओर एक हॉल, दाइबुत्सुडेन बनाया गया था। इसके छोटे से स्थान में, थोड़ा झुका हुआ बुद्ध का चित्र पूरे स्थान को भर देता है, जो बौद्ध धर्म के मुख्य सिद्धांतों में से एक को दर्शाता है - यह विचार कि देवता सर्वव्यापी और सर्वव्यापी है, यह हर चीज को गले लगाता है और भर देता है। चेहरे की अलौकिक शांति और देवता के हाथ का इशारा (मुद्रा, सुरक्षा देने का इशारा) बुद्ध की शांत भव्यता और शक्ति की भावना को पूरक करता है।

हालाँकि, मूल प्रतिमा के केवल कुछ टुकड़े ही आज बचे हैं: 12वीं और 16वीं शताब्दी में आग और युद्धों ने प्रतिमा को भारी नुकसान पहुँचाया, और आधुनिक प्रतिमा मुख्य रूप से 18वीं सदी की ढलाई है। 18वीं सदी के जीर्णोद्धार के दौरान, कांस्य प्रतिमा अब सोने से ढकी नहीं थी। 8वीं शताब्दी में सम्राट शोमू के बौद्ध उत्साह ने व्यावहारिक रूप से राजकोष को खाली कर दिया और पहले से ही सदमे में डूबे देश को लहूलुहान कर दिया, और बाद के शासक अब इस तरह के अत्यधिक खर्च को बर्दाश्त नहीं कर सकते थे।

फिर भी, दाइबुत्सु का महत्व सोने में नहीं है और विश्वसनीय प्रामाणिकता में भी नहीं - बौद्ध शिक्षाओं के ऐसे भव्य अवतार का विचार उस युग का एक स्मारक है जब जापानी स्मारकीय कला ने एक वास्तविक फूल का अनुभव किया, खुद को मुक्त कर लिया। महाद्वीपीय नमूनों की अंधी नकल करके अखंडता और अभिव्यंजना हासिल की गई, जो बाद में खो गई।

जापानियों ने 9वीं-12वीं शताब्दी में, हेयान युग (794-1185) में चीजों में छिपी सुंदरता की खोज की और इसे एक विशेष अवधारणा के साथ नामित भी किया। मोनो नो अवेयर"(जापानी: 物の哀れ (もののあわれ)), जिसका अर्थ है "चीजों का दुखद आकर्षण।" "चीजों का आकर्षण" जापानी साहित्य में सुंदरता की शुरुआती परिभाषाओं में से एक है, यह शिंटो विश्वास से जुड़ा है कि हर चीज का अपना देवता - कामी - और अपना अनूठा आकर्षण होता है। अवारे चीजों का आंतरिक सार है, जो खुशी, उत्साह का कारण बनता है।

- वाशी (वासी) या वागामी (वागामी)।
मैनुअल कागज बनाना। मध्यकालीन जापानी वाशी को न केवल उसके व्यावहारिक गुणों के लिए, बल्कि उसकी सुंदरता के लिए भी महत्व देते थे। वह अपनी सूक्ष्मता, लगभग पारदर्शिता के लिए प्रसिद्ध थी, जिसने, हालांकि, उसे ताकत से वंचित नहीं किया। वाशी कोज़ो (शहतूत) पेड़ और कुछ अन्य पेड़ों की छाल से बनाया जाता है।
वाशी कागज को सदियों से संरक्षित किया गया है, इसका प्रमाण प्राचीन जापानी सुलेख, पेंटिंग, स्क्रीन, उत्कीर्णन के एल्बम और खंड हैं जो सदियों से आज तक मौजूद हैं।
वास्या का कागज रेशेदार है, यदि आप माइक्रोस्कोप से देखेंगे तो आपको दरारें दिखाई देंगी जिनके माध्यम से हवा और सूरज की रोशनी प्रवेश करती है। इस गुणवत्ता का उपयोग स्क्रीन और पारंपरिक जापानी लालटेन के निर्माण में किया जाता है।
वाशी स्मृति चिन्ह यूरोपीय लोगों के बीच बहुत लोकप्रिय हैं। इस कागज से कई छोटी और उपयोगी वस्तुएँ बनाई जाती हैं: बटुए, लिफाफे, पंखे। वे हल्के होते हुए भी काफी टिकाऊ हैं।

- गोहेई.
शुभंकर से कागज़ की पट्टियाँ. गोहेई - शिंटो पुजारी का एक अनुष्ठान कर्मचारी, जिसमें कागज़ की ज़िगज़ैग पट्टियाँ जुड़ी होती हैं। कागज की वही पट्टियाँ शिंटो मंदिर के प्रवेश द्वार पर लटकाई जाती हैं। शिंटो में कागज की भूमिका पारंपरिक रूप से बहुत महान रही है, और इससे बने उत्पादों से हमेशा गूढ़ अर्थ जुड़ा रहा है। और यह विश्वास कि हर चीज़, हर घटना, यहाँ तक कि शब्दों में भी एक कामी - एक देवता होता है - इस प्रकार की उपस्थिति की व्याख्या करता है एप्लाइड आर्ट्सगोहेई की तरह. शिंटोवाद कुछ हद तक हमारे बुतपरस्ती के समान है। शिंटोवादियों के लिए, कामी विशेष रूप से ऐसी किसी भी चीज़ में निवास करने को तैयार रहते हैं जो सामान्य से हटकर हो। उदाहरण के लिए, कागज पर. और इससे भी अधिक एक जटिल ज़िगज़ैग में मुड़े हुए गोहेई में, जो आज शिंटो मंदिरों के प्रवेश द्वार के सामने लटका हुआ है और मंदिर में एक देवता की उपस्थिति का संकेत देता है। गोहेई को मोड़ने के 20 तरीके हैं, और जो विशेष रूप से असामान्य रूप से मोड़े जाते हैं वे कामी को आकर्षित करते हैं। गोहेई मुख्य रूप से सफेद रंग का होता है, लेकिन सोना, चांदी और कई अन्य रंग भी पाए जाते हैं। 9वीं सदी से जापान में लड़ाई शुरू होने से पहले सूमो पहलवानों की बेल्ट पर गोहेई को मजबूत करने का रिवाज रहा है।

-अनेसामा.
यह कागज की गुड़िया का निर्माण है। 19वीं सदी में, समुराई पत्नियाँ कागज़ की गुड़ियाएँ बनाती थीं जिनसे बच्चे खेलते थे, उन्हें अलग-अलग कपड़े पहनाते थे। ऐसे समय में जब खिलौने नहीं थे, अनेसामा बच्चों के लिए एकमात्र वार्ताकार थी, जो माँ, बड़ी बहन, बच्चे और दोस्त की भूमिका निभाती थी।
गुड़िया को जापानी वॉशी पेपर से मोड़ा गया है, बाल सिकुड़े हुए पेपर से बनाए गए हैं, स्याही से रंगे गए हैं और गोंद से ढके हुए हैं, जो इसे चमक देता है। विशेष फ़ीचरलम्बे चेहरे पर एक अच्छी छोटी नाक है। आज, पारंपरिक रूप में कुशल हाथों के अलावा किसी और चीज़ की आवश्यकता नहीं रखने वाला यह साधारण खिलौना पहले की तरह ही बनाया जा रहा है।

- ओरिगामी।
कागज मोड़ने की प्राचीन कला (折り紙, शाब्दिक अर्थ: "मुड़ा हुआ कागज")। ओरिगेमी की कला की जड़ें यहीं हैं प्राचीन चीनजहाँ कागज का आविष्कार हुआ। प्रारंभ में, ओरिगेमी का उपयोग धार्मिक समारोहों में किया जाता था। लंबे समय तक, इस प्रकार की कला केवल उच्च वर्गों के प्रतिनिधियों के लिए उपलब्ध थी, जहां अच्छे स्वाद का संकेत कागज मोड़ने की तकनीक का होना था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद ही, ओरिगेमी पूर्व से आगे बढ़कर अमेरिका और यूरोप में आ गया, जहां इसे तुरंत अपने प्रशंसक मिल गए। क्लासिक ओरिगेमी को कागज की एक चौकोर शीट से मोड़ा जाता है।
यहां तक ​​कि सबसे जटिल उत्पाद की तह योजना को स्केच करने के लिए पारंपरिक प्रतीकों का एक निश्चित सेट आवश्यक है। अधिकांश पारंपरिक संकेतों को 20वीं सदी के मध्य में प्रसिद्ध जापानी गुरु अकीरा योशिजावा द्वारा व्यवहार में लाया गया था।
शास्त्रीय ओरिगामी में गोंद और कैंची के बिना कागज की एक वर्गाकार समान रंगीन शीट का उपयोग निर्धारित किया गया है। समकालीन कला रूप कभी-कभी इस सिद्धांत से भटक जाते हैं।

- किरिगामी।
किरिगामी कागज की एक शीट को कई बार मोड़कर कैंची की मदद से विभिन्न आकृतियों को काटने की कला है। एक प्रकार की ओरिगेमी जो मॉडल बनाने की प्रक्रिया में कैंची और कागज काटने की अनुमति देती है। यह किरिगामी और अन्य पेपर फोल्डिंग तकनीकों के बीच मुख्य अंतर है, जिस पर नाम में जोर दिया गया है: 切る (किरू) - कट, 紙 (गामी) - पेपर। हम सभी को बचपन में बर्फ के टुकड़े काटना बहुत पसंद था - किरिगामी का एक प्रकार, आप इस तकनीक का उपयोग करके न केवल बर्फ के टुकड़े, बल्कि विभिन्न आकृतियाँ, फूल, माला और अन्य सुंदर कागज़ की चीज़ें भी काट सकते हैं। इन उत्पादों का उपयोग प्रिंट, एल्बम सजावट, पोस्टकार्ड, फोटो फ्रेम, फैशन डिजाइन, इंटीरियर डिजाइन और अन्य विभिन्न सजावट के लिए स्टेंसिल के रूप में किया जा सकता है।

- इकेबाना।
इकेबाना, (jap 生け花 या いけばな) से अनुवादित जापानी भाषा- इके" - जीवन, "बाना" - फूल, या "फूल जो जीवित हैं"। फूलों को सजाने की जापानी कला जापानी लोगों की सबसे खूबसूरत परंपराओं में से एक है। इकेबाना को संकलित करते समय, फूलों के साथ-साथ कटी हुई शाखाओं, पत्तियों और टहनियों का उपयोग किया जाता है। मूल सिद्धांत उत्तम सादगी है, जिसे प्राप्त करने के लिए वे जोर देने की कोशिश करते हैं प्राकृतिक छटापौधे। इकेबाना एक नए प्राकृतिक रूप की रचना है, जिसमें एक फूल की सुंदरता और रचना बनाने वाले गुरु की आत्मा की सुंदरता सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त होती है।
आज जापान में इकेबाना के 4 प्रमुख स्कूल हैं: इकेनोबो (इकेनोबो), कोरियू (कोरियू), ओहारा (ओहारा), सोगेत्सु (सोगेट्सू)। उनके अलावा, लगभग एक हजार अलग-अलग दिशाएँ और रुझान हैं जो इन स्कूलों में से एक का पालन करते हैं।

-ओरिबाना.
17वीं शताब्दी के मध्य में, ओहारा (इकेबाना का मुख्य रूप - ओरिबाना) और कोरियू (मुख्य रूप - सेक) के दो स्कूल इकेनोबो से चले गए। वैसे, ओहारा स्कूल में अभी भी केवल ओरिबानु की पढ़ाई होती है। जैसा कि जापानी कहते हैं, यह बहुत महत्वपूर्ण है कि ओरिगेमी ओरिगेमी में न बदल जाए। जापानी में गोमी का मतलब कचरा होता है। आख़िरकार, जैसा कि होता है, आपने एक कागज़ का टुकड़ा मोड़ा और फिर उसका क्या किया जाए? ओरिबाना इंटीरियर को सजाने के लिए गुलदस्ते के लिए बहुत सारे विचार पेश करता है। ओरिबाना = ओरिगेमी + इकेबाना

- गलती।
पुष्प विज्ञान से उत्पन्न एक प्रकार की ललित कला। पुष्प विज्ञान हमारे देश में आठ साल पहले प्रकट हुआ था, हालाँकि यह जापान में छह सौ से अधिक वर्षों से अस्तित्व में है। मध्य युग में किसी समय, समुराई ने एक योद्धा के तरीके को समझा। और ओशिबाना उस रास्ते का हिस्सा था, जैसे चित्रलिपि लिखना और तलवार चलाना। गलती का अर्थ यह था कि उस क्षण (सटोरी) में पूर्ण उपस्थिति की स्थिति में, गुरु ने सूखे फूलों (दबाए गए फूलों) का एक चित्र बनाया। तब यह तस्वीर उन लोगों के लिए एक कुंजी, एक मार्गदर्शक के रूप में काम कर सकती है जो मौन में प्रवेश करने और उसी सटोरी का अनुभव करने के लिए तैयार थे।
"ओशिबाना" की कला का सार यह है कि फूलों, जड़ी-बूटियों, पत्तियों, छाल को दबाव में इकट्ठा करके और सुखाकर और उन्हें आधार पर चिपकाकर, लेखक पौधों की मदद से वास्तव में "पेंटिंग" का काम करता है। दूसरे शब्दों में कहें तो पौधों से पेंटिंग करना गलत है।
कलात्मक सृजनात्मकताफूल विक्रेता सूखे पौधों की सामग्री के आकार, रंग और बनावट के संरक्षण पर आधारित है। जापानियों ने "ओशिबाना" चित्रों को लुप्त होने और काले पड़ने से बचाने के लिए एक तकनीक विकसित की है। इसका सार यह है कि कांच और तस्वीर के बीच हवा को पंप किया जाता है और एक वैक्यूम बनाया जाता है जो पौधों को खराब होने से बचाता है।
यह न केवल इस कला की अपरंपरागतता को आकर्षित करता है, बल्कि पौधों के गुणों की कल्पना, स्वाद, ज्ञान दिखाने का अवसर भी देता है। फूल विक्रेता आभूषण, परिदृश्य, स्थिर जीवन, चित्र और कहानी चित्र बनाते हैं।

- बोनसाई.
बोनसाई, एक घटना के रूप में, एक हजार साल से भी पहले चीन में प्रकट हुई थी, लेकिन यह संस्कृति अपने विकास के चरम पर केवल जापान में पहुंची। (बोन्साई - जापानी 盆栽 शाब्दिक अर्थ "गमले में पौधा") - लघु रूप में एक वास्तविक पेड़ की हूबहू नकल उगाने की कला। ये पौधे हमारे युग से कई शताब्दियों पहले बौद्ध भिक्षुओं द्वारा उगाए गए थे और बाद में स्थानीय कुलीनों की गतिविधियों में से एक बन गए।
बोनसाई जापानी घरों और बगीचों को सुशोभित करता था। टोकुगावा युग में, पार्क डिजाइन को एक नई गति मिली: अजेलिया और मेपल की खेती अमीरों के लिए एक शगल बन गई। बौनी फसल उत्पादन (हची-नो-की - "गमले में पेड़") भी विकसित हुआ, लेकिन उस समय के बोन्साई बहुत बड़े थे।
अब साधारण पेड़ों का उपयोग बोन्साई के लिए किया जाता है, लगातार छंटाई और अन्य कई तरीकों के कारण ये छोटे हो जाते हैं। इसी समय, जड़ प्रणाली के आकार का अनुपात, कटोरे की मात्रा और बोन्साई के जमीन के हिस्से द्वारा सीमित, प्रकृति में एक वयस्क पेड़ के अनुपात से मेल खाता है।

- मिज़ुहिकी।
मैक्रैम एनालॉग। यह विशेष डोरियों से विभिन्न गांठें बांधने और उनसे पैटर्न बनाने की एक प्राचीन जापानी व्यावहारिक कला है। कला के ऐसे कार्यों का दायरा बेहद व्यापक था - उपहार कार्ड और पत्रों से लेकर हेयर स्टाइल और हैंडबैग तक। वर्तमान में, मिज़ुहिकी का उपहार उद्योग में अत्यधिक व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है - जीवन में प्रत्येक घटना के लिए, एक उपहार को एक बहुत ही विशिष्ट तरीके से लपेटा और बांधा जाना चाहिए। मिज़ुहिकी की कला में बहुत सारी गांठें और रचनाएँ हैं, और हर जापानी उन सभी को दिल से नहीं जानता है। बेशक, सबसे आम और सरल गांठें हैं जिनका सबसे अधिक उपयोग किया जाता है: बच्चे के जन्म पर बधाई के लिए, शादी या स्मरणोत्सव के लिए, जन्मदिन या विश्वविद्यालय में प्रवेश के लिए।

- कुमिहिमो.
कुमिहिमो एक जापानी ब्रेडेड कॉर्ड है। धागे बुनते समय रिबन और फीते प्राप्त होते हैं। ये फीते विशेष मशीनों - मरुदाई और ताकादाई - पर बुने जाते हैं। मारुदाई मशीन का उपयोग गोल फीते बुनने के लिए किया जाता है, और ताकादाई का उपयोग सपाट फीते बुनने के लिए किया जाता है। जापानी में कुमिहिमो का अर्थ है "रस्सी बुनना" (कुमी - बुनाई, एक साथ मोड़ना, हीमो - रस्सी, फीता)। इस तथ्य के बावजूद कि इतिहासकार इस बात पर अड़े हुए हैं कि समान बुनाई स्कैंडिनेवियाई और एंडीज़ के निवासियों के बीच पाई जा सकती है, कुमिहिमो की जापानी कला वास्तव में बुनाई के सबसे प्राचीन प्रकारों में से एक है। इसका पहला उल्लेख 550 में मिलता है, जब बौद्ध धर्म पूरे जापान में फैल गया था और विशेष समारोहों के लिए विशेष सजावट की आवश्यकता होती थी। बाद में, कुमिहिमो लेस का उपयोग महिलाओं के किमोनो पर ओबी बेल्ट के लिए फिक्सर के रूप में, हथियारों के पूरे समुराई शस्त्रागार को "पैकिंग" करने के लिए रस्सियों के रूप में किया जाने लगा (समुराई ने अपने कवच और घोड़े के कवच को बांधने के लिए सजावटी और कार्यात्मक उद्देश्यों के लिए कुमिहिमो का उपयोग किया) और भारी वस्तुओं को बांधने के लिए भी.
आधुनिक कुमिहिमो के विभिन्न प्रकार के पैटर्न घर में बने कार्डबोर्ड करघों पर बहुत आसानी से बुने जाते हैं।

-कोमोनो.
अपना समय पूरा करने के बाद किमोनो का क्या अवशेष बचता है? क्या आपको लगता है कि इसे फेंक दिया जा रहा है? ऐसा कुछ नहीं! जापानी ऐसा कभी नहीं करेंगे. किमोनो महंगे हैं. इसे ऐसे ही फेंक देना अकल्पनीय और असंभव है... अन्य प्रकार के किमोनो रीसाइक्लिंग के साथ, शिल्पकारों ने छोटे टुकड़ों से छोटे स्मृति चिन्ह बनाए। ये बच्चों के लिए छोटे खिलौने, गुड़िया, ब्रोच, माला, महिलाओं के गहने और अन्य उत्पाद हैं, पुराने किमोनो का उपयोग छोटी प्यारी चीजों के निर्माण में किया जाता है, जिन्हें सामूहिक रूप से "कोमोनो" कहा जाता है। किमोनो के मार्ग को जारी रखते हुए, छोटी-छोटी चीज़ें जो अपना स्वयं का जीवन लेंगी। "कोमोनो" शब्द का यही अर्थ है।

- कन्ज़ाशी।
हेयर क्लिप को सजाने की कला (अक्सर कपड़े (मुख्य रूप से रेशम) से बने फूलों (तितलियों, आदि) से सजाया जाता है)। जापानी कन्ज़ाशी (कन्ज़ाशी) एक पारंपरिक जापानी महिला केश के लिए एक लंबा हेयरपिन है। वे लकड़ी, लाह, से बने होते थे। पारंपरिक चीनी और जापानी हेयर स्टाइल में चांदी, कछुए के खोल का उपयोग किया जाता है। लगभग 400 साल पहले, जापान में, महिलाओं के हेयर स्टाइल की शैली बदल गई: महिलाओं ने अपने बालों को पारंपरिक रूप - तारेगामी (लंबे सीधे बाल) में कंघी करना बंद कर दिया और इसे जटिल तरीके से स्टाइल करना शुरू कर दिया। और विचित्र रूप - निहोंगामी। विभिन्न वस्तुओं का उपयोग किया गया - हेयरपिन, छड़ें, कंघी। यह तब था जब एक साधारण कुशी कंघी-कंघी भी असाधारण सुंदरता के एक सुरुचिपूर्ण सहायक में बदल जाती है, जो कला का एक वास्तविक काम बन जाती है। जापानी महिलाओं की पारंपरिक पोशाक नहीं थी कलाई के गहने और हार की अनुमति दें, इसलिए हेयर स्टाइल थे मुख्य सौंदर्यऔर आत्म-अभिव्यक्ति के लिए एक क्षेत्र - साथ ही मालिक के बटुए के स्वाद और मोटाई का प्रदर्शन। उत्कीर्णन पर आप देख सकते हैं - यदि आप बारीकी से देखें - कैसे जापानी महिलाएं आसानी से अपने हेयर स्टाइल में बीस महंगी कन्ज़ाशी तक लटका लेती हैं।
अब युवा जापानी महिलाओं के बीच कन्ज़ाशी का उपयोग करने की परंपरा में पुनरुत्थान हो रहा है जो अपने हेयर स्टाइल में परिष्कार और लालित्य जोड़ना चाहते हैं, आधुनिक बैरेट को केवल एक या दो सुंदर हस्तनिर्मित फूलों से सजाया जा सकता है।

- किनुसिगा।
जापान से एक अद्भुत प्रकार की सुईवर्क। किनुसिगा (絹彩画) बैटिक और पैचवर्क का मिश्रण है। मुख्य विचार यह है कि नए चित्रों को पुराने रेशम किमोनो से टुकड़े-टुकड़े करके एकत्र किया जाता है - सच्चे कार्यकला।
सबसे पहले, कलाकार कागज पर एक रेखाचित्र बनाता है। फिर इस ड्राइंग को एक लकड़ी के बोर्ड में स्थानांतरित कर दिया जाता है। पैटर्न के समोच्च को खांचे, या खांचे के साथ काटा जाता है, और फिर रंग और टोन से मेल खाने वाले छोटे टुकड़े, पुराने रेशम किमोनो से काटे जाते हैं, और इन टुकड़ों के किनारे खांचे को भर देते हैं। जब आप ऐसी तस्वीर देखते हैं, तो आपको ऐसा लगता है कि आप कोई तस्वीर देख रहे हैं, या यहां तक ​​कि खिड़की के बाहर का परिदृश्य भी देख रहे हैं, वे बहुत यथार्थवादी हैं।

- टेमारी.
ये सरल टांके से बनी पारंपरिक जापानी ज्यामितीय कढ़ाई वाली गेंदें हैं जो कभी बच्चों का खिलौना थीं और अब न केवल जापान में बल्कि दुनिया भर में कई प्रशंसकों के साथ एक कला बन गई हैं। ऐसा माना जाता है कि बहुत समय पहले ये उत्पाद समुराई पत्नियों द्वारा मनोरंजन के लिए बनाए गए थे। शुरुआत में, उन्हें वास्तव में गेंद के खेल के लिए गेंद के रूप में उपयोग किया जाता था, लेकिन धीरे-धीरे उन्होंने कलात्मक तत्वों को प्राप्त करना शुरू कर दिया, बाद में सजावटी आभूषणों में बदल गए। इन गेंदों की नाजुक सुंदरता पूरे जापान में जानी जाती है। और आज, रंगीन, सावधानी से तैयार किए गए उत्पाद जापान में लोक शिल्प के प्रकारों में से एक हैं।

- युबिनुकी।
जापानी थम्बल्स, जब हाथ से सिलाई या कढ़ाई की जाती है, तो उन्हें काम करने वाले हाथ की मध्य उंगली के मध्य भाग पर रखा जाता है, उंगलियों की मदद से सुई को वांछित दिशा दी जाती है, और सुई को बीच की अंगूठी के माध्यम से धकेला जाता है काम में उंगली. प्रारंभ में, जापानी युबिनुकी थिम्बल्स काफी सरलता से बनाए जाते थे - कई परतों में लगभग 1 सेमी चौड़ी घने कपड़े या चमड़े की एक पट्टी को उंगली के चारों ओर कसकर लपेटा जाता था और कुछ साधारण सजावटी टांके के साथ एक साथ बांधा जाता था। चूँकि युबिनुकी हर घर में एक आवश्यक वस्तु थी, इसलिए उन्हें रेशम के धागों के साथ ज्यामितीय कढ़ाई से सजाया जाने लगा। टांके के आपस में जुड़ने से, रंगीन और जटिल पैटर्न. एक साधारण घरेलू वस्तु से युबिनुकी भी रोजमर्रा की जिंदगी की सजावट, "प्रशंसा" की वस्तु में बदल गई है।
यूबिनुकी का उपयोग अभी भी सिलाई और कढ़ाई में किया जाता है, लेकिन इन्हें सजावटी अंगूठियों की तरह हाथों में किसी भी उंगली पर पहना जा सकता है। यूबिनुकी-शैली की कढ़ाई का उपयोग विभिन्न वस्तुओं को अंगूठी के रूप में सजाने के लिए किया जाता है - नैपकिन के छल्ले, कंगन, टेमरी स्टैंड, यूबिनुकी कढ़ाई से सजाए गए, और उसी शैली में कढ़ाई वाले सुई बेड भी हैं। युबिनुकी पैटर्न टेमारी ओबी कढ़ाई के लिए एक महान प्रेरणा हो सकते हैं।

- सुइबोकुगा या सुमी।
जापानी स्याही पेंटिंग. यह चीनी शैलीपेंटिंग को जापानी कलाकारों द्वारा 14वीं शताब्दी में और 15वीं शताब्दी के अंत तक उधार लिया गया था। जापान में चित्रकला की मुख्य धारा बन गई। सुइबोकुगा मोनोक्रोम है। इसकी विशेषता काली स्याही (सुमी) का उपयोग है, जो एक ठोस रूप है लकड़ी का कोयलाया चीनी स्याही की कालिख से बनाया जाता है, जिसे स्याही के बर्तन में पीसकर पानी से पतला किया जाता है और ब्रश से कागज या रेशम पर लगाया जाता है। मोनोक्रोम मास्टर को टोनल विकल्पों का एक अंतहीन विकल्प प्रदान करता है, जिसे चीनी बहुत पहले ही स्याही के "रंगों" के रूप में पहचानते थे। सुइबोकुगा कभी-कभी वास्तविक रंगों के उपयोग की अनुमति देता है, लेकिन इसे पतले, पारदर्शी स्ट्रोक तक सीमित रखता है जो हमेशा स्याही की रेखा के अधीन रहते हैं। स्याही पेंटिंग सुलेख की कला के साथ सख्ती से नियंत्रित अभिव्यक्ति और रूप की तकनीकी महारत जैसी आवश्यक विशेषताओं को साझा करती है। सुलेख की तरह, स्याही पेंटिंग की गुणवत्ता स्याही में खींची गई रेखा की अखंडता और टूटने के प्रतिरोध पर निर्भर करती है, जो कला के काम को अपने ऊपर रखती है, जैसे हड्डियाँ ऊतकों को अपने ऊपर रखती हैं।

- एटेगामी।
तैयार किए गए पोस्टकार्ड (ई-चित्र, टैग-पत्र)। जापान में स्वयं करें पोस्टकार्ड बनाना आम तौर पर एक बहुत लोकप्रिय गतिविधि है, और छुट्टियों से पहले इसकी लोकप्रियता और भी अधिक बढ़ जाती है। जापानी अपने दोस्तों को पोस्टकार्ड भेजना पसंद करते हैं और उन्हें प्राप्त करना भी पसंद करते हैं। यह विशेष रिक्त स्थानों पर एक प्रकार का त्वरित पत्र है, इसे बिना लिफाफे के डाक द्वारा भेजा जा सकता है। एटेगामी में नहीं विशेष नियमया एक तकनीशियन, यह विशेष प्रशिक्षण के बिना कोई भी व्यक्ति हो सकता है। एटागामी मूड, इंप्रेशन को सटीक रूप से व्यक्त करने में मदद करता है, यह एक हस्तनिर्मित पोस्टकार्ड है जिसमें एक तस्वीर और एक छोटा पत्र होता है, जो प्रेषक की भावनाओं, जैसे गर्मजोशी, जुनून, देखभाल, प्यार आदि को व्यक्त करता है। वे इन पोस्टकार्डों को छुट्टियों के लिए भेजते हैं और ऐसे ही मौसम, गतिविधियों, सब्जियों और फलों, लोगों और जानवरों का चित्रण करते हैं। यह तस्वीर जितनी सरलता से बनाई गई है, उतनी ही दिलचस्प लगती है।

- फ़ुरोशिकी।
जापानी रैपिंग तकनीक या कपड़ा मोड़ने की कला। फुरोशिकी ने लंबे समय तक जापानियों के जीवन में प्रवेश किया। कामाकुरा-मुरोमाची काल (1185 - 1573) के प्राचीन स्क्रॉल संरक्षित किए गए हैं, जिनमें सिर पर कपड़े के बंडल लपेटे हुए महिलाओं की छवियां हैं। इस दिलचस्प तकनीक की उत्पत्ति जापान में 710 - 794 ईस्वी में हुई थी। शब्द "फुरोशिकी" का शाब्दिक अर्थ है "स्नान गलीचा" और यह कपड़े का एक चौकोर टुकड़ा है जिसका उपयोग सभी आकार और साइज़ की वस्तुओं को लपेटने और ले जाने के लिए किया जाता था।
पुराने दिनों में, हल्के सूती किमोनो में जापानी स्नानघर (फ़्यूरो) में चलने की प्रथा थी, जिसे आगंतुक घर से अपने साथ लाते थे। स्नान करने वाला एक विशेष गलीचा (शिकी) भी लाया जिस पर वह कपड़े उतारते समय खड़ा था। "स्नान" किमोनो में परिवर्तित होने के बाद, आगंतुक ने अपने कपड़े गलीचे में लपेटे, और स्नान के बाद गीले किमोनो को घर लाने के लिए गलीचे में लपेटा। इस प्रकार, स्नान चटाई एक बहुक्रियाशील बैग बन गई है।
फ़रोशिकी का उपयोग करना बहुत आसान है: कपड़ा उस वस्तु का आकार ले लेता है जिसे आप लपेटते हैं, और हैंडल से भार उठाना आसान हो जाता है। इसके अलावा, कठोर कागज में नहीं, बल्कि नरम, बहुस्तरीय कपड़े में लपेटा हुआ उपहार एक विशेष अभिव्यक्ति प्राप्त करता है। किसी भी अवसर, रोजमर्रा या उत्सव के लिए फ़ुरोशिकी को मोड़ने की कई योजनाएँ हैं।

- अमिगुरुमी।
छोटे भरवां जानवरों और मानव सदृश प्राणियों को बुनने या क्रोशिया से बुनने की जापानी कला। अमिगुरुमी (編み包み, शाब्दिक रूप से: "बुना हुआ-लिपटे") अक्सर प्यारे जानवर होते हैं (जैसे भालू, खरगोश, बिल्ली, कुत्ते, आदि), छोटे आदमी, लेकिन वे मानवीय गुणों से संपन्न निर्जीव वस्तुएं भी हो सकते हैं। उदाहरण के लिए, कपकेक, टोपी, हैंडबैग और अन्य। अमिगुरुमी बुना हुआ या बुना हुआ या क्रोकेटेड है। हाल ही में, क्रोकेट अमिगुरुमी अधिक लोकप्रिय और आम हो गए हैं।
एक साधारण बुनाई विधि में सूत से बुना हुआ - एक सर्पिल में और, यूरोपीय बुनाई विधि के विपरीत, वृत्त आमतौर पर जुड़े नहीं होते हैं। उन्हें सूत की मोटाई के सापेक्ष छोटे आकार में भी बुना जाता है ताकि भराई बाहर आने के लिए बिना किसी अंतराल के बहुत घना कपड़ा बनाया जा सके। अमिगुरुमी को अक्सर भागों से बनाया जाता है और फिर एक साथ रखा जाता है, कुछ अमिगुरुमी को छोड़कर, जिनमें अंग नहीं होते हैं, बल्कि केवल सिर और धड़ होते हैं, जो एक पूरे होते हैं। कभी-कभी अंगों को जीवंत वजन देने के लिए उन्हें प्लास्टिक के टुकड़ों से भर दिया जाता है, जबकि शरीर के बाकी हिस्से को फाइबरफिल से भर दिया जाता है।
अमिगुरुमी सौंदर्यशास्त्र का प्रसार उनकी सुन्दरता ("कवई") से होता है।

उन्होंने ताइस काल (1912-26) और प्रारंभिक शोवा के दौरान अपनी पेंटिंग बनाईं। उनका जन्म 1891 में हुआ था
वर्ष टोक्यो में, पत्रकार किशिदा गिन्को के पुत्र थे। 1908 में उन्होंने 20 साल की उम्र में स्कूल से स्नातक की उपाधि प्राप्त की
15 साल की उम्र में वह ईसाई बन गए और खुद को चर्च की गतिविधियों के लिए समर्पित कर दिया, फिर किशिदा
रयूसेई ने हकुबाकाई स्टूडियो में पश्चिमी कला शैलियों का अध्ययन किया
सेकी कुरोदा (1866-1924), जो जापान में कला अकादमी के संस्थापकों में से एक थे।
पहले से ही 1910 में, युवा कलाकार ने वार्षिक समारोह में अपना काम प्रदर्शित करना शुरू कर दिया था
बैंटन राज्य प्रदर्शनी। उनके प्रारंभिक कार्य, विशेषकर परिदृश्य, चित्रित थे
अपने शिक्षक कुरोदा सेकी की शैली से काफी प्रभावित और प्रतिध्वनित होते हैं।

रीको पोर्ट्रेट

बाद में, कलाकार मुसानोका सानेत्सु (मुशानोकोजी सानेत्सु) से मिले और उनसे दोस्ती कर ली।
जिन्होंने कलाकार को सिराकाबा (व्हाइट बर्च) समाज से परिचित कराया और उसे यूरोपीय लोगों से परिचित कराया
फ़ौविज़्म और क्यूबिज़्म। एक कलाकार के रूप में किशिदा रयूसेई का गठन सबसे पहले हुआ
बीसवीं सदी का दशक, जब कई जापानी युवा कलाकार पढ़ाई के लिए चले गए
विदेश में पेंटिंग, मुख्य रूप से पेरिस में। किशिदा रयूसेई कभी यूरोप नहीं गईं
उन्होंने यूरोपीय गुरुओं के साथ अध्ययन नहीं किया, लेकिन उन पर यूरोपीय उत्तर-प्रभाववाद का प्रभाव था
बहुत बड़ा था, विशेषकर वान गाग और सीज़ेन का काम। 1911 के अंत से आरंभ तक
1912 वह समकालीन फ्रांसीसी कलाकारों के काम से प्रेरित थे, जिनके काम से
उनकी मुलाकात शिराकाबा पत्रिका और सचित्र पुस्तकों के माध्यम से हुई। उनका प्रारंभिक कार्य स्पष्ट है
हेनरी मैटिस और फाउविस्ट के प्रभाव में बनाया गया।

टोपी के साथ स्व-चित्र, 1912
शैली: फ़ौविज़्म

1912 में, इक्कीस साल की उम्र में, किशिदा रयूसेई ने डेब्यू किया
पेशेवर कलाकार, उनकी पहली एकल प्रदर्शनी हुई
रोकांडो आर्ट गैलरी। उसी वर्ष, कलाकार ने अपना आयोजन किया
फ़िज़ांकाई आर्ट सर्कल का अध्ययन और प्रचार करना
प्रभाववाद के बाद।

दक्षिण मंचूरियन रेलवे कंपनी के अध्यक्ष का उद्यान 1929

के कारण सर्कल जल्द ही भंग हो गया आंतरिक संघर्षदो प्रदर्शनियों के बाद.
लगभग 1914 से, कलाकार ने अपनी प्रारंभिक शैली फ़ौविज़्म को त्याग दिया। 1915 में
वर्ष, किशिदा रीसाई ने शोडोसा समूह बनाया, जिसमें उनका मुख्य साथी, छात्र था
और कलाकार मिचिसाई कोनो अनुयायी थे।

1917 की गर्मियों की शुरुआत में पथ
शैली: योग-का

उस समय से, उन्होंने जापानी भाषा में एक महान गुरु की अपनी अनूठी शैली विकसित की है
भाषा में इसे "शाजित्सु" या "शासी" कहा जाता है, आमतौर पर रूसी में इसका अनुवाद यथार्थवाद के रूप में किया जाता है।
कलाकार रूपों को सरल बनाता है, एक अनोखा रंग खोजता है, यह सब कला से आता है
सीज़ेन। हालाँकि किशिदा रीसाई ने फ्रांस की कला की बहुत सराहना की, लेकिन बाद के काल में उन्होंने
प्राच्य कला को पश्चिमी कला से कहीं बेहतर माना जाता है।

एक पहाड़ी के माध्यम से सड़क का कट, 1915
शैली: योग-का

बर्नार्ड लीच का पोर्ट्रेट, 1913
शैली: फ़ौविज़्म

स्व-चित्र, 1915,
शैली: योग-का

स्व-चित्र, 1913,
शैली: योग-का

स्व-चित्र, 1917,
शैली: योग-का

एक आदमी का चित्र
शैली: योग-का

1917 के आसपास शुरुआत करते हुए, कलाकार कानागावा क्षेत्र में कुगेनुमा फुजिसावा चले गए। उसने प्रारम्भ किया
जैसे उत्तरी यूरोपीय पुनर्जागरण कलाकारों की शैलियों और तकनीकों का अध्ययन करें
ड्यूरर और वैन डाइक। इस अवधि के दौरान उन्होंने रेइको की बेटी की पेंटिंग्स की अपनी प्रसिद्ध श्रृंखला बनाई,
जो लगभग फोटोग्राफिक यथार्थवाद को अतियथार्थवाद के साथ जोड़ता है
सजावटी तत्व. 1920 के दशक की शुरुआत में, किशिदा रयूसेई ने इसमें रुचि ली
प्राच्य कला के तत्व, विशेष रूप से, चीनी पेंटिंग "गाने" और
"युआन वंश"।

"सनदा हिसाकिची का चित्र"

1923 में महान कांटो भूकंप के दौरान, कलाकार का घर कुगेनम में था
नष्ट हो जाने के बाद, किशिदा रयूसेई थोड़े समय के लिए क्योटो चली गईं, जिसके बाद फरवरी में
1926 कामाकुरा में रहने के लिए लौट आये। 1920 के दशक में, कलाकार ने असंख्य पेंटिंग बनाईं
जापानी चित्रकला के सौंदर्यशास्त्र और इतिहास पर लेख।

चाय का कप चाय का कटोरा और तीन हरे सेब, 1917
शैली: सेज़ानिज्म

स्थिर जीवन, 1918,
शैली: सेज़ानिज्म

दो लाल सेब, चाय का कप, चाय का कटोरा और एक बोतल, 1918
शैली: सेज़ानिज्म

1929 में, दक्षिण मंचूरियन रेलवे की सहायता से, किशिदा रयूसेई ने बनाया
मेरे जीवन की एकमात्र विदेश यात्रा, डालियान, हार्बिन और फेंगटियन का दौरा
मंचूरिया में. घर वापस जाते समय, वह टोकुयामा जिले के शहर में रुके
यामागुची, जहां शरीर की तीव्र आत्म-विषाक्तता से अचानक उनकी मृत्यु हो गई। किशिदा रयूसी
की उम्र में अपनी प्रारंभिक मृत्यु तक उनके चित्र, परिदृश्य और स्थिर जीवन बनाए
38 वर्ष. कलाकार की कब्र टोक्यो में तमा रीएन कब्रिस्तान में स्थित है। मौत के बाद
किशिदा रयूसेई ने अपनी दो पेंटिंगों में जापानी सरकार की सांस्कृतिक मामलों की एजेंसी को शामिल किया है
"राष्ट्रीय" की उपाधि से सम्मानित किया गया सांस्कृतिक मूल्य". दिसंबर 2000 में, एक
उनकी बेटी रेइको का कंधे पर रूमाल वाला चित्र 360 मिलियन येन में बिका, जो
जापानी पेंटिंग की नीलामी में यह सबसे ऊंची कीमत बन गई।

विशाल क्षेत्र, जिसे परंपरागत रूप से सुदूर पूर्व कहा जाता है, में चीन, जापान, कोरिया, मंगोलिया और तिब्बत शामिल हैं - ऐसे देश जिनमें कई समानताएं हैं, लेकिन साथ ही संस्कृति में महत्वपूर्ण अंतर भी हैं।

सुदूर पूर्व के सभी देश चीन और भारत की प्राचीन सभ्यताओं से प्रभावित थे, जहाँ पहली सहस्राब्दी ईसा पूर्व में दार्शनिक और धार्मिक शिक्षाएँ उत्पन्न हुईं, जिन्होंने एक व्यापक ब्रह्मांड के रूप में प्रकृति की अवधारणा की नींव रखी - एक जीवित और आध्यात्मिक वह जीव जो अपने नियमों के अनुसार जीवन जीता है। संपूर्ण मध्ययुगीन काल की दार्शनिक और कलात्मक खोजों के केंद्र में प्रकृति थी और इसके नियमों को सार्वभौमिक माना जाता था, जो लोगों के जीवन और रिश्तों को निर्धारित करते थे। मनुष्य की आंतरिक दुनिया की तुलना प्रकृति की विविध अभिव्यक्तियों से की गई। इसने दृश्य कलाओं में प्रतीकात्मक पद्धति के विकास को प्रभावित किया, जिससे इसकी रूपक काव्यात्मक भाषा परिभाषित हुई। चीन, जापान और कोरिया में, प्रकृति के प्रति इस दृष्टिकोण के प्रभाव में, कला के प्रकार और शैलियों का निर्माण हुआ, आसपास के परिदृश्य से निकटता से संबंधित वास्तुशिल्प पहनावा बनाया गया, उद्यान कलाऔर, अंततः, भूदृश्य चित्रकला का उदय हुआ। प्राचीन भारतीय सभ्यता के प्रभाव में बौद्ध धर्म का प्रसार होने लगा और हिंदू धर्म भी मंगोलिया और तिब्बत में फैलने लगा। ये धार्मिक प्रणालियाँ न केवल सुदूर पूर्व के देशों में नए विचार लेकर आईं, बल्कि कला के विकास पर भी इसका सीधा प्रभाव पड़ा। बौद्ध धर्म के लिए धन्यवाद, मूर्तिकला और चित्रकला की एक पहले से अज्ञात नई कलात्मक भाषा क्षेत्र के सभी देशों में दिखाई दी, पहनावा बनाया गया, जिसकी विशिष्ट विशेषता वास्तुकला और ललित कला की बातचीत थी।

मूर्तिकला और चित्रकला में बौद्ध देवताओं की छवि की विशेषताएं कई शताब्दियों में एक विशेष प्रतीकात्मक भाषा के रूप में विकसित हुईं, जिसने ब्रह्मांड, नैतिक कानूनों और मनुष्य की नियति के बारे में विचार व्यक्त किए। इस प्रकार, कई लोगों के सांस्कृतिक अनुभव और आध्यात्मिक परंपराओं को समेकित और संरक्षित किया गया। बौद्ध कला की छवियों ने अच्छे और बुरे, दया, प्रेम और आशा के बीच टकराव के विचारों को मूर्त रूप दिया। इन सभी गुणों ने सुदूर पूर्वी कलात्मक संस्कृति की उत्कृष्ट कृतियों की मौलिकता और सार्वभौमिक महत्व को निर्धारित किया।

जापान प्रशांत महासागर के द्वीपों पर स्थित है, जो एशियाई मुख्य भूमि के पूर्वी तट के साथ उत्तर से दक्षिण तक फैला हुआ है। जापानी द्वीपऐसे क्षेत्र में स्थित है जहां बार-बार भूकंप और तूफान आते रहते हैं। द्वीपों के निवासी लगातार सतर्क रहने, संयमित जीवन से संतुष्ट रहने, प्राकृतिक आपदाओं के बाद अपने घरों और घरों को जल्दी से बहाल करने के आदी हैं। प्राकृतिक तत्वों के बावजूद जो लगातार लोगों की भलाई के लिए खतरा पैदा करते हैं, जापानी संस्कृति बाहरी दुनिया के साथ सद्भाव की इच्छा, बड़े और छोटे में प्रकृति की सुंदरता को देखने की क्षमता को दर्शाती है।

जापानी पौराणिक कथाओं में, दिव्य जीवनसाथी, इज़ानागी और इज़ानामी, को दुनिया में हर चीज़ का पूर्वज माना जाता था। उनसे महान देवताओं की एक त्रयी उत्पन्न हुई: अमेतरासु - सूर्य की देवी, त्सुकिओमी - चंद्रमा की देवी और सुसानू - तूफान और हवा के देवता। प्राचीन जापानियों के विचारों के अनुसार, देवताओं का कोई दृश्य स्वरूप नहीं था, बल्कि वे प्रकृति में ही अवतरित थे - न केवल सूर्य और चंद्रमा में, बल्कि पहाड़ों और चट्टानों, नदियों और झरनों, पेड़ों और घासों में भी, जो आत्माओं-कामी के रूप में पूजनीय थे (जापानी से अनुवाद में स्लोवाक का अर्थ दिव्य हवा है)। प्रकृति का यह देवीकरण मध्य युग की संपूर्ण अवधि में कायम रहा और इसे शिंटो कहा गया - देवताओं का मार्ग, जो जापानी राष्ट्रीय धर्म बन गया; यूरोपीय लोग इसे शिंटो कहते हैं। जापानी संस्कृति की उत्पत्ति प्राचीनता में निहित है। कला की सबसे प्रारंभिक कृतियाँ चौथी...दूसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व की हैं। जापानी कला के लिए सबसे लंबा और सबसे उपयोगी काल मध्य युग (6...19वीं शताब्दी) का था।

पारंपरिक जापानी घर का डिज़ाइन 17वीं-18वीं शताब्दी में विकसित हुआ। यह एक लकड़ी का फ्रेम है जिसमें तीन चल दीवारें और एक स्थिर है। दीवारें समर्थन का कार्य नहीं करती हैं, इसलिए उन्हें अलग किया जा सकता है या हटाया भी जा सकता है, साथ ही वे एक खिड़की के रूप में भी काम करती हैं। गर्म मौसम में, दीवारें एक जालीदार संरचना होती थीं, जिन्हें पारभासी कागज से चिपकाया जाता था, जिससे रोशनी आती थी, और ठंड और बरसात के मौसम में उन्हें ढक दिया जाता था या लकड़ी के पैनल से बदल दिया जाता था। जापानी जलवायु में उच्च आर्द्रता के साथ, घर को नीचे से हवादार होना चाहिए। इसलिए, इसे जमीनी स्तर से 60 सेमी ऊपर उठाया जाता है। समर्थन स्तंभों को क्षय से बचाने के लिए, उन्हें पत्थर की नींव पर स्थापित किया गया था।

हल्के लकड़ी के फ्रेम में आवश्यक लचीलापन था, जिससे देश में बार-बार आने वाले भूकंपों के दौरान धक्का की विनाशकारी शक्ति कम हो गई। छत, टाइल वाली या ईख की, बड़ी छतरियाँ थीं जो घर की कागज़ की दीवारों को बारिश और चिलचिलाती गर्मियों की धूप से बचाती थीं, लेकिन सर्दियों, शुरुआती वसंत और देर से शरद ऋतु में कम धूप को नहीं रोकती थीं। छत की छाँव के नीचे एक बरामदा था।

लिविंग रूम का फर्श चटाई-ताटामी चटाई से ढका हुआ था, जिस पर वे ज्यादातर बैठते थे, खड़े नहीं होते थे। इसलिए, घर का सारा अनुपात एक बैठे हुए व्यक्ति पर केंद्रित था। चूँकि घर में कोई स्थायी फर्नीचर नहीं था, वे फर्श पर, विशेष मोटे गद्दों पर सोते थे, जिन्हें दिन के दौरान अलमारियों में रख दिया जाता था। उन्होंने चटाई पर, नीची मेजों पर बैठकर खाना खाया, उन्होंने खाना भी परोसा विभिन्न व्यवसाय. कागज या रेशम से ढके हुए आंतरिक विभाजन, जरूरतों के आधार पर आंतरिक परिसर को विभाजित कर सकते हैं, जिससे इसे और अधिक विविध रूप से उपयोग करना संभव हो जाता है, हालांकि, इसके प्रत्येक निवासी के लिए घर के अंदर पूरी तरह से सेवानिवृत्त होना असंभव था, जो इंट्रा को प्रभावित करता था। -जापानी परिवार में पारिवारिक संबंध, और अधिक सामान्य अर्थ में - जापानियों के राष्ट्रीय चरित्र की विशेषताओं पर। महत्वपूर्ण विवरणघर पर - एक निश्चित दीवार के पास स्थित एक जगह - टोकोनामा, जहां एक तस्वीर लटकाई जा सकती है या फूलों की एक रचना - इकेबाना खड़ी हो सकती है। यह घर का आध्यात्मिक केंद्र था। आला की सजावट में, घर के निवासियों के व्यक्तिगत गुण, उनके स्वाद और कलात्मक झुकाव प्रकट हुए।

पारंपरिक जापानी घर की निरंतरता एक बगीचा थी। उन्होंने एक बाड़ की भूमिका निभाई और साथ ही साथ घर को भी जोड़ा पर्यावरण. जब घर की बाहरी दीवारें अलग हो गईं, तो घर के आंतरिक स्थान और बगीचे के बीच की सीमा गायब हो गई और प्रकृति से निकटता, उसके साथ सीधे संचार की भावना पैदा हुई। वह था महत्वपूर्ण विशेषताराष्ट्रीय भावना. हालाँकि, जापानी शहरों का विकास हुआ, बगीचे का आकार कम हो गया, अक्सर इसकी जगह फूलों और पौधों की एक छोटी प्रतीकात्मक संरचना ने ले ली, जो आवास और प्राकृतिक दुनिया के बीच संपर्क की समान भूमिका निभाती थी। जापानी पौराणिक घर इकेबाना नेत्सुके

फूलदानों में फूलों को व्यवस्थित करने की कला - इकेबना (फूलों का जीवन) - किसी देवता की वेदी पर फूल रखने की प्राचीन परंपरा से चली आ रही है, जो 6ठी शताब्दी में बौद्ध धर्म के साथ जापान में फैल गई। सबसे अधिक बार, उस समय की शैली में रचना - रिक्का (लगाए गए फूल) - में पाइन या सरू की शाखा और प्राचीन कांस्य बर्तनों में स्थापित कमल, गुलाब, डैफोडील्स शामिल थे।

विकास के साथ धर्मनिरपेक्ष संस्कृति 10वीं...12वीं शताब्दी में, कुलीन वर्ग के प्रतिनिधियों के महलों और आवासीय क्वार्टरों में फूलों की व्यवस्था की गई थी। शाही दरबार में, गुलदस्ते व्यवस्थित करने की विशेष प्रतियोगिताएँ लोकप्रिय हो गईं। 15वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में, इकेबाना की कला में एक नई दिशा सामने आई, जिसके संस्थापक मास्टर इकेनोबो सेनेई थे। इकेनोबो स्कूल के कार्यों को उनकी विशेष सुंदरता और परिष्कार द्वारा प्रतिष्ठित किया गया था, उन्हें घर की वेदियों पर स्थापित किया गया था और उपहार के रूप में प्रस्तुत किया गया था। 16वीं शताब्दी में, चाय समारोहों के प्रसार के साथ, चाय मंडप में टोकोनोमा आला को सजाने के लिए एक विशेष प्रकार का इकेबाना बनाया गया था। सादगी, सद्भाव, संयमित रंगों की आवश्यकता, चाय पंथ की सभी वस्तुओं के लिए प्रस्तुत की गई, फूलों के डिजाइन तक विस्तारित - तैबाना (चाय समारोह के लिए इकेबाना)। प्रसिद्ध चाय मास्टर सेनो रिक्यू ने एक नई, अधिक स्वतंत्र शैली - नगेइरे (लापरवाही से लगाए गए फूल) बनाई, हालांकि इस शैली की छवियों की विशेष जटिलता और सुंदरता स्पष्ट अव्यवस्था में थी। नगेइरे के प्रकारों में से एक तथाकथित त्सुरिबाना था, जब पौधों को नाव के आकार में एक निलंबित बर्तन में रखा जाता था। ऐसी रचनाएँ उस व्यक्ति को पेश की गईं, जिसने कार्यालय संभाला या स्कूल से स्नातक किया, क्योंकि वे "जीवन के खुले समुद्र में जाने" का प्रतीक थे। 17वीं...19वीं शताब्दी में, इकेबाना की कला व्यापक हो गई, और लड़कियों को गुलदस्ते बनाने की कला में अनिवार्य प्रशिक्षण देने की प्रथा शुरू हुई। हालाँकि, इकेबाना की लोकप्रियता के कारण, रचनाओं को सरल बनाया गया, और स्टाइलरिक्का के सख्त नियमों को नगेइरे के पक्ष में छोड़ना पड़ा, जिससे सीका या शोका (जीवित फूल) की एक और नई शैली उभरी। 19वीं सदी के अंत में, मास्टर ओहारा उसिन ने मोरीबाना शैली बनाई, जिसका मुख्य नवाचार यह था कि फूलों को चौड़े बर्तनों में रखा जाता था।

इकेबाना की संरचना में, एक नियम के रूप में, तीन अनिवार्य तत्व हैं, जो तीन सिद्धांतों को दर्शाते हैं: स्वर्ग, पृथ्वी और मनुष्य। उन्हें फूल, शाखा और घास के रूप में मूर्त रूप दिया जा सकता है। उनका एक दूसरे से रिश्ता और अतिरिक्त तत्वविभिन्न शैली और सामग्री के कार्य बनाता है। कलाकार का कार्य न केवल एक सुंदर रचना बनाना है, बल्कि उसमें किसी व्यक्ति के जीवन और दुनिया में उसके स्थान के बारे में अपने विचारों को पूरी तरह से व्यक्त करना भी है। उत्कृष्ट इकेबाना गुरुओं के कार्य आशा और उदासी, आध्यात्मिक सद्भाव और उदासी व्यक्त कर सकते हैं।

इकेबाना में परंपरा के अनुसार, मौसम को आवश्यक रूप से पुन: पेश किया जाता है, और पौधों का संयोजन जापान में प्रसिद्ध प्रतीकात्मक शुभकामनाएं बनाता है: पाइन और गुलाब - दीर्घायु; चपरासी और बांस - समृद्धि और शांति; गुलदाउदी और आर्किड - खुशी; मैगनोलिया - आध्यात्मिक शुद्धता, आदि।

लघु मूर्तिकला - नेटसुक 18-19 शताब्दियों में कला और शिल्प के प्रकारों में से एक के रूप में व्यापक हो गया। इसकी उपस्थिति इस तथ्य के कारण है कि राष्ट्रीय जापानी पोशाक - किमोनो - में कोई जेब नहीं है और सभी आवश्यक छोटी वस्तुएं (पाइप, थैली, दवा बॉक्स) एक काउंटरवेट किचेन का उपयोग करके बेल्ट से जुड़ी हुई हैं। इसलिए, नेटसुक में आवश्यक रूप से फीते के लिए एक छेद होता है, जिसकी मदद से वांछित वस्तु को इससे जोड़ा जाता है। पहले छड़ियों और बटनों के रूप में कीरिंग्स का उपयोग किया जाता था, लेकिन 18वीं शताब्दी के अंत के बाद से, जाने-माने उस्तादों ने पहले से ही नेटसुक के निर्माण पर काम किया है, और कार्यों पर अपने हस्ताक्षर किए हैं।

नेटसुक शहरी वर्ग, जन और लोकतांत्रिक की कला है। नेटसुक के कथानकों के अनुसार, शहरवासियों की आध्यात्मिक आवश्यकताओं, रोजमर्रा की रुचियों, रीति-रिवाजों और रीति-रिवाजों का अंदाजा लगाया जा सकता है। वे आत्माओं और राक्षसों में विश्वास करते थे, जिन्हें अक्सर लघु मूर्तिकला में चित्रित किया जाता था। उन्हें "खुशी के सात देवताओं" की मूर्तियाँ बहुत पसंद थीं, जिनमें से सबसे लोकप्रिय धन के देवता डाइकोकू और खुशी के देवता फुकुरोकू थे। नेटसुक के निरंतर प्लॉट निम्नलिखित थे: एक फटा हुआ बैंगन जिसके अंदर कई बीज थे - एक बड़े नर संतान की इच्छा, दो बत्तख - एक प्रतीक पारिवारिक सुख. बड़ी संख्या में नेटसुक रोजमर्रा के विषयों और शहर के दैनिक जीवन के लिए समर्पित हैं। ये भटकते अभिनेता और जादूगर, सड़क पर सामान बेचने वाले, विभिन्न गतिविधियाँ करने वाली महिलाएँ, भटकते भिक्षु, पहलवान, यहाँ तक कि जापानियों के दृष्टिकोण से, उनके विदेशी परिधानों में डच भी हैं - चौड़ी किनारी वाली टोपियाँ, कैमिसोल और पतलून। विषयगत विविधता से प्रतिष्ठित, नेटसुक ने चाबी की अंगूठी के अपने मूल कार्य को बरकरार रखा, और इस उद्देश्य ने कारीगरों को नाजुक उभरे हुए विवरण के बिना एक कॉम्पैक्ट आकार दिया, गोल, स्पर्श के लिए सुखद। सामग्री की पसंद भी इसके साथ जुड़ी हुई है: बहुत भारी नहीं, टिकाऊ, एक टुकड़े से मिलकर। सबसे आम सामग्रियां विभिन्न प्रकार की लकड़ी, हाथी दांत, चीनी मिट्टी की चीज़ें, लाह और धातु थीं।

जापानी पेंटिंग न केवल सामग्री में, बल्कि रूप में भी बहुत विविध है: ये दीवार पेंटिंग, स्क्रीन पेंटिंग, लंबवत और क्षैतिज स्क्रॉल, रेशम और कागज, एल्बम शीट और प्रशंसकों पर निष्पादित हैं।

के बारे में प्राचीन चित्रकलाइसका निर्णय केवल लिखित दस्तावेज़ों के सन्दर्भों से ही किया जा सकता है। सबसे प्रारंभिक जीवित उत्कृष्ट कृतियाँ हीयान काल (794-1185) की हैं। ये लेखक मुरासाकी शिकिबू की प्रसिद्ध "द टेल ऑफ़ प्रिंस जेनजी" के चित्र हैं। चित्र कई क्षैतिज स्क्रॉल पर बनाए गए थे और पाठ के साथ पूरक थे। इनका श्रेय कलाकार फुजिवारा ताकायोशी (12वीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध) के ब्रश को दिया जाता है।

उस युग की संस्कृति की एक विशिष्ट विशेषता, जो कुलीन वर्ग के एक संकीर्ण दायरे द्वारा बनाई गई थी, सौंदर्य का पंथ था, भौतिक और आध्यात्मिक जीवन की सभी अभिव्यक्तियों में उनके अंतर्निहित आकर्षण को खोजने की इच्छा, कभी-कभी मायावी और मायावी। उस समय की पेंटिंग, जिसे बाद में यमातो-ए (शाब्दिक रूप से जापानी पेंटिंग) कहा गया, किसी क्रिया को नहीं, बल्कि मन की स्थिति को व्यक्त करती थी। जब सैन्य वर्ग के कठोर और साहसी प्रतिनिधि सत्ता में आए, तो हेन युग की संस्कृति का पतन शुरू हो गया। स्क्रॉल पर पेंटिंग में, कथा सिद्धांत स्थापित किया गया था: ये नाटकीय एपिसोड से भरे चमत्कारों के बारे में किंवदंतियां हैं, बौद्ध धर्म के प्रचारकों की जीवनी, योद्धाओं की लड़ाई के दृश्य हैं। 14-15 शताब्दियों में, ज़ेन संप्रदाय की शिक्षाओं के प्रभाव में, प्रकृति पर विशेष ध्यान देने के साथ, लैंडस्केप पेंटिंग का विकास शुरू हुआ (शुरुआत में चीनी मॉडल के प्रभाव में)।

डेढ़ सदी तक, जापानी कलाकारों ने चीनी कला प्रणाली में महारत हासिल की, जिससे मोनोक्रोम लैंडस्केप पेंटिंग राष्ट्रीय कला की संपत्ति बन गई। इसका उच्चतम पुष्पन उत्कृष्ट गुरु टोयो ओडा (1420...1506) के नाम से जुड़ा है, जिसे छद्म नाम सेशु के तहत बेहतर जाना जाता है। अपने परिदृश्यों में, केवल काली स्याही के बेहतरीन रंगों का उपयोग करते हुए, वह प्राकृतिक दुनिया की सभी बहुरंगीता और इसकी अनगिनत स्थितियों को प्रतिबिंबित करने में कामयाब रहे: शुरुआती वसंत का नमी-संतृप्त वातावरण, अदृश्य लेकिन महसूस की गई हवा और ठंडी शरद ऋतु की बारिश, गतिहीन सर्दी की शांति.

16वीं शताब्दी तथाकथित के युग की शुरुआत करती है देर से मध्य युगसाढ़े तीन शताब्दियों तक चलने वाला। इस समय, देश के शासकों और बड़े सामंतों के महलों को सजाने वाली दीवार पेंटिंग व्यापक हो गईं। चित्रकला में नई दिशा के संस्थापकों में से एक प्रसिद्ध मास्टर कानो ईटोकू थे, जो 16वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में रहते थे। लकड़ी की नक्काशी (जाइलोग्राफी), जो 18-19 शताब्दियों में फली-फूली, मध्य युग की एक अन्य प्रकार की ललित कला बन गई। उत्कीर्णन, शैली चित्रकला की तरह, उकियो-ए (रोजमर्रा की दुनिया की तस्वीरें) कहा जाता था। कलाकार के अलावा जिसने चित्र बनाया और तैयार शीट पर अपना नाम लिखा, उत्कीर्णन एक नक्काशीकर्ता और एक प्रिंटर द्वारा बनाया गया था। सबसे पहले, उत्कीर्णन मोनोफोनिक था, इसे कलाकार द्वारा स्वयं या खरीदार द्वारा हाथ से चित्रित किया गया था। फिर दो रंगों में छपाई का आविष्कार हुआ और 1765 में कलाकार सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) ने पहली बार बहुरंगी छपाई का इस्तेमाल किया। ऐसा करने के लिए, कार्वर ने एक विशेष रूप से तैयार अनुदैर्ध्य सॉन बोर्ड (नाशपाती, चेरी या जापानी बॉक्सवुड से) पर एक पैटर्न के साथ एक ट्रेसिंग पेपर रखा और उत्कीर्णन की रंग योजना के आधार पर, मुद्रित बोर्डों की आवश्यक संख्या को काट दिया। कभी-कभी इनकी संख्या 30 से भी अधिक होती थी। उसके बाद, प्रिंटर ने सही शेड्स का चयन करते हुए विशेष कागज पर प्रिंट बनाए। उनका कौशल विभिन्न लकड़ी के बोर्डों से प्राप्त प्रत्येक रंग की आकृति का सटीक मिलान प्राप्त करना था। सभी उत्कीर्णन को दो समूहों में विभाजित किया गया था: नाटकीय, जिसमें जापानी अभिनेताओं को दर्शाया गया था। शास्त्रीय रंगमंचविभिन्न भूमिकाओं और रोजमर्रा की जिंदगी में काबुकी, अपने जीवन से सुंदरियों और दृश्यों की छवि के लिए समर्पित हैं। नाट्य मुद्रण के सबसे प्रसिद्ध गुरु तोशुशाई सिराकु थे, जो क्लोज़ अपअभिनेताओं के चेहरों को चित्रित किया, उनके द्वारा निभाई गई भूमिका की विशेषताओं पर जोर दिया, चरित्र लक्षणएक व्यक्ति ने नाटक में एक पात्र के रूप में पुनर्जन्म लिया: क्रोध, भय, क्रूरता, छल।

सुजुकी हारुनोबू और कितागावा उटामारो जैसे उत्कृष्ट कलाकार रोजमर्रा की जिंदगी में उत्कीर्णन में प्रसिद्ध हो गए। उतामारो निर्माता थे महिला छवियाँसौंदर्य के राष्ट्रीय आदर्श को मूर्त रूप देना। ऐसा लगता है कि उनकी नायिकाएं एक पल के लिए स्थिर हो गई हैं और अब अपनी सहज सुंदर गति जारी रखेंगी। लेकिन यह विराम सबसे अभिव्यंजक क्षण होता है जब सिर का झुकाव, हाथ का इशारा, आकृति का छायाचित्र उन भावनाओं को व्यक्त करता है जिनमें वे रहते हैं।

सबसे प्रसिद्ध उत्कीर्णक प्रतिभाशाली कलाकार कात्सुशिका होकुसाई (1776-1849) थे। होकुसाई का काम जापान की सदियों पुरानी चित्रात्मक संस्कृति पर आधारित है। होकुसाई ने 30,000 से अधिक चित्र बनाए और लगभग 500 पुस्तकों का चित्रण किया। पहले से ही सत्तर साल की उम्र में, होकुसाई ने सबसे महत्वपूर्ण कार्यों में से एक बनाया - "फ़ूजी के 36 दृश्य" की एक श्रृंखला, जो उन्हें विश्व कला के सबसे उत्कृष्ट कलाकारों के बराबर रखने की अनुमति देती है। माउंट फ़ूजी - जापान का राष्ट्रीय प्रतीक - को विभिन्न स्थानों से दिखाते हुए, होकुसाई ने पहली बार मातृभूमि की छवि और लोगों की एकता की छवि को उजागर किया। कलाकार ने जीवन को उसकी सभी विविध अभिव्यक्तियों में एक ही प्रक्रिया के रूप में देखा, जिसमें एक व्यक्ति की साधारण भावनाओं से लेकर उसकी दैनिक गतिविधियाँ शामिल थीं। आसपास की प्रकृतिअपने तत्वों और सुंदरता के साथ. होकुसाई का काम, जिसने अपने लोगों की कला के सदियों पुराने अनुभव को समाहित किया, अंतिम शिखर है कलात्मक संस्कृतिमध्ययुगीन जापान, इसका उल्लेखनीय परिणाम।

जापान हमेशा अपनी प्राचीन परंपराओं के संरक्षण और पुनरुत्पादन के प्रति अपने सम्मानजनक रवैये से प्रतिष्ठित रहा है, और यह उल्लेखनीय विशेषता देश को बनाती है उगता सूरजएक अनोखी जगह जहां आधुनिक नवाचारों को आम जापानी लोगों के जीवन में सदियों पुरानी सांस्कृतिक परंपराओं के साथ सामंजस्यपूर्ण रूप से जोड़ा जाता है।

यदि आप पहले जापान गए हैं, तो इसमें कोई संदेह नहीं है कि आपने लाल और काले सूप के कटोरे, ट्रे, चॉपस्टिक और बहुत कुछ देखा होगा। रोगन की हुई वस्तुएँ(उनके निम्न-गुणवत्ता वाले समकक्ष हमारे देश में पाए जा सकते हैं)। लाह कला पारंपरिक जापानी शिल्पों में से एक है जिसकी उत्पत्ति प्राचीन काल में हुई थी - पहले उत्पाद जापान में जोमोन काल (14,000-300 ईसा पूर्व) में खोजे गए थे - और आज तक जीवित हैं। आधुनिक समय में, जापानी लैकरवेयर सक्रिय रूप से निर्यात किया गया और देश का एक प्रकार का "ब्रांड" बन गया - यह कोई संयोग नहीं है कि पश्चिमी दुनिया में "जापान" शब्द ने दूसरा अर्थ प्राप्त कर लिया - "वार्निश, लैकरवेयर, वार्निश लागू करें।"

जापानी वार्निश है कार्बनिक पदार्थउरुशी (漆) पेड़ के रस से बनाया जाता है, जिसे पेड़ को खरोंचकर निकाला जाता है। परिणामी वार्निश को भी कहा जाता है। ऐसा माना जाता है कि यह शब्द दो अन्य जापानी शब्दों से आया है: उरुवाशी (麗しい), जिसका अर्थ है "सुंदर, सुंदर", और उरुओसु (潤す), जिसका अर्थ है "नमी"। चित्रलिपि उरुशी, पेड़ों के अन्य नामों के विपरीत, जो कुंजी "पेड़" [木] (桜 - सकुरा, 梅 - बेर, 松 - पाइन, आदि) का उपयोग करके लिखी जाती है, कुंजी "पानी" [氵] है, जो इस बात पर जोर देता है कि इस पेड़ की कीमत इसमें मौजूद पानी यानी रस के कारण अधिक है। जापानी में, लैकरवेयर को शिक्की (漆器: 漆 "वार्निश, लैकर वुड" + 器 "टूल, एक्सेसरीज़") या नुरिमोनो (塗物:塗る "लागू करें, पेंट करें" + 物 "चीज़, ऑब्जेक्ट") कहा जाता है।

ठीक किया गया लाह एक सुरक्षात्मक कोटिंग बनाता है जो पानी को रोकता है और वस्तु को सड़ने से रोकता है, साथ ही इसे एसिड, क्षार, लवण और अल्कोहल के हमले के प्रति कम संवेदनशील बनाता है। लकड़ी (सबसे आम सामग्री), चमड़ा, कागज, चीनी मिट्टी की चीज़ें, कांच, धातु और यहां तक ​​​​कि प्लास्टिक का उपयोग उत्पादों के लिए सामग्री के रूप में किया जाता है। लैकरवेयर बनाने और सजाने के कई तरीके हैं। आइए आज इस जापानी शिल्प के सबसे प्रसिद्ध प्रकारों के बारे में थोड़ी बात करें।

आउची लैकरवेयर

आउची लाह कला की उत्पत्ति यामागुची प्रान्त (山口県) में सरदार आउची हिरोयो (1325-1380) के प्रयासों से हुई। अपनी संपत्ति को उस समय की राजधानी क्योटो (京都) में बदलने के प्रयास में, उन्होंने सक्रिय रूप से विभिन्न स्वामी और कारीगरों को आमंत्रित किया, जिसके परिणामस्वरूप क्योटो कारीगरों के कौशल और विचारों का संयोजन हुआ। स्थानीय परंपराएँएक नई अनूठी संस्कृति को जन्म दिया।

किशू लैकरवेयर

लगभग 14वीं-16वीं शताब्दी में। नेगोरोजी मंदिर में बौद्ध भिक्षुओं (आधुनिक शहर इवाडे (岩出市) के क्षेत्र में), वाकायामा प्रान्त (和歌山県) ने उपयोगितावादी लाह के बर्तनों का उत्पादन शुरू किया - चॉपस्टिक, ट्रे, कटोरे, साथ ही एक धार्मिक पंथ - प्रार्थनाओं और मंत्रों के लिए वस्तुएं। चूंकि उनकी शिल्प कौशल उत्तम नहीं थी, इसलिए कुछ स्थानों पर तैयार वस्तुओं पर धब्बे थे। विशेष शैलीउत्पादों का नाम नेगोरो रखा गया। 17वीं शताब्दी में, किशू रियासत के अधिकारियों के समर्थन से, भिक्षुओं के लाख के बर्तन प्रसिद्ध हो गए, और इस क्षेत्र का नाम उन्हें सौंपा गया।

लाख वाकासा की छड़ें

ये लाख के रसोई के बर्तन ओबामा सिटी (小浜市), फुकुई प्रीफेक्चर (福井県) में बनाए जाते हैं। जापान में सभी लैकर्ड चॉपस्टिक का 80% से अधिक उत्पादन यहीं किया जाता है। असाधारण सुंदरता और अनुग्रह की ऐसी छड़ी उगते सूरज की भूमि में एक लोकप्रिय शादी का उपहार है।

ओडावारा लैकरवेयर

कानागावा प्रान्त (神奈川県)। इस प्रकार की लाह कला कामाकुरा काल (1185-1333) की है, जब मजबूत और प्रभावशाली होजो कबीले ने सक्रिय रूप से शिल्प के विकास को बढ़ावा दिया, और ओडवारा (小田原市) शहर को लाह के उत्पादन के केंद्र में बदल दिया। ईदो काल (1603-1868) में, बड़ी संख्या में ऐसे उत्पाद ईदो (आज का टोक्यो) को निर्यात किए जाते थे - कटोरे, ट्रे और यहां तक ​​कि लाख के कवच भी।

कागावा लैकरवेयर

कागावा प्रान्त (香川県)। 1638 में, डेम्यो योरिशिगे मत्सुदैरा शोगुनेट की नियुक्ति पर इन स्थानों पर आए। वह लैकरवेयर और मूर्तियों के प्रति अपने प्रेम से प्रतिष्ठित थे, इसलिए उन्होंने अपने क्षेत्र में इस प्रकार की कला और शिल्प को विकसित करना शुरू कर दिया। दो सदियों बाद, मास्टर त्सुकोकू तमाकाजी (1807-1869) के काम की बदौलत, कागावा लैकरवेयर पूरे देश में प्रसिद्ध हो गया। पीसने और पॉलिश करने की विशेष विधियों का उपयोग उत्पादों को असाधारण चमक से संतृप्त करता है।

वाजिमा लैकरवेयर

इशिकावा प्रान्त (石川県)। इस प्रकार की कला का सबसे पुराना जीवित उदाहरण वाजिमा शहर (輪島市) में शिगेज़ो मंदिर का लाख से बना द्वार है, जिसे 1397 के आसपास बनाया गया था। एडो काल (1603-1868) के दौरान, ज़िनोको पाउडर का आविष्कार किया गया था, जो कुचली हुई पकी हुई मिट्टी से बनाया गया था, जिसने इन लाह के बर्तनों को अविश्वसनीय रूप से टिकाऊ बना दिया, जिसने आबादी के बीच उनकी मांग को काफी प्रभावित किया।

आइज़ू लैकरवेयर

आइज़ू वेयर फुकुशिमा प्रीफेक्चर (福島県) की पारंपरिक कलाओं में से एक है। इस शिल्प की उपस्थिति 1590 में हुई, जब स्थानीय सामंती स्वामी गामो उजिसातो ने अपनी पूर्व संपत्ति से स्वामी को बुलाना शुरू किया, फिर उन्हें सौंप दिया। नवीनतम प्रौद्योगिकीउस समय के शिल्प. परिणामस्वरूप, आइज़ू लैकरवेयर के सबसे बड़े निर्माताओं में से एक बन गया। उत्पादन के विस्तार से चीन और हॉलैंड को उत्पादों के निर्यात की संभावना पैदा हुई, जिसने इस क्षेत्र को अन्य देशों में गौरवान्वित किया।

त्सुगारू लैकरवेयर

त्सुगारू आओमोरी प्रान्त (青森県) के पश्चिमी भाग का नाम है। त्सुगारू लाह कला की उत्पत्ति 17वीं और 18वीं शताब्दी में हुई, जब एडो काल के दौरान शहरों में औद्योगिक विकास को प्रोत्साहित किया गया था। त्सुगारू शैली इस उभार से उभरी, क्योंकि क्षेत्र के शिल्पकारों और कारीगरों को अपने कौशल को और विकसित करने के लिए प्रोत्साहन और अवसर दिए गए। उत्पाद बनाते समय, जिस पद्धति का उपयोग 300 साल से भी पहले किया जाता था, उसका उपयोग आज भी किया जाता है।

हमने जापानी लाह कला की कई मुख्य शैलियों को देखा है। निस्संदेह, उनमें से कई और भी हैं, और कई को नई तकनीकों के साथ पूरक और बेहतर बनाया गया है।

लैकरवेयर बनाने की जापानी कला प्राचीन काल में उत्पन्न हुई और आज तक जीवित है, जो दुनिया में सबसे सुंदर, सामंजस्यपूर्ण, शानदार प्रकार की कलाओं और शिल्पों में से एक है। यह सांस्कृतिक परंपराओं में से एक है, जिस पर विचार किए बिना हम दुनिया की दृष्टि, सौंदर्य सिद्धांतों और जापानी लोगों के चरित्र को पूरी तरह से समझने में असमर्थ होंगे।

एक अनुभवहीन व्यक्ति के लिए पहली बार में सभी प्रकार के लैकरवेयर को समझना मुश्किल हो सकता है। इसलिए, उन दुकानों के आसपास जाना बेहतर है जहां वे बेचे जाते हैं, उन्हें लाइव देखें, विक्रेता के साथ चैट करें और, यदि आप उपहार के रूप में अपने और अपने दोस्तों के लिए कुछ खरीदना चाहते हैं, तो अपनी पसंद के अनुसार एक आइटम चुनें।

यदि आप उगते सूरज की भूमि की यात्रा करने जा रहे हैं, तो हमारे पाठ्यक्रम काम आ सकते हैं: अनुसरण करें और अभी नामांकन करें!