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जापानी समकालीन कला: एनीमे और मंगा। मोनो नो अवारे

इस तथ्य के बावजूद कि जापान को दुनिया भर में उभरती प्रौद्योगिकियों का देश माना जाता है, समकालीन कला को परंपरा से नाता तोड़ने की कोई जल्दी नहीं है। प्रदर्शनी “मोनो नो अवारे। द चार्म ऑफ थिंग्स'' प्लास्टिक युग में मानवीय स्थिति के बारे में एक दुखद कहानी है।

मोनो नो अवारे एक सौंदर्यवादी सिद्धांत की विशेषता है जापानी संस्कृति, जिसने प्रदर्शनी को शीर्षक दिया, का अर्थ है चीजों का दुखद आकर्षण, चीजों और घटनाओं की स्पष्ट और अंतर्निहित सुंदरता के साथ आकर्षण की भावना, भ्रामक प्रकृति और हर चीज की कमजोरी की भावना के कारण होने वाली अनुचित उदासी की अनिवार्य छाया के साथ। दृश्यमान। यह पारंपरिक जापानी धर्म शिंटोवाद से अटूट रूप से जुड़ा हुआ है। शिंटोवादियों का मानना है कि सभी चीजें आध्यात्मिक सार "कामी" से संपन्न हैं। यह किसी भी वस्तु में मौजूद है: लकड़ी और पत्थर दोनों में। "कामी" अमर हैं और जीवन और मृत्यु के चक्र में शामिल हैं, जिसके माध्यम से दुनिया में सब कुछ लगातार अद्यतन होता रहता है।

और यद्यपि समकालीन कला एक अंतरराष्ट्रीय भाषा बोलती है, इस प्रदर्शनी में प्रस्तुत जापानी समकालीन कला को उनकी परंपराओं के परिप्रेक्ष्य से बेहतर ढंग से देखा जाता है।

कलाकार हिराकी सावा की परिचयात्मक स्थापना ने एक पूरे कमरे को घेर लिया है, और यह एक छाया थिएटर है जहां अभिनेता घरेलू बर्तन हैं। यह बच्चों के सिद्धांत पर बनाया गया है रेलवे. टॉर्च के साथ एक ट्रेन कलाकार द्वारा बनाए गए परिदृश्य से गुजरती है, प्रकाश की एक किरण चीजों की सूक्ष्म दुनिया से एक स्थूल दुनिया को जन्म देती है। और अब यह पहले से ही है बिर्च ग्रोव, लंबवत खड़ी पेंसिलें नहीं; और ये खेतों में बिजली की लाइनें हैं, कपड़े लटकाने वाली कांटें नहीं; और हैंडल के साथ एक उलटा प्लास्टिक बेसिन एक सुरंग है। काम को "इनसाइड" कहा जाता है, इसे पहले वेनिस बिएननेल में दिखाया गया था।

शिनिशिरो कानो की पेंटिंग को आदिम अतियथार्थवाद कहा जा सकता है। कानो के स्थिर जीवन में, एक बास्केटबॉल, पृथ्वी ग्रह और फल एक ही प्लेट में हैं।

पेंटिंग में कोई पेंटिंग नहीं है, बल्कि केवल तेल से रंगा हुआ एक फ्रेम है। एक कैनवास पर, लाल किमोनो में एक देवता की आकृति को दूसरे कैनवास पर हुक पर लटकाए गए लाल तौलिये के साथ जोड़ा गया है। क्या यह सचित्र शृंखला संसार की मायावी प्रकृति के बारे में नहीं है? या हो सकता है कि हर चीज़ में एक कामी हो।

मसाया चिबा की पेंटिंग में, एक खूबसूरत जंगल की पृष्ठभूमि में, दो आकृतियाँ हैं: सफेद पदार्थ से बने मानवरूपी जीव, बमुश्किल एक पुरुष और एक महिला से मिलते जुलते हैं। वे ओरिएंटल की तरह छड़ियों पर लगे होते हैं नाट्य कठपुतलियाँ. पदार्थ नश्वर है, वह एक खोल मात्र है - मानो लेखक हमें बताना चाहता हो। उनकी अन्य पेंटिंग कृति "स्लीपिंग मैन" भी लगभग ऐसी ही है। तस्वीर में कोई व्यक्ति नहीं है, केवल ओटोमन पर कुछ मुट्ठी भर चीजें हैं: पुरानी तस्वीरें और पोस्टकार्ड, उगाई गई कैक्टि, दस्ताने, पसंदीदा टेप, मसालों का एक जार और उपकरणों का एक सेट।

कलाकार टेपेई कनुएजी उसी सिद्धांत के अनुसार अपने व्यक्ति को "मूर्तिकला" (निर्मित वस्तु) करते हैं: वह घरेलू कचरे को एक मानवरूपी प्राणी के रूप में चिपकाते हैं और इसे सफेद रंग से ढक देते हैं।

एक विशाल मंडल को फर्श पर नमक से सजाया गया है; यह जापान के लिए एक पारंपरिक मंदिर अनुष्ठान है, जो स्पष्ट रूप से बौद्ध धर्म से आया है। आभूषण का ऐसा टुकड़ा या तो एक भूलभुलैया की भावना या एक रहस्यमय भूमि के मानचित्र को दर्शाता है, और यह कितना अच्छा है कि संग्रहालय में कोई हवा नहीं है। यह स्थापना अद्वितीय है, कलाकार ने इसे संग्रहालय की दीवारों के भीतर कई दिनों तक बनाया है। एक दिलचस्प जापानी परंपरा भी है: लड़ाई से पहले सूमो पहलवान जमीन पर नमक छिड़कते हैं।

हिरोकी मोरीटा का इंस्टालेशन "फ्रॉम एवियन टू वोल्विक" काफ़ी खुलता है दिलचस्प विषयजापान के लिए आधुनिक - प्लास्टिक प्रसंस्करण। कांच की शेल्फ पर एवियन पानी की एक बोतल पड़ी है, उसकी छाया बिल्कुल फर्श पर खड़ी वोल्विक की दूसरी बोतल के गले में पड़ती है। इससे यह भ्रम पैदा होता है कि पानी एक बोतल से दूसरी बोतल पर गिर रहा है। पहली नजर में बेतुका. जापानियों के लिए, यह वैचारिक कार्य न केवल "कामी" के चक्र, यानी आध्यात्मिक सार का प्रतीक है, बल्कि इसमें भी शामिल है अक्षरशःरीसायकल का सिद्धांत - रीसाइक्लिंग। एक द्वीप राष्ट्र के रूप में, जापान प्लास्टिक कचरे को इकट्ठा करना, छांटना और रीसाइक्लिंग करना सीखने वाले पहले देशों में से एक था। परिणामी सामग्री से न केवल नई बोतलें और स्नीकर्स दोबारा बनाए जाते हैं, बल्कि कृत्रिम द्वीप भी बनाए जाते हैं।

टेपेई कुनेउजी का इंस्टालेशन पहली नजर में कचरा छांटने वाले स्टेशन जैसा लगता है। यहां, प्लास्टिक की वस्तुओं को अलग-अलग क्रम में रखा गया है: स्कूप, मोल्ड, विभिन्न खिलौने, हैंगर, रंगीन टूथब्रश, नली, चश्मा और अन्य। सफेद पाउडर से छिड़के हुए, ऐसा लगता है कि वे अनंत काल से यहीं पड़े हैं। जब आप इन परिचित वस्तुओं के बीच चलते हैं, लेकिन अब उनका उपयोग नहीं किया जाता है, तो उन पर पहले से ही अलग विचार करते हुए, किसी को रॉक गार्डन में ध्यान करने जैसा अनुभव होता है। अपने फोटो कोलाज में, टेपेई कुनेउजी "मानसिक रूप से" निर्माण मलबे से बुर्ज बनाते हैं। लेकिन ये कलात्मक जोड़ी फिशली और वीस की तरह गतिज श्रृंखलाएं नहीं हैं, बल्कि एक बौद्ध पवित्र इमारत की तरह हैं जिसमें पत्थर बिना किसी बंधन सामग्री के पत्थर पर टिका हुआ है।

कलाकार सुदा योशीहिरो ने मोइका की ओर देखने वाली संग्रहालय की खिड़की के शीशों के बीच एक गिरी हुई पंखुड़ी के साथ कुशलतापूर्वक बनाया गया लकड़ी का गुलाबी गुलाब रखा। संग्रहालय में इस अत्यंत सूक्ष्म और काव्यात्मक हस्तक्षेप को देखते हुए, मैं हाइकु शैली में जापानी छंदों में बोलना शुरू करना चाहता हूं, जैसे: “विंटर। यहां तक कि संग्रहालय में एक गुलाब भी हमेशा के लिए खिलता है।”

ओनिशी यासुकी की एक और कम काव्यात्मक कृति, द ऑपोजिट ऑफ वॉल्यूम, मध्ययुगीन चित्रकार और ज़ेन भिक्षु टोयो सेशु के काम को संदर्भित करती है। यह जापानी क्लासिक चीनी मोनोक्रोम स्याही ड्राइंग को उगते सूरज की भूमि पर लाने के लिए प्रसिद्ध है।

यासुकी की स्थापना एक पहाड़ की ग्रे पॉलीथीन त्रि-आयामी छाया है, जिसमें छत से जमे हुए तरल प्लास्टिक के जेट (बारिश की तरह) गिर रहे हैं। वे कहते हैं कि मूसलाधार बारिश के तहत एक "खाली" पहाड़ बनाएं, जैसे कि एक मोनोक्रोम के साथ टोयो पेंटिंगसेसु, कलाकार को बक्सों का एक पहाड़ बनाना था, उसे पतली पॉलीथीन से ढकना था, और फिर छत से गर्म प्लास्टिक टपकाना था।

अंत में, केनगो किटो स्थापना: रंगीन प्लास्टिक स्पोर्ट्स हुप्स की माला नीचे लटक रही है, जैसे कि "जापानी अभिवादन", रूस में लाया गया हो ओलिंपिक खेलों. यह उत्सुक है कि प्रदर्शनी "द चार्म ऑफ थिंग्स" में प्लास्टिक का उपयोग एक ऐसी सामग्री के रूप में किया जाता है जिसके साथ जापानी कलाकार न केवल पर्यावरण बल्कि आध्यात्मिक मुद्दों को भी छूते हैं।

जापानियों ने 9वीं-12वीं शताब्दी में, हेयान युग (794-1185) में चीजों में छिपी सुंदरता की खोज की और इसे "मोनो नो अवेयर" (物の哀れ (もののあわれ)) की विशेष अवधारणा से भी नामित किया, जिसका अर्थ है " चीजों का दुखद आकर्षण. द चार्म ऑफ थिंग्स सबसे शुरुआती में से एक है जापानी साहित्यसुंदरता की परिभाषा, यह शिंटो मान्यता से जुड़ी है कि हर चीज़ का अपना देवता - कामी - और अपना अनूठा आकर्षण होता है। अवारे चीजों का आंतरिक सार है, जो खुशी, उत्साह का कारण बनता है।

- वाशी (वासी) या वागामी (वागामी)।
मैनुअल कागज बनाना। मध्यकालीन जापानी वाशी को न केवल उसके व्यावहारिक गुणों के लिए, बल्कि उसकी सुंदरता के लिए भी महत्व देते थे। वह अपनी सूक्ष्मता, लगभग पारदर्शिता के लिए प्रसिद्ध थी, जिसने, हालांकि, उसे ताकत से वंचित नहीं किया। वाशी कोज़ो (शहतूत) पेड़ और कुछ अन्य पेड़ों की छाल से बनाया जाता है।
वाशी कागज को सदियों से संरक्षित किया गया है, इसका प्रमाण प्राचीन जापानी सुलेख, पेंटिंग, स्क्रीन, उत्कीर्णन के एल्बम और खंड हैं जो सदियों से आज तक मौजूद हैं।
वास्या का कागज रेशेदार है, यदि आप माइक्रोस्कोप से देखेंगे तो आपको दरारें दिखाई देंगी जिनके माध्यम से हवा और सूरज की रोशनी प्रवेश करती है। इस गुणवत्ता का उपयोग स्क्रीन और पारंपरिक जापानी लालटेन के निर्माण में किया जाता है।
वाशी स्मृति चिन्ह यूरोपीय लोगों के बीच बहुत लोकप्रिय हैं। इस कागज से कई छोटी और उपयोगी वस्तुएँ बनाई जाती हैं: बटुए, लिफाफे, पंखे। वे हल्के होते हुए भी काफी टिकाऊ हैं।

- गोहेई.
शुभंकर से कागज़ की पट्टियाँ. गोहेई - शिंटो पुजारी का एक अनुष्ठान कर्मचारी, जिसमें कागज़ की ज़िगज़ैग पट्टियाँ जुड़ी होती हैं। कागज की वही पट्टियाँ शिंटो मंदिर के प्रवेश द्वार पर लटकाई जाती हैं। शिंटो में कागज की भूमिका पारंपरिक रूप से बहुत बड़ी रही है, और कागज उत्पाद हमेशा से ही दिए जाते रहे हैं गूढ़ अर्थ. और यह विश्वास कि हर चीज़, हर घटना, यहाँ तक कि शब्दों में भी एक कामी - एक देवता होता है - इस प्रकार की उपस्थिति की व्याख्या करता है एप्लाइड आर्ट्सगोहेई की तरह. शिंटोवाद कुछ हद तक हमारे बुतपरस्ती के समान है। शिंटोवादियों के लिए, कामी विशेष रूप से ऐसी किसी भी चीज़ में निवास करने को तैयार रहते हैं जो सामान्य से हटकर हो। उदाहरण के लिए, कागज पर. और इससे भी अधिक एक जटिल ज़िगज़ैग में मुड़े हुए गोहेई में, जो आज शिंटो मंदिरों के प्रवेश द्वार के सामने लटका हुआ है और मंदिर में एक देवता की उपस्थिति का संकेत देता है। गोहेई को मोड़ने के 20 तरीके हैं, और जो विशेष रूप से असामान्य रूप से मोड़े जाते हैं वे कामी को आकर्षित करते हैं। गोहेई मुख्य रूप से सफेद रंग का होता है, लेकिन सोना, चांदी और कई अन्य रंग भी पाए जाते हैं। 9वीं सदी से जापान में लड़ाई शुरू होने से पहले सूमो पहलवानों की बेल्ट पर गोहेई को मजबूत करने का रिवाज रहा है।

-अनेसामा.
यह कागज की गुड़िया का निर्माण है। 19वीं सदी में, समुराई पत्नियाँ कागज़ की गुड़ियाएँ बनाती थीं जिनसे बच्चे खेलते थे, उन्हें अलग-अलग कपड़े पहनाते थे। ऐसे समय में जब खिलौने नहीं थे, अनेसामा बच्चों के लिए एकमात्र वार्ताकार थी, जो माँ, बड़ी बहन, बच्चे और दोस्त की भूमिका निभाती थी।
गुड़िया को जापानी वॉशी पेपर से मोड़ा गया है, बाल सिकुड़े हुए पेपर से बनाए गए हैं, स्याही से रंगे गए हैं और गोंद से ढके हुए हैं, जो इसे चमक देता है। विशेष फ़ीचरलम्बे चेहरे पर एक अच्छी छोटी नाक है। आज, पारंपरिक रूप में कुशल हाथों के अलावा किसी और चीज़ की आवश्यकता नहीं रखने वाला यह साधारण खिलौना पहले की तरह ही बनाया जा रहा है।

- ओरिगामी।
कागज मोड़ने की प्राचीन कला (折り紙, शाब्दिक अर्थ: "मुड़ा हुआ कागज")। ओरिगेमी की कला की जड़ें प्राचीन चीन में हैं, जहां कागज का आविष्कार हुआ था। प्रारंभ में, ओरिगेमी का उपयोग धार्मिक समारोहों में किया जाता था। कब काइस प्रकार की कला केवल उच्च वर्ग के प्रतिनिधियों के लिए उपलब्ध थी, जहाँ कागज मोड़ने की तकनीक का होना अच्छे स्वाद का संकेत था। द्वितीय विश्व युद्ध के बाद ही, ओरिगामी पूर्व से आगे निकल गया और अमेरिका और यूरोप में आ गया, जहां उसे तुरंत अपने प्रशंसक मिल गए। क्लासिक ओरिगेमी को कागज की एक चौकोर शीट से मोड़ा जाता है।
यहां तक कि सबसे जटिल उत्पाद की तह योजना को स्केच करने के लिए पारंपरिक प्रतीकों का एक निश्चित सेट आवश्यक है। अधिकांश पारंपरिक संकेतों को 20वीं सदी के मध्य में प्रसिद्ध जापानी गुरु अकीरा योशिजावा द्वारा व्यवहार में लाया गया था।
शास्त्रीय ओरिगामी में गोंद और कैंची के बिना कागज की एक वर्गाकार समान रंगीन शीट का उपयोग निर्धारित किया गया है। समकालीन कला रूप कभी-कभी इस सिद्धांत से भटक जाते हैं।

- किरिगामी।
किरिगामी कागज की एक शीट को कई बार मोड़कर कैंची की मदद से विभिन्न आकृतियों को काटने की कला है। एक प्रकार की ओरिगेमी जो मॉडल बनाने की प्रक्रिया में कैंची और कागज काटने की अनुमति देती है। यह किरिगामी और अन्य पेपर फोल्डिंग तकनीकों के बीच मुख्य अंतर है, जिस पर नाम में जोर दिया गया है: 切る (किरू) - कट, 紙 (गामी) - पेपर। हम सभी को बचपन में बर्फ के टुकड़े काटना बहुत पसंद था - किरिगामी का एक प्रकार, आप इस तकनीक का उपयोग करके न केवल बर्फ के टुकड़े, बल्कि विभिन्न आकृतियाँ, फूल, माला और अन्य सुंदर कागज़ की चीज़ें भी काट सकते हैं। इन उत्पादों का उपयोग प्रिंट, एल्बम सजावट, पोस्टकार्ड, फोटो फ्रेम, फैशन डिजाइन, इंटीरियर डिजाइन और अन्य विभिन्न सजावट के लिए स्टेंसिल के रूप में किया जा सकता है।

- इकेबाना।
इकेबाना, (jap 生け花 या いけばな) से अनुवादित जापानी भाषा- इके" - जीवन, "बाना" - फूल, या "फूल जो जीवित हैं"। फूलों को सजाने की जापानी कला जापानी लोगों की सबसे खूबसूरत परंपराओं में से एक है। इकेबाना का संकलन करते समय, फूलों के साथ-साथ कटी हुई शाखाओं, पत्तियों और टहनियों का उपयोग किया जाता है। मूल सिद्धांत उत्तम सादगी है, जिसे प्राप्त करने के लिए वे पौधों की प्राकृतिक सुंदरता पर जोर देने का प्रयास करते हैं। इकेबाना एक नए प्राकृतिक रूप की रचना है, जिसमें एक फूल की सुंदरता और रचना बनाने वाले गुरु की आत्मा की सुंदरता सामंजस्यपूर्ण रूप से संयुक्त होती है।
आज जापान में इकेबाना के 4 प्रमुख स्कूल हैं: इकेनोबो (इकेनोबो), कोरियू (कोरियू), ओहारा (ओहारा), सोगेत्सु (सोगेट्सू)। उनके अलावा, लगभग एक हजार और भी हैं विभिन्न दिशाएँऔर इन स्कूलों में से एक का पालन करने वाली धाराएँ।

-ओरिबाना.
17वीं शताब्दी के मध्य में, ओहारा (इकेबाना का मुख्य रूप - ओरिबाना) और कोरियू (मुख्य रूप - सेक) के दो स्कूल इकेनोबो से चले गए। वैसे, ओहारा स्कूल में अभी भी केवल ओरिबानु की पढ़ाई होती है। जैसा कि जापानी कहते हैं, यह बहुत महत्वपूर्ण है कि ओरिगेमी ओरिगेमी में न बदल जाए। जापानी में गोमी का मतलब कचरा होता है। आख़िरकार, जैसा कि होता है, आपने एक कागज़ का टुकड़ा मोड़ा और फिर उसका क्या किया जाए? ओरिबाना इंटीरियर को सजाने के लिए गुलदस्ते के लिए बहुत सारे विचार पेश करता है। ओरिबाना = ओरिगेमी + इकेबाना

- गलती।
पुष्प विज्ञान से उत्पन्न एक प्रकार की ललित कला। पुष्प विज्ञान हमारे देश में आठ साल पहले प्रकट हुआ था, हालाँकि यह जापान में छह सौ से अधिक वर्षों से अस्तित्व में है। मध्य युग में किसी समय, समुराई ने एक योद्धा के तरीके को समझा। और ओशिबाना उस रास्ते का हिस्सा था, जैसे चित्रलिपि लिखना और तलवार चलाना। गलती का अर्थ यह था कि उस क्षण (सटोरी) में पूर्ण उपस्थिति की स्थिति में, गुरु ने सूखे फूलों (दबाए गए फूलों) का एक चित्र बनाया। तब यह तस्वीर उन लोगों के लिए एक कुंजी, एक मार्गदर्शक के रूप में काम कर सकती है जो मौन में प्रवेश करने और उसी सटोरी का अनुभव करने के लिए तैयार थे।
"ओशिबाना" की कला का सार यह है कि, फूलों, जड़ी-बूटियों, पत्तियों, छाल को दबाव में इकट्ठा करके और सुखाकर और उन्हें आधार पर चिपकाकर, लेखक पौधों की मदद से वास्तव में "पेंटिंग" का काम करता है। दूसरे शब्दों में कहें तो पौधों से पेंटिंग करना गलत है।
कलात्मक सृजनात्मकताफूल विक्रेता सूखे पौधों की सामग्री के आकार, रंग और बनावट के संरक्षण पर आधारित है। जापानियों ने "ओशिबाना" चित्रों को लुप्त होने और काले पड़ने से बचाने के लिए एक तकनीक विकसित की है। इसका सार यह है कि कांच और तस्वीर के बीच हवा को पंप किया जाता है और एक वैक्यूम बनाया जाता है जो पौधों को खराब होने से बचाता है।
यह न केवल इस कला की अपरंपरागतता को आकर्षित करता है, बल्कि पौधों के गुणों की कल्पना, स्वाद, ज्ञान दिखाने का अवसर भी देता है। फूल विक्रेता आभूषण, परिदृश्य, स्थिर जीवन, चित्र और कहानी चित्र बनाते हैं।

- बोनसाई.
बोनसाई, एक घटना के रूप में, एक हजार साल से भी पहले चीन में प्रकट हुई थी, लेकिन यह संस्कृति अपने विकास के चरम पर केवल जापान में पहुंची। (बोन्साई - जापानी 盆栽 शाब्दिक अर्थ "गमले में पौधा") - उगाने की कला सटीक प्रतिलघु रूप में असली पेड़। ये पौधे हमारे युग से कई शताब्दियों पहले बौद्ध भिक्षुओं द्वारा उगाए गए थे और बाद में स्थानीय कुलीनों की गतिविधियों में से एक बन गए।
बोनसाई जापानी घरों और बगीचों को सुशोभित करता था। टोकुगावा युग में, पार्क डिजाइन को एक नई गति मिली: अजेलिया और मेपल की खेती अमीरों के लिए एक शगल बन गई। बौनी फसल उत्पादन (हची-नो-की - "गमले में पेड़") भी विकसित हुआ, लेकिन उस समय के बोन्साई बहुत बड़े थे।
अब साधारण पेड़ों का उपयोग बोन्साई के लिए किया जाता है, लगातार छंटाई और अन्य कई तरीकों के कारण ये छोटे हो जाते हैं। इसी समय, जड़ प्रणाली के आकार का अनुपात, कटोरे की मात्रा और बोन्साई के जमीन के हिस्से द्वारा सीमित, प्रकृति में एक वयस्क पेड़ के अनुपात से मेल खाता है।

- मिज़ुहिकी।
मैक्रैम एनालॉग। यह विशेष डोरियों से विभिन्न गांठें बांधने और उनसे पैटर्न बनाने की एक प्राचीन जापानी व्यावहारिक कला है। कला के ऐसे कार्यों का दायरा बेहद व्यापक था - उपहार कार्ड और पत्रों से लेकर हेयर स्टाइल और हैंडबैग तक। वर्तमान में, मिज़ुहिकी का उपहार उद्योग में अत्यधिक व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है - जीवन में प्रत्येक घटना के लिए, एक उपहार को एक बहुत ही विशिष्ट तरीके से लपेटा और बांधा जाना चाहिए। मिज़ुहिकी की कला में बहुत सारी गांठें और रचनाएँ हैं, और हर जापानी उन सभी को दिल से नहीं जानता है। बेशक, सबसे आम और सरल गांठें हैं जिनका सबसे अधिक उपयोग किया जाता है: बच्चे के जन्म पर बधाई के लिए, शादी या स्मरणोत्सव के लिए, जन्मदिन या विश्वविद्यालय में प्रवेश के लिए।

- कुमिहिमो.
कुमिहिमो एक जापानी ब्रेडेड कॉर्ड है। धागे बुनते समय रिबन और फीते प्राप्त होते हैं। ये फीते विशेष मशीनों - मरुदाई और ताकादाई - पर बुने जाते हैं। मारुदाई मशीन का उपयोग गोल फीते बुनने के लिए किया जाता है, और ताकादाई का उपयोग सपाट फीते बुनने के लिए किया जाता है। जापानी में कुमिहिमो का अर्थ है "रस्सी बुनना" (कुमी - बुनाई, एक साथ मोड़ना, हीमो - रस्सी, फीता)। इस तथ्य के बावजूद कि इतिहासकार इस बात पर अड़े हुए हैं कि ऐसी बुनाई स्कैंडिनेवियाई और एंडीज़ के निवासियों के बीच पाई जा सकती है, जापानी कलाकुमिहिमो वास्तव में बुनाई के सबसे प्राचीन प्रकारों में से एक है। इसका पहला उल्लेख 550 में मिलता है, जब बौद्ध धर्म पूरे जापान में फैल गया था और विशेष समारोहों के लिए विशेष सजावट की आवश्यकता होती थी। बाद में, कुमिहिमो लेस का उपयोग महिलाओं के किमोनो पर ओबी बेल्ट के लिए फिक्सर के रूप में, हथियारों के पूरे समुराई शस्त्रागार को "पैकिंग" करने के लिए रस्सियों के रूप में किया जाने लगा (समुराई ने अपने कवच और घोड़े के कवच को बांधने के लिए सजावटी और कार्यात्मक उद्देश्यों के लिए कुमिहिमो का उपयोग किया) और भारी वस्तुओं को बांधने के लिए भी.
आधुनिक कुमिहिमो के विभिन्न प्रकार के पैटर्न घर में बने कार्डबोर्ड करघों पर बहुत आसानी से बुने जाते हैं।

-कोमोनो.
अपना समय पूरा करने के बाद किमोनो का क्या अवशेष बचता है? क्या आपको लगता है कि इसे फेंक दिया जा रहा है? ऐसा कुछ नहीं! जापानी ऐसा कभी नहीं करेंगे. किमोनो महंगे हैं. इसे ऐसे ही फेंक देना अकल्पनीय और असंभव है... अन्य प्रकार के किमोनो रीसाइक्लिंग के साथ, शिल्पकारों ने छोटे टुकड़ों से छोटे स्मृति चिन्ह बनाए। ये बच्चों के लिए छोटे खिलौने, गुड़िया, ब्रोच, माला, महिलाओं के गहने और अन्य उत्पाद हैं, पुराने किमोनो का उपयोग छोटी प्यारी चीजों के निर्माण में किया जाता है, जिन्हें सामूहिक रूप से "कोमोनो" कहा जाता है। छोटी चीजें जो जीवित रहेंगी स्वजीवन, किमोनो का मार्ग जारी रखते हुए। "कोमोनो" शब्द का यही अर्थ है।

- कन्ज़ाशी।
हेयर क्लिप को सजाने की कला (अक्सर कपड़े (मुख्य रूप से रेशम) से बने फूलों (तितलियों, आदि) से सजाया जाता है)। जापानी कन्ज़ाशी (कन्ज़ाशी) एक पारंपरिक जापानी महिला केश के लिए एक लंबा हेयरपिन है। वे लकड़ी, लाह, से बने होते थे। पारंपरिक चीनी और जापानी हेयर स्टाइल में चांदी, कछुआ शैल का उपयोग किया जाता है। लगभग 400 साल पहले, जापान में, महिलाओं के हेयर स्टाइल की शैली बदल गई: महिलाओं ने अपने बालों को पारंपरिक रूप - तारेगामी (लंबे सीधे बाल) में कंघी करना बंद कर दिया और इसे जटिल तरीके से स्टाइल करना शुरू कर दिया। विचित्र रूप - निहोंगामी। प्रयुक्त विभिन्न वस्तुएँ- हेयरपिन, लाठी, कंघी। यह तब था जब एक साधारण कुशी कंघी-कंघी भी असाधारण सुंदरता की एक सुरुचिपूर्ण सहायक वस्तु में बदल जाती है, जो कला का एक वास्तविक काम बन जाती है। जापानी महिलाओं की पारंपरिक पोशाक में कलाई के गहने और हार की अनुमति नहीं थी, इसलिए बालों के गहने थे मुख्य सौंदर्यऔर आत्म-अभिव्यक्ति के लिए एक क्षेत्र - साथ ही मालिक के बटुए के स्वाद और मोटाई का प्रदर्शन। उत्कीर्णन पर आप देख सकते हैं - यदि आप बारीकी से देखें - कैसे जापानी महिलाएं आसानी से अपने हेयर स्टाइल में बीस महंगी कन्ज़ाशी तक लटका लेती हैं।
अब युवा जापानी महिलाओं के बीच कन्ज़ाशी का उपयोग करने की परंपरा में पुनरुत्थान हो रहा है जो अपने हेयर स्टाइल में परिष्कार और लालित्य जोड़ना चाहते हैं, आधुनिक बैरेट को केवल एक या दो सुंदर हस्तनिर्मित फूलों से सजाया जा सकता है।

- किनुसिगा।
जापान से एक अद्भुत प्रकार की सुईवर्क। किनुसिगा (絹彩画) बैटिक और पैचवर्क का मिश्रण है। मुख्य विचार यह है कि नए चित्रों को पुराने रेशम किमोनो से टुकड़े-टुकड़े करके एकत्र किया जाता है - सच्चे कार्यकला।
सबसे पहले, कलाकार कागज पर एक रेखाचित्र बनाता है। फिर इस ड्राइंग को एक लकड़ी के बोर्ड में स्थानांतरित कर दिया जाता है। पैटर्न के समोच्च को खांचे, या खांचे के साथ काटा जाता है, और फिर रंग और टोन से मेल खाने वाले छोटे टुकड़े, पुराने रेशम किमोनो से काटे जाते हैं, और इन टुकड़ों के किनारे खांचे को भर देते हैं। जब आप ऐसी तस्वीर देखते हैं, तो आपको ऐसा लगता है कि आप कोई तस्वीर देख रहे हैं, या यहां तक कि खिड़की के बाहर का परिदृश्य भी देख रहे हैं, वे बहुत यथार्थवादी हैं।

- टेमारी.
ये सरल टांके से बनी पारंपरिक जापानी ज्यामितीय कढ़ाई वाली गेंदें हैं जो कभी बच्चों का खिलौना थीं और अब न केवल जापान में बल्कि दुनिया भर में कई प्रशंसकों के साथ एक कला बन गई हैं। ऐसा माना जाता है कि बहुत समय पहले ये उत्पाद समुराई पत्नियों द्वारा मनोरंजन के लिए बनाए गए थे। शुरुआत में, उन्हें वास्तव में गेंद के खेल के लिए गेंद के रूप में उपयोग किया जाता था, लेकिन धीरे-धीरे उन्होंने कलात्मक तत्वों को प्राप्त करना शुरू कर दिया, बाद में सजावटी आभूषणों में बदल गए। इन गेंदों की नाजुक सुंदरता पूरे जापान में जानी जाती है। और आज, रंगीन, सावधानी से तैयार किए गए उत्पाद जापान में लोक शिल्प के प्रकारों में से एक हैं।

- युबिनुकी।
जापानी थम्बल्स, जब हाथ से सिलाई या कढ़ाई की जाती है, तो उन्हें काम करने वाले हाथ की मध्य उंगली के मध्य भाग पर रखा जाता है, उंगलियों की मदद से सुई को वांछित दिशा दी जाती है, और सुई को बीच की अंगूठी के माध्यम से धकेला जाता है काम में उंगली. प्रारंभ में, जापानी युबिनुकी थिम्बल्स काफी सरलता से बनाए जाते थे - कई परतों में लगभग 1 सेमी चौड़ी घने कपड़े या चमड़े की एक पट्टी को उंगली के चारों ओर कसकर लपेटा जाता था और कुछ साधारण सजावटी टांके के साथ एक साथ बांधा जाता था। चूँकि युबिनुक थे आवश्यक विषयहर घर में उन्हें रेशम के धागों से ज्यामितीय कढ़ाई से सजाया जाने लगा। टांके के आपस में जुड़ने से, रंगीन और जटिल पैटर्न. एक साधारण घरेलू वस्तु से युबिनुकी भी "प्रशंसा", सजावट की वस्तु में बदल गई है रोजमर्रा की जिंदगी.
यूबिनुकी का उपयोग अभी भी सिलाई और कढ़ाई में किया जाता है, लेकिन इन्हें सजावटी अंगूठियों की तरह हाथों में किसी भी उंगली पर पहना जा सकता है। यूबिनुकी-शैली की कढ़ाई का उपयोग विभिन्न वस्तुओं को अंगूठी के रूप में सजाने के लिए किया जाता है - नैपकिन के छल्ले, कंगन, टेमरी स्टैंड, यूबिनुकी कढ़ाई से सजाए गए, और उसी शैली में कढ़ाई वाले सुई बेड भी हैं। युबिनुकी पैटर्न टेमारी ओबी कढ़ाई के लिए एक महान प्रेरणा हो सकते हैं।

- सुइबोकुगा या सुमी।
जापानी स्याही पेंटिंग. यह चीनी शैलीपेंटिंग को जापानी कलाकारों द्वारा 14वीं शताब्दी में और 15वीं शताब्दी के अंत तक उधार लिया गया था। जापान में चित्रकला की मुख्य धारा बन गई। सुइबोकुगा मोनोक्रोम है। इसकी विशेषता काली स्याही (सुमी) का उपयोग है, जो एक ठोस रूप है लकड़ी का कोयलाया चीनी स्याही की कालिख से बनाया जाता है, जिसे स्याही के बर्तन में पीसकर पानी से पतला किया जाता है और ब्रश से कागज या रेशम पर लगाया जाता है। मोनोक्रोम मास्टर को टोनल विकल्पों का एक अंतहीन विकल्प प्रदान करता है, जिसे चीनी बहुत पहले ही स्याही के "रंगों" के रूप में पहचानते थे। सुइबोकुगा कभी-कभी वास्तविक रंगों के उपयोग की अनुमति देता है, लेकिन इसे पतले, पारदर्शी स्ट्रोक तक सीमित रखता है जो हमेशा स्याही की रेखा के अधीन रहते हैं। स्याही पेंटिंग सुलेख की कला के साथ सख्ती से नियंत्रित अभिव्यक्ति और रूप की तकनीकी महारत जैसी आवश्यक विशेषताओं को साझा करती है। सुलेख की तरह, स्याही पेंटिंग की गुणवत्ता स्याही में खींची गई रेखा की अखंडता और टूटने के प्रतिरोध पर निर्भर करती है, जो कला के काम को अपने ऊपर रखती है, जैसे हड्डियाँ ऊतकों को अपने ऊपर रखती हैं।

- एटेगामी।
तैयार किए गए पोस्टकार्ड (ई-चित्र, टैग-पत्र)। जापान में स्वयं करें पोस्टकार्ड बनाना आम तौर पर एक बहुत लोकप्रिय गतिविधि है, और छुट्टियों से पहले इसकी लोकप्रियता और भी अधिक बढ़ जाती है। जापानी अपने दोस्तों को पोस्टकार्ड भेजना पसंद करते हैं और उन्हें प्राप्त करना भी पसंद करते हैं। यह विशेष रिक्त स्थानों पर एक प्रकार का त्वरित पत्र है, इसे बिना लिफाफे के डाक द्वारा भेजा जा सकता है। एटेगामी में नहीं विशेष नियमया एक तकनीशियन, यह विशेष प्रशिक्षण के बिना कोई भी व्यक्ति हो सकता है। एटागामी मूड, इंप्रेशन को सटीक रूप से व्यक्त करने में मदद करता है, यह एक हस्तनिर्मित पोस्टकार्ड है जिसमें एक तस्वीर और एक छोटा पत्र होता है, जो प्रेषक की भावनाओं, जैसे गर्मजोशी, जुनून, देखभाल, प्यार आदि को व्यक्त करता है। वे इन पोस्टकार्डों को छुट्टियों के लिए भेजते हैं और ऐसे ही मौसम, गतिविधियों, सब्जियों और फलों, लोगों और जानवरों का चित्रण करते हैं। यह तस्वीर जितनी सरलता से बनाई गई है, उतनी ही दिलचस्प लगती है।

- फ़ुरोशिकी।
जापानी रैपिंग तकनीक या कपड़ा मोड़ने की कला। फुरोशिकी ने लंबे समय तक जापानियों के जीवन में प्रवेश किया। कामाकुरा-मुरोमाची काल (1185 - 1573) के प्राचीन स्क्रॉल संरक्षित किए गए हैं, जिनमें सिर पर कपड़े के बंडल लपेटे हुए महिलाओं की छवियां हैं। इस दिलचस्प तकनीक की उत्पत्ति जापान में 710 - 794 ईस्वी में हुई थी। शब्द "फुरोशिकी" का शाब्दिक अर्थ है "स्नान गलीचा" और यह कपड़े का एक चौकोर टुकड़ा है जिसका उपयोग सभी आकार और साइज़ की वस्तुओं को लपेटने और ले जाने के लिए किया जाता था।
पुराने दिनों में, हल्के सूती किमोनो में जापानी स्नानघर (फ़्यूरो) में चलने की प्रथा थी, जिसे आगंतुक घर से अपने साथ लाते थे। स्नान करने वाला एक विशेष गलीचा (शिकी) भी लाया जिस पर वह कपड़े उतारते समय खड़ा था। "स्नान" किमोनो में परिवर्तित होने के बाद, आगंतुक ने अपने कपड़े गलीचे में लपेटे, और स्नान के बाद गीले किमोनो को घर लाने के लिए गलीचे में लपेटा। इस प्रकार, स्नान चटाई एक बहुक्रियाशील बैग बन गई है।
फ़रोशिकी का उपयोग करना बहुत आसान है: कपड़ा उस वस्तु का आकार ले लेता है जिसे आप लपेटते हैं, और हैंडल से भार उठाना आसान हो जाता है। इसके अलावा, कठोर कागज में नहीं, बल्कि नरम, बहुस्तरीय कपड़े में लपेटा हुआ उपहार एक विशेष अभिव्यक्ति प्राप्त करता है। किसी भी अवसर, रोजमर्रा या उत्सव के लिए फ़ुरोशिकी को मोड़ने की कई योजनाएँ हैं।

- अमिगुरुमी।
छोटे भरवां जानवरों और मानव सदृश प्राणियों को बुनने या क्रोशिया से बुनने की जापानी कला। अमिगुरुमी (編み包み, शाब्दिक रूप से: "बुना हुआ-लिपटे") अक्सर प्यारे जानवर होते हैं (जैसे भालू, खरगोश, बिल्ली, कुत्ते, आदि), छोटे आदमी, लेकिन वे मानवीय गुणों से संपन्न निर्जीव वस्तुएं भी हो सकते हैं। उदाहरण के लिए, कपकेक, टोपी, हैंडबैग और अन्य। अमिगुरुमी बुना हुआ या बुना हुआ या क्रोकेटेड है। में हाल तकक्रोकेट अमिगुरुमी अधिक लोकप्रिय और अधिक सामान्य हो गए हैं।
सूत से बुना हुआ सरल तरीके सेबुनाई - एक सर्पिल में और, यूरोपीय बुनाई विधि के विपरीत, वृत्त आमतौर पर जुड़े नहीं होते हैं। उन्हें सूत की मोटाई के सापेक्ष छोटे आकार में भी बुना जाता है ताकि भराई बाहर आने के लिए बिना किसी अंतराल के बहुत घना कपड़ा बनाया जा सके। अमिगुरुमी को अक्सर भागों से बनाया जाता है और फिर एक साथ रखा जाता है, कुछ अमिगुरुमी को छोड़कर, जिनमें अंग नहीं होते हैं, बल्कि केवल सिर और धड़ होते हैं, जो एक पूरे होते हैं। कभी-कभी अंगों को जीवंत वजन देने के लिए उन्हें प्लास्टिक के टुकड़ों से भर दिया जाता है, जबकि शरीर के बाकी हिस्से को फाइबरफिल से भर दिया जाता है।
अमिगुरुमी सौंदर्यशास्त्र का प्रसार उनकी सुन्दरता ("कवई") से होता है।

हर्मिटेज में एक दिलचस्प प्रदर्शनी चल रही है - आधुनिक कलाजापान "मोनो-नो अवेयर। चीजों का आकर्षण"।

मैं यह नहीं कह सकता कि मैं समकालीन कला का प्रशंसक हूं। मुझे यह अधिक पसंद है जब देखने के लिए कुछ होता है (व्यस्त ग्राफिक्स, या कला और शिल्प, एथनोज़ मेरा सब कुछ है)। किसी शुद्ध अवधारणा की सुंदरता की प्रशंसा करना मेरे लिए हमेशा मज़ेदार नहीं होता है। (मालेविच, क्षमा करें! मुझे ब्लैक स्क्वायर पसंद नहीं है!)

लेकिन आज मैं इस प्रदर्शनी में पहुँच गया!

प्रिय, यदि आप सेंट पीटर्सबर्ग में हैं, कला में रुचि रखते हैं और अभी तक वहां नहीं गए हैं, तो प्रदर्शनी 9 फरवरी तक चलेगी! जाओ, क्योंकि यह दिलचस्प है!

जैसा कि मैंने ऊपर लिखा है, अवधारणाएँ मुझे थोड़ा आश्वस्त करती हैं। मैंने किसी तरह सोचा कि आधुनिक प्रदर्शनियों को देखने के एक वर्ष में, मुझे अधिकतम एक या दो वस्तुएँ ही हास्यास्पद लगती हैं। और कई चीजें मुझे इतनी प्रभावित नहीं करतीं कि मुझे अपने द्वारा खर्च किए गए समय के लिए खेद महसूस होता है। लेकिन यह किसी भी शैली में, किसी भी कला में, प्रतिभा और सामान्यता के अनुपात का प्रतिशत, दस में से एक हो तो अच्छा है! लेकिन मुझे ये शो पसंद आया.

जापानी कृतियों को जनरल स्टाफ के प्रदर्शनी हॉल में रखा गया था। पहली स्थापना जो आगंतुकों का स्वागत करती है वह फर्श पर नमक से भरी एक अविश्वसनीय भूलभुलैया है। धूसर फर्श, सफेद नमक, अविश्वसनीय रूप से करीने से चिह्नित स्थान, एक क्षेत्र में बुना हुआ। बड़ा शोरूम, और एक सफेद आभूषण फर्श पर किसी अद्भुत लोच की तरह फैला हुआ है। और आप समझते हैं कि यह कला कितनी अस्थायी है। प्रदर्शनी बंद हो जायेगी, भूलभुलैया को झाड़ू से साफ कर दिया जायेगा। मैंने एक बार फिल्म "लिटिल बुद्धा" देखी थी। और वहाँ, शुरुआत में, एक बौद्ध भिक्षु ने रंगीन रेत से एक जटिल आभूषण बनाया। और फिल्म के अंत में, भिक्षु ने अपने ब्रश से एक तेज गति की और टाइटैनिक का काम हवा में उड़ गया। वह था, फिर हॉप, और नहीं। और यह कहता है, यहां और अभी की सुंदरता की सराहना करें, सब कुछ क्षणभंगुर है। तो नमक की यह भूलभुलैया, यह आपके साथ एक संवाद में प्रवेश करती है, आप उन प्रश्नों का उत्तर देना शुरू करते हैं जो वह आपके सामने रखता है। कलाकार मोटोई यामामोटो हैं।

हां हां! यह इतनी बड़ी भूलभुलैया है, क्या आपको इसका पैमाना महसूस हुआ?

दूसरी वस्तु जो मन मोह लेती है वह है यासुकी ओनिशी द्वारा निर्मित पॉलीथीन और काली राल से बना विशाल गुंबद। असामान्य रूप से तय की गई जगह. राल के काले सबसे पतले असमान धागों पर, थोड़ा हिलता हुआ, एक गुंबद लटका हुआ है .... या एक जटिल राहत वाला पहाड़। जब आप अंदर जाते हैं, तो आपको बिंदुओं का एक विविध पैटर्न दिखाई देता है - वे स्थान जहां राल चिपक जाती है। यह अजीब है, मानो काली बारिश चुपचाप गिर रही हो, और आप छत्रछाया के नीचे हों।

यह तकनीक कैसे आई? हास्यमय ठीक? लेकिन लाइव यह अधिक "जीवित" दिखता है, आगंतुकों के गुजरने से उत्पन्न हवा के झोंके से गुंबद थोड़ा हिल जाता है। और वस्तु के साथ आपकी अंतःक्रिया का आभास होता है। आप "गुफा" में प्रवेश कर सकते हैं, अंदर से देखें कि यह कैसा है!

लेकिन यह आभास न हो कि सब कुछ केवल काला और सफेद था, मैं यहां रचना की कुछ और तस्वीरें पोस्ट करूंगा, जो एक साथ जुड़े हुए हुप्स से बनाई गई हैं। ऐसे रंगीन अजीब प्लास्टिक कर्ल! और साथ ही, आप इस कमरे से होकर हुप्स के अंदर जा सकते हैं, या आप बाहर से सब कुछ देख सकते हैं।

ये आइटम मेरे पसंदीदा हैं. बेशक, जल्द ही वैचारिक समकालीन कला नए समय के अनुरूप अलग हो जाएगी। यह पुराना नहीं लौटेगा, और जैसा अभी है वैसा नहीं रहेगा। यह बदल जाएगा। लेकिन यह समझने के लिए कि क्या था, धारा कहाँ से भाग रही थी और क्या और कहाँ से आ रही थी, आपको यह जानना होगा कि अब क्या हो रहा है। और इस बात से कतराएं नहीं कि यह अवधारणा मेरे लिए नहीं है, बल्कि इसे देखने और इसका मूल्यांकन करने का प्रयास करें। हमेशा की तरह, कुछ प्रतिभाएँ हैं, लेकिन वे वहाँ हैं। और यदि प्रदर्शन गूंजते हैं, तो सब कुछ ख़त्म नहीं हो जाता!!!

आज की दुनिया को अक्सर इसके लिए दोषी ठहराया जाता है आध्यात्मिक संकट, परंपराओं के साथ संबंधों के विनाश में, वैश्वीकरण में, राष्ट्रीय नींव को अनिवार्य रूप से अवशोषित करना। सब कुछ एक ही समय में वैयक्तिकृत और अवैयक्तिकृत है। यदि तथाकथित शास्त्रीय कला को हम विभाजित कर सकते हैं राष्ट्रीय विद्यालयऔर वहां इसकी कल्पना करें इतालवी कलाजर्मन कला क्या है और फ़्रेंच क्या है; तो क्या हम समकालीन कला को उन्हीं "स्कूलों" में विभाजित कर सकते हैं?

इस प्रश्न के उत्तर में, मैं आपके ध्यान में जापानी समकालीन कला प्रस्तुत करना चाहूंगा। में एक सम्मेलन में कला संग्रहालयमोरी ने पिछले साल समकालीन कला में अंतर्राष्ट्रीयतावाद के विषय पर टोक्यो विश्वविद्यालय के प्रोफेसर मिचियो हयाशी ने सुझाव दिया था कि पश्चिम में "जापानीपन" की लोकप्रिय धारणा 1980 के दशक में "किट्सच", "स्वाभाविकता" और "तकनीकी जटिलता" की त्रिमूर्ति द्वारा मजबूत की गई थी। ”। आज, जापान की लोकप्रिय और विशेष रूप से व्यावसायिक रूप से लोकप्रिय समकालीन कला को अभी भी इस त्रिकोण में रखा जा सकता है। पश्चिमी दर्शकों के लिए यह रहस्यमय और मौलिक बना हुआ है विशिष्ट लक्षणकेवल देश की कला में निहित है उगता सूरज. अगस्त में, पश्चिम और पूर्व एक साथ तीन कला स्थलों पर मिले: 8 अगस्त तक, प्रदर्शनी "अस्तित्व का द्वंद्व - पोस्ट-फुकुशिमा" मैनहट्टन (515 डब्ल्यू 26 वीं स्ट्रीट, चेल्सी, मैनहट्टन) में आयोजित की गई थी, प्रदर्शनी "टीमलैब: अल्ट्रा" सब्जेक्टिव स्पेस" 15 अगस्त तक चला, व्यावहारिक रूप से पास में है (508-510 डब्ल्यू 25वीं स्ट्रीट, चेल्सी, मैनहट्टन); और मिलान में पलाज़ो रीले में ताकाशी मुराकामी द्वारा "अर्हत साइकिल" अभी भी आगंतुकों को जीतना और आश्चर्यचकित करना जारी रखती है।

दिखाई गई सभी कलाकृतियाँ 11 मार्च 2011 के बाद बनाई गई थीं, जब जापान में सुनामी आई थी। फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में परमाणु आपदा ने राष्ट्र को एकजुट किया, प्राथमिकताओं और मूल्यों पर पुनर्विचार करना और लंबे समय से भूली हुई परंपराओं की ओर फिर से मुड़ना आवश्यक बना दिया। कला अलग नहीं रह सकी और उसे दुनिया के सामने पेश किया गया नया प्रकारएक कलाकार ने आधुनिक दर्शकों की जरूरतों पर ध्यान केंद्रित किया, और साथ ही ऐतिहासिक नींव और मूल्यों का सम्मान किया।

ताकाशी मुराकामी - वाणिज्यिक सफल कलाकार, जिन्होंने टेक्नो किट्स को लोकप्रिय बनाया और जापानी निहोंगा पेंटिंग की परंपराओं और एनीमे और मंगा की विशिष्टताओं के आधार पर एक नई दृश्य भाषा सुपरफ्लैट बनाई। उनकी प्रतिकृति मूर्तियों और अपमानजनक स्थापनाओं की विचारधारा युद्ध के बाद जापान में परिवर्तन को प्रदर्शित करना था, जब उपभोक्तावाद प्रचलित हो गया था। लेकिन 11 मार्च, 2011 ने जापान के जीवन को "पहले" और "बाद" में विभाजित कर दिया, जैसे अगस्त 1945 के दो भयानक दिन, जब हिरोशिमा और नागासाकी पर परमाणु बम गिराए गए थे। उस तेज़ भूकंप के बाद, जिसके भयानक परिणाम हुए, मुराकामी ने बौद्ध धर्म और जापानी सौंदर्यशास्त्र पर पुनर्विचार करने की राह पर कदम बढ़ाया, मूल और आध्यात्मिकता की ओर लौटने की दिशा में एक कदम उठाया। अरहत चक्र की शुरुआत करने वाला पहला काम 500 अरहत है, जिसे 2012 में दोहा, कतर में ताकाशी मुराकामी की एकल प्रदर्शनी में दिखाया गया था। बौद्ध विषयों की ओर वापसी को लेखक ने यह महसूस करने के प्रयास के रूप में समझाया है कि इस दुनिया में केवल हम ही नहीं हैं, ऐसी ताकतें भी हैं जो हमसे स्वतंत्र हैं, और हमें दूसरों पर निर्भर रहने से रोकने के लिए हर बार सुधार करना होगा। अपनी इच्छाएँऔर प्रभावित करता है. अरहतों की घनी दीवार, मानो कैनवास के पूरे 100 मीटर में दर्शकों को उग्र तत्वों से बचा रही हो, हर किसी की आत्मा में शांति और सुकून पैदा करती है। लेकिन मुराकामी ने खुद को केवल एक काम तक सीमित नहीं रखा और चित्रों का चक्र जारी रखा, कथा को पूरक और विस्तारित किया, जैसे कि मंगा तकनीक का उपयोग कर रहे हों और दृश्य डिजाइन में एक कहानी बता रहे हों। चक्र का दूसरा भाग गैलरी ब्लम एंड पो में प्रस्तुत किया गया ( लॉस एंजिल्स) 2013 में। आज, मिलान में, अर्हत तीसरी बार दुनिया की यात्रा कर रहे हैं, आध्यात्मिकता की ओर लौटने और जुनून के त्याग के विचार का प्रसार कर रहे हैं। संपादन और अर्थ की गहराई के बावजूद, बोल्ड और चमकीले रंग निर्णय, कलात्मक भाषा के कारण चित्रों को आसानी से समझा जा सकता है। मंगा तत्वों ने उन्हें लोकप्रियता का आवश्यक हिस्सा दिलाया ताकि बौद्ध धर्म के प्रसारित विचारों को अनभिज्ञ जनता द्वारा भी आसानी से पढ़ा और स्वीकार किया जा सके।

आधुनिक जापानी चित्रकला के अगले प्रतिनिधि को मुराकामी के छात्र काज़ुकी उमेज़ावा कहा जा सकता है, जो हमें स्कूल और निरंतरता के प्रश्न पर वापस लाता है। वह अतिरिक्त गहराई और दृश्य अराजकता पैदा करने के लिए स्टिकर के शीर्ष पर चित्र बनाकर एनीमे पात्रों की डिजिटल प्रस्तुतिकरण बनाता है। पूरे इंटरनेट पर यादृच्छिक और बिखरी छवियों से, वह कोलाज बनाता है, पृष्ठभूमि तोड़ता है, मंडल बनाता है जो ओटाकू (एनीमे और मंगा प्रशंसकों) की कल्पना की संरचना और सामग्री को दर्शाता है। बौद्ध प्रतीक की अपील युवा कलाकार के कार्यों के अर्थपूर्ण मूल्य को बढ़ाती है, एक ओर, पवित्र और संस्कृति में स्थापित, दूसरी ओर, आधुनिक मुद्दों को जोड़ती है, लेकिन फिर से एक विशिष्ट जापानी घटना के समावेश के साथ - एनिमे।

ताकाशी मुराकामी और काज़ुकी उमेज़ावा प्रासंगिकता और परंपरा, किट्सच और शैली के बीच कुशलता से संतुलन बनाते हैं।

आश्चर्य की बात है कि 11 मार्च, 2011 को जापान में आए भूकंप के बाद, एक 16 वर्षीय लड़का जो नौ दिनों तक अपने घर के मलबे के नीचे फंसा रहा और उसे बचा लिया गया, जब एक पत्रकार ने उसके भविष्य के सपनों के बारे में पूछा, तो उसने उत्तर दिया: "मैं एक कलाकार बनना चाहता हूँ।”

समकालीन जापानी कला "डबल पर्सपेक्टिव" की एक प्रदर्शनी होगी।

1. जापानी समकालीन कला में बहुत सारी असामान्य चीज़ें हैं। उदाहरण के लिए, इज़ुमी काटो की ये पेंटिंग ब्रश का उपयोग किए बिना हाथ से बनाई गई हैं।

2. पहली नज़र में ऐसा लग सकता है कि ये साधारण लाइट बल्ब हैं। लेकिन गहरे अर्थ वाला यह कार्य 38वें समानांतर को समर्पित है, जो उत्तर और दक्षिण कोरिया को अलग करता है।

3. बेशक, प्रत्येक कार्य में कुछ गहरे अर्थ होते हैं जो सतह पर नहीं होते हैं, लेकिन अगर आपको यह नहीं मिलता है, तो भी आप बस प्रशंसा कर सकते हैं, उदाहरण के लिए, इस कुशलता से बनाए गए गुलाब की सुंदरता।

4. यह केंजी यानोबे का काम है कि कोई व्यक्ति दुनिया के अंत तक कैसे जीवित रह सकता है

6. फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में दुर्घटना के बाद बनाई गई यह उनकी सबसे प्रसिद्ध कृति "चाइल्ड ऑफ द सन" है।

8. मकोतो ऐडा "बोन्साई ऐ-चान"

9. यह भी आधुनिक जापानी कला है

10. इंटरस्नी प्रोजेक्ट "मॉस्को अपार्टमेंट में लेनिन वांछित हैं"। योशिनोरी निवा ने लेनिन के व्यक्तित्व से संबंधित संरक्षित वस्तुओं के लिए मस्कोवियों के घरों की खोज की। सबसे अजीब बात तो ये है कि ऐसा किसी रूसी ने नहीं, बल्कि एक जापानी ने किया था.