जापानी संस्कृति। जापानी कला - इतिहास - परिचय - दिलचस्प जापान - LiveJournal

जापानी पेंटिंग दुनिया में सबसे खूबसूरत में से एक है।

जापानी पेंटिंग सबसे प्राचीन और अद्भुत प्रकार की रचनात्मकता में से एक है। किसी भी अन्य की तरह, इसका अपना लंबा इतिहास है, जिसे तकनीकों और विशेषताओं के अनुसार कई अवधियों में विभाजित किया जा सकता है। सभी कालों के लिए सामान्य प्रकृति है, जिसे चित्रों में मुख्य स्थान दिया गया था। जापान की ललित कलाओं में लोकप्रियता में दूसरे स्थान पर जीवन से घरेलू दृश्य हैं।

यमातो

यमातो(VI-VII सदियों) - जापानी कला की पहली अवधि, जिसने लेखन की नींव रखी। धर्म और लेखन के क्षेत्र में चीन की उपलब्धियों ने कला के विकास को प्रोत्साहन दिया। जापान अपने स्तर पर उठने के लिए दौड़ पड़ा, इसकी संरचना में परिवर्तन किया और चीन की समानता में सब कुछ का निर्माण किया। पेंटिंग के विकास के लिए, चीनी स्वामी द्वारा बड़ी संख्या में काम जापान में लाए गए, जिसने जापानियों को प्रेरित किया, जो समान चित्रों को बनाने के लिए साहसपूर्वक पहुंचे।

Takamatsuzuka मकबरे में चित्रकारी

इस अवधि में दो बाल काल होते हैं:

• कोफुन- जापानी कला की अवधि, यमातो के पहले भाग पर कब्जा। अवधि का नाम "बैरो की अवधि" के रूप में अनुवादित है। उन दिनों, वास्तव में, टीले को एक बड़ी भूमिका दी गई थी, जिससे वे हर जगह बन गए।
• असुका- यमातो युग का दूसरा भाग। इस अवधि का नाम उस देश के राजनीतिक केंद्र के नाम पर रखा गया था जो उन वर्षों में सक्रिय था। यह जापान में बौद्ध धर्म के आगमन और भविष्य में सभी सांस्कृतिक क्षेत्रों के सक्रिय विकास के साथ जुड़ा हुआ है।

नारा

बौद्ध धर्म, जो चीन से आया था, जापान में सक्रिय रूप से फैल रहा था, जिसने कला में धार्मिक विषयों के उद्भव में योगदान दिया। इस विषय से प्रभावित जापानी कलाकारों ने मंदिरों की दीवारों को चित्रित किया, जो प्रभावशाली व्यक्तित्वों द्वारा बनाई गई थीं। आज तक, होरीयू-जी मंदिर ने उस समय से दीवार चित्रों को संरक्षित किया है।

अज़ूची-मोमोयामा

यह अवधि अपने पूर्ववर्ती के ठीक विपरीत है। काम से उदासी और मोनोक्रोम गायब हो जाते हैं, चमकीले रंगों और चित्रों में सोने और चांदी के उपयोग से प्रतिस्थापित किया जाता है।

सरू। स्क्रीन। कानो ईटोकू।

मीजी

19वीं शताब्दी में, जापानी चित्रकला का पारंपरिक और यूरोपीय शैलियों में विभाजन शुरू हुआ, जिसने एक दूसरे के साथ जोरदार प्रतिस्पर्धा की। इस अवधि के दौरान, जापान में जबरदस्त राजनीतिक परिवर्तन हुए। उन वर्षों में यूरोप के प्रभाव ने ग्रह के लगभग हर कोने को प्रभावित किया, प्रत्येक राज्य में अपनी विशेषताओं का परिचय दिया। पुरानी परंपराओं को खारिज करते हुए, कला की यूरोपीय शैली को अधिकारियों द्वारा सक्रिय रूप से समर्थन दिया गया था। लेकिन जल्द ही पश्चिमी चित्रकला के प्रति उत्साह कम हो गया और पारंपरिक कला में रुचि तेजी से लौट आई।

जापानी चित्रकला का विकासअपडेट किया गया: 15 सितंबर, 2017 द्वारा: प्रेमी

प्राचीन काल से, जापानी कला को सक्रिय रचनात्मकता की विशेषता रही है। चीन पर निर्भरता के बावजूद, जहां नए कलात्मक और सौंदर्यवादी रुझान लगातार उभर रहे थे, जापानी कलाकारों ने हमेशा नई विशेषताओं को पेश किया और अपने शिक्षकों की कला को जापानी रूप देते हुए बदल दिया।

इस प्रकार जापान का इतिहास 5वीं शताब्दी के अंत में ही निश्चित रूप लेना शुरू कर देता है। पिछली शताब्दियों (पुरातन काल) की अपेक्षाकृत कुछ वस्तुएँ पाई गई हैं, हालाँकि खुदाई के दौरान या निर्माण कार्य के दौरान की गई कुछ वस्तुएँ उल्लेखनीय कलात्मक प्रतिभा की बात करती हैं।

पुरातन काल।

जापानी कला की सबसे पुरानी कृतियाँ जोमोन प्रकार (कॉर्ड इम्प्रेशन) के मिट्टी के बर्तन हैं। यह नाम सतह की सजावट से आता है जिसमें छड़ी के चारों ओर लपेटी गई रस्सी के सर्पिल छाप होते हैं जो मास्टर बर्तन बनाने के लिए इस्तेमाल करते थे। शायद, सबसे पहले, मास्टर्स ने गलती से विकरवर्क के प्रिंट की खोज की, लेकिन फिर उन्होंने जानबूझकर उनका इस्तेमाल करना शुरू कर दिया। कभी-कभी रस्सी की तरह मिट्टी के कर्ल सतह पर फंस जाते थे, जिससे अधिक जटिल सजावटी प्रभाव पैदा होता था, लगभग एक राहत। पहली जापानी मूर्तिकला की उत्पत्ति जोमन संस्कृति में हुई थी। किसी व्यक्ति या जानवर के डोगू (शाब्दिक रूप से "मिट्टी की छवि") का शायद किसी प्रकार का धार्मिक महत्व था। लोगों की छवियां, ज्यादातर महिलाएं, अन्य आदिम संस्कृतियों की मिट्टी की देवी के समान हैं।

रेडियोकार्बन विश्लेषण से पता चलता है कि जोमन संस्कृति से कुछ खोज 6-5 हजार ईसा पूर्व की हो सकती है, लेकिन इस तरह की शुरुआती डेटिंग को आम तौर पर स्वीकार नहीं किया जाता है। बेशक, इस तरह के व्यंजन लंबे समय से बनाए गए हैं, और हालांकि सटीक तिथियां अभी तक स्थापित नहीं की जा सकती हैं, तीन अवधियों को प्रतिष्ठित किया गया है। कुम्हार के उपकरण के निशान को छोड़कर, सबसे पुराने नमूनों का एक नुकीला आधार होता है और लगभग अलंकृत होता है। मध्य काल के बर्तन अधिक समृद्ध रूप से अलंकृत होते हैं, कभी-कभी ढले हुए तत्वों के साथ जो मात्रा का आभास पैदा करते हैं। तीसरी अवधि के जहाजों के रूप बहुत विविध हैं, लेकिन सजावट फिर से सपाट हो जाती है और अधिक संयमित हो जाती है।

लगभग दूसरी शताब्दी में। ईसा पूर्व। Jōmon चीनी मिट्टी की चीज़ें Yayoi चीनी मिट्टी की चीज़ें के लिए रास्ता दे दिया, रूप की सुंदरता, डिजाइन की सादगी और उच्च तकनीकी गुणवत्ता की विशेषता है। बर्तन का टुकड़ा पतला हो गया, आभूषण कम सनकी हो गया। यह प्रकार तीसरी शताब्दी तक बना रहा। विज्ञापन

कलात्मक दृष्टि से, शायद सबसे अच्छा काम करता हैप्रारंभिक काल में खनिवा, मिट्टी के सिलेंडर हैं जो तीसरी-पाँचवीं शताब्दी के हैं। विज्ञापन इस युग के विशिष्ट स्मारक विशाल पहाड़ियां, या कब्र के टीले, सम्राटों की दफन संरचनाएं और शक्तिशाली कुलीनता हैं। अक्सर बहुत बड़े आकार, वे शाही परिवार और दरबारियों की शक्ति और धन का प्रमाण हैं। सम्राट निंटोकू-टेनो (सी. 395-427 ईस्वी) के लिए ऐसी संरचना के निर्माण में 40 वर्षों की आवश्यकता थी। इन बैरो की सबसे उल्लेखनीय विशेषता उनके चारों ओर एक बाड़, खनिवा की तरह मिट्टी के सिलेंडर थे। आमतौर पर ये सिलेंडर काफी सरल होते थे, लेकिन कभी-कभी उन्हें मानव आकृतियों से सजाया जाता था, घोड़ों, घरों या मुर्गे की आकृतियों से कम। उनका उद्देश्य दुगुना था: पृथ्वी के विशाल द्रव्यमान के क्षरण को रोकने के लिए और मृतक को वह सब कुछ प्रदान करना जो वह सांसारिक जीवन में उपयोग करता था। स्वाभाविक रूप से, सिलेंडर तुरंत बड़ी मात्रा में बनाए गए थे। विभिन्न प्रकार के विषय, चेहरे के भाव और उन्हें सजाने वाले आकृतियों के हावभाव काफी हद तक मास्टर के कामचलाऊपन का परिणाम हैं। यद्यपि वे चित्रकारों और मूर्तिकारों के बजाय कारीगरों के काम हैं, लेकिन एक उचित जापानी कला के रूप में उनका बहुत महत्व है। इमारतें, कंबल में लिपटे घोड़े, आदिम महिलाएं और योद्धा प्रारंभिक सामंती जापान के सैन्य जीवन की एक दिलचस्प तस्वीर पेश करते हैं। यह संभव है कि इन सिलेंडरों के प्रोटोटाइप चीन में दिखाई दिए, जहां विभिन्न वस्तुओं को सीधे कब्रों में रखा गया था, लेकिन हनीवा का निष्पादन और उपयोग स्थानीय परंपरा से संबंधित है।

पुरातन काल को अक्सर उच्च कलात्मक स्तर के कार्यों से रहित समय के रूप में देखा जाता है, मुख्य रूप से पुरातात्विक और जातीय मूल्य वाली चीजों के प्रभुत्व का समय। हालांकि, यह याद रखना चाहिए कि यह काम करता है प्रारंभिक संस्कृतिआम तौर पर महान जीवन शक्ति थी, क्योंकि उनके रूप जीवित रहे और बाद की अवधि में जापानी कला की विशिष्ट राष्ट्रीय विशेषताओं के रूप में मौजूद रहे।

असुका अवधि

(552-710 ई.)। छठी शताब्दी के मध्य में बौद्ध धर्म का परिचय। जापानियों के जीवन और सोच में महत्वपूर्ण परिवर्तन किए और इस और बाद की अवधि की कला के विकास के लिए प्रेरणा बन गए। कोरिया के माध्यम से चीन से बौद्ध धर्म का आगमन पारंपरिक रूप से 552 ईस्वी पूर्व में हुआ था, लेकिन यह शायद पहले से ज्ञात था। प्रारंभिक वर्षों में, बौद्ध धर्म को राजनीतिक विरोध, शिंटो के राष्ट्रीय धर्म के विरोध का सामना करना पड़ा, लेकिन केवल कुछ दशकों के बाद, नए विश्वास को आधिकारिक स्वीकृति मिली और अंततः स्थापित हो गया। जापान में अपनी पैठ के शुरुआती वर्षों में, बौद्ध धर्म एक अपेक्षाकृत सरल धर्म था जिसमें बहुत कम संख्या में देवी-देवताओं की छवियों की आवश्यकता थी, लेकिन लगभग सौ वर्षों के बाद इसने ताकत हासिल की और देवताओं का मंदिर बहुत बढ़ गया।
इस अवधि के दौरान, मंदिरों की स्थापना की गई, जो न केवल आस्था को बढ़ावा देने के उद्देश्यों को पूरा करते थे, बल्कि कला और शिक्षा के केंद्र भी थे। होरीयू-जी में मठ-मंदिर प्रारंभिक बौद्ध कला के अध्ययन के लिए सबसे महत्वपूर्ण है। अन्य खजानों में, महान त्रय सयाका-नेराई (623 ईस्वी) की एक मूर्ति है। पहले महान जापानी मूर्तिकार तोरी बुशी का यह काम, जो हमें ज्ञात है, एक शैलीबद्ध कांस्य छवि है, जो चीन के महान गुफा मंदिरों में समान समूहों के समान है। बैठी हुई शाकी (शब्द "शाक्यमुनि", ऐतिहासिक बुद्ध का जापानी प्रतिलेखन) और उसके किनारों पर खड़ी दो आकृतियों की मुद्रा में सख्त अग्रता देखी जाती है। मानव आकृति के रूप योजनाबद्ध रूप से प्रदान किए गए कपड़ों के भारी सममित सिलवटों द्वारा छिपे हुए हैं, और चिकनी लम्बी चेहरों में एक स्वप्निल आत्म-अवशोषण और चिंतन महसूस कर सकते हैं। इस पहले बौद्ध काल की मूर्तिकला पचास साल पहले की मुख्य भूमि की शैली और प्रोटोटाइप पर आधारित है; यह ईमानदारी से चीनी परंपरा का पालन करता है जो कोरिया के माध्यम से जापान आई थी।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण मूर्तियों में से कुछ कांसे की बनी थीं, लेकिन लकड़ी का भी इस्तेमाल किया गया था। दो सबसे प्रसिद्ध लकड़ी की मूर्तियाँ कन्नन देवी की मूर्तियाँ हैं: युमेदोनो कन्नन और कुदारा कन्नन, दोनों होरीयूजी में हैं। वे अपनी पुरातन मुस्कान और स्वप्निल भावों के साथ शकी त्रय की तुलना में पूजा की अधिक आकर्षक वस्तु हैं। यद्यपि कन्नन आकृतियों में वस्त्रों की तहों की व्यवस्था भी योजनाबद्ध और सममित है, वे हल्के और गति से भरे हुए हैं। लंबा, पतला आंकड़े चेहरों की आध्यात्मिकता, उनकी अमूर्त दयालुता, सभी सांसारिक चिंताओं से दूर, लेकिन पीड़ितों की दलीलों के प्रति संवेदनशील हैं। मूर्तिकार ने कपड़ों की तहों से छिपी कुदरा कन्नन की आकृति की रूपरेखा पर कुछ ध्यान दिया, और युमेदोनो के दांतेदार सिल्हूट के विपरीत, आकृति और कपड़े दोनों की गति को गहराई से निर्देशित किया जाता है। कुदर के प्रोफाइल में, कन्नन का एक सुंदर एस-आकार है।

पेंटिंग का एकमात्र जीवित उदाहरण जो 7 वीं शताब्दी की शुरुआत की शैली का एक विचार देता है, वह "पंखों वाला मंदिर" तमामुशी ज़ुशी है। यह लघु अभ्यारण्य एक छिद्रित धातु के फ्रेम में स्थापित इंद्रधनुषी बीटल पंखों से अपना नाम लेता है; बाद में इसे रंगीन लाह से बनाई गई धार्मिक रचनाओं और अलग-अलग पात्रों की आकृतियों से सजाया गया। इस अवधि की मूर्तिकला की तरह, कुछ छवियां डिजाइन की महान स्वतंत्रता दर्शाती हैं।

नारा अवधि

(710-784)। 710 में राजधानी को नारा ले जाया गया, नया शहर, चीनी राजधानी चांगान के मॉडल पर बनाया गया। चौड़ी सड़कें, बड़े महल, कई बौद्ध मंदिर थे। न केवल बौद्ध धर्म अपने सभी पहलुओं में, बल्कि संपूर्ण चीनी सांस्कृतिक और राजनीतिक जीवनरोल मॉडल के रूप में माना जाता है। शायद ही किसी अन्य देश ने अपनी संस्कृति की कमी को इस हद तक महसूस किया हो और बाहरी प्रभावों के प्रति इतना संवेदनशील न रहा हो। विद्वानों और तीर्थयात्रियों को जापान और मुख्य भूमि के बीच स्वतंत्र रूप से स्थानांतरित किया गया था, और तांग राजवंश के दौरान प्रशासन और महल जीवन चीन के बाद तैयार किया गया था। हालांकि, यह याद रखना चाहिए कि, तांग चीन के मॉडल की नकल करने के बावजूद, विशेष रूप से कला में, इसके प्रभाव और शैली को समझते हुए, जापानी लगभग हमेशा विदेशी रूपों को अपने स्वयं के रूप में अनुकूलित करते थे।

मूर्तिकला में, पिछले असुका काल की सख्त ललाट और समरूपता ने मुक्त रूपों को रास्ता दिया। देवताओं के बारे में विचारों का विकास, तकनीकी कौशल में वृद्धि और सामग्री के स्वामित्व की स्वतंत्रता ने कलाकारों को करीब और अधिक सुलभ प्रतिष्ठित चित्र बनाने की अनुमति दी। नए बौद्ध संप्रदायों की स्थापना ने बौद्ध धर्म के संतों और संस्थापकों को भी शामिल करने के लिए देवताओं का विस्तार किया। कांस्य मूर्तिकला के अलावा, लकड़ी, मिट्टी और लाख से बनी बड़ी संख्या में कृतियाँ ज्ञात हैं। पत्थर दुर्लभ था और मूर्तिकला के लिए लगभग कभी इस्तेमाल नहीं किया गया था। सूखी लाह विशेष रूप से लोकप्रिय थी, शायद इसलिए, रचना तैयार करने की प्रक्रिया की जटिलता के बावजूद, इससे बने काम लकड़ी की तुलना में अधिक शानदार दिखते थे और मिट्टी के उत्पादों की तुलना में अधिक मजबूत थे जो निर्माण में आसान थे। लकड़ी या मिट्टी के आधार पर लाह की आकृतियाँ बनाई जाती थीं, जिसे बाद में हटा दिया जाता था, या लकड़ी या तार की फिटिंग पर; वे हल्के और मजबूत थे। हालांकि इस तकनीक ने मुद्राओं में कुछ कठोरता निर्धारित की, चेहरों के चित्रण में बहुत अधिक स्वतंत्रता की अनुमति दी गई, जिसने आंशिक रूप से उस विकास में योगदान दिया जिसे उचित चित्र मूर्तिकला कहा जा सकता है। देवता के चेहरे की छवि बौद्ध कैनन के सख्त नुस्खों के अनुसार प्रदर्शित की गई थी, लेकिन लोकप्रियता और यहां तक ​​​​कि आस्था के कुछ संस्थापकों और उपदेशकों की प्रशंसा ने चित्र समानता व्यक्त करने के लिए उत्कृष्ट अवसर प्रदान किए। इस तरह की समानता तोशोदाईजी मंदिर में स्थित जापान में प्रतिष्ठित चीनी कुलपति जेनजिन की सूखी लाह की मूर्ति में देखी जा सकती है। 753 में जापान पहुंचने पर जेनजिन अंधा था, और उसकी दृष्टिहीन आँखें और आंतरिक चिंतन की प्रबुद्ध अवस्था को एक अज्ञात मूर्तिकार द्वारा खूबसूरती से प्रस्तुत किया गया है। यह यथार्थवादी प्रवृत्ति 13वीं-14वीं शताब्दी में मूर्तिकार कोशो द्वारा बनाई गई उपदेशक कुई की लकड़ी की मूर्तिकला में सबसे स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी। उपदेशक को एक कर्मचारी, एक घडि़याल और एक हथौड़ा के साथ एक भटकते भिखारी के रूप में तैयार किया जाता है, और बुद्ध के छोटे आंकड़े उसके आधे खुले मुंह से निकलते हैं। गायक भिक्षु की छवि से संतुष्ट नहीं, मूर्तिकार ने अपने शब्दों के अंतरतम अर्थ को व्यक्त करने का प्रयास किया।
नारा काल के बुद्ध की छवियां भी महान यथार्थवाद से प्रतिष्ठित हैं। मंदिरों की लगातार बढ़ती संख्या के लिए बनाए गए, वे अपने पूर्ववर्तियों की तरह अविचलित रूप से ठंडे और आरक्षित नहीं हैं, उनके पास अधिक सुंदर सुंदरता और कुलीनता है, और उन लोगों की ओर मुड़ते हैं जो उनकी पूजा करते हैं और अधिक एहसानमंद हैं।

इस काल की बहुत कम पेंटिंग बची हैं। कागज पर बहुरंगी चित्र बुद्ध के अतीत और वर्तमान जीवन को दर्शाता है। यह एमकिमोनो या स्क्रॉल पेंटिंग के कुछ प्राचीन उदाहरणों में से एक है। स्क्रॉल धीरे-धीरे दाएँ से बाएँ खुलते थे, और दर्शक चित्र के केवल उस हिस्से का आनंद ले सकते थे जो स्क्रॉल को खोल रहे हाथों के बीच था। चित्र सीधे पाठ के ऊपर थे, बाद के स्क्रॉल के विपरीत, जहां पाठ का एक खंड व्याख्यात्मक छवि के साथ वैकल्पिक था। स्क्रॉल पेंटिंग के इन सबसे पुराने जीवित उदाहरणों में, रेखांकित आंकड़े बमुश्किल उल्लिखित परिदृश्य की पृष्ठभूमि के खिलाफ सेट किए गए हैं, और केंद्रीय चरित्र, इस मामले में साइका, विभिन्न एपिसोड में दिखाई देता है।

प्रारंभिक हियान

(784-897)। नारा के बौद्ध पादरियों के प्रभुत्व से बचने के लिए आंशिक रूप से 784 में राजधानी को नागाओका में स्थानांतरित कर दिया गया था। 794 में वह लंबी अवधि के लिए हीयान (अब क्योटो) चली गईं। 8वीं और 9वीं शताब्दी के अंत में एक ऐसा दौर था जब जापान ने सफलतापूर्वक आत्मसात किया, अपनी विशेषताओं के अनुकूल, कई विदेशी नवाचार। बौद्ध धर्म ने भी परिवर्तन के समय का अनुभव किया, अपने विकसित अनुष्ठान और शिष्टाचार के साथ गूढ़ बौद्ध धर्म के नए संप्रदायों का उदय हुआ। इनमें से सबसे प्रभावशाली तेंदाई और शिंगोन संप्रदाय थे, जो भारत में उत्पन्न हुए, चीन पहुंचे, और वहां से दो विद्वानों द्वारा जापान लाए गए, जो एक लंबी शिक्षुता के बाद अपनी मातृभूमि लौट आए। शिंगोन ("ट्रू वर्ड्स") संप्रदाय विशेष रूप से अदालत में पसंद किया गया था और जल्दी से एक प्रमुख स्थान पर कब्जा कर लिया। इसके मुख्य मठ क्योटो के पास कोया पर्वत पर स्थित थे; अन्य महत्वपूर्ण बौद्ध केंद्रों की तरह, वे कला स्मारकों के विशाल संग्रह के भंडार बन गए।

मूर्तिकला 9वीं सी। ज्यादातर लकड़ी थी। देवताओं की छवियों को गंभीरता और दुर्गम भव्यता से अलग किया गया था, जिस पर उनकी उपस्थिति और व्यापकता की गंभीरता पर जोर दिया गया था। ड्रैपरियों को मानक पैटर्न के अनुसार कुशलता से काटा गया था, स्कार्फ लहरों में बिछे थे। मुरोजी मंदिर से खड़ी शाकी आकृति इस शैली का एक उदाहरण है। इसके लिए और 9वीं शताब्दी की इसी तरह की छवियां। गहरी, स्पष्ट परतों और अन्य विवरणों के साथ कठोर नक्काशी की विशेषता।

देवताओं की संख्या में वृद्धि ने कलाकारों के लिए बड़ी मुश्किलें खड़ी कर दीं। जटिल, मानचित्र-जैसे मंडलों (जादुई अर्थ के साथ एक ज्यामितीय डिजाइन) में, देवताओं को पदानुक्रमित रूप से एक केंद्रीय रूप से स्थित बुद्ध के चारों ओर व्यवस्थित किया गया था, जो स्वयं निरपेक्षता का केवल एक प्रकटीकरण था। इस समय, आग की लपटों से घिरे संरक्षक देवताओं के चित्रण का एक नया तरीका सामने आया, जो दिखने में भयानक, लेकिन प्रकृति में लाभकारी था। इन देवताओं को विषम रूप से व्यवस्थित किया गया था और चलती-फिरती मुद्राओं में चित्रित किया गया था, जिसमें भयानक चेहरे की विशेषताएं थीं, जो संभावित खतरों से विश्वास की रक्षा करते थे।

मध्य और स्वर्गीय हियान, या फुजिवारा काल

(898-1185)। पादरियों की कठिन माँगों से बचने के उद्देश्य से हीयान को राजधानी का स्थानांतरण भी राजनीतिक व्यवस्था में परिवर्तन का कारण बना। बड़प्पन प्रमुख बल था, और फुजिवारा परिवार इसका सबसे विशिष्ट प्रतिनिधि बन गया। अवधि 10-12 शतक। अक्सर इस नाम से जुड़ा हुआ है। विशेष शक्ति का दौर शुरू हुआ, जब वास्तविक सम्राटों को कविता और चित्रकला के अधिक सुखद कार्यों के लिए राज्य के मामलों को अलग रखने की "दृढ़ता से सलाह" दी गई। वयस्कता तक पहुंचने तक, सम्राट का नेतृत्व एक सख्त रीजेंट द्वारा किया जाता था - आमतौर पर फुजिवारा परिवार से। यह साहित्य, सुलेख और कला में विलासिता और उल्लेखनीय उपलब्धियों का युग था; सब कुछ सुस्त और भावनात्मक लगा, जो शायद ही कभी गहराई तक पहुंचा, लेकिन कुल मिलाकर आकर्षक था। इस समय की कला में सुरुचिपूर्ण परिष्कार और पलायनवाद परिलक्षित हुआ। यहां तक ​​कि बौद्ध धर्म के अनुयायी भी आसान तरीकों की तलाश कर रहे थे, और स्वर्गीय बुद्ध, अमिदा की पूजा विशेष रूप से लोकप्रिय हुई। इस अवधि की पेंटिंग और मूर्तिकला में बुद्ध अमिदा की करुणा और बचत अनुग्रह की धारणा गहराई से परिलक्षित हुई थी। 9वीं सी की मूर्तियों की विशालता और संयम। 10-11 शताब्दियों में। आनंद और आकर्षण को रास्ता दिया। देवताओं को स्वप्निल, विचारपूर्वक शांत के रूप में चित्रित किया गया है, नक्काशी कम गहरी हो जाती है, सतह अधिक रंगीन हो जाती है, एक समृद्ध विकसित बनावट के साथ। इस काल के सबसे महत्वपूर्ण स्मारक मूर्तिकार जोको के हैं।
कलाकारों के कार्यों ने कपड़े पर चित्र की याद दिलाने वाली नरम विशेषताएं भी प्राप्त कीं, और यहां तक ​​​​कि भयानक देवता - विश्वास के रक्षक कम भयभीत हो गए। सूत्र (बौद्ध ग्रंथ) गहरे नीले रंग के कागज पर सोने और चांदी में लिखे गए थे, पाठ की बारीक सुलेख अक्सर एक छोटे से चित्रण से पहले होती है। अधिकांश लोकप्रिय गंतव्यबौद्ध धर्म और उनसे जुड़े देवता अभिजात वर्ग की प्राथमिकताओं और शुरुआती बौद्ध धर्म के कठोर आदर्शों से धीरे-धीरे प्रस्थान को दर्शाते हैं।

इस समय का वातावरण और उनके कार्य आंशिक रूप से 894 में चीन के साथ औपचारिक संबंधों की समाप्ति से जुड़े हुए हैं। उस समय चीन में बौद्ध धर्म को सताया गया था, और भ्रष्ट तांग दरबार पतन की स्थिति में था। इस वियोग के बाद एकांत द्वीप अस्तित्व ने जापानियों को अपनी संस्कृति की ओर मुड़ने और एक नई, शुद्ध जापानी शैली विकसित करने के लिए प्रेरित किया। दरअसल, 10वीं-12वीं सदी की धर्मनिरपेक्ष पेंटिंग। लगभग पूरी तरह से जापानी था - तकनीक और रचना और भूखंड दोनों में। इन जापानी स्क्रॉलों की एक विशिष्ट विशेषता, जिसे यमातो-ए कहा जाता है, एंजी भूखंडों (मूल, इतिहास) का प्रावधान था। जबकि चीनी स्क्रॉल में अक्सर विशाल अद्भुत प्रकृति, पहाड़ों, नदियों, चट्टानों और पेड़ों के पैनोरमा का चित्रण किया गया था, और लोग ड्राइंग और पाठ में जापानी के कथात्मक स्क्रॉल पर अपेक्षाकृत महत्वहीन लग रहे थे, व्यक्ति मुख्य बात थी। परिदृश्य ने कहानी के लिए केवल एक पृष्ठभूमि की भूमिका निभाई, जो मुख्य के अधीन थी अभिनय करने वाला व्यक्तिया व्यक्तियों। कई स्क्रॉल प्रसिद्ध बौद्ध प्रचारकों या ऐतिहासिक शख्सियतों, उनकी यात्राओं और सैन्य अभियानों के जीवन के इतिहास को चित्रित करते थे। दूसरों ने रईसों और दरबारियों के जीवन के रोमांटिक प्रसंगों के बारे में बताया।

शुरुआती स्क्रॉल की जाहिरा तौर पर विशेष शैली बौद्ध नोटबुक के पन्नों पर सरल स्याही रेखाचित्रों से आई थी। ये कुशल चित्र हैं जो जानवरों की छवियों के माध्यम से मानव व्यवहार को कैरिकेचर करते हैं: मठवासी कपड़ों में एक बंदर एक फुलाए हुए मेंढक की पूजा करता है, खरगोशों, बंदरों और मेंढकों के बीच प्रतियोगिताएं। ये और अन्य देर से हीयन स्क्रॉल ने 13 वीं और 14 वीं शताब्दी की विकसित शैली के अधिक जटिल वर्णनात्मक स्क्रॉल के लिए आधार प्रदान किया।

कामाकुरा काल

(1185-1392)। देर से 12 वीं सदी जापान के राजनीतिक और धार्मिक जीवन में गंभीर बदलाव लाए और जाहिर है, इसकी कला में भी। क्योटो अदालत के लालित्य और सौंदर्यवाद को बदल दिया गया था या, "विशेष" शासन की परंपरा में, एक नए, कठोर और साहसी नियम के रूप में "एक अतिरिक्त प्राप्त किया" - कामाकुरा शोगुनेट। हालांकि क्योटो मुख्य रूप से राजधानी बना रहा, शोगुन मिनमोटो नो योरिटोमो (1147-1199) ने अपना मुख्यालय कामाकुरा शहर में स्थापित किया और केवल 25 वर्षों में सैन्य तानाशाही और सामंतवाद की एक कठोर व्यवस्था स्थापित की। बौद्ध धर्म, जो इतना जटिल और कर्मकांड बन गया था कि आम लोगों के लिए यह समझ से बाहर था, में भी एक बड़ा बदलाव आया जिसने कलाओं के संरक्षण का वादा नहीं किया। योडो ("शुद्ध भूमि") संप्रदाय, होनेन शोनिन (1133-1212) के नेतृत्व में बुद्ध अमिदा की पूजा का एक रूप, बुद्धों और देवताओं के पदानुक्रम में सुधार किया और उन सभी को मुक्ति की आशा दी जो केवल अमिदा में विश्वास करते थे। आसानी से प्राप्य स्वर्ग के इस सिद्धांत को बाद में शिन संप्रदाय के संस्थापक शिनरान (1173-1262) द्वारा सरल बनाया गया, जिन्होंने स्वीकार किया कि अमिदा का भोग इतना महान है कि धार्मिक कृत्यों को करने की कोई आवश्यकता नहीं है, यह पर्याप्त है "नामु अमिदा बुत्सु" मंत्र को दोहराने के लिए (पहले शब्द का अर्थ है "सबमिट"; दूसरे दो "बुद्ध अमिदा" हैं)। आत्मा को बचाने का इतना आसान तरीका बेहद आकर्षक था और अब लाखों लोग इसका इस्तेमाल करते हैं। एक पीढ़ी बाद में, उग्रवादी उपदेशक निचिरेन (1222-1282), जिनके नाम पर संप्रदाय का नाम रखा गया, ने धर्म के इस सरलीकृत रूप को छोड़ दिया। उनके अनुयायियों ने लोटस सूत्र का सम्मान किया, जिसमें तत्काल और बिना शर्त मुक्ति का वादा नहीं किया गया था। उनके उपदेश अक्सर राजनीतिक विषयों पर छूते थे, और उनके विश्वास और चर्च और राज्य के प्रस्तावित सुधारों ने कामकुरा में नए योद्धा वर्ग से अपील की। अंत में, ज़ेन का दर्शन, जो 8वीं शताब्दी के आरंभ में उभरा, उस अवधि के बौद्ध विचारों में कभी भी बड़ी भूमिका निभाने लगा। ज़ेन ने किसी भी छवि के लिए ध्यान और अवमानना ​​​​के महत्व पर जोर दिया जो मनुष्य को ईश्वर से जुड़ने की उसकी खोज में बाधा डाल सकता है।

इसलिए, यह एक ऐसा समय था जब धार्मिक विचारों ने पहले पूजा के लिए आवश्यक चित्रों और मूर्तियों की संख्या को सीमित कर दिया था। फिर भी, कामकुरा काल के दौरान जापानी कला के कुछ बेहतरीन कार्यों का निर्माण किया गया था। प्रेरणा कला के लिए निहित जापानी प्रेम था, लेकिन पहेली की कुंजी नए पंथों के प्रति लोगों का रवैया है, न कि हठधर्मिता। वास्तव में, कार्य स्वयं उनके निर्माण का कारण बताते हैं, क्योंकि इनमें से कई मूर्तियां और जीवन और ऊर्जा से भरे चित्र चित्र हैं। यद्यपि ज़ेन दर्शन ने धार्मिक पूजा की सामान्य वस्तुओं को आत्मज्ञान के लिए एक बाधा के रूप में माना हो सकता है, शिक्षकों को सम्मानित करने की परंपरा काफी स्वीकार्य थी। चित्र स्वयं पूजा की वस्तु नहीं हो सकता। चित्र के प्रति यह रवैया ज़ेन बौद्ध धर्म के लिए अद्वितीय नहीं था: शुद्ध भूमि संप्रदाय के कई मंत्री लगभग बौद्ध देवताओं की तरह पूजनीय थे। पोर्ट्रेट के लिए धन्यवाद, यहां तक ​​​​कि एक नया वास्तुशिल्प रूप भी दिखाई दिया - मीइडो, या पोर्ट्रेट चैपल। यथार्थवाद का तेजी से विकास पूरी तरह से समय की भावना में था।
इस तथ्य के बावजूद कि पुजारियों के सुरम्य चित्र स्पष्ट रूप से वास्तव में चित्र थे विशिष्ट जन, वे अक्सर बौद्ध धर्म के चीनी संस्थापकों को चित्रित करने वाले चित्रों की पुनर्रचना करते थे। उन्हें उपदेश देते हुए चित्रित किया गया था, मुंह खुले हुए थे, हाथ इशारे कर रहे थे; कभी-कभी भिक्षुक भिक्षुओं को विश्वास की महिमा के लिए एक कठिन यात्रा करते हुए चित्रित किया गया था।

सबसे लोकप्रिय भूखंडों में से एक रायगो (वांछित आगमन) था, जिसमें बुद्ध अमिदा को उनके साथियों के साथ चित्रित किया गया था, जो एक आस्तिक की आत्मा को उसकी मृत्यु पर बचाने और उसे स्वर्ग में स्थानांतरित करने के लिए एक बादल पर उतरते थे। इस तरह की छवियों के रंगों को अक्सर सोने से सजाया जाता था, और लहराती रेखाएं, फड़फड़ाती हुई टोपी, घूमते हुए बादलों ने बुद्ध के अवतरण के लिए आंदोलन की भावना दी थी।

उन्केई, जिन्होंने 12वीं और 13वीं शताब्दी के उत्तरार्ध में काम किया, एक नवाचार के लेखक थे जिसने लकड़ी को तराशना आसान बना दिया, जो कामकुरा काल के दौरान मूर्तिकारों की पसंदीदा सामग्री बनी रही। पहले, मास्टर डेक या लॉग के आकार और आकार से सीमित था जिससे आकृति काटी गई थी। हथियारों और कपड़ों के तत्वों को अलग-अलग आरोपित किया गया था, लेकिन तैयार टुकड़ा अक्सर मूल बेलनाकार आकार जैसा दिखता था। नई तकनीक में, दर्जनों छोटे-छोटे टुकड़ों को सावधानी से एक-दूसरे से सटा दिया गया, जिससे एक खोखला पिरामिड बन गया, जिससे प्रशिक्षु आकृति को मोटा-मोटा काट सकते थे। मूर्तिकार के पास अधिक निंदनीय सामग्री और अधिक जटिल रूपों को बनाने की क्षमता थी। मंदिर के मजबूत रक्षक और फड़फड़ाती टोपी और लबादे में देवता अधिक जीवंत लग रहे थे क्योंकि क्रिस्टल या कांच उनकी आंखों के सॉकेट में डाले जाने लगे थे; मूर्तियों को सोने के कांसे से सजाया जाने लगा। लकड़ी के सूखने के कारण वे हल्के हो गए और उनमें दरार पड़ने की संभावना कम हो गई। कुया शोनिन की उल्लिखित लकड़ी की मूर्ति, अनकेई के बेटे कोशो का काम, चित्र मूर्तिकला में कामाकुरा युग के यथार्थवाद की सर्वोच्च उपलब्धि को प्रदर्शित करता है। वास्तव में, उस समय मूर्तिकला अपने विकास के चरमोत्कर्ष पर पहुँच गई, और बाद में इसने कला में इस तरह के प्रमुख स्थान पर कब्जा नहीं किया।

धर्मनिरपेक्ष चित्रकला भी उस समय की भावना को दर्शाती है। संयमित रंगों और सुंदर रेखाओं में स्वर्गीय हियान काल के वर्णनात्मक स्क्रॉल, प्रिंस जेनजी के रोमांटिक पलायन या अदालत की एकांतप्रिय महिलाओं के मनोरंजन के बारे में बताते हैं। अब, चमकीले रंगों और ऊर्जावान स्ट्रोक के साथ, कामाकुरा युग के कलाकारों ने युद्धरत कुलों, आग की लपटों में घिरे महलों और हमलावर सैनिकों से भाग रहे भयभीत लोगों की लड़ाई को चित्रित किया। यहां तक ​​​​कि जब एक धार्मिक कहानी स्क्रॉल पर सामने आई, तो छवि पवित्र लोगों की यात्रा और उनके द्वारा किए गए चमत्कारों के ऐतिहासिक साक्ष्य के रूप में एक प्रतीक नहीं थी। इन भूखंडों के डिजाइन में, प्रकृति के लिए बढ़ता प्यार और देशी परिदृश्य के लिए प्रशंसा मिल सकती है।

मुरोमाची, या अशिकागा काल

(1392-1568)। 1392 में, 50 से अधिक वर्षों के संघर्ष के बाद, अशिकागा परिवार के तीसरे शोगुन, योशिमित्सु (1358-1408) ने देश को फिर से जोड़ा। सरकार की सीट फिर से क्योटो की नाममात्र की राजधानी बन गई, जहां अशिकागा शोगुन ने मुरोमाची क्वार्टर में अपने महलों का निर्माण किया। (इस अवधि को कभी-कभी मुरोमाची, कभी-कभी अशिकागा कहा जाता है।) युद्ध के समय ने कई मंदिरों को नहीं बख्शा - जापानी कला के भंडार, जो वहां मौजूद खजाने के साथ जल गए थे। देश गंभीर रूप से तबाह हो गया था, और यहां तक ​​​​कि शांति से भी थोड़ी राहत मिली, क्योंकि युद्धरत गुटों ने अपनी सफलता में, अपने मनमुटाव पर एहसान किया। ऐसा प्रतीत होता है कि कला के विकास के लिए स्थिति बेहद प्रतिकूल थी, लेकिन वास्तव में अशिकागा शोगुन ने इसे संरक्षण दिया, विशेष रूप से 15वीं और 16वीं शताब्दी में, जब चित्रकला का विकास हुआ।

इस समय की सबसे महत्वपूर्ण कला ज़ेन बौद्ध धर्म द्वारा प्रोत्साहित और सांग और युआन राजवंशों के चीनी डिजाइनों से प्रभावित मोनोक्रोम काव्य स्याही चित्र थे। मिंग राजवंश (1368-1644) के दौरान, चीन के साथ संपर्क नवीनीकृत किया गया, और कला के संग्रहकर्ता और संरक्षक योशिमित्सु ने चीनी चित्रकला के संग्रह और अध्ययन को प्रोत्साहित किया। वह प्रतिभाशाली कलाकारों के लिए एक मॉडल और शुरुआती बिंदु बन गईं, जिन्होंने प्रकाश और धाराप्रवाह ब्रश स्ट्रोक के साथ परिदृश्य, पक्षियों, फूलों, पुजारियों और संतों की छवियों को चित्रित किया। इस समय की जापानी पेंटिंग की विशेषता रेखा की किफायत है; कलाकार चित्रित कथानक की सर्वोत्कृष्टता को निकालता प्रतीत होता है, जिससे दर्शकों की निगाहें इसे विवरण से भर देती हैं। इन चित्रों में धूसर और चमकदार काली स्याही के परिवर्तन ज़ेन के दर्शन के बहुत करीब हैं, जिसने निश्चित रूप से उनके लेखकों को प्रेरित किया। हालांकि कामकुरा की सैन्य शक्ति के तहत भी इस पंथ का काफी प्रभाव पड़ा, लेकिन यह 15वीं और 16वीं शताब्दी में तेजी से फैलता रहा, जब कई ज़ेन मठों का उदय हुआ। मुख्य रूप से "आत्म-मुक्ति" के विचार का प्रचार करते हुए, इसने मोक्ष को बुद्ध के साथ नहीं जोड़ा, बल्कि मनुष्य के गंभीर आत्म-अनुशासन पर भरोसा करते हुए अचानक सहज "ज्ञान" प्राप्त किया जो उसे पूर्ण के साथ जोड़ता है। स्याही का संयमित लेकिन साहसिक उपयोग और विषम रचना, जिसमें कागज के अनपेक्षित हिस्सों ने आदर्श परिदृश्यों, संतों और वैज्ञानिकों को चित्रित करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाई, इस दर्शन को ध्यान में रखते हुए थे।

सुमी-ए के सबसे प्रसिद्ध प्रतिपादकों में से एक, मोनोक्रोम स्याही पेंटिंग की एक शैली, सेशु (1420-1506) थी, जो एक ज़ेन पुजारी थे, जिनके लंबे और विपुल जीवन ने उन्हें निरंतर पूजा सुनिश्चित की। अपने जीवन के अंत में, उन्होंने हबोकू (त्वरित स्याही) शैली का उपयोग करना शुरू किया, जो कि परिपक्व शैली के विपरीत, जिसमें स्पष्ट, किफायती स्ट्रोक की आवश्यकता थी, मोनोक्रोम पेंटिंग की परंपरा को लगभग अमूर्त बना दिया।
कलाकारों के कानो परिवार की गतिविधि और उनकी शैली का विकास इसी अवधि में आता है। विषयों की पसंद और स्याही के उपयोग के मामले में, यह चीनी के करीब था, लेकिन अभिव्यंजक माध्यमों के मामले में जापानी बने रहे। कानो, शोगुनेट के समर्थन से, "आधिकारिक" स्कूल या चित्रकला की कलात्मक शैली बन गया और 19वीं शताब्दी में अच्छी तरह से विकसित हुआ।

जापानी चित्रकला की दूसरी महत्वपूर्ण दिशा, टोसा स्कूल के कार्यों में यमातो-ए की भोली परंपरा जारी रही। वास्तव में, इस समय, दोनों स्कूल, कानो और टोसा, निकट से संबंधित थे, वे आधुनिक जीवन में रुचि से एकजुट थे। मोटोनोबु कानो (1476-1559), इनमें से एक उत्कृष्ट कलाकारइस अवधि के, ने न केवल अपनी बेटी की शादी प्रसिद्ध कलाकार तोसा से की, बल्कि अपने तरीके से पेंटिंग भी की।

15-16 शताब्दियों में। मूर्तिकला के कुछ ही उल्लेखनीय कार्य थे। हालांकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि नू नाटक के विकास ने, अपनी विभिन्न मनोदशाओं और भावनाओं के साथ, मूर्तिकारों के लिए गतिविधि का एक नया क्षेत्र खोल दिया - उन्होंने अभिनेताओं के लिए मुखौटे उकेरे। शास्त्रीय जापानी नाटक में अभिजात वर्ग द्वारा और उसके लिए प्रदर्शन किया गया, अभिनेताओं (एक या अधिक) ने मुखौटे पहने थे। उन्होंने भय, चिंता और भ्रम से लेकर संयमित आनंद तक कई तरह की भावनाओं को व्यक्त किया। कुछ मुखौटों को इतनी शानदार ढंग से उकेरा गया था कि अभिनेता के सिर के हल्के से मोड़ से अभिव्यक्ति में सूक्ष्म परिवर्तन हो गया। इन मुखौटों के उल्लेखनीय उदाहरण वर्षों से उन परिवारों द्वारा रखे गए हैं जिनके सदस्यों के लिए उन्हें बनाया गया था।

मोमोयामा अवधि

(1568-1615)। 1593 में, महान सैन्य तानाशाह हिदेयोशी ने मोमोयामा, "पीच हिल" पर अपना महल बनाया, और इस नाम से यह 47 साल की अवधि को अशिकागा शोगुनेट के पतन से तोकुगावा, या ईदो काल की स्थापना तक नामित करने के लिए प्रथागत है। , 1615 में। यह एक पूरी तरह से नए सैन्य वर्ग के प्रभुत्व का समय था, जिसकी महान संपत्ति ने कलाओं के उत्कर्ष में योगदान दिया। 16वीं शताब्दी के अंत में बड़े दर्शकों के हॉल और लंबे गलियारों के साथ प्रभावशाली महल फैशन में आए। और उनकी महानता के लिए उपयुक्त आभूषणों की मांग की। यह कठोर और साहसी लोगों का समय था, और नए संरक्षक, पूर्व अभिजात वर्ग के विपरीत, विशेष रूप से बौद्धिक गतिविधियों या शिल्प कौशल की सूक्ष्मताओं में रुचि नहीं रखते थे। सौभाग्य से, कलाकारों की नई पीढ़ी अपने संरक्षकों के अनुरूप रही। इस अवधि के दौरान, चमकीले क्रिमसन, पन्ना, हरे, बैंगनी और नीले रंगों में अद्भुत स्क्रीन और जंगम पैनल दिखाई दिए। इस तरह के विपुल रंग और सजावटी रूप, अक्सर सोने या चांदी की पृष्ठभूमि पर, सौ वर्षों से बहुत लोकप्रिय थे, और उनके रचनाकारों को "महान सज्जाकार" कहा जाता था। सूक्ष्म जापानी स्वाद के लिए धन्यवाद, धूमधाम शैली अश्लीलता में नहीं बदली, और यहां तक ​​​​कि जब संयम और समझ ने विलासिता और सजावटी ज्यादतियों का रास्ता दिया, तब भी जापानी लालित्य बनाए रखने में कामयाब रहे।

ईटोकू कानो (1543-1590), इस अवधि के पहले महान कलाकारों में से एक, कानो और टोसा की शैली में काम किया, पहले की ड्राइंग की अवधारणा का विस्तार किया और उन्हें दूसरे के रंगों की समृद्धि के साथ जोड़ा। हालाँकि लेखक के रूप में ईटोकू को सुरक्षित रूप से पहचाना जा सकता है, लेकिन उन्हें मोमोयामा शैली के संस्थापकों में से एक माना जाता है, और इस अवधि के अधिकांश कलाकार उनके छात्र थे या उनसे प्रभावित थे।

ईदो या तोकुगावा काल

(1615-1867)। नव एकीकृत जापान में शांति की लंबी अवधि को या तो शासक के नाम पर तोकुगावा काल या ईदो (आधुनिक टोक्यो) कहा जाता है, क्योंकि 1603 में यह शहर सत्ता का नया केंद्र बन गया था। संक्षिप्त मोमोयामा अवधि के दो प्रसिद्ध जनरलों, ओडा नोबुनागा (1534-1582) और टॉयोटोमी हिदेयोशी (1536-1598), सैन्य कार्रवाई और कूटनीति के माध्यम से, अंततः शक्तिशाली कुलों और उग्रवादी पादरियों के बीच सामंजस्य स्थापित करने में कामयाब रहे। 1598 में हिदेयोशी की मृत्यु के साथ, इयासू तोकुगावा (1542-1616) को सत्ता सौंपी गई, जिन्होंने संयुक्त रूप से शुरू किए गए उपायों को पूरा किया। 1600 में सेकिगहारा की निर्णायक लड़ाई ने इयासू की स्थिति को मजबूत किया, 1615 में ओस्का कैसल का पतन हिदेयोशी हाउस के अंतिम पतन और तोकुगावा शोगुनेट के अविभाजित शासन की स्थापना के साथ हुआ।

तोकुगावा का शांतिपूर्ण शासन 15 पीढ़ियों तक चला और केवल 19वीं शताब्दी में समाप्त हुआ। यह मूल रूप से "बंद दरवाजे" नीति की अवधि थी। 1640 के एक फरमान के द्वारा, विदेशियों को जापान में प्रवेश करने की मनाही थी, और जापानी विदेश यात्रा नहीं कर सकते थे। नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से एकमात्र वाणिज्यिक और सांस्कृतिक संबंध डच और चीनी के साथ था। अलगाव की अन्य अवधियों की तरह, 17 वीं शताब्दी के अंत में राष्ट्रीय भावनाओं और उदय का उदय हुआ। शैली चित्रकला और उत्कीर्णन का तथाकथित स्कूल।
ईदो की तेजी से बढ़ती राजधानी न केवल द्वीप साम्राज्य के राजनीतिक और व्यावसायिक जीवन का केंद्र बन गई, बल्कि कला और शिल्प का भी केंद्र बन गई। आवश्यकता है कि डेम्यो, प्रांतीय सामंती प्रभु, प्रत्येक वर्ष के एक निश्चित भाग के लिए राजधानी में हों, महल की इमारतों सहित नई इमारतों की आवश्यकता पैदा हुई, और इसलिए कलाकारों को उन्हें सजाने के लिए। धनी लेकिन गैर-अभिजात वर्ग के व्यापारियों के समवर्ती उभरते वर्ग ने कलाकारों को नया और अक्सर अव्यवसायिक संरक्षण प्रदान किया।

प्रारंभिक ईदो काल की कला आंशिक रूप से मोमोयामा शैली को जारी और विकसित करती है, जो विलासिता और वैभव की ओर अपनी प्रवृत्ति को तीव्र करती है। पिछली अवधि से विरासत में मिली विचित्र छवियों और बहुरूपता की समृद्धि का विकास जारी है। यह सजावटी शैली सत्रहवीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में अपने चरम पर पहुंच गई। तथाकथित में। टोकुगावा काल (1688-1703) का जेनरोकू युग। जापानी सजावटी कला में, पेंटिंग, कपड़े, लाह, कलात्मक trifles में रंग और सजावटी रूपांकनों की असाधारणता और समृद्धि में कोई समानता नहीं है - एक शानदार जीवन शैली के गुण।

चूँकि हम इतिहास के अपेक्षाकृत बाद के समय के बारे में बात कर रहे हैं, यह आश्चर्यजनक नहीं है कि कई कलाकारों के नाम और उनके कार्यों को संरक्षित किया गया है; यहाँ केवल कुछ सबसे प्रमुख नामों का उल्लेख करना संभव है। मोमोयामा और ईदो काल के दौरान रहने और काम करने वाले सजावटी स्कूल के प्रतिनिधियों में होनामी कोएत्सु (1558-1637) और नोनोमुरा सोतात्सु (डी। 1643) हैं। उनका काम पैटर्न, रचना और रंग की एक उल्लेखनीय भावना प्रदर्शित करता है। कोएत्सु, एक प्रतिभाशाली सेरामिस्ट और लाख कलाकार, अपनी सुलेख की सुंदरता के लिए जाने जाते थे। सोतात्सु के साथ मिलकर उन्होंने स्क्रॉल कविताएँ बनाईं जो उस समय फैशनेबल थीं। साहित्य, सुलेख और पेंटिंग के इस संयोजन में, चित्र केवल चित्र नहीं थे: उन्होंने पाठ की धारणा के लिए उपयुक्त मूड बनाया या सुझाव दिया। ओगाटा कोरिन (1658-1716) सजावटी शैली के उत्तराधिकारियों में से एक थे और उन्होंने अपने छोटे भाई ओगाटा केनज़न (1663-1743) के साथ मिलकर इसकी तकनीक में सुधार किया। केनजान, एक कलाकार की तुलना में एक सेरामिस्ट के रूप में बेहतर जाने जाते हैं, अपने प्रसिद्ध बड़े भाई के डिजाइनों के साथ खुदे हुए जहाजों को निकाल दिया। 19वीं सदी की शुरुआत में इस स्कूल का पुनरुद्धार। कवि और चित्रकार सकाई होइत्सु (1761-1828) द्वारा सजावटी शैली में अंतिम उछाल था। होरित्सु के सुंदर स्क्रॉल और स्क्रीन ने कोरिन की ड्राइंग की भावना को मारुयामा प्रकृतिवाद की प्रकृति में रुचि के साथ जोड़ दिया, जिसके परिणामस्वरूप रंग की समृद्धि और पहले की अवधि के सजावटी रूपांकनों, ब्रशस्ट्रोक की भव्यता और चालाकी से शांत हो गए।

बहुरंगी सजावटी शैली के साथ, पारंपरिक कानो स्कूल की स्याही वाली रेखाचित्र लोकप्रिय बनी रही। 1622 में कानो तान्यु (1602-1674) को शोगुन का दरबारी चित्रकार नियुक्त किया गया और उसे ईदो बुलाया गया। इस पद पर उनकी नियुक्ति और कोबिकिटो में कानो पेंटिंग के ईदो स्कूल की स्थापना के साथ, इस परंपरा के कलात्मक नेतृत्व की आधी शताब्दी की अवधि शुरू हुई, जिसने कानो परिवार की प्रमुखता को बहाल किया और ईदो काल के कार्यों को सबसे अधिक बनाया कानो पेंटिंग में महत्वपूर्ण। "महान सज्जाकार" और प्रतिद्वंद्वियों द्वारा बनाए गए सोने और चमकीले रंगों से चित्रित स्क्रीन की लोकप्रियता के बावजूद, तांग्यू, अपनी प्रतिभा और आधिकारिक स्थिति की ताकत के लिए धन्यवाद, बड़प्पन के बीच पुनर्जीवित कानो स्कूल की पेंटिंग को लोकप्रिय बनाने में सक्षम था। तनु ने कठोर टूटी हुई रेखा और एक बड़ी मुक्त सतह पर रचना तत्वों की एक सुविचारित व्यवस्था के आधार पर, कानो स्कूल की पारंपरिक विशेषताओं में शक्ति और सरलता को जोड़ा।

एक नई प्रवृत्ति, जिसमें मुख्य विशेषता प्रकृति में रुचि थी, 18 वीं शताब्दी के अंत में प्रबल होने लगी। मारुयामा ओकोयो (1733-1795), नए स्कूल के प्रमुख, एक किसान थे, फिर एक पादरी और अंत में एक कलाकार बने। पहली दो कक्षाओं ने उन्हें खुशी या सफलता नहीं दिलाई, लेकिन एक कलाकार के रूप में वे महान ऊंचाइयों पर पहुंचे और उन्हें मरुयामा यथार्थवादी स्कूल का संस्थापक माना जाता है। उन्होंने कानो स्कूल के मास्टर इशिदा युतेई (d. c. 1785) के साथ अध्ययन किया; आयातित डच नक्काशियों के आधार पर, उन्होंने परिप्रेक्ष्य प्रतिनिधित्व की पश्चिमी तकनीक को समझा, और कभी-कभी इन नक्काशियों की नकल की। उन्होंने सोंग और युआन राजवंशों से चीनी शैलियों का भी अध्ययन किया, जिसमें चेन जुआन (1235-1290) और शेन नानपिंग की सूक्ष्म और यथार्थवादी शैली शामिल है; उत्तरार्द्ध 18 वीं शताब्दी की शुरुआत में नागासाकी में रहते थे। ओक्यो ने प्रकृति से कई काम किए, और उनकी वैज्ञानिक टिप्पणियों ने प्रकृति की धारणा का आधार बनाया, जिस पर मारुयामा स्कूल आधारित था।

18वीं शताब्दी में प्रकृतिवाद में रुचि के अलावा। चीनी कलात्मक परंपरा का नए सिरे से प्रभाव। इस प्रवृत्ति के प्रतिनिधियों ने मिंग (1368-1644) और किंग (1644-1912) के चित्रकार-वैज्ञानिकों के पेंटिंग स्कूल की ओर रुख किया, हालाँकि चीन में कला की वर्तमान स्थिति के बारे में उनकी समझ शायद सीमित थी। इस जापानी स्कूल की कला को बुजिंगा (शिक्षित लोगों की कला) कहा जाता था। बुजिंगा शैली के सबसे प्रभावशाली उस्तादों में से एक इकेनो टैगा (1723-1776) थे, प्रसिद्ध कलाकारऔर सुलेखक। उनकी परिपक्व शैली की विशेषता हल्की स्वर और स्याही में हल्के पंख वाले स्ट्रोक से भरी मोटी समोच्च रेखाएँ हैं; उन्होंने हवा और बारिश में झुके हुए बाँस के तने को चित्रित करते हुए, काली स्याही के व्यापक, मुक्त स्ट्रोक के साथ चित्रित किया। छोटी, घुमावदार रेखाओं के साथ, उन्होंने जंगल से घिरी एक झील के ऊपर धुंधले पहाड़ों की छवि में उत्कीर्णन जैसा प्रभाव प्राप्त किया।
सत्रवहीं शताब्दी ईदो काल की एक और उल्लेखनीय कला दिशा को जन्म दिया। यह तथाकथित ukiyo-e (बदलती दुनिया की तस्वीरें) - आम लोगों द्वारा और उनके लिए बनाई गई शैली के दृश्य हैं। प्रारंभिक उक्यो-ए क्योटो की पुरानी राजधानी में उत्पन्न हुआ था और ज्यादातर सुरम्य थे। लेकिन उनके उत्पादन का केंद्र जल्द ही ईदो में चला गया, और उस्तादों का ध्यान वुडकट्स पर केंद्रित हो गया। यूकेयो-ई के साथ वुडकट प्रिंटिंग के घनिष्ठ संबंध ने गलत धारणा को जन्म दिया है कि वुडकट प्रिंटिंग इस अवधि की खोज थी; वास्तव में, इसकी उत्पत्ति 11वीं शताब्दी में हुई थी। इस तरह की प्रारंभिक छवियां बौद्ध धर्म के संस्थापकों और देवताओं को चित्रित करते हुए प्रकृति में मन्नत थीं, और कामाकुरा काल के दौरान, नक्काशीदार ब्लॉकों से कुछ वर्णनात्मक स्क्रॉल पुन: प्रस्तुत किए गए थे। हालाँकि, उत्कीर्णन की कला 17 वीं से 19 वीं शताब्दी के मध्य की अवधि में विशेष रूप से लोकप्रिय हुई।

Ukiyo-e नक्काशियों के विषय समलैंगिक क्वार्टर, पसंदीदा अभिनेताओं और नाटकों के दृश्यों के सुंदर दरबारी थे। जल्दी, तथाकथित। आदिम उत्कीर्णन काले रंग में किए गए थे, मजबूत लयबद्ध लहराती रेखाओं के साथ, और सरल डिजाइनों द्वारा प्रतिष्ठित थे। उन्हें कभी-कभी नारंगी-लाल रंग में हाथ से चित्रित किया जाता था जिसे तन-ए (चमकदार लाल चित्र) कहा जाता था, जिसमें सरसों के पीले और हरे निशान होते थे। कुछ "आदिम" कलाकारों ने उरुशु-ए (लाह पेंटिंग) नामक हाथ की पेंटिंग का इस्तेमाल किया, जिसमें अंधेरे क्षेत्रों को बढ़ाया गया और गोंद के अतिरिक्त उज्ज्वल बनाया गया। एक प्रारंभिक पॉलीक्रोम प्रिंट, जो 1741 या 1742 में दिखाई दिया, उसे बेनिज़ुरी-ए (क्रिमसन प्रिंट) कहा जाता था और आमतौर पर तीन रंगों का इस्तेमाल किया जाता था - गुलाब लाल, हरा और कभी-कभी पीला। वास्तव में बहु-रंग उत्कीर्णन, पूरे पैलेट का उपयोग करते हुए और निशिकी-ए (ब्रोकेड चित्र) कहलाते हैं, 1765 में दिखाई दिए।

अलग-अलग प्रिंट बनाने के अलावा, कई उत्कीर्णकों ने किताबों को चित्रित किया और किताबों और स्क्रॉल पर कामुक चित्र बनाकर पैसा कमाया। यह ध्यान में रखा जाना चाहिए कि यूकेयो-ए उत्कीर्णन में तीन प्रकार की गतिविधि शामिल थी: यह एक ड्राफ्ट्समैन का काम था, जिसका नाम प्रिंट बोर, एक कार्वर और एक प्रिंटर था।

हिशिकावा मोरोनोबू (सी. 1625-1694) को उकियो-ए प्रिंट बनाने की परंपरा का संस्थापक माना जाता है। इस प्रवृत्ति के अन्य "आदिम" कलाकार हैं कियोमासु (1694-1716) और कैगेटसुडो समूह (कलाकारों का एक अजीब समुदाय जिसका अस्तित्व अस्पष्ट है), साथ ही ओकुमुरा मसानोबू (1686-1764)।

बेनिज़ुरी-ए प्रिंट बनाने वाले संक्रमणकालीन कलाकार थे इशिकावा टोयोनोबू (1711-1785), तोरी कियोहिरो (सक्रिय सी। 1751-1760), और तोरी कियोमित्सु (1735-1785)।

सुज़ुकी हारुनोबू (1725-1770) की कृतियों ने पोलीक्रोम उत्कीर्णन के युग की शुरुआत की। नरम, लगभग तटस्थ रंगों से भरे, सुंदर महिलाओं और वीर प्रेमियों से आबाद, हारुनोबू प्रिंट एक बड़ी सफलता थी। लगभग उसी समय, कात्सुकावा शुंशो (1726-1792), तोरी किनागा (1752-1815) और कितागावा उतामारो (1753-1806) ने उनके साथ काम किया। उनमें से प्रत्येक ने इस शैली के विकास में योगदान दिया; उस्तादों ने सुंदर सुंदरियों का चित्रण करते हुए नक्काशी की और प्रसिद्ध अभिनेताश्रेष्ठता के लिए। 1794-1795 में कुछ महीनों में, रहस्यमय तोसुसाई सरकू ने उन दिनों के अभिनेताओं के आश्चर्यजनक रूप से मजबूत और स्पष्ट रूप से क्रूर चित्र बनाए।

19वीं सदी के पहले दशकों में यह शैली परिपक्वता तक पहुँच गई है और गिरावट शुरू हो गई है। कटुशिका होकुसाई (1760-1849) और एंडो हिरोशिगे (1797-1858) युग के महानतम स्वामी हैं, जिनका काम 19वीं शताब्दी में उत्कीर्णन कला के पतन को जोड़ता है। और 20वीं सदी की शुरुआत में इसका नया पुनरुद्धार। दोनों मुख्य रूप से परिदृश्य चित्रकार थे, जो आधुनिक जीवन की घटनाओं को अपने उत्कीर्णन में ठीक करते थे। कार्वर और प्रिंटर की तकनीक की शानदार महारत ने उत्कीर्णन में सनकी रेखाओं और ढलते सूरज या धुंध के हल्के रंगों को व्यक्त करना संभव बना दिया।

मीजी बहाली और आधुनिक काल।

अक्सर ऐसा होता है कि एक या दूसरे लोगों की प्राचीन कला नामों, तिथियों और जीवित कार्यों में खराब होती है, इसलिए कोई भी निर्णय केवल बड़ी सावधानी और सम्मेलन के साथ ही किया जा सकता है। हालाँकि, समकालीन कला को आंकना भी कम कठिन नहीं है, क्योंकि हम किसी भी आंदोलन या कलाकार और उसके काम के पैमाने का सही आकलन करने के लिए एक ऐतिहासिक परिप्रेक्ष्य से वंचित हैं। जापानी कला का अध्ययन कोई अपवाद नहीं है, और सबसे अधिक जो किया जा सकता है वह है समकालीन कला का एक चित्रमाला प्रस्तुत करना और कुछ अनंतिम प्रारंभिक निष्कर्ष निकालना।

19वीं सदी के दूसरे भाग में व्यापार के लिए जापानी बंदरगाहों को फिर से खोल दिया गया, राजनीतिक परिदृश्य में बड़े बदलाव हुए। 1868 में, शोगुनेट को समाप्त कर दिया गया और सम्राट मीजी का शासन बहाल कर दिया गया। आधिकारिक राजधानी और सम्राट के निवास को ईदो में स्थानांतरित कर दिया गया, और शहर को ही टोक्यो (पूर्वी राजधानी) के रूप में जाना जाने लगा।

जैसा कि अतीत में हुआ है, राष्ट्रीय अलगाव के अंत ने अन्य राष्ट्रों की उपलब्धियों में बहुत रुचि पैदा की। इस समय, जापानियों ने विज्ञान और प्रौद्योगिकी में एक बड़ी छलांग लगाई। कलात्मक रूप से, मीजी युग (1868-1912) की शुरुआत प्रौद्योगिकी सहित पश्चिमी हर चीज की स्वीकृति को प्रदर्शित करती है। हालाँकि, यह उत्साह लंबे समय तक नहीं रहा, और इसके बाद आत्मसात करने की अवधि, नए रूपों का उदय, अपनी परंपराओं और नए पश्चिमी रुझानों की वापसी का संयोजन हुआ।

कलाकारों में, कानो होगई (1828-1888), शिमोमुरा कंज़न (1873-1916), टेकुची सेहो (1864-1924) और तोमिओका टेसाई (1836-1942) ने प्रसिद्धि प्राप्त की। पहले तीन ने पारंपरिक जापानी शैली और विषयों का पालन किया, हालांकि उन्होंने मनोदशा और तकनीक में मौलिकता दिखाने की मांग की। उदाहरण के लिए, सेहो ने क्योटो के शांत और रूढ़िवादी माहौल में काम किया। उसका शुरुआती काममारुयामा के प्राकृतिक तरीके से बनाया गया, लेकिन बाद में उन्होंने चीन में बड़े पैमाने पर यात्रा की और चीनी स्याही चित्रकला से गहराई से प्रभावित हुए। संग्रहालयों और अग्रणी के लिए उनकी यात्राएं कला केंद्रयूरोप ने भी उनके काम में छाप छोड़ी। इस समय के सभी प्रमुख कलाकारों में से केवल तोमिओका टेसाई ही एक नई शैली विकसित करने के करीब पहुंचे। उनके ऊर्जावान और ताकतवर कार्यों में, खुरदरी, मुड़ी हुई, दांतेदार रेखाएं और काली स्याही के धब्बे रंग के बारीक लिखे पैच के साथ संयुक्त होते हैं। बाद के वर्षों में, कुछ युवा तेल चित्रकार सफल हुए जहां उनके दादा विफल हो गए थे। इस असामान्य सामग्री के साथ काम करने के पहले प्रयास पेरिस के कैनवस की याद दिलाते थे और विशेष मूल्य या विशेष रूप से जापानी विशेषताओं से अलग नहीं थे। हालाँकि, असाधारण अपील के कार्य अब बनाए जा रहे हैं, जिसमें अमूर्त विषयों के माध्यम से रंग और संतुलन की एक विशिष्ट जापानी भावना चमकती है। अन्य कलाकार, अधिक प्राकृतिक और पारंपरिक स्याही के साथ काम करते हैं और कभी-कभी प्रारंभिक बिंदु के रूप में सुलेख का उपयोग करते हुए, भूरे रंग के रंगों के साथ शानदार काले रंग में ऊर्जावान अमूर्त टुकड़े बनाते हैं।

जैसा कि ईदो काल में, 19वीं और 20वीं शताब्दी में। मूर्तिकला लोकप्रिय नहीं थी। लेकिन इस क्षेत्र में, प्रतिनिधि आधुनिक पीढ़ीअमेरिका और यूरोप में प्रशिक्षित, बड़ी सफलता के साथ प्रयोग किया। छोटे कांस्य की मूर्तियां, रूप में सार और अजीब तरह से नामित, जापानी रेखा और रंग की भावना दिखाती हैं, जो एक नरम हरे या गर्म भूरे रंग के पेटीना के उपयोग में प्रकट होती है; वुडकार्विंग सामग्री की बनावट के लिए जापानियों के प्यार की गवाही देता है।

सोसाकु हैंगा, जापानी "रचनात्मक प्रिंट", केवल 20वीं शताब्दी के पहले दशक में दिखाई दिया, लेकिन एक विशेष कला दिशा के रूप में इसने आधुनिक कला के अन्य सभी क्षेत्रों को ग्रहण कर लिया। यह आधुनिक प्रिंट, कड़ाई से बोलना, पुराने यूकेयो-ए वुडकट का उत्तराधिकारी नहीं है; वे शैली, भूखंडों और सृजन के तरीकों में भिन्न हैं। कलाकारों, जिनमें से कई पश्चिमी चित्रकला से अत्यधिक प्रभावित थे, ने अपने स्वयं के महत्व को महसूस किया कलात्मक विरासतऔर अपने रचनात्मक आदर्शों को व्यक्त करने के लिए लकड़ी में उपयुक्त सामग्री पाई। हैंगा मास्टर्स न केवल पेंट करते हैं, बल्कि लकड़ी के ब्लॉक पर चित्र भी उकेरते हैं और उन्हें खुद प्रिंट करते हैं। यद्यपि इस कला के रूप में लकड़ी का काम अपने उच्चतम स्तर पर है, सभी आधुनिक पश्चिमी प्रिंटमेकिंग तकनीकों का उपयोग किया जाता है। कुछ मामलों में पत्तियों, सुतली और "मिली हुई वस्तुओं" के साथ प्रयोग करने से आप अद्वितीय सतह बनावट प्रभाव बना सकते हैं। सबसे पहले, इस प्रवृत्ति के आकाओं को मान्यता प्राप्त करने के लिए मजबूर किया गया था: आखिरकार, उक्यो-ए स्कूल की सर्वश्रेष्ठ उपलब्धियां भी बौद्धिक कलाकारों द्वारा एक अनपढ़ भीड़ के साथ जुड़ी हुई थीं और उन्हें सर्वसाधारण कला माना जाता था। ओन्ची कोशिरो, हिरात्सुका यूनिची और माकावा सेनपैन जैसे कलाकारों ने प्रिंटमेकिंग के प्रति सम्मान बहाल करने और इसे ललित कला की एक योग्य शाखा के रूप में स्थापित करने के लिए बहुत कुछ किया। उन्होंने कई युवा कलाकारों को अपने समूह की ओर आकर्षित किया और उत्कीर्णकों की संख्या अब सैकड़ों में है। इस पीढ़ी के उस्तादों में जिन्होंने जापान और पश्चिम में पहचान हासिल की, अज़ेची उमेतारो, मुनाकाता शिको, यामागुची जनरल और सैटो कियोशी हैं। ये ऐसे स्वामी हैं जिनकी नवीनता और निर्विवाद प्रतिभा ने उन्हें जापान के प्रमुख कलाकारों के बीच एक योग्य स्थान पर कब्जा करने की अनुमति दी है। उनके कई साथियों और अन्य, छोटे हंगा कलाकारों ने भी उल्लेखनीय उत्कीर्णन का निर्माण किया; तथ्य यह है कि हम यहां उनके नामों का उल्लेख नहीं करते हैं, इसका मतलब उनके काम का कम मूल्यांकन नहीं है।

कला और अनुप्रयुक्त कला, वास्तुकला और उद्यान

पिछले खंड मुख्य रूप से पेंटिंग और मूर्तिकला से संबंधित हैं, जिन्हें अधिकांश देशों में मुख्य प्रकार की कला माना जाता है। दृश्य कला. शायद लेख के अंत में सजावटी कला और लोक शिल्प, उद्यान और वास्तुकला की कला - रूपों को शामिल करना अनुचित है जो जापानी कला का एक महत्वपूर्ण और अभिन्न अंग थे। हालाँकि, शायद, वास्तुकला के अपवाद के साथ, उन्हें अलग से विशेष विचार की आवश्यकता होती है सामान्य आवधिकताजापानी कला और शैली परिवर्तन के साथ।

चीनी मिट्टी और चीनी मिट्टी के बरतन।

जापान में सबसे महत्वपूर्ण कला और शिल्प मिट्टी के पात्र और चीनी मिट्टी के बरतन हैं। सिरेमिक कला स्वाभाविक रूप से दो श्रेणियों में आती है। उम्दा पॉलीक्रोम इमारी, नबेशिमा और काकीमोन चाइना ने उत्पादन के स्थानों से अपना नाम लिया, और एक क्रीम या नीले-सफेद सतह पर इसकी समृद्ध पेंटिंग का उद्देश्य बड़प्पन और अदालती हलकों के लिए था। असली चीनी मिट्टी के बरतन बनाने की प्रक्रिया जापान में 16वीं सदी के अंत या 17वीं सदी की शुरुआत में जानी गई; चिकने ग्लेज़ वाली प्लेटें और कटोरे, असममित या ब्रोकेड-जैसे पैटर्न के साथ, घर और पश्चिम दोनों में मूल्यवान हैं।

मिट्टी या कम गुणवत्ता वाले पत्थर के द्रव्यमान से बने कच्चे बर्तनों में चीनी मिट्टी के बरतन के विपरीत, जो शिनो, ओरिबे और बिज़ेन के लिए विशिष्ट है, सामग्री पर ध्यान केंद्रित किया जाता है, सजावटी तत्वों की लापरवाह, लेकिन विचारशील व्यवस्था। ज़ेन बौद्ध धर्म की अवधारणाओं से प्रभावित, ऐसे बर्तन बौद्धिक हलकों में बहुत लोकप्रिय थे और विशेष रूप से चाय समारोहों में व्यापक रूप से उपयोग किए जाते थे। कई कपों, चायदानियों और कैडडीज में, चाय समारोह की कला की विशेषताएं, ज़ेन बौद्ध धर्म का बहुत सार सन्निहित था: कठिन आत्म-अनुशासन और सख्त सादगी। जापानी सजावटी कला के उत्कर्ष के दौरान, प्रतिभाशाली कलाकार कोरिन और केनज़ान सिरेमिक उत्पादों को सजाने में लगे हुए थे। यह याद रखना चाहिए कि केनज़ान की प्रसिद्धि एक सेरामिस्ट के रूप में उनकी प्रतिभा से अधिक जुड़ी हुई है, न कि एक चित्रकार के रूप में। बर्तन बनाने के कुछ सरल प्रकार और तकनीकें लोक शिल्प परंपराओं से आती हैं। आधुनिक कार्यशालाएँ, पुरानी परंपराओं को जारी रखते हुए, सुंदर उत्पाद बनाती हैं जो उनकी सुरुचिपूर्ण सादगी से प्रसन्न होती हैं।

लाख उत्पाद।

पहले से ही 7-8 शताब्दियों में। वार्निश जापान में जाना जाता था। इस समय से, पतली सुनहरी रेखाओं के साथ लगाए गए लोगों और ज्यामितीय रूपांकनों की छवियों से सजाए गए कास्केट के ढक्कन को संरक्षित किया गया है। हम पहले ही 8वीं और 9वीं शताब्दी में मूर्तिकला के लिए शुष्क-लाह तकनीक के महत्व के बारे में बात कर चुके हैं; उसी समय और बाद में, सजावटी वस्तुएं जैसे लेटर बॉक्स या अगरबत्ती बनाई गईं। ईदो काल के दौरान, इन उत्पादों को बड़ी मात्रा में और सबसे शानदार सजावट के साथ बनाया गया था। नाश्ते के लिए, केक के लिए, अगरबत्ती और दवाओं के लिए शानदार ढंग से सजाए गए बक्से, जिन्हें इनरो कहा जाता है, इस समय में निहित विलासिता के धन और प्रेम को दर्शाते हैं। वस्तुओं की सतह को सोने और चांदी के पाउडर, सोने की पन्नी के टुकड़े, अकेले या शेल इनले, मदर-ऑफ-पर्ल, टिन और सीसे के मिश्र धातु आदि के पैटर्न से सजाया गया था; ये पैटर्न लाख की लाल, काली या भूरी सतह के विपरीत हैं। कभी-कभी कोरिन और कोएत्सु जैसे कलाकारों ने लाह के डिजाइन बनाए, लेकिन यह संभावना नहीं है कि उन्होंने व्यक्तिगत रूप से इन कार्यों में भाग लिया हो।

तलवारें।

जापानी, जैसा कि पहले ही कहा जा चुका है, अपने इतिहास के काफी समय तक योद्धाओं के लोग रहे हैं; हथियारों और कवच को आबादी के एक बड़े हिस्से के लिए आवश्यक वस्तु माना जाता था। तलवार आदमी की शान थी; ब्लेड और तलवार के अन्य सभी हिस्सों, विशेष रूप से हैंडल (त्सुबा) दोनों को विभिन्न तकनीकों में सजाया गया था। लोहे या कांसे से बने त्सुबा को सोने और चांदी के इनले, नक्काशीदार या दोनों के साथ सजाया गया था। उन्होंने लोगों, फूलों या हथियारों के पारिवारिक कोट (सोम) के परिदृश्य या आंकड़े चित्रित किए। यह सब तलवार बनाने वालों के काम का पूरक था।

कपड़े।

अमीर पैटर्न वाले रेशम और अन्य कपड़े, अदालत और पादरियों द्वारा भव्यता और प्रचुरता के समय के साथ-साथ लोक कला की लगभग आदिम डिजाइन विशेषता वाले सादे कपड़े भी राष्ट्रीय जापानी प्रतिभा की अभिव्यक्ति हैं। जेनरोकू के समृद्ध युग के दौरान अपने चरम पर पहुंचने के बाद, आधुनिक जापान में वस्त्र कला फिर से विकसित हुई है। यह पारंपरिक रंगों और सजावटी रूपांकनों के साथ पश्चिम के विचारों और कृत्रिम रेशों को जोड़ती है।

उद्यान।

हाल के दशकों में, पश्चिमी जनता के इन कला रूपों के अधिक प्रदर्शन के कारण जापानी उद्यानों और वास्तुकला में रुचि बढ़ी है। जापान में उद्यानों का एक विशेष स्थान है; वे उच्च धार्मिक और दार्शनिक सत्य की अभिव्यक्ति और प्रतीक हैं, और ये अस्पष्ट, प्रतीकात्मक ओवरटोन, बगीचों की स्पष्ट सुंदरता के साथ मिलकर, पश्चिमी दुनिया की रुचि जगाते हैं। यह नहीं कहा जा सकता कि धार्मिक या दार्शनिक विचार थे मुख्य कारणउद्यान बनाना, लेकिन योजना बनाते और बनाते समय, योजनाकारों ने ऐसे तत्वों पर विचार किया, जिनके चिंतन से दर्शकों को विभिन्न दार्शनिक सत्यों पर विचार करना पड़ेगा। यहाँ, ज़ेन बौद्ध धर्म का चिंतनशील पहलू असामान्य पत्थरों के समूह में सन्निहित है, रेत और बजरी की लहरें, टर्फ के साथ संयुक्त, या पौधों को व्यवस्थित किया जाता है ताकि उनके पीछे की धारा गायब हो जाए और फिर से दिखाई दे, जो सभी दर्शक को स्वतंत्र रूप से पूरा करने के लिए प्रोत्साहित करते हैं। निर्माण उद्यान विचारों के दौरान रखी गई। समझदार व्याख्याओं पर अस्पष्ट संकेतों की प्राथमिकता ज़ेन दर्शन की विशेषता है। बोन्साई के बौने पेड़ और छोटे गमले वाले बगीचे, जो अब पश्चिम में लोकप्रिय हैं, इन विचारों की निरंतरता बन गए हैं।

वास्तुकला।

मुख्य स्थापत्य स्मारकजापान मंदिर, मठवासी परिसर, सामंती महल और महल हैं। प्राचीन काल से लेकर आज तक, लकड़ी मुख्य निर्माण सामग्री रही है और काफी हद तक डिजाइन सुविधाओं को निर्धारित करती है। सबसे पुरानी धार्मिक इमारतें शिंटो के राष्ट्रीय जापानी धर्म के मंदिर हैं; ग्रंथों और रेखाचित्रों को देखते हुए, वे प्राचीन आवासों की तरह, एक छत वाली छत के साथ अपेक्षाकृत सरल इमारतें थीं। बौद्ध धर्म के प्रसार के बाद बनाए गए और इससे जुड़े मंदिर भवन शैली और लेआउट में चीनी प्रोटोटाइप पर आधारित थे। बौद्ध मंदिर वास्तुकला समय के साथ बदल गया है, और विभिन्न संप्रदायों में इमारतों की सजावट और व्यवस्था अलग-अलग है। जापानी इमारतों में ऊंची छतों वाले बड़े हॉल और कंसोल की एक जटिल प्रणाली की विशेषता है, और उनकी सजावट उनके समय के स्वाद को दर्शाती है। 7 वीं शताब्दी की शुरुआत में नारा के पास निर्मित होरीयू-जी परिसर की सरल और राजसी वास्तुकला, असुका काल की विशेषता है, जैसे हूडो, उजी के "फीनिक्स हॉल" के अनुपात की सुंदरता और लालित्य लोटस झील में परिलक्षित होता है। , हियान काल का है। ईदो काल की अधिक विस्तृत संरचनाओं को समान "महान सज्जाकार" द्वारा बनाए गए बड़े पैमाने पर चित्रित स्लाइडिंग दरवाजों और स्क्रीन के रूप में अतिरिक्त अलंकरण प्राप्त हुए, जिन्होंने मोएटेड महल और सामंती महलों के अंदरूनी हिस्सों को सजाया।

जापान की वास्तुकला और उद्यान इतने निकट से जुड़े हुए हैं कि उन्हें एक दूसरे का हिस्सा माना जा सकता है। यह चाय समारोह के लिए इमारतों और उद्यान घरों के लिए विशेष रूप से सच है। उनके खुलेपन, सादगी, और सावधानीपूर्वक तैयार किए गए परिदृश्य और परिप्रेक्ष्य के संबंध पर बहुत प्रभाव पड़ता है आधुनिक वास्तुकलापश्चिम।

पश्चिम में जापानी कला का प्रभाव

केवल एक शताब्दी के भीतर, जापान की कला पश्चिम में जानी जाने लगी और उस पर एक महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। पहले भी संपर्क थे (उदाहरण के लिए, नागासाकी बंदरगाह के माध्यम से डच ने जापान के साथ व्यापार किया था), लेकिन 17 वीं शताब्दी में यूरोप में जो वस्तुएं पहुंचीं, वे मुख्य रूप से लागू कला के काम थे - चीनी मिट्टी के बरतन और लाह के बर्तन। उन्हें उत्सुकता से जिज्ञासा के रूप में एकत्र किया गया और विभिन्न तरीकों से कॉपी किया गया, लेकिन इन सजावटी निर्यातों ने जापानी कला के सार और गुणवत्ता को प्रतिबिंबित नहीं किया और यहां तक ​​​​कि जापानी को पश्चिमी स्वाद का एक अप्रभावी विचार भी दिया।

पहली बार, 1862 में लंदन में विशाल अंतर्राष्ट्रीय प्रदर्शनी के दौरान पश्चिमी चित्रकला ने यूरोप में जापानी कला के प्रत्यक्ष प्रभाव का अनुभव किया। पांच साल बाद पेरिस प्रदर्शनी में पेश किया गया, जापानी वुडब्लॉक प्रिंट ने नए सिरे से दिलचस्पी जगाई। उत्कीर्णन के कई निजी संग्रह तुरंत उभर आए। देगास, मानेट, मोनेट, गागुइन, वान गाग और अन्य ने जापानी रंग के प्रिंट को रहस्योद्घाटन के रूप में लिया; प्रभाववादियों पर जापानी प्रिंटमेकिंग का एक मामूली लेकिन हमेशा पहचानने योग्य प्रभाव अक्सर नोट किया जाता है। अमेरिकन व्हिस्लर और मैरी कसाट लाइन के संयम और उकियो-ए प्रिंट और पेंटिंग के चमकीले रंगों से आकर्षित हुए।

1868 में विदेशियों के लिए जापान के खुलने से सभी पश्चिमी चीजों के प्रति आकर्षण पैदा हो गया और जापानियों को अपनी समृद्ध संस्कृति और कलात्मक विरासत से दूर कर दिया। इस समय, कई खूबसूरत पेंटिंग और मूर्तियां बेची गईं और पश्चिमी संग्रहालयों और निजी संग्रहों में समाप्त हो गईं। इन वस्तुओं की प्रदर्शनियों ने पश्चिम को जापान से परिचित कराया और सुदूर पूर्व की यात्रा में रुचि को प्रेरित किया। निस्संदेह, द्वितीय विश्व युद्ध के अंत में अमेरिकी सैनिकों द्वारा जापान के कब्जे ने जापानी मंदिरों और उनके खजाने के परिचित और गहन अध्ययन के लिए पहले की तुलना में अधिक अवसर खोले। यह रुचि अमेरिकी संग्रहालयों की उपस्थिति में परिलक्षित हुई। सामान्य रूप से ओरिएंट में रुचि जापानी सार्वजनिक और निजी संग्रह से चयनित जापानी कला की प्रदर्शनियों के संगठन के कारण हुई और अमेरिका और यूरोप में लाई गई।

वैज्ञानिक अनुसंधान हाल के दशकइस राय का खंडन करने के लिए बहुत कुछ किया कि जापानी कला केवल चीनी कला का प्रतिबिंब है, और कई जापानी प्रकाशनों पर अंग्रेजी भाषापश्चिम को पूर्व के आदर्शों से परिचित कराया।

आधुनिक जापानी कला परिदृश्य पूरी तरह से वैश्वीकृत प्रतीत होता है। कलाकार टोक्यो और न्यूयॉर्क के बीच यात्रा करते हैं, लगभग सभी ने यूरोपीय या अमेरिकी शिक्षा प्राप्त की, वे अंतरराष्ट्रीय कला अंग्रेजी में अपने काम के बारे में बात करते हैं। हालाँकि, यह चित्र पूर्ण से बहुत दूर है।

राष्ट्रीय रूप और रुझान सबसे अधिक मांग वाले सामानों में से एक हैं जो जापान कलात्मक विचारों और कार्यों के विश्व बाजार में पेश कर सकता है।

विमान संचालन। कैसे सुपरफ्लैट अमेरिकी गीक संस्कृति और पारंपरिक जापानी पेंटिंग को जोड़ती है

ताकाशी मुराकामी। "तांग टैन बो"

यदि पश्चिमी दुनिया में लगभग सभी के लिए (शायद सबसे उत्साही उत्तर आधुनिक सिद्धांतकारों को छोड़कर) उच्च और जन संस्कृति के बीच की सीमा अभी भी प्रासंगिक बनी हुई है, भले ही समस्याग्रस्त हो, तो जापान में ये दुनिया पूरी तरह से मिश्रित हैं।

इसका एक उदाहरण ताकाशी मुराकामी हैं, जो दुनिया की सर्वश्रेष्ठ दीर्घाओं और स्ट्रीमिंग प्रोडक्शन में प्रदर्शनियों को सफलतापूर्वक जोड़ते हैं।

मुराकामी प्रदर्शनी के दौरे की रिकॉर्डिंग "हल्की बारिश होगी"

हालांकि, मुराकामी का लोकप्रिय संस्कृति के साथ संबंध - और जापान के लिए यह मुख्य रूप से मंगा और एनीमे प्रशंसकों (ओटाकू) की संस्कृति है - अधिक जटिल है। दार्शनिक हिरोकी अज़ुमा एक प्रामाणिक जापानी घटना के रूप में ओटाकू की समझ की आलोचना करते हैं। ओटाकू खुद को 17वीं-19वीं सदी के ईदो काल की परंपराओं से सीधे तौर पर जुड़ा हुआ मानते हैं - अलगाववाद का युग और आधुनिकीकरण की अस्वीकृति। अज़ुमा का तर्क है कि ओटाकू आंदोलन - मंगा, एनीमेशन, ग्राफिक उपन्यास, कंप्यूटर गेम पर आधारित - अमेरिकी संस्कृति के आयात के परिणामस्वरूप युद्ध के बाद के अमेरिकी कब्जे के संदर्भ में ही उत्पन्न हो सकता था। मुराकामी और उनके अनुयायियों की कला पॉप कला तकनीकों के साथ ओटाकू को फिर से खोजती है और परंपरा की प्रामाणिकता के राष्ट्रवादी मिथक को तोड़ती है। यह "जापानीकृत अमेरिकी संस्कृति के पुन: अमेरिकीकरण" का प्रतिनिधित्व करता है।

एक कलात्मक दृष्टिकोण से, सुपरफ्लैट शुरुआती जापानी यूकेयो-ई पेंटिंग के सबसे करीब है। इस परंपरा में सबसे प्रसिद्ध काम कटुशिका होकुसाई (1823-1831) द्वारा प्रिंट द ग्रेट वेव ऑफ कानागावा है।

पश्चिमी आधुनिकतावाद के लिए, जापानी चित्रकला की खोज एक सफलता थी। इसने चित्र को एक विमान के रूप में देखना संभव बना दिया और इसकी इस ख़ासियत को दूर करने के लिए नहीं, बल्कि इसके साथ काम करने की कोशिश की।

कात्सुशिकी होकुसाई। "द ग्रेट वेव ऑफ कनागावा"

प्रदर्शन के अग्रदूत। 1950 के दशक की जापानी कला का आज क्या मतलब है

अकीरा कानायामा और कज़ुओ शिरागा की रचनात्मक प्रक्रिया का दस्तावेज़ीकरण

सुपरफ्लैट ने केवल 2000 के दशक में आकार लिया। लेकिन विश्व कला के लिए महत्वपूर्ण कलात्मक क्रियाएं जापान में बहुत पहले शुरू हुईं - और पश्चिम की तुलना में पहले भी।

पिछली सदी के 60 और 70 के दशक में कला में प्रदर्शनकारी मोड़ आया। जापान में, प्रदर्शन पचास के दशक में दिखाई दिया।

पहली बार, गुताई समूह ने अपना ध्यान आत्मनिर्भर वस्तुओं के निर्माण से उनके उत्पादन की प्रक्रिया में स्थानांतरित कर दिया है। यहाँ से - एक अल्पकालिक घटना के पक्ष में कला वस्तु के परित्याग की ओर एक कदम।

हालांकि गुताई के अलग-अलग कलाकार (और बीस वर्षों में उनमें से 59 थे) अंतरराष्ट्रीय संदर्भ में सक्रिय रूप से मौजूद थे, यह समझते हुए कि जापानी युद्ध के बाद की कला की उनकी सामूहिक गतिविधि हाल ही में पश्चिम में कैसे शुरू हुई। 2013 में न्यूयॉर्क और लॉस एंजिल्स, टोक्यो 1955-1970 में छोटी दीर्घाओं में कई प्रदर्शनियों के साथ उछाल आया: MoMA में न्यू अवंत-गार्डे, और बड़े पैमाने पर ऐतिहासिक पूर्वव्यापी गुटाई: गुगेनहाइम संग्रहालय में शानदार खेल का मैदान। जापानी कला का मास्को आयात इस प्रवृत्ति का लगभग एक विलंबित निरंतरता प्रतीत होता है।

सदामसा मोटोनागा। गुगेनहाइम संग्रहालय में कार्य (जल)।

यह हड़ताली है कि ये पूर्वदर्शी प्रदर्शनियां कितनी आधुनिक दिखती हैं। उदाहरण के लिए, गुगेनहाइम संग्रहालय में प्रदर्शनी का केंद्रीय उद्देश्य सदामसा मोटोनागा द्वारा कार्य (जल) का पुनर्निर्माण है, जिसमें संग्रहालय रोटुंडा के स्तर रंगीन पानी के साथ पॉलीथीन पाइप से जुड़े हुए हैं। वे ब्रश स्ट्रोक की याद दिलाते हैं जो कैनवास को फाड़ दिया गया है, और "ठोसता" पर गुटाई के केंद्रीय फोकस के उदाहरण के रूप में काम करते हैं (जैसा कि बैंड का नाम जापानी से अनुवादित है), उन वस्तुओं की भौतिकता जिसके साथ कलाकार काम करता है।

गुटाई के कई सदस्यों ने शास्त्रीय निहोंगा पेंटिंग से संबंधित शिक्षा प्राप्त की, कई ज़ेन बौद्ध धर्म के धार्मिक संदर्भ से इसकी विशिष्ट जापानी सुलेख के लिए जीवनी से जुड़े हुए हैं। उन सभी ने प्राचीन परंपराओं के लिए एक नया, प्रक्रियात्मक या सहभागी दृष्टिकोण पाया। काज़ुओ शिरागा ने वीडियो टेप किया है कि कैसे वह अपने पैरों से रौशेनबर्ग विरोधी मोनोक्रोम बनाते हैं, और यहां तक ​​कि सार्वजनिक रूप से पेंटिंग भी बनाते हैं।

मिनोरू योशिदा ने जापानी प्रिंट से फूलों को साइकेडेलिक वस्तुओं में बदल दिया - इसका एक उदाहरण उभयलिंगी फूल है, जो दुनिया में पहली गतिज (चलती) मूर्तियों में से एक है।

गुगेनहाइम संग्रहालय में प्रदर्शनी के क्यूरेटर इन कार्यों के राजनीतिक महत्व के बारे में बात करते हैं:

"गुटई ने सामाजिक निष्क्रियता और अनुरूपता का मुकाबला करने के तरीकों के रूप में मुक्त व्यक्तिगत कार्रवाई, दर्शकों की अपेक्षाओं के विध्वंस और यहां तक ​​​​कि मूर्खता के महत्व को प्रदर्शित किया, जिसने दशकों से एक सैन्यवादी सरकार को प्रभाव का एक महत्वपूर्ण द्रव्यमान प्राप्त करने की अनुमति दी, चीन पर आक्रमण किया, और फिर द्वितीय विश्व युद्ध में शामिल हों।"

अच्छा और समझदार। 1960 के दशक में कलाकारों ने अमेरिका के लिए जापान क्यों छोड़ा

युद्ध के बाद के जापान में गुताई शासन का अपवाद था। अवांट-गार्डे समूह सीमांत बने रहे, कला की दुनिया सख्ती से पदानुक्रमित थी। मान्यता प्राप्त करने का मुख्य तरीका शास्त्रीय कलाकारों के मान्यता प्राप्त संघों द्वारा आयोजित प्रतियोगिताओं में भाग लेना था। इसलिए, कई लोगों ने पश्चिम जाना पसंद किया और अंग्रेजी भाषा की कला प्रणाली में एकीकृत किया।

यह महिलाओं के लिए विशेष रूप से कठिन था। प्रगतिशील गुताई में भी उनकी उपस्थिति का हिस्सा पाँचवाँ हिस्सा भी नहीं पहुँच पाया। हम पारंपरिक संस्थानों के बारे में क्या कह सकते हैं, जिनके लिए यह आवश्यक था खास शिक्षा. साठ के दशक तक, लड़कियों ने पहले ही इसका अधिकार हासिल कर लिया था, हालाँकि, कला सीखना (यदि यह सजावटी के बारे में नहीं था, जो कौशल सेट का हिस्सा था रयोसाई केनबो- एक अच्छी पत्नी और एक बुद्धिमान माँ) एक सामाजिक रूप से पेशा था।

योको ओनो। कटा हुआ टुकड़ा

टोक्यो से संयुक्त राज्य अमेरिका में पांच शक्तिशाली जापानी महिला कलाकारों के उत्प्रवास की कहानी मिडोरी योशिमोटो के अध्ययन "इनटू परफॉर्मेंस: जापानी महिला कलाकार न्यूयॉर्क में" का विषय थी। Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi और Shigeko Kubota ने अपने करियर की शुरुआत में न्यूयॉर्क जाने का फैसला किया और जापानी कला की परंपराओं के आधुनिकीकरण सहित वहां काम किया। केवल योको ओनो अमेरिका में पली-बढ़ी - लेकिन उसने भी जानबूझकर जापान लौटने से इनकार कर दिया, क्योंकि 1962-1964 में उसके छोटे प्रवास के दौरान टोक्यो के कलात्मक पदानुक्रम से मोहभंग हो गया था।

ओनो न केवल जॉन लेनन की पत्नी के रूप में, बल्कि महिला शरीर के वस्तुकरण के लिए समर्पित प्रोटो-नारीवादी प्रदर्शनों की लेखिका के रूप में भी पांच में से सबसे प्रसिद्ध बन गईं। कट पीस इट के बीच स्पष्ट समानताएं हैं, जिसमें दर्शक कलाकार के कपड़ों के टुकड़ों को काट सकते हैं, और "रिदम 0" "प्रदर्शन की दादी" मरीना अब्रामोविक द्वारा।

छोटे पैरों पर। लेखक का अभिनय प्रशिक्षण तदाशी सुजुकी कैसे पास करें

ओनो और गुताई के मामले में, लेखकों से अलग किए गए उनके काम के तरीके और विषय अंतरराष्ट्रीय स्तर पर महत्वपूर्ण हो गए। निर्यात के अन्य रूप भी हैं - जब कलाकार के कार्यों को अंतर्राष्ट्रीय क्षेत्र में रुचि के साथ माना जाता है, लेकिन इसकी विशिष्टता के कारण वास्तविक पद्धति का उधार नहीं होता है। सबसे उल्लेखनीय मामला तदाशी सुजुकी की अभिनय प्रशिक्षण प्रणाली है।

सुजुकी रंगमंच रूस में भी प्यार करता है - और यह आश्चर्य की बात नहीं है। पिछली बारवह 2016 में यूरिपिड्स के ग्रंथों पर आधारित द ट्रोजन वीमेन के प्रदर्शन के साथ हमारे साथ थे, और 2000 के दशक में वह शेक्सपियर और चेखव की प्रस्तुतियों के साथ कई बार आए। सुज़ुकी ने नाटकों की कार्रवाई को वर्तमान जापानी संदर्भ में स्थानांतरित कर दिया और ग्रंथों की गैर-स्पष्ट व्याख्याओं की पेशकश की: उन्होंने इवानोव में यहूदी-विरोधी की खोज की और इसकी तुलना चीनियों के प्रति जापानियों के तिरस्कारपूर्ण रवैये से की, किंग लियर की कार्रवाई को स्थानांतरित कर दिया। एक जापानी पागलखाना।

सुज़ुकी ने अपना सिस्टम रूसी थिएटर स्कूल के विरोध में बनाया था। में देर से XIXशताब्दी में, तथाकथित मीजी अवधि के दौरान, आधुनिक होते शाही जापान ने विपक्षी आंदोलनों के उदय का अनुभव किया। इसका परिणाम पहले की बेहद बंद संस्कृति का बड़े पैमाने पर पश्चिमीकरण था। आयातित रूपों में स्टैनिस्लावस्की प्रणाली थी, जो अभी भी जापान में (और रूस में) मुख्य निर्देशकीय विधियों में से एक है।

सुज़ुकी व्यायाम करता है

साठ के दशक में, जब सुज़ुकी ने अपना करियर शुरू किया, तो थीसिस अधिक से अधिक फैल रही थी कि उनकी शारीरिक विशेषताओं के कारण, जापानी अभिनेता पश्चिमी ग्रंथों से भूमिकाओं के लिए अभ्यस्त नहीं हो सकते थे जो तत्कालीन प्रदर्शनों की सूची को भरते थे। युवा निर्देशक सबसे ठोस विकल्प पेश करने में कामयाब रहे।

सुज़ुकी की व्यायाम प्रणाली, जिसे लेग ग्रामर कहा जाता है, में बैठने के दर्जनों तरीके और खड़े होने और चलने के और भी कई तरीके शामिल हैं।

उनके अभिनेता आमतौर पर नंगे पांव खेलते हैं और गुरुत्वाकर्षण के केंद्र को कम करके जितना संभव हो उतना भारी, जमीन से बंधे हुए लगते हैं। सुजुकी उन्हें और विदेशी कलाकारों को आधुनिक उपकरणों से भरे प्राचीन जापानी घरों में टोगा गांव में अपनी तकनीक सिखाती है। उनकी मंडली एक वर्ष में केवल लगभग 70 प्रदर्शन देती है, और बाकी समय वह रहती है, लगभग बिना गाँव छोड़े और व्यक्तिगत मामलों के लिए कोई समय नहीं है - केवल काम करती है।

टोगा केंद्र 1970 के दशक में दिखाई दिया और विश्व प्रसिद्ध वास्तुकार अराता इसोज़ाका द्वारा निदेशक के अनुरोध पर डिजाइन किया गया था। सुज़ुकी की प्रणाली पितृसत्तात्मक और रूढ़िवादी लग सकती है, लेकिन वह खुद विकेंद्रीकरण के आधुनिक संदर्भ में तोगा के बारे में बात करता है। 2000 के दशक के मध्य में भी, सुज़ुकी ने कला को राजधानी से क्षेत्रों में निर्यात करने और स्थानीय उत्पादन बिंदुओं को व्यवस्थित करने के महत्व को समझा। निर्देशक के अनुसार, जापान का नाट्य मानचित्र काफी हद तक रूसी जैसा दिखता है - कला टोक्यो और कई छोटे केंद्रों में केंद्रित है। रूसी थिएटर को एक ऐसी कंपनी से भी लाभ होगा जो नियमित रूप से छोटे शहरों में दौरे पर जाती है और राजधानी से दूर स्थित है।

टोगा में स्कॉट कंपनी केंद्र

फूलों की पगडंडियाँ। नोह और काबुकी प्रणालियों में आधुनिक रंगमंच ने किस संसाधन की खोज की?

सुजुकी पद्धति दो प्राचीन जापानी परंपराओं से निकलती है - लेकिन काबुकी भी। ऐसा नहीं है कि इस प्रकार के रंगमंच को अक्सर चलने की कला के रूप में चित्रित किया जाता है, बल्कि अधिक स्पष्ट विवरण में भी। सुजुकी अक्सर पुरुषों द्वारा सभी भूमिकाओं के प्रदर्शन के नियम का पालन करती है, विशिष्ट स्थानिक समाधानों का उपयोग करती है, उदाहरण के लिए, काबुकी नमूने के हनामिची ("फूलों का मार्ग") - एक मंच जो मंच से सभागार की गहराई तक फैला हुआ है। वह फूल और स्क्रॉल जैसे काफी पहचानने योग्य प्रतीकों का भी शोषण करता है।

बेशक, में वैश्विक दुनियाअपने राष्ट्रीय रूपों का उपयोग करने के लिए जापानियों के विशेषाधिकार का कोई सवाल ही नहीं है।

हमारे समय के सबसे महत्वपूर्ण निर्देशकों में से एक, अमेरिकन रॉबर्ट विल्सन का थिएटर, लेकिन से उधार पर बनाया गया था।

वह न केवल मास्क और मेकअप का उपयोग करता है जो जापान के बड़े पैमाने पर दर्शकों को याद दिलाता है, बल्कि आंदोलन की अधिकतम मंदी और इशारे की आत्मनिर्भर अभिव्यक्ति के आधार पर अभिनय के तरीके भी उधार लेता है। अल्ट्रा-मॉडर्न लाइट स्कोर और न्यूनतम संगीत के साथ पारंपरिक और अनुष्ठानिक रूपों का संयोजन (विल्सन के सबसे प्रसिद्ध कार्यों में से एक फिलिप ग्लास के ओपेरा आइंस्टीन ऑन द बीच का उत्पादन है), विल्सन अनिवार्य रूप से उत्पत्ति और प्रासंगिकता के संश्लेषण का उत्पादन करता है जो आधुनिक कला के लिए प्रयास करता है। .

रॉबर्ट विल्सन। "आइंस्टीन समुद्र तट पर"

नोह और काबुकी से, आधुनिक नृत्य के स्तंभों में से एक विकसित हुआ है - बुटोह, जिसका शाब्दिक अनुवाद है - अंधेरे का नृत्य। 1959 में कोरियोग्राफर कज़ुओ ओनो और ततसुमी हिजिकाता द्वारा आविष्कार किया गया था, जिन्होंने पैरों पर गुरुत्वाकर्षण और एकाग्रता के निम्न केंद्र पर भी आकर्षित किया था, लेकिन यह शारीरिक आयाम में दर्दनाक युद्ध के अनुभवों से प्रतिबिंब लाने के बारे में था।

"उन्होंने शरीर को बीमार, ढहते हुए, यहां तक ​​कि राक्षसी, राक्षसी दिखाया।<…>चालें या तो धीमी हैं, या जानबूझकर तेज, विस्फोटक हैं। इसके लिए, एक विशेष तकनीक का उपयोग किया जाता है, जब आंदोलन किया जाता है जैसे कि मुख्य मांसपेशियों को शामिल किए बिना, कंकाल की हड्डी के लीवर के कारण, "नृत्य इतिहासकार इरिना सिरोटकिना ने शरीर की मुक्ति के इतिहास में बुटोह को जोड़ा, जोड़ता है यह बैले मानदंड से प्रस्थान के साथ है। वह बुटोह की तुलना 20वीं सदी की शुरुआत के नर्तकों और कोरियोग्राफरों की प्रथाओं से करती है - इसाडोरा डंकन, मार्था ग्राहम, मैरी विगमैन, बाद के "उत्तर आधुनिक" नृत्य पर प्रभाव की बात करती हैं।

बुटोह परंपरा के आधुनिक उत्तराधिकारी कत्सुरा काना के नृत्य का एक अंश

आज, अपने मूल रूप में बुटोह अब अवांट-गार्डे अभ्यास नहीं है, बल्कि एक ऐतिहासिक पुनर्निर्माण है।

हालाँकि, ओहनो, हिजिकाता और उनके अनुयायियों द्वारा विकसित आंदोलन शब्दकोश एक मूल्यवान संसाधन बना हुआ है समकालीन कोरियोग्राफर. पश्चिम में, इसका उपयोग दिमित्रिस पापायोन्नौ, एंटोन एडसिंस्की और यहां तक ​​कि द वीकेंड द्वारा "बेलॉन्ग टू द वर्ल्ड" के वीडियो में भी किया जाता है। जापान में, बुटोह परंपरा के उत्तराधिकारी, उदाहरण के लिए, सबुरो तेशिगवारा हैं, जो अक्टूबर में रूस आएंगे। हालांकि वह खुद अंधेरे के नृत्य के साथ समानता से इनकार करते हैं, आलोचकों को काफी पहचाने जाने योग्य संकेत मिलते हैं: एक प्रतीत होता है कि हड्डी रहित शरीर, नाजुकता, नीरव कदम। सच है, उन्हें पहले से ही पोस्टमॉडर्निस्ट कोरियोग्राफी के संदर्भ में रखा गया है - इसकी उच्च गति, रन, पोस्ट-इंडस्ट्रियल शोर संगीत के साथ काम करते हैं।

सबुरो टेशिगवारा। कायापलट

स्थानीय रूप से वैश्विक। समकालीन जापानी कला पश्चिमी कला के समान कैसे है?

तेशिगवारा और उनके कई सहयोगियों की रचनाएँ सर्वश्रेष्ठ पश्चिमी समकालीन नृत्य उत्सवों के कार्यक्रमों में व्यवस्थित रूप से फिट होती हैं। यदि आप फेस्टिवल / टोक्यो - जापानी थिएटर के सबसे बड़े वार्षिक शो में दिखाए गए प्रदर्शनों और प्रदर्शनों के विवरण के माध्यम से स्किम करते हैं, तो यूरोपीय रुझानों से मूलभूत अंतरों को नोटिस करना मुश्किल होगा।

केंद्रीय विषयों में से एक साइट-विशिष्टता है - जापानी कलाकार टोक्यो के स्थानों का पता लगाते हैं, गगनचुंबी इमारतों के रूप में पूंजीवाद के झुरमुट से लेकर ओटाकू एकाग्रता के सीमांत क्षेत्रों तक।

एक अन्य विषय अंतर-पीढ़ीगत गलतफहमी का अध्ययन है, थिएटर लाइव बैठक की जगह और विभिन्न उम्र के लोगों के संगठित संचार के रूप में। तोशिका ओकाडा और अकीरा तानायामा द्वारा उन्हें समर्पित परियोजनाओं को प्रदर्शन कला के प्रमुख यूरोपीय त्योहारों में से एक में लगातार कई वर्षों तक वियना लाया गया था। 2000 के दशक के अंत तक वृत्तचित्र सामग्री और व्यक्तिगत कहानियों को मंच पर स्थानांतरित करने में कुछ भी नया नहीं था, लेकिन वियना महोत्सव के क्यूरेटर ने इन परियोजनाओं को जनता के लिए लाइव, पॉइंट-टू-पॉइंट संपर्क के अवसर के रूप में प्रस्तुत किया। संस्कृति।

दर्दनाक अनुभव के माध्यम से एक और मुख्य लाइन काम कर रही है। जापानियों के लिए, यह गुलाग या प्रलय से नहीं, बल्कि हिरोशिमा और नागासाकी पर बमबारी से जुड़ा है। थिएटर उसे लगातार संदर्भित करता है, लेकिन सभी आधुनिक जापानी संस्कृति की उत्पत्ति के क्षण के रूप में परमाणु विस्फोटों के बारे में सबसे शक्तिशाली बयान अभी भी ताकाशी मुराकामी का है।

प्रदर्शनी के लिए "लिटिल बॉय: जापान की विस्फोटक उपसंस्कृति की कला"

"लिटिल बॉय: द आर्ट्स ऑफ़ जापान एक्सप्लोडिंग सबकल्चर" 2005 में न्यूयॉर्क में दिखाए गए उनके क्यूरेटेड प्रोजेक्ट का शीर्षक है। "लिटिल बॉय" - रूसी में "बेबी" - 1945 में जापान पर गिराए गए बमों में से एक का नाम। प्रमुख चित्रकारों से सैकड़ों मंगा कॉमिक्स, विशिष्ट पुराने खिलौने, गॉडज़िला से हैलो किट्टी तक प्रसिद्ध एनीमे से प्रेरित माल का संग्रह, मुराकामी ने क्यूटनेस - कवाई - की एकाग्रता को संग्रहालय स्थान में सीमित कर दिया है। उसी समय, उन्होंने एनिमेशन का एक चयन लॉन्च किया, जिसमें विस्फोटों की तस्वीरें, नंगी धरती और नष्ट हुए शहर केंद्रीय चित्र बन गए।

यह विरोध पोस्ट-ट्रॉमेटिक स्ट्रेस डिसऑर्डर से निपटने के तरीके के रूप में जापानी संस्कृति के शिशुकरण के बारे में पहला बड़ा बयान था।

अब यह निष्कर्ष पहले से ही स्पष्ट प्रतीत होता है। इनुहिको योमोटा द्वारा कवई का एक अकादमिक अध्ययन इस पर बनाया गया है।

बाद में दर्दनाक ट्रिगर भी होते हैं। सबसे महत्वपूर्ण - 11 मार्च, 2011 की घटनाएं, भूकंप और सूनामी जिसके कारण फुकुशिमा परमाणु ऊर्जा संयंत्र में एक बड़ी दुर्घटना हुई। महोत्सव/टोक्यो-2018 में, छह प्रदर्शनों का एक पूरा कार्यक्रम प्राकृतिक और तकनीकी आपदा के परिणामों को समझने के लिए समर्पित था; वे सोल्यंका में प्रस्तुत कार्यों में से एक का विषय भी बने। यह उदाहरण स्पष्ट रूप से दिखाता है कि पश्चिमी और जापानी कला द्वारा उपयोग की जाने वाली महत्वपूर्ण विधियों का शस्त्रागार मौलिक रूप से भिन्न नहीं है। Haruyuki Ishii भूकंप के बारे में टेलीविजन कार्यक्रमों से हाई-स्पीड संपादित और लूप किए गए फुटेज के माध्यम से लूप किए गए तीन टेलीविज़न सेटों की स्थापना करता है।

क्यूरेटर बताते हैं, "यह काम 111 वीडियो से बना है, जिसे कलाकार हर दिन समाचारों में देखता था, जब तक कि वह जो कुछ भी देखता था, उसे कल्पना के रूप में नहीं माना जाता था।" न्यू जापान इस बात का उदाहरण है कि कैसे कला राष्ट्रीय मिथकों के आधार पर व्याख्या का विरोध नहीं करती है, लेकिन साथ ही एक आलोचनात्मक नज़र से पता चलता है कि वही व्याख्या किसी भी मूल की कला के लिए प्रासंगिक हो सकती है। क्यूरेटर जापानी परंपरा के आधार के रूप में चिंतन के बारे में बात करते हैं, लाओ त्ज़ु के उद्धरणों पर चित्रण करते हैं। उसी समय, जैसे कि कोष्ठक से बाहर निकलते हुए कि लगभग सभी समकालीन कला "पर्यवेक्षक प्रभाव" (जैसा कि प्रदर्शनी कहा जाता है) पर केंद्रित है - चाहे परिचित घटनाओं की धारणा के लिए नए संदर्भ बनाने के रूप में या बढ़ाने में इस तरह की पर्याप्त धारणा की संभावना का सवाल।

कल्पित समुदाय - वीडियो कलाकार हारुयुकी इशी द्वारा एक और काम

खेल

हालाँकि, किसी को यह नहीं सोचना चाहिए कि 2010 का जापान प्रगतिशीलता का केंद्र है।

अच्छे पुराने पारंपरिकवाद की आदतें और प्राच्यवादी विदेशीवाद के प्रति प्रेम अभी तक समाप्त नहीं हुआ है। रूसी रूढ़िवादी पत्रिका "पीटीजे" में "थियेटर ऑफ़ वर्जिन्स" जापानी थिएटर "तकराज़ुका" के बारे में बल्कि प्रशंसनीय लेख का शीर्षक है। तकाज़ुका 19वीं शताब्दी के अंत में पर्यटकों को उसी नाम के एक दूरस्थ शहर में आकर्षित करने के लिए एक व्यावसायिक परियोजना के रूप में दिखाई दिया, जो गलती से एक निजी रेलवे का टर्मिनस बन गया। थिएटर में केवल अविवाहित लड़कियां ही खेलती हैं, जो रेलवे के मालिक के अनुसार, शहर के पुरुष दर्शकों को लुभाने वाली थीं। आज तकाराज़ुका अपने स्वयं के टीवी चैनल, एक सघन संगीत कार्यक्रम, यहां तक ​​कि एक स्थानीय मनोरंजन पार्क के साथ एक उद्योग की तरह कार्य करता है। लेकिन केवल अविवाहित लड़कियों को अभी भी मंडली में रहने का अधिकार है - चलो आशा करते हैं कि वे कम से कम कौमार्य की जाँच न करें।

हालाँकि, तकाज़ुका क्योटो में तोजी डीलक्स क्लब की तुलना में फीका है, जिसे जापानी थिएटर भी कहते हैं। वे बिल्कुल जंगली दिखाते हैं विवरणन्यू यॉर्कर स्तंभकार इयान बुरुमा, स्ट्रिपटीज़ शो: मंच पर कई नग्न लड़कियां जननांगों के प्रदर्शन को एक सार्वजनिक अनुष्ठान में बदल देती हैं।

अन्य के जैसे कलात्मक अभ्यास, यह शो प्राचीन किंवदंतियों पर आधारित है (एक मोमबत्ती और एक आवर्धक कांच की मदद से, दर्शकों के पुरुष बारी-बारी से "माँ देवी अमातरसु के रहस्यों" की खोज कर सकते हैं), और लेखक को खुद नोह परंपरा की याद दिलाई गई थी .

हम तकराज़ुकी और तोजी के लिए पश्चिमी समकक्षों की खोज को पाठक पर छोड़ देंगे - उन्हें ढूंढना मुश्किल नहीं है। हम केवल ध्यान दें कि आधुनिक कला का एक महत्वपूर्ण हिस्सा उत्पीड़न की ऐसी प्रथाओं का मुकाबला करने के लिए निर्देशित है - पश्चिमी और जापानी दोनों, सुपरफ्लैट से बुटोह नृत्य तक।

जापान एक बहुत ही दिलचस्प राज्य है, जो विभिन्न प्रकार की परंपराओं और रीति-रिवाजों के लिए जाना जाता है। उगते सूरज की भूमि की भौगोलिक स्थिति ने इसे अन्य राज्यों से कुछ अलग कर दिया, जिसकी बदौलत यह यूरोपीय देशों की परवाह किए बिना विकसित हुआ। जापान की संस्कृति बेहद समृद्ध और विविध है। अजीबोगरीब जापानी परंपराओं का गठन ऐतिहासिक रूप से प्रभाव के तहत हुआ था महत्वपूर्ण घटनाएँ. धीरे-धीरे, जापान विशिष्ट विशेषताओं और जनसंख्या की एक निश्चित मानसिकता के साथ एक शक्तिशाली, सामंजस्यपूर्ण राज्य में बदल गया।

जापानी संस्कृति के मुख्य पहलू

देश की संस्कृति समाज के कई क्षेत्रों में प्रकट होती है। जापान में, इसके पहलू हैं;

जापानियों के लिए चाय पीने की प्रक्रिया शरीर की शारीरिक जरूरतों की साधारण संतुष्टि नहीं है, बल्कि एक वास्तविक पंथ है। जापान में चाय समारोह विशेष विशेषताओं के साथ होता है और इसमें बहुत सारी परंपराएँ होती हैं। ऐसा प्रतीत होता है कि इस तरह के श्रद्धापूर्ण रवैये ने बौद्ध भिक्षुओं के ध्यान से रोजमर्रा की प्रक्रिया को विकसित किया। वे ही थे जिन्होंने चाय पीने की प्रक्रिया को इतना महत्व दिया।

यूरोपीय लोगों के लिए, "किमोनो" की अवधारणा जापान के राष्ट्रीय कपड़ों की विशेषता है। हालाँकि, उगते सूरज की भूमि में ही, इस शब्द के दो अर्थ हैं - संकीर्ण और व्यापक अर्थों में। जापान में "किमोनो" शब्द न केवल राष्ट्रीय पोशाक को संदर्भित करता है, बल्कि सामान्य रूप से सभी कपड़ों को भी दर्शाता है। किमोनो के तहत, एक नियम के रूप में, एक विशेष बागे और सात बेल्ट पहने जाते हैं। गर्मियों में पहने जाने वाले किमोनो को युक्ता कहा जाता है। महिला की उम्र के आधार पर पोशाक का मॉडल भी भिन्न हो सकता है।

जापान में, दो धार्मिक आंदोलनों का एक साथ सफलतापूर्वक प्रचार किया जाता है - शिंटोवाद और बौद्ध धर्म। प्राचीन जापान में शिंतो धर्म प्रकट हुआ, यह विभिन्न प्राणियों की पूजा पर आधारित है। बौद्ध धर्म, बदले में, कई किस्मों में बांटा गया है। जापान में, बौद्ध धर्म की एक या दूसरी प्रवृत्ति को बढ़ावा देने वाले कई स्कूल हैं।

जापान की संस्कृति में रॉक गार्डन का विशेष महत्व है। वे न केवल एक वास्तुशिल्प रचना हैं जो पर्यटकों का ध्यान आकर्षित करती हैं, बल्कि एक जगह भी हैं आध्यात्मिक विकास. यहाँ जापानी एक विशेष क्रम में स्थित पत्थर की संरचनाओं के चिंतन से आत्मज्ञान पाते हैं। रॉक गार्डन में एक विशिष्ट योजना शामिल है, जिसे केवल एक प्रबुद्ध व्यक्ति ही सुलझा सकता है।

टैंगो नो सेक्कू लड़कों के सम्मान में एक उत्सव है। यह न केवल सभी छोटे पुरुष प्रतिनिधियों को समर्पित है, बल्कि पूरे जापानी लोगों की मर्दानगी और ताकत को भी समर्पित है। वसंत में छुट्टी मनाने की प्रथा है, जब प्रकृति जागती है और अपनी सुंदरता से प्रसन्न होती है। टैंगो नो सेक्कू के दिन, लड़कों की देखभाल उनके माता-पिता द्वारा की जाती है। पिता को अपने बेटे को सभी जापानी योद्धाओं और उनके कारनामों के बारे में बताना चाहिए। और उसकी माँ उसके लिए स्वादिष्ट भोजन से मेज सजाती है।

चेरी ब्लॉसम को सबसे खूबसूरत प्राकृतिक घटना माना जाता है। बहुत से पर्यटक यहाँ सिर्फ एक फूल वाले पौधे के चिंतन का आनंद लेने के लिए आते हैं। वसंत ऋतु में जापान के पार्कों में लोगों की भारी भीड़ देखी जा सकती है। कई परिवार पिकनिक पर जाते हैं और जापानी चेरी के पेड़ की सुंदरता देखते हैं।

धनुष को देश की अजीबोगरीब परंपराओं के लिए जिम्मेदार ठहराया जा सकता है। वे अच्छे शिष्टाचार के नियमों का प्रतिनिधित्व करते हैं। जापानियों के अलविदा कहने की प्रथा नहीं है, इसके बजाय वे उतनी बार झुकते हैं जितनी बार वार्ताकार ने झुकी।

समुराई समाज के एक निश्चित वर्ग का प्रतिनिधित्व करते हैं जो परंपराओं और रीति-रिवाजों के प्रभाव में विकसित हुआ है। इसका सीधा संबंध देश की संस्कृति से है। समुराई योद्धा हैं जो एक निश्चित सेवा करते हैं, जो सैन्य, सुरक्षा या घरेलू दोनों हो सकते हैं। इनमें से किसी भी मामले में, समुराई जापानी लोगों के साहस, पुरुषत्व और बड़प्पन का प्रतीक है।

प्राचीन जापान की संस्कृति के गठन की प्रक्रिया

जापानी भाषा और लेखन के जन्म के साथ प्राचीन जापान की संस्कृति का विकास शुरू हुआ। उगते सूरज की भूमि ने इसके लिए चीन से आधार उधार लिया था। जापानी लेखन में चित्रलिपि भी होती है, जिसे कोई विदेशी नागरिक समझ नहीं पाएगा। समय के साथ, जापानी भाषा में नए शब्द, ध्वनियाँ और वाक्यांश जोड़े जाने लगे। हालांकि, वह पूरी तरह से बदल गया सामान्य सुविधाएंचीन के साथ अभी भी पता लगाने योग्य हैं।

देश की धार्मिकता भी प्राचीन काल से उत्पन्न होती है। शिंटोवाद विभिन्न पौराणिक कथाओं के विकास का परिणाम था। पर इस पलयह शिक्षण नेताओं और मृत लोगों के पंथ को बढ़ावा देता है। दूसरी ओर, बौद्ध धर्म की जड़ें इतनी गहरी हैं कि इस प्रकार के धर्म के उद्भव के बारे में वैज्ञानिकों और इतिहासकारों की राय बहुत भिन्न है।

जापानी कला

जापान में प्रचलित लगभग सभी प्रकार की कलाओं में एक मुख्य विचार होता है - शांति और विश्राम। जानकारी प्रस्तुत करने के तरीके की परवाह किए बिना, यह स्वयं के साथ एक व्यक्ति का सामंजस्य है जिसमें कला शामिल है। दुनिया भर में ज्ञात कई कला रूपों ने अपना विकास जापान में शुरू किया। उनमें से ओरिगेमी को प्रतिष्ठित किया जा सकता है - कागज से विभिन्न आकृतियों को मोड़ने की क्षमता।

एक और लोकप्रिय हिस्साजापानी कला इकेबाना बन गई। यह एक विशेष तकनीक का उपयोग करके फूलों के गुलदस्ते बनाने का कौशल है। यहाँ से एक समान रूप से लोकप्रिय गतिविधि आई, जिसे बोन्साई कहा जाता है। यह बौने वृक्षों से विविध प्रकार की रचनाओं का निर्माण है। ओमिया में, टोक्यो से ज्यादा दूर नहीं, एक पूरा बोन्साई पार्क है। यहां प्रस्तुत प्रत्येक बौना वृक्ष अपने तरीके से अद्वितीय और सुंदर है।

जापान की पेंटिंग विशेष महत्व की होंगी, क्योंकि प्रत्येक पेंटिंग में एक छिपा हुआ अर्थ होता है। एक डिजाइन के रूप में, एक नियम के रूप में, चमकीले रंग, विपरीत संक्रमण और स्पष्ट रेखाएं उपयोग की जाती हैं। जापान में सुलेख कला भी है। यह चित्रलिपि के सौंदर्यपूर्ण रूप से सुंदर लेखन का कौशल है। एप्लाइड आर्ट जापान में भी व्यापक है। इस शिल्प को समर्पित टोक्यो में एक पूरा संग्रहालय है। यहां आप कागज, कांच या धातु से बने उत्पाद देख सकते हैं। और यह इस उद्देश्य के लिए उपयोग की जाने वाली सामग्रियों की पूरी सूची नहीं है।

इंटीरियर डिजाइन की जापानी शैली भी विशेष ध्यान देने योग्य है। इसमें निष्पादन की मौलिकता के साथ कार्यक्षमता और सरलता शामिल है। इसके अलावा, इंटीरियर डिजाइन जापानी कला के किसी भी अन्य रूप की तरह एक धार्मिक दर्शन को वहन करता है।

जापानी वास्तुकला

जापान में स्थापत्य संरचनाएं किसी न किसी रूप में धर्म से जुड़ी हुई हैं। मंदिर की इमारतें पहले, अक्सर, किसी भी फूल से रहित होती थीं। यह निर्माण में अनपेक्षित लकड़ी के उपयोग के कारण था। बाद में वे लाल और नीले रंगों का प्रयोग करने लगे।

जापान में स्थापत्य भवनों के लिए मुख्य सामग्री लकड़ी मानी जाती है। यह इस तथ्य के कारण है कि स्टॉक यह संसाधनदेश में काफी बड़ा। इस तथ्य के अलावा कि पेड़ अच्छी तरह से गर्मी का संचालन करता है और नमी को अवशोषित करता है, भूकंप के दौरान भी यह व्यावहारिक है, जो जापान में अक्सर होता है। यदि एक पत्थर के घर को नष्ट करने के बाद फिर से बनाना बहुत मुश्किल होता है, तो एक लकड़ी का घर बहुत आसान होता है।

जापान की वास्तुकला में मुख्य विशेषता ज्यामितीय आकृतियों की उपस्थिति भी है। बहुधा ये त्रिभुज और आयत होते हैं। किसी भी संरचना में रेखाओं की चिकनाई और गोलाई मिलना लगभग असंभव है। मुख्य सिद्धांत, जिसके आधार पर जापानी अपने घरों को सुसज्जित करते हैं, घर के अंदर और बाहर का अविभाज्य अस्तित्व है। यह जापानी बागानों पर लागू होता है। उन्हें ठीक उसी शैली में सजाया जाना चाहिए जैसे घर में ही। अन्यथा, इसे खराब स्वाद और पूर्ण खराब स्वाद माना जाता है। जापानी अपने बगीचों पर विशेष ध्यान देते हैं।

जापानी संगीत

संगीत के विकास के संदर्भ में, जापान किसी भी का उपयोग करके अन्य देशों को देखता है संगीत वाद्ययंत्र. लेकिन बाद में उन्होंने स्थानीय स्वाद और परंपराओं के प्रभाव में उनका आधुनिकीकरण किया। जापान में शास्त्रीय संगीत के निर्माण पर पहला प्रभाव स्थानीय डेंगाकू लोककथाओं का था, जो विदेशी प्रभावों के साथ मिला हुआ था और उस संगीत को जन्म दे रहा था जो वर्तमान में जापान से परिचित है।

मुद्दे के धार्मिक पक्ष ने भी संगीत की उत्पत्ति में योगदान दिया। ईसाइयत के लिए धन्यवाद, अंग वादन फैलने लगा। और बौद्ध धर्म ने बांसुरी बजाने को बढ़ावा दिया।

वर्तमान में, शास्त्रीय संगीत ने जापान में लोकप्रियता हासिल की है। रचनात्मकता के इस प्रकोष्ठ के कई सदस्य जापान के बाहर यात्रा करते हैं। इनमें गोटो मिदोरी, ओजावा सेजी और उचिदा मित्सुको शामिल हैं। अपेक्षाकृत हाल ही में, शास्त्रीय संगीत को आराम से सुनने के लिए डिज़ाइन किए गए हॉल जापान में खोले गए थे। इनमें कियो हॉल, ओसाका सिम्फनी हॉल, ऑर्चर्ड आदि शामिल हैं।

जापान की घरेलू परंपराएं

जापानी एक अच्छे व्यवहार वाले लोग हैं, जो अपनी परंपराओं और रीति-रिवाजों का पालन करते हैं। जापान में अपना और दूसरों का सम्मान करना आदर्श माना जाता है। बचपन से, बच्चों को अच्छे शिष्टाचार के मानदंड सिखाए जाते हैं, उन्हें जापानी लोगों के बुनियादी मूल्यों के बारे में समझाते हैं और उन्हें हर संभव तरीके से समझाते हैं। और यह सब समाज के लाभ के लिए है। कोई भी पर्यटक जो किसी दूसरे देश से लैंड ऑफ द राइजिंग सन में आता है, वह आश्चर्यचकित होता है कि जापानी कितने मिलनसार, मिलनसार और अच्छे व्यवहार वाले हैं।

यूरोपीय देशों के विपरीत, जापान में लंबे समय से सार्वजनिक स्थानों पर धूम्रपान पर प्रतिबंध लगा हुआ है। यह निजी संपत्ति पर भी लागू होता है। अन्य लोगों के पास धूम्रपान करने की अनुमति केवल तभी दी जाती है जब उन्होंने अपनी सहमति दी हो।

अन्य बातों के अलावा, जापानी स्वच्छता के सभी नियमों का सख्ती से पालन करते हैं जो समाज उन्हें निर्देशित करता है। उदाहरण के लिए, धार्मिक भवनों सहित किसी भी कमरे में विशेष पुआल गलीचे होते हैं। आप उन पर जूतों में नहीं चल सकते, उन्हें न केवल एक आंतरिक सजावट माना जाता है, बल्कि एक वास्तविक पवित्रता भी है। साथ ही, जापानियों ने अपने पैरों पर शौचालय से लाए जाने वाले संभावित बैक्टीरिया से खुद को बचाने का फैसला किया। किसी भी सार्वजनिक स्थान और अपार्टमेंट में शौचालय के लिए विशेष चप्पलें होती हैं, जो हानिकारक कीटाणुओं को दूसरे कमरों में स्थानांतरित करने की अनुमति नहीं देती हैं।

जापानियों के लिए भोजन करना जीवन की एक प्रक्रिया नहीं, बल्कि एक वास्तविक पंथ माना जाता है। खाने से पहले, जापानी हमेशा अपने हाथों को पानी में भीगे हुए एक विशेष तौलिये से पोंछते हैं, जिसे ओशिबोरी कहा जाता है। टेबल सेटिंग बेतरतीब ढंग से नहीं होती है, बल्कि एक विशेष योजना के अनुसार होती है। यहां तक ​​कि प्रत्येक डिवाइस का अपना स्थान होता है। जापानी उन्हें नर और मादा में विभाजित करते हैं, और यह उनके लिए बहुत महत्वपूर्ण है। जापान में चम्मच केवल ओ-ज़ोन सूप खाने के लिए उपयोग किया जाता है, जो नए साल के लिए तैयार किया जाता है, जापानी अन्य पहले पाठ्यक्रमों को विशेष रूप से विशेष कटोरे से पीना पसंद करते हैं। इसके अलावा, भोजन के दौरान अपने होठों को सूँघना बुरा रूप नहीं माना जाता है। ऐसा माना जाता है कि इस तरह से पकवान का स्वाद बेहतर तरीके से पता चलता है।

निम्नलिखित नियमों की उपस्थिति से जापान में अच्छे रूप की प्रासंगिकता सिद्ध होती है:

• बैठक के स्थान और समय के बारे में पहले से चर्चा करना आवश्यक है। जापान में देर से आना दिलेर और शालीनता की सीमा से परे माना जाता है।
• आप वार्ताकार को बाधित नहीं कर सकते, आपको धैर्यपूर्वक व्यक्ति के बोलने की प्रतीक्षा करने की आवश्यकता है, फिर अपनी राय व्यक्त करना शुरू करें।
• यदि आप गलत नंबर पर कॉल करते हैं, तो आपको क्षमा मांगनी होगी।
• अगर कोई आपकी मदद के लिए आया है तो आपको उसका शुक्रिया जरूर अदा करना चाहिए।
• जापानी के कुछ मेहमानों को मानद माना जा सकता है। उनके लिए, वे मेज पर एक विशेष स्थान भी आवंटित करते हैं, जो एक नियम के रूप में, कमरे के प्रवेश द्वार से सबसे चरम है।
• जापानियों को उपहार देते समय, जो कुछ भी है उसके बावजूद विनम्र होने के लिए क्षमा मांगनी चाहिए। ये नियम हैं, आपको उन्हें नहीं तोड़ना चाहिए।
• डिनर टेबल पर बैठकर पुरुष अपने पैर क्रॉस कर सकते हैं, जबकि महिलाओं को ऐसा करने की सख्त मनाही है। पैरों को टक करके एक दिशा में इंगित किया जाना चाहिए।

साथ ही, जापान के जीवन की परंपराओं में उम्र में बड़े लोगों की वंदना शामिल है। इससे कोई फर्क नहीं पड़ता कि किसी व्यक्ति का पेशा, आय, उपस्थिति या चरित्र लक्षण क्या हैं, यदि वह बड़ा है, तो उसके साथ सम्मान के साथ व्यवहार किया जाना चाहिए। जापान में बुढ़ापा सम्मान और गर्व की प्रेरणा देता है। इसका मतलब है कि वह व्यक्ति बहुत आगे बढ़ चुका है और अब वह सम्मान का पात्र है।

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नमस्ते, प्रिय पाठकोंज्ञान और सत्य के साधक!

आज हम आपको सुंदरता को छूने और प्राचीन जापान की कला के बारे में बात करने के लिए आमंत्रित करते हैं। नीचे दिए गए लेख में, हम इतिहास के उन चरणों की संक्षिप्त समीक्षा करेंगे जिन्होंने जापानी कला के निर्माण को प्रभावित किया, और फिर इसके प्रत्येक घटक पर अधिक विस्तार से ध्यान केन्द्रित करेंगे। आप न केवल पारंपरिक प्रकारों की विशेषताओं के बारे में जानेंगे, जैसे कि वास्तुकला, पेंटिंग, बल्कि युद्ध कला, लघुचित्र, थिएटर, पार्क और बहुत कुछ के बारे में भी।

तो, लेख दिलचस्प होने का वादा करता है, और सबसे महत्वपूर्ण बात - जानकारीपूर्ण!

ऐतिहासिक काल

उगते सूरज की भूमि में एक अनूठी संस्कृति है, जो पारंपरिक मूल इमारतों और मंदिरों, चित्रों, मूर्तियों, सजावट, उद्यानों, साहित्यिक कार्यों में सन्निहित है। हाल की शताब्दियों में, वुडकट्स, पोएट्री, ओरिगेमी, बोन्साई, इकेबाना और यहां तक ​​कि मंगा और एनीमे जैसे गैर-तुच्छ क्षेत्रों की लोकप्रियता बढ़ रही है। उन सभी ने पुरातनता में निहित, लंबे समय तक आकार लिया।

पिछली शताब्दी की शुरुआत तक इस समय के बारे में बहुत कम जानकारी थी, क्योंकि जापान बाकी दुनिया के लिए काफी बंद देश था। हालाँकि, तब से कई अध्ययन किए गए हैं, जिनमें से पुरातात्विक उत्खनन अद्भुत हैं। वे दिखाते हैं कि पहले से ही दूसरी सहस्राब्दी ईसा पूर्व में एक सांस्कृतिक जापानी समाज था, और आदिम जनजातियाँ 15-12 हजार साल पहले द्वीपों पर रहती थीं।

जापानी संस्कृति ने ईसा पूर्व चौथी सहस्राब्दी के आसपास आकार लेना शुरू किया, लेकिन मध्य युग में अपने चरम पर पहुंच गई - 6 वीं से 18 वीं शताब्दी की अवधि में।

प्राचीन जापानी इतिहास प्रागैतिहासिक काल में शुरू होता है और 8वीं-9वीं शताब्दी में हियान चरण के साथ समाप्त होता है, हालांकि कई शोधकर्ताओं ने बाद की अवधियों को भी शामिल किया है। इस संबंध में, तीन प्रमुख चरणों को प्रतिष्ठित किया जाता है, जो बदले में, छोटी अवधि में विभाजित होते हैं, या जिदाई. उनमें से प्रत्येक को नए उत्पादों, संरचनाओं, शैलियों की उपस्थिति की विशेषता है।

1. आदिम साम्प्रदायिक व्यवस्था

जापान में आदिम समाज नवपाषाण युग में अस्तित्व में था, जब पहले पत्थर के औजार दिखाई दिए, साथ ही साथ जोमोन और यायोई काल के दौरान भी। ऐसा माना जाता है कि जोमोन 10वीं सहस्राब्दी से चौथी शताब्दी ईसा पूर्व तक चला था। फिर पहले मिट्टी के पात्र दिखाई देने लगे, जिसका पूरे युग के समान नाम था - जोमन।

जोमोन मिट्टी के बर्तन

ये बर्तन आकार में विषम थे और इनमें मुड़ी हुई रस्सी के रूप में पारंपरिक आभूषण थे। ऐसा माना जाता है कि उनका उपयोग विभिन्न अनुष्ठानों और अनुष्ठानों में किया जाता था। उसी समय, विभिन्न प्रकार के गहने दिखाई दिए - झुमके, कंगन और मिट्टी से बने हार, जानवरों के दांत, गोले, चट्टानें, क्रिस्टल।

जोमन काल के मिट्टी के झुमके और कंगन

तीसरी शताब्दी ईसा पूर्व में, ययोई युग शुरू हुआ, जो छह शताब्दियों तक चला। तब स्थानीय लोगोंउन्होंने चावल की फसलें उगाना सीखा, कृषि अपनाई, चीनी मिट्टी की कला में महारत हासिल करना जारी रखा, और धातुओं को पिघलाना भी शुरू किया, जिनमें सबसे महत्वपूर्ण लोहा था, तांबे से हथियार और कांस्य से घंटियाँ बनाईं।

डोटाकू कांस्य घंटी, याओई युग का अंत

• राज्य का गठन जापानी राज्य का दर्जा चौथी से आठवीं शताब्दी तक आकार लेने लगा। इस अवधि को कोफुन और यमातो काल के रूप में जाना जाता है। तब देश में दफन टीले का एक पूरा नेटवर्क दिखाई दिया, और जापान स्वयं दिव्य साम्राज्य के करीब जाना शुरू कर दिया, अनिवार्य रूप से धर्म को अपनाना - और इसके साथ - वास्तुकला, मूर्तिकला। युग की सबसे महत्वपूर्ण इमारत होरीयू-जी है, जिसका प्रतिनिधित्व किया गया है पांच स्तरों में एक शिवालय। मिट्टी से बनी विशेष मूर्तियाँ, जिन्हें "खनिवा" कहा जाता है, टीले के पास स्थापित की जाने लगीं।

होरीयू-जी, जापान

• कानूनों की स्थापना यह चरण नारा (आठवीं शताब्दी) और हियान (आठवीं-बारहवीं शताब्दी के अंत) की अवधि पर पड़ता है। उस समय, जापानी अपने पड़ोसियों के और भी करीब हो जाते हैं - चीनी और कोरियाई, बौद्ध अवधारणा के साथ, वे कन्फ्यूशियस और ताओवादी अवधारणाओं को भी उधार लेते हैं, धातु प्रसंस्करण तकनीकों, निर्माण विधियों और भवन डिजाइन, पेंटिंग में नए रुझानों को अपनाते हैं। वास्तुकला है विशेष रूप से बदलते - साधारण शिंटो मंदिरों को भारतीय स्तूपों के समान बहुस्तरीय बौद्ध स्तूपों द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है। आम लोगों के आवासों में, नंगी धरती के बजाय, फर्श पर लकड़ी के तख्त दिखाई दिए, और शीर्ष पर सरू की छतें दिखाई दीं।

जापान में नारा काल का चित्रण

यदि हम बाद के समय के बारे में बात करते हैं, तो हम कई और अवधियों और उनकी मुख्य सांस्कृतिक विशेषताओं को अलग कर सकते हैं:

• कराकुम (बारहवीं-XIV सदी) - समुराई और मार्शल आर्ट की उपस्थिति;
• सेंगोकू और जिदाई (XV-XVI सदियों) - पूर्व की दुनिया में यूरोपीय विस्तार का समय, जिसके दौरान ईसाई धर्म और पश्चिमी सांस्कृतिक रुझान उगते सूरज की भूमि में भी प्रवेश कर गए;
• ईदो (XVII-XIX सदियों) - प्रसिद्ध तोकुगावा परिवार की शक्ति, जापान के अलगाव और सांस्कृतिक पहचान के विकास की विशेषता है।

बाद में जो कुछ हुआ वह पहले से ही नया समय और आधुनिकता है, और अब, निस्संदेह, अपेक्षाकृत बंद जापान में भी, एक निश्चितता है सांस्कृतिक वैश्वीकरण- पश्चिमी आचार्यों के अनुभव को अपनाया जाता है, और पश्चिम में, बदले में, जापानी रूपांकन फैशनेबल हो जाते हैं। हालाँकि, जापान की कला में हमेशा एक विशेष स्वाद रहा है, इसमें ऐसी विशेषताएं थीं जो इसके लिए अद्वितीय हैं।

सादगी, आदमी के साथ आनुपातिकता, संक्षिप्तता, प्राकृतिक सामग्री, प्रकृति के साथ एकता - यह है कि आप प्राचीन और आधुनिक दोनों तरह की जापानी कृतियों को कैसे चित्रित कर सकते हैं।

चित्रकारी

जापान, जैसा कि आप जानते हैं, लंबे समय तक अलग रहा, इसकी सीमाएं अन्य देशों के लिए बंद थीं। जब, 7 वीं शताब्दी के आगमन के साथ, जापानी ने महाद्वीपीय दुनिया के साथ संबंध स्थापित करने के लिए अपने पड़ोसियों के साथ अधिक से अधिक संवाद करना शुरू किया, तो उन्होंने पेंट, चर्मपत्र, स्याही और उनके साथ ललित कला की खोज की।

सबसे पहले, यह बेहद सरल और संक्षिप्त था: साधारण चित्र काले या सफेद कागज पर बनाए जाते थे, आमतौर पर तीन रंगों में से एक - पीला, हरा या लाल। हालाँकि, धीरे-धीरे स्थानीय चित्रकारों का कौशल बढ़ता गया, और बड़े पैमाने पर बुद्ध की शिक्षाओं के प्रसार के कारण, शिक्षक और उनके छात्रों के जीवन से अधिक से अधिक चित्र बनाए गए।

प्राचीन जापान में बौद्ध विषयों के चित्र

9वीं शताब्दी तक, जापान ने पहले ही चित्रकला की अपनी शाखा बना ली थी, जो चीनियों से स्वतंत्र थी। उसी समय, बौद्ध धर्म की भूमिका कमजोर होने लगी, और धार्मिक उद्देश्यों को तथाकथित धर्मनिरपेक्ष, अर्थात् धर्मनिरपेक्ष, जो विशेष रूप से तोकुगावा परिवार के शासनकाल के दौरान लोकप्रिय थे, द्वारा प्रतिस्थापित किया गया।

तोकुगावा राजवंश के शोगुन

कैगा, जैसा कि जापानी पेंटिंग कहते हैं, ने पूरी तरह से अलग रूपों और शैलियों को अपनाया और प्रकृति ने इसमें एक महत्वपूर्ण स्थान लिया। तब से, पेंटिंग ने खुद को नए रूपों में प्रकट किया है:

• यमातो-ई चित्रकारों का मुख्य विद्यालय है। यह 9वीं-10वीं शताब्दी में उत्पन्न हुआ और सम्राट के अधीन कला अकादमी द्वारा समर्थित था। कार्य लुढ़के हुए स्क्रॉल थे, जिन्हें चित्रित किया गया था साहित्यिक भूखंडकुशल सुलेख के साथ मिलकर। दो मुख्य प्रकार के स्क्रॉल थे: एमकिमोनो - कई मीटर लंबा, क्षैतिज रूप से मुड़ा हुआ और अक्सर मेज पर देखा जाता था, और काकिमोनो - लंबवत रूप से मुड़ा हुआ और दीवार पर लटका हुआ था। आमतौर पर, रेशम या कागज को यमातो-ए शैली में चमकीले रंग से रंगा जाता था, लेकिन बाद में सिरेमिक व्यंजन, राष्ट्रीय कपड़े, पंखे, दीवारें और स्क्रीन तेजी से कैनवास के रूप में उपयोग किए जाने लगे। मन की स्थिति को व्यक्त करने के लिए विशेष ध्यान दिया गया था।
• सुमी-ए - एक स्वतंत्र शैली के रूप में XIV सदी के आसपास बनाई गई थी। इसकी विशेषताएं जल रंग और काले और सफेद रंगों का उपयोग हैं।
• चित्र - XIII-XIV सदियों में लोकप्रिय हुए।
• लैंडस्केप - XIV-XV सदियों में लोकप्रियता हासिल की, बड़े पैमाने पर पूरे देश में ज़ेन बौद्ध धर्म के प्रसार के कारण, जो प्रकृति के साथ चिंतन और एकता के विचार पर आधारित है।
• Ukiyo-e बोर्डों पर एक विशिष्ट उज्ज्वल पेंटिंग है। यह 17वीं शताब्दी में दिखाई दिया और इसमें प्रकृति, प्रसिद्ध जापानी गीशा या काबुकी थिएटर कलाकारों की छवियां शामिल थीं। एक सदी बाद, यह प्रवृत्ति इतनी लोकप्रिय हो गई कि इसने यूरोपीय लोगों का दिल भी जीत लिया - उन्होंने इस शैली को अपने कार्यों में लागू करना शुरू कर दिया।

पारंपरिक Ukiyo-ए प्रिंट

वास्तु दिशा

प्रारंभ में, जापानी वास्तुकला प्राचीन पारंपरिक घरों - हनीवा के निर्माण के लिए कम हो गई थी। वे चौथी शताब्दी से पहले बनाए गए थे, और उनकी उपस्थिति का अंदाजा केवल जीवित लघु मिट्टी के मॉडल और रेखाचित्रों से लगाया जा सकता है, क्योंकि वे आज तक जीवित नहीं हैं।

यहां आम लोगों की जिंदगी और जिंदगी गुजरी। ये मूल डगआउट थे, जो ऊपर से पुआल की छतरी से ढके हुए थे। यह विशेष लकड़ी के तख्ते द्वारा समर्थित था।

बाद में, ताकायुका दिखाई दिया - अन्न भंडार का एक एनालॉग। उनमें विशेष सहायक बीम भी शामिल थे, जिससे फसल को प्राकृतिक आपदाओं और कीटों से बचाना संभव हो गया।

लगभग उसी समय, I-III शताब्दियों में, प्रकृति की शक्तियों का संरक्षण करने वाले देवताओं के सम्मान में प्राचीन शिंटो धर्म के मंदिर दिखाई देने लगे। वे अक्सर अनुपचारित और अप्रकाशित सरू से निर्मित होते थे, और एक संक्षिप्त आयताकार आकार के होते थे।

छप्पर या चीड़ की छत मकान का कोना था, और संरचनाओं को स्वयं मंडपों से घिरे खंभों पर बनाया गया था। शिंटो मंदिरों की एक अन्य विशेषता प्रवेश द्वार के सामने यू-आकार का द्वार है।

शिंटो में, नवीनीकरण का एक नियम है: हर बीस साल में, मंदिर को नष्ट कर दिया जाता था, और लगभग वही, लेकिन नया, उसी स्थान पर बनाया जाता था।

सबसे प्रसिद्ध ऐसे मंदिर को इसे कहा जाता है। यह पहली सहस्राब्दी की शुरुआत में पहली बार बनाया गया था और परंपरा के अनुसार लगातार पुनर्निर्माण किया गया था। Ise में दो समान परिसर होते हैं जो एक दूसरे से थोड़ा अलग स्थित होते हैं: पहला सूर्य की शक्तियों को समर्पित है, दूसरा उर्वरता के देवता को समर्पित है।

छठी शताब्दी से, चीन और कोरिया से आई बौद्ध शिक्षाएं उगते सूरज की भूमि में फैलने लगीं और इसके साथ ही बौद्ध मंदिरों के निर्माण के सिद्धांत भी। सबसे पहले उन्होंने चीनी प्रतियों का प्रतिनिधित्व किया, लेकिन बाद में मंदिर वास्तुकला में एक विशेष, वास्तव में जापानी शैली का पता लगाया जाने लगा।

संरचनाओं को विषम रूप से बनाया गया था, जैसे कि प्रकृति के साथ विलय। रूपों की संक्षिप्तता और स्पष्टता, एक लकड़ी का फ्रेम, एक पत्थर की नींव के साथ, कई स्तरों में पगोडा, बहुत चमकीले रंग नहीं - यह उस समय के अभयारण्यों को अलग करता है।

उनमें से कई आज तक बच गए हैं। वास्तुकला के स्मारकों में 7 वीं शताब्दी की शुरुआत से अपने प्रसिद्ध स्वर्ण मंदिर और 40 अन्य इमारतों के साथ होरी-जी शामिल हैं, नारा शहर में 8 वीं शताब्दी के मध्य से टोडाई-जी, जिसे अभी भी सबसे बड़ी लकड़ी की संरचना माना जाता है। ग्रह। साथ ही, बौद्ध वास्तुकला मूर्तिकला और चित्रकला के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ी हुई है, जो शिक्षक के जीवन से देवताओं और रूपांकनों को चित्रित करती है।

टोडाई-जी मंदिर

12वीं-13वीं शताब्दी के अंत में, राज्य में सामंतवाद शुरू हुआ, और इसलिए वैभव से अलग शिंदेन शैली लोकप्रिय हो गई। इसे सीन शैली द्वारा प्रतिस्थापित किया गया था, जिसके शीर्ष पर सादगी और कुछ अंतरंगता है: दीवारों के बजाय लगभग भारहीन स्क्रीन हैं, फर्श पर मैट और तातमी हैं।

उसी समय, स्थानीय सामंतों के महल-मंदिर दिखाई देने लगे। इस प्रकार की संरचना की उत्कृष्ट कृतियाँ 14वीं शताब्दी के किंकाकू-जी, या स्वर्ण मंडप के साथ-साथ 15वीं शताब्दी के जिन्काकू-जी, जिन्हें रजत मंदिर के रूप में भी जाना जाता है, प्रसिद्ध हैं।

जिन्काकुजी मंदिर (स्वर्ण मंडप)

XIV-XV सदियों में महलों-मंदिरों के साथ, परिदृश्य बागवानी कला उभरने लगी। कई मायनों में, इसकी उपस्थिति जापान में ज़ेन की मननशील शिक्षाओं के प्रवेश के कारण है। मंदिरों और बड़े आवासों के आसपास उद्यान दिखाई देने लगे, जहाँ मुख्य घटक न केवल पौधे, फूल, बल्कि पत्थर, पानी, साथ ही रेत और कंकड़ के टीले थे, जो जल तत्व का प्रतीक थे।

क्योटो का अनोखा शहर पूरी दुनिया में मशहूर है।

एक अन्य प्रकार का बगीचा एक चाय बागान है, जिसे "त्यनिवा" कहा जाता है। यह चाय घर को घेरता है, जहां एक विशेष, इत्मीनान से समारोह आयोजित किया जाता है, और एक विशेष पथ पूरे बगीचे से घर तक जाता है। मध्यकाल में प्रकट होने के कारण आज हर जगह खींच पाया जाता है।

मूर्तिकला दिशा

प्राचीन जापान में मूर्तिकला ज्यादातर धार्मिक और अनुष्ठान परंपराओं से जुड़ी हुई है। मे भी III-V सदियोंलोगों ने छोटी-छोटी आकृतियाँ बनाना सीखा जिन्हें डोगू कहा जाता है।

डोगू ने लोगों, जानवरों को चित्रित किया, और यह देखते हुए कि वे टीले में पाए गए थे, हम यह निष्कर्ष निकाल सकते हैं कि उन्हें मृतकों के साथ कब्र में रखा गया था - ये उनके नौकर थे जो अगली दुनिया में उपयोगी हो सकते थे। डोगू मिट्टी, कांस्य, लकड़ी, लाख की आकृतियाँ थीं। बाद में, टीले और शिंटो मंदिरों के पास देवताओं की बड़ी मूर्तियाँ भी बनाई गईं।

dogu मूर्ति

बेशक, देश में बौद्ध धर्म के आगमन ने स्थानीय मूर्तिकला को प्रभावित किया। छठी-सातवीं शताब्दी में बुद्ध के कई स्मारक दिखाई देने लगे। चीनी और कोरियाई उस्तादों के बाद, स्थानीय मूर्तिकारों ने अपनी यात्रा शुरू की।

9वीं शताब्दी तक, मूर्तिकला की दिशा और भी अधिक विकसित होने लगी, लेकिन बुद्धों की उपस्थिति बदल गई और उनके कई, एक हजार तक, चेहरे और हाथ होने लगे। ज्यादातर वे मजबूत लकड़ी की प्रजातियों, वार्निश, कांस्य, मिट्टी से बने होते थे।

आज तक कई खूबसूरत स्मारक बचे हैं। उदाहरण के लिए, हरु-जी के मंदिर में, बुद्ध की एक राजसी आकृति एक कमल के फूल पर विराजमान है, और टोडाई-जी में 16-मीटर बुद्ध के नेतृत्व वाले देवताओं का एक पूरा समूह है, जिसे मूर्तिकारों कैकेई और उनके द्वारा बनाया गया था। .

अन्य प्रकार

जापानी कला बहुआयामी है और आप इसके बारे में घंटों बात कर सकते हैं। आइए कई अन्य प्रकार की कलाओं के बारे में बात करते हैं जिनकी उत्पत्ति प्राचीन काल में हुई थी।

• सुलेख

इसे सेडो कहा जाता है, जिसका अर्थ है "सूचनाओं का मार्ग।" जापान में सुलेख उन सुंदर चित्रलिपि के लिए धन्यवाद प्रकट हुआ जो चीनी से उधार लिए गए थे। कई आधुनिक स्कूलों में इसे एक अनिवार्य विषय माना जाता है।

• हाइकू या हाइकू

हाइकू एक विशेष जापानी गीत काव्य है जो 14वीं शताब्दी में प्रकट हुआ था। कवि को "हैजिन" कहा जाता है।

• origami

यह नाम "कागज जो मुड़ा हुआ है" के रूप में अनुवादित है। मध्य साम्राज्य से आने वाला ओरिगैमी मूल रूप से अनुष्ठानों में उपयोग किया जाता था और कुलीनता के लिए एक व्यवसाय था, लेकिन हाल ही में यह दुनिया भर में फैल गया है।

प्राचीन कलाजापान में ओरिगेमी

• इकेबाना

अनुवादित शब्द का अर्थ है "जीवित फूल"। ओरिगामी की तरह, यह मूल रूप से अनुष्ठानों में प्रयोग किया जाता था।

• लघुचित्र

दो सबसे सामान्य प्रकार के लघुचित्र बोन्साई और नेटसुक हैं। बोन्साई वास्तविक पेड़ों की एक बहुत ही कम रूप में प्रतियां हैं। नेटसुक 18वीं-19वीं शताब्दी में दिखाई देने वाले तावीज़ आकर्षण जैसी छोटी मूर्तियाँ हैं।

• मार्शल आर्ट

वे मुख्य रूप से समुराई से जुड़े हुए हैं - एक प्रकार की शिष्टता, निंजा - हत्यारे-भाड़े के सैनिक, बुशिडो - योद्धा।

• नाट्य कला

सबसे प्रसिद्ध थिएटर, सभी जापानी का गौरव शास्त्रीय काबुकी थिएटर है। आप जापान में नाट्य कला के बारे में अधिक पढ़ सकते हैं।

जापान में काबुकी थियेटर

निष्कर्ष

जैसा कि हम लेख से देख सकते हैं, जापान कला की उत्कृष्ट कृतियों का एक संपूर्ण खजाना है, न केवल राष्ट्रीय स्तर पर, बल्कि वैश्विक स्तर पर भी। प्राचीन काल से, जो हमारे युग से बहुत पहले शुरू होता है, जापानियों ने चारों ओर सुंदर चीजें बनाना और बनाना शुरू किया: पेंटिंग, इमारतें, मूर्तियाँ, कविताएँ, पार्क, लघुचित्र - और यह पूरी सूची नहीं है।

दिलचस्प बात यह है कि इसमें एम्बेडेड विशेषताएं जापानी संस्कृतिपुरातनता, हमारे समय की रचनाओं में देखी जा सकती है - यह सरलता, संक्षिप्तता, स्वाभाविकता, प्रकृति के साथ सामंजस्य की इच्छा है।

आपका ध्यान देने के लिए बहुत-बहुत धन्यवाद, प्रिय पाठकों! हमें उम्मीद है कि आज आपने जापान जैसे रहस्यमयी और दूर देश के बारे में बहुत कुछ जान लिया होगा। हमसे जुड़ें - टिप्पणियाँ छोड़ें, दोस्तों के साथ लेखों के लिंक साझा करें - हमें एक्सप्लोर करने में बहुत खुशी होगी रहस्यमय दुनियातुम्हारे साथ पूर्व!

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