मुख्य संगीतकार और कलाकार दुभाषिए हैं। प्रसिद्ध संगीतकार

संगीतकार के पेशे के लिए संगीत प्रतिभा और संगीत रचना के गहन ज्ञान की आवश्यकता होती है। हम सुरक्षित रूप से कह सकते हैं कि संगीतकार संगीत जगत में सबसे महत्वपूर्ण व्यक्ति है। इसलिए, संगीत के इतिहास में प्रत्येक प्रसिद्ध संगीतकार का प्रत्येक विशिष्ट चरण में संगीत के विकास पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा। 18वीं सदी के संगीतकार 18वीं सदी के उत्तरार्ध में, दो महान संगीतकार रहते थे और काम करते थे - बाख और मोजार्ट - जिन्होंने संगीत कला के बाद के पूरे विकास को प्रभावित किया। जोहान सेबेस्टियन बाख (1685-1750) 17वीं-18वीं शताब्दी की संगीत परंपरा के सबसे प्रतिभाशाली प्रतिनिधि हैं, जिन्हें इतिहासकारों ने बारोक युग के रूप में वर्गीकृत किया है। बाख संगीत के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक हैं, जिन्होंने अपने 65 साल के जीवन के दौरान विभिन्न शैलियों में एक हजार से अधिक संगीत रचनाएँ लिखी हैं। जोहान सेबेस्टियन बाख संगीत की दुनिया में सबसे प्रसिद्ध राजवंशों में से एक के संस्थापक हैं। वोल्फगैंग अमाडेस मोजार्ट (1756-1791) - उज्ज्वल प्रतिनिधि विनीज़ स्कूल, जिसके पास कई वाद्ययंत्रों का स्वामित्व था: वायलिन, हार्पसीकोर्ड, ऑर्गन। इन सभी शैलियों में, वह न केवल एक कलाकार के रूप में, बल्कि मुख्य रूप से संगीत के संगीतकार के रूप में सफल हुए। मोजार्ट संगीत के प्रति अपनी अद्भुत रुचि और कामचलाऊ व्यवस्था की प्रतिभा के कारण प्रसिद्ध हुआ। संगीत के इतिहास में तीसरा सबसे महत्वपूर्ण नाम लुडविग वान बीथोवेन है। उन्होंने 18वीं और 19वीं शताब्दी के अंत में सभी मौजूदा संगीत शैलियों में काम किया। उनकी संगीत विरासत बेहद विविध है: ये सोनाटा और सिम्फनी, ओवरचर और चौकड़ी, उनके दो पसंदीदा वाद्ययंत्रों - वायलिन और पियानो के लिए संगीत कार्यक्रम हैं। बीथोवेन को शास्त्रीय संगीत में रूमानियत का पहला प्रतिनिधि माना जाता है। ये रचनाएँ लुडविग वान बीथोवेन द्वारा लिखी गई थीं 01-टू एलिस 02-सोनाटा नंबर 14 लूनर 03-सिम्फनी नंबर 5 04-अप्पासियोनाटा सोनाटा नंबर 23 05-सोनाटा नंबर 13 दयनीय 06-एग्मोंट ओवरचर 07-सोनाटा नंबर 17 टेम्पेस्ट 08-सिम्फनी नंबर 9 09- सोनाटा नंबर 21 मोजार्ट ने "इमेजिनरी सिंपल गर्ल" "स्किपियो ड्रीम" "मिसेरिकोर्डियास डोमिनी" मोकार्टा 40. सिम्फनीजा, 4. टेम्प्स ओवरचर टू डॉन जियोवानी "फिगारो काज़ू" उवर्टिरा कॉन्सर्टो इन डी फॉर फ्लूट जे.टी. 1 गायन कार्य 2 अंग कार्य 3 हार्पसीकोर्ड के लिए कार्य 4 एकल गैर-कीबोर्ड वाद्ययंत्रों के लिए कार्य 5 किसी अन्य वाद्ययंत्र के साथ हार्पसीकोर्ड युगल के लिए कार्य वह 90 ओपेरा के लेखक हैं 500 से अधिक संगीत समारोहों के लेखक विभिन्न वाद्ययंत्रों के लिए 100 से अधिक सोनाटा के लेखक बेसो कंटिन्यू के साथ ; धर्मनिरपेक्ष कैंटटा, सेरेनेड, सिम्फनी, स्टैबैट मेटर और अन्य चर्च कार्य। ओपेरा, पेस्टिसियो, बैले टेरप्सीचोर (ओपेरा द फेथफुल शेफर्ड के तीसरे संस्करण की प्रस्तावना, 1734, कोवेंट गार्डन थिएटर); ऑर्केस्ट्रा के साथ गाना बजानेवालों और आवाजों के लिए वक्तृत्व, ओडेस और अन्य कार्य, ऑर्केस्ट्रा के लिए संगीत कार्यक्रम, सुइट्स, वाद्ययंत्रों के लिए संगीत कार्यक्रम और वाद्ययंत्रों के समूह के लिए ऑर्केस्ट्रा - पियानो के लिए 2 हाथ, पियानो के लिए 2 पियानो के लिए 4 हाथ, पियानो के साथ या किसी अन्य के साथ आवाज के लिए अकेले गायन मंडली के लिए एक वाद्ययंत्र, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत - संगीत कला के इतिहास में, 18वीं शताब्दी का बहुत महत्व था और अब भी यह सर्वोपरि रुचि का विषय है। यह संगीत क्लासिक्स के निर्माण का युग है, प्रमुख संगीत अवधारणाओं का जन्म, संक्षेप में पहले से ही धर्मनिरपेक्ष आलंकारिक सामग्री। संगीत न केवल पुनर्जागरण के बाद से विकसित हुई अन्य कलाओं के स्तर तक, अपने सर्वोत्तम साहित्य के स्तर तक पहुंच गया, बल्कि कुल मिलाकर कई अन्य कलाओं (विशेष रूप से, दृश्य कला) द्वारा हासिल की गई उपलब्धि को पार कर गया और अंत तक सदी विनीज़ की सिम्फनी की तरह इतने उच्च और स्थायी मूल्य की एक बड़ी संश्लेषण शैली बनाने में सक्षम थी शास्त्रीय विद्यालय. बाख, हैंडेल, ग्लुक, हेडन और मोजार्ट सदी की शुरुआत से अंत तक संगीत कला के इस पथ पर मान्यता प्राप्त शिखर हैं। हालाँकि, फ्रांस में जीन फिलिप रमेउ, इटली में डोमेनिको स्कारलाटी, जर्मनी में फिलिप इमानुएल बाख जैसे मौलिक और खोजी कलाकारों की भूमिका भी महत्वपूर्ण है, सामान्य रचनात्मक आंदोलन में उनके साथ आने वाले कई अन्य मास्टर्स का उल्लेख नहीं किया गया है।

यहां 10 संगीतकारों की सूची दी गई है जिनके बारे में आपको जानना चाहिए। उनमें से प्रत्येक के बारे में यह निश्चित रूप से कहा जा सकता है कि वह सबसे अधिक है महान संगीतकार, जो कभी भी रहा है, हालांकि वास्तव में कई शताब्दियों में लिखे गए संगीत की तुलना करना असंभव है, और वास्तव में असंभव है। हालाँकि, ये सभी संगीतकार अपने समकालीनों के बीच संगीत रचने वाले संगीतकार के रूप में खड़े हैं। उच्चतम स्तरऔर शास्त्रीय संगीत की सीमाओं को नई सीमाओं तक ले जाने का प्रयास किया। सूची में महत्व या व्यक्तिगत पसंद जैसा कोई क्रम नहीं है। केवल 10 महान संगीतकार जिनके बारे में आपको जानना चाहिए।

प्रत्येक संगीतकार के साथ उसके जीवन का एक उद्धरण योग्य तथ्य जुड़ा हुआ है, जिसे याद करके आप एक विशेषज्ञ की तरह लगेंगे। और नाम के लिंक पर क्लिक करके आप उसे पहचान लेंगे पूर्ण जीवनी. और निःसंदेह, आप प्रत्येक गुरु के महत्वपूर्ण कार्यों में से एक को सुन सकते हैं।

विश्व शास्त्रीय संगीत की सबसे महत्वपूर्ण हस्ती। दुनिया में सबसे अधिक प्रदर्शन करने वाले और सम्मानित संगीतकारों में से एक। उन्होंने अपने समय में मौजूद सभी शैलियों में काम किया, जिनमें ओपेरा, बैले, नाटकीय प्रदर्शन के लिए संगीत, कोरल रचनाएँ. उनकी विरासत में वाद्य कार्यों को सबसे महत्वपूर्ण माना जाता है: पियानो, वायलिन और सेलो सोनाटा, पियानो और वायलिन संगीत कार्यक्रम, चौकड़ी, प्रस्ताव, सिम्फनी। शास्त्रीय संगीत में रोमांटिक काल के संस्थापक।

दिलचस्प तथ्य।

बीथोवेन सबसे पहले अपनी तीसरी सिम्फनी (1804) नेपोलियन को समर्पित करना चाहते थे, संगीतकार इस व्यक्ति के व्यक्तित्व से मोहित हो गए थे, जो अपने शासनकाल की शुरुआत में कई लोगों को एक वास्तविक नायक लगता था। लेकिन जब नेपोलियन ने खुद को सम्राट घोषित किया, तो बीथोवेन ने अपना समर्पण खत्म कर दिया शीर्षक पेजऔर केवल एक शब्द लिखा - "वीर"।

एल बीथोवेन द्वारा "मूनलाइट सोनाटा",सुनना:

2. (1685-1750)

जर्मन संगीतकार और ऑर्गेनिस्ट, बारोक युग के प्रतिनिधि। संगीत के इतिहास में सबसे महान संगीतकारों में से एक। अपने जीवन के दौरान, बाख ने 1000 से अधिक रचनाएँ लिखीं। उनके काम में ओपेरा को छोड़कर उस समय की सभी महत्वपूर्ण शैलियों का प्रतिनिधित्व किया गया है; उन्होंने बारोक काल की संगीत कला की उपलब्धियों का सारांश दिया। सबसे प्रसिद्ध संगीत राजवंश के पूर्वज।

दिलचस्प तथ्य।

अपने जीवनकाल के दौरान, बाख को इतना कम आंका गया कि उनकी एक दर्जन से भी कम रचनाएँ प्रकाशित हुईं।

जे.एस. बाख द्वारा डी माइनर में टोकाटा और फ्यूग्यू,सुनना:

3. (1756-1791)

महान ऑस्ट्रियाई संगीतकार, वादक और कंडक्टर, वियना क्लासिकल स्कूल के प्रतिनिधि, एक गुणी वायलिन वादक, हार्पसीकोर्डिस्ट, ऑर्गेनिस्ट, कंडक्टर, उनके पास एक अभूतपूर्व प्रतिभा थी संगीत के लिए कान, स्मृति और सुधार करने की क्षमता। एक संगीतकार के रूप में जिन्होंने हर शैली में उत्कृष्ट प्रदर्शन किया है, उन्हें शास्त्रीय संगीत के इतिहास में सबसे महान संगीतकारों में से एक माना जाता है।

दिलचस्प तथ्य।

अभी भी एक बच्चे के रूप में, मोजार्ट ने इटालियन ग्रिगोरियो एलेग्री द्वारा लिखित मिसेरेरे (डेविड के 50वें स्तोत्र के पाठ के लिए बिल्ली का मंत्र) को केवल एक बार सुनकर याद किया और लिखा।

डब्ल्यू ए मोजार्ट द्वारा "लिटिल नाइट सेरेनेड"।, सुनना:

4. (1813-1883)

जर्मन संगीतकार, कंडक्टर, नाटककार, दार्शनिक। पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा यूरोपीय संस्कृति XIX-XX सदियों की बारी, विशेषकर आधुनिकतावाद। वैगनर के ओपेरा अपने भव्य पैमाने और शाश्वत मानवीय मूल्यों से विस्मित करते हैं।

दिलचस्प तथ्य।

वैगनर ने जर्मनी में 1848-1849 की असफल क्रांति में भाग लिया और फ्रांज लिस्ट्ट द्वारा गिरफ्तारी से छिपने के लिए मजबूर किया गया।

आर. वैगनर के ओपेरा "वाल्किरी" से "राइड ऑफ़ द वाल्किरीज़",सुनना

5. (1840-1893)

इतालवी संगीतकार, इतालवी ओपेरा स्कूल के केंद्रीय व्यक्ति। वर्डी को मंच, स्वभाव और त्रुटिहीन कौशल की समझ थी। उन्होंने ऑपरेटिव परंपराओं (वैगनर के विपरीत) से इनकार नहीं किया, बल्कि उन्हें विकसित किया (इतालवी ओपेरा की परंपराएं), उन्होंने रूपांतरित किया इटालियन ओपेरा, इसे यथार्थवाद से भर दिया, इसे समग्र की एकता प्रदान की।

दिलचस्प तथ्य।

वर्डी एक इतालवी राष्ट्रवादी थे और 1860 में ऑस्ट्रिया से इटली की आजादी के बाद पहली इतालवी संसद के लिए चुने गए थे।

डी. वर्डी के ओपेरा "ला ट्रैविटा" का ओवरचर,सुनना:

7. इगोर फेडोरोविच स्ट्राविंस्की (1882-1971)

रूसी (अमेरिकी - प्रवास के बाद) संगीतकार, कंडक्टर, पियानोवादक। बीसवीं सदी के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकारों में से एक। स्ट्राविंस्की का काम उनके पूरे करियर में एकजुट रहा है, हालांकि अलग-अलग अवधि में उनके काम की शैली अलग थी, लेकिन मूल और रूसी जड़ें बनी रहीं, जो उनके सभी कार्यों में प्रकट हुईं, उन्हें 20 वीं शताब्दी के अग्रणी नवप्रवर्तकों में से एक माना जाता है। उसका अभिनव प्रयोगलय और सामंजस्य ने कई संगीतकारों को प्रेरित और प्रेरित किया, न कि केवल शास्त्रीय संगीत में।

दिलचस्प तथ्य।

प्रथम विश्व युद्ध के दौरान, रोमन सीमा शुल्क अधिकारियों ने पाब्लो पिकासो द्वारा स्ट्राविंस्की के एक चित्र को जब्त कर लिया जब संगीतकार इटली छोड़ रहे थे। चित्र को भविष्यवादी ढंग से चित्रित किया गया था और सीमा शुल्क अधिकारियों ने इन वृत्तों और रेखाओं को किसी प्रकार की एन्क्रिप्टेड गुप्त सामग्री समझ लिया।

आई.एफ. स्ट्राविंस्की के बैले "द फायरबर्ड" से सुइट,सुनना:

8. जोहान स्ट्रॉस (1825-1899)

ऑस्ट्रियाई प्रकाश संगीतकार, कंडक्टर और वायलिन वादक। "वाल्ट्ज के राजा", उन्होंने नृत्य संगीत और ओपेरेटा की शैली में काम किया। उनकी संगीत विरासत में 500 से अधिक वाल्ट्ज, पोल्का, स्क्वायर नृत्य और अन्य प्रकार के नृत्य संगीत, साथ ही कई ओपेरा और बैले शामिल हैं। उनके लिए धन्यवाद, 19वीं शताब्दी में वाल्ट्ज वियना में बेहद लोकप्रिय हो गया।

दिलचस्प तथ्य।

जोहान स्ट्रॉस के पिता - जोहान भी और भी प्रसिद्ध संगीतकारइसलिए, "वाल्ट्ज़ के राजा" को छोटा या बेटा कहा जाता है, उनके भाई जोसेफ और एडवर्ड भी प्रसिद्ध संगीतकार थे।

आई. स्ट्रॉस द्वारा वाल्ट्ज "ऑन द ब्यूटीफुल ब्लू डेन्यूब", सुनना:

9. सर्गेई वासिलीविच रहमानिनोव (1873-1943)

ऑस्ट्रियाई संगीतकार, विनीज़ शास्त्रीय संगीत विद्यालय के प्रमुख प्रतिनिधियों में से एक और संगीत में रूमानियत के संस्थापकों में से एक। मेरे लिए छोटा जीवनशुबर्ट ने आर्केस्ट्रा, चैम्बर और पियानो संगीत में महत्वपूर्ण योगदान दिया जिसने संगीतकारों की एक पूरी पीढ़ी को प्रभावित किया। हालाँकि, उनका सबसे महत्वपूर्ण योगदान जर्मन रोमांस के विकास में था, जिनमें से उन्होंने 600 से अधिक बनाए।

दिलचस्प तथ्य।

शुबर्ट के मित्र और साथी संगीतकार एकत्र होते और शुबर्ट का संगीत बजाते। इन बैठकों को "शूबर्टियाड्स" (शूबर्टियाड्स) कहा जाता था। कुछ प्रथम प्रशंसक क्लब!

"एवे मारिया" एफ.पी. शूबर्ट, सुनना:

महान संगीतकारों के विषय को जारी रखते हुए आपको नई सामग्री जाननी चाहिए।

संगीत की व्याख्या संगीत पाठ, प्रदर्शन परंपराओं और कलाकार की रचनात्मक इच्छाशक्ति की परस्पर क्रिया के परिणामस्वरूप होती है।

लेखक की जानकारी कलाकार को सोचने, कल्पना करने, जुड़ाव खोजने के लिए प्रोत्साहित करती है, भावनाओं को जन्म देती है। सूचना निष्पादित करना लेखक की जानकारी को प्रभावित करता है, उसे संकुचित या विस्तारित करता है, पूरक बनाता है, रूपांतरित करता है, अर्थात पुनर्विचार होता है संगीतजिसके परिणामस्वरूप एक कलात्मक छवि का निर्माण होता है। लेखक की जानकारी पर पुनर्विचार करने से किसी भी स्थिति में लेखक के इरादे में विकृति नहीं आनी चाहिए। वास्तविक प्रदर्शन सह-निर्माण तभी संभव है जब लेखक की जानकारी कलाकार में पारस्परिक भावनाएँ पाती है।

संगीत के एक टुकड़े पर काम करना एक रचनात्मक प्रक्रिया है, जिसकी विविधता दोनों से जुड़ी होती है कलात्मक विशेषताएंकाम करता है, साथ ही कलाकार की विभिन्न व्यक्तिगत विशेषताओं के साथ। उसके सामने क्या कार्य हैं? और विकास में क्या योगदान देता है रचनात्मकताकलाकार, उसके संगीत स्वाद, पेशेवर कौशल के निर्माण को उत्तेजित करता है?

प्रदर्शन का अर्थ है कार्य की सामग्री और अवतार में गहरी पैठ बनाकर सृजन करना। संगीत सामग्रीकलात्मक छवि पर आधारित. किसी कार्य की सामग्री को फिर से बनाने से लेखक के पाठ के प्रति निष्ठा, रचना के वैचारिक अभिविन्यास, भावनात्मक समृद्धि (संगीत कला मानव धारणा के भावनात्मक क्षेत्र को प्रभावित करती है) को समझना शामिल है।

मौलिकता को ध्यान में रखे बिना कलात्मक छवि बनाना असंभव है ऐतिहासिक युगजिसमें कार्य बनाया गया था; उसका शैली विशेषताएँ, राष्ट्रीय लक्षणसंगीतकार का विश्वदृष्टिकोण, संगीत के अभिव्यंजक साधनों के उपयोग की प्रकृति, यानी वह सब कुछ जिसे हम शैलीगत विशेषताएँ या विशेषताएँ कहते हैं।

व्याख्या -(लैटिन व्याख्या से - स्पष्टीकरण, व्याख्या) - एक संगीत पाठ की ध्वनि प्राप्ति की प्रक्रिया। व्याख्या उस स्कूल या दिशा के सौंदर्य सिद्धांतों पर निर्भर करती है जिससे कलाकार संबंधित है, उसकी व्यक्तिगत विशेषताओं और वैचारिक और कलात्मक डिजाइन पर। व्याख्या में एक व्यक्तिगत दृष्टिकोण शामिल होता है संगीत बजाया गया, सक्रिय रवैया, लेखक के इरादे के अवतार की कलाकार की अपनी रचनात्मक अवधारणा की उपस्थिति। 19वीं शताब्दी की शुरुआत तक, व्याख्या की कला संगीतकारों के काम से निकटता से जुड़ी हुई थी: एक नियम के रूप में, संगीतकार स्वयं अपनी रचनाएँ प्रस्तुत करते थे। व्याख्या का विकास संगीत कार्यक्रम गतिविधि की गहनता के कारण है।

एक स्वतंत्र कला के रूप में व्याख्या ने 19वीं शताब्दी के 20-30 के दशक में विशेष महत्व प्राप्त कर लिया। अभ्यास करते समय इसे अनुमोदित किया जाता है नया प्रकारसंगीतकार-दुभाषिया - अन्य संगीतकारों के कार्यों का कलाकार। समानांतर में, लेखक के प्रदर्शन की परंपराएँ भी हैं। अन्य लेखकों के कार्यों के सूक्ष्म व्याख्याकार एफ. लिस्केट, ए.जी. रुबिनशेटिन, एस.वी. राचमानिनोव थे। 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध से, संगीत व्याख्या का एक सिद्धांत बनाया गया है (यह प्रदर्शन करने वाले स्कूलों की विविधता, व्याख्या के सौंदर्य सिद्धांतों, प्रदर्शन की तकनीकी समस्याओं का अध्ययन करता है), जो 20 वीं शताब्दी की शुरुआत तक इनमें से एक बन गया है। संगीतशास्त्र के क्षेत्र. व्याख्या के घरेलू सिद्धांत के विकास में जी.एम. कोगन, जी.जी. न्यूहौस, एस.वाई. फीनबर्ग और अन्य ने महत्वपूर्ण योगदान दिया।

संगीत प्रदर्शन में वस्तुनिष्ठ और व्यक्तिपरक, सहज और तर्कसंगत। प्रदर्शन की रचनात्मक प्रकृति.

प्रसिद्ध पियानोवादक आई. हॉफमैन ने लिखा: "किसी संगीत कृति की सही व्याख्या उसकी सही समझ से होती है, और वह, बदले में, ईमानदारी से सटीक पढ़ने पर निर्भर करती है।" इसका मतलब यह है कि प्रदर्शन का सही चरित्र, सबसे पहले, एक सार्थक व्याख्या से प्रमाणित होता है, जो लेखक के पाठ के साथ सख्ती से मेल खाता है "संगीत पाठ संगीतकार द्वारा दी गई संपत्ति है, और उसके प्रदर्शन निर्देश वसीयत के साथ पत्र हैं ,'' संगीतकार और पियानोवादक एस. फीनबर्ग ने कहा। हालाँकि, इसमें केवल पाठ ही नहीं, बल्कि कार्य का उपपाठ भी होता है। उल्लेखनीय पियानोवादक के. इगुम्नोव का मानना ​​था कि कलाकार के "अच्छे आधे" को भी स्वयं से पाठ में लाना चाहिए, अर्थात, उसे काम के आंतरिक चरित्र से संपर्क करना चाहिए, इसके उप-पाठ को प्रकट करना चाहिए। प्रसिद्ध जी. न्यूहौस ने हमेशा प्रदर्शन किए गए कार्य के मूड में लगातार तल्लीन करने की आवश्यकता की याद दिलाई, क्योंकि यह इस मूड में है, जो पूरी तरह से संगीत संकेतन के लिए उत्तरदायी नहीं है, जो कि कलात्मक छवि का संपूर्ण सार है। उपरोक्त सभी से, निष्कर्ष यह निकलता है कि संगीतकार के पाठ के सटीक निष्पादन को उसके औपचारिक पुनरुत्पादन के रूप में नहीं, बल्कि वास्तविक ध्वनि छवियों में रिकॉर्डिंग-योजना के सार्थक रचनात्मक "अनुवाद" के रूप में समझा जाना चाहिए।

व्याख्या के द्वंद्वात्मक रूप से परस्पर संबंधित पहलुओं के रूप में समझ और व्याख्या। व्याख्या के परिणामस्वरूप नये अर्थों की उत्पत्ति। कलात्मक व्याख्या की विशिष्टता, व्याख्या की वस्तु की सहज समझ (अनुभव, तालमेल)।

व्याख्या करने के लिए किसी कार्य के शब्दार्थ और सौंदर्य संबंधी विश्लेषण की भूमिका

संगीत व्याख्या में जानबूझकर और अनजाने में

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि संगीत प्रदर्शन, सबसे पहले, एक प्रक्रियात्मक-गतिशील क्षण है। इसका मतलब यह है कि परिवर्तन संगीतमय छविमंच पर, जिसके दौरान संगीतमय छवि की व्याख्या में कुछ विशेष परिवर्तन होते हैं। शोधकर्ता एक कलाकार द्वारा संगीत पुनरुत्पादन की परिवर्तनशीलता या चर और अपरिवर्तनीय तत्वों के संयोजन के बारे में बात करते हैं।

व्याख्यात्मक प्रक्रिया को दो विरोधाभासी सिद्धांतों की बातचीत के रूप में दर्शाया जा सकता है - जानबूझकर (प्रक्रिया में स्थिर के फोकस के रूप में) और अनजाने (प्रक्रिया में परिवर्तनशील के फोकस के रूप में)। ये दो बड़ी और जटिल परतें प्रक्रिया की संरचना बनाती हैं। समय में इस संरचना की तैनाती, इसके तत्वों की समग्रता और कनेक्शन एक गतिशील ध्वनि अखंडता का निर्माण करते हैं, जो वास्तव में एक व्याख्यात्मक प्रक्रिया है।

जानबूझकर शुरुआतप्रक्रिया में प्रदत्तता की एक सामान्यीकृत अभिव्यक्ति है। जानबूझकर किए गए तत्वों में वे तत्व शामिल होते हैं, जिनके गुणात्मक पैरामीटर संगीतकार द्वारा क्रियाएं शुरू करने से पहले प्रोग्राम किए जाते हैं और जिन्हें वह आगामी प्रक्रिया में लागू करने का इरादा रखता है। साथ में, ये तत्व प्रदर्शन व्याख्या का सचेत रूप से नियोजित हिस्सा बनाते हैं और प्रक्रिया के मात्रात्मक प्रभुत्व का गठन करते हैं। उनकी विशिष्ट विशेषताएं आंतरिक प्रेरणा, निश्चितता और अर्थ संबंधी महत्व हैं। किसी न किसी रूप में, पूर्वचिन्तन डिज़ाइन संरचना के सभी स्तरों को कवर करता है। जानबूझकर की गई शुरुआत कलाकार की व्यक्तिगत कलात्मक चेतना की छाप रखती है, उसकी रचनात्मक विशिष्टता का संकेत है।

व्याख्यात्मक प्रक्रिया लगातार क्रियान्वित इरादे तक सीमित नहीं है। अपने आप में आ जाता है अनपेक्षित शुरुआत, वस्तुकरण के कृत्यों में अनिवार्य रूप से मौजूद है और मौलिक रूप से भिन्न प्रकृति रखता है। एक अनपेक्षित शुरुआत प्रक्रिया का एक गतिशील घटक है, जिसके तत्व अनायास उत्पन्न होते हैं, मूल योजना द्वारा निर्धारित पाठ्यक्रम से विचलन के रूप में कार्य करते हैं और अनिश्चितता का "अस्तित्वगत क्षेत्र" बनाते हैं। यह घटक, रचनात्मकता के प्रदर्शन के अतार्किक पहलू को दर्शाते हुए, छवि-डिज़ाइन में अप्रत्याशित, स्व-निर्मित परिवर्तन की संभावना का वाहक बन जाता है। अनजाने प्रारंभ में तत्व शामिल हैं अलग स्वभाव. यदि हम उन्हें सामग्री-अर्थ संबंधी विमान में मानते हैं, तो अनपेक्षित तत्वों को दो उप-प्रजातियों में विभाजित करना आवश्यक हो जाता है: सिमेंटिक और एसेमेन्टिक।

सिमेंटिक (कामचलाऊ)दृश्य कलात्मक और अभिव्यंजक अर्थ से संपन्न आने वाले तत्वों के एक समूह को एकजुट करता है। अचेतन की "मुक्त" (अनिर्दिष्ट) गतिविधि का एक रचनात्मक उत्पाद होने के नाते, अंतर्ज्ञान, कल्पना, फंतासी और भावनाओं के आंतरिक आंदोलनों की क्षणिक "गतिविधि" का परिणाम, जिसे आमतौर पर कलात्मक अनुभव कहा जाता है, वे एक कलात्मक और उत्पादक परत बनाते हैं एक अनपेक्षित शुरुआत. उनके संकेत हैं: अनजानेपन, नवीनता और अर्थ संबंधी महत्व, और उत्तरार्द्ध एक ही स्रोत - ध्वनि छवि पर चढ़ते हुए, कामचलाऊ और जानबूझकर तत्वों की एकता और रिश्तेदारी का आधार बनता है। अनजाने में हुई शुरुआत में सुधार शामिल है, लेकिन यह यहीं तक सीमित नहीं है।

एसेमेन्टिक (अराजक)दृश्य अनपेक्षित तत्वों के एक समूह को एकजुट करता है, जिसकी उपस्थिति कलात्मक कारकों के कारण नहीं, बल्कि गतिविधि में "विफलता" के कारण होती है। इन तत्वों की उत्पत्ति निष्पादन के तकनीकी और नियामक क्षेत्रों में उल्लंघन से जुड़ी है। वे निष्पादन त्रुटियों, दोषों और प्रक्रिया की अव्यवस्था के क्षणों के रूप में प्रकट होते हैं। एसेमेंटिक तत्व जो कल्पना की गई थी उसे नुकसान पहुंचाते हैं, "व्यक्तिपरक" अर्थपूर्ण परिणाम नहीं देते हैं, बल्कि प्रक्रिया में केवल कम या ज्यादा महत्वपूर्ण विनाश लाते हैं, इसलिए वे एक अनपेक्षित शुरुआत की कलात्मक रूप से अनुत्पादक परत का गठन करते हैं। इस घटक के कामकाज के बेहद अनुचित, स्पष्ट रूप से विनाशकारी स्तर को देखते हुए, इसे "अराजक" कहा जा सकता है।

एक संगीत कार्य की प्रदर्शन व्याख्या की पर्याप्तता का प्रश्न।

संगीतकार को न केवल पाठ में महारत हासिल करनी चाहिए, उसका मुख्य कार्य संगीतकार के इरादे को समझना, संगीत के एक टुकड़े में सन्निहित उसकी संगीतमय छवियों को फिर से बनाना और चयन करना है। अभिव्यक्ति का साधनसबसे सटीक प्रसारण के लिए.

ए. फ़्रांस ने लिखा: “कला के एक आदर्श काम को समझने का मतलब, सामान्य तौर पर, इसे अपने आप में फिर से बनाना है भीतर की दुनिया". केएस स्टैनिस्लावस्की ने कहा कि केवल "अभिनेता की लेखक के विचार में गहरी पैठ, मंच पर सन्निहित छवि के लिए अभ्यस्त होना, जब अभिनेता भूमिका के समान ही रहता है, महसूस करता है और सोचता है, तभी उसके कार्यों से मंच पर सफलता मिल सकती है" ।”

इतालवी पियानोवादक एफ. बुसोनी ने इस विषय पर इस प्रकार बात की: “इसे वापस फेंकना लगभग एक अलौकिक कार्य है अपनी भावनाएंसबसे विविध व्यक्तियों की भावनाओं को पुनर्जन्म देने और वहां से उनकी रचना का अध्ययन करने के लिए। रूसी आलोचक वी.जी. ने प्रदर्शन कलाओं के रचनात्मक सार को बहुत सूक्ष्मता से देखा। बेलिंस्की: "अभिनेता अपने नाटक के साथ लेखक के विचार को पूरक करता है, और उसकी रचनात्मकता इसमें शामिल होती है - वह जोड़।" वही तर्क संगीत और प्रदर्शन कला में काम करता है।

एक। प्रसिद्ध रूसी संगीतकार और संगीत समीक्षक सेरोव ने लिखा:“एक भूमिका - कम से कम शेक्सपियर के नाटक, संगीत से - यहां तक ​​कि स्वयं बीथोवेन से भी, एक शानदार प्रदर्शन के संबंध में, केवल एक रेखाचित्र, एक निबंध है; पेंट, पूरा जीवनकोई भी कार्य कलाकार की आकर्षक शक्ति के तहत ही जन्म लेता है।

उदाहरण के लिए, पी.आई. द्वारा पियानो और ऑर्केस्ट्रा के लिए सबसे लोकप्रिय पहला संगीत कार्यक्रम। त्चिकोवस्की, पहले प्रदर्शन के केवल 4 साल बाद ही व्यापक रूप से जाना जाने लगा, जब एन. रुबिनस्टीन ने इसे शानदार ढंग से प्रदर्शित किया। यही कहानी पी. त्चिकोवस्की के वायलिन कॉन्सर्टो के साथ भी घटी, जिसने एल. एउर के प्रदर्शन के बाद ही वायलिन वादकों के संगीत कार्यक्रम में अपना सही स्थान ले लिया।

ये उदाहरण प्रदर्शन गतिविधि की रचनात्मक प्रकृति को दर्शाते हैं, जो लेखक के पाठ का ध्वनि में सरल, औपचारिक अनुवाद नहीं है, बल्कि उसका रचनात्मक प्रदर्शन है। व्याख्या का मनोवैज्ञानिक सार ए.एन. द्वारा बहुत सटीक रूप से व्यक्त किया गया था। सेरोव: " महान रहस्यमहान कलाकार इस तथ्य में कि वे अंदर से रोशन करते हैं, चमकाते हैं, अपनी आत्मा से संवेदनाओं की एक पूरी दुनिया डालते हैं, अपनी प्रतिभा की शक्ति से प्रदर्शन करते हैं।

व्याख्या कलाकार की व्यावसायिक योग्यता और कौशल तक सीमित नहीं है। यह व्यक्तित्व के सभी पहलुओं की अभिव्यक्ति है, और विश्वदृष्टि से जुड़ा हुआ है, वैचारिक रुझान, साझी संस्कृति, बहुमुखी ज्ञान और सोचने का तरीका जो व्यक्तित्व की आंतरिक सामग्री का निर्माण करता है।

कलाकार की सार्वजनिक, नैतिक और व्यावसायिक ज़िम्मेदारी 18वीं सदी के अंत से - 19वीं सदी के मध्य तक बढ़ गई है, जब प्रदर्शन कलाएँ संगीतकार से अलग हो गईं। कार्य का भाग्य कई मायनों में कलाकार पर निर्भर होने लगा।

ए रुबिनस्टीन: “यह मेरे लिए पूरी तरह से समझ से बाहर है कि आम तौर पर वस्तुनिष्ठ प्रदर्शन को क्या समझा जाता है। कोई भी प्रदर्शन, यदि वह किसी मशीन द्वारा नहीं, बल्कि किसी व्यक्ति द्वारा निर्मित होता है, तो वह स्वयं व्यक्तिपरक होता है। वस्तु (रचना) के अर्थ को सही ढंग से बताएं - कलाकार के लिए ऋण कानून है, लेकिन हर कोई इसे अपने तरीके से करता है, अर्थात व्यक्तिपरक रूप से; और क्या अन्यथा सोचना संभव है? यदि किसी रचना का प्रस्तुतीकरण वस्तुनिष्ठ होना है, तो केवल एक ही तरीका सही होगा, और सभी कलाकारों को उसका अनुकरण करना होगा; कलाकार क्या बनेंगे? बंदर? क्या हेमलेट, या किंग लियर आदि की भूमिका का केवल एक ही प्रदर्शन है? इसलिए, संगीत में, मैं केवल व्यक्तिपरक प्रदर्शन को समझता हूं।

एक कलात्मक और प्रदर्शन विचार का गठन और उसका कार्यान्वयन

व्याख्या के मामले में, असाधारण महत्व कल्पना का है - भविष्य की गतिविधि की छवि को मोड़ने, या रूप में एक नया बनाने की मानसिक प्रक्रिया सामान्य विचार, या किसी गतिविधि के अंतिम उत्पाद का अधिक विशिष्ट प्रतिनिधित्व। कल्पना हमेशा अपने भौतिक रूप से सन्निहित रूप से आगे, बाद की गतिविधि के एक कार्यक्रम का मानसिक निर्माण होती है। मनोरंजक और के बीच अंतर बताएं रचनात्मक कल्पना. रचनात्मक नए विचारों और छवियों का निर्माण है। संगीतमय पाठ आदि के आधार पर छवियों का निर्माण पुनः बनाना है। कल्पना को पुनः सृजित करना - मनोवैज्ञानिक आधारसंगीत का निर्माण और व्याख्या का प्रदर्शन।

कलाकार दो प्रकार के होते हैं - भावनात्मक प्रकार के ("अनुभव करने की कला" के अनुयायी) और बौद्धिक प्रकार के कलाकार ( नाट्य कला, स्टैनिस्लावस्की)।

सिंथेटिक कलाकार हैं. इन दोनों सिद्धांतों का एक उल्लेखनीय संयोजन एस.वी. की गतिविधियों में पाया जाता है। राचमानिनोव, और पी. कैसल्स, ए. टोस्कानिनी और जे. हेफिट्ज़, डी. ओइस्ट्राख और एस. रिक्टर, एल. कोगन और ई. गिलेल्स, ई. स्वेतलानोव और वी. फेडोसेव। वे संगीत के एक टुकड़े की सामग्री में गहरी अंतर्दृष्टि, सामग्री और रूप की शानदार एकता, दिलचस्प, मौलिक व्याख्या और उत्कृष्ट तकनीकी कौशल से प्रतिष्ठित हैं। इस प्रकार की विशेषता भावनात्मक और बौद्धिक सिद्धांतों के बीच संतुलन है, जिसे सचेत रूप से नियंत्रित किया जाता है।

व्याख्या के विभिन्न पहलू: 1. लेखक के इरादे की निष्पादक द्वारा व्याख्या; 2. ऐतिहासिक विरासत; 3. अंतरसांस्कृतिक और अंतरसांस्कृतिक संबंध। प्रामाणिक प्रदर्शन, ऐतिहासिक और सांस्कृतिक संदर्भ में तल्लीनता।

किसी संगीत कृति पर कार्य उसके व्यापक अध्ययन पर आधारित होना चाहिए। यह आपको आलंकारिक क्षेत्र में गहराई से जाने, काम में कलाकार की रुचि बनाए रखने और अंततः लेखक के इरादे को समझने की अनुमति देगा।

इस लंबे और कठिन रास्ते पर सबसे महत्वपूर्ण प्रारंभिक बिंदु वह युग है जिसमें यह या वह कार्य बनाया गया था। संगीतकार, जैसे थे, अलग-अलग समय पर अलग-अलग भाषाएँ बोलते हैं, अलग-अलग आदर्शों को अपनाते हैं, किसी विशेष समय के जीवन के पहलुओं, दार्शनिक और सौंदर्यवादी विचारों, अवधारणाओं को प्रतिबिंबित करते हैं। तदनुसार, अभिव्यंजक साधनों का भी उपयोग किया जाता है। यह समझना आवश्यक है कि यह विशेष शैली किसी विशेष युग में क्यों उत्पन्न हुई, इसे संगीतकार के व्यक्तित्व से जोड़ना, जो युग का "उत्पाद" है, एक निश्चित से संबंधित है सामाजिक समूह, राष्ट्रीयता, संगीत के एक टुकड़े को इन स्थितियों में रखना और यह स्थापित करना कि इसका निर्माता और समय के साथ क्या संबंध है।

आइए युग और गति के संकेतन (गति) के अंतर्संबंध को लें। विभिन्न युगों में, गति के संकेतन की अलग-अलग तरीकों से व्याख्या की गई थी। उदाहरण के लिए, प्रीक्लासिकल काल में, "एलेग्रो", "एंडांटे", "एडैगियो" की टेम्पी ने गति की गति नहीं, बल्कि संगीत की प्रकृति का संकेत दिया। स्कार्लट्टी का एलेग्रो क्लासिक्स के एलेग्रो की तुलना में धीमा (या अधिक संयमित) है, जबकि मोजार्ट का एलेग्रो अपने आधुनिक अर्थ में एलेग्रो की तुलना में धीमा (अधिक संयमित) है। मोजार्ट का एंडांटे अधिक मोबाइल है। बल्कि हम इसे अभी समझते हैं। रिश्ते के बारे में भी यही कहा जा सकता है संगीत युगगतिशीलता और अभिव्यक्ति के साथ. बेशक, अधिकार की उपस्थिति किसी को गतिशील संकेतों के साथ कहीं न कहीं बहस करने, पियानो, पियानिसिमो, फोर्टे, फोर्टिसिमो को एक नए तरीके से समझने की अनुमति देती है।

ध्वनि मुद्रण

ध्वनि की रिकॉर्डिंग और पुनरुत्पादन के लिए पहले उपकरण यांत्रिक संगीत वाद्ययंत्र थे। वे धुनें बजा सकते थे, लेकिन मानव आवाज़ जैसी मनमानी ध्वनियाँ रिकॉर्ड करने में असमर्थ थे। स्वचालित संगीत प्लेबैक को 9वीं शताब्दी से जाना जाता है, जब 875 के आसपास बानू मूसा बंधुओं ने सबसे पुराने ज्ञात यांत्रिक उपकरण - एक हाइड्रोलिक या "जल अंग" का आविष्कार किया था, जो स्वचालित रूप से विनिमेय सिलेंडर बजाता था। सतह पर उभरे हुए "कैम" वाला सिलेंडर 19वीं शताब्दी के उत्तरार्ध तक संगीत के यांत्रिक पुनरुत्पादन का मुख्य साधन बना रहा। पुनर्जागरण के दौरान बनाया गया पूरी लाइनविभिन्न यांत्रिक संगीत वाद्ययंत्र जो सही समय पर इस या उस राग को पुन: पेश करते हैं: बैरल ऑर्गन, संगीत बक्से, बक्से, स्नफ़ बक्से।

1857 में डी मार्टिनविले ने आविष्कार किया फोनोटोग्राफ़. उपकरण में एक ध्वनिक शंकु और एक सुई से जुड़ी एक कंपन झिल्ली शामिल थी। सुई मैन्युअल रूप से घुमाए गए कालिख से ढके कांच के सिलेंडर की सतह के संपर्क में थी। ध्वनि कंपन, शंकु से गुजरते हुए, झिल्ली को कंपन करते हैं, जिससे सुई तक कंपन संचारित होता है, जिससे कालिख की परत में ध्वनि कंपन के आकार का पता लगाया जाता है। हालाँकि, इस उपकरण का उद्देश्य पूरी तरह से प्रायोगिक था - यह रिकॉर्ड की गई रिकॉर्डिंग को नहीं चला सकता था।

1877 में, थॉमस एडिसन ने फोनोग्राफ का आविष्कार किया, जो पहले से ही अपनी रिकॉर्डिंग को चला सकता था। ध्वनि को मीडिया पर एक ट्रैक के रूप में रिकॉर्ड किया जाता है, जिसकी गहराई ध्वनि की मात्रा के समानुपाती होती है। फोनोग्राफ का ध्वनि ट्रैक एक बदली घूमने वाले ड्रम पर एक बेलनाकार सर्पिल में रखा गया है। प्लेबैक के दौरान, खांचे के साथ चलती हुई सुई कंपन को एक लोचदार झिल्ली तक पहुंचाती है, जो ध्वनि उत्सर्जित करती है।

एडिसन थॉमस अल्वा (1847-1931), अमेरिकी आविष्कारक और उद्यमी। इलेक्ट्रिकल इंजीनियरिंग और संचार के क्षेत्र में 1000 से अधिक आविष्कारों के लेखक। उन्होंने दुनिया के पहले ध्वनि रिकॉर्डिंग उपकरण - फोनोग्राफ का आविष्कार किया, गरमागरम लैंप, टेलीग्राफ और टेलीफोन में सुधार किया, 1882 में दुनिया का पहला बिजली संयंत्र बनाया।

पहले फोनोग्राफ में, एक धातु रोलर को एक क्रैंक द्वारा घुमाया जाता था, जो ड्राइव शाफ्ट पर एक स्क्रू थ्रेड के कारण प्रत्येक क्रांति के साथ अक्षीय रूप से घूमता था। रोलर पर टिन फ़ॉइल (स्टेनियोल) लगाया गया था। इसे चर्मपत्र झिल्ली से जुड़ी स्टील की सुई से छुआ गया था। झिल्ली से एक धातु शंकु सींग जुड़ा हुआ था। ध्वनि रिकॉर्ड करते और बजाते समय, रोलर को 1 क्रांति प्रति मिनट की गति से मैन्युअल रूप से घुमाना पड़ता था। जब रोलर ध्वनि की अनुपस्थिति में घूमता है, तो सुई पन्नी पर निरंतर गहराई की एक सर्पिल नाली (या नाली) निकालती है। जब झिल्ली कंपन करती थी, तो सुई को कथित ध्वनि के अनुसार टिन में दबाया जाता था, जिससे अलग-अलग गहराई की एक नाली बन जाती थी। तो "डीप रिकॉर्डिंग" की विधि का आविष्कार किया गया।

अपने उपकरण के पहले परीक्षण में, एडिसन ने सिलेंडर के ऊपर पन्नी को कसकर खींचा, सुई को सिलेंडर की सतह पर लाया, ध्यान से हैंडल को घुमाना शुरू किया और बच्चों के गीत "मैरी हैज़ ए शीप" का पहला छंद गाया। मुखपत्र. फिर उसने सुई को हटा दिया, हैंडल के साथ सिलेंडर को उसकी मूल स्थिति में लौटा दिया, सुई को खींचे गए खांचे में डाल दिया और सिलेंडर को फिर से घुमाना शुरू कर दिया। और मुखपत्र से एक बच्चों का गीत धीरे, लेकिन स्पष्ट रूप से बज रहा था।

1885 में, अमेरिकी आविष्कारक चार्ल्स टैंटर (1854-1940) ने ग्राफोफोन विकसित किया - एक पैर से चलने वाला फोनोग्राफ (पैर से चलने वाली सिलाई मशीन की तरह) - और टिन रोल शीट को मोम से बदल दिया। एडिसन ने टैंटर का पेटेंट खरीदा और रिकॉर्डिंग के लिए फ़ॉइल रोल के बजाय हटाने योग्य मोम रोल का उपयोग किया गया। ध्वनि ग्रूव की पिच लगभग 3 मिमी थी, इसलिए प्रति रोल रिकॉर्डिंग का समय बहुत कम था।

लगभग अपरिवर्तित रूप में, फ़ोनोग्राफ़ कई दशकों तक अस्तित्व में रहा। संगीत कार्यों को रिकॉर्ड करने के लिए एक उपकरण के रूप में, 20वीं सदी के पहले दशक के अंत में इसका उत्पादन बंद हो गया, लेकिन लगभग 15 वर्षों तक इसका उपयोग वॉयस रिकॉर्डर के रूप में किया जाता रहा। इसके लिए रोलर्स का उत्पादन 1929 तक किया गया था।

10 साल बाद, 1887 में, ग्रामोफोन के आविष्कारक ई. बर्लिनर ने रोलर्स को डिस्क से बदल दिया, जिससे प्रतियां बनाई जा सकती थीं - धातु मैट्रिसेस। उनकी मदद से, प्रसिद्ध ग्रामोफोन रिकॉर्ड दबाए गए (चित्र 4 ए)। एक मैट्रिक्स ने पूरे सर्कुलेशन को प्रिंट करना संभव बना दिया - कम से कम 500 रिकॉर्ड। एडिसन के वैक्स रोलर्स की तुलना में बर्लिनर के रिकॉर्ड का यह मुख्य लाभ था, जिसे दोहराया नहीं जा सका। एडिसन के फोनोग्राफ के विपरीत, बर्लिनर ने ध्वनि रिकॉर्डिंग के लिए एक उपकरण विकसित किया - एक रिकॉर्डर, और ध्वनि पुनरुत्पादन के लिए दूसरा - एक ग्रामोफोन।

गहरी रिकॉर्डिंग के बजाय, अनुप्रस्थ रिकॉर्डिंग का उपयोग किया गया था, अर्थात। सुई ने निरंतर गहराई का एक टेढ़ा निशान छोड़ा। इसके बाद, झिल्ली को अत्यधिक संवेदनशील माइक्रोफोन द्वारा प्रतिस्थापित किया गया जो ध्वनि कंपन को विद्युत कंपन और इलेक्ट्रॉनिक एम्पलीफायरों में परिवर्तित करता है। 1888 बर्लिंगर द्वारा ग्रामोफोन रिकॉर्ड के आविष्कार का वर्ष है।

1896 तक, डिस्क को हाथ से घुमाना पड़ता था, और यह ग्रामोफोन के व्यापक उपयोग में मुख्य बाधा थी। एमिल बर्लिनर ने एक स्प्रिंग इंजन के लिए एक प्रतियोगिता की घोषणा की - सस्ता, तकनीकी रूप से उन्नत, विश्वसनीय और शक्तिशाली। और ऐसा इंजन बर्लिनर की कंपनी में आए मैकेनिक एल्ड्रिज जॉनसन ने डिजाइन किया था। 1896 से 1900 तक इनमें से लगभग 25,000 इंजन का उत्पादन किया गया। तभी बर्लिनर का ग्रामोफोन व्यापक हो गया।

पहले रिकॉर्ड एकतरफ़ा थे। 1903 में पहली बार 12 इंच की दो तरफा डिस्क जारी की गई।

1898 में, डेनिश इंजीनियर वोल्डेमर पॉलसेन (1869-1942) ने स्टील के तार पर चुंबकीय रूप से ध्वनि रिकॉर्ड करने के लिए एक उपकरण का आविष्कार किया। बाद में, पॉलसेन ने एक घूमने वाली स्टील डिस्क पर चुंबकीय रिकॉर्डिंग की एक विधि का आविष्कार किया, जहां एक गतिशील चुंबकीय सिर द्वारा एक सर्पिल में जानकारी दर्ज की गई थी। 1927 में, एफ. फ़्लीमर ने गैर-चुंबकीय आधार पर चुंबकीय टेप के निर्माण के लिए एक तकनीक विकसित की। इस विकास के आधार पर, 1935 में, जर्मन इलेक्ट्रिकल कंपनी "एईजी" और रासायनिक कंपनी "आईजी फारबेनइंडस्ट्री" ने जर्मन रेडियो प्रदर्शनी में लोहे के पाउडर से लेपित प्लास्टिक बेस पर एक चुंबकीय टेप का प्रदर्शन किया। में महारत हासिल है औद्योगिक उत्पादन, इसकी कीमत स्टील से 5 गुना सस्ती थी, यह बहुत हल्का था, और सबसे महत्वपूर्ण बात यह है कि इसने साधारण ग्लूइंग द्वारा टुकड़ों को जोड़ना संभव बना दिया। नए चुंबकीय टेप का उपयोग करने के लिए, एक नया ध्वनि रिकॉर्डिंग उपकरण विकसित किया गया, जिसे ब्रांड नाम "मैग्नेटोफ़ोन" प्राप्त हुआ। चुंबकीय टेप बार-बार ध्वनि रिकॉर्डिंग के लिए उपयुक्त है। ऐसे अभिलेखों की संख्या व्यावहारिक रूप से असीमित है। यह केवल नए सूचना वाहक - चुंबकीय टेप की यांत्रिक शक्ति से निर्धारित होता है। पहला दो-ट्रैक टेप रिकॉर्डर जर्मन कंपनी एईजी द्वारा 1957 में जारी किया गया था, और 1959 में इस कंपनी ने पहला चार-ट्रैक टेप रिकॉर्डर जारी किया था।

“सबसे सच्चा और उच्चतम उपाय

महान संगीतकारों की सेवा

उन्हें पूर्णतया लाने में शामिल है

कलाकार की ईमानदारी"

(अल्फ्रेड कोर्टोट)।

नोटेशन की एक निश्चित प्रणाली में रिकॉर्ड किए गए संगीत के एक टुकड़े की उपस्थिति के बाद से, संगीत के मुख्य वाहक - संगीतकार और कलाकार - के बीच रचनात्मक संबंध निरंतर संशोधन की प्रक्रिया में रहे हैं। इस राष्ट्रमंडल में, दो प्रवृत्तियाँ संघर्ष कर रही हैं - आत्म-अभिव्यक्ति की इच्छा के साथ संलयन की इच्छा। 19वीं सदी के मध्य से, रूसी पियानोवादन प्रदर्शन कला की दुनिया में सबसे प्रगतिशील समूहों में से एक बन गया है। रूस में, कहीं और से पहले, उन्होंने लेखक के पाठ के सबसे सावधानीपूर्वक अध्ययन की आवश्यकता को समझा, इसके प्रति रचनात्मक दृष्टिकोण के साथ। 20वीं सदी के पहले चार दशक लेखक के पाठ के प्रति दृष्टिकोण के प्रश्न के सबसे सामंजस्यपूर्ण समाधान का समय हैं; पियानोवादकों ने काम के सार और उसके निर्माता की शैली को और अधिक गहराई से समझना शुरू कर दिया। सोवियत संगीतकारों ने बखियाना प्रदर्शन कर विश्व में उल्लेखनीय योगदान दिया है। एम.वी. युदीना ने अपने पूरे समय बाख की पूजा की रचनात्मक जीवन. इसका प्रमाण पियानोवादक द्वारा बजाई गई उनकी रचनाओं की संख्या (लगभग अस्सी) से है - जो उनकी पीढ़ी के कलाकारों के लिए लगभग अद्वितीय है। बाख के प्रदर्शनों की सूची में, उन्होंने विशिष्ट पियानो सहित कई अभिव्यंजक रोमांटिक साधनों को त्याग दिया; रोमैंटिक्स की व्याख्याओं की तुलना में, बाख के पढ़ने की तुलना में इसकी विशेषता अधिक ऐतिहासिक थी। युदीना उन पहले लोगों में से एक थीं जिन्होंने महसूस किया कि बाख की रचनात्मकता और आधुनिक पियानो का संबंध है विभिन्न युगजीवित की तरह कलात्मक वास्तविकता, जो दुभाषिया को कठिन स्थिति में डाल देता है। के बारे में नवोन्वेषी विशेषताएँयुदीना की शैली का अंदाजा उनके क्रोमैटिक फैंटेसी और फ्यूग्यू के प्रदर्शन से लगाया जा सकता है, जो रैखिक आकृतियों, तपस्वी रंग और अभिव्यक्ति के ऊर्जावान हार्पसीकोर्ड विच्छेदन द्वारा प्रतिष्ठित है। जीव के स्पर्श के साथ-साथ धीमी, "संप्रभु" गति और सख्त एगॉगिक्स के साथ, पुरानी क्लैवियर भावना में "पंजीकरण" पर ध्यान आकर्षित किया जाता है। पियानोवादक की शैली की चाहत कभी भी उसके प्रदर्शन की संग्रहालय-जैसी "सूखापन" में नहीं बदली। युदीना की व्याख्याओं में, एक भावनात्मक स्थिति में एक लंबे विसर्जन को व्यक्त करने की क्षमता, रोमांटिक रीडिंग में खो गई, बाख के कार्यों में लौटने लगी: क्लैवियर-अंग पंजीकरण के सिद्धांतों का पुनरुद्धार; अंतिम पट्टियों में डिमिन्यूएन्डो का गायब होना; शुरुआत से अंत तक फ्यूग्यू में ध्वनि की शक्ति को धीरे-धीरे बढ़ाने की परंपरा की अस्वीकृति, आवेगी रूबाटो की अनुपस्थिति। युडिना के प्रदर्शन निर्णयों में एक और "क्लैवियर" विशेषता पर ध्यान दिया जाना चाहिए - अभिव्यक्ति का बढ़ा हुआ महत्व।

सोवियत संगीतकारों के बीच, शिवतोस्लाव टेओफिलोविच रिक्टर पियानोवादक के इतिहास में पोस्ट-रोमांटिक चरण के एक क्लासिक बन गए, एक कलाकार जिसके काम में नए प्रदर्शन युग के प्रमुख रुझान केंद्रित थे। उन्होंने व्याख्याएँ बनाईं, जिनके बिना बाख के संगीत के प्रदर्शन का इतिहास अकल्पनीय है। इस संगीतकार के काम की रोमांटिक व्याख्या की प्रवृत्ति को दृढ़ता से तोड़ते हुए, रिक्टर ने अपने कार्यक्रमों से प्रतिलेखन हटा दिया। एचटीके के प्रील्यूड्स एंड फ्यूग्स में, जो रिक्टर की बाख डिस्कोग्राफी में मुख्य स्थान रखता है, वह रोमांटिक स्वतंत्रता, अधिकतम निष्पक्षता की इच्छा के साथ व्याख्याओं की व्यक्तिपरकता की तुलना करता है और, जैसा कि यह था, "छाया में चला जाता है", जाने देना चाहता है "संगीत ही" ध्वनि. ये व्याख्याएँ लेखक के प्रति सावधान, पवित्र दृष्टिकोण से ओत-प्रोत हैं। यहां आत्म-अवशोषण भावनाओं की बाहरी अभिव्यक्तियों पर पूरी तरह हावी है; भावनात्मक तीव्रता का अंदाज़ा भारी बौद्धिक तनाव में ही होता है। अद्वितीय कौशल इसकी अदृश्यता, पियानोवादक साधनों की संक्षिप्तता और तपस्या में परिलक्षित होता है। हम रिक्टर में ऑर्गन, स्वर, आर्केस्ट्रा, आर्केस्ट्रा-गाना बजानेवालों और हार्पसीकोर्ड ध्वनि और घंटियों की संभावना सुनते हैं। “मुझे विश्वास है कि बाख को अलग-अलग तरीकों से, अलग-अलग अभिव्यक्ति के साथ और अलग-अलग गतिशीलता के साथ अच्छी तरह से खेला जा सकता है। यदि केवल संपूर्ण को संरक्षित किया जाता है, यदि केवल शैली की सख्त रूपरेखा विकृत नहीं होती है, यदि केवल प्रदर्शन पर्याप्त रूप से आश्वस्त करने वाला होता है ”(एस.टी. रिक्टर)।

सीटीसी चक्र के लिए एक गहरा और व्यापक, वास्तव में कलात्मक दृष्टिकोण रिक्टर की विशेषता है। रिक्टर के प्रदर्शन को सुनकर, उनमें दो मुख्य प्रवृत्तियों का पता लगाना आसान है, जो कभी-कभी एक-दूसरे से लड़ते हैं। एक ओर, उनका प्रदर्शन बाख के समय की क्लैवियर कला की विशिष्टताओं द्वारा पूर्व निर्धारित सीमाओं के भीतर प्रतीत होता है। दूसरी ओर, यह लगातार उन घटनाओं से निपट रहा है जो इन सीमाओं से परे जाती हैं। "इसमें, जैसा कि यह था, बाख की हार्पसीकोर्ड, क्लैविकॉर्ड और अंग सहानुभूति, और भविष्य की उनकी शानदार अंतर्दृष्टि एक साथ "सोल्डर" हैं (जे। मिल्स्टीन)। यह अभिव्यंजक और रचनात्मक दोनों तत्वों के साथ-साथ रैखिक तत्वों को भी जोड़ता है। इसीलिए, अन्य प्रस्तावनाओं और फ्यूग्यूज़ में, रिक्टर बौद्धिक, रचनात्मक-पॉलीफोनिक सिद्धांत को सामने लाता है और उनकी आलंकारिक संरचना को इसके साथ जोड़ता है; दूसरों में, यह बाख के संगीत की दार्शनिक गहराई और उससे जुड़े सभी अभिव्यंजक साधनों के जैविक संतुलन पर जोर देता है। कभी-कभी वह सुचारु रूप से बहने वाली मधुर रेखाओं (लेगेटो की सुसंगत अभिव्यक्ति) की अभिव्यक्ति से आकर्षित होता है, कभी-कभी इसके विपरीत, लय की तीक्ष्णता और स्पष्टता, अभिव्यक्ति के विच्छेदन से आकर्षित होता है। कभी-कभी वह रोमांटिक कोमलता, खेल की प्लास्टिसिटी के लिए प्रयास करता है, कभी-कभी तेजी से जोर देने वाले गतिशील विरोधाभासों के लिए। लेकिन वह, निश्चित रूप से, वाक्यांश के "संवेदनशील" गोलाई, छोटे गतिशील रंगों, मुख्य गति से अनुचित विचलन की विशेषता नहीं है। यह बाख की अत्यधिक अभिव्यंजक, आवेगपूर्ण व्याख्या, असममित उच्चारण, व्यक्तिगत नोट्स और रूपांकनों पर तीव्र जोर, गति के अचानक "स्पास्टिक" त्वरण आदि के लिए भी बेहद अलग है। एचटीके का उनका प्रदर्शन स्थिर, बड़े पैमाने पर, जैविक और संपूर्ण है। "उनकी सबसे बड़ी खुशी उनके द्वारा चुने गए संगीतकार की इच्छा में घुलना है" (वाई. मिल्स्टीन)।

ग्लेन गोल्ड की उल्लेखनीय, विश्व-विजयी व्याख्याओं का मुख्य प्रोत्साहन उनकी अद्भुत अंतर्ज्ञान, उनमें रहने वाली संगीत भावनाओं की अपरिवर्तनीय शक्ति है। गुल्डोव्स्की बाख 20वीं सदी के उत्तरार्ध की प्रदर्शन कला का सबसे बड़ा शिखर है। गोल्ड के पियानोवादक का हार्पसीकोर्ड पैलेट, इसकी मधुरता और बहुत कुछ बाख के समय की बुद्धि और संस्कृति में गहरी पैठ की गवाही देता है। गोल्ड के आविष्कारों, पार्टिटास, गोल्डबर्ग विविधताओं और बाख के अन्य कार्यों की व्याख्या एक कलात्मक संपत्ति बन गई, जिसे हमारे समकालीनों ने प्रदर्शन कला की उत्कृष्ट कृतियों के रूप में माना, सभी संचित परतों से मुक्त एक शैलीगत मानक के रूप में। हालाँकि, गुरु का रचनात्मक प्रभुत्व कभी भी बाख की नकल नहीं रहा। वह बाख के "श्वेत" पाठ के प्रत्यक्ष डेटा में परिवर्तन पर रोक नहीं लगाते हुए, अपने अंतर्ज्ञान को प्रस्तुत करता है। गोल्ड बाख के कार्यों को कलात्मक प्रेरकता की अलग-अलग डिग्री के साथ प्रदर्शित करता है। सीटीसी के पहले खंड के सभी फ्यूग्यू गोल्ड के लिए सामान्य कलात्मक स्तर पर प्रदर्शित नहीं किए गए हैं। मास्टर के खेल में, अक्सर पाठ से प्रत्यक्ष बर्बादी होती है, इसके लयबद्ध-उच्च-ऊंचाई वाले संस्करण।

गोल्ड का नाटक अपने मूल और, में अद्भुत है उच्चतम डिग्री, अभिव्यंजक मेलिस्मैटिक्स। उनका स्थान भी मूल है - कई जोड़े गए हैं, अन्य निष्पादित नहीं किए गए हैं। उनके बिना, कलाकार के बारे में बाख की व्याख्याओं में बहुत कुछ खो गया होता। कलाकार अक्सर पाठ की लयबद्ध विविधताओं का सहारा लेता है। लेकिन यदि ऊपर उल्लिखित मास्टर के प्रदर्शन की विशेषताएं कार्यों के चरित्र और अर्थ में दूरगामी परिवर्तन नहीं लाती हैं, तो गोल्ड के अन्य परिवर्तन रचनाओं के सार में घुसपैठ करते हैं। कनाडाई मास्टर की व्याख्याएँ सबसे समृद्ध कल्पनाशील स्पेक्ट्रम को कवर करती हैं। वह गहरी गीतात्मकता, लयबद्ध स्वतंत्रता, बाख के लिए असामान्य और संक्षिप्त वाक्यांशों के साथ कई चीजें निभाते हैं। उनका वादन पूर्णता से प्रभावित करता है, आवाज की उत्तलता अग्रणी है। संगीत का पूरा ताना-बाना स्पष्ट है "जैसा कि आपके हाथ की हथेली में है।" ऐसा प्रतीत होता है कि संगीत सभी स्वरों की अभिव्यंजक स्वर-शैली से समृद्ध हुआ है।

मास्टर के नाटक की बहुत विकसित, विविध, परिष्कृत रेखा कला। उनके स्ट्रोक बाख की धुनों की प्रेरक संरचना को सबसे विविध रूप देते हैं। विशेष रुचि एक ही धुन में अलग-अलग स्ट्रोक की असामान्य विधि है, जिसमें फ्यूग्यू, आविष्कार और अन्य कार्यों के विषय शामिल हैं, और नई प्रदर्शन समस्याएं खुलती हैं। बाख के आर्केस्ट्रा कार्यों का अध्ययन, जिसमें एक निश्चित संख्या में लेखक के लीग - स्ट्रोक शामिल हैं, ऐसे उदाहरण की संभावना को दर्शाता है। महान संगीतकार स्वयं विभिन्न प्रकार के स्ट्रोक्स रखते थे, और ऐसा बहुत कम नहीं होता था। कनाडाई स्वतंत्र विचारक ने हमारे समय का सबसे विश्वसनीय बाख बनाया। वह एक अलग बाख है: वह नहीं जो उसके जीवनकाल के दौरान था, और वह भी नहीं जो बदलता हुआ, विभिन्न पीढ़ियों को दिखाई देता था, लेकिन वह गोल्ड के समकालीनों को सबसे प्रामाणिक बाख लगता है।

वाद्य संगीत के क्षेत्र में जे.एस. बाख के काम ने पूरी तरह से शुरुआत की नया युग, जिसका फलदायी प्रभाव हमारे दिनों तक फैला हुआ है और कभी ख़त्म नहीं होगा। किसी धार्मिक पाठ की जड़ हठधर्मिता से मुक्त होकर, संगीत मोटे तौर पर भविष्य की ओर निर्देशित होता है, सीधे तौर पर वास्तविक जीवन. यह धर्मनिरपेक्ष कला और संगीत निर्माण की परंपराओं और तकनीकों से निकटता से जुड़ा हुआ है।

बाख के वाद्य संगीत की ध्वनि दुनिया एक अद्वितीय मौलिकता से चिह्नित है। बाख की रचनाएँ दृढ़ता से हमारी चेतना में प्रवेश कर गई हैं, एक अभिन्न सौंदर्य आवश्यकता बन गई हैं, हालाँकि वे उस समय के अलावा अन्य उपकरणों पर बजती हैं।

वाद्य संगीत, विशेष रूप से कोथेन, ने बाख को उनकी व्यापक रचना तकनीक को पूर्ण करने और निखारने के लिए एक "प्रयोगात्मक क्षेत्र" के रूप में सेवा प्रदान की। इन कार्यों का स्थायी कलात्मक मूल्य है; वे बाख के समग्र रचनात्मक विकास में एक आवश्यक कड़ी हैं। क्लैवियर बाख के लिए क्रम, सामंजस्य और आकार देने के क्षेत्र में संगीत प्रयोग का दैनिक आधार बन गया, और बाख की रचनात्मकता के विभिन्न शैली क्षेत्रों को अधिक व्यापक रूप से जोड़ा गया। बाख ने क्लैवियर के आलंकारिक-अभिव्यंजक क्षेत्र का विस्तार किया और इसके लिए एक बहुत व्यापक, सिंथेटिक शैली विकसित की, जिसमें अभिव्यंजक साधन, तकनीक, अंग, आर्केस्ट्रा, मुखर साहित्य से सीखे गए विषय-वस्तु - जर्मन, इतालवी, फ्रेंच शामिल थे। आलंकारिक सामग्री की बहुमुखी प्रतिभा के बावजूद, जिसके लिए प्रदर्शन के एक अलग तरीके की आवश्यकता होती है, बाख की क्लैवियर शैली कुछ अलग है सामान्य सुविधाएं: ऊर्जावान और राजसी, सामग्री और संतुलित भावनात्मक संरचना, समृद्धि और बनावट की विविधता। क्लैवियर मेलोडी की रूपरेखा स्पष्ट रूप से मधुर है, जिसे बजाने के लिए कैंटेबल तरीके की आवश्यकता होती है। काफी हद तक, बाख की उँगलियाँ और हाथ की सेटिंग इस सिद्धांत से जुड़ी हुई हैं। शैली की विशिष्ट विशेषताओं में से एक हार्मोनिक आकृतियों के साथ प्रस्तुति की संतृप्ति है। इस तकनीक के माध्यम से, संगीतकार ने उन भव्य सामंजस्यों की गहरी परतों को "ध्वनि की सतह पर उठाने" की कोशिश की, जो उस समय के क्लैवियर पर जुड़े हुए बनावट में, निहित रंग और अभिव्यक्ति के खजाने को पूरी तरह से प्रकट नहीं कर सके। उन्हें।

बाख के कार्य न केवल अद्भुत और अप्रतिरोध्य रूप से मनमोहक हैं: जितना अधिक हम उन्हें सुनते हैं, उनका प्रभाव उतना ही अधिक मजबूत होता जाता है, उतना ही अधिक हम उन्हें जानते हैं। विचारों की विशाल संपदा के कारण, हम हर बार उनमें कुछ नया पाते हैं जो प्रशंसा का कारण बनता है। बाख ने राजसी और उदात्त शैली को बेहतरीन सजावट के साथ जोड़ा, एक संपूर्ण रचना के विवरण का चयन करने में अत्यधिक सावधानी बरती, क्योंकि उनका मानना ​​था कि "यदि इस संपूर्ण का विवरण एक-दूसरे के साथ "फिट" नहीं हुआ तो संपूर्ण संपूर्ण परिपूर्ण नहीं हो सकता" (आई. फोर्केल)।

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पियानोवादक - दुभाषिया. आधुनिक पियानोवाद.

इओवेंको यूलिया एवगेनिव्ना, पियानो शिक्षक, MAOUK DOD चिल्ड्रन म्यूज़िक स्कूल, कोम्सोमोल्स्क-ऑन-अमूर, खाबरोवस्क क्षेत्र

मेरापरियोजनाव्याख्या संबंधी मुद्दों से संबंधित है पियानो संगीत.

इसमें मैं थोड़ा टच करूंगा पियानो प्रदर्शन कला के इतिहास के विषय के साथ-साथ आधुनिक प्रदर्शन पियानोवाद में रुझानों के मुद्दे पर, मैं हमारे समय के कुछ पियानोवादकों के बारे में बात करूंगा, जो मेरी राय में, इस या उस संगीतकार के सबसे अच्छे व्याख्याकार हैं।

अनेक कलाओं में संगीत अपनी विशिष्टता में विशेष स्थान रखता है। संगीत संकेतन के रूप में वस्तुगत रूप से मौजूद, संगीत को कलाकार द्वारा उसकी कलात्मक व्याख्या के पुन: निर्माण की आवश्यकता होती है। संगीत की प्रकृति में ही संगीत कार्य और प्रदर्शन की द्वंद्वात्मक एकता निहित है।

संगीत प्रदर्शन हमेशा समसामयिक रचनात्मकता, किसी दिए गए युग की रचनात्मकता होती है, तब भी जब कार्य स्वयं एक लंबी अवधि से अलग हो जाता है।

पियानो संगीत के विकास के युग के आधार पर, पियानोवादकों ने प्रदर्शन की एक निश्चित शैली, बजाने का एक निश्चित तरीका विकसित किया।

क्लेवियर काल पियानो प्रदर्शन के लिए एक प्रागैतिहासिक है। इस समय, संगीतकार-अभ्यासी, "वादक संगीतकार" का प्रकार विकसित हुआ। रचनात्मक सुधार प्रदर्शन कलाओं के केंद्र में है। ऐसे संगीतकार की कुशलता तकनीकी पूर्णता तक सीमित नहीं थी, बल्कि एक उपकरण की मदद से दर्शकों के साथ "बात" करने की क्षमता तक सीमित थी।

नया मील का पत्थर संगीत प्रदर्शनहै आता है 18वीं सदी के अंत में एक नए एकल वाद्य यंत्र - हैमर-एक्शन पियानो के प्रचार के साथ। संगीत सामग्री की जटिलता के कारण सटीक संगीत संकेतन की आवश्यकता के साथ-साथ विशेष प्रदर्शन निर्देशों को भी ठीक करना पड़ा।

पियानो प्रदर्शन भावनात्मक समृद्धि और गतिशीलता प्राप्त करता है।

18वीं शताब्दी के अंत तक वहाँ था नए रूप मेसंगीत बनाना - एक सार्वजनिक, सशुल्क संगीत कार्यक्रम। संगीतकार और कलाकार के बीच श्रम का विभाजन होता है।

19वीं सदी की शुरुआत एक नए प्रकार के संगीतकार का निर्माण हो रहा है - "संगीत कला में निपुण"। नई स्थानिक और ध्वनिक स्थितियाँ (बड़ी संगीत - कार्यक्रम का सभागृह) ने कलाकारों से अधिक ध्वनि शक्ति की मांग की। मनोवैज्ञानिक प्रभाव को बढ़ाने के लिए मनोरंजन के तत्वों को शामिल किया गया है। चेहरे और हाथों का "खेल" संगीतमय छवि के स्थानिक "मूर्तिकला" का साधन बन जाता है। दर्शक खेल के उत्कृष्ट दायरे, कल्पना की साहसिक उड़ान, भावनात्मक रंगों की रंगीन श्रृंखला से प्रभावित होते हैं।

और अंत में 19वीं सदी के मध्य तक लेकिन एक संगीतकार-दुभाषिया, किसी और संगीतकार की रचनात्मकता का व्याख्याकार, बनाया जा रहा है। दुभाषिया के लिए, प्रदर्शन की विशेष रूप से व्यक्तिपरक प्रकृति एक व्याख्या का मार्ग प्रशस्त करती है जो उसके लिए वस्तुनिष्ठ कलात्मक कार्य निर्धारित करती है - प्रकटीकरण, व्याख्या और प्रसारण। आलंकारिक प्रणालीसंगीत का काम और उसके लेखक का इरादा।

लगभग सब कुछ 19 वीं सदी पियानो प्रदर्शन के एक शक्तिशाली फूल की विशेषता। प्रदर्शन दूसरी रचना बन जाता है, जहां दुभाषिया संगीतकार के बराबर होता है। अपनी सभी किस्मों में भटकने वाला कलाप्रवीण प्रदर्शन क्षेत्र में मुख्य व्यक्ति बन जाता है - पियानो "कलाबाज़" से लेकर प्रचारक कलाकारों तक। चोपिन, लिस्ट्ट, रुबिनस्टीन बंधुओं की गतिविधियों में, कलात्मक और तकनीकी सिद्धांतों की एकता का विचार हावी है, दूसरी ओर, कल्कब्रेनर और लॉगियर ने एक गुणी छात्र को शिक्षित करने का मुख्य लक्ष्य निर्धारित किया। 19वीं सदी के कई उस्तादों की शैली ऐसी कार्यकारी इच्छाशक्ति से भरी थी कि हम इसे सौ प्रतिशत बेस्वाद और अस्वीकार्य मानते थे।

20 वीं सदी इसे सुरक्षित रूप से महान पियानोवादकों की सदी कहा जा सकता है: एक ही समय में इतने सारे, ऐसा लगता है कि वे पहले कभी नहीं हुए थे। पैडेरेव्स्की, हॉफमैन, राचमानिनोव, श्नाबेल - सदी की शुरुआत में, रिक्टर, गिलेल्स, केम्पफ - दूसरी छमाही में। असीमित सूची है...

XX-X के मोड़ पर मैं सदियों व्याख्याओं की विविधता इतनी अधिक है कि कभी-कभी उन्हें समझना बिल्कुल भी आसान नहीं होता है। हमारा समय प्रदर्शन के तौर-तरीकों की विविधता का है।

पियानो बजाने की आधुनिक कला. यह क्या है? इसमें क्या होता है, क्या मरता है और क्या जन्मता है?

सामान्य तौर पर, आज पियानो प्रदर्शन कला का चलन, 50 साल पहले की तुलना में, सामान्य अवधारणा पर विवरण की प्राथमिकता है। यह सूक्ष्म विवरणों की विभिन्न रीडिंग में है कि आधुनिक कलाकार अपनी वैयक्तिकता खोजना चाहते हैं।

यह प्रदर्शन के एक अनकहे नियम का अस्तित्व भी है: “कोई समरूपता नहीं है। संपूर्ण पियानो बनावट हमेशा पॉलीफोनिक और यहां तक ​​कि स्टीरियोफोनिक भी होती है। इसके साथ एक मौलिक सिद्धांत जुड़ा हुआ है: प्रत्येक उंगली एक अलग और जीवित और विशिष्ट उपकरण है जो ध्वनि की अवधि और गुणवत्ता के लिए जिम्मेदार है ”(एक व्याख्यान से उद्धरण - मिखाइल अर्कादिव द्वारा एक पाठ)।