अभिव्यक्ति की नाट्य तकनीकें. "नाटकीयकरण" के साधन

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

नाट्यकृत प्रदर्शनों और छुट्टियों के अभिव्यंजक साधन और दर्शकों पर उनका प्रभाव

टी.के. डोंस्काया1), आई.वी. गोलियसोवा2)

बेलगोरोड स्टेट इंस्टीट्यूट ऑफ आर्ट्स एंड कल्चर 1) ई-मेल: [ईमेल सुरक्षित] 2)ई-मेल: [ईमेल सुरक्षित]

लेख सामूहिक प्रदर्शनों और छुट्टियों की अभिव्यक्ति के साधनों की जांच करता है, उनके सामाजिक-सांस्कृतिक कार्यों पर प्रकाश डालता है। लेखक दर्शकों और श्रोताओं की सोच, चेतना, भावनाओं और व्यवहार पर उनके प्रभाव के दृष्टिकोण से नाटकीय प्रदर्शन और छुट्टियों के अभिव्यंजक साधनों की संभावनाओं को प्रकट करते हैं।

मुख्य शब्द: कला, कला की भाषा, कला के कार्य, नाट्य प्रदर्शन और छुट्टियां, नाट्य प्रदर्शन और छुट्टियों के अभिव्यंजक साधन।

में आधुनिक दुनियाबड़े पैमाने पर नाटकीय प्रदर्शन और समारोह (टीपीपी) बहुत लोकप्रिय हैं, जो लोगों की बढ़ती कलात्मक और सौंदर्यवादी छापों को पूरा करने की जरूरतों को पूरा करते हैं। दिखावटी खेल उत्सवसोची में (शीतकालीन ओलंपिक 2013), रेड स्क्वायर पर "स्लाव साहित्य और संस्कृति का दिन" (24 मई, 2015), टीवी पर कई प्रतिस्पर्धी कार्यक्रम ("द वॉयस", "डांसिंग ऑन आइस", आदि), सालगिरह संगीत कार्यक्रम क्रेमलिन पैलेस में एल. ज़ायकिना का सम्मान, रूसी संस्कृति और कला के उत्कृष्ट शख्सियतों को समर्पित संगीत और साहित्यिक संगीत कार्यक्रम और उत्सव (जी.वी. स्विरिडोव, के.एस. स्टैनिस्लावस्की, पी.आई. त्चिकोवस्की, ए.पी. चेखव,

एम.ए. शोलोखोव, एम.एस. शेप्किन, आदि), यादगार ऐतिहासिक और सांस्कृतिक घटनाएँ (कुलिकोवो की लड़ाई, 1812 का देशभक्तिपूर्ण युद्ध, स्टेलिनग्राद और कुर्स्क की लड़ाई, 9 मई, आदि) - यह सब हमारे लोगों की समृद्ध सांस्कृतिक परंपरा का प्रमाण है और ए उनकी प्रतिभा और अटूट रचनात्मक संभावनाओं का प्रदर्शन, लोगों की आभारी और जीवन देने वाली स्मृति का प्रकटीकरण, जो खुद को वर्तमान और भविष्य की पितृभूमि के नाम पर अपने पूर्वजों की रचनात्मक रचनात्मक गतिविधि के उत्तराधिकारी के रूप में पहचानते हैं।

इस तरह के सामूहिक मनोरंजन प्रदर्शनों के आयोजन में, अग्रणी भूमिका प्रोडक्शन निर्देशकों की होती है, जिनके नाम दर्शकों की मान्यता के योग्य हैं: ए.डी. सिलिन, ओ.एल. ओर्लोव, ई.ए. ग्लेज़ोव, ई.वी. वांडालकोव्स्की, वी. ए. अलेक्सेव, ए.आई. बेरेज़िन, एस.एम. कोमिन, एस.वी. स्वेत्कोव और अन्य।

प्रसिद्ध लेनिनग्राद निदेशक एन.पी. अकीमोव का मानना ​​था कि कला में व्यापक रुचि का कारण यह है कि “कला लोगों के बीच संचार का एक साधन है।” यह दूसरा है विशेष भाषा(जोर हमारे द्वारा जोड़ा गया - आई.जी.), जिसमें कई सबसे महत्वपूर्ण और गहरी बातें सामान्य भाषा की तुलना में बेहतर और अधिक पूर्ण रूप से कही जा सकती हैं...''1.

“लोग अलग-अलग तरीकों से इस या उस प्रदर्शन में आते हैं<...>लेकिन, अगर मंच पर जो घटित होता है वह जीवंत और प्रामाणिक है<...>, रास्ते एक बड़ी सड़क में बदल जाते हैं जो हर किसी को उसकी ओर ले जाता है, उसमें यह खोजता है कि वह क्या नहीं करता है

1 कला और शिक्षाशास्त्र। पाठक/कॉम्प. एम.ए.क्रिया. सेंट पीटर्सबर्ग: शिक्षा, 1995. पी. 28.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

मान लिया...'' जी.जी. कहते हैं टैराटोर्किन, उन कुछ आधुनिक अभिनेताओं में से एक हैं जो रूसी थिएटर स्कूल2 की परंपराओं के प्रति वफादार रहे हैं।

रचनात्मक विश्वविद्यालयों के छात्र निदेशकों की तत्परता की संरचना में

सामाजिक-ऐतिहासिक और सांस्कृतिक विषय पर काम बनाने के लिए स्वतंत्र अनुसंधान परियोजना गतिविधि का एक महत्वपूर्ण घटक शानदार जन कला के प्रतिनिधियों के रूप में उनकी गतिविधियों के लिए विशिष्ट निर्देशक और उत्पादन "भाषा" की महारत है।

कला के प्रत्येक रूप में अभिव्यक्ति के विशेष साधन होते हैं: रंगों की भाषा (पेंटिंग), शारीरिक गतिविधि की भाषा (नृत्य, बैले), माधुर्य (संगीत), शब्द (कल्पना), आदि। चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के निदेशक की पटकथा लेखन और निर्देशन गतिविधियों की "भाषा" में एक विशेष प्रकार की कला के रूप में विशिष्ट विशेषताएं हैं जिनकी अपनी "भाषा" है। इसलिए, सामूहिक मनोरंजन की विभिन्न शैलियों के विशिष्ट विश्लेषण में, एक निश्चित सामाजिक-सांस्कृतिक संदर्भ में संचार के साधन के रूप में और अभिव्यंजक रूपों की एक प्रणाली के रूप में कला की भाषा के विचार के बीच अंतर करना पद्धतिगत रूप से आवश्यक लगता है।

“कला की भाषा प्राकृतिक भाषा के बाद एक ऐतिहासिक रूप से स्थापित मॉडलिंग प्रणाली है, जो एक आलंकारिक प्रकृति के संकेतों और उनके कनेक्शन के नियमों की एक निश्चित प्रणाली की विशेषता है, जो विशेष संदेशों को व्यक्त करने का काम करती है जिन्हें अन्य माध्यमों से व्यक्त नहीं किया जा सकता है। कलात्मक संचार के एक कार्य की सफलता संदेश के प्रेषक और प्राप्तकर्ता (कोड की सही समझ) के लिए कला की भाषा की अमूर्त प्रणाली की समानता की डिग्री से निर्धारित होती है, इस प्रकार, प्राप्तकर्ता को वह जानकारी प्राप्त होती है जिसके लिए वह इस समय समझने के लिए तैयार है, और भविष्य में यह धारणा गहरी हो सकती है। प्रत्येक प्रकार की कला की भाषा, प्राकृतिक भाषा की तरह, किसी अन्य संकेत प्रणाली (फिल्म अनुकूलन, नाट्य निर्माण, चित्रण) में अनुवादित की जा सकती है,'' यू.एम. का मानना ​​था। लोटमैन3.

भाषाविदों द्वारा पहचाने गए भाषा और भाषण के कार्यों (संज्ञानात्मक, संचारी, संचयी, अभिव्यंजक, स्वयंसिद्ध, अपीलीय, वैचारिक, आदि) के अनुरूप, वी.आई. पेत्रुशिन ने समाज में कला और कलात्मक रचनात्मकता के निम्नलिखित कार्यों की पहचान की:

संज्ञानात्मक कार्य आसपास की वास्तविकता के बारे में छवियों और विचारों के माध्यम से दुनिया के ज्ञान को दर्शाता है; जीवन को सोचने और अनुभव करने के एक विशेष तरीके के रूप में कला की समझ को वी.जी. के कार्यों में व्यापक रूप से दर्शाया गया है। बेलिंस्की, जिन्होंने विज्ञान और कविता के बीच अंतर को "सामग्री में नहीं, बल्कि केवल इस सामग्री को संसाधित करने के तरीके में" देखा4;

शैक्षिक कार्य: "कला के एक वास्तविक काम में कलाकार का मूल्यांकन शामिल होता है कि वह क्या दर्शाता है और व्यक्त करता है," क्योंकि "सौंदर्यशास्त्र रूप की सुंदरता है और नैतिकता सामग्री की सुंदरता है" क्लासिक कार्यकलाएँ एकता में प्रकट होती हैं”5; कलात्मक और सौंदर्यपूर्ण रूप में सार्वभौमिक मानवीय और राष्ट्रीय आध्यात्मिक और नैतिक मूल्यों की पुष्टि करके, कलाकार नृवंश की स्थिरता में योगदान देता है, "समझने" की क्षमता, उनकी इकाइयों के अर्थों को जमा करता है और नृवंश के प्रत्येक नए सदस्य को हस्तांतरित करता है। पिछली पीढ़ियों और कई लोगों के संवेदी, मानसिक और गतिविधि अनुभव के सबसे मूल्यवान तत्व

2 उक्त., पृ. 84.

3 लोटमैन यू.एम. एक साहित्यिक पाठ की संरचना // लोटमैन यू.एम. कला के बारे में सेंट पीटर्सबर्ग, 1998।

4 पेत्रुशिन वी.आई. कलात्मक रचनात्मकता का मनोविज्ञान और शिक्षाशास्त्र: विश्वविद्यालयों के लिए पाठ्यपुस्तक। - दूसरा संस्करण। एम., 2008. पी. 59.

5 पूर्वोक्त, पृ. 60.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

अन्य" ;

कुछ कला समीक्षकों के दृष्टिकोण से, हेडोनिक फ़ंक्शन का उपयोग मनोरंजन उद्देश्यों के लिए किया जाता है, लेकिन एल.एन. टॉल्स्टॉय ने कहा कि हमें "इसे आनंद के साधन के रूप में देखना बंद करना चाहिए और कला पर विचार करना चाहिए।"

मानव जीवन की शर्तों में से एक के रूप में"; आधुनिक मनोविज्ञान कला की प्रकृति पर इन आदिम विचारों से बहुत दूर चला गया है, लेकिन सौंदर्यशास्त्र के क्षेत्र में वे काफी दृढ़ साबित हुए हैं; “लेकिन कला के किसी भी रूप में उच्चतम उपलब्धियाँ तभी संभव होती हैं जब दोनों के बीच आवश्यक संतुलन हासिल किया जाता है

सुंदर बाहरी कामुक रूप और आध्यात्मिक अवतार इस रूप में सन्निहित हैं

संचार कार्य मुख्य मानवीय आवश्यकताओं में से एक से जुड़ा है - संचार की आवश्यकता। "कला," एल.एन. ने कहा। टॉल्स्टॉय के अनुसार, "यह कोई खेल नहीं है, जैसा कि शरीर विज्ञानी सोचते हैं, आनंद नहीं है, बल्कि यह लोगों के बीच संचार के प्रकारों में से एक है, और यह संचार उन्हें समान भावनाओं में एकजुट करता है"6 7 8 9 10;

प्रतिपूरक कार्य सामाजिक, ऐतिहासिक और सांस्कृतिक घटनाओं के क्षेत्र में व्यक्तित्व के लुप्त भावनात्मक छापों और अनुभवों को पूरा करता है, शिक्षा की कमी, सांस्कृतिक अलगाव को पूरा करता है।

शैक्षिक केंद्र, रोजमर्रा की जिंदगी में तल्लीनता, सीमित सामाजिक गतिविधि, आदि। ऐसे लोगों के लिए कला एक "दुनिया के लिए खिड़की" है, जो शास्त्रीय और लोक विरासत के उत्कृष्ट कार्यों के साथ एक समृद्ध बैठक है, और कुछ मामलों में, स्वतंत्र के लिए एक प्रेरणा है। रचनात्मक गतिविधि.

कला के कार्यों के मनोचिकित्सीय कार्य का उपयोग न केवल कला-शैक्षणिक गतिविधियों में किया जाता है, बल्कि रोजमर्रा की जिंदगी में भी किया जाता है, प्रत्येक व्यक्ति की सुंदरता की आवश्यकता और कला के कार्यों की क्षमता एक व्यक्ति को रोजमर्रा की जिंदगी से ऊपर उठाने, उसे शामिल करने की क्षमता का जवाब देती है। उनके पसंदीदा चित्रों के साथ एक संवाद में, साहित्य के पात्रों के साथ, नाटक, जो कल्पना पर कब्जा कर लेते हैं, सिनेमा, बैले, एक व्यक्ति की दुनिया को भर देते हैं, यहां तक ​​कि कला और संस्कृति के क्षेत्र में रचनात्मक गतिविधि से दूर, प्रकाश और एक के साथ होने का आनंददायक एहसास...

हालाँकि, हमारे दृष्टिकोण से, एक और महत्वपूर्ण, सामूहिक मनोरंजन कला के कार्य पर प्रकाश डाला जाना चाहिए - कला का प्रभावशाली (चार्जिंग - एल.एन. टॉल्स्टॉय के शब्दों में) कार्य: "जैसे ही दर्शक, श्रोता उसी से संक्रमित होते हैं यह महसूस करना कि लेखक ने अनुभव किया, यही कला है"। कला का यह "संक्रामक" कार्य पहचान से निकटता से संबंधित है

दर्शक/श्रोता उन कलात्मक छवियों और प्रतीकों के साथ

नाटकीय प्रदर्शन जो उन आध्यात्मिक और नैतिक मूल्य अर्थों को ले जाते हैं जो दर्शकों के करीब और प्रिय हैं, जो खुद को अतीत से वर्तमान और भविष्य तक हमें सौंपे गए राष्ट्रीय खजाने से संबंधित एक आम सामूहिक चेतना के साथ एक एकल टीम के रूप में महसूस करते हैं। ... लेकिन इस फ़ंक्शन को कार्यान्वित करने के लिए, बनाए गए कार्य की सामग्री और रूप को देखते हुए, निर्देशक को दर्शकों की भावनाओं, चेतना, इच्छा और व्यवहार पर भावनात्मक और नैतिक प्रभाव के सभी संभावित साधनों में महारत हासिल करने की आवश्यकता है, उनके सभी चैनलों पर चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की धारणा।

6 रेडबिल टी.बी. भाषाई मानसिकता के अध्ययन के मूल सिद्धांत: पाठ्यपुस्तक। भत्ता / टी.बी.रेडबिल। एम., 2010.

7 कला और शिक्षाशास्त्र। पाठक/कॉम्प. एम.ए. क्रिया। सेंट पीटर्सबर्ग, 1995. पी. 15.

8 पेत्रुशिन वी.आई. कलात्मक रचनात्मकता का मनोविज्ञान और शिक्षाशास्त्र: विश्वविद्यालयों के लिए पाठ्यपुस्तक। - दूसरा संस्करण। एम., 2008. पी. 64.

9 पूर्वोक्त, पृ. 65.

10 कला और शिक्षाशास्त्र। पाठक/कॉम्प. एम.ए. क्रिया। सेंट पीटर्सबर्ग, 1995. पी. 17.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

हालाँकि, इस सबसे महत्वपूर्ण - प्रभावशाली - कार्य के कार्यान्वयन के लिए, वी.आई. पेट्रुशिन द्वारा सूचीबद्ध अन्य लोगों के साथ व्यवस्थित रूप से जुड़ा हुआ है, जो संक्षेप में, उनके संबंध में एकीकृत है (प्रतिनिधित्व की संज्ञानात्मक और सूचनात्मक सामग्री और संबोधित संचार कार्य दोनों) दर्शक की स्मृति और व्यक्तिगत अनुभव, और कलाकारों की कलात्मकता, आदि), लेखक के रूप में निर्देशक-निर्माता को "अपने आप में एक बार अनुभव की गई भावना को जगाना चाहिए, और, आंदोलनों, रेखाओं, रंगों के माध्यम से इसे अपने आप में जगाना चाहिए" , ध्वनियाँ, चित्र, शब्दों में व्यक्त, इस भावना को व्यक्त करते हैं ताकि अन्य लोग भी उसी भावना का अनुभव करें, और यही कला की गतिविधि है।

चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के सूचीबद्ध कार्य अपने आप में प्रकट नहीं होते हैं, बल्कि निदेशक और उनकी योजना के कलाकारों की टीम की पेशेवर कलात्मक और सौंदर्य गतिविधि के परिणामस्वरूप होते हैं, जिसका उद्देश्य आपसी समझ और पर्याप्त "भावना" स्थापित करना है। एल.एस. वायगोत्स्की - आई.जी. का शब्द) दर्शकों/श्रोताओं को उनके सामने प्रकट होने वाली कार्रवाई की आध्यात्मिक और नैतिक दुनिया में ले जाता है, उन्हें दृश्य प्रतिनिधित्व की सामग्री और रूप की जैविक और सामंजस्यपूर्ण एकता से संक्रमित करता है, जो विशिष्ट विभिन्न तरीकों से प्राप्त किया जाता है चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री - चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की कला की भाषा।

प्रभाव के अभिव्यंजक साधन अनुसंधान परियोजनासामूहिक टीपीपी के दर्शकों/श्रोताओं की सोच, चेतना, भावनाओं और व्यवहार पर उनके प्रभाव के संदर्भ में एक सामाजिक-सांस्कृतिक विषय पर, जो उनकी विशिष्ट भाषा बनाते हैं, उन्हें दो समूहों में विभाजित किया जा सकता है - मौखिक और गैर-मौखिक।

अभिव्यंजना के मौखिक साधनों में, सबसे पहले, हम अपनी कार्यात्मक किस्मों के साथ मूल भाषा के शब्द, पर्यायवाची और एंटोनिमिक प्रणाली की समृद्धि, कामोत्तेजक वाक्यांशविज्ञान, ज्ञान को शामिल करते हैं। पंखों वाले शब्दऔर अभिव्यक्ति, पूर्ववर्ती पाठ, शब्दों और वाक्यांशों के रूपक आलंकारिक अर्थ, अलंकारिक आंकड़े, रूसी लोगों के नैतिक मूल्यों को प्रतिबिंबित करने वाली अवधारणाएं, रूसी संस्कृति के वैचारिक क्षेत्र का गठन (डी.एस. लिकचेव)। और विशेष रूप से - बोले गए पाठ की अन्तर्राष्ट्रीय अभिव्यक्ति। जैसा कि एक भावुक रूसी पद्धतिविज्ञानी और साहित्य विद्वान एम.ए. रब्बनिकोवा ने कहा: "शब्द आवाज की आवाज़ में रहता है, यही इसकी प्रकृति है।" लेकिन एक ही समय में, अभिव्यंजक पढ़ना पाठक की व्याख्या के प्रकारों में से एक है, जिसमें पाठक-पाठक की प्रदर्शन कला का एहसास होता है और पाठ की "भावनाओं के स्कोर" के विश्लेषण का परिणाम परिलक्षित होता है। साहित्यक रचनामौखिक स्क्रिप्ट के लेखक और कलाकार, दर्शकों/श्रोताओं की भावनाओं को जागृत करने का प्रयास करते हैं, उन्हें चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के पात्रों के साथ मिलकर नाटकीय प्रदर्शन की स्थिति के लिए उपयोग करने, समझने और अनुभव करने में मदद करते हैं, आध्यात्मिक और नैतिक राष्ट्रीय मूल्य जो वे साझा करते हैं। स्क्रिप्ट पाठ के प्रतिभाशाली प्रदर्शन को समझने के क्रम में, दर्शकों/श्रोताओं के मन में पाठ की घटनाओं में शामिल होने का भ्रम पैदा हो जाता है। इस संक्रामक प्रभाव के उत्पन्न होने के लिए, सीसीआई प्रस्तुति की तैयारी करते समय एक "स्कोर" बनाना आवश्यक है। पठनीय पाठ, पाठक का ध्यान "मुख्य" शब्दों, वाक्यांशों, आवाज़ को ऊपर उठाने और कम करने और अन्य अभिव्यंजक स्वरों को उजागर करने पर केंद्रित करना जो काव्यात्मक या गद्य पाठ की विशेषताओं को व्यक्त करते हैं ताकि शब्दार्थ पर ध्यान आकर्षित किया जा सके और आलंकारिक अभिव्यक्तिध्वनि कलात्मक शब्द. इस प्रकार, टीपीपी लिपि में लगने वाला शब्द एक जीवित शब्द (जी.जी. शपेट और एम.एम. बख्तिन का शब्द) है, जो वक्ता की भावना से प्रेरित है, जो संस्कृति के रूपों में "लोक भावना के प्रभामंडल में घिरा हुआ है", जैसा कि जर्मन भाषाविद् वी. वॉन हम्बोल्ट, रूसी भाषाशास्त्री एफ.आई. बुस्लेव, स्पेनिश दार्शनिक जे. ओर्टेगो वाई गैसेट और अन्य कहेंगे, यानी। रुचि, आंशिक, नहीं

11 कला और शिक्षाशास्त्र। पाठक/कॉम्प. एम.ए. क्रिया। सेंट पीटर्सबर्ग, 1995. पी. 17.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

यांत्रिक, लेकिन एक आध्यात्मिक शब्द, जिसमें अर्थ और प्रभावी रूप से रंगीन अर्थ एक साथ जुड़े हुए हैं (एन.एफ. एलेफिरेंको, 2009)। जीवित शब्द की यह समझ "आत्मा की प्राप्ति के लिए एक तंत्र के रूप में मन की वास्तविक प्रकृति" को दर्शाती है। अन्यथा, शब्द की समझ में केवल तर्कवाद के दर्शन पर ध्यान केंद्रित करने से "अक्षम बुद्धि" (वी.पी. ज़िनचेंको) हो जाती है। इन दृष्टिकोणों से हमें चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की कला की भाषा प्रणाली में शब्द के प्रभावशाली कार्य पर विचार करना चाहिए।

पहले से ही नाटकीय प्रदर्शन के नाम की पसंद, दर्शकों की "हृदय की स्मृति" को संबोधित करते हुए, मूल लोगों की वीर परंपराओं ("पवित्र युद्ध का अमूल्य क्रॉनिकल", "की महिमा") के साथ पहचान की भावना को संबोधित करती है। ये दिन चुप नहीं रहेंगे...", "होली बेलोगोरी", आदि); प्रस्तुतकर्ताओं के पत्रकारीय शब्द, हमारे पूर्वजों द्वारा जीते गए पितृभूमि की स्वतंत्रता को संरक्षित करने के लिए वर्णन करने वाली घटनाओं का आकलन करने और उनसे आह्वान करने में उनकी नागरिक स्थिति को दर्शाते हैं, प्रसिद्ध सार्वजनिक हस्तियों, रूसी इतिहास और संस्कृति के दिग्गजों के अभिव्यंजक और भावुक बयानों की ओर मुड़ते हैं ( "याद रखें! केवल एकता के माध्यम से ही रूस को बचाया जाएगा!" - रेडोनज़ के सेंट सर्जियस), हमें, 21वीं सदी में रूस के नागरिकों को संबोधित करते हुए; ऐतिहासिक वर्णन की स्थितियों में अतीत के वर्तमान नायकों के भाषण (व्लादिमीर द बैपटिस्ट, यारोस्लाव द वाइज़, व्लादिमीर मोनोमख, अलेक्जेंडर नेवस्की, दिमित्री डोंस्कॉय, आदि), दर्शकों की चेतना, भावनाओं और इच्छा को संबोधित करते हुए, उन्हें प्रोत्साहित करते हैं। वीर परंपराओं को संरक्षित करना और अगले हमलावरों से पितृभूमि की रक्षा करने के लिए तैयार रहना, अपने पेट को नहीं बख्शना, आदि - पहले से ही राष्ट्रीय आत्म-जागरूकता और घोषित विषय और उसके उप-पाठ के साथ व्यक्तिगत पहचान की भावना को सक्रिय करता है। वास्तविक ऐतिहासिक राजनेताओं का शैलीबद्ध भाषण और

संस्कृति के प्रतिनिधि, चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री (पीटर आई, एम. लोमोनोसोव, ए.एस. पुश्किन, वी.वी. स्टासोव, एम. गोर्की, वी. मायाकोवस्की, उद्घोषक लेविटन, मार्शल जी. ज़ुकोव) के प्रतिभागियों के विचारों और भावनाओं के अनुरूप , आदि), परियोजना के संचार-संवाद कार्य को कार्यान्वित करना और दर्शकों/श्रोताओं को उन्हें संबोधित प्रत्येक शब्द को सुनने में दिलचस्पी से शामिल करना, विशेष रूप से उस स्थिति में जब "साहित्यिक पाठ की पाठक की व्याख्या" (ई.आर. यद्रोव्स्काया) लेखक की राय व्यक्त करती है वह जिस वास्तविकता का चित्रण करता है उसके प्रति दृष्टिकोण।

जी.वी. के अनुसार, कलाकारों द्वारा लेखक के पाठ का प्रतिभाशाली पुनरुत्पादन किया जाता है। आर्टोबालेव्स्की, डी.एन. ज़ुरावलेव और अन्य उत्कृष्ट स्वामी कलात्मक शब्द, "कल्पना का रंगमंच"। दर्शकों/श्रोता की कल्पना को शब्दों से प्रभावित करके, कोई भी पात्र और परियोजना टीम समग्र रूप से उन्हें सह-निर्माण की प्रक्रिया में शामिल करती है: मानसिक रूप से वे जो हो रहा है उसमें उपस्थित प्रतीत होते हैं। डी.एन. ज़ुरावलेव कहते हैं, "बातचीत का यह क्षण, वक्ताओं और श्रोताओं के बीच जीवंत संपर्क नितांत आवश्यक है।" और यह पढ़ने के प्रदर्शन और अभिनय के बीच का अंतर है: "... श्रोताओं के बिना कोई कला नहीं है कलात्मक पढ़ना”, और “एक थिएटर अभिनेता के लिए, प्राकृतिक साथी जिस पर वह प्रभाव डालता है, जिसके साथ वह बातचीत करता है, अन्य अभिनेता, उसके मंच भागीदार हैं” (लेख “पाठक की कला पर” से)। एल.एस. के अनुसार, अभिव्यंजक पढ़ने पर दर्शकों/श्रोताओं की भावनात्मक प्रतिक्रिया के बिना। वायगोत्स्की के अनुसार, इसका कोई विश्लेषण नहीं हो सकता, क्योंकि उन्होंने कला की भावनाओं को "स्मार्ट भावनाएं" कहा है। उत्कृष्ट मनोवैज्ञानिक का मानना ​​था कि न केवल प्रतिभाशाली रूप से सोचना संभव है, बल्कि प्रतिभाशाली महसूस करना भी संभव है... चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के माध्यम से ऐसे दर्शक/श्रोता को शिक्षित करना सामूहिक प्रदर्शन के निदेशक के सामने सबसे महत्वपूर्ण कार्य है। उनमें से सबसे अच्छे लोग इसे समझते हैं

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

"जीवित" शब्द का संज्ञानात्मक आधार जीवित ज्ञान है, जो शिक्षा, विज्ञान और संस्कृति के अंतर्संबंधों पर बना है"12।

लेकिन जीवंत लगने वाला शब्द केवल लेखक के इरादे के भाषण-रचनात्मक कार्यान्वयन के उत्पाद के रूप में पाठ में अर्थ को दर्शाता है। पाठ की शाब्दिक और व्याकरणिक संरचना को छुए बिना, किसी को दर्शकों/श्रोताओं की भावनाओं और विचारों पर चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की कला भाषा की इस इकाई को प्रभावित करने के साधन के रूप में पाठ के स्वर की ओर मुड़ना चाहिए। चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री.

इंटोनेशन (माधुर्य, लयबद्ध संगीत, स्वर, पिच, अवधि, शक्ति, तीव्रता, गति, समय, आदि इंटोनेशन) इसमें व्यक्त किए गए विभिन्न अर्थों को व्यक्त करने के लिए एक पाठ-कथन के अभिव्यंजक उच्चारण की मुखर विशेषताओं का एक जटिल सेट है, जिसमें शामिल हैं अभिव्यंजक और भावनात्मक अर्थ, जो विभिन्न प्रकार के अभिव्यंजक-भावनात्मक-मूल्यांकनात्मक अर्थों के लिए काम करते हैं और कथन को गंभीरता, गीतकारिता, आशावाद, उदासी, चंचलता, सहजता, परिचितता आदि दे सकते हैं।

इंटोनेशन को हमेशा मौखिक, मौखिक भाषण की सबसे महत्वपूर्ण विशेषता, इसके संचारी अर्थ और भावनात्मक रूप से अभिव्यंजक रंगों के साधन के रूप में मान्यता दी गई है। यही कारण है कि टीपीपी छात्र निदेशकों को खुद को अभिव्यक्त करना सिखाने के लिए सबसे महत्वपूर्ण तकनीक मनोवैज्ञानिक एन.आई. की सिफारिश है। झिंकिन - लेखक द्वारा पाठ में लिखे गए स्वर को घटाने की क्षमता सिखाना। लेखक के पाठ के स्वर को समझने की सटीकता (पर्याप्तता) न केवल शब्द की सच्चाई से सुनिश्चित होती है, बल्कि कलाकार के "पढ़ने" के स्वर द्वारा बताई गई "भावनाओं की सच्चाई" से भी सुनिश्चित होती है। ए.एस. पुश्किन के कार्यों का एक शानदार व्याख्याकार था

वी.एन. यखोंतोव। आई.एल. एंड्रोनिकोव द्वारा वर्णित ए.एस. पुश्किन द्वारा वी.एन. यखोंतोव के "द प्रोफेट" को पढ़ना, संचार कार्य13 को प्रभावित करने में सीसीआई भाषा की अभिव्यंजक इकाइयों में से एक के रूप में इंटोनेशन की अवधारणा में महारत हासिल करने में छात्र निर्देशकों के लिए एक नायाब उदाहरण है।

हालाँकि, शैली और शैली के बाहर कोई पाठ नहीं है, जो चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के वृत्तचित्र-पुडलिस्टिक शैली के ग्रंथों के पत्रकारिता स्वर में विशेष अभिव्यक्ति के साथ प्रकट होता है।

आधुनिक रूसी साहित्यिक भाषा की पत्रकारिता शैली एक कार्यात्मक प्रकार का भाषण है, जो वर्तमान सामाजिक-सांस्कृतिक, आध्यात्मिक और नैतिक सामाजिक-राजनीतिक समस्याओं की व्याख्या के साथ लोगों की व्यापक जनता को आकर्षित करने पर बयान के फोकस को दर्शाती है। समाज की सामाजिक व्यवस्था को स्थिर करने के लिए महत्व। यह वैचारिक और राजनीतिक दुर्दशा एक विशेष पत्रकारिता स्वर में मौखिक और लिखित भाषण में परिलक्षित हुई, जिसने दर्शकों/श्रोताओं, वृत्तचित्र और पत्रकारिता प्रदर्शन में भाग लेने वालों की चेतना, भावनाओं और इच्छा को प्रभावित किया:

भावनात्मकता, दर्शकों के साथ चर्चा के लिए प्रस्तावित सामाजिक-सांस्कृतिक समस्या के प्रति लेखक की रुचिपूर्ण दृष्टिकोण को दर्शाती है,

अपील, एक पत्रकारीय प्रस्तुति के आंदोलन और प्रचार सामग्री को समझते हुए,

उद्देश्य-व्यक्तिपरक तौर-तरीके, वार्ताकारों के रूप में दर्शकों को संबोधित, संवाद में भाग लेने वाले,

तार्किक अनुनय, लेखक-प्रचारक के दृष्टिकोण से, चर्चा की जा रही समस्या के प्रमुख बिंदुओं पर तार्किक और वाक्यांशगत जोर के माध्यम से श्रोताओं का ध्यान केंद्रित करने पर जोर दिया गया,

भाषा की अभिव्यक्ति, जिसमें ट्रॉप्स का उचित उपयोग शामिल है,

12 एलेफिरेंको एन.एफ. "जीवित" शब्द: कार्यात्मक शब्दावली की समस्याएं: मोनोग्राफ / एन.एफ. अलेफिरेंको. एम., 2009. पी. 14.

13 उपरोक्त, पृ. 7.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

अलंकारिक प्रश्न और अलंकारिक विस्मयादिबोधक जो बढ़ाते हैं

सामाजिक संचार की संवादात्मक प्रकृति,

स्वर का आत्मविश्वास

नागरिक करुणा.

लेकिन दर्शकों/श्रोताओं को संबोधित भाषण में चेहरे के भाव और हावभाव, शरीर की हरकतें, कलात्मकता, वेशभूषा वाले चरित्र का जैविक व्यवहार, खेल की छवि के अनुरूप विषय विवरण की महारत और पाठ के कलाकारों की अन्य व्यवहार संबंधी विशेषताएं शामिल होती हैं। स्क्रिप्टेड कार्रवाई. वे बोले गए कथन के अर्थ को जीवंत करते हैं, जोर देते हैं और बढ़ाते हैं, कलात्मक संचार के उन अर्थपूर्ण कृत्यों पर ध्यान आकर्षित करते हैं जो लेखक की भावनाओं और स्वयं को व्यक्त करते हैं। इसलिए अशाब्दिक साधनचैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की भाषा की अभिव्यक्ति प्रभावित करने के मौखिक साधनों की तुलना में अभिव्यक्ति का अतिरिक्त साधन बन जाती है

दर्शक/श्रोता.

टीपीपी की एक विशेष शैली की अभिव्यक्ति की गैर-मौखिक भाषाई इकाइयों में विभिन्न कलात्मक और सौंदर्य प्रतीक शामिल होते हैं जो मौखिक इकाइयों को प्रतिस्थापित करते हैं, लेकिन इसमें (प्रतीक) एन्कोडेड एक प्रसिद्ध ऐतिहासिक और सांस्कृतिक घटना के बारे में कुछ सामान्यीकृत, संपीड़ित अर्थ संबंधी जानकारी रखते हैं। लिपि में प्रतीकों की भूमिका ऐतिहासिक तिथियां (1380, 1812, 1941, आदि), शक्ति के गुण (बैनर, हथियारों के कोट, आदेश, आदि), चित्र, स्मारक, पौराणिक स्थान हैं जिनकी लोगों के लिए अमिट महिमा है। (रैहस्टाग पर विजय बैनर का रोपण), आदि।

लेकिन अपने समन्वयवाद के कारण, चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की कला कला के संश्लेषण को चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की भाषा की सबसे अभिव्यंजक इकाई के रूप में बदल देती है, क्योंकि विभिन्न प्रकार की कलाओं (शब्दों) के कार्यों की अर्थ संबंधी निकटता और संगीत, साहित्य और बैले और पेंटिंग, आदि) चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की एक या किसी अन्य शैली में कलात्मक अवतार के लिए ली गई किसी वस्तु या घटना की सामान्यीकृत मनोरम कलात्मक छवि के निर्माण में योगदान देता है। कला का संश्लेषण, एक प्रभावशाली कार्य करते हुए, प्रत्येक प्रकार की कला में निहित भाषा के साथ दर्शक/श्रोता की धारणा के विभिन्न चैनलों पर कार्य करता है: दृष्टि पर - डिजाइनर के दृश्यों में रंगों की भाषा और ध्वनि और रंग पृष्ठभूमि मंचीय कार्रवाई के प्रमुख या छोटे मूड के अनुरूप तकनीकी साधनों द्वारा निर्मित; कान से - प्राकृतिक भाषा की भाषा में और मौखिक पाठ की संगीत संगत की भाषा में; चेतना और अवचेतन पर - नृत्य की भाषा द्वारा एक दृश्य नृत्य छवि और संबंधित माधुर्य की धारणा के माध्यम से, और कल्पनाशील सोच पर - सभी प्रकार की कलाओं के संश्लेषण द्वारा, जो (संश्लेषण - I.G.) "की बातचीत" के प्रभाव को तेज करता है विभिन्न लाक्षणिक कोड" जब एक कलात्मक प्रदर्शन में "कई संकेत प्रणालियों के तत्व संयुक्त होते हैं, जो एक सहक्रियात्मक प्रभाव प्रदान करते हैं"14।

इस प्रकार, हम एल.एस. के विचार की पुष्टि करते हैं। कला के एक काम के रूप और सामग्री की एकता की भूमिका और कला के एक काम की कलात्मक धारणा में रूप के महत्व के बारे में वायगोत्स्की। इसका मतलब यह नहीं है कि केवल रूप ही सृजन करता है कला का टुकड़ाकला (औपचारिक सौंदर्यशास्त्र और कथानक के खंडन में औपचारिक कला की असंगति को साहित्यिक आलोचना और 20वीं सदी के कला सिद्धांत के सिद्धांत और व्यवहार में लंबे समय से खारिज कर दिया गया है): उदाहरण के लिए, किसी भाषा में सभी ध्वनियाँ एक अभिव्यंजक प्रभाव प्राप्त कर सकती हैं यदि यह शब्द के उसी अर्थ से सुगम होता है जहां वे घटित होते हैं। यह मनोवैज्ञानिक नियम, उत्कृष्ट द्वारा प्राप्त किया गया है

इस्सर्स ओ.एस. भाषण प्रभाव: पाठ्यपुस्तक। लाभ/ओ.एस. जारीकर्ता। - तीसरा संस्करण, संशोधित। एम., 2013.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

मनोवैज्ञानिक: “यदि शब्द का अर्थ इसमें योगदान देता है तो ध्वनियाँ अभिव्यंजक हो जाती हैं। यदि छंद इसमें योगदान देता है तो ध्वनियाँ अभिव्यंजक बन सकती हैं”15 - कला की भाषा की किसी भी इकाई की अभिव्यंजक छाप को संदर्भित करता है। लेकिन कलाकार और कलात्मक प्रदर्शन के अन्य कलाकार उत्पादन के लेखक की योजना और अंतिम लक्ष्य के अनुसार चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की कला की इस "दूसरी भाषा" को बोलते हैं।

सीसीआई भाषा की सबसे महत्वपूर्ण अभिव्यंजक इकाइयों में, कलात्मक छवि को एक विशेष स्थान दिया जाना चाहिए, जिसमें अभिव्यंजक मौखिक और गैर-मौखिक साधन व्यवस्थित रूप से जुड़े हुए हैं, जिससे लेखक के इरादे के प्रसारण की सुविधा मिलती है और दर्शकों के विचारों और भावनाओं को प्रभावित किया जाता है। /श्रोताओं। अवतीर्ण

एक कलात्मक छवि या तो एक उत्सव प्रदर्शन के मुख्य चरित्र में, या एक सामूहिक छवि में, या एक कलात्मक प्रतीक में, लेखक-निर्माता के सामाजिक-सांस्कृतिक और कलात्मक-सौंदर्य संबंधी इरादे को साकार करती है।

एक कलात्मक छवि शब्दों, रंगों और अन्य कलाओं की भाषाओं की अन्य इकाइयों में विचारों और भावनाओं का एक कलात्मक प्रतिबिंब है। प्रोडक्शन डायरेक्टर द्वारा बनाई गई कलात्मक छवि एक निश्चित विशिष्ट चरित्र को दर्शाती है, जो रूसी दर्शकों के करीब आध्यात्मिक और नैतिक मूल्यों को ले जाती है (उदाहरण के लिए, एक युवा सिपाही की सामूहिक छवि, साहसी, अहंकारी,

लचीला, जिसने मातृभूमि के आह्वान का तुरंत जवाब दिया - टीपीपी "अविनाशी और पौराणिक", डीआईआर। आई.वी. गोलियसोव)। चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के पात्रों के साथ कलात्मक संचार लेखक और दर्शकों के बीच एक संवाद है, जो सौंदर्य बोध, समझ, सक्रिय संवादात्मक समझ और कला के काम के आध्यात्मिक और सांस्कृतिक विनियोग के माध्यम से किया जाता है। यह निर्देशक के व्यक्तिगत अनुभव को दर्शाता है, जो एक कलात्मक रचना उत्पन्न करने के लिए व्यक्तिगत अनुभव को बदल देता है। इस रचनात्मक, पुन:कोड करने, वास्तविक को बदलने की रचनात्मक क्षमता की अभिव्यक्ति जीवनानुभवचैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री की कलात्मक छवि निदेशक के अनुसंधान और खोज गतिविधि में सबसे महत्वपूर्ण क्षण है, जो एक योजना की उपस्थिति के साथ-साथ उत्पन्न होती है जो भविष्य के निर्माण की आशा करती है। छात्रों की शोध परियोजना गतिविधियों के अवलोकन से पता चला कि निर्देशक की कलात्मक अंतर्ज्ञान इस प्रक्रिया में महत्वपूर्ण भूमिका निभाती है।

इस प्रकार, छात्र निर्देशकों द्वारा कला की भाषा की अभिव्यंजक इकाइयों की महारत स्वतंत्र रूप से किसी भी प्रकार की टीवीआई बनाने के लिए छात्रों की तत्परता का सबसे महत्वपूर्ण घटक है।

हालाँकि, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री के दर्शकों/श्रोताओं पर प्रभाव के साधनों को सचेत रूप से चुनने के लिए प्रोडक्शन डायरेक्टर के लिए एक और महत्वपूर्ण पेशेवर कौशल आवश्यक है - यह अनुमान लगाने की क्षमता कि दर्शकों की भावनाएं क्या हैं/ श्रोता एक विशेष सामाजिक-कलात्मक प्रदर्शन के लेखक भावनाओं को जगाने के लिए प्रभावित करने की योजना बनाते हैं, जो लेखक और शानदार प्रदर्शन के प्रतिभागियों की आवश्यकताओं के लिए पर्याप्त है।

मनोवैज्ञानिक बी.आई. डोडोनोव मानवीय आवश्यकताओं के संबंध में भावनाओं को वर्गीकृत करता है जो इन भावनाओं की उपस्थिति को "उकसाते" हैं। इसके वर्गीकरण का आधार आवश्यकताएँ और लक्ष्य हैं, अर्थात्। कुछ भावनाओं द्वारा परोसे गए उद्देश्य। मनोवैज्ञानिक इन भावनाओं को "मूल्यवान" भावनाओं के रूप में वर्गीकृत करता है, अर्थात, जिनकी आवश्यकता व्यक्ति को सबसे अधिक महसूस होती है।

जैसा कि छात्र निर्देशकों द्वारा बनाए गए विभिन्न टीपीपी से पता चलता है, अक्सर वे दर्शकों/श्रोताओं में निम्नलिखित भावनाओं को जगाने का लक्ष्य रखते हैं:

1 परोपकारी भावनाएँ जो इच्छा के आधार पर उत्पन्न होती हैं

15 वायगोत्स्की एल.एस. कला का मनोविज्ञान. एम., 2001. पी. 86.

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

लोगों के लिए खुशी और खुशी लाएं (उदाहरण के लिए, चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री " नये साल की कहानियाँ»),

3 भयावह भावनाएँ कठिनाइयों, खतरों पर काबू पाने की आवश्यकता से जुड़ी हैं, जिसके आधार पर कुश्ती में रुचि पैदा होती है (उदाहरण के लिए, चैंबर ऑफ कॉमर्स एंड इंडस्ट्री "स्पोर्ट्स") -यह दुनिया है!»),

4 रोमांटिक भावनाएँ एक "उज्ज्वल चमत्कार" का अनुभव करने की इच्छा से जुड़ी हैं, जो हो रहा है उसके विशेष महत्व की भावना में (उदाहरण के लिए, टीपीपी "मुझे एक अद्भुत क्षण याद है ..."),

5 ज्ञानात्मक भावनाएँ, या बौद्धिक भावनाएँ, किसी भी नई संज्ञानात्मक जानकारी प्राप्त करने की आवश्यकता से जुड़ी हैं (उदाहरण के लिए, टीपीपी "स्लाव साहित्य और संस्कृति का दिन"),

सौंदर्य का आनंद लेने की आवश्यकता, जीवन और कला में उदात्त या राजसी की आवश्यकता से 6 सौंदर्य संबंधी भावनाएं उत्पन्न होती हैं (उदाहरण के लिए, टीपीपी "रेडोनज़ के सर्जियस - रूसी भूमि के रक्षक")।

यह "भावनात्मक टूलकिट" दर्शकों/श्रोताओं पर टीपीपी फ़ंक्शन के प्रभाव की योजना बनाने के लिए छात्र निर्देशकों की तत्परता को समृद्ध करता है। अपने टीपीपी के विषय का निर्धारण करते समय, मंच निदेशक, पूर्वानुमानित सोच रखते हुए, सुझाव दे सकता है कि टीपीपी भाषा की कौन सी "चार्जिंग" इकाइयों को उत्पादन के लेखक के इरादे के लिए पर्याप्त भावनाओं को उत्पन्न करने के लिए प्रमुख इकाइयों के रूप में इस्तेमाल किया जाना चाहिए।

उदाहरण के लिए:

1. वीर-देशभक्ति विषय।

लक्ष्य ऐतिहासिक स्मृति को शिक्षित करना है।

आवश्यकता अपने लोगों के वीरतापूर्ण अतीत में रुचि की आवश्यकता को पूरा करने की है।

भावनाएँ: संचारी, भयपूर्ण, ज्ञानवादी, सौन्दर्यपरक।

2. सालगिरह संगीत कार्यक्रम.

लक्ष्य ऐतिहासिक और सांस्कृतिक ज्ञान को समृद्ध करना है।

आवश्यकता अपने लोगों के अतीत या वर्तमान के सांस्कृतिक और सौंदर्य मूल्यों से जुड़ने की है।

भावनाएँ: संचारी, रोमांटिक, ज्ञानात्मक, सौंदर्यपरक।

3. वृत्तचित्र और पत्रकारिता परियोजना।

लक्ष्य व्यवहार के सामाजिक-सांस्कृतिक मानदंडों को बढ़ावा देना है।

आवश्यकता सामाजिक गतिविधियों में अनुभव प्राप्त करने की है।

भावनाएँ: परोपकारी, संचारी, ज्ञानवादी।

4. ऐतिहासिक और शैक्षणिक परियोजना.

लक्ष्य दर्शकों/श्रोताओं को संपत्तियों से समृद्ध करना है राष्ट्रीय संस्कृतिऔर कला.

आवश्यकता है - जीवन और कला में सौन्दर्य की आवश्यकता को पूरा करने की।

भावनाएँ: परोपकारी, संचारी, ज्ञानात्मक, सौन्दर्यपरक।

5. कला-शैक्षणिक परियोजना।

इसका लक्ष्य किशोरों पर असामाजिक घटनाओं के नकारात्मक प्रभावों को रोकना है। जरूरत सामाजिक सक्रियता दिखाने की है.

भावनाएँ: परोपकारी, संचारी, भयभीत, ज्ञानवादी,

सौंदर्य संबंधी।

इस प्रकार, "भावनात्मक उपकरणों" में निर्देशकों की महारत न केवल उनकी संज्ञानात्मक क्षमता को समृद्ध करती है और रचनात्मक (भविष्य कहनेवाला) क्षमताओं को विकसित करती है, बल्कि मानवतावादी के निर्माण में भी योगदान देती है।

विज्ञान। कला। संस्कृति

अंक 4(8) 2015

"स्मार्ट भावनाओं" की दिशा में उत्पादन निर्देशकों की चेतना

(जे.आई.सी. वायगोत्स्की) और "मूल्यवान भावनाएँ" (बी.आई. डोडोनोव)।

ग्रन्थसूची

1. एलेफिरेंको, एन.एफ. "जीवित" शब्द: कार्यात्मक शब्दावली की समस्याएं: मोनोग्राफ / एन.एफ. अलेफिरेंको. - एम., 2009. - 344 पी.

2. विनोग्रादोव, एस. "थिएटर धोखे के बिना एक संस्कार है" / एस. विनोग्रादोव // रूस और रूसी सभ्यता के बारे में रूसी विश्व.याई पत्रिका। - एम., 2015. अप्रैल, नंबर 1, पी. 82-85.

3. वायगोत्स्की, एल.एस. कला का मनोविज्ञान / एल.एस. वायगोत्स्की। - एम., 2001. - 211 पी.

4. कला ग्रंथों की व्याख्या. पाठ्यपुस्तक / एड. ई.आर. यद्रोव्स्काया। - सेंट पीटर्सबर्ग, 2011. -196 पी।

5. कला और शिक्षाशास्त्र। पाठक. / कॉम्प. एम.ए. क्रिया। - सेंट पीटर्सबर्ग: शिक्षा, 1995. - 293 पी।

6. इस्सर्स, ओ.एस. भाषण प्रभाव: पाठ्यपुस्तक। भत्ता/ओ.एस. जारीकर्ता। - तीसरा संस्करण, संशोधित। - एम., 2013. -240 पी.

7. लोटमैन, यू.एम. साहित्यिक पाठ की संरचना / यू.एम. लोटमैन। कला के बारे में - सेंट पीटर्सबर्ग, 1998. -288 पी।

8. पेत्रुशिन, वी.आई. कलात्मक रचनात्मकता का मनोविज्ञान और शिक्षाशास्त्र: विश्वविद्यालयों के लिए पाठ्यपुस्तक / वी.आई. पेत्रुशिन। - दूसरा संस्करण। - एम., 2008. - 490 पी।

9. रेडबिल, टी.बी. भाषाई मानसिकता के अध्ययन के मूल सिद्धांत: पाठ्यपुस्तक। भत्ता/टी.बी. रेडबिल. - एम., 2010. - 328 पी।

10. यखोन्तोव, वी.एन. एक अभिनेता थिएटर / वी.एन. यखोंतोव। - एम., 1958.-455 पी.

नाट्य प्रदर्शनों और उत्सवों के अभिव्यंजक साधन और दर्शकों पर उनका प्रभाव

टी.के. डोंस्काया1-*, आई.वी. गोलियसोवा2)

बेलगोरोद राज्य कला एवं संस्कृति संस्थान 1)ई-मेल: [ईमेल सुरक्षित] 2)ई-मेल: [ईमेल सुरक्षित]

यह लेख नाटकीय जन प्रतिनिधित्व और छुट्टियों के अभिव्यंजक साधनों और सामाजिक-सांस्कृतिक कार्यों के बारे में है। लेखक दर्शकों और श्रोताओं की सोच, चेतना, भावनाओं और व्यवहार पर उनके प्रभाव के दृष्टिकोण से नाटकीय प्रदर्शन और त्योहारों के अभिव्यंजक साधनों की संभावनाओं को इंगित करते हैं।

कीवर्ड: कला, कला की भाषा, कला का कार्य, नाट्य प्रदर्शन के अभिव्यंजक साधन और

क्रीमिया स्वायत्त गणराज्य के शिक्षा मंत्रालय

क्रीमिया राज्य इंजीनियरिंग और शैक्षणिक विश्वविद्यालय

मनोवैज्ञानिक और शैक्षणिक संकाय

पद्धति विभाग प्राथमिक शिक्षा

परीक्षा

अनुशासन से

शिक्षण विधियों के साथ कोरियोग्राफिक, मंच और स्क्रीन कला

नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन

छात्र मिकुलस्काइट एस.आई.

सिम्फ़रोपोल

2007-2008 शैक्षणिक वर्ष वर्ष।

2. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के मूल साधन

सजावट

रंगमंच की पोशाक

शोर डिज़ाइन

मंच पर प्रकाश

स्टेज प्रभाव

साहित्य

1. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन के रूप में सजावटी कला की अवधारणा

सजावटी कला नाटकीय कला में अभिव्यक्ति के सबसे महत्वपूर्ण साधनों में से एक है; यह दृश्यों और वेशभूषा, प्रकाश व्यवस्था और मंचन तकनीकों के माध्यम से प्रदर्शन की एक दृश्य छवि बनाने की कला है। प्रभाव के ये सभी दृश्य साधन एक नाटकीय प्रदर्शन के जैविक घटक हैं, इसकी सामग्री के प्रकटीकरण में योगदान करते हैं और इसे एक निश्चित भावनात्मक ध्वनि देते हैं। सजावटी कला के विकास का रंगमंच और नाटक के विकास से गहरा संबंध है।

सबसे प्राचीन लोक अनुष्ठानों और खेलों में सजावटी कला (पोशाक, मुखौटे, सजावटी पर्दे) के तत्व शामिल थे। में प्राचीन यूनानी रंगमंचपहले से ही 5वीं शताब्दी में। ईसा पूर्व ई., स्केना इमारत के अलावा, जो अभिनेताओं के प्रदर्शन के लिए एक वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि के रूप में काम करती थी, वहाँ त्रि-आयामी दृश्य थे, और फिर सुरम्य दृश्य पेश किए गए थे। ग्रीक सजावटी कला के सिद्धांतों को प्राचीन रोम के थिएटर द्वारा अपनाया गया था, जहां पर्दे का पहली बार उपयोग किया गया था।

मध्य युग के दौरान, शुरू में सजावटी पृष्ठभूमि की भूमिका चर्च के अंदरूनी हिस्से द्वारा निभाई जाती थी, जहाँ धार्मिक नाटक खेला जाता था। यहां पहले से ही मध्ययुगीन रंगमंच की विशेषता, एक साथ दृश्यों का मूल सिद्धांत लागू होता है, जब कार्रवाई के सभी दृश्य एक साथ दिखाए जाते हैं। यह सिद्धांत मध्यकालीन रंगमंच की मुख्य शैली - रहस्य - में और विकसित हुआ है। सभी प्रकार के रहस्यमय दृश्यों में सबसे अधिक ध्यान "स्वर्ग" की सजावट पर दिया गया था, जिसे हरियाली, फूलों और फलों से सजाए गए गज़ेबो के रूप में दर्शाया गया था, और "नरक" को ड्रैगन के खुले मुंह के रूप में दर्शाया गया था। त्रि-आयामी सजावट के साथ, सुरम्य सजावट (तारों वाले आकाश की छवि) का भी उपयोग किया गया था। डिज़ाइन में कुशल कारीगर शामिल थे - चित्रकार, नक्काशी करने वाले, गिल्डर; पहला थिएटर. मशीन चलाने वाले घड़ीसाज़ थे। प्राचीन लघुचित्र, उत्कीर्णन और चित्र रहस्यों के मंचन के विभिन्न प्रकारों और तकनीकों का एक विचार देते हैं। इंग्लैंड में, तमाशा पर प्रदर्शन, जो एक गाड़ी पर स्थापित एक मोबाइल दो मंजिला बूथ था, सबसे व्यापक हो गया। प्रदर्शन ऊपरी मंजिल पर हुआ, और निचली मंजिल अभिनेताओं के लिए कपड़े बदलने की जगह के रूप में काम करती थी। इस गोलाकार या कुंडलाकार प्रकार की मंच संरचना ने प्राचीन युग से संरक्षित एम्फीथिएटर का उपयोग मंच रहस्यों के लिए करना संभव बना दिया। रहस्यों के तीसरे प्रकार का डिज़ाइन मंडपों की तथाकथित प्रणाली थी (ल्यूसर्न, स्विटजरलैंड और डोनौशिंगन, जर्मनी में 16वीं शताब्दी के रहस्यमय प्रदर्शन) - पूरे क्षेत्र में बिखरे हुए खुले घर जिनमें रहस्यमय एपिसोड की कार्रवाई सामने आती थी। 16वीं सदी के स्कूल थिएटर में। पहली बार, कार्रवाई के स्थान एक पंक्ति में नहीं, बल्कि मंच के तीन किनारों के समानांतर स्थित हैं।

एशिया में नाट्य प्रदर्शन के पंथ आधार ने कई शताब्दियों तक पारंपरिक मंच डिजाइन पर प्रभुत्व स्थापित किया, जब व्यक्तिगत प्रतीकात्मक विवरण ने कार्रवाई के दृश्य को निर्दिष्ट किया। दृश्यों की कमी की भरपाई कुछ मामलों में सजावटी पृष्ठभूमि, वेशभूषा की समृद्धि और विविधता, मेकअप मुखौटों की उपस्थिति से की गई, जिनके रंग का एक प्रतीकात्मक अर्थ था। 14वीं शताब्दी में जापान में विकसित मुखौटों के सामंती-अभिजात संगीत थिएटर में, एक विहित प्रकार का डिज़ाइन बनाया गया था: मंच की पिछली दीवार पर, एक अमूर्त सुनहरी पृष्ठभूमि पर, एक देवदार के पेड़ को चित्रित किया गया था - का प्रतीक दीर्घायु; ढके हुए पुल के छज्जे के सामने, बाईं ओर मंच की गहराई में स्थित और अभिनेताओं और संगीतकारों के मंच में प्रवेश करने के उद्देश्य से, तीन छोटे देवदार के पेड़ों की छवियां रखी गई थीं

15 पर - प्रारंभ करें। 16वीं शताब्दी इटली में एक नए प्रकार की थिएटर इमारत और मंच दिखाई देता है। प्रमुख कलाकारों और वास्तुकारों ने नाट्य प्रस्तुतियों के डिजाइन में भाग लिया - लियोनार्डो दा विंची, राफेल, ए. मेन्टेग्ना, एफ. ब्रुनेलेस्की, आदि। परिप्रेक्ष्य सजावट, जिसके आविष्कार का श्रेय ब्रैमांटे को दिया जाता है (1505 से बाद में नहीं), पहली बार इस्तेमाल किया गया था फेरारा में कलाकार पेलेग्रिनो दा उडीन द्वारा, और रोम में - बी पेरुज़ी द्वारा। दृश्यावली, सड़क की गहराई में जाने के दृश्य को दर्शाती है, फ्रेम पर फैले कैनवस पर चित्रित की गई थी और इसमें मंच के प्रत्येक तरफ एक पृष्ठभूमि और तीन तरफ की योजनाएं शामिल थीं; दृश्यों के कुछ हिस्से लकड़ी (घरों की छतें, बालकनियाँ, छज्जे, आदि) से बने थे। टैबलेट को तेजी से ऊपर उठाकर आवश्यक परिप्रेक्ष्य में कमी हासिल की गई। एक साथ दृश्यों के बजाय, कुछ शैलियों के प्रदर्शन के लिए पुनर्जागरण मंच पर कार्रवाई का एक सामान्य और अपरिवर्तनीय दृश्य पुन: प्रस्तुत किया गया था। सबसे बड़े इतालवी थिएटर वास्तुकार और सज्जाकार एस. सेर्लियो ने 3 प्रकार के दृश्य विकसित किए: मंदिर, महल, मेहराब - त्रासदियों के लिए; निजी घरों, दुकानों, होटलों के साथ एक शहर का चौराहा - कॉमेडी के लिए; वन परिदृश्य - चरवाहों के लिए।

पुनर्जागरण कलाकारों ने मंच और सभागार को एक समग्र रूप में देखा। यह विसेंज़ा में ओलम्पिको थिएटर के निर्माण में प्रकट हुआ था, जिसे 1584 में ए. पल्लाडियो के डिजाइन के अनुसार बनाया गया था; इस इमारत में, वी. स्कैमोज़ी ने एक "आदर्श शहर" को दर्शाने वाला एक शानदार स्थायी सेट बनाया और इसका उद्देश्य त्रासदियों का मंचन करना था।

संकट के समय में रंगमंच का कुलीनीकरण इतालवी पुनर्जागरणनाट्य प्रस्तुतियों में बाह्य दिखावटीपन की प्रधानता हुई। एस. सेर्लियो की राहत सजावट ने बारोक शैली में एक सुरम्य सजावट का मार्ग प्रशस्त किया। 16वीं और 17वीं शताब्दी के अंत में कोर्ट ओपेरा और बैले प्रदर्शन का मनमोहक चरित्र। नाट्य तंत्र के व्यापक उपयोग को बढ़ावा मिला। थेटेलरी के आविष्कार - चित्रित कैनवास से ढके त्रिकोणीय घूमने वाले प्रिज्म, जिसका श्रेय कलाकार बुओंटालेंटी को जाता है, ने जनता के सामने दृश्यों को बदलना संभव बना दिया। इस तरह के चल, परिप्रेक्ष्य दृश्यों के डिजाइन का विवरण जर्मन वास्तुकार जे. फर्टेनबैक के कार्यों में पाया जा सकता है, जिन्होंने इटली में काम किया और जर्मनी में इतालवी थिएटर की तकनीक की शुरुआत की, साथ ही वास्तुकार एन. सब्बातिनी ने भी अपनी कृति में ग्रंथ "निर्माण चरणों और मशीनों की कला पर" (1638)। परिप्रेक्ष्य पेंटिंग तकनीकों में सुधार ने सज्जाकारों के लिए टैबलेट की तेज वृद्धि के बिना गहराई की छाप बनाना संभव बना दिया है। अभिनेता मंच स्थान का पूरा उपयोग करने में सक्षम थे। प्रारंभ में। सत्रवहीं शताब्दी जी. एलेओटी द्वारा आविष्कृत मंच के पीछे की सजावट दिखाई दी। उड़ानों के लिए तकनीकी उपकरण, एक हैच सिस्टम, साथ ही साइड पोर्टल शील्ड और एक पोर्टल आर्क पेश किए गए। इस सबके फलस्वरूप बॉक्स स्टेज का निर्माण हुआ।

मंच के पीछे सजावट की इतालवी प्रणाली सभी यूरोपीय देशों में व्यापक हो गई है। सभी हैं। सत्रवहीं शताब्दी विनीज़ कोर्ट थिएटर में, बारोक बैकस्टेज दृश्यों को इतालवी थिएटर आर्किटेक्ट एल. बर्नासिनी द्वारा पेश किया गया था; फ्रांस में, प्रसिद्ध इतालवी थिएटर आर्किटेक्ट, डेकोरेटर और ड्राइवर जी. टोरेली ने ओपेरा के कोर्ट प्रोडक्शंस में एक आशाजनक बैकस्टेज स्टेज की उपलब्धियों को सरलता से लागू किया था। और बैले प्रकार. स्पैनिश थिएटर, जो 16वीं शताब्दी में जीवित रहा। आदिम मेला दृश्य, इतालवी कला के माध्यम से इतालवी प्रणाली को आत्मसात करता है। के. लोटी, जिन्होंने स्पैनिश कोर्ट थिएटर (1631) में काम किया था। लंबे समय तक, लंदन में शहर के सार्वजनिक थिएटरों ने शेक्सपियरियन युग के पारंपरिक मंच क्षेत्र को बरकरार रखा, जो ऊपरी, निचले और पीछे के चरणों में विभाजित था, सभागार में फैला हुआ एक प्रोसेनियम और विरल सजावटी डिजाइन था। अंग्रेजी थिएटर के मंच ने एक्शन के दृश्यों को उनके अनुक्रम में तुरंत बदलना संभव बना दिया। इतालवी प्रकार की संभावित सजावट इंग्लैंड में पहली तिमाही में शुरू की गई थी। सत्रवहीं शताब्दी अदालती प्रदर्शनों के मंचन में थिएटर वास्तुकार आई. जोन्स। रूस में, 1672 में ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में प्रदर्शन में परिप्रेक्ष्य मंच सेट का उपयोग किया गया था।

क्लासिकवाद के युग में, नाटकीय सिद्धांत, जिसे स्थान और समय की एकता की आवश्यकता थी, ने एक स्थायी और अपूरणीय सेटिंग को मंजूरी दे दी, जो विशिष्ट ऐतिहासिक विशेषताओं से रहित थी (एक सिंहासन कक्ष या त्रासदी के लिए एक महल का बरोठा, एक शहर का चौक या कॉमेडी के लिए एक कमरा) ). सभी प्रकार के सजावटी और मंचन प्रभाव 17वीं शताब्दी में केंद्रित थे। ओपेरा और बैले शैली के भीतर, और नाटकीय प्रदर्शन कठोरता और सौम्य डिजाइन द्वारा प्रतिष्ठित थे। फ़्रांस और इंग्लैंड के थिएटरों में, प्रोसेनियम के किनारों पर स्थित मंच पर कुलीन दर्शकों की उपस्थिति ने प्रदर्शन के लिए सजावट की संभावनाओं को सीमित कर दिया। ओपेरा की कला के और अधिक विकास के कारण ओपेरा हाउस में सुधार हुआ। समरूपता की अस्वीकृति और कोणीय परिप्रेक्ष्य की शुरूआत ने पेंटिंग के माध्यम से दृश्य में बड़ी गहराई का भ्रम पैदा करने में मदद की। सजावट की गतिशीलता और भावनात्मक अभिव्यक्ति काइरोस्कोरो के खेल, वास्तुशिल्प रूपांकनों के विकास में लयबद्ध विविधता (स्तंभों, सीढ़ियों, मेहराबों, मूर्तियों की दोहराई जाने वाली पंक्तियों के साथ, प्लास्टर आभूषणों से सजाए गए बारोक हॉल के अंतहीन एन्फिलैड्स) द्वारा प्राप्त की गई थी। जिसकी सहायता से स्थापत्य संरचनाओं की भव्यता का आभास हुआ।

प्रबोधन के दौरान वैचारिक संघर्ष की तीव्रता को विभिन्न शैलियों के बीच संघर्ष और सजावटी कला में अभिव्यक्ति मिली। बैरोक सजावट के शानदार वैभव की तीव्रता और रोकोको शैली में निष्पादित दृश्यों की उपस्थिति के साथ, सामंती-अभिजात वर्ग की प्रवृत्ति की विशेषता, इस अवधि की सजावटी कला में अमूर्तता से मुक्ति के लिए, थिएटर सुधार के लिए संघर्ष था। स्थान की गतिविधियों के अधिक सटीक राष्ट्रीय और ऐतिहासिक विवरण के लिए दरबारी कला का वैभव। इस संघर्ष में, शैक्षिक रंगमंच पुरातनता की वीर छवियों की ओर मुड़ गया, जो शास्त्रीय शैली में दृश्यों के निर्माण में व्यक्त किया गया था। इस दिशा को फ्रांस में डेकोरेटर्स जी. सर्वंडोनी, जी. ड्यूमॉन्ट, पी.ए. के काम में विशेष विकास प्राप्त हुआ। ब्रुनेटी, जिन्होंने मंच पर प्राचीन वास्तुकला की इमारतों का पुनरुत्पादन किया। 1759 में, वोल्टेयर ने मंच से दर्शकों को बाहर कर दिया, जिससे दृश्यों के लिए अतिरिक्त जगह खाली हो गई। इटली में, बारोक से क्लासिकिज़्म में संक्रमण को जी. पिरानेसी के काम में अभिव्यक्ति मिली।

18वीं शताब्दी में रूस में रंगमंच का गहन विकास। इससे रूसी सजावटी कला का विकास हुआ, जिसमें आधुनिक नाट्य चित्रकला की सभी उपलब्धियों का उपयोग किया गया। 40 के दशक में 18 वीं सदी प्रदर्शन के डिजाइन में प्रमुख विदेशी कलाकार शामिल थे - सी. बिब्बिएना, पी. और एफ. ग्रेडिपज़ी और अन्य, जिनमें से एक प्रमुख स्थान बिब्बिएना के प्रतिभाशाली अनुयायी जी. वेलेरियानी का है। दूसरे भाग में. 18 वीं सदी प्रतिभाशाली रूसी सज्जाकार उभरे, जिनमें से अधिकांश सर्फ़ थे: आई. विष्णकोव, वोल्स्की बंधु, आई. फ़िरसोव, एस. कलिनिन, जी. मुखिन, के. फंटुसोव और अन्य जिन्होंने कोर्ट और सर्फ़ थिएटरों में काम किया। 1792 से, उत्कृष्ट थिएटर कलाकार और वास्तुकार पी. गोंजागो ने रूस में काम किया। उनके काम में, वैचारिक रूप से प्रबुद्धता के क्लासिकिज्म से जुड़े, स्थापत्य रूपों की गंभीरता और सामंजस्य, भव्यता और स्मारकीयता की छाप पैदा करते हुए, वास्तविकता के पूर्ण भ्रम के साथ जोड़ा गया था।

18वीं सदी के अंत में. यूरोपीय रंगमंच में, बुर्जुआ नाटक के विकास के संबंध में, एक मंडप सेट (तीन दीवारों और एक छत वाला एक बंद कमरा) दिखाई दिया। 17वीं और 18वीं शताब्दी में सामंती विचारधारा का संकट। एशियाई देशों की सजावटी कला में इसका प्रतिबिंब पाया गया, जिससे कई नवाचार हुए। 18वीं सदी में जापान में। काबुकी थिएटरों के लिए इमारतों का निर्माण किया जा रहा था, जिसके मंच पर एक प्रोसेनियम था जो दर्शकों के सामने मजबूती से खड़ा था और एक पर्दा था जो क्षैतिज रूप से घूमता था। मंच के दायीं और बायीं ओर से सभागार की पिछली दीवार तक मंच थे ("हनामिची", शाब्दिक रूप से फूलों का पथ), जिस पर प्रदर्शन भी शुरू हुआ (बाद में दायां मंच समाप्त कर दिया गया; आजकल केवल बायां मंच है) काबुकी थिएटर में रहता है)। काबुकी थिएटरों ने त्रि-आयामी दृश्यों (बगीचे, घर के अग्रभाग आदि) का उपयोग किया, जो विशेष रूप से कार्रवाई के स्थान को दर्शाते थे; 1758 में, पहली बार एक घूमने वाले मंच का उपयोग किया गया, जिसके मोड़ हाथ से बनाए गए थे। मध्यकालीन परंपराएँचीन, भारत, इंडोनेशिया और अन्य देशों के कई थिएटरों में संरक्षित हैं, जिनमें लगभग कोई दृश्य नहीं है, और डिज़ाइन वेशभूषा, मुखौटे और श्रृंगार तक ही सीमित है।

18वीं सदी के उत्तरार्ध की फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति। रंगमंच की कला पर गहरा प्रभाव पड़ा। नाटक की विषय-वस्तु के विस्तार से सजावटी कला में कई बदलाव आए हैं। पेरिस के "बुलेवार्ड थिएटर" के मंचों पर मेलोड्रामा और पैंटोमाइम्स के निर्माण में, डिजाइन पर विशेष ध्यान दिया गया था; नाट्य चालकों की उच्च कला ने विभिन्न प्रकार के प्रभावों (जहाजों की तबाही, ज्वालामुखी विस्फोट, तूफान के दृश्य, आदि) को प्रदर्शित करना संभव बना दिया। उन वर्षों की सजावटी कला में, तथाकथित व्यावहारिक (चट्टानों, पुलों, पहाड़ियों आदि को चित्रित करने वाले त्रि-आयामी डिज़ाइन विवरण) का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था। पहली तिमाही में 19 वीं सदी सचित्र पैनोरमा, डियोरामा या नियोरामा, मंच प्रकाश व्यवस्था में नवाचारों के साथ मिलकर, व्यापक हो गए (1920 के दशक में सिनेमाघरों में गैस की शुरुआत हुई थी)। फ्रांसीसी रूमानियतवाद द्वारा नाटकीय डिजाइन के सुधार का एक व्यापक कार्यक्रम सामने रखा गया, जिसने कार्रवाई के दृश्यों के ऐतिहासिक रूप से विशिष्ट लक्षण वर्णन का कार्य निर्धारित किया। रोमांटिक नाटककारों ने अपने नाटकों के निर्माण में प्रत्यक्ष भाग लिया, जिससे उन्हें लंबी टिप्पणियाँ और अपने स्वयं के रेखाचित्र उपलब्ध हुए। ऐतिहासिक विषयों पर मल्टी-एक्ट ओपेरा और नाटकों की प्रस्तुतियों में शानदार सुंदरता के साथ स्थान और समय के रंग की सटीकता को संयोजित करने का प्रयास करते हुए, जटिल दृश्यों और भव्य वेशभूषा के साथ प्रदर्शन तैयार किए गए। मंचन तकनीकों की बढ़ती जटिलता के कारण प्रदर्शन के कृत्यों के बीच ब्रेक के दौरान पर्दों का बार-बार उपयोग होने लगा। 1849 में, मेयरबीर के द प्रोफेट के निर्माण में पेरिस ओपेरा के मंच पर पहली बार विद्युत प्रकाश प्रभाव का उपयोग किया गया था।

30-70 के दशक में रूस में। 19 वीं सदी प्रमुख सज्जाकार रोमांटिक दिशावहाँ ए. रोलर थे, जो नाटकीय मशीनों के उत्कृष्ट गुरु थे। उनके द्वारा विकसित मंचन प्रभावों की उच्च तकनीक को बाद में के.एफ. जैसे सज्जाकारों द्वारा विकसित किया गया। वैल्ट्स, ए.एफ. गेल्टसर और अन्य। दूसरी छमाही में सजावटी कला में नए रुझान। 19 वीं सदी यथार्थवादी शास्त्रीय रूसी नाटक और अभिनय के प्रभाव में स्थापित किए गए थे। शैक्षणिक दिनचर्या के खिलाफ लड़ाई की शुरुआत डेकोरेटर्स एम.ए. ने की थी। शिशकोव और एम.आई. बोचारोव। 1867 में, नाटक "द डेथ ऑफ़ इवान द टेरिबल" में ए.के. टॉल्स्टॉय (अलेक्जेंड्रिया थिएटर) शिशकोव पहली बार ऐतिहासिक विशिष्टता और सटीकता के साथ प्री-पेट्रिन रूस के जीवन को मंच पर दिखाने में कामयाब रहे। शिशकोव की कुछ हद तक शुष्क पुरातत्व के विपरीत, बोचारोव ने अपनी परिदृश्य सजावट में रूसी प्रकृति की एक सच्ची, भावनात्मक भावना लाई, अपनी रचनात्मकता से मंच पर वास्तविक चित्रकारों के आगमन की आशा की। लेकिन राज्य के स्वामित्व वाले थिएटरों के सज्जाकारों की प्रगतिशील खोज अलंकरण, मंच तमाशे के आदर्शीकरण और "परिदृश्य", "वास्तुशिल्प", "पोशाक", आदि में विभाजित कलाकारों की संकीर्ण विशेषज्ञता से बाधित हुई; आधुनिक विषयों पर नाटकीय प्रदर्शन में, एक नियम के रूप में, पूर्वनिर्मित या "मानक" मानक दृश्यों ("गरीब" या "अमीर" कमरा, "जंगल", "ग्रामीण दृश्य", आदि) का उपयोग किया गया था। दूसरे भाग में. 19 वीं सदी विभिन्न यूरोपीय थिएटरों (फ्रांस में फिलास्ट्रे और सी. कंबोन, ए. राउबॉड और एफ. चैपेरॉन की कार्यशालाएं, जर्मनी में लुत्के-मेयर, आदि) की सेवा के लिए बड़ी सजावटी कार्यशालाएँ बनाई गईं। इस अवधि के दौरान, भारी, औपचारिक, उदार-शैली की सजावट, जिसमें कला और रचनात्मक कल्पना का स्थान हस्तशिल्प ने ले लिया, व्यापक हो गई। 70-80 के दशक में सजावटी कला के विकास पर। मेनिंगेन थिएटर की गतिविधियों का एक महत्वपूर्ण प्रभाव था, जिसके यूरोपीय देशों के दौरे ने प्रदर्शन, उच्च उत्पादन संस्कृति, दृश्यों, वेशभूषा और सहायक उपकरण की ऐतिहासिक सटीकता के निर्देशक के निर्णय की अखंडता का प्रदर्शन किया। मीनिंगियंस ने प्रत्येक प्रदर्शन के डिज़ाइन को एक व्यक्तिगत रूप दिया, मंडप और परिदृश्य सजावट के मानकों, इतालवी बैकस्टेज-आर्क प्रणाली की परंपराओं का उल्लंघन करने की कोशिश की। उन्होंने विभिन्न प्रकार की टैबलेट स्थलाकृति का व्यापक उपयोग किया, मंच स्थान को विभिन्न वास्तुशिल्प रूपों से भर दिया; उन्होंने विभिन्न प्लेटफार्मों, सीढ़ियों, वॉल्यूमेट्रिक कॉलम, चट्टानों और पहाड़ियों के रूप में व्यावहारिक रूप से प्रचुर मात्रा में उपयोग किया। मेनिंगेन प्रोडक्शंस के दृश्य पक्ष पर (जिसका डिज़ाइन

ज्यादातर ड्यूक जॉर्ज द्वितीय के थे) स्पष्ट रूप से जर्मन ऐतिहासिक चित्रकला विद्यालय - पी. कॉर्नेलियस, डब्ल्यू. कौलबैक, के. पायलटी से प्रभावित थे। हालाँकि, ऐतिहासिक सटीकता और सत्यता, सहायक उपकरण की "प्रामाणिकता" ने कई बार मेनिंगेनाइट्स के प्रदर्शन में आत्मनिर्भर महत्व हासिल कर लिया।

ई. ज़ोला 70 के दशक के अंत में प्रदर्शन करते हैं। अमूर्त क्लासिकिस्ट, आदर्शीकृत रोमांटिक और आत्म-प्रभावी मनमोहक दृश्यों की आलोचना के साथ। उन्होंने मंच पर आधुनिक जीवन के चित्रण, दृश्यों के माध्यम से "सामाजिक परिवेश का सटीक पुनरुत्पादन" की मांग की, जिसकी तुलना उन्होंने उपन्यास में वर्णित विवरणों से की। प्रतीकवादी रंगमंच, जो 90 के दशक में फ्रांस में उभरा, ने नाटकीय दिनचर्या और प्रकृतिवाद के विरोध के नारे के तहत यथार्थवादी कला के खिलाफ लड़ाई लड़ी। आधुनिकतावादी खेमे के कलाकार एम. डेनिस, पी. सेरूसियर, ए. टूलूज़-लॉट्रेक, ई. वुइलार्ड, ई. मंच और अन्य लोग पी. फॉरे के आर्ट थिएटर और लूनियर-पो के क्रिएटिविटी थिएटर के आसपास एकजुट हुए; उन्होंने सरलीकृत, शैलीबद्ध दृश्यावली, प्रभाववादी अस्पष्टता, आदिमवाद और प्रतीकवाद पर जोर दिया, जिससे थिएटर जीवन के यथार्थवादी चित्रण से दूर हो गए।

रूसी संस्कृति का शक्तिशाली उदय 19वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में हुआ। रंगमंच और सजावटी कला। 80-90 के दशक में रूस में। थिएटर में काम करने वाले सबसे बड़े चित्रफलक कलाकार शामिल हैं - वी.डी. पोलेनोव, वी.एम. वासनेत्सोव और ए.एम. वासनेत्सोव, आई.आई. लेविटन, के.ए. कोरोविन, वी.ए. सेरोव, एम.ए. व्रुबेल। मॉस्को प्राइवेट रशियन ओपेरा एस.आई. में 1885 से काम कर रहे हैं। ममोनतोव, वे दृश्यों में लाए रचना संबंधी तकनीकेंआधुनिक यथार्थवादी चित्रों ने प्रदर्शन की समग्र व्याख्या के सिद्धांत की पुष्टि की। त्चिकोवस्की, रिमस्की-कोर्साकोव, मुसॉर्स्की द्वारा ओपेरा की प्रस्तुतियों में, इन कलाकारों ने रूसी इतिहास की मौलिकता, रूसी परिदृश्य की आध्यात्मिक गीतकारिता, परी-कथा छवियों के आकर्षण और कविता को व्यक्त किया।

यथार्थवादी दिशा की आवश्यकताओं के लिए मंच डिजाइन के सिद्धांतों की अधीनता पहली बार 19वीं और 20वीं शताब्दी के अंत में हासिल की गई थी। मॉस्को आर्ट थिएटर के अभ्यास में। शाही थिएटरों के लिए पारंपरिक मंच के पीछे, मंडपों और "पूर्वनिर्मित" दृश्यों के बजाय, प्रत्येक MAT प्रदर्शन में एक विशेष डिज़ाइन होता था जो निर्देशक की योजना के अनुरूप होता था। नियोजन क्षमताओं का विस्तार करना (फर्श तल को संसाधित करना, आवासीय परिसर के असामान्य कोण दिखाना), "लिव-इन" वातावरण की छाप बनाने की इच्छा, और कार्रवाई का मनोवैज्ञानिक माहौल मॉस्को आर्ट थिएटर की सजावटी कला की विशेषता है।

आर्ट थिएटर के डेकोरेटर वी.ए. के.एस. के अनुसार, सिमोव था। स्टैनिस्लावस्की, "एक नए प्रकार के मंच कलाकारों के संस्थापक", जीवन की सच्चाई की भावना से प्रतिष्ठित थे और अपने काम को निर्देशन के साथ जोड़ते थे। मॉस्को आर्ट थिएटर द्वारा किए गए सजावटी कला के यथार्थवादी सुधार का विश्व थिएटर कला पर भारी प्रभाव पड़ा। मंच के तकनीकी पुन: उपकरण और सजावटी कला की संभावनाओं को समृद्ध करने में एक महत्वपूर्ण भूमिका एक घूर्णन मंच के उपयोग द्वारा निभाई गई थी, जिसका उपयोग मोजार्ट के ओपेरा डॉन के निर्माण के दौरान के. लॉटेनश्लागर द्वारा यूरोपीय थिएटर में पहली बार किया गया था। जियोवन्नी (1896, रेसिडेंज़ थिएटर, म्यूनिख)।

1900 के दशक में "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" समूह के कलाकार - ए.एन. - थिएटर में अपनी गतिविधियाँ शुरू करते हैं। बेनोइट, एल.एस. बक्स्ट, एम.वी. डोबज़िन्स्की, एन.के. रोएरिच, ई.ई. लांसरे, आई.वाई.ए. बिलिबिन और अन्य। इन कलाकारों की पूर्वव्यापीता और शैलीकरण विशेषता ने उनकी रचनात्मकता को सीमित कर दिया, लेकिन उनकी उच्च संस्कृति और कौशल, प्रदर्शन की समग्र कलात्मक अवधारणा की अखंडता की इच्छा ने ओपेरा और बैले सजावटी कला के सुधार में सकारात्मक भूमिका निभाई। न केवल रूस में, बल्कि विदेश में भी। रूसी ओपेरा और बैले के दौरे, जो 1908 में पेरिस में शुरू हुए और कई वर्षों तक दोहराए गए, ने दृश्यों की एक उच्च सचित्र संस्कृति, विभिन्न युगों की कला की शैली और चरित्र को व्यक्त करने के लिए कलाकारों की क्षमता को दिखाया। बेनोइस, डोबुज़िन्स्की, बी.एम. कुस्टोडीव, रोएरिच की गतिविधियाँ मॉस्को आर्ट थिएटर से भी जुड़ी हुई हैं, जहाँ इन कलाकारों की सौंदर्यवाद विशेषता काफी हद तक के.एस. की यथार्थवादी दिशा की आवश्यकताओं के अधीन थी। स्टैनिस्लावस्की और वी.आई. नेमीरोविच-डैनचेंको। सबसे बड़े रूसी सज्जाकार के.ए. कोरोविन और ए.या. गोलोविन, जिन्होंने शुरू से ही काम किया। 20 वीं सदी शाही थिएटरों में, आधिकारिक मंच की सजावटी कला में मूलभूत परिवर्तन किए गए। कोरोविन की लेखन की व्यापक, मुक्त शैली, उनके मंच चित्रों में निहित जीवित प्रकृति की भावना, रंग योजना की अखंडता जो पात्रों के दृश्यों और वेशभूषा को एकजुट करती है, रूसी ओपेरा और बैले के डिजाइन में सबसे स्पष्ट रूप से परिलक्षित होती थी - "सैडको" ”, “द गोल्डन कॉकरेल”; टीएस पुगनी और अन्य द्वारा "द लिटिल हंपबैक्ड हॉर्स"। औपचारिक सजावट, रूपों का स्पष्ट चित्रण, बोल्ड रंग संयोजन, समग्र सद्भाव और समाधान की अखंडता गोलोविन की नाटकीय पेंटिंग को अलग करती है। इस तथ्य के बावजूद कि कलाकार के कई काम आधुनिकतावाद से प्रभावित हैं, उनका काम महान यथार्थवादी कौशल पर आधारित है, जो जीवन के गहन अध्ययन पर आधारित है। कोरोविन के विपरीत, गोलोविन ने हमेशा अपने रेखाचित्रों और सजावटों में जोर दिया नाटकीय प्रकृतिमंच डिजाइन, इसके व्यक्तिगत घटक; उन्होंने आभूषणों से सजाए गए पोर्टल फ्रेम, विभिन्न एप्लिक और चित्रित पर्दे, एक प्रोसेनियम आदि का उपयोग किया। 1908-17 में, गोलोविन ने कई प्रदर्शनों, पोस्ट के लिए डिजाइन तैयार किए। वी.ई. मेयरहोल्ड (मोलिरे के "डॉन जुआन", "मास्करेड" सहित),

19वीं सदी के अंत और शुरुआत में बुर्जुआ कला में यथार्थवाद-विरोधी आंदोलनों का मजबूत होना। 20वीं सदी, खुलासा करने से इनकार सामाजिक विचारपश्चिम में यथार्थवादी सजावटी कला के विकास पर नकारात्मक प्रभाव पड़ा। पतनशील आंदोलनों के प्रतिनिधियों ने "पारंपरिकता" को कला का मूल सिद्धांत घोषित किया। ए. अप्पियाह (स्विट्जरलैंड) और जी. क्रेग (इंग्लैंड) ने यथार्थवाद के खिलाफ लगातार संघर्ष किया। "दार्शनिक रंगमंच" बनाने के विचार को आगे बढ़ाते हुए, उन्होंने अमूर्त, कालातीत सजावट (क्यूब्स, स्क्रीन, प्लेटफार्म, सीढ़ियों इत्यादि) की मदद से विचारों की "अदृश्य" दुनिया को चित्रित किया, और परिवर्तन करके प्रकाश में उन्होंने स्मारकीय स्थानिक रूपों का एक खेल हासिल किया। एक निर्देशक और कलाकार के रूप में क्रेग का अपना अभ्यास कुछ प्रस्तुतियों तक ही सीमित था, लेकिन उनके सिद्धांतों ने बाद में विभिन्न देशों में कई थिएटर कलाकारों और निर्देशकों के काम को प्रभावित किया। प्रतीकवादी रंगमंच के सिद्धांत पोलिश नाटककार, चित्रकार और थिएटर डिजाइनर एस. विस्पियान्स्की के काम में परिलक्षित हुए, जिन्होंने एक स्मारकीय पारंपरिक प्रदर्शन बनाने का प्रयास किया; हालाँकि, राष्ट्रीय रूपों का कार्यान्वयन लोक कलास्थानिक मंच की सजावट और डिज़ाइन में, इसने विस्पियनस्की के काम को ठंडे अमूर्तता से मुक्त कर दिया और इसे और अधिक वास्तविक बना दिया। म्यूनिख आर्ट थिएटर के आयोजक जी. फुच्स कलाकार के साथ। एफ. एर्लर ने एक "राहत चरण" (अर्थात लगभग गहराई से रहित एक चरण) के लिए एक परियोजना को आगे बढ़ाया, जहां अभिनेताओं के आंकड़े एक राहत के रूप में एक विमान पर स्थित हैं। निर्देशक एम. रेनहार्ड्ट (जर्मनी) ने अपने द्वारा निर्देशित थिएटरों में विभिन्न प्रकार की डिजाइन तकनीकों का उपयोग किया: ध्यान से डिजाइन की गई, घूमने वाले स्टेज सर्कल के उपयोग से जुड़ी लगभग भ्रमपूर्ण, सुरम्य और वॉल्यूमेट्रिक सजावट से लेकर सामान्यीकृत पारंपरिक स्थिर स्थापनाओं तक, सरलीकृत शैली वाले डिजाइन से सर्कस के मैदान में भव्य सामूहिक तमाशे के लिए "कपड़े में", जहां विशुद्ध रूप से बाहरी मंच प्रदर्शन पर जोर दिया गया था। कलाकार ई. स्टर्न, ई. ऑरलिक, ई. मंच, ई. शुट्टे, ओ. मेसेल, मूर्तिकार एम. क्रूस और अन्य ने रेनहार्ड्ट के साथ काम किया।

10 के दशक के अंत में और 20 के दशक में। 20 वीं सदी अभिव्यक्तिवाद, जो शुरू में जर्मनी में विकसित हुआ, लेकिन व्यापक रूप से अन्य देशों की कला पर कब्जा कर लिया, ने प्रमुख महत्व हासिल कर लिया। अभिव्यक्तिवादी प्रवृत्तियों ने सजावटी कला में गहरे अंतर्विरोधों, योजनाबद्धता और यथार्थवाद से विचलन को जन्म दिया। विमानों के "शिफ्ट्स" और "बेवेल्स", गैर-उद्देश्य या खंडित सजावट, प्रकाश और छाया के तेज विरोधाभासों का उपयोग करके, कलाकारों ने मंच पर व्यक्तिपरक दृष्टि की दुनिया बनाने की कोशिश की। उसी समय, कुछ अभिव्यक्तिवादी प्रदर्शनों में एक स्पष्ट साम्राज्यवाद-विरोधी अभिविन्यास था, और उनमें दृश्यों ने तीव्र सामाजिक विचित्रता की विशेषताएं हासिल कर लीं। इस अवधि की सजावटी कला की विशेषता तकनीकी प्रयोगों के प्रति कलाकारों का जुनून, बॉक्स स्टेज को नष्ट करने की इच्छा, स्टेज क्षेत्र को उजागर करना और स्टेजिंग तकनीकें हैं। औपचारिकतावादी आंदोलनों - रचनावाद, घनवाद, भविष्यवाद - ने सजावटी कला को आत्मनिर्भर तकनीकीवाद के मार्ग पर अग्रसर किया। इन आंदोलनों के कलाकारों ने, मंच पर "शुद्ध" ज्यामितीय आकृतियों, विमानों और आयतनों, तंत्र के कुछ हिस्सों के अमूर्त संयोजनों को प्रस्तुत करते हुए, एक आधुनिक औद्योगिक शहर की "गतिशीलता", "गति और लय" को व्यक्त करने की कोशिश की, और मंच पर सृजन करने की कोशिश की। वास्तविक मशीनों के काम का भ्रम (जी. सेवेरिनी, एफ. डेपेरो, ई. प्रैम्पोलिनी - इटली; एफ. लेगर - फ्रांस, आदि)।

पश्चिमी यूरोप और अमेरिका की सजावटी कला में, सेवा। 20 वीं सदी कोई विशिष्ट नहीं हैं कलात्मक निर्देशऔर स्कूल: कलाकार एक व्यापक तरीका विकसित करने का प्रयास करते हैं जो उन्हें विभिन्न शैलियों और तकनीकों को संबोधित करने की अनुमति देता है। हालाँकि, कई मामलों में, प्रदर्शन को डिज़ाइन करने वाले कलाकार नाटक की वैचारिक सामग्री, उसके चरित्र और विशिष्ट ऐतिहासिक विशेषताओं को इतना अधिक व्यक्त नहीं करते हैं, जितना कि वे इसके कैनवास पर सजावटी कला का एक स्वतंत्र काम बनाने का प्रयास करते हैं, जो कि है "कलाकार की स्वतंत्र कल्पना का फल।" इसलिए कई प्रदर्शनों में मनमानी, डिजाइन की अमूर्तता और वास्तविकता के साथ अलगाव होता है। इसका विरोध प्रगतिशील निर्देशकों की प्रथा और कलाकारों की रचनात्मकता द्वारा किया जाता है जो क्लासिक्स, प्रगतिशील आधुनिक नाटक और लोक परंपराओं पर भरोसा करते हुए यथार्थवादी सजावटी कला को संरक्षित और विकसित करने का प्रयास करते हैं।

10 के दशक से 20 वीं सदी चित्रफलक कला के स्वामी तेजी से थिएटर में काम करने के लिए आकर्षित हो रहे हैं, और रचनात्मक कला के रूप में सजावटी कला में रुचि बढ़ रही है कलात्मक गतिविधि. 30 के दशक से। उत्पादन तकनीकों का अच्छा ज्ञान रखने वाले योग्य पेशेवर थिएटर कलाकारों की संख्या बढ़ रही है। स्टेज तकनीक को विभिन्न तरीकों से समृद्ध किया गया है; नई सिंथेटिक सामग्री, ल्यूमिनसेंट पेंट, फोटो और फिल्म प्रोजेक्शन आदि का उपयोग किया जाता है। 50 के दशक के विभिन्न तकनीकी सुधारों में से। 20 वीं सदी सबसे बड़ा महत्व थिएटर में साइक्लोरमा का उपयोग (एक विस्तृत अर्धवृत्ताकार स्क्रीन पर कई फिल्म प्रक्षेपण उपकरणों से छवियों का एक साथ प्रक्षेपण), जटिल प्रकाश प्रभावों का विकास, आदि है।

30 के दशक में रचनात्मक अभ्यास में सोवियत थिएटरसमाजवादी यथार्थवाद के सिद्धांतों की पुष्टि और विकास किया गया है। सजावटी कला के सबसे महत्वपूर्ण और परिभाषित सिद्धांत जीवन सत्य, ऐतिहासिक विशिष्टता और वास्तविकता की विशिष्ट विशेषताओं को प्रतिबिंबित करने की क्षमता की आवश्यकताएं हैं। दृश्यों का वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक सिद्धांत, जो 20 के दशक के कई प्रदर्शनों पर हावी था, पेंटिंग के व्यापक उपयोग से समृद्ध हुआ है।

2. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के मूल साधन:

सजावट (लैटिन डेकोरो से - मैं सजाता हूँ) एक मंच का डिज़ाइन है जो उस भौतिक वातावरण को फिर से बनाता है जिसमें अभिनेता अभिनय करता है। सेट "एक्शन के दृश्य की एक कलात्मक छवि है और साथ ही एक मंच है जो उस पर स्टेज एक्शन करने के समृद्ध अवसर प्रदान करता है।" आधुनिक रंगमंच में उपयोग किए जाने वाले विभिन्न अभिव्यंजक साधनों का उपयोग करके दृश्यों का निर्माण किया जाता है - पेंटिंग, ग्राफिक्स, वास्तुकला, स्थान योजना की कला, दृश्यों की विशेष बनावट, प्रकाश व्यवस्था, मंच प्रौद्योगिकी, प्रक्षेपण, सिनेमा, आदि। मुख्य सेट सिस्टम:

1) घुमाव चलने योग्य,

2) रॉकर-आर्क लिफ्टिंग,

3) मंडप,

4) वॉल्यूमेट्रिक

5) प्रक्षेपण.

प्रत्येक सेट प्रणाली का उद्भव और विकास और दूसरे द्वारा उसका प्रतिस्थापन नाटकीयता, नाटकीय सौंदर्यशास्त्र, युग के इतिहास के अनुरूप, साथ ही विज्ञान और प्रौद्योगिकी के विकास की विशिष्ट आवश्यकताओं द्वारा निर्धारित किया गया था।

मंच के पीछे मोबाइल सजावट. मंच के पीछे - दृश्यों के हिस्से मंच के किनारों पर एक के बाद एक निश्चित दूरी पर स्थित होते हैं (मंच के अंदर के पोर्टल से) और दर्शकों से मंच के पीछे की जगह को बंद करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। परदे मुलायम, तख्ते पर टिके हुए या कठोर होते थे; कभी-कभी उनके पास एक वास्तुशिल्प प्रोफ़ाइल, एक पेड़ के तने, पत्ते की रूपरेखा को दर्शाने वाली एक आकृतिबद्ध रूपरेखा होती थी। कठिन दृश्यों का परिवर्तन विशेष बैकस्टेज मशीनों - पहियों पर लगे फ़्रेमों का उपयोग करके किया गया था, जो रैंप के समानांतर प्रत्येक चरण योजना पर (18वीं और 19वीं शताब्दी में) स्थित थे। ये फ़्रेम पहले होल्ड के फर्श के साथ बिछाई गई रेलों के साथ मंच के तख्ते में विशेष रूप से काटे गए मार्गों में चले गए। पहले महल के थिएटरों में, सेट में एक पृष्ठभूमि, पंख और छत के मेहराब होते थे, जिन्हें पंखों के परिवर्तन के साथ-साथ ऊपर और नीचे किया जाता था। बादलों, पेड़ों की शाखाओं के साथ पत्ते, लैंपशेड के हिस्से आदि को होली पर चित्रित किया गया था। ड्रोटिंगहोम में कोर्ट थिएटर और प्रिंस की पूर्व संपत्ति के थिएटर में बैकस्टेज सजावट प्रणालियों को आज तक संरक्षित किया गया है। एन.बी. आर्कान्जेस्कॉय में युसुपोव

मंच-धनुष उठाने वाली सजावट की शुरुआत 17वीं शताब्दी में इटली में हुई थी। और उच्च ग्रेट्स वाले सार्वजनिक थिएटरों में व्यापक हो गया। इस प्रकार की सजावट एक कैनवास है जिसे एक मेहराब के रूप में सिल दिया जाता है जिसमें पेड़ के तने, पत्तियों के साथ शाखाएं, और चित्रित वास्तुशिल्प विवरण (किनारों के साथ और शीर्ष पर) (रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य के नियमों के अनुपालन में) होते हैं। इनमें से 75 बैकस्टेज मेहराबों को पृष्ठभूमि के रूप में चित्रित पृष्ठभूमि या क्षितिज के साथ मंच पर निलंबित किया जा सकता है। बैकस्टेज-मेहराब सजावट का एक प्रकार ओपनवर्क सजावट है (लिखित "वन" या "वास्तुशिल्प" बैकस्टेज मेहराब, विशेष जाल से चिपके हुए या ट्यूल पर लगाए गए)। वर्तमान में, बैकस्टेज-आर्क सजावट का उपयोग मुख्य रूप से ओपेरा और बैले प्रस्तुतियों में किया जाता है।

मंडप की सजावट का प्रयोग पहली बार 1794 में किया गया था। अभिनेता और निर्देशक एफ.एल. कतरनेवाला। मंडप की सजावट एक संलग्न स्थान को दर्शाती है और इसमें कैनवास से ढकी हुई फ्रेम की दीवारें हैं और वॉलपेपर, बोर्ड और टाइल्स के समान चित्रित हैं। दीवारें "ठोस" हो सकती हैं या उनमें खिड़कियों और दरवाजों के लिए स्पैन हो सकते हैं। दीवारें थ्रो रस्सियों - ओवरलैप्स का उपयोग करके एक दूसरे से जुड़ी हुई हैं, और ढलानों के साथ मंच के फर्श से जुड़ी हुई हैं। आधुनिक थिएटर में मंडप की दीवारों की चौड़ाई 2.2 मीटर से अधिक नहीं है (अन्यथा, सजावट का परिवहन करते समय, दीवार मालवाहक कार के दरवाजे में फिट नहीं होगी)। मंडप की सजावट की खिड़कियों और दरवाजों के पीछे आमतौर पर बैकस्प्लैश (फ्रेम पर लटकी सजावट के हिस्से) लगाए जाते हैं, जिन पर संबंधित परिदृश्य या वास्तुशिल्प रूपांकन दर्शाया जाता है। मंडप की सजावट एक छत से ढकी हुई है, जो ज्यादातर मामलों में जाली से लटकी हुई है।

आधुनिक समय के थिएटर में, वॉल्यूमेट्रिक सजावट पहली बार 1870 में मेनिंगेन थिएटर के प्रदर्शन में दिखाई दी। इस थिएटर में, सपाट दीवारों के साथ, वॉल्यूमेट्रिक भागों का उपयोग किया जाने लगा: सीधी और झुकी हुई मशीनें - रैंप, सीढ़ियाँ और चित्रण के लिए अन्य संरचनाएँ छतें, पहाड़ियाँ, किले की दीवारें। मशीनों के डिज़ाइन आमतौर पर चित्रित कैनवस या नकली राहत (पत्थर, पेड़ की जड़ें, घास) से ढके होते हैं। वॉल्यूमेट्रिक दृश्यों के कुछ हिस्सों को बदलने के लिए, रोलर्स (फ़र्की) पर रोलिंग प्लेटफ़ॉर्म, एक टर्नटेबल और अन्य प्रकार की स्टेज तकनीक का उपयोग किया जाता है। वॉल्यूमेट्रिक सेट ने निर्देशकों को "टूटे हुए" मंच के तख़्ते पर मिस-एन-सीन बनाने और विभिन्न प्रकार के रचनात्मक समाधान खोजने की अनुमति दी, जिसकी बदौलत नाटकीय कला की अभिव्यंजक संभावनाओं का असामान्य रूप से विस्तार हुआ।

प्रोजेक्शन सजावट का उपयोग पहली बार 1908 में न्यूयॉर्क में किया गया था। यह पारदर्शिता पर खींची गई रंगीन और श्वेत-श्याम छवियों के प्रक्षेपण (स्क्रीन पर) पर आधारित है। थिएटर प्रोजेक्टर का उपयोग करके प्रक्षेपण किया जाता है। स्क्रीन पृष्ठभूमि, क्षितिज, दीवारें या फर्श हो सकती है। फॉरवर्ड प्रोजेक्शन (प्रोजेक्टर स्क्रीन के सामने है) और बैक-लाइट प्रोजेक्शन (प्रोजेक्टर स्क्रीन के पीछे है) हैं। प्रक्षेपण स्थिर (वास्तुशिल्प, परिदृश्य और अन्य रूपांकनों) और गतिशील (बादलों, बारिश, बर्फ की गति) हो सकता है। आधुनिक थिएटर में, जिसमें नई स्क्रीन सामग्री और प्रक्षेपण उपकरण हैं, प्रक्षेपण सजावट का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। निर्माण और संचालन की सरलता, चित्रों को बदलने में आसानी और गति, स्थायित्व, और उच्च कलात्मक गुणों को प्राप्त करने की क्षमता प्रक्षेपण सजावट को आधुनिक थिएटर के लिए आशाजनक प्रकार की सजावट में से एक बनाती है।

देश का औद्योगीकरण करने, समाजवाद के नियोजित और निर्देशात्मक निर्माण को मजबूत करने और "एनईपी को ख़त्म करने" के लिए एक रास्ता अपनाया गया। 2. सांस्कृतिक नीतिएनईपी के दौरान सोवियत सत्ता। एनईपी 2.1 के वर्षों के दौरान यूएसएसआर में थिएटर व्यवसाय एनईपी के वर्षों के दौरान यूएसएसआर में थिएटर व्यवसाय क्रांति ने रूस की सामाजिक व्यवस्था का पूर्ण संकट और पतन दिखाया। सभी थिएटर - शाही और निजी - को राज्य घोषित कर दिया गया...

इन अवसरों का उपयोग किया गया या नहीं यह काफी हद तक एक वयस्क की रचनात्मक क्षमता पर निर्भर करेगा। अध्याय 2. वरिष्ठ पूर्वस्कूली उम्र के बच्चों की रचनात्मक क्षमताओं को विकसित करने के साधन के रूप में नाटकीय गतिविधियाँ। नाट्य गतिविधियों के आधार पर बच्चों की रचनात्मक क्षमताएँ प्रकट और विकसित होती हैं। यह गतिविधि बच्चे के व्यक्तित्व का विकास करती है, टिकाऊपन पैदा करती है...

यदि हम विभिन्न प्रकार की कलाओं की तुलना करें तो इस पर ध्यान देना चाहिए महत्वपूर्ण बिंदु: चित्रकला, साहित्य, वास्तुकला, मूर्तिकला को दर्शक, पाठक और अन्य विचारशील विषय केवल रचनात्मक प्रक्रिया के परिणामों के अनुसार समझते हैं। यानी पहले कलाकार अपनी रचनात्मक गतिविधि करता है और फिर समय के साथ उसके परिणाम दर्शकों के सामने प्रस्तुत करता है। यहां रचनात्मक प्रक्रिया को, मानो, सार्वजनिक धारणा के दायरे से बाहर रखा गया है और उसका मूल्यांकन नहीं किया गया है। या यों कहें कि रचनात्मक प्रक्रिया, उसके मूल्यांकन, विश्लेषण, प्रेरणा, समाज पर प्रभाव आदि पर विचार करना आलोचकों, कला इतिहासकारों, समाजशास्त्रियों, यानी पेशेवर मूल्यांकनकर्ताओं के संघ का विशेषाधिकार है। कला का प्रत्यक्ष उपभोक्ता रचनात्मकता के परिणाम का उपभोग करने का कार्य करता है, इसके जन्म से जुड़े विवरणों में जाने की तत्काल आवश्यकता का अनुभव किए बिना।

जब उन प्रकार की कलाओं की धारणा की बात आती है जिन्हें प्रदर्शन के रूप में वर्गीकृत किया जाता है तो यह अलग बात है। जैसा कि इस समूह के नाम से ही पता चलता है, रचनात्मक कार्य के परिणामों का दर्शक द्वारा मूल्यांकन सीधे उसके निष्पादन के समय किया जाता है। साथ ही, दर्शक अनजाने में न केवल एक पर्यवेक्षक बन जाता है, बल्कि रचनात्मक प्रक्रिया में एक सहयोगी भी बन जाता है, जिसमें दुनिया को समझने की उसकी लगभग सभी क्षमताएं शामिल होती हैं। इस संबंध में, नाट्य कला अधिकतम संख्या में सूचना चैनलों का उपयोग करती है। जैसा कि आप जानते हैं, बुनियादी प्रतिनिधित्व प्रणाली के प्रकार के अनुसार, लोगों को दृश्य, श्रवण और गतिज शिक्षार्थियों में विभाजित किया जाता है। यदि संगीत या गायन कला केवल अप्रत्यक्ष रूप से दर्शक के दृश्य प्रतिनिधित्व (उसकी कल्पना के माध्यम से) को प्रभावित करती है, तो रंगमंच का प्रभाव प्रत्यक्ष होता है। रंगमंच सक्रिय रूप से सभी तीन प्रकार की धारणाओं को प्रभावित करता है: दृष्टि और श्रवण के अंग दर्शकों को प्रवचन के दृश्य और श्रवण घटकों को समझने की अनुमति देते हैं, और गतिज घटक को सहानुभूति की पहले से उल्लिखित घटना के लिए धन्यवाद माना जा सकता है। यह वह विशेषता है - सूचना चैनलों की अधिकतम संख्या का उपयोग - जो थिएटर को कला के अन्य रूपों की तुलना में दर्शकों को अधिक सक्रिय और प्रभावी ढंग से प्रभावित करने की अनुमति देता है। प्रत्येक प्रकार की कला, अपनी आलंकारिक विशिष्टता के कारण, वस्तुनिष्ठ वास्तविकता के कुछ क्षेत्रों को समझती है, पहले से ही इस परिस्थिति के कारण इसके अपने पैटर्न होते हैं, जो केवल उसी में निहित होते हैं। सबसे पहले, यहां हमें दुनिया के हमारे विशेष कलात्मक पुनर्निर्माण पर ध्यान देना चाहिए, जो केवल इस कला की विशेषता है, जो इसके दृश्य और अभिव्यंजक साधनों की प्रणाली में अंतर्निहित है। संगीत की जो विशेषता है, वह कविता या चित्रकला से समझी जाने वाली विशेषता से भिन्न है। हालाँकि, प्रत्यक्ष प्रतिबिंब में सीमा, हर कला की विशेषता, वास्तव में इसके बहुरूपता, सार की समझ में बदल जाती है।

अभिनेता और दर्शक के बीच बातचीत (सह-निर्माण) की बारीकियों की पहचान करने के लिए, जो विशेष रूप से प्लास्टिक थिएटर की विशेषता है, न केवल सूचना चैनलों के प्रकार, बल्कि दर्शकों की धारणा के क्षेत्र को भी ध्यान में रखना आवश्यक है। उन्हें मुख्य रूप से संबोधित किया जाता है। जैसा कि पहले अध्याय में उल्लेख किया गया है, प्लास्टिक थिएटर के लिए ऐसा विशिष्ट क्षेत्र एक ऐसा क्षेत्र है जिसे अंतरसांस्कृतिक या पूर्वसांस्कृतिक के रूप में वर्णित किया जा सकता है। यह चेतना का क्षेत्र है, जो संपूर्ण मानवता के लिए सामान्य होने के कारण, उस नींव के रूप में कार्य करता है जिस पर सभी राष्ट्रीय, धार्मिक या अन्य मैक्रोसंस्कृति का निर्माण होता है।

पिछली सभी शताब्दियों के रंगमंच की सहज खोजों और खोजों से दर्शकों के मानस को प्रभावित करने का काफी समृद्ध अनुभव एकत्रित हुआ। इसमें विचारोत्तेजक प्रभाव विधियों का उपयोग और इसके मूल घटकों के लिए अपील शामिल है। बीसवीं सदी के मध्य से, मानसिक घटनाओं के अध्ययन, मानस की संरचना और एक आदर्श के रूप में ऐसी अवधारणा के प्रचलन में आने से यह महसूस करना संभव हो गया कि इन खोजों को एक सख्त कार्यप्रणाली की पटरी पर रखा जा सकता है। इसे दर्शनशास्त्र, मनोविज्ञान और सांस्कृतिक अध्ययन में अनुसंधान द्वारा सुविधाजनक बनाया गया था। बीसवीं सदी के अंत से. इन क्षेत्रों को विज्ञान की एक शाखा जैसे न्यूरोलिंग्विस्टिक प्रोग्रामिंग द्वारा पूरक किया गया है। टेरी-ली स्टिल, स्टीवन हेलर, वर्जीनिया सैटिर, बैंडलर, ग्राइंडर और अन्य शोधकर्ताओं के सैद्धांतिक शोध और व्यावहारिक विकास ने थिएटर को प्रेरणा के त्वरित गठन और जो हो रहा है उसके आकलन के स्तर पर जनता की चेतना में हेरफेर करने जैसा एक उपकरण दिया। मंच पर स्पष्ट या परोक्ष रूप में।

प्लास्टिक थिएटर की कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों के बारे में बोलते हुए, निम्नलिखित अत्यंत महत्वपूर्ण बिंदु को ध्यान में रखना आवश्यक है: न तो अभिनेता की आवाज़, न ही उसकी चाल, न ही दृश्यावली, न ही संगीत या प्रकाश संगत की विशिष्ट संपत्ति है प्लास्टिक थियेटर. इन सभी तत्वों का उपयोग अन्य प्रजातियों द्वारा भी किया जाता है। कला प्रदर्शनअलग-अलग डिग्री और अनुपात में। अर्थात् इस सिद्धांत के अनुसार प्लास्टिक थिएटर को एक स्वतंत्र संरचनात्मक इकाई के रूप में अलग करना असंभव है। हालाँकि, निम्नलिखित को ध्यान में रखना आवश्यक है: नाट्य प्रवचन के प्रति दर्शकों की धारणा विभिन्न प्रकार की प्रदर्शन कलाओं में अलग-अलग होती है। और, प्लास्टिक थिएटर की कलात्मक अभिव्यक्ति के साधनों पर विचार करते हुए, संक्षेप में हमें दर्शक और मंच के बीच संचार में अंतर, इसकी विशेषता या किसी अन्य प्रकार की प्रदर्शन कला पर विशेष ध्यान देना चाहिए, इस पर विशेष ध्यान देना चाहिए कि दर्शक के मानस के कौन से क्षेत्र हैं संचारी आदान-प्रदान में शामिल।

जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, प्लास्टिक थिएटर, दर्शक के अवचेतन की ओर मुड़कर हर चीज का उपयोग करता है उपलब्ध कोष. इन साधनों को दो मुख्य परिसरों में विभाजित किया जा सकता है - श्रवण और दृश्य। श्रवण में अभिनेता की आवाज (मात्रा, स्वर, एकरसता, लय आदि के क्षेत्र में उसकी सभी क्षमताओं के साथ), संगीत, प्राकृतिक या कृत्रिम प्रकृति के ध्वनि प्रभाव, दर्शकों को प्रभावित करने की लयबद्ध और ध्वनि विधियां और कुछ अन्य तत्व शामिल हैं जो नीचे चर्चा की जाएगी. दृश्य परिसर में वह सब कुछ शामिल है जो दर्शक देखता है। ये उनकी सभी अभिव्यंजक क्षमता में अभिनेताओं के शरीर, मंच की सजावट का डिज़ाइन, उनका पैमाना, अभिनेताओं और दर्शकों के संबंध में मंच पर स्थान, लय या अराजकता आदि हैं, जो "प्रॉक्सिमिक्स" की अवधारणा में शामिल है। ”। इसके अलावा, दृश्य धारणा के दृष्टिकोण से, मंच स्थान का रंग और प्रकाश समाधान एक महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। इसकी रोशनी, दर्शकों पर संभावित सक्रिय प्रकाश-लयबद्ध प्रभाव और अन्य तकनीकी और डिजाइन पहलुओं का इस बात पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ सकता है कि दर्शक मंच पर होने वाली कार्रवाई को कैसे देखेंगे और यह प्रक्रिया किस स्तर (चेतन या अवचेतन) पर होगी। . प्लास्टिक थिएटर में दृश्य और श्रवण परिसरों के अभिव्यंजक साधनों की बातचीत को जानबूझकर इस तरह से संरचित किया जा सकता है कि दर्शकों और कलाकार दोनों पर एक विचारोत्तेजक प्रभाव पड़े, जो एक श्रृंखला संचयी प्रभाव पैदा कर सकता है। इलेक्ट्रॉनिक्स में एक एनालॉग सकारात्मक प्रतिक्रिया वाले सर्किट में अनुनाद की घटना हो सकती है, जब दो परस्पर जुड़े तत्व, एक साथ एक-दूसरे को प्रभावित करते समय, एक ऐसा प्रभाव उत्पन्न करते हैं जो वे अलग से करने में सक्षम नहीं होते हैं।

मंच कला के अभिव्यंजक साधनों के बारे में बोलते हुए, उस महत्वपूर्ण बिंदु पर ध्यान देना आवश्यक है जो इसे अन्य प्रकारों से अलग करता है: हम इस तथ्य के बारे में बात कर रहे हैं कि दर्शक पर प्रभाव का प्रत्यक्ष कार्यान्वयनकर्ता अभिनेता है, जबकि लेखक और निर्देशक दोनों , मंच डिजाइनर, संगीतकार, और अन्य प्रतिभागी। हालाँकि, दर्शकों का ध्यान मुख्य रूप से अभिनेता की ओर आकर्षित होता है। "अभिनेता" शब्द स्वयं "क्रिया" की अवधारणा पर आधारित है। अर्थात् कर्ता ही कर्ता का सार है। और दर्शक सबसे पहले क्रिया में लीन होता है, यानी उसका ध्यान अभिनेता पर केंद्रित होता है। निस्संदेह, अभिनेताओं के कार्य लेखक की योजना, निर्देशक के विचार और एकल नाट्य प्रक्रिया के कई अन्य घटकों के अधीन होते हैं, इसलिए अभिनेता की अभिव्यक्ति के साधनों का चुनाव उसका एकमात्र निर्णय नहीं है। लेकिन मंचीय क्रिया के बोध के क्षण में इस तथ्य की जागरूकता दर्शक की चेतना की परिधि पर होती है। हालाँकि, इस तथ्य के स्पष्ट रूप से ज्ञात न होने के बावजूद, इससे इनकार नहीं किया जा सकता है कि निर्देशक, कोरियोग्राफर, संगीतकार, कलाकार और रचनात्मक टीम के अन्य सदस्यों के हाथों में अभिव्यक्ति के साधन कम वजन वाले और कम प्रभावशाली होते हैं। अभिनेता के अभिव्यंजक साधन . अर्थात्, दर्शकों पर प्लास्टिक थिएटर के अभिव्यंजक साधनों के प्रभाव की बारीकियों पर विचार करते समय, अभिव्यंजक साधनों के पूरे परिसर पर विचार करना आवश्यक है, भले ही वे अभिनेता के क्षेत्र से संबंधित हों या किसी और के। रचनात्मक समूह.

दर्शक को प्रभावित करने की अभिनेता की क्षमता के बारे में बोलते हुए, हम दो मुख्य क्षेत्रों को अलग कर सकते हैं, जिनमें से एक में शरीर की क्षमताएं और दूसरे में मुखर क्षमताएं शामिल हैं। ये दोनों क्षेत्र, जैसा कि पहले ही उल्लेख किया गया है, एक ओर, समग्र रूप से प्रदर्शन के समीपस्थ घटकों के साथ, और दूसरी ओर, श्रवण घटक से संबंधित प्रदर्शन के सभी तत्वों के साथ प्रतिच्छेद करते हैं। आइए इन दोनों क्षेत्रों पर प्लास्टिक थिएटर और अन्य प्रकार की प्रदर्शन कलाओं में उनकी कार्यप्रणाली की तुलना करने के दृष्टिकोण से विचार करें।

यह स्पष्ट है कि कोई भी मंच कला इशारों के उपयोग के बिना नहीं चल सकती है, हालांकि, विभिन्न प्रकार की कलाओं में मंच से दर्शकों तक अर्थ संचारित करने की प्रक्रिया में इशारों की भूमिका, कार्य और अनुपात काफी भिन्न होता है। मोसेस कगन चेहरे के भावों, शारीरिक गतिविधियों और नज़रों के साथ इशारों को अभिनय का प्राथमिक रूप मानते हैं। शोधकर्ता के अनुसार, यह रूप शिकार की प्रक्रिया में उत्पन्न हुआ था, और ऑर्केस्टिक्स नाम के तहत प्राचीन ग्रीक संस्कृति में संरक्षित किया गया था। विकास की प्रक्रिया में, नृत्य, जिसका एक गैर-आलंकारिक चरित्र है, एक ऐसी समन्वयात्मक कला से उभरा, और दूसरा ध्रुव प्रकृति में शब्द, दृश्य या नकल के बिना अभिनय कला बन गया। "मॉर्फोलॉजी ऑफ़ आर्ट" पुस्तक में वे लिखते हैं: " कलात्मक भाषायह कला मानव व्यवहार के वास्तविक रूपों, उसकी रोजमर्रा की हरकतों, हावभावों, चेहरे के भावों के पुनरुत्पादन पर आधारित है, यानी इसमें एक सचित्र चरित्र है।" गॉर्डन क्रेग भी यही स्थिति रखते हैं: "थिएटर की कला क्रिया से उत्पन्न हुई - गति - नृत्य... नाटक पढ़ने के लिए नहीं, बल्कि मंच पर देखने के लिए होता है, इसलिए इसमें इशारों की आवश्यकता होती है... नाटककारों के पूर्वज एक नर्तक थे... पहले नाटककार ने कुछ ऐसी बात समझी थी जो आधुनिक लोग अभी तक नहीं समझ पाए हैं। वह जानते थे कि अगर वह और उनके साथी जनता के सामने बोलेंगे, तो दर्शक जो कहा जा रहा है उसे सुनने की बजाय यह देखने के लिए अधिक उत्सुक होंगे कि क्या किया जा रहा है। वह जानते थे कि आंखें अन्य इंद्रियों की तुलना में दृश्य की ओर अधिक तेज़ी से और शक्तिशाली रूप से आकर्षित होती हैं, दृष्टि निस्संदेह मानव शरीर में सबसे तीव्र इंद्रिय है।"

बैले, पैंटोमाइम और प्लास्टिक थिएटर हावभाव (शरीर की गति) के आधार पर बनाए जाते हैं। और नाटक और ओपेरा, स्थानिक कलाओं के रूप में जिसमें अभिनेता भाग लेते हैं, इशारे के बिना भी नहीं चल सकते। यहां तक ​​कि संगीत प्रदर्शन कलाओं में भी, कलाकार की गतिविधियों का दर्शकों की धारणा पर प्रभाव पड़ता है: यह अकारण नहीं है कि संगीतकार दर्शकों के सामने हैं और कॉन्सर्ट हॉल में सबसे प्रतिष्ठित स्थान वे हैं जहां से दर्शक स्पष्ट रूप से देख सकते हैं कि कैसे संगीतकार बजाता है. हालाँकि, इशारे स्वयं, उनका उद्देश्य, और जिस तरह से उन्हें दर्शक द्वारा पढ़ा और समझा जाता है, वे समान नहीं हैं। इन सभी प्रकार की कलाओं में जो समानता है वह यह है कि हावभाव ऐसी जानकारी रखता है जो किसी न किसी तरह से कार्य की कथात्मक रूपरेखा से संबंधित होती है। भले ही अभिनेता शब्दों का उच्चारण करता हो या नहीं, "... एक इशारा एक रहस्य को उजागर करता है, अंतरतम विचारों को प्रकट करता है... मनोविश्लेषक बातचीत के दौरान अपने रोगियों का अवलोकन करके उनकी गलतियों को प्रकट करते हैं... एक इशारे में कुछ बनाने का गुण होता है रहस्य स्पष्ट है।” हावभाव का यह कार्य किसी भी प्रकार की प्रदर्शन कला में सामान्य है। हालाँकि, मतभेद हैं और उनमें से बहुत सारे हैं। यदि नाटक में एक इशारा आवश्यक रूप से बोले गए (या उच्चारित किए जाने वाले) शब्द के साथ जुड़ा हुआ है, तो गैर-मौखिक कलाओं में - बैले और पैंटोमाइम - अभिनेता के शरीर की हरकतें अपने आप में मूल्यवान हैं, क्योंकि वे शब्द द्वारा समर्थित नहीं हैं और इसके साथ उनका कोई रिश्ता नहीं है. प्लास्टिक थिएटर में, एक इशारा कभी-कभी बोले गए शब्द के साथ किसी प्रकार के विरोध में हो सकता है, लेकिन इसका वजन बहुत अधिक होता है। "यदि आप नाटकीय प्रदर्शन को अभिव्यक्ति के मुख्य उपकरणों में से एक शब्द से वंचित करते हैं, तो यह स्पष्ट है कि इसे किसी ऐसी चीज़ से प्रतिस्थापित किया जाना चाहिए जो इसे अर्थ के वाहक के रूप में प्रतिस्थापित कर सके, जो प्रदर्शन की शैली में निर्णायक बन जाएगा 20वीं शताब्दी के प्रयोगकर्ताओं ने बहुत ही समतुल्य पाया कि "शब्दार्थ समृद्धि की डिग्री न केवल शब्द से नीच थी, बल्कि कभी-कभी उससे भी आगे निकल जाती थी। यह घटक अभिनेता की प्लास्टिसिटी बन गया, और थिएटर ने इसे मुख्य के रूप में उपयोग किया दृश्य का अर्थ है, अंततः सदी के उत्तरार्ध में इसका अंतिम नाम प्लास्टिक थिएटर प्राप्त हुआ।"

जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, बीसवीं सदी की शुरुआत प्रदर्शन कला के सभी क्षेत्रों में कलात्मक अभिव्यक्ति के नए साधनों की खोज की विशेषता थी। नाटक के क्षेत्र में, इस अर्थ में सबसे प्रमुख व्यक्ति मेयरहोल्ड, फ़ोकिन, ताईरोव और एम. चेखव थे। उत्तरार्द्ध की उत्कृष्ट योग्यता मनोवैज्ञानिक हावभाव के सिद्धांत का उनका विकास है (यहां हम पैंटोमाइम में शैलीकरण की अवधारणा के साथ कुछ समानताएं देखते हैं, जिस पर हम नीचे विचार करेंगे)। चेखव ने मनोवैज्ञानिक इशारे को एक इशारे का आदर्श अवतार कहा जो आत्मा में मौजूद एक या दूसरे राज्य को दर्शाता है... उन्होंने प्राकृतिक इशारे से इसका अंतर इस तथ्य में देखा कि लोग इसे भौतिक क्षेत्र में नहीं, बल्कि मानसिक रूप से करते हैं , आदर्श। इसलिए, एक "मनोवैज्ञानिक" इशारा, या एक सरल, रोजमर्रा के इशारे का एक आदर्श प्रोटोटाइप, शारीरिक इशारों में निहित व्यक्तिगत मतभेदों से रहित है, और सामान्य से विशेष के रूप में एक प्राकृतिक इशारे से संबंधित है। एक अभिनेता के लिए मनोवैज्ञानिक हावभाव में महारत हासिल करने के लिए जिमनास्टिक, नृत्य, तलवारबाजी आदि के माध्यम से शरीर का विकास करना पर्याप्त नहीं है। मनोशारीरिक व्यायाम करना आवश्यक है, जब हमारा तात्पर्य प्रत्येक शारीरिक व्यायाम के मनोवैज्ञानिक पहलू से है, यानी शरीर की एक प्रकार की पूर्ति। चेखव ने इशारों का एक वर्गीकरण बनाया: उनकी राय में, खोलने, प्रतिकर्षण, संपीड़न और समापन के इशारे हैं। उनमें से प्रत्येक का अपना वर्गीकरण है। हालाँकि चेखव एक महान व्यावहारिक अभिनेता थे, उनका सिद्धांत न केवल उनके अपने अभिनय अनुभव पर आधारित है। उनके शिक्षकों में से एक रुडोल्फ स्टीनर थे, जो रूसी सांस्कृतिक हस्तियों के बीच बेहद लोकप्रिय थे। यह स्टीनर से था कि चेखव को उनकी सहज भावनाओं की पुष्टि मिली, विशेष रूप से, अभिनेता की प्लास्टिसिटी के बारे में उनके विचार, जिसमें रुचि चेखव के कलात्मक विश्वदृष्टि का एक कार्बनिक अवतार थी।

बीसवीं शताब्दी के पूर्वार्द्ध में, एंटोनिन आर्टौड ने अभिनेता की शारीरिक अभिव्यक्ति के संबंध में अपनी स्थिति घोषित की: "मुद्दा संकेतों के आधार पर एक नई भौतिक भाषा खोजने का है, शब्दों पर नहीं।" और बीसवीं सदी के उत्तरार्ध में, जेरज़ी ग्रोटोव्स्की, जिन्होंने अभिनेता की प्लास्टिक संस्कृति पर बहुत ध्यान दिया, ने हावभाव के लिए, अभिनेता के आंदोलन के लिए, उसके शरीर के काम के लिए स्पष्ट रूप से उन आवश्यकताओं को तैयार किया, जो बिल्कुल हैं प्लास्टिक थिएटर के लिए आवश्यक. उनका मानना ​​था कि एक अभिनेता की कला में महारत हासिल करने के लिए, एक नाटकीय स्कोर के रूपिमों की तलाश करना आवश्यक है (जैसे नोट्स एक संगीत स्कोर के रूपिम के रूप में काम करते हैं)। इसके अलावा, उनकी राय में, ऐसे रूपिम, बाहरी इशारे या मुखर नोट नहीं हैं, बल्कि कुछ और है जो गहरा है और चेतना या तर्क पर आधारित नहीं है। अपने काम "थिएटर एंड रिचुअल" में वे लिखते हैं: "हम मानते हैं कि मर्फीम शरीर की गहराई से बाहर की ओर उठने वाले आवेग हैं... हम यहां एक निश्चित क्षेत्र के बारे में बात कर रहे हैं, जो एक छिपे हुए आंतरिक विचार के अनुरूप है , मैं एक छिपे हुए आंतरिक अस्तित्व के रूप में परिभाषित करूंगा, कुछ ऐसा जो शरीर की आंतरिक गहराई और आत्मा की गहराई के सभी प्रेरक उद्देश्यों को समाहित करता है... एक आवेग है जो "बाहर की ओर" प्रयास करता है, और एक इशारा केवल उसका है पूर्णता, अंतिम बिंदु।" और उनका कथन भी: "अभिनेता को अब आत्मा की गति को दर्शाने के लिए अपने शरीर का उपयोग नहीं करना चाहिए; उसे इस गति को अपने शरीर की मदद से करना चाहिए।"

इस प्रकार, हम देखते हैं कि नाटकीय और प्लास्टिक थिएटर में एक इशारे की भूमिका और दर्शकों पर इसके प्रभाव के तरीकों की तुलना करते समय, हम सबसे पहले दो मुख्य अंतरों को उजागर कर सकते हैं: अर्थ सामग्री में और कामकाज में, क्षेत्र के संबंध में। जिस चेतना को यह संबोधित है।

यदि हम पैंटोमाइम और प्लास्टिक थिएटर में इशारे की तुलना करते हैं, तो यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि दोनों में (और बैले में) इशारे के प्रकार का उपयोग किया जाता है जिसके बारे में आई. रटबर्ग लिखते हैं: "... सबसे व्यापक प्रकार का इशारा -संकेत प्रत्यक्ष से पैदा हुआ एक इशारा है, यह क्षण एक भावनात्मक संदेश से पैदा होता है: "...यह दिलचस्प इशारा नहीं है जिसके साथ एक व्यक्ति दिखाता है कि वह सोना चाहता है, बल्कि वह है जो उसकी उनींदापन को दर्शाता है।" मूकाभिनय की मुख्य सामग्री हैं, माइम नाटक की सबसे महत्वपूर्ण सामग्री हैं, इसलिए सीधे तौर पर किसी व्यक्ति के व्यक्तित्व की विशेषता होती है"।

पैंटोमाइम और मिमोड्रामा के बीच अंतर पर जोर देते हुए, जो अनिवार्य रूप से प्लास्टिक थिएटर के सबसे करीब है, रटबर्ग, हावभाव की समान भूमिका पर ध्यान देते हैं, जो दोनों दिशाओं में निहित है। क्या फर्क पड़ता है? विदेशी शब्दों का शब्दकोश पैंटोमाइम की निम्नलिखित परिभाषा देता है: "पैंटोमाइम एक प्रकार की मंच कला है जिसमें सामग्री को व्यक्त करने और एक कलात्मक छवि बनाने के लिए प्लास्टिक रूप से अभिव्यंजक शारीरिक आंदोलनों, इशारों, चेहरे के भावों का उपयोग किया जाता है; कभी-कभी संगीत, लयबद्ध संगत के साथ, वगैरह।" जैसा कि आप जानते हैं, मूकाभिनय में शब्द को अभिनय अभिव्यक्ति के साधनों से बाहर रखा जाता है, इसलिए हावभाव को इसे पूरी तरह से प्रतिस्थापित करना होगा। प्लास्टिक थिएटर, हालांकि कला का एक स्पष्ट रूप से गैर-मौखिक रूप नहीं है, इसमें शब्दों का उपयोग भी शामिल है, जिसके साथ इशारा बातचीत करता है और इसे पूरक करता है। इसके अलावा, जैसा कि पहले अध्याय में पहले ही दिखाया जा चुका है, मूकाभिनय में हावभाव अधिक विचारोत्तेजक, स्पष्ट रूप से पठनीय होता है और दर्शकों में माइम अभिनेता द्वारा मंच पर बनाई गई वस्तुनिष्ठ दुनिया का भ्रम पैदा करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। यानी यह प्लास्टिक थिएटर की तुलना में तार्किक धारणा पर अधिक केंद्रित है। मूकाभिनय और प्लास्टिक थिएटर में एक भाव-भंगिमा के बीच एक महत्वपूर्ण अंतर है, जो यह है कि डेक्रॉक्स, बराल्ट और मार्सेउ के मूकाभिनय में भाव-भंगिमा का स्पष्ट रूप से अभ्यास किया जाता है और याद किया जाता है। हालाँकि, इसका मतलब यह नहीं समझा जाना चाहिए कि मूकाभिनय में इशारा फार्मूलाबद्ध है। मार्सेल मार्सेउ के अनुसार, "यह सब शैलीकरण के बारे में है, एक शैली के निर्माण के बारे में है। जीवन को जानने का दावा करने वाली अकादमिक कला की तुलना में वास्तविक शैलीकरण जीवन की तुलना में किसी घटना के सार को अधिक गहराई से व्यक्त करता है।" लेकिन मूकाभिनय में अंतर्निहित शैलीकरण में सहजता के तत्व का काफी हद तक अभाव है। शैलीकरण की अवधारणा में एक स्पष्ट रूप से निश्चित रूप शामिल है जिसमें माइम अभिनेता की गतिविधियों को ढाला जाता है, जिसके पीछे विभिन्न प्रकार की प्रेरणाएँ होती हैं। जीन-लुई बैरॉल्ट ने एटिने डेक्रोक्स के साथ मिलकर शैलीकरण के लिए अपनी खोज का वर्णन किया: "मैंने सुधार किया, और उन्होंने चयन किया, वर्गीकृत किया, याद किया, बह गए। और हम सभी ने फिर से शुरुआत की। इसलिए हमें मौके पर ही प्रसिद्ध कदम की गणना करने में तीन सप्ताह लग गए: संतुलन की हानि, प्रतिसंतुलन, साँस लेना, ऊर्जा को अलग करना।"

जैसा कि पहले अध्याय में पहले ही उल्लेख किया गया है, इल्या रटबर्ग निम्नलिखित कानूनों का हवाला देते हैं जिनके द्वारा पैंटोमाइम में गति का निर्माण होता है:

· पैंटोमाइम सामग्री के अधिकतम सामान्यीकरण के लिए प्रयास करता है।

· इस तरह का सामान्यीकरण वास्तविक जीवन से लिए गए और जीवन के अनुभव से पहचाने जाने योग्य आंदोलन के रूप की शैलीकरण के माध्यम से प्राप्त किया जाता है।

· शैलीकरण के तरीके, सबसे पहले, प्रत्येक आंदोलन की अत्यंत समीचीनता और सटीकता में खोजे जाने चाहिए।

अभिनेता की प्लास्टिक अभिव्यंजना की खोज में ग्रोटोव्स्की ने भी शुरू में इसी रास्ते का अनुसरण किया था, लेकिन शास्त्रीय मूकाभिनय की विशेषता वाली यह शैली ही उन्हें रास नहीं आई। वह शारीरिक अभिव्यक्ति पर एक माइम अभिनेता और एक प्लास्टिक थिएटर अभिनेता के काम के बीच अंतर को स्पष्ट रूप से रेखांकित करते हैं: "शुरुआत में, जब, डेल्सर्ट के प्रभाव में, हम तथाकथित प्लास्टिक अभ्यास में लगे हुए थे, हम एक साधन की तलाश में थे हम से दूसरों तक और दूसरों से हम तक आने वाली प्रतिक्रियाओं में अंतर करना। इससे कोई महत्वपूर्ण परिणाम नहीं मिला। अंत में, डेल्सर्ट, डेलक्रोज़ और अन्य की प्रसिद्ध प्रणालियों के अनुसार विभिन्न प्लास्टिक अभ्यासों के अनुभव से गुज़रने के बाद, हमने, कदम दर कदम आगे बढ़ते हुए, अपने लिए एक प्रकार के तथाकथित प्लास्टिक अभ्यास की खोज की कॉनियक्टिको ऑपोसिटोरियम(विरोधाभास का संयुग्मन - अव्य.) संरचना और सहजता के बीच। यहां शरीर की गतिविधियों का विवरण दर्ज किया जाता है जिसे रूप कहा जा सकता है। पहला बिंदु एक निश्चित संख्या में भागों को सुरक्षित करना और उनकी सटीकता प्राप्त करना है। फिर व्यक्तिगत आवेगों को ढूंढें जो इन विवरणों में सन्निहित हो सकते हैं और, सन्निहित होकर, उन्हें बदल सकते हैं। बदलें, लेकिन नष्ट न करें।" शास्त्रीय मूकाभिनय और प्लास्टिक थिएटर में हावभाव के बीच यही मुख्य अंतर है।

प्लास्टिक थिएटर, पैंटोमाइम के विपरीत, जानबूझकर कुछ कठोर निश्चित शैली की अस्वीकृति की घोषणा करता है। प्लास्टिक थिएटर और नाटकीय थिएटर के बीच के अंतर में भी ऐसा ही अंतर देखा जा सकता है। नाटक, भौतिक अभिव्यक्ति के अपने साधनों में, किसी एक शैली से कहीं अधिक मजबूती से बंधा हुआ है। कुछ शोधकर्ताओं का प्लास्टिक थिएटर की इस विशेषता के प्रति तीव्र नकारात्मक रवैया है। "प्लास्टिक की जानबूझकर, जोर दी गई पारंपरिकता का अर्थ है, किसी विशिष्ट शैली के किसी भी संकेत से रहित या, इसके विपरीत, सभी संभावित शैलियों के मिश्रण का संकेत युक्त, स्वतंत्र कलात्मक मूल्य "एंटी-स्टाइल" होने का दावा करना, यानी शैली के रूप में शैलीगत निश्चितता का अभाव। शैलीकरण का यह सिद्धांत अवंत-गार्डे थिएटर की कई दिशाओं की विशेषता है, जिसमें इसकी वे किस्में भी शामिल हैं जो खुद को "प्लास्टिक" कहती हैं। वास्तव में, अक्सर स्कूल की कमी, अभिनय कौशल का उचित स्तर और कोई भी समझदार दिशा छद्म-अवंत-गार्डे की सट्टा अभिव्यक्तियों से ढकी हुई है। अभिनेता की आंतरिक और बाहरी तकनीक की सामंजस्यपूर्ण एकता रचनात्मक प्रक्रिया का आधार है। "हम प्लास्टिक रूप से अभिव्यंजक अभिनेता को केवल वही कहेंगे जो प्राकृतिक क्षमताओं और तकनीक का उपयोग करना जानता है भूमिका के सार को सबसे स्पष्ट रूप से प्रकट करने के लिए प्रशिक्षण के परिणामस्वरूप प्राप्त किया गया... हम यह नहीं कहते हैं: "देखो अभिनेता कितना अच्छा खेलता है, लेकिन खराब तरीके से चलता है।" यदि वह अच्छी तरह से नहीं चलता है, तो संभवतः वह अपनी भूमिका अच्छी तरह से नहीं निभा रहा है। इसी तरह, हम यह नहीं कह सकते: "देखो अभिनेता कितना खराब अभिनय करता है, लेकिन अच्छी तरह से चलता है," क्योंकि इस मामले में अभिनेता की प्लास्टिसिटी स्पष्ट रूप से भूमिका से बिल्कुल असंबंधित है।

हालाँकि, किसी एक शैली के प्रति सख्त लगाव का अभाव अव्यवसायिकता या तकनीकी तैयारी की अभिव्यक्ति नहीं है, बल्कि अभिनय अभिव्यक्ति के उन कठोर निश्चित साधनों के ढांचे से बाहर निकलने का प्रयास है जो अन्य रूपों द्वारा पैदा हुए और पूर्णता में लाए गए। कला। पैंटोमाइम की शैलीगत तकनीक, नाटकीय थिएटर या बैले नृत्य की अभिनय तकनीक, जो संबंधित प्रकार की कला में अभिनय तकनीक का आधार हैं, प्लास्टिक थिएटर के एक अभिनेता के लिए केवल वे चरण हैं, जिनसे शुरू होकर वह संचार के अपने विशिष्ट तरीके का निर्माण करता है। दर्शकों के साथ. और विभिन्न कार्यों में, विभिन्न रचनाकार इस तरीके के आधार के रूप में विभिन्न तकनीकों को लेते हैं, उन्हें जोड़ते हैं, कुछ नया संश्लेषित करते हैं, और किसी के द्वारा पहले से ही हासिल की गई ऊंचाइयों पर महारत हासिल करने की बिल्कुल भी कोशिश नहीं करते हैं। ग्रोटोव्स्की या कार्मेलो बेने के लिए, एक नाटकीय अभिनेता के कौशल को आधार के रूप में लिया गया था, मैकेविसियस ने मुख्य रूप से पैंटोमाइम पर भरोसा किया था, और पिना बॉश और अल्ला सिगलोवा ने नृत्य पर भरोसा किया था। इसीलिए प्लास्टिक थिएटर और उन प्रकार की कलाओं के बीच एक स्पष्ट रेखा खींचना हमेशा संभव नहीं होता है जिन्हें प्रत्येक विशिष्ट मामले में शुरुआती बिंदु के रूप में लिया जाता है।

नृत्य और प्लास्टिक थिएटर में अभिनेता के आंदोलन के कार्यों और पूर्णता की तुलना करते समय, कई बिंदुओं पर ध्यान देना आवश्यक है। सबसे पहले, नृत्य में, प्लास्टिक थिएटर के विपरीत, अर्थ-निर्माण घटक के रूप में संगीत की भूमिका बहुत अधिक महत्वपूर्ण है। इसके आधार पर, संगीत और गति के बीच का संबंध इन दोनों दिशाओं में अलग-अलग तरीकों से बनता है। नृत्य में, प्लास्टिक थिएटर के विपरीत, गति और संगीत के बीच लगभग हमेशा बहुत सख्त संबंध होता है। इसके अलावा, यह सहसंबंध लगभग हमेशा एकतरफा होता है, इसलिए हम अनिवार्य रूप से संगीत संगत पर आंदोलन की निर्भरता के बारे में बात कर रहे हैं। जैसा कि ऊपर उल्लेख किया गया है, संगीत और नृत्य (एक अभिनेता के आंदोलनों के अनुक्रम के रूप में) दोनों में बहुत समान विशेषताएं हैं - लय, गतिशीलता, आयाम, रचना, सद्भाव या असंगति, पैटर्न, विसंगति या निरंतरता, आदि। और लगभग हमेशा नृत्य में, नर्तक की गति की विशेषताएं संगीत की संबंधित विशेषताओं के अधीन होती हैं। अपवाद वे मामले हैं जब संगीत और आंदोलन किसी दी गई विशेषता के अनुसार एक दूसरे के विपरीत होते हैं (उदाहरण के लिए, एक हास्य प्रभाव पैदा करने के लिए)। इसके अलावा, यदि हम शास्त्रीय बैले जैसे नृत्य के एक रूप पर विचार करते हैं, तो हम "शब्द" लागू करते हैं। संगीत संगत"आम तौर पर अनधिकृत है, क्योंकि पहले संगीतकार संगीत लिखता है और उसके बाद ही कोरियोग्राफर नर्तकों के संपूर्ण आंदोलन पैटर्न का निर्माण करता है, जो संगीत में अंतर्निहित विचार को यथासंभव स्पष्ट और दर्शकों के लिए सुलभ बनाता है। यह याद रखना चाहिए कि यह प्रक्रिया उस परंपरा के काफी सख्त ढांचे के भीतर की जाती है जो बैले की कला के विकास और गठन के सदियों से विकसित हुई है और उन कोडिंग नियमों के अधीन है जो कोरियोग्राफर और संगीतकार दोनों के संयुक्त प्रयासों से विकसित किए गए थे। यानी, में बैले की कला, नर्तक की गति संगीत के माध्यम से अप्रत्यक्ष रूप से कथानक से जुड़ी होती है। उन रूपों में नृत्य कला, जहां नृत्य की कथानक या शब्दार्थ सामग्री अनुपस्थित है या कोई महत्वपूर्ण भूमिका नहीं निभाती है, आंदोलन की प्रकृति अभी भी संगीत की प्रकृति से सख्ती से जुड़ी हुई है। हालाँकि, प्लास्टिक थिएटर में, प्राथमिकताएँ बिल्कुल विपरीत हैं: मुख्य अर्थ-निर्माण तत्व आंदोलन है। यह कहना अतिश्योक्ति होगी कि यहां संगीत केवल एक सेवा या सहायक कार्य करता है, लेकिन अब यह प्रमुख भूमिका नहीं निभाता है। प्लास्टिक थिएटर में, अभिनेताओं की गतिविधियों की विशेषताएं सामने आती हैं, और संगीत को भूमिका या संपूर्ण प्रदर्शन के आंदोलन पैटर्न के अनुसार चुना या लिखा जाता है।

नृत्य और प्लास्टिक थिएटर में हावभाव का सौंदर्यशास्त्र भी अलग-अलग तरीकों से बनता है: पारंपरिक रूप से कोरियोग्राफी से संरचित आंदोलन "सौंदर्य" की इच्छा से प्रतिष्ठित होता है। यह काफी हद तक संगीत पर उपर्युक्त निर्भरता द्वारा समझाया गया है। नृत्य सौंदर्यशास्त्र के दृष्टिकोण से, यदि स्थिति की आवश्यकता हो, तो प्लास्टिक थिएटर में हावभाव और गति अनैच्छिक या यहां तक ​​कि सौंदर्य-विरोधी भी हो सकती है। "किसी व्यक्ति के अचेतन में प्रवेश करने की इच्छा, उसके कार्यों को नियंत्रित करने वाली तर्कहीन ताकतों में रुचि, अभिव्यक्तिवादी नृत्य के उत्कृष्ट नर्तक, वॉन लाबान की छात्रा, मैरी विगमैन (1886 - 1973) के लिए सुंदर आंदोलनों, रुचि की अस्वीकृति का मतलब है बदसूरत और डरावने में। उनकी नृत्य शैली (लगातार जमीन पर गिरना, घुटने टेकना, बैठना, रेंगना, ऐंठन भरी हरकतें, कंपकंपी) ने मंच पर एक नए प्रकार की प्लास्टिसिटी की गवाही दी। शब्दों में शैलीबद्ध, सामंजस्यपूर्ण चालें नहीं, बल्कि सुझाई गई हरकतें मिखाइल यमपोलस्की (जो "द डेमन एंड द लेबिरिंथ" पुस्तक के एक अध्याय में चेहरे के भावों की मूल बातें और सामान्य रूप से अभिव्यक्तिवादी रंगमंच की प्लास्टिसिटी के बारे में बात करते हैं) "हिस्टेरिकल महिला" की अकार्बनिक भौतिकता के साथ। इस भेद का आधार यह तथ्य है कि नृत्य की कला स्वाद के सौंदर्यपरक निर्णय की मानवीय क्षमता को संबोधित करती है, जो सामाजिक परिवेश में और कुछ सांस्कृतिक प्रतिमान के अनुसार बनती है। और प्लास्टिक थिएटर, प्लास्टिक थिएटर, चेतना की गहरी संरचनाओं में बदल जाता है, जिसके लिए हावभाव की सुंदरता और सद्भाव पृष्ठभूमि में फीका पड़ जाता है, और मुख्य बात पूर्व-सांस्कृतिक के कुछ क्षेत्रों को सक्रिय रूप से और सटीक रूप से प्रभावित करने के लिए इशारे की क्षमता है। दर्शक का मानस. इस वजह से, प्लास्टिक थिएटर में एक इशारा चुनते समय, मुख्य मानदंड इसकी कार्यक्षमता और अर्थपूर्ण सामग्री है, जो इसकी "सुंदरता" या "कुरूपता" की डिग्री को काफी सख्ती से निर्धारित कर सकता है।

नृत्य और प्लास्टिक थिएटर में हावभाव की धारणा में एक और महत्वपूर्ण अंतर यह है कि प्लास्टिक थिएटर प्रदर्शन में पैमाना हमेशा केवल संगीत का नहीं होता है। ये रोजमर्रा की ध्वनियाँ या उनके संयोजन हो सकते हैं; प्रदर्शन के दौरान कलाकारों द्वारा स्वयं ध्वनि संगत प्रदान की गई, लेकिन शब्द के पारंपरिक अर्थ में संगीत नहीं; ऐसी ध्वनियाँ जिनका वास्तविक जीवन में कोई एनालॉग नहीं है, आधुनिक इलेक्ट्रॉनिक तकनीक का उपयोग करके संश्लेषित की गई हैं (नीचे हम प्लास्टिक थिएटर में इन तत्वों के कार्यात्मक महत्व पर अधिक विस्तार से ध्यान देंगे)। इस संबंध में, प्लास्टिक थिएटर में संगीत या अन्य ध्वनि के साथ अभिनेताओं के आंदोलन की बातचीत को दर्शकों द्वारा अन्योन्याश्रित चीज़ के रूप में नहीं, बल्कि दो समानांतर घटनाओं के अस्तित्व के रूप में माना जा सकता है। इसके अलावा, वीडियो अनुक्रम और ऑडियो अनुक्रम या तो एक-दूसरे पर जोर दे सकते हैं या विरोध में मौजूद हो सकते हैं। कुछ ध्वनियों के साथ गति का संयोजन जो संगीत नहीं है, नए अर्थों को जन्म दे सकता है जो सीधे तौर पर न तो गति में या ध्वनि संगत में निहित होते हैं। यह एक और विशेषता है जो नृत्य और प्लास्टिक थिएटर में अभिनेताओं की गतिविधियों की धारणा को अलग करती है।

दिए गए सभी तथ्य मंच पर अभिनेताओं की गतिविधियों से संबंधित हैं। हालाँकि, प्लास्टिक थिएटर, इस तथ्य के कारण कि यह मूल रूप से गैर-मौखिक नहीं है, आवाज के साथ भी काम कर सकता है अशाब्दिक रूपऔर एक शब्द में. और यहां प्लास्टिक थिएटर और नाटक (या ओपेरा) में अभिनेता की आवाज़ को कैसे समझा जाता है, इसके बीच एक महत्वपूर्ण अंतर का पता लगाया जा सकता है। सबसे पहले, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि शब्द, जो प्लास्टिक थिएटर में प्रमुख भूमिका नहीं निभाता है, अक्सर केवल एक सहायक कार्य करता है। इंटोनेशन, बोले गए पाठ का भावनात्मक रंग, इसकी मौखिक और कथा सामग्री से कहीं अधिक महत्वपूर्ण है। इस कारण से, चीख, कराह, घरघराहट या अभिनेताओं की अन्य ध्वनियाँ जो स्पष्ट भाषण नहीं हैं, स्पष्ट रूप से समझे गए पाठ की तुलना में मंच योजना की प्राप्ति में बहुत अधिक योगदान दे सकती हैं। इस दिशा में जागरूक कार्य बॉब विल्सन द्वारा किया गया, जिन्होंने अपनी प्रस्तुतियों में "... शब्द को पूरी तरह से त्याग नहीं दिया। अक्सर यह लगता है और मौजूद है, कुछ ध्वनिक सामग्री में परिवर्तित हो जाता है और "अर्थ के बोझिल बोझ" से रहित होता है। विल्सन की पसंदीदा तकनीक भाषण को छोटा करना है, पाठ को वाक्यांशों, वाक्यांशों में कम करना, जुनूनी रूप से दोहराया जाना, और फिर एक शब्द में कटौती करना, एक शब्द - एक ध्वनि, एक सिसकना, एक फुसफुसाहट, एक सरसराहट में... उन्हें, बार-बार बढ़ाया और पुन: प्रस्तुत किया जाता है अंतरिक्ष में विभिन्न बिंदुओं पर, शब्दों के साथ, प्रदर्शन का स्कोर बनता है।"

बीसवीं सदी की एक महत्वपूर्ण प्रवृत्ति यह थी कि आवाज़ के साथ गति के संयोजन के क्षेत्र में खोज स्वयं नर्तकों और कोरियोग्राफरों द्वारा की गई थी। बैले "फ्लेम्स ऑफ पेरिस" में नर्तक "ला मार्सिलेज़" गाते हैं। बैले "कोर्सेर" में ल्यूबोव वासिलिवेना गेल्टसेर "... एक आदमी के सूट में दिखाई दीं, जो कोर्सेर की कठोर चाल का चित्रण कर रही थी। उसने अपनी मूंछें घुमाईं, मस्टर सिग्नल को उड़ा दिया और अचानक पूरी तरह से समुद्री डाकू की तरह चिल्लाया: "सवार!" यह इतना स्वाभाविक रूप से सामने आया कि दर्शकों ने "गेलज़र" शब्द को स्वीकार कर लिया। वैसे, आज माया प्लिस्त्स्काया यह तर्क देने के लिए इच्छुक है कि भविष्य में बैले शब्द और नृत्य का संश्लेषण बन जाएगा। पिना बॉश के नृत्य थिएटर कलाकार केवल मंच से बोलते नहीं हैं, वे दर्शकों को संवाद में संलग्न करते हैं। ऐसे कई उदाहरण हैं जिन्हें उद्धृत किया जा सकता है, जो एक बार फिर व्यक्तिगत प्रकार की प्रदर्शन कलाओं के बीच की सीमाओं को सचेत रूप से धुंधला करने की प्रवृत्ति की बात करता है।

इस खंड को सारांशित करते हुए, हम निम्नलिखित को संक्षेप में प्रस्तुत कर सकते हैं: यह तर्क नहीं दिया जा सकता है कि प्लास्टिक थिएटर के अभिव्यंजक साधनों का सेट नाटक, मूकाभिनय या नृत्य के समान सेटों से किसी भी महत्वपूर्ण सीमा तक भिन्न है। हालाँकि, जो बुनियादी रूप से महत्वपूर्ण है वह यह है कि दर्शकों पर इन साधनों का प्रभाव अलग-अलग तरह से होता है, क्योंकि उनका प्रारंभिक ध्यान दर्शकों की धारणा के अन्य क्षेत्रों पर होता है।

क्रीमिया स्वायत्त गणराज्य के शिक्षा मंत्रालय
क्रीमिया राज्य इंजीनियरिंग और शैक्षणिक विश्वविद्यालय
मनोवैज्ञानिक और शैक्षणिक संकाय
प्राथमिक शिक्षा पद्धति विभाग
परीक्षा
/>अनुशासन से
शिक्षण विधियों के साथ कोरियोग्राफिक, मंच और स्क्रीन कला
विषय
नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन
छात्र मिकुलस्काइट एस.आई.
सिम्फ़रोपोल
2007-2008 शैक्षणिक वर्ष वर्ष।

योजना

2. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के मूल साधन
सजावट
रंगमंच की पोशाक
शोर डिज़ाइन
मंच पर प्रकाश
स्टेज प्रभाव
पूरा करना
नकाब
साहित्य

1. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन के रूप में सजावटी कला की अवधारणा
नाट्य कला में सेट कला अभिव्यक्ति के सबसे महत्वपूर्ण साधनों में से एक है; यह दृश्यों और वेशभूषा, प्रकाश व्यवस्था और मंचन तकनीकों के माध्यम से प्रदर्शन की एक दृश्य छवि बनाने की कला है। प्रभाव के ये सभी दृश्य साधन एक नाटकीय प्रदर्शन के जैविक घटक हैं, इसकी सामग्री के प्रकटीकरण में योगदान करते हैं और इसे एक निश्चित भावनात्मक ध्वनि देते हैं। सजावटी कला का विकास थिएटर और नाटक के विकास से निकटता से संबंधित है।
सबसे प्राचीन लोक अनुष्ठानों और खेलों में सजावटी कला (पोशाक, मुखौटे, सजावटी पर्दे) के तत्व शामिल थे। प्राचीन यूनानी रंगमंच में पहले से ही 5वीं शताब्दी में। ईसा पूर्व ई., दृश्य निर्माण के अलावा, जो अभिनय के लिए एक वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि के रूप में कार्य करता था, त्रि-आयामी सजावटें थीं, और फिर सुरम्य सजावटें पेश की गईं। ग्रीक सजावटी कला के सिद्धांतों को प्राचीन रोम के थिएटर द्वारा अपनाया गया था, जहां सबसे पहले पर्दे का प्रयोग किया गया।
मध्य युग के दौरान, शुरू में सजावटी पृष्ठभूमि की भूमिका चर्च के अंदरूनी हिस्से द्वारा निभाई जाती थी, जहाँ धार्मिक नाटक खेला जाता था। यहां पहले से ही मध्ययुगीन रंगमंच की विशेषता, एक साथ दृश्यों का मूल सिद्धांत लागू होता है, जब कार्रवाई के सभी दृश्य एक साथ दिखाए जाते हैं। यह सिद्धांत मध्यकालीन रंगमंच की मुख्य शैली - रहस्य - में और विकसित हुआ है। सभी प्रकार के रहस्यमय दृश्यों में सबसे अधिक ध्यान "स्वर्ग" की सजावट पर दिया गया था, जिसे हरियाली, फूलों और फलों से सजाए गए गज़ेबो के रूप में दर्शाया गया था, और "नरक" को ड्रैगन के खुले मुंह के रूप में दर्शाया गया था। साथ ही विशाल सजावट के साथ, सुरम्य सजावट का भी उपयोग किया गया (तारों वाले आकाश की छवि)। डिज़ाइन में कुशल कारीगर शामिल थे - चित्रकार, नक्काशी करने वाले, गिल्डर; थिएटर पहला था। मशीन चलाने वाले घड़ीसाज़ थे। प्राचीन लघुचित्र, उत्कीर्णन और चित्र रहस्यों के मंचन के विभिन्न प्रकारों और तकनीकों का एक विचार देते हैं। इंग्लैंड में, सबसे व्यापक प्रस्तुतियाँ तमाशा पर प्रदर्शित की गईं, जो एक गाड़ी पर लगा हुआ एक मोबाइल दो मंजिला बूथ था। प्रदर्शन ऊपरी मंजिल पर किया गया था, और निचली मंजिल अभिनेताओं के लिए कपड़े बदलने की जगह के रूप में काम करती थी। एक समान गोलाकार या रिंग प्रकार की मंच संरचना ने प्राचीन युग से संरक्षित एम्फीथिएटर का उपयोग मंच रहस्यों के लिए करना संभव बना दिया। रहस्यों के तीसरे प्रकार का डिज़ाइन मंडपों की तथाकथित प्रणाली थी (ल्यूसर्न, स्विटज़रलैंड और डोनौशिंगन, जर्मनी में 16वीं शताब्दी के रहस्यमय प्रदर्शन) - पूरे चौक में बिखरे हुए खुले घर, जिसमें रहस्यमय प्रसंगों की कार्रवाई सामने आती थी . 16वीं सदी के स्कूल थिएटर में। पहली बार, कार्रवाई के स्थान एक पंक्ति में नहीं, बल्कि मंच के तीन किनारों के समानांतर स्थित हैं।
एशिया में नाट्य प्रदर्शन के पंथ आधार ने कई शताब्दियों तक पारंपरिक मंच डिजाइन का प्रभुत्व कायम किया, जब व्यक्तिगत प्रतीकात्मक विवरण ने दृश्य को निर्दिष्ट किया। दृश्यों की कमी की भरपाई कुछ मामलों में सजावटी पृष्ठभूमि, वेशभूषा की समृद्धि और विविधता, मेकअप मुखौटों की उपस्थिति से की गई, जिनके रंग का एक प्रतीकात्मक अर्थ था। 14वीं शताब्दी में जापान में विकसित मुखौटों के सामंती-अभिजात संगीत थिएटर में, एक विहित प्रकार का डिज़ाइन बनाया गया था: मंच की पिछली दीवार पर, एक अमूर्त सुनहरी पृष्ठभूमि पर, एक देवदार के पेड़ को चित्रित किया गया था - का प्रतीक दीर्घायु; ढके हुए पुल के छज्जे के सामने, बाईं ओर मंच की गहराई में स्थित और अभिनेताओं और संगीतकारों के मंच में प्रवेश करने के उद्देश्य से, तीन छोटे देवदार के पेड़ों की छवियां रखी गई थीं
15:00 बजे 16वीं शताब्दी इटली में एक नए प्रकार की थिएटर इमारत और मंच दिखाई देता है। प्रमुख कलाकारों और वास्तुकारों ने नाट्य प्रस्तुतियों के डिजाइन में भाग लिया - लियोनार्डो विंची, राफेल, ए. मेन्टेग्ना, एफ. ब्रुनेलेस्की और अन्य। परिप्रेक्ष्य सजावट, जिसके आविष्कार का श्रेय ब्रैमांटे को दिया जाता है (1505 से बाद में नहीं), पहली बार इस्तेमाल किया गया था कलाकार पेलेग्रिनो दा उडीन द्वारा फेरारा, और रोम में - बी पेरुज़ी द्वारा। दृश्यावली, सड़क की गहराई में जाने के दृश्य को दर्शाती है, फ्रेम पर फैले कैनवस पर चित्रित की गई थी, और इसमें मंच के प्रत्येक तरफ एक पृष्ठभूमि और तीन तरफ की योजनाएं शामिल थीं; दृश्यों के कुछ हिस्से लकड़ी (घरों की छतें, बालकनियाँ, छज्जे, आदि) से बने थे। टैबलेट को तेजी से ऊपर उठाकर आवश्यक आगे की कमी हासिल की गई। पुनर्जागरण मंच पर एक साथ दृश्यों के बजाय, कुछ शैलियों के प्रदर्शन के लिए एक सामान्य और अपरिवर्तनीय दृश्य को पुन: प्रस्तुत किया गया था। सबसे बड़े इतालवी थिएटर वास्तुकार और सज्जाकार एस. सेर्लियो ने 3 प्रकार के दृश्य विकसित किए: मंदिर, महल, मेहराब - त्रासदियों के लिए; निजी घरों, दुकानों, होटलों के साथ शहर का चौराहा - कॉमेडी के लिए; वन परिदृश्य - चरवाहों के लिए।
पुनर्जागरण कलाकारों ने मंच और सभागार को एक समग्र रूप में देखा। यह विसेंज़ा में ओलम्पिको थिएटर के निर्माण में प्रकट हुआ था, जिसे 1584 में ए. पल्लाडियो के डिजाइन के अनुसार बनाया गया था; इस थिएटर में, वी. स्कैमोज़ी ने एक "आदर्श शहर" को दर्शाने वाला एक शानदार स्थायी सेट बनाया और इसका उद्देश्य त्रासदियों का मंचन करना था।
इतालवी पुनर्जागरण के संकट के दौरान थिएटर के अभिजातीकरण के कारण नाटकीय प्रस्तुतियों में बाहरी दिखावटीपन की प्रधानता हुई। एस. सेर्लियो की राहत सजावट ने बारोक शैली में सुरम्य सजावट का मार्ग प्रशस्त किया। 16वीं और 17वीं शताब्दी के अंत में कोर्ट ओपेरा और बैले प्रदर्शन की मनमोहक प्रकृति। नाट्य तंत्र के व्यापक उपयोग को बढ़ावा मिला। थेटेलरी के आविष्कार - चित्रित कैनवास से ढके त्रिकोणीय घूमने वाले प्रिज्म, जिसका श्रेय कलाकार बुओंटालेंटी को जाता है, ने जनता के सामने दृश्यों को बदलना संभव बना दिया। ऐसे चल, आशाजनक सेटों के डिज़ाइन का विवरण जर्मन वास्तुकार आई. फर्टेनबैक के कार्यों में उपलब्ध है, जिन्होंने इटली में काम किया और जर्मनी में इतालवी थिएटर की तकनीक पेश की, साथ ही वास्तुकार एन. सब्बातिनी द्वारा भी। ग्रंथ "निर्माण चरणों और मशीनों की कला पर" (1638)। परिप्रेक्ष्य पेंटिंग तकनीकों में सुधार ने सज्जाकारों के लिए टैबलेट की तेज वृद्धि के बिना गहराई की छाप बनाना संभव बना दिया है। अभिनेता मंच स्थान का पूरा उपयोग करने में सक्षम थे। प्रारंभ में। सत्रवहीं शताब्दी मंच के पीछे की सजावट दिखाई दी, जिसका आविष्कार जे. एलेओटी. उड़ानों के लिए तकनीकी उपकरण, सिस्टम हैच, साथ ही साइड पोर्टल शील्ड और एक पोर्टल आर्क पेश किए गए। इस सबके फलस्वरूप बॉक्स स्टेज का निर्माण हुआ।
मंच के पीछे सजावट की इतालवी प्रणाली सभी यूरोपीय देशों में व्यापक हो गई है। सभी हैं। सत्रवहीं शताब्दी विनीज़ कोर्ट थिएटर में, बारोक बैकस्टेज दृश्यों को इतालवी थिएटर आर्किटेक्ट एल. बर्नासिनी द्वारा पेश किया गया था; फ्रांस में, प्रसिद्ध इतालवी थिएटर आर्किटेक्ट, डेकोरेटर और मशीनिस्ट जी. टोरेली ने आविष्कारक रूप से ओपेरा के कोर्ट प्रोडक्शंस में आशाजनक बैकस्टेज स्टेज की उपलब्धियों को लागू किया था। और बैले प्रकार. स्पैनिश थिएटर, जो 16वीं शताब्दी में जीवित रहा। आदिम मेला दृश्य, इतालवी कला के माध्यम से इतालवी प्रणाली को आत्मसात करता है। के. लोटी, जिन्होंने स्पैनिश कोर्ट थिएटर (1631) में काम किया था। लंदन में शहरी सार्वजनिक थिएटरों ने लंबे समय तक शेक्सपियर युग के पारंपरिक मंच क्षेत्र को बरकरार रखा, जो ऊपरी, निचले और पीछे के चरणों में विभाजित था, जिसमें सभागार में फैला हुआ एक प्रोसेनियम और विरल सजावटी डिजाइन था। अंग्रेजी थिएटर के मंच ने इसे बनाया कार्यों के स्थानों को उनके क्रम में शीघ्रता से बदलना संभव है। इतालवी प्रकार की संभावित सजावट इंग्लैंड में पहली तिमाही में शुरू की गई थी। सत्रवहीं शताब्दी अदालती प्रदर्शनों के मंचन में थिएटर वास्तुकार आई. जोन्स। रूस में, 1672 में ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में प्रदर्शन में मंच के पीछे की परिप्रेक्ष्य सजावट का उपयोग किया गया था।
क्लासिकवाद के युग में, नाटकीय सिद्धांत, जिसने स्थान और समय की एकता की मांग की, ने विशिष्ट ऐतिहासिक विशेषताओं (एक सिंहासन कक्ष या त्रासदी के लिए एक महल लॉबी, एक शहर का चौक या कॉमेडी के लिए एक कमरा) से रहित एक स्थायी और अपूरणीय सेट को मंजूरी दी ). सभी प्रकार के सजावटी और मंचन प्रभाव 17वीं शताब्दी में केंद्रित थे। ओपेरा और बैले शैली के भीतर, और नाटकीय प्रदर्शन कठोरता और सौम्य डिजाइन द्वारा प्रतिष्ठित थे। फ्रांस और इंग्लैंड के थिएटरों में, प्रोसेनियम के किनारों पर स्थित मंच पर कुलीन दर्शकों की उपस्थिति ने प्रदर्शन के लिए मंच डिजाइन की संभावनाओं को सीमित कर दिया। ओपेरा की कला के और अधिक विकास के कारण ओपेरा हाउस में सुधार हुआ। समरूपता की अस्वीकृति और कोणीय परिप्रेक्ष्य की शुरूआत ने पेंटिंग के माध्यम से दृश्य में महान गहराई का भ्रम पैदा करने में मदद की। दृश्यों की गतिशीलता और भावनात्मक अभिव्यक्ति चिरोस्कोरो के नाटक द्वारा हासिल की गई थी, वास्तुशिल्प रूपांकनों के विकास में लयबद्ध विविधता (अंतहीन एनफिलैड्स) बारोक हॉल, प्लास्टर आभूषणों से सजाए गए, स्तंभों, सीढ़ियों, मेहराबों, मूर्तियों की दोहराई जाने वाली पंक्तियों के साथ, जिनकी मदद से वास्तुशिल्प संरचनाओं की भव्यता की छाप बनाई गई थी।
प्रबोधन के दौरान वैचारिक संघर्ष की तीव्रता को विभिन्न शैलियों के बीच संघर्ष और सजावटी कला में अभिव्यक्ति मिली। बैरोक सजावट के शानदार वैभव की तीव्रता और रोकोको शैली में निष्पादित दृश्यों की उपस्थिति के साथ, सामंती-अभिजात वर्ग आंदोलन की विशेषता, इस अवधि की सजावटी कला में अमूर्तता से मुक्ति के लिए, थिएटर सुधार के लिए संघर्ष था। दृश्य के अधिक सटीक राष्ट्रीय और ऐतिहासिक विवरण के लिए दरबारी कला का वैभव। इस संघर्ष में, शैक्षणिक रंगमंच ने रोमांस की वीरतापूर्ण छवियों की ओर रुख किया, जिसे शास्त्रीय शैली में दृश्यों के निर्माण में अभिव्यक्ति मिली। इस दिशा को फ्रांस में डेकोरेटर्स जी. सर्वंडोनी, जी. ड्यूमॉन्ट, पी.ए. के काम में विशेष विकास प्राप्त हुआ। ब्रुनेटी, जिन्होंने मंच पर प्राचीन वास्तुकला की इमारतों का पुनरुत्पादन किया। 1759 में, वोल्टेयर ने मंच से दर्शकों को बाहर कर दिया, जिससे दृश्यों के लिए अतिरिक्त जगह खाली हो गई। इटली में, बारोक से क्लासिकिज़्म में संक्रमण को जी. पिरानेसी के काम में अभिव्यक्ति मिली।
18वीं शताब्दी में रूस में रंगमंच का गहन विकास। इससे रूसी सजावटी कला का विकास हुआ, जिसमें आधुनिक नाट्य चित्रकला की सभी उपलब्धियों का उपयोग किया गया। 40 के दशक में 18वीं शताब्दी में, प्रमुख विदेशी कलाकार प्रदर्शन के डिजाइन में शामिल थे - के. बिब्बिएना, पी. और एफ. ग्रैडिपज़ी और अन्य, जिनमें से एक प्रमुख स्थान बिब्बिएना जी. वेलेरियानी के प्रतिभाशाली अनुयायी का है। दूसरे भाग में. 18 वीं सदी प्रतिभाशाली रूसी सज्जाकार उभरे, जिनमें से अधिकांश सर्फ़ थे: आई. विष्णकोव, वोल्स्की बंधु, आई. फ़िरसोव, एस. कलिनिन, जी. मुखिन, के. फंटुसोव और अन्य जिन्होंने कोर्ट और सर्फ़ थिएटरों में काम किया। 1792 से, उत्कृष्ट थिएटर कलाकार और वास्तुकार पी. गोंजागो ने रूस में काम किया। उनके काम में, वैचारिक रूप से प्रबुद्धता के क्लासिकिज्म से जुड़े, स्थापत्य रूपों की गंभीरता और सामंजस्य, भव्यता और स्मारकीयता की छाप पैदा करते हुए, वास्तविकता के पूर्ण भ्रम के साथ जोड़ा गया था।
18वीं सदी के अंत में. यूरोपीय रंगमंच में, बुर्जुआ नाटक के विकास के संबंध में, एक मंडप सेट (तीन दीवारों और एक छत वाला एक बंद कमरा) दिखाई देता है। 17वीं-18वीं शताब्दी में संकट-सामंती विचारधारा। एशियाई देशों की सजावटी कला में इसका प्रतिबिंब पाया गया, जिससे कई नवाचार हुए। 18वीं सदी में जापान में। काबुकी थिएटरों के लिए इमारतों का निर्माण किया जा रहा था, जिसके मंच पर दर्शकों के बीच मजबूती से उभरा हुआ एक प्रोसेनियम था और एक पर्दा था जो क्षैतिज रूप से घूमता था। मंच के दायीं और बायीं ओर से लेकर सभागार की पिछली दीवार तक मंच थे ("हनामिची", जिसका शाब्दिक अर्थ फूलों का पथ है), जिस पर प्रदर्शन भी शुरू हुआ (बाद में दायां मंच समाप्त कर दिया गया; आज केवल बायां मंच है) काबुकी थिएटर में रहता है)। काबुकी थिएटरों ने त्रि-आयामी दृश्यों (बगीचे, घर के अग्रभाग आदि) का उपयोग किया, जो विशेष रूप से दृश्य को चित्रित करते थे; 1758 में, पहली बार एक घूमने वाले चरण का उपयोग किया गया, जिसके घुमाव मैन्युअल रूप से किए गए थे। चीन, भारत, इंडोनेशिया और अन्य देशों के कई थिएटरों में मध्यकालीन परंपराएँ संरक्षित हैं, जिनमें लगभग कोई दृश्य नहीं है, और सजावट वेशभूषा, मुखौटे और श्रृंगार तक ही सीमित है।
18वीं सदी के उत्तरार्ध की फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति। रंगमंच की कला पर बहुत प्रभाव पड़ा। नाटक के विषयों के विस्तार के कारण सजावट की कला में कई बदलाव आए। पेरिस के "बुलेवार्ड थिएटर" के मंचों पर मेलोड्रामा और पैंटोमाइम्स का मंचन करते समय, डिजाइन पर विशेष ध्यान दिया गया था; नाट्य इंजीनियरों की उच्च कला ने विभिन्न प्रकार के प्रभावों (जहाजों की तबाही, ज्वालामुखी विस्फोट, तूफान के दृश्य, आदि) को प्रदर्शित करना संभव बना दिया। उन वर्षों की सजावटी कला में, तथाकथित व्यावहारिक (चट्टानों, पुलों, पहाड़ियों आदि को चित्रित करने वाले वॉल्यूमेट्रिक डिज़ाइन विवरण) का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था। पहली तिमाही में 19 वीं सदी मंच प्रकाश व्यवस्था में नवाचारों के संयोजन में सुरम्य पैनोरमा, डियोरामा या नियोरामा व्यापक हो गए (1820 के दशक में थिएटरों में गैस की शुरुआत की गई थी)। फ्रांसीसी रूमानियतवाद द्वारा नाटकीय डिजाइन के सुधार का एक व्यापक कार्यक्रम सामने रखा गया, जिसने कार्रवाई के दृश्यों की ऐतिहासिक रूप से विशिष्ट विशेषताओं का कार्य निर्धारित किया। रोमांटिक नाटककारों ने अपने नाटकों के निर्माण में प्रत्यक्ष भाग लिया, जिससे उन्हें लंबी टिप्पणियाँ और अपने स्वयं के रेखाचित्र उपलब्ध हुए। ऐतिहासिक विषयों पर मल्टी-एक्ट ओपेरा और नाटकों की प्रस्तुतियों में शानदार सुंदरता के साथ स्थान और समय के रंग की सटीकता को संयोजित करने का प्रयास करते हुए, जटिल दृश्यों और भव्य वेशभूषा के साथ प्रदर्शन तैयार किए गए। मंचन तकनीकों की बढ़ती जटिलता के कारण प्रदर्शन के कृत्यों के बीच ब्रेक के दौरान पर्दों का बार-बार उपयोग होने लगा। 1849 में, पेरिस ओपेरा के मंच पर, मेयरबीर के द प्रोफेट के निर्माण में, पहली बार विद्युत प्रकाश प्रभाव का उपयोग किया गया था।
30-70 के दशक में रूस में। 19 वीं सदी रोमांटिक शैली के एक प्रमुख सज्जाकार ए. रोलर थे, जो नाट्य मशीनों के उत्कृष्ट स्वामी थे। उनके द्वारा विकसित मंचन प्रभावों की उच्च तकनीक को बाद में के.एफ. जैसे सज्जाकारों द्वारा विकसित किया गया। वैल्ट्स, ए.एफ. गेल्टसेरी आदि। दूसरी छमाही में सजावटी कला में नए रुझान। 19 वीं सदी यथार्थवादी शास्त्रीय रूसी नाटक और अभिनय के प्रभाव की पुष्टि की गई। अकादमिक दिनचर्या के खिलाफ लड़ाई सज्जाकार एम.ए. द्वारा शुरू की गई थी। शिशकोव और एम.आई. बोचारोव। 1867 में, ए.के. द्वारा नाटक "द डेथ ऑफ इवान द टेरिबल" में। टॉल्स्टॉय (अलेक्जेंड्रिया थिएटर) शिशकोव पहली बार ऐतिहासिक विशिष्टता और सटीकता के साथ प्री-पेट्रिन रूस के जीवन को मंच पर दिखाने में कामयाब रहे। शिशकोव की कुछ हद तक शुष्क पुरातत्व के विपरीत, बोचारोव ने अपनी परिदृश्य सजावट में रूसी प्रकृति की एक सच्ची, भावनात्मक भावना लाई, अपनी रचनात्मकता से मंच पर वास्तविक चित्रकारों के आगमन की आशा की। लेकिन राज्य के स्वामित्व वाले थिएटरों के सज्जाकारों की प्रगतिशील खोज अलंकरण, मंच के तमाशे के आदर्शीकरण और "परिदृश्य", "वास्तुशिल्प", "पोशाक" आदि में विभाजित कलाकारों की संकीर्ण विशेषज्ञता से बाधा; आधुनिक विषयों पर नाटकीय प्रदर्शन में, एक नियम के रूप में, पूर्वनिर्मित या "मानक" मानक दृश्यों ("गरीब" या "अमीर" कमरा, "जंगल", "ग्रामीण दृश्य", आदि) का उपयोग किया गया था। दूसरे भाग में. 19 वीं सदी विभिन्न यूरोपीय थिएटरों (फ्रांस में फिलास्ट्रे और सी. कंबोन, ए. राउबॉड और एफ. चैपेरॉन की कार्यशालाएं, जर्मनी में लुत्के-मेयर, आदि) की सेवा के लिए बड़ी सजावटी कार्यशालाएँ बनाई गईं। इस अवधि के दौरान, भारी, औपचारिक, उदार-शैली की सजावट, जिसमें कला और रचनात्मक कल्पना का स्थान हस्तशिल्प ने ले लिया, व्यापक हो गई। 70-80 के दशक में सजावटी कला के विकास पर। मेनिंगन थिएटर की गतिविधियों ने महत्वपूर्ण प्रभाव डाला, जिसके यूरोपीय देशों के दौरे ने प्रदर्शन के निर्देशक के निर्णय की अखंडता, उच्च उत्पादन संस्कृति, दृश्यों, वेशभूषा और सहायक उपकरण की ऐतिहासिक सटीकता का प्रदर्शन किया। मीनिंगनर्स ने प्रत्येक प्रदर्शन का डिज़ाइन दिया व्यक्तिगत रूप, मंडप और परिदृश्य सजावट के मानकों, इतालवी मंच-मेहराब प्रणाली की परंपराओं का उल्लंघन करने की कोशिश कर रहा है। उन्होंने विभिन्न प्रकार की टैबलेट स्थलाकृति का व्यापक उपयोग किया, मंच स्थान को विभिन्न वास्तुशिल्प रूपों से भर दिया, और विभिन्न प्लेटफार्मों, सीढ़ियों, वॉल्यूमेट्रिक कॉलम, चट्टानों और पहाड़ियों के रूप में व्यावहारिक रूप से प्रचुर मात्रा में उपयोग किया। मेनिंगेन प्रोडक्शंस के दृश्य पक्ष पर (जिसका डिज़ाइन
ज्यादातर ड्यूक जॉर्ज द्वितीय के थे) स्पष्ट रूप से जर्मन ऐतिहासिक चित्रकला विद्यालय - पी. कॉर्नेलियस, डब्ल्यू. कौलबैक, के. पायलटी से प्रभावित थे। हालाँकि, ऐतिहासिक सटीकता और सत्यता, सहायक उपकरण की "प्रामाणिकता" ने कई बार मेनिंगन लोगों के प्रदर्शन में आत्मनिर्भर महत्व हासिल कर लिया।
ई. ज़ोला 70 के दशक के अंत में प्रदर्शन करते हैं। अमूर्त क्लासिकिस्ट, आदर्शीकृत रोमांटिक और आत्म-प्रभावी मनमोहक दृश्यों की आलोचना के साथ। उन्होंने मंच पर आधुनिक जीवन के चित्रण, दृश्यों का उपयोग करके "सामाजिक परिवेश का सटीक पुनरुत्पादन" की मांग की, जिसकी तुलना उन्होंने उपन्यास में वर्णित विवरणों से की। प्रतीकवादी रंगमंच, जो 90 के दशक में फ्रांस में उभरा, ने नाटकीय दिनचर्या और प्रकृतिवाद के विरोध के नारे के तहत यथार्थवादी कला के खिलाफ लड़ाई लड़ी। आधुनिकतावादी खेमे के कलाकार एम. डेनिस, पी. सेरूसियर, ए. टूलूज़-लॉट्रेक, ई. वुइलार्ड, ई. मंच और अन्य लोग पी. फॉरे के आर्ट थिएटर और लूनियर-पो के क्रिएटिविटी थिएटर के आसपास एकजुट हुए; उन्होंने सरलीकृत, शैलीबद्ध दृश्यावली, प्रभाववादी अस्पष्टता का निर्माण किया, आदिमवाद और प्रतीकवाद पर जोर दिया जिससे थिएटर जीवन के यथार्थवादी चित्रण से दूर हो गए।
रूसी संस्कृति का शक्तिशाली उदय 19वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में हुआ। रंगमंच और सजावटी कला। 80-90 के दशक में रूस में। थिएटर में काम करने वाले सबसे बड़े चित्रफलक कलाकार शामिल हैं - वी.डी. पोलेनोव, वी.एम. वासनेत्सोव और ए.एम. वासनेत्सोव, आई.आई. लेविटन, के.ए. कोरोविन, वी.ए. सेरोव, एम.ए. व्रुबेल। मॉस्को के निजी रूसी ओपेरा एस.आई. में 1885 से काम कर रहे हैं। ममोनतोव, उन्होंने दृश्यों में आधुनिक यथार्थवादी चित्रकला की रचनात्मक तकनीकों को पेश किया और प्रदर्शन की समग्र व्याख्या के सिद्धांत की पुष्टि की। त्चिकोवस्की, रिमस्की-कोर्साकोव, मुसॉर्स्की द्वारा ओपेरा की प्रस्तुतियों में, इन कलाकारों ने रूसी इतिहास की मौलिकता, रूसी परिदृश्य की आध्यात्मिक गीतकारिता, परी-कथा छवियों के आकर्षण और कविता को व्यक्त किया।
यथार्थवादी दिशा की आवश्यकताओं के लिए मंच डिजाइन के सिद्धांतों की अधीनता पहली बार 19वीं और 20वीं शताब्दी के अंत में हासिल की गई थी। मॉस्को आर्ट थिएटर के अभ्यास में। शाही थिएटरों के लिए सामान्य रूप से पारंपरिक बैकस्टेज, मंडप और "पूर्वनिर्मित" दृश्यों के बजाय, प्रत्येक MAT प्रदर्शन में एक विशेष डिजाइन होता था जो निर्देशक की योजना के अनुरूप होता था। नियोजन क्षमताओं का विस्तार करना (फर्श तल को संसाधित करना, आवासीय परिसर के असामान्य कोण दिखाना), "लिव-इन" वातावरण की छाप बनाने की इच्छा, और कार्रवाई का मनोवैज्ञानिक माहौल मॉस्को आर्ट थिएटर की सजावटी कला की विशेषता है।
आर्ट थिएटर के डेकोरेटर वी.ए. के.एस. के अनुसार, सिमोव था। स्टैनिस्लावस्की, "एक नए प्रकार के मंच कलाकारों के संस्थापक", जीवन में सच्चाई की भावना से प्रतिष्ठित थे और अपने काम को निर्देशन के साथ जोड़ते थे। मॉस्को आर्ट थिएटर द्वारा किए गए सजावटी कला के यथार्थवादी सुधार का विश्व नाट्य कला पर भारी प्रभाव पड़ा। मंच के तकनीकी पुन: उपकरण और सजावटी कला की संभावनाओं को समृद्ध करने में एक महत्वपूर्ण भूमिका एक घूर्णन मंच के उपयोग द्वारा निभाई गई थी, जिसका उपयोग मोजार्ट के ओपेरा डॉन के निर्माण के दौरान के. लॉटेनश्लागर द्वारा यूरोपीय थिएटर में पहली बार किया गया था। जियोवन्नी (1896, रेसिडेंज़ थिएटर, म्यूनिख)।
1900 के दशक में "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" समूह के कलाकार - ए.एन. - थिएटर में अपनी गतिविधियाँ शुरू करते हैं। बेनोइट, एल.एस. बक्स्ट, एम.वी. डोबज़िन्स्की, एन.के. रोएरिच, ई.ई. लांसरे, आई.वाई.ए. बिलिबिनी आदि। इन कलाकारों की पूर्वव्यापीता और शैलीकरण विशेषता ने उनकी रचनात्मकता को सीमित कर दिया, लेकिन उनकी उच्च संस्कृति और कौशल, प्रदर्शन की समग्र कलात्मक अवधारणा की अखंडता की इच्छा ने न केवल ओपेरा और बैले सेट कला के सुधार में सकारात्मक भूमिका निभाई। रूस में, लेकिन विदेश में भी। रूसी ओपेरा और बैले के दौरे, जो 1908 में पेरिस में शुरू हुए और कई वर्षों तक दोहराए गए, ने दृश्यों की एक उच्च सचित्र संस्कृति, विभिन्न युगों की कला की शैलियों और चरित्र को व्यक्त करने के लिए कलाकारों की क्षमता को दिखाया। बेनोइस, डोबुज़िन्स्की, बी.एम. कुस्टोडीव, रोएरिच की गतिविधियाँ मॉस्को आर्ट थिएटर से भी जुड़ी हुई हैं, जहाँ इन कलाकारों की सौंदर्यवाद विशेषता काफी हद तक के.एस. की यथार्थवादी दिशा की आवश्यकताओं के अधीन थी। स्टैनिस्लावस्की और वी.आई. नेमीरोविच-डैनचेंको। सबसे बड़े रूसी सज्जाकार के.ए. कोरोविन और ए.या. गोलोविन, जिन्होंने शुरू से ही काम किया। 20 वीं सदी शाही थिएटरों में, उन्होंने आधिकारिक मंच की सजावटी कला में मूलभूत परिवर्तन किए। कोरोविन की लेखन की व्यापक, स्वतंत्र शैली, उनके मंच चित्रों में निहित जीवित प्रकृति की भावना, रंग योजना की अखंडता जो पात्रों के दृश्यों और वेशभूषा को एकजुट करती है, रूसी ओपेरा बैले - "सैडको" के डिजाइन में सबसे स्पष्ट रूप से परिलक्षित होती थी। , "द गोल्डन कॉकरेल"; "द लिटिल हंपबैक्ड हॉर्स" सी. पुनी और अन्य। औपचारिक सजावट, रूपों का स्पष्ट चित्रण, रंग संयोजन की बोल्डनेस, समग्र सद्भाव और समाधान की अखंडता गोलोविन की नाटकीय पेंटिंग को अलग करती है। इस तथ्य के बावजूद कि कलाकार के कई काम आधुनिकतावाद से प्रभावित थे, उनका काम महान पर आधारित है यथार्थवादी कौशल, जीवन के गहन अध्ययन पर आधारित। कोरोविन के विपरीत, गोलोविन ने हमेशा अपने रेखाचित्रों और दृश्यों में मंच डिजाइन की नाटकीय प्रकृति, इसके व्यक्तिगत घटकों पर जोर दिया; उन्होंने आभूषणों से सजाए गए पोर्टल फ्रेम, विभिन्न प्रकार के पिपली और चित्रित पर्दे, एक प्रोसेनियम आदि का उपयोग किया। 1908-17 में, गोलोविन ने कई प्रदर्शनों के लिए डिजाइन तैयार किए। वी.ई. मेयरहोल्ड (मोलिरे द्वारा "डॉन जुआन", "मास्करेड" सहित),
19वीं सदी के अंत और शुरुआत में बुर्जुआ कला में यथार्थवादी विरोधी प्रवृत्तियों को मजबूत करना। 20 शताब्दियों में, सामाजिक विचारों को प्रकट करने से इनकार करने से पश्चिम में यथार्थवादी सजावटी कला के विकास पर नकारात्मक प्रभाव पड़ा। पतनशील आंदोलनों के प्रतिनिधियों ने "पारंपरिकता" को कला का मूल सिद्धांत घोषित किया। ए. अप्पियाह (स्विट्जरलैंड) और जी. क्रेग (इंग्लैंड) ने यथार्थवाद के खिलाफ लगातार संघर्ष किया। "दार्शनिक रंगमंच" बनाने के विचार को आगे बढ़ाते हुए, उन्होंने अमूर्त, कालातीत सजावट (क्यूब्स, स्क्रीन, प्लेटफार्म, सीढ़ियों इत्यादि) की मदद से विचारों की "अदृश्य" दुनिया को चित्रित किया, और परिवर्तन करके प्रकाश में उन्होंने स्मारकीय स्थानिक रूपों का खेल हासिल किया। एक निर्देशक और कलाकार के रूप में क्रेग का अपना अभ्यास कुछ प्रस्तुतियों तक ही सीमित था, लेकिन उनके सिद्धांतों ने बाद में विभिन्न देशों में कई थिएटर कलाकारों और निर्देशकों के काम को प्रभावित किया। प्रतीकवादी रंगमंच के सिद्धांत पोलिश नाटककार, चित्रकार और थिएटर डिजाइनर एस के काम में परिलक्षित हुए। विस्पियान्स्की, जिन्होंने एक स्मारकीय पारंपरिक प्रदर्शन बनाने का प्रयास किया; हालांकि, स्थानिक मंच की सजावट और डिजाइन में लोक कला के राष्ट्रीय रूपों के कार्यान्वयन ने विस्पियानस्की के काम को ठंडे अमूर्तता से मुक्त कर दिया और इसे और अधिक वास्तविक बना दिया। म्यूनिख आर्ट थिएटर के आयोजक जी. फुच्स कलाकार के साथ। एफ. एर्लर ने एक "राहत चरण" (अर्थात लगभग गहराई से रहित एक मंच) की परियोजना को सामने रखा, जहां अभिनेताओं के आंकड़े एक राहत के रूप में एक विमान पर स्थित हैं। निर्देशक एम. रेनहार्ड्ट (जर्मनी) ने अपने द्वारा निर्देशित थिएटरों में विभिन्न प्रकार की डिजाइन तकनीकों का उपयोग किया: ध्यान से डिजाइन किए गए, घूमने वाले स्टेज सर्कल के उपयोग से जुड़े लगभग भ्रमपूर्ण, सुरम्य और वॉल्यूमेट्रिक दृश्यों से लेकर सामान्यीकृत पारंपरिक स्थिर स्थापनाओं तक, सरलीकृत शैली वाले डिजाइन से भव्य सामूहिक मनोरंजन के लिए "कपड़े में" सर्कस का मैदान, जहां विशुद्ध रूप से बाहरी मंच प्रदर्शन पर अधिक जोर दिया गया था। कलाकार ई. स्टर्न, ई. ऑरलिक, ई. मंच, ई. शुट्टे, ओ. मेसेल, मूर्तिकार एम. क्रूस और अन्य ने रेनहार्ड्ट के साथ काम किया।
10 और 20 के दशक के अंत में। 20 वीं सदी अभिव्यक्तिवाद, जो शुरू में जर्मनी में विकसित हुआ, लेकिन व्यापक रूप से अन्य देशों की कला पर कब्जा कर लिया, ने प्रमुख महत्व हासिल कर लिया। अभिव्यक्तिवादी प्रवृत्तियों ने सजावटी कला में गहरे अंतर्विरोधों, योजनाबद्धता और यथार्थवाद से विचलन को जन्म दिया। विमानों के "शिफ्ट्स" और "बेवेल्स", गैर-उद्देश्य या खंडित सजावट, प्रकाश और छाया के तेज विरोधाभासों का उपयोग करके, कलाकारों ने मंच पर व्यक्तिपरक दृष्टि की दुनिया बनाने की कोशिश की। उसी समय, कुछ अभिव्यक्तिवादी प्रदर्शनों में एक स्पष्ट साम्राज्यवाद-विरोधी अभिविन्यास था, और उनमें दृश्यों ने तीव्र सामाजिक विचित्रता की विशेषताएं हासिल कर लीं। इस अवधि की सजावटी कला की विशेषता तकनीकी प्रयोगों के प्रति कलाकारों का जुनून, बॉक्स स्टेज को नष्ट करने की इच्छा, स्टेज क्षेत्र को उजागर करना और स्टेजिंग तकनीकें हैं। औपचारिकतावादी आंदोलनों - रचनावाद, घनवाद, भविष्यवाद - ने सजावटी कला को आत्मनिर्भर तकनीकीवाद के मार्ग पर आगे बढ़ाया। इन आंदोलनों के कलाकारों ने, मंच पर "शुद्ध" ज्यामितीय आकृतियों, विमानों और आयतनों, तंत्र के कुछ हिस्सों के अमूर्त संयोजनों को प्रस्तुत करते हुए, एक आधुनिक औद्योगिक शहर की "गतिशीलता", "गति और लय" को व्यक्त करने की कोशिश की, और मंच पर सृजन करने की कोशिश की। वास्तविक मशीनों के काम का भ्रम (जी. सेवेरिनी, एफ. डेपेरो, ई. प्रैम्पोलिनी - इटली; एफ. लेगर - फ्रांस, आदि)।
पश्चिमी यूरोप और अमेरिका की सजावटी कला में, सेवा। 20 वीं सदी कोई विशिष्ट कलात्मक आंदोलन और स्कूल नहीं हैं: कलाकार एक व्यापक तरीके विकसित करने का प्रयास करते हैं जो उन्हें विभिन्न शैलियों और तकनीकों का उपयोग करने की अनुमति देता है। हालाँकि, कई मामलों में, प्रदर्शन को डिज़ाइन करने वाले कलाकार नाटक की वैचारिक सामग्री, उसके चरित्र और विशिष्ट ऐतिहासिक विशेषताओं को इतना अधिक व्यक्त नहीं करते हैं, जितना कि वे इसके कैनवास पर सजावटी कला का एक स्वतंत्र काम बनाने का प्रयास करते हैं, जो कि है "कलाकार की स्वतंत्र कल्पना का फल।" इसलिए कई प्रदर्शनों में मनमानी, डिजाइन की अमूर्तता और वास्तविकता के साथ अलगाव होता है। इसका विरोध प्रगतिशील निर्देशकों की प्रथा और कलाकारों की रचनात्मकता द्वारा किया जाता है जो क्लासिक्स, प्रगतिशील आधुनिक नाटक और लोक परंपराओं पर भरोसा करते हुए यथार्थवादी सजावटी कला को संरक्षित और विकसित करने का प्रयास करते हैं।
10 के दशक से 20 वीं सदी चित्रफलक कला के स्वामी तेजी से थिएटर में काम करने के लिए आकर्षित हो रहे हैं, और एक प्रकार की रचनात्मक कलात्मक गतिविधि के रूप में सजावटी कला में रुचि बढ़ रही है। 30 के दशक से। उत्पादन तकनीकों का अच्छा ज्ञान रखने वाले योग्य पेशेवर थिएटर कलाकारों की संख्या बढ़ रही है। स्टेज तकनीक को विभिन्न तरीकों से समृद्ध किया गया है; नई सिंथेटिक सामग्री, ल्यूमिनसेंट पेंट, फोटो और फिल्म प्रोजेक्शन आदि का उपयोग किया जाता है। 50 के दशक के विभिन्न तकनीकी सुधारों से। 20 वीं सदी सबसे बड़ा महत्व थिएटर साइक्लोरमा (एक विस्तृत अर्धवृत्ताकार स्क्रीन पर कई फिल्म प्रक्षेपण उपकरणों से छवियों का एक साथ प्रक्षेपण), जटिल प्रकाश प्रभावों का विकास आदि में उपयोग है।
30 के दशक में सोवियत थिएटरों के रचनात्मक अभ्यास में समाजवादी यथार्थवाद के सिद्धांत स्थापित और विकसित हुए। सजावटी कला के सबसे महत्वपूर्ण और परिभाषित सिद्धांत जीवन सत्य, ऐतिहासिक विशिष्टता और वास्तविकता की विशिष्ट विशेषताओं को प्रतिबिंबित करने की क्षमता की आवश्यकताएं हैं। दृश्यों का वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक सिद्धांत, जो 20 के दशक के कई प्रदर्शनों पर हावी था, पेंटिंग के व्यापक उपयोग से समृद्ध हुआ है।

2. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के मूल साधन:
2.1 सजावट
सजावट (लैटिन डेकोरो से - मैं सजाता हूँ) मंच का डिज़ाइन है, जो उस भौतिक वातावरण को पुनः बनाता है जिसमें अभिनेता अभिनय करता है। सेट "एक्शन के दृश्य की एक कलात्मक छवि का प्रतिनिधित्व करता है और साथ ही एक मंच भी है जो उस पर स्टेज एक्शन के कार्यान्वयन के लिए समृद्ध अवसर प्रदान करता है।" आधुनिक रंगमंच में उपयोग किए जाने वाले विभिन्न अभिव्यंजक साधनों का उपयोग करके दृश्यों का निर्माण किया जाता है - पेंटिंग, ग्राफिक्स, वास्तुकला, स्थान योजना की कला, दृश्यों की विशेष बनावट, प्रकाश व्यवस्था, मंच प्रौद्योगिकी, प्रक्षेपण, सिनेमा, आदि। मुख्य सेट सिस्टम:
1) रॉकर मोबाइल,
2) रॉकर-आर्क लिफ्टिंग,
3) मंडप,
4) वॉल्यूमेट्रिक
5) प्रक्षेपण.
प्रत्येक सेट प्रणाली का उद्भव और विकास और दूसरे द्वारा उसका प्रतिस्थापन नाटकीयता, नाटकीय सौंदर्यशास्त्र, युग के इतिहास के अनुरूप, साथ ही विज्ञान और प्रौद्योगिकी के विकास की विशिष्ट आवश्यकताओं द्वारा निर्धारित किया गया था।
मंच के पीछे मोबाइल सजावट. मंच के पीछे - दृश्यों के हिस्से मंच के किनारों पर एक के बाद एक निश्चित दूरी पर स्थित होते हैं (मंच के अंदर के पोर्टल से) और दर्शकों से मंच के पीछे की जगह को बंद करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। दृश्य फ़्रेम पर नरम, टिका हुआ या कठोर थे; कभी-कभी उनके पास एक कल्पित रूपरेखा होती थी, जिसमें एक वास्तुशिल्प प्रोफ़ाइल, एक पेड़ के तने की रूपरेखा, पत्ते का चित्रण होता था। कठिन दृश्यों का परिवर्तन विशेष बैकस्टेज मशीनों - पहियों पर लगे फ़्रेमों का उपयोग करके किया गया था, जो रैंप के समानांतर प्रत्येक चरण योजना पर (18वीं और 19वीं शताब्दी) स्थित थे। ये फ्रेम सेमी-फर्स्ट होल्ड के साथ बिछाई गई रेल के साथ स्टेज प्लैंक में विशेष रूप से कटे हुए मार्गों में चले गए। पहले महल के थिएटरों में, सेट में एक पृष्ठभूमि होती थी, छत के मेहराबों की एक पृष्ठभूमि, जो मंच के पीछे के परिवर्तन के साथ-साथ उठती और गिरती थी। पैड पर बादल, पत्तों वाली पेड़ की शाखाएं, लैंपशेड के हिस्से आदि चित्रित किए गए थे। ड्रोटिंगहोलमेई में कोर्ट थिएटर में बैकस्टेज सेट सिस्टम को आज तक प्रिंस की पूर्व संपत्ति के थिएटर में संरक्षित किया गया है। एन.बी. "आर्कान्जेस्क" में युसुपोवा
मंच-धनुष उठाने वाली सजावट की शुरुआत 17वीं शताब्दी में इटली में हुई थी। और उच्च ग्रेट्स वाले सार्वजनिक थिएटरों में व्यापक हो गया। इस प्रकार की सजावट एक कैनवास है जिसे एक मेहराब के रूप में सिल दिया गया है जिसमें पेड़ के तने, पत्ते के साथ शाखाएं, और चित्रित वास्तुशिल्प विवरण (किनारों के साथ और शीर्ष पर), वास्तुशिल्प विवरण (रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य के नियमों के अनुपालन में) हैं। . इनमें से 75 बैकस्टेज मेहराबों को पृष्ठभूमि के रूप में चित्रित पृष्ठभूमि या क्षितिज के साथ, मंच पर निलंबित किया जा सकता है। बैकस्टेज-आर्क सजावट का एक प्रकार ओपनवर्क सजावट है (लिखित "वन" या "वास्तुशिल्प" बैकस्टेज मेहराब, विशेष जाल या ट्यूल पर एप्लिक से चिपके हुए)। वर्तमान में, बैकस्टेज-आर्क सजावट का उपयोग मुख्य रूप से ओपेरा और बैले प्रस्तुतियों में किया जाता है।
मंडप की सजावट का प्रयोग पहली बार 1794 में किया गया था। अभिनेता और निर्देशक एफ.एल. श्रोएडर। मंडप की सजावट एक बंद कमरे को दर्शाती है और इसमें कैनवास से ढकी फ्रेम की दीवारें हैं और वॉलपेपर, बोर्ड और टाइल्स के समान चित्रित हैं। दीवारें "ठोस" हो सकती हैं या उनमें खिड़कियों और दरवाजों के लिए स्पैन हो सकते हैं। दीवारें फोल्डिंग रस्सियों - ओवरलैप्स का उपयोग करके एक दूसरे से जुड़ी हुई हैं, और ढलानों के साथ मंच के फर्श से जुड़ी हुई हैं। आधुनिक थिएटर में मंडप की दीवारों की चौड़ाई 2.2 मीटर से अधिक नहीं है (अन्यथा, सजावट का परिवहन करते समय, दीवार मालवाहक कार के दरवाजे में फिट नहीं होगी)। मंडप की सजावट की खिड़कियों और दरवाजों के पीछे, आमतौर पर बैकरेस्ट (फ्रेम पर लटकी सजावट के हिस्से) रखे जाते हैं, जिन पर संबंधित परिदृश्य या वास्तुशिल्प रूप को दर्शाया जाता है। मंडप की सजावट एक छत से ढकी हुई है, जो ज्यादातर मामलों में जालियों से लटकी हुई है।
थिएटर के समय में, त्रि-आयामी सजावट पहली बार 1870 में मीनिंगेन थिएटर में प्रदर्शन में दिखाई दी। इस थिएटर में, सपाट दीवारों के साथ, त्रि-आयामी भागों का उपयोग किया जाने लगा: सीधी और झुकी हुई मशीनें - रैंप, सीढ़ियाँ और चित्रण के लिए अन्य संरचनाएँ छतें, पहाड़ियाँ, किले की दीवारें। मशीनों के डिज़ाइन आमतौर पर चित्रित कैनवस या नकली राहत (पत्थर, पेड़ की जड़ें, घास) से ढके होते हैं। वॉल्यूमेट्रिक दृश्यों के कुछ हिस्सों को बदलने के लिए, रोलर्स (फ़र्की) पर रोलिंग प्लेटफ़ॉर्म, एक टर्नटेबल और अन्य प्रकार की स्टेज तकनीक का उपयोग किया जाता है। वॉल्यूमेट्रिक सेट ने निर्देशकों को "टूटे हुए" मंच के तख़्ते पर मिस-एन-सीन बनाने और विभिन्न प्रकार के रचनात्मक समाधान खोजने की अनुमति दी, जिसकी बदौलत नाटकीय कला की अभिव्यंजक संभावनाओं का असामान्य रूप से विस्तार हुआ।
प्रोजेक्शन सजावट का उपयोग पहली बार 1908 में न्यूयॉर्क में किया गया था। यह पारदर्शिता पर खींची गई रंगीन और काले और सफेद छवियों के प्रक्षेपण (स्क्रीन पर) पर आधारित है। प्रक्षेपण नाटकीय प्रोजेक्टर का उपयोग करके किया जाता है। स्क्रीन पृष्ठभूमि, क्षितिज, दीवारें, फर्श हो सकती है। प्रत्यक्ष प्रक्षेपण (प्रोजेक्टर स्क्रीन के सामने है) और बैक-लाइट प्रक्षेपण (प्रोजेक्टर स्क्रीन के पीछे है) हैं। प्रक्षेपण स्थिर (वास्तुशिल्प, परिदृश्य और अन्य रूपांकनों) और गतिशील (बादलों, बारिश, बर्फ की गति) हो सकता है। आधुनिक रंगमंच में, जिसमें नई स्क्रीन सामग्री और प्रक्षेपण उपकरण हैं, प्रक्षेपण दृश्यों का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। उत्पादन और संचालन की सरलता, चित्रों को बदलने में आसानी और गति, स्थायित्व, और उच्च कलात्मक गुणों को प्राप्त करने की क्षमता प्रक्षेपण सजावट को आधुनिक थिएटर के लिए आशाजनक प्रकार की सजावट में से एक बनाती है।

2.2 नाट्य पोशाक
नाटकीय पोशाक (इतालवी पोशाक से, वास्तव में कस्टम) - कपड़े, जूते, टोपी, गहने और अभिनेता द्वारा उपयोग की जाने वाली अन्य वस्तुएं जो उनके द्वारा बनाई गई मंच छवि को चित्रित करती हैं। पोशाक के लिए एक आवश्यक अतिरिक्त मेकअप और हेयर स्टाइल है। पोशाक अभिनेता को चरित्र की बाहरी उपस्थिति ढूंढने में मदद करती है, मंच नायक की आंतरिक दुनिया को प्रकट करती है, उस वातावरण की ऐतिहासिक, सामाजिक-आर्थिक और राष्ट्रीय विशेषताओं को निर्धारित करती है जिसमें कार्रवाई होती है, (अन्य डिज़ाइन घटकों के साथ) बनाता है प्रदर्शन की दृश्य छवि. पोशाक का रंग प्रदर्शन की समग्र रंग योजना से निकटता से संबंधित होना चाहिए। पोशाक एक थिएटर कलाकार के लिए रचनात्मकता का एक संपूर्ण क्षेत्र बनाती है, जो पोशाक में छवियों की एक विशाल दुनिया का प्रतीक है - बेहद सामाजिक, व्यंग्यपूर्ण, विचित्र, दुखद।
स्केच से लेकर स्टेज निष्पादन तक पोशाक बनाने की प्रक्रिया में कई चरण होते हैं:
1) उन सामग्रियों का चयन जिनसे सूट बनाया जाएगा;
2) पेंटिंग सामग्री के लिए नमूने;
3) पंक्तियों की खोज: अन्य सामग्रियों से कारतूस बनाना और सामग्री को पुतले (या अभिनेता पर) पर गोदना;
4) विभिन्न प्रकाश व्यवस्था में मंच पर पोशाक की जाँच करना;
5) अभिनेता द्वारा पोशाक में रहना।
पोशाक का इतिहास पुराना है आदिम समाज. जिन खेलों और अनुष्ठानों के साथ प्राचीन मनुष्य ने अपने जीवन की विभिन्न घटनाओं पर प्रतिक्रिया व्यक्त की, उनमें केश, श्रृंगार और अनुष्ठान वेशभूषा का बहुत महत्व था; आदिम लोग इनमें बहुत अधिक कल्पनाशीलता और अनोखा स्वाद रखते थे। कभी-कभी ये पोशाकें शानदार होती थीं, तो कभी-कभी वे जानवरों, पक्षियों या जानवरों से मिलती जुलती होती थीं। प्राचीन काल से ही पूर्व के शास्त्रीय रंगमंच में वेशभूषा रही है। चीन, भारत, जापान और अन्य देशों में, वेशभूषा पारंपरिक, प्रतीकात्मक प्रकृति की होती है। तो, उदाहरण के लिए, में चीनी रंगमंच पोशाक के पीले रंग का मतलब शाही परिवार से है; अधिकारियों और सामंती प्रभुओं की भूमिका निभाने वाले कलाकार काले और हरे रंग की पोशाक पहनते हैं; चीनी शास्त्रीय ओपेरा में, योद्धा की पीठ के पीछे के झंडे उसकी रेजिमेंटों की संख्या को दर्शाते हैं, और चेहरे पर एक काला दुपट्टा मंच चरित्र की मृत्यु का प्रतीक है। चमक, रंगों की समृद्धि, सामग्रियों की भव्यता प्राच्य थिएटर में पोशाक को प्रदर्शन की मुख्य सजावट में से एक बनाती है। एक नियम के रूप में, वेशभूषा एक विशिष्ट प्रदर्शन, एक विशेष अभिनेता के लिए बनाई जाती है; वेशभूषा के पारंपरिक सेट भी हैं जिनका उपयोग प्रदर्शनों की सूची की परवाह किए बिना सभी मंडलों द्वारा किया जाता है। पोशाक पहली बार प्राचीन ग्रीस में यूरोपीय थिएटर में दिखाई दी; यह मूल रूप से प्राचीन यूनानियों की रोजमर्रा की पोशाक को दोहराता था, लेकिन दर्शकों को न केवल समझने में मदद करने के लिए, बल्कि मंच पर क्या हो रहा था, यह भी बेहतर ढंग से देखने में मदद करने के लिए इसमें विभिन्न पारंपरिक विवरण पेश किए गए थे (थिएटर संरचनाएं विशाल आकार की थीं)। प्रत्येक पोशाक का एक विशेष रंग होता था (उदाहरण के लिए, राजा की पोशाक बैंगनी या केसरिया पीला होती थी), अभिनेता ऐसे मुखौटे पहनते थे जो दूर से स्पष्ट रूप से दिखाई देते थे, और ऊंचे स्टैंड पर जूते - बस्किन्स पहनते थे। सामंतवाद के युग में, थिएटर की कला घुमंतू अभिनेता अभिनेताओं के हर्षित, सामयिक, मजाकिया प्रदर्शन में व्यक्त होती रही। अभिनेता की पोशाक (साथ ही रूसी भैंसरों की) शहरी गरीबों की आधुनिक पोशाक के करीब थी, लेकिन चमकीले पैच और कॉमिक विवरणों से सजाया गया है। इस अवधि के दौरान उभरे धार्मिक रंगमंच के प्रदर्शनों में से, रहस्य नाटक को सबसे अधिक सफलता मिली, जिसका प्रदर्शन विशेष रूप से शानदार था। रहस्य के शो से पहले विभिन्न वेशभूषा (परी कथाओं और मिथकों के शानदार पात्र, सभी प्रकार के जानवर) में ममर्स का जुलूस अपने चमकीले रंगों से अलग था। एक रहस्यमय नाटक में पोशाक के लिए मुख्य आवश्यकता धन और लालित्य है (चाहे भूमिका कोई भी हो)। पोशाक परंपरागत रूप से भिन्न थी: संत सफेद रंग में थे, ईसा मसीह के सुनहरे बाल थे, शैतान सुरम्य शानदार वेशभूषा में थे। शिक्षाप्रद और रूपकात्मक नैतिकता नाटकों के कलाकारों की वेशभूषा बहुत अधिक विनम्र होती थी। मध्ययुगीन रंगमंच की सबसे जीवंत और प्रगतिशील शैली - प्रहसन, जिसमें सामंती समाज की तीखी आलोचना शामिल थी, में एक आधुनिक व्यंग्यात्मक विशिष्ट पोशाक और श्रृंगार दिखाई दिया। पुनर्जागरण में, कॉमेडिया डेल'आर्टे अभिनेताओं ने अपने पात्रों को मजाकिया, कभी-कभी उपयुक्त, बुरे चरित्र-चित्रण देने के लिए वेशभूषा का उपयोग किया: वेशभूषा ने विद्वान विद्वानों और शरारती नौकरों की विशिष्ट विशेषताओं का सारांश दिया। दूसरे भाग में. 16 वीं शताब्दी स्पैनिश और अंग्रेजी थिएटरों में, अभिनेताओं ने फैशनेबल कुलीन वेशभूषा के करीब वेशभूषा में या (यदि भूमिका की आवश्यकता होती है) विदूषक वेशभूषा में प्रदर्शन किया लोक वेशभूषा. फ्रांसीसी थिएटर में, पोशाक मध्यकालीन प्रहसन की परंपराओं का पालन करती थी।
पोशाक के क्षेत्र में यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ मोलिएरे में दिखाई दीं, जिन्होंने आधुनिक जीवन को समर्पित अपने नाटकों का मंचन करते समय विभिन्न वर्गों के लोगों की आधुनिक वेशभूषा का उपयोग किया। इंग्लैंड में ज्ञानोदय के युग के दौरान, अभिनेता डी. गैरिक ने पोशाक को दिखावटीपन और अर्थहीन शैलीकरण से मुक्त करने की मांग की। उन्होंने एक ऐसी पोशाक पेश की जो निभाई जा रही भूमिका से मेल खाती थी, जिससे नायक के चरित्र को प्रकट करने में मदद मिली। 18वीं शताब्दी में इटली में, हास्य कलाकार सी. गोल्डोनी ने धीरे-धीरे अपने नाटकों में विशिष्ट कमेडिया डेल'आर्टे मुखौटों को वास्तविक लोगों की छवियों से बदल दिया, साथ ही उचित वेशभूषा और श्रृंगार को भी बरकरार रखा। फ्रांस में, वोल्टेयर, जिन्हें अभिनेत्री क्लेयरन का समर्थन प्राप्त था, ने मंच की वेशभूषा में ऐतिहासिक और नृवंशविज्ञान सटीकता के लिए प्रयास किया। उन्होंने दुखद नायिकाओं की वेशभूषा की परंपराओं, चेहरे के बालों, पाउडर विग और कीमती गहनों के खिलाफ संघर्ष किया। फ़्रांसीसी अभिनेता ए. ने त्रासदी में पोशाक सुधार की बात को और भी आगे बढ़ाया। लेक्विन, जिन्होंने शैलीबद्ध "रोमन" पोशाक को संशोधित किया, ने पारंपरिक सुरंग को त्याग दिया, और मंच पर प्राच्य पोशाक को अपनाया। लेक्विन के लिए, पोशाक छवि को मनोवैज्ञानिक रूप से चित्रित करने का एक साधन थी। दूसरे भाग में पोशाक के विकास पर महत्वपूर्ण प्रभाव। 19 वीं सदी जर्मनी में गतिविधियाँ प्रदान की गईं। मेनिंगन थिएटर, जिसका प्रदर्शन उच्च उत्पादन संस्कृति और वेशभूषा की ऐतिहासिक सटीकता से प्रतिष्ठित था। हालाँकि, पोशाक की प्रामाणिकता ने मीनिंगेन लोगों के बीच आत्मनिर्भर महत्व हासिल कर लिया। ई. ज़ोला ने मंच पर सामाजिक परिवेश के सटीक पुनरुत्पादन की मांग की। प्रारंभिक वर्षों की सबसे बड़ी नाट्य हस्तियों की यही आकांक्षा थी। 20वीं सदी - ए. एंटोनी (फ्रांस), ओ. ब्रह्म (जर्मनी), जिन्होंने प्रदर्शन के डिजाइन में सक्रिय भाग लिया और प्रमुख कलाकारों को अपने थिएटरों में काम करने के लिए आकर्षित किया। प्रतीकवादी रंगमंच जो 90 के दशक में उभरा। फ्रांस में, नाटकीय दिनचर्या और प्रकृतिवाद के विरोध के नारे के तहत, उन्होंने यथार्थवादी कला के खिलाफ लड़ाई लड़ी। आधुनिकतावादी कलाकारों ने सरलीकृत, शैलीबद्ध सेट और वेशभूषा बनाई और रंगमंच को जीवन के यथार्थवादी चित्रण से दूर कर दिया। पहली रूसी पोशाक भैंसों द्वारा बनाई गई थी। उनकी पोशाक शहरी निम्न वर्गों और किसानों (काफ्तान, शर्ट, साधारण पैंट, बास्ट जूते) के कपड़ों की नकल करती थी और बहु-रंगीन सैश, लत्ता और उज्ज्वल कढ़ाई वाली टोपी से सजाई गई थी। शुरुआत में जो उभरा। 16 वीं शताब्दी चर्च थिएटर में, युवाओं की भूमिका निभाने वाले कलाकार सफेद कपड़े (सिर पर क्रॉस के साथ मुकुट) पहने हुए थे, कसदियों का चित्रण करने वाले अभिनेताओं ने छोटे कफ्तान और टोपी पहनी थी। स्कूल थिएटर प्रदर्शनों में पारंपरिक वेशभूषा का भी उपयोग किया जाता था; रूपक पात्रों के अपने प्रतीक थे: विश्वास एक क्रॉस के साथ दिखाई दिया, आशा एक लंगर के साथ, मंगल ग्रह एक तलवार के साथ। राजाओं की पोशाकें शाही गरिमा के आवश्यक गुणों से पूरित थीं। उसी सिद्धांत ने पहले के प्रदर्शन को अलग किया पेशेवर रंगमंच 17वीं शताब्दी में रूस में, ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में स्थापित, राजकुमारी नतालिया अलेक्सेवना और ज़ारिना प्रस्कोव्या फेडोरोव्ना के दरबार थिएटरों का प्रदर्शन। 18वीं सदी में रूस में क्लासिकिज्म का विकास। पोशाक में इस दिशा की सभी परंपराओं के संरक्षण के साथ था। अभिनेताओं ने वेशभूषा में प्रदर्शन किया जो प्राचीन पोशाक के तत्वों (पश्चिम में "रोमन" पोशाक के समान) के साथ फैशनेबल आधुनिक पोशाक का मिश्रण था; महान रईसों या राजाओं की भूमिका निभाने वालों ने शानदार पारंपरिक वेशभूषा पहनी थी। प्रारंभ में। 19 वीं सदी आधुनिक जीवन के प्रदर्शनों में फैशनेबल आधुनिक वेशभूषा का उपयोग किया गया;
ऐतिहासिक नाटकों में वेशभूषा अभी भी ऐतिहासिक रूप से सटीक नहीं थी।
19वीं सदी के मध्य में. अलेक्जेंड्रिन्स्की थिएटर और माली थिएटर के प्रदर्शन में, पोशाक में ऐतिहासिक सटीकता की इच्छा है। सदी के अंत में मॉस्को आर्ट थिएटर ने इस क्षेत्र में भारी सफलता हासिल की। महान थिएटर सुधारक स्टैनिस्लावस्की और नेमीरोविच-डैनचेंको ने, मॉस्को आर्ट थिएटर में काम करने वाले कलाकारों के साथ मिलकर, नाटक में दर्शाए गए युग और वातावरण, मंच नायक के चरित्र के साथ पोशाक का सटीक पत्राचार हासिल किया; कला रंगमंच में, मंचीय छवि बनाने के लिए पोशाक का बहुत महत्व था। कई रूसी थिएटरों में जल्दी। 20 वीं सदी लेखक, निर्देशक और अभिनेता के इरादों को व्यक्त करते हुए पोशाक वास्तव में एक कलात्मक कृति में बदल गई।
2.3 शोर डिजाइन
शोर डिज़ाइन मंच पर आसपास के जीवन की ध्वनियों का पुनरुत्पादन है। दृश्यों, प्रॉप्स और प्रकाश व्यवस्था के साथ, शोर डिज़ाइन एक पृष्ठभूमि बनाता है जो अभिनेताओं और दर्शकों को यह महसूस करने में मदद करता है कि वे नाटक की कार्रवाई के अनुरूप वातावरण में हैं, सही मूड बनाता है, और प्रदर्शन की लय और गति को प्रभावित करता है। पटाखे, गोलीबारी, लोहे की चादरों की खड़खड़ाहट, मंच के पीछे हथियारों की दस्तक और गड़गड़ाहट 16वीं-18वीं शताब्दी में पहले से ही प्रदर्शन के साथ थी। रूसी थिएटर भवनों के उपकरणों में ध्वनि उपकरणों की उपस्थिति से पता चलता है कि रूस में शोर नियंत्रण का उपयोग पहले से ही बीच में किया गया था। 18 वीं सदी
आधुनिक शोर डिज़ाइन ध्वनियों की प्रकृति में भिन्न है: प्रकृति की ध्वनियाँ (हवा, बारिश, आंधी, पक्षी); औद्योगिक शोर (कारखाना, निर्माण); परिवहन शोर (गाड़ी, ट्रेन, विमान); लड़ाई का शोर (घुड़सवार सेना, गोलीबारी, सैनिकों की आवाजाही); रोजमर्रा का शोर (घड़ियां, खनकते शीशे, चरमराहट)। प्रदर्शन की शैली और निर्णय के आधार पर शोर डिज़ाइन प्राकृतिक, यथार्थवादी, रोमांटिक, शानदार, अमूर्त-पारंपरिक, विचित्र हो सकता है। शोर डिज़ाइन को थिएटर के साउंड डिज़ाइनर या प्रोडक्शन विभाग द्वारा नियंत्रित किया जाता है। कलाकार आमतौर पर एक विशेष शोर टीम के सदस्य होते हैं, जिसमें अभिनेता भी शामिल होते हैं। सरल ध्वनि प्रभाव मंच कार्यकर्ताओं, प्रोप मास्टर्स आदि द्वारा किया जा सकता है। आधुनिक थिएटर में शोर नियंत्रण के लिए उपयोग किए जाने वाले उपकरण में विभिन्न आकार, जटिलता और उद्देश्यों के 100 से अधिक उपकरण होते हैं। ये उपकरण आपको बड़े स्थान का एहसास प्राप्त करने की अनुमति देते हैं; ध्वनि परिप्रेक्ष्य का उपयोग करके, आती और जाती ट्रेन या विमान के शोर का भ्रम पैदा किया जाता है। आधुनिक रेडियो तकनीक, विशेष रूप से स्टीरियोफोनिक उपकरण, शोर डिजाइन की कलात्मक सीमा और गुणवत्ता का विस्तार करने के लिए बेहतरीन अवसर प्रदान करते हैं, साथ ही प्रदर्शन के इस हिस्से को संगठनात्मक और तकनीकी रूप से सरल बनाते हैं।
2.4 मंच पर प्रकाश
मंच पर प्रकाश महत्वपूर्ण कलात्मक और उत्पादन साधनों में से एक है। प्रकाश क्रिया के स्थान और सेटिंग, परिप्रेक्ष्य को पुन: उत्पन्न करने और आवश्यक मनोदशा बनाने में मदद करता है; कभी-कभी आधुनिक प्रदर्शनों में प्रकाश ही सजावट का एकमात्र साधन होता है।
विभिन्न प्रकार की सजावट के लिए उपयुक्त प्रकाश तकनीक की आवश्यकता होती है। समतल प्राकृतिक सजावट के लिए सामान्य समान प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जो सामान्य प्रकाश उपकरणों (स्पॉटलाइट, रैंप, पोर्टेबल डिवाइस) द्वारा बनाई जाती है। वॉल्यूमेट्रिक सजावट से सजाए गए प्रदर्शनों के लिए स्थानीय (स्पॉटलाइट) प्रकाश की आवश्यकता होती है, जिससे हल्के विरोधाभास पैदा होते हैं जो जोर देते हैं डिज़ाइन की मात्रा.
मिश्रित प्रकार की सजावट का उपयोग करते समय तदनुसार मिश्रित प्रकाश व्यवस्था का उपयोग किया जाता है।
थिएटर प्रकाश उपकरण चौड़े, मध्यम और संकीर्ण प्रकाश बिखरने वाले कोणों के साथ निर्मित होते हैं, बाद वाले को स्पॉटलाइट कहा जाता है और मंच और पात्रों के अलग-अलग क्षेत्रों को रोशन करने के लिए उपयोग किया जाता है। स्थान के आधार पर, थिएटर स्टेज प्रकाश उपकरण को निम्नलिखित मुख्य प्रकारों में विभाजित किया गया है:
1) ओवरहेड प्रकाश उपकरण, जिसमें योजना के अनुसार कई पंक्तियों में मंच के खेल भाग के ऊपर निलंबित प्रकाश जुड़नार (स्पॉटलाइट, स्पॉटलाइट) शामिल हैं।
2) थिएटर क्षितिज को रोशन करने के लिए क्षैतिज प्रकाश उपकरण का उपयोग किया जाता है।
3) साइड लाइटिंग उपकरण, जिसमें आमतौर पर पोर्टल दृश्यों, साइड लाइटिंग गैलरी पर स्थापित स्पॉटलाइट-प्रकार के उपकरण शामिल होते हैं
4) रिमोट लाइटिंग उपकरण, जिसमें सभागार के विभिन्न हिस्सों में मंच के बाहर स्थापित स्पॉटलाइट शामिल हैं। रिमोट लाइटिंग में एक रैंप भी शामिल है।
5) पोर्टेबल प्रकाश उपकरण, जिसमें विभिन्न प्रकार के उपकरण शामिल हैं, प्रदर्शन की प्रत्येक क्रिया के लिए मंच पर स्थापित किए गए हैं (आवश्यकताओं के आधार पर)।
6) विभिन्न विशेष प्रकाश व्यवस्था और प्रक्षेपण उपकरण। थिएटर अक्सर विभिन्न प्रकार के विशेष प्रयोजन वाले प्रकाश उपकरणों (सजावटी झूमर, कैंडेलब्रा, लैंप, मोमबत्तियाँ, लालटेन, आग, मशाल) का उपयोग करता है, जो प्रदर्शन को डिजाइन करने वाले कलाकार के रेखाचित्रों के अनुसार बनाए जाते हैं।
कलात्मक उद्देश्यों (मंच पर वास्तविक प्रकृति का पुनरुत्पादन) के लिए, एक रंग मंच प्रकाश प्रणाली का उपयोग किया जाता है, जिसमें विभिन्न रंगों के प्रकाश फिल्टर शामिल होते हैं। प्रकाश फिल्टर ग्लास या फिल्म हो सकते हैं। प्रदर्शन के दौरान रंग परिवर्तन किए जाते हैं: ए) एक फिल्टर रंग वाले प्रकाश उपकरणों से अन्य रंगों वाले उपकरणों में क्रमिक संक्रमण के माध्यम से; बी) एक साथ संचालित होने वाले कई उपकरणों के रंग जोड़ना; ग) प्रकाश जुड़नार में प्रकाश फिल्टर बदलना। किसी प्रदर्शन के डिज़ाइन में प्रकाश प्रक्षेपण का बहुत महत्व है। इसकी मदद से, विभिन्न गतिशील प्रक्षेपण प्रभाव बनाए जाते हैं (बादल, लहरें, बारिश, गिरती बर्फ, आग, विस्फोट, चमक, उड़ते पक्षी, हवाई जहाज, नौकायन जहाज) या स्थिर छवियां जो सजावट के सुरम्य विवरण (प्रकाश प्रक्षेपण सजावट) को प्रतिस्थापित करती हैं। . प्रकाश प्रक्षेपण का उपयोग प्रदर्शन में प्रकाश की भूमिका को असामान्य रूप से विस्तारित करता है और इसकी कलात्मक संभावनाओं को समृद्ध करता है। कभी-कभी फिल्म प्रक्षेपण का भी उपयोग किया जाता है। प्रकाश किसी प्रदर्शन का पूर्ण कलात्मक घटक तभी हो सकता है जब उस पर केंद्रीकृत नियंत्रण की लचीली व्यवस्था हो। इस प्रयोजन के लिए, सभी स्टेज प्रकाश उपकरणों की बिजली आपूर्ति को अलग-अलग प्रकाश उपकरणों या उपकरण और स्थापित प्रकाश फिल्टर के अलग-अलग रंगों से संबंधित लाइनों में विभाजित किया गया है। आधुनिक मंच पर 200-300 तक लाइनें होती हैं। प्रकाश को नियंत्रित करने के लिए, प्रत्येक व्यक्तिगत पंक्ति में और उनके किसी भी संयोजन में, चमकदार प्रवाह को चालू करना, बंद करना और बदलना आवश्यक है। इस प्रयोजन के लिए, प्रकाश नियंत्रण इकाइयाँ हैं, जो मंच उपकरण का एक आवश्यक तत्व हैं। लैंप के चमकदार प्रवाह को ऑटोट्रांसफॉर्मर, थायरट्रॉन, चुंबकीय एम्पलीफायरों या अर्धचालक उपकरणों का उपयोग करके नियंत्रित किया जाता है जो प्रकाश सर्किट के वर्तमान या वोल्टेज को बदलते हैं। कई स्टेज लाइटिंग सर्किटों को नियंत्रित करने के लिए, जटिल यांत्रिक उपकरण होते हैं जिन्हें आमतौर पर थिएटर नियंत्रण कहा जाता है। ऑटोट्रांसफॉर्मर या चुंबकीय एम्पलीफायर वाले विद्युत नियामक सबसे व्यापक हैं। वर्तमान में, विद्युत मल्टी-प्रोग्राम नियंत्रक व्यापक होते जा रहे हैं; उनकी सहायता से मंच प्रकाश नियंत्रण में असाधारण लचीलापन प्राप्त होता है। ऐसी प्रणाली का मूल सिद्धांत यह है कि नियामक स्थापना प्रदर्शन के कई दृश्यों या क्षणों के लिए प्रकाश संयोजनों के प्रारंभिक सेट की अनुमति देती है, जिसके बाद किसी भी क्रम में और किसी भी गति से मंच पर उनका पुनरुत्पादन होता है। महान प्रकाश गतिशीलता और तीव्र परिवर्तनों के साथ जटिल आधुनिक बहु-दृश्य प्रदर्शनों को प्रकाश में लाते समय यह विशेष रूप से महत्वपूर्ण है।
2.5 चरण प्रभाव
स्टेज प्रभाव (लैटिन इफ़ेक्टस से - प्रदर्शन) - विशेष उपकरणों और उपकरणों की मदद से बनाई गई उड़ानों, मार्ग, बाढ़, आग, विस्फोट का भ्रम। प्राचीन रंगमंच में मंच प्रभावों का उपयोग पहले से ही किया जाता था। रोमन साम्राज्य के युग के दौरान, व्यक्तिगत मंच प्रभावों को माइम प्रदर्शन में पेश किया गया था। 14वीं-16वीं शताब्दी के धार्मिक विचार प्रभाव से ओत-प्रोत थे। इसलिए, उदाहरण के लिए, रहस्यों का मंचन करते समय, विशेष "चमत्कारों के स्वामी" कई नाटकीय प्रभावों की व्यवस्था करने के प्रभारी थे। 16वीं-17वीं शताब्दी के दरबार और सार्वजनिक थिएटरों में। नाट्य तंत्र के उपयोग के आधार पर विभिन्न मंच प्रभावों के साथ एक प्रकार का शानदार प्रदर्शन स्थापित किया गया था। मशीनिस्ट और डेकोरेटर का कौशल, जिन्होंने सभी प्रकार की एपोथेसिस, उड़ानें और परिवर्तन बनाए, इन प्रदर्शनों में सामने आए। इस तरह के शानदार मनोरंजन की परंपराओं को बाद की शताब्दियों के थिएटर अभ्यास में बार-बार पुनर्जीवित किया गया।
आधुनिक रंगमंच में, मंच प्रभावों को ध्वनि, प्रकाश (प्रकाश और फिल्म प्रक्षेपण) और यांत्रिक में विभाजित किया गया है। ध्वनि (शोर) प्रभावों की मदद से, आसपास के जीवन की आवाज़ों को मंच पर पुन: पेश किया जाता है - प्रकृति की आवाज़ (हवा, बारिश, आंधी, पक्षियों का गाना), औद्योगिक शोर (कारखाना, निर्माण स्थल, आदि), परिवहन शोर (ट्रेन, विमान), लड़ाई का शोर (घुड़सवार सेना की आवाजाही, शॉट्स), घरेलू शोर (घड़ियां, कांच की खनक, चरमराहट)।
प्रकाश प्रभावों में शामिल हैं:
1) प्राकृतिक प्रकाश के सभी प्रकार के अनुकरण (दिन, सुबह, रात, विभिन्न प्राकृतिक घटनाओं के दौरान देखी जाने वाली रोशनी - सूर्योदय और सूर्यास्त, साफ बादल आकाश, तूफान, आदि);
2) भारी बारिश, घूमते बादल, आग की धधकती चमक, गिरते पत्ते, बहता पानी आदि का भ्रम पैदा करना।
पहले समूह के प्रभाव प्राप्त करने के लिए, वे आमतौर पर तीन-रंग प्रकाश व्यवस्था का उपयोग करते हैं - सफेद, लाल, नीला, जो सभी आवश्यक संक्रमणों के साथ लगभग कोई भी स्वर देता है। और भी अधिक समृद्ध और अधिक लचीला रंगो की पटिया(सभी संभावित रंगों की बारीकियों के साथ) मूल वर्णक्रमीय संरचना के अनुरूप चार रंगों (पीला, लाल, नीला, हरा) का संयोजन देता है सफ़ेद रोशनी. दूसरे समूह के प्रकाश प्रभाव प्राप्त करने की विधियाँ मुख्य रूप से प्रकाश प्रक्षेपण के उपयोग तक आती हैं। दर्शक द्वारा प्राप्त इंप्रेशन की प्रकृति के अनुसार, प्रकाश प्रभाव को स्थिर (गतिहीन) और गतिशील में विभाजित किया जाता है।
स्थिर प्रकाश प्रभाव के प्रकार
बिजली - एक वोल्टाइक आर्क के तत्काल फ्लैश द्वारा दी जाती है, जो मैन्युअल रूप से या स्वचालित रूप से उत्पन्न होती है। में पिछले साल काउच्च तीव्रता वाले इलेक्ट्रॉनिक फोटो फ्लैश व्यापक हो गए।
सितारे - बड़ी संख्या में टॉर्च बल्बों का उपयोग करके चित्रित, नकल की गई अलग - अलग रंगऔर विभिन्न चमक तीव्रता वाले। प्रकाश बल्ब और उन्हें विद्युत आपूर्ति एक काले रंग की जाली पर लगाई जाती है, जिसे रॉड की छड़ से लटकाया जाता है।
चंद्रमा - क्षितिज पर संबंधित प्रकाश छवि को प्रक्षेपित करके, साथ ही चंद्रमा की नकल करने वाले एक उभरे हुए मॉडल का उपयोग करके बनाया गया है।
बिजली - पृष्ठभूमि या पैनोरमा में एक संकीर्ण ज़िगज़ैग स्लिट काटा जाता है। पारभासी सामग्री से आच्छादित, एक सामान्य पृष्ठभूमि के रूप में प्रच्छन्न, इस अंतराल को शक्तिशाली लैंप या फोटो फ्लैश का उपयोग करके सही समय पर पीछे से रोशन किया जाता है; प्रकाश का अचानक टेढ़ा-मेढ़ा वांछित भ्रम देता है। बिजली के प्रभाव को विशेष रूप से निर्मित बिजली के मॉडल का उपयोग करके भी प्राप्त किया जा सकता है, जिसमें रिफ्लेक्टर और प्रकाश उपकरण लगे होते हैं।
एक इंद्रधनुष एक चाप स्पॉटलाइट की एक संकीर्ण किरण के प्रक्षेपण द्वारा बनाया जाता है, जिसे पहले एक ऑप्टिकल प्रिज्म (जो सफेद प्रकाश को उसके घटक वर्णक्रमीय रंगों में विघटित करता है) के माध्यम से पारित किया जाता है, और फिर एक चाप के आकार के स्लिट (द) के साथ एक स्लाइड "मास्क" के माध्यम से पारित किया जाता है। उत्तरार्द्ध प्रक्षेपण छवि की प्रकृति को स्वयं निर्धारित करता है)।
संकीर्ण, स्लिट-आकार वाले नोजल के साथ बड़ी संख्या में शक्तिशाली लैंप लेंस लालटेन का उपयोग करके कोहरे को प्राप्त किया जाता है जो लालटेन के आउटलेट पर फिट होते हैं और एक विस्तृत पंखे के आकार का समतल प्रकाश वितरण प्रदान करते हैं। रेंगते कोहरे का चित्रण करते समय सबसे बड़ा प्रभाव तथाकथित सूखी बर्फ वाले उपकरण के माध्यम से गर्म भाप प्रवाहित करके प्राप्त किया जा सकता है।
गतिशील प्रकाश प्रभाव के प्रकार
उग्र विस्फोट, एक ज्वालामुखी विस्फोट - पानी की एक पतली परत का उपयोग करके प्राप्त किया जाता है, जो एक छोटे संकीर्ण मछलीघर-प्रकार के बर्तन की दो समानांतर कांच की दीवारों के बीच घिरा होता है, जिसमें एक साधारण पिपेट का उपयोग करके ऊपर से लाल या काले वार्निश की बूंदें छोड़ी जाती हैं। पानी में गिरने वाली भारी बूंदें, जब धीरे-धीरे नीचे की ओर उतारी जाती हैं, तो सभी दिशाओं में व्यापक रूप से फैल जाती हैं, अधिक से अधिक जगह घेरती हैं और स्क्रीन पर उल्टे रूप में (यानी नीचे से ऊपर की ओर) प्रक्षेपित होती हैं, जिससे वांछित घटना की प्रकृति पुन: उत्पन्न हो जाती है। . इन प्रभावों का भ्रम एक अच्छी तरह से निष्पादित सजावटी पृष्ठभूमि (एक गड्ढे की छवि, एक जलती हुई इमारत का कंकाल, बंदूकों के सिल्हूट, आदि) द्वारा बढ़ाया जाता है।
तरंगें विशेष उपकरणों (क्रोमोट्रोप्स) या दोहरी समानांतर पारदर्शिता के साथ प्रक्षेपणों का उपयोग करके की जाती हैं, साथ ही एक दूसरे के विपरीत दिशा में ऊपर या नीचे चलती हैं। यांत्रिक तरीकों से तरंगों की सबसे सफल व्यवस्था का एक उदाहरण: क्रैंकशाफ्ट के जोड़े की आवश्यक संख्या मंच के दाएं और बाएं तरफ स्थित है; मंच के एक तरफ से दूसरे तक शाफ्ट की कनेक्टिंग छड़ों के बीच, समुद्र को चित्रित करने वाले चित्रमय पैनलों के साथ रस्सियाँ होती हैं। “जब क्रैंकशाफ्ट घूमते हैं, तो कुछ पैनल ऊपर उठते हैं, अन्य नीचे जाते हैं, एक-दूसरे को ओवरलैप करते हुए।
बर्फबारी तथाकथित "मिरर बॉल" द्वारा की जाती है, जिसकी सतह दर्पण के छोटे टुकड़ों से पंक्तिबद्ध होती है। इस बहुमुखी गोलाकार सतह पर एक निश्चित कोण पर प्रकाश की एक मजबूत केंद्रित किरण (स्पॉटलाइट या लेंस लालटेन से निकलने वाली) को निर्देशित करके और इसे अपने क्षैतिज अक्ष के चारों ओर घुमाने के कारण, अनंत संख्या में छोटे परावर्तित "बन्नीज़" बनते हैं। बर्फ के टुकड़े गिरने का आभास पैदा करते हुए प्राप्त किया। इस घटना में कि प्रदर्शन के दौरान "बर्फ" अभिनेता के कंधों पर गिरती है या जमीन को ढक देती है, इसे सफेद कागज के बारीक कटे टुकड़ों से बनाया जाता है। विशेष बैग (जो संक्रमण पुलों पर रखे गए हैं) से गिरते हुए, "बर्फ" धीरे-धीरे स्पॉटलाइट में घूमती है, जिससे वांछित प्रभाव पैदा होता है।
ट्रेन की गति ऑप्टिकल टॉर्च के लेंस के सामने क्षैतिज रूप से चलती हुई संबंधित छवियों के साथ लंबे स्लाइड फ्रेम का उपयोग करके की जाती है। प्रकाश प्रक्षेपण को अधिक लचीले ढंग से नियंत्रित करने और इसे दृश्यों के वांछित हिस्से तक निर्देशित करने के लिए, अक्सर व्यक्त उपकरणों पर लेंस के पीछे एक छोटा चल दर्पण स्थापित किया जाता है, जो लालटेन द्वारा निर्मित छवि को दर्शाता है।
यांत्रिक प्रभावों में विभिन्न प्रकार की उड़ानें, विफलताएं, मिलें, हिंडोले, जहाज, नावें शामिल हैं। थिएटर में उड़ान को आमतौर पर एक कलाकार की गतिशील गति (तथाकथित मानक उड़ानें) या स्टेज बोर्ड के ऊपर प्रॉप्स कहा जाता है।
प्रोप उड़ानें (क्षैतिज और विकर्ण दोनों) उड़ान गाड़ी को केबल ट्रैक के साथ गाड़ी के छल्ले से बंधे लेस और केबलों का उपयोग करके ले जाकर की जाती हैं। क्षैतिज केबल को मंच दर्पण के ऊपर विपरीत कार्यशील दीर्घाओं के बीच फैलाया जाता है। विपरीत और विभिन्न स्तर की कार्यशील दीर्घाओं के बीच विकर्ण को मजबूत किया जाता है। ऊपर से नीचे तक विकर्ण उड़ान का संचालन करते समय, वस्तु के गुरुत्वाकर्षण द्वारा निर्मित ऊर्जा का उपयोग किया जाता है। नीचे से ऊपर तक विकर्ण रूप से उड़ान अक्सर काउंटरवेट के मुक्त गिरावट की ऊर्जा के कारण की जाती है। गाइड रस्सी के लिए रेत के बैग और छल्ले को काउंटरवेट के रूप में उपयोग किया जाता है। बैग का वजन प्रोप उत्पाद और गाड़ी के वजन से अधिक होना चाहिए। काउंटरवेट एक केबल से बंधा होता है, जिसका विपरीत सिरा फ्लाइट कैरिज से जुड़ा होता है। लाइव उड़ानें केबल या स्थिर सड़क के साथ-साथ रबर शॉक अवशोषक की मदद से की जाती हैं। केबल ट्रैक के उड़ान उपकरण में मंच के विपरीत किनारों के बीच फैला एक क्षैतिज केबल ट्रैक, एक उड़ान गाड़ी, एक चरखी ब्लॉक और दो ड्राइव होते हैं (एक गाड़ी को सड़क पर ले जाने के लिए, दूसरा कलाकार को उठाने और कम करने के लिए) . मंच के एक तरफ से दूसरी तरफ क्षैतिज उड़ान करते समय, उड़ान गाड़ी पर्दे के पीछे पहले से स्थापित होती है। इसके बाद ब्लॉक को उड़ने वाली रस्सी से नीचे उतारा जाता है। कैरबिनर का उपयोग करके, केबल को कलाकार के सूट के नीचे स्थित एक विशेष फ्लाइट बेल्ट से बांधा जाता है। प्रदर्शन का नेतृत्व करने वाले निर्देशक के संकेत पर, कलाकार निर्धारित ऊंचाई तक उठता है और, आदेश पर, विपरीत दिशा में "उड़" जाता है। मंच के पीछे, उसे टैबलेट के नीचे उतारा जाता है और केबल से मुक्त कर दिया जाता है। केबल ट्रैक पर एक उड़ान उपकरण का उपयोग करके, दोनों ड्राइव के एक साथ संचालन और सही गति अनुपात का कुशलतापूर्वक उपयोग करके, पोर्टल आर्क के समानांतर एक विमान में विभिन्न प्रकार की उड़ानें करना संभव है - नीचे से ऊपर तक विकर्ण उड़ानें या ऊपर से नीचे तक, मंच के एक तरफ से दूसरे तक, पंखों से मंच के केंद्र तक या मंच के पीछे के दृश्यों से, आदि।
रबर शॉक अवशोषक के साथ एक उड़ान उपकरण एक पेंडुलम के सिद्धांत पर आधारित है जो घूमता है और साथ ही नीचे और ऊपर उठता है। रबर शॉक अवशोषक झटके को रोकता है और एक सुचारू उड़ान पथ सुनिश्चित करता है। इस तरह के उपकरण में दो ग्रेट ब्लॉक, दो डिफ्लेक्शन ड्रम (फ्लाइट केबल के दोनों किनारों पर ग्रेट के नीचे स्थापित), एक काउंटरवेट और एक फ्लाइट केबल होते हैं। इस केबल का एक सिरा, काउंटरवेट के ऊपरी भाग से जुड़ा हुआ, दो ग्रेट ब्लॉकों के चारों ओर जाता है और विक्षेपित ड्रमों के माध्यम से टैबलेट के स्तर तक उतारा जाता है, जहां इसे कलाकार की बेल्ट से बांध दिया जाता है। 14 मिमी व्यास वाला एक शॉक-अवशोषित कॉर्ड काउंटरवेट के नीचे से बंधा हुआ है, दूसरा छोर स्टेज बोर्ड की धातु संरचना से जुड़ा हुआ है। उड़ान दो रस्सियों (25-40 मिमी व्यास) का उपयोग करके की जाती है। उनमें से एक काउंटरवेट के नीचे से बंधा हुआ है और टैबलेट पर स्वतंत्र रूप से गिरता है; दूसरा, काउंटरवेट के शीर्ष से बंधा हुआ, लंबवत उठता है, ऊपरी बैकस्टेज ब्लॉक के चारों ओर जाता है और स्वतंत्र रूप से टैबलेट पर गिरता है। पूरे चरण में (उड़ान के माध्यम से) उड़ान के लिए, ग्रेट फ्लाइट यूनिट को मंच के केंद्र में स्थापित किया जाता है, छोटी उड़ान के लिए - ड्राइव डिवाइस के करीब। देखने में, रबर शॉक अवशोषक उपकरण का उपयोग करके उड़ान मुक्त, तेजी से उड़ने वाली लगती है। दर्शकों की आंखों के सामने, उड़ान 180 तक अपनी दिशा बदलती है, और कई उड़ान उपकरणों के एक साथ उपयोग के मामले में, मंच के एक तरफ या दूसरे से अंतहीन टेकऑफ़ और लैंडिंग की छाप बनती है। पूरे चरण में एक उड़ान मंच के मध्य और पीछे की दूसरी उड़ान से मेल खाती है, एक उड़ान ऊपर की ओर - एक उड़ान नीचे की ओर, एक उड़ान बाईं ओर - एक उड़ान दाईं ओर।
2.6 श्रृंगार
मेकअप (फ़्रेंच ग्राइम, पुराने इतालवी ग्रिमो से - झुर्रीदार) मेकअप पेंट (तथाकथित मेकअप), प्लास्टिक और बाल स्टिकर, एक विग की मदद से एक अभिनेता की उपस्थिति, विशेष रूप से उसके चेहरे को बदलने की कला है , निभाई जा रही भूमिका की आवश्यकताओं के अनुसार केश और अन्य चीजें। मेकअप पर एक अभिनेता के काम का उसकी छवि पर काम से गहरा संबंध होता है। मेकअप, एक अभिनेता की छवि बनाने के साधनों में से एक के रूप में, नाटक के विकास और कला में सौंदर्यवादी प्रवृत्तियों के संघर्ष के साथ अपने विकास में जुड़ा हुआ है। मेकअप की प्रकृति पर निर्भर करता है कलात्मक विशेषताएंनाटक और उसके चित्र, अभिनेता की अवधारणा, निर्देशक की अवधारणा और प्रदर्शन की शैली से।
मेकअप बनाने की प्रक्रिया में, पोशाक महत्वपूर्ण होती है, जो मेकअप के चरित्र और रंग योजना को प्रभावित करती है। मेकअप की अभिव्यक्ति काफी हद तक मंच की रोशनी पर निर्भर करती है: यह जितना उज्ज्वल होगा, मेकअप उतना ही नरम होगा, और इसके विपरीत इसके विपरीत, कम रोशनी में कठोर मेकअप की आवश्यकता होती है।
मेकअप लगाने का क्रम: सबसे पहले, चेहरे को पोशाक के कुछ विवरणों (टोपी, दुपट्टा, आदि) से सजाया जाता है, फिर नाक और अन्य स्टिकर चिपकाए जाते हैं, एक विग लगाया जाता है या किसी के खुद का केश बनाया जाता है। बाल, दाढ़ी और मूंछें चिपकाई जाती हैं, और केवल अंत में पेंट के साथ मेकअप लगाया जाता है। मेकअप की कला अभिनेता के चेहरे की संरचना, उसकी शारीरिक रचना, मांसपेशियों के स्थान, सिलवटों, उभारों और गड्ढों के अध्ययन पर आधारित है। अभिनेता को पता होना चाहिए कि बुढ़ापे में चेहरे में क्या बदलाव आते हैं, साथ ही एक युवा चेहरे की विशिष्ट विशेषताएं और सामान्य स्वर भी पता होना चाहिए। उम्र से संबंधित मेकअप के अलावा, थिएटर में, विशेष रूप से हाल के वर्षों में, तथाकथित "राष्ट्रीय" मेकअप व्यापक हो गया है, जिसका उपयोग पूर्व (एशिया, अफ्रीका) के लोगों के जीवन को समर्पित प्रदर्शनों में किया जाता है। आदि। इन श्रृंगारों को लागू करते समय, चेहरे के हिस्से के आकार और संरचना, और एक या किसी अन्य राष्ट्रीयता के प्रतिनिधियों के क्षैतिज और ऊर्ध्वाधर प्रोफाइल को भी ध्यान में रखना आवश्यक है। क्षैतिज प्रोफ़ाइल ज़िगोमैटिक हड्डियों के प्रोट्रूशियंस की तीव्रता से निर्धारित होती है, ऊर्ध्वाधर - जबड़े के प्रोट्रूशियंस द्वारा। राष्ट्रीय श्रृंगार में आवश्यक विशेषताएं हैं: नाक का आकार, होंठ की मोटाई, आंखों का रंग, आकार, सिर पर बालों का रंग और लंबाई, आकार, दाढ़ी, मूंछें, त्वचा का रंग। साथ ही, इन श्रृंगारों में चरित्र के व्यक्तिगत डेटा को ध्यान में रखना आवश्यक है: आयु, सामाजिक स्थिति, पेशा, युग, आदि।
प्रत्येक भूमिका के लिए मेकअप का निर्धारण करने में अभिनेता और कलाकार के लिए सबसे महत्वपूर्ण रचनात्मक स्रोत आसपास के जीवन का अवलोकन, लोगों की उपस्थिति की विशिष्ट विशेषताओं का अध्ययन, चरित्र और व्यक्ति के प्रकार, उसकी आंतरिक स्थिति आदि के साथ उनका संबंध है। मेकअप की कला के लिए मेकअप की तकनीक में महारत हासिल करने की क्षमता, मेकअप पेंट, हेयर प्रोडक्ट्स (विग, दाढ़ी, मूंछें), वॉल्यूमेट्रिक मोल्डिंग और स्टिकर का उपयोग करने की क्षमता की आवश्यकता होती है। मेकअप पेंट अभिनेता के चेहरे को बदलने के लिए चित्रकारी तकनीकों का उपयोग करना संभव बनाता है। सामान्य स्वर, छाया, हाइलाइट्स जो अवसाद और उभार की छाप पैदा करते हैं, स्ट्रोक जो चेहरे पर सिलवटों का निर्माण करते हैं, आंखों, भौंहों, होंठों के आकार और चरित्र को बदलते हुए, अभिनेता के चेहरे को एक पूरी तरह से अलग चरित्र दे सकते हैं। केश, विग, किसी पात्र का रूप बदलना, उसकी ऐतिहासिक, सामाजिक संबद्धता निर्धारित करते हैं और पात्र के चरित्र को निर्धारित करने के लिए भी महत्वपूर्ण हैं। चेहरे के आकार को महत्वपूर्ण रूप से बदलने के लिए, जिसे अकेले पेंट से हासिल नहीं किया जा सकता है, वॉल्यूमेट्रिक मोल्डिंग और स्टिकर का उपयोग किया जाता है। चिपचिपे रंग के चिपकने वाले पैच का उपयोग करके चेहरे के निष्क्रिय हिस्सों में बदलाव किया जाता है। गालों, ठुड्डी और गर्दन को मोटा करने के लिए रूई, निटवेअर, गॉज और मांस के रंग के क्रेप से बने स्टिकर का उपयोग किया जाता है।
2.7 मास्क
एक मुखौटा (लेट लैटिन मस्कस से, मस्का - मुखौटा) कुछ छवि (चेहरा, जानवर का थूथन, एक पौराणिक प्राणी का सिर, आदि) के साथ एक विशेष ओवरले है, जिसे अक्सर चेहरे पर पहना जाता है। मास्क कागज, पपीयर-मैचे और अन्य सामग्रियों से बनाए जाते हैं। मुखौटों का उपयोग प्राचीन काल में अनुष्ठानों (श्रम प्रक्रियाओं, जानवरों के पंथ, दफन आदि से जुड़े) में शुरू हुआ। बाद में, थिएटर में अभिनेता के श्रृंगार के एक तत्व के रूप में मुखौटे का उपयोग शुरू हुआ। एक नाटकीय पोशाक के साथ संयोजन में, मुखौटा एक मंच छवि बनाने में मदद करता है। प्राचीन थिएटर में, मुखौटे को एक विग से जोड़ा जाता था और सिर के ऊपर पहना जाता था, जिससे आंखों और मुंह के लिए छेद वाला हेलमेट जैसा कुछ बन जाता था। अभिनेता की आवाज़ को बेहतर बनाने के लिए, मास्क-हेलमेट अंदर से धातु के अनुनादकों से सुसज्जित था। ऐसे पोशाक मुखौटे हैं, जहां मुखौटा पोशाक से अविभाज्य है, और ऐसे मुखौटे हैं जो हाथों में पकड़े जाते हैं या उंगलियों पर रखे जाते हैं।

साहित्य
1. बरकोव वी.एस., प्रदर्शन का प्रकाश डिजाइन, एम., 1993. - 70 पी।
2. पेट्रोव ए.ए., नाट्य मंच डिजाइन, सेंट पीटर्सबर्ग, 1991. - 126 पी।
3. स्टैनिस्लावस्की के.एस., माई लाइफ इन आर्ट, वर्क्स, खंड 1, एम., 1954, पृ. 113-125

नॉलेज बेस में अपना अच्छा काम भेजना आसान है। नीचे दिए गए फॉर्म का उपयोग करें

छात्र, स्नातक छात्र, युवा वैज्ञानिक जो अपने अध्ययन और कार्य में ज्ञान आधार का उपयोग करते हैं, आपके बहुत आभारी होंगे।

क्रीमिया स्वायत्त गणराज्य के शिक्षा मंत्रालय

क्रीमिया राज्य इंजीनियरिंग और शैक्षणिक विश्वविद्यालय

संकाय मनोवैज्ञानिक-शैक्षिक

प्राथमिक शिक्षा पद्धति विभाग

परीक्षा

अनुशासन से

शिक्षण विधियों के साथ कोरियोग्राफिक, मंच और स्क्रीन कला

नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन

छात्र मिकुलस्काइट एस.आई.

सिम्फ़रोपोल

2007-2008 शैक्षणिक वर्ष वर्ष।

2. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के मूल साधन

सजावट

रंगमंच की पोशाक

शोर डिज़ाइन

मंच पर प्रकाश

स्टेज प्रभाव

साहित्य

1. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के साधन के रूप में सजावटी कला की अवधारणा

सजावटी कला नाटकीय कला में अभिव्यक्ति के सबसे महत्वपूर्ण साधनों में से एक है; यह दृश्यों और वेशभूषा, प्रकाश व्यवस्था और मंचन तकनीकों के माध्यम से प्रदर्शन की एक दृश्य छवि बनाने की कला है। प्रभाव के ये सभी दृश्य साधन एक नाटकीय प्रदर्शन के जैविक घटक हैं, इसकी सामग्री के प्रकटीकरण में योगदान करते हैं और इसे एक निश्चित भावनात्मक ध्वनि देते हैं। सजावटी कला के विकास का रंगमंच और नाटक के विकास से गहरा संबंध है।

सबसे प्राचीन लोक अनुष्ठानों और खेलों में सजावटी कला (पोशाक, मुखौटे, सजावटी पर्दे) के तत्व शामिल थे। प्राचीन यूनानी रंगमंच में पहले से ही 5वीं शताब्दी में। ईसा पूर्व ई., स्केना इमारत के अलावा, जो अभिनेताओं के प्रदर्शन के लिए एक वास्तुशिल्प पृष्ठभूमि के रूप में काम करती थी, वहाँ त्रि-आयामी दृश्य थे, और फिर सुरम्य दृश्य पेश किए गए थे। ग्रीक सजावटी कला के सिद्धांतों को प्राचीन रोम के थिएटर द्वारा अपनाया गया था, जहां पर्दे का पहली बार उपयोग किया गया था।

मध्य युग के दौरान, शुरू में सजावटी पृष्ठभूमि की भूमिका चर्च के अंदरूनी हिस्से द्वारा निभाई जाती थी, जहाँ धार्मिक नाटक खेला जाता था। यहां पहले से ही मध्ययुगीन रंगमंच की विशेषता, एक साथ दृश्यों का मूल सिद्धांत लागू होता है, जब कार्रवाई के सभी दृश्य एक साथ दिखाए जाते हैं। यह सिद्धांत मध्यकालीन रंगमंच की मुख्य शैली - रहस्य - में और विकसित हुआ है। सभी प्रकार के रहस्यमय दृश्यों में सबसे अधिक ध्यान "स्वर्ग" की सजावट पर दिया गया था, जिसे हरियाली, फूलों और फलों से सजाए गए गज़ेबो के रूप में दर्शाया गया था, और "नरक" को ड्रैगन के खुले मुंह के रूप में दर्शाया गया था। त्रि-आयामी सजावट के साथ, सुरम्य सजावट (तारों वाले आकाश की छवि) का भी उपयोग किया गया था। डिज़ाइन में कुशल कारीगर शामिल थे - चित्रकार, नक्काशी करने वाले, गिल्डर; पहला थिएटर. मशीन चलाने वाले घड़ीसाज़ थे। प्राचीन लघुचित्र, उत्कीर्णन और चित्र रहस्यों के मंचन के विभिन्न प्रकारों और तकनीकों का एक विचार देते हैं। इंग्लैंड में, तमाशा पर प्रदर्शन, जो एक गाड़ी पर स्थापित एक मोबाइल दो मंजिला बूथ था, सबसे व्यापक हो गया। प्रदर्शन ऊपरी मंजिल पर हुआ, और निचली मंजिल अभिनेताओं के लिए कपड़े बदलने की जगह के रूप में काम करती थी। इस गोलाकार या कुंडलाकार प्रकार की मंच संरचना ने प्राचीन युग से संरक्षित एम्फीथिएटर का उपयोग मंच रहस्यों के लिए करना संभव बना दिया। रहस्यों के तीसरे प्रकार का डिज़ाइन मंडपों की तथाकथित प्रणाली थी (ल्यूसर्न, स्विटजरलैंड और डोनौशिंगन, जर्मनी में 16वीं शताब्दी के रहस्यमय प्रदर्शन) - पूरे क्षेत्र में बिखरे हुए खुले घर जिनमें रहस्यमय एपिसोड की कार्रवाई सामने आती थी। 16वीं सदी के स्कूल थिएटर में। पहली बार, कार्रवाई के स्थान एक पंक्ति में नहीं, बल्कि मंच के तीन किनारों के समानांतर स्थित हैं।

एशिया में नाट्य प्रदर्शन के पंथ आधार ने कई शताब्दियों तक पारंपरिक मंच डिजाइन पर प्रभुत्व स्थापित किया, जब व्यक्तिगत प्रतीकात्मक विवरण ने कार्रवाई के दृश्य को निर्दिष्ट किया। दृश्यों की कमी की भरपाई कुछ मामलों में सजावटी पृष्ठभूमि, वेशभूषा की समृद्धि और विविधता, मेकअप मुखौटों की उपस्थिति से की गई, जिनके रंग का एक प्रतीकात्मक अर्थ था। 14वीं शताब्दी में जापान में विकसित मुखौटों के सामंती-अभिजात संगीत थिएटर में, एक विहित प्रकार का डिज़ाइन बनाया गया था: मंच की पिछली दीवार पर, एक अमूर्त सुनहरी पृष्ठभूमि पर, एक देवदार के पेड़ को चित्रित किया गया था - का प्रतीक दीर्घायु; ढके हुए पुल के छज्जे के सामने, बाईं ओर मंच की गहराई में स्थित और अभिनेताओं और संगीतकारों के मंच में प्रवेश करने के उद्देश्य से, तीन छोटे देवदार के पेड़ों की छवियां रखी गई थीं

15 पर - प्रारंभ करें। 16वीं शताब्दी इटली में एक नए प्रकार की थिएटर इमारत और मंच दिखाई देता है। प्रमुख कलाकारों और वास्तुकारों ने नाट्य प्रस्तुतियों के डिजाइन में भाग लिया - लियोनार्डो दा विंची, राफेल, ए. मेन्टेग्ना, एफ. ब्रुनेलेस्की, आदि। परिप्रेक्ष्य सजावट, जिसके आविष्कार का श्रेय ब्रैमांटे को दिया जाता है (1505 से बाद में नहीं), पहली बार इस्तेमाल किया गया था फेरारा में कलाकार पेलेग्रिनो दा उडीन द्वारा, और रोम में - बी पेरुज़ी द्वारा। दृश्यावली, सड़क की गहराई में जाने के दृश्य को दर्शाती है, फ्रेम पर फैले कैनवस पर चित्रित की गई थी और इसमें मंच के प्रत्येक तरफ एक पृष्ठभूमि और तीन तरफ की योजनाएं शामिल थीं; दृश्यों के कुछ हिस्से लकड़ी (घरों की छतें, बालकनियाँ, छज्जे, आदि) से बने थे। टैबलेट को तेजी से ऊपर उठाकर आवश्यक परिप्रेक्ष्य में कमी हासिल की गई। एक साथ दृश्यों के बजाय, कुछ शैलियों के प्रदर्शन के लिए पुनर्जागरण मंच पर कार्रवाई का एक सामान्य और अपरिवर्तनीय दृश्य पुन: प्रस्तुत किया गया था। सबसे बड़े इतालवी थिएटर वास्तुकार और सज्जाकार एस. सेर्लियो ने 3 प्रकार के दृश्य विकसित किए: मंदिर, महल, मेहराब - त्रासदियों के लिए; निजी घरों, दुकानों, होटलों के साथ एक शहर का चौराहा - कॉमेडी के लिए; वन परिदृश्य - चरवाहों के लिए।

पुनर्जागरण कलाकारों ने मंच और सभागार को एक समग्र रूप में देखा। यह विसेंज़ा में ओलम्पिको थिएटर के निर्माण में प्रकट हुआ था, जिसे 1584 में ए. पल्लाडियो के डिजाइन के अनुसार बनाया गया था; इस इमारत में, वी. स्कैमोज़ी ने एक "आदर्श शहर" को दर्शाने वाला एक शानदार स्थायी सेट बनाया और इसका उद्देश्य त्रासदियों का मंचन करना था।

इतालवी पुनर्जागरण के संकट के दौरान रंगमंच के कुलीनीकरण के कारण नाट्य प्रस्तुतियों में बाहरी दिखावटीपन की प्रधानता हुई। एस. सेर्लियो की राहत सजावट ने बारोक शैली में एक सुरम्य सजावट का मार्ग प्रशस्त किया। 16वीं और 17वीं शताब्दी के अंत में कोर्ट ओपेरा और बैले प्रदर्शन का मनमोहक चरित्र। नाट्य तंत्र के व्यापक उपयोग को बढ़ावा मिला। थेटेलरी के आविष्कार - चित्रित कैनवास से ढके त्रिकोणीय घूमने वाले प्रिज्म, जिसका श्रेय कलाकार बुओंटालेंटी को जाता है, ने जनता के सामने दृश्यों को बदलना संभव बना दिया। इस तरह के चल, परिप्रेक्ष्य दृश्यों के डिजाइन का विवरण जर्मन वास्तुकार जे. फर्टेनबैक के कार्यों में पाया जा सकता है, जिन्होंने इटली में काम किया और जर्मनी में इतालवी थिएटर की तकनीक की शुरुआत की, साथ ही वास्तुकार एन. सब्बातिनी ने भी अपनी कृति में ग्रंथ "निर्माण चरणों और मशीनों की कला पर" (1638)। परिप्रेक्ष्य पेंटिंग तकनीकों में सुधार ने सज्जाकारों के लिए टैबलेट की तेज वृद्धि के बिना गहराई की छाप बनाना संभव बना दिया है। अभिनेता मंच स्थान का पूरा उपयोग करने में सक्षम थे। प्रारंभ में। सत्रवहीं शताब्दी जी. एलेओटी द्वारा आविष्कृत मंच के पीछे की सजावट दिखाई दी। उड़ानों के लिए तकनीकी उपकरण, एक हैच सिस्टम, साथ ही साइड पोर्टल शील्ड और एक पोर्टल आर्क पेश किए गए। इस सबके फलस्वरूप बॉक्स स्टेज का निर्माण हुआ।

मंच के पीछे सजावट की इतालवी प्रणाली सभी यूरोपीय देशों में व्यापक हो गई है। सभी हैं। सत्रवहीं शताब्दी विनीज़ कोर्ट थिएटर में, बारोक बैकस्टेज दृश्यों को इतालवी थिएटर आर्किटेक्ट एल. बर्नासिनी द्वारा पेश किया गया था; फ्रांस में, प्रसिद्ध इतालवी थिएटर आर्किटेक्ट, डेकोरेटर और ड्राइवर जी. टोरेली ने ओपेरा के कोर्ट प्रोडक्शंस में एक आशाजनक बैकस्टेज स्टेज की उपलब्धियों को सरलता से लागू किया था। और बैले प्रकार. स्पैनिश थिएटर, जो 16वीं शताब्दी में जीवित रहा। आदिम मेला दृश्य, इतालवी कला के माध्यम से इतालवी प्रणाली को आत्मसात करता है। के. लोटी, जिन्होंने स्पैनिश कोर्ट थिएटर (1631) में काम किया था। लंबे समय तक, लंदन में शहर के सार्वजनिक थिएटरों ने शेक्सपियरियन युग के पारंपरिक मंच क्षेत्र को बरकरार रखा, जो ऊपरी, निचले और पीछे के चरणों में विभाजित था, सभागार में फैला हुआ एक प्रोसेनियम और विरल सजावटी डिजाइन था। अंग्रेजी थिएटर के मंच ने एक्शन के दृश्यों को उनके अनुक्रम में तुरंत बदलना संभव बना दिया। इतालवी प्रकार की संभावित सजावट इंग्लैंड में पहली तिमाही में शुरू की गई थी। सत्रवहीं शताब्दी अदालती प्रदर्शनों के मंचन में थिएटर वास्तुकार आई. जोन्स। रूस में, 1672 में ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में प्रदर्शन में परिप्रेक्ष्य मंच सेट का उपयोग किया गया था।

क्लासिकवाद के युग में, नाटकीय सिद्धांत, जिसे स्थान और समय की एकता की आवश्यकता थी, ने एक स्थायी और अपूरणीय सेटिंग को मंजूरी दे दी, जो विशिष्ट ऐतिहासिक विशेषताओं से रहित थी (एक सिंहासन कक्ष या त्रासदी के लिए एक महल का बरोठा, एक शहर का चौक या कॉमेडी के लिए एक कमरा) ). सभी प्रकार के सजावटी और मंचन प्रभाव 17वीं शताब्दी में केंद्रित थे। ओपेरा और बैले शैली के भीतर, और नाटकीय प्रदर्शन कठोरता और सौम्य डिजाइन द्वारा प्रतिष्ठित थे। फ़्रांस और इंग्लैंड के थिएटरों में, प्रोसेनियम के किनारों पर स्थित मंच पर कुलीन दर्शकों की उपस्थिति ने प्रदर्शन के लिए सजावट की संभावनाओं को सीमित कर दिया। ओपेरा की कला के और अधिक विकास के कारण ओपेरा हाउस में सुधार हुआ। समरूपता की अस्वीकृति और कोणीय परिप्रेक्ष्य की शुरूआत ने पेंटिंग के माध्यम से दृश्य में बड़ी गहराई का भ्रम पैदा करने में मदद की। सजावट की गतिशीलता और भावनात्मक अभिव्यक्ति काइरोस्कोरो के खेल, वास्तुशिल्प रूपांकनों के विकास में लयबद्ध विविधता (स्तंभों, सीढ़ियों, मेहराबों, मूर्तियों की दोहराई जाने वाली पंक्तियों के साथ, प्लास्टर आभूषणों से सजाए गए बारोक हॉल के अंतहीन एन्फिलैड्स) द्वारा प्राप्त की गई थी। जिसकी सहायता से स्थापत्य संरचनाओं की भव्यता का आभास हुआ।

प्रबोधन के दौरान वैचारिक संघर्ष की तीव्रता को विभिन्न शैलियों के बीच संघर्ष और सजावटी कला में अभिव्यक्ति मिली। बैरोक सजावट के शानदार वैभव की तीव्रता और रोकोको शैली में निष्पादित दृश्यों की उपस्थिति के साथ, सामंती-अभिजात वर्ग की प्रवृत्ति की विशेषता, इस अवधि की सजावटी कला में अमूर्तता से मुक्ति के लिए, थिएटर सुधार के लिए संघर्ष था। स्थान की गतिविधियों के अधिक सटीक राष्ट्रीय और ऐतिहासिक विवरण के लिए दरबारी कला का वैभव। इस संघर्ष में, शैक्षिक रंगमंच पुरातनता की वीर छवियों की ओर मुड़ गया, जो शास्त्रीय शैली में दृश्यों के निर्माण में व्यक्त किया गया था। इस दिशा को फ्रांस में डेकोरेटर्स जी. सर्वंडोनी, जी. ड्यूमॉन्ट, पी.ए. के काम में विशेष विकास प्राप्त हुआ। ब्रुनेटी, जिन्होंने मंच पर प्राचीन वास्तुकला की इमारतों का पुनरुत्पादन किया। 1759 में, वोल्टेयर ने मंच से दर्शकों को बाहर कर दिया, जिससे दृश्यों के लिए अतिरिक्त जगह खाली हो गई। इटली में, बारोक से क्लासिकिज़्म में संक्रमण को जी. पिरानेसी के काम में अभिव्यक्ति मिली।

18वीं शताब्दी में रूस में रंगमंच का गहन विकास। इससे रूसी सजावटी कला का विकास हुआ, जिसमें आधुनिक नाट्य चित्रकला की सभी उपलब्धियों का उपयोग किया गया। 40 के दशक में 18 वीं सदी प्रदर्शन के डिजाइन में प्रमुख विदेशी कलाकार शामिल थे - सी. बिब्बिएना, पी. और एफ. ग्रेडिपज़ी और अन्य, जिनमें से एक प्रमुख स्थान बिब्बिएना के प्रतिभाशाली अनुयायी जी. वेलेरियानी का है। दूसरे भाग में. 18 वीं सदी प्रतिभाशाली रूसी सज्जाकार उभरे, जिनमें से अधिकांश सर्फ़ थे: आई. विष्णकोव, वोल्स्की बंधु, आई. फ़िरसोव, एस. कलिनिन, जी. मुखिन, के. फंटुसोव और अन्य जिन्होंने कोर्ट और सर्फ़ थिएटरों में काम किया। 1792 से, उत्कृष्ट थिएटर कलाकार और वास्तुकार पी. गोंजागो ने रूस में काम किया। उनके काम में, वैचारिक रूप से प्रबुद्धता के क्लासिकिज्म से जुड़े, स्थापत्य रूपों की गंभीरता और सामंजस्य, भव्यता और स्मारकीयता की छाप पैदा करते हुए, वास्तविकता के पूर्ण भ्रम के साथ जोड़ा गया था।

18वीं सदी के अंत में. यूरोपीय रंगमंच में, बुर्जुआ नाटक के विकास के संबंध में, एक मंडप सेट (तीन दीवारों और एक छत वाला एक बंद कमरा) दिखाई दिया। 17वीं और 18वीं शताब्दी में सामंती विचारधारा का संकट। एशियाई देशों की सजावटी कला में इसका प्रतिबिंब पाया गया, जिससे कई नवाचार हुए। 18वीं सदी में जापान में। काबुकी थिएटरों के लिए इमारतों का निर्माण किया जा रहा था, जिसके मंच पर एक प्रोसेनियम था जो दर्शकों के सामने मजबूती से खड़ा था और एक पर्दा था जो क्षैतिज रूप से घूमता था। मंच के दायीं और बायीं ओर से सभागार की पिछली दीवार तक मंच थे ("हनामिची", शाब्दिक रूप से फूलों का पथ), जिस पर प्रदर्शन भी शुरू हुआ (बाद में दायां मंच समाप्त कर दिया गया; आजकल केवल बायां मंच है) काबुकी थिएटर में रहता है)। काबुकी थिएटरों ने त्रि-आयामी दृश्यों (बगीचे, घर के अग्रभाग आदि) का उपयोग किया, जो विशेष रूप से कार्रवाई के स्थान को दर्शाते थे; 1758 में, पहली बार एक घूमने वाले मंच का उपयोग किया गया, जिसके मोड़ हाथ से बनाए गए थे। चीन, भारत, इंडोनेशिया और अन्य देशों के कई थिएटरों में मध्यकालीन परंपराएँ संरक्षित हैं, जिनमें लगभग कोई दृश्य नहीं है, और सजावट वेशभूषा, मुखौटे और श्रृंगार तक ही सीमित है।

18वीं सदी के उत्तरार्ध की फ्रांसीसी बुर्जुआ क्रांति। रंगमंच की कला पर गहरा प्रभाव पड़ा। नाटक की विषय-वस्तु के विस्तार से सजावटी कला में कई बदलाव आए हैं। पेरिस के "बुलेवार्ड थिएटर" के मंचों पर मेलोड्रामा और पैंटोमाइम्स के निर्माण में, डिजाइन पर विशेष ध्यान दिया गया था; नाट्य चालकों की उच्च कला ने विभिन्न प्रकार के प्रभावों (जहाजों की तबाही, ज्वालामुखी विस्फोट, तूफान के दृश्य, आदि) को प्रदर्शित करना संभव बना दिया। उन वर्षों की सजावटी कला में, तथाकथित व्यावहारिक (चट्टानों, पुलों, पहाड़ियों आदि को चित्रित करने वाले त्रि-आयामी डिज़ाइन विवरण) का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता था। पहली तिमाही में 19 वीं सदी सचित्र पैनोरमा, डियोरामा या नियोरामा, मंच प्रकाश व्यवस्था में नवाचारों के साथ मिलकर, व्यापक हो गए (1920 के दशक में सिनेमाघरों में गैस की शुरुआत हुई थी)। फ्रांसीसी रूमानियतवाद द्वारा नाटकीय डिजाइन के सुधार का एक व्यापक कार्यक्रम सामने रखा गया, जिसने कार्रवाई के दृश्यों के ऐतिहासिक रूप से विशिष्ट लक्षण वर्णन का कार्य निर्धारित किया। रोमांटिक नाटककारों ने अपने नाटकों के निर्माण में प्रत्यक्ष भाग लिया, जिससे उन्हें लंबी टिप्पणियाँ और अपने स्वयं के रेखाचित्र उपलब्ध हुए। ऐतिहासिक विषयों पर मल्टी-एक्ट ओपेरा और नाटकों की प्रस्तुतियों में शानदार सुंदरता के साथ स्थान और समय के रंग की सटीकता को संयोजित करने का प्रयास करते हुए, जटिल दृश्यों और भव्य वेशभूषा के साथ प्रदर्शन तैयार किए गए। मंचन तकनीकों की बढ़ती जटिलता के कारण प्रदर्शन के कृत्यों के बीच ब्रेक के दौरान पर्दों का बार-बार उपयोग होने लगा। 1849 में, मेयरबीर के द प्रोफेट के निर्माण में पेरिस ओपेरा के मंच पर पहली बार विद्युत प्रकाश प्रभाव का उपयोग किया गया था।

30-70 के दशक में रूस में। 19 वीं सदी रोमांटिक शैली के एक प्रमुख सज्जाकार ए. रोलर थे, जो नाट्य मशीनों के उत्कृष्ट स्वामी थे। उनके द्वारा विकसित मंचन प्रभावों की उच्च तकनीक को बाद में के.एफ. जैसे सज्जाकारों द्वारा विकसित किया गया। वैल्ट्स, ए.एफ. गेल्टसर और अन्य। दूसरी छमाही में सजावटी कला में नए रुझान। 19 वीं सदी यथार्थवादी शास्त्रीय रूसी नाटक और अभिनय के प्रभाव में स्थापित किए गए थे। शैक्षणिक दिनचर्या के खिलाफ लड़ाई की शुरुआत डेकोरेटर्स एम.ए. ने की थी। शिशकोव और एम.आई. बोचारोव। 1867 में, नाटक "द डेथ ऑफ़ इवान द टेरिबल" में ए.के. टॉल्स्टॉय (अलेक्जेंड्रिया थिएटर) शिशकोव पहली बार ऐतिहासिक विशिष्टता और सटीकता के साथ प्री-पेट्रिन रूस के जीवन को मंच पर दिखाने में कामयाब रहे। शिशकोव की कुछ हद तक शुष्क पुरातत्व के विपरीत, बोचारोव ने अपनी परिदृश्य सजावट में रूसी प्रकृति की एक सच्ची, भावनात्मक भावना लाई, अपनी रचनात्मकता से मंच पर वास्तविक चित्रकारों के आगमन की आशा की। लेकिन राज्य के स्वामित्व वाले थिएटरों के सज्जाकारों की प्रगतिशील खोज अलंकरण, मंच तमाशे के आदर्शीकरण और "परिदृश्य", "वास्तुशिल्प", "पोशाक", आदि में विभाजित कलाकारों की संकीर्ण विशेषज्ञता से बाधित हुई; आधुनिक विषयों पर नाटकीय प्रदर्शन में, एक नियम के रूप में, पूर्वनिर्मित या "मानक" मानक दृश्यों ("गरीब" या "अमीर" कमरा, "जंगल", "ग्रामीण दृश्य", आदि) का उपयोग किया गया था। दूसरे भाग में. 19 वीं सदी विभिन्न यूरोपीय थिएटरों (फ्रांस में फिलास्ट्रे और सी. कंबोन, ए. राउबॉड और एफ. चैपेरॉन की कार्यशालाएं, जर्मनी में लुत्के-मेयर, आदि) की सेवा के लिए बड़ी सजावटी कार्यशालाएँ बनाई गईं। इस अवधि के दौरान, भारी, औपचारिक, उदार-शैली की सजावट, जिसमें कला और रचनात्मक कल्पना का स्थान हस्तशिल्प ने ले लिया, व्यापक हो गई। 70-80 के दशक में सजावटी कला के विकास पर। मेनिंगेन थिएटर की गतिविधियों का एक महत्वपूर्ण प्रभाव था, जिसके यूरोपीय देशों के दौरे ने प्रदर्शन, उच्च उत्पादन संस्कृति, दृश्यों, वेशभूषा और सहायक उपकरण की ऐतिहासिक सटीकता के निर्देशक के निर्णय की अखंडता का प्रदर्शन किया। मीनिंगियंस ने प्रत्येक प्रदर्शन के डिज़ाइन को एक व्यक्तिगत रूप दिया, मंडप और परिदृश्य सजावट के मानकों, इतालवी बैकस्टेज-आर्क प्रणाली की परंपराओं का उल्लंघन करने की कोशिश की। उन्होंने विभिन्न प्रकार की टैबलेट स्थलाकृति का व्यापक उपयोग किया, मंच स्थान को विभिन्न वास्तुशिल्प रूपों से भर दिया; उन्होंने विभिन्न प्लेटफार्मों, सीढ़ियों, वॉल्यूमेट्रिक कॉलम, चट्टानों और पहाड़ियों के रूप में व्यावहारिक रूप से प्रचुर मात्रा में उपयोग किया। मेनिंगेन प्रोडक्शंस के दृश्य पक्ष पर (जिसका डिज़ाइन

ज्यादातर ड्यूक जॉर्ज द्वितीय के थे) स्पष्ट रूप से जर्मन ऐतिहासिक चित्रकला विद्यालय - पी. कॉर्नेलियस, डब्ल्यू. कौलबैक, के. पायलटी से प्रभावित थे। हालाँकि, ऐतिहासिक सटीकता और सत्यता, सहायक उपकरण की "प्रामाणिकता" ने कई बार मेनिंगेनाइट्स के प्रदर्शन में आत्मनिर्भर महत्व हासिल कर लिया।

ई. ज़ोला 70 के दशक के अंत में प्रदर्शन करते हैं। अमूर्त क्लासिकिस्ट, आदर्शीकृत रोमांटिक और आत्म-प्रभावी मनमोहक दृश्यों की आलोचना के साथ। उन्होंने मंच पर आधुनिक जीवन के चित्रण, दृश्यों के माध्यम से "सामाजिक परिवेश का सटीक पुनरुत्पादन" की मांग की, जिसकी तुलना उन्होंने उपन्यास में वर्णित विवरणों से की। प्रतीकवादी रंगमंच, जो 90 के दशक में फ्रांस में उभरा, ने नाटकीय दिनचर्या और प्रकृतिवाद के विरोध के नारे के तहत यथार्थवादी कला के खिलाफ लड़ाई लड़ी। आधुनिकतावादी खेमे के कलाकार एम. डेनिस, पी. सेरूसियर, ए. टूलूज़-लॉट्रेक, ई. वुइलार्ड, ई. मंच और अन्य लोग पी. फॉरे के आर्ट थिएटर और लूनियर-पो के क्रिएटिविटी थिएटर के आसपास एकजुट हुए; उन्होंने सरलीकृत, शैलीबद्ध दृश्यावली, प्रभाववादी अस्पष्टता, आदिमवाद और प्रतीकवाद पर जोर दिया, जिससे थिएटर जीवन के यथार्थवादी चित्रण से दूर हो गए।

रूसी संस्कृति का शक्तिशाली उदय 19वीं शताब्दी की अंतिम तिमाही में हुआ। रंगमंच और सजावटी कला। 80-90 के दशक में रूस में। थिएटर में काम करने वाले सबसे बड़े चित्रफलक कलाकार शामिल हैं - वी.डी. पोलेनोव, वी.एम. वासनेत्सोव और ए.एम. वासनेत्सोव, आई.आई. लेविटन, के.ए. कोरोविन, वी.ए. सेरोव, एम.ए. व्रुबेल। मॉस्को प्राइवेट रशियन ओपेरा एस.आई. में 1885 से काम कर रहे हैं। ममोनतोव, उन्होंने दृश्यों में आधुनिक यथार्थवादी चित्रकला की रचनात्मक तकनीकों को पेश किया और प्रदर्शन की समग्र व्याख्या के सिद्धांत की पुष्टि की। त्चिकोवस्की, रिमस्की-कोर्साकोव, मुसॉर्स्की द्वारा ओपेरा की प्रस्तुतियों में, इन कलाकारों ने रूसी इतिहास की मौलिकता, रूसी परिदृश्य की आध्यात्मिक गीतकारिता, परी-कथा छवियों के आकर्षण और कविता को व्यक्त किया।

यथार्थवादी दिशा की आवश्यकताओं के लिए मंच डिजाइन के सिद्धांतों की अधीनता पहली बार 19वीं और 20वीं शताब्दी के अंत में हासिल की गई थी। मॉस्को आर्ट थिएटर के अभ्यास में। शाही थिएटरों के लिए पारंपरिक मंच के पीछे, मंडपों और "पूर्वनिर्मित" दृश्यों के बजाय, प्रत्येक MAT प्रदर्शन में एक विशेष डिज़ाइन होता था जो निर्देशक की योजना के अनुरूप होता था। नियोजन क्षमताओं का विस्तार करना (फर्श तल को संसाधित करना, आवासीय परिसर के असामान्य कोण दिखाना), "लिव-इन" वातावरण की छाप बनाने की इच्छा, और कार्रवाई का मनोवैज्ञानिक माहौल मॉस्को आर्ट थिएटर की सजावटी कला की विशेषता है।

आर्ट थिएटर के डेकोरेटर वी.ए. के.एस. के अनुसार, सिमोव था। स्टैनिस्लावस्की, "एक नए प्रकार के मंच कलाकारों के संस्थापक", जीवन की सच्चाई की भावना से प्रतिष्ठित थे और अपने काम को निर्देशन के साथ जोड़ते थे। मॉस्को आर्ट थिएटर द्वारा किए गए सजावटी कला के यथार्थवादी सुधार का विश्व थिएटर कला पर भारी प्रभाव पड़ा। मंच के तकनीकी पुन: उपकरण और सजावटी कला की संभावनाओं को समृद्ध करने में एक महत्वपूर्ण भूमिका एक घूर्णन मंच के उपयोग द्वारा निभाई गई थी, जिसका उपयोग मोजार्ट के ओपेरा डॉन के निर्माण के दौरान के. लॉटेनश्लागर द्वारा यूरोपीय थिएटर में पहली बार किया गया था। जियोवन्नी (1896, रेसिडेंज़ थिएटर, म्यूनिख)।

1900 के दशक में "वर्ल्ड ऑफ़ आर्ट" समूह के कलाकार - ए.एन. - थिएटर में अपनी गतिविधियाँ शुरू करते हैं। बेनोइट, एल.एस. बक्स्ट, एम.वी. डोबज़िन्स्की, एन.के. रोएरिच, ई.ई. लांसरे, आई.वाई.ए. बिलिबिन और अन्य। इन कलाकारों की पूर्वव्यापीता और शैलीकरण विशेषता ने उनकी रचनात्मकता को सीमित कर दिया, लेकिन उनकी उच्च संस्कृति और कौशल, प्रदर्शन की समग्र कलात्मक अवधारणा की अखंडता की इच्छा ने ओपेरा और बैले सजावटी कला के सुधार में सकारात्मक भूमिका निभाई। न केवल रूस में, बल्कि विदेश में भी। रूसी ओपेरा और बैले के दौरे, जो 1908 में पेरिस में शुरू हुए और कई वर्षों तक दोहराए गए, ने दृश्यों की एक उच्च सचित्र संस्कृति, विभिन्न युगों की कला की शैली और चरित्र को व्यक्त करने के लिए कलाकारों की क्षमता को दिखाया। बेनोइस, डोबुज़िन्स्की, बी.एम. कुस्टोडीव, रोएरिच की गतिविधियाँ मॉस्को आर्ट थिएटर से भी जुड़ी हुई हैं, जहाँ इन कलाकारों की सौंदर्यवाद विशेषता काफी हद तक के.एस. की यथार्थवादी दिशा की आवश्यकताओं के अधीन थी। स्टैनिस्लावस्की और वी.आई. नेमीरोविच-डैनचेंको। सबसे बड़े रूसी सज्जाकार के.ए. कोरोविन और ए.या. गोलोविन, जिन्होंने शुरू से ही काम किया। 20 वीं सदी शाही थिएटरों में, आधिकारिक मंच की सजावटी कला में मूलभूत परिवर्तन किए गए। कोरोविन की लेखन की व्यापक, मुक्त शैली, उनके मंच चित्रों में निहित जीवित प्रकृति की भावना, रंग योजना की अखंडता जो पात्रों के दृश्यों और वेशभूषा को एकजुट करती है, रूसी ओपेरा और बैले के डिजाइन में सबसे स्पष्ट रूप से परिलक्षित होती थी - "सैडको" ”, “द गोल्डन कॉकरेल”; टीएस पुगनी और अन्य द्वारा "द लिटिल हंपबैक्ड हॉर्स"। औपचारिक सजावट, रूपों का स्पष्ट चित्रण, बोल्ड रंग संयोजन, समग्र सद्भाव और समाधान की अखंडता गोलोविन की नाटकीय पेंटिंग को अलग करती है। इस तथ्य के बावजूद कि कलाकार के कई काम आधुनिकतावाद से प्रभावित हैं, उनका काम महान यथार्थवादी कौशल पर आधारित है, जो जीवन के गहन अध्ययन पर आधारित है। कोरोविन के विपरीत, गोलोविन ने हमेशा अपने रेखाचित्रों और सजावटों में मंच डिजाइन की नाटकीय प्रकृति, इसके व्यक्तिगत घटकों पर जोर दिया; उन्होंने आभूषणों से सजाए गए पोर्टल फ्रेम, विभिन्न एप्लिक और चित्रित पर्दे, एक प्रोसेनियम आदि का उपयोग किया। 1908-17 में, गोलोविन ने कई प्रदर्शनों, पोस्ट के लिए डिजाइन तैयार किए। वी.ई. मेयरहोल्ड (मोलिरे के "डॉन जुआन", "मास्करेड" सहित),

19वीं सदी के अंत और शुरुआत में बुर्जुआ कला में यथार्थवाद-विरोधी आंदोलनों का मजबूत होना। 20 शताब्दियों में, सामाजिक विचारों को प्रकट करने से इनकार करने से पश्चिम में यथार्थवादी सजावटी कला के विकास पर नकारात्मक प्रभाव पड़ा। पतनशील आंदोलनों के प्रतिनिधियों ने "पारंपरिकता" को कला का मूल सिद्धांत घोषित किया। ए. अप्पियाह (स्विट्जरलैंड) और जी. क्रेग (इंग्लैंड) ने यथार्थवाद के खिलाफ लगातार संघर्ष किया। "दार्शनिक रंगमंच" बनाने के विचार को आगे बढ़ाते हुए, उन्होंने अमूर्त, कालातीत सजावट (क्यूब्स, स्क्रीन, प्लेटफार्म, सीढ़ियों इत्यादि) की मदद से विचारों की "अदृश्य" दुनिया को चित्रित किया, और परिवर्तन करके प्रकाश में उन्होंने स्मारकीय स्थानिक रूपों का एक खेल हासिल किया। एक निर्देशक और कलाकार के रूप में क्रेग का अपना अभ्यास कुछ प्रस्तुतियों तक ही सीमित था, लेकिन उनके सिद्धांतों ने बाद में विभिन्न देशों में कई थिएटर कलाकारों और निर्देशकों के काम को प्रभावित किया। प्रतीकवादी रंगमंच के सिद्धांत पोलिश नाटककार, चित्रकार और थिएटर डिजाइनर एस. विस्पियान्स्की के काम में परिलक्षित हुए, जिन्होंने एक स्मारकीय पारंपरिक प्रदर्शन बनाने का प्रयास किया; हालाँकि, सजावट और स्थानिक मंच डिजाइनों में लोक कला के राष्ट्रीय रूपों के कार्यान्वयन ने विस्पियनस्की के काम को ठंडे अमूर्तता से मुक्त कर दिया और इसे और अधिक वास्तविक बना दिया। म्यूनिख आर्ट थिएटर के आयोजक जी. फुच्स कलाकार के साथ। एफ. एर्लर ने एक "राहत चरण" (अर्थात लगभग गहराई से रहित एक चरण) के लिए एक परियोजना को आगे बढ़ाया, जहां अभिनेताओं के आंकड़े एक राहत के रूप में एक विमान पर स्थित हैं। निर्देशक एम. रेनहार्ड्ट (जर्मनी) ने अपने द्वारा निर्देशित थिएटरों में विभिन्न प्रकार की डिजाइन तकनीकों का उपयोग किया: ध्यान से डिजाइन की गई, घूमने वाले स्टेज सर्कल के उपयोग से जुड़ी लगभग भ्रमपूर्ण, सुरम्य और वॉल्यूमेट्रिक सजावट से लेकर सामान्यीकृत पारंपरिक स्थिर स्थापनाओं तक, सरलीकृत शैली वाले डिजाइन से सर्कस के मैदान में भव्य सामूहिक तमाशे के लिए "कपड़े में", जहां विशुद्ध रूप से बाहरी मंच प्रदर्शन पर जोर दिया गया था। कलाकार ई. स्टर्न, ई. ऑरलिक, ई. मंच, ई. शुट्टे, ओ. मेसेल, मूर्तिकार एम. क्रूस और अन्य ने रेनहार्ड्ट के साथ काम किया।

10 के दशक के अंत में और 20 के दशक में। 20 वीं सदी अभिव्यक्तिवाद, जो शुरू में जर्मनी में विकसित हुआ, लेकिन व्यापक रूप से अन्य देशों की कला पर कब्जा कर लिया, ने प्रमुख महत्व हासिल कर लिया। अभिव्यक्तिवादी प्रवृत्तियों ने सजावटी कला में गहरे अंतर्विरोधों, योजनाबद्धता और यथार्थवाद से विचलन को जन्म दिया। विमानों के "शिफ्ट्स" और "बेवेल्स", गैर-उद्देश्य या खंडित सजावट, प्रकाश और छाया के तेज विरोधाभासों का उपयोग करके, कलाकारों ने मंच पर व्यक्तिपरक दृष्टि की दुनिया बनाने की कोशिश की। उसी समय, कुछ अभिव्यक्तिवादी प्रदर्शनों में एक स्पष्ट साम्राज्यवाद-विरोधी अभिविन्यास था, और उनमें दृश्यों ने तीव्र सामाजिक विचित्रता की विशेषताएं हासिल कर लीं। इस अवधि की सजावटी कला की विशेषता तकनीकी प्रयोगों के प्रति कलाकारों का जुनून, बॉक्स स्टेज को नष्ट करने की इच्छा, स्टेज क्षेत्र को उजागर करना और स्टेजिंग तकनीकें हैं। औपचारिकतावादी आंदोलनों - रचनावाद, घनवाद, भविष्यवाद - ने सजावटी कला को आत्मनिर्भर तकनीकीवाद के मार्ग पर अग्रसर किया। इन आंदोलनों के कलाकारों ने, मंच पर "शुद्ध" ज्यामितीय आकृतियों, विमानों और आयतनों, तंत्र के कुछ हिस्सों के अमूर्त संयोजनों को प्रस्तुत करते हुए, एक आधुनिक औद्योगिक शहर की "गतिशीलता", "गति और लय" को व्यक्त करने की कोशिश की, और मंच पर सृजन करने की कोशिश की। वास्तविक मशीनों के काम का भ्रम (जी. सेवेरिनी, एफ. डेपेरो, ई. प्रैम्पोलिनी - इटली; एफ. लेगर - फ्रांस, आदि)।

पश्चिमी यूरोप और अमेरिका की सजावटी कला में, सेवा। 20 वीं सदी कोई विशिष्ट कलात्मक आंदोलन और स्कूल नहीं हैं: कलाकार एक व्यापक तरीके विकसित करने का प्रयास करते हैं जो उन्हें विभिन्न शैलियों और तकनीकों को संबोधित करने की अनुमति देता है। हालाँकि, कई मामलों में, प्रदर्शन को डिज़ाइन करने वाले कलाकार नाटक की वैचारिक सामग्री, उसके चरित्र और विशिष्ट ऐतिहासिक विशेषताओं को इतना अधिक व्यक्त नहीं करते हैं, जितना कि वे इसके कैनवास पर सजावटी कला का एक स्वतंत्र काम बनाने का प्रयास करते हैं, जो कि है "कलाकार की स्वतंत्र कल्पना का फल।" इसलिए कई प्रदर्शनों में मनमानी, डिजाइन की अमूर्तता और वास्तविकता के साथ अलगाव होता है। इसका विरोध प्रगतिशील निर्देशकों की प्रथा और कलाकारों की रचनात्मकता द्वारा किया जाता है जो क्लासिक्स, प्रगतिशील आधुनिक नाटक और लोक परंपराओं पर भरोसा करते हुए यथार्थवादी सजावटी कला को संरक्षित और विकसित करने का प्रयास करते हैं।

10 के दशक से 20 वीं सदी चित्रफलक कला के स्वामी तेजी से थिएटर में काम करने के लिए आकर्षित हो रहे हैं, और एक प्रकार की रचनात्मक कलात्मक गतिविधि के रूप में सजावटी कला में रुचि बढ़ रही है। 30 के दशक से। उत्पादन तकनीकों का अच्छा ज्ञान रखने वाले योग्य पेशेवर थिएटर कलाकारों की संख्या बढ़ रही है। स्टेज तकनीक को विभिन्न तरीकों से समृद्ध किया गया है; नई सिंथेटिक सामग्री, ल्यूमिनसेंट पेंट, फोटो और फिल्म प्रोजेक्शन आदि का उपयोग किया जाता है। 50 के दशक के विभिन्न तकनीकी सुधारों में से। 20 वीं सदी सबसे बड़ा महत्व थिएटर में साइक्लोरमा का उपयोग (एक विस्तृत अर्धवृत्ताकार स्क्रीन पर कई फिल्म प्रक्षेपण उपकरणों से छवियों का एक साथ प्रक्षेपण), जटिल प्रकाश प्रभावों का विकास, आदि है।

30 के दशक में सोवियत थिएटरों के रचनात्मक अभ्यास में समाजवादी यथार्थवाद के सिद्धांत स्थापित और विकसित हुए हैं। सजावटी कला के सबसे महत्वपूर्ण और परिभाषित सिद्धांत जीवन सत्य, ऐतिहासिक विशिष्टता और वास्तविकता की विशिष्ट विशेषताओं को प्रतिबिंबित करने की क्षमता की आवश्यकताएं हैं। दृश्यों का वॉल्यूमेट्रिक-स्थानिक सिद्धांत, जो 20 के दशक के कई प्रदर्शनों पर हावी था, पेंटिंग के व्यापक उपयोग से समृद्ध हुआ है।

2. नाट्य कला की अभिव्यक्ति के मूल साधन:

सजावट (लैटिन डेकोरो से - मैं सजाता हूँ) एक मंच का डिज़ाइन है जो उस भौतिक वातावरण को फिर से बनाता है जिसमें अभिनेता अभिनय करता है। सेट "एक्शन के दृश्य की एक कलात्मक छवि है और साथ ही एक मंच है जो उस पर स्टेज एक्शन करने के समृद्ध अवसर प्रदान करता है।" आधुनिक रंगमंच में उपयोग किए जाने वाले विभिन्न अभिव्यंजक साधनों का उपयोग करके दृश्यों का निर्माण किया जाता है - पेंटिंग, ग्राफिक्स, वास्तुकला, स्थान योजना की कला, दृश्यों की विशेष बनावट, प्रकाश व्यवस्था, मंच प्रौद्योगिकी, प्रक्षेपण, सिनेमा, आदि। मुख्य सेट सिस्टम:

1) घुमाव चलने योग्य,

2) रॉकर-आर्क लिफ्टिंग,

3) मंडप,

4) वॉल्यूमेट्रिक

5) प्रक्षेपण.

प्रत्येक सेट प्रणाली का उद्भव और विकास और दूसरे द्वारा उसका प्रतिस्थापन नाटकीयता, नाटकीय सौंदर्यशास्त्र, युग के इतिहास के अनुरूप, साथ ही विज्ञान और प्रौद्योगिकी के विकास की विशिष्ट आवश्यकताओं द्वारा निर्धारित किया गया था।

मंच के पीछे मोबाइल सजावट. मंच के पीछे - दृश्यों के हिस्से मंच के किनारों पर एक के बाद एक निश्चित दूरी पर स्थित होते हैं (मंच के अंदर के पोर्टल से) और दर्शकों से मंच के पीछे की जगह को बंद करने के लिए डिज़ाइन किया गया है। परदे मुलायम, तख्ते पर टिके हुए या कठोर होते थे; कभी-कभी उनके पास एक वास्तुशिल्प प्रोफ़ाइल, एक पेड़ के तने, पत्ते की रूपरेखा को दर्शाने वाली एक आकृतिबद्ध रूपरेखा होती थी। कठिन दृश्यों का परिवर्तन विशेष बैकस्टेज मशीनों - पहियों पर लगे फ़्रेमों का उपयोग करके किया गया था, जो रैंप के समानांतर प्रत्येक चरण योजना पर (18वीं और 19वीं शताब्दी में) स्थित थे। ये फ़्रेम पहले होल्ड के फर्श के साथ बिछाई गई रेलों के साथ मंच के तख्ते में विशेष रूप से काटे गए मार्गों में चले गए। पहले महल के थिएटरों में, सेट में एक पृष्ठभूमि, पंख और छत के मेहराब होते थे, जिन्हें पंखों के परिवर्तन के साथ-साथ ऊपर और नीचे किया जाता था। बादलों, पेड़ों की शाखाओं के साथ पत्ते, लैंपशेड के हिस्से आदि को होली पर चित्रित किया गया था। ड्रोटिंगहोम में कोर्ट थिएटर और प्रिंस की पूर्व संपत्ति के थिएटर में बैकस्टेज सजावट प्रणालियों को आज तक संरक्षित किया गया है। एन.बी. आर्कान्जेस्कॉय में युसुपोव

मंच-धनुष उठाने वाली सजावट की शुरुआत 17वीं शताब्दी में इटली में हुई थी। और उच्च ग्रेट्स वाले सार्वजनिक थिएटरों में व्यापक हो गया। इस प्रकार की सजावट एक कैनवास है जिसे एक मेहराब के रूप में सिल दिया जाता है जिसमें पेड़ के तने, पत्तियों के साथ शाखाएं, और चित्रित वास्तुशिल्प विवरण (किनारों के साथ और शीर्ष पर) (रैखिक और हवाई परिप्रेक्ष्य के नियमों के अनुपालन में) होते हैं। इनमें से 75 बैकस्टेज मेहराबों को पृष्ठभूमि के रूप में चित्रित पृष्ठभूमि या क्षितिज के साथ मंच पर निलंबित किया जा सकता है। बैकस्टेज-मेहराब सजावट का एक प्रकार ओपनवर्क सजावट है (लिखित "वन" या "वास्तुशिल्प" बैकस्टेज मेहराब, विशेष जाल से चिपके हुए या ट्यूल पर लगाए गए)। वर्तमान में, बैकस्टेज-आर्क सजावट का उपयोग मुख्य रूप से ओपेरा और बैले प्रस्तुतियों में किया जाता है।

मंडप की सजावट का प्रयोग पहली बार 1794 में किया गया था। अभिनेता और निर्देशक एफ.एल. कतरनेवाला। मंडप की सजावट एक संलग्न स्थान को दर्शाती है और इसमें कैनवास से ढकी हुई फ्रेम की दीवारें हैं और वॉलपेपर, बोर्ड और टाइल्स के समान चित्रित हैं। दीवारें "ठोस" हो सकती हैं या उनमें खिड़कियों और दरवाजों के लिए स्पैन हो सकते हैं। दीवारें थ्रो रस्सियों - ओवरलैप्स का उपयोग करके एक दूसरे से जुड़ी हुई हैं, और ढलानों के साथ मंच के फर्श से जुड़ी हुई हैं। आधुनिक थिएटर में मंडप की दीवारों की चौड़ाई 2.2 मीटर से अधिक नहीं है (अन्यथा, सजावट का परिवहन करते समय, दीवार मालवाहक कार के दरवाजे में फिट नहीं होगी)। मंडप की सजावट की खिड़कियों और दरवाजों के पीछे आमतौर पर बैकस्प्लैश (फ्रेम पर लटकी सजावट के हिस्से) लगाए जाते हैं, जिन पर संबंधित परिदृश्य या वास्तुशिल्प रूपांकन दर्शाया जाता है। मंडप की सजावट एक छत से ढकी हुई है, जो ज्यादातर मामलों में जाली से लटकी हुई है।

आधुनिक समय के थिएटर में, वॉल्यूमेट्रिक सजावट पहली बार 1870 में मेनिंगेन थिएटर के प्रदर्शन में दिखाई दी। इस थिएटर में, सपाट दीवारों के साथ, वॉल्यूमेट्रिक भागों का उपयोग किया जाने लगा: सीधी और झुकी हुई मशीनें - रैंप, सीढ़ियाँ और चित्रण के लिए अन्य संरचनाएँ छतें, पहाड़ियाँ, किले की दीवारें। मशीनों के डिज़ाइन आमतौर पर चित्रित कैनवस या नकली राहत (पत्थर, पेड़ की जड़ें, घास) से ढके होते हैं। वॉल्यूमेट्रिक दृश्यों के कुछ हिस्सों को बदलने के लिए, रोलर्स (फ़र्की) पर रोलिंग प्लेटफ़ॉर्म, एक टर्नटेबल और अन्य प्रकार की स्टेज तकनीक का उपयोग किया जाता है। वॉल्यूमेट्रिक सेट ने निर्देशकों को "टूटे हुए" मंच के तख़्ते पर मिस-एन-सीन बनाने और विभिन्न प्रकार के रचनात्मक समाधान खोजने की अनुमति दी, जिसकी बदौलत नाटकीय कला की अभिव्यंजक संभावनाओं का असामान्य रूप से विस्तार हुआ।

प्रोजेक्शन सजावट का उपयोग पहली बार 1908 में न्यूयॉर्क में किया गया था। यह पारदर्शिता पर खींची गई रंगीन और श्वेत-श्याम छवियों के प्रक्षेपण (स्क्रीन पर) पर आधारित है। थिएटर प्रोजेक्टर का उपयोग करके प्रक्षेपण किया जाता है। स्क्रीन पृष्ठभूमि, क्षितिज, दीवारें या फर्श हो सकती है। फॉरवर्ड प्रोजेक्शन (प्रोजेक्टर स्क्रीन के सामने है) और बैक-लाइट प्रोजेक्शन (प्रोजेक्टर स्क्रीन के पीछे है) हैं। प्रक्षेपण स्थिर (वास्तुशिल्प, परिदृश्य और अन्य रूपांकनों) और गतिशील (बादलों, बारिश, बर्फ की गति) हो सकता है। आधुनिक थिएटर में, जिसमें नई स्क्रीन सामग्री और प्रक्षेपण उपकरण हैं, प्रक्षेपण सजावट का व्यापक रूप से उपयोग किया जाता है। निर्माण और संचालन की सरलता, चित्रों को बदलने में आसानी और गति, स्थायित्व, और उच्च कलात्मक गुणों को प्राप्त करने की क्षमता प्रक्षेपण सजावट को आधुनिक थिएटर के लिए आशाजनक प्रकार की सजावट में से एक बनाती है।

2.2 थिएटर पोशाक

नाटकीय पोशाक (इतालवी पोशाक से, वास्तव में कस्टम) - कपड़े, जूते, टोपी, गहने और अभिनेता द्वारा उपयोग की जाने वाली अन्य वस्तुएं जो उनके द्वारा बनाई गई मंच छवि को चित्रित करती हैं। पोशाक के लिए एक आवश्यक अतिरिक्त मेकअप और हेयर स्टाइल है। पोशाक अभिनेता को चरित्र की बाहरी उपस्थिति ढूंढने में मदद करती है, मंच चरित्र की आंतरिक दुनिया को प्रकट करती है, उस वातावरण की ऐतिहासिक, सामाजिक-आर्थिक और राष्ट्रीय विशेषताओं को निर्धारित करती है जिसमें कार्रवाई होती है, और अन्य डिज़ाइन घटकों के साथ मिलकर निर्माण करती है ) प्रदर्शन की दृश्य छवि। पोशाक का रंग प्रदर्शन की समग्र रंग योजना से निकटता से संबंधित होना चाहिए। पोशाक एक थिएटर कलाकार के लिए रचनात्मकता का एक संपूर्ण क्षेत्र बनाती है, जो पोशाक में छवियों की एक विशाल दुनिया का प्रतीक है - बेहद सामाजिक, व्यंग्यपूर्ण, विचित्र, दुखद।

स्केच से लेकर स्टेज कार्यान्वयन तक एक पोशाक बनाने की प्रक्रिया में कई चरण होते हैं:

1) उन सामग्रियों का चयन जिनसे सूट बनाया जाएगा;

2) पेंटिंग सामग्री के लिए नमूनों का चयन;

3) एक पंक्ति की खोज करना: अन्य सामग्रियों से कारतूस बनाना और उस सामग्री को एक पुतले (या एक अभिनेता पर) पर गोदना;

4) विभिन्न प्रकाश व्यवस्था में मंच पर पोशाक की जाँच करना;

5) अभिनेता द्वारा पोशाक में रहना।

पोशाक का इतिहास आदिम समाज से जुड़ा है। जिन खेलों और अनुष्ठानों के साथ प्राचीन मनुष्य ने अपने जीवन की विभिन्न घटनाओं पर प्रतिक्रिया व्यक्त की, उनमें केश, श्रृंगार और अनुष्ठान वेशभूषा का बहुत महत्व था; आदिम लोग इनमें बहुत अधिक कल्पनाशीलता और अनोखा स्वाद रखते थे। कभी-कभी ये पोशाकें शानदार होती थीं, तो कभी-कभी वे जानवरों, पक्षियों या जानवरों से मिलती जुलती होती थीं। प्राचीन काल से ही पूर्व के शास्त्रीय रंगमंच में वेशभूषा मौजूद रही है। चीन, भारत, जापान और अन्य देशों में, वेशभूषा पारंपरिक, प्रतीकात्मक प्रकृति की होती है। इसलिए, उदाहरण के लिए, चीनी थिएटर में, पोशाक के पीले रंग का मतलब शाही परिवार से है; अधिकारियों और सामंती प्रभुओं की भूमिका निभाने वाले कलाकार काले और हरे रंग की पोशाक पहनते हैं; चीनी शास्त्रीय ओपेरा में, एक योद्धा के पीछे के झंडे उसकी रेजिमेंटों की संख्या को दर्शाते हैं, और चेहरे पर एक काला दुपट्टा एक मंच चरित्र की मृत्यु का प्रतीक है। चमक, रंगों की समृद्धि, सामग्रियों की भव्यता प्राच्य थिएटर में पोशाक को प्रदर्शन की मुख्य सजावट में से एक बनाती है। एक नियम के रूप में, वेशभूषा एक विशिष्ट प्रदर्शन, एक विशेष अभिनेता के लिए बनाई जाती है; वेशभूषा के पारंपरिक सेट भी हैं जिनका उपयोग प्रदर्शनों की सूची की परवाह किए बिना सभी मंडलों द्वारा किया जाता है। पोशाक पहली बार प्राचीन ग्रीस में यूरोपीय थिएटर में दिखाई दी; इसने मूल रूप से प्राचीन यूनानियों की रोजमर्रा की पोशाक को दोहराया, लेकिन इसमें विभिन्न पारंपरिक विवरण पेश किए गए जिससे दर्शकों को न केवल समझने में मदद मिली, बल्कि यह भी बेहतर ढंग से देखने में मदद मिली कि मंच पर क्या हो रहा था (थिएटर संरचनाएं विशाल आकार की थीं)। प्रत्येक पोशाक का एक विशेष रंग होता था (उदाहरण के लिए, राजा की पोशाक बैंगनी या केसरिया पीला होती थी), अभिनेता ऐसे मुखौटे पहनते थे जो दूर से स्पष्ट रूप से दिखाई देते थे, और ऊंचे स्टैंड पर जूते - बस्किन्स पहनते थे। सामंतवाद के युग के दौरान, रंगमंच की कला भटकते हुए नाटकीय अभिनेताओं के हर्षित, सामयिक, मजाकिया प्रदर्शन में जीवित रही। कलाकारों की पोशाक (साथ ही रूसी भैंसरों की भी) शहरी गरीबों की आधुनिक पोशाक के करीब थी, लेकिन चमकीले पैच और हास्य विवरण से सजाई गई थी। इस अवधि के दौरान उभरे धार्मिक रंगमंच के प्रदर्शनों में से, रहस्य नाटक को सबसे अधिक सफलता मिली, जिसका प्रदर्शन विशेष रूप से शानदार था। रहस्य के शो से पहले विभिन्न वेशभूषा और श्रृंगार (परियों की कहानियों और मिथकों के शानदार पात्र, सभी प्रकार के जानवर) में ममर्स का जुलूस अपने चमकीले रंगों से अलग था। एक रहस्यमय नाटक में पोशाक के लिए मुख्य आवश्यकता धन और लालित्य है (चाहे भूमिका कोई भी हो)। पोशाक पारंपरिक रूप से भिन्न थी: संत सफेद रंग के थे, ईसा मसीह के सुनहरे बाल थे, शैतानों ने सुरम्य शानदार पोशाकें पहनी थीं। शिक्षाप्रद और रूपकात्मक नैतिकता नाटकों के कलाकारों की वेशभूषा बहुत अधिक विनम्र होती थी। मध्ययुगीन रंगमंच की सबसे जीवंत और प्रगतिशील शैली - प्रहसन, जिसमें सामंती समाज की तीखी आलोचना शामिल थी, में एक आधुनिक व्यंग्यात्मक विशिष्ट पोशाक और श्रृंगार दिखाई दिया। पुनर्जागरण के दौरान, कॉमेडिया डेल'आर्टे अभिनेताओं ने अपने नायकों को मजाकिया, कभी-कभी उपयुक्त, बुरे चरित्र-चित्रण देने के लिए वेशभूषा का उपयोग किया: पोशाक ने विद्वान विद्वानों और शरारती नौकरों की विशिष्ट विशेषताओं का सारांश दिया। दूसरे भाग में. 16 वीं शताब्दी स्पैनिश और अंग्रेजी थिएटरों में, अभिनेताओं ने फैशनेबल कुलीन वेशभूषा के करीब वेशभूषा में या (यदि भूमिका की आवश्यकता होती है) विदूषक लोक वेशभूषा में प्रदर्शन किया। फ्रांसीसी थिएटर में, पोशाक मध्यकालीन प्रहसन की परंपराओं का पालन करती थी।

पोशाक के क्षेत्र में यथार्थवादी प्रवृत्तियाँ मोलिएरे में दिखाई दीं, जिन्होंने आधुनिक जीवन को समर्पित अपने नाटकों का मंचन करते समय विभिन्न वर्गों के लोगों की आधुनिक वेशभूषा का उपयोग किया। इंग्लैंड में ज्ञानोदय के युग के दौरान, अभिनेता डी. गैरिक ने पोशाक को दिखावटीपन और अर्थहीन शैलीकरण से मुक्त करने की मांग की। उन्होंने एक ऐसी पोशाक पेश की जो निभाई जा रही भूमिका से मेल खाती थी, जिससे नायक के चरित्र को प्रकट करने में मदद मिली। 18वीं सदी में इटली में। कॉमेडियन सी. गोल्डोनी ने धीरे-धीरे अपने नाटकों में विशिष्ट कॉमेडिया डेल'आर्टे मुखौटों को वास्तविक लोगों की छवियों से बदल दिया, साथ ही उचित वेशभूषा और मेकअप को भी बरकरार रखा। फ्रांस में, वोल्टेयर, अभिनेत्री क्लेयरन द्वारा समर्थित, मंच पर पोशाक की ऐतिहासिक और नृवंशविज्ञान सटीकता के लिए प्रयासरत थी। उन्होंने दुखद नायिकाओं की वेशभूषा, मूर्तियों, पाउडर विग और कीमती आभूषणों की परंपराओं के खिलाफ लड़ाई का नेतृत्व किया। त्रासदी में पोशाक सुधार के मामले को फ्रांसीसी अभिनेता ए. लेक्सने ने और भी आगे बढ़ाया, जिन्होंने शैलीबद्ध "रोमन" पोशाक को संशोधित किया, पारंपरिक सुरंग को त्याग दिया और मंच पर प्राच्य पोशाक को अपनाया। लेक्सेन के लिए, पोशाक छवि को मनोवैज्ञानिक रूप से चित्रित करने का एक साधन थी। दूसरे भाग में पोशाक के विकास पर महत्वपूर्ण प्रभाव। 19 वीं सदी जर्मनी में गतिविधियाँ प्रदान की गईं। मेनिंगन थिएटर, जिसका प्रदर्शन उच्च उत्पादन संस्कृति और वेशभूषा की ऐतिहासिक सटीकता से प्रतिष्ठित था। हालाँकि, पोशाक की प्रामाणिकता ने मीनिंगेन लोगों के बीच आत्मनिर्भर महत्व हासिल कर लिया। ई. ज़ोला ने मंच पर सामाजिक परिवेश के सटीक पुनरुत्पादन की मांग की। प्रारंभिक वर्षों की सबसे बड़ी नाट्य हस्तियों ने इसके लिए प्रयास किया। 20वीं सदी - ए. एंटोनी (फ्रांस), ओ. ब्रह्म (जर्मनी), जिन्होंने प्रदर्शन के डिजाइन में सक्रिय भाग लिया, प्रमुख कलाकारों को अपने थिएटरों में काम करने के लिए आकर्षित किया। प्रतीकवादी रंगमंच जो 90 के दशक में उभरा। फ्रांस में, नाटकीय दिनचर्या और प्रकृतिवाद के विरोध के नारे के तहत, उन्होंने यथार्थवादी कला के खिलाफ लड़ाई लड़ी। आधुनिकतावादी कलाकारों ने सरलीकृत, शैलीबद्ध सेट और वेशभूषा बनाई और थिएटर को जीवन के यथार्थवादी चित्रण से दूर कर दिया। पहली रूसी पोशाक भैंसों द्वारा बनाई गई थी। उनकी पोशाक शहरी निम्न वर्गों और किसानों (काफ्तान, शर्ट, साधारण पतलून, बास्ट जूते) के कपड़ों को दोहराती थी और बहु-रंगीन सैश, लत्ता और उज्ज्वल कढ़ाई वाली टोपी से सजाई गई थी। आरंभ में जो उत्पन्न हुआ। 16 वीं शताब्दी चर्च थिएटर में, युवाओं की भूमिका निभाने वाले कलाकार सफेद कपड़े (सिर पर क्रॉस के साथ मुकुट) पहने हुए थे, कलडीन का चित्रण करने वाले अभिनेता - छोटे कफ्तान और टोपी में थे। स्कूल थिएटर प्रदर्शनों में पारंपरिक वेशभूषा का भी उपयोग किया जाता था; रूपक पात्रों के अपने प्रतीक थे: विश्वास एक क्रॉस के साथ दिखाई दिया, आशा एक लंगर के साथ, मंगल ग्रह एक तलवार के साथ। राजाओं की पोशाकें शाही गरिमा के आवश्यक गुणों से पूरित थीं। इसी सिद्धांत ने 17वीं शताब्दी में रूस में ज़ार अलेक्सी मिखाइलोविच के दरबार में स्थापित पहले पेशेवर थिएटर के प्रदर्शन और त्सरेवना नतालिया अलेक्सेवना और ज़ारिना प्रस्कोव्या फेडोरोव्ना के दरबार थिएटरों के प्रदर्शन को अलग किया। 18वीं सदी में रूस में क्लासिकिज्म का विकास। पोशाक में इस दिशा की सभी परंपराओं के संरक्षण के साथ। अभिनेताओं ने वेशभूषा में प्रदर्शन किया जो प्राचीन पोशाक के तत्वों (पश्चिम में "रोमन" पोशाक के समान) के साथ फैशनेबल आधुनिक पोशाक का मिश्रण था; महान रईसों या राजाओं की भूमिका निभाने वालों ने शानदार पारंपरिक वेशभूषा पहनी थी। प्रारंभ में। 19 वीं सदी आधुनिक जीवन के प्रदर्शनों में फैशनेबल आधुनिक वेशभूषा का उपयोग किया गया;

पीरियड नाटकों में वेशभूषा अभी भी ऐतिहासिक रूप से सटीक नहीं थी।

सभी हैं। 19 वीं सदी अलेक्जेंड्रिन्स्की थिएटर और माली थिएटर के प्रदर्शन में, पोशाक में ऐतिहासिक सटीकता की इच्छा है। सदी के अंत में मॉस्को आर्ट थिएटर ने इस क्षेत्र में भारी सफलता हासिल की। महान थिएटर सुधारक स्टैनिस्लावस्की और नेमीरोविच-डैनचेंको ने, मॉस्को आर्ट थिएटर में काम करने वाले कलाकारों के साथ मिलकर, नाटक में दर्शाए गए युग और वातावरण, मंच नायक के चरित्र के साथ पोशाक का सटीक पत्राचार हासिल किया; कला रंगमंच में, मंचीय छवि बनाने के लिए पोशाक का बहुत महत्व था। कई रूसी थिएटरों में जल्दी। 20 वीं सदी लेखक, निर्देशक और अभिनेता के इरादों को व्यक्त करते हुए पोशाक वास्तव में एक कलात्मक कृति में बदल गई।

2.3 शोर डिजाइन

शोर डिज़ाइन मंच पर आसपास के जीवन की ध्वनियों का पुनरुत्पादन है। दृश्यों, प्रॉप्स और प्रकाश व्यवस्था के साथ, शोर डिज़ाइन एक पृष्ठभूमि बनाता है जो अभिनेताओं और दर्शकों को यह महसूस करने में मदद करता है कि वे नाटक की कार्रवाई के अनुरूप वातावरण में हैं, सही मूड बनाता है, और प्रदर्शन की लय और गति को प्रभावित करता है। पटाखे, गोलीबारी, लोहे की चादरों की खड़खड़ाहट, मंच के पीछे हथियारों की दस्तक और गड़गड़ाहट 16वीं-18वीं शताब्दी में पहले से ही प्रदर्शन के साथ थी। रूसी थिएटर भवनों के उपकरणों में ध्वनि उपकरणों की उपस्थिति से पता चलता है कि रूस में शोर डिजाइन का उपयोग पहले से ही बीच में किया गया था। 18 वीं सदी

आधुनिक शोर डिज़ाइन ध्वनियों की प्रकृति में भिन्न है: प्रकृति की ध्वनियाँ (हवा, बारिश, आंधी, पक्षी); औद्योगिक शोर (कारखाना, निर्माण); परिवहन शोर (गाड़ी, ट्रेन, विमान); लड़ाई का शोर (घुड़सवार सेना, गोलीबारी, सेना की चाल); घरेलू शोर (घड़ियाँ, कांच की खनक, चरमराहट)। प्रदर्शन की शैली और निर्णय के आधार पर शोर डिज़ाइन प्राकृतिक, यथार्थवादी, रोमांटिक, शानदार, अमूर्त-पारंपरिक, विचित्र हो सकता है। साउंड डिज़ाइन साउंड डिज़ाइनर या थिएटर के प्रोडक्शन विभाग द्वारा किया जाता है। कलाकार आमतौर पर एक विशेष शोर टीम के सदस्य होते हैं, जिसमें अभिनेता भी शामिल होते हैं। सरल ध्वनि प्रभाव स्टेजहैंड, प्रोप मास्टर्स आदि द्वारा प्रदर्शित किए जा सकते हैं। आधुनिक थिएटर में ध्वनि डिजाइन के लिए उपयोग किए जाने वाले उपकरण में विभिन्न आकार, जटिलता और उद्देश्यों के 100 से अधिक उपकरण होते हैं। ये उपकरण आपको बड़े स्थान का एहसास प्राप्त करने की अनुमति देते हैं; ध्वनि परिप्रेक्ष्य का उपयोग करके, आती और जाती ट्रेन या विमान के शोर का भ्रम पैदा किया जाता है। आधुनिक रेडियो तकनीक, विशेष रूप से स्टीरियोफोनिक उपकरण, शोर डिजाइन की कलात्मक सीमा और गुणवत्ता का विस्तार करने के लिए बेहतरीन अवसर प्रदान करते हैं, साथ ही प्रदर्शन के इस हिस्से को संगठनात्मक और तकनीकी रूप से सरल बनाते हैं।

2.4 मंच पर रोशनी

मंच पर प्रकाश महत्वपूर्ण कलात्मक और उत्पादन साधनों में से एक है। प्रकाश क्रिया के स्थान और सेटिंग, परिप्रेक्ष्य को पुन: उत्पन्न करने और आवश्यक मनोदशा बनाने में मदद करता है; कभी-कभी आधुनिक प्रदर्शनों में प्रकाश ही सजावट का एकमात्र साधन होता है।

विभिन्न प्रकार की सजावट के लिए उपयुक्त प्रकाश तकनीक की आवश्यकता होती है। समतल प्राकृतिक सजावट के लिए सामान्य समान प्रकाश व्यवस्था की आवश्यकता होती है, जो सामान्य प्रकाश उपकरणों (स्पॉटलाइट, रैंप, पोर्टेबल डिवाइस) द्वारा बनाई जाती है। त्रि-आयामी दृश्यों के साथ प्रदर्शन के लिए स्थानीय (स्पॉटलाइट) प्रकाश की आवश्यकता होती है, जो प्रकाश विरोधाभास बनाता है जो डिज़ाइन की मात्रा पर जोर देता है।

मिश्रित प्रकार की सजावट का उपयोग करते समय तदनुसार मिश्रित प्रकाश व्यवस्था का उपयोग किया जाता है।

नाट्य प्रकाश उपकरणों का निर्माण चौड़े, मध्यम और संकीर्ण प्रकाश प्रकीर्णन कोणों के साथ किया जाता है, बाद वाले को स्पॉटलाइट कहा जाता है और मंच और पात्रों के अलग-अलग क्षेत्रों को रोशन करने के लिए उपयोग किया जाता है। स्थान के आधार पर, थिएटर स्टेज प्रकाश उपकरण को निम्नलिखित मुख्य प्रकारों में विभाजित किया गया है:

1) ओवरहेड प्रकाश उपकरण, जिसमें योजना के अनुसार कई पंक्तियों में मंच के खेल भाग के ऊपर निलंबित प्रकाश जुड़नार (स्पॉटलाइट, स्पॉटलाइट) शामिल हैं।

2) थिएटर क्षितिज को रोशन करने के लिए क्षैतिज प्रकाश उपकरण का उपयोग किया जाता है।

3) साइड लाइटिंग उपकरण, जिसमें आमतौर पर पोर्टल दृश्यों और साइड लाइटिंग गैलरी पर स्थापित स्पॉटलाइट-प्रकार के उपकरण शामिल होते हैं

4) रिमोट लाइटिंग उपकरण, जिसमें सभागार के विभिन्न हिस्सों में मंच के बाहर स्थापित स्पॉटलाइट शामिल हैं। रिमोट लाइटिंग में एक रैंप भी शामिल है।

5) पोर्टेबल प्रकाश उपकरण, जिसमें विभिन्न प्रकार के उपकरण शामिल हैं, प्रदर्शन की प्रत्येक क्रिया के लिए मंच पर स्थापित किए गए हैं (आवश्यकताओं के आधार पर)।

6) विभिन्न विशेष प्रकाश व्यवस्था और प्रक्षेपण उपकरण। थिएटर अक्सर विभिन्न प्रकार के विशेष प्रयोजन वाले प्रकाश उपकरणों (सजावटी झूमर, कैंडेलब्रा, लैंप, मोमबत्तियाँ, लालटेन, आग, मशाल) का उपयोग करता है, जो प्रदर्शन को डिजाइन करने वाले कलाकार के रेखाचित्रों के अनुसार बनाए जाते हैं।

कलात्मक उद्देश्यों (मंच पर वास्तविक प्रकृति का पुनरुत्पादन) के लिए, एक रंग मंच प्रकाश व्यवस्था का उपयोग किया जाता है, जिसमें विभिन्न रंगों के प्रकाश फिल्टर शामिल होते हैं। लाइट फिल्टर ग्लास या फिल्म हो सकते हैं। प्रदर्शन के दौरान रंग परिवर्तन किए जाते हैं: क) एक रंग फ़िल्टर वाले प्रकाश उपकरणों से अन्य रंगों वाले उपकरणों में क्रमिक संक्रमण के माध्यम से; बी) एक साथ संचालित होने वाले कई उपकरणों के रंग जोड़ना; ग) प्रकाश जुड़नार में प्रकाश फिल्टर बदलना। किसी प्रदर्शन के डिज़ाइन में प्रकाश प्रक्षेपण का बहुत महत्व है। इसकी मदद से, विभिन्न गतिशील प्रक्षेपण प्रभाव बनाए जाते हैं (बादल, लहरें, बारिश, गिरती बर्फ, आग, विस्फोट, चमक, उड़ते पक्षी, हवाई जहाज, नौकायन जहाज) या स्थिर छवियां जो सजावट के सुरम्य विवरण (प्रकाश प्रक्षेपण सजावट) को प्रतिस्थापित करती हैं। . प्रकाश प्रक्षेपण का उपयोग प्रदर्शन में प्रकाश की भूमिका को असामान्य रूप से विस्तारित करता है और इसकी कलात्मक संभावनाओं को समृद्ध करता है। कभी-कभी फिल्म प्रक्षेपण का भी उपयोग किया जाता है। प्रकाश किसी प्रदर्शन का पूर्ण कलात्मक घटक तभी हो सकता है जब उस पर केंद्रीकृत नियंत्रण की लचीली व्यवस्था हो। इस प्रयोजन के लिए, सभी स्टेज प्रकाश उपकरणों की बिजली आपूर्ति को अलग-अलग प्रकाश उपकरणों या उपकरण और स्थापित प्रकाश फिल्टर के अलग-अलग रंगों से संबंधित लाइनों में विभाजित किया गया है। आधुनिक मंच पर 200-300 तक लाइनें हैं। प्रकाश को नियंत्रित करने के लिए, प्रत्येक व्यक्तिगत पंक्ति में और उनके किसी भी संयोजन में, चमकदार प्रवाह को चालू करना, बंद करना और बदलना आवश्यक है। इस प्रयोजन के लिए, प्रकाश नियंत्रण इकाइयाँ हैं, जो मंच उपकरण का एक आवश्यक तत्व हैं। लैंप के चमकदार प्रवाह को ऑटोट्रांसफॉर्मर, थायरट्रॉन, चुंबकीय एम्पलीफायरों या अर्धचालक उपकरणों का उपयोग करके नियंत्रित किया जाता है जो प्रकाश सर्किट में वर्तमान या वोल्टेज को बदलते हैं। कई स्टेज लाइटिंग सर्किटों को नियंत्रित करने के लिए, जटिल यांत्रिक उपकरण होते हैं जिन्हें आमतौर पर थिएटर नियंत्रण कहा जाता है। ऑटोट्रांसफॉर्मर या चुंबकीय एम्पलीफायर वाले विद्युत नियामक सबसे व्यापक हैं। वर्तमान में, विद्युत बहु-प्रोग्राम नियामक व्यापक होते जा रहे हैं; उनकी सहायता से मंच प्रकाश नियंत्रण में असाधारण लचीलापन प्राप्त होता है। ऐसी प्रणाली का मूल सिद्धांत यह है कि नियामक स्थापना प्रदर्शन के कई दृश्यों या क्षणों के लिए प्रकाश संयोजनों के प्रारंभिक सेट की अनुमति देती है, जिसके बाद किसी भी क्रम में और किसी भी गति से मंच पर उनका पुनरुत्पादन होता है। महान प्रकाश गतिशीलता और तीव्र परिवर्तनों के साथ जटिल आधुनिक बहु-दृश्य प्रदर्शनों को प्रकाश में लाते समय यह विशेष रूप से महत्वपूर्ण है।

2.5 चरण प्रभाव

स्टेज प्रभाव (लैटिन इफ़ेक्टस से - प्रदर्शन) - विशेष उपकरणों और उपकरणों की मदद से बनाई गई उड़ानों, मार्ग, बाढ़, आग, विस्फोट का भ्रम। प्राचीन रंगमंच में मंच प्रभावों का उपयोग पहले से ही किया जाता था। रोमन साम्राज्य के युग में, व्यक्तिगत मंच प्रभावों को माइम प्रदर्शन में पेश किया गया था। प्रभाव 14वीं-16वीं शताब्दी के धार्मिक विचारों से समृद्ध थे। इसलिए, उदाहरण के लिए, रहस्यों का मंचन करते समय, विशेष "चमत्कारों के स्वामी" कई नाटकीय प्रभावों की व्यवस्था करने के प्रभारी थे। 16वीं-17वीं शताब्दी के दरबार और सार्वजनिक थिएटरों में। नाट्य तंत्र के उपयोग के आधार पर विभिन्न मंच प्रभावों के साथ एक प्रकार का शानदार प्रदर्शन स्थापित किया गया था। ड्राइवर और डेकोरेटर का कौशल, जिन्होंने सभी प्रकार की अपोजिट, उड़ानें और परिवर्तन बनाए, इन प्रदर्शनों में सामने आए। इस तरह के शानदार मनोरंजन की परंपराओं को बाद की शताब्दियों के थिएटर अभ्यास में बार-बार पुनर्जीवित किया गया।

आधुनिक रंगमंच में, मंच प्रभावों को ध्वनि, प्रकाश (प्रकाश और फिल्म प्रक्षेपण) और यांत्रिक में विभाजित किया गया है। ध्वनि (शोर) प्रभावों की मदद से, आसपास के जीवन की आवाज़ों को मंच पर पुन: पेश किया जाता है - प्रकृति की आवाज़ (हवा, बारिश, आंधी, पक्षियों का गाना), औद्योगिक शोर (कारखाना, निर्माण स्थल, आदि), परिवहन शोर (ट्रेन, विमान), लड़ाई का शोर (घुड़सवार सेना की आवाजाही, शॉट्स), घरेलू शोर (घड़ियां, कांच की खनक, चरमराहट)।

प्रकाश प्रभावों में शामिल हैं:

1) प्राकृतिक प्रकाश के सभी प्रकार के अनुकरण (दिन, सुबह, रात, विभिन्न प्राकृतिक घटनाओं के दौरान देखी जाने वाली रोशनी - सूर्योदय और सूर्यास्त, साफ और बादल आकाश, तूफान, आदि);

2) भारी बारिश, घूमते बादल, आग की धधकती चमक, गिरते पत्ते, बहता पानी आदि का भ्रम पैदा करना।

पहले समूह के प्रभाव प्राप्त करने के लिए, वे आमतौर पर तीन-रंग प्रकाश व्यवस्था का उपयोग करते हैं - सफेद, लाल, नीला, जो सभी आवश्यक संक्रमणों के साथ लगभग कोई भी स्वर देता है। एक और भी समृद्ध और अधिक लचीला रंग पैलेट (विभिन्न रंगों की बारीकियों के साथ) चार रंगों (पीला, लाल, नीला, हरा) के संयोजन द्वारा प्रदान किया जाता है, जो सफेद प्रकाश की मूल वर्णक्रमीय संरचना से मेल खाता है। दूसरे समूह के प्रकाश प्रभाव प्राप्त करने की विधियाँ मुख्य रूप से प्रकाश प्रक्षेपण के उपयोग तक आती हैं। दर्शक द्वारा प्राप्त इंप्रेशन की प्रकृति के अनुसार, प्रकाश प्रभाव को स्थिर (गतिहीन) और गतिशील में विभाजित किया जाता है।

स्थिर प्रकाश प्रभाव के प्रकार

बिजली - एक वोल्टाइक आर्क के तत्काल फ्लैश द्वारा दी जाती है, जो मैन्युअल रूप से या स्वचालित रूप से उत्पन्न होती है। हाल के वर्षों में, उच्च तीव्रता वाली इलेक्ट्रॉनिक फ़्लैश इकाइयाँ व्यापक हो गई हैं।

बड़ी संख्या में टॉर्च बल्बों का उपयोग करके सितारों का अनुकरण किया जाता है, जो विभिन्न रंगों में चित्रित होते हैं और अलग-अलग चमक तीव्रता वाले होते हैं। प्रकाश बल्ब और उन्हें विद्युत आपूर्ति एक काले रंग की जाली पर लगाई जाती है, जो फ्लाईबार की छड़ से निलंबित होती है।

चंद्रमा - क्षितिज पर संबंधित प्रकाश छवि को प्रक्षेपित करके, साथ ही चंद्रमा की नकल करने वाले एक उभरे हुए मॉडल का उपयोग करके बनाया गया है।

समान दस्तावेज़

बेलारूसी नाट्य कला के विकास में मुख्य मील के पत्थर। नाट्य कला के क्षेत्र में अंतर्राष्ट्रीय परियोजनाएँ। अंतर्राष्ट्रीय सहयोग के रूप में थिएटर उत्सव। अंतर्राष्ट्रीय पैंटोमाइम उत्सव "मिमआर्ट" की परियोजना का औचित्य।

थीसिस, 06/02/2014 को जोड़ा गया


नाट्य विधा के प्रकार. रंगमंच और संगीत से संबंधित कला शैलियों की विशेषताएं। संगीत और नाट्य कला के एक रूप के रूप में ओपेरा। ओपेरेटा की उत्पत्ति, कला के अन्य रूपों के साथ इसका संबंध। थिएटर में मोनो-ओपेरा और मोनोड्रामा। त्रासदी का इतिहास.

सार, 11/04/2015 को जोड़ा गया


थिएटर में निर्देशक के कार्यों की विशेषताएं, नाट्य नैतिकता। स्केच पर काम करते समय स्वयं का विश्लेषण। नाट्य कला के आधार के रूप में क्रिया, क्रिया को एक प्रक्रिया के रूप में उपयोग करने की क्षमता। नाट्य कला की विशिष्ट विशेषताएं.

परीक्षण, 08/18/2011 को जोड़ा गया


जापान में नाट्य कला के विभिन्न रूपों का विकास। नू थिएटर में प्रदर्शन की विशेषताएं। काबुकी थिएटर की विशेषताएँ, जो गायन, संगीत, नृत्य और नाटक का संश्लेषण है। कथकली रंगमंच का वीरतापूर्ण और प्रेमपूर्ण प्रदर्शन।

प्रस्तुति, 04/10/2014 को जोड़ा गया


बीसवीं सदी की शुरुआत में जर्मनी और रूस में नाट्य कला के विकास में समानता और अंतर का विश्लेषण। नाटकीय रंगमंच के क्षेत्र में रूसी-जर्मन संपर्कों का अध्ययन। इस काल की सांस्कृतिक हस्तियों की रचनात्मकता। नाटकीय अभिव्यक्तिवाद और इसकी विशेषताएं।

थीसिस, 10/18/2013 को जोड़ा गया


प्राचीन यूनानी कला के होमरिक और हेलेनिस्टिक काल का अध्ययन। ग्रीक वास्तुकला के डोरिक, आयनिक और कोरिंथियन आदेशों का विवरण। स्मारकीय मूर्तिकला, साहित्य, रंगमंच और वक्तृत्व कला के विकास का अध्ययन।

पाठ्यक्रम कार्य, 08/16/2011 को जोड़ा गया


प्रदर्शन कला के एक रूप के रूप में बैले की उत्पत्ति का इतिहास जिसमें नृत्य का एक औपचारिक रूप शामिल है। ओपेरा से बैले का अलग होना, एक नए प्रकार के नाट्य प्रदर्शन का उदय। रूसी बैले एस.पी. दिगिलेव। 9वीं सदी के अंत और 20वीं सदी की शुरुआत में विश्व बैले।

सार, 02/08/2011 जोड़ा गया


कार्यक्रम की विशेषताएँ, शैक्षिक प्रक्रिया में उसका स्थान और भूमिका। एक कला के रूप में रंगमंच. नाटक का चयन एवं विश्लेषण. ध्यान, कल्पना और स्मृति का संगठन। भाषण की तकनीक और संस्कृति। नियंत्रण के रूप और तरीके. पद्धतिगत समर्थनशैक्षिक प्रक्रिया.

प्रशिक्षण मैनुअल, 03/31/2017 को जोड़ा गया


नाट्य पोशाक की विशेषताएँ. इसके स्केच के लिए आवश्यकताएँ। मानव आकृति की छवि का विश्लेषण; ग्राफ़िक स्रोतों में प्रयुक्त तकनीकें और उपकरण। कपड़ों के संग्रह के विकास में नाटकीय पोशाक की ग्राफिक तकनीकों का उपयोग करना।

पाठ्यक्रम कार्य, 09/28/2013 को जोड़ा गया


प्लास्टिक अभिव्यंजना के लक्षण। प्लास्टिक अभिव्यंजना के बारे में उत्कृष्ट रंगमंच के आंकड़े। ए. नेमेरोव्स्की, के. स्टैनिस्लावस्की के पाठों में रचनात्मक अभिव्यक्ति की खोज। नेमेरोव्स्की के अनुभव के आधार पर प्लास्टिक और निर्देशकीय निर्णयों के उदाहरण।