पुनर्जागरण में संगीत संस्कृति और शिक्षा। पुनरुद्धार की सार संगीत संस्कृति

XV-XVII सदियों की अवधि में संगीत।

मध्य युग में, संगीत चर्च का विशेषाधिकार था, इसलिए अधिकांश संगीत कार्य पवित्र थे, वे चर्च के भजनों (ग्रेगोरियन मंत्र) पर आधारित थे, जो ईसाई धर्म की शुरुआत से ही धर्म का हिस्सा थे। 6 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पोप ग्रेगरी I की प्रत्यक्ष भागीदारी के साथ पंथ की धुनों को अंततः विहित किया गया। पेशेवर गायकों द्वारा ग्रेगोरियन मंत्र का प्रदर्शन किया गया। चर्च संगीत में पॉलीफोनी में महारत हासिल करने के बाद, ग्रेगोरियन मंत्र पॉलीफोनिक पंथ कार्यों (जनता, गति, आदि) का विषयगत आधार बना रहा।

मध्य युग के बाद पुनर्जागरण आया, जो संगीतकारों के लिए खोजों, नवाचारों और अनुसंधान का युग था, संगीत और चित्रकला से लेकर खगोल विज्ञान और गणित तक जीवन की सांस्कृतिक और वैज्ञानिक अभिव्यक्तियों की सभी परतों का पुनर्जागरण।

हालाँकि, मुख्य रूप से, संगीत धार्मिक बना रहा, लेकिन समाज पर चर्च के नियंत्रण के कमजोर होने से संगीतकारों और कलाकारों को अपनी प्रतिभा के प्रकटीकरण में अधिक स्वतंत्रता मिली।

प्रिंटिंग प्रेस के आविष्कार के साथ, शीट संगीत को प्रिंट करना और वितरित करना संभव हो गया, और उसी क्षण से शुरू होता है जिसे हम शास्त्रीय संगीत कहते हैं।

इस अवधि के दौरान, नए वाद्य यंत्र दिखाई दिए। सबसे लोकप्रिय उपकरण थे जिन पर संगीत प्रेमी विशेष कौशल की आवश्यकता के बिना आसानी से और आसानी से खेल सकते थे।

यह इस समय था कि वायोला, वायलिन का पूर्ववर्ती, दिखाई दिया। फ्रेट्स (फ्रेटबोर्ड पर लकड़ी की पट्टियाँ) ने इसे बजाना आसान बना दिया, और ध्वनि शांत, कोमल थी, और छोटे स्थानों में अच्छी तरह से बजाई गई।

लोकप्रिय भी थे हवा उपकरण- रिकॉर्डर, बांसुरी और हॉर्न। नव निर्मित हार्पसीकोर्ड, वर्जिनल (अंग्रेजी हार्पसीकोर्ड, छोटे आकार की विशेषता) और अंग के लिए सबसे जटिल संगीत लिखा गया था। उसी समय, संगीतकार सरल संगीत रचना करना नहीं भूले, जिसमें उच्च प्रदर्शन कौशल की आवश्यकता नहीं थी। उसी समय, संगीत लेखन में परिवर्तन हुए: भारी लकड़ी के छपाई ब्लॉकों को इतालवी ओटावियानो पेत्रुकी द्वारा आविष्कृत मोबाइल धातु पत्रों द्वारा प्रतिस्थापित किया गया। प्रकाशित संगीत रचनाएँ जल्दी बिक गईं, अधिक से अधिक लोग संगीत से जुड़ने लगे।

अवश्य देखें: इटली में शास्त्रीय संगीत के इतिहास की प्रमुख घटनाएँ।

पुनर्जन्म(फ्रेंच पुनर्जागरण काल) - XV-XVI सदियों में पश्चिमी यूरोप के सांस्कृतिक और ऐतिहासिक जीवन में एक युग। (इटली में - XIV-XVI सदियों)। यह पूँजीवादी संबंधों के उद्भव और विकास, राष्ट्रों, भाषाओं और राष्ट्रीय संस्कृतियों के निर्माण का काल है। पुनर्जागरण महान भौगोलिक खोजों, छपाई के आविष्कार, विज्ञान के विकास का समय है।

युग के नाम पर रखा गया था पुनः प्रवर्तनदिलचस्पी है एंटीककला, जो उस समय के सांस्कृतिक आंकड़ों के लिए एक आदर्श बन गई। संगीतकार और संगीत सिद्धांतकार - जे। टिंकटोरिस, जे। ज़ारलिनो और अन्य - ने प्राचीन ग्रीक संगीत ग्रंथों का अध्ययन किया; जोस्किन डेस्प्रेस के संगीत कार्यों में, जिनकी तुलना माइकल एंजेलो के साथ की जाती है, "प्राचीन यूनानियों की खोई हुई पूर्णता बढ़ गई है"; XVI के अंत में दिखाई दिया - XVII सदी की शुरुआत में। ओपेरा प्राचीन नाटक के पैटर्न की ओर उन्मुख है।

पुनर्जागरण कला पर आधारित थी मानवतावाद(लैटिन "ह्यूमनस" से - मानवीय, परोपकारी) - एक दृश्य जो किसी व्यक्ति को उच्चतम मूल्य की घोषणा करता है, वास्तविकता की घटनाओं के अपने स्वयं के आकलन के लिए किसी व्यक्ति के अधिकार का बचाव करता है, वैज्ञानिक ज्ञान की आवश्यकता और कला में पर्याप्त प्रतिबिंब को सामने रखता है। वास्तविकता की घटनाओं का। पुनर्जागरण के विचारकों ने मध्य युग के धर्मशास्त्र का विरोध एक ऐसे व्यक्ति के नए आदर्श के साथ किया जो सांसारिक भावनाओं और रुचियों से ओत-प्रोत है। साथ ही, पुनर्जागरण की कला में पिछले युग की विशेषताओं को बरकरार रखा गया था (अनिवार्य रूप से धर्मनिरपेक्ष होने के कारण, यह मध्यकालीन कला की छवियों का उपयोग करता था)।

पुनर्जागरण भी व्यापक सामंतवाद विरोधी और कैथोलिक विरोधी धार्मिक आंदोलनों का समय था (चेक गणराज्य में हुसितवाद, जर्मनी में लूथरनवाद, फ्रांस में कैल्विनवाद)। ये सभी धार्मिक आंदोलन एक समान अवधारणा से जुड़े हुए हैं " प्रोटेस्टेंट" (या " सुधार»).

पुनर्जागरण के दौरान, कला (संगीत सहित) ने महान सार्वजनिक प्रतिष्ठा का आनंद लिया और अत्यधिक व्यापक हो गई। ललित कलाएँ (एल। दा विंची, राफेल, माइकल एंजेलो, जान वैन आइक, पी। ब्रूगेल और अन्य), वास्तुकला (एफ। ब्रुनेलेस्ची, ए। पल्लादियो), साहित्य (डांटे, एफ। पेट्रार्क, एफ। रबेलैस, एम। सर्वेंटेस , डब्ल्यू। शेक्सपियर), संगीत।

पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की विशेषता विशेषताएं:

त्वरित विकास धर्मनिरपेक्षसंगीत (धर्मनिरपेक्ष शैलियों का व्यापक प्रसार: मैड्रिगल्स, फ्रोटोल्स, विलनेल, फ्रेंच "चांसन", अंग्रेजी और जर्मन पॉलीफोनिक गाने), पुराने चर्च संगीत संस्कृति पर इसका हमला जो धर्मनिरपेक्ष के साथ समानांतर में मौजूद था;

वास्तविकसंगीत में रुझान: नए प्लॉट, मानवतावादी विचारों के अनुरूप चित्र और, परिणामस्वरूप, नए साधन संगीतमय अभिव्यक्ति;

लोक मधुरसंगीत के एक टुकड़े की अग्रणी शुरुआत के रूप में। लोक संगीतकैंटस फर्मस (पॉलीफोनिक कार्यों में मुख्य, अपरिवर्तनीय टेनर मेलोडी) और पॉलीफोनिक संगीत (चर्च संगीत सहित) के रूप में उपयोग किया जाता है। माधुर्य चिकना, अधिक लचीला, मधुर हो जाता है, क्योंकि मानव अनुभवों की प्रत्यक्ष अभिव्यक्ति है;

शक्तिशाली विकास पॉलीफोनिकसंगीत, सहित। और " सख्त शैली" (अन्यथा - " शास्त्रीय मुखर पॉलीफोनी", क्योंकि मुखर और कोरल प्रदर्शन पर केंद्रित)। सख्त शैली का तात्पर्य स्थापित नियमों के अनिवार्य पालन से है (इतालवी जे। कार्लिनो द्वारा सख्त शैली मानदंड तैयार किए गए थे)। सख्त शैली के परास्नातक ने प्रतिरूप, नकल और कैनन की तकनीक में महारत हासिल की। सख्त लेखन डायटोनिक चर्च मोड की एक प्रणाली पर आधारित था। सामंजस्य में सामंजस्य हावी है, विशेष नियमों द्वारा विसंगतियों का उपयोग सख्ती से सीमित था। प्रमुख और मामूली मोड और घड़ी प्रणाली जोड़ी जाती है। विषयगत आधार ग्रेगोरियन जप था, लेकिन धर्मनिरपेक्ष धुनों का भी उपयोग किया गया था। सख्त शैली की अवधारणा पुनर्जागरण के सभी पॉलीफोनिक संगीत को कवर नहीं करती है। यह मुख्य रूप से फिलिस्तीना और ओ लासो की पॉलीफोनी पर केंद्रित है;

एक नए प्रकार के संगीतकार का गठन - पेशेवर, जिन्होंने एक व्यापक विशेष संगीत शिक्षा प्राप्त की। "संगीतकार" की अवधारणा पहली बार प्रकट होती है;

राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों (अंग्रेजी, डच, इतालवी, जर्मन, आदि) का गठन;

पहले कलाकारों की उपस्थिति ल्यूट, वायल, वायलिन, हार्पसीकोर्ड, अंग;शौकिया संगीत-निर्माण का उत्कर्ष;

टाइपोग्राफी का उदय।

पुनर्जागरण की मुख्य संगीत शैलियाँ

पुनर्जागरण के प्रमुख संगीत सिद्धांतकार:

जोहान्स टिंक्टोरिस (1446 - 1511),

ग्लेरियन (1488 - 1563),

जोसेफ़ो कार्लिनो (1517 - 1590)।

उच्च पुनर्जागरण का युग।

(1500 से इतालवी संगीत के इतिहास से)

पुनर्जागरण कला के सभी क्षेत्रों - चित्रकला, वास्तुकला, मूर्तिकला, संगीत में परिवर्तन का काल है। इस अवधि ने मध्य युग से वर्तमान तक के संक्रमण को चिह्नित किया। 1500 और 1600 के बीच की अवधि, जिसे उच्च पुनर्जागरण कहा जाता है, यूरोपीय संगीत के इतिहास में सबसे क्रांतिकारी अवधि है, जिस शताब्दी में सद्भाव विकसित हुआ था और ओपेरा का जन्म हुआ था।

16 वीं शताब्दी में, संगीत मुद्रण पहली बार फैल गया, 1501 में विनीशियन प्रिंटर ओटावियानो पेत्रुकी ने धर्मनिरपेक्ष संगीत का पहला बड़ा संग्रह हार्मोनिस म्यूज़िक ओडेकेटन प्रकाशित किया। यह संगीत के प्रसार में एक क्रांति थी, और इस तथ्य में भी योगदान दिया कि फ्रेंको-फ्लेमिश शैली अगली शताब्दी में यूरोप की प्रमुख संगीत भाषा बन गई, क्योंकि एक इतालवी के रूप में, पेट्रुकी में मुख्य रूप से फ्रेंको-फ्लेमिश संगीतकारों का संगीत शामिल था। उसके संग्रह में। इसके बाद, उन्होंने धर्मनिरपेक्ष और आध्यात्मिक दोनों तरह के कई काम और इतालवी संगीतकार प्रकाशित किए।

इटली हार्पसीकोर्ड और वायलिन के निर्माण का केंद्र बन गया। कई वायलिन वर्कशॉप खुलती हैं। पहले उस्तादों में से एक क्रेमोना के प्रसिद्ध एंड्रिया अमती थे, जिन्होंने वायलिन निर्माताओं के वंश की नींव रखी। उन्होंने मौजूदा वायलिन के डिजाइन में महत्वपूर्ण बदलाव किए, जिससे ध्वनि में सुधार हुआ और यह आधुनिक रूप के करीब आ गया।
फ्रांसेस्को कैनोवा डा मिलानो (1497 - 1543) - एक उत्कृष्ट इतालवी ल्यूट वादक और पुनर्जागरण के संगीतकार, ने गुणी संगीतकारों के देश के रूप में इटली की प्रतिष्ठा बनाई। उन्हें आज भी सर्वकालिक सर्वश्रेष्ठ वीणा वादक माना जाता है। उत्तर मध्य युग के पतन के बाद, संगीत संस्कृति का एक महत्वपूर्ण तत्व बन गया।
पुनर्जागरण के दौरान, मद्रिगल अपने चरम पर पहुंच गया और युग की सबसे लोकप्रिय संगीत शैली बन गई। मेड्रिगालिस्ट्स ने उच्च कला बनाने की मांग की, अक्सर मध्य युग के महान इतालवी कवियों की पुनरीक्षित कविता का उपयोग करते हुए: फ्रांसेस्को पेट्रार्का, जियोवन्नी बोकाशियो और अन्य। मैड्रिगल की सबसे विशिष्ट विशेषता सख्त संरचनात्मक कैनन की अनुपस्थिति थी, मुख्य सिद्धांत विचारों और भावनाओं की मुक्त अभिव्यक्ति थी।
विनीशियन स्कूल के प्रतिनिधि, साइप्रियानो डी रोरे, और फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल के प्रतिनिधि, रोलैंड डी लासू जैसे संगीतकारों ने क्रोमैटिज़्म, सामंजस्य, लय, बनावट और संगीत अभिव्यक्ति के अन्य साधनों को बढ़ाने के साथ प्रयोग किया। उनका अनुभव जारी रहेगा और कार्लो गेसुआल्डो के मैननेरिस्ट युग में समाप्त होगा।
1558 में, अरस्तू के समय से बैरोक युग तक के संगीत के महानतम सिद्धांतकार जोसेफो ज़रलिनो (1517-1590) ने हारमोनिका के मूल सिद्धांतों का निर्माण किया, 16 वीं शताब्दी के संगीत विज्ञान की इस सबसे बड़ी रचना में, उन्होंने प्राचीन अवधारणा को पुनर्जीवित किया एक ध्वनि संख्या की, एक बड़े और छोटे त्रय के सैद्धांतिक और सौंदर्य संबंधी औचित्य की पुष्टि की। संगीत के बारे में उनके शिक्षण का पश्चिमी यूरोपीय संगीत विज्ञान पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा और बाद में बड़ी और छोटी कई विशेषताओं का आधार बना।

ओपेरा का जन्म (फ्लोरेंटाइन कैमराटा)

पुनर्जागरण के अंत में सबसे महत्वपूर्ण घटना द्वारा चिह्नित किया गया था संगीत इतिहास- ओपेरा का जन्म।
मानवतावादियों, संगीतकारों और कवियों का एक समूह फ्लोरेंस में अपने नेता, काउंट गियोवन्नी डी बर्दी (1534 - 1612) के तत्वावधान में एकत्रित हुआ। समूह को "कमेराता" कहा जाता था, इसके मुख्य सदस्य थे गिउलिओ कैसिनी, पिएत्रो स्ट्रोज़ी, विन्सेंज़ो गैलीली (खगोलविद गैलीलियो गैलीली के पिता), गिलोरामो मेई, एमिलियो डी कैवलियरी और ओटावियो रिनुकिनी अपने छोटे वर्षों में।
समूह की पहली प्रलेखित बैठक 1573 में हुई, और "फ्लोरेंस कैमराटा" के सबसे सक्रिय वर्ष 1577 - 1582 थे।
उनका मानना ​​​​था कि संगीत "दूषित" था और प्राचीन ग्रीस के रूप और शैली में लौटने की मांग की, यह मानते हुए कि संगीत की कला में सुधार किया जा सकता है और तदनुसार, समाज में भी सुधार होगा। कैमराटा ने पाठ की सुगमता और काम के काव्य घटक के नुकसान की कीमत पर पॉलीफोनी के अत्यधिक उपयोग के लिए मौजूदा संगीत की आलोचना की, और एक नई संगीत शैली के निर्माण का प्रस्ताव दिया जिसमें मोनोडिक शैली में पाठ के साथ था वाद्य संगीत। उनके प्रयोगों ने एक नए मुखर और संगीत के रूप का निर्माण किया - पुनरावर्ती, पहले एमिलियो डी कैवलियरी द्वारा उपयोग किया गया, बाद में सीधे ओपेरा के विकास से संबंधित था।
16 वीं शताब्दी के अंत में, संगीतकारों ने पुनर्जागरण शैलियों की सीमाओं को आगे बढ़ाना शुरू किया, बैरोक युग ने इसे अपनी विशेषताओं और संगीत में नई खोजों के साथ बदल दिया। उनमें से एक क्लाउडियो मोंटेवेर्डी था।

मोंटेवेर्डी। फिमे ट्रैंक्विलो में प्रेसो।

क्लाउडियो जियोवानी एंटोनियो मोंटेवेर्डी (05/15/1567 - 11/29/1643) - इतालवी संगीतकार, संगीतकार, गायक। बैरोक के सबसे महत्वपूर्ण संगीतकार, उनके कार्यों को अक्सर क्रांतिकारी माना जाता है, जो पुनर्जागरण से बैरोक तक संगीत में संक्रमण को चिह्नित करता है। वह संगीत में महान परिवर्तन के युग में रहते थे और स्वयं वह व्यक्ति थे जिन्होंने इसे बदल दिया।

मोंटेवेर्डी। वेनाइट, वेनाइट।

मोंटेवेर्डी। ओपेरा "ऑर्फ़ियस" से

पहला आधिकारिक रूप से मान्यता प्राप्त ओपेरा जो आधुनिक मानकों को पूरा करता है, ओपेरा "डाफ्ने" (डैफने) था, जिसे पहली बार 1598 में प्रस्तुत किया गया था। यह ओपेरा बच नहीं पाया है। पहला जीवित ओपेरा एक ही लेखक - जैकोपो पेरी और ओटावियो रिनुकिनी द्वारा "यूरीडाइस" (1600) है। इस रचनात्मक संघ ने अभी भी कई रचनाएँ रची हैं, जिनमें से अधिकांश खो गई हैं।

जैकोपो पेरी। तू डोरमी, ई आई डोल्से सोनो।

जैकोपो पेरी। होर चे ग्ली औगेल्ली।

16वीं शताब्दी का चर्च संगीत।

16 वीं शताब्दी को यूरोप में कला और विज्ञान के विकास पर कैथोलिक चर्च और इसकी पूछताछ के बहुत मजबूत प्रभाव की विशेषता है। 1545 में, ट्रेंट की परिषद की बैठक हुई, जो कैथोलिक चर्च के इतिहास में सबसे महत्वपूर्ण परिषदों में से एक थी, जिसका उद्देश्य सुधार आंदोलन का जवाब देना था। विशेष रूप से, इस गिरजाघर में चर्च संगीत पर विचार किया जाता था।
कुछ प्रतिनिधियों ने मोनोफोनिक ग्रेगोरियन मंत्र पर लौटने की मांग की और मंत्रों से काउंटरपॉइंट को बाहर कर दिया, लगभग सभी दृश्यों सहित पवित्र संगीत में पॉलीफोनिक शैली के उपयोग पर पहले से ही एक मौन प्रतिबंध था। इस स्थिति का कारण यह विश्वास था कि पॉलीफोनिक संगीत, कॉन्ट्रिपंटल प्लेक्सस के कारण, पाठ को पृष्ठभूमि में धकेलता है, जबकि काम के संगीतमय सामंजस्य का भी उल्लंघन होता है।
विवाद को सुलझाने के लिए एक विशेष समिति का गठन किया गया था। इस आयोग ने पार्टियों की सभी आवश्यकताओं को ध्यान में रखते हुए परीक्षण जनता की रचना करने के लिए चर्च संगीत के सबसे महान संगीतकारों में से एक, जियोवन्नी पियरलुइगी दा फिलिस्तीना (1514-1594) को नियुक्त किया। फिलिस्तीन ने अपने सबसे प्रसिद्ध "मास ऑफ़ पोप मार्सेलस" सहित तीन छह-आवाज़ वाले द्रव्यमान बनाए, जो पोप मार्सेलस II को समर्पित थे, जो उनकी युवावस्था में उनके संरक्षक थे। इन कार्यों का पादरियों पर गहरा प्रभाव पड़ा और विवाद को समाप्त कर दिया, चर्च संगीत में काउंटरपॉइंट के उपयोग के खिलाफ भाषण बंद हो गए।
Giovanni Pierluigi Palestrina का काम कॉन्ट्रापुंटल पवित्र संगीत एक कैपेला के विकास का शिखर है, जो पॉलीफोनी और ग्रंथों की स्पष्टता के सभी संभावित संयोजनों को जोड़ता है।

फिलिस्तीन। सिसिली Cervus.

फिलिस्तीन। ग्लोरिया

सार: पुनर्जागरण का संगीत

शिक्षा के लिए संघीय एजेंसी

एसईआई एचपीई "मारी स्टेट यूनिवर्सिटी"

प्राथमिक विद्यालय के संकाय

विशेषता: 050708

"शिक्षाशास्त्र और प्राथमिक शिक्षा के तरीके"

विभाग: "प्राथमिक शिक्षा का शिक्षाशास्त्र"

परीक्षा

"पुनर्जागरण का संगीत"

योशकर-ओला 2010

पुनर्जागरण (पुनर्जागरण) का युग सभी प्रकार की कलाओं के उत्कर्ष का समय है और प्राचीन परंपराओं और रूपों में उनके आंकड़ों की अपील है।

पुनर्जागरण की यूरोप के विभिन्न देशों में असमान ऐतिहासिक और कालानुक्रमिक सीमाएँ हैं। इटली में, यह 14वीं शताब्दी में शुरू होता है, नीदरलैंड में यह 15वीं शताब्दी में शुरू होता है, और फ्रांस, जर्मनी और इंग्लैंड में, इसके लक्षण सबसे स्पष्ट रूप से 16वीं शताब्दी में प्रकट होते हैं। इसी समय, विभिन्न रचनात्मक विद्यालयों के बीच संबंधों का विकास, संगीतकारों के बीच अनुभव का आदान-प्रदान जो एक देश से दूसरे देश में चले गए, अलग-अलग चैपल में काम किया, समय का संकेत बन रहा है और हमें पूरे रुझान के बारे में बात करने की अनुमति देता है युग।

पुनर्जागरण की कलात्मक संस्कृति विज्ञान पर आधारित एक व्यक्तिगत शुरुआत है। 15 वीं -16 वीं शताब्दी के पॉलीफोनिस्टों का असामान्य रूप से जटिल कौशल, उनकी सदाचार तकनीक रोजमर्रा की नृत्य की उज्ज्वल कला, धर्मनिरपेक्ष शैलियों के परिष्कार के साथ जुड़ी हुई है। उनकी रचनाओं में गेय-नाट्यवाद अधिक से अधिक अभिव्यक्ति प्राप्त कर रहा है।

इसलिए, जैसा कि हम देख सकते हैं, संगीत कला के विकास के इतिहास में पुनर्जागरण काल ​​​​एक कठिन अवधि है, इसलिए व्यक्तिगत व्यक्तित्वों पर उचित ध्यान देते हुए, इस पर अधिक विस्तार से विचार करना उचित प्रतीत होता है।

संगीत ही विश्व की एकमात्र भाषा है, इसका अनुवाद करने की आवश्यकता नहीं है, इसमें आत्मा आत्मा से बात करती है।

एवरबख बर्थोल्ड।

पुनर्जागरण संगीत, या पुनर्जागरण संगीत, लगभग 1400 और 1600 के बीच यूरोपीय संगीत के विकास की अवधि को संदर्भित करता है। इटली में शुरू करें नया युग XIV सदी में संगीत कला के लिए आया था। डच स्कूल ने आकार लिया और 15वीं शताब्दी में अपनी पहली ऊंचाइयों पर पहुंच गया, जिसके बाद इसके विकास का विस्तार हुआ, और किसी न किसी तरह से प्रभाव ने अन्य राष्ट्रीय स्कूलों के मास्टर्स पर कब्जा कर लिया। 16वीं शताब्दी में फ्रांस में पुनर्जागरण के लक्षण स्पष्ट रूप से प्रकट हुए थे, हालांकि पिछली शताब्दियों में भी इसकी रचनात्मक उपलब्धियां महान और निर्विवाद थीं।

को XVI सदीपुनर्जागरण की कक्षा में शामिल जर्मनी, इंग्लैंड और कुछ अन्य देशों में कला के उदय को संदर्भित करता है। और फिर भी, समय के साथ, नया रचनात्मक आंदोलन समग्र रूप से पश्चिमी यूरोप के लिए निर्णायक बन गया और पूर्वी यूरोप के देशों में अपने तरीके से प्रतिक्रिया व्यक्त की।

पुनर्जागरण का संगीत खुरदरी और कठोर ध्वनियों के लिए पूरी तरह से अलग हो गया। सद्भाव के नियमों ने इसका मुख्य सार बनाया।

अग्रणी स्थान अभी भी कब्जा कर लिया गया था आध्यात्मिक संगीत, चर्च सेवा के दौरान लग रहा है। पुनर्जागरण में, उसने मध्यकालीन संगीत के मुख्य विषयों को संरक्षित किया: भगवान की प्रशंसा और दुनिया के निर्माता, पवित्रता और धार्मिक भावना की पवित्रता। इस तरह के संगीत का मुख्य लक्ष्य, जैसा कि इसके एक सिद्धांतकार ने कहा, "ईश्वर को प्रसन्न करना है।"

मास, मोटेट्स, भजन और स्तोत्र ने संगीत संस्कृति का आधार बनाया।

द्रव्यमान - संगीत रचना, जो लैटिन संस्कार के कैथोलिक पूजा के कुछ हिस्सों का एक संग्रह है, जिसके ग्रंथों को मोनोफोनिक या पॉलीफोनिक गायन के लिए संगीत पर सेट किया गया है, साथ में संगीत वाद्ययंत्रया बिना, रोमन कैथोलिक चर्च और उच्च दिशा के प्रोटेस्टेंट चर्चों में गंभीर पूजा की संगीतमय संगत के लिए, उदाहरण के लिए, स्वीडन के चर्च में।

संगीत के मूल्य के समूह भी संगीत समारोहों में पूजा के बाहर किए जाते हैं; इसके अलावा, बाद के समय के कई लोगों को विशेष रूप से या तो एक कॉन्सर्ट हॉल में प्रदर्शन के लिए या किसी प्रकार के उत्सव के अवसर पर बनाया गया था।

चर्च मास, ग्रेगोरियन मंत्र की पारंपरिक धुनों पर वापस जा रहा है, सबसे स्पष्ट रूप से संगीत संस्कृति का सार व्यक्त करता है। जैसा कि मध्य युग में, द्रव्यमान में पाँच भाग होते थे, लेकिन अब यह अधिक राजसी और बड़े पैमाने पर हो गया है। दुनिया अब मनुष्य को इतनी छोटी और देखने योग्य नहीं लगती थी। सामान्य जीवनअपनी सांसारिक खुशियों के साथ पहले से ही पापी माना जाना बंद हो गया है।

मोटेट (fr। मोटेटसे चुटकुला- शब्द) - पॉलीफोनिक वेयरहाउस का एक मुखर पॉलीफोनिक काम, पश्चिमी यूरोपीय मध्य युग और पुनर्जागरण के संगीत में केंद्रीय शैलियों में से एक।

गान (प्राचीन ग्रीक ὕμνος) किसी व्यक्ति या किसी चीज़ (मूल रूप से एक देवता) की प्रशंसा और महिमा करने वाला एक पवित्र गीत है।

भजन (ग्रीक ψαλμός " भजन”), आर.पी. भजन, पीएल। भजन (ग्रीक ψαλμοί) यहूदी (हिब्रू תהילים) और ईसाई धार्मिक कविता और प्रार्थना (पुराने नियम से) के भजन हैं।

वे पुराने नियम की 19वीं पुस्तक, स्तोत्र बनाते हैं। भजनों के लेखक होने का श्रेय परंपरागत रूप से किंग डेविड (सी. 1000 ई.पू.) और कई अन्य लेखकों को दिया जाता है, जिनमें इब्राहीम, मूसा और अन्य महान हस्तियां शामिल हैं।

कुल मिलाकर, स्तोत्र में 150 स्तोत्र शामिल हैं, जो प्रार्थना, स्तुति, गीत और शिक्षाओं में विभाजित हैं।

लोककथाओं पर भजनों का बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा है और यह कई कहावतों का स्रोत रहा है। यहूदी धर्म में, भजन संगत के साथ भजन के रूप में गाए जाते थे। प्रत्येक स्तोत्र के साथ, एक नियम के रूप में, प्रदर्शन की विधि और "मॉडल" (जिसे ग्रेगोरियन मंत्र में स्वर कहा जाता है), अर्थात्, इसी धुन को इंगित किया गया था। ईसाई धर्म में स्तोत्र का महत्वपूर्ण स्थान है। दैवीय सेवाओं, घर की प्रार्थनाओं, युद्ध से पहले और गठन में चलते समय भजन गाए जाते थे। प्रारंभ में, उन्हें चर्च में पूरे समुदाय द्वारा गाया जाता था। भजनों को कैपेला गाया जाता था, केवल घर पर उपकरणों के उपयोग की अनुमति थी। प्रदर्शन का प्रकार पुनरावर्ती-भजन था। पूरे स्तोत्र के अलावा, व्यक्तिगत, उनमें से सबसे अधिक अभिव्यंजक छंदों का भी उपयोग किया गया था। इस आधार पर, स्वतंत्र मंत्रों का उदय हुआ - प्रतिध्वनि, क्रमिक, पथ और हलेलुजाह।

धीरे-धीरे, चर्च के संगीतकारों के कामों में धर्मनिरपेक्ष प्रवृत्तियाँ घुसने लगीं। विषयों को साहसपूर्वक चर्च के भजनों के पॉलीफोनिक कपड़े में पेश किया जाता है लोक संगीतधार्मिक बिल्कुल नहीं। लेकिन अब इसने युग की सामान्य भावना और मनोदशा का खंडन नहीं किया। इसके विपरीत, संगीत में चमत्कारिक ढंग सेपरमात्मा और मानव को एक कर दिया।

15वीं शताब्दी में पवित्र संगीत अपने चरम पर पहुंच गया। नीदरलैंड में। यहाँ कला के अन्य रूपों की अपेक्षा संगीत को अधिक सम्मान दिया जाता था। डच और फ्लेमिश संगीतकारों ने नए नियमों का मार्ग प्रशस्त किया पॉलीफोनिक(पॉलीफोनिक) प्रदर्शन - क्लासिक " सख्त शैली"। डच आचार्यों की सबसे महत्वपूर्ण रचना तकनीक थी नकल- एक ही राग की पुनरावृत्ति विभिन्न आवाजें. प्रमुख आवाज टेनर थी, जिसे मुख्य दोहरावदार राग - कैंटस फर्मस ("अपरिवर्तनीय माधुर्य") सौंपा गया था। टेनर के नीचे बास बजता था, और ऊपर आल्टो बजता था। सबसे ऊँचे अर्थात् सबसे ऊँचे ऊँचे स्वर को कहा जाता था सोप्रानो।

गणितीय गणनाओं की सहायता से, डच और फ्लेमिश संगीतकार संयोजन सूत्र की गणना करने में कामयाब रहे संगीत अंतराल. लेखन का मुख्य लक्ष्य एक सामंजस्यपूर्ण, सममित और भव्य, आंतरिक रूप से पूर्ण ध्वनि निर्माण का निर्माण है। इस स्कूल के प्रतिभाशाली प्रतिनिधियों में से एक, जोहान्स ओकेघेम (सी। 1425-1497), ने गणितीय गणनाओं के आधार पर, 36 आवाजों के लिए एक प्रेरक की रचना की!

डच स्कूल की सभी शैलियों को ओकेघेम के काम में दर्शाया गया है: मास, मोटेट और चैनसन। उनके लिए सबसे महत्वपूर्ण शैली जन है, उन्होंने खुद को एक उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्ट साबित कर दिया। ओकेघेम का संगीत बहुत गतिशील है, मधुर रेखा एक विस्तृत श्रृंखला में चलती है, एक विस्तृत आयाम है। इसी समय, ओकेघेम की विशेषता चिकनी स्वर, शुद्धतम डायटोनिक और प्राचीन मोडल सोच है। इसलिए, ओकेगैम के संगीत को अक्सर "अनंत पर लक्षित", "फ्लोटिंग" के रूप में कुछ हद तक अलग आलंकारिक वातावरण में चित्रित किया जाता है। यह पाठ से कम संबंधित है, मंत्रों से समृद्ध है, कामचलाऊ, अभिव्यंजक है।

ओकेघेम के बहुत कम लेख बचे हैं:

लगभग 14 जनता (11 पूरी तरह से):

· Requiem Missa pro Defunctis (विश्व संगीत साहित्य के इतिहास में पहला पॉलीफोनिक requiem);

9-13 (विभिन्न स्रोतों के अनुसार) मोटेट्स:

20 से अधिक चांसन

ऐसे कई काम हैं जिनके ओकेगेम के स्वामित्व पर सवाल उठाया गया है, उनमें से 36 आवाजों के लिए प्रसिद्ध मोटेट "देव ग्राटियास" है। शैली में समानता के आधार पर कुछ गुमनाम मंत्रों को ओकेगेम के लिए जिम्मेदार ठहराया गया है।

ओकेगैम के तेरह द्रव्यमान 15वीं सदी की पांडुलिपि में संरक्षित हैं, जिसे चिगी कोडेक्स के नाम से जाना जाता है।

जनता के बीच, चार-भाग वाले द्रव्यमान प्रबल होते हैं, दो पाँच-भाग द्रव्यमान और एक आठ-भाग द्रव्यमान होते हैं। ओकेघेम लोक ("ल'होम आर्मे"), अपने स्वयं के ("मा मैस्ट्रेसे") धुनों या अन्य लेखकों की धुनों को जनता के विषयों के रूप में उपयोग करता है (उदाहरण के लिए, "डी प्लस एन प्लस" में बेन्कोइस)। बिना उधार के विषयों के लोग हैं ("क्विंटी टोनी", "साइन नॉमिन", "कुजुस्विस टोनी")।

मोटेट्स और चांसन

ओकेघेम के मोटेट्स और चांसन सीधे अपने लोगों के निकट हैं और मुख्य रूप से उनके पैमाने में उनसे अलग हैं। गतियों में शानदार, उत्सवपूर्ण कार्य और साथ ही अधिक सख्त आध्यात्मिक कोरल रचनाएँ हैं।

सबसे प्रसिद्ध है फेस्टिव थैंक्सगिविंग मोटेट "देव ग्रेटियस", जिसे चार नौ-स्वर वाली रचनाओं के लिए लिखा गया है और इसलिए इसे 36-स्वर माना जाता है। वास्तव में, इसमें चार नौ-भाग वाले कैनन (चार अलग-अलग विषयों पर) होते हैं, जो पिछले एक के समापन पर अगले की शुरुआत के मामूली ओवरलैप के साथ एक के बाद एक का पालन करते हैं। ओवरडब में 18 आवाजें हैं, मोटेट में असली 36 आवाजें नहीं हैं।

डच संगीतकार ऑरलैंडो लास्सो (सी। 1532-1594) का काम कम रुचि का नहीं है, जिन्होंने एक पंथ और धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के दो हजार से अधिक कार्यों का निर्माण किया।

लासो अपने समय के सबसे विपुल संगीतकार हैं; भारी मात्रा में विरासत के कारण, उनके कार्यों के कलात्मक महत्व (जिनमें से कई कमीशन किए गए थे) को अभी तक पूरी तरह से सराहा नहीं गया है।

उन्होंने विशेष रूप से मुखर शैलियों में काम किया, जिसमें 60 से अधिक द्रव्यमान, एक आवश्यक वस्तु, जुनून के 4 चक्र (सभी इंजीलवादियों के अनुसार), पवित्र सप्ताह अधिकारी (मौंडी गुरुवार, गुड फ्राइडे के मैटिंस की जिम्मेदारियां) शामिल हैं। पवित्र शनिवार), 100 से अधिक मैग्नीफैट्स, भजन, फॉबोरडॉन, लगभग 150 फ्रेंच। चान्सन (उनका चैंसन "सुसैन अन जर्ज़", सुसन्ना के बारे में बाइबिल की कहानी का एक संक्षिप्त विवरण, 16 वीं शताब्दी में सबसे लोकप्रिय नाटकों में से एक था), इटालियन (खलनायक, मोरेस्क, कैनज़ोन) और जर्मन गाने (140 से अधिक लिडर), लगभग 250 मद्रिगल।

लासो को ग्रंथों के सबसे विस्तृत विकास से अलग किया जाता है विभिन्न भाषाएं, दोनों लिटर्जिकल (पवित्र शास्त्रों के ग्रंथों सहित), और स्वतंत्र रूप से रचित। अवधारणा की गंभीरता और नाटक, लंबी मात्रा रचना "सेंट पीटर के आँसू" (1595 में प्रकाशित लुइगी ट्रांज़िलो द्वारा कविताओं के लिए 7-आवाज़ वाले आध्यात्मिक पागलों का एक चक्र) और "डेविड की पांडुलिपि" की पांडुलिपि को अलग करती है। 1571 फोलियो प्रारूप में जी. मिलिच द्वारा चित्रों के साथ सजाया गया है, जो जीवन के बारे में मूल्यवान आइकनोग्राफिक सामग्री प्रदान करते हैं। संगीतमय मनोरंजन, बवेरियन कोर्ट)।

हालाँकि, धर्मनिरपेक्ष संगीत में, लास्सो हास्य के लिए कोई अजनबी नहीं था। उदाहरण के लिए, चैनसन में "तीन व्यक्तियों में शराब पीना दावतों में वितरित किया जाता है" (फर्टुर इन कॉन्विविस वीनस, वीना, विनम), वैगेंटेस के जीवन का एक पुराना किस्सा है; प्रसिद्ध गीत "माटोना मिया कारा" में एक जर्मन सैनिक इतालवी शब्दों को छेड़ते हुए एक प्रेम गीत गाता है; गान में "यूट क्वांट लक्सिस" अनलकी सोलफगिंग की नकल की जाती है। लास्सो द्वारा कई उज्ज्वल लघु नाटक बहुत तुच्छ छंदों पर लिखे गए हैं, उदाहरण के लिए, "महिला ने महल में रुचि के साथ देखा / प्रकृति ने संगमरमर की मूर्ति को देखा" (एन अन चेस्टौ मा डेम ...), और कुछ गाने (विशेष रूप से लोकगीत) में अश्लील शब्दावली होती है।

धर्मनिरपेक्ष संगीतपुनर्जागरण का प्रतिनिधित्व विभिन्न शैलियों द्वारा किया गया था: मैड्रिगल्स, गाने, कैनज़ोन। संगीत, "चर्च का नौकर" होना बंद हो गया, अब लैटिन में नहीं, बल्कि मूल भाषा में सुनाई देने लगा। धर्मनिरपेक्ष संगीत की सबसे लोकप्रिय शैली मैड्रिगल्स (इतालवी मेड्रिगल - मूल भाषा में एक गीत) थी - प्रेम सामग्री की एक गीत कविता के पाठ पर लिखी गई कई-आवाज़ वाली कोरल रचनाएँ। सबसे अधिक बार, प्रसिद्ध स्वामी की कविताओं का उपयोग इस उद्देश्य के लिए किया गया था: डांटे, फ्रांसेस्को पेट्रार्क और टोरक्वाटो टैसो। Madrigals पेशेवर गायकों द्वारा नहीं, बल्कि शौकीनों के एक पूरे पहनावे द्वारा प्रस्तुत किए गए थे, जहाँ प्रत्येक भाग का नेतृत्व एक गायक ने किया था। मद्रिगल का मुख्य मिजाज उदासी, उदासी और उदासी है, लेकिन हर्षित, जीवंत रचनाएं भी थीं।

संगीत संस्कृति के आधुनिक शोधकर्ता डी. के. किरनारस्काया नोट:

मेड्रिगल ने पूरा पलट दिया संगीत सयंत्रपुनर्जागरण का: द्रव्यमान की समान और सामंजस्यपूर्ण मधुर प्लास्टिसिटी ढह गई ... अपरिवर्तनीय कैंटस फर्मस, संगीत की नींव भी गायब हो गई ... "सख्त लेखन" विकसित करने के सामान्य तरीके ... ने भावनात्मक को रास्ता दिया और कड़ियों के मधुर विरोधाभास, जिनमें से प्रत्येक ने पाठ में निहित काव्यात्मक विचार को यथासंभव स्पष्ट रूप से व्यक्त करने का प्रयास किया। मेड्रिगल ने आखिरकार "सख्त शैली" की कमजोर ताकतों को कम कर दिया।

धर्मनिरपेक्ष संगीत की कोई कम लोकप्रिय शैली वाद्य यंत्रों के साथ गीत नहीं थी। चर्च में बजने वाले संगीत के विपरीत, गाने प्रदर्शन करने के लिए काफी सरल थे। उनका तुकांत पाठ स्पष्ट रूप से 4-6 पंक्ति छंदों में विभाजित था। गीतों में, मद्रिगलों की तरह, पाठ ने बहुत महत्व प्राप्त किया। प्रदर्शन करते समय, काव्य पंक्तियों को पॉलीफोनिक गायन में नहीं खोना चाहिए। गाने मशहूर थे फ्रेंच संगीतकारक्लेमेंट जेनक्विन (c.1485-1558)। क्लेमेंट जेनेक्विन ने पियरे रोंसार्ड, क्लेमेंट मारोट, एम. डी सेंट-गेल, गुमनाम कवियों की कविताओं के लिए, ज्यादातर 4 आवाजों के लिए लगभग 250 मंत्र लिखे। 40 और मंत्रों के संबंध में, आधुनिक विज्ञान जेनक्विन के लेखकत्व पर विवाद करता है (जो, हालांकि, इस विवादित संगीत की गुणवत्ता को कम नहीं करता है)। उनके धर्मनिरपेक्ष पॉलीफोनिक संगीत की मुख्य विशिष्ट विशेषता प्रोग्रामेटिक और सचित्र है। श्रोता के दिमाग की आंखों से पहले लड़ाई की तस्वीरें हैं ("मैरिग्नानो की लड़ाई", "रेंटी की लड़ाई", "मेट्ज़ की लड़ाई"), शिकार के दृश्य ("बर्ड्सॉन्ग", "नाइटिंगेल सिंगिंग", "लार्क"), रोज़ दृश्य ("महिला चैटिंग")। जेनक्विन पेरिस में रोजमर्रा की जिंदगी के माहौल को "पेरिस के क्रीज" में स्पष्ट रूप से व्यक्त करता है, जहां सड़क विक्रेताओं के रोने की आवाज सुनाई देती है ("दूध!" - "पाई!" - "आर्टिचोक!" - "मछली!" - "माचिस !" - "कबूतर!" - "पुराने जूते!" ​​- "शराब!")। बनावट और लय में सभी सरलता के साथ, सद्भाव और प्रतिवाद के क्षेत्र में जेनक्विन का संगीत बहुत पारंपरिक है।

पुनर्जागरण ने शुरुआत को चिह्नित किया पेशेवर संगीतकार रचनात्मकता. इस नई प्रवृत्ति का एक उल्लेखनीय प्रतिनिधि निस्संदेह फिलिस्तीन (1525-1594) है। उनकी विरासत में पवित्र और धर्मनिरपेक्ष संगीत के कई कार्य शामिल हैं: 93 मास, 326 भजन और मोटेट्स। वह पेट्रार्क के शब्दों में धर्मनिरपेक्ष मैड्रिगल्स के दो खंडों के लेखक हैं। लंबे समय तक उन्होंने रोम में सेंट पीटर की बेसिलिका में गाना बजानेवालों के निदेशक के रूप में काम किया। उनके द्वारा बनाया गया चर्च संगीत पवित्रता और भावनाओं की उदात्तता से प्रतिष्ठित है। संगीतकार का धर्मनिरपेक्ष संगीत असाधारण आध्यात्मिकता और सद्भाव से ओत-प्रोत है।

हम गठन के लिए पुनर्जागरण का श्रेय देते हैं वाद्य संगीतएक स्वतंत्र कला रूप के रूप में। इस समय, कई वाद्य यंत्र, विविधताएँ, प्रस्तावना, कल्पनाएँ, रोंडोस, टोकाटा दिखाई देते हैं। संगीत वाद्ययंत्रों में, अंग, हार्पसीकोर्ड, वायोला, विभिन्न प्रकार की बांसुरी विशेष रूप से लोकप्रिय हैं, और 16 वीं शताब्दी के अंत में। - वायोलिन।

नवजागरण नई संगीत शैलियों के उद्भव के साथ समाप्त होता है: एकल गीत, ओरटोरियो और ओपेरा। यदि पहले मंदिर संगीत संस्कृति का केंद्र था, तो उस समय से ओपेरा हाउस में संगीत बजने लगा। और ऐसा हुआ।

XVI सदी के अंत में इतालवी शहर फ्लोरेंस में। इकट्ठा होने लगा प्रतिभाशाली कवि, अभिनेता, वैज्ञानिक और संगीतकार। उनमें से किसी ने भी किसी खोज के बारे में नहीं सोचा था। और फिर भी यह वे थे जिन्हें नाट्य और संगीत कला में एक वास्तविक क्रांति लाने के लिए नियत किया गया था। प्राचीन ग्रीक नाटककारों के कार्यों की प्रस्तुतियों को फिर से शुरू करते हुए, उन्होंने अपने स्वयं के संगीत की रचना करना शुरू कर दिया, जो उनकी राय में, प्राचीन नाटक की प्रकृति के अनुरूप था।

सदस्यों कैमरा(जैसा कि इस समाज को कहा जाता था) ने पौराणिक पात्रों के एकालाप और संवादों की संगीतमय संगत को ध्यान से सोचा। अभिनेताओं को बोले गए भागों का प्रदर्शन करना आवश्यक था भाषण(सस्वर पाठ, गायन भाषण)। और यद्यपि यह शब्द संगीत के संबंध में एक प्रमुख भूमिका निभाता रहा, उनके अभिसरण और हार्मोनिक संलयन की दिशा में पहला कदम उठाया गया था। इस तरह के प्रदर्शन ने किसी व्यक्ति की आंतरिक दुनिया की समृद्धि, उसके व्यक्तिगत अनुभवों और भावनाओं को अधिक हद तक व्यक्त करना संभव बना दिया। ऐसे मुखर भागों के आधार पर उत्पन्न हुआ एरियस- एक ओपेरा सहित एक संगीत प्रदर्शन में पूर्ण किए गए एपिसोड।

ओपेरा हाउस ने जल्दी ही प्यार जीत लिया और न केवल इटली में बल्कि अन्य यूरोपीय देशों में भी लोकप्रिय हो गया।

प्रयुक्त साहित्य की सूची

1) एक युवा संगीतकार / कॉम्प का विश्वकोश शब्दकोश। वी.वी. मेडुशेवस्की, ओ.ओ. Ochakovskaya। - एम।: शिक्षाशास्त्र, 1985।

2) विश्व कला संस्कृति. मूल से XVII सदी तक: पाठ्यपुस्तक। 10 कोशिकाओं के लिए। सामान्य शिक्षा मानवीय संस्थान / जी.आई. डेनिलोवा। - दूसरा संस्करण।, स्टीरियोटाइप। - एम .: बस्टर्ड, 2005।

3) पुनर्जागरण संगीत के संग्रह से सामग्री: http://manfredina.ru/

अध्याय 1 संगीत संस्कृति और पुनर्जागरण की कला की विशेषताएं

1.1 पुनर्जागरण की संस्कृति की दार्शनिक और सौंदर्य संबंधी विशेषताएं

पुनर्जागरण, या पुनर्जागरण (fr। पुनर्जागरण), - एक महत्वपूर्ण मोड़यूरोपीय लोगों के इतिहास में, महान खोजों का समय। पुनर्जागरण विश्व संस्कृति के इतिहास में एक नए चरण की शुरुआत का प्रतीक है। यह अवस्था, जैसा कि एफ. एंगेल्स ने उल्लेख किया है, उस समय तक मानव जाति द्वारा अनुभव की गई सभी में सबसे बड़ी प्रगतिशील उथल-पुथल थी। और, वास्तव में, पुनर्जागरण अपने साथ अर्थव्यवस्था, विज्ञान, संस्कृति के विभिन्न क्षेत्रों में महत्वपूर्ण परिवर्तन लाया, दुनिया को समझने का एक नया तरीका खोला और इसमें मनुष्य का स्थान निर्धारित किया।

इटली में, नए रुझान पहले से ही XIII-XIV सदियों के मोड़ पर दिखाई दिए, अन्य यूरोपीय देशों में - में XV-XVI सदियों. इस समय की विशेषता है: सामंतवाद से पूंजीवाद में परिवर्तन, भौगोलिक खोज, व्यापार, व्यक्तिगत उद्यम, वर्ग प्रतिबंधों से मनुष्य की मुक्ति। और पुनर्जागरण में भी, आधुनिक विज्ञान, विशेष रूप से प्राकृतिक विज्ञान का जन्म हुआ है। यह लियोनार्डो दा विंची के शानदार वैज्ञानिक अनुमानों, फ्रांसिस बेकन की नींव, कोपर्निकस के खगोलीय सिद्धांतों, कोलंबस और मैगलन की भौगोलिक खोजों को याद करने के लिए पर्याप्त है।

निस्संदेह, यह सब विश्वदृष्टि की प्रकृति को प्रभावित नहीं कर सका। पुनर्जागरण एक क्रांति है, सबसे पहले, मूल्यों की व्यवस्था में, मौजूद हर चीज के मूल्यांकन में और उसके संबंध में। एक दृढ़ विश्वास है कि मनुष्य सर्वोच्च मूल्य है, मानवतावाद का दर्शन पैदा हुआ है। मानवतावाद सौंदर्य श्रेणियों की एक पूरी तरह से नई व्याख्या सामने रखता है, जो दुनिया की एक नई समझ के आधार पर विकसित हुई है।

केंद्रीय श्रेणियों में से एक "सद्भाव" की अवधारणा थी। पुनर्जागरण का सौंदर्यशास्त्र प्रकृति, अस्तित्व और मनुष्य की एक नई समझ के आधार पर सद्भाव का एक अलग विचार विकसित करता है। यदि मध्य युग ने सद्भाव में आदर्श की एक साधारण छाप देखी, रचनात्मकता, दिव्य सौंदर्य, फिर पुनर्जागरण की सौंदर्य चेतना में, सद्भाव प्रकट होता है, सबसे पहले, प्रकृति की रचनात्मक क्षमता के विकास के रूप में, शारीरिक और आध्यात्मिक, आदर्श और सामग्री की द्वंद्वात्मक एकता के रूप में।

मानवतावादियों ने पुरातनता और प्राचीन ग्रीक और में एक सामंजस्यपूर्ण व्यक्ति के आदर्श की खोज की रोमन कलाउनकी कलात्मक रचनात्मकता के लिए एक मॉडल के रूप में कार्य किया। हालांकि, पुनर्जागरण के सौंदर्यशास्त्र के बारे में बोलते हुए, इस तथ्य पर ध्यान देना आवश्यक है कि, इसके प्राचीन समर्थन के बावजूद, यह अभी भी इससे अलग था। पुनर्जागरण सौंदर्यशास्त्र प्राचीन की तुलना में प्रकृति की नकल का प्रचार करता है, लेकिन नकल के इन पुनरुत्थानवादी सिद्धांतों को देखते हुए, यह भी ध्यान दिया जा सकता है कि अग्रभूमि में यह उतना प्रकृति नहीं है जितना कि कलाकार, उसका व्यक्तित्व, उसकी भावनाएं। सबसे पहले, कलाकार, अपने स्वयं के सौंदर्य स्वाद के आधार पर, प्रकृति की कुछ प्रक्रियाओं का चयन करता है, और उसके बाद ही उन्हें कलात्मक प्रसंस्करण के अधीन करता है। पुनर्जागरण के सिद्धांतकार निम्नलिखित तुलना का पता लगा सकते हैं: कलाकार को भगवान के रूप में दुनिया का निर्माण करना चाहिए, और इससे भी अधिक परिपूर्ण।

इस प्रकार, पुनर्जागरण ने पुरातनता के पाठों का उपयोग करते हुए नवाचारों की शुरुआत की। उन्होंने सभी प्राचीन विधाओं को पुनर्जीवित नहीं किया, बल्कि केवल उन्हीं को पुनर्जीवित किया जो उनके समय और संस्कृति की आकांक्षाओं के अनुरूप थीं। पुनर्जागरण ने पुरातनता के एक नए पठन को ईसाई धर्म के एक नए पठन के साथ जोड़ा। पुनर्जागरण ने इन दो मूलभूत सिद्धांतों को एक साथ निकट ला दिया। यूरोपीय संस्कृति.

ईश्वर ने पदानुक्रम में मनुष्य का स्थान निर्धारित नहीं किया है, पिको अपने प्रसिद्ध ओरेशन ऑन द डिग्निटी ऑफ मैन में कहते हैं: आपके पास था खुद की मर्जीआपकी इच्छा और आपके निर्णय के अनुसार। हमारे द्वारा स्थापित कानूनों की सीमाओं के भीतर अन्य कृतियों की छवि निर्धारित की जाती है। परन्तु तुम किसी सीमा से विवश न होकर, अपने निर्णय के अनुसार अपनी छवि का निर्धारण करोगे, जिसके बल पर मैं तुम्हें छोड़ता हूं। यहाँ, इतालवी विचारक एक व्यक्ति को दुनिया के केंद्र में रखता है, यह एक ऐसा व्यक्ति है जिसकी अपनी विशेष प्रकृति नहीं है, उसे इसे स्वयं बनाना चाहिए, जैसे कि सब कुछ जो इसे घेरता है।

तो, पुनर्जागरण में मुख्य बात संस्कृति और समाज में मानव व्यक्तित्व का प्रचार और अनुमोदन है, जिसके परिणामस्वरूप पुनरुत्थानवादी मानव-केंद्रवाद के विभिन्न रूप सामने आते हैं। नृविज्ञान न केवल एक व्यक्ति को, बल्कि एक सक्रिय, सक्रिय सिद्धांत के रूप में एक व्यक्ति को सामने लाया। रचनात्मक, सक्रिय भौतिक सिद्धांत के इन सभी दावों के परिणामस्वरूप, धीरे-धीरे उभरने लगा नया रूपआदमी, उसका नया प्रकार - "होमो फैबर" - "मैन-क्रिएटर", "मैन-क्रिएटर"। इसमें यह है कि व्यक्तित्व की नई यूरोपीय भावना की नींव का गठन होता है - एक स्वायत्त व्यक्तिवादी व्यक्तित्व, अपने स्वयं के मूल्य के प्रति सचेत, सक्रिय और स्वतंत्रता की आवश्यकता। अब से मानव व्यक्तित्व, और दुनिया नहीं, संपूर्ण नहीं, पहली बार दुनिया की धारणा की प्रणाली के गठन के लिए शुरुआती बिंदु बन जाता है।

विशेष चमक के साथ, एक नए विश्वदृष्टि के संकेत उभरे और फिर दृढ़ता से स्थापित हो गए कलात्मक सृजनात्मकता, विभिन्न कलाओं के प्रगतिशील आंदोलन में, जिसके लिए "दिमाग की क्रांति" जिसे पुनर्जागरण ने उत्पन्न किया, अत्यंत महत्वपूर्ण निकला।

पुनर्जागरण में, कला ने संस्कृति में एक असाधारण भूमिका निभाई और काफी हद तक युग का चेहरा निर्धारित किया। इसमें कोई संदेह नहीं है कि मानवतावाद ने अपनी "पुनरुत्थानवादी" समझ में अपने समय की कला में जबरदस्त नई ऊर्जा डाली, कलाकारों को नए विषयों की खोज करने के लिए प्रेरित किया, और छवियों की प्रकृति और उनके कार्यों की सामग्री को बड़े पैमाने पर निर्धारित किया। मध्यकालीन संस्कृति को एक नई, धर्मनिरपेक्ष, मानवतावादी संस्कृति द्वारा प्रतिस्थापित किया गया, जो चर्च की हठधर्मिता और विद्वता से मुक्त थी।

पुनर्जागरण की कला साहित्य, रंगमंच और ललित कलाओं में यथार्थवाद और मानवतावाद के सिद्धांतों के दावे की विशेषता है। पुनर्जागरण की कला, सबसे पहले, एक धर्मनिरपेक्ष कला है जो मानवतावाद के आधार पर उत्पन्न हुई, जो धार्मिक विचारों को विस्थापित करती है और वास्तविक जीवन में रुचि पैदा करती है, व्यक्ति की व्यक्तिगत पहचान को प्रकट करती है और सामाजिक रूप से विशिष्ट और चारित्रिक गुणों को प्रकट करती है। व्यक्ति।

कला के सभी प्रमुख रूप - पेंटिंग, ग्राफिक्स, मूर्तिकला, वास्तुकला, संगीत - जबरदस्त रूप से बदल रहे हैं। पुनर्जागरण के सांस्कृतिक स्मारकों का विश्लेषण सामंती विश्वदृष्टि के कई सबसे महत्वपूर्ण सिद्धांतों से प्रस्थान की गवाही देता है। कला के एक काम के निर्माता में, जो धीरे-धीरे खुद को चर्च की विचारधारा से मुक्त कर रहा है, सबसे मूल्यवान चीजों का एक तेज कलात्मक दृष्टिकोण, पेशेवर स्वतंत्रता, विशेष कौशल है, और उनकी रचनाएँ एक आत्मनिर्भरता प्राप्त करती हैं, न कि एक पवित्र चरित्र।

पुनर्जागरण की कला की एक विशिष्ट विशेषता यथार्थवादी चित्रकला का अभूतपूर्व उत्कर्ष थी। पुनर्जागरण का यथार्थवादी चित्र जन वैन आइक, लियोनार्डो दा विंची, राफेल, ड्यूरर, टिटियन जैसे प्रसिद्ध कलाकारों के कार्यों से जुड़ा है। चित्रों को व्यक्ति की पुष्टि के मार्ग के साथ अनुमति दी जाती है, यह चेतना कि व्यक्तियों की विविधता और चमक एक सामान्य विकासशील समाज की एक आवश्यक विशेषता है। यह पुनर्जागरण में था कि पेंटिंग पहली बार जीवन के व्यापक कवरेज, मानव गतिविधि के चित्रण और आसपास के रहने वाले वातावरण के लिए उसमें निहित संभावनाओं को प्रकट करती है। मध्ययुगीन तपस्या और सांसारिक हर चीज के लिए अवमानना ​​\u200b\u200bको अब वास्तविक दुनिया में, मनुष्य में, प्रकृति की सुंदरता और भव्यता की चेतना में एक उत्साही रुचि द्वारा प्रतिस्थापित किया जा रहा है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि चित्रकला के साथ-साथ सामान्य रूप से कला के लिए विज्ञान के विकास का बहुत महत्व था। कला में, दुनिया और मनुष्य की वैज्ञानिक और कलात्मक समझ के रास्ते आपस में जुड़ने लगते हैं। दुनिया और मनुष्य की सच्ची छवि को उनके ज्ञान पर आधारित होना था, इसलिए इस समय की कला में संज्ञानात्मक सिद्धांत ने विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। विज्ञान के लिए जुनून ने मानव शरीर रचना की महारत, एक यथार्थवादी परिप्रेक्ष्य के विकास, वायु पर्यावरण के शानदार संचरण, कोणों के निर्माण के कौशल, चित्रकारों के लिए वास्तव में एक व्यक्ति और उसके आसपास की वास्तविकता को चित्रित करने के लिए आवश्यक सभी में योगदान दिया। प्रस्तुत नई प्रणालीदुनिया की कलात्मक दृष्टि, मानव संवेदी धारणाओं में विश्वास के आधार पर, मुख्य रूप से दृश्य वाले। जैसा कि हम देखते हैं, पर्यावरण के साथ एकता में चित्रित करने के लिए - यह पुनर्जागरण कलाकारों का प्रारंभिक सिद्धांत है।

देर से पुनर्जागरण की अवधि में, यह तकनीकों की एक प्रणाली के विकास द्वारा पूरक था जो ब्रशस्ट्रोक को प्रत्यक्ष भावनात्मक अभिव्यक्ति देता है, अभिषेक के प्रभावों के संचरण की महारत, प्रकाश-वायु परिप्रेक्ष्य के सिद्धांतों की समझ। परिप्रेक्ष्य के सिद्धांत के रचनाकार ऐसे प्रसिद्ध कलाकार हैं जैसे माशियाको, अल्बर्टी, लियोनार्डो दा विंची। परिप्रेक्ष्य की खोज का कोई छोटा महत्व नहीं था; इसने पेंटिंग में अंतरिक्ष, परिदृश्य और वास्तुकला को शामिल करने के लिए चित्रित घटनाओं की सीमा का विस्तार करने में मदद की।

पुनर्जागरण की संस्कृति की प्रगतिशील मानवतावादी सामग्री भी नाट्य कला में स्पष्ट रूप से व्यक्त की गई थी, जो प्राचीन नाटक से काफी प्रभावित थी। उन्हें एक शक्तिशाली व्यक्तित्व की विशेषताओं से संपन्न व्यक्ति की आंतरिक दुनिया में रुचि की विशेषता है। विशिष्ट सुविधाएंपुनर्जागरण की नाट्य कला लोक कला की परंपराओं का विकास था, जीवन-पुष्टि मार्ग, दुखद और हास्य, काव्यात्मक और भैंस-क्षेत्रीय तत्वों का एक साहसिक संयोजन। ऐसा इटली, स्पेन, इंग्लैंड का रंगमंच है।

वास्तुकला में, जीवन-पुष्टि मानवतावाद के आदर्श, रूपों की सामंजस्यपूर्ण रूप से स्पष्ट सुंदरता की इच्छा, कला के अन्य रूपों की तुलना में कम बल से प्रभावित नहीं हुई और वास्तुकला के विकास में एक निर्णायक मोड़ का कारण बना। शास्त्रीय परंपरा की अपील ने विशेष रूप से महत्वपूर्ण भूमिका निभाई। यह न केवल गॉथिक रूपों की अस्वीकृति और प्राचीन आदेश प्रणाली के पुनरुद्धार में प्रकट हुआ, बल्कि अनुपात के शास्त्रीय आनुपातिकता में भी, आसानी से दिखाई देने वाले आंतरिक स्थान के साथ मंदिर वास्तुकला में एक केंद्रित प्रकार की इमारतों के विकास में।

धर्मनिरपेक्ष इमारतों को व्यापक रूप से विकसित किया गया था, ये विभिन्न शहर की इमारतें हैं - टाउन हॉल, मर्चेंट गिल्ड के घर, विश्वविद्यालय, बाजार के फव्वारे। साथ ही, शहर की सामाजिक जरूरतों को पूरा करने वाली वास्तुकला के साथ, मध्य युग की तुलना में एक पूरी तरह से नए प्रकार की वास्तुकला उभर रही है, एक अमीर बर्गर का निवास - पलाज्जो, जो असाधारण सहजता की भावना को दर्शाता है उस समय के अभिजात वर्ग के महलों में उत्सव का माहौल था। इस प्रकार, पुनर्जागरण में कला ने विकास के एक नए चरण में प्रवेश किया जिसमें उसने पहचानने और प्रदर्शित करने की कोशिश की असली दुनियानई विधियों और तकनीकों के माध्यम से इसकी सुंदरता, समृद्धि, विविधता।

1.2 पुनर्जागरण कला प्रणाली में संगीत का स्थान

कला के विकास के सामान्य नियम, सार की एक नई दार्शनिक और सौंदर्यवादी समझ और सद्भाव की प्रकृति, पुनर्जागरण की विशेषता, संगीत में भी प्रकट हुई थी। उस समय की कला के अन्य रूपों की तरह, संगीत भी रचनात्मक शक्तियों, मानवतावादी प्रवृत्तियों के सक्रिय उत्थान की विशेषता है।

यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि इस अवधि के दौरान संगीत कला की प्रणाली में एक विशेष स्थान रखता है, केवल पेंटिंग को प्रमुख स्थान देता है। लियोनार्डो दा विंची के अनुसार, संगीत सिर्फ "पेंटिंग की छोटी बहन" था और यहां तक ​​​​कि उसकी सेवा भी करता था। "पेंटिंग संगीत को पार करती है और उस पर हावी होती है", "संगीत पेंटिंग का नौकर है"।

कोई भी एक महान कलाकार की परिभाषा से सहमत नहीं हो सकता है, संगीत वास्तव में कला की प्रणाली में पहले स्थान से बहुत दूर है, लेकिन फिर भी, इसने पुनर्जागरण की संस्कृति में एक बड़ी भूमिका निभाई, बाद के विकास पर एक छाप छोड़ी, दोनों सामान्य तौर पर संगीत संस्कृति और कला के क्षेत्र में। पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति मध्य युग से नए युग तक का एक प्रकार का संक्रमण है, एक ऐसे युग में जिसमें यह कला सुनाई देती है और इसे एक नए तरीके से माना जाता है।

संगीत में, शायद, विशेष रूप से सामाजिक प्रभाव की व्यापक संभावनाएँ थीं; अन्य कलाओं से अधिक, यह सर्वव्यापी था: आम लोगों के जीवन का एक अपरिवर्तनीय हिस्सा, कई समूहों की संपत्ति, जो इसे मध्य युग के संगीत से अलग करती है . यहां से प्रस्थान मध्ययुगीन परंपरारामिस दा पारेजा के ग्रंथ "व्यावहारिक संगीत" में सबसे मूर्त। रामिस कहते हैं: "किसी को दर्शन की भव्यता, या अंकगणित की जटिलता, या अनुपात की जटिलता से डरना नहीं चाहिए। एक जानकार संगीतकार. हम न केवल दार्शनिकों या गणितज्ञों को पढ़ाने का कार्य निर्धारित करते हैं; व्याकरण की नींव से परिचित कोई भी व्यक्ति हमारे इस काम को समझेगा। यहाँ चूहा और हाथी दोनों एक ही तरह से तैर सकते हैं; और डेडालस और इकारस के ऊपर से उड़ना।" इस ग्रंथ में, रामिस तीखी आलोचना करते हैं मध्ययुगीन संगीत, सुझाव देते हैं कि सिद्धांतकारों ने केवल संगीतकारों - पेशेवरों और वैज्ञानिकों के लिए अपनी रचनाएँ लिखीं, जबकि संगीत, उनकी राय में, आबादी के व्यापक खंड को कवर करना चाहिए। निस्संदेह, रामियों के काम का उनके समकालीनों पर महत्वपूर्ण प्रभाव पड़ा, मध्य युग की परंपराओं को बहुत कम आंका गया, मध्य युग से नए युग तक, पुनर्जागरण के लिए संक्रमण चल रहा है।

अपने मानवतावादी विश्वदृष्टि के साथ पुनर्जागरण का संगीत संस्कृति पर बहुत बड़ा प्रभाव पड़ा। संगीत कला के लिए, मानवतावाद का अर्थ था, सबसे पहले, किसी व्यक्ति की भावनाओं को गहरा करना, उनके पीछे एक नए सौंदर्य मूल्य को पहचानना। इसने संगीत विशिष्टता के सबसे मजबूत गुणों की पहचान और कार्यान्वयन में योगदान दिया। शुरुआती पुनर्जागरण की सबसे विशिष्ट विशेषताएं XIV सदी के इतालवी अर्स नोवा की कला में पाई गईं, जिनमें से मुख्य प्रतिनिधि फ्रांसेस्को लैंडिनो थे। उनके काम में, धर्मनिरपेक्ष पेशेवर कला पर जोर दिया गया है, जो पंथ संगीत की छवियों और सौंदर्यशास्त्र के चक्र से टूट गया और भरोसा किया, सबसे पहले, लोक गीत लेखन पर, जो अब लैटिन में नहीं लिखा गया है, लेकिन इसमें राष्ट्रीय भाषा.

भविष्य में, अन्य यूरोपीय देशों में संगीत कला के क्षेत्र में परिवर्तन की लहर बह गई। फ्रांसीसी संगीत में, एक पॉलीफोनिक गीत दिखाई दिया - चांसन, प्रतिनिधि: के। झानेकेन, के। डी सेर्मिसी, जी। कोटेलेट और अन्य; इस शैली को लोक-रोजमर्रा की शैली के साथ चित्रित किया गया था, जो यथार्थवादी कार्यक्रम चित्रण की ओर बढ़ रहा था, जिसने चर्च संगीत से तेज प्रस्थान की गवाही दी। स्पेन के संगीत में, लोक मूल के गीत शैलियों, जैसे कि विलेनिको और रोमांस, को पुनर्जागरण सुविधाओं के साथ चिह्नित किया गया है। जर्मन पेशेवर संगीत की विशेषता एक पॉलीफोनिक गीत है जिसमें एक मुख्य स्वर है, जो एक सामंजस्यपूर्ण कोरल वेयरहाउस की ओर बढ़ता है।

पुनर्जागरण में, मुखर शैलियों के साथ संबंध बनाए रखते हुए, वाद्य संगीत का गहन विकास शुरू होता है। आध्यात्मिक संगीत पर लोक कलाओं का प्रभाव बढ़ रहा है, विशेष रूप से कैथोलिक विरोधी सुधार आंदोलन से आच्छादित देशों में, जो चेक गणराज्य में हसाइट भजन, जर्मनी में प्रोटेस्टेंट मंत्र, फ्रांस में हुगुएनोट स्तोत्र को जीवन में लाया। हालाँकि, चर्च ने एक शक्तिशाली संगठनात्मक केंद्र की भूमिका निभाना जारी रखा, आधिकारिक विचारधारा के संवाहक होने के नाते, इसने पेशेवर संगीतकारों के थोक को लाया।

लेकिन, इसके बावजूद, उन्नत धर्मनिरपेक्ष मुखर और मुखर-वाद्य विधाओं ने अधिक से अधिक जोर से अपने अधिकार की घोषणा की महत्वपूर्ण स्थानसंगीत संस्कृति में, उन्होंने चर्च संगीत के लोगों, मोटेट्स और शैलियों को अपने करीब लाने की कोशिश की। यह इस तथ्य के कारण था कि ये शैलियों, या तो चर्च के लिए अभिप्रेत थीं (एक सुव्यवस्थित गाना बजानेवालों के शानदार प्रदर्शन में), या (मोटेट) एक विशेष राजा, राजकुमार, ड्यूक (साधनों द्वारा कलात्मक संचरण में) के दरबार के लिए कोर्ट चैपल के) उनके अपने व्यक्तित्व की अभिव्यक्ति के लिए बहुत अनुकूल नहीं थे। केवल समय के साथ, जब मानवतावादी हलकों में एक अलग सौंदर्यवादी वातावरण विकसित हुआ, तो गीतवाद और नाटक को एक व्यापक और मुक्त अवतार मिला, पहले इटालियन मैड्रिगल में, और फिर एक नई शैली के शुरुआती उदाहरणों में - "संगीत पर नाटक", जो कि है , इतालवी ओपेरा।

इतालवी, जर्मन और अंग्रेजी मैड्रिगल और गीत शैलियों ने स्पष्ट रूप से पुनर्जागरण की मानवतावादी कला की विशेषता, व्यक्ति की आंतरिक दुनिया पर ध्यान आकर्षित किया। संगीत में उन्नत यथार्थवादी प्रवृत्तियों की एक महत्वपूर्ण अभिव्यक्ति न केवल नए भूखंडों, नई संगीत और काव्य छवियों का निर्माण था, बल्कि संगीत अभिव्यक्ति के साधनों में दूरगामी परिवर्तन भी थे। संगीतकार संगीत की कई विधाओं में लोक राग दिखाई देता है। लोक गीतों का उपयोग कैंटस फर्मस के रूप में किया जाता है (पॉलीफोनिक कार्यों के नीचे से दूसरी आवाज में जाने वाली बार-बार दोहराई जाने वाली धुन का आधार) और पॉलीफोनिक संगीत में। इससे आगे का विकासपश्चिमी यूरोप में पॉलीफोनी ने तथाकथित "सख्त शैली" के पैटर्न के विकास और समेकन का नेतृत्व किया - तत्कालीन पॉलीफोनिक संगीत की चोटियों में से एक। पॉलीफोनी के इतिहास में आज तक सख्त शैली एक आवश्यक चरण है।

उन्नत संगीत की मुख्य, मुख्य उपलब्धि संपूर्ण स्वर-मधुर विकास, सहजता, लचीलापन, माधुर्य का नया चरित्र था; अतीत की तुलना में "बड़ी सांस" के माधुर्य के सामान्यीकरण की अधिक महत्वपूर्ण डिग्री - मानव अनुभवों की सबसे ज्वलंत अभिव्यक्ति।

पुनर्जागरण की संगीत संस्कृति की एक बड़ी उपलब्धि मधुर तार वाले वाद्ययंत्रों की नई किस्मों के आधार पर वाद्य संगीत का विकास था, जिसने वाद्ययंत्रों पर "गायन" की अनुमति दी (वायोला, झुके हुए गीत, गंबा, वायलिन), और दूसरी ओर, एक महत्वपूर्ण कॉर्ड-हार्मोनिक प्रगति के संबंध में कीबोर्ड इंस्ट्रूमेंट्स (अंग, क्लैविकॉर्ड, हार्पसीकोर्ड) की अभिव्यंजक संभावनाओं का विस्तार। ल्यूट भी तेजी से सुधार कर रहा है - हर रोज और कॉन्सर्ट संगीत-निर्माण के लिए सबसे आम उपकरणों में से एक।

इसके अलावा, पुनर्जागरण के दौरान, मेट्रिस के उद्भव से जुड़े पेशेवर कौशल का विकास हुआ - गायन बोर्डिंग स्कूल - एक प्रकार का गाना बजानेवालों का चैपल, जहां गाना सीखना, अंग बजाना, संगीत सिद्धांतऔर सामान्य शिक्षा विषयों को बचपन से ही तैयार किया गया था और व्यवस्थित सुधार सुनिश्चित किया गया था संगीत की क्षमताछात्र।

इस तरह एक नए प्रकार का संगीतकार बन रहा है - अभिजात वर्ग से शौकिया नहीं, बाजीगर और स्टड मैन नहीं, बल्कि एक पेशेवर जिसने एक विशेष संगीत शिक्षा प्राप्त की है।

संगीत व्यावसायिकता के समेकन ने उत्कृष्टता के राष्ट्रीय संगीत विद्यालयों का निर्माण किया, जिसने शहरी संगीत संस्कृति के सबसे बड़े केंद्रों में आकार लिया, जिसमें महान शैक्षिक अवसर थे। पश्चिमी यूरोप में शुरुआती रूपों में से एक इंग्लैंड की पॉलीफोनी थी, जो 15 वीं शताब्दी के पहले छमाही में डोनस्टेपल के कार्यों में तेजी से विकसित और विकसित हुई थी। सबसे प्रभावशाली डच या फ्रेंको-फ्लेमिश स्कूल था, जिसमें ऐसा था प्रसिद्ध संगीतकारजी. दुफे, जे. ओकेगेमा, जे. ओब्रेक्ट, ओ. लासो। विभिन्न देशों में काम करते हुए, उन्होंने कई राष्ट्रीय संगीत संस्कृतियों की विशेषताओं को जोड़ा: डच, जर्मन, फ्रेंच, इतालवी, अंग्रेजी, ने एक अत्यधिक विकसित पॉलीफोनिक शैली बनाई, मुख्य रूप से कोरल, जिसमें पुनर्जागरण की विशेषताएं स्पष्ट रूप से व्यक्त की गईं।

16 वीं शताब्दी के मध्य तक, डच पॉलीफोनिस्टों के प्रत्यक्ष उत्तराधिकारी और प्रमुख यूरोपीय संगीतकार स्कूलफ़िलिस्तीना की अध्यक्षता में रोमन स्कूल बन गया, जिसके काम में पुनर्जागरण की विशेषताओं को उन विशेषताओं के साथ जोड़ दिया गया है जो काउंटर-रिफॉर्मेशन के प्रभाव को दर्शाती हैं, और विनीशियन स्कूलडी. गैब्रियल के नेतृत्व में, जिनके पास पहले से ही बारोक विशेषताएं हैं। राष्ट्रीय विद्यालयों को नए संगीत साधनों के उपयोग की विशेषता थी, जो रचना में सामंजस्य और एकता लाते थे। मुख्य संगीत का मतलब है कि रचनाओं में सुसंगतता और एकता का परिचय नकल था, यानी आने वाली आवाज़ द्वारा एक राग की पुनरावृत्ति, दूसरी आवाज़ द्वारा प्रस्तुत किए जाने से ठीक पहले। स्कूलों में, अजीबोगरीब प्रकार की नकलें थीं: विहित, संचलन में नकल, वृद्धि, कमी, जिसके कारण बाद में उच्चतम विपरीत रूप - फ्यूग्यू हो गया।

प्रस्तुत राष्ट्रीय विद्यालयों की शैली अन्य देशों के उत्कृष्ट पॉलीफोनिस्टों के कार्यों में परिलक्षित हुई - के। मोरालेस और टी। विक्टोरिया (स्पेन), डब्ल्यू। बर्ड और टी। टैलिस (इंग्लैंड), पोलैंड से एम। ज़ालेंस्की और कई अन्य। .

इस प्रकार, संगीत ने पुनर्जागरण की कलाओं के बीच कुछ विशेष स्थान पर कब्जा कर लिया, दोनों इसकी विशिष्टता के कारण और समाज में इसके अस्तित्व की स्थितियों पर निर्भर करता है। फिर भी, वह अपने समय की कला थी, इसे व्यक्त किया, इसकी कठिनाइयों और विरोधाभासों का अनुभव किया, इसके अनुसार अपनी शैली विकसित की, पहले से अकल्पनीय जीत हासिल की और नई रचनात्मक सफलताएँ हासिल कीं।

अध्याय 2 पुनर्जागरण में नृत्य संस्कृति

2.1 संगीत और नृत्य: अंतःक्रिया के पहलू

इसलिए, संगीत संस्कृति ने पुनर्जागरण की कला और संस्कृति में एक विशेष स्थान पर कब्जा कर लिया। संगीत को ध्यान में रखते हुए, इसके विभिन्न क्षेत्रों का उल्लेख न करना असंभव है। इन्हीं क्षेत्रों में से एक है नृत्य कला।

नृत्य - एक प्रकार की कला जिसमें प्लास्टिक आंदोलनों के माध्यम से कलात्मक चित्र बनाए जाते हैं और मानव शरीर की अभिव्यंजक स्थिति में एक लयबद्ध रूप से स्पष्ट और निरंतर परिवर्तन होता है। यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि संगीत और नृत्य कई सदियों से सक्रिय रूप से परस्पर क्रिया कर रहे हैं। नृत्य संगीत, भावनात्मक और आलंकारिक सामग्री के साथ अटूट रूप से जुड़ा हुआ है, जो इसकी कोरियोग्राफिक रचना, आंदोलनों में सन्निहित है , आंकड़े।

प्राचीन काल से, हम संगीत, कविता, नृत्य का एक प्रकार का संश्लेषण पाते हैं, यूनानियों के लिए वे अलग-अलग कलाएँ नहीं थीं, बल्कि एक, एकीकृत संपूर्ण थीं। इस एकीकृत कला को निरूपित करने के लिए, "कोरिया" शब्द का उपयोग किया गया था, जो "कोरस" शब्द से आया था जो रूसी भाषा में प्रवेश किया था, जिसका अर्थ सामूहिक नृत्य के रूप में इतना सामूहिक गायन नहीं था। भविष्य में, "कोरिया" शब्द को कोरियोग्राफी में बदल दिया गया है, जो स्वयं नृत्य की कला को निरूपित करने लगा, या अधिक सटीक रूप से, नृत्य की रचना करने की कला।

मध्य युग के युग में, संगीत और नृत्य के बीच संबंधों की विशेषताएं भी सामने आती हैं, जो अधिक जटिल तकनीकों और रूपों को गले लगाती हैं, नृत्य संगीत मुख्य रूप से वाद्य बन जाता है। इसकी संरचना और अन्य विशेषताओं पर मुख्य प्रभाव कोरियोग्राफी द्वारा डाला जाना शुरू होता है, जो नर्तकियों के आंदोलनों की बढ़ती एकरूपता और आवधिकता की विशेषता है। नृत्य की लय विशेष रूप से सुनने के उद्देश्य से वाद्य संगीत की शैलियों में आसानी से प्रवेश करती है। ऐसे नृत्यों के लिए, संगीत भाषा की एक महत्वपूर्ण जटिलता विशेषता है: विकास के माध्यम से भूमिका बढ़ जाती है, दृश्यों, पॉलीफोनिक तकनीकों द्वारा नृत्य आवधिक संरचनाओं का उल्लंघन होता है। नतीजतन, संगीत संस्कृति और नृत्य के बीच आगे का संबंध अधिक जटिल और विशिष्ट हो जाता है।

पुनर्जागरण के दौरान संगीत और नृत्य का एक बड़ा परिवर्तन हुआ। नृत्य, नृत्य संगीत पुनर्जागरण संस्कृति की सबसे महत्वपूर्ण परतें हैं। पुनर्जागरण के दौरान संगीत कला का विकास नृत्य के विकास के साथ घनिष्ठ रूप से जुड़ा हुआ था, क्योंकि लगभग सभी प्रमुख संगीतकारों ने अपनी रचनाओं में नृत्य पर ध्यान केंद्रित किया था। नृत्य की लय विशेष रूप से सुनने के उद्देश्य से वाद्य संगीत की शैलियों में प्रवेश करती है। पावने, गैलियर्ड, टमटम, झंकार, वोल्टा और अन्य प्रकार के लोक नृत्य गुणी रचनाओं के लिए सामग्री बन गए: धुनों का लचीलापन, अवधियों की स्पष्टता और उद्देश्यों का निरंतर संबंध विकसित हुआ। संगीतकार लोक गीतों से धुन और लय उधार लेते हैं और वाद्य संगीत की शैलियों के लिए नृत्य करते हैं, यह विशेष रूप से संगीत संस्कृति के ऐसे काम में एक सूट के रूप में स्पष्ट रूप से देखा जा सकता है।

पर आरंभिक चरणइसके विकास में, सूट के संगीत में एक लागू चरित्र था - उन्होंने इसे नृत्य किया। यह ल्यूट और बाद में क्लेवियर और ऑर्केस्ट्रल डांस पीस का एक प्रकार का संयोजन था। 15वीं-16वीं शताब्दियों में, सूट का प्रोटोटाइप तीन या अधिक नृत्यों (विभिन्न वाद्ययंत्रों के लिए) की एक श्रृंखला थी जो अदालत के जुलूसों और समारोहों के साथ-साथ विपरीत नृत्यों (पावेन - गैलियार्ड, पासमेज़ो - साल्टारेलो, आदि) के जोड़े संयोजनों के साथ होती थी। .). डांस सूट के लिए सबसे विशिष्ट आधार नृत्यों का सेट था जो I.Ya. फ्रोबर्गर के सुइट्स में विकसित हुआ: एलेमांडे - कुरेंट - सरबांडे - गिग। लेकिन सुइट चक्र की नाटकीयता के विकास के लिए, रोजमर्रा के नृत्यों से एक निश्चित निष्कासन की आवश्यकता थी। यह मोड़ बिंदु पुनर्जागरण में होता है, और केवल तभी सबसे स्पष्ट रूप से परिलक्षित होता है संगीत XVIIशतक। 17वीं शताब्दी के मध्य से, डांस सूट, अपना लागू उद्देश्य खो चुका है, मुख्य रूप से पार्टिटा (जर्मन) नामों के तहत मौजूद है, पाठ(अंग्रेज़ी), बैलेटो, सोनाटा दा कैमरा, क्रमबद्ध तरीके(फ्रेंच), और कभी-कभी "क्लैवियर टुकड़ों के संग्रह" के रूप में। इस प्रकार, परिवर्तन और संगीत के साथ बातचीत के माध्यम से, यह संगीत कला का हिस्सा बन जाता है, सोनाटा के गठन को प्रभावित करता है। इस शैली में कलात्मक ऊंचाइयों तक जे.एस. बाख (फ्रेंच और अंग्रेजी सूट, क्लैवियर के लिए पार्टिटास, वायलिन और सेलो सोलो के लिए) और जी.एफ. हैंडेल (17 क्लैवियर सूट) पहुंचे।

अन्य पहलुओं के संबंध में, सबसे पहले, यह ध्यान देने योग्य है कि नृत्य संगीत का प्रभाव होमोफोनिक-हार्मोनिक वेयरहाउस के गठन पर था। यह उसके साथ है कि पेशेवर कला, पॉलीफोनिक चर्च पॉलीफोनी के बीच में, होमोफोनिक-हार्मोनिक सोच आती है, स्पष्ट रूप से विभाजित, विषयगत रूप से उज्ज्वल माधुर्य, आवधिक लय; तानवाला संगठन का गठन होता है (उदाहरण के लिए, प्रमुख मोड, उस समय के लिए नया, पुनर्जागरण के नृत्यों में खुद को स्थापित करने वाला पहला था।

नृत्य संगीत में कई प्रमुख वाद्य रूपों की उत्पत्ति होती है, जिन पर सभी शास्त्रीय कलाएँ आधारित होती हैं (अवधि, सरल तीन-भाग रूप, परिवर्तनशील, चक्रीय)। वाद्य संगीत की मुक्ति काफी हद तक नृत्य साहित्य (नई शैली दिखाई देती है), स्वतंत्र क्लैवियर (बाद में - पियानो), ल्यूट और ऑर्केस्ट्रल शैलियों के गठन से जुड़ी हुई है। में कैद की गई नृत्य छवियों की संपत्ति शास्त्रीय संगीत, बहुत बड़ा। और यह आश्चर्य की बात नहीं है: आखिरकार, गीत लोककथाओं के साथ-साथ नृत्य ताल और स्वरों का आलंकारिक कार्यान्वयन संगीत कला की यथार्थवादी नींव को मजबूत करने में महत्वपूर्ण भूमिका निभाता है। संगीतकार अपने कामों में नृत्य या मार्च के आंदोलन में हमेशा चेहरे के भाव, हावभाव, प्लास्टिसिटी को अपनाते हैं, ओपेरा रचनाओं सहित वाद्य (चैम्बर, सिम्फोनिक) और मुखर बनाते समय नृत्य संगीत की ओर रुख करते हैं।

इस प्रकार, यह पुनर्जागरण से शुरू होकर, पश्चिमी यूरोप की संगीत संस्कृति में नृत्य की महत्वपूर्ण भूमिका पर ध्यान दिया जाना चाहिए। नृत्य लय ने प्रमुख संगीतकारों को आकर्षित किया, और ऐसी लय पर आधारित संगीत ने बदले में नृत्य के अभ्यास और सिद्धांत को प्रभावित किया। संगीत को अपनी खोजों का पालन करने, कुछ नया अवशोषित करने और अन्य कला रूपों के साथ बातचीत करने के लिए नृत्य की आवश्यकता थी। विकास के एक नए पथ पर नृत्य कला के निर्माण के प्रतीक के रूप में इस तरह के बदलाव का प्रमाण हमें पुनर्जागरण के नृत्यों द्वारा दिया गया है।

2.2 आत्मनिर्णय के बाहरी इलाके में कोरियोग्राफी

पुनर्जागरण में अन्य प्रकार की कलाओं में, नृत्य बाहर खड़ा होना शुरू हो जाता है। नृत्य विशेष रूप से लोकप्रिय हो जाता है और इसके विकास में अभूतपूर्व सफलता प्राप्त करता है। यदि पिछले युगों में नृत्य केवल एक पंथ या सामान्य मनोरंजन का हिस्सा था, तो पुनर्जागरण में, कोरियोग्राफिक कला के नए कार्य हैं, नृत्य के लिए एक नया दृष्टिकोण है। पापपूर्णता, इस व्यवसाय की अयोग्यता, मध्य युग की विशेषता, पुनर्जागरण में, यह धर्मनिरपेक्ष जीवन की एक अनिवार्य सहायक बन जाती है और एक अच्छी तरह से शिक्षित और शिक्षित व्यक्ति के लिए सबसे आवश्यक कौशल में से एक बन जाती है (कुशल के रूप में इस तरह के कौशल के साथ) एक तलवार का अधिकार, घोड़ों की सवारी करने की क्षमता, सुखद और विनम्रता से बोलना, सूक्ष्मता से बात करना)। परिवर्तन के सामान्य पाठ्यक्रम में नृत्य बहता है: संगीत के प्रभाव में, यह एक पेशेवर कला में बदल जाता है।

कोरियोग्राफी आत्मनिर्णय के मार्ग पर चल रही है: कला को सुव्यवस्थित किया जा रहा है, कुछ नियमों और मानदंडों की स्थापना की जा रही है, तकनीकों का सम्मान किया जा रहा है और संरचनात्मक रूप, नृत्य के प्रकारों का पृथक्करण है: लोक (किसान) और दरबारी (महान-सामंती) नृत्य, जो मध्य युग में शुरू हुआ, जारी है। यह प्रक्रिया धीरे-धीरे आगे बढ़ी और समाज के बढ़ते स्तरीकरण और आम लोगों और कुलीनों के जीवन के तरीकों के बीच अंतर के साथ जुड़ी हुई थी। "सहजता बीत चुकी है," कर्ट सैक्स लिखते हैं। – दरबार और लोकनृत्य हमेशा के लिए अलग हो गए थे। वे लगातार एक दूसरे को प्रभावित करेंगे, लेकिन उनके लक्ष्य मौलिक रूप से भिन्न हो गए हैं।

यदि लोक नृत्य अपने शिथिल, खुरदरे चरित्र को बनाए रखते हैं, तो दरबारी नृत्यों की शैली अधिक से अधिक गंभीर, मापी हुई और कुछ हद तक प्राथमिक हो जाती है। यह कई कारकों के कारण था। सबसे पहले, सामंती प्रभुओं की रसीली और भारी कपड़ों की शैली ने ऊर्जावान, ज़ोरदार आंदोलनों और अचानक छलांग लगाने से इंकार कर दिया। दूसरे, शिष्टाचार, आचरण के नियम और सभी नृत्य शिष्टाचार के सख्त नियमन से नृत्य से पैंटोमाइम और कामचलाऊ तत्वों का बहिष्कार होता है।

नृत्य की तकनीक में एक महत्वपूर्ण बदलाव आया है: नृत्य की गति और लय के बीच संतुलन, आराम से आंदोलन तक और आराम से तनाव तक दोलन की अवधि, एक नृत्य में लय के प्रत्यावर्तन का आदेश दिया जाता है। इसके अलावा, प्रदर्शन की तकनीक बदलती है: एक गोल नृत्य और रैखिक-रैंक रचना के साथ नृत्य को युग्मित (युगल) नृत्यों द्वारा प्रतिस्थापित किया जाता है, जो जटिल आंदोलनों और आंकड़ों पर निर्मित होते हैं जिनमें कम या ज्यादा फ्रैंक लव गेम का चरित्र होता है। कोरियोग्राफिक पैटर्न का आधार एपिसोड का तेजी से परिवर्तन है, जो आंदोलनों की प्रकृति और प्रतिभागियों की संख्या में भिन्न है।

नृत्य शिष्टाचार को विनियमित करने की आवश्यकता पेशेवर नृत्य स्वामी के एक संवर्ग के गठन में योगदान करती है। नृत्य के उस्ताद नृत्य के विहित रूपों का निर्माण करते हैं, जिनका एक विशेषाधिकार प्राप्त समाज द्वारा परिश्रमपूर्वक और समय पर अध्ययन किया जाता है। यह काफी हद तक पाठ्यपुस्तकों द्वारा सुगम है, जहाँ आंदोलनों को व्यवस्थित किया जाता है, नृत्य रचनाओं को ठीक करने का प्रयास किया जाता है। नृत्य के इतिहास में इस क्षण के महत्व पर बहस करते हुए, कर्ट सैक्स ने विशेष रूप से उत्तरी इटली को नोट किया, जिसमें सबसे पहले पेशेवर नृत्य प्रशिक्षण उत्पन्न हुआ। और, वास्तव में, सबसे शानदार नृत्य कला इटली में फलती-फूलती है। XV-XVI सदियों के फ्लोरेंस में बॉल्स वैभव, प्रतिभा, सरलता का एक उदाहरण हैं। इतालवी नृत्य शिक्षकों को विभिन्न देशों में आमंत्रित किया जाता है। "पेशेवर नर्तक घुमक्कड़ मिम्स और नीच बाजीगर हुआ करते थे," एक उत्तरी इतालवी नृत्य शिक्षक सैक्स लिखते हैं, जो एक सम्मानजनक स्थिति में थे। वह राजकुमारों का साथी था, कभी-कभी विश्वासपात्र; विनीशियन शादियों में, जहाँ दुल्हन को एक मूक नृत्य में पेश करने की प्रथा थी, वह पिता के बजाय प्रदर्शन कर सकता था। शिक्षक विशेष रूप से नृत्य सिखाने के लिए स्कूल बनाने में रुचि रखते थे। और, पहले से ही 15 वीं शताब्दी में, विशेष स्कूल इटली में दिखाई दिए, एक नृत्य शिक्षक का पेशा मजबूती से स्थापित हो गया। इस प्रकार यह संभव है कि 16वीं शताब्दी में इटली नृत्य की रानी थी, जैसा कि 15वीं शताब्दी में प्रतीत होता है।

पियासेंज़ा के डोमेनिको को नृत्य कला का पहला इतालवी सिद्धांतकार माना जाता है। XIV - XV सदी के मोड़ पर डोमेनिको दा पियासेंज़ा ने "ऑन द आर्ट ऑफ़ डांस एंड डांस" नामक एक ग्रंथ की रचना की। पुस्तक में दो भाग होते हैं। पहला भाग समग्र रूप से नृत्य के लिए समर्पित है और इसके पांच तत्वों को परिभाषित करता है: माप, आचरण, मंच का विभाजन, स्मृति और उत्थान। माप संगीत में तेज और धीमी गति के बीच संबंध का मुख्य सिद्धांत है; समूह नृत्य की रचना के लिए स्थल का विभाजन आवश्यक है; स्मृति वास्तव में नृत्य बनाने के लिए आवश्यक है; धारण करने का तरीका नृत्य को गतिहीन और पुराने रूपों से मुक्त करता है; उन्नयन नृत्य तकनीक के विकास के लिए डिज़ाइन किया गया है। ग्रंथ का दूसरा भाग बुनियादी आंदोलनों की श्रेणियां स्थापित करता है। यहाँ वह गतियों को दो प्रकारों में विभाजित करता है: कृत्रिम और प्राकृतिक। प्राकृतिक गति - सरल और दोहरा कदम, उत्तम मुद्रा, बारी और आधा मोड़, झुकना और कूदना। कृत्रिम गतिविधियों में लात मारना, क़दम उठाना और चर पैर के साथ कूदना शामिल है।

इसके अलावा, यह एक अन्य सिद्धांतकार और नृत्य के शिक्षक - गुग्लिल्मो एम्ब्रियो को ध्यान देने योग्य है, जिन्होंने नृत्य की कला पर ग्रंथ की रचना की। अपने ग्रंथ में, वह संगीत द्वारा निर्धारित माप के साथ आंदोलनों का समन्वय करने की सलाह भी देता है। उन्होंने कॉन्ट्रो टेम्पो शब्द का परिचय दिया - गति के विरुद्ध, जिसे एक सीखे हुए नृत्य में सफल होने के लिए पालन किया जाना चाहिए। इसके अलावा, वह अरिया की अवधारणा को आगे बढ़ाता है, जिसका अर्थ है कि टेम्पो के बीच जाने और एक नृत्य से दूसरे नृत्य में जाने की क्षमता। गुग्लिल्मो के काम को कम आंकना असंभव है, उन्होंने पुनर्जागरण के मानवतावादी विश्वदृष्टि को व्यक्त किया जब उन्होंने नृत्य को "मुक्त-विचार विज्ञान" के रूप में दूसरों के रूप में उदात्त और महत्वपूर्ण घोषित किया, और मानव प्रकृति को संबोधित करने वालों से अधिक।

16वीं शताब्दी की कोरियोग्राफी पर इतालवी कार्यों में, 1581 में प्रकाशित फैब्रीज़ियो कैरोसो की पुस्तक द डांसर ध्यान देने योग्य है। यह पुस्तक बॉलरूम डांसिंग के लिए एक तरह का मैनुअल है, हालाँकि, यह कहा जा सकता है कि इन नियमों का उपयोग स्टेज डांस में भी किया गया था, हालाँकि इनमें अधिक प्रतिनिधि स्टेप्स प्रबल थे। पुस्तक में, वह न केवल नृत्यों को व्यवस्थित करने की कोशिश करता है, बल्कि उन्हें बनाने वाली गतिविधियों को भी व्यवस्थित करता है। उदाहरण के लिए, वह कर्टसी को "महत्वपूर्ण" ("कब्र"), "छोटा" ("मिनिमा"), "मध्यम" ("सेमीमिनिमा") में विभाजित करता है। "मध्यम" कर्टसी में एक छलांग शामिल थी। संगीत ताल की विविधता के साथ नृत्य की भिन्नता के अनुरूप, कोरोसो ने पहले से ही शास्त्रीय नृत्य के पहले, तीसरे और चौथे स्थान के साथ-साथ समुद्री डाकू और स्किड्स (एंट्रेचा) सहित विभिन्न प्रकार के कूदों के करीब पदों का उपयोग किया। नृत्य तकनीक में एक्रोबेटिक चालें शामिल थीं, जैसे कि सौत डे नोउड (नॉट जंप), लेकिन यह तकनीक बाद में गायब हो गई। नई तकनीक ने कोरोसो को संगीत के अनुसार पांच, छह और यहां तक ​​कि दस भागों में बैले की रचना करने की अनुमति दी। कैरोसो ने मांग की कि नर्तकियों का विकास प्राचीन छंद के आकार के अनुरूप होना चाहिए, और उन्होंने डैक्टाइल, नीलम छंद, स्पोडई का उल्लेख किया। उन्होंने नृत्य के बारे में लिखा - एक मुक्त पहनावा, "ओविड के छंदों के अनुसार गणितीय सटीकता के साथ प्रदर्शन किया।"

कैरोसो ने निस्संदेह बैले के विकास, इसकी तकनीक और प्रदर्शन की नींव रखी। स्वाभाविक रूप से, पहला बैले प्रदर्शन इटली में दिखाई दिया। इसलिए, उदाहरण के लिए, 1489 में, लोम्बार्ड बर्गोन्जो डी बोटा, मिलान के ड्यूक, गैलाज़ो विस्कॉन्टी के विवाह के सम्मान में, एक शानदार नाट्य उत्सव का निर्माण किया जिसमें नृत्य गायन, संगीत और सस्वर पाठ के साथ वैकल्पिक था। पहले फ्रांसीसी बैले पर इतालवी नृत्यकला का बहुत प्रभाव था। 16 वीं शताब्दी के अंत तक, एक पूर्ण कथानक के साथ बैले प्रदर्शन दिखाई दिए, जो नृत्य, गायन, काव्यात्मक गायन, जटिल और शानदार सजावट के माध्यम से प्रकट होता है। युवा इतालवी बैले का अनुभव, इसके शैक्षणिक तरीके और नृत्यकला पर काम कई यूरोपीय देशों द्वारा स्वीकार किया गया था। इस प्रकार, पुनर्जागरण में, पहले से ही बैले की शुरुआत के बारे में बात की जा सकती है।

एक और प्रसिद्ध लेखक"नृत्य की कला" पर - तुआनो अरबो - फ्रांसीसी लेखक, पुजारी। नृत्य के विकास में उनका योगदान इतालवी नृत्य गुरुओं से कम महत्वपूर्ण नहीं है। Tuano Arbaud द्वारा "ऑर्केज़ोग्राफी" 16 वीं शताब्दी के फ्रेंच बास नृत्यों पर जानकारी वाला सबसे लोकप्रिय ग्रंथ है। अरबो मध्यकालीन नृत्य को पुनर्स्थापित करने की कोशिश कर रहा है, इसे एक नए तरीके से नया रूप देने के लिए, और यहीं से नृत्य के पुनर्निर्माण में पहले विशेषज्ञ के रूप में उनकी प्रसिद्धि का जन्म हुआ।

संक्षेप में, हम कह सकते हैं कि नृत्य कला अन्य प्रकार की कलाओं के बराबर है और किसी भी तरह से उनसे कमतर नहीं है। नृत्य को शैलीबद्ध किया जाता है, प्रणाली में लाया जाता है। मानव शरीर की विशाल संभावनाएं खुल रही हैं। नृत्य वास्तविकता बताने से लेकर अमूर्त विचार व्यक्त करने तक चलता है। आगे - अदालती प्रदर्शन से लेकर नाट्य नृत्य तक।

पुनर्जागरण के दौरान, नृत्य सामाजिक मनोरंजन और संचार का एक तरीका बन गया। 16वीं शताब्दी के अंत में, हर किसी का मानना ​​था कि महिलाओं की कृपा और आकर्षण और सज्जनों की शक्ति और कौशल को प्रदर्शित करने के लिए चंचल छेड़खानी के साधन के रूप में नृत्य समाज के लिए आवश्यक था। सभी महत्वपूर्ण घटनाओं, सामान्य और निजी के अवसर पर बॉल्स की व्यवस्था की गई थी। प्रत्येक प्रतिभागी की सुंदरता और परिष्कार एक उत्सवपूर्ण बॉलरूम वातावरण बनाने, मालिक की उच्च सामाजिक-राजनीतिक स्थिति की पुष्टि करने और विवाहों को सुविधाजनक बनाने के लिए महत्वपूर्ण था, जो उस समय समाज की संरचना को बनाए रखने के लिए अत्यंत महत्वपूर्ण था। नृत्य करने की क्षमता को रईसों और मध्यम वर्ग द्वारा सम्मानित किया गया, जिन्होंने कई शिक्षकों के मार्गदर्शन में दैनिक अभ्यास द्वारा उनकी नकल की। शाही दरबार में कोरियोग्राफर - नृत्य शिक्षक थे, उनके कर्तव्यों में दोनों लिंगों के व्यक्तियों को नृत्य सिखाने के साथ-साथ सामान्य रूप से तमाशा करना शामिल था।

इसलिए पेशेवर नृत्यतरह-तरह के चश्मे में घुसने लगे। नृत्य, जो मध्य युग में एक "पवित्र कार्य" के लिए अभिप्रेत था, 15 वीं शताब्दी में एक धर्मनिरपेक्ष प्रकृति के उत्सव से पहले पीछे हट गया। उस समय सबसे अधिक वे मुखौटों के शौकीन थे - इस युग में मुखौटों का विशेष महत्व था। सड़क के जुलूसों में नृत्य भी शामिल था, जिसमें एक नृत्य चरित्र का पूरा प्रदर्शन किया गया था। अधिक बार, इस तरह के सड़क जुलूसों ने बुतपरस्त कहानियों की व्याख्या की, मिथकों की सामग्री, जो पुनर्जागरण के लिए विशिष्ट थी, जैसे कि एक युग पुरातनता में बदल गया।

कार्निवाल ने सार्वजनिक मनोरंजन के रूप में नृत्य में भी एक महान योगदान दिया। इनमें से सबसे भव्य जीतें (ट्रिओन्फी) थीं, पौराणिक विषयों पर कुशलतापूर्वक निष्पादित दृश्यों के साथ प्रदर्शन। कुछ अधिक विनम्र थे करी (कैरी, इतालवी कैरो से - "वैगन") - कारीगरों और व्यापारियों के मुखौटे इटली के शहर: यहां नकाबपोश लोगों की भीड़ अपने पेशे के सजावटी प्रतीकों के पीछे मार्च करती है। तमाशा, जहां संगीत, गायन, सस्वर पाठ, पैंटोमाइम और नृत्य मिश्रित थे, गंभीर भोजन, विभिन्न अदालती दावतों के साथ थे।

लेकिन फिर भी, पुनर्जागरण का नृत्य साधारण मनोरंजन से कहीं अधिक व्यापक है। इस समय, किसी व्यक्ति की आध्यात्मिक और शारीरिक स्थिति पर नृत्य के गहरे प्रभाव के बारे में प्राचीन विचार पुनर्जीवित हो रहे हैं। कई नृत्य ग्रंथों के पन्नों पर, यह विचार अक्सर व्यक्त किया जाता है कि नृत्य किसी भी तरह से शुद्ध प्लास्टिसिटी नहीं है, बल्कि आध्यात्मिक आंदोलनों को दर्शाने का एक तरीका है। फ्रांसीसी संगीत सिद्धांतकार, दार्शनिक, भौतिक विज्ञानी और गणितज्ञ एम। मेर्सेन ने अपने एक काम में लिखा है, "नृत्य की उच्चतम पूर्णता के लिए, यह आत्मा और शरीर को बेहतर बनाने और उन्हें सर्वोत्तम संभव स्थान पर लाने में शामिल है।" प्राय: नृत्य, जैसा कि प्राचीन काल में था, को ब्रह्माण्ड संबंधी दिया जाता है

अर्थ। यह कोई संयोग नहीं है कि नृत्य कला के मामलों में रुचि और जागरूकता पादरी के व्यक्तियों द्वारा प्रकट की जाती है - मठाधीश डी प्योर, कैनन अर्बॉड, पुजारी मेनेट्रियर।

2.3 नृत्य कला की शैली पैलेट

पुनर्जागरण के दौरान नृत्य के प्रति नए दृष्टिकोण ने कई नृत्य शैलियों को जन्म दिया। विभिन्न संगीत संग्रहों, व्यावहारिक मार्गदर्शकों और ग्रंथों में रखी गई कृतियों के शीर्षकों को देखते हुए, चित्र असामान्य रूप से भिन्न है: कुछ नृत्य जल्दी से फैशन से बाहर हो जाते हैं; अन्य, एक सदी में प्रकट होने के बाद, दूसरे में अपना महत्व बनाए रखते हैं (उदाहरण के लिए, साल्टारेलो, बास नृत्य, ब्रानल), उनमें से कुछ समय के साथ नृत्यकला की प्रकृति और शैली को बदलते हैं।

प्रत्येक प्रांत का अपना नृत्य और प्रदर्शन की अपनी शैली होती है। नोवरे ने लिखा है कि मीनू एंगौलेमे से हमारे पास आया, कि बूरे नृत्य का जन्मस्थान औवेर्गने है। ल्योन में वे प्रोवेंस, टैम्बोरिन में गावोटे की पहली मूल बातें पाएंगे।

तो, इस समय के सभी रोज़मर्रा के नृत्यों को दो मुख्य समूहों में विभाजित किया गया था: बासा डंजा (फ्रेंच बास डांस) - यानी, "कम" नृत्य जिसमें कोई छलांग नहीं थी, और पैर लगभग फर्श से ऊपर नहीं उठे (पावेन, एलेमांडे, झंकार, साराबांडे, आदि); अल्टा डंज़ा (फ्रेंच हाउते डांसेस) - अर्थात, गोल नृत्य का "उच्च" नृत्य, जिसमें नर्तक घुमाते और उछलते हैं (मोरेस्का, गैलियार्ड, वोल्टा, साल्टारेलो, विभिन्न प्रकार के ब्रैनल्स, आदि)

प्रारंभिक पुनर्जागरण के युग में, धीमी और अधिक जीवंत गति (बासा दान्ज़ा और अल्टा दान्ज़ा) के नृत्यों का विरोध विशेषता है। यह मध्य युग के अंत में पहले से ही गेंदों और उभरते पेशेवर संगीत दोनों में पाया जाता है। 14 वीं - 15 वीं शताब्दी की शुरुआत के संगीत स्रोतों में, 2 में नृत्य के समूह आम हैं: प्रत्येक जोड़ी का पहला नृत्य एक सम समय हस्ताक्षर और धीमी गति में कायम है, दूसरा - 3-बीट समय हस्ताक्षर और एक में तेज गति। दूसरों की तुलना में, पावन - गैलियर्ड पासमेज़ो - साल्टारेलो के जोड़े आम थे। उन्होंने एक-दूसरे के साथ बातचीत की, लेकिन फिर भी, अपने व्यक्तिगत लक्षणों को बरकरार रखा।

युग की नृत्य कला की शैलियों के संबंध में, उनमें से काफी बड़ी संख्या थी, लेकिन सबसे लोकप्रिय थे: बास नृत्य, पावेन, झंकार, ब्रानल, मोरेस्का, गैलियार्ड, साल्टारेलो और वोल्टा। यह समझने के लिए कि प्रत्येक नृत्य की विशिष्टता क्या थी, उनके विवरण और व्याख्या को संदर्भित करना आवश्यक है।

बास नृत्य(फ्रेंच बास डांसे - "लो डांस") - अदालत का सामूहिक नाम मध्यम या मध्यम धीमी गति से नृत्य करता है और, एक नियम के रूप में, 4-बीट आकार में, फ्रांस, इटली, नीदरलैंड में दूसरी छमाही के बीच आम है। XIV और मध्य XVI सदी। नाम की उत्पत्ति पूरी तरह स्पष्ट नहीं है। शायद यह कम रजिस्टर उपकरणों पर इन नृत्यों के संगीत के प्रदर्शन के अभ्यास से जुड़ा है, और शायद बास नृत्यों में नर्तकियों की ऊंची छलांग की अनुपस्थिति के साथ। "हाई डांस" (फ्रेंच - हाउते डांसे, इटालियन - अल्टा डांज़ा) की विशेषता वाले तेज गति और कूदने वाले आंदोलनों की कमी के कारण, बास नृत्यों को अक्सर "प्रोमेनेड" कहा जाता था। एक गोल नृत्य, एक जुलूस के रूप में रचनात्‍मक चित्र बनाया जा सकता है। बास नृत्य, जैसा कि यह था, एक छोटी कोरियोग्राफिक रचना थी जिसमें नर्तकियों ने खुद को इकट्ठे समाज को दिखाया और अपनी संपत्ति, संगठनों की भव्यता और शिष्टाचार के बड़प्पन का प्रदर्शन किया। 15वीं शताब्दी में, के. सैक्स के अनुसार, बास नृत्य "... कदमों के किसी भी स्थापित क्रम का पालन नहीं किया। मोटली, बहुरूपदर्शक में रंगों की तरह, उन्होंने हर बार नए आंदोलनों को जोड़ा। बास नृत्य संगीत, अक्सर प्रकृति में कोरल होता है, आमतौर पर कैंटस फर्मस के आधार पर सुधार किया जाता था। नि: शुल्क नृत्यकला भी एक खुली (खुली) संगीत संरचना के अनुरूप होती है जिसमें मनमानी संख्या होती है। बास नृत्य करने के लिए विभिन्न वाद्य यंत्रों का उपयोग किया गया: ल्यूट, वीणा और ड्रम; ट्रॉम्बोन, स्नेयर ड्रम के साथ बांसुरी, आदि। भागों में से एक के रूप में, बास नृत्य को शुरुआती वाद्य यंत्रों में शामिल किया गया था। बास नृत्य की किस्में: बसादान- बास नृत्य का एक अधिक परिष्कृत इतालवी संस्करण, जो 15वीं शताब्दी में लोकप्रिय था। अधिक मोबाइल गति में अंतर; बीयर - 15वीं शताब्दी का इतालवी नृत्य, जिसकी गति बसादानों की तुलना में भी तेज है, 16वीं शताब्दी तक "बीयर" नाम को एक तेज 3-बीट नृत्य द्वारा संरक्षित किया गया था, जिसके पहले अक्सर पावने और साल्टारेलो का प्रदर्शन किया जाता था।

पावना- गंभीर धीमा नृत्य। इस नृत्य की उत्पत्ति काफी अस्पष्ट है: एक संस्करण के अनुसार, पावेन एक देशी इतालवी नृत्य है, इसका नाम उत्पत्ति के स्थान से जुड़ा हुआ है, पडुआ शहर, एक अन्य संस्करण के अनुसार, पावेन स्पेनिश मूल का नृत्य है . यह विश्वास करने का कारण है कि "पडोवाना" शब्द का उपयोग एक शब्द के रूप में भी किया गया था जो एक सामान्य अवधारणा को दर्शाता है - एक निश्चित प्रकार का नृत्य जो पावना और इसकी विविधता को जोड़ता है - पासमेज़ो।

पहले से ही 16 वीं शताब्दी की शुरुआत में, पावने सबसे लोकप्रिय अदालती नृत्यों में से एक बन गया: यह एक लबादे में और गंभीर समारोहों के दौरान तलवार के साथ नृत्य किया गया था: जब दुल्हन चर्च के लिए रवाना हुई, जब पादरी ने धार्मिक जुलूस निकाले, जब प्रधानों, शहर सरकार के सदस्यों ने छोड़ दिया। पावेन संगीत की विशेषता है: संरचना की स्पष्टता, अक्सर मेट्रो-लयबद्ध संरचना की चौकोरता, मुख्य रूप से राग प्रस्तुति, कभी-कभी मार्ग के साथ रंगीन।

इस बात के प्रमाण हैं कि पावने का प्रदर्शन डफ, बांसुरी, ओबोज और ट्रॉम्बोन्स के साथ होता था, जो एक ड्रम द्वारा समर्थित होता था जो नृत्य की लय पर जोर देता था। प्रत्येक देश में, आंदोलनों की प्रकृति और प्रदर्शन करने के तरीके की अपनी विशेषताएं थीं: फ्रांस में, कदम चिकने, धीमे, सुंदर, फिसलने वाले थे; इटली में, वे अधिक जीवंत, बेचैन, छोटी छलांग के साथ बारी-बारी से थे। 16 वीं शताब्दी के दूसरे छमाही में, पावेन व्यावहारिक रूप से यूरोप में अनुपयोगी हो गया, हालांकि, 1620 के मध्य तक शेष रहा। इंग्लैंड में सबसे लोकप्रिय नृत्यों में से एक। अंग्रेजी कौमार्यवादियों के काम में वाद्ययंत्र पावने अपनी सुबह तक पहुंच गया। संबंधित पवन थे: पवनिला- 17वीं शताब्दी के पहले भाग में इटली में लोकप्रिय वाद्य नृत्य, चरित्र और गति में अधिक जीवंत था; पडुआना -यह पुनर्जागरण के अंत में व्यापक हो गया, और 17 वीं शताब्दी की विशेषता थी - कम से कम दो अलग-अलग नृत्यों को कहा जाता था: एक दो-भाग का पावेन और एक 3-भाग का नृत्य जो पासमेज़ो के बाद किया जाता है; पासमेज़ो- इतालवी नृत्य, अधिक मोबाइल गति में पावनों से भिन्न होता है। शाब्दिक रूप से "1.5 चरणों में नृत्य" के रूप में अनुवादित, जो पावन की तुलना में उनके आंदोलन की तेज प्रकृति को इंगित करता है। हार्मोनिक संगत योजना की विशेषताओं से उपजी दो सबसे आम किस्में "पुरानी" (एंटिको) और "आधुनिक" (आधुनिक) थीं।

कुरंट- कोर्ट नृत्य, इतालवी मूल का, इतालवी शब्द कोरेंटे से बना है, जिसका अर्थ है पानी का प्रवाह, चिकना, समान। नृत्य का रचनात्मक पैटर्न आम तौर पर एक अंडाकार के साथ चलता था, लेकिन यह एक लम्बी वर्ग या एक अष्टकोणीय भी हो सकता है, जिसने 15 वीं शताब्दी में मौजूद इतालवी पिवा नृत्य की ज़िगज़ैग आंदोलनों को संभव बना दिया। झंकार सरल और जटिल थी। पहले में सरल, ग्लाइडिंग स्टेप्स शामिल थे, जो मुख्य रूप से आगे की ओर प्रदर्शन करते थे। जटिल झंकार में एक पैंटोमिक चरित्र था: तीन सज्जनों ने तीन महिलाओं को नृत्य में भाग लेने के लिए आमंत्रित किया, वे महिलाओं को हॉल के विपरीत कोने में ले गए और उन्हें नृत्य करने के लिए कहा, महिलाओं ने मना कर दिया, सज्जनों ने मना कर दिया, छोड़ दिया, लेकिन फिर वापस लौटा और महिलाओं के सामने घुटने टेक दिए। पैंटोमाइम सीन के बाद ही डांस शुरू हुआ। एक जटिल झंकार में, आगे, पीछे और बग़ल में आंदोलनों का प्रदर्शन किया गया। 16वीं शताब्दी के मध्य में, नृत्य का मूकाभिनय भाग लुप्त हो गया। Courante ने अपने समय हस्ताक्षर को कई बार बदला है। पहले यह 2/4 था, बाद में यह तिगुना हो गया।

ब्रानल- मूल रूप से एक लोक गोल नृत्य, बाद में एक बॉलरूम, 15वीं-17वीं शताब्दी का कोर्ट नृत्य भी। ब्रैनल शब्द, जिसका फ्रेंच में अर्थ है - रॉकिंग, राउंड डांस, भी मुख्य आंदोलनों में से एक है - शरीर को हिलाना। इसकी कई किस्मों को टेम्पो, कोरियोग्राफी (सरल बैले, डबल बॉल, बैले डांसर, जूता बैले, मशाल के साथ बैले, चुंबन के साथ बैले, आदि) के आकार में एक दूसरे से अलग जाना जाता है। शैम्पेन से पोइटौ, बी)। नृत्य की गति मध्यम तेज, जीवंत है। आकार आमतौर पर 2-बीट होता है, कभी-कभी 3-बीट ("जॉली ब्रानल" में, जिसमें कूद और झूले शामिल होते हैं) और 4-बीट (शैम्पेन में)। लोक चोंच - ऊर्जावान, अभेद्य, पीछा किया, बॉलरूम - अधिक सहज और शांत, बहुत अधिक उत्सुकता के साथ। कभी-कभी गायन (एक कोरस के साथ छंद) और खेल के साथ लोक वाद्ययंत्र(पाइप, बांसुरी, डफ, बैगपाइप)। 15वीं शताब्दी में, यह बास नृत्य के अंत के रूप में प्रदर्शित किया गया था, जिससे, शायद, यह आता है। कोरियोग्राफी के संदर्भ में, यह अभी भी काफी आदिम था, खासकर जब से इसकी संगीतमय संगत में नीरस डफ की धड़कन, बांसुरी की आवाज़ और नर्तकियों के नीरस गायन शामिल थे। लेकिन, एक ही समय में, यह ध्यान दिया जाना चाहिए कि ब्रानल सभी सैलून नृत्यों का प्राथमिक स्रोत था जो बाद में दिखाई दिया, बॉलरूम कोरियोग्राफी के विकास में एक बड़ी भूमिका निभाई।

मोरेस्का -(Moresca(इतालवी) - शाब्दिक रूप से "मूरिश", मोरिसडांस - अंग्रेजी मॉरिस डांस से) - संगीतमय - नृत्य दृश्य। दृश्य ने प्रतीकात्मक रूप से ईसाइयों और मूरों के बीच संघर्ष को पुन: पेश किया। इटली में, नृत्य को "मोरिस्का" कहा जाता था, वही नाम मूरों को दिया गया था जिन्हें बपतिस्मा दिया गया था और ईसाई धर्म में परिवर्तित किया गया था। स्पेन में उत्पत्ति, मोरेस्का मूल रूप से लोक नृत्य था और दो समूहों द्वारा नृत्य किया गया था। पुनर्जागरण के दौरान, मोरेस्का सबसे लोकप्रिय नृत्यों में से एक था, जो विभिन्न शहरी नाटकीय चश्मे और उभरते हुए कलाकारों के प्रदर्शन का हिस्सा बन गया। म्यूज़िकल थिएटर. वहाँ, वह लोक खेल की अपनी मूल विशेषताओं को खो देती है (हालांकि, मूर का मुखौटा बनाए रखते हुए), और धीरे-धीरे एक गंभीर, अक्सर जंगी चरित्र के एक काल्पनिक नृत्य में बदल जाती है। बाद में, 17 वीं शताब्दी में, मोरेस्का शब्द ने एक ओपेरा में बैले या पैंटोमाइम नृत्य को निरूपित किया: उदाहरण के लिए, मोंटेवेर्डी ने मोरेस्का को ओपेरा "ऑर्फ़ियस" -1607 के समापन समारोह में पेश किया।

गैलियर्ड(गागलियार्डा, इटाल। हंसमुख, बोल्ड, हंसमुख) - XV - XVII सदियों के अंत में रोमनस्क्यू मूल का एक पुराना नृत्य। जाहिर है, यह उत्तरी इटली से आता है, विभिन्न क्षेत्रों और शहरों में स्थानीय रीति-रिवाजों और रीति-रिवाजों की छाप है। यह एक हंसमुख और जीवंत नृत्य है, जो लोक नृत्यकला में उत्पन्न हुआ है, हालांकि यह विशेषाधिकार प्राप्त वर्गों के बीच सबसे व्यापक था, किसान नृत्यों की विशेषताओं को बनाए रखता है - कूदता है और आंदोलनों को तेज करता है, अक्सर मजाकिया नाम ("क्रेन स्टेप", "काउ किक") होते हैं। . झंकार की तरह इसमें एक तरह के डायलॉग का किरदार था। एक छोटे आर्केस्ट्रा पहनावा या ल्यूट और गिटार बजाने के साथ। 16वीं शताब्दी के गलियारों की विशेषता 3-मीटर है, मध्यम रूप से तेज गति, कॉर्ड वेयरहाउस, डायटोनिक। यह आम तौर पर धीमी 4-बीट पावने के बाद किया जाता था, इसकी मधुर और अलग-अलग

मीट्रिक पैटर्न। धीमी 4-बीट पावने और एक तेज़ 3-बीट गैलियर्ड का एक समान क्रम बारोक वाद्य सूट का प्रोटोटाइप था।

साल्टरेला- लोक इतालवी नृत्य। इसका नाम इतालवी शब्द साल्टारे से आया है - कूदना, कूदना। उन्हें रोमाग्ना, लाजो, सैन मैरिनो, अब्रुज़ियो में जाना जाता है। प्रत्येक क्षेत्र इसे अलग तरीके से करता है। साल्टरेला एक बहुत ही साधारण नृत्य है, इसमें निश्चित आंकड़े नहीं होते हैं। मुख्य आंदोलन संतुलन है। लेकिन कलाकारों में निपुणता और ताकत होनी चाहिए, क्योंकि नृत्य में गति हर समय बढ़ती है, बहुत तूफानी तक पहुंचती है। साल्टरेला - जोड़ी नृत्य, नृत्य में भाग लेने वाले जोड़ों की संख्या बहुत बड़ी हो सकती है। कई अन्य लोक नृत्यों की तरह, साल्टरेला कभी-कभी एक चंचल मूकाभिनय दृश्य के साथ शुरू होता है। इटली के कुछ क्षेत्रों में, उदाहरण के लिए, गियोगरिया में, नमकरेला कम कूदने वाले नृत्य के रूप में मौजूद है।

इसकी गोल नृत्य किस्में भी हैं। गोल नृत्य साल्टारेला में, नर्तक एक-दूसरे के खिलाफ सघन रूप से खड़े होते हैं, उनके शरीर आगे की ओर झुके होते हैं, उनके सिर वृत्त के केंद्र में लगभग टकराते हैं; एक दूसरे के कंधे पर हाथ रखे हुए हैं। नंगे पैर धीरे-धीरे जमीन पर सरकते हैं। कलाकार पैरों की गति की लय पर थिरकते हैं। रोमाग्ना में साल्टरेला का प्रदर्शन अजीबोगरीब है। यहाँ इसके साथ एक प्रतिभागी द्वारा गाया गया गीत है, और यह, जैसा कि यह था, निपुणता का प्रदर्शन है। महिलाओं ने अपने सिर पर पानी या शराब से भरा एक गिलास रखा। जटिल और तेज गति के दौरान एक बूंद भी नहीं गिरनी चाहिए।

वोल्टा- इतालवी मूल का युगल नृत्य। इसका नाम इतालवी शब्द वोल्टारे से आया है, जिसका अर्थ है "मुड़ना"। आमतौर पर नृत्य एक जोड़े (पुरुष और महिला) द्वारा किया जाता है, लेकिन जोड़ों की संख्या बढ़ाई जा सकती है। कई अन्य लोक नृत्यों की तरह, वोल्टा, अपनी उपस्थिति के तुरंत बाद, दरबारी उत्सवों में प्रदर्शित होने लगा। 16वीं शताब्दी में, वह सभी यूरोपीय देशों में जानी जाती थी, लेकिन फ्रांसीसी दरबार में उसे सबसे बड़ी सफलता मिली। हालाँकि, पहले से ही लुई XIII के तहत, वोल्टा की फ्रांसीसी अदालत नृत्य नहीं करती है। यह नृत्य इटली में सबसे लंबे समय तक चला।

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