Rahasia kehebatan karya utama seni rupa Jepang. Perkembangan seni lukis Jepang

Dengan artikel ini, saya memulai serangkaian artikel tentang sejarah Jepang seni visual. Posting ini akan berfokus terutama pada seni lukis mulai dari periode Heian, dan artikel ini merupakan pengantar dan menjelaskan perkembangan seni hingga abad ke-8.

periode Jomon
Budaya Jepang memiliki akar yang sangat kuno - penemuan paling awal berasal dari milenium ke-10 SM. e. tetapi secara resmi awal periode Jomon dianggap 4500 SM. e. Tentang periode ini nekokit menulis posting yang sangat bagus.
Keunikan keramik Jemon adalah biasanya kemunculan keramik, seiring dengan perkembangan pertanian, menandakan dimulainya zaman Neolitikum. Namun, bahkan di era Mesolitikum, beberapa ribu tahun sebelum munculnya pertanian, para pemburu-pengumpul Jomon menciptakan tembikar dengan bentuk yang agak rumit.

Meskipun tembikar muncul sangat awal, orang-orang di zaman Jomon mengembangkan teknologi dengan sangat lambat dan tetap berada di level Zaman Batu.

Selama periode Jōmon Tengah (2500-1500 SM), patung-patung keramik muncul. Tetapi pada periode Pertengahan dan Akhir (1000-300 SM) mereka tetap abstrak dan sangat bergaya.

Dari Ebisuda, Tajiri-cho, Miyagi.H. 36.0.
Periode Jomon, 1000-400B.C.
Museum Nasional Tokyo

Omong-omong, ahli ufologi percaya bahwa ini adalah gambar alien. Dalam patung-patung ini, mereka melihat pakaian antariksa, kacamata, dan masker oksigen di wajah mereka, dan gambar spiral pada "pakaian antariksa" dianggap sebagai peta galaksi.

periode Yayoi
Yayoi adalah periode singkat dalam sejarah Jepang, berlangsung dari 300 SM hingga 300 M, di mana perubahan budaya paling dramatis terjadi dalam masyarakat Jepang. Selama periode ini, suku-suku yang datang dari daratan dan memindahkan penduduk asli kepulauan Jepang membawa budaya dan teknologi baru mereka, seperti penanaman padi dan pengolahan perunggu. Sekali lagi, sebagian besar seni dan teknologi periode Yayoi diimpor dari Korea dan China.

periode Kofun
Antara 300 dan 500 tahun, pemimpin suku dimakamkan di gundukan yang disebut "Kofun". Periode ini disebut dengan nama ini.

Hal-hal yang mungkin dibutuhkan orang mati ditempatkan di kuburan. Ini adalah makanan, perkakas dan senjata, perhiasan, tembikar, cermin, dan yang paling menarik - patung tanah liat yang disebut "haniwa".

Dari Kokai, Oizumi-machi, Gunma.H.68.5.
Periode Kofun, abad ke-6.
Museum Nasional Tokyo

Tujuan pasti dari patung-patung itu masih belum diketahui, tetapi mereka ditemukan di semua kuburan di zaman Kofun. Dari patung-patung kecil ini dapat dibayangkan bagaimana orang hidup pada masa itu, karena orang digambarkan dengan perkakas dan senjata, dan terkadang di samping rumah.

Patung-patung ini, yang dipengaruhi oleh tradisi Tionghoa, memiliki unsur-unsur independen yang hanya melekat pada seni lokal.

Penari wanita, Dinasti Han Barat (206 SM–9 M), abad ke-2 SM
Cina
Museum Seni Metropolitan, NY

Selama periode Kofun, patung-patung menjadi lebih halus dan semakin berbeda. Ini adalah gambar tentara, pemburu, penyanyi, penari, dan sebagainya.

Dari Nohara, Konan-machi, Saitama Hadir H.64.2, 57.3.
Periode Kofun, abad ke-6.
Museum Nasional Tokyo

Ada ciri lain dari patung-patung ini. Haniva tidak hanya mewakili fungsi sosial, tetapi juga mood dari figur tersebut. Seorang pejuang, misalnya, memiliki ekspresi tegas di wajahnya. dan di wajah para petani ada senyum lebar.

Dari Iizuka-cho, Ota-shi, Gunma.H. 130.5.
Periode Kofun, abad ke-6.
Museum Nasional Tokyo

periode Asuka
Sejak zaman Yayoi, seni rupa Jepang tidak dapat dipisahkan dari seni rupa Korea atau seni Cina. Hal ini paling terlihat pada abad ketujuh dan kedelapan, ketika seni Jepang mulai berkembang pesat menjadi berbagai genre visual.

Pada abad ke-6, perubahan besar terjadi dalam masyarakat Jepang: negara Jepang pertama Yamato akhirnya terbentuk, dan juga, pada tahun 552, agama Buddha datang ke Jepang, membawa patung Buddha dan konsep kuil, yang menyebabkan munculnya kuil di Jepang - sebagai Shinto, serta Buddha.
Kuil Shinto mengikuti arsitektur lumbung (Kuil Shinto paling awal adalah lumbung tempat perayaan panen diadakan. Selama pesta ritual, orang percaya bahwa para dewa sedang berpesta dengan mereka.)
Dewa Shinto - pertama dan terpenting kekuatan alam sehingga arsitektur tempat suci tersebut menyatu dengan alam, seperti sungai dan hutan. Ini penting untuk dipahami. Dalam arsitektur Shinto, struktur buatan manusia dimaksudkan untuk menjadi perpanjangan dari alam.

Kuil Buddha pertama, Shitennoji, baru dibangun pada tahun 593 di Osaka. Kuil-kuil awal ini adalah tiruan dari kuil-kuil Buddha Korea, yang terdiri dari sebuah pagoda pusat yang dikelilingi oleh tiga bangunan dan koridor tertutup.

Penyebaran agama Buddha memfasilitasi kontak antara Jepang dan Korea dengan Cina dan integrasi budaya Cina ke dalam budaya Jepang.

Jepang? Bagaimana itu berkembang? Kami akan menjawab ini dan pertanyaan lain di artikel. Budaya Jepang terbentuk sebagai akibat dari pergerakan sejarah yang dimulai sejak bangsa Jepang berpindah dari daratan ke Nusantara dan lahirlah peradaban periode Jomon.

Eropa, Asia (khususnya Korea dan Cina) dan Amerika Utara sangat mempengaruhi pencerahan orang-orang ini saat ini. Salah satu ciri budaya Jepang adalah perkembangannya yang panjang di era isolasi total negara (kebijakan sakoku) dari semua negara lain pada masa pemerintahan Keshogunan Tokugawa, yang berlangsung hingga pertengahan abad ke-19 - awal abad ke-19. Zaman Meiji.

Pengaruh

Bagaimana budaya seni Jepang? Peradaban secara signifikan dipengaruhi oleh lokasi regional negara yang terisolasi, iklim dan Fitur geografis, serta fenomena alam (topan dan gempa bumi yang sering terjadi). Hal itu terungkap dalam sikap penduduk yang luar biasa terhadap alam sebagai makhluk hidup. fitur karakter bangsa Bahasa Jepang adalah kemampuan untuk mengagumi keindahan alam semesta saat ini, yang diekspresikan dalam berbagai jenis seni di negara kecil.

Budaya artistik Jepang diciptakan di bawah pengaruh agama Buddha, Shintoisme, dan Konfusianisme. Tren yang sama ini memengaruhi perkembangan selanjutnya.

zaman kuno

Setuju, budaya artistik Jepang memang luar biasa. Shintoisme berakar pada zaman kuno. Agama Buddha, meskipun muncul sebelum zaman kita, mulai menyebar hanya sejak abad kelima. Periode Heian (abad ke-8 hingga ke-12) dianggap sebagai era keemasan kenegaraan Jepang. Pada periode yang sama, budaya indah negara ini mencapai titik tertingginya.

Konfusianisme muncul pada abad ke-13. Pada tahap ini terjadi pemisahan antara filsafat Konfusius dan Buddha.

Hieroglif

Gambaran budaya artistik Jepang diwujudkan dalam syair unik yang disebut Di negeri ini, seni kaligrafi juga sangat berkembang, yang menurut legenda muncul dari gambar dewa surgawi. Merekalah yang menghidupkan tulisan, jadi penduduknya ramah terhadap setiap tanda dalam ejaan.

Rumor mengatakan bahwa hieroglif yang memberikan budaya Jepang, karena gambar yang mengelilingi tulisan muncul dari mereka. Beberapa saat kemudian, perpaduan yang kuat antara unsur seni lukis dan puisi dalam satu karya mulai terlihat.

Jika Anda mempelajari gulungan bahasa Jepang, Anda akan menemukan bahwa karya tersebut berisi dua jenis simbol. Ini adalah tanda-tanda tulisan - segel, puisi, kolofen, dan juga lukisan. Pada saat yang sama, teater Kabuki mendapatkan popularitas besar. Jenis teater yang berbeda - Tapi - lebih disukai terutama oleh personel militer. kekerasan dan kekejaman mereka memiliki pengaruh kuat pada No.

Lukisan

Budaya artistik telah dipelajari oleh banyak spesialis. Peran besar dalam pembentukannya dimainkan oleh lukisan kaiga, yang dalam bahasa Jepang berarti menggambar atau melukis. Seni ini dianggap sebagai jenis lukisan negara tertua, yang ditentukan oleh solusi dan bentuk yang sangat banyak.

Di dalamnya, alam menempati tempat khusus, yang menentukan prinsip sakral. Pembagian seni lukis menjadi sumi-e dan yamato-e sudah ada sejak abad kesepuluh. Gaya pertama berkembang mendekati abad keempat belas. Ini adalah sejenis cat air monokrom. Yamato-e adalah gulungan yang dilipat secara horizontal yang biasa digunakan dalam dekorasi karya sastra.

Beberapa saat kemudian, pada abad ke-17, pencetakan pada tablet muncul di negara tersebut - ukiyo-e. Master menggambarkan pemandangan, geisha, aktor terkenal teater kabuki. Jenis lukisan abad ke-18 ini memiliki pengaruh kuat pada seni rupa Eropa. Tren yang muncul disebut "Japanisme". Pada Abad Pertengahan, budaya Jepang melampaui batas negara - mulai digunakan dalam desain interior yang bergaya dan modis di seluruh dunia.

Kaligrafi

Oh, betapa indahnya budaya artistik Jepang! Pemahaman akan keharmonisan dengan alam dapat dilihat pada setiap segmennya. Apa itu kaligrafi Jepang modern? Ini disebut shodo ("cara pemberitahuan"). Kaligrafi, seperti menulis, adalah disiplin wajib. Ilmuwan telah menemukan bahwa seni ini datang ke sana bersamaan dengan tulisan Cina.

Ngomong-ngomong, di zaman kuno, budaya seseorang dinilai dari tingkat kaligrafinya. Hari ini ada nomor besar gaya penulisan, dan dikembangkan oleh biksu Buddha.

Patung

Bagaimana budaya Jepang muncul? Kami akan mempelajari perkembangan dan jenis bidang kehidupan manusia ini sedetail mungkin. Patung adalah jenis seni tertua di Jepang. Pada zaman dahulu, masyarakat negeri ini membuat arca dari berhala dan piring dari keramik. Kemudian orang-orang mulai memasang patung khaniv, yang dibuat dari tanah liat yang dipanggang, di atas kuburan.

Perkembangan kerajinan patung di zaman modern budaya Jepang terkait dengan penyebaran agama Buddha di negara bagian. Salah satu perwakilan paling kuno dari monumen Jepang adalah patung Buddha Amitabha, terbuat dari kayu, ditempatkan di kuil Zenko-ji.

Patung sangat sering dibuat dari balok, tetapi terlihat sangat kaya: pengrajin menutupinya dengan pernis, emas, dan warna-warna cerah.

Origami

Apakah Anda menyukai budaya artistik Jepang? Pemahaman akan keharmonisan dengan alam akan menghadirkan pengalaman yang tak terlupakan. fitur karakteristik Budaya Jepang telah menjadi produk luar biasa dari origami (“kertas lipat”). Keahlian ini berasal dari Cina, di mana, sebenarnya, perkamen ditemukan.

Pada awalnya, "kertas lipat" digunakan dalam upacara keagamaan. Kesenian ini hanya bisa dipelajari oleh kalangan atas. Tetapi setelah Perang Dunia Kedua, origami meninggalkan rumah para bangsawan dan menemukan pengagumnya di seluruh dunia.

Ikebana

Setiap orang harus tahu apa itu budaya artistik negara-negara di Timur. Jepang telah menginvestasikan banyak pekerjaan dalam pengembangannya. Komponen lain dari budaya ini negara yang indah adalah ikebana (“bunga hidup”, “bunga kehidupan baru”). Orang Jepang adalah penggemar estetika dan kesederhanaan. Justru kedua kualitas inilah yang ditanamkan dalam karya. Kecanggihan gambar dicapai melalui penggunaan yang bermanfaat dari keindahan alami tumbuhan. Ikebana, seperti origami, juga berfungsi sebagai bagian dari upacara keagamaan.

Miniatur

Mungkin sudah banyak yang paham bahwa budaya artistik Tiongkok Kuno dan Jepang saling terkait erat. Dan apa itu bonsai? Ini adalah keterampilan unik orang Jepang untuk mengolah replika miniatur pohon asli yang hampir persis sama.

Di Jepang, membuat netsuke juga umum - patung kecil yang merupakan semacam gantungan kunci. Seringkali patung-patung seperti itu ditempelkan pada pakaian orang Jepang yang tidak memiliki saku. Mereka tidak hanya menghiasinya, tetapi juga berfungsi sebagai penyeimbang asli. Gantungan kunci dibuat dalam bentuk kunci, kantong, keranjang anyaman.

Sejarah lukisan

budaya seni jepang kuno diminati banyak orang. Lukisan di negara ini berasal dari periode Paleolitik Jepang dan berkembang sebagai berikut:

• periode Yamato. Selama masa Asuka dan Kofun (abad ke-4 hingga ke-7), seiring dengan pengenalan hieroglif, penciptaan rezim negara bergaya Tiongkok, dan mempopulerkan agama Buddha, banyak karya seni dibawa ke Jepang dari Tiongkok. Setelah itu, lukisan ala Tionghoa mulai diperbanyak di Negeri Matahari Terbit itu.
• Waktu Nara. Pada abad VI dan VII. Buddhisme terus berkembang di Jepang. Dalam hal ini, lukisan religi mulai berkembang, digunakan untuk menghiasi banyak kuil yang dibangun oleh bangsawan. Secara umum, pada zaman Nara kontribusi terhadap perkembangan seni pahat dan seni lukis lebih besar dari pada seni lukis. Lukisan awal dalam siklus ini termasuk mural di dinding bagian dalam Kuil Horyu-ji di Prefektur Nara, yang menggambarkan kehidupan Buddha Shakyamuni.
• era Heian. Dalam lukisan Jepang, mulai abad ke-10, tren yamato-e dibedakan, seperti yang kami tulis di atas. Lukisan semacam itu adalah gulungan horizontal yang digunakan untuk mengilustrasikan buku.
• Era Muromachi. Pada abad XIV, gaya Supi-e (cat air monokrom) muncul, dan pada paruh pertama abad XVII. seniman mulai mencetak ukiran di papan - ukiyo-e.
• Lukisan dari era Azuchi-Momoyama sangat kontras dengan lukisan dari periode Muromachi. Ini memiliki gaya polikrom dengan penggunaan perak yang ekstensif dan selama periode ini, lembaga pendidikan Kano menikmati prestise dan ketenaran yang luar biasa. Pendirinya adalah Kano Eitoku, yang mengecat langit-langit dan pintu geser ke ruangan terpisah. Gambar seperti itu menghiasi kastil dan istana bangsawan militer.
• Zaman Maiji. Sejak paruh kedua abad ke-19, seni telah terpecah menjadi gaya tradisional dan Eropa yang saling bersaing. Selama era Maiji, Jepang menjalani kehidupan sosial dan budaya yang hebat perubahan politik dalam proses modernisasi dan eropanisasi yang diselenggarakan oleh penguasa. Seniman muda yang menjanjikan dikirim ke luar negeri untuk belajar, dan seniman luar negeri datang ke Jepang untuk membuat program seni sekolah. Meski begitu, setelah gelombang awal keingintahuan tentang gaya artistik Barat, pendulum berayun masuk sisi sebaliknya, dan gaya tradisional Jepang dihidupkan kembali. Pada tahun 1880, praktik seni Barat dilarang dari pameran resmi dan dikritik habis-habisan.

Puisi

Budaya artistik Jepang kuno masih dipelajari. Keunikannya adalah keserbagunaan, beberapa sintetis, karena dibentuk di bawah pengaruh agama yang berbeda. Diketahui bahwa puisi klasik Jepang muncul dari kehidupan sehari-hari, bertindak di dalamnya, dan sifat membumi ini dipertahankan sampai batas tertentu dalam bentuk tradisional puisi masa kini - haiku tiga baris dan tanka lima baris, yang dibedakan dengan pengucapan karakter massa. Ngomong-ngomong, kualitas inilah yang membedakan mereka dari "syair bebas" yang mengarah ke elitisme, yang muncul di Jepang pada awal abad ke-20 di bawah pengaruh puisi Eropa.

Pernahkah Anda memperhatikan bahwa tahapan perkembangan budaya artistik Jepang memiliki banyak segi? Puisi dalam masyarakat negeri ini memainkan peran khusus. Salah satu genre yang paling terkenal adalah haiku, Anda bisa memahaminya hanya dengan membiasakan diri dengan sejarahnya.

Ini pertama kali muncul di era Heian, mirip dengan gaya renga, yang merupakan semacam pelampiasan bagi penyair yang ingin istirahat dari syair wah yang bijaksana. Haikai telah menjadi genre mandiri pada abad ke-16, ketika renga menjadi terlalu serius dan mengandalkan haiku bahasa sehari-hari dan masih humoris.

Tentu saja, budaya artistik Jepang dijelaskan secara singkat dalam banyak karya, tetapi kami akan mencoba membicarakannya lebih detail. Diketahui bahwa pada Abad Pertengahan salah satu genre sastra Jepang yang paling terkenal adalah tanka (“lagu singkat”). Dalam kebanyakan kasus, ini adalah lima baris, terdiri dari sepasang bait dengan jumlah suku kata tetap: 5-7-5 suku kata dalam tiga baris bait pertama, dan 7-7 dalam dua baris bait kedua. Adapun isinya, tanka menggunakan skema berikut: bait pertama mewakili gambaran alam tertentu, dan bait kedua mencerminkan perasaan seseorang yang menggemakan gambaran ini:

• Di pegunungan yang jauh
  Burung pegar ekor panjang tertidur -
  Malam yang sangat panjang ini
  Bisakah saya tidur sendiri? ( Kakinomoto no Hitovaro, awal abad ke-8, diterjemahkan oleh Sanovich.)

Dramaturgi Jepang

Banyak yang berpendapat bahwa budaya artistik China dan Jepang memesona. Apakah Anda suka seni pertunjukan? Dramaturgi tradisional Negeri Matahari Terbit dibagi menjadi joruri (teater boneka), dramaturgi teater Noh (kyogen dan yokyoku), teater kabuki, dan shingeki. Adat istiadat seni ini mencakup lima genre teater dasar: kyogen no, bugaku, kabuki, dan bunraku. Kelima tradisi ini masih ada sampai sekarang. Terlepas dari perbedaan yang sangat besar, mereka dihubungkan oleh prinsip estetika umum yang mendasari seni Jepang. Ngomong-ngomong, dramaturgi Jepang berasal dari panggung No.

Teater Kabuki muncul pada abad ke-17 dan mencapai puncaknya menjelang akhir abad ke-18. Bentuk pertunjukan yang berkembang selama periode tertentu dilestarikan di panggung modern Kabuki. Produksi teater ini, berbeda dengan tahapan No, yang berfokus pada lingkaran sempit pengagum seni kuno, dirancang untuk penonton massal. Akar keterampilan Kabuki berasal dari penampilan para komedian - penampil lelucon kecil, adegan yang terdiri dari tarian dan nyanyian. Keahlian teatrikal Kabuki menyerap unsur joruri dan no.

Munculnya teater Kabuki dikaitkan dengan nama pekerja kuil Buddha O-Kuni di Kyoto (1603). O-Kuni tampil di atas panggung dengan tarian religius, termasuk gerakan tarian rakyat Nembutsu-odori. Penampilannya diselingi dengan drama komik. Pada tahap ini produksinya disebut yujo-kabuki (kabuki pelacur), o-kuni-kabuki atau onna-kabuki (kabuki wanita).

Ukiran

Pada abad terakhir, orang Eropa, dan kemudian orang Rusia, menjumpai fenomena seni Jepang melalui ukiran. Sementara itu, di Negeri Matahari Terbit, menggambar di atas pohon pada awalnya sama sekali tidak dianggap sebagai keterampilan, meskipun memiliki semua sifat budaya massa - murah, ketersediaan, sirkulasi. Penikmat ukiyo-e mampu mencapai kejelasan dan kesederhanaan tertinggi baik dalam perwujudan plot maupun dalam pilihan mereka.

Ukiyo-e adalah sekolah seni khusus, jadi dia mampu menampilkan sejumlah master yang luar biasa. Dengan demikian, nama Hisikawa Moronobu (1618-1694) dikaitkan dengan tahap awal perkembangan ukiran plot. Di pertengahan abad ke-18, Suzuki Harunobu, penikmat ukiran multiwarna pertama, dibuat. Motif utama karyanya adalah adegan liris, di mana perhatian tidak diberikan pada tindakan, tetapi pada transmisi suasana hati dan perasaan: cinta, kelembutan, kesedihan. Seperti seni kuno yang sangat indah dari era Heian, ukiyo-e virtuoso menghidupkan kembali kultus luar biasa dari kecantikan wanita yang luar biasa di lingkungan perkotaan yang telah direnovasi.

Satu-satunya perbedaan adalah bahwa alih-alih bangsawan Heian yang bangga, cetakannya menggambarkan geisha yang anggun dari distrik hiburan Edo. Artis Utamaro (1753-1806), mungkin, adalah contoh unik dari seorang profesional dalam sejarah seni lukis, yang sepenuhnya mengabdikan ciptaannya untuk menggambarkan wanita dalam berbagai pose dan gaun, dalam berbagai keadaan kehidupan. Salah satu karya terbaiknya adalah ukiran "Geisha Osama", yang disimpan di Moskow, di Museum Lukisan Pushkin. Seniman tersebut secara halus menyampaikan kesatuan gerak tubuh dan suasana hati, ekspresi wajah.

Manga dan anime

Banyak seniman mencoba mempelajari lukisan Jepang. Apa itu anime (animasi Jepang)? Ini berbeda dari genre animasi lainnya karena lebih selaras dengan pemirsa dewasa. Di sini ada pembagian duplikat menjadi gaya untuk yang tidak ambigu khalayak sasaran. Ukuran penghancuran adalah jenis kelamin, usia, atau potret psikologis penonton bioskop. Seringkali, anime adalah film yang diadaptasi dari komik manga Jepang, yang juga mendapat ketenaran besar.

Bagian dasar manga dirancang untuk pemirsa dewasa. Menurut data tahun 2002, sekitar 20% dari seluruh pasar buku Jepang ditempati oleh komik manga.

Jepang dekat dengan kita secara geografis, tetapi meskipun demikian, untuk waktu yang lama tetap tidak dapat dipahami dan tidak dapat diakses oleh seluruh dunia. Hari ini kita tahu banyak tentang negara ini. Isolasi sukarela yang lama telah mengarah pada fakta bahwa budayanya sama sekali berbeda dari budaya negara bagian lain.

Jepang adalah negara terkecil di Timur Jauh - 372 ribu kilometer persegi. Tetapi kontribusi yang diberikan Jepang pada sejarah budaya dunia tidak kurang dari kontribusi negara-negara kuno yang besar.

Asal usul seni negara kuno ini berasal dari milenium ke-8 SM. Tetapi tahap paling signifikan di semua bidangnya kehidupan artistik ada periode yang dimulai pada abad ke 6-7 dari R.Kh. dan berlanjut hingga pertengahan abad ke-19. Perkembangan seni rupa Jepang berjalan tidak merata, namun tidak mengenal perubahan yang terlalu tajam atau penurunan yang tajam.

Seni Jepang berkembang dalam kondisi alam dan sejarah yang khusus. Jepang terletak di empat pulau besar (Honshu, Hokkaido, Kyushu, dan Shioku) dan banyak pulau kecil lainnya. Untuk waktu yang lama dia tidak bisa ditembus dan tidak tahu perang eksternal. Kedekatan Jepang dengan daratan mempengaruhi pembentukan kontak dengan Cina dan Korea di zaman kuno. Ini mempercepat perkembangan seni Jepang.

Seni abad pertengahan Jepang tumbuh di bawah pengaruh budaya Korea dan Cina. Jepang mengadopsi aksara Cina dan ciri-ciri pandangan dunia Cina. Buddhisme menjadi agama negara Jepang. Tapi orang Jepang membias dengan caranya sendiri gagasan Cina dan menyesuaikannya dengan gaya hidup mereka.

Rumah Jepang, interior Jepang
Rumah Jepang jelas dan sederhana di dalam seperti di luar. Itu terus-menerus bersih. Lantainya, dipoles hingga berkilau, ditutupi dengan tikar jerami tipis - tatami, membagi ruangan menjadi empat persegi panjang yang rata. Sepatu dilepas di depan pintu, barang-barang disimpan di lemari, dapur terpisah dari tempat tinggal. Di kamar, biasanya, tidak ada barang permanen. Mereka dibawa masuk dan dibawa pergi sesuai kebutuhan. Tetapi segala sesuatu di ruangan kosong, baik itu bunga dalam vas, gambar atau meja pernis, menarik perhatian dan memperoleh ekspresi khusus.

Semua jenis seni dikaitkan dengan desain ruang rumah, kuil, istana, atau kastil di Jepang abad pertengahan. Masing-masing berfungsi sebagai pelengkap satu sama lain. Misalnya, buket yang dipilih dengan terampil melengkapi dan memicu suasana hati yang disampaikan dalam lukisan pemandangan.

Ketepatan sempurna yang sama, rasa material yang sama, seperti pada dekorasi rumah Jepang, dirasakan pada produk seni dekoratif. Bukan tanpa alasan pada upacara minum teh, sebagai permata terbesar, peralatan yang dibuat dengan tangan digunakan. Tempayannya yang lembut dan tidak rata menyimpan jejak jari yang memahat tanah liat basah. Glasir merah muda-mutiara, pirus-lilac, atau abu-abu-biru tidak menarik, tetapi mereka merasakan pancaran alam itu sendiri, dengan kehidupan yang terkait dengan setiap objek seni Jepang.

tembikar Jepang
Tanpa glasir, dibentuk dengan tangan, dan dibakar pada suhu rendah, bejana tanah liat menyerupai keramik orang kuno lainnya. Tapi mereka sudah memiliki ciri khas budaya Jepang. Pola kendi dan piring dengan berbagai bentuk mencerminkan gagasan tentang unsur angin topan, laut, dan gunung yang bernapas api. Fantasi produk-produk ini tampaknya didorong oleh alam itu sendiri.

Besar-besaran, mencapai kendi setinggi hampir satu meter dengan pola bundel tanah liat cembung yang menempel menyerupai cangkang yang berliku, atau terumbu karang bercabang, atau ganggang yang kusut, atau tepi gunung berapi yang bergerigi. Vas dan mangkuk yang megah dan monumental ini tidak hanya melayani rumah tangga, tetapi juga untuk tujuan ritual. Namun di pertengahan milenium ke-1 SM. barang-barang perunggu mulai digunakan dan peralatan keramik kehilangan tujuan ritualnya.

Di sebelah keramik, produk baru kerajinan artistik muncul - senjata, perhiasan, lonceng perunggu, dan cermin.

barang-barang rumah tangga Jepang
Pada abad ke-9 hingga ke-12 M, selera aristokrasi Jepang terungkap dalam seni dekoratif. Barang-barang pernis yang halus dan tahan lembab, ditaburi bubuk emas dan perak, ringan dan elegan, seolah menerangi senja kamar Jepang, dan membuat banyak barang sehari-hari. Lacquer digunakan untuk membuat mangkuk dan peti mati, peti dan meja, alat-alat musik. Setiap hal kecil di kuil dan kehidupan sehari-hari - alat makan perak untuk makanan, vas bunga, kertas bermotif untuk surat, ikat pinggang bersulam - mengungkapkan sikap puitis dan emosional orang Jepang kepada dunia.

lukisan Jepang
Dengan perkembangan arsitektur keraton yang monumental, aktivitas pelukis sekolah keraton semakin aktif. Seniman harus mengecat permukaan besar tidak hanya pada dinding, tetapi juga layar lipat kertas multi-lipat, yang berperan sebagai lukisan dan partisi portabel di dalam ruangan. Ciri dari cara kreatif para pengrajin berbakat adalah pemilihan detail lanskap yang besar dan beraneka warna pada bidang luas panel dinding atau layar.

Komposisi bunga, tumbuhan, pohon, dan burung, yang dibawakan oleh Kano Eitoku dengan latar belakang keemasan yang bersinar dengan bintik-bintik tebal dan berair, merangkum gagasan tentang kekuatan dan kemegahan alam semesta. Perwakilan sekolah Kano, bersama dengan motif alam, termasuk dalam lukisan dan subjek baru yang mencerminkan kehidupan dan kehidupan kota Jepang abad ke-16.

Ada juga pemandangan monokrom di layar istana. Tetapi mereka memiliki efek dekoratif yang hebat. Begitulah layar yang dilukis oleh pengikut Sesshu, Hasegawa Tohaku (1539-1610). Permukaan matte putihnya ditafsirkan oleh pelukis sebagai selubung kabut tebal, yang darinya, seperti penglihatan, siluet pohon pinus tua tiba-tiba muncul. Hanya dengan beberapa gumpalan tinta tebal, Tohaku membuat gambaran puitis dari hutan musim gugur.

Gulungan lanskap monokrom, dengan keindahan lembutnya, tidak dapat menandingi gaya kamar istana. Tetapi mereka mempertahankan signifikansinya sebagai bagian tak terpisahkan dari paviliun teh chashitsu, yang dirancang untuk konsentrasi dan kedamaian spiritual.

Karya seni para master Jepang tidak hanya tetap setia pada gaya kuno, tetapi juga selalu memiliki sesuatu yang baru di dalamnya yang tidak dimiliki oleh karya seni lainnya. Dalam seni Jepang tidak ada tempat untuk klise dan template. Di dalamnya, seperti di alam, tidak ada dua ciptaan yang sepenuhnya identik. Dan sekarang pun, karya seni master Jepang tidak bisa disamakan dengan karya seni dari negara lain. Dalam seni Jepang, waktu melambat, tetapi tidak berhenti. Dalam kesenian Jepang, tradisi zaman kuno masih bertahan hingga saat ini.

« Gelombang besar di Kanagawa" oleh Katsushika Hokusai (1760-1849) adalah salah satu ukiran paling terkenal dan lembar pertama dari seri Tiga Puluh Enam Pemandangan Fuji. Pada awal tahun 1830-an, Katsushika Hokusai, atas perintah penerbit Eijudo, mulai membuat seri 46 lembar (36 utama dan 10 tambahan), dan The Great Wave off Kanagawa adalah ukiran yang membuka keseluruhan seri.

Koleksi pahatan semacam itu berfungsi sebagai semacam "perjalanan virtual" bagi penduduk kota pada masa itu, cara yang nyaman dan murah untuk memuaskan rasa ingin tahu. Cetakan seperti Fuji harganya sekitar 20 mon - hampir sama dengan porsi ganda mie di restoran Jepang saat itu. Namun, kesuksesannya begitu besar sehingga pada tahun 1838 harga lembaran Hokusai telah meningkat menjadi hampir 50 mon, dan setelah kematian masternya, Wave saja dicetak ulang dari papan baru lebih dari 1000 kali.

Anehnya, terlepas dari tema yang disebutkan dari keseluruhan seri, Fuji dalam The Wave tampaknya memainkan peran sekunder. "Karakter" utama dalam ukiran ini adalah gelombang, dan di latar depan terungkap adegan dramatis perjuangan manusia dengan elemen. Tepi puncak busa terlihat seperti jari bengkok dari iblis pemarah yang luar biasa, dan sosok manusia yang tidak berwajah dan tidak aktif di perahu tidak diragukan lagi siapa yang akan menjadi pemenang dalam pertarungan ini. Namun, bukan konfrontasi inilah konflik yang menciptakan alur ukiran.
Dengan menghentikan momen setelah kapal menabrak, Hokusai memungkinkan pemirsa untuk melihat Fuji sejenak di langit kelabu, yang semakin gelap menuju cakrawala. Meskipun pengukir Jepang sudah akrab dengan prinsip-prinsip perspektif linier dan udara Eropa pada saat itu, mereka tidak merasa membutuhkan teknik ini. Latar belakang yang gelap, serta perjalanan panjang mata dari latar depan dengan perahu melewati pergerakan ombak menuju Fuji, meyakinkan mata bahwa gunung suci itu terpisah dari kita oleh hamparan laut.

Fuji menjulang jauh dari pantai sebagai simbol stabilitas dan keteguhan, berlawanan dengan elemen badai. Persatuan dan saling ketergantungan yang berlawanan mendasari gagasan tatanan kosmik dan harmoni mutlak dalam pandangan dunia Timur Jauh, dan merekalah yang menjadi tema utama ukiran "The Great Wave off Kanagawa", yang membuka seri oleh Katsushika Hokusai.

"Beauty Nanivaya Okita" oleh Kitagawa Utamaro, 1795-1796

Kitagawa Utamaro (1753-1806) memang pantas disebut penyanyi kecantikan wanita dalam cetakan Jepang ukiyo-e: dia menciptakan sejumlah gambar kanonik kecantikan Jepang ( bijinga) - penghuni kedai teh dan kawasan hiburan terkenal Yoshiwara di ibu kota Jepang, Edo edo — nama Tokyo sebelum tahun 1868..

Dalam ukiran bijinga, semuanya tidak seperti yang terlihat oleh pemirsa modern. Para wanita bangsawan yang berpakaian mewah, pada umumnya, terlibat dalam kerajinan yang memalukan dan termasuk kelas bawah, dan ukiran dengan potret kecantikan memiliki fungsi iklan yang terbuka. Pada saat yang sama, ukiran itu tidak memberikan gambaran tentang penampilan gadis itu, dan meskipun Okita dari rumah teh Nanivaya dekat kuil Asakusa dianggap sebagai kecantikan pertama Edo, wajahnya dalam ukiran itu adalah sama sekali tanpa individualitas.

Sejak abad ke-10, gambar wanita dalam seni Jepang tunduk pada kanon minimalis. "Line-eye, hook-nose" - teknik hikime-kagihana memungkinkan artis hanya untuk menunjukkan bahwa wanita tertentu digambarkan: dalam budaya tradisional Jepang, masalah kecantikan fisik sering dihilangkan. Pada wanita kelahiran bangsawan"keindahan hati" dan pendidikan jauh lebih dihargai, dan penghuni tempat yang ceria berusaha untuk meniru standar tertinggi dalam segala hal. Menurut Utamaro, Okita memang cantik.

Lembaran "Beauty Nanivaya Okita" dicetak pada 1795-1796 dalam seri "Famous Beauties Like to Six Immortal Poets", di mana salah satu penulis abad ke-9 berhubungan dengan setiap keindahan. Pada lembaran dengan potret Okita di pojok kiri atas terdapat gambar Arivara no Narihira (825-880), salah satu penyair paling dihormati di Jepang, yang secara tradisional dikaitkan dengan novel Ise Monogatari. Bangsawan yang mulia dan penyair yang brilian ini juga menjadi terkenal karena perselingkuhannya, beberapa di antaranya menjadi dasar novel tersebut.

Lembar ini adalah penggunaan teknik yang aneh meniru(perbandingan) dalam ukiran Jepang. Kualitas dari "prototipe" yang berwibawa dipindahkan ke kecantikan yang digambarkan, dan pelacur yang anggun, dengan wajah tenang yang menyajikan secangkir teh untuk tamu, sudah dibaca oleh penonton sebagai seorang wanita yang ahli dalam puisi dan perbuatan cinta. Perbandingan dengan Arivara no Narihira benar-benar merupakan pengakuan atas keunggulannya di antara wanita cantik Edo.

Pada saat yang sama, Utamaro menciptakan citra liris yang mengejutkan. Menyeimbangkan bintik-bintik gelap dan terang pada daun dan menguraikan bentuk dengan garis-garis yang merdu dan anggun, ia menciptakan citra keanggunan dan harmoni yang benar-benar sempurna. "Iklan" surut, dan keindahan yang ditangkap oleh Utamaro tetap abadi.

Layar "Iris" oleh Ogata Korin, 1710-an

Sepasang layar iris enam panel - sekarang menjadi harta nasional Jepang - diciptakan oleh Ogata Korin (1658-1716) sekitar tahun 1710 untuk kuil Nishi Hongan-ji di Kyoto.

Sejak abad ke-16, melukis di panel dinding dan layar kertas telah menjadi salah satu genre seni dekoratif terkemuka di Jepang, dan Ogata Korin, pendiri sekolah seni Rinpa, adalah salah satu master terbesarnya.

Layar di interior Jepang memainkan peran penting. Bangunan istana yang luas secara struktural tidak berbeda dengan tempat tinggal orang Jepang sederhana: mereka hampir tidak memiliki dinding bagian dalam, dan ruang tersebut dikategorikan dengan layar lipat. Tingginya hanya sedikit lebih dari satu setengah meter, layarnya dirancang untuk tradisi umum Jepang dari semua kelas untuk hidup di lantai. Di Jepang, kursi dan meja tinggi tidak digunakan hingga abad ke-19, dan ketinggian layar, serta komposisi lukisannya, dirancang untuk melihat seseorang yang duduk berlutut. Dari sudut pandang inilah efek yang luar biasa muncul: iris tampak mengelilingi orang yang duduk - dan seseorang dapat merasakan dirinya berada di tepi sungai, dikelilingi oleh bunga.

Iris dicat dengan cara non-kontur - sapuan lebar warna biru tua, lilac, dan ungu yang hampir impresionistik menyampaikan keindahan subur bunga ini. Efek gambar ditingkatkan dengan kilau emas yang kusam, yang menggambarkan iris. Layar tidak menggambarkan apa-apa selain bunga, tetapi garis sudut pertumbuhannya menunjukkan bahwa bunga-bunga itu melengkung di sekitar aliran sungai yang berkelok-kelok atau zig-zag jembatan kayu. Wajar bagi orang Jepang untuk melihat jembatan yang hilang dari layar, "jembatan delapan papan" khusus ( yatsuhashi), terkait dengan iris dalam klasik Sastra Jepang. Novel Ise Monogatari (abad ke-9) menggambarkan perjalanan menyedihkan seorang pahlawan yang diusir dari ibu kota. Setelah menetap dengan pengiringnya untuk beristirahat di tepi sungai dekat jembatan Yatsuhashi, sang pahlawan, melihat iris, mengingat kekasihnya dan menulis puisi:

kekasihku dalam pakaian
Anggun di sana, di ibu kota,
Cinta pergi...
Dan saya pikir dengan kerinduan berapa banyak
aku jauh dari dia... Terjemahan oleh N.I. Konrad.

“Jadi dia melipat, dan semua orang meneteskan air mata pada nasi keringnya, sehingga membengkak karena lembab,” tambah penulis dan pahlawan liris mendongeng, Arivara no Narihira.

Bagi orang Jepang terpelajar, hubungan antara iris di jembatan dan Ise monogatari, iris dan tema cinta yang berpisah sudah jelas, dan Ogata Korin menghindari verbositas dan ilustratif. Dengan bantuan lukisan dekoratif, ia hanya menciptakan ruang ideal yang dipenuhi cahaya, warna, dan konotasi sastra.

Paviliun Emas Kinkakuji, Kyoto, 1397

Kuil Emas adalah salah satu simbol Jepang, yang ironisnya, lebih diagungkan oleh kehancurannya daripada pembangunannya. Pada tahun 1950, seorang biarawan yang tidak stabil secara mental dari Biara Rokuonji, pemilik bangunan ini, membakar sebuah kolam yang berdiri di permukaan biara.
paviliun Saat terjadi kebakaran pada tahun 1950, candi tersebut hampir hancur. Pekerjaan restorasi di Kinkaku-ji dimulai pada tahun 1955, pada tahun 1987 rekonstruksi secara keseluruhan selesai, tetapi pemulihan dekorasi interior yang benar-benar hilang berlanjut hingga tahun 2003.. Motif sebenarnya dari tindakannya masih belum jelas, tetapi dalam interpretasi penulis Yukio Mishima, keindahan kuil yang hampir mistis dan tak terjangkau ini harus disalahkan. Memang, selama beberapa abad, Kinkakuji dianggap sebagai lambang kecantikan Jepang.

Pada tahun 1394, Shogun Ashikaga Yoshimitsu (1358-1408), yang menaklukkan hampir seluruh Jepang sesuai keinginannya, secara resmi pensiun dan menetap di sebuah vila yang dibangun khusus di Kyoto utara. Bangunan tiga tingkat di danau buatan Kyokoti ("cermin danau") berperan sebagai semacam pertapaan, paviliun terpencil untuk relaksasi, membaca, dan berdoa. Isinya koleksi lukisan shogun, perpustakaan dan koleksi relik Buddha. Terletak di perairan dekat pantai, Kinkakuji hanya memiliki komunikasi perahu dengan pantai dan merupakan pulau yang sama dengan pulau buatan dengan batu dan pohon pinus tersebar di sekitar Kyokoti. Gagasan tentang "pulau surgawi" dipinjam dari mitologi Tiongkok, di mana tempat tinggal surgawi menjabat sebagai pulau Penglai, pulau abadi. Refleksi paviliun di dalam air sudah membangkitkan asosiasi Buddhis dengan gagasan tentang sifat ilusi dunia fana, yang hanya merupakan refleksi pucat dari kemegahan dunia kebenaran Buddhis.

Meskipun semua nuansa mitologis ini bersifat spekulatif, lokasi paviliun memberikan harmoni dan harmoni yang luar biasa. Refleksi menyembunyikan kekokohan bangunan, menjadikannya lebih tinggi dan ramping; pada saat yang sama, ketinggian paviliunlah yang memungkinkan untuk melihatnya dari tepi kolam mana pun, selalu dengan latar belakang tanaman hijau yang gelap.

Namun, masih belum sepenuhnya jelas seberapa emas paviliun ini dalam bentuk aslinya. Mungkin, di bawah Ashikaga Yoshimitsu, memang ditutupi dengan daun emas dan lapisan pernis pelindung. Tetapi jika Anda mempercayai foto-foto abad ke-19 - awal abad ke-20 dan Yukio Mishima, maka pada pertengahan abad ke-20 penyepuhan hampir terkelupas dan sisa-sisanya hanya terlihat di tingkat atas bangunan. Saat ini, dia lebih menyentuh jiwa dengan pesona kehancuran, jejak waktu, tak terhindarkan bahkan hingga hal-hal terindah. Pesona melankolis ini sesuai dengan prinsip estetika sabi sangat dihormati dalam budaya Jepang.

Dengan satu atau lain cara, kemegahan bangunan ini sama sekali tidak terbuat dari emas. Keseriusan yang luar biasa dari bentuk Kinkakuji dan keharmonisannya yang sempurna dengan lanskap membuatnya menjadi salah satu mahakarya arsitektur Jepang.

Mangkuk "Iris" dengan gaya karatsu, abad XVI-XVII

Kata meibutsu- sesuatu dengan nama. Mangkuk ini benar-benar hanya memiliki nama, karena keduanya tidak ada Waktu tepatnya dan tempat pembuatannya, maupun nama masternya belum dilestarikan. Namun demikian, itu terdaftar di antara harta nasional Jepang dan merupakan salah satu contoh keramik paling cemerlang dalam gaya nasional.

Di akhir abad ke-16, upacara minum teh cha-no-yu porselen dan keramik Cina halus yang terbengkalai dengan glasir yang mengingatkan pada bahan berharga. Kecantikan spektakuler mereka tampak terlalu artifisial dan terus terang bagi para ahli teh. Barang-barang yang sempurna dan mahal - mangkuk, bejana air, dan wadah teh - tidak sesuai dengan kanon spiritual Zen Buddhisme yang hampir seperti pertapa, dalam semangat yang mengembangkan upacara minum teh. Revolusi nyata dalam aksi teh adalah daya tarik keramik Jepang, jauh lebih sederhana dan tanpa seni pada saat bengkel-bengkel Jepang baru saja mulai menguasai teknologi tembikar kontinental.

Bentuk mangkok Iris sederhana dan tidak beraturan. Sedikit kelengkungan dinding, penyok pembuat tembikar yang terlihat di seluruh tubuh membuat mangkuk itu tampak mudah dan naif. Pecahan tanah liat ditutupi dengan glasir tipis dengan jaringan retakan - craquelure. Di sisi depan, yang menyapa tamu selama upacara minum teh, gambar iris diaplikasikan di bawah glasir: gambarnya naif, tetapi dibuat dengan kuas yang energik, persis, seolah-olah dalam satu gerakan, dalam semangat Zen. kaligrafi. Tampaknya baik bentuk maupun dekorasinya dapat dibuat secara spontan dan tanpa penerapan pasukan khusus.

Spontanitas ini mencerminkan cita-cita wabi- kesederhanaan dan kesederhanaan, menimbulkan rasa kebebasan dan harmoni spiritual. Setiap orang atau bahkan benda mati dalam pandangan pengikut Buddhisme Zen Jepang memiliki sifat Buddha yang tercerahkan, dan upaya ahli ditujukan untuk menemukan sifat ini dalam dirinya dan dunia di sekitarnya. Hal-hal yang digunakan dalam upacara minum teh, dengan segala kecanggungannya, seharusnya membangkitkan pengalaman mendalam akan kebenaran, relevansi setiap momen, memaksa untuk mengintip ke dalam bentuk paling biasa dan melihat keindahan sejati di dalamnya.

Kontras dengan tekstur mangkuk yang kasar dan kesederhanaannya adalah restorasi dengan pernis emas kecil yang terkelupas (teknik ini disebut kintsugi). Pemugaran dilakukan pada abad ke-18 dan menunjukkan penghormatan yang digunakan ahli teh Jepang untuk merawat peralatan upacara minum teh. Jadi upacara minum teh memberi para peserta "cara" untuk menemukan keindahan sejati dari benda-benda, seperti mangkuk Iris. Implisitas, kerahasiaan telah menjadi dasar konsep estetika wabi dan bagian penting dari pandangan dunia Jepang.

Potret Biksu Gandzin, Nara, 763

Pada abad VIII, seni pahat menjadi bentuk ekspresi artistik utama pada zaman Nara (710-794), terkait dengan pembentukan negara Jepang dan penguatan agama Buddha. Pengrajin Jepang telah melewati tahap magang dan peniruan buta teknik dan gambar kontinental dan mulai mengekspresikan semangat waktu mereka dengan bebas dan jelas dalam seni pahat. Penyebaran dan pertumbuhan otoritas agama Buddha menyebabkan munculnya potret patung Buddha.

Salah satu mahakarya dari genre ini adalah potret Gandzin, yang dibuat pada tahun 763. Dibuat dengan teknik pernis kering (dengan membangun lapisan pernis pada bingkai kayu yang dilapisi kain), patung itu hampir ukuran hidup dilukis secara realistis, dan dalam semi-kegelapan kuil, Ganjin duduk dalam pose meditasi "seolah-olah hidup". Keserupaan hidup ini adalah fungsi kultus utama dari potret semacam itu: guru harus selalu berada di dalam tembok biara Todaiji di kota Nara dan hadir di kebaktian terpenting.

Belakangan, pada abad ke-11 hingga ke-13, potret pahatan mencapai ilusionisme yang hampir tanpa ampun, yang menggambarkan kelemahan pikun dari para guru yang terhormat, mulut mereka yang cekung, pipi yang kendur, dan kerutan yang dalam. Potret-potret ini memandang para penganut agama Buddha dengan mata yang hidup, bertatahkan batu kristal dan kayu. Namun wajah Gandzin tampak buram, tidak ada kontur dan bentuk yang jelas di dalamnya. Kelopak mata yang setengah tertutup dan tidak berkerak tampak bengkak; mulut yang tegang dan lipatan nasolabial yang dalam menunjukkan kehati-hatian yang biasa daripada konsentrasi meditasi.

Semua fitur ini mengungkap biografi dramatis biksu ini, kisah asketisme dan tragedi yang menakjubkan. Ganjin, seorang biksu Buddha Cina, diundang ke Jepang untuk upacara konsekrasi biara terbesar di Nara, Todaiji. Kapal itu ditangkap oleh bajak laut, gulungan yang tak ternilai dan patung Buddha yang dimaksudkan untuk kuil Jepang yang jauh hilang dalam api, Ganjin membakar wajahnya dan kehilangan penglihatannya. Namun ia tidak meninggalkan keinginan untuk berdakwah jauh di pinggiran peradaban - yaitu, bagaimana Jepang dipandang oleh benua pada saat itu.

Beberapa upaya lagi untuk menyeberangi laut berakhir dengan cara yang sama tidak berhasil, dan hanya pada upaya kelima, Ganjin yang sudah paruh baya, buta, dan sakit-sakitan mencapai ibu kota Jepang Nara.

Di Jepang, Ganjin tidak lama mengajar hukum Buddha: peristiwa dramatis dalam hidupnya merusak kesehatannya. Tetapi otoritasnya begitu tinggi sehingga, mungkin, bahkan sebelum kematiannya diputuskan untuk membuat patungnya. Tidak diragukan lagi, para seniman-biarawan berusaha untuk memberikan patung itu sebanyak mungkin kemiripan dengan modelnya. Tetapi ini dilakukan bukan untuk melestarikan penampilan luar seseorang, tetapi untuk menangkap pengalaman spiritual individunya, jalan sulit yang dilalui Ganjin dan yang disebut oleh ajaran Buddha.

Daibutsu - Buddha Besar Kuil Todaiji, Nara, pertengahan abad ke-8

Di pertengahan abad ke-8, Jepang menderita bencana alam dan wabah penyakit, dan intrik dari keluarga Fujiwara yang berpengaruh serta pemberontakan yang mereka lakukan memaksa Kaisar Shomu melarikan diri dari ibu kota, kota Nara. Di pengasingan, dia bersumpah untuk mengikuti jalan ajaran Buddha dan pada tahun 743 memerintahkan pembangunan kuil utama negara untuk dimulai dan pengecoran patung kolosal. patung perunggu Buddha Vairochana (Buddha Great Sun atau All Illuminating Light). Dewa ini dianggap sebagai inkarnasi universal Buddha Shakyamuni, pendiri ajaran Buddha, dan seharusnya menjadi penjamin perlindungan kaisar dan seluruh negeri selama periode kerusuhan dan pemberontakan.

Pekerjaan dimulai pada 745 dan dimodelkan pada patung Buddha raksasa di kuil gua Longmen dekat ibu kota Cina, Luoyang. Patung di Nara, seperti gambar Buddha lainnya, seharusnya menunjukkan "tanda besar dan kecil Buddha". Kanon ikonografi ini termasuk daun telinga yang memanjang, mengingatkan pada fakta bahwa Buddha Shakyamuni berasal dari keluarga pangeran dan sejak masa kanak-kanak mengenakan anting-anting yang berat, peninggian di atas kepalanya (ushnisha), sebuah titik di dahinya (guci).

Tinggi patung 16 meter, lebar muka 5 meter, panjang telapak tangan 3,7 meter, dan guci lebih besar dari kepala manusia. Konstruksi tersebut memakan 444 ton tembaga, 82 ton timah, dan sejumlah besar emas, yang pencariannya dilakukan secara khusus di bagian utara negara itu. Sebuah aula, Daibutsuden, didirikan di sekitar patung untuk melindungi kuil. Dalam ruangnya yang kecil, sosok Buddha duduk yang sedikit membungkuk memenuhi seluruh ruang, menggambarkan salah satu dalil utama agama Buddha - gagasan bahwa dewa itu ada di mana-mana dan meliputi segalanya, ia merangkul dan mengisi segalanya. Ketenangan transendental wajah dan gerakan tangan dewa (mudra, gerakan memberikan perlindungan) melengkapi perasaan keagungan dan kekuatan Buddha yang tenang.

Namun, hanya beberapa fragmen dari patung asli yang tersisa hingga hari ini: kebakaran dan perang menyebabkan kerusakan besar pada patung tersebut pada abad ke-12 dan ke-16, dan patung modern tersebut sebagian besar merupakan pengecoran abad ke-18. Selama restorasi abad ke-18, patung perunggu itu tidak lagi dilapisi emas. Semangat Buddhis Kaisar Shomu pada abad ke-8 secara praktis mengosongkan perbendaharaan dan menguras negara yang sudah terguncang, dan penguasa selanjutnya tidak mampu lagi membayar pengeluaran yang tidak wajar seperti itu.

Namun demikian, pentingnya Daibutsu tidak terletak pada emas dan bahkan tidak pada keaslian yang dapat diandalkan - gagasan tentang perwujudan ajaran Buddha yang begitu megah adalah sebuah monumen untuk era ketika seni monumental Jepang mengalami pembungaan sejati, terbebas dari penyalinan buta sampel kontinental dan mencapai integritas dan ekspresif, yang kemudian hilang.

Orang Jepang menemukan keindahan yang tersembunyi dalam benda-benda pada abad ke-9 hingga ke-12, di era Heian (794-1185) dan bahkan menetapkannya dengan konsep khusus “mono no aware” (物の哀れ (もののあわれ)), yang berarti “ pesona hal-hal yang menyedihkan. "Pesona benda" adalah salah satu definisi kecantikan paling awal dalam sastra Jepang, ini terkait dengan kepercayaan Shinto bahwa setiap benda memiliki dewa - kami - dan pesona uniknya sendiri. Avare adalah esensi batin dari segala sesuatu, yang menyebabkan kegembiraan, kegembiraan.

- Washi (wasi) atau wagami (wagami).
Pembuatan kertas manual. Orang Jepang abad pertengahan menghargai washi tidak hanya karena kualitas praktisnya, tetapi juga karena keindahannya. Dia terkenal karena kehalusannya, hampir transparan, yang, bagaimanapun, tidak menghilangkan kekuatannya. Washi terbuat dari kulit pohon kozo (murbei) dan beberapa pohon lainnya.
Kertas Washi telah diawetkan selama berabad-abad, buktinya adalah album dan jilid kaligrafi Jepang kuno, lukisan, layar, ukiran yang telah diturunkan selama berabad-abad hingga saat ini.
Kertas Vasya berserat, jika Anda melihat melalui mikroskop, Anda akan melihat retakan yang menembus udara dan sinar matahari. Kualitas ini digunakan dalam pembuatan layar dan lentera tradisional Jepang.
Suvenir Washi sangat populer di kalangan orang Eropa. Banyak barang kecil dan berguna dibuat dari kertas ini: dompet, amplop, kipas angin. Mereka cukup tahan lama namun ringan.

- Gohei.
Jimat dari potongan kertas. Gohei - staf ritual seorang pendeta Shinto, yang ditempelkan strip kertas zigzag. Potongan kertas yang sama digantung di pintu masuk kuil Shinto. Peran kertas dalam Shinto secara tradisional sangat besar, dan produk kertas selalu diberikan makna esoteris. Dan kepercayaan bahwa setiap benda, setiap fenomena, bahkan kata-kata, mengandung kami - dewa - menjelaskan munculnya jenis seni terapan seperti gohei. Shintoisme agak mirip dengan paganisme kita. Bagi penganut Shinto, kami secara khusus berkeinginan untuk tinggal dalam segala hal yang tidak biasa. Misalnya di atas kertas. Dan terlebih lagi dalam gohei yang dipelintir menjadi zigzag yang rumit, yang hari ini tergantung di depan pintu masuk kuil Shinto dan menunjukkan keberadaan dewa di kuil tersebut. Ada 20 cara untuk melipat gohei, dan yang terlipat secara tidak biasa menarik perhatian kami. Gohei didominasi warna putih, tetapi emas, perak, dan banyak corak lainnya juga ditemukan. Sejak abad ke-9, sudah ada kebiasaan di Jepang untuk memperkuat gohei di sabuk pegulat sumo sebelum dimulainya pertarungan.

- Anesama.
Ini adalah pembuatan boneka kertas. Pada abad ke-19, istri samurai membuat boneka kertas yang dimainkan anak-anak, mendandani mereka dengan pakaian berbeda. Di saat tidak ada mainan, anesama adalah satu-satunya teman bicara untuk anak-anak, "melakukan" peran sebagai ibu, kakak perempuan, anak dan teman.
Boneka itu dilipat dari kertas washi Jepang, rambutnya terbuat dari kertas kusut, diwarnai dengan tinta dan ditutup dengan lem, yang membuatnya berkilau. Ciri khasnya adalah hidung kecil yang bagus di wajah yang memanjang. Saat ini, mainan sederhana ini, yang hanya membutuhkan tangan terampil, bentuk tradisional, terus dibuat dengan cara yang sama seperti sebelumnya.

- Origami.
Seni kuno melipat kertas (折り紙, lit.: "kertas lipat"). Seni origami berakar pada Tiongkok kuno, tempat kertas ditemukan. Awalnya, origami digunakan dalam upacara keagamaan. Untuk waktu yang lama, jenis seni ini hanya tersedia untuk perwakilan dari kelas atas, di mana teknik melipat kertas adalah tanda selera yang baik. Hanya setelah Perang Dunia Kedua, origami melampaui Timur dan datang ke Amerika dan Eropa, di mana ia segera menemukan penggemarnya. Origami klasik dilipat dari selembar kertas persegi.
Ada seperangkat simbol konvensional tertentu yang diperlukan untuk membuat sketsa skema pelipatan produk yang paling rumit sekalipun. Sebagian besar tanda konvensional dipraktikkan pada pertengahan abad ke-20 oleh master Jepang terkenal Akira Yoshizawa.
Origami klasik mengatur penggunaan satu lembar kertas persegi berwarna merata tanpa lem dan gunting. Bentuk modern seni terkadang menyimpang dari kanon ini.

- Kirigami.
Kirigami adalah seni memotong berbagai bentuk dari selembar kertas yang dilipat beberapa kali dengan bantuan gunting. Jenis origami yang memungkinkan penggunaan gunting dan pemotong kertas dalam proses pembuatan modelnya. Inilah perbedaan utama antara kirigami dan teknik melipat kertas lainnya, yang ditekankan pada namanya: 切る (kiru) - potong, 紙 (gami) - kertas. Kita semua suka memotong kepingan salju di masa kanak-kanak - varian kirigami, Anda tidak hanya dapat memotong kepingan salju, tetapi juga berbagai gambar, bunga, karangan bunga, dan benda kertas lucu lainnya menggunakan teknik ini. Produk ini dapat digunakan sebagai stensil untuk cetakan, dekorasi album, kartu pos, bingkai foto, desain fashion, desain interior dan berbagai dekorasi lainnya.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 atau いけばな) diterjemahkan dari bahasa Jepang- ike” - hidup, “bana” - bunga, atau “bunga yang hidup”. Seni merangkai bunga Jepang adalah salah satu tradisi terindah masyarakat Jepang. Saat menyusun ikebana, bersama dengan bunga, cabang yang dipotong, daun dan pucuk digunakan Prinsip dasarnya adalah kesederhanaan yang luar biasa, untuk mencapainya mereka mencoba menekankan keindahan alami tanaman. Ikebana adalah penciptaan bentuk alam baru, di mana keindahan sekuntum bunga dan keindahan jiwa pencipta komposisi berpadu secara harmonis.
Saat ini di Jepang ada 4 sekolah utama ikebana: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Selain itu, ada sekitar seribu arah dan tren berbeda yang dianut salah satu aliran ini.

- Oribana.
Pada pertengahan abad ke-17, dua aliran ohara (bentuk utama ikebana - oribana) dan koryu (bentuk utama - sek) berangkat dari ikenobo. Omong-omong, sekolah ohara masih mempelajari oribanu saja. Seperti yang dikatakan orang Jepang, sangat penting agar origami tidak berubah menjadi origami. Gomi berarti sampah dalam bahasa Jepang. Lagi pula, seperti yang terjadi, Anda melipat selembar kertas, lalu apa yang harus dilakukan dengannya? Oribana menawarkan banyak ide karangan bunga untuk mendekorasi interior. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Kesalahan.
Suatu jenis seni rupa yang lahir dari Budidaya Bunga. Floristry muncul di negara kita delapan tahun lalu, meski sudah ada di Jepang selama lebih dari enam ratus tahun. Suatu saat di Abad Pertengahan, samurai memahami cara seorang pejuang. Dan oshibana adalah bagian dari jalan itu, seperti menulis hieroglif dan memegang pedang. Makna dari kesalahan tersebut adalah dalam keadaan hadir total pada saat (satori), sang master membuat gambar bunga kering (bunga yang dipres). Maka gambar ini bisa menjadi kunci, panduan bagi mereka yang siap memasuki keheningan dan mengalami satori yang sama.
Inti dari seni "oshibana" adalah bahwa, dengan mengumpulkan dan mengeringkan bunga, tumbuhan, daun, kulit kayu di bawah tekanan dan menempelkannya di alasnya, penulis menciptakan dengan bantuan tumbuhan sebuah karya "lukisan" yang sesungguhnya. Dengan kata lain, salah melukis dengan tumbuhan.
Kreativitas artistik penjual bunga didasarkan pada pelestarian bentuk, warna, dan tekstur bahan tanaman kering. Orang Jepang telah mengembangkan teknik untuk melindungi lukisan "oshibana" dari kepudaran dan penggelapan. Esensinya adalah bahwa udara dipompa keluar di antara kaca dan gambar dan terciptalah ruang hampa yang mencegah pembusukan tanaman.
Ini menarik tidak hanya ketidakkonvensionalan seni ini, tetapi juga kesempatan untuk menunjukkan imajinasi, rasa, pengetahuan tentang sifat-sifat tanaman. Toko bunga membuat ornamen, lanskap, lukisan alam benda, potret, dan lukisan cerita.

- Bonsai.
Bonsai, sebagai sebuah fenomena, muncul lebih dari seribu tahun yang lalu di Tiongkok, tetapi budaya ini mencapai puncak perkembangannya hanya di Jepang. (bonsai - Jepang 盆栽 menyala. "tanaman dalam pot") - seni menumbuhkan salinan persis dari pohon asli dalam miniatur. Tumbuhan ini ditanam oleh biksu Buddha beberapa abad sebelum masehi dan selanjutnya menjadi salah satu kegiatan bangsawan setempat.
Bonsai menghiasi rumah dan taman Jepang. Di era Tokugawa, desain taman mendapat dorongan baru: penanaman azalea dan maple menjadi hiburan bagi orang kaya. Produksi tanaman kerdil (hachi-no-ki - "pohon dalam pot") juga berkembang, tetapi bonsai pada waktu itu sangat besar.
Sekarang pohon biasa digunakan untuk bonsai, menjadi kecil karena pemangkasan yang konstan dan berbagai metode lainnya. Pada saat yang sama, rasio ukuran sistem akar, dibatasi oleh volume mangkuk, dan bagian dasar bonsai sesuai dengan proporsi pohon dewasa di alam.

- Mizuhiki.
Analog macrame. Ini adalah seni terapan Jepang kuno untuk mengikat berbagai simpul dari tali khusus dan membuat pola darinya. Karya seni semacam itu memiliki cakupan yang sangat luas - mulai dari kartu hadiah dan surat hingga gaya rambut dan tas tangan. Saat ini, mizuhiki sangat banyak digunakan dalam industri kado - untuk setiap acara dalam hidup, kado seharusnya dibungkus dan diikat dengan cara yang sangat spesifik. Ada sangat banyak simpul dan komposisi dalam seni mizuhiki, dan tidak semua orang Jepang hafal semuanya. Tentu saja, ada simpul paling umum dan sederhana yang paling sering digunakan: untuk ucapan selamat atas kelahiran anak, untuk pernikahan atau peringatan, ulang tahun atau masuk universitas.

- Kumihimo.
Kumihimo adalah tali kepang Jepang. Saat menenun benang, pita dan tali diperoleh. Tali ini ditenun dengan mesin khusus - Marudai dan Takadai. Mesin Marudai digunakan untuk menganyam tali bulat, dan Takadai untuk tali ceper. Kumihimo dalam bahasa Jepang berarti "menenun tali" (kumi - menenun, melipat menjadi satu, himo - tali, renda). Terlepas dari kenyataan bahwa para sejarawan dengan keras kepala bersikeras bahwa tenun serupa dapat ditemukan di antara orang Skandinavia dan penduduk Andes, seni kumihimo Jepang memang merupakan salah satu jenis tenun paling kuno. Penyebutan pertama kali dilakukan pada tahun 550, ketika agama Buddha menyebar ke seluruh Jepang dan upacara khusus membutuhkan dekorasi khusus. Belakangan, tali kumihimo mulai digunakan sebagai pengikat sabuk obi pada kimono wanita, sebagai tali untuk "mengemas" seluruh gudang senjata samurai (samurai menggunakan kumihimo untuk tujuan dekoratif dan fungsional untuk mengikat baju zirah dan baju besi kuda mereka) dan juga untuk mengikat benda berat.
Berbagai pola kumihimo modern ditenun dengan sangat mudah pada alat tenun karton buatan sendiri.

- Komono.
Apa yang tersisa dari kimono setelah habis waktunya? Apakah Anda pikir itu dibuang? Tidak ada yang seperti ini! Orang Jepang tidak akan pernah melakukan itu. Kimono itu mahal. Tidak terpikirkan dan tidak mungkin dibuang begitu saja... Seiring dengan jenis daur ulang kimono lainnya, pengrajin wanita membuat suvenir kecil dari sobekan kecil. Ini adalah mainan kecil untuk anak-anak, boneka, bros, karangan bunga, perhiasan wanita dan produk lainnya, kimono tua digunakan dalam pembuatan barang kecil yang lucu, yang secara kolektif disebut "komono". Hal-hal kecil yang akan menjalani hidup mereka sendiri, melanjutkan jalur kimono. Inilah arti kata "komono".

- Kanzashi.
Seni mendekorasi jepit rambut (paling sering dihiasi dengan bunga (kupu-kupu, dll.) yang terbuat dari kain (terutama sutra). Kanzashi Jepang (kanzashi) adalah jepit rambut panjang untuk gaya rambut tradisional wanita Jepang. Terbuat dari kayu, pernis, perak, kulit penyu digunakan dalam gaya rambut tradisional Cina dan Jepang. Sekitar 400 tahun yang lalu, di Jepang, gaya gaya rambut wanita berubah: wanita berhenti menyisir rambut mereka dalam bentuk tradisional - taregami (rambut lurus panjang) dan mulai menatanya dengan rumit dan bentuk aneh - nihongami menggunakan berbagai item - jepit rambut, tongkat, sisir. Saat itulah sisir kushi sederhana pun berubah menjadi aksesori elegan dengan keindahan luar biasa, yang menjadi karya seni nyata. Kostum tradisional wanita Jepang tidak memungkinkan perhiasan dan kalung pergelangan tangan, jadi dekorasi gaya rambut adalah keindahan dan bidang utama untuk ekspresi diri - sekaligus menunjukkan rasa dan ketebalan tas seperti pemiliknya. Pada ukirannya Anda bisa melihat - jika Anda perhatikan lebih dekat - bagaimana wanita Jepang dengan mudah menggantungkan hingga dua puluh kanzashi mahal di gaya rambut mereka.
Sekarang ada kebangkitan dalam tradisi menggunakan kanzashi di kalangan wanita muda Jepang yang ingin menambah kecanggihan dan keanggunan pada gaya rambut mereka, jepit rambut modern dapat dihias hanya dengan satu atau dua bunga buatan tangan yang cantik.

- Kinusaiga.
Jenis menjahit yang luar biasa dari Jepang. Kinusaiga (絹彩画) adalah persilangan antara batik dan kain perca. Gagasan utamanya adalah bahwa lukisan-lukisan baru disatukan dari kimono sutra tua - karya seni sejati.
Pertama, seniman membuat sketsa di atas kertas. Kemudian gambar ini dipindahkan ke papan kayu. Kontur pola dipotong dengan lekukan, atau lekukan, dan kemudian sobekan kecil, dengan warna dan nada yang serasi, dipotong dari kimono sutra tua, dan tepi sobekan ini mengisi alur. Ketika Anda melihat gambar seperti itu, Anda merasa bahwa Anda sedang melihat sebuah foto, atau bahkan hanya melihat pemandangan di luar jendela, itu sangat realistis.

- Temari.
Ini adalah bola sulaman geometris Jepang tradisional yang dibuat dengan jahitan sederhana yang dulunya merupakan mainan anak-anak dan kini telah menjadi bentuk seni dengan banyak penggemar tidak hanya di Jepang tetapi di seluruh dunia. Diyakini bahwa dahulu kala produk ini dibuat oleh para istri samurai untuk hiburan. Pada awalnya memang digunakan sebagai bola untuk permainan bola, namun lambat laun mulai memperoleh unsur artistik, kemudian berubah menjadi ornamen dekoratif. Keindahan halus dari bola-bola ini dikenal di seluruh Jepang. Dan hari ini, produk yang penuh warna dan dibuat dengan hati-hati adalah salah satu jenis kerajinan rakyat di Jepang.

- Yubinuki.
Bidal Jepang, saat menjahit atau menyulam dengan tangan, diletakkan di phalanx tengah jari tengah tangan yang bekerja, dengan bantuan ujung jari jarum diberikan arah yang diinginkan, dan jarum didorong melalui cincin di tengah jari dalam pekerjaan. Awalnya, bidal yubinuki Jepang dibuat cukup sederhana - selembar kain atau kulit padat dengan lebar sekitar 1 cm dalam beberapa lapisan dililitkan dengan erat di sekitar jari dan diikat menjadi satu dengan beberapa jahitan dekoratif sederhana. Sejak yubinuk itu mata pelajaran yang diperlukan di setiap rumah mulai dihiasi dengan sulaman geometris dengan benang sutra. Dari jalinan jahitan, pola warna-warni dan rumit tercipta. Yubinuki dari barang rumah tangga sederhana juga berubah menjadi objek untuk "dikagumi", dekorasi kehidupan sehari-hari.
Yubinuki masih digunakan dalam menjahit dan menyulam, tetapi juga dapat ditemukan hanya dikenakan di tangan di jari mana pun, seperti cincin dekoratif. Sulaman ala Yubinuki digunakan untuk menghiasi berbagai benda berupa cincin - cincin serbet, gelang, dudukan temari, dihias dengan sulaman yubinuki, dan ada juga tempat tidur jarum bersulam dengan gaya yang sama. Pola Yubinuki bisa menjadi inspirasi yang bagus untuk sulaman temari obi.

- Suibokuga atau sumie.
lukisan tinta Jepang. Gaya lukisan Cina ini diadopsi oleh seniman Jepang pada abad ke-14, dan pada akhir abad ke-15. menjadi arus utama seni lukis di Jepang. Suibokuga adalah monokrom. Hal ini ditandai dengan penggunaan tinta hitam (sumi) yang berbentuk padat arang atau dibuat dari jelaga tinta Cina, yang dihaluskan dalam wadah tinta, diencerkan dengan air, dan dioleskan dengan kuas ke kertas atau sutra. Monochrome menawarkan kepada master pilihan pilihan tonal yang tak ada habisnya, yang telah lama dikenal oleh orang Cina sebagai "warna" tinta. Suibokuga terkadang memungkinkan penggunaan warna asli, tetapi membatasinya pada goresan tipis dan transparan yang selalu berada di bawah garis tinta. Lukisan tinta berbagi dengan seni kaligrafi karakteristik penting seperti ekspresi yang dikontrol ketat dan penguasaan teknis bentuk. Kualitas lukisan tinta turun, seperti dalam kaligrafi, pada integritas dan ketahanan terhadap sobekan garis yang digambar dengan tinta, yang seolah-olah menahan karya seni itu sendiri, seperti tulang menahan jaringan pada diri mereka sendiri.

- Etegami.
Kartu pos yang ditarik (e - gambar, tag - huruf). Pembuatan kartu pos do-it-yourself umumnya merupakan kegiatan yang sangat populer di Jepang, dan sebelum liburan popularitasnya semakin meningkat. Orang Jepang suka mengirim kartu pos ke teman mereka, dan mereka juga senang menerimanya. Ini adalah jenis surat cepat pada blanko khusus, dapat dikirim melalui pos tanpa amplop. Tidak di etegami peraturan khusus atau teknisi, bisa siapa saja tanpa pelatihan khusus. Etagami membantu mengekspresikan suasana hati, kesan secara akurat, ini adalah kartu pos buatan tangan yang terdiri dari gambar dan surat pendek, menyampaikan emosi pengirimnya, seperti kehangatan, gairah, perhatian, cinta, dll. Mereka mengirim kartu pos ini untuk liburan dan begitu saja, menggambarkan musim, aktivitas, sayuran dan buah-buahan, manusia dan hewan. Semakin sederhana gambar ini digambar, semakin menarik tampilannya.

- Furoshiki.
Teknik membungkus Jepang atau seni melipat kain. Furoshiki memasuki kehidupan orang Jepang sejak lama. Gulungan kuno dari periode Kamakura-Muromachi (1185 - 1573) telah diawetkan dengan gambar wanita yang membawa seikat pakaian yang dibungkus kain di kepala mereka. Teknik menarik ini berasal dari tahun 710 - 794 M di Jepang. Kata "furoshiki" secara harfiah diterjemahkan menjadi "permadani kamar mandi" dan merupakan sepotong kain persegi yang digunakan untuk membungkus dan membawa benda-benda dari segala bentuk dan ukuran.
Di masa lalu, merupakan kebiasaan untuk berjalan-jalan di pemandian Jepang (furo) dengan kimono katun tipis, yang dibawa oleh pengunjung dari rumah. Bather juga membawa permadani khusus (shiki) tempat dia berdiri sambil membuka baju. Setelah berganti menjadi kimono "mandi", pengunjung membungkus pakaiannya dengan permadani, dan setelah mandi membungkus kimono basah di permadani untuk dibawa pulang. Dengan demikian, keset kamar mandi menjadi tas multifungsi.
Furoshiki sangat mudah digunakan: kainnya mengikuti bentuk benda yang Anda bungkus, dan gagangnya memudahkan untuk membawa beban. Selain itu, kado yang dibungkus bukan dengan kertas keras, tetapi dengan kain lembut berlapis-lapis, memperoleh ekspresi khusus. Ada banyak skema melipat furoshiki untuk setiap kesempatan, setiap hari atau hari raya.

- Amigurumi.
Seni Jepang merajut atau merenda boneka binatang kecil dan makhluk humanoid. Amigurumi (編み包み, lit.: "rajutan-dibungkus") paling sering adalah hewan lucu (seperti beruang, kelinci, kucing, anjing, dll.), laki-laki kecil, tetapi mereka juga bisa menjadi benda mati yang diberkahi dengan sifat manusia. Misalnya cupcakes, topi, tas tangan dan lain-lain. Amigurumi dirajut atau dirajut atau dirajut. Baru-baru ini, merenda amigurumi menjadi lebih populer dan lebih umum.
dirajut dari benang dengan metode rajutan sederhana - dalam bentuk spiral dan, tidak seperti metode rajutan Eropa, lingkaran biasanya tidak terhubung. Mereka juga dirajut dengan ukuran yang lebih kecil dibandingkan dengan ketebalan benang untuk membuat kain yang sangat padat tanpa ada celah untuk isian keluar. Amigurumi sering dibuat dari bagian-bagian kemudian disatukan, kecuali beberapa amigurumi yang tidak memiliki anggota tubuh, tetapi hanya memiliki kepala dan batang tubuh, yang merupakan satu kesatuan. Anggota badan terkadang diisi dengan potongan plastik untuk memberi bobot hidup, sedangkan bagian tubuh lainnya diisi dengan fiberfill.
Penyebaran estetika amigurumi difasilitasi oleh kelucuannya (“kawaii”).