Budaya Jepang. Seni Jepang - Sejarah - Pengantar - Jepang yang Menarik — LiveJournal

Lukisan Jepang adalah salah satu yang terindah di dunia.

Lukisan Jepang adalah salah satu jenis kreativitas yang paling kuno dan menakjubkan. Seperti yang lainnya, ia memiliki sejarah panjangnya sendiri, yang dapat dibagi menjadi beberapa periode menurut teknik dan fiturnya. Umum untuk semua periode adalah alam, yang diberi tempat utama dalam lukisan. Di tempat kedua dalam popularitas seni rupa Jepang adalah pemandangan rumah tangga dari kehidupan.

Yamato

Yamato(abad VI-VII) - periode pertama seni Jepang, yang meletakkan dasar untuk menulis. Dorongan perkembangan seni rupa diberikan oleh prestasi Tiongkok di bidang agama dan tulisan. Jepang bergegas naik ke levelnya, membuat perubahan dalam strukturnya dan membangun segala sesuatu yang serupa dengan Cina. Untuk pengembangan seni lukis, sejumlah besar karya master Tiongkok dibawa ke Jepang, yang menginspirasi orang Jepang, yang dengan berani bergegas membuat lukisan serupa.

Lukisan di Makam Takamatsuzuka

Periode ini terdiri dari dua periode anak:

• Kofun- periode seni Jepang, menempati paruh pertama Yamato. Nama periode diterjemahkan sebagai "periode barrows". Pada masa itu, gundukan memang diberi peran besar, menciptakannya di mana-mana.
• Asuka- bagian kedua dari era Yamato. Periode itu dinamai menurut pusat politik negara yang aktif pada tahun-tahun itu. Ini terkait dengan kedatangan agama Buddha di Jepang, dan di masa depan dengan perkembangan aktif semua bidang budaya.

Nara

Buddhisme yang berasal dari Tiongkok aktif menyebar di Jepang, yang berkontribusi pada munculnya tema-tema religius dalam seni. Seniman Jepang, terbawa oleh topik ini, melukis dinding kuil, yang diciptakan oleh tokoh-tokoh berpengaruh. Hingga saat ini, kuil Horyu-ji telah melestarikan lukisan dinding sejak saat itu.

Azuchi-Momoyama

Periode ini adalah kebalikan dari pendahulunya. Kesuraman dan monokrom menghilang dari karya, digantikan oleh warna-warna cerah dan penggunaan emas dan perak pada lukisan.

Cypress. Layar. Kano Eitoku.

Meiji

Pada abad ke-19, pembagian lukisan Jepang menjadi gaya tradisional dan Eropa dimulai, yang saling bersaing dengan sengit. Selama periode ini, perubahan politik yang luar biasa terjadi di Jepang. Pengaruh Eropa pada tahun-tahun itu memengaruhi hampir setiap sudut planet ini, memperkenalkan ciri-cirinya sendiri ke setiap negara bagian. Gaya seni Eropa didukung secara aktif oleh pihak berwenang, menolak tradisi lama. Namun tak lama kemudian kegembiraan seputar lukisan Barat dengan cepat mereda dan minat pada seni tradisional kembali tajam.

Perkembangan lukisan Jepang diperbarui: 15 September 2017 oleh: Valentine

Sejak zaman kuno, seni Jepang dicirikan oleh kreativitas aktif. Terlepas dari ketergantungan pada China, di mana tren artistik dan estetika baru terus muncul, seniman Jepang selalu memperkenalkan ciri-ciri baru dan mengubah seni guru mereka, memberikan tampilan Jepang.

Sejarah Jepang dengan demikian mulai mengambil bentuk yang pasti hanya pada akhir abad ke-5. Relatif sedikit barang yang berasal dari abad sebelumnya (periode kuno) telah ditemukan, meskipun beberapa penemuan yang dilakukan selama penggalian atau selama pekerjaan konstruksi berbicara tentang bakat artistik yang luar biasa.

periode kuno.

Karya seni Jepang tertua adalah pot tanah liat jenis Jomon (kesan kabel). Namanya berasal dari dekorasi permukaan dengan tayangan spiral dari tali yang melilit tongkat yang digunakan master untuk membuat bejana. Mungkin, pada awalnya, para empu secara tidak sengaja menemukan cetakan anyaman, tetapi kemudian mereka mulai menggunakannya secara sadar. Kadang-kadang ikal tanah liat seperti kabel tersangkut di permukaan, menciptakan efek dekoratif yang lebih kompleks, hampir melegakan. Patung Jepang pertama berasal dari budaya Jomon. Dogu (lit. "gambar tanah liat") seseorang atau hewan mungkin memiliki semacam makna religius. Gambar orang, kebanyakan wanita, sangat mirip dengan dewi tanah liat dari budaya primitif lainnya.

Analisis radiokarbon menunjukkan bahwa beberapa temuan dari budaya Jomon mungkin berasal dari 6-5 ribu SM, tetapi penanggalan awal seperti itu tidak diterima secara umum. Tentu saja, hidangan seperti itu dibuat untuk waktu yang lama, dan meskipun tanggal pastinya belum dapat ditentukan, tiga periode dibedakan. Sampel tertua memiliki dasar runcing dan hampir tanpa hiasan, kecuali jejak alat pembuat tembikar. Kapal periode tengah lebih kaya ornamen, terkadang dengan elemen cetakan yang menciptakan kesan volume. Bentuk bejana periode ketiga sangat beragam, tetapi dekorasinya kembali rata dan menjadi lebih terkendali.

Kira-kira pada abad ke-2. SM. Keramik Jōmon digantikan oleh keramik Yayoi, yang dicirikan oleh keanggunan bentuk, kesederhanaan desain, dan kualitas teknis yang tinggi. Pecahan bejana menjadi lebih tipis, ornamennya tidak terlalu aneh. Jenis ini berlaku sampai abad ke-3. IKLAN

Dari sudut pandang artistik, mungkin karya-karya terbaik periode awal adalah khaniva, silinder tanah liat yang berasal dari abad ke-3 hingga ke-5. IKLAN Monumen khas pada zaman ini adalah bukit-bukit besar, atau gundukan kuburan, bangunan pemakaman kaisar dan bangsawan yang kuat. Seringkali sangat ukuran besar, mereka adalah bukti kekuatan dan kekayaan keluarga dan abdi dalem kekaisaran. Pembangunan struktur seperti itu untuk Kaisar Nintoku-tenno (c. 395-427 M) membutuhkan waktu 40 tahun. Ciri yang paling luar biasa dari gerobak dorong ini adalah silinder tanah liat yang mengelilinginya seperti pagar, khaniva. Biasanya silinder ini cukup sederhana, tetapi terkadang dihiasi dengan figur manusia, lebih jarang dengan figur kuda, rumah, atau ayam jantan. Tujuan mereka ada dua: untuk mencegah erosi massa bumi yang sangat besar dan untuk memasok almarhum dengan semua yang diperlukan yang dia gunakan dalam kehidupan duniawi. Secara alami, silinder segera dibuat dalam jumlah banyak. Variasi tema, ekspresi wajah, dan gerak tubuh para tokoh yang menghiasinya sebagian besar merupakan hasil improvisasi sang master. Meskipun mereka adalah karya seniman daripada pelukis dan pematung, mereka sangat penting sebagai bentuk seni Jepang yang tepat. Bangunan-bangunan, kuda-kuda yang terbungkus selimut, wanita-wanita prima, dan prajurit-prajurit menghadirkan gambaran yang menarik tentang kehidupan militer Jepang feodal awal. Ada kemungkinan bahwa prototipe silinder ini muncul di Tiongkok, di mana berbagai benda ditempatkan langsung ke pemakaman, tetapi eksekusi dan penggunaan haniwa adalah tradisi lokal.

Zaman kuno sering dipandang sebagai masa tanpa karya seni tingkat tinggi, masa dominasi hal-hal yang terutama memiliki nilai arkeologis dan etnologis. Namun, harus diingat bahwa karya-karya ini budaya awal umumnya memiliki vitalitas yang besar, karena bentuknya bertahan dan terus ada sebagai ciri khas nasional seni Jepang di periode selanjutnya.

periode Asuka

(552-710 M). Pengenalan agama Buddha pada pertengahan abad ke-6 c. membuat perubahan signifikan dalam cara hidup dan berpikir orang Jepang dan menjadi pendorong bagi perkembangan seni periode ini dan selanjutnya. Kedatangan agama Buddha dari Cina melalui Korea secara tradisional bertanggal 552 M, tetapi mungkin diketahui lebih awal. Pada tahun-tahun awal, agama Buddha menghadapi tentangan politik, tentangan terhadap agama nasional Shinto, tetapi hanya setelah beberapa dekade, keyakinan baru tersebut mendapat persetujuan resmi dan akhirnya didirikan. Pada tahun-tahun awal penetrasinya ke Jepang, agama Buddha adalah agama yang relatif sederhana dengan sejumlah kecil dewa yang membutuhkan gambar, tetapi setelah sekitar seratus tahun agama ini memperoleh kekuatan dan panteon berkembang pesat.
Selama periode ini, kuil-kuil didirikan, yang tidak hanya berfungsi untuk mempromosikan iman, tetapi juga merupakan pusat seni dan pendidikan. Biara-kuil di Horyu-ji adalah salah satu yang paling penting untuk mempelajari seni Buddha awal. Di antara harta lainnya, terdapat patung tiga serangkai agung Syaka-Nerai (623 M). Karya Tori Busshi ini, pematung besar Jepang pertama yang kita kenal, adalah gambar perunggu bergaya, mirip dengan kelompok serupa di kuil gua besar di Cina. Frontalitas yang ketat terlihat pada pose Shaki yang duduk (transkripsi Jepang dari kata "shakyamuni", Buddha historis) dan dua sosok yang berdiri di sisinya. Bentuk-bentuk sosok manusia disembunyikan oleh lipatan simetris tebal dari pakaian yang dibuat secara skematis, dan dalam wajah halus memanjang orang dapat merasakan penyerapan dan kontemplasi diri yang melamun. Patung periode Buddhis pertama ini didasarkan pada gaya dan prototipe dari daratan utama lima puluh tahun yang lalu; itu setia mengikuti tradisi Cina yang datang ke Jepang melalui Korea.

Beberapa patung terpenting saat ini terbuat dari perunggu, tetapi kayu juga digunakan. Dua patung kayu yang paling terkenal adalah patung dewi Kannon: Yumedono Kannon dan Kudara Kannon, keduanya di Horyuji. Mereka adalah objek pemujaan yang lebih menarik daripada tiga serangkai Shaki, dengan senyum kuno dan ekspresi melamun. Meski susunan lipatan jubah pada sosok Kannon juga skematis dan simetris, namun lebih ringan dan penuh gerak. Sosok jangkung dan ramping menekankan spiritualitas wajah, kebaikan abstrak mereka, jauh dari semua urusan duniawi, tetapi peka terhadap permohonan orang yang menderita. Pematung memperhatikan garis luar sosok Kudara Kannon, tersembunyi di balik lipatan pakaian, dan berbeda dengan siluet bergerigi Yumedono, pergerakan sosok dan kain diarahkan secara mendalam. Dalam profil Kudar, Kannon memiliki bentuk S yang anggun.

Satu-satunya contoh lukisan yang memberikan gambaran tentang gaya awal abad ke-7 adalah Tamamushi Zushi, "kuil bersayap". Tempat perlindungan miniatur ini mengambil namanya dari sayap kumbang warna-warni yang dipasang pada bingkai logam berlubang; kemudian dihiasi dengan komposisi religius dan figur karakter individu, dibuat dengan pernis berwarna. Seperti patung pada periode ini, beberapa gambar menunjukkan kebebasan desain yang luar biasa.

periode Nara

(710-784). Pada tahun 710 ibu kota dipindahkan ke Nara, kota Baru, dibangun dengan model ibukota Cina Chang'an. Ada jalan lebar, istana besar, banyak kuil Buddha. Tidak hanya agama Buddha dalam segala aspeknya, tetapi seluruh budaya dan budaya Tionghoa kehidupan politik dianggap sebagai panutan. Tidak ada negara lain, mungkin, yang merasakan ketidakcukupan budayanya sendiri sedemikian rupa dan tidak begitu rentan terhadap pengaruh luar. Para sarjana dan peziarah bergerak bebas antara Jepang dan daratan, dan kehidupan administrasi dan istana meniru Cina selama Dinasti Tang. Namun, harus diingat bahwa, meskipun meniru model Tang Cina, terutama dalam seni, memahami pengaruh dan gayanya, orang Jepang hampir selalu menyesuaikan bentuk asing dengan bentuk mereka sendiri.

Dalam seni pahat, frontalitas dan simetri yang ketat dari periode Asuka sebelumnya digantikan oleh bentuk-bentuk yang lebih bebas. Perkembangan gagasan tentang dewa, peningkatan keterampilan teknis, dan kebebasan kepemilikan materi memungkinkan seniman untuk membuat gambar ikonik yang lebih dekat dan lebih mudah diakses. Pendirian sekte-sekte Buddhis baru memperluas pantheon untuk memasukkan bahkan orang-orang suci dan pendiri agama Buddha. Selain patung perunggu, sejumlah besar karya yang terbuat dari kayu, tanah liat, dan pernis juga dikenal. Batu itu langka dan hampir tidak pernah digunakan untuk pahatan. Pernis kering sangat populer, mungkin karena, meskipun proses pembuatan komposisinya rumit, karya yang dibuat darinya terlihat lebih spektakuler daripada kayu dan lebih kuat daripada produk tanah liat yang lebih mudah dibuat. Sosok pernis dibentuk di atas dasar kayu atau tanah liat, yang kemudian dilepas, atau di atas alat kelengkapan kayu atau kawat; mereka ringan dan kuat. Meskipun teknik ini mendikte beberapa kekakuan dalam pose, banyak kebebasan diperbolehkan dalam penggambaran wajah, yang sebagian berkontribusi pada pengembangan apa yang disebut patung potret yang tepat. Penggambaran wajah dewa dilakukan sesuai dengan aturan ketat dari kanon Buddha, tetapi popularitas dan bahkan pendewaan beberapa pendiri dan pengkhotbah agama memberikan peluang yang sangat baik untuk menyampaikan kemiripan potret. Kesamaan seperti itu dapat ditelusuri pada patung pernis kering dari patriark Cina Genjin, yang dihormati di Jepang, yang terletak di kuil Toshodaiji. Genjin buta ketika dia tiba di Jepang pada tahun 753, dan matanya yang buta serta keadaan kontemplasi batinnya yang tercerahkan dengan indahnya dibuat oleh seorang pematung yang tidak dikenal. Tren realistis ini paling jelas diekspresikan dalam patung kayu pengkhotbah Kui, yang dibuat oleh pematung Kosho pada abad ke-13 hingga ke-14. Pengkhotbah berpakaian seperti pengemis pengembara dengan tongkat, gong dan palu, dan sosok kecil Buddha keluar dari mulutnya yang setengah terbuka. Tidak puas dengan citra biksu yang bernyanyi, pematung berusaha mengungkapkan makna terdalam dari kata-katanya.
Gambar Buddha pada periode Nara juga dibedakan oleh realisme yang hebat. Dibuat untuk jumlah kuil yang terus bertambah, mereka tidak sedingin dan pendiam seperti pendahulunya, memiliki keindahan dan kebangsawanan yang lebih anggun, dan berpaling kepada orang-orang yang menyembahnya dengan lebih nikmat.

Sangat sedikit lukisan dari periode ini yang bertahan. Gambar beraneka warna di atas kertas menggambarkan kehidupan Sang Buddha di masa lalu dan sekarang. Ini adalah salah satu dari sedikit contoh kuno emakimono, atau lukisan gulir. Gulungan itu perlahan-lahan dibuka dari kanan ke kiri, dan penonton hanya bisa menikmati bagian dari gambar yang ada di antara kedua tangan yang membuka gulungan itu. Ilustrasi berada tepat di atas teks, berbeda dengan gulungan-gulungan selanjutnya, di mana bagian teks berganti-ganti dengan gambar penjelasan. Dalam contoh lukisan gulir tertua yang masih ada ini, sosok-sosok yang digariskan diatur dengan latar belakang lanskap yang nyaris tidak digariskan, dan tokoh sentral, dalam hal ini Syaka, muncul dalam berbagai episode.

Awal Heian

(784-897). Pada tahun 784 ibu kota dipindahkan sementara ke Nagaoka, sebagian untuk menghindari dominasi pendeta Buddha Nara. Pada tahun 794 dia pindah ke Heian (sekarang Kyoto) untuk waktu yang lebih lama. Akhir abad ke-8 dan ke-9 adalah masa ketika Jepang berhasil berasimilasi, beradaptasi dengan karakteristiknya sendiri, banyak inovasi asing. Agama Buddha juga mengalami masa perubahan, munculnya sekte-sekte baru Buddhisme esoteris, dengan ritual dan etiket yang berkembang. Dari jumlah tersebut, yang paling berpengaruh adalah sekte Tendai dan Shingon, yang berasal dari India, mencapai Cina, dan dari sana dibawa ke Jepang oleh dua sarjana yang kembali ke tanah air mereka setelah lama magang. Sekte Shingon ("Kata-Kata Sejati") sangat disukai di istana dan dengan cepat menempati posisi dominan. Biara utamanya terletak di Gunung Koya dekat Kyoto; seperti pusat Buddhis penting lainnya, mereka menjadi gudang koleksi besar monumen seni.

Patung 9 c. sebagian besar adalah kayu. Gambar dewa dibedakan oleh keparahan dan keagungan yang tidak dapat diakses, yang ditekankan oleh keseriusan penampilan dan kebesaran mereka. Tirai dipotong dengan terampil sesuai dengan pola standar, syal diletakkan bergelombang. Sosok Shaki berdiri dari kuil di Muroji adalah contoh dari gaya ini. Untuk ini dan gambar serupa dari abad ke-9. ditandai dengan ukiran yang kaku dengan lipatan yang lebih dalam dan jelas serta detail lainnya.

Bertambahnya jumlah dewa menimbulkan kesulitan besar bagi para seniman. Dalam mandala yang rumit seperti peta (desain geometris dengan makna magis), para dewa diatur secara hierarkis di sekitar Buddha yang ditempatkan di tengah, yang dirinya hanyalah salah satu manifestasi dari yang absolut. Pada saat ini, muncul cara baru untuk menggambarkan sosok dewa penjaga yang dikelilingi oleh api, penampilan yang mengerikan, tetapi sifatnya yang dermawan. Dewa-dewa ini diatur secara asimetris dan digambarkan dalam pose bergerak, dengan fitur wajah yang tangguh, dengan gigih melindungi keyakinan dari kemungkinan bahaya.

Heian Tengah dan Akhir, atau periode Fujiwara

(898-1185). Pemindahan ibu kota ke Heian, yang dimaksudkan untuk menghindari tuntutan sulit para ulama, juga menyebabkan perubahan sistem politik. Bangsawan adalah kekuatan yang dominan, dan keluarga Fujiwara menjadi perwakilannya yang paling khas. Periode 10-12 abad. sering dikaitkan dengan nama ini. Periode kekuatan khusus dimulai, ketika kaisar sejati "sangat disarankan" untuk mengesampingkan urusan negara demi pengejaran puisi dan lukisan yang lebih menyenangkan. Hingga mencapai usia dewasa, kaisar dipimpin oleh seorang bupati yang tegas - biasanya dari keluarga Fujiwara. Itu adalah zaman kemewahan dan pencapaian luar biasa dalam sastra, kaligrafi, dan seni; semuanya terasa lesu dan emosional, yang jarang mencapai kedalaman, tetapi secara keseluruhan memesona. Kecanggihan dan pelarian yang elegan tercermin dalam seni saat ini. Bahkan penganut agama Buddha pun mencari cara yang lebih mudah, dan pemujaan terhadap Buddha surgawi, Amida, menjadi sangat populer. Gagasan welas asih dan anugrah Buddha Amida sangat tercermin dalam lukisan dan pahatan pada periode ini. Masif dan pengekangan patung-patung abad ke-9 c. dalam 10-11 abad. memberi jalan untuk kebahagiaan dan pesona. Para dewa digambarkan sebagai sosok yang melamun, sangat tenang, ukirannya menjadi kurang dalam, permukaannya menjadi lebih berwarna, dengan tekstur yang berkembang dengan kaya. Monumen terpenting pada periode ini adalah milik pematung Jocho.
Karya seniman juga memperoleh fitur yang lebih lembut, mengingatkan pada gambar di atas kain, dan bahkan dewa yang mengerikan - para pembela agama menjadi tidak terlalu mengintimidasi. Sutra (teks Buddha) ditulis dengan emas dan perak di atas kertas berwarna biru tua, kaligrafi teks yang bagus sering kali didahului dengan ilustrasi kecil. Paling destinasi populer Ajaran Buddha dan dewa-dewa terkait mereka mencerminkan preferensi aristokrasi dan penyimpangan bertahap dari cita-cita keras agama Buddha awal.

Suasana saat ini dan karya-karyanya sebagian terkait dengan pemutusan hubungan formal dengan Tiongkok pada tahun 894. Agama Buddha di Tiongkok pada saat itu dianiaya, dan istana Tang yang korup sedang mengalami kemunduran. Keberadaan pulau terpencil yang mengikuti keterputusan ini mendorong orang Jepang untuk beralih ke budaya mereka sendiri dan mengembangkan gaya Jepang baru yang lebih murni. Memang, lukisan sekuler abad 10-12. hampir seluruhnya orang Jepang - baik dalam teknik maupun dalam komposisi dan plot. Ciri khas dari gulungan Jepang ini, yang disebut yamato-e, adalah dominasi plot engi (asal, sejarah). Sementara gulungan Cina paling sering menggambarkan alam yang menakjubkan, panorama pegunungan, sungai, batu dan pohon, dan orang-orang tampak relatif tidak penting, pada gulungan naratif orang Jepang dalam gambar dan teks, orang adalah hal utama. Lanskap hanya memainkan peran sebagai latar belakang cerita yang diceritakan, di bawah yang utama orang yang bertindak atau orang. Banyak gulungan yang menggambarkan kehidupan para pengkhotbah atau tokoh sejarah Buddha terkenal, perjalanan dan kampanye militer mereka. Yang lain menceritakan tentang episode romantis dari kehidupan bangsawan dan abdi dalem.

Gaya gulungan awal yang tampaknya istimewa berasal dari sketsa tinta sederhana di halaman buku catatan Buddhis. Ini adalah gambar-gambar terampil yang membuat karikatur perilaku manusia melalui gambar-gambar binatang: monyet berpakaian biara menyembah katak yang menggelembung, kompetisi antara kelinci, monyet, dan katak. Gulungan-gulungan Heian akhir ini dan lainnya memberikan dasar bagi gulungan naratif yang lebih kompleks dari gaya yang dikembangkan pada abad ke-13 dan ke-14.

periode Kamakura

(1185-1392). Akhir abad ke-12 membawa perubahan serius pada kehidupan politik dan agama Jepang dan, tentu saja, pada seninya. Keanggunan dan estetika istana Kyoto diganti atau, dalam tradisi pemerintahan "khusus", "menerima tambahan" dalam bentuk pemerintahan baru yang keras dan berani - Keshogunan Kamakura. Meskipun Kyoto secara nominal tetap menjadi ibu kota, shogun Minamoto no Yoritomo (1147-1199) mendirikan markas besarnya di kota Kamakura dan hanya dalam 25 tahun mendirikan sistem kediktatoran militer dan feodalisme yang kaku. Agama Buddha, yang telah menjadi begitu rumit dan diritualkan sehingga tidak dapat dipahami oleh orang awam biasa, juga mengalami perubahan besar yang tidak menjanjikan perlindungan seni. Sekte Yodo ("Tanah Murni"), suatu bentuk pemujaan terhadap Buddha Amida, di bawah kepemimpinan Honen Shonin (1133-1212) mereformasi hierarki buddha dan dewa dan memberikan harapan keselamatan bagi semua orang yang hanya percaya pada Amida. Doktrin surga yang mudah dicapai ini kemudian disederhanakan oleh biksu lain, Shinran (1173-1262), pendiri sekte Shin, yang mengakui bahwa kegemaran Amida begitu besar sehingga tidak perlu melakukan tindakan keagamaan, cukup hanya mengulangi mantra "Namu Amida Butsu" (kata pertama berarti "tunduk"; dua yang kedua adalah "Buddha Amida"). Cara sederhana untuk menyelamatkan jiwa sangat menarik, dan sekarang jutaan orang menggunakannya. Satu generasi kemudian, pengkhotbah militan Nichiren (1222-1282), yang menjadi nama sekte tersebut, meninggalkan bentuk agama yang disederhanakan ini. Pengikutnya menghormati Sutra Teratai, yang tidak menjanjikan keselamatan instan dan tanpa syarat. Khotbahnya sering menyentuh topik politik, dan keyakinannya serta usulan reformasi gereja dan negara menarik kelas prajurit baru di Kamakura. Akhirnya, filosofi Zen, yang muncul sejak abad ke-8, mulai memainkan peran yang lebih besar dalam pemikiran Buddhis pada periode itu. Zen menekankan pentingnya meditasi dan penghinaan terhadap gambar apa pun yang mungkin menghalangi manusia dalam upayanya untuk terhubung dengan Tuhan.

Jadi, saat itu pemikiran religius membatasi jumlah lukisan dan patung yang sebelumnya dibutuhkan untuk ibadah. Namun demikian, beberapa karya seni Jepang terbaik diciptakan selama periode Kamakura. Stimulusnya adalah kecintaan orang Jepang yang melekat pada seni, tetapi kunci dari teka-teki itu adalah sikap orang-orang terhadap kepercayaan baru, dan bukan dogma seperti itu. Memang, karya itu sendiri menunjukkan alasan penciptaannya, karena banyak dari patung dan lukisan yang penuh kehidupan dan energi ini adalah potret. Meskipun filosofi Zen mungkin menganggap objek pemujaan agama biasa sebagai penghalang menuju pencerahan, tradisi menghormati guru cukup dapat diterima. Potret itu sendiri tidak bisa menjadi objek pemujaan. Sikap terhadap potret ini tidak unik bagi Buddhisme Zen: banyak menteri sekte Tanah Suci yang dipuja hampir seperti dewa Buddha. Berkat potret itu, bahkan bentuk arsitektur baru pun muncul - mieido, atau kapel potret. Pesatnya perkembangan realisme sepenuhnya dalam semangat zaman.
Terlepas dari kenyataan bahwa potret para pendeta yang indah, jelas, benar-benar gambar orang spesifik, mereka sering mengerjakan ulang lukisan yang menggambarkan pendiri agama Buddha di Tiongkok. Mereka dilukis sedang berkhotbah, mulut terbuka, tangan menggerakkan tangan; kadang-kadang biksu pengemis digambarkan melakukan perjalanan yang sulit demi kemuliaan iman.

Salah satu plot paling populer adalah raigo (kedatangan yang diinginkan), yang menggambarkan Buddha Amida dengan teman-temannya, turun di atas awan untuk menyelamatkan jiwa seorang mukmin di ranjang kematiannya dan memindahkannya ke surga. Warna dari gambar seperti itu sering kali diperkuat dengan emas yang diaplikasikan, dan garis bergelombang, jubah yang berkibar, awan yang berputar-putar memberi kesan gerakan pada turunnya Buddha.

Unkei, yang bekerja pada paruh kedua abad ke-12 dan awal abad ke-13, adalah penulis inovasi yang memudahkan mengukir kayu, yang tetap menjadi bahan favorit pematung selama periode Kamakura. Sebelumnya, master dibatasi oleh ukuran dan bentuk geladak atau batang kayu tempat gambar itu dipotong. Elemen lengan dan pakaian ditumpangkan secara terpisah, tetapi potongan akhirnya sering kali menyerupai bentuk silinder aslinya. Dalam teknik baru, lusinan potongan kecil dipasang dengan hati-hati satu sama lain, membentuk piramida berongga, dari mana para magang kemudian dapat memotong sosok itu secara kasar. Pematung memiliki bahan yang lebih lunak dan kemampuan untuk membuat bentuk yang lebih kompleks. Penjaga kuil berotot dan dewa dengan jubah dan jubah berkibar tampak lebih hidup juga karena kristal atau kaca mulai dimasukkan ke dalam rongga mata mereka; patung-patung mulai dihiasi dengan perunggu berlapis emas. Mereka menjadi lebih ringan dan kecil kemungkinannya retak saat kayu mengering. Patung kayu Kuya Shonin yang disebutkan, karya putra Unkei Kosho, menunjukkan pencapaian tertinggi realisme era Kamakura dalam patung potret. Memang, patung pada saat itu mencapai puncaknya dalam perkembangannya, dan kemudian tidak lagi menempati tempat yang menonjol dalam seni.

Lukisan sekuler juga mencerminkan semangat zaman. Gulungan naratif akhir periode Heian, dengan warna terkendali dan garis-garis anggun, menceritakan petualangan romantis Pangeran Genji atau hiburan para wanita istana yang tertutup. Kini, dengan warna-warna cerah dan sapuan energik, para seniman era Kamakura menggambarkan pertempuran klan yang bertikai, istana yang dilalap api, dan ketakutan orang-orang yang melarikan diri dari pasukan penyerang. Bahkan ketika sebuah kisah religius terungkap pada gulungan itu, gambar itu bukanlah ikon melainkan bukti sejarah perjalanan orang-orang suci dan mukjizat yang mereka lakukan. Dalam desain plot ini, orang dapat menemukan kecintaan yang tumbuh terhadap alam dan kekaguman terhadap lanskap asli.

Muromachi, atau periode Ashikaga

(1392-1568). Pada tahun 1392, setelah lebih dari 50 tahun perselisihan, shogun ketiga dari keluarga Ashikaga, Yoshimitsu (1358-1408), menyatukan kembali negara tersebut. Pusat pemerintahan kembali menjadi ibu kota nominal Kyoto, tempat para shogun Ashikaga membangun istana mereka di kawasan Muromachi. (Periode ini terkadang disebut Muromachi, terkadang Ashikaga.) Masa perang tidak menyisihkan banyak kuil - gudang seni Jepang, yang dibakar bersama dengan harta karun yang ada di sana. Negara itu sangat hancur, dan bahkan perdamaian membawa sedikit kelegaan, karena klan yang bertikai, dalam keberhasilan mereka, memberikan bantuan sesuai keinginan mereka. Tampaknya situasinya sangat tidak menguntungkan bagi perkembangan seni, tetapi kenyataannya para shogun Ashikaga melindunginya, terutama pada abad ke-15 dan ke-16, ketika seni lukis berkembang pesat.

Seni paling signifikan saat ini adalah gambar tinta puitis monokrom yang didorong oleh Buddhisme Zen dan dipengaruhi oleh desain Tiongkok dari dinasti Song dan Yuan. Selama Dinasti Ming (1368-1644), kontak dengan Tiongkok diperbarui, dan Yoshimitsu, seorang kolektor dan pelindung seni, mendorong pengumpulan dan studi lukisan Tiongkok. Dia menjadi model dan titik awal bagi seniman berbakat yang melukis pemandangan, burung, bunga, gambar pendeta dan orang bijak dengan sapuan kuas yang ringan dan lancar. Seni lukis Jepang saat ini bercirikan ekonomi garis; sang seniman tampaknya mengekstraksi intisari dari plot yang digambarkan, membiarkan tatapan penonton mengisinya dengan detail. Peralihan tinta abu-abu dan hitam mengkilat pada lukisan-lukisan ini sangat dekat dengan filosofi Zen, yang tentunya menginspirasi pengarangnya. Meskipun kredo ini mencapai pengaruh yang cukup besar bahkan di bawah kekuatan militer Kamakura, kredo ini terus menyebar dengan cepat pada abad ke-15 dan ke-16, ketika banyak biara Zen muncul. Mengkhotbahkan terutama gagasan "penyelamatan diri", itu tidak mengaitkan keselamatan dengan Buddha, melainkan mengandalkan disiplin diri manusia yang keras untuk mencapai "pencerahan" intuitif yang tiba-tiba yang menyatukannya dengan yang absolut. Penggunaan tinta yang hemat namun berani dan komposisi asimetris, di mana bagian kertas yang tidak dicat memainkan peran penting dalam menggambarkan lanskap, orang bijak, dan ilmuwan yang diidealkan, sejalan dengan filosofi ini.

Salah satu eksponen sumi-e yang paling terkenal, sebuah gaya lukisan tinta monokrom, adalah Sesshu (1420-1506), seorang pendeta Zen yang umur panjang dan produktif memastikan dia terus dihormati. Di penghujung hayatnya, ia mulai menggunakan gaya haboku (tinta cepat), yang berbeda dengan gaya dewasa yang membutuhkan guratan-guratan yang jelas dan ekonomis, membawa tradisi lukisan monokrom hampir ke abstraksi.
Aktivitas seniman keluarga Kano dan perkembangan gaya mereka jatuh pada periode yang sama. Dalam hal pemilihan subjek dan penggunaan tinta, mirip dengan bahasa Cina, tetapi tetap bahasa Jepang dalam hal sarana ekspresif. Kano, dengan dukungan keshogunan, menjadi sekolah "resmi" atau gaya seni lukis dan berkembang hingga abad ke-19.

Tradisi naif yamato-e terus hidup dalam karya sekolah Tosa, jurusan seni lukis Jepang yang penting kedua. Padahal, saat ini kedua sekolah tersebut, Kano dan Tosa, memiliki hubungan yang erat, dipersatukan oleh ketertarikan pada kehidupan modern. Motonobu Kano (1476-1559), salah satunya seniman yang luar biasa periode ini, tidak hanya menikahkan putrinya dengan artis terkenal Tosa, tetapi juga melukis dengan gayanya.

Pada abad 15-16. hanya ada beberapa karya patung yang patut diperhatikan. Namun, perlu dicatat bahwa perkembangan drama noo, dengan keragaman suasana hati dan emosinya, membuka bidang aktivitas baru bagi para pematung - mereka mengukir topeng untuk para aktor. Dalam drama klasik Jepang yang dipentaskan oleh dan untuk aristokrasi, para aktor (satu atau lebih) memakai topeng. Mereka menyampaikan berbagai perasaan mulai dari ketakutan, kecemasan, dan kebingungan hingga kegembiraan yang tertahan. Beberapa topeng diukir dengan sangat indah sehingga sedikit saja putaran kepala aktor menyebabkan perubahan ekspresi yang halus. Contoh luar biasa dari topeng ini telah disimpan selama bertahun-tahun oleh keluarga yang anggotanya dibuat.

periode Momoyama

(1568-1615). Pada tahun 1593, diktator militer besar Hideyoshi membangun kastilnya di Momoyama, "Bukit Persik", dan dengan nama ini biasanya digunakan untuk menetapkan periode 47 tahun dari jatuhnya keshogunan Ashikaga hingga berdirinya Tokugawa, atau periode Edo. , pada tahun 1615. Ini adalah masa dominasi kelas militer yang sama sekali baru, yang kekayaannya yang besar berkontribusi pada berkembangnya seni. Kastil yang mengesankan dengan ruang audiensi yang besar dan koridor panjang mulai populer pada akhir abad ke-16. dan menuntut ornamen yang sesuai dengan kebesaran mereka. Itu adalah masa orang-orang yang tegas dan berani, dan pelindung baru, tidak seperti aristokrasi sebelumnya, tidak terlalu tertarik pada pengejaran intelektual atau seluk-beluk pengerjaan. Untungnya, seniman generasi baru hidup sesuai dengan pelindung mereka. Selama periode ini, layar indah dan panel bergerak muncul dalam warna merah terang, zamrud, hijau, ungu, dan biru. Warna-warna cerah dan bentuk dekoratif seperti itu, seringkali dengan latar belakang emas atau perak, sangat populer selama seratus tahun, dan penciptanya berhak disebut "dekorator hebat". Berkat cita rasa Jepang yang halus, gaya sombong tidak berubah menjadi vulgar, dan bahkan ketika pengekangan dan meremehkan digantikan oleh kemewahan dan dekorasi yang berlebihan, orang Jepang berhasil mempertahankan keanggunan.

Eitoku Kano (1543-1590), salah satu seniman hebat pertama pada periode ini, bekerja dengan gaya Kano dan Tosa, memperluas konsep menggambar yang pertama dan menggabungkannya dengan kekayaan warna yang kedua. Meskipun hanya beberapa karya yang Eitoku dapat dengan aman diidentifikasi sebagai penulisnya yang bertahan, dia dianggap sebagai salah satu pendiri gaya Momoyama, dan sebagian besar seniman pada periode ini adalah muridnya atau dipengaruhi olehnya.

periode Edo atau Tokugawa

(1615-1867). Masa damai panjang yang datang ke Jepang yang baru bersatu disebut waktu Tokugawa, menurut nama penguasa, atau Edo (Tokyo modern), karena pada 1603 kota ini menjadi pusat kekuasaan baru. Dua jenderal terkenal dari periode singkat Momoyama, Oda Nobunaga (1534-1582) dan Toyotomi Hideyoshi (1536-1598), melalui aksi militer dan diplomasi, akhirnya berhasil mendamaikan klan-klan yang kuat dan ulama militan. Dengan kematian Hideyoshi pada tahun 1598, kekuasaan diteruskan ke Ieyasu Tokugawa (1542-1616), yang menyelesaikan langkah-langkah yang dimulai bersama. Pertempuran Sekigahara yang menentukan pada tahun 1600 memperkuat posisi Ieyasu, jatuhnya Kastil Oska pada tahun 1615 disertai dengan runtuhnya terakhir rumah Hideyoshi dan pembentukan pemerintahan tak terbagi dari Keshogunan Tokugawa.

Aturan damai Tokugawa berlangsung selama 15 generasi dan baru berakhir pada abad ke-19. Itu pada dasarnya adalah periode kebijakan "pintu tertutup". Dengan keputusan tahun 1640, orang asing dilarang masuk ke Jepang, dan orang Jepang tidak dapat bepergian ke luar negeri. Satu-satunya hubungan komersial dan budaya adalah dengan Belanda dan Cina melalui pelabuhan Nagasaki. Seperti pada periode isolasi lainnya, terjadi kebangkitan perasaan kebangsaan dan kemunculannya pada akhir abad ke-17. yang disebut sekolah seni lukis dan ukiran bergenre.
Ibukota Edo yang berkembang pesat tidak hanya menjadi pusat kehidupan politik dan bisnis kerajaan pulau, tetapi juga pusat seni dan kerajinan. Persyaratan bahwa daimyo, penguasa feodal provinsi, berada di ibu kota selama waktu tertentu setiap tahun menciptakan kebutuhan akan gedung-gedung baru, termasuk gedung istana, dan oleh karena itu seniman harus mendekorasinya. Kelas pedagang kaya tetapi non-aristokrat yang muncul secara bersamaan memberikan perlindungan baru dan seringkali tidak profesional kepada seniman.

Seni periode Edo awal sebagian melanjutkan dan mengembangkan gaya Momoyama, mengintensifkan kecenderungannya ke arah kemewahan dan kemegahan. Kekayaan gambar-gambar aneh dan polikrom yang diwarisi dari periode sebelumnya terus berkembang. Gaya dekoratif ini mencapai puncaknya pada kuartal terakhir abad ke-17. dalam apa yang disebut. era Genroku pada periode Tokugawa (1688-1703). Dalam seni dekoratif Jepang, ia tidak memiliki kesejajaran dalam pemborosan dan kekayaan warna dan motif dekoratif dalam lukisan, kain, pernis, dalam hal-hal sepele artistik - atribut gaya hidup mewah.

Karena kita berbicara tentang periode sejarah yang relatif terlambat, tidak mengherankan jika banyak nama seniman dan karya-karya mereka yang dilestarikan; di sini dimungkinkan untuk menyebutkan hanya beberapa yang paling menonjol. Di antara perwakilan sekolah dekoratif yang hidup dan bekerja selama periode Momoyama dan Edo adalah Honnami Koetsu (1558-1637) dan Nonomura Sotatsu (w. 1643). Karya mereka menunjukkan rasa pola, komposisi, dan warna yang luar biasa. Koetsu, seorang ahli keramik dan pernis berbakat, dikenal karena keindahan kaligrafinya. Bersama dengan Sotatsu, mereka membuat puisi gulungan yang sedang populer saat itu. Dalam kombinasi sastra, kaligrafi, dan lukisan ini, gambar bukan sekadar ilustrasi: mereka menciptakan atau menyarankan suasana yang sesuai dengan persepsi teks. Ogata Korin (1658-1716) adalah salah satu pewaris gaya dekoratif dan, bersama adik laki-lakinya Ogata Kenzan (1663-1743), menyempurnakan tekniknya. Kenzan, lebih dikenal sebagai ahli keramik daripada sebagai seniman, menembakkan bejana yang bertuliskan desain kakak laki-lakinya yang terkenal. Kebangkitan kembali sekolah ini pada awal abad ke-19. oleh penyair dan pelukis Sakai Hoitsu (1761-1828) adalah gelombang terakhir dalam gaya dekoratif. Gulungan dan layar Horitsu yang indah menggabungkan rasa menggambar Korin dengan minat naturalisme Maruyama pada alam, menghasilkan kekayaan warna dan motif dekoratif dari periode sebelumnya, diredam oleh kemegahan dan kemahiran sapuan kuas.

Seiring dengan gaya dekoratif polikrom, gambar tinta sekolah Kano tradisional terus menjadi populer. Pada tahun 1622 Kanō Tanyu (1602-1674) ditunjuk sebagai pelukis istana untuk shogun dan dipanggil ke Edo. Dengan pengangkatannya ke posisi ini dan pendirian sekolah seni lukis Kano Edo di Kobikito, periode setengah abad kepemimpinan artistik dari tradisi ini dimulai, yang memulihkan keunggulan keluarga Kano dan menjadikan karya-karya periode Edo paling banyak. penting dalam lukisan Kano. Terlepas dari popularitas layar yang dicat dengan emas dan warna-warna cerah, yang dibuat oleh "dekorator hebat" dan saingannya, Tangyu, berkat kekuatan bakat dan posisi resminya, mampu mempopulerkan lukisan sekolah Kano yang dihidupkan kembali di kalangan bangsawan. Tanyu menambahkan kekuatan dan kesederhanaan pada fitur tradisional aliran Kano, berdasarkan garis putus-putus yang kaku dan susunan elemen komposisi yang dipikirkan dengan matang pada permukaan bebas yang besar.

Tren baru, di mana ciri utamanya adalah ketertarikan pada alam, mulai berlaku pada akhir abad ke-18. Maruyama Okyo (1733-1795), kepala sekolah baru, adalah seorang petani, kemudian menjadi pendeta dan akhirnya menjadi seniman. Dua kelas pertama tidak memberinya kebahagiaan atau kesuksesan, tetapi sebagai seorang seniman ia mencapai puncaknya dan dianggap sebagai pendiri sekolah realistik Maruyama. Dia belajar dengan master sekolah Kano, Ishida Yutei (w. c. 1785); atas dasar ukiran Belanda yang diimpor, ia memahami teknik representasi perspektif Barat, dan kadang-kadang hanya menyalin ukiran ini. Dia juga mempelajari gaya Cina dari Dinasti Song dan Yuan, termasuk gaya halus dan realistis dari Chen Xuan (1235-1290) dan Shen Nanping; yang terakhir tinggal di Nagasaki pada awal abad ke-18. Okyo membuat banyak karya dari alam, dan pengamatan ilmiahnya menjadi dasar persepsi alam, yang menjadi dasar aliran Maruyama.

Selain minat pada naturalisme di abad ke-18. pengaruh baru dari tradisi seni Cina. Perwakilan dari tren ini condong ke arah sekolah melukis Ming (1368-1644) dan Qing (1644-1912) pelukis-ilmuwan, meskipun pemahaman mereka tentang keadaan seni saat ini di Tiongkok mungkin terbatas. Seni sekolah Jepang ini disebut bujinga (seni orang terpelajar). Salah satu master gaya bujinga yang paling berpengaruh adalah Ikeno Taiga (1723-1776), artis terkenal dan ahli kaligrafi. Gayanya yang dewasa dicirikan oleh garis kontur tebal yang diisi dengan sapuan bulu tipis dengan nada dan tinta ringan; ia juga melukis dengan sapuan tinta hitam yang lebar dan bebas, menggambarkan batang bambu yang tertunduk ditiup angin dan hujan. Dengan garis-garis melengkung yang pendek, ia mendapatkan efek yang mengingatkan pada pahatan pada gambar pegunungan berkabut di atas danau yang dikelilingi hutan.
abad ke-17 menelurkan arahan seni luar biasa lainnya pada periode Edo. Inilah yang disebut ukiyo-e (gambar dunia yang berubah) - adegan bergenre yang dibuat oleh dan untuk orang biasa. Awal ukiyo-e berasal dari ibu kota lama Kyoto dan sebagian besar indah. Tetapi pusat produksi mereka segera pindah ke Edo, dan perhatian para master terfokus pada potongan kayu. Keterkaitan yang erat antara percetakan cukil kayu dengan ukiyo-e telah menimbulkan kesalahpahaman bahwa percetakan cukil kayu adalah penemuan periode ini; sebenarnya, itu berasal dari abad ke-11. Gambar awal seperti itu bersifat nazar, menggambarkan pendiri agama Buddha dan dewa, dan selama periode Kamakura, beberapa gulungan naratif direproduksi dari balok berukir. Namun, seni ukiran menjadi sangat populer pada periode pertengahan abad ke-17 hingga abad ke-19.

Subjek ukiran ukiyo-e adalah pelacur cantik dari kawasan gay, aktor favorit, dan adegan dari drama. Awal, disebut. ukiran primitif dilakukan dalam warna hitam, dengan garis bergelombang ritmis yang kuat, dan dibedakan dengan desain sederhana. Mereka terkadang dilukis dengan tangan dengan warna oranye-merah yang disebut tan-e (lukisan merah cerah), dengan tanda kuning dan hijau mustard. Beberapa seniman "primitif" menggunakan lukisan tangan yang disebut urushu-e (lukisan pernis), di mana area gelap diperbesar dan dibuat lebih terang dengan penambahan lem. Cetakan polikrom awal, yang muncul pada tahun 1741 atau 1742, disebut benizuri-e (cetakan merah tua) dan biasanya menggunakan tiga warna - merah mawar, hijau, dan terkadang kuning. Ukiran yang benar-benar multiwarna, menggunakan seluruh palet dan disebut nishiki-e (gambar brokat), muncul pada tahun 1765.

Selain membuat cetakan individu, banyak pengukir mengilustrasikan buku dan menghasilkan uang dengan membuat ilustrasi erotis di buku dan gulungan. Perlu diingat bahwa pengukiran ukiyo-e terdiri dari tiga jenis kegiatan: itu adalah pekerjaan juru gambar, yang namanya cetakan, pemahat dan pencetak.

Hishikawa Moronobu (c. 1625-1694) dianggap sebagai pendiri tradisi pembuatan cetakan ukiyo-e. Seniman "primitif" lainnya dari tren ini adalah Kiyomasu (1694-1716) dan kelompok Kaigetsudo (komunitas seniman aneh yang keberadaannya masih belum jelas), serta Okumura Masanobu (1686-1764).

Seniman peralihan yang menciptakan cetakan benizuri-e adalah Ishikawa Toyonobu (1711-1785), Torii Kiyohiro (aktif c. 1751-1760), dan Torii Kiyomitsu (1735-1785).

Karya Suzuki Harunobu (1725-1770) membuka era ukiran polikrom. Dipenuhi dengan warna lembut, hampir netral, diisi oleh wanita anggun dan kekasih gagah, cetakan Harunobu sukses besar. Sekitar waktu yang sama, Katsukawa Shunsho (1726-1792), Torii Kienaga (1752-1815) dan Kitagawa Utamaro (1753-1806) bekerja dengannya. Masing-masing berkontribusi pada perkembangan genre ini; master membawa ukiran yang menggambarkan keindahan anggun dan aktor terkenal untuk kesempurnaan. Dalam beberapa bulan pada 1794-1795, Tosusai Saraku yang misterius menciptakan potret para aktor pada masa itu yang sangat kuat dan terus terang kejam.

Pada dekade pertama abad ke-19 genre ini telah mencapai kematangan dan mulai menurun. Katsushika Hokusai (1760-1849) dan Ando Hiroshige (1797-1858) adalah master terhebat di zaman itu, yang karyanya menghubungkan penurunan seni ukir di abad ke-19. dan kebangkitan barunya di awal abad ke-20. Keduanya pada dasarnya adalah pelukis lanskap, mengabadikan peristiwa kehidupan modern dalam ukiran mereka. Penguasaan teknik pemahat dan pencetak yang cemerlang memungkinkan untuk menyampaikan garis-garis aneh dan sedikit bayangan matahari terbenam atau kabut yang terbit saat fajar dalam ukiran.

Restorasi Meiji dan Periode Modern.

Sering terjadi bahwa seni kuno satu atau beberapa orang miskin dalam nama, tanggal, dan karya yang bertahan, sehingga penilaian apa pun hanya dapat dibuat dengan sangat hati-hati dan konvensi. Namun, tidak kalah sulitnya menilai seni rupa kontemporer, karena kita kehilangan perspektif sejarah untuk menilai dengan tepat skala gerakan atau seniman dan karyanya. Kajian seni rupa Jepang tidak terkecuali, dan yang paling bisa dilakukan adalah menghadirkan panorama seni rupa kontemporer dan menarik beberapa kesimpulan sementara sementara.

Di paruh kedua abad ke-19 Pelabuhan Jepang dibuka kembali untuk perdagangan, perubahan besar terjadi di kancah politik. Pada tahun 1868, keshogunan dihapuskan dan pemerintahan Kaisar Meiji dipulihkan. Ibukota resmi dan kediaman kaisar dipindahkan ke Edo, dan kota itu sendiri dikenal sebagai Tokyo (ibu kota timur).

Seperti yang terjadi di masa lalu, berakhirnya isolasi nasional menimbulkan ketertarikan yang besar terhadap prestasi bangsa lain. Saat ini, Jepang membuat lompatan besar dalam sains dan teknologi. Secara artistik, awal era Meiji (1868-1912) menunjukkan penerimaan terhadap segala hal yang berbau Barat, termasuk teknologi. Namun, semangat ini tidak bertahan lama, dan diikuti oleh masa asimilasi, munculnya bentuk-bentuk baru, menggabungkan kembali ke tradisi mereka sendiri dan tren baru Barat.

Di antara para seniman, Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) dan Tomioka Tessai (1836-1942) mendapatkan ketenaran. Tiga yang pertama menganut gaya dan subjek tradisional Jepang, meskipun mereka berusaha menunjukkan orisinalitas dalam suasana hati dan teknik. Seihō, misalnya, bekerja dalam suasana Kyoto yang tenang dan konservatif. Miliknya karya awal dibuat dengan cara naturalistik Maruyama, tetapi kemudian dia bepergian secara luas di Tiongkok dan sangat dipengaruhi oleh lukisan tinta Tiongkok. Perjalanannya ke museum dan memimpin pusat seni Eropa juga meninggalkan bekas dalam karyanya. Dari semua artis terkemuka saat ini, hanya Tomioka Tessai yang hampir mengembangkan gaya baru. Dalam karya-karyanya yang energik dan penuh kekuatan, garis-garis kasar, bengkok, bergerigi dan noda tinta hitam dipadukan dengan bercak-bercak warna yang tertulis halus. Di tahun-tahun berikutnya, beberapa pelukis cat minyak muda berhasil di mana kakek mereka gagal. Upaya pertama untuk mengerjakan bahan yang tidak biasa ini mengingatkan pada kanvas Paris dan tidak dibedakan oleh nilai khusus atau ciri khas Jepang. Namun, karya-karya dengan daya tarik luar biasa kini sedang diciptakan, di mana rasa warna dan keseimbangan Jepang yang khas bersinar melalui tema-tema abstrak. Seniman lain, bekerja dengan tinta yang lebih alami dan tradisional dan terkadang menggunakan kaligrafi sebagai titik awal, membuat karya abstrak yang energik dalam warna hitam cemerlang dengan nuansa abu-abu.

Seperti pada zaman Edo, pada abad ke-19 dan ke-20. patung tidak populer. Tapi di daerah ini, perwakilan generasi modern, dilatih di Amerika dan Eropa, bereksperimen dengan sukses besar. Patung-patung perunggu kecil, abstrak dalam bentuk dan nama yang aneh, menunjukkan rasa garis dan warna Jepang, yang memanifestasikan dirinya dalam penggunaan patina hijau lembut atau coklat hangat; ukiran kayu membuktikan kecintaan orang Jepang pada tekstur bahannya.

Sosaku hanga, "cetakan kreatif" Jepang, hanya muncul pada dekade pertama abad ke-20, tetapi sebagai arah seni khusus, ia melampaui semua bidang seni modern lainnya. Tegasnya, cetakan modern ini bukanlah penerus potongan kayu ukiyo-e yang lebih tua; mereka berbeda dalam gaya, plot, dan metode pembuatan. Seniman, banyak di antaranya sangat dipengaruhi oleh lukisan Barat, menyadari pentingnya lukisan mereka sendiri warisan artistik dan menemukan bahan kayu yang cocok untuk mengekspresikan cita-cita kreatif mereka. Ahli Hanga tidak hanya melukis, tetapi juga mengukir gambar pada balok kayu dan mencetaknya sendiri. Meskipun pengerjaan kayu adalah yang tertinggi dalam bentuk seni ini, semua teknik seni grafis Barat modern digunakan. Bereksperimen dengan daun, benang, dan "objek yang ditemukan" dalam beberapa kasus memungkinkan Anda membuat efek tekstur permukaan yang unik. Pada awalnya, para ahli tren ini terpaksa mencari pengakuan: lagipula, pencapaian terbaik sekolah ukiyo-e pun diasosiasikan oleh seniman intelektual dengan kerumunan yang buta huruf dan dianggap sebagai seni kampungan. Artis seperti Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi, dan Maekawa Senpan melakukan banyak hal untuk mengembalikan rasa hormat terhadap seni grafis dan menjadikannya sebagai cabang seni rupa yang layak. Mereka menarik banyak seniman muda ke grup mereka dan pengukir sekarang berjumlah ratusan. Di antara master generasi ini yang mendapat pengakuan di Jepang dan di Barat adalah Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen, dan Saito Kiyoshi. Ini adalah para master yang inovasi dan bakatnya yang tak terbantahkan telah memungkinkan mereka menempati posisi yang layak di antara seniman terkemuka Jepang. Banyak rekan mereka dan seniman hanga muda lainnya juga menghasilkan ukiran yang luar biasa; fakta bahwa kami tidak menyebutkan nama mereka di sini tidak berarti penilaian yang rendah terhadap pekerjaan mereka.

SENI DAN SENI TERAPAN, ARSITEKTUR DAN TAMAN

Bagian sebelumnya terutama membahas lukisan dan patung, yang di sebagian besar negara dianggap sebagai jenis seni utama. seni visual. Mungkin tidak adil untuk memasukkan di akhir artikel seni dekoratif dan kerajinan rakyat, seni taman dan arsitektur - bentuk-bentuk yang merupakan bagian penting dan integral dari seni Jepang. Namun, mungkin, dengan pengecualian arsitektur, mereka memerlukan pertimbangan khusus selain periodisasi umum Seni Jepang dan dengan perubahan gaya.

Keramik dan porselen.

Seni dan kerajinan terpenting di Jepang adalah keramik dan porselen. Seni keramik secara alami terbagi dalam dua kategori. Polikrom halus Imari, Nabeshima, dan Kakiemon china mengambil namanya dari tempat produksinya, dan lukisannya yang kaya pada permukaan krem ​​​​atau putih kebiruan ditujukan untuk kalangan bangsawan dan istana. Proses pembuatan porselen asli mulai dikenal di Jepang pada akhir abad ke-16 atau awal abad ke-17; piring dan mangkuk dengan glasir halus, dengan pola asimetris atau seperti brokat, dihargai baik di rumah maupun di Barat.

Berbeda dengan porselen dalam tembikar kasar yang terbuat dari tanah liat atau massa batu berkualitas rendah, yang merupakan ciri khas Shino, Oribe, dan Bizen, perhatian difokuskan pada bahannya, yang tampaknya ceroboh, tetapi penataan elemen dekoratifnya dengan cermat. Dipengaruhi oleh konsep Buddhisme Zen, bejana semacam itu sangat populer di kalangan intelektual dan digunakan secara luas, terutama dalam upacara minum teh. Dalam banyak cangkir, teko, dan caddie, atribut seni upacara minum teh, inti dari Buddhisme Zen diwujudkan: disiplin diri yang keras dan kesederhanaan yang ketat. Selama masa kejayaan seni dekoratif Jepang, seniman berbakat Korin dan Kenzan terlibat dalam mendekorasi produk keramik. Perlu diingat bahwa kemasyhuran Kenzan lebih banyak dikaitkan dengan bakatnya sebagai seorang ahli keramik, dan bukan sebagai seorang pelukis. Beberapa jenis dan teknik pembuatan kapal yang lebih sederhana berasal dari tradisi kerajinan rakyat. Bengkel modern, melanjutkan tradisi lama, menghasilkan produk cantik yang menyenangkan dengan kesederhanaannya yang elegan.

Produk pernis.

Sudah di abad 7-8. pernis dikenal di Jepang. Sejak saat itu, tutup peti mati yang dihiasi gambar orang dan motif geometris yang diaplikasikan dengan garis tipis keemasan telah dilestarikan. Kami telah berbicara tentang pentingnya teknik pernis kering untuk seni pahat pada abad ke-8 dan ke-9; pada saat yang sama dan kemudian, dibuatlah benda-benda dekoratif seperti kotak surat atau kotak dupa. Pada zaman Edo, produk ini dibuat dalam jumlah banyak dan dengan dekorasi yang paling megah. Kotak-kotak yang dihias dengan mewah untuk sarapan, untuk kue, untuk dupa dan obat-obatan, yang disebut inro, mencerminkan kekayaan dan kecintaan akan kemewahan yang melekat saat ini. Permukaan benda-benda itu dihiasi dengan pola bubuk emas dan perak, potongan-potongan kertas emas, sendiri-sendiri atau dikombinasikan dengan inlay cangkang, induk mutiara, paduan timah dan timah, dll.; pola-pola ini kontras dengan permukaan merah, hitam atau coklat yang dipernis. Terkadang seniman seperti Korin dan Koetsu membuat desain pernis, tetapi kecil kemungkinannya mereka secara pribadi berpartisipasi dalam karya ini.

Pedang.

Orang Jepang, seperti yang telah dikatakan, telah menjadi bangsa pejuang selama periode yang cukup lama dalam sejarah mereka; senjata dan baju besi dianggap sebagai barang penting bagi sebagian besar penduduk. Pedang adalah kebanggaan seorang pria; baik bilahnya sendiri maupun semua bagian pedang lainnya, terutama gagangnya (tsuba), didekorasi dengan berbagai teknik. Tsuba yang terbuat dari besi atau perunggu dihiasi dengan tatahan emas dan perak, diukir, atau dipangkas dengan keduanya. Mereka menggambarkan pemandangan atau sosok orang, bunga atau lambang keluarga (mon). Semua ini melengkapi karya pembuat pedang.

Kain.

Sutra bermotif kaya dan kain lainnya, disukai oleh istana dan pendeta pada saat kemewahan dan kelimpahan, serta kain polos dengan karakteristik desain seni rakyat yang hampir primitif, juga merupakan ekspresi bakat nasional Jepang. Mencapai puncaknya pada era Genroku yang kaya, seni tekstil kembali berkembang di Jepang modern. Ini menggabungkan ide dan serat buatan dari Barat dengan warna tradisional dan motif dekoratif.

Taman.

Dalam beberapa dekade terakhir, minat terhadap taman dan arsitektur Jepang telah meningkat karena publik Barat lebih banyak terpapar pada bentuk seni ini. Taman di Jepang memiliki tempat khusus; mereka adalah ekspresi dan simbol dari kebenaran religius dan filosofis yang tinggi, dan nada simbolis yang tidak jelas ini, dikombinasikan dengan keindahan taman yang tampak, membangkitkan minat dunia Barat. Tidak dapat dikatakan bahwa ide-ide religius atau filosofis adalah alasan utama membuat taman, tetapi ketika merencanakan dan membuat taman, perencana mempertimbangkan elemen-elemen seperti itu, yang perenungannya akan mengarahkan pemirsa untuk merenungkan berbagai kebenaran filosofis. Di sini, aspek kontemplatif Buddhisme Zen diwujudkan dalam kelompok batu yang tidak biasa, gelombang pasir dan kerikil yang digaruk, dikombinasikan dengan rumput, atau tanaman yang diatur sedemikian rupa sehingga aliran di belakangnya menghilang dan muncul kembali, yang semuanya mendorong pemirsa untuk menyelesaikannya sendiri. yang ditetapkan selama ide taman konstruksi. Preferensi untuk petunjuk yang tidak jelas daripada penjelasan yang dapat dipahami adalah ciri khas filosofi Zen. Pohon kerdil bonsai dan taman pot kecil, yang sekarang populer di Barat, telah menjadi kelanjutan dari gagasan ini.

Arsitektur.

Utama monumen arsitektur Jepang adalah kuil, kompleks biara, kastil dan istana feodal. Dari zaman kuno hingga saat ini, kayu telah menjadi bahan bangunan utama dan sebagian besar menentukan fitur desain. Bangunan keagamaan tertua adalah kuil agama nasional Jepang Shinto; dilihat dari teks dan gambarnya, mereka adalah bangunan yang relatif sederhana dengan atap jerami, seperti tempat tinggal kuno. Bangunan kuil yang didirikan setelah penyebaran agama Buddha dan terkait dengannya didasarkan pada prototipe Cina dalam gaya dan tata letak. Arsitektur kuil Buddha telah berubah dari waktu ke waktu, dan dekorasi serta penataan bangunan bervariasi di sekte yang berbeda. Bangunan Jepang dicirikan oleh aula besar dengan atap tinggi dan sistem konsol yang rumit, dan dekorasinya mencerminkan selera pada masanya. Arsitektur kompleks Horyu-ji yang sederhana dan megah, dibangun di dekat Nara pada awal abad ke-7, merupakan ciri khas periode Asuka sebagaimana keindahan dan keanggunan proporsi Hoodo, "Aula Phoenix" Uji yang tercermin di Danau Teratai , adalah periode Heian. Struktur yang lebih rumit dari periode Edo menerima hiasan tambahan dalam bentuk pintu geser dan layar yang dicat dengan indah yang dibuat oleh "dekorator hebat" yang sama yang menghiasi interior kastil berparit dan istana feodal.

Arsitektur dan taman Jepang sangat erat kaitannya sehingga dapat dianggap sebagai bagian dari satu sama lain. Ini terutama berlaku untuk bangunan dan rumah taman untuk upacara minum teh. Keterbukaan, kesederhanaan, dan koneksi mereka yang dibuat dengan hati-hati dengan lanskap dan perspektif memiliki pengaruh yang besar Arsitektur modern Barat.

DAMPAK SENI JEPANG DI BARAT

Hanya dalam satu abad, seni Jepang dikenal di Barat dan berdampak signifikan padanya. Ada juga kontak sebelumnya (misalnya, Belanda berdagang dengan Jepang melalui pelabuhan Nagasaki), tetapi benda-benda yang sampai ke Eropa pada abad ke-17 sebagian besar adalah karya seni terapan - porselen dan pernis. Mereka dengan penuh semangat dikumpulkan sebagai keingintahuan dan disalin dengan berbagai cara, tetapi ekspor dekoratif ini tidak mencerminkan esensi dan kualitas seni Jepang dan bahkan memberi orang Jepang gagasan yang tidak menyenangkan tentang cita rasa Barat.

Untuk pertama kalinya, seni lukis Barat mengalami pengaruh langsung seni Jepang di Eropa pada tahun 1862 selama Pameran Internasional besar-besaran di London. Diperkenalkan di Pameran Paris lima tahun kemudian, cetakan balok kayu Jepang membangkitkan minat baru. Beberapa koleksi ukiran pribadi segera bermunculan. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh, dan lainnya mengambil cetakan warna Jepang sebagai wahyu; pengaruh seni grafis Jepang yang sedikit tetapi selalu dapat dikenali pada kaum Impresionis sering dicatat. Orang Amerika Whistler dan Mary Cassatt tertarik dengan batasan garis dan warna cerah dari cetakan dan lukisan ukiyo-e.

Pembukaan Jepang untuk orang asing pada tahun 1868 menciptakan daya tarik dengan segala hal Barat dan membuat orang Jepang berpaling dari kekayaan budaya dan warisan seni mereka sendiri. Saat ini, banyak lukisan dan pahatan indah dijual dan berakhir di museum Barat dan koleksi pribadi. Pameran barang-barang ini memperkenalkan Barat ke Jepang dan membangkitkan minat untuk bepergian ke Timur Jauh. Tidak diragukan lagi, pendudukan Jepang oleh pasukan Amerika pada akhir Perang Dunia II membuka lebih banyak peluang daripada sebelumnya untuk mengenal dan mempelajari lebih dalam kuil-kuil Jepang dan harta karunnya. Ketertarikan ini tercermin dari kehadiran museum-museum Amerika. Ketertarikan pada Timur pada umumnya disebabkan oleh penyelenggaraan pameran seni Jepang yang dipilih dari koleksi publik dan pribadi Jepang dan dibawa ke Amerika dan Eropa.

Penelitian ilmiah dekade terakhir melakukan banyak hal untuk membantah pendapat bahwa seni Jepang hanyalah cerminan dari seni Cina, dan banyak publikasi Jepang lainnya bahasa Inggris memperkenalkan Barat pada cita-cita Timur.

Adegan seni Jepang modern tampaknya benar-benar mengglobal. Seniman melakukan perjalanan antara Tokyo dan New York, hampir semuanya menerima pendidikan Eropa atau Amerika, mereka berbicara tentang karya mereka dalam bahasa Inggris seni internasional. Namun, gambaran ini masih jauh dari lengkap.

Bentuk dan tren nasional ternyata menjadi salah satu barang paling dicari yang dapat ditawarkan Jepang ke pasar dunia untuk ide dan karya artistik.

operasi pesawat. Bagaimana superflat menggabungkan budaya geek Amerika dan lukisan tradisional Jepang

Takashi Murakami. "Tang Tan Bo"

Jika di dunia Barat untuk hampir semua orang (kecuali mungkin ahli teori postmodern yang paling bersemangat) batas antara budaya tinggi dan budaya massa masih relevan, meskipun bermasalah, maka di Jepang dunia ini benar-benar bercampur.

Contohnya adalah Takashi Murakami, yang berhasil menggabungkan pameran di galeri terbaik dunia dan produksi streaming.

Rekaman tur pameran Murakami "Akan ada hujan ringan"

Namun, hubungan Murakami dengan budaya populer - dan untuk Jepang ini terutama budaya penggemar manga dan anime (otaku) - lebih rumit. Filsuf Hiroki Azuma mengkritik pemahaman otaku sebagai fenomena asli Jepang. Otaku menganggap dirinya terkait langsung dengan tradisi periode Edo abad 17-19 - era isolasionisme dan penolakan modernisasi. Azuma berpendapat bahwa gerakan otaku - berdasarkan manga, animasi, novel grafis, permainan komputer - hanya dapat muncul dalam konteks pendudukan Amerika pascaperang sebagai akibat dari impor budaya Amerika. Seni Murakami dan para pengikutnya menciptakan kembali otaku dengan teknik seni pop dan menghilangkan mitos nasionalis tentang keaslian tradisi tersebut. Ini merupakan "re-Amerikanisasi budaya Amerika Jepang."

Dari sudut pandang artistik, superflat paling dekat dengan lukisan ukiyo-e Jepang awal. Karya paling terkenal dalam tradisi ini adalah cetakan The Great Wave Off Kanagawa oleh Katsushika Hokusai (1823–1831).

Bagi modernisme Barat, penemuan lukisan Jepang merupakan terobosan. Itu memungkinkan untuk melihat gambar sebagai sebuah bidang dan berusaha untuk tidak mengatasi kekhasan itu, tetapi untuk bekerja dengannya.

Katsushiki Hokusai. "Gelombang Hebat Kanagawa"

Pelopor kinerja. Apa arti seni Jepang tahun 1950-an saat ini

Dokumentasi proses kreatif Akira Kanayama dan Kazuo Shiraga

Superflat baru terbentuk pada tahun 2000-an. Tetapi aksi artistik yang penting bagi seni dunia dimulai di Jepang jauh lebih awal - dan bahkan lebih awal daripada di Barat.

Pergantian performatif dalam seni terjadi pada pergantian tahun 60-an dan 70-an abad lalu. Di Jepang, pertunjukan tersebut muncul pada tahun lima puluhan.

Untuk pertama kalinya, Grup Gutai mengalihkan fokusnya dari pembuatan objek swasembada ke proses produksinya. Dari sini - satu langkah menuju pengabaian objek seni demi acara fana.

Meskipun seniman individu dari Gutai (dan ada 59 dari mereka dalam dua puluh tahun) secara aktif eksis dalam konteks internasional, memahami bagaimana aktivitas kolektif mereka seni pascaperang Jepang pada umumnya dimulai di Barat baru-baru ini. Ledakan datang pada tahun 2013 dengan beberapa pameran di galeri kecil di New York dan Los Angeles, Tokyo 1955-1970: The New Avant-Garde di MoMA, dan retrospektif sejarah besar-besaran Gutai: Taman Bermain Splendid di Museum Guggenheim. Impor seni Jepang ke Moskow tampaknya merupakan kelanjutan yang hampir terlambat dari tren ini.

Sadamasa Motonaga. Pekerjaan (Air) di Museum Guggenheim

Sungguh menakjubkan betapa modern tampilan pameran retrospektif ini. Misalnya, objek sentral eksposisi di Museum Guggenheim adalah rekonstruksi Karya (Air) oleh Sadamasa Motonaga, di mana tingkat rotunda museum dihubungkan dengan pipa polietilen dengan air berwarna. Mereka mengingatkan pada sapuan kuas yang telah robek dari kanvas, dan berfungsi sebagai contoh fokus utama Gutai pada "kekonkretan" (sebagaimana nama band diterjemahkan dari bahasa Jepang), materialitas objek yang digunakan seniman untuk bekerja.

Banyak anggota Gutai mengenyam pendidikan terkait lukisan nihonga klasik, banyak yang secara biografis terikat dengan konteks religius Buddhisme Zen, dengan kaligrafi khas Jepangnya. Semuanya menemukan pendekatan baru, prosedural atau partisipatif terhadap tradisi kuno. Kazuo Shiraga telah merekam bagaimana dia menggambar monokrom anti-Rauschenberg dengan kakinya, dan bahkan membuat lukisan di depan umum.

Minoru Yoshida mengubah bunga dari cetakan Jepang menjadi objek psikedelik - contohnya adalah Bunga Biseksual, salah satu patung kinetik (bergerak) pertama di dunia.

Kurator pameran di Museum Guggenheim berbicara tentang signifikansi politik dari karya-karya ini:

"The Gutai menunjukkan pentingnya tindakan individu yang bebas, penghancuran ekspektasi penonton, dan bahkan kebodohan sebagai cara untuk melawan kepasifan dan kesesuaian sosial yang, selama beberapa dekade, memungkinkan pemerintah militeristik untuk mendapatkan pengaruh massa yang kritis, menyerang China, dan kemudian bergabung dengan Perang Dunia II."

Baik dan bijaksana. Mengapa Artis Meninggalkan Jepang ke Amerika pada 1960-an

Gutai adalah pengecualian dari aturan di Jepang pascaperang. Kelompok avant-garde tetap marjinal, dunia seni sangat hierarkis. Cara utama untuk pengakuan adalah partisipasi dalam kompetisi yang diadakan oleh asosiasi seniman klasik yang diakui. Oleh karena itu, banyak yang lebih suka pergi ke Barat dan berintegrasi ke dalam sistem seni berbahasa Inggris.

Itu sangat sulit bagi wanita. Bahkan di Gutai yang progresif, bagian dari kehadiran mereka bahkan tidak mencapai seperlima. Apa yang dapat kami katakan tentang institusi tradisional, untuk akses yang diperlukan Pendidikan luar biasa. Pada tahun enam puluhan, anak perempuan telah memperoleh hak untuk itu, namun, belajar seni (jika bukan tentang dekoratif, yang merupakan bagian dari rangkaian keterampilan ryosai kenbo- istri yang baik dan ibu yang bijak) adalah pekerjaan yang tidak disukai secara sosial.

Yoko Ono. potongan potong

Kisah emigrasi lima artis wanita Jepang yang kuat dari Tokyo ke Amerika Serikat menjadi subjek studi Midori Yoshimoto "Into Performance: Japanese Women Artists in New York". Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi dan Shigeko Kubota pada awal karir mereka memutuskan untuk berangkat ke New York dan bekerja di sana, termasuk pada modernisasi tradisi seni rupa Jepang. Hanya Yoko Ono yang dibesarkan di AS - tetapi dia juga dengan sengaja menolak untuk kembali ke Jepang, karena kecewa dengan hierarki artistik Tokyo selama kunjungan singkatnya pada tahun 1962-1964.

Ono menjadi yang paling terkenal dari kelimanya, tidak hanya sebagai istri John Lennon, tetapi juga sebagai penulis pertunjukan proto-feminis yang didedikasikan untuk objektifikasi tubuh perempuan. Ada persamaan yang jelas antara Cut Piece It, di mana penonton dapat memotong potongan pakaian artis, dan "Rhythm 0" oleh "nenek penampil" Marina Abramović.

Dengan kaki pendek. Cara lulus pelatihan akting penulis Tadashi Suzuki

Dalam kasus Ono dan Gutai, metode dan tema karya mereka, terpisah dari penulisnya, menjadi signifikan secara internasional. Ada bentuk ekspor lain - ketika karya seniman dianggap menarik di kancah internasional, tetapi peminjaman metode aktual tidak terjadi karena kekhususannya. Kasus yang paling mencolok adalah sistem pelatihan akting Tadashi Suzuki.

Teater Suzuki dicintai bahkan di Rusia - dan ini tidak mengherankan. Terakhir kali dia bersama kami pada tahun 2016 dengan penampilan The Trojan Women berdasarkan teks Euripides, dan pada tahun 2000-an dia datang beberapa kali dengan produksi Shakespeare dan Chekhov. Suzuki memindahkan aksi drama tersebut ke konteks Jepang saat ini dan menawarkan interpretasi teks yang tidak jelas: dia menemukan anti-Semitisme di Ivanov dan membandingkannya dengan sikap menghina orang Jepang terhadap orang Cina, memindahkan tindakan Raja Lear ke rumah sakit jiwa Jepang.

Suzuki membangun sistemnya untuk menentang sekolah teater Rusia. DI DALAM akhir XIX abad, selama apa yang disebut periode Meiji, kekaisaran Jepang yang modern mengalami kebangkitan gerakan oposisi. Hasilnya adalah westernisasi besar-besaran dari budaya yang sebelumnya sangat tertutup. Di antara formulir yang diimpor adalah sistem Stanislavsky, yang masih tetap di Jepang (dan di Rusia) salah satu metode pengarahan utama.

Latihan Suzuki

Pada tahun enam puluhan, ketika Suzuki memulai karirnya, tesis semakin menyebar karena fitur tubuh mereka, aktor Jepang tidak dapat terbiasa dengan peran dari teks Barat yang mengisi repertoar saat itu. Sutradara muda itu berhasil menawarkan alternatif yang paling meyakinkan.

Sistem latihan Suzuki, yang disebut tata bahasa kaki, mencakup lusinan cara untuk duduk, dan bahkan lebih banyak lagi untuk berdiri dan berjalan.

Aktornya biasanya bermain tanpa alas kaki dan tampak, dengan menurunkan pusat gravitasi, diikat sekencang mungkin ke tanah, berat. Suzuki mengajari mereka dan pemain asing tekniknya di desa Toga, di rumah-rumah kuno Jepang yang dipenuhi peralatan modern. Rombongannya hanya memberikan sekitar 70 pertunjukan setahun, dan sisa waktu dia hidup, hampir tanpa meninggalkan desa dan tidak punya waktu untuk urusan pribadi - hanya bekerja.

Pusat Toga muncul pada tahun 1970-an dan dirancang atas permintaan direktur oleh arsitek terkenal dunia Arata Isozaka. Sistem Suzuki mungkin tampak patriarkal dan konservatif, tetapi dia sendiri berbicara tentang Toga dalam istilah desentralisasi modern. Bahkan di pertengahan tahun 2000-an, Suzuki memahami pentingnya mengekspor karya seni dari ibu kota ke daerah dan menata titik-titik produksi lokal. Menurut sutradara, peta teater Jepang dalam banyak hal mirip dengan peta Rusia - seni terkonsentrasi di Tokyo dan beberapa pusat yang lebih kecil. Teater Rusia juga akan mendapat manfaat dari perusahaan yang secara teratur melakukan tur di kota-kota kecil dan berbasis jauh dari ibu kota.

Pusat Perusahaan SCOT di Toga

Jejak bunga. Sumber daya apa yang ditemukan teater modern dalam sistem noh dan kabuki

Metode Suzuki tumbuh dari dua tradisi Jepang kuno - tetapi juga kabuki. Jenis teater ini tidak hanya sering dicirikan sebagai seni berjalan, tetapi juga dalam detail yang lebih jelas. Suzuki sering mengikuti aturan tentang penampilan semua peran oleh laki-laki, menggunakan solusi spasial yang khas, misalnya hanamichi ("jalur bunga") dari sampel kabuki - sebuah platform yang membentang dari panggung hingga kedalaman auditorium. Dia juga mengeksploitasi simbol yang cukup dikenal seperti bunga dan gulungan.

Tentu saja, di dunia global tidak ada pertanyaan tentang hak istimewa orang Jepang untuk menggunakan bentuk nasional mereka.

Teater salah satu sutradara terpenting di zaman kita, Robert Wilson dari Amerika, dibangun dengan pinjaman dari tapi.

Dia tidak hanya menggunakan topeng dan make-up yang mengingatkan khalayak ramai tentang Jepang, tetapi juga meminjam cara bertindak berdasarkan perlambatan maksimum gerakan dan ekspresi gerak tubuh yang mandiri. Menggabungkan bentuk-bentuk tradisional dan ritualistik dengan skor cahaya ultra-modern dan musik minimalis (salah satu karya Wilson yang paling terkenal adalah produksi opera Einstein on the Beach karya Philip Glass), Wilson pada dasarnya menghasilkan sintesis asal-usul dan relevansi yang diperjuangkan oleh banyak seni modern. .

Robert Wilson. "Einstein di Pantai"

Dari noh dan kabuki, tumbuh salah satu pilar tarian modern - butoh, secara harfiah diterjemahkan - tarian kegelapan. Diciptakan pada tahun 1959 oleh koreografer Kazuo Ono dan Tatsumi Hijikata, yang juga menggunakan pusat gravitasi rendah dan konsentrasi pada kaki, butoh membawa refleksi dari pengalaman perang yang traumatis ke dalam dimensi tubuh.

“Mereka menunjukkan tubuh yang sakit, roboh, bahkan mengerikan, mengerikan.<…>Gerakannya lambat, atau sengaja tajam, meledak. Untuk itu digunakan teknik khusus, yaitu gerakan yang dilakukan seolah-olah tanpa melibatkan otot-otot utama, karena tulang tuas kerangka,” sebut sejarawan tari Irina Sirotkina dalam sejarah pembebasan tubuh, sambung butoh. dengan keberangkatan dari normativitas balet. Dia membandingkan butoh dengan praktik penari dan koreografer di awal abad ke-20 - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, berbicara tentang pengaruh tarian "postmodern" di kemudian hari.

Sebuah penggalan tarian Katsura Kana, penerus tradisi butoh modern

Saat ini, butoh dalam bentuk aslinya bukan lagi sebuah praktik avant-garde, melainkan sebuah rekonstruksi sejarah.

Namun, kamus gerakan yang dikembangkan oleh Ohno, Hijikata dan para pengikutnya tetap menjadi sumber yang berharga koreografer kontemporer. Di Barat, itu digunakan oleh Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky dan bahkan dalam video "Belong To The World" oleh The Weekend. Di Jepang, penerus tradisi butoh misalnya adalah Saburo Teshigawara yang akan datang ke Rusia pada bulan Oktober. Meskipun dia sendiri menyangkal kesejajaran dengan tarian kegelapan, para kritikus menemukan tanda-tanda yang cukup dapat dikenali: tubuh yang tampaknya tanpa tulang, kerapuhan, langkah tanpa suara. Benar, mereka sudah ditempatkan dalam konteks koreografi postmodernis - dengan tempo tinggi, lari, bekerja dengan musik noise pascaindustri.

Saburo Teshigawara. metamorfosis

Lokal global. Bagaimana seni Jepang kontemporer mirip dengan seni Barat?

Karya Teshigawara dan banyak rekannya secara organik cocok dengan program festival tari kontemporer Barat terbaik. Jika Anda membaca sekilas deskripsi pertunjukan dan pertunjukan yang ditampilkan di Festival / Tokyo - pertunjukan tahunan teater Jepang terbesar, akan sulit untuk melihat perbedaan mendasar dari tren Eropa.

Salah satu tema utamanya adalah kekhususan lokasi - seniman Jepang menjelajahi ruang-ruang Tokyo, mulai dari rumpun kapitalisme dalam bentuk gedung pencakar langit hingga area marginal konsentrasi otaku.

Tema lainnya adalah studi tentang kesalahpahaman antar generasi, teater sebagai tempat pertemuan langsung dan komunikasi yang terorganisir dari orang-orang dari berbagai usia. Proyek yang didedikasikan untuknya oleh Toshika Okada dan Akira Tanayama dibawa ke Wina selama beberapa tahun berturut-turut ke salah satu festival seni pertunjukan utama Eropa. Tidak ada yang baru dalam pemindahan materi dokumenter dan cerita pribadi ke panggung pada akhir tahun 2000-an, tetapi kurator Festival Wina mempresentasikan proyek ini kepada publik sebagai kesempatan untuk kontak langsung dan langsung dengan orang lain. budaya.

Jalur utama lainnya adalah bekerja melalui pengalaman traumatis. Bagi orang Jepang, ini tidak terkait dengan Gulag atau Holocaust, tetapi dengan pengeboman Hiroshima dan Nagasaki. Teater mengacu padanya terus-menerus, tetapi pernyataan paling kuat tentang ledakan atom sebagai momen asal mula semua budaya Jepang modern masih menjadi milik Takashi Murakami.

ke pameran "Little Boy: Seni Subkultur Meledak Jepang"

“Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” adalah judul dari proyek kurasinya yang ditampilkan di New York pada tahun 2005. "Anak Kecil" - "bayi" dalam bahasa Rusia - nama salah satu bom yang dijatuhkan di Jepang pada tahun 1945. Mengumpulkan ratusan komik manga dari ilustrator terkemuka, mainan vintage yang khas, merchandise yang terinspirasi oleh anime terkenal dari Godzilla hingga Hello Kitty, Murakami telah mendorong konsentrasi kelucuan - kawaii - hingga batasnya di ruang museum. Pada saat yang sama, ia meluncurkan pilihan animasi, di mana gambar ledakan, tanah kosong, dan kota yang hancur menjadi gambar utamanya.

Oposisi ini adalah pernyataan besar pertama tentang kekanak-kanakan budaya Jepang sebagai cara untuk mengatasi gangguan stres pascatrauma.

Sekarang kesimpulan ini tampaknya sudah jelas. Sebuah studi akademik kawaii oleh Inuhiko Yomota dibangun di atasnya.

Ada juga pemicu traumatis di kemudian hari. Yang paling penting - peristiwa 11 Maret 2011, gempa bumi dan tsunami yang menyebabkan kecelakaan besar di PLTN Fukushima. Di Festival/Tokyo-2018, seluruh program yang terdiri dari enam pertunjukan dikhususkan untuk memahami konsekuensi dari bencana alam dan teknologi; mereka juga menjadi tema salah satu karya yang dipresentasikan di Solyanka. Contoh ini dengan jelas menunjukkan bahwa gudang metode kritis yang digunakan oleh seni Barat dan Jepang pada dasarnya tidak berbeda. Haruyuki Ishii membuat instalasi dari tiga perangkat televisi yang berputar melalui cuplikan yang diedit dan diputar dengan kecepatan tinggi dari program televisi tentang gempa bumi.

“Karya tersebut terdiri dari 111 video yang ditonton seniman setiap hari di berita hingga saat semua yang dilihatnya tidak lagi dianggap sebagai fiksi,” jelas kurator. New Japan adalah contoh jitu tentang bagaimana seni tidak menolak interpretasi berdasarkan mitos nasional, tetapi pada saat yang sama pandangan kritis mengungkapkan bahwa interpretasi yang sama dapat relevan untuk seni dari asal mana pun. Kurator berbicara tentang kontemplasi sebagai dasar tradisi Jepang, mengambil kutipan dari Lao Tzu. Pada saat yang sama, seolah-olah lepas dari kurung bahwa hampir semua seni kontemporer terfokus pada “efek pengamat” (sebutan pameran) - baik dalam bentuk penciptaan konteks baru untuk persepsi fenomena yang sudah dikenal atau dalam membangkitkan pertanyaan tentang kemungkinan persepsi yang memadai seperti itu.

Komunitas Terbayang - karya lain oleh seniman video Haruyuki Ishii

Permainan

Namun, jangan berpikir bahwa Jepang tahun 2010-an adalah konsentrasi kemajuan.

Kebiasaan tradisionalisme lama yang baik dan kecintaan pada eksotisme orientalis belum juga hilang. "The Theater of Virgins" adalah judul artikel yang agak mengagumkan tentang teater Jepang "Takarazuka" di majalah konservatif Rusia "PTJ". Takarazuka muncul pada akhir abad ke-19 sebagai proyek bisnis untuk menarik wisatawan ke kota terpencil dengan nama yang sama, yang secara tidak sengaja menjadi terminal kereta api swasta. Hanya gadis lajang yang bermain di teater, yang menurut pemilik rel kereta api, seharusnya memikat penonton pria ke kota. Saat ini, Takarazuka berfungsi seperti sebuah industri, dengan saluran TVnya sendiri, program konser yang padat, bahkan taman hiburan lokal. Tetapi hanya gadis yang belum menikah yang masih memiliki hak untuk bergabung dalam rombongan - semoga saja mereka tidak memeriksa keperawanan setidaknya.

Namun, Takarazuka tidak ada artinya jika dibandingkan dengan klub Toji Deluxe di Kyoto, yang juga disebut teater oleh orang Jepang. Mereka benar-benar liar, dilihat dari keterangan Kolumnis New York Ian Buruma, pertunjukan striptis: beberapa gadis telanjang di atas panggung mengubah demonstrasi alat kelamin menjadi ritual publik.

Seperti banyak praktik artistik, pertunjukan ini didasarkan pada legenda kuno (dengan bantuan lilin dan kaca pembesar, pria dari penonton dapat bergiliran menjelajahi "rahasia ibu dewi Amaterasu"), dan penulis sendiri diingatkan tentang tradisi noh .

Kami akan menyerahkan pencarian analog Barat untuk Takarazuki dan Toji kepada pembaca - tidak sulit untuk menemukannya. Kami hanya mencatat bahwa sebagian besar seni modern diarahkan secara tepat untuk memerangi praktik penindasan semacam itu - baik Barat maupun Jepang, mulai dari tarian superflat hingga butoh.

Jepang adalah negara yang sangat menarik, terkenal dengan berbagai macam tradisi dan adat istiadat. Posisi geografis Negeri Matahari Terbit membuatnya agak terisolasi dari negara bagian lain, sehingga berkembang tanpa memperhatikan negara-negara Eropa. Budaya Jepang sangat kaya dan beragam. Tradisi Jepang yang aneh terbentuk di bawah pengaruh sejarah acara penting. Lambat laun, Jepang berubah menjadi negara yang kuat dan kohesif dengan ciri khas dan mentalitas penduduk tertentu.

Aspek utama budaya Jepang

Budaya negara dimanifestasikan di banyak bidang masyarakat. Di Jepang, aspeknya adalah;

Proses minum teh bagi orang Jepang bukanlah pemuasan kebutuhan fisiologis tubuh yang sederhana, melainkan pemujaan yang nyata. Upacara minum teh di Jepang disertai dengan atribut khusus dan mengandung banyak tradisi. Sikap hormat seperti itu, tampaknya, terhadap proses sehari-hari berkembang dari meditasi para biksu Buddha. Merekalah yang membawa begitu banyak makna pada proses minum teh.

Bagi orang Eropa, konsep "kimono" menjadi ciri khas pakaian nasional Jepang. Namun, di Negeri Matahari Terbit itu sendiri, ada dua arti dari kata ini - dalam arti sempit dan luas. Kata "kimono" di Jepang tidak hanya merujuk pada kostum nasional, tetapi juga pada semua pakaian pada umumnya. Di bawah kimono, biasanya dikenakan jubah khusus dan tujuh ikat pinggang. Kimono yang dikenakan di musim panas disebut yukata. Bergantung pada usia wanita tersebut, model pakaiannya juga bisa berbeda.

Di Jepang, dua gerakan keagamaan berhasil diberitakan sekaligus - Shintoisme dan Budha. Shintoisme muncul di Jepang kuno, didasarkan pada pemujaan terhadap berbagai makhluk. Buddhisme, pada gilirannya, dibagi menjadi beberapa varietas. Di Jepang, ada banyak sekolah yang mempromosikan satu atau beberapa tren agama Buddha.

Taman batu sangat penting dalam budaya Jepang. Mereka bukan hanya sebuah karya arsitektur yang menarik perhatian wisatawan, tetapi juga sebuah tempat pertumbuhan rohani. Di sini orang Jepang menemukan pencerahan dari perenungan struktur batu yang terletak dalam tatanan khusus. Taman batu mencakup rencana khusus, yang hanya dapat diurai oleh orang yang tercerahkan.

Tango no sekku adalah perayaan untuk menghormati anak laki-laki. Itu didedikasikan tidak hanya untuk semua perwakilan laki-laki kecil, tetapi juga untuk maskulinitas dan kekuatan seluruh rakyat Jepang. Merupakan kebiasaan untuk merayakan liburan di musim semi, saat alam terbangun dan senang dengan keindahannya. Pada hari tango no sekku, anak laki-laki diasuh oleh orang tuanya. Sang ayah harus memberi tahu putranya tentang semua prajurit Jepang dan eksploitasi mereka. Dan ibunya menyiapkan meja untuknya dengan makanan lezat.

Bunga sakura dianggap sebagai fenomena alam terindah. Banyak turis datang ke sini hanya untuk menikmati kontemplasi tanaman berbunga. Di musim semi, kerumunan besar orang dapat diamati di taman-taman Jepang. Banyak keluarga pergi piknik dan menyaksikan keindahan pohon sakura Jepang.

Busur dapat dikaitkan dengan tradisi khas negara tersebut. Mereka mewakili aturan perilaku yang baik. Orang Jepang tidak biasa mengucapkan selamat tinggal, sebaliknya mereka membungkuk sebanyak yang dilakukan lawan bicara.

Samurai mewakili kelas masyarakat tertentu yang berkembang di bawah pengaruh tradisi dan adat istiadat. Ini memiliki hubungan langsung dengan budaya negara. Samurai adalah pendekar yang menjalankan tugas tertentu, yang dapat berupa militer, keamanan, atau rumah tangga. Dalam salah satu kasus ini, samurai melambangkan keberanian, kejantanan, dan kebangsawanan orang Jepang.

Proses pembentukan budaya Jepang kuno

Kebudayaan Jepang kuno mulai berkembang dengan lahirnya bahasa dan tulisan Jepang. Tanah matahari terbit meminjam dasar untuk ini dari Cina. Tulisan Jepang juga mengandung hieroglif, yang tidak dapat dipahami oleh warga negara asing. Seiring waktu, kata, bunyi, dan frasa baru mulai ditambahkan ke bahasa Jepang. Jadi dia benar-benar berubah fitur umum dengan China masih dapat dilacak.

Religiusitas negara juga berasal dari zaman kuno. Shintoisme adalah konsekuensi dari perkembangan berbagai mitologi. Pada saat ini ajaran ini mempromosikan kultus para pemimpin dan orang mati. Agama Buddha, sebaliknya, memiliki akar yang begitu dalam sehingga pendapat para ilmuwan dan sejarawan tentang kemunculan agama jenis ini sangat bervariasi.

seni Jepang

Hampir semua jenis seni yang dipraktikkan di Jepang membawa satu gagasan utama - ketenangan dan relaksasi. Justru keharmonisan seseorang dengan dirinya sendiri yang mengandung seni, terlepas dari cara penyajian informasi. Banyak bentuk seni yang dikenal di seluruh dunia mulai berkembang di Jepang. Diantaranya, origami dapat dibedakan - kemampuan melipat berbagai bentuk dari kertas.

Lain bagian populer Seni Jepang menjadi ikebana. Ini adalah keterampilan membentuk karangan bunga dengan menggunakan teknologi khusus. Dari sinilah muncul kegiatan yang sama populernya, yang disebut bonsai. Ini adalah penciptaan berbagai komposisi dari pohon kerdil. Di Omiya, tidak jauh dari Tokyo, ada taman Bonsai utuh. Setiap pohon kerdil yang disajikan di sini unik dan indah dengan caranya sendiri.

Lukisan Jepang pantas mendapatkan makna khusus, karena setiap lukisan memiliki makna tersembunyi. Sebagai desain, biasanya digunakan warna-warna cerah, transisi kontras, dan garis-garis yang jelas. Jepang juga memiliki seni kaligrafi. Ini adalah keterampilan menulis hieroglif yang indah secara estetika. Seni terapan juga tersebar luas di Jepang. Ada seluruh museum di Tokyo yang didedikasikan untuk kerajinan ini. Di sini Anda bisa melihat produk yang terbuat dari kertas, kaca atau logam. Dan ini bukanlah daftar lengkap bahan yang digunakan untuk tujuan ini.

Desain interior gaya Jepang juga patut mendapat perhatian khusus. Ini mencakup fungsionalitas dan kesederhanaan, bersama dengan orisinalitas eksekusi. Selain itu, desain interiornya mengusung filosofi religius, seperti bentuk seni Jepang lainnya.

arsitektur Jepang

Struktur arsitektur di Jepang, dengan satu atau lain cara, dikaitkan dengan agama. Bangunan candi pada awalnya, paling sering, tidak memiliki bunga. Ini karena penggunaan kayu yang tidak dicat dalam konstruksi. Kemudian mereka mulai menggunakan corak merah dan biru.

Bahan utama bangunan arsitektur di Jepang dianggap kayu. Hal ini disebabkan oleh fakta bahwa saham sumber daya ini cukup besar di dalam negeri. Selain fakta bahwa pohon menghantarkan panas dengan baik dan menyerap kelembapan, juga praktis selama gempa bumi, yang cukup sering terjadi di Jepang. Jika rumah batu sangat sulit untuk dibuat ulang setelah dihancurkan, maka rumah kayu jauh lebih mudah.

Fitur utama dalam arsitektur Jepang adalah adanya bentuk geometris yang rata. Paling sering, ini adalah segitiga dan persegi panjang. Hampir tidak mungkin untuk memenuhi kehalusan dan kebulatan garis dalam struktur apa pun. Prinsip utama yang mendasari orang Jepang melengkapi rumahnya adalah keberadaan bagian dalam dan luar rumah yang tidak terpisahkan. Ini berlaku untuk taman Jepang. Mereka harus didekorasi dengan gaya yang persis sama dengan rumah itu sendiri. Kalau tidak, itu dianggap tidak enak dan benar-benar tidak enak. Orang Jepang memberi perhatian khusus pada kebun mereka.

musik Jepang

Dalam hal perkembangan musik, Jepang melihat ke negara lain, menggunakan apapun alat-alat musik. Tapi kemudian dia memodernisasi mereka di bawah pengaruh selera dan tradisi lokal. Pengaruh pertama pembentukan musik klasik di Jepang adalah cerita rakyat lokal Dengaku, bercampur dengan pengaruh asing dan memunculkan musik yang saat ini akrab di Jepang.

Sisi religius dari masalah ini juga berkontribusi pada asal muasal musik. Berkat agama Kristen, permainan organ mulai menyebar. Dan Buddhisme mempromosikan bermain seruling.

Saat ini, musik klasik telah mendapatkan popularitas di Jepang. Banyak anggota sel kreativitas ini bepergian ke luar Jepang. Ini termasuk Goto Midori, Ozawa Seiji dan Uchida Mitsuko. Relatif baru-baru ini, aula yang dirancang untuk kenyamanan mendengarkan musik klasik dibuka di Jepang. Ini termasuk Kiyo Hall, Osaka Symphony Hall, Orchard, dll.

Tradisi rumah tangga Jepang

Orang Jepang adalah orang yang santun, menjalankan tradisi dan adat istiadat mereka. Menghormati diri sendiri dan orang lain di Jepang dianggap sebagai norma. Sejak kecil, anak-anak diajari norma-norma sopan santun, menjelaskan kepada mereka nilai-nilai dasar orang Jepang, dan mencerahkan mereka dengan segala cara yang memungkinkan. Dan itu semua untuk kepentingan masyarakat. Setiap turis yang datang ke Negeri Matahari Terbit dari negara lain akan terkejut melihat betapa ramah, bersahabat, dan santunnya orang Jepang.

Tidak seperti negara-negara Eropa, Jepang telah lama melarang merokok di tempat umum. Ini juga berlaku untuk properti pribadi. Merokok di dekat orang lain diperbolehkan hanya jika mereka telah memberikan persetujuannya.

Antara lain, orang Jepang dengan ketat mematuhi semua aturan kebersihan yang didiktekan masyarakat kepada mereka. Misalnya, di setiap ruangan, termasuk bangunan keagamaan, terdapat permadani khusus dari jerami. Anda tidak dapat berjalan di atasnya dengan sepatu, mereka tidak hanya dianggap sebagai dekorasi interior, tetapi juga penistaan ​​​​yang nyata. Selain itu, orang Jepang memutuskan untuk melindungi diri dari kemungkinan bakteri yang mereka bawa dari toilet di kaki mereka. Di tempat umum mana pun dan di apartemen terdapat sandal khusus untuk toilet, yang tidak memungkinkan perpindahan kuman berbahaya ke kamar lain.

Makan bagi orang Jepang tidak dianggap sebagai proses kehidupan, melainkan kultus yang nyata. Sebelum makan, orang Jepang selalu menyeka tangan dengan handuk khusus yang dibasahi air, yang disebut oshibori. Penataan meja tidak terjadi secara acak, tetapi menurut skema khusus. Bahkan setiap perangkat memiliki tempatnya masing-masing. Orang Jepang membagi mereka menjadi pria dan wanita, dan ini sangat penting bagi mereka. Sendok di Jepang hanya digunakan untuk makan sup o-zone, yang disiapkan untuk Tahun Baru, orang Jepang lebih suka minum sajian pertama lainnya secara eksklusif dari mangkuk khusus. Apalagi, mengecap bibir saat makan tidak dianggap sebagai bentuk yang buruk. Diyakini bahwa dengan cara ini rasa hidangan lebih terungkap.

Relevansi bentuk yang baik di Jepang dibuktikan dengan adanya aturan berikut:

• Tempat dan waktu pertemuan perlu didiskusikan terlebih dahulu. Terlambat di Jepang dianggap kurang ajar dan di luar batas kesopanan.
• Anda tidak dapat menyela lawan bicara, Anda harus sabar menunggu orang tersebut angkat bicara, lalu mulai mengutarakan pendapatnya.
• Jika Anda menghubungi nomor yang salah, Anda perlu meminta maaf.
• Jika seseorang datang membantu Anda, Anda pasti perlu berterima kasih padanya.
• Beberapa tamu Jepang dapat dianggap sebagai kehormatan. Bagi mereka, mereka bahkan mengalokasikan tempat khusus di meja, yang biasanya paling ekstrim dari pintu masuk ke ruangan.
• Saat memberikan hadiah kepada orang Jepang, seseorang harus meminta maaf karena rendah hati meskipun apa adanya. Itu aturannya, jangan dilanggar.
• Duduk di meja makan, pria boleh menyilangkan kaki, sedangkan wanita dilarang keras melakukannya. Kaki harus dimasukkan dan diarahkan ke satu arah.

Juga, tradisi dalam kehidupan Jepang termasuk pemujaan orang yang lebih tua. Tidak peduli apa profesi, penghasilan, penampilan atau karakter seseorang, jika dia lebih tua, maka dia harus diperlakukan dengan hormat. Usia tua di Jepang menginspirasi rasa hormat dan kebanggaan. Artinya, orang tersebut telah menempuh perjalanan jauh dan sekarang dia pantas mendapatkan penghargaan.

Bantu situs: Klik tombol

Halo, para pembaca yang budiman pencari ilmu dan kebenaran!

Hari ini kami mengundang Anda untuk menyentuh keindahan dan berbicara tentang seni Jepang Kuno. Pada artikel di bawah ini, kami akan mengulas secara singkat tahapan sejarah yang memengaruhi pembentukan seni rupa Jepang, kemudian membahas masing-masing komponennya secara lebih detail. Anda akan belajar tentang kekhasan tidak hanya jenis tradisional, seperti arsitektur, lukisan, tetapi juga tentang seni pertempuran, miniatur, teater, taman, dan banyak lagi.

Jadi, artikelnya menjanjikan akan menarik, dan yang terpenting - informatif!

Periode sejarah

Negeri Matahari Terbit memiliki budaya yang unik, diwujudkan dalam bangunan dan kuil tradisional asli, lukisan, patung, dekorasi, taman, karya sastra. Dalam beberapa abad terakhir, area non-sepele seperti potongan kayu, puisi, origami, bonsai, ikebana, dan bahkan manga dan anime semakin populer. Semuanya terbentuk untuk waktu yang lama, berakar pada zaman kuno.

Sangat sedikit yang diketahui tentang masa ini hingga awal abad terakhir, karena Jepang adalah negara yang agak tertutup bagi dunia luar. Namun, banyak penelitian telah dilakukan sejak saat itu, penggalian arkeologis yang ditemukan sangat menakjubkan. Mereka menunjukkan bahwa pada milenium kedua SM sudah ada masyarakat Jepang yang berbudaya, dan suku-suku primitif hidup di pulau-pulau itu 15-12 ribu tahun yang lalu.

Budaya Jepang mulai terbentuk sekitar milenium ke-4 SM, tetapi mencapai puncaknya pada Abad Pertengahan - pada periode dari abad ke-6 hingga abad ke-18.

Sejarah Jepang kuno dimulai pada zaman prasejarah dan diakhiri dengan tahap Heian pada abad ke-8 hingga ke-9, meskipun banyak peneliti memasukkan juga periode-periode selanjutnya. Dalam hal ini, tiga tahap utama dibedakan, yang pada gilirannya dibagi menjadi periode yang lebih kecil, atau jidai. Masing-masing dicirikan oleh penampilan produk, struktur, gaya baru.

1. Sistem komunal primitif

Masyarakat primitif di Jepang ada di era Neolitikum, ketika alat-alat batu pertama kali muncul, serta pada periode Jomon dan Yayoi. Diyakini bahwa Jōmon berlangsung dari milenium ke-10 hingga abad ke-4 SM. Kemudian keramik pertama mulai bermunculan, yang memiliki nama yang sama dengan seluruh zaman - jomon.

Bejana tembikar Jōmon

Kapal ini berbentuk asimetris dan memiliki ornamen tradisional berupa tali yang dipilin. Diyakini bahwa mereka digunakan dalam berbagai ritual dan ritual. Pada saat yang sama, muncul berbagai macam perhiasan - anting, gelang dan kalung yang terbuat dari tanah liat, gigi binatang, kerang, batu, kristal.

Anting dan gelang tanah liat dari periode Jomon

Pada abad III SM, era Yayoi dimulai, yang berlangsung selama enam abad. Kemudian penduduk setempat mereka belajar bercocok tanam padi, bertani, terus menguasai seni keramik, dan juga mulai melebur logam, diantaranya yang terpenting adalah besi, membuat senjata dari tembaga dan lonceng dari perunggu.

Lonceng perunggu Dotaku, akhir era Yayoi

• Pembentukan negara Kenegaraan Jepang mulai terbentuk dari abad ke-4 hingga abad ke-8. Periode ini dikenal sebagai periode Kofun dan Yamato. Kemudian seluruh jaringan gundukan kuburan muncul di negara itu, dan Jepang sendiri mulai bergerak lebih dekat ke Kerajaan Tengah, mengadopsi agama - dan dengan itu - arsitektur, patung... Bangunan terpenting pada zaman itu adalah Horyu-ji, diwakili oleh sebuah pagoda dalam lima tingkatan. Patung khusus yang terbuat dari tanah liat, yang disebut "khaniva", mulai dipasang di dekat gundukan.

Horyu-ji, Jepang

• Penetapan hukum Tahap ini jatuh pada periode Nara (abad VIII) dan Heian (akhir abad VIII-XII). Pada saat itu, orang Jepang semakin dekat dengan tetangganya - orang Cina dan Korea, bersama dengan konsep Buddha, mereka juga meminjam konsep Konfusianisme dan Tao, mengadopsi teknik pemrosesan logam, metode konstruksi dan desain bangunan, tren baru dalam melukis. terutama berubah - kuil Shinto sederhana digantikan oleh stupa Buddha berjenjang yang mirip dengan yang ada di India. Di tempat tinggal orang biasa, alih-alih tanah kosong, papan kayu muncul di lantai, dan atap cemara muncul di atasnya.

Penggambaran periode Nara di Jepang

Jika kita berbicara tentang waktu kemudian, maka kita dapat membedakan beberapa periode lagi dan ciri budaya utamanya:

• Karakum (abad XII-XIV) - penampilan samurai dan seni bela diri;
• Sengoku dan Jidai (abad XV-XVI) - masa ekspansi Eropa ke dunia Timur, di mana tren budaya Kristen dan Barat merambah bahkan ke Negeri Matahari Terbit;
• Edo (abad XVII-XIX) - kekuatan keluarga Tokugawa yang terkenal, ditandai dengan isolasi Jepang dan perkembangan identitas budaya.

Segala sesuatu yang terjadi kemudian adalah zaman baru dan modernitas, dan sekarang, tidak diragukan lagi, bahkan di Jepang yang relatif tertutup, ada sesuatu yang pasti globalisasi budaya- pengalaman para master Barat diadopsi, dan di Barat, pada gilirannya, motif Jepang menjadi mode. Namun, seni Jepang selalu memiliki cita rasa yang istimewa, memiliki keistimewaan yang unik.

Kesederhanaan, proporsionalitas dengan manusia, keringkasan, bahan alami, kesatuan dengan alam - begitulah cara Anda mencirikan mahakarya Jepang, baik kuno maupun modern.

Lukisan

Jepang, seperti yang Anda ketahui, berdiri terpisah sejak lama, perbatasannya ditutup dengan negara lain. Ketika, dengan munculnya abad ke-7, orang Jepang mulai lebih sering berkomunikasi dengan tetangga mereka, untuk menjalin hubungan dengan dunia kontinental, mereka menemukan cat, perkamen, tinta, dan seni rupa bersama mereka.

Awalnya sangat sederhana dan ringkas: gambar sederhana dibuat di atas kertas hitam atau putih, biasanya satu dari tiga warna - kuning, hijau atau merah. Namun, lambat laun keterampilan pelukis lokal tumbuh, dan sebagian besar disebabkan oleh penyebaran ajaran Buddha, karena semakin banyak gambar yang dibuat dari kehidupan Guru dan murid-muridnya.

Gambar dengan tema Buddha di Jepang kuno

Pada abad ke-9, Jepang telah membentuk cabang seni lukisnya sendiri, yang tidak bergantung pada orang Tionghoa. Pada saat yang sama, peran agama Buddha mulai melemah, dan motif keagamaan digantikan oleh apa yang disebut sekuler, yaitu sekuler, yang sangat populer pada masa pemerintahan keluarga Tokugawa.

Shogun dari dinasti Tokugawa

Kaiga, sebagaimana orang Jepang menyebut lukisan, mengambil bentuk dan gaya yang sangat berbeda, dan alam mengambil tempat penting di dalamnya. Sejak itu, lukisan memanifestasikan dirinya dalam bentuk-bentuk baru:

• Yamato-e adalah sekolah pelukis utama. Itu muncul pada abad ke-9 hingga ke-10 dan didukung oleh Akademi Seni di bawah kaisar. Karya-karya itu adalah gulungan gulungan yang digambarkan plot sastra ditambah dengan kaligrafi terampil. Ada dua jenis gulungan utama: emakimono - panjangnya beberapa meter, dilipat secara horizontal dan sering dilihat di atas meja, dan kakimono - dilipat secara vertikal dan digantung di dinding. Biasanya, sutra atau kertas dicat cerah dengan gaya yamato-e, tetapi belakangan piring keramik, pakaian nasional, kipas angin, dinding, dan layar semakin banyak digunakan sebagai kanvas. Perhatian khusus diberikan untuk menyampaikan keadaan pikiran.
• Sumi-e - sebagai gaya independen dibentuk sekitar abad XIV. Ciri-cirinya adalah penggunaan cat air dan warna hitam putih.
• Potret - menjadi populer pada abad XIII-XIV.
• Lansekap - mencapai popularitas pada abad XIV-XV, sebagian besar disebabkan oleh penyebaran Buddhisme Zen di seluruh negeri, yang didasarkan pada gagasan kontemplasi dan persatuan dengan alam.
• Ukiyo-e adalah lukisan cerah yang khas di papan tulis. Itu muncul pada abad ke-17 dan berisi gambar alam, seniman teater geisha atau Kabuki Jepang yang terkenal. Seabad kemudian, tren ini menjadi sangat populer bahkan memenangkan hati orang Eropa - mereka mulai menerapkan gaya ini dalam karya mereka sendiri.

Cetakan Ukiyo-e tradisional

arah arsitektur

Awalnya, arsitektur Jepang direduksi menjadi pembangunan rumah tradisional kuno - haniwa. Mereka diciptakan sebelum abad ke-4, dan penampilan mereka hanya dapat dinilai dari model dan gambar miniatur tanah liat yang masih ada, karena mereka tidak bertahan hingga hari ini.

Di sini melewati kehidupan dan kehidupan orang biasa. Ini adalah galian asli, ditutupi dari atas dengan kanopi jerami. Itu didukung oleh bingkai kayu khusus.

Belakangan, takayuka muncul - analogi lumbung. Mereka juga terdiri dari balok penyangga khusus, yang memungkinkan untuk menyelamatkan tanaman dari bencana alam dan hama.

Sekitar waktu yang sama, pada abad I-III, kuil-kuil agama Shinto kuno mulai bermunculan untuk menghormati dewa-dewa yang melindungi kekuatan alam. Mereka paling sering dibangun dari pohon cemara yang tidak dirawat dan tidak dicat, dan memiliki bentuk persegi panjang yang singkat.

Atap jerami atau pinus adalah atap pelana, dan strukturnya sendiri dibangun di atas pilar yang dikelilingi oleh paviliun. Ciri khas lain dari kuil Shinto adalah gerbang berbentuk U di depan pintu masuk.

Di Shinto, ada hukum pembaruan: setiap dua puluh tahun kuil dihancurkan, dan hampir persis sama, tetapi baru, dibangun di tempat yang sama.

Kuil yang paling terkenal disebut Ise. Ini pertama kali dibangun pada awal milenium ke-1 dan, menurut tradisi, terus dibangun kembali. Ise terdiri dari dua kompleks serupa yang terletak agak terpisah satu sama lain: yang pertama didedikasikan untuk kekuatan matahari, yang kedua didedikasikan untuk dewa kesuburan.

Sejak abad ke-6, ajaran Buddha yang berasal dari Tiongkok dan Korea mulai menyebar di Negeri Matahari Terbit, beserta prinsip-prinsip pembangunan candi Buddha. Pada awalnya mereka mewakili salinan Cina, tetapi kemudian gaya Jepang yang benar-benar istimewa mulai dilacak dalam arsitektur kuil.

Strukturnya dibangun secara asimetris, seolah menyatu dengan alam. Bentuk yang ringkas dan jelas, rangka kayu yang dipadukan dengan pondasi batu, pagoda dalam beberapa tingkatan, warna yang tidak terlalu cerah - inilah yang membedakan tempat-tempat suci pada masa itu.

Banyak dari mereka yang bertahan hingga hari ini. Monumen arsitektur termasuk Horyu-ji dari awal abad ke-7 dengan Kuil Emasnya yang terkenal dan 40 bangunan lainnya, Todai-ji dari pertengahan abad ke-8 di kota Nara, yang masih dianggap sebagai bangunan kayu terbesar di planet. Pada saat yang sama, arsitektur Buddha terkait erat dengan patung dan lukisan, yang menggambarkan dewa dan motif dari kehidupan Guru.

Kuil Todai-ji

Pada pergantian abad 12-13, feodalisme dimulai di negara bagian, dan oleh karena itu gaya Shinden, yang dibedakan oleh kemegahannya, menjadi populer. Itu digantikan oleh gaya sein, yang utamanya adalah kesederhanaan dan keintiman: alih-alih dinding ada layar yang hampir tidak berbobot, di lantai ada tikar dan tatami.

Pada saat yang sama, istana-kuil para penguasa feodal setempat mulai bermunculan. Mahakarya dari jenis struktur ini adalah Kinkaku-ji abad ke-14 yang terkenal, atau Paviliun Emas, serta Ginkaku-ji abad ke-15, yang juga dikenal sebagai Kuil Perak.

Kuil Ginkakuji (Paviliun Emas)

Bersama dengan istana-kuil pada abad XIV-XV, seni berkebun lanskap mulai bermunculan. Dalam banyak hal, kemunculannya disebabkan oleh masuknya ajaran kontemplatif Zen ke Jepang. Taman mulai bermunculan di sekitar candi dan tempat tinggal besar, yang komponen utamanya tidak hanya tanaman, bunga, tetapi juga batu, air, serta gundukan pasir dan kerikil, melambangkan elemen air.

Kota unik Kyoto terkenal di seluruh dunia.

Jenis kebun lainnya adalah kebun teh yang disebut “tyaniva”. Itu mengelilingi rumah teh, di mana upacara khusus dan santai diadakan, dan jalan khusus melewati seluruh taman ke rumah. Muncul di Abad Pertengahan, tarikan ditemukan di mana-mana saat ini.

Arah patung

Patung di Jepang kuno sebagian besar dikaitkan dengan tradisi keagamaan dan ritual. Juga di abad III-V orang belajar bagaimana membuat figur kecil yang disebut dogu.

Dogu menggambarkan orang, hewan, dan mengingat mereka ditemukan di gundukan, kita dapat menyimpulkan bahwa mereka dimasukkan ke dalam kuburan bersama dengan orang mati - ini adalah pelayan mereka yang dapat berguna di dunia selanjutnya. Dogu adalah figur dari tanah liat, perunggu, kayu, pernis. Belakangan, patung dewa yang lebih besar juga dibuat di dekat gundukan dan kuil Shinto.

patung anjing

Kedatangan agama Buddha di Tanah Air tentu saja berimbas pada seni pahat lokal. Banyak monumen Buddha mulai muncul pada abad ke-6 hingga ke-7. Mengikuti master Cina dan Korea, pematung lokal memulai perjalanan mereka.

Pada abad ke-9, arah pahatan mulai berkembang lebih jauh, tetapi penampilan para buddha berubah dan mereka mulai memiliki beberapa, hingga seribu, wajah dan tangan. Paling sering terbuat dari jenis kayu yang kuat, pernis, perunggu, tanah liat.

Banyak monumen indah yang bertahan hingga hari ini. Misalnya, di kuil Haryu-ji, sosok Buddha yang agung duduk di atas bunga teratai, dan di Todai-ji terdapat seluruh ansambel dewa yang dipimpin oleh Buddha setinggi 16 meter, yang diciptakan oleh pematung Kaikei dan Unkei. .

Tipe yang lain

Seni Jepang memiliki banyak segi dan Anda dapat membicarakannya selama berjam-jam. Mari kita bicara tentang beberapa jenis seni lain yang berasal dari zaman kuno.

• Kaligrafi

Ini disebut sedo, yang artinya "jalan pemberitahuan". Kaligrafi di Jepang muncul berkat hieroglif indah yang dipinjam dari bahasa Tionghoa. Di banyak sekolah modern, ini dianggap sebagai mata pelajaran wajib.

• haiku atau haiku

Haiku adalah puisi lirik khusus Jepang yang muncul pada abad ke-14. Penyair itu disebut "haijin".

• Origami

Nama ini diterjemahkan sebagai "kertas yang telah dilipat". Berasal dari Kerajaan Tengah, origami pada awalnya digunakan dalam ritual dan merupakan pekerjaan kaum bangsawan, namun baru-baru ini menyebar ke seluruh dunia.

seni kuno origami di jepang

• Ikebana

Kata dalam terjemahan berarti "bunga hidup". Seperti origami, awalnya digunakan dalam ritual.

• Miniatur

Dua jenis miniatur yang paling umum adalah bonsai dan netsuke. Bonsai adalah salinan pohon asli dalam bentuk yang sangat kecil. Netsuke adalah patung kecil seperti jimat jimat yang muncul pada abad ke-18 hingga ke-19.

• Seni bela diri

Mereka terutama terkait dengan samurai - sejenis ksatria, ninja - pembunuh bayaran, bushido - prajurit.

• Seni teater

Teater paling terkenal, kebanggaan semua orang Jepang adalah teater Kabuki klasik. Anda dapat membaca lebih lanjut tentang seni teater di Jepang.

Teater Kabuki di Jepang

Kesimpulan

Seperti yang bisa kita lihat dari artikelnya, Jepang adalah harta karun mahakarya seni, tidak hanya dalam skala nasional, tetapi juga dalam skala global. Sejak zaman kuno, yang dimulai jauh sebelum zaman kita, orang Jepang mulai membuat dan menciptakan hal-hal indah di sekitarnya: lukisan, bangunan, patung, puisi, taman, miniatur - dan ini bukan daftar lengkapnya.

Menariknya, fitur yang disematkan di dalamnya budaya Jepang kuno, dapat ditelusuri dalam kreasi zaman kita - ini adalah kesederhanaan, keringkasan, kealamian, keinginan untuk selaras dengan alam.

Terima kasih banyak atas perhatian Anda, para pembaca yang budiman! Kami harap hari ini Anda telah belajar banyak tentang negara misterius dan jauh seperti Jepang. Bergabunglah dengan kami - tinggalkan komentar, bagikan tautan ke artikel dengan teman - kami akan sangat senang menjelajah dunia misterius Timur bersamamu!

Sampai berjumpa lagi!