Estetika penulisan kehidupan Sampai tingkat yang sama bahwa Bogdanovich berbagi kecenderungan era sastranya untuk cerita rakyat nasional, ia memberikan penghormatan kepada hasrat sastra umum untuk menulis kehidupan dalam fungsi estetika barunya dalam menciptakan lingkungan material yang lengkap yang melayani

Filsafat. Estetika

I. Sejarah Seni dan Estetika Umum<…>Puisi, yang kehilangan dasar estetika sistematis-filosofis, menjadi goyah dan kebetulan pada dasarnya. Puisi, yang didefinisikan secara sistematis, harus menjadi estetika kreasi artistik verbal. Definisi ini

Estetika reseptif

Gambar seseorang dalam literatur klasisisme Eropa abad ke-17 Gagasan sastra baru Renaisans tidak dapat diterjemahkan ke dalam kehidupan nyata. Kekecewaan terhadap ajaran kaum humanis menyebabkan perubahan yang sangat signifikan dalam penggambaran kaum klasikis

Pandangan dunia baru seseorang abad ke-17. di berbagai wilayah Eropa ditemukan ekspresi dalam bentuk budaya spiritual yang khas. Di beberapa negara, setelah krisis budaya Renaisans, era Barok dimulai (Italia, Flanders), di negara lain gaya baru sedang dibentuk - klasisisme. Pada awal abad ke-17, barok sudah bertindak sebagai gaya tunggal di semua jenis seni, sedangkan klasisisme terlambat dalam pembentukannya. Sistem gaya klasisisme tidak dapat dinilai hanya dalam abad ke-17, karena distribusinya dalam bentuk yang dimodifikasi di seluruh Eropa jatuh pada abad ke-18 dan awal abad ke-19. Tetapi teori klasisisme, berbeda dengan barok, sangat berkembang dan bahkan lebih maju dari praktik artistik. Klasisisme secara keseluruhan sistem seni berasal dari Prancis. Ini sering disebut budaya absolutisme, karena pada abad ke-17. di Prancis sedang berkembang pola klasik negara absolutis. Tetapi seni klasisisme tidak dapat direduksi menjadi pelayanan absolutisme. Klasisisme terbentuk pada paruh pertama abad ini, ketika pertanyaan tentang masa depan Prancis tetap terbuka. Ada proses pembangunan negara dan nasional, di mana masih ada keseimbangan kekuatan sosial utama negara - kekuatan tsar, kaum bangsawan, dan borjuasi yang tumbuh. Bukan kekuatan kerajaan itu sendiri, tetapi justru keseimbangan inilah yang memungkinkan munculnya seni klasik, yang mengagungkan bukan penyerahan mutlak kepada raja, tetapi kewarganegaraan ideologis. Seni ini menuntut dari setiap orang - penguasa dan bawahan tindakan yang masuk akal, kepedulian terhadap keseimbangan sosial, keteraturan dan ukuran. Klasisisme adalah seni reflektif dan konstruktif. Itu mencoba untuk menciptakan model ideal dunia yang adil dan harmonis berdasarkan ide-ide yang masuk akal tentang kebaikan publik. Para ahli teori klasisisme menganggap pendidikan masyarakat sebagai tugas utama seni. Tentu saja, tidak ada seni yang dapat dibangun hanya berdasarkan prinsip-prinsip nalar, jika tidak seni akan berhenti. Klasisisme berangkat dari warisan Renaisans dan pengalaman modernitas, oleh karena itu, semangat analisis dan kekaguman terhadap cita-cita sama-sama menjadi ciri khasnya. Klasisisme menggantikan budaya Renaisans, ketika budaya ini sendiri berada dalam keadaan krisis, ketika realisme Renaisans terlahir kembali menjadi seni tingkah laku yang tidak berarti dan estetis. Di bawah kondisi sejarah abad XVII. keyakinan humanistik dalam kemenangan kebaikan atas kejahatan, dalam prinsip harmonis kodrat manusia, telah hilang. Hilangnya kepercayaan ini menyebabkan krisis langsung kreativitas artistik, karena kehilangan cita-citanya - seseorang dengan kehidupan spiritual yang kaya dan tujuan mulia. Oleh karena itu, hubungan terpenting yang menghubungkan klasisisme dengan seni Renaisans Tinggi adalah kembalinya pahlawan kuat yang aktif ke tahap modern - orang yang memiliki tujuan, energik, merindukan kebahagiaan dan cinta kehidupan. Tetapi berbeda dengan cita-cita Renaisans, kriteria moral yang kuat yang ada dalam masyarakat bertindak di jalan menuju kebahagiaan pahlawan Zaman Baru. Moralitas publik, sebagai hukum martabat manusia yang tidak dapat diubah, seharusnya menginspirasi seseorang dan membimbing tindakannya. Pahlawan inilah yang muncul dalam tragedi Corneille, Racine, dan komedi Molière. Bukan kebetulan bahwa teori estetika klasisisme dikembangkan terutama di Dramaturgi Prancis dan sastra. Risalah penulis dan penyair Prancis memainkan peran luar biasa dalam pengembangan bentuk gaya utama klasisisme. Sejalan dengan pembentukan teori, karya seni klasik lengkap pertama muncul. Salah satu ahli teori dan penyair klasisisme pertama adalah Nicolas Boileau-Depreo (1636-1711). Dalam risalah puitisnya, "Seni Puisi" pertama kali disatukan prinsip teoritis klasisisme. Norma dan kanon klasisisme disajikan dalam karya ini dalam bentuk yang hidup dan dapat dipahami. Sistem puitis harus tunduk pada disiplin akal. Perkembangan rasional dari topik tersebut mengemuka. Seruan Boileau "Cinta berpikir dalam syair" menjadi prinsip besar puisi klasik. Syarat utama seorang penyair adalah menundukkan kreativitasnya pada disiplin akal. Alasan harus menguasai perasaan dan imajinasi. Namun tidak hanya pada isi karya, dalam artian, tetapi juga pada bentuknya. Untuk mencerminkan konten dengan sempurna, Anda memerlukan metode terverifikasi yang tepat, keterampilan profesional yang tinggi, keahlian. Kesatuan bentuk dan isi adalah salah satu prinsip dasar klasisisme. Klasisisme melihat cita-cita estetika keindahan dalam budaya kuno. Seni kuno dinyatakan sebagai norma untuk seni Renaisans dan Barok. Tetapi korelasi norma ini dengan praktik artistik klasisisme pada dasarnya berbeda. Untuk Renaisans seni antik adalah sekolah keunggulan dan insentif untuk pencarian kreatif independen, dan bukan model kanonik. Para master Barok secara teoritis mengakui kanon kuno, tetapi dalam pekerjaan mereka jauh dari itu. Dalam seni klasisisme, norma-norma kuno memperoleh makna kebenaran yang tak terbantahkan. Mengikuti kanon-kanon ini dalam kondisi budaya Zaman Baru menghancurkan seni klasisisme ke sifat kebenaran "sekunder". Namanya sendiri - klasisisme, bukan klasik, menekankan sifat sekunder ini. Klasisisme melihat dalam budaya kuno tidak hanya estetika, tetapi juga cita-cita etis. Seni Yunani Kuno dan Roma adalah contoh seni bersuara sosial yang hebat, yang mengajarkan cita-cita sipil dan moral yang tinggi. Inti dari penggunaan kanon kuno dalam seni klasisisme adalah prinsip rasional. Unsur ini juga menempati tempat penting dalam proses kreativitas di zaman Renaisans. Namun kemudian rasionalisme dikedepankan untuk melawan perasaan irasional Abad Pertengahan sebagai sarana utama dalam memahami hukum alam dan seni. Dalam klasisisme, nalar tidak muncul sebagai elemen alami aktifitas manusia tetapi sebagai objek pemujaan. Rasionalisme menjadi dasar dan inti dari teori klasisisme. Nalar dinyatakan sebagai kriteria utama kebenaran dan keindahan artistik. Seni klasisisme pada dasarnya memisahkan diri dari lingkup perasaan subyektif dalam persepsi keindahan. Klasisisme diklaim menegaskan kebenaran moral yang mutlak dan tak tergoyahkan bentuk seni ditetapkan oleh akal dan dinyatakan dalam aturan-aturan. Kreativitas harus mematuhi hukum. Kaum klasik memperoleh hukum-hukum ini berdasarkan pengamatan mereka terhadap seni kuno. Salah satu ahli teori klasisisme pertama, penulis drama Prancis yang hebat Pierre Corneille (1606-1684), mengomentari Puisi Aristoteles dan mengacu pada pengalaman sejarah berabad-abad, mencoba menyimpulkan hukum formal drama. Salah satu yang utama adalah hukum tiga kesatuan - waktu, tempat, dan tindakan. Aktivitas Corneille merupakan reformasi dramaturgi yang nyata. Dia adalah penulis beberapa risalah tentang teori drama dan analisis kritis atas tulisannya sendiri. Tragedi Corneille "The Garden" menjadi kebanggaan nasional Prancis. Sangat cepat itu diterjemahkan ke dalam banyak bahasa Eropa. Kemuliaan drama itu dan pengarangnya luar biasa. "Sid" dan sekarang dalam repertoar permanen tidak hanya Prancis, tetapi juga banyak teater lain di Eropa. Plot lakonnya ("Horace", "Cinna", dll.) Corneille membuat momen dramatis dari masa lalu sejarah, nasib orang-orang dalam periode konflik politik dan sosial yang akut. Terutama sering dia menggunakan materi sejarah Romawi, yang memberinya banyak bahan untuk refleksi politik tema kontemporer. Konflik dramatis utama dari tragedi Corneille adalah benturan nalar, ... dan perasaan, kewajiban, dan hasrat. Kemenangan selalu dengan alasan dan tugas. Penonton harus meninggalkan teater tanpa kontradiksi dan keraguan. Sumber tragisnya adalah nafsu yang ekstrim, dan penonton harus belajar dari pelajaran - nafsu harus dikendalikan. Dalam tragedi penulis drama terkenal lainnya Jean Racine (1639-1699), penonton tidak hanya melihat pahlawan yang agung, tetapi juga seseorang dengan kelemahan dan kekurangan ("Andromache", "Berenik", "Iphigenia in Aulis"). Drama Rasi-na mencerminkan kehidupan salon Versailles. Orang Yunani dan Romawi, tak terelakkan oleh tuntutan puisi klasik, tampaknya menjadi orang Prancis asli pada masanya. Di atas panggung, mereka tampil dengan wig keriting, topi miring, dan pedang. Raja-raja yang dibawa Racine ke panggung adalah potret Louis XIV yang diidealkan. Pemerintahan raja berlangsung lebih dari 50 tahun, dan di sejarah Eropa kali ini bahkan disebut abad Louis XIV. Dalam keadaan yang menguntungkan, Prancis naik ke puncak perkembangan ekonomi dan mental serta kekuatan politik sehingga menjadi kekuatan Eropa yang unggul dan penentu selera dan mode untuk seluruh Eropa. Pembentukan absolutisme sesuai dengan kecenderungan pribadi raja. Lapar kekuasaan, narsis, dimanjakan oleh sanjungan para abdi dalem, Louis suka mengulang kalimat "Negara adalah aku". Untuk mengangkat prestise kerajaan, perhatian khusus diberikan pada kehidupan istana. Etiket yang ketat mendistribusikan waktu kerajaan dengan kepicikan yang tepat waktu, dan tindakan paling biasa dalam hidupnya (misalnya, berpakaian) dilakukan dengan sangat serius. Louis XIV tidak puas dengan kekaguman pada dirinya sendiri, yang dia lihat dan dengar dari para abdi dalem, dia mulai tertarik penulis terkemuka, Prancis dan asing, memberi mereka hadiah uang dan pensiun sehingga mereka memuliakan dirinya dan pemerintahannya. Sastra Prancis secara bertahap mengambil karakter yang sopan. Pada 1635, Akademi Sastra didirikan di Paris. Sejak saat itu, klasisisme menjadi tren dominan resmi dalam sastra. Relatif jauh dari pengadilan berdiri Jean de La Fontaine (1621-1695). Ini menempati tempat yang aneh dalam literatur klasisisme. Lafontaine tidak takut tertarik pada genre "lebih rendah", mengandalkan kearifan rakyat, cerita rakyat yang mendefinisikan secara mendalam karakter bangsa kreativitasnya. Warisan kreatifnya memiliki banyak segi, tetapi dia berutang ketenaran salah satu penyair terhebat Prancis pada dongengnya. (Tradisi Lafontaine digunakan oleh IA. Krylov.) Dalam moralitas instruktifnya, kita melihat manifestasi dari salah satu prinsip terpenting klasisisme - seni harus mendidik dan meyakinkan. Sistem figuratif gaya klasik ternyata tidak produktif bagi seni puisi liris, seni lukis, dan musik. Lingkungan emosi yang tidak stabil dan berubah-ubah asing bagi klasisisme. Prinsip gaya baru adalah "keseimbangan bentuk yang harmonis dan proporsi ideal- pada dasarnya adalah prinsip-prinsip arsitektur. Di bidang seni inilah letak pencapaian utama klasisisme, yang menentukan penyebarannya selama dua abad budaya Eropa. Dalam arsitektur klasisisme, prinsip dasar gaya menemukan perwujudan organiknya. Arsitektur klasik berkembang di Prancis, Inggris, dan Belanda. Idealnya, gaya ini kebalikan dari barok. Ini dicirikan oleh geometri bentuk yang jelas, garis tegas, volume yang jelas, dan desain komposisi yang harmonis. Klasisisme beralih ke bentuk arsitektur kuno, ia tidak hanya menggunakan motif dan elemen individualnya, tetapi juga pola konstruksinya. Dasar bahasa arsitektur klasisisme adalah tatanan bentuk yang lebih dekat ke zaman kuno daripada barok. Alih-alih barok irasional yang spontan, citra arsitektur klasisisme berupaya mengungkapkan gagasan tentang logika, keteraturan, dan ukuran. Tetapi pada abad ke-17, arsitektur belum mencapai perwujudan yang konsisten dan jelas dari ide-ide ini. Dalam praktiknya, keterkaitan dengan sistem barok masih terlihat. Terutama peminjaman beberapa teknik barok ini terlihat dalam arsitektur Prancis. Sarana figuratif klasik yang ketat tidak dapat menyelesaikan masalah pemuliaan monarki absolut, yang ditetapkan oleh ahli teori seni resmi. Oleh karena itu, para arsitek klasisisme sering menggunakan metode keterwakilan seremonial barok. Mereka mendekorasi fasad bangunan mereka dengan semangat Barok, yang terkadang menyulitkan penonton yang tidak berpengalaman untuk menentukan gaya secara ketat. Baru pada abad ke-18, ketika kekuasaan kerajaan tampak seperti monarki yang tercerahkan dan mengubah doktrin sosialnya, klasisisme mengembangkan struktur figuratif yang sepenuhnya independen. Prancis abad ke-17 dicirikan oleh jalinan fitur Renaisans akhir, Gotik, dan Barok dengan fitur klasisisme. Tapi arah utamanya adalah klasisisme, yang lainnya menyertainya. Dalam perjalanan umum budaya Zaman Baru, terjadi proses transformasi bertahap dari kastil berbenteng menjadi istana yang tidak berbenteng. Di kota termasuk dalam struktur umum jalan dan alun-alun, di luar kota dihubungkan dengan taman yang luas. Jembatan gantung diganti dengan yang terbuat dari batu, parit menjadi elemen taman, menara di pintu masuk diganti dengan paviliun. Ansambel taman dan taman dari Tuileries, Fontainebleau, dll diciptakan Mereka meletakkan dasar untuk seni taman Prancis biasa dengan gang-gang yang diluruskan, dipangkas dengan rumput dan semak-semak, yang diberikan bentuk geometris kerucut dan bola. Tukang kebun menjadi arsitek dan pematung, mulai berpikir dalam kategori spasial, menundukkan bahan hidup ke desain rasional. Meningkatnya kebutuhan akan perumahan mengubah perkembangan kota. Pada awal abad ini, sebuah jenis hotel berkembang di Paris, yang mendominasi selama dua abad. Ini adalah rumah bangsawan dengan halaman dan taman. Mereka menggabungkan denah sederhana dan nyaman dengan fasad yang didekorasi dengan mewah dengan pahatan, relief, dan ketertiban. Dalam tampilan baru rumah kota sangat penting memiliki atap yang desain dan bentuknya berubah. Di 30-an abad XVII. arsitek Mansart mengusulkan bentuk atap rusak menggunakan loteng untuk perumahan. Sistem ini, dinamai penulis loteng, telah menyebar ke seluruh Eropa. DENGAN XVII awal V . arsitektur klasisisme Inggris mulai terbentuk. Periode ini bertepatan dengan masa perkembangan industri negara yang gencar dan pembentukan kapitalisme. Penggagas dan pencipta komposisi klasisisme skala besar pertama adalah arsitek Inigo Jones. Dia memiliki proyek Rumah Perjamuan yang terkenal (bangunan untuk resepsi resmi) dan Rumah Lindsay di London. Dia adalah arsitek Rumah Quans (Rumah Ratu) di Greenwich. Ini adalah contoh cemerlang dari klasisisme dalam sejarah pembangunan perumahan. Dalam bentuk klasisisme yang paling ketat, ansambel bangunan Istana Kerajaan Whitehall, ansambel Rumah Sakit Greenwich di London (arsitek Jones, Christopher Wren, dan lainnya) telah dibuat. Klasisisme mengembangkan bentuk-bentuk baru di berbagai bidang- pembuatan alun-alun kota dari berbagai jenis (Covent Garden Square di London, Place Vendôme di Paris), konstruksi kompleks istana (Versailles, Whitehall), gereja (Katedral St. Paul di London - arsitek K. Wren, Katedral Invalides - arsitek Hardouin-Mansart), bangunan umum - balai kota, rumah sakit, bangunan tempat tinggal pribadi, rumah bangsawan, bangunan perusahaan perdagangan (ansambel Invalides - arsitek Bruant, Perpustakaan Trinity College di Cambridge", gedung pabean di London - arsitek K. Ren; gedung balai kota di Augsburg - arsitek Elias Holl, balai kota di Amsterdam - arsitek J. van Kampen , pembangunan timbangan di Gouda dan lain-lain). Klasisisme mengembangkan bentuk bahasa arsitektur yang memenuhi selera monarki absolut dan tatanan sosial borjuis. Versailles, kediaman baru Louis XIV, menempati tempat khusus dalam arsitektur Prancis. Versailles telah menjadi garpu tala estetika gaya zaman Ini adalah ansambel arsitektur istana yang belum pernah ada sebelumnya dalam kemegahan dan integritas Tiga jalan berangkat dari alun-alun besar di depan istana, poros tengah * membentang sejauh 16 kilometer melalui kota , alun-alun, istana dan taman. Banyak arsitek mengambil bagian dalam pembuatan ansambel Versailles selama beberapa periode konstruksi - Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel. Ansambel ini secara konsisten mewujudkan prinsip-prinsip klasisisme - keteraturan, simetri yang ketat, kejelasan komposisi, subordinasi bagian yang jelas, ritme tenang jendela bergantian, pilaster, kolom. Pada saat yang sama, hasil akhir dekoratif yang rimbun, terutama di bagian interior, mengingatkan pada Barok. Aula istana terletak di enfilades, didekorasi dengan mewah dengan dekorasi pahatan, marmer berwarna, relief perunggu berlapis emas, lukisan dinding, cermin. Taman telah menjadi bagian penting dari ansambel, tidak dapat dipisahkan dari ekspresi arsitekturalnya. Ini dapat dianggap sebagai program karya seni jenis baru - berkebun lanskap. André Linotre (1613-1700) menyempurnakan karya seninya yang memadukan unsur arsitektur, patung, hortikultura, dan teknik hidrolik berdasarkan ansambel. Untuk pertama kalinya dalam sejarah, lanskap yang diorganisir oleh seniman berubah menjadi karya seni. Taman itu dihiasi dengan pahatan oleh master terkenal François Girandon (1628-1715) dan Antoine Coisevox (1640-1720). Patung ini memiliki karakter terprogram - pemuliaan pemerintahan raja agung. Pematung menggunakan motif barok dengan cara klasik: mereka berusaha untuk mengisolasi setiap figur dan penempatannya yang simetris. Contoh khas arsitektur klasik adalah fasad timur Louvre (kadang-kadang disebut "Colonnade of the Louvre") oleh arsitek Claude Perrault (1613-1688). Dengan kesederhanaannya yang rasional, keseimbangan bagian yang harmonis, kejelasan garis, statis yang tenang dan megah, barisan tiang Perrault sesuai dengan cita-cita yang berlaku pada zaman itu. Pada 1677, Akademi Arsitektur didirikan, tugas utamanya adalah menggeneralisasi akumulasi pengalaman arsitektur untuk mengembangkan "hukum keindahan abadi yang ideal" . Undang-undang ini harus diikuti oleh konstruksi lebih lanjut. Klasisisme secara resmi diakui sebagai gaya arsitektur terkemuka. Seni seharusnya mengekspresikan secara visual dan memuliakan kebesaran monarki, kekuatan bangsa dan negara di istana dan taman yang megah, ansambel perkotaan, dan gedung-gedung publik. Akademi memberikan penilaian kritis terhadap prinsip-prinsip Barok, mengakuinya sebagai tidak dapat diterima oleh Prancis. Proporsi adalah dasar kecantikan. Dianggap wajib untuk memiliki pembagian yang jelas berdasarkan lantai berdasarkan urutan dan alokasi sumbu tengah bangunan, yang harus sesuai dengan langkan bangunan, balkon atau pedimen. Sayap fasad akan ditutup oleh paviliun. Dikte klasisisme resmi juga terasa dalam seni visual. Pencipta tren klasik dalam seni lukis adalah Nicolas Poussin (1594-1665). Ini artis perancis belajar dan bekerja di Roma (dua tahun yang dihabiskan atas undangan Louis XIII di Paris di istana kerajaan tidak membuahkan hasil untuk pekerjaannya). Poussin menggabungkan ahli teori dan praktisi yang luar biasa. Di bengkel Romawinya, tempat para pelukis dan ahli teori berkumpul, pemikiran seniman menemukan lahan subur untuk disebarluaskan. Poussin tidak menulis risalah ilmiah khusus, pemikiran seniman tentang tujuan dan kemungkinan melukis telah sampai kepada kita dalam korespondensi dan transmisinya oleh penulis lain. Ia percaya bahwa seni "gaya agung" terdiri dari 4 unsur - yaitu isi, interpretasinya, konstruksi dan gayanya. Yang utama adalah konten dan plotnya megah dan indah. Untuk itu, seniman perlu membuang segala sesuatu yang picik, agar tidak bertentangan dengan makna luhur dari cerita tersebut. Subjek gambar harus "dipersiapkan" untuk ide keindahan, yang utama dalam persiapan ini adalah keteraturan, ukuran dan bentuk. Tatanan dan bentuk - Poussin terus-menerus membicarakan hal ini, Descartes, pendiri filosofi rasionalisme, juga membicarakan hal ini: "hal-hal yang kita rasakan dengan sangat jelas dan jelas adalah benar." Hanya "persiapan" yang masuk akal yang dapat merohanikan materi sehingga menjadi benar-benar indah. Alam dalam seni harus disajikan dalam bentuk yang dimuliakan oleh akal, tanpa apa yang tidak sesuai dengan pendapat tentang hal-hal yang masuk akal, aturan "kesopanan" dan perilaku yang baik. Bentang alam harus mewujudkan kekuatan epik dan keharmonisan alam, itu adalah lanskap yang tersusun. Sebagai ekspresi dari keindahan ini, dunia Arcadia Poussin muncul, dihuni oleh selestial, pahlawan, satyr, nimfa, dan orang-orang cantik ("Kerajaan Flora", "Para Gembala Arcadian", "Pemandangan dengan Polyphenes"). Dia mengambil tema dari mitologi, kitab-kitab Kitab Suci, dan tradisi sejarah. Poussin tertarik dengan karakter yang kuat, perbuatan agung, kemenangan nalar dan keadilan. Dia memilih plot yang menyediakan makanan untuk dipikirkan, mendidik kebajikan. Dalam hal ini dia melihat tujuan sosial dari seni. Poussin mengedepankan tema tugas publik, kebutuhan moral, yang disajikan dalam bentuk plot dramatis: para prajurit bersumpah setia kepada Germanicus, yang diracuni atas perintah Tiberius, Erminia memotong rambutnya yang mewah untuk membalut pahlawan yang terluka dan menyelamatkannya, Raja Salomo bertindak sebagai pembawa keadilan moral dalam perselisihan antara dua ibu atas seorang anak ("The Death of Germanicus", "Tancred and Erminia", "The Capture of Jerusalem", "The Rape of the Sabines") . Dasar lukisan klasisisme adalah hukum yang tidak dapat diubah dari organisasi artistik karya tersebut. Komposisi Poussin tertata, skema konstruktif yang jelas terlihat di dalamnya, aksi utama selalu terjadi di latar depan. Makna utama dalam bahasa seni melekat pada bentuk, gambar, garis. Fetisisasi pikiran menjadi ancaman bagi seni sejati. Mencapai keseimbangan antara perhitungan dan inspirasi, antara rasional dan emosional, intuitif adalah tugas kreatif yang sangat sulit. Poussin adalah satu-satunya pelukis abad ke-17, yang karyanya konsep klasisisme benar-benar diwujudkan secara produktif. Bagi master lain, tugas itu terbukti sangat berat. Prinsip rasional abstrak berlaku, dan sistem klasik berubah menjadi sistem akademis. Itu didominasi oleh pendekatan dogmatis, ketergantungan pada kanon yang sudah mapan. Akademi Seni Prancis didirikan pada tahun 1648 dan berada di bawah pengawasan menteri pertama raja. Dalam seni lukis, seperti dalam semua bentuk seni lainnya, terjadi proses regulasi yang ketat dan subordinasi kreativitas artistik pada tugas absolutisme. Akademi dipanggil untuk mengembangkan aturan formal seni virtuoso. Beberapa seniman pada masa itu berpendapat bahwa hanya ilmuwan yang bisa menjadi penikmat seni. Gagasan memperbaiki lukisan melalui nalar sangat kuat. Bahkan ada tabel matematika prestasi masing-masing pelukis. Akademi bertemu dalam pertemuan rutin, di mana seniman terkemuka, di hadapan para siswa, memilah lukisan dari koleksi kerajaan Louvre. Analisis lukisan didasarkan pada klasifikasi. Semuanya dibagi menjadi kategori desain, proporsi, warna, komposisi. Genre lukisan tertinggi dianggap bersejarah, termasuk adegan dari Alkitab, mitologi kuno, karya sastra terkenal. Hanya yang sempurna yang layak untuk digambarkan, segala sesuatu yang rendah, seperti dalam puisi kaum klasik, ditolak sebagai detail yang tidak disengaja dan tidak perlu yang mengalihkan perhatian dari hal utama. Potret, lanskap, benda mati, pemandangan rumah tangga dianggap sebagai "genre kecil". Akademisi mengembangkan seluruh sistem aturan berdasarkan korespondensi gerakan dan gerak tubuh tertentu kondisi mental- ketakutan, kemarahan, kegembiraan, kejutan, dll. Dalam risalah klasik, instruksi yang tepat diberikan tentang cara menyampaikan keadaan emosi tertentu dan diagram gambar dilampirkan. Proporsi tubuh manusia dibangun menurut kanon kuno. Dengan keunggulan menggambar di atas lukisan, figur-figur di kanvas kaum klasik menyerupai patung kuno. Tapi zaman kuno telah menjadi bentuk alami ekspresi ideal, tetapi alat peraga wajib untuk karya "gaya tinggi". Normativitas yang masuk akal dan kering menyebabkan degenerasi klasisisme menjadi akademikisme. Dia membuang imajinasi, fantasi, visi individu dari seni. Serangkaian aturan yang mengatur proses kreatif berkontribusi pada regulasi seni, menundukkannya pada kendali absolutisme. Peran klasisisme yang diperlukan secara historis adalah pengembangan prinsip sadar yang melekat dalam kreativitas apa pun. Namun karena kondisi historis, tren ini menjadi terlalu kering dan rasional. Kesadaran penciptaan artistik telah berubah menjadi kemanfaatan mekanis. Gagasan tentang keutamaan pemikiran berubah menjadi kebalikannya - formalisme tak bernyawa. Formula gaya pemeran telah memainkan peran positif dan negatif. Kita harus bisa melihat seni klasik dalam segala kekayaan dan keragaman isinya. Praktik artistik selalu lebih kaya daripada teori dan, sebagai aturan, hidup lebih lama dari zamannya. Drama Corneille dan Racine, komedi Molière dan dongeng La Fontaine, pemandangan Poussin dan Lorrain masih hidup, menegaskan keabadian mereka dalam sejarah budaya dunia. Pertanyaan 1. Apa ciri-ciri umum dari gaya klasisisme? 2. Bagaimana cita-cita budaya kuno, Renaisans, dan klasisisme terkait? 3. Apa peran prinsip rasional dalam seni klasisisme? 4. Prinsip klasisisme apa yang dibentuk dalam dramaturgi Prancis? 5. Bagaimana para ahli teori klasisisme memahami tugas utama seni? 6. Apa ciri-ciri utama gaya klasisisme dalam arsitektur dan seni lukis.

Klasisisme adalah tren seni yang signifikan secara estetika yang berasal dari abad ke-17, berkembang pada abad ke-18 dan dapat ditelusuri pada abad ke-19. Ini ditandai dengan daya tarik klasik kuno sebagai model normatif yang ketat dari harmoni yang sempurna. gagasan estetika klasisisme terbentuk dalam nada rasionalisme, yang menyebarkan dominasinya di era itu - sebuah doktrin filosofis dan ilmiah, yang menurutnya akal adalah kemampuan tertinggi manusia, memungkinkannya untuk mengenali dan bahkan mengubah dunia, menjadi sebagian setara dengan Tuhan. , mengatur ulang masyarakat. Nalar, dari sudut pandang rasionalisme, bukan hanya yang utama, tetapi juga satu-satunya kemampuan pikiran manusia yang sepenuhnya memadai. Perasaan hanyalah premis dari penalaran rasional, dengan sendirinya mengaburkan kebenaran yang jelas; intuisi mistik berharga untuk dimasukkan ke dalam sistem argumentasi rasional. Pandangan seperti itu tidak bisa tidak mempengaruhi hubungan antara bidang budaya, yang mulai terbentuk di kalangan masyarakat tertinggi di negara-negara Eropa: sains, filsafat, dan matematika khususnya - ini adalah kekuatan pendorong utama kemajuan pengetahuan; seni diberi peran sekunder yang lebih sederhana dari kenikmatan sentimental, hiburan ringan dan peneguhan yang mengesankan dan dapat dipahami; agama tradisional, tidak "tercerahkan" oleh gagasan rasional deisme filosofis, adalah keyakinan orang-orang sederhana yang tidak berpendidikan yang berguna bagi organisme sosial - semacam penstabil di bidang adat istiadat sosial.
Klasisisme didasarkan pada teori estetika normatif. Sudah Rene Descartes, seorang ahli matematika dan filsuf Prancis pada paruh pertama abad ke-17, dalam karya aslinya untuk waktu itu "Discourse on the Method", "Compendium of Music", dll., berpendapat bahwa seni harus tunduk pada peraturan yang ketat oleh pikiran. Pada saat yang sama, bahasa karya seni, menurut R. Descartes, harus dibedakan berdasarkan rasionalitas, komposisi harus didasarkan pada aturan yang ditetapkan secara ketat. Tugas utama seniman adalah meyakinkan, pertama-tama, dengan kekuatan dan logika pikiran. Teori klasisisme estetika normatif dicirikan oleh rasionalisme, kejelasan yang seimbang, kalkulasi formal dengan fokus pada proporsionalitas, integritas, kesatuan, keseimbangan dan kelengkapan bentuk, keterkaitan dengan gagasan absolutisme politik dan imperatif moral. Prinsip normatif klasisisme menyiratkan pembagian yang jelas menjadi genre tinggi dan rendah.
Prinsip-prinsip klasisisme ini dimanifestasikan dalam semua jenis seni: Di ​​teater, yang menganut generalisasi ideologis N. Boileau (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega, dan lain-lain); dalam sastra (Lafontaine) dalam arsitektur, terutama sekuler - istana dan taman (gambar Versailles) dan sipil dan gereja (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, dll.); dalam lukisan (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): dalam seni pahat (Canova, Thorvaldsen, dll.) dalam musik (Gluck, Haydn, Mozart, Beethoven awal, dll.) Beberapa pencipta seni hebat yang terdaftar dalam daftar mereka ide-ide ekspresif yang dalam melampaui normativitas klasisisme yang ketat, yang didalilkan olehnya pemisahan genre tinggi dan rendah, tetapi karya mereka masih disatukan oleh prinsip kejelasan ekspresif, keringkasan dan harmoni gaya, ciri khas era ini.
Perwakilan paling menonjol dari teori estetika seni pada masa itu adalah Nicolas Boileau (1636 - 1711) - seorang penyair satiris Prancis, ahli teori klasisisme, yang norma dan aturannya ditetapkan olehnya dalam risalah puitis "Seni Puisi" - sebuah semacam instruksi untuk penyair pemula, artis.
N. Boileau adalah pendukung dominasi dalam karya penyair (dan dalam seni pada umumnya) bidang intelektual atas bidang emosional. Ia percaya bahwa karya seni ditujukan bukan pada perasaan melainkan pada akal. Tanda kecantikan yang paling penting - sesuatu yang mudah ditangkap oleh pikiran - adalah kejelasan, perbedaan. Semuanya tidak bisa dipahami dan jelek pada saat bersamaan. Gagasan karya, perwujudannya harus jelas, bagian-bagian dan keseluruhan arsitektur karya harus jelas dan berbeda. Kesederhanaan dan kejelasan - ini adalah motif dari prinsip terkenal "tiga kesatuan", yang diperluas oleh N. Boileau ke puisi dan dramaturgi dalam komposisi sempurna mereka: kesatuan tempat (aksinya terlokalisasi secara geografis, meskipun melibatkan perubahan adegan) , kesatuan waktu (tindakan harus sesuai dengan satu hari, satu hari), kesatuan tindakan (adegan yang berurutan harus sesuai dengan urutan peristiwa yang temporal). Pada saat yang sama, karakter yang digambarkan tidak boleh berubah sepanjang karya. Prinsip-prinsip ini, menurut N. Boileau, merupakan manifestasi langsung dari hukum akal, disiplin kemungkinan kreatif penyair dan memungkinkan pembaca atau pemirsa untuk dengan mudah, dan karena itu sepenuhnya memahami konten yang ditransmisikan.
Masuk akal adalah konsep kunci estetika seni N. Boileau. Sejak N. Boileau menghadirkan keindahan sebagai hal yang masuk akal dan alami. Nalar adalah dasar validitas universal dari norma-norma selera. Jadi, si cantik entah bagaimana mematuhi kebenaran. Namun kebenaran hidup juga merupakan idealisasi normatif, dan bukan sekadar refleksi yang benar. Kecantikan, menurut N. Boileau, dihadirkan ke dunia melalui semacam prinsip spiritual rasional, dan sebuah karya seni, sebagai produk aktivitas rasional, ternyata lebih sempurna dari pada ciptaan alam. Keindahan spiritual ditempatkan di atas fisik, dan seni - di atas alam.
N. Boileau mengkonkretkan teori genre yang berkembang dalam klasisisme ketika dibagi menjadi yang lebih tinggi dan lebih rendah: Jadi, tragedi harus menggambarkan yang tinggi dan heroik, dan komedi - rendah dan ganas. Para pahlawan komedi adalah orang-orang sederhana yang mengungkapkan pikiran mereka bukan dalam bahasa retorika yang sombong, tetapi dalam bahasa sekuler modern yang ringan.
Ide-ide baru Pencerahan sebagian besar terkait dengan prinsip-prinsip klasisisme dan mewakili kesatuan organik dengannya dalam banyak fenomena budaya abad ke-18. Zaman Pencerahan dalam prinsip-prinsip aksiomatiknya sama rasionalistiknya dengan pandangan dunia yang muncul pada abad ke-17. Tetapi tidak seperti rasionalisme awal, Pencerahan adalah keseluruhan program yang ditujukan bukan untuk menguasai kekuatan alam dengan mengorbankan pengetahuan ilmiah hukumnya (proses ini, yang dimulai pada abad ke-17, tentu saja, berlanjut), tetapi pada transformasi seluruh budaya dan seluruh masyarakat atas dasar nalar, atas dasar pengetahuan ilmiah baru, dalam banyak hal bertentangan dengan tradisi spiritual, yang berakar pada sikap Abad Pertengahan. Proyek Pencerahan, yang penulisnya adalah pemikir Prancis, Inggris, dan Jerman (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder, dan lainnya, banyak di antaranya adalah anggota perkumpulan mistik rahasia dari persuasi rasionalistik, seperti Illuminati (dari bahasa Latin illuminatio - pencerahan) - terdiri dari sejumlah bidang yang saling terkait: konsolidasi pengetahuan ilmiah dan penyebaran pengetahuan rasional jenis baru ke pertanyaan pemahaman filosofis manusia, masyarakat, budaya, termasuk termasuk seni; penyebaran pengetahuan ilmiah dan nilai-nilai generasi baru di antara masyarakat umum, menarik bagi masyarakat yang terpelajar; perbaikan hukum yang mendasari kehidupan masyarakat, hingga perubahan revolusioner.
Dalam hal ini, salah satu garis filosofi Pencerahan adalah identifikasi batas-batas pikiran yang mengetahui dan hubungannya dengan kekuatan aktif dan sadar manusia lainnya, seperti perasaan yang memahami - karenanya munculnya estetika filosofis sebagai suatu disiplin mandiri, seperti kehendak, ruang lingkup yang ditafsirkan sebagai bidang pikiran praktis. Rasio kealamian dan budaya dipahami oleh para pencerahan dengan cara yang berbeda: gagasan dominan progresivisme budaya dan peradaban ditentang oleh tesis tentang kealamian manusia, yang dengan jelas diungkapkan dalam seruan Jean-Jacques Rousseau: "Kembali ke alam. " Aspek lain yang terkait dengan pelaksanaan tugas program Pencerahan adalah munculnya pengetahuan tentang cakrawala budaya dunia, awal perkembangan pengalaman budaya, seni dan agama non-Eropa, dan, khususnya, munculnya konsep budaya artistik dunia (J. Goethe).
Gagasan Pencerahan dalam seni terungkap dalam sejumlah fenomena baru dalam kehidupan artistik abad ke-18. - dalam demokrasi - munculnya seni di luar salon sekuler, kantor dan istana menjadi ruang konser publik, perpustakaan, galeri, dalam menangani tema kehidupan rakyat Dan sejarah nasional, dalam penolakan aristokrasi heroik dan nyanyian gambar rakyat jelata, dalam campuran genre tinggi dan rendah, dalam popularitas genre sehari-hari dan genre komedi; berminat kehidupan publik dan kemajuan; dalam anti-klerikalisme dan kritik karikatur yang ironis terhadap sisa-sisa Abad Pertengahan yang bobrok dan adat istiadat yang kejam, termasuk yang terselubung oleh kesalehan pribadi; dalam liberalisme - mengkhotbahkan kebebasan individu dan pada saat yang sama dalam khotbah moral tentang kesederhanaan dan kealamian manusia, dikoordinasikan dengan kebaikan masyarakat; dalam minat ensiklopedis yang luas dan perhatian pada budaya non-Eropa; dalam realisme - menampilkan sifat sederhana, konteks sosial dan aura psikologis citra manusia, dalam komitmen idilis terhadap kealamian dan kesetiaan pada perasaan manusia, berlawanan dengan pikiran yang dapat membuat kesalahan.
Dalam sastra dan teater, hal ini tercermin dalam karya Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift; dalam lukisan - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; dalam patung - Houdon, Shubin, dll.
Banyak gagasan Pencerahan diimplementasikan dalam bentuk seni yang dikembangkan oleh estetika klasisisme, sehingga kita dapat berbicara tentang kesamaan nyata dari gaya-gaya ini dengan batasan ideologis tertentu dari prinsip-prinsipnya. Beberapa motif pendidikan selaras dengan gaya istana Rococo yang ceria dan halus. Dalam kerangka gagasan Pencerahan Akhir, terbentuk gaya sentimentalisme orisinal (terutama dalam puisi dan lukisan), yang bercirikan mimpi, kepekaan, peran khusus perasaan yang disampaikan dalam pemahaman hidup dan kasih sayang (simpati) di pendidikan moral, kesesuaian alami, dan pastoral yang indah - dalam semangat filosofi J.J. Rousseau. Sentimentalisme, di satu sisi, dan gambaran simbolis yang sangat ekspresif dari pencipta seni akhir abad ke-18 seperti F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David, memungkinkan kita untuk berbicara tentang panggung khusus pra-romantisisme, disiapkan di kedalaman estetika dan kehidupan Pencerahan.
Gagasan filosofis estetika Pencerahan terungkap dengan jelas dalam karya sejumlah pemikir besar abad ke-18, antara lain:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - Filsuf Jerman, pengikut Leibniz dan Wolff, pendiri estetika filsafat klasik Jerman. Pada tahun 1735
A. Baumgarten pertama kali memperkenalkan istilah "estetika", yang ia tunjuk sebagai ilmu filosofis dari pengetahuan indrawi, memahami dan menciptakan keindahan dan diekspresikan dalam gambar seni. Pandangan estetika Baumgarten tertuang dalam karya: "Refleksi filosofis tentang beberapa masalah yang berkaitan dengan karya puisi", "Estetika".
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - Filsuf Jerman - pendidik, penulis drama, kritikus sastra, ahli teori seni, yang menganjurkan konvergensi sastra dan seni dengan kehidupan; untuk pembebasan mereka dari belenggu normativitas kelas-aristokrat. Seni menurut Lessing adalah tiruan dari alam, diartikan secara luas sebagai pengetahuan tentang kehidupan. Membuktikan teori seni realistik, mengandalkan terminologi karya Aristoteles dan Shakespeare untuk memerangi klasisisme. Karya teoretis utama Lessing: “Laocoön. Di batas lukisan dan puisi.
Johan Goethe (1749 - 1832) - penyair Jerman, pendiri Sastra Jerman Waktu baru, pemikir dan naturalis. Di masa mudanya, Goethe adalah salah satu pemimpin gerakan Sturm und Drang. Seni, menurut Goethe, terpanggil untuk melawan konvensi yang sudah usang, moralitas yang bobrok, untuk melawan penindasan individu. I. Goethe mengartikan seni sebagai "tiruan" alam. Bahkan, ia merumuskan ide "Typifikasi". Untuk menunjukkan kekuatan kreatif apa pun, Goethe memperkenalkan konsep "setan". Karya utama I. Goethe: “Sebuah tiruan alam yang sederhana. Tata krama. Gaya", "Doktrin Cahaya".
Immanuel Kant (1724 - 1804) - pendiri filsafat klasik Jerman. Karya utama I. Kant tentang masalah estetika adalah "Kritik terhadap kemampuan penilaian". Bagi I. Kant, prinsip estetika ternyata merupakan bentuk fundamental apriori (menentukan konstitusi kesadaran sebelum pengalaman empiris apa pun) - suatu bentuk penilaian rasa yang tidak tertarik yang universal dalam penerapannya. Penghakiman selera dikaitkan dengan kemampuan untuk merasakan kesenangan atau ketidaksenangan berdasarkan prinsip "kemanfaatan tanpa tujuan", yang turunannya adalah kemanfaatan praktis dari tindakan kehendak manusia dan keabsahan aktivitas kehendak. pikiran. Kategori utama estetika Kant adalah kemanfaatan (hubungan harmonis antara bagian dan keseluruhan), keindahan dan keagungan. Kant menghilangkan gagasan kecantikan yang rasionalistik dan utilitarian dengan mereduksi rasa keindahan menjadi kesenangan "tanpa pamrih" yang berasal dari perenungan bentuk estetika. Pada saat yang sama, keunggulan utama sebuah karya seni, menurut I. Kant, bukanlah kandungan vitalnya melainkan bentuk yang sempurna, yang menarik bagi kemampuan estetika eksperimental seseorang. Esensi dari yang luhur, menurut Kant, melanggar ukuran yang biasa. Penghakiman yang luhur membutuhkan imajinasi yang berkembang dan moralitas yang tinggi. Untuk persepsi seni, Anda membutuhkan rasa, untuk kreasi - seorang jenius - kepribadian unik yang diberkahi derajat yang tinggi imajinasi kreatif.
Georg Hegel (1770 - 1831) - perwakilan luar biasa dari filsafat klasik Jerman, yang pandangannya dibentuk di bawah pengaruh rasionalisme, karakteristik Pencerahan. Namun, G. Hegel dalam sistem filosofisnya yang benar-benar universal mengatasi kerangka gagasan pencerahan. Dalam pembentukan metodologi aslinya, ia juga dipengaruhi oleh motif romantisme awal, yang terlihat dalam konsep filsuf Jerman awal abad ke-19. I. Fichte dan F. Schelling. G. Hegel menjadikan metode refleksi rasional lebih sempurna, mampu memahami kontradiksi keberadaan dan kesadaran, mengintegrasikan dalam dirinya sendiri model gerakan pemikiran yang sangat rasional-logis dan khususnya estetis dan bahkan mistis, yang menurut Hegel, cocok ke dalam koordinat yang lebih luas dari logika dialektis, sehingga berubah menjadi modalitas pikiran. G. Hegel adalah pencipta sistem idealisme objektif berdasarkan metode dialektika.
Pada periode awal kreativitas, G. Hegel percaya bahwa tindakan nalar tertinggi, yang mencakup semua gagasan, adalah tindakan estetika dan bahwa kebenaran dan kebaikan disatukan oleh ikatan keluarga hanya dalam keindahan. Belakangan, estetika G. Hegel muncul sebagai filsafat seni. Seni mengambil langkah bawahan, dibandingkan dengan filsafat sebagai bentuk absolut dari pengetahuan diri tentang roh perkembangan sejarah kesadaran sejarah.
Kebaruan estetika G. Hegel pada masa dewasa terdiri dari penekanan pada keterkaitan seni dan keindahan dengan aktivitas manusia dan dengan perkembangan "roh objektif", yaitu budaya masyarakat secara keseluruhan. Kecantikan, menurut Hegel, selalu manusiawi. Kategori estetika yang paling umum dalam Hegel adalah keindahan. Estetika Hegel melekat prinsip sejarah pertimbangan materi. Tiga serangkai dialektis pengembangan diri seni dibentuk oleh bentuknya, yang secara berturut-turut berubah dalam perjalanan sejarah: simbolik (Timur Kuno), klasik (Antiquity) dan romantis (Eropa Kristen). Dalam Estetika Hegel, bentuk-bentuk seni dipertimbangkan secara rinci. Di mana-mana dia mencoba memahami prinsip pembangunan. Karya utama yang menguraikan konsep estetika G. Hegel adalah Lectures on Aesthetics.