Cos'è un'immagine in letteratura. Dipinti modulari all'interno

Pittura- un'opera pittorica che ha un carattere completo (al contrario di uno schizzo e uno schizzo) e indipendente valore artistico. È costituito da una base (tela, tavola di legno o metallo, cartone, carta, pietra, seta, ecc.), un primer e uno strato di vernice. Il dipinto è uno dei tipi di arte da cavalletto. Le immagini sono disponibili in vari generi. Creando un'immagine, l'artista si affida alla natura, ma l'immaginazione creativa gioca un ruolo importante in questo processo. La fine del XIX secolo fu segnata in tutta Europa da una nuova visione dinamica del mondo. L'artista di inizio secolo doveva corrispondere alla vita in continuo cambiamento: non tanto per mostrare il mondo che lo circondava (la fotografia e il cinema ora lo fanno), ma per poter esprimere la sua individualità, la sua mondo interiore, propria visione. L'apice dell'arte è stato raggiunto nei dipinti di pittori eccezionali. Nelle diverse correnti del modernismo c'è una perdita di trama e un rifiuto della figuratività, quindi il concetto di immagine viene significativamente rivisto. Alcuni artisti appartenenti a diverse scuole di pittura si sono allontanati dalla rappresentazione del mondo (persone, animali, natura) così come lo vediamo. Nei loro quadri il mondo appare deformato, a volte del tutto irriconoscibile, perché gli artisti sono guidati più dalla fantasia che dalla percezione visiva dei fenomeni che ci circondano.

La pittura gioca un ruolo importante nello sviluppo della pittura.

Una riproduzione può anche essere definita un dipinto, se nel contesto pertinente non importa se si tratta di una copia o opera originale.

Immagine in senso figurato o altro significato generale- qualsiasi opera d'arte completa e integrale, inclusi - viventi e vivida descrizione, orale o scritta, tipo di natura.

La pittura è l'arte del piano e di un punto di vista, dove lo spazio e il volume esistono solo nell'illusione. Dipingere attraverso la complessità mezzi visiviè in grado di creare sul piano una tale profondità di spazio illusorio e multidimensionalità realtà artistica, che non è soggetta ad altri metodi di rappresentazione. Ogni immagine svolge due funzioni: pittorica ed espressivo-decorativa. Il linguaggio del pittore è del tutto comprensibile solo a chi è consapevole delle funzioni decorativo-ritmiche del piano del quadro.

Nella percezione estetica devono partecipare simultaneamente tutte le funzioni dell'immagine (sia decorativa, planare, sia pittorica, spaziale). Percepire e comprendere correttamente un'immagine significa vedere simultaneamente, indivisibilmente, la superficie, la profondità, lo schema, il ritmo e l'immagine.

La percezione estetica di un quadro viene notevolmente esaltata quando è collocato in una cornice adeguata che lo separi dal mondo circostante. Il tipo di pittura orientale conserva la forma tradizionale di un rotolo dispiegato sospeso (orizzontale o verticale). L'immagine, a differenza della pittura monumentale, non è rigidamente connessa con un certo interno. Può essere rimosso dal muro e appeso in modo diverso.

La profondità dello spazio illusorio dei dipinti

Il professor Richard Gregory ha descritto le "strane proprietà dei dipinti": "I dipinti sono una classe unica di oggetti, perché sono entrambi visibili in se stessi e come qualcosa di molto diverso da un semplice foglio di carta su cui sono disegnati. Le immagini sono paradossali. Nessun oggetto può trovarsi in due posti contemporaneamente; nessun oggetto può essere contemporaneamente bidimensionale e tridimensionale. Ed è così che vediamo le immagini. L'immagine ha una dimensione perfettamente definita e allo stesso tempo mostra la dimensione reale volto umano, edificio o nave. Le immagini sono oggetti impossibili.

La capacità di una persona di rispondere a situazioni assenti e immaginarie presentate nelle immagini lo è pietra miliare nello sviluppo del pensiero astratto.

Come si realizzano i quadri

L'immagine è mondo spirituale l'artista, le sue esperienze e sentimenti espressi su tela o carta. È difficile spiegare come vengono creati i dipinti: è meglio vederlo di persona. È impossibile trasmettere a parole come l'artista dipinge sulla tela, con quale pennello tocca la tela, quali colori sceglie. Durante l'opera tutto diventa uno: l'artista, il pennello e la tela. E già dopo il primo colpo di pennello in officina, la speciale magia della pittura inizia a funzionare.

Le immagini non sono solo una tela dipinta, influenzano sentimenti e pensieri, lasciano un segno nell'anima, risvegliano presentimenti.

Come nasce un quadro?

Sembrerebbe, vernici, pennelli, su tela. Potrebbe esserci un'altra risposta universale: in modi diversi.

I metodi di lavoro su un dipinto sono cambiati costantemente nel corso della storia dell'arte. Artisti Rinascimento italiano hanno lavorato in modo completamente diverso da Rembrandt o dai "piccoli olandesi" del XVII secolo, i romantici - diversamente dagli impressionisti, dagli astrattisti, dagli artisti realisti contemporanei. Sì, e all'interno della stessa epoca e persino in una direzione, puoi trovare una grande varietà.

Gli artisti realisti del passato e del presente (se intendiamo il realismo nel senso ampio del termine) sono accomunati da quanto segue:

Creazione di un'opera completa questo caso dipinti, ritratti o paesaggi, è impossibile senza uno studio approfondito della vita, un atteggiamento attivo dell'autore nei suoi confronti. I mezzi di conoscenza artistica della vita sono il lavoro dalla natura, le impressioni visive, l'analisi e la sintesi dei fenomeni della vita.

La creazione di un dipinto è complessa, richiede tempo processo creativo, i cui risultati sono determinati non dal tempo impiegato, ma dalla misura del talento, dell'abilità dell'artista, della forza e dell'efficacia della soluzione figurativa originaria. Pietre miliari Questo processo è l'origine e la concretizzazione dell'idea, osservazioni dirette, schizzi, schizzi dalla natura, la pittura vera e propria dell'immagine con l'elaborazione necessariamente creativa e attiva del materiale vitale.

E quando uno spettatore si avvicina a un quadro in un museo o in una mostra, prima di esprimere un proprio giudizio su di esso, deve ricordarsi che dietro c'è sempre una persona viva, un artista che ha investito un pezzo della sua vita, del suo cuore, dei suoi nervi , talento e abilità nel lavoro. Si può dire che il dipinto è il sogno di un artista che si avvera.

G. S. OSTROVSKII

Completezza del quadro

Nella vita, molto accade per caso: nella foto non possono esserci incidenti del genere, tutto deve essere completato, logicamente. A che punto un dipinto è considerato completo?

Il tratto pittorico impastato del virtuoso Rembrandt, così apprezzato più tardi e ai nostri giorni, ha causato solo sconcerto tra i contemporanei di Rembrandt e ha suscitato scherno e battute a suo danno. Obiettando ai suoi critici, Rembrandt ha contestato la correttezza della loro comprensione della completezza di un dipinto, opponendo loro la propria comprensione di esso, che ha formulato in questo modo: il quadro dovrebbe essere considerato completo quando l'artista ha detto tutto ciò che voleva in esso . Per non sentire le domande che lo infastidivano sull'“incompletezza” dei suoi dipinti, Rembrandt smise di permettere agli ingenui visitatori del suo studio di avvicinarsi a loro, che guardavano con grande curiosità le pennellate di bravura della sua pittura, spaventandoli con la fatto che i dipinti non dovrebbero essere avvicinati troppo da vicino, poiché annusare le loro vernici è malsano.

Matisse sulla sua pittura:

"Cerco solo di mettere sulla tela quei colori che esprimono il mio sentimento. La proporzione necessaria di toni può farmi cambiare la forma della figura o cambiare la composizione. Finché non avrò raggiunto questa proporzione in tutte le parti dell'immagine, guardo per esso e continuare a lavorare.Poi arriva il momento, quando tutte le parti assumono le loro proporzioni finali, e allora non posso toccare il quadro senza rifarlo tutto da capo.

A partire approssimativamente dagli impressionisti, le categorie di disegno, forma e colore sono strettamente connesse, cresciute insieme, sembrano essere un processo continuo: disegno e colore, modellazione e composizione, tono e linea appaiono e si sviluppano come allo stesso tempo. Il processo di pittura di un quadro può, per così dire, continuare all'infinito, il momento del completamento dell'opera è alquanto arbitrario: ovunque sulla tela l'artista può continuarlo, applicando nuovi tratti a quelli simili, ma giacendo sotto. Il rappresentante più eclatante e coerente di questo sistema è Cézanne. In lettere e conversazioni registrate, formula ripetutamente questo metodo di pittura misto o, più correttamente, indifferenziato. In qualsiasi momento, il lavoro su un dipinto può essere interrotto, ma l'opera non perderà il suo valore estetico. In qualsiasi momento l'immagine è pronta.

La connessione dello spazio pittorico dell'immagine con lo spazio reale

L'artista e teorico dell'arte V. A. Favorsky, nel corso della teoria della composizione, ha sottolineato che un'opera veramente artistica ha una duplice esistenza dalla nascita: come oggetto nello spazio circostante e come mondo relativamente chiuso con le proprie relazioni spazio-temporali . Nella pittura, questo obiettivo si ottiene coordinando la struttura interna del quadro con la cornice, nella scultura - con lo spazio circostante (un classico esempio: una statua in una nicchia).

Per collegare lo spazio pittorico con lo spazio reale in cui si trova lo spettatore, viene utilizzata una cornice. Gli artisti giocano anche con molteplici "riproduzioni della cornice" nell'immagine stessa, rime visive, ripetizioni di verticali e orizzontali. Una delle tecniche caratteristiche che consente di "rafforzare" visivamente l'immagine entro i confini di un formato rettangolare è l '"angolo smussato". La separazione della pittura dall'architettura ha dato origine a un certo sistema di percezione della pittura da cavalletto. Il contenuto principale dell'immagine è l'espressione di una visione olistica dello spazio. La composizione si trasforma in un'esposizione in cui lo spettatore affronta il mondo trasformato delle relazioni spazio-temporali e vi vede se stesso come in uno specchio. Così il vetro trasparente del Rinascimento si è trasformato in uno specchio delle epoche classica e barocca. L'arte dell'era post-rinascimentale è caratterizzata dal gioco con i riflessi nello specchio, dall'introduzione di figure-mediatori nella composizione del quadro, persone che, con la loro posizione, sguardo o gesto della mano, indicano l'azione che si svolge nel profondità dell'immagine, come se li invitasse a entrarvi. Oltre alla cornice, in tali composizioni c'è un proskenium - la parte anteriore del palco, il backstage, poi la via di mezzo, in cui si svolge l'azione principale, e lo sfondo - lo "sfondo".

L'artista di solito colloca le figure principali nel piano medio del quadro, ponendole su una linea orizzontale mentale come su un piedistallo. Dalla posizione di questo riferimento linea orizzontale la profondità dello "strato spaziale" dipende (in termini planimetrici - sopra o sotto il bordo inferiore della cornice). Spostando più volte l'orizzontale verso l'alto, il pittore crea un certo ritmo di movimento nelle profondità dello spazio immaginario. Grazie a ciò, anche su una piccola tela, puoi raffigurare uno spazio di qualsiasi lunghezza con qualsiasi numero di figure e oggetti. In una tale esposizione, è necessario attirare specificamente l'attenzione dello spettatore sul fatto che alcuni oggetti sono più vicini, mentre altri sono più lontani. Per fare ciò vengono utilizzati "puntatori": riduzione prospettica, introduzione di punti di riferimento su larga scala (piccole figure di persone sullo sfondo), piani sovrapposti, contrasto tonale, ombre che cadono da una fonte di luce all'interno o all'esterno dell'immagine. Un altro punto di riferimento per il movimento mentale dello spettatore nello spazio del quadro sono le diagonali, la principale delle quali è la "diagonale d'ingresso" (solitamente da sinistra a destra).

Immagine nell'immagine

Immagine nell'immagine

Picture in Picture può essere utilizzato in una speciale funzione di composizione. Un'organizzazione gerarchica simile si presenta nel caso della rappresentazione di un'immagine all'interno di un'immagine (così come gli affreschi nelle pitture murali, ecc.).

"Immagine nell'immagine" - tecnica compositiva, trovato nell'arte della pittura classica dei secoli XVI-XVII. Un'immagine all'interno di un'immagine può essere dotata di uno speciale significato nascosto.

La tecnica compositiva "immagine nell'immagine" può svolgere diversi compiti:

• esprimere un'idea
• spiegare la trama
• opporsi o creare armonia
• essere un dettaglio della situazione (interno)

Molto spesso l'immagine di uno sfondo in un dipinto può essere intesa come una sorta di immagine in un'immagine, cioè un'immagine indipendente costruita secondo le proprie leggi speciali. Allo stesso tempo, l'immagine dello sfondo, in misura maggiore rispetto all'immagine delle figure sul piano principale, è soggetta a compiti puramente decorativi, possiamo dire che spesso non è il mondo stesso ad essere raffigurato qui, ma lo scenario di questo mondo, cioè non viene presentata l'immagine stessa, ma l'immagine di questa immagine.

Gli olandesi hanno una mappa, un arazzo, un dipinto, finestra aperta come l'immagine inclusa nell'immagine espanda i confini del mondo o serva a sviluppare il significato allegorico della trama principale. Vermeer, aprendo il velo della bottega, si fa guida attraverso tre livelli di realtà: lo spazio dello spettatore, lo spazio della sua bottega, lo spazio dell'opera d'arte (la tela che sta sul cavalletto), paragonando queste metamorfosi nuotare negli oceani dipinti cartina geografica o sorvolando la terra mappata.

Lo straripamento di realtà - arte - mito si può osservare anche in Velazquez, che ricorre volentieri alla tecnica del “picture in picture”, un esempio del quale possono essere Meninas e Spinners.

“Picture in picture” è anche in “Venus in front of a mirror” di Velasquez, ma lo specchio nebbioso riflette solo l'ombra della dea dell'amore.

Dipinto e cornice

Qualsiasi immagine creata da un artista, ad eccezione dell'antica pitture rupestri, ha una cornice. L'inquadratura è necessaria e una parte importante composizione, la completa, dà unità. La cornice può trovarsi sullo stesso piano della composizione pittorica o grafica stessa. Può anche essere creato appositamente come una sorta di forma in rilievo con l'ausilio di elementi decorativi, scultorei e architettonici. Molto spesso ci sono cornici di forma rettangolare, un po 'meno spesso - rotonde e ovali.

La cornice aiuta a mettere in risalto il dipinto ambiente come qualcosa di speciale e degno di attenzione, ma allo stesso tempo lo collega con l'ambiente. Quindi, se lo stile della cornice coincide con l'aspetto artistico, la struttura e il carattere dell'interno in cui si trova l'immagine, ciò contribuisce all'integrità dell'insieme. A seconda del colore, della saturazione con dettagli decorativi e scultorei, la cornice influisce in modo significativo sull'impressione generale dell'immagine pittorica. Tutto ciò ci permette di parlare dell'unità dell'immagine e della cornice, dove l'inquadratura svolge, ovviamente, non la funzione principale, ma molto necessaria.

Lo sviluppo della pittura da cavalletto è stato complesso. Quale luminosa pietra miliare nella sua storia è stata la transizione dal Medioevo al Rinascimento! Il più significativo in esso era il desiderio di allontanarsi dalla rigidità e dall'astrazione dell'immagine dell'icona che dominava il Medioevo. Intorno al XIV secolo nacque un dipinto nel senso moderno del termine, e con esso apparve una cornice, ancora vestita dei merletti di una scenografia gotica.

I primi fotogrammi non erano completamente opposti all'intera immagine e non ne erano separati; i materiali di entrambi erano simili, la doratura condizionale dello sfondo, ad esempio, di un'antica icona russa o bizantina, passava alla cornice, e l'immagine stessa spesso “schizzava” su di essa. Quindi i confini tra l'immagine e la cornice sono diventati sempre più chiaramente riconosciuti. Tuttavia, come una sorta di ricordo dei secoli precedenti, la cornice ha mantenuto il suo colore dorato. Quando lo sfondo dorato, che denotava il mondo del divino, scomparve dal dipinto, la doratura della cornice iniziò ad essere percepita condizionatamente, in altre parole, come un attributo necessario della cornice, che aiutava a mettere in risalto il quadro nella stanza, attirare l'attenzione dello spettatore su di esso.

Nel Rinascimento dominava l'idea della pittura come sguardo al mondo attraverso una finestra, la cornice, con le sue forme, alludeva molto chiaramente all'idea prevalente e vi rispondeva. Queste magnifiche e solenni cornici sono state realizzate secondo i disegni di artisti in laboratori speciali o dagli assistenti dell'artista che lavoravano nel suo laboratorio.

Durante il Rinascimento, la pittura è stata costantemente paragonata a uno specchio che riflette la realtà, e la cornice, creata come una cornice ornamentale per specchi, ha sottolineato ancora più fortemente questo confronto. Questa cornice poteva essere realizzata non solo con doghe di legno e gesso, ma anche con materiali preziosi, tra cui argento, avorio, madreperla, ecc. La preziosità dei materiali sembrava corrispondere alla preziosità del dipinto, rafforzandola.

Gli antichi maestri erano molto attenti alla cornice, tenendo conto del suo impatto nel processo di lavoro, a volte dipingevano anche in una cornice finita, tenendo conto di un certo tono e ritmo decorativo della cornice. Pertanto, le composizioni degli antichi maestri spesso traggono grande vantaggio dalle cornici originali.

Le osservazioni sulle cornici degli antichi maestri ci permettono di stabilire un altro principio, la corrispondenza tra il profilo e la larghezza della cornice e la dimensione del quadro: ad esempio, i pittori olandesi erano soliti inserire i loro piccoli quadri in grandi cornici con profili profondi e trasparenti, che, per così dire, guidano l'occhio al centro dell'immagine e lo isolano da ogni influenza dell'ambiente

All'inizio del XX secolo si cominciarono a sentire voci che chiedevano l'abbandono del tutto delle cornici, come qualcosa di troppo materiale, che "radicava" la spiritualità dell'arte. Vari artisti d'avanguardia, dopo aver raccolto tali chiamate, iniziarono a esporre le loro opere senza cornici. Tuttavia, a seguito di questa innovazione, le loro stesse opere cessarono di essere dipinti nel senso stretto del termine. Si trattava di una sorta di "oggetti", "macchie", spesso privi di un significato chiaro.

Anche se ora non esiste uno stile nel design delle cornici, come una volta, ma c'è più di prima, la corrispondenza della cornice allo stile individuale dell'artista.

IN tempi recenti SU esibizione artistica si vede che l'inerzia rispetto al disegno dei telai (lasciali essere, e cosa non è così importante), che è stata manifestata in passato dai nostri artisti, sta cominciando a essere superata. Le cornici sono dipinte in vari colori, su di esse sono spesso poste piccole immagini e iscrizioni aggiuntive, gli scultori aiutano i pittori - compaiono cornici con ricchi motivi plastici.

Formato immagine

Ci sono però due elementi specifici del quadro, che sembrano creare un passaggio dal piano all'immagine, appartenenti allo stesso tempo alla realtà del quadro e alla sua finzione: il formato e la cornice. Può sembrare che il formato dell'immagine sia solo uno strumento dell'artista, ma non un'espressione diretta del suo concetto creativo: dopotutto, l'artista sceglie solo il formato. Nel frattempo, la natura del formato è strettamente connessa con l'intera struttura interna di un'opera d'arte e spesso indica anche la strada giusta per comprendere l'intenzione dell'artista. Di norma, il formato viene scelto prima dell'inizio del lavoro del pittore. Ma sono noti numerosi artisti a cui piaceva cambiare il formato dell'immagine durante il lavoro, tagliandone pezzi o aggiungendone di nuovi (Velasquez lo faceva particolarmente volentieri).

Il formato più comune per un'immagine è quadrangolare, con un quadrato puro molto più raro di un quadrilatero più o meno allungato verso l'alto o in larghezza. Alcune epoche apprezzano il formato tondo (tondo) o ovale. La scelta del formato non è casuale, il formato solitamente rileva profondità, connessione organica sia con il contenuto dell'opera d'arte, con il suo tono emotivo, sia con la composizione dell'immagine, riflette altrettanto chiaramente il temperamento individuale dell'artista e il gusto di un'intera epoca. Di fronte ad ogni immagine si avverte la relazione causale nascosta tra il formato e l'intenzione dell'artista, da cui deriva il fascino di una vera opera d'arte. Ci sono dipinti il ​​cui contenuto è così fuso con la natura del formato che il minimo spostamento delle proporzioni, a quanto pare, dovrebbe sconvolgere l'equilibrio stilistico e ideologico del quadro.

Il formato orizzontale, allungato, in generale, è certamente più adatto alla composizione narrativa, al dispiegarsi sequenziale del movimento davanti allo spettatore. Pertanto, artisti di umore epico, desiderosi di una composizione attiva, di azione, si rivolgono volentieri a questo formato, ad esempio i pittori italiani del XIV e della prima metà del XV secolo (soprattutto nelle composizioni di affreschi). Al contrario, un formato quadrato o in cui l'altezza predomina in qualche modo sulla larghezza, come se interrompesse immediatamente la dinamica dell'azione e conferisse alla composizione il carattere di una rappresentazione solenne - era questo tipo di formato che i maestri preferivano per le loro pitture d'altare. Alto Rinascimento ("Madonna Sistina"). A sua volta, con una significativa predominanza dell'altezza sulla larghezza, la composizione acquista nuovamente dinamica, forte trazione, ma questa volta verso l'alto o verso il basso; un formato così stretto era particolarmente gradito agli artisti aristocratici, decorativi (Crivelli) o mistici (manieristi, Greco ), cercando di incarnare determinate emozioni, stati d'animo.

È indubbia anche la connessione del formato con il temperamento individuale dell'artista: la fantasia sensuale e dinamica di Rubens richiede un formato più ampio rispetto alla fantasia sobria e spiritualizzata di Rembrandt. Infine, il formato dipende direttamente da tecnica pittorica. Più ampia e libera è la pennellata dell'artista, più naturale è il suo desiderio di grande formato.

Immagine, acquerello, tavola, pastello, paesaggio, tela, schizzo, studio, testa, nature morte; mosaico. mer . .. Vedi immagine... Dizionario di sinonimi russi ed espressioni simili. Sotto. ed. N. Abramova, M.: Dizionari russi, 1999. immagine ... Dizionario dei sinonimi

QUADRO, dipinti, donna. 1. Un'opera di pittura a colori. Pezzo di conversazione. Pittura ad acquerello. 2. Film cinematografico. 3. Un numero di immagini che differiscono per chiarezza e formano un tutt'uno. Immagine della natura. Un'immagine di un lontano passato. Questo… … Dizionario Ushakov

Un'opera pittorica che ha un valore artistico autonomo e ha la proprietà della completezza (al contrario di uno studio e di uno schizzo). L'immagine, di regola, non è collegata, come un affresco o una miniatura di un libro, con un certo interno ... ... Enciclopedia dell'arte

- (inosk.) bell'aspetto. mer "Guarda, l'immagine, e vedrai, la bestia." mer Denti come mandorle, occhi come cannella, voce come il tuo usignolo e immagine. Panettiere. (com.) mer. Bildschön… Il grande dizionario fraseologico esplicativo di Michelson (ortografia originale)

IMMAGINE, s, femmina. 1. Un'opera di pittura. Immagini di artisti russi. Appendi le foto. 2. Lo stesso del film (in 2 valori) (colloquiale). 3. Immagine di quanto n. v opera d'arte. K. vita. 4. Cosa può essere visto, esaminato o ... ... Dizionario esplicativo di Ozhegov

Femmina immagine, notte · sminuire. immagine immagine sprezzante · portato via. pittura, spec. nelle vernici; | immagine viva e vivida orale o scritta; | bella vista della natura. | copritetti: due lastre di ferro rivettate insieme. ... ... Dizionario esplicativo di Dahl

Repin "Pripili". Jarg. dicono Navetta. ferro. 1. A proposito di speranze non realizzate, fallimento, fallimento. 2. Cosa l. assurdo, incomprensibile, confuso. BSRG, 245; Vakhitov 2003, 74. Immagine in lacrime. Sib. Che è molto pietoso, fino alle lacrime è un peccato per qualcuno. FSS, 91. Da ... ... Grande dizionario detti russi

pittura- IMMAGINE, panorama, tela, tela, aperta, disprezzo. imbrattato, colloquiale, sprezzante sporco ... Dizionario-thesaurus dei sinonimi del discorso russo

- "PICTURE", URSS, 1989, colore, 40 min. Tragicommedia, programma televisivo. Di commedia omonima V. Slavkin. Un ingegnere che vive in una stanza d'albergo riceve la visita di un artista locale, uno sfigato, autore di un dipinto che da molti anni è appeso alla parete di questa stanza. A volte…… Enciclopedia del cinema

pittura- IMMAGINE, s, f. Viso. Dagli una foto. Una foto in una pozzanghera. poss. argotismo del XIX secolo; trovato, ad esempio, in A.P. Cechov ... Dizionario di Argo russo

pittura- (es. fenomeni) [A.S. Goldberg. Dizionario Energetico Inglese Russo. 2006] Argomenti energia in generale EN picture … Manuale del traduttore tecnico

Libri

• Foto, Granin Daniil Alexandrovich. Daniil Granin, vincitore del Premio di Stato della Russia e due volte vincitore del Premio di Stato dell'URSS, nel romanzo "The Picture" fa nuovamente riferimento ai problemi di grande risonanza pubblica. Il libro è ambientato in…

Siamo abituati a vedere dipinti nei musei dipinti in vari colori: tempera, olio, acquerello. Ma quanto spesso pensiamo a come sono apparsi e chi era il loro creatore? Per la prima volta è stata utilizzata la vernice, che in realtà fungeva da argilla primitivo. Poi iniziò a mescolare argilla, carbone e altri coloranti naturali con il grasso, che può essere considerato la prima vera vernice. Passarono interi millenni prima dell'avvento della pittura, che gli artisti iniziarono a usare ovunque.

tempera all'uovo

Questa vernice era tempera all'uovo. Divenne particolarmente popolare durante il Rinascimento, quando vi lavorarono grandi maestri come Raffaello, Leonardo da Vinci e Michelangelo. Tempera consisteva di tuorlo d'uovo, acqua e pigmenti secchi. A quei tempi, gli artisti erano costretti a realizzare i propri colori. Hanno macinato argilla, minerali vegetali, bacche e persino insetti in una polvere fine, quindi l'hanno mescolata con acqua e tuorlo d'uovo. La tempera richiedeva abilità speciali da parte degli artisti. Questo rosso acquoso si è asciugato sorprendentemente rapidamente. Ciò ha costretto i maestri a lavorare a una velocità molto elevata per mantenere l'unità del modello.

Dipinti ad olio

Una vera e propria rivoluzione nella pittura fu compiuta nel XV secolo dall'invenzione dei colori ad olio di Jan van Eyck, che utilizzò come legante l'olio di semi di lino, invece del solito tuorlo d'uovo. A rigor di termini, erano conosciuti prima della nostra era. Ciò è confermato dai resti di pitture trovati dopo la distruzione delle statue del Buddha di Bamiyan. È noto che i pittori antichi usavano anche oli vegetali per composizioni colorate. Vari trattati dall'VIII al XII secolo parlano dell'uso dell'olio di lino. Tuttavia, nessuna prova materiale è sopravvissuta. Dipinti ad olio per molti versi superiore alla tempera all'uovo. Prima di tutto, gli artisti sono stati corrotti dalla sua plasticità. I colori ad olio erano facili da miscelare, consentendo di creare colori completamente nuovi. La vernice iniziò ad essere applicata in strati sottili. Questa tecnica trasmette al meglio lo spazio, il volume e la profondità del colore.

Acquerello

Nonostante il suo aspetto sia attribuito al II secolo d.C., ottenne ampia popolarità solo a cavallo tra il XVIII e il XIX secolo. È costituito da un pigmento finemente macinato e da colle di origine vegetale facilmente solubili in acqua. Questa vernice viene diluita con acqua e applicata su carta. Specificità tecnica dell'acquerello risiede nella sua trasparenza. Gli acquerelli creano dipinti leggeri, delicati, come pieni d'aria. Ma c'è un problema: rifai il disegno o registra il livello, come in pittura ad olio, ad esempio, è impossibile. Quando si mescolano più di due o tre colori, la vernice perde luminosità e purezza e quando lo strato di vernice viene lavato via, la carta si deforma, il che porta allo sporco.

Da quei tempi lontani, le vernici sono state create sulla base di ingredienti naturali: oli vegetali, resina di legno e coloranti naturali. Ma all'inizio del XX secolo, i chimici che lavoravano per i principali produttori di vernici iniziarono a inventare nuove formule di vernice. È nel XX secolo che inizia la storia delle vernici che oggi si possono vedere nei negozi. Molti di loro contengono componenti sintetici, ma non sono in alcun modo inferiori a quelli naturali.

• Un'immagine in pittura è un'opera d'arte che ha un carattere completo (al contrario di uno schizzo e uno schizzo) e un valore artistico indipendente. A differenza di un affresco o di un libro in miniatura, un dipinto non è necessariamente associato a un particolare interno oa un particolare sistema decorativo. Il dipinto è uno dei tipi più tipici di arte da cavalletto. Creando una tela, l'artista si affida alla natura, ma l'immaginazione creativa gioca un ruolo importante in questo processo. La pittura gioca un ruolo di primo piano nello sviluppo della pittura.

  Consiste in una base pittorica (tela, tavola di legno o metallo, cartone, carta, pietra, seta, ecc.), un primer e uno strato di vernice.

  Un'immagine nel dramma, nell'opera, nel balletto, nell'arte cinematografica è una parte completa di un atto o di un'opera, limitata da uno spazio di azione invariabile. Quando messo in scena, di regola, viene mostrato senza cambiare lo scenario.

  Un'immagine in senso figurato o più generale è qualsiasi opera d'arte completa e integrale, inclusa una descrizione vivace e vivida, orale o scritta, della natura.

  Una riproduzione o copia di un originale può anche essere definita un dipinto se non ha importanza nel contesto pertinente se si tratta di una copia o di un'opera originale. Ad esempio, "c'erano diversi quadri appesi nel corridoio". Se non stai usando illuminazione moderna(elettricità, candele, ecc.), prima di iniziare a lavorare su un quadro (dipinto), è consigliabile segnare l'ora con una meridiana nello stesso giorno dell'anno, ad esempio se si è iniziato a dipingere un quadro alle 13.00 e si è continuato per dipingerlo per un'ora prima delle 14:00 del 25 luglio 1979, la tua prossima sessione di scrittura sarà dalle 13:00 alle 14:00 del 25 luglio 1980. Questo requisito è legato alla posizione astronomica del nostro pianeta rispetto al sole. Bisogna anche essere consapevoli che ci sono dipinti (soprattutto antichi maestri) saturi di veleni, così come ci sono piante velenose, liquidi e minerali che sono stati usati per scriverli.

  Il professor Richard Gregory ha descritto le "strane proprietà dei dipinti": "I dipinti sono una classe unica di oggetti perché sono entrambi visibili in sé e per sé e come qualcosa di molto diverso dal semplice foglio di carta su cui sono disegnati. Le immagini sono paradossali. Nessun oggetto può trovarsi in due posti contemporaneamente; nessun oggetto può essere contemporaneamente bidimensionale e tridimensionale, ed è così che vediamo le immagini. L'immagine ha una dimensione molto definita e allo stesso tempo mostra la vera dimensione di un volto umano, un edificio o una nave. Le immagini sono oggetti impossibili. Le immagini sono importanti perché l'occhio vede gli oggetti mancanti in esse. Biologicamente, è estremamente strano".

  La capacità di una persona di rispondere a situazioni assenti e immaginarie presentate nelle immagini è una fase importante nello sviluppo del pensiero astratto.

  Johann Wolfgang Goethe ha scritto: "Le immagini non sono solo una tela dipinta, influenzano sentimenti e pensieri, lasciano un segno nell'anima, risvegliano presentimenti".