Cultura artistica del Rinascimento. pre-risveglio

Creazione città ideale scienziati e architetti tormentati di vari paesi ed epoche, ma i primi tentativi di progettare qualcosa di simile sorsero nel Rinascimento. Sebbene gli scienziati lavorassero alla corte dei faraoni e degli imperatori romani, i cui lavori miravano a creare una sorta di insediamento ideale, in cui non solo tutto obbedisse chiaramente alla gerarchia, ma anche in cui sarebbe stato comodo vivere sia per il sovrano e il semplice artigiano. Ricorda almeno Akhetaten, Mohenjodaro o un fantastico progetto proposto da Stasicrate ad Alessandro Magno, secondo il quale proponeva di scolpire una statua di un comandante del Monte Athos con una città situata sul braccio. L'unico problema era che questi insediamenti sono rimasti sulla carta o sono stati distrutti. L'idea di progettare una città ideale è venuta non solo agli architetti, ma anche a molti artisti. Ci sono riferimenti che Piero della Francesca, e Giorgio Vasari, e Luciano Laurana e molti altri erano impegnati in questo.

Piero della Francesco era noto ai suoi contemporanei soprattutto come autore di trattati d'arte. Solo tre di loro ci sono pervenuti: "Trattato sull'abaco", "Prospettiva in pittura", "Cinque corpi regolari". Fu lui a sollevare per primo la questione della creazione di una città ideale in cui tutto fosse soggetto a calcoli matematici, promettendo costruzioni di chiara simmetria. Per questo molti studiosi attribuiscono al Pierrot l'immagine "Veduta di una città ideale", che si inserisce perfettamente nei principi del Rinascimento.

Leon Battista Alberti si avvicinò di più alla realizzazione di un progetto così vasto. È vero, non è riuscito a realizzare la sua idea nella sua interezza, ma ha lasciato un gran numero di disegni e appunti, secondo i quali altri artisti sono stati in grado di realizzare in futuro ciò che Leon non è riuscito a realizzare. In particolare, Bernardo Rosselino è stato l'esecutore di molti suoi progetti. Ma Leon ha implementato i suoi principi non solo per iscritto, ma anche sull'esempio di molti degli edifici che ha costruito. Si tratta, in sostanza, di numerosi palazzi destinati a famiglie nobili. L'architetto rivela il proprio esempio di città ideale nel suo trattato Sull'architettura. Lo scienziato ha scritto questo lavoro fino alla fine della sua vita. Fu pubblicato postumo e divenne il primo libro stampato a rivelare i problemi dell'architettura. Secondo Leon, la città ideale doveva riflettere tutti i bisogni di una persona, rispondere a tutti i suoi bisogni umanistici. E questa non è una coincidenza, perché il principale pensiero filosofico del Rinascimento era l'umanesimo antropocentrico. La città dovrebbe essere divisa in quartieri, che sarebbero suddivisi secondo un principio gerarchico o secondo il tipo di impiego. Al centro, sulla piazza principale, si trova un palazzo dove si sarebbe concentrato il potere cittadino, oltre alla cattedrale principale e alle abitazioni di nobili famiglie e amministratori cittadini. Più vicino alla periferia c'erano le case di mercanti e artigiani, ei poveri vivevano proprio al confine. Una tale disposizione degli edifici, secondo l'architetto, era un ostacolo all'emergere di vari disordini sociali, poiché le case dei ricchi sarebbero state separate dalle abitazioni dei cittadini poveri. Un altro importante principio urbanistico è che doveva soddisfare le esigenze di qualsiasi categoria di cittadini, in modo che sia il sovrano che il sacerdote potessero vivere comodamente in questa città. Doveva contenere tutti gli edifici, dalle scuole e biblioteche ai mercati e terme. Anche l'accessibilità pubblica di tali edifici è importante. Anche se ignoriamo tutti i principi etici e sociali di una città ideale, i valori artistici esterni rimangono. La planimetria doveva essere regolare, secondo la quale la città era divisa in quartieri netti da strade diritte. In generale, tutte le strutture architettoniche dovrebbero essere soggette a forme geometriche e disegnate lungo un righello. I quadrati erano rotondi o rettangolari. Secondo questi principi, le città antiche, come Roma, Genova, Napoli, furono sottoposte alla parziale demolizione delle vecchie strade medievali e alla costruzione di nuovi spaziosi quartieri.

In alcuni trattati è stata trovata un'osservazione simile sul tempo libero delle persone. Riguardava principalmente i ragazzi. È stato proposto di costruire campi da gioco e incroci nelle città di un tipo tale che i giovani che giocano fossero sotto la costante supervisione di adulti che potessero osservarli senza impedimenti. Queste precauzioni avevano lo scopo di educare alla prudenza i giovani.

La cultura del Rinascimento fornì per molti versi spunti di ulteriore riflessione sulla struttura della città ideale. Ciò era particolarmente vero per gli umanisti. Secondo la loro visione del mondo, tutto dovrebbe essere creato per una persona, per la sua comoda esistenza. Quando tutte queste condizioni sono soddisfatte, una persona riceverà pace sociale e felicità spirituale. Pertanto, in tale
la società semplicemente a priori non può avere guerre o rivolte. L'umanità si è mossa verso un tale risultato per tutta la sua esistenza. Ricorda almeno la famosa "Utopia" di Thomas More o "1984" di George Orwell. Opere di questo tipo hanno influito non solo sui tratti funzionali, ma hanno anche pensato alle relazioni, all'ordine e alla struttura della comunità che viveva in questa località, non necessariamente una città, forse anche il mondo. Ma queste basi furono poste nel XV secolo, quindi possiamo tranquillamente affermare che gli scienziati del Rinascimento erano persone del loro tempo istruite in modo completo.

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Classicismo nell'architettura dell'Europa occidentale

Lasciamo fare agli italiani

Orpello vuoto con la sua finta lucentezza.

Totale il significato è più importante ma per venire da lui,

Dovremo superare ostacoli e percorsi,

Segui rigorosamente il percorso segnalato:

A volte la mente ha un solo modo...

Devi pensare al significato e solo allora scrivere!

N.Boileau. "Arte poetica".

Traduzione di V. Lipetskaya

Così insegnava ai suoi contemporanei uno dei principali ideologi del classicismo, il poeta Nicolas Boileau (1636-1711). Le rigide regole del classicismo erano incarnate nelle tragedie di Corneille e Racine, le commedie di Molière e le satire di La Fontaine, la musica di Lully e la pittura di Poussin, l'architettura e la decorazione dei palazzi e complessi di Parigi...

Il classicismo si manifestava più chiaramente nelle opere di architettura, incentrate sulle migliori conquiste della cultura antica: un sistema di ordini, una rigida simmetria, una chiara proporzionalità delle parti della composizione e la loro subordinazione all'idea generale. Lo "stile austero" dell'architettura classicista sembrava destinato a incarnare visivamente la sua formula ideale di "nobile semplicità e calma grandezza". Le strutture architettoniche del classicismo erano dominate da forme semplici e chiare, una calma armonia di proporzioni. La preferenza è stata data alle linee rette, all'arredamento discreto, alla ripetizione del contorno dell'oggetto. La semplicità e la nobiltà della lavorazione, la praticità e l'opportunità hanno influenzato tutto.

Sulla base delle idee degli architetti rinascimentali sulla "città ideale", gli architetti del classicismo hanno creato un nuovo tipo di grandioso insieme di palazzi e parchi, strettamente subordinato a un unico piano geometrico. Una delle strutture architettoniche eccezionali di questo periodo era la residenza dei re francesi alla periferia di Parigi: il Palazzo di Versailles.

"Sogno fatato" di Versailles

Mark Twain, che visitò Versailles a metà del XIX secolo.

“Ho rimproverato Luigi XIV, che ha speso 200 milioni di dollari per Versailles quando la gente non aveva abbastanza per il pane, ma ora l'ho perdonato. È straordinariamente bello! Fissi, apri gli occhi e cerca di capire che sei sulla terra e non nei giardini dell'Eden. E sei quasi pronto a credere che questa sia una bufala, solo un sogno favoloso.

In effetti, il "sogno da favola" di Versailles stupisce ancora per la scala della pianta regolare, il magnifico splendore delle facciate e lo splendore della decorazione decorativa degli interni. Versailles divenne un'incarnazione visibile dell'architettura grandiosa del classicismo, esprimendo l'idea di un modello del mondo razionalmente organizzato.

Cento ettari di terreno in maniera estremamente poco tempo(1666-1680) furono trasformate in un angolo di paradiso destinato all'aristocrazia francese. Gli architetti Louis Leveaux (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) e André Le Notre(1613-1700). Per un certo numero di anni hanno ricostruito e cambiato molto nella sua architettura, così che attualmente è una complessa fusione di diversi strati architettonici, assorbendo tratti caratteriali classicismo.

Il centro di Versailles è il Grand Palace, al quale conducono tre viali convergenti. Posto su una certa elevazione, il palazzo occupa una posizione dominante sull'area. I suoi creatori hanno diviso la facciata lunga quasi mezzo chilometro in una parte centrale e due ali laterali - risalit, conferendole una speciale solennità. La facciata è rappresentata da tre piani. Il primo, che svolge il ruolo di un massiccio basamento, è decorato a bugnato sul modello dei palazzi-palazzi rinascimentali italiani. Sulla seconda, frontale, si aprono alte finestre ad arco, tra le quali si aprono colonne ioniche e lesene. La gradinata che corona l'edificio conferisce monumentalità all'aspetto del palazzo: si accorcia e termina con gruppi scultorei che conferiscono all'edificio una particolare eleganza e leggerezza. Il ritmo delle finestre, dei pilastri e delle colonne della facciata ne sottolinea la classica austerità e magnificenza. Non è un caso che Molière abbia detto del Gran Palazzo di Versailles:

"La decorazione artistica del palazzo è così in armonia con la perfezione che la natura gli conferisce che può essere definito un castello magico."

Interni Gran Palazzo decorati in stile barocco: abbondano di decorazioni scultoree, ricche decorazioni sotto forma di stucchi dorati e intagli, molti specchi e mobili raffinati. Le pareti ei soffitti sono ricoperti da lastre di marmo colorato con chiari motivi geometrici: quadrati, rettangoli e cerchi. Pannelli e arazzi pittoreschi temi mitologici glorificare il re Luigi XIV. I massicci lampadari in bronzo con dorature completano l'impressione di ricchezza e lusso.

Le sale del palazzo (ce ne sono circa 700) formano infinite infilate e sono destinate a processioni cerimoniali, magnifiche feste e balli in maschera. Nella più grande sala cerimoniale del palazzo - la Galleria degli Specchi (lunga 73 m) - è chiaramente dimostrata la ricerca di nuovi effetti spaziali e luminosi. Le finestre su un lato della sala erano accompagnate da specchi sull'altro. Sotto la luce del sole o con l'illuminazione artificiale, quattrocento specchi creavano un eccezionale effetto spaziale, trasmettendo un magico gioco di riflessi.

Le composizioni decorative di Charles Lebrun (1619-1690) a Versailles e al Louvre colpivano per il loro splendore cerimoniale. Il "metodo di rappresentazione delle passioni" da lui proclamato, che comportava pomposi elogi di persone di alto rango, portò all'artista un successo vertiginoso. Nel 1662 divenne il primo pittore del re, e poi il direttore della manifattura reale di arazzi (quadri di tappeti tessuti a mano, o arazzi) e il capo di tutti i lavori decorativi nella Reggia di Versailles. Nella Galleria degli Specchi del Palazzo, Lebrun dipinse

un soffitto dorato con molte composizioni allegoriche su temi mitologici che glorificavano il regno del "Re Sole" Luigi XIV. Allegorie e attributi pittoreschi ammucchiati, colori vivaci ed effetti decorativi del barocco contrastavano chiaramente con l'architettura del classicismo.

La camera da letto del re si trova nella parte centrale del palazzo e si affaccia verso Alba. Fu da qui che si aprì la vista di tre autostrade che si irradiavano da un punto, che simbolicamente ricordavano il centro principale del potere statale. Dal balcone, la vista del re ha aperto tutta la bellezza del parco di Versailles. Il suo creatore principale Andre Le Nôtre è riuscito a collegare insieme gli elementi dell'architettura e dell'arte del giardinaggio. A differenza dei parchi paesaggistici (inglesi), che esprimevano l'idea di unità con la natura, i parchi regolari (francesi) subordinavano la natura alla volontà e alle intenzioni dell'artista. Il parco di Versailles colpisce per la sua chiarezza e organizzazione razionale dello spazio, il suo disegno è accuratamente verificato dall'architetto con l'ausilio di compasso e righello.

I vicoli del parco sono percepiti come una continuazione delle sale del palazzo, ognuna delle quali termina con un serbatoio. Molte piscine hanno la forma geometrica corretta. I lisci specchi d'acqua nelle ore prima del tramonto riflettono i raggi del sole e le ombre stravaganti proiettate da cespugli e alberi tagliati a forma di cubo, cono, cilindro o palla. Il verde forma a volte muri solidi e impenetrabili, a volte ampie gallerie, in nicchie artificiali di cui sono poste composizioni scultoree, erme (pilastri tetraedrici coronati da una testa o un busto) e numerosi vasi con cascate di sottili getti d'acqua. La plasticità allegorica delle fontane, realizzate da famosi maestri, ha lo scopo di glorificare il regno del monarca assoluto. Il "Re Sole" appariva in loro o sotto le spoglie del dio Apollo, o Nettuno, che cavalcava fuori dall'acqua su un carro o riposava tra le ninfe in una fresca grotta.

Tappeti lisci di prati stupiscono con colori vivaci e colorati con un bizzarro ornamento floreale. Nei vasi (ce n'erano circa 150mila) c'erano fiori freschi, che venivano cambiati in modo tale che Versailles fosse in costante fioritura in qualsiasi periodo dell'anno. I sentieri del parco sono cosparsi di sabbia colorata. Alcuni di loro erano rivestiti con scaglie di porcellana scintillanti al sole. Tutto questo splendore e splendore della natura era completato dagli odori di mandorle, gelsomino, melograno e limone, che si diffondevano dalle serre.

C'era natura in questo parco

Come se fosse inanimato;

Come con un alto sonetto,

Stavano scherzando con l'erba.

Niente balli, niente lamponi dolci,

Le Notre e Jean Lully

Nei giardini e nelle danze del disordine

Non potrei sopportarlo.

I tassi si congelarono, come in trance,

I cespugli allineati,

E fece un inchino

Fiori appresi.

V. Hugo Traduzione di E. L. Lipetskaya

N. M. Karamzin (1766-1826), che visitò Versailles nel 1790, parlò delle sue impressioni nelle Lettere di un viaggiatore russo:

“L'immensità, la perfetta armonia delle parti, l'azione del tutto: questo è ciò che il pittore non può rappresentare con un pennello!

Andiamo ai giardini, creazione di Le Nôtre, che ovunque il genio audace pose sul trono dell'arte orgogliosa, e l'umile Na-tura, come un povero schiavo, lo gettò ai suoi piedi ...

Quindi, non cercare la Natura nei giardini di Versailles; ma qui, ad ogni passo, l'Arte cattura lo sguardo... "

Insiemi architettonici di Parigi. Impero

Dopo il completamento dei principali lavori di costruzione a Versailles, a cavallo tra il XVII e il XVIII secolo, André Le Nôtre lanciò vigorosa attività per la riqualificazione di Parigi. Ha eseguito la scomposizione del Parco delle Tuileries, fissando chiaramente l'asse centrale sulla continuazione dell'asse longitudinale dell'insieme del Louvre. Dopo Le Nôtre, il Louvre fu finalmente ricostruito, fu creata Place de la Concorde. Il grande asse di Parigi ha dato un'interpretazione completamente diversa della città, che ha soddisfatto i requisiti di grandezza, grandiosità e splendore. La composizione degli spazi urbani aperti, il sistema di strade e piazze progettate architettonicamente divennero il fattore determinante nella pianificazione di Parigi. La chiarezza del disegno geometrico di strade e piazze collegate in un unico insieme lunghi anni diventerà un criterio per valutare la perfezione del piano urbanistico e l'abilità dell'urbanista. Molte città in tutto il mondo sperimenteranno successivamente l'influenza del classico modello parigino.

Una nuova comprensione della città come oggetto di influenza architettonica su una persona trova una chiara espressione nel lavoro sugli insiemi urbani. Nel processo della loro costruzione sono stati delineati i principi principali e fondamentali dell'urbanistica del classicismo: libero sviluppo nello spazio e connessione organica con l'ambiente. Superando il caos dello sviluppo urbano, gli architetti hanno cercato di creare complessi progettati per una visione libera e senza ostacoli.

I sogni rinascimentali di creare una “città ideale” si concretizzarono nella formazione di un nuovo tipo di piazza, i cui confini non erano più le facciate di certi edifici, ma lo spazio delle strade e dei quartieri ad essa adiacenti, parchi o giardini, un argine del fiume. L'architettura cerca di collegare in una certa unità d'insieme non solo edifici direttamente vicini, ma anche punti molto remoti della città.

Seconda metà del XVIII secolo e il primo terzo del XIX secolo. festeggiato in Francia nuovo stadio sviluppo del classicismo e sua diffusione nei paesi europei - neoclassicismo. Dopo il Grande rivoluzione francese e la guerra patriottica del 1812, apparvero nuove priorità nell'urbanistica, in sintonia con lo spirito del loro tempo. Hanno trovato l'espressione più sorprendente nello stile Impero. Era caratterizzato dalle seguenti caratteristiche: pathos cerimoniale di grandezza imperiale, monumentalità, richiamo all'arte della Roma imperiale e antico Egitto, l'uso di attributi del romano storia militare come principali motivi decorativi.

L'essenza del nuovo stile artisticoè stato espresso molto accuratamente nelle significative parole di Napoleone Bonaparte:

"Amo il potere, ma come artista... mi piace estrarne suoni, accordi, armonia."

Stile impero divenne la personificazione del potere politico e della gloria militare di Napoleone, servì come una sorta di manifestazione del suo culto. La nuova ideologia incontrava pienamente gli interessi politici e i gusti artistici del nuovo tempo. Ovunque furono creati grandi complessi architettonici di piazze aperte, ampie strade e viali, furono eretti ponti, monumenti ed edifici pubblici, a dimostrazione della grandezza imperiale e del potere del potere.

Ad esempio, il ponte Austerlitz ricordava la grande battaglia di Napoleone ed è stato costruito con le pietre della Bastiglia. In piazza Carruzel fu costruito Arco di Trionfo in onore della vittoria ad Austerlitz. Due piazze (Consenso e Stelle), separate l'una dall'altra a notevole distanza, erano collegate da prospettive architettoniche.

Chiesa di Santa Genoveffa, eretto da J. J. Soufflot, divenne il Pantheon, il luogo di riposo del grande popolo francese. Uno dei monumenti più spettacolari dell'epoca è la colonna della Grande Armata in Place Vendôme. Simile all'antica colonna romana di Traiano, doveva, secondo il progetto degli architetti J. Gonduin e J. B. Leper, esprimere lo spirito del Nuovo Impero e la sete di grandezza di Napoleone.

Nella decorazione interna luminosa di palazzi ed edifici pubblici, la solennità e la maestosa pomposità erano particolarmente apprezzate, il loro arredamento era spesso sovraccarico di accessori militari. I motivi dominanti erano combinazioni contrastanti di colori, elementi di ornamenti romani ed egizi: aquile, grifoni, urne, ghirlande, torce, grottesche. Lo stile Impero si manifestava più chiaramente negli interni delle residenze imperiali del Louvre e della Malmaison.

L'era di Napoleone Bonaparte terminò nel 1815 e ben presto iniziarono a sradicare attivamente la sua ideologia e i suoi gusti. Dall'Impero "scomparso come un sogno", c'erano opere d'arte in stile Impero, che testimoniavano chiaramente la sua antica grandezza.

Domande e compiti

1. Perché Versailles può essere attribuita a opere eccezionali?

Come idee urbanistiche del classicismo del XVIII secolo. hanno trovato la loro applicazione pratica in insiemi architettonici Parigi, per esempio Place de la Concorde? Cosa la distingue dalle piazze barocche italiane della Roma del XVII secolo, come Piazza del Popolo (vedi p. 74)?

2. Come si è espressa la connessione tra barocco e classicismo? Quali idee ha ereditato il classicismo dal barocco?

3. Quali sono i retroscena storici dell'emergere dello stile Impero? Quali nuove idee del suo tempo cercava di esprimere nelle opere d'arte? Su quali principi artistici si basa?

laboratorio creativo

1. Offri ai tuoi compagni di classe una visita guidata di Versailles. Per la sua preparazione, puoi utilizzare materiali video da Internet. I parchi di Versailles e Peterhof vengono spesso confrontati. Quale pensi sia la base per tali confronti?

2. Prova a confrontare l'immagine della "città ideale" dell'era rinascimentale con gli insiemi classicisti di Parigi (San Pietroburgo o la sua periferia).

3. Confronta il design decorazione d'interni(interni) della Galleria di Francesco I a Fontainebleau e della Galleria degli Specchi di Versailles.

4. Conosci i dipinti dell'artista russo A. N. Benois (1870-1960) dal ciclo “Versailles. Cammino del Re” (vedi p. 74). Come trasmettono l'atmosfera generale della vita di corte del re francese Luigi XIV? Perché possono essere considerati come immagini-simboli peculiari?

Argomenti di progetti, abstract o messaggi

"La formazione del classicismo nell'architettura francese dei secoli XVII-XVIII"; "Versailles come modello di armonia e bellezza del mondo"; "A spasso per Versailles: il legame tra la composizione del palazzo e la sistemazione del parco"; "Capolavori dell'architettura del classicismo dell'Europa occidentale"; "L'impero napoleonico nell'architettura della Francia"; "Versailles e Peterhof: esperienza caratteristiche comparative»; « Scoperte artistiche negli insiemi architettonici di Parigi”; "Le piazze di Parigi e lo sviluppo dei principi di pianificazione regolare della città"; "Chiarezza di composizione ed equilibrio di volumi della cattedrale degli Invalides a Parigi"; "Concord Square è una nuova tappa nello sviluppo delle idee urbanistiche del classicismo"; “La severa espressività dei volumi e l'avarizia dell'arredamento della chiesa di Santa Genoveffa (Pantheon) di J. Soufflot”; "Caratteristiche del classicismo nell'architettura dei paesi dell'Europa occidentale"; "Eccezionali architetti del classicismo dell'Europa occidentale".

Libri per ulteriori letture

Arkin D. E. Immagini di architettura e immagini di scultura. M., 1990. Kantor A. M. e altri Arte del XVIII secolo. M., 1977. (Piccola storia delle arti).

Classicismo e Romanticismo: Architettura. Scultura. Pittura. Disegno / ed. R.Toman. M., 2000.

Kozhina E.F. Arte della Francia del XVIII secolo. L., 1971.

Lenotr J. La vita quotidiana di Versailles sotto i re. M., 2003.

Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. Cultura dell'Illuminismo. M., 1996.

Watkin D. Storia dell'architettura dell'Europa occidentale. M., 1999. Fedotova E.D. Impero napoleonico. M., 2008.

Nella preparazione del materiale, il testo del libro di testo "World cultura artistica. Dal XVIII secolo ad oggi” (Autore Danilova G. I.).

Arte rinascimentale

Rinascimento- questo è il periodo di massimo splendore di tutte le arti, compreso il teatro, la letteratura e la musica, ma, senza dubbio, la principale tra esse, che esprimeva più pienamente lo spirito del suo tempo, erano le belle arti.

Non a caso esiste una teoria secondo cui il Rinascimento ebbe inizio con il fatto che gli artisti non si accontentarono più del quadro dello stile "bizantino" dominante e, alla ricerca di modelli per il loro lavoro, furono i primi a rivolgersi a all'antichità. Il termine "Rinascimento" (Rinascimento) fu introdotto dal pensatore e artista dell'epoca stessa, Giorgio Vasari ("Biografia di famosi pittori, scultori e architetti"). Così chiamò il tempo dal 1250 al 1550. Dal suo punto di vista, questo era il momento della rinascita dell'antichità. Per Vasari l'antichità appare in modo ideale.

In futuro, il contenuto del termine si è evoluto. La rinascita cominciò a significare l'emancipazione della scienza e dell'arte dalla teologia, un raffreddamento verso l'etica cristiana, la nascita delle letterature nazionali, il desiderio dell'uomo di libertà dalle restrizioni della Chiesa cattolica. Cioè, il Rinascimento, in sostanza, cominciò a significare umanesimo.

RISVEGLIO, RINASCIMENTO(Francese renais sance - rinascita) - una delle più grandi epoche, un punto di svolta nello sviluppo dell'arte mondiale tra il Medioevo e il nuovo tempo. Il Rinascimento copre i secoli XIV-XVI. in Italia, secoli XV-XVI. negli altri paesi europei. Il suo nome - Rinascimento (o Rinascimento) - questo periodo nello sviluppo della cultura ricevuto in connessione con la rinascita dell'interesse per arte antica. Tuttavia, gli artisti di quel tempo non solo copiavano vecchi schemi, ma vi inserivano anche un contenuto qualitativamente nuovo. Il Rinascimento non dovrebbe essere considerato uno stile o una direzione artistica, poiché in quest'epoca c'erano vari stili, tendenze, correnti artistiche. L'ideale estetico del Rinascimento si è formato sulla base di una nuova visione del mondo progressista: l'umanesimo. Il mondo reale e l'uomo sono stati proclamati il ​​valore più alto: l'uomo è la misura di tutte le cose. Il ruolo della persona creativa è particolarmente aumentato.

Il pathos umanistico dell'epoca si incarnava al meglio nell'arte, che, come nei secoli precedenti, mirava a dare un'immagine dell'universo. La novità era che cercavano di unire il materiale e lo spirituale in un tutt'uno. Era difficile trovare una persona indifferente all'arte, ma è stata data la preferenza a belle arti e architettura.

Pittura italiana del XV secolo per lo più monumentali (affreschi). La pittura occupa un posto di primo piano tra i tipi di belle arti. Corrisponde nel modo più completo al principio rinascimentale di "imitare la natura". Un nuovo sistema visivo si forma sulla base dello studio della natura. L'artista Masaccio ha dato un degno contributo allo sviluppo della comprensione del volume, della sua trasmissione con l'ausilio del chiaroscuro. Scoperta e fondamento scientifico delle leggi del lineare e prospettiva aerea influenzò in modo significativo l'ulteriore destino della pittura europea. Si sta formando un nuovo linguaggio plastico della scultura, il suo fondatore è stato Donatello. Ha fatto rivivere la statua rotonda indipendente. La sua opera migliore è la scultura del David (Firenze).

In architettura vengono resuscitati i principi dell'antico sistema di ordine, viene aumentata l'importanza delle proporzioni, si formano nuovi tipi di edifici (palazzo cittadino, villa di campagna, ecc.), la teoria dell'architettura e il concetto di città ideale sono in fase di sviluppo. L'architetto Brunelleschi costruì edifici in cui unì l'antica comprensione dell'architettura e le tradizioni del tardo gotico, raggiungendo una nuova spiritualità figurativa dell'architettura, sconosciuta agli antichi. Durante l'alto Rinascimento, la nuova visione del mondo si incarnava al meglio nell'opera di artisti giustamente chiamati geni: Leonardo da Vinci, Raffaello, Michelangelo, Giorgione e Tiziano. Gli ultimi due terzi del XVI secolo detto tardo rinascimentale. In questo momento, la crisi riguarda l'arte. Diventa regolato, cortese, perde il suo calore e la sua naturalezza. Tuttavia, singoli grandi artisti - Tiziano, Tintoretto continuano a creare capolavori durante questo periodo.

Il Rinascimento italiano ha avuto un enorme impatto sull'arte di Francia, Spagna, Germania, Inghilterra e Russia.

L'aumento dello sviluppo dell'arte dei Paesi Bassi, della Francia e della Germania (secoli XV-XVI) è chiamato il Rinascimento settentrionale. L'opera dei pittori Jan van Eyck, P. Brueghel il Vecchio è l'apice di questo periodo nello sviluppo dell'arte. In Germania, A. Dürer è stato il più grande artista del Rinascimento tedesco.

Le scoperte fatte durante il Rinascimento nel campo della cultura e dell'arte spirituale furono di grande importanza storica per lo sviluppo dell'arte europea nei secoli successivi. L'interesse per loro continua ancora oggi.

Il Rinascimento in Italia ha attraversato diverse fasi: primo Rinascimento, alto Rinascimento, tardo Rinascimento. Firenze divenne la culla del Rinascimento. Le basi della nuova arte furono sviluppate dal pittore Masaccio, dallo scultore Donatello e dall'architetto F. Brunelleschi.

Il primo a creare dipinti invece di icone fu il più grande maestro del Proto-Rinascimento Giotto. Fu il primo a sforzarsi di trasmettere idee etiche cristiane attraverso la rappresentazione di veri sentimenti ed esperienze umane, sostituendo il simbolismo con la rappresentazione dello spazio reale e di oggetti specifici. Sui famosi affreschi di Giotto in Cappella dell'Arena a Padova puoi vedere personaggi abbastanza insoliti accanto ai santi: pastori o filatori. Ogni singola persona in Giotto esprime esperienze ben definite, un carattere definito.

Nell'era del primo Rinascimento nell'arte avviene lo sviluppo dell'antico patrimonio artistico, si formano nuovi ideali etici, gli artisti si rivolgono alle conquiste della scienza (matematica, geometria, ottica, anatomia). Il ruolo principale nella formazione dei principi ideologici e stilistici dell'arte del primo Rinascimento è svolto da Firenze. Nelle immagini create da maestri come Donatello, Verrocchio, la statua equestre del condottiero Gattamelata David di Donatello domina i principi eroici e patriottici ("San Giorgio" e "David" di Donatello e "David" di Verrocchio).

Masaccio fu il fondatore della pittura rinascimentale.(murales nella Cappella Brancacci, "Trinità"), Masaccio è stato in grado di trasmettere la profondità dello spazio, ha collegato la figura e il paesaggio con un'unica idea compositiva e ha dato agli individui l'espressività del ritratto.

Ma la formazione e l'evoluzione del ritratto pittorico, che riflette l'interesse della cultura rinascimentale per l'uomo, sono associate ai nomi degli artisti della scuola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

Il lavoro dell'artista si distingue nel primo Rinascimento Sandro Botticelli. Le immagini che ha creato sono spiritualizzate e poetiche. I ricercatori notano l'astrazione e il raffinato intellettualismo nelle opere dell'artista, il suo desiderio di creare composizioni mitologiche dal contenuto complicato e crittografato ("Primavera", "La nascita di Venere"). Uno dei biografi di Botticelli ha affermato che le sue Madonne e Veneri danno l'impressione di perdita, provocandoci una sensazione di tristezza indelebile... Alcuni di loro hanno perso il cielo, altri - la terra.

"Primavera" "Nascita di Venere"

Il culmine nello sviluppo dei principi ideologici e artistici del Rinascimento italiano è Alto Rinascimento. Il fondatore dell'arte dell'Alto Rinascimento è Leonardo da Vinci - grande artista e scienziato.

Ha creato una serie di capolavori: "Mona Lisa" ("La Gioconda") A rigor di termini, il volto stesso della Gioconda si distingue per moderazione e calma, il sorriso che ha creato la sua fama mondiale e che in seguito è diventato una parte indispensabile delle opere della scuola di Leonardo è appena percettibile in esso. Ma nella foschia dolcemente fondente che avvolge il viso e la figura, Leonardo è riuscito a far sentire l'infinita variabilità delle espressioni facciali umane. Sebbene gli occhi della Gioconda guardino attentamente e con calma lo spettatore, a causa dell'ombreggiatura delle sue orbite, si potrebbe pensare che siano leggermente accigliati; le sue labbra sono compresse, ma vicino ai loro angoli si delineano ombre appena percettibili, che fanno credere che ogni minuto si apriranno, sorrideranno, parleranno. Il contrasto stesso tra il suo sguardo e il mezzo sorriso sulle sue labbra dà un'idea della natura contraddittoria delle sue esperienze. Non invano Leonardo ha torturato il suo modello con lunghe sessioni. Come nessun altro, è riuscito a trasmettere ombre, sfumature e mezzitoni in questa immagine, che danno origine a una sensazione di vita tremante. Non c'è da stupirsi che Vasari abbia pensato che sul collo della Gioconda si vede come batte una vena.

Nel ritratto della Gioconda, Leonardo non solo ha trasmesso perfettamente il corpo e l'ambiente aereo che lo avvolge. Ci mise anche la comprensione di ciò di cui l'occhio ha bisogno affinché un quadro produca un'impressione armoniosa, motivo per cui tutto sembra che le forme nascano naturalmente l'una dall'altra, come accade nella musica quando si risolve una dissonanza tesa da un accordo armonioso. La Gioconda è perfettamente inscritta in un rettangolo rigorosamente proporzionale, la sua mezza figura forma qualcosa di intero, le mani giunte conferiscono completezza alla sua immagine. Ora, ovviamente, non si poteva parlare dei bizzarri riccioli della prima Annunciazione. Tuttavia, per quanto ammorbiditi tutti i contorni, la ciocca ondulata dei capelli della Gioconda è in sintonia con il velo trasparente, e il tessuto sospeso gettato sulla spalla trova un'eco nelle sinuose curve della strada lontana. In tutto questo Leonardo mostra la sua capacità di creare secondo le leggi del ritmo e dell'armonia. “In termini di tecnica, Monna Lisa è sempre stata considerata qualcosa di inspiegabile. Ora penso di poter rispondere a questo indovinello", dice Frank. Secondo lui, Leonardo ha usato la tecnica che ha sviluppato "sfumato" (italiano "sfumato", letteralmente - "scomparso come il fumo"). Il trucco è che gli oggetti nei dipinti non dovrebbero avere confini chiari, tutto dovrebbe passare agevolmente dall'uno all'altro, i contorni degli oggetti sono ammorbiditi con l'aiuto della foschia leggera e aerea che li circonda. La principale difficoltà di questa tecnica risiede nei tratti più piccoli (circa un quarto di millimetro) che non sono accessibili per il riconoscimento né al microscopio né ai raggi X. Pertanto, ci sono volute diverse centinaia di sessioni per dipingere un dipinto da Vinci. L'immagine della Gioconda è composta da circa 30 strati di pittura ad olio liquida, quasi trasparente. Per tali lavori di gioielleria, apparentemente l'artista doveva usare una lente d'ingrandimento. Forse l'uso di una tecnica così laboriosa spiega il lungo tempo impiegato a lavorare sul ritratto - quasi 4 anni.

, "L'ultima Cena" fa un'impressione duratura. Sul muro, come per superarlo e portare lo spettatore nel mondo dell'armonia e delle visioni maestose, si svolge l'antico dramma gospel della fiducia ingannata. E questo dramma trova la sua risoluzione in un impulso generale diretto al personaggio principale: un marito dal volto addolorato, che accetta quanto sta accadendo come inevitabile. Cristo aveva appena detto ai suoi discepoli: "Uno di voi mi tradirà". Il traditore siede con gli altri; gli antichi maestri raffiguravano Giuda seduto separato, ma Leonardo metteva in risalto in modo molto più convincente il suo cupo isolamento, avvolgendo i suoi lineamenti con un'ombra. Cristo è sottomesso al suo destino, pieno di coscienza del sacrificio della sua impresa. La sua testa inclinata con gli occhi abbassati, il gesto delle sue mani sono infinitamente belli e maestosi. Un incantevole paesaggio si apre attraverso la finestra dietro la sua figura. Cristo è il centro di tutta la composizione, di tutto quel vortice di passioni che imperversano intorno. La sua tristezza e calma sono, per così dire, eterne, naturali - e questo è il significato profondo del dramma mostrato: cercava nella natura le fonti delle forme d'arte perfette, ma N. Berdyaev lo considera responsabile del processo in arrivo di meccanizzazione e meccanizzazione della vita umana, che ha strappato una persona dalla natura.

La pittura raggiunge l'armonia classica nella creatività Raffaello. La sua arte si evolve dalle prime fredde immagini umbre delle Madonne (Madonna Conestabile) al mondo del "cristianesimo felice" delle opere fiorentine e romane. "Madonna con cardellino" e "Madonna in poltrona" sono morbidi, umani e persino ordinari nella loro umanità.

Ma l'immagine della "Madonna Sistina" è maestosa, collegando simbolicamente il mondo celeste e quello terreno. Soprattutto, Raffaello è conosciuto come il creatore di dolci immagini di Madonne. Ma nella pittura incarnava sia l'ideale dell'uomo universale rinascimentale (ritratto di Castiglione), sia il dramma degli eventi storici. La Madonna Sistina (1513 circa, Dresda, Pinacoteca) è una delle opere più ispirate dell'artista. Scritto come pala d'altare per la chiesa del monastero di S. Sisto a Piacenza, questo dipinto, per disegno, composizione e interpretazione dell'immagine, si discosta notevolmente dalle Madonne del periodo fiorentino. Invece di un'immagine intima e terrena di una bella fanciulla che segue con condiscendenza i divertimenti di due bambini, qui abbiamo una visione meravigliosa apparsa improvvisamente nel cielo a causa di una tenda tirata su da qualcuno. Circondata da un fulgore dorato, solenne e maestoso, Maria cammina tra le nuvole, tenendo davanti a sé il Cristo bambino. Sinistra e destra si inginocchiano davanti a lei S. Sisto e S. Barbara. La composizione simmetrica, rigorosamente equilibrata, la chiarezza della silhouette e la monumentale generalizzazione delle forme conferiscono alla Madonna Sistina una grandezza speciale.

In questo quadro Raffaello, forse in misura maggiore che altrove, riuscì a coniugare la veridicità realistica dell'immagine con i tratti della perfezione ideale. L'immagine della Madonna è complessa. La commovente purezza e l'ingenuità di una giovanissima donna si uniscono in lui alla ferma determinazione e all'eroica prontezza al sacrificio. Questo eroismo rende l'immagine della Madonna legata alle migliori tradizioni dell'umanesimo italiano. La combinazione dell'ideale e del reale in questa immagine richiama alla mente le note parole di Raffaello in una lettera all'amico B. Castiglione. "E ti dirò", ha scritto Raphael, "che per scrivere una bellezza, ho bisogno di vedere molte bellezze ... ma a causa della mancanza ... nelle belle donne, uso un'idea che mi viene in mente . Non so se abbia una qualche perfezione, ma mi sforzo molto per raggiungerla. Queste parole fanno luce sul metodo creativo dell'artista. Partendo dalla realtà e facendo affidamento su di essa, si sforza allo stesso tempo di elevare l'immagine al di sopra di tutto ciò che è accidentale e transitorio.

Michelangelo(1475-1564) - senza dubbio uno degli artisti più ispirati nella storia dell'arte e, insieme a Leonardo da Vinci, la figura più potente dell'alto rinascimento italiano. Come scultore, architetto, pittore e poeta, Michelangelo ebbe un'enorme influenza sui suoi contemporanei e sulla successiva arte occidentale in generale.

Si considerava fiorentino, sebbene fosse nato il 6 marzo 1475 nel piccolo villaggio di Caprese vicino alla città di Arezzo. Michelangelo amava profondamente la sua città, la sua arte, la sua cultura e portò questo amore fino alla fine dei suoi giorni. Trascorse la maggior parte dei suoi anni maturi a Roma, lavorando per i papi; lasciò però testamento, secondo il quale il suo corpo fu sepolto a Firenze, in una bella tomba nella chiesa di Santa Croce.

Michelangelo ha eseguito scultura in marmo Pietà(Compianto su Cristo) (1498-1500), che si trova ancora nella sua collocazione originaria - nella Cattedrale di San Pietro. Questo è uno dei più opere famose nella storia dell'arte mondiale. La pietà fu probabilmente completata da Michelangelo prima che avesse 25 anni. Questa è l'unica opera che ha firmato. La giovane Maria è raffigurata con il Cristo morto sulle ginocchia, immagine mutuata dall'arte nordeuropea. Lo sguardo di Mary non è tanto triste quanto solenne. Questo è il punto più alto della creatività del giovane Michelangelo.

L'opera non meno significativa del giovane Michelangelo era un'immagine di marmo gigante (4,34 m). Davide(Accademia, Firenze), eseguito tra il 1501 e il 1504, dopo essere tornato a Firenze. L'eroe dell'Antico Testamento è raffigurato da Michelangelo sotto forma di un giovane bello, muscoloso e nudo, che guarda con ansia in lontananza, come se stesse valutando il suo nemico: Golia, con il quale deve combattere. L'espressione vivace e tesa del volto di David è caratteristica di molte delle opere di Michelangelo: questo è un segno del suo modo scultoreo individuale. Il David, la scultura più famosa di Michelangelo, è diventato un simbolo di Firenze ed era originariamente collocato in Piazza della Signoria di fronte a Palazzo Vecchio, il municipio fiorentino. Con questa statua, Michelangelo dimostrò ai suoi contemporanei di aver superato non solo tutti gli artisti contemporanei, ma anche i maestri dell'antichità.

Dipinto sulla volta della Cappella Sistina Nel 1505 Michelangelo fu convocato a Roma da papa Giulio II per adempiere a due ordini. Il più importante fu l'affresco della volta della Cappella Sistina. Lavorando sdraiato su un'alta impalcatura proprio sotto il soffitto, Michelangelo realizzò le più belle illustrazioni per alcune storie bibliche tra il 1508 e il 1512. Sulla volta della cappella papale, ha raffigurato nove scene del Libro della Genesi, iniziando con la separazione della luce dalle tenebre e includendo la creazione di Adamo, la creazione di Eva, la tentazione e la caduta di Adamo ed Eva e il diluvio universale . Intorno ai dipinti principali si alternano immagini di profeti e sibille su troni marmorei, altri personaggi dell'Antico Testamento e gli antenati di Cristo.

Per preparare questa grande opera, Michelangelo realizzò un numero enorme di schizzi e cartoni, sui quali raffigurò le figure dei soggetti in una varietà di pose. Queste immagini regali e potenti dimostrano la magistrale comprensione dell'artista dell'anatomia e del movimento umano, che ha dato slancio a una nuova direzione nell'arte dell'Europa occidentale.

Altre due eccellenti statue, Prigioniero legato e Morte di uno schiavo(entrambi c. 1510-13) sono al Louvre, Parigi. Dimostrano l'approccio di Michelangelo alla scultura. A suo avviso le figure sono semplicemente racchiuse all'interno del blocco di marmo, ed è compito dell'artista liberarle asportando la pietra in eccesso. Spesso Michelangelo lasciava le sculture incompiute, o perché non servivano più o semplicemente perché perdevano interesse per l'artista.

Biblioteca di San Lorenzo Il progetto della tomba di Giulio II richiese uno studio architettonico, ma il serio lavoro di Michelangelo in campo architettonico iniziò solo nel 1519, quando gli fu commissionata la facciata della Biblioteca di San Lorenzo a Firenze, dove l'artista tornò nuovamente ( questo progetto non è mai stato realizzato). Negli anni Venti del Cinquecento progettò anche l'elegante atrio della Biblioteca annessa alla chiesa di San Lorenzo. Queste strutture furono completate solo pochi decenni dopo la morte dell'autore.

Michelangelo, aderente alla fazione repubblicana, partecipò negli anni 1527-29 alla guerra contro i Medici. Le sue responsabilità includevano la costruzione e la ricostruzione delle fortificazioni di Firenze.

Cappelle Medicee. Dopo aver vissuto a Firenze per un periodo piuttosto lungo, Michelangelo portò a termine tra il 1519 e il 1534 l'incarico della famiglia Medici di erigere due sepolcri nella nuova sagrestia della chiesa di San Lorenzo. In una sala dall'alta volta a cupola, l'artista fece erigere addossate alle pareti due magnifiche tombe, destinate a Lorenzo De Medici, duca di Urbino ea Giuliano De Medici, duca di Nemours. Due tombe complesse sono state concepite come rappresentazioni di tipi opposti: Lorenzo - una persona chiusa in se stessa, una persona riflessiva, ritirata; Giuliano, invece, è attivo, aperto. Sopra la tomba di Lorenzo, lo scultore ha collocato sculture allegoriche del Mattino e della Sera, e sopra la tomba di Giuliano - allegorie del Giorno e della Notte. I lavori sulle tombe medicee continuarono dopo che Michelangelo tornò a Roma nel 1534. Non ha mai più visitato la sua amata città.

Giudizio Universale

Dal 1536 al 1541 Michelangelo lavorò a Roma per dipingere la parete dell'altare della Cappella Sistina in Vaticano. Il più grande affresco del Rinascimento raffigura il giorno del Giudizio Universale: Cristo, con un fulmine infuocato in mano, divide inesorabilmente tutti gli abitanti della terra nei giusti salvati, raffigurati sul lato sinistro della composizione, e i peccatori che scendono in Inferno di Dante (lato sinistro dell'affresco). Seguendo rigorosamente la propria tradizione, Michelangelo originariamente dipinse tutte le figure nude, ma un decennio dopo alcuni artisti puritani le "vestirono" man mano che il clima culturale diventava più conservatore. Michelangelo ha lasciato il proprio autoritratto sull'affresco: il suo volto è facilmente intuibile sulla pelle strappata dal Santo Martire Apostolo Bartolomeo.

Sebbene in questo periodo Michelangelo avesse altre commissioni pittoriche, come la pittura della cappella di San Paolo Apostolo (1940), prima di tutto cercò di dedicare tutte le sue forze all'architettura.

Cupola della Cattedrale di San Pietro. Nel 1546 Michelangelo fu nominato capo architetto della Cattedrale di San Pietro in Vaticano, che era in costruzione. L'edificio fu costruito secondo il progetto di Donato Bramante, ma Michelangelo si occupò infine della costruzione dell'abside dell'altare e dello sviluppo della soluzione ingegneristica e artistica per la cupola della cattedrale. Il completamento della costruzione della Cattedrale di San Pietro fu il più alto traguardo del maestro fiorentino nel campo dell'architettura. Durante la sua lunga vita, Michelangelo fu intimo amico di principi e papi, da Lorenzo de Medici a Leone X, Clemente VIII e Pio III, oltre che di molti cardinali, pittori e poeti. Il carattere dell'artista, la sua posizione nella vita è difficile da comprendere in modo inequivocabile attraverso le sue opere: sono così diverse. Tranne forse nella poesia, nelle sue stesse poesie, Michelangelo si è rivolto più spesso e più profondamente a questioni di creatività e al suo posto nell'arte. Un posto importante nelle sue poesie è dato ai problemi e alle difficoltà che ha dovuto affrontare nel suo lavoro e ai rapporti personali con i rappresentanti più importanti di quell'epoca. poeti famosi Rinascimento Lodovico Ariosto ha scritto un epitaffio per questo artista famoso: "Michele è più di un mortale, è un angelo divino."

L'aspetto del termine "Rinascimento" (Rinascimento, Rinascimento) cade nel XVI secolo. Di cui ho scritto Rinascimento» arte d'Italia - il primo storiografo Arte italiana, un grande pittore, autore delle famose "Vite dei più famosi pittori, scultori e architetti" (1550) - Giorgio Vasari.

Questo concetto ha origine nella base del diffuso in quel momento concetto storico, secondo il quale l'era del Medioevo era caratterizzata da una costante barbarie, ignoranza, che seguì la caduta grande civiltà arcaico classico.

Se parliamo del periodo del Medioevo come di una sorta di semplice nello sviluppo della cultura, allora è necessario tenere conto delle ipotesi degli storici dell'epoca sull'arte. Si credeva che l'arte, che in vecchi tempi fiorita nel mondo antico, trova la sua prima rinascita a nuova esistenza proprio nel loro tempo.

Primavera/Sandro Botticelli

Nella consapevolezza iniziale, il termine "revival" è stato interpretato non tanto come il nome dell'intera era, ma piuttosto tempo esatto(di solito l'inizio del XIV secolo) l'emergere di una nuova arte. Solo dopo un certo periodo questo concetto acquisì un'interpretazione più ampia e iniziò a designare in Italia e in altri paesi l'epoca della formazione e del fiorire di una cultura opposta al feudalesimo.

Ora il Medioevo non è considerato una rottura nella storia della cultura artistica dell'Europa. Nel secolo scorso è iniziato uno studio approfondito dell'arte del Medioevo, che si è notevolmente intensificato nell'ultimo mezzo secolo. Ha portato alla sua rivalutazione e lo ha persino dimostrato arte rinascimentale deve molto al Medioevo.

Ma non si dovrebbe parlare del Rinascimento come di una banale continuazione del Medioevo. Alcuni storici moderni dell'Europa occidentale hanno tentato di offuscare il confine tra Medioevo e Rinascimento, ma non hanno trovato conferma in fatti storici. In effetti, l'analisi dei monumenti culturali rinascimentali indica il rifiuto della maggior parte delle credenze fondamentali della visione del mondo feudale.

Allegoria dell'amore e del tempo/Agnola Bronzino

L'ascetismo medievale e l'intuizione di tutto ciò che è mondano vengono sostituiti da un insaziabile interesse per il mondo reale con la grandezza e la bellezza della natura e, naturalmente, per l'uomo. Credere nei superpoteri mente umana come il più alto criterio di verità, ha portato alla posizione precaria del primato intoccabile della teologia sulla scienza, così caratteristica del Medioevo. Subordinazione personalità umana autorità ecclesiastiche e feudali è sostituito dal principio del libero sviluppo dell'individualità.

I membri della neonata intellighenzia secolare prestavano tutta l'attenzione agli aspetti umani in contrapposizione a quelli divini e si definivano umanisti (dal concetto del tempo di Cicerone "studia hmnanitatis", ovvero lo studio di tutto ciò che è connesso con la natura umana e il suo mondo spirituale ). Questo termine riflette un nuovo atteggiamento nei confronti della realtà, l'antropocentrismo della cultura del Rinascimento.

Durante il periodo del primo eroico assalto al mondo feudale, si aprì un'ampia gamma di impulsi creativi. Le persone di quest'epoca hanno già rinunciato alle reti del passato, ma non ne hanno ancora trovate di nuove. Credevano che le loro possibilità fossero infinite. Fu da questo che la nascita dell'ottimismo, che è così caratteristico di cultura rinascimentale.

venere dormiente/ Giorgione

Il carattere allegro e la fede infinita nella vita hanno dato origine alla fede nell'illimitatezza delle possibilità per la mente e nella possibilità di sviluppare la personalità in modo armonioso e senza barriere.
arte rinascimentale per molti aspetti contrasta con il medievale. La cultura artistica europea ottiene il suo sviluppo nella formazione del realismo. Ciò lascia il segno sia sulla diffusione di immagini di carattere laico, sullo sviluppo di paesaggi e ritratti, vicini all'interpretazione di genere di soggetti talvolta religiosi, sia sul rinnovamento radicale di un'intera organizzazione artistica.

L'arte medievale si basava sull'idea della struttura gerarchica dell'universo, il cui culmine era al di fuori del cerchio dell'esistenza terrena, che occupava uno dei ultimi posti. C'è stato un deprezzamento delle connessioni e dei fenomeni reali terreni nel tempo con lo spazio, poiché il compito principale dell'arte era l'incarnazione visiva della scala di valori creata dalla teologia.

Nel Rinascimento svanisce il sistema dell'arte speculativa e al suo posto subentra un sistema basato sulla conoscenza e sull'immagine oggettiva del mondo che si presenta all'uomo. Ecco perché uno dei compiti principali degli artisti del Rinascimento era la questione della riflessione dello spazio.

Nel XV secolo questo problema era compreso ovunque, con la sola differenza che il nord Europa (Paesi Bassi) si stava muovendo verso una oggettiva costruzione dello spazio per tappe dovute a osservazioni empiriche, e la fondazione dell'Italia nella prima metà del secolo era basato sulla geometria e sull'ottica.

Davide/Donatella

Questa ipotesi, che dà la possibilità di costruire un'immagine tridimensionale su un piano, orientata allo spettatore, tenendo conto del suo punto di vista, è servita come vittoria sul concetto di Medioevo. La rappresentazione visiva di una persona mostra l'orientamento antropocentrico della nuova cultura artistica.

La cultura del Rinascimento dimostra chiaramente la caratteristica connessione tra scienza e arte. Un ruolo speciale è stato assegnato al principio cognitivo per rappresentare il mondo e l'uomo in modo abbastanza veritiero. Naturalmente, la ricerca di un sostegno per gli artisti nella scienza ha portato allo stimolo dello sviluppo della scienza stessa. Nel Rinascimento apparvero molti artisti-scienziati, guidati da Leonardo da Vinci.

Nuovi approcci all'arte hanno dettato un nuovo modo di rappresentare figura umana e trasferimento di atti. La precedente idea del Medioevo sulla canonicità dei gesti, delle espressioni facciali e dell'arbitrarietà ammissibile nelle proporzioni non corrispondeva a una visione obiettiva del mondo che ci circonda.

Per le opere del Rinascimento è insito il comportamento umano, soggetto non a rituali o canoni, ma al condizionamento psicologico e allo sviluppo delle azioni. Gli artisti stanno cercando di avvicinare le proporzioni delle figure alla realtà. A questo vanno diversi modi, quindi nei paesi settentrionali dell'Europa ciò avviene empiricamente, e in Italia lo studio delle forme reali avviene in concomitanza con la conoscenza dei monumenti dell'antichità classica (il nord dell'Europa è annesso solo più tardi).

Gli ideali dell'umanesimo permeano arte rinascimentale, creando l'immagine di una persona bella e armoniosamente sviluppata. Per l'arte rinascimentale sono caratteristici: titanismo di passioni, personaggi ed eroismo.

I maestri del Rinascimento creano immagini che incarnano l'orgogliosa consapevolezza dei loro poteri, l'infinito capacità umane nel campo della creatività e della vera fede nella libertà della sua volontà. Molte creazioni dell'arte rinascimentale sono in sintonia con questa espressione del famoso umanesimo italiano Pico della Mirandola: "Oh, lo scopo meraviglioso e sublime di una persona a cui è dato di ottenere ciò a cui aspira ed essere ciò che vuole".

Leda e il cigno/ Leonardo Da Vinci

Se la determinazione per la natura delle belle arti era in misura maggiore il desiderio di mostrare la realtà in modo veritiero, allora l'appello alla tradizione classica ha svolto un ruolo importante nella formazione di nuove forme architettoniche. Ciò consisteva non solo nel ricreare l'antico sistema di ordine e nella rinuncia alle configurazioni gotiche, ma anche nella proporzionalità classica, nella natura antropocentrica della nuova architettura e nella progettazione di edifici centrici nell'architettura del tempio, dove lo spazio interno era facilmente visibile.

Nel campo dell'architettura civile sono state create molte nuove creazioni. Così, nel Rinascimento, gli edifici pubblici cittadini a più piani: municipi, università, case delle corporazioni mercantili, case educative, magazzini, mercati, magazzini ricevono decorazioni più eleganti. Appare una specie di palazzo cittadino, o meglio un palazzo - dimora di un ricco borghese, oltre che una specie di villa di campagna. Si stanno formando nuovi sistemi di decorazione della facciata, si sta sviluppando un nuovo sistema costruttivo di un edificio in mattoni (conservato nell'edilizia europea fino al XX secolo), che combina pavimenti in mattoni e legno. I problemi urbanistici vengono risolti in modo nuovo, i centri urbani vengono ricostruiti.

Nuovo stile architettonico ha preso vita con l'aiuto di avanzate tecnologie di costruzione artigianale, preparate dal Medioevo. Fondamentalmente, gli architetti del Rinascimento furono direttamente coinvolti nella progettazione dell'edificio, dirigendone l'attuazione nella realtà. Di norma, avevano anche una serie di altre specialità legate all'architettura, come: scultore, pittore, a volte decoratore. La combinazione di competenze ha contribuito alla crescita della qualità artistica degli edifici.

Rispetto al medioevo, quando i principali committenti delle opere erano i grandi feudatari e la chiesa, ora la cerchia dei committenti si allarga con un mutamento della composizione sociale. Associazioni di corporazioni di artigiani, corporazioni mercantili e persino privati ​​​​(nobiltà, borghesi), insieme alla chiesa, molto spesso danno ordini ad artisti.

Anche lo status sociale dell'artista cambia. Nonostante gli artisti siano alla ricerca e entrino nelle botteghe, spesso ricevono premi e alte onorificenze, occupano seggi nei consigli comunali e svolgono missioni diplomatiche.
C'è un'evoluzione dell'atteggiamento di una persona verso le belle arti. Se prima era al livello del mestiere, ora è alla pari delle scienze e le opere d'arte per la prima volta iniziano a essere considerate il risultato dell'attività creativa spirituale.

Giudizio Universale/ Michelangelo

L'emergere di nuove tecniche e forme d'arte è provocato dall'espansione della domanda e dalla crescita del numero di clienti secolari. Le forme monumentali si accompagnano al cavalletto: pittura su tela o tavola, scultura lignea, maiolica, bronzo, terracotta. La domanda sempre crescente di opere d'arte ha portato alla comparsa di incisioni su legno e metallo, la forma d'arte più economica e più popolare. Questa tecnica, per la prima volta, ha permesso di riprodurre le immagini in un gran numero di copie.
Una delle caratteristiche principali del Rinascimento italiano è l'uso diffuso delle tradizioni dell'antico patrimonio che non muoiono nella regione mediterranea. Qui, l'interesse per l'antichità classica è apparso molto presto, anche nelle opere di artisti proto-rinascimentali italiani da Piccolo e Giovanni Pisano ad Ambrogio Lorsnzetti.

Lo studio dell'antichità nel XV secolo diventa uno dei compiti chiave degli studi umanistici. C'è una significativa espansione delle informazioni sulla cultura mondo antico. Nelle biblioteche di antichi monasteri sono stati trovati molti manoscritti di opere precedentemente sconosciute di autori antichi. La ricerca di opere d'arte ha permesso di scoprire molte statue antiche, rilievi e infine affreschi. antica Roma. Sono stati costantemente studiati dagli artisti. Gli esempi includono le notizie sopravvissute di un viaggio a Roma di Donatello e Brunelleschi per misurare e disegnare monumenti dell'antica architettura e scultura romana, le opere di Leon Battista Alberti, sullo studio di Raffaello di rilievi e dipinti appena scoperti, il modo in cui il giovane Michelangelo copiava scultura antica. L'arte d'Italia si arricchì (a causa del costante richiamo all'antichità) di una massa di tecniche, motivi e forme nuove per quel tempo, dando allo stesso tempo un tocco di idealizzazione eroica, che era del tutto assente nelle opere del artisti del Nord Europa.

C'era un'altra caratteristica principale del Rinascimento italiano: la sua razionalità. Molte persone hanno lavorato alla formazione delle basi scientifiche dell'arte. artisti italiani. Si formò così, nella cerchia di Brunelleschi, Masaccio e Donatello, la teoria della prospettiva lineare, che fu poi esposta nel trattato del 1436 di Leon Battista Alberti "Il libro della pittura". Allo sviluppo della teoria della prospettiva parteciparono numerosi artisti, in particolare Paolo Uccello e Piero della Francesca, che nel 1484-1487 scrissero il trattato Della prospettiva pittoresca. È in esso, infine, che sono visibili i tentativi di applicare la teoria matematica alla costruzione della figura umana.

Vale anche la pena notare altre città e regioni d'Italia che hanno svolto un ruolo di primo piano nello sviluppo dell'arte: nel XIV secolo - Siena, nel XV secolo - Umbria, Padova, Venezia, Ferrara. Nel Cinquecento la varietà delle scuole locali si estingue (l'unica eccezione è l'originaria Venezia), e per un certo periodo si concentrano a Roma le principali forze artistiche del paese.

Le differenze nella formazione e nello sviluppo dell'arte delle singole regioni d'Italia non interferiscono con la creazione e la subordinazione di un modello generale, che ci consente di delineare le principali fasi di sviluppo Rinascimento italiano. La storia dell'arte moderna divide la storia del Rinascimento italiano in quattro fasi: il Proto-Rinascimento (fine del XIII - prima metà del XIV secolo), il Primo Rinascimento (il XV secolo), l'Alto Rinascimento (la fine del XV - primi tre decenni del XVI secolo) e tardo rinascimentale (metà e seconda metà del XVI secolo).

Rinascimento italiano (25:24)

Un meraviglioso film di Vladimir Ptashchenko, pubblicato come parte della serie Masterpieces of the Hermitage