Metodi per l'insegnamento del gioco sullo strumento piano abstract. "Una metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato nella scuola primaria"

Riassunto della lezione di matematica:

Insegnante di strumenti a fiato.

MBOU DOD DSHI P. Berkakit

Gryzhuk Yulia Valerievna

2018

Schema piano

Articolo: classe di strumenti a fiato

Classe: 2

Tipo di lezione: individuale

Argomento della lezione : "Una metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato in scuola elementare»

Sistema educativo usato (metodologia, tecnologia)

- L'insegnante crea le condizioni per la crescita spirituale dell'individuo, il suo bisogno di auto-miglioramento;

- Un prerequisito per l'apprendimento è creare i presupposti per il passaggio dall'educazione all'autoeducazione;

- Modo di attività congiunta nel sistema: insegnante - studente; studente - studente; studente - genitore insegnante - genitore (circuito chiuso).

– L'insegnante sviluppa la creatività nel bambino. È importante determinare le capacità, l'orientamento, il potenziale di ogni studente, la sua vita e gli orientamenti professionali e dirigere il suo sviluppo. L'insegnante utilizza anche forme e metodi attivi di educazione e educazione, un approccio attivo all'apprendimento, al movimento e allo sviluppo basato su esperienza personale alla comprensione e all'accumulo di nuove esperienze e conoscenze.

Tecnologia salva-salute;

Tecnologia di gioco;

Tecnologia incentrata sullo studente con un approccio differenziato;- sviluppare l'istruzione;

Artistico.

Materiali metodici:

Gotsdiner G. Psicologia musicale - M., 1987.

Skok G. Come analizzare la propria attività pedagogica - M., 2000.

Kirnarskaya D. Abilità musicale. - "Talenti-XXI secolo".

Berger N. Il concetto moderno ei metodi di insegnamento della musica - S.-P., 2004. Ginzburg L. Sul lavoro su un'opera musicale - M.1977.

Kryukova V. Pedagogia musicale. Rostov sul Don 2002.

Mulberg K. Fondamenti teorici per imparare a suonare strumenti a fiato. Kiev, 1985.

Platonov P. Domande sui metodi di insegnamento per suonare strumenti a fiato. - M., 1978.

Rozanov V. Fondamenti di metodi didattici e suonare strumenti a fiato. - M., 1988.

Kryuchkov A. Fondamenti della respirazione esecutiva quando si suonano strumenti a fiato strumenti musicali per gli studenti delle scuole primarie e secondarie educazione speciale. M., 1985

Ausili tecnici per la formazione (se usato in classe)

L'elenco delle registrazioni audio e video utilizzate nella lezione, aiuti visuali eccetera.

Attrezzatura della lezione :

programma della lezione;

due sassofoni (uno per l'insegnante);

pianoforte;

Leggio;

materiale musicale;

materiale didattico (task card, disegni dei bambini).

Obiettivi della lezione :

Educativo :

Formazione delle abilità di base quando si impara a suonare il sassofono:

1. chiusura sicura delle valvole con le dita di entrambe le mani, flessibilità delle dita

per alcune diteggiature;

2. allenamento nella corretta impostazione "libera" dell'apparato labiale

(imboccatura);

3. uso corretto del respiro esecutivo durante il gioco;

Sviluppando:

Sviluppo di competenze per indipendenti e lavoro creativo dalle prime lezioni

musica;

Sviluppo dell'udito, della memoria, del ritmo, del pensiero musicale;

Sviluppo delle abilità di base nella padronanza del sassofono.

Sviluppo di una visione generale, sviluppo della volontà e controllo del proprio comportamento.

Educativo:

Educazione al gusto estetico.

- educazione alla perseveranza e alla diligenza.

Obiettivi della lezione:

preparazione di un musicista sensibile e colto - un esecutore orchestrale e da camera, nonché un solista che conosce bene i mezzi espressivi inerenti al suo strumento ed è in grado di rivelare al pubblico il contenuto delle opere musicali;

impara ad ascoltare e ascoltare te stesso nel processo di esecuzione.

Metodi e tecniche per l'esecuzione dei compiti:

Osservazione;

Udito;

Pratico;

Visivo;

Risultato atteso :

- rafforzare le capacità iniziali di suonare il sassofono in combinazione con

migliorare lo stato fisico e psicologico del corpo.

- imparare a suonare uno strumento liberamente

Padroneggia i compiti principali nella tecnologia del gioco.

Acquisisci esperienza nel lavoro analitico durante l'esecuzione di studi, scale,

esercizi e giochi

Parte principale della lezione:

"Una metodologia completa per l'insegnamento degli strumenti a fiato nella scuola primaria."

1.Introduzione: conoscere lo strumento

Il sassofono è uno strumento relativamente giovane, il cui inventore fu il talentuoso maestro belga Adolf Sax (1814-1894). Dopo una lunga ricerca e sperimentazione, è riuscito a realizzare la prima copia di un insolito strumento musicale, che ha ricevuto il nome del suo inventore. Questo accadde intorno al 1840. Sachs è stato il primo ad esibirsi in concerto davanti al pubblico, dimostrando con il suo modo di suonare tutte le virtù del sassofono.

Saks ha ulteriormente sviluppato la sua idea di design, che lo ha portato a creare un'intera famiglia di sassofoni. Ha creato la prima famiglia per l'uso in un'orchestra lirica e sinfonica, e la seconda - come parte di una banda di ottoni. Inoltre, ogni varietà del sassofono ha ricevuto il proprio nome in accordo con i nomi accettati delle voci cantanti: sopranino, soprano, contralto, tenore, baritono e basso. I sassofoni del primo gruppo non hanno resistito alla prova del tempo e hanno lasciato il posto agli strumenti della seconda famiglia. È su di loro che i sassofonisti suonano oggi sul palco del concerto, nell'orchestra e nell'ensemble.

I primi a sentire la bellezza del timbro del sassofono, principalmente come membro dell'opera e dell'orchestra sinfonica, furono l'eccezionale francese compositori del XIX secolo G. Berlioz, A. Thomas, J. Bizet, J. Massenet, JI. Delibes, K. Saint-Saens, V. d'Andy e altri. Furono loro ad anticipare il futuro del sassofono e la prospettiva della sua partecipazione a varie forme accademiche e generi di arte musicale. Soprattutto nel XX secolo sono state create molte belle composizioni per sassofono. A. Glazunov, C. Debussy, F. Schmitt, J. Iber, P. Hindemith, P. Creston, E. Vila-Lobos, A. Jolivet, G. Dubois, E. Bozza, E. Denisov hanno scritto musica per lui, A. Eshpay e altri. Oltre all'esibizione solista e orchestrale, si è diffusa la forma d'insieme di suonare il sassofono. Oltre alle opere appositamente scritte per il sassofono, il repertorio degli esecutori comprende numerosi arrangiamenti e trascrizioni. musica classica, che rivelano anche le possibilità naturali dello strumento.

Grandi risultati sono stati raggiunti dai sassofonisti nel campo della musica jazz, dove lo strumento ha assunto per lungo tempo una posizione di primo piano.

Il sassofono appartiene al gruppo degli strumenti a fiato e ha una struttura complessa. Consiste di tre parti principali: un bocchino concanna, tubo e corpo del bocchino con un sistema sviluppato di meccanismo a valvola-leva. L'estremità del tubo dello strumento ha la forma di una campana rivolta verso l'alto.

Una parte importante del sassofono èboccaglio, rappresentando nel suo aspetto un cilindro cavo a forma di becco. È realizzato in gomma, ebanite, plexiglass o una speciale lega metallica. Il bocchino ha in larga misura un impatto sul suono dello strumento, o meglio sulla colorazione del suono. Il bocchino scivola facilmente dentro e fuori dal bocchino

2. Impostazione razionale.

Per padroneggiare con successo la tecnica di suonare il sassofono, soprattutto nella fase iniziale della formazione, il futuro musicista deve prima di tutto comprendere bene le regole di base della messa in scena, seguita dalla loro attuazione nel processo del lavoro individuale.

Il concetto di "messa in scena" indica un insieme di regole per la posizione razionale e l'interazione di tutti i componenti dell'apparato esecutivo del musicista (respiro, labbra, dita, mani, ecc.). L'impostazione razionale aiuta il sassofonista a ottenere risultati di gioco di alta qualità con il minimo sforzo e tempo, per evitare inutili tensioni muscolari aggiuntive. Compito impostazione corretta- promuovere un'efficace e disciplinata organizzazione delle lezioni sullo strumento, in cui la scelta delle tecniche, dei metodi e dei ritmi di lavoro sia fatta tenendo conto del livello e della durata della formazione del musicista, nonché delle sue capacità individuali.

L'impostazione razionale include i seguenti elementi:

1. Impostazione generale: un modo conveniente per tenere il sassofono tra le mani, la posizione corretta del corpo, della testa, delle mani, delle dita e dei piedi.

2. Messa in scena dell'esecuzione della respirazione - modi di controllo arbitrario della respirazione e regole per cambiare i respiri durante il gioco.

3. Impostazione dell'imboccatura: la posizione più appropriata del boccaglio sulle labbra, la forma e la natura dell'azione dell'imboccatura e della mascella inferiore.

4. Impostazione dell'articolazione: la posizione della lingua, la forma della cavità orale.

5. Impostazione della diteggiatura: la posizione delle dita sullo strumento, l'organizzazione di azioni riflesse accurate, coordinate, stabili, libere ed economiche dell'apparato delle dita.

Il prerequisito più importante per la formazione delle abilità nella tecnica esecutiva di un sassofonista è il rispetto dei requisiti che garantiscono l'esecuzione complessiva del gioco. Si riducono ai seguenti punti.

Il corpo e la testa del sassofonista devono essere mantenuti uniformi e dritti, senza deviazioni laterali e inclinazioni avanti e indietro. La postura di esecuzione dovrebbe essere naturale, rilassata, indipendentemente dal fatto che il sassofonista eserciti lo strumento stando in piedi o seduto. In questo caso, il petto dovrebbe essere leggermente sollevato e le spalle dovrebbero essere aperte. Ciò darà maggiore libertà al lavoro dei muscoli respiratori.

Un buon appoggio sulle gambe aiuta a mantenere la corretta postura del corpo quando si gioca in piedi. Per fare questo, è meglio spingerli alla larghezza del piede, girare i calzini e spingere leggermente in avanti la gamba sinistra. Quando si gioca da seduti, si consiglia di sedersi dritti, su metà della sedia, senza fare affidamento sullo schienale. È severamente vietato mettere un piede sull'altro. Il sassofono contralto è tenuto tra le mani obliquamente lungo il corpo, appoggiandosi con la curvatura inferiore del tubo sulla coscia destra del suonatore. Per adattarsi alla posizione stabile del sassofono, uno speciale cinturino con moschettone consente di impostare l'altezza desiderata della sospensione dello strumento.

Il comodo adattamento delle labbra del bocchino con l'ancia viene regolato ruotando il bocchino sul bocchino senza cambiare la posizione della testa.

L'impostazione generale del sassofonista è caratterizzata dal ritiro del gomito destro un po' indietro, lontano dal corpo. Le dita sono posizionate sui tasti principali (di madreperla), ad una distanza di circa un centimetro dalla loro superficie. Dovrebbero essere (ad eccezione dei pollici) in uno stato arrotondato, rilassato e nell'area della piega della prima e della seconda falange, avvicinarsi alla posizione verticale. Il tocco dei tasti e delle leve viene effettuato con la punta delle dita senza aumento della pressione, con un certo anticipo dell'attacco sonoro. Quando si premono le valvole laterali con l'indice, i piccoli movimenti delle spazzole dovrebbero essere collegati. La corretta posizione delle dita è facilitata dallo stato naturale dei polsi che, insieme alle mani, formano una linea retta. Quando le dita della mano sinistra toccano le valvole laterali, c'è una certa flessione del polso.

Tecnica di respirazione .

Nel processo di sviluppo coerente della tecnica individuale di suonare il sassofono, la formulazione del respiro professionale, cioè l'esecuzione, è di particolare importanza.

La respirazione professionale di un sassofonista è specifica: oltre alla funzione fisiologica (continuo scambio di gas), svolge la funzione di tempestiva fornitura di aria allo strumento. Questa respirazione si basa sull'abilità di controllare arbitrariamente le fasi di inspirazione ed espirazione da parte del sassofonista. Entrambe le fasi della respirazione sono interconnesse e procedono da sole condizioni speciali: inspirazione rapida e breve ed espirazione lunga e uniforme. La principale difficoltà nell'esecuzione della tecnica respiratoria risiede nel coordinamento di due fasi respiratorie. L'uso sapiente da parte del sassofonista della naturale flessibilità dei muscoli respiratori e l'uso di una respirazione di tipo razionale aiutano a superare questa difficoltà.

Quando si suona il sassofono, il respiro viene preso rapidamente e silenziosamente attraverso gli angoli della bocca e in parte attraverso il naso. Durante l'inalazione, il sassofonista non dovrebbe inspirare troppa aria per evitare un'eccessiva tensione dei muscoli respiratori. È inoltre necessario assicurarsi che le spalle non si sollevino durante l'inalazione. La frequenza inspiratoria dovrebbe corrispondere al tempo assegnato per il cambio di respiro: più breve è la pausa, più veloce è il respiro e viceversa

Esistono due tipi di respirazione: diaframmatica e addominale.

Il tipo di respirazione diaframmatica è caratterizzato dal movimento attivo del diaframma e delle costole inferiori. Di solito viene utilizzato quando si suonano brevi strutture musicali o nei casi in cui il sassofonista ha poco tempo per respirare. E viceversa - quando c'è abbastanza tempo a disposizione per riprodurre il respiro, ricorrono a un tipo profondo di respirazione - toracico-addominale, che consente di eseguire lunghe frasi musicali senza sforzo eccessivo.

Lo sviluppo della tecnica respiratoria può essere effettuato in due modi: senza uno strumento e mentre lo si suona.

Il primo metodo ha un carattere ausiliario. Si basa sull'esecuzione da parte del sassofonista di vari complessi di fisico generale e speciale esercizi di respirazione contribuendo favorevolmente alla vitalità generale del corpo e rafforzando l'apparato respiratorio. Gli esercizi di respirazione sono particolarmente utili per un sassofonista principiante, che gli consentono di acquisire rapidamente l'abilità del controllo cosciente sulla frequenza e la profondità dell'inspirazione, il rapporto tra la durata dell'inspirazione e dell'espirazione e il grado di tensione nella zona di supporto respiratorio.

Il secondo modo in cui si sviluppa la tecnica di respirazione è il principale. È caratterizzato dalla riproduzione sistematica di suoni lunghi in varie sfumature dinamiche, nonché dall'esecuzione di musica di natura lenta e, naturalmente, diversi tipi esercizi.

Allo stesso modo facendo saltare in aria le note conF SU Pe ritorno. Suonare note lunghe in ottave.

3. Estrazione del suono. La formazione del cuscinetto auricolare.

Quando si suona il sassofono, le azioni più sottili e complesse vengono eseguite in un certo modo da labbra modellate e allenate. La totalità dei muscoli labiali e facciali coinvolti nella produzione del suono, e la loro caratteristica posizione attorno al bocchino con una canna, formano uno speciale complesso fisiologico - imboccatura (dafrancese le parole bouche - bocca e imboccatrice - messe alla bocca. Per la corretta impostazione dell'ambyushura, devono essere soddisfatte le seguenti condizioni:

1. respira profondamente senza alzare le spalle.

2. Piegare leggermente il labbro inferiore sopra i denti inferiori.

3. metti saldamente i denti superiori sul boccaglio al centro, chiudi le mascelle.

4. tenere le labbra in un mezzo sorriso.

5. metti la lingua sotto il bastone e soffia silenziosamente aria, rimuovendo allo stesso tempo la lingua in profondità e in basso, senza gonfiare le guance.

6. tirare il suono, monitorare l'uniformità dell'intonazione.

Il primo suono viene emesso sul bocchino e solo quando l'intonazione diventa stabile iniziano le lezioni sullo strumento. Per allenare l'apparato labiale, di norma, sono adatti esercizi per lo sviluppo delle tecniche di respirazione. Anche nella fase iniziale dell'allenamento, l'elasticità dei muscoli labiali viene allenata su semplici studi:

Poiché le capacità motorie dell'imboccatura sono fisse, nelle labbra compaiono forza e resistenza, è possibile complicare gli esercizi di allenamento, passare alla padronanza dei registri estremi dello strumento.

L'impostazione dell'imboccatura è inseparabile dall'anticipazione uditiva della qualità del suono estratto. La memoria muscolare e l'udito interagiscono simultaneamente, fornendo così il timbro, la dinamica e l'intonazione necessari del sassofono nei diversi registri. L'imboccatura coordina il suo lavoro con altri reparti dell'apparato esecutivo del sassofonista, unendosi con essi in una complessa catena di formazione del suono.

Il sassofonista deve monitorare costantemente le condizioni delle sue labbra, proteggerle da varie lesioni, screpolature. Se il labbro inferiore è tagliato con i denti, puoi utilizzare rivestimenti per denti fatti di carta, cotone idrofilo, gomma elastica o ordinare un rivestimento speciale dai protesisti dentali.

Attacco sonoro.

Quando si suona il sassofono, viene eseguito l'inizio dell'estrazione del suono diversi modi associato al movimento simultaneo della lingua e del flusso d'aria espirata. Questo momento iniziale della produzione del suono è chiamato l'attacco del suono. Il sassofonista dovrebbe attribuire particolare importanza all'attacco, in quanto caratterizza il modo individuale di pronunciare il suono.

L'attacco del suono è fornito dal lavoro attivo di un intero gruppo di muscoli della lingua che, quando si contraggono, modificano la configurazione della lingua: la rendono piatta o ispessita, rilassata o densa.

Prima che il suono venga estratto, la lingua è in posizione frontale, toccando la parte interna del "cuscino" muscolare del labbro inferiore, e la parte superiore dell'ancia.

stabilità dell'intonazione e qualità del tono.

Il consolidamento di questa abilità di esecuzione iniziale può essere effettuato sulla base del lavoro su un esercizio speciale, ad esempio:

4. Tecnica del gioco.

Di grande importanza per l'adattamento individuale del sassofonista al suo strumento è lo sviluppo di vari movimenti costantemente interagenti delle dita di entrambe le mani, che forniscono il contatto necessario con il meccanismo a leva del sassofono.

La tecnica delle dita del sassofonista implica la capacità di suonare veloce, chiaro, coordinato e senza stress. Questa qualità viene acquisita in una certa sequenza (dal semplice al complesso) e soggetta a studi lunghi e ponderati. Il lavoro delle dita è coordinato con il funzionamento del respiro, dell'imboccatura, dell'apparato articolatorio e dell'udito.

La formazione delle abilità di gioco dell'apparato delle dita ha i seguenti schemi generali:

1. Nella fase iniziale del lavoro sulle capacità motorie delle dita, si forma progressivamente un'abilità motoria, sulla base di un ciclo ripetuto di esercizi, cioè fissando lo stereotipo riflesso dei movimenti.

2. Nella fase successiva del lavoro tecnico si verifica la stabilizzazione delle capacità motorie, il movimento delle dita acquisisce un carattere variabile: quando cambiano le condizioni di intonazione, dinamica e timbro del gioco, possono eseguire azioni con varie combinazioni di diteggiatura e quando sono estranee compaiono stimoli esterni, le dita agiscono stabilmente senza violazioni e interruzioni della diteggiatura.

3. A seconda delle situazioni di gioco, alcuni movimenti di diteggiatura appresi, non importa quanto bene siano automatizzati, possono essere eseguiti inconsciamente o consapevolmente.

4. Il consolidamento riflesso delle abilità si acquisisce al meglio quando si lavora su materiale tecnico a un ritmo lento, attraverso ripetizioni multiple, il cui numero dovrebbe essere ottimale e individuale per ogni sassofonista.

5. Durante il passaggio dalla fase iniziale di automazione dei movimenti all'ulteriore miglioramento della fluidità delle dita, la fissazione delle capacità motorie rallenta leggermente, mentre la crescita della tecnica di esecuzione avviene a passi da gigante - con alti e bassi.

Nel processo di lavoro sulla tecnica delle dita, il sassofonista sviluppa una specifica sensibilità muscolo-motoria, che gli consente di coordinare con precisione le azioni motorie delle dita in termini spaziali, temporali e di diteggiatura. È necessario sviluppare la tecnica delle dita sui seguenti esercizi:
Quando si gioca vari esercizi, scale ed studi, il compito principale per un sassofonista principiante è l'impostazione libera dell'apparato di gioco (mani, dita, imboccatura, respiro).

5. Analisi del risultato della lezione:

Gli obiettivi e gli obiettivi principali della lezione erano insegnare al bambino a suonare correttamente lo strumento. Il bambino ha appreso i principi iniziali per impostare l'intero apparato nel suo insieme: questo e come tenere correttamente lo strumento, come è necessario tenere la testa e il corpo mentre lo si fa, come dovrebbero funzionare l'apparato labiale e le dita. Inoltre, il bambino sa in quale sequenza sarà impegnato, quali esercizi per lo sviluppo di alcuni tipi di tecnologia utilizzerà nel processo delle lezioni. Le abilità acquisite nella lezione iniziale devono essere sviluppate e mantenute durante l'intero processo di apprendimento in una scuola di musica.

Controlla i moduli compiti a casa alunno:

La casa è data:

1. Suonare suoni lunghi in sequenza diretta - 10 min Suonare la scala analizzata nella lezione.

2. Analisi indipendente dello studio.

3. Lavorare sul lavoro, adempimento dei compiti fissati nella lezione.

Dimensioni: px

Inizia impressione dalla pagina:

trascrizione

1 Schema della lezione aperta dell'insegnante Gorobtsova Galina Vyacheslavovna nella classe di pianoforte. La lezione è stata condotta con Georgy Gorobtsov, uno studente di terza elementare del dipartimento di estetica generale. È stato utilizzato un programma adattato alle variabili sul tema "Piano speciale". Tutte le sezioni applicate nella lezione aiutano a risolvere i compiti principali. Argomento della lezione: "Formazione delle abilità nella lettura delle note da un foglio". Lo scopo della lezione: sviluppo di orizzonti musicali, attivazione del pensiero, udito, coordinazione durante la lettura della musica da uno spartito. Compiti: educativo - padronanza da parte dello studente di conoscenze teoriche e abilità pratiche; sviluppo Tipo di occupazione: - sviluppo della grafica musicale; - sviluppo del coordinamento; - sviluppo di un occhio musicale; - sviluppo delle abilità ritmiche; - organizzazione metroritmica della performance; - acquisizione delle capacità di controllo uditivo. Lezione di consolidamento e sistematizzazione di conoscenze e abilità. Metodi e tecnologie didattiche: - visive; - verbale; - pratico; - emotivamente cognitivo; - metodi di generalizzazione; - tecnologie di gioco; - tecnologie salva-salute. Materiale didattico: - strumento musicale; - materiale musicale; - aiuti per l'insegnamento; - materiale didattico.

2 Programma della lezione I. Fase organizzativa. a) saluto, stato d'animo psicologico dello studente; b) il messaggio dell'argomento della lezione e dei suoi compiti. II. Parte principale. 1. Padronanza dell'alfabeto musicale 2. Esercizi per lo sviluppo della coordinazione 3. Padronanza della notazione musicale 4. Esercizi ritmici 5. Sviluppo dell'abilità di "guardare-ascoltare" in avanti 6. Formazione dell'abilità di memorizzare rapidamente il testo "fotografare" 7. Musica d'insieme III. Parte finale Riassumendo (valutando l'efficacia della lezione). Compiti a casa. Corso di lezione II. La parte principale La formazione delle abilità nella lettura della musica da un foglio è associata alla soluzione coerente di tutta una serie di compiti pratici e pedagogici. Con la regolare lettura a prima vista, gli orizzonti musicali dello studente si espandono, il suo orecchio per la musica e il suo pensiero si sviluppano, il compito di organizzare l'apparato pianistico diventa più facile, si sviluppa un rapido orientamento sulla tastiera, si sviluppano complesse capacità motorie, le basi per la pratica dell'accompagnatore e per suonare in si forma un insieme. Dove inizia la formazione delle capacità di lettura degli spartiti? Dalla conoscenza dell'alfabeto musicale. Uso tre cerchi dell'alfabeto musicale nel mio lavoro: - il primo cerchio sono sequenze di sette note disposte in ordine, dove ciascuna delle sette note può essere la prima. Pronunciamo il primo cerchio dell'alfabeto musicale dai suoni dati. -il secondo cerchio dell'alfabeto musicale sono le sequenze "terts", dove ciascuna delle note può anche essere la prima. Pronunciamo il secondo cerchio dell'alfabeto musicale dai suoni dati. - Oggi faremo conoscenza con il terzo cerchio dell'alfabeto musicale, queste sono sequenze di "quarti". Domanda allo studente: dimmi, cos'è un "quarto"? Risposta: Un quarto è un intervallo con una larghezza di quattro passi. - Ora suonerai e nominerai le note, attraversando questo intervallo dal tasto C della prima ottava fino ad arrivare al C della quarta ottava. E poi, tornerai indietro in ordine inverso, continuando a nominare ogni tasto suonato. Lo studente suona e pronuncia il terzo cerchio dell'alfabeto musicale. - Ho una carta in cui sono scritte tutte le opzioni per il terzo round, a casa continuerai a studiarla sopra. Le azioni relative alle capacità motorie sono l'anello più elementare nella formazione delle capacità di lettura degli spartiti. La formazione di un tale orientamento, lo sviluppo della rappresentazione visiva della tastiera del pianoforte, inizia nel processo di studio delle scale e degli esercizi. Impariamo la scala con una tecnica non legata di un'ottava, e poi suoniamo con colpi diversi, senza guardare le mani. È meglio scegliere una scala utilizzando tasti neri come: RE, LA, MI, SI maggiore e successivamente minore: DO, SOL, RE. Sono i tasti neri che serviranno da guida affidabile per le dita private del supporto della vista.

3 Lo studente è invitato a suonare una qualsiasi delle scale nominate con colpi non legati e staccati. Allo stesso tempo, cerchiamo di concentrare tutta la sua attenzione sul suono e sull'articolazione. Fin dalle prime lezioni c'è uno sviluppo della grafica musicale con lo studio di due chiavi contemporaneamente, e numeriamo ogni riga sia in chiave di violino che in chiave di basso con i numeri 1,2,3,4 e 5. La linea aggiuntiva della nota "a" della prima ottava ha ricevuto il numero zero. Contrariamente alla tradizione, le linee in chiave di basso vengono contate dall'alto verso il basso. - Trova e suona la chiave che è scritta sulla quarta riga della chiave di violino; sulla prima riga in chiave di basso; linea zero con la mano destra, tra la quinta e la quarta in chiave di basso con la mano sinistra contemporaneamente. - E ora suona il tasto fa della seconda ottava e dì su quale righello è scritto; tasto mi di una piccola ottava e nominarne la posizione sul pentagramma. Suonare secondo le note presenta nuove difficoltà per il bambino. Si consiglia di ridurre al minimo la gamma dei problemi. Suonare nella fase iniziale con un dito permette di concentrarsi sulla corretta estrazione del suono, i pezzi non devono essere complicati, il bambino deve suonare, guardando le note. - Ora suoneremo l'esercizio Pathfinder (dalla guida allo studio “To Music with Joy” di O. Getalova e I. Vizna.) E se nelle lezioni passate hai “seguito la traccia” o nel violino o nella chiave di basso , allora oggi faremo esercizi usando due tasti contemporaneamente. Domanda: con quale nota inizierai il gioco? Risposta: dalla nota a. - Il tuo compito è guardare le note, determinare dove e come si muove la melodia: a balzi, movimento graduale su o giù. È noto che le abilità metro-ritmiche si sviluppano nei bambini molto più velocemente e più facilmente delle abilità di intonazione, quindi alcuni insegnanti non prestano sufficiente attenzione all'educazione metro-ritmica. Per facilitare la navigazione ritmica degli studenti, non sono state create difficoltà ritmiche durante la lettura delle note da un foglio, si consiglia di utilizzare speciali esercizi ritmici, isolando e elaborando separatamente il rapporto tra varie figure ritmiche. Nella fase iniziale dell'allenamento sono sufficienti due figure ritmiche (metà e due quarti, o un quarto e due ottavi). Domanda: se io cammino in quarti e tu in ottavi, quante volte più velocemente dovresti muoverti? Risposta: due volte. - Passiamo tu in ottavi e io in quarti. - E ora cambiamo, io sono l'ottavo e tu il quarto. Domanda: nell'ultima lezione, tu ed io abbiamo cantato la canzone "Our Kitten" con le parole. Quali sono le durate qui?

4 Risposta: un quarto e mezzo. - Hai notato che le parole ti aiutano a sentire lo schema ritmico di questa canzone? Tocca il ritmo pronunciando sillabe ritmiche. - E ora analizziamo la canzone popolare russa "Karavai". D: Qual è la dimensione della canzone? Risposta: 4/4 Domanda: guarda attentamente la prima battuta, cosa puoi dire a riguardo? Risposta: ha due tempi invece di quattro, il che significa che è un tempo in più. D: Ti ricordi cos'è un controtempo?

5 Risposta: Nella commedia, la misura una volta visse, La primissima misura fu, Ma gli accadde una disgrazia, Strappata in due parti. Il ritmo di questo inizio, dietro l'intero spettacolo si è alzato. E la fine della stessa battuta è salita all'inizio, è diventata l'introduzione. Pertanto, ora l'account viene conservato al contrario. - Io suonerò l'accompagnamento e tu schiaffeggi il ritmo della melodia: è consigliabile iniziare a leggere direttamente le opere a vista all'inizio dell'allenamento con un compito più facile di leggere la melodia (suonare con applausi, voce, ecc.). È anche possibile utilizzare esercizi speciali: l'insegnante suona un brano e lo studente dice ad alta voce le note:

6 L'insegnante inizia a suonare la frase, l'allievo la continua, nominando le note ad alta voce, ma mantenendo la continuità del movimento. Si sviluppa così la capacità di seguire attentamente le note e di “guardare e ascoltare” avanti. Tra gli esercizi che sviluppano l'abilità di percezione accelerata del testo, il cosiddetto fotografare gioca un ruolo importante. Allo studente viene mostrato un brano di testo (motivo, frase, frase), che deve ricordare, mentalmente presente nel suono e nel gioco. Al momento dell'esecuzione, lo studente legge e memorizza il frammento successivo. Primo frammento: Secondo frammento: È molto utile utilizzare forme d'insieme di fare musica in tutte le fasi della formazione. Un gioco del genere introduce lo studente a suoni relativamente complessi che gli sono inaccessibili nell'esecuzione da solista, disciplina la volontà, allena l'attenzione, aiuta a sentire il movimento ritmico della musica. - Ora io e te leggeremo a prima vista un ensemble chiamato "Toy Bear". Prova a guardare avanti, ascolta attentamente la seconda parte, segui lo sviluppo ritmico del brano.

7 III. Parte finale La formazione dell'abilità di analisi rapida e lettura del testo musicale è strettamente interconnessa con lo sviluppo musicale e pianistico generale del bambino. Migliori risultati le capacità di lettura a prima vista si ottengono quando questa abilità si forma dai primi passi della formazione di un pianista. L'esperienza mostra che anche gli studenti deboli, giocando sistematicamente da un foglio, vanno avanti molto più velocemente e con maggiore sicurezza. Sviluppano un interesse nel suonare lo strumento. L'insegnante dovrebbe sfruttare tutte le opportunità disponibili per instillare nel suo studente l'amore per la lettura a prima vista, la creazione di musica indipendente. Domanda: Cosa hai imparato nella lezione di oggi? Risposta: il terzo cerchio dell'alfabeto musicale, ha conosciuto nuove canzoni. Compiti a casa per ripetere il primo, il secondo e imparare il terzo cerchio dell'alfabeto musicale, suonare le scale e leggere a vista. Valutazione del lavoro svolto dallo studente: l'obiettivo della lezione è stato raggiunto (padroneggiare le capacità di lettura da un foglio?) Hai iniziato a capire meglio come lavorare a casa?

Manusova Elena Alexandrovna insegnante di discipline teoriche municipali organizzazione finanziata dallo Stato istruzione aggiuntiva scuola d'arte per bambini 12, Ulyanovsk RIASSUNTO DI UNA LEZIONE DI SOLFEGIO SUL TEMA

CURRICULUM TEMATICO 2 GRADO I. Compiti generali: Instillare nei bambini l'amore e l'interesse per la musica Accumulo di impressioni musicali ed educazione del gusto musicale e artistico Identificazione e sviluppo globale

1 1. RISULTATI PREVISTI DELLA CONOSCENZA DELLA MATERIA "SOLFEGIO"

1 Nota esplicativa L'educazione musicale come aspetto dell'estetica prevede lo sviluppo mirato e sistematico delle capacità musicali dei bambini, la formazione della reattività emotiva

Krenholm Music School Tecniche per sviluppare l'abilità della lettura a prima vista nelle lezioni di pianoforte Vera Aliyeva, insegnante di pianoforte Narva, 2015 L'abilità della lettura a prima vista Ci sono due tipi principali di performance

Nota esplicativa Il programma di sviluppo generale educativo generale aggiuntivo "Baby at the Piano" è compilato in conformità con: Legge federale del 29 dicembre 2012 273-FZ "Sull'istruzione nella Federazione Russa";

Sinossi di una lezione aperta sul tema: “Formazione delle capacità di lettura a prima vista nella classe di pianoforte” (primo anno di studio) Completata da: Anfimova Veronika Yuryevna, insegnante di pianoforte p. Borovoye, 2016

ISTITUZIONE DI BILANCIO COMUNALE DI ISTRUZIONE SUPPLEMENTARE "SCUOLA D'ARTE PER BAMBINI RURALI DI MSTERSKAYA" MBUDO "Scuola d'arte per bambini rurali di Msterskaya" Piano di una lezione aperta Argomento: periodo di studio di Donotny. Forme di lavoro

ISTITUTO EDUCATIVO AUTONOMO COMUNALE DI CULTURA DI FORMAZIONE SUPPLEMENTARE "SCUOLA DI MUSICA PER RAGAZZI 11 INtitolata A M.A. BALAKIREV" Programma di sviluppo generale aggiuntivo "Preparazione alla formazione

Compito 1 1) Rispondi oralmente alle domande: - Quanti gradini ci sono nella scala minore? Quale gradino è sotto il primo? - Tra quali passi in minore ci sono semitoni? - Dove nella scala due instabili vanno di fila

Zarubina I. A. Pianoforte per principianti Sussidio didattico 2015 Lezione - introduzione C'è un mondo bello, non semplice A te ancora sconosciuto Apri solo un po' la porta Ascolta la musica in te Andiamo

Istituto comunale di istruzione di bilancio per la cultura dell'istruzione aggiuntiva dei bambini Scuola d'arte per bambini 8 intitolata a n.a Kapishnikov del distretto municipale di Tashtagol Sviluppo metodologico "SVILUPPO

Programma di sviluppo generale educativo generale aggiuntivo "FLAUTO" Obiettivo del programma: artistico Livello del programma: introduttivo Periodo di attuazione del programma: 1 anno Numero di ore: 104

Ministero della Cultura della Regione di Mosca MOUDOD "Scuola di musica per bambini", Dubna "Concordato" "Accettato" dal Consiglio pedagogico Verbale L da "/3" e 20O&g "Approvato" OUDOD d msh.) Sperimentale

La struttura del programma della materia I. Nota esplicativa. Caratteristiche della materia, suo posto e ruolo nel processo educativo. 2. Il termine per l'attuazione del soggetto. 3. Forma di detenzione

Sulla formazione dell'abilità di leggere appunti da un foglio Insegnante della Children's School of Arts Tliap A.K. 2017-2018 1. Introduzione 2. Condizioni necessarie per la formazione dell'abilità di suonare da un foglio 3. Primo stadio acquisire la capacità di leggere la musica

Spartiti per pianoforte per principianti download gratuito >>> Spartiti per pianoforte per principianti download gratuito Spartiti per pianoforte per principianti download gratuito Nella mano destra - accordi di triade. Sito web

Rodygina Elena Ivanovna insegnante di pianoforte Istituzione educativa di bilancio municipale di istruzione aggiuntiva per bambini "Scuola d'arte per bambini 1" Uray Khanty-Mansiysk Autonoma

Trimestre Numero di ore Data Stato di San Pietroburgo Istituzione educativa di bilancio per l'istruzione aggiuntiva per bambini "Scuola di musica per bambini di San Pietroburgo 24"

Annotazione al programma di sviluppo generale educativo generale aggiuntivo dell'istruzione generale di base di orientamento socio-pedagogico " Allenamento individuale musica" per gli studenti delle classi 5-7

LEZIONE APERTA insegnante Maleeva E.V. con gli studenti della classe propedeutica sul tema: "L'uso delle forme di gioco nello studio delle durate nelle lezioni di solfeggio" Nota esplicativa. Questo aperto

Istituto scolastico municipale di istruzione aggiuntiva per bambini scuola di musica per bambini 3 di Belgorod CONVENUTO: Direttore della MOU DOD Children's Music School 3 2009 E. M. Melikhova Educativo adattato

REGOLE DI SOLFEGIO. 1 CLASSE. 1. Suono e nota 2. Registro 3. Nomi dei suoni, ottave 4. Posizionamento delle note sul pentagramma 5. Chiave di violino 6. Durata dei suoni 7. Maggiore e minore. Tonico 8. Chiave 9. Gamma

Programma educativo sull'argomento "Solfeggio" Questo programma è incentrato sul programma dell'insegnante metodologo T.A. Kaluga sul solfeggio, compilato nel 1984 con un tirocinio di 5 anni. Volume

MAU DO "Scuola d'arte per bambini" Distretto Motovilikhinsky di Perm "Sviluppo della stabilità ritmica tra i giovani musicisti di fisarmonica" Rapporto metodologico Compilato da: insegnante di istruzione aggiuntiva

Istituto scolastico di bilancio comunale di istruzione aggiuntiva per bambini "Scuola di musica per bambini di Roslavl intitolata a M. I. Glinka" "Formazione e sviluppo dell'abilità di leggere la musica da un foglio in classe

1 1. Nota esplicativa Tradizionalmente, il solfeggio è una parte obbligatoria formazione musicale ed è considerato uno dei soggetti principali educazione musicale e educazione. Questo articolo rappresenta

Serie "School of Development" D. ROMANETS MUSIC LETTERATURA libro da colorare per bambini in età prescolare e scolari più giovani Undicesima edizione Rostov-on-Don "Phoenix" 2018 UDC 784 LBC 85.31 KTK 861 R69 Romanets D. R69 Music

Comunale istituzione autonoma cultura dell'istruzione aggiuntiva SCUOLA DI MUSICA PER BAMBINI 7 intitolata a S.V. Rachmaninov ULTERIORE PROGRAMMA DI SVILUPPO GENERALE NEL CAMPO DELL'ARTE MUSICALE "WAY

ISTITUTO EDUCATIVO DI BILANCIO COMUNALE PER L'ISTRUZIONE SUPPLEMENTARE DEI BAMBINI PROGRAMMA "CASA DELLA CREATIVITÀ DEI BAMBINI" "Giovane musicista" Compilato da: Taimasov Farit Khanifovich Insegnante di istruzione aggiuntiva

Programma di lavoro sul solfeggio per il dipartimento preparatorio Autore-compilatore: Velmogina Marina Alekseevna 2017-2018 2018-2019 Nota esplicativa Questo programma è destinato agli studenti orientati

Imparare a leggere la musica da un foglio sulla fisarmonica a bottoni ( Linee guida) Introduzione Il modo migliore per imparare a leggere velocemente è leggere il più possibile. I. Hoffmann. Cento anni fa, la lettura a prima vista era la norma a casa.

Istituto di bilancio statale di San Pietroburgo per l'istruzione aggiuntiva Scuola di musica per bambini M, distretto di Pushkin Disperso dal protocollo del Consiglio metodologico L adottato dal Consiglio pedagogico

Nota esplicativa Il programma di lavoro è stato sviluppato sulla base di un'ulteriore direzione artistica educativa generale "Nel mondo della musica". Il programma del corso "Nel mondo della musica" è pensato per i singoli

LOTO MUSICALE Un gioco per lo sviluppo dell'udito dell'altezza del suono dei bambini di 5-7 anni.Il bambino-leader suona una melodia su uno degli strumenti su, giù o su un suono. I bambini dispongono i cerchi delle note dalla prima riga

PROGRAMMI EDUCATIVI AGGIUNTIVI NEL CAMPO DELLE ARTI MUSICALI "STRUMENTI A VENTO", "PIANOFORTE", "CHITARRA", "VIOLINO", "VOCE", "BUYAN", "FISARMONICA", "DOMRA", Riassunto "BALALAYKA" per la lavorazione

NOTA ESPLICATIVA Attualmente si presta molta attenzione all'educazione e allo sviluppo dei bambini con abilità educative speciali. Da diversi anni il Fakel CDT si occupa di formazione

Curriculum (1° anno di corso) n/p Titolo sezione, argomento Numero ore Attestato/moduli di controllo Totale Teoria Pratica 1. Lezione introduttiva 1 1 0 indagine 2. Conoscenza dello strumento 3. Elementare

Una caratteristica dell'organizzazione del processo educativo del 1 ° anno di studio è che la formazione si svolge nella materia " vocale pop". Questa materia è finalizzata allo studio dei fondamenti pratici del vocale

Modulo: Alfabeto musicale o dove abitano le note (5 ore) Argomento: Conoscenza della tastiera del pianoforte: imparare i registri del pianoforte. La posizione delle note della prima ottava sul pentagramma e sulla tastiera. Attività:

Programma di solfeggio (periodo di studio di 5 anni) Grado 1. 2 Abilità vocali e di intonazione. Posizione del corpo corretta. Respiro calmo e senza stress. Inalazione simultanea prima del canto. Allenarsi

NOTA ESPLICATIVA. L'educazione musicale è un mezzo unico per formare l'unità delle sfere emotiva e intellettuale della psiche del bambino. Il primo sviluppo musicale è strumento efficace

Ministero della Cultura della Repubblica del Tatarstan Dipartimento della Cultura di Leninogorsk MBUDO LDMSh “im. NM Kudasheva” PROGRAMMA DI LAVORO DEL SOGGETTO SOLFEGIO. termine di studio è di 7 anni, Leninogorsk, 2015.

REQUISITI GENERALI PER I CANDIDATI 1. Un bambino che entra in una palestra-collegio deve avere buone capacità musicali, evidenti talenti brillanti e capacità creative individuali. 2. Il richiedente deve

Nota esplicativa Il programma di lavoro sul solfeggio è incluso nell'elenco delle discipline del Dipartimento di Musica della Scuola GBOU 2025. Il sistema olistico dell'educazione musicale è rappresentato da un complesso di discipline (secondo

Dipartimento di Cultura della città di Mosca Istituzione di bilancio statale per l'istruzione aggiuntiva della città di Mosca "Scuola d'arte per bambini 7" Adottata durante la riunione Consiglio Pedagogico"0" 07 giugno APPROVATO

1. RISULTATI PREVISTI DELLA PADRONANZA DELLA MATERIA Come risultato di uno studio biennale nella materia "Solfeggio", gli studenti dovrebbero avere: - Abilità iniziali formate nell'attività musicale e ritmica

Curriculum Denominazione delle aree disciplinari e delle materie Struttura e scopo programma educativo Lezioni in aula (in ore) Lezioni di gruppo Lezioni individuali Distribuzione per anni

Ivashov Anatoly Ivanovich 1 insegnante di MBUDO "Scuola d'arte per bambini", Solikamsk. FORMARE LE CAPACITÀ DI LETTURA DEGLI APPUNTI DAL FOGLIO SUL BAYAN Una delle questioni centrali della tecnica della fisarmonica a bottoni è lo sviluppo di

1. Nota esplicativa Per ascoltare la musica, è necessario disporre di un file sviluppato percezione uditiva. Il solfeggio è una disciplina che è in grado di sviluppare gradualmente la musicalità di una persona ad altezze che ti permettono di divertirti

Nota esplicativa Questo programma sull'argomento "Solfeggio" è compilato sulla base di un programma standard sull'argomento "Solfeggio" per le scuole di musica per bambini, dipartimenti musicali scuole d'arte, sera

La materia "Solfeggio" Grado 1

Nella musica, le relazioni di altezza dei suoni sono inseparabili dalla loro organizzazione temporale, quindi il senso del metroritmo è una delle componenti della percezione musicale. Metodologia per lo sviluppo delle abilità metroritmiche

Dipartimento dell'Istruzione della città di Mosca Istituto scolastico statale di bilancio della città di Mosca "Scuola 1770" "ACCEPITO" in una riunione del Consiglio pedagogico Verbale di "20 Remykin Additional

Programma di solfeggio (periodo di studio di 7 anni) Grado 1. Abilità vocali e di intonazione. La corretta posizione del corpo, un respiro calmo, un respiro simultaneo prima di cantare, lo sviluppo di una respirazione uniforme.

1 NOTA ESPLICATIVA L'educazione musicale è un mezzo unico per formare l'unità delle sfere emotiva e intellettuale della psiche del bambino. Lo sviluppo musicale precoce è un mezzo efficace

Zhakovich V.V. SOLFEGIO Classe II Parte IV Voronezh 2017 3 LEZIONE 25 1. Canta la scala in mi minore 3 tipi 2. Canta separatamente passi stabili, passi principali e toni introduttivi 3. Dettatura 4. Battuta ritmica

Lezione aperta sul tema del solfeggio. Tema della lezione: "Sviluppo dell'intonazione e dell'udito ritmico nella lezione di solfeggio nelle classi elementari". Obiettivo: sviluppo dell'intonazione e del ritmo e dell'udito basato sull'attivo

Centro di cooperazione scientifica "Interactive plus" Shershneva Natalya Alekseevna p.f. Frolova, Ekaterinburg, regione di Sverdlovsk PRIME CLASSI CON PRINCIPIANTI

Il metodo per insegnare ai bambini a suonare gli strumenti dipende da:

• - strumento appartenente ad un determinato gruppo e sottogruppo di classificazione;
• - il principio dell'estrazione del suono;
• - l'età dell'esecutore e le mansioni a lui assegnate;
• - il livello di sviluppo fisico, musicale, emotivo dell'esecutore;
• - disponibilità di condizioni (materiali, temporali, organizzative) per imparare a suonare lo strumento.

La metodologia per imparare a suonare qualsiasi strumento musicale popolare dovrebbe includere i seguenti passaggi:

• 1. Conoscenza dello strumento: storia della creazione, caratteristiche del design, capacità prestazionali;
• 2. Allestimento dell'apparato esecutivo - corpo, mani, imboccatura, ecc.;
• 3. Padroneggiare le tecniche di base della produzione del suono;
• 4. Sviluppo delle capacità esecutive - lavoro sull'esecuzione artistica, espressiva, emotiva, musicalmente competente e tecnicamente perfetta di un'opera musicale;
• 5. Lavora su un brano musicale.

Metodologia per imparare a suonare strumenti a percussione

Gli strumenti a percussione sono particolarmente attraenti per i giovani musicisti. Imparare a suonare la maggior parte degli strumenti a percussione dell'orchestra (rublo, sonaglio, ciak, ecc.) Non richiede molto tempo e una formazione speciale, mentre lo sviluppo di adeguate capacità di esecuzione consente in futuro di padroneggiare strumenti a percussione più complessi (campanile , legna da ardere, ecc.) .), tecniche di esecuzione (su tre, quattro o più cucchiai), nonché strumenti musicali di un altro gruppo dell'orchestra.

Nel processo di conoscenza dello strumento a percussione, i bambini:

• · Conoscere la storia della sua creazione;
• · Studiare le caratteristiche progettuali, le possibilità prestazionali (anche tecniche);
• · Assegnare caratteristiche che determinano le specificità di un particolare strumento;
• Stabilire l'appartenenza a un sottogruppo in base all'elemento generatore di suoni:
  • - corpo utensile - rumore;
  • - membrana, membrana - membranosa;
  • - piatto - lamellare;
  • - la presenza di più elementi sonori - tipo combinato;
• Scopri come viene prodotto il suono
• - dall'urto di dita, palmi, bastoni, martelli, mazze, strumenti (simili e dissimili) o parti di strumenti l'uno contro l'altro;
• - a seguito di agitazione;
• - attrito (scorrimento);
• - altri metodi di formazione del suono, compresi quelli misti;
• · Imparare le proprietà del suono (altezza indefinita o definita, caratteristiche timbriche, possibilità dinamiche, ecc.);
• · Acquisire conoscenze sulle caratteristiche dell'uso degli strumenti a percussione (creazione di un sottofondo ritmico ostinato, effetti sonoro-visivi, imitazioni sonore; suonare da solo, in un ensemble, lo sforzo di sfumature dinamiche, ecc.)

Perché la metodologia proposta è rivolta ai bambini in età prescolare e più giovani età scolastica, quindi include le tecniche di gioco. Ad esempio, quando impara il nakr, un bambino può "parlare" con un vaso magico che risponde alla voce (vibrazione della membrana dello strumento). La situazione di gioco lo consente questo caso in forma figurata, conoscere le caratteristiche della produzione sonora di questo strumento, che appartiene al sottogruppo delle percussioni palmate.

Studiando il campanile, i bambini trovano immagini familiari nella sua configurazione: un fungo, una campana, un riccio, ecc. Caratterizzando il suono del campanile come lungo, sonoro e persistente, giungono alla conclusione che il suono dello strumento dipende dal materiale di cui è composto, nonché dalla presenza e dalle dimensioni del risonatore, dalle dimensioni dello strumento, dalle caratteristiche della produzione del suono su di esso, ecc.

Quando si suona uno strumento a percussione, il ruolo principale appartiene alla mano, sebbene anche la spalla e l'avambraccio partecipino in un modo o nell'altro. Un pennello mobile, flessibile, elastico fa miracoli, eseguendo intricate figure ritmiche ricche di colori timbrici. I muscoli della mano non dovrebbero essere tesi, il che aiuterà ad evitare rigidità e rigidità dei movimenti durante la riproduzione dello strumento, nonché un rapido affaticamento.

Il processo di apprendimento del gioco dovrebbe iniziare con uno speciale riscaldamento propedeutico delle mani senza strumento. Ciò ti consentirà di preparare l'attrezzo dell'utente per il gioco, formare e riflettere le sensazioni muscolari necessarie per il gioco e sviluppare la coordinazione della mano. Ad esempio, prima che i bambini inizino a suonare il sonaglio Kursk (ricezione del gioco "Wave"), viene giocato con loro il gioco di riscaldamento "Driver": imitano i movimenti delle mani del conducente che girano il volante di l'auto. Oppure, prima che i bambini giochino sulla scatola, sono invitati, passandosi di mano, a “tamburare” sulle ginocchia.

Su una serie di strumenti (scatola, tamburo del pastore, nakrah, legna da ardere) il musicista suona con due oggetti (bastoncini, cucchiai o martelli). L'ordine di alternanza delle mani in questo caso è determinato dalla struttura metrica della misura (i colpi della mano destra sono resi più forti o relativamente forti, i colpi della mano sinistra - sui battiti deboli) o dalla praticità della diteggiatura durante l'esecuzione di un particolare lavoro .

tecniche di apprendimento

Diversi gruppi di strumenti richiedono lo sviluppo di tecniche di esecuzione di vari gradi di difficoltà. Pertanto, a coloro che partecipano all'orchestra dovrebbero essere assegnati compiti differenziati, tenendo conto delle loro capacità individuali.
Nella metodologia di insegnamento degli strumenti musicali, è importante stabilire la sequenza di esecuzione di vari incarichi musicali. Non ci sono ancora tradizioni pedagogiche lunghe e forti in questa materia. Come in ogni performance, è necessario utilizzare le tecniche di esecuzione corrette quando si imparano i brani. La continuità nel lavoro collettivo e individuale è importante: nelle lezioni generali e nella produzione musicale indipendente, negli spettacoli e nell'intrattenimento durante le vacanze.
L'esecuzione espressiva del lavoro (su vari strumenti) da parte dell'insegnante, la dimostrazione di tecniche, metodi di produzione del suono e spiegazioni - metodi tradizionali ben collaudati - possono ancora essere integrati da altri. Ai bambini viene offerto di "esaminare" gli strumenti da soli, vengono affidati semplici compiti creativi e vengono incoraggiati a studiare da soli in studi indipendenti. Quando la formazione avviene in una combinazione di questi metodi, si può contare sul successo pedagogico.
In pratica, spesso iniziano a imparare a suonare più strumenti contemporaneamente, sebbene ogni strumento richieda tecniche di esecuzione diverse, oppure imparano l'intero brano in una volta. Allo stesso tempo, alcuni bambini devono aspettare mentre altri imparano. Questo stanca i ragazzi e disperde la loro attenzione.
Ovviamente, qualcos'altro potrebbe essere appropriato. Dopo aver introdotto i bambini nelle classi generali, ad esempio, con l'apparizione della cetra, con le tecniche di base per suonarla, dopo aver appreso 2-3 canti nel corso di diverse lezioni, lo strumento viene successivamente trasferito al gruppo. giochi, i bambini continuano di propria iniziativa
familiarizzare con lo strumento, l'insegnante li aiuta. Nel frattempo, in generale la lezione è attiva familiarità con un altro strumento. Inoltre, a volte i bambini più capaci sono invitati a ispezionare lo strumento, a trovare il modo di suonarlo, e poi l'insegnante apporta le proprie correzioni.
A poco a poco, i bambini vengono introdotti a strumenti che hanno scale diatoniche o cromatiche: metallofoni, terzine, fisarmoniche, cetre. Il gruppo shock richiede meno tempo per conoscerlo: due o tre strumenti possono essere introdotti contemporaneamente nella lezione, ad esempio un tamburo, un tamburello e nacchere, poiché i bambini riproducono solo il ritmo su di essi.
Considera le caratteristiche della metodologia di insegnamento in termini dei seguenti compiti: padroneggiare i metodi tecnici del gioco; sequenze di compiti per padroneggiare il gioco su singoli strumenti; imparando alcuni pezzi

Tecnica

Le tecniche di esecuzione dipendono dal design di ogni strumento. Innanzitutto è necessario stabilire la corretta posizione iniziale e la collocazione dello strumento rispetto al bambino.
I metallofoni, le cetre sono meglio posizionati su piccoli supporti situati all'altezza delle ginocchia dei suonatori. Se non ci sono supporti, gli strumenti possono essere posizionati sulle ginocchia. Anche gli strumenti a fiato (prima dell'inizio del gioco) vengono messi in ginocchio. Il tamburo e il tamburello sono tenuti all'altezza della vita e il triangolo è appeso a un supporto, oppure il bambino lo tiene nella mano sinistra.
È molto importante insegnare le corrette tecniche di produzione del suono. Quando si gioca glockenspiel il martello dovrebbe essere tenuto in modo che poggi sull'indice e il pollice lo tenga sopra. Il colpo dovrebbe cadere al centro del piatto e, soprattutto, essere leggero. Il pennello deve essere libero. Se il bambino tiene il martello stretto nel pugno, lo colpisce forte, lo tiene sul disco, allora il suono risulterà "sporco", sgradevole.
Quando si gioca cetra il mediatore deve essere bloccato tra il pollice e l'indice. Il suono è prodotto da un movimento leggero ed elastico lungo la corda. Allo stesso tempo, ci si dovrebbe sforzare di non toccare stringhe non necessarie.
Nacchere suonano molto forte, quindi vengono presi con la mano destra e colpiti leggermente con "petali" sul palmo della mano sinistra. Il suono è in qualche modo ovattato e il pattern ritmico è chiaramente udibile.
Piatti i bambini si aggrappano alle cinghie e si urtano l'una contro l'altra con un movimento scorrevole. Per interrompere immediatamente il suono, le piastre vengono applicate alle ginocchia. A volte i piatti (appenderli) possono essere colpiti con un bastoncino, la cui estremità è ricoperta da diversi strati di morbida materia o ovatta.
Quando si gioca triangoloè necessario colpire con un bastone al centro della sua parte orizzontale. Il suono dovrebbe essere leggero ed elastico.

e se continua a lungo, dovresti premere il triangolo con la mano: il suono si interromperà immediatamente.
Tamburello emette suoni di carattere diverso, a seconda che colpiscano la sua membrana con le dita, la parte morbida del palmo o un pollice. Se, inoltre, si cambia il luogo dell'impatto, più vicino al telaio di legno (dove la risonanza è più forte), verso il centro, si colpisce il telaio stesso o, infine, si alternano questi impatti, allora si può ottenere un'interessante giustapposizione timbrica di suoni. essere realizzati.
Continua a giocare triolet E Melodie-26 segue gli stessi passi. Il bambino soffia nel foro del tubo, espirando in modo uniforme. Allo stesso tempo, preme il tasto desiderato. I tasti della triola sono colorati, ognuno ha il proprio colore e nome. Prime chiavi - re, fa#, sale e ulteriore scala sale maggiore. Pertanto, è possibile eseguire melodie sul triolo in Sol maggiore e in parte in altre chiavi, ma in una gamma limitata.
Lo strumento, chiamato Melody-26, è costruito su una scala cromatica (due ottave), e su di esso può essere suonata praticamente qualsiasi melodia entro due ottave.
Quando il bambino avverte le differenze nella qualità del suono, quando lui stesso inizia a navigare nei vari metodi di gioco, svilupperà il controllo uditivo e la capacità di correggere le imprecisioni nelle sue prestazioni.

Sequenza di lavoro

All'inizio della formazione, le tecniche metodologiche del leader sono dirette, naturalmente, a suscitare nel bambino l'interesse per un nuovo tipo di occupazione per lui.
Nella natura del suono di ogni strumento musicale si può trovare un'analogia con qualche fenomeno naturale: le voci di uccelli, animali, linguaggio umano. L'insegnante, ad esempio, attira l'attenzione dei bambini sul fatto che gli uccelli cantano in alto, ad alta voce, dolcemente, e questo può essere raffigurato sulla cetra.

Il metallofono trasmette bene i suoni delle gocce di pioggia che cadono: all'inizio cadono raramente, poi suonano sempre più spesso, più spesso - la pioggia si intensifica.

Il suono della triola è persistente, come se qualcuno stesse gridando nella foresta, chiamando.

E il flauto o Melody-26 dice a tutti i ragazzi: preparatevi per un'escursione.

Sul tamburo, le bacchette colpiscono una frazione, come rimbombi di tuono (l'insegnante fa colpi rapidi alternati con due bacchette).
Il significato di tali tecniche è familiarizzare i bambini con le possibilità espressive di ogni strumento.
In questa fase iniziale è utile anche preparare i bambini ad azioni congiunte coordinate, per sviluppare il senso dell'ensemble, così importante per suonare in orchestra. A tale scopo vengono utilizzate peculiari "orchestre" ritmiche. I bambini battono le mani, battono i piedi, battono con bastoncini di legno, barre, scatole di plastica - vuote o piene di ciottoli, piselli, ecc. E qui le tecniche di estrazione del suono possono essere diverse. Quindi, se colpisci un palmo contro l'altro con le dita piegate a metà, il suono rimbomba e sordo; se colpisci con i palmi "piatti", come nei "piatti", allora il suono è distinto e sonoro.
È possibile battere le dita di una mano contro il palmo dell'altra e il suono differisce notevolmente a seconda che le dita siano tenute tese o libere e semipiegate. Anche il calpestio del piede è diverso: l'intero piede, una punta o un tallone, alternativamente - poi la punta, poi il tallone. I cosiddetti "schiaffi" vengono usati con i palmi o con la punta delle dita sulle cosce.
Oggetti in legno, plastica, metallo consentono anche di estrarre suoni di diversa natura. Bambini con interesse
ascoltali, eseguendo compiti ritmici, padroneggia le abilità di azioni congiunte o sequenziali. Ai bambini vengono dati, ad esempio, i seguenti esercizi:

eco musicale

I bambini sono divisi in due sottogruppi.
1a riga. L'insegnante batte con i bastoncini.
2a riga. Il primo sottogruppo di bambini batte con le dita dei piedi.
3a riga. Il secondo sottogruppo di bambini batte le dita sul palmo dell'altra mano.


Tali esercizi possono variare nel ritmo e in diversi modi di battere le mani, calpestare, "schiaffeggiare", ecc.
Il movimento del treno è ben imitato, ad esempio, alternando calci con la punta del piede, poi con il tallone, oppure con le mani, poi con le dita, poi con un sordo battito di mani. In questo caso, il tempo può accelerare o rallentare arbitrariamente e il suono si intensifica o si attenua.

1a riga. Colpo di tacco.

2a riga. Calcio in punta.

È utile introdurre i bambini alla percezione e all'esecuzione espressiva delle intonazioni ritmiche recitative della voce. All'inizio, puoi mostrare la loro espressività in semplici frasi ritmiche, intonazioni del discorso e recitativo. Come sai, il recitativo è vicino alla recitazione melodiosa. Contiene naturale discorso colloquiale l'intonazione sale e scende, gli accenti, le pause sono chiaramente udibili.
Si consiglia di attirare l'attenzione dei bambini sul fatto che in varie situazioni di gioco e di vita si possono usare frasi ritmiche e intonazioni musicali e vocali.
Diamo esempi di varie tecniche che portano costantemente i bambini a prestazioni espressive.
L'insegnante invita i bambini a indovinare chi ha chiamato: Tanya o Andryusha. I bambini dovrebbero riconoscerlo con uno schema ritmico eseguito da un adulto battendo le mani o su un metallofono:

I bambini scopriranno come si chiamava la ragazza - Tanya o Tanechka:

Dopodiché, i ragazzi possono chiamarsi a vicenda da soli. Arrivando con un certo ritmo, dispongono le carte su un flanelografo, usandole dall'appendice al Musical Primer. Le carte larghe rappresentano i quarti, le carte strette rappresentano gli ottavi:

Possono eseguire lo stesso schema ritmico su un metallofono, un triodo o su strumenti a percussione.
Dall'esecuzione di uno schema ritmico, i bambini passano al recitativo. Sono invitati a chiamarsi l'un l'altro, ma in modi diversi: affettuosamente, con rabbia, con curiosità, invitante. I bambini escogitano intonazioni espressive che si avvicinano al discorso cantato. Queste non sono ancora intonazioni vocali con il loro tono preciso e il loro suono melodioso. Si parlano. Alzando o abbassando l'intonazione, i ragazzi cercano contemporaneamente quelli simili che suonano su strumenti musicali, componendo così brevi canti.
L'ulteriore formazione procede nella seguente sequenza: prima si impara a suonare su uno strumento, poi su un altro, ecc. Allo stesso tempo, aumenta il volume delle capacità di esecuzione: prima, schemi ritmici; poi melodie costruite su intervalli ristretti; melodie successive, inclusi segmenti significativi della scala e intervalli più ampi.
Imparando la melodia di brani semplici, canti e canti, i bambini devono far fronte a due difficoltà: riprodurre lo schema ritmico e la linea melodica. Innanzitutto, quando padroneggia le tecniche di corretta estrazione del suono, l'insegnante offre ai bambini un compito più semplice: suonare il ritmo, apprendere le tecniche di corretta estrazione del suono, i brani iniziali del "Musical Primer". Il loro vantaggio artistico è che le battute ritmiche sono date con l'accompagnamento del pianoforte, e questo le rende più espressive.
Dopo l'esibizione dell'insegnante, i bambini imparano facilmente la melodia e cantano, battendo il ritmo. È bene utilizzare le carte dell'applicazione "Music Lotto" ("Music Primer").

Le carte sono disposte su un flannelgraph:

Ai bambini viene offerto di contare la sesta piastra sul metallofono (dall'inizio) - “questa è una nota la", e quindi suona uno schema ritmico: la canzone "Il cielo è blu". L'insegnante accompagna il pianoforte. La performance secondaria è accompagnata da canti collettivi. Il compito è padroneggiato ei ragazzi saranno in grado di suonare la canzone da soli.

Il cielo è blu
Musica di E. Tilicheeva

[Con calma]

Alle seguenti lezioni di musica viene condotto un sondaggio individuale: i bambini eseguono questa canzone su suoni diversi (dischi). Si chiamano note (la loro posizione sui dischi è familiare ai bambini): “Suona la nota mi, su una nota Prima" ecc. Allo stesso tempo, hai bisogno
ma ricorda che i bambini sono in grado di cantare e accompagnarsi al metallofono solo una canzone ben appresa, poiché il suono del metallofono è più alto e non corrisponde alle capacità vocali di un bambino in età prescolare. È facile per un bambino perdersi, poiché la stessa nota sul metallofono suona in un'ottava diversa (più alta).

Dopo aver appreso alcuni canti ritmici, puoi procedere ai compiti successivi: prima impara i canti, costituiti da intervalli ravvicinati, e poi da quelli più ampi. Il metodo di insegnamento rimane lo stesso. Va ricordato che il testo poetico facilita la memorizzazione e consente ai bambini di utilizzare le opere apprese in studi indipendenti. È anche importante complicare costantemente le attività. Più facile da giocare secondi, i loro suoni sono fianco a fianco. Pertanto, dopo gli esercizi su un suono, è consigliabile suonare canti costruiti su questo intervallo (ad esempio, i canti popolari russi "Magpie-magpie", "Accordion" di E. Tilicheeva, ecc.).

gazza-gazza
Canzone popolare russa

Armonico
Musica di E. Tilicheeva
[IN tempo medio, ritmicamente]

L'assimilazione di tecniche esecutive più complesse rende gradualmente possibile la complicazione del repertorio. I movimenti graduali appaiono nei canti all'interno di piccole scale, gli intervalli si espandono. L'accompagnamento al pianoforte, presentato in modo vivido ed espressivo, è di crescente interesse per i bambini È importante che i bambini ascoltino i mezzi espressività musicale e sentire l'atmosfera della musica. Ogni opera d'arte è originale, peculiare a modo suo e i metodi per padroneggiarla dovrebbero essere diversi.
La percezione musicale dei bambini si attiva se, dopo il primo ascolto di un brano, vengono poste loro, ad esempio, domande del genere: “Su quali strumenti è meglio eseguire questo brano?”; “In quale parte del brano dovrebbero essere suonati altri strumenti, e quali?” I bambini di solito scelgono gli strumenti più facilmente se il brano ha un carattere sufficientemente chiaro, ha una forma musicale chiara ed è costruito su parti di carattere contrastante. Naturalmente, i bambini non possono orchestrare un pezzo. Ma è importante utilizzare una tecnica interessante in cui cercano di comporre e prendere la loro "decisione" - quale strumento dovrebbe suonare in una o nell'altra parte del brano. Con un approccio abile e pieno di tatto, puoi influenzare le loro proposte in modo tempestivo e indirizzare le loro risposte.

Metodologia per l'apprendimento delle singole opere

Più complesso è il brano, più sviluppato è l'accompagnamento pianistico della canzone, più lento dovrebbe essere il processo di apprendimento. Considera due esempi: "Rain" e "Our Orchestra".
La prima canzone è "Rain". La canzone popolare russa nell'elaborazione di T. Popatenko è costruita sul motivo di due suoni affiancati (seconda maggiore). Questo motivo viene ripetuto molte volte con una piccola variante ritmica: dapprima il canto inizia con un forte ritmo della misura ("Pioggia, più pioggia!"), E poi con un fuori tempo ("Ti diamo più spessore") . Il carattere generale dell'elaborazione del pianoforte è mobile, chiaro e leggero. La trama è trasparente - molte pause, il tratto principale - staccato. C'è un'introduzione e una conclusione. Nell'introduzione suona un motivo semplificato della canzone e la conclusione, per così dire, "disegna" gocce di pioggia.
La natura trasparente della canzone non dovrebbe perdere il suo fascino quando viene strumentata. Nell'introduzione si sente, per così dire, l'appello di due registri. Infine ci sono i triangoli. Riproducono molto bene il carattere delle "goccioline", tanto più che la melodia della conclusione non può essere trasmessa dai suoni dei metallofoni e delle cetre dei bambini. In questo brano è auspicabile l'utilizzo di un numero ristretto di strumenti che si distinguono per un suono leggero, sonoro, brusco.
La sequenza delle lezioni per imparare questa canzone può essere delineata come segue.

Lezione 1. I bambini ascoltano questa canzone familiare eseguita da un adulto. Si richiama l'attenzione sul suono leggero e trasparente della parte del pianoforte. I bambini ricordano la canzone e la cantano. L'insegnante si offre di pensare a quali strumenti sono più adatti al suo suono.
Lezione 2. Dopo che la canzone è stata suonata, inizia la discussione su come strumentarla. Si richiama l'attenzione sulla natura dell'introduzione, della conclusione e di alcune differenze tra la seconda frase e la prima. I suggerimenti dei bambini vengono discussi e testati praticamente. Se l'una o l'altra versione della strumentazione risulta essere buona, allora può essere eseguita nella sua interezza in questa lezione.
Lezione 3. Se l'opzione proposta dall'insegnante viene appresa (supponiamo che le opzioni dei bambini non siano accettate), puoi prima eseguire solo la melodia della canzone (sul metallofono, cetra) e, per il momento, eseguire l'introduzione e la conclusione al pianoforte. Si dovrebbe prestare attenzione all'ingresso tempestivo delle cetre
Lezione 4. Si impara l'intera canzone: dapprima senza cantare, poi alcuni bambini suonano, altri cantano e, infine, tutti suonano e cantano.

Un'altra canzone - "Our Orchestra" di E. Tilicheeva (testi di Y. Ostrovsky) è molto più difficile per un'esibizione d'insieme. La melodia è più varia, la sua portata è già dentro settime, inoltre, ci sono salti, movimenti graduali che vanno su e giù. Anche il ritmo ha difficoltà: ci sono note con un punto. Tutto ciò richiede determinate abilità da parte dei bambini. In pianoforte vengono dati l'accompagnamento e la melodia caratteristiche musicali suoni di vari gruppi di strumenti. Basta ricordare le misure in cui suonano le parole "Tamburi, tamburi, tamburi, tamburi", in cui viene dato un ritmo chiaro, come se imitasse un tamburo. Quindi appare un regi più alto, quindi la strumentazione è suggerita dal compositore e dal poeta. Ma affinché i bambini possano partecipare essi stessi alla scelta degli strumenti, ovviamente, devono prima eseguire una canzone senza testo che suggerisca una soluzione.
Pertanto, la seguente sequenza di classi è appropriata:

Lezione 1. L'insegnante suona la parte del pianoforte senza cantare. Ai bambini vengono offerti indovinelli musicali: suonano frasi separate che in una certa misura caratterizzano il suono vari strumenti. Indovinano e nominano quali strumenti sono adatti per una particolare frase. Quindi l'insegnante esegue la canzone per la seconda volta, ma già canta e suona. In questo modo i bambini scopriranno se hanno chiamato correttamente gli strumenti.
Lezione 2. Imparare la parte vocale della canzone. I bambini imparano la melodia. Poi lo cantano in lotti: i futuri interpreti su terzine cantano la prima frase, sulla batteria la seconda, ecc. Mentre cantano, i ragazzi imitano i movimenti di suonare l'uno o l'altro strumento.
Lezione 3. Apprendimento delle parti più complesse: triolo (1a 4a battuta) e metallofoni con cetra (3a 4a battuta). Prima tutti i bambini giocano, poi scelgono coloro che eseguiranno queste parti, mostrano loro queste parti, spiegano con quale nota iniziare e si offrono di suonare. Quindi tutti i bambini suonano tamburi immaginari e alcuni bambini suonano strumenti reali.
Lezione 4. Continua l'apprendimento delle parti di trioli e metallofoni. Prima imparato ultima frase metallofoni, sui quali eseguono una melodia, e poi si unisce a loro un gruppo di percussioni: la batteria. La parte di batteria viene ripetuta. Alla fine della lezione, l'intera partitura nel suo insieme viene eseguita per la prima volta, ma senza cantare.
Lezione 5. L'esecuzione di ciascuna parte viene ripetuta separatamente. Tutto

Piovere
Organizzato da T. Popatenko
[Non molto presto]

partitura, ma allo stesso tempo alcuni bambini cantano, altri giocano. Le introduzioni tempestive di ogni gruppo di strumenti sono controllate e le sfumature dinamiche sono perfezionate.
In ulteriori classi, l'intero gioco viene ripetuto e le abilità acquisite vengono consolidate.

Spesso nella pratica pedagogica esiste una tale tecnica: i bambini eseguono una melodia sui loro strumenti e un adulto suona una melodia e un accompagnamento al pianoforte. Per diversificare il suono, puoi farlo in modo diverso. Ad esempio, l'intera commedia viene eseguita dall'insegnante al pianoforte, ei bambini suonano una melodia sul metallofono, ma, per così dire, un accompagnamento, cioè suoni corrispondenti al primo (I) e al quinto (V) o primo (I), quarto (IV) e quinto (V) gradino.
Ecco, diciamo, tre versioni della melodia popolare ucraina "Oh bursting the hoop" arrangiata da T. Popatenko. I metallofoni nel primo caso duplicano la melodia, nel secondo - la voce di basso, nel terzo suonano senza accompagnamento di pianoforte.
Un'altra opera è "Squirrel", un estratto dall'opera "The Tale of Tsar Saltan" di N. Rimsky-Korsakov. In questo passaggio viene trasmessa l'immagine di un favoloso scoiattolo. Per caratterizzare l'immagine, il compositore ha utilizzato la melodia del famoso russo canzone folk"In giardino, in giardino." La melodia della canzone è allegra, vivace, di carattere danzante, ma viene eseguita a un ritmo moderato. Quando si strumenta un brano, è necessario selezionare strumenti musicali con un suono leggero, sonoro e a scatti. Può essere un metallofono e un triangolo.

Quando impari un pezzo, puoi offrire la seguente sequenza di lezioni.
Lezione 1. I bambini ascoltano una commedia eseguita da un adulto. Si richiama l'attenzione sul suono leggero della melodia, il suo carattere vivace e danzante. Puoi leggere un estratto dal lavoro di A. S. Pushkin "The Tale of Tsar Saltan". Dopo che l'insegnante ha ripetuto il brano, ai bambini viene chiesto di pensare a quali strumenti è meglio usare per suonare nell'orchestra in relazione alla natura della musica. Vengono discussi i suggerimenti dei bambini. Una delle opzioni è selezionata. L'insegnante suona una melodia su un metallofono.
Lezione 2. L'insegnante esegue la melodia dell'opera senza accompagnamento di pianoforte. I bambini applaudono lo schema ritmico della melodia. Quindi si apprende la festa del triangolo. Alcuni eseguono uno schema ritmico sui triangoli, altri applaudono. Quindi le azioni dei bambini cambiano. Prima di imparare la parte del metallofono, l'insegnante prima esegue lui stesso la melodia, che viene poi appresa per parti (la 1a quattro battute, poi la 2a quattro battute).
Lezione 3. Continua l'apprendimento della parte metallofonica. I bambini eseguono la prima parte del brano (1a e 2a quattro battute) e viene eseguita l'intera partitura. Quando viene ripetuto, i triangoli vengono attaccati ai metallofoni.
Lezione 4. Ogni parte viene eseguita separatamente senza accompagnamento e con accompagnamento. Quindi viene riprodotta l'intera partitura. L'attenzione dei bambini è attratta dalla chiara esecuzione del modello ritmico.
Lezione 5. Ogni parte viene eseguita separatamente con l'accompagnamento, quindi viene eseguita l'intera partitura. L'attenzione dei bambini è attratta dall'espressività della performance. Se ripetuto, i bambini possono cambiare strumento.

La nostra Orchestra
Parole di Y. Ostrovsky Musica di E. Tilicheeva

[Con calma. Solennemente]

Scoiattolo (estratto)
Dall'opera "Il racconto dello zar Saltan"
Musica di N. Rimsky-Korsakov
[Moderamente]

Imparare a suonare strumenti musicali non può limitarsi al solo apprendimento del repertorio. È importante che queste attività siano creative.
Esercizi in cui si propone di riprodurre (a orecchio) una melodia familiare, suonare un canto ritmico a suoni di diverse altezze (trasposizione), trovare una nuova tecnica per suonare uno strumento, ovviamente, sviluppare indipendenza e rappresentazioni uditive nei bambini. Ma è anche importante creare i prerequisiti per le proprie manifestazioni creative dei bambini. Dare la possibilità di scegliere gli strumenti per l'esecuzione di un determinato brano, incoraggiarli a improvvisare.

Tecniche per lo sviluppo della creatività musicale

La creatività musicale dei bambini inizia con un "esame" delle capacità sonore degli strumenti. Questo è molto prezioso, ma i bambini sono spesso impotenti nella loro ricerca. L'insegnante dirige queste ricerche, proponendo ai bambini di suonare come cantano i cuculi, gli uccelli, come piove, rimbomba il tuono, ecc. Ma puoi anche applicare un metodo interessante di creatività collettiva su metallofoni, xilofoni. Se infili delle note F E si(IV e VII passi) o rimuovi le piastre di questi suoni in modo che i bambini non li suonino, quindi possono improvvisare tutto allo stesso tempo. I bambini giocano su cinque suoni (do, re, mi, sale, la). Si ottengono accostamenti armonici molto interessanti, in continuo ed inaspettato cambiamento, ma sempre molto melodici. Allo stesso tempo, i bambini possono suonare con qualsiasi ritmo, ma a volte viene offerto loro un determinato ritmo, ad esempio un quarto e due ottavi. Il significato di questa tecnica non risiede solo nello sviluppo dell'udito armonico. I bambini iniziano a improvvisare se stessi, a fare i primi tentativi di creare "le proprie composizioni".
Va sottolineato che la metodologia per insegnare a suonare gli strumenti negli asili dovrebbe essere più organizzata e coerente di quanto non avvenga nella pratica. Il successo di questa formazione dipende dalla coerenza di tutte le forme lezioni di musica bambini. In classe ricevono una certa quantità di conoscenze e abilità, accumulano un repertorio.
I bambini volentieri, con grande piacere, usano le canzoni e i brani che hanno imparato nei loro giochi, li eseguono durante le vacanze, l'intrattenimento Conoscenza dei bambini con nuovi strumenti, la loro esecuzione di compiti interessanti nella scelta degli strumenti per eseguire determinati brani e canzoni, l'abilità acquisita valutare (a orecchio) la qualità delle prestazioni, l'improvvisazione, l'opportunità di partecipare a vari ensemble: tutto ciò rende gli strumenti interessanti per i bambini e preziosi per il loro sviluppo musicale complessivo.
Prendendosi cura dello sviluppo delle manifestazioni creative dei bambini, l'insegnante offre loro una varietà di compiti, ad esempio valutare l'esecuzione di una melodia familiare o l'improvvisazione di un amico o la propria propria prestazione su qualsiasi strumento musicale; scegli tra lo strumento musicale proposto, sul quale puoi raffigurare il canto degli uccelli, il fruscio delle foglie, l'ululato del vento, ecc.; scegliere strumenti musicali adatti al timbro su cui si può eseguire l'uno o l'altro brano; trasmettere su un tamburo o tamburello il ritmo di una marcia composta dal bambino stesso; provare a comporre una melodia da ballo, ecc.
Il ruolo è chiaro direttore musicale ed educatore. Non dovrebbero solo essere competenti nei metodi di insegnamento delle lezioni, ma anche essere in grado di suonare liberamente gli strumenti musicali dei bambini, conoscere il dispositivo e le tecniche per suonarli.
Suonare strumenti è un'attività musicale interessante e utile per i bambini. Giocattoli e strumenti musicali ti permettono di decorare la vita di un bambino, intrattenerlo e suscitare il desiderio di propria creatività. Nel processo di apprendimento a suonare gli strumenti, le rappresentazioni uditive, il senso del ritmo, il timbro e la dinamica sono ben formati. Nelle azioni del bambino sviluppa indipendenza, attenzione e organizzazione.
L'intero complesso di metodi per introdurre i bambini a spettacoli musicali divertenti e complessi li prepara bene per le future lezioni a scuola.

DOMANDE E COMPITI

1. Qual è il significato giocattoli musicali e strumenti nella vita dei bambini in età prescolare?
2. Descrivi i tipi di strumenti per bambini.
3. Parlaci delle caratteristiche dei giocattoli e degli strumenti musicali per bambini.
4. A che età è consigliabile imparare a suonare strumenti musicali? Elenca gli obiettivi di apprendimento.
5. Quale repertorio musicale è opportuno utilizzare per imparare a suonare gli strumenti.
6. Qual è la metodologia per insegnare ai bambini in età prescolare a suonare strumenti musicali per bambini?
7. Sull'esempio di qualsiasi brano musicale, fai un riassunto delle lezioni durante le quali l'insegnante insegna ai bambini a suonare il metallofono.
8. Elenca le forme di apprendimento per suonare gli strumenti dei bambini.

9. Rivela le tecniche per sviluppare la creatività musicale dei bambini nel processo di padronanza del suonare gli strumenti.

LETTERATURA

Programma standard di istruzione e formazione nella scuola materna / Ed. RA. Kurbatova, N. N. Poddyakova - M., 1984.
Il programma di istruzione e formazione c. scuola materna.—M., 1987. Istruzione e formazione nella scuola materna / ed. A. V. Zaporozhets, T. A. Markova - M., 1976.-S. 308-341.
Velugina N.A. Educazione musicale all'asilo. — M., 1981.
Velugina N.A. Creatività musicale e di gioco nei bambini di 5-7 anni. Canzone creatività dei bambini di 5-7 anni // Creatività artistica all'asilo - M., 1974. - P. 107-120.
Dzerzhinskaya I. .L. Educazione musicale bambini in età prescolare più giovani.- M., 1985.
Kabalevsky D. B. Come insegnare ai bambini la musica? - M., 1982.
Kvitnitskaya E. N. Lo sviluppo dell'orecchio musicale è una condizione per la formazione songwriting// Creatività artistica all'asilo.- M., 1974.-S. 20-28.
Lukyanova M.B. Creatività dei bambini nei balli // Creatività artistica all'asilo - M., 1974. - P. 29-32.
Musica e movimento / Comp. S. I. Bekina, T. P. Lomova, E. N. Sokovnina - M., 1981, 1983, 1984.
Insegna ai bambini a cantare / Comp. TM Orlova, S. I. Bekina - M., 1986, 1987, 1988.
Educazione estetica nella scuola dell'infanzia / Ed. N. A. Vetlugina.—M., 1985.

Collezioni di repertorio musicale e letterario

Velugina N.A. Orke per bambini - M., 1976.
Vetlugin N. A. Primer musicale - M., 1972, 1985.
Musica all'asilo / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, L. N. Komissarova - M., 1985, 1986, 1987.
Musica all'asilo / Comp. N. A. Vetlugina, I. L. Dzerzhinskaya, T. P. Lomova.— M., 1975—1980.—Iss. 1-5; .1980-1981.-Edizione. 1-4.
Secchiello solare / Comp. MA Medvedeva - M., 1984.

Metodi di educazione musicale all'asilo: “Doshk. istruzione "/ N.A. Vetlugin, I.L. Dzerzhinskaya, L.N. Komissarov e altri; ed. SUL. Velugina. - 3a ed., Rev. e aggiuntivi - M.: Illuminismo, 1989. - 270 p.: note.

Agenzia Federale per la Cultura e la Cinematografia

Il Conservatorio statale di Saratov prende il nome

Dipartimento di pianoforte speciale

Programma di lavoro

"METODO DI INSEGNAMENTO DEL GIOCO

SULLO STRUMENTO"

Specialità 070101

"Esecuzione strumentale" (pianoforte)

Saratov, 2006

Il programma è progettato in conformità con

Il programma di lavoro è sviluppato sulla base di un programma standard,

approvato dal Ministero della Cultura dell'URSS, 1977.

Compilato da:

Professore del Dipartimento di Pianoforte Speciale presso il Conservatorio Statale di Saratov. , Ph.D. in Storia delle Arti,

Revisori:

, Candidato di Storia dell'Arte, prof

, Candidato di Scienze Pedagogiche, Professore Associato

Nota esplicativa

Finalità e obiettivi del corso

Obiettivi corso universitario sui metodi didattici per suonare il pianoforte in condizioni moderne consiste nell'educare un generalista formato per dirigere una classe speciale in una scuola di musica (collegio, liceo), lezioni di pianoforte per cantanti e strumentisti, lezioni di primo violino e lezioni da camera, metodi, pratica didattica, per l'insegnamento del pianoforte nelle scuole di musica e lezioni culturali ed educative istituzioni educative. Questo corso è progettato per fornire agli studenti le conoscenze, le abilità e le abilità necessarie per questo lavoro, per formare un sistema integrale di opinioni sul processo musicale e pedagogico, per promuovere lo sviluppo dell'interesse per il lavoro pedagogico, la necessità di considerarlo dal punto di vista dei requisiti moderni per figure culturali avanzate.

Il corso di metodologia si collega successivamente con altre discipline del ciclo pedagogico studiate all'università e al collegio e, senza duplicarle, risolve i problemi di teoria e pratica dell'insegnamento in relazione all'insegnamento pianistico di livello superiore. Durante la lettura del corso, l'esperienza acquisita dagli studenti in una classe speciale viene generalizzata e sistematizzata e le loro conoscenze nel campo della storia e della teoria dell'esecuzione e della pedagogia, raccolte nel corso della storia dell'arte pianistica, continuano ad approfondirsi. Particolare attenzione è rivolta al raggiungimento di un'unità organica tra il percorso metodologico e la pratica pedagogica degli studenti.

La pedagogia musicale è un campo complesso cultura moderna, dove viene alla ribalta co-creazione, cooperazione insegnante e studenti. Le forme e i metodi proposti per organizzare il processo educativo sono focalizzati sull'identificazione della posizione indipendente degli studenti. Viene sottolineata l'efficacia delle forme mobili di contatto tra insegnante e studenti, che creano un campo potenziale per la manifestazione e lo sviluppo delle qualità personali degli studenti. I seminari sono costruiti utilizzando elementi di situazioni di gioco, tra cui interviste preliminari, discussioni di discussione, riepilogo del controllo. Il sistema di domande del test ha lo stesso scopo, consentendo di scoprire la necessità e la sufficienza delle conoscenze acquisite dagli studenti nel processo di apprendimento. Le informazioni teoriche ottenute vengono proiettate su una specifica composizione o sull'iter delle lezioni dei singoli pianisti. L'attenzione degli studenti è rivolta al fatto che devono imparare a operare con termini e concetti moderni, introdurli nella pratica del lavoro performativo e pedagogico.

Un mezzo efficace per aumentare il contenuto del processo educativo è la saturazione del corso di lezione della metodologia elementi problematico, situazioni problematiche costruite sulla contraddizione, cioè sullo studio della “contraddizione nell'essenza stessa degli oggetti”. Ciò tiene conto del fatto che gli studenti non dovrebbero trovarsi di fronte a un problema irrisolvibile. È importante trovare un modo per risolvere la contraddizione tra conoscenza e ignoranza, tra esperienza individuale dello studente, che può essere limitata, e teoria, che è un concentrato generale di conoscenza testata dalla pratica, tra conoscenza ordinaria e scientifica. Di conseguenza, il pensiero dello studente è attivamente coinvolto nel lavoro, è tenuto a pensare e ragionare con l'aiuto delle conoscenze esistenti per giungere a nuove conoscenze basate sulla generalizzazione di materiale già noto. Di conseguenza, gli studenti sviluppano la capacità di vedere autonomamente i problemi nella teoria e nella pratica, per essere sufficientemente preparati a risolverli.

Quasi tutti gli argomenti del corso di metodologia possono essere presentati in opposizione a diverse posizioni e punti di vista teorici, nello scontro di opinioni alternative di eccezionali musicisti-insegnanti. Questa forma di presentazione del materiale incoraggia gli studenti a cercare la soluzione ottimale, aumenta la loro attività individuale nel determinare la risposta. In questo caso, i giovani specialisti vengono allevati dalla forma stessa di presentazione delle informazioni, dalla ricchezza e dall'ambiguità del materiale in esame. Il futuro insegnante non dovrebbe seguire sconsideratamente il percorso standard e stereotipato, che può portare a una situazione di "vicolo cieco". Il fattore decisivo nella pedagogia musicale è individuale aspetto formazione delle competenze professionali. Questa affermazione non significa un rifiuto dei principi generali dell'arte pedagogica, ma evidenzia un profilo personale, un approccio personale allo sviluppo degli studenti. Gli atteggiamenti pedagogici generalmente accettati e positivamente provati dovrebbero essere rifratti attraverso il prisma dell'individualità, la diversità dei diversi studenti.

Caratteristiche di questo corso una priorità stile aspetto nell'educazione musicale degli studenti. Qui viene aggiornata la disposizione sul significato determinante dell'attività performativa, che può influenzare fruttuosamente l'efficacia del futuro lavoro pedagogico di un laureato in un'università musicale. Con la comprensione delle linee guida stilistiche e dell'orientamento stilistico dell'arte musicale, le possibilità di comprendere e decifrare i metodi compositivi dello sviluppo musicale, la motivazione e il ragionamento nell'uso dei mezzi espressivi dell'esecuzione cambiano qualitativamente.

Prestando attenzione al processo pedagogico di educazione dei giovani musicisti, vengono evidenziati i problemi di comprensione e riproduzione dello stile dell'autore, lavorare con il testo dell'autore, eseguire la lettura della notazione musicale, l'analisi comparativa delle edizioni e delle interpretazioni in modo che gli studenti possano lavorare intenzionalmente sullo sviluppo delle capacità professionali, migliorando contemporaneamente la loro "educazione stilistica" e il livello musicale generale. In alcuni casi, gli studenti dotati di intuizione artistica sentono le peculiarità dello stile dell'autore a livello mentale e subconscio. Di regola si tratta di pianisti che hanno un'ampia erudizione musicale, che conoscono bene la musica di un certo autore, che hanno “riprodotto” un numero sufficiente delle sue composizioni. Ma una tale proprietà della percezione della musica dal vivo da parte di uno studente è rara. Al contrario, più spesso c'è un malinteso quando l'esecutore pensa di suonare tutto ciò che è scritto nel testo, soddisfa le prescrizioni di tempo, dinamiche, articolatorie dell'autore o (più spesso) dell'editore e non capisce quali domande ha può avere sullo stile o sullo stile di esecuzione del compositore. Il corso di metodologia è pensato per superare questo malinteso e superare l'inerzia dipendente del pensiero dei giovani musicisti.

IN Ultimamente evidenziato nella letteratura specializzata Rol intuitivo inizio nelle arti dello spettacolo e dell'insegnamento. In effetti, l'aspetto personale in qualsiasi tipo di attività creativa è predestinato. Comprendere che, da un lato, il potere speciale dell'impatto dell'abilità pedagogica risiede nell'unicità del processo, quando ai presenti in classe sembra che l'opera “prenda vita” davanti ai loro occhi senza particolari “scientifici ” sforzi, sarebbe sbagliato pensare che la sola erudizione artistica, l'emotività, l'intuizione e il temperamento siano sufficienti per trasmettere il significato significativo di un'opera musicale. È necessario non solo avere una conoscenza seria e approfondita in vari campi della creatività artistica, ma anche padroneggiare determinati metodi, il sistema di educazione e educazione, che consente di risolvere in modo ottimale i problemi che sorgono nel processo di esecuzione o creatività pedagogica .

L'arte musicale, per la sua emotività diretta e persino irrazionalità, non consente di applicare a se stessa equivalenti verbali rigorosi. Come giustamente notato, “la musica è proprio quel “caso puro” che è interamente progettato, prima di tutto, per intuitivo comprensione” e “chi comunica con la musica sviluppa uno speciale “organo” che non solo risponde adeguatamente alle varie caratteristiche del suono, non solo è in grado di decodificarne il linguaggio, ma può anche comprendere ciò che dice, sebbene questa comprensione si sviluppi sulla base di operativo non concettuale elementi». In questo caso, l'intuizione si forma nel campo del pensiero artistico e immaginativo del musicista, si alimenta di rappresentazioni uditive, costituita dal ricordo di interpretazioni memorabili tradizionali e insolite e dal volume totale della conoscenza musicale, si basa sui risultati delle proprie proprie ricerche creative, e si arricchisce di impressioni emotive e psicofisiologiche.

Lavorando su un brano musicale, l'insegnante comunica con lo studente, trovandosi in un contesto culturale e storico completamente diverso rispetto all'autore della composizione. Sono orientati a un diverso sistema di valori, hanno una diversa educazione artistica e musicale generale. Un'opera creata dall'autore in un'epoca, ma eseguita in un'altra epoca, è percepita da un musicista moderno in un diverso alone associativo. Nelle lezioni sulla metodologia, è poco appropriato parlare dell'identità o dell'adeguatezza delle posizioni del compositore e dell'esecuzione nel sentimento immagine artistica composizione musicale. L'obiettivo del corso è quello di preparare e orientare i futuri insegnanti alla soluzione di un duplice problema: trasferire le coordinate dello stile dell'autore e formare lo stile individuale del pianista moderno.

Analisi e divenire nuovo esibendosi tradizioni questo è anche il compito del corso di metodologia, e quindi dell'insegnante moderno. Lavorando per migliorare le capacità professionali dei propri studenti, l'insegnante dirige e corregge questo processo. IN in un certo senso amplia i confini della comprensione del testo dell'autore, mostra la sua versatilità, rivela significati sempre più nuovi della sua esistenza nel mondo moderno. Uno dei compiti cardine del corso di pianoforte è che i giovani musicisti debbano portare nel testo dell'autore le caratteristiche del contesto figurativo e semantico della cultura moderna e l'originalità individuale del modo stesso di esecuzione. Di conseguenza, una composizione musicale creata in un passato lontano o vicino diventa comprensibile per l'ascoltatore moderno, arricchita di un nuovo strato di informazioni, dotandosi di un'autentica immortalità artistica.

Il percorso verso la comprensione più profonda di una composizione musicale passa attraverso il rivolgersi a tutto ciò di prezioso che è stato accumulato nella storia della comprensione della musica: a urtext ed edizioni, a varie letture esecutive - "edizioni sonore". La predominanza di un punto di vista per creare la propria interpretazione o quando si lavora su di essa con uno studente nella classe di pianoforte è improduttiva. Atteggiamento negativo indesiderabile ed eccessivamente critico nei confronti del desiderio individuale di musicisti eccezionali di riflettere la propria comprensione del problema creatività pianistica diversi compositori. C'è una reale necessità di integrare il lavoro con la conoscenza delle tradizioni esecutive e culturali generali di diverse epoche storiche ("edizioni verbali").

acquisire le capacità di discussione collettiva delle lezioni aperte;

imparare a lavorare con letteratura speciale, riassumere, redigere uno schema di piano, redigere la documentazione necessaria;

Forme e tipi di classi

Il corso di metodologia si svolge in forma di lezioni frontali e seminari. I primi sono dedicati principalmente alla considerazione dei problemi teorici dell'insegnamento, il secondo al loro studio pratico e alla loro soluzione nel processo di apprendimento. COME forme attive l'apprendimento utilizza lezioni aperte e discussioni. Tipi indipendenti di lezioni: analisi del repertorio, astrazione di scienze e letteratura metodica, redigere documentazione di vario tipo, compresi i piani di repertorio a seconda del livello di sviluppo degli studenti, "modellare" l'iter delle lezioni, redigere un piano-schema, creare le proprie edizioni, frequentare le lezioni dei docenti del Dipartimento di Pianoforte Speciale

Organizzazione della corrente, intermedia e finale

controllo della conoscenza.

Durante un anno ogni studente è obbligato a scrivere una tesina, in cui le conoscenze teoriche dovrebbero essere organicamente combinate con la propria esperienza performativa e pedagogica. Come argomenti per gli abstract si possono suggerire: analisi analitica e revisione della letteratura pianoforte-pedagogica, lavori metodologici, scuole e sussidi didattici; analisi esecutiva e metodologica di un'opera musicale; registrazioni delle lezioni in classe nella specialità con commenti metodologici e generalizzazioni. Al fine di determinare la forza delle conoscenze degli studenti, consolidare le capacità educative e metodologiche, testare la capacità di lavorare in modo indipendente con la letteratura educativa, si tengono seminari su argomenti rilevanti. La durata dei seminari è determinata dal curriculum tematico. Su richiesta del docente o dello studente, l'abstract del corso può essere presentato sotto forma di relazione e letto in uno dei seminari.

Al termine del primo semestre, lezione di controllo, in cui il docente fornisce una valutazione "preliminare" basata sull'attività o passività del lavoro degli studenti per i sei mesi, che funge da guida e stimolo per il successivo lavoro degli studenti.

Risultati il lavoro annuale degli studenti viene riassunto nell'esame. Gli studenti rispondono su un biglietto d'esame, che include due domande. Il primo è dedicato problema teorico naturalmente, il secondo - un argomento relativo allo sviluppo pratico del repertorio pedagogico e della letteratura metodologica. Nel rispondere alla seconda domanda, lo studente deve effettuare un'analisi esecutiva e metodologica di una delle opere del repertorio pedagogico della scuola di musica, scuola di Musica o università, illustrando ciò che è stato detto eseguendo frammenti di un saggio o di un'intera opera teatrale.

Nella determinazione del voto finale si tiene conto della qualità del lavoro e del grado di attività degli studenti in classe durante l'anno.

La struttura del piano tematico della disciplina accademica

Nomenova sezione pesca e argomenti	alunno	Il numero di ore di lezione per il tempo pieno forma di educazione	autosufficienza alunno
		Seminari		Gruppo. Classi	BENE. lavoro
Metodologia apprendimento pianoforte

SCHEMA DEL CORSO TEMATICO

al fine	Nome degli argomenti	Numero di ore
	Seminari	Lavoro indipendente degli studenti
	Introduzione: tecnica pianistica, storia e fasi di sviluppo: le principali tendenze della pedagogia musicale moderna
	Abilità musicale: generale, musicale e speciale (pianistico): proprietà psicologiche della personalità, necessarie per l'attività pianistica
	I problemi più importanti del lavoro insegnante di pianista nei bambini scuola di musica: prime lezioni: difficoltà e caratteristiche del lavoro con i principianti: organizzazione dei movimenti di gioco: e i suoi principi di messa in scena
	"Tecnica pianistica individuale basata su volontà creatrice di suoni" (complesso prodigio)
	Lezioni aperte: con un pianista alle prime armi, studenti delle classi junior e senior della scuola di musica
	Pianificazione del processo di apprendimento, elaborazione di piani individuali, caratteristiche: politica del repertorio come componente importante competenze pedagogiche: didattica e organizzativa compiti dello studente
	Lavora sul musical lavoro
	lettura delle prestazioni
	Tecnica pianistica: pensiero artistico e la forma motoria del pianista
	Classificazione dei tipi di apparecchiature: scale, arpeggi, ottave, accordi, tremolo e trilli, salti: lavoro tecnico quotidiano pianista
	Discussione: la tecnica dell'esercizio come processo di lavoro per il raggiungimento delle capacità prestazionali
	E. Timakin "Lavora sulla tecnologia" E. Lieberman "Lavorare sulla tecnologia"
	Elementi formanti abilità prestazionali nel processo di lavoro su un brano musicale: lavoro sonoro; ornamento
	Diteggiatura
	Lezione di controllo sul materiale trattato
	Pedale: significato e varietà; stili e pedale
	Ritmo, metro, tempo, poliritmo, agogiche, ritmi complessi: maggiori difficoltà ritmiche ed errori, modi per eliminare