집 › 몸 › 에드워드 호퍼 그림. 미국 예술가 Edward Hopper의 작품 전시 조명

에드워드 호퍼 그림. 미국 예술가 Edward Hopper의 작품 전시 조명

보는 사람을 즉시 사로잡는 눈에 띄는 그림이 있습니다. 당혹감, 경계심이 없으며 첫눈에 반하는 것처럼 모든 것이 즉시 분명한 것 같습니다. 주의 깊은 조사, 성찰, 공감이 그러한 사랑을 손상시킬 수 있다는 것은 놀라운 일이 아닙니다. 겉으로 드러나는 찬란함 뒤에 깊고 단단한 무언가를 찾을 수 있을까? 사실이 아닙니다.

예를 들어 인상주의의 200년 동안 가장 유행했던 것을 보자. 아마도 오늘날의 대중들에게 회화의 역사에서 더 이상 인기 있는 경향은 없을 것입니다. 그러나 어떻게 예술적 방향인상주의는 짧은 20년 동안 순수한 형태로 존재하면서 놀라울 정도로 일시적인 것으로 판명되었습니다. 창립자들은 결국 아이디어와 방법의 고갈을 느끼며 아이디어를 버렸습니다. 르누아르는 앵그르의 고전적 형태로 돌아갔고 모네는 추상주의로 나아갔다.

그 반대도 발생합니다. 그림은 겸손하고 소박하며 동기는 평범하고 기법은 전통적입니다. 여기 길가에 집이 있고 창가에 소녀가 있지만 일반적으로 진부한 주유소입니다. 분위기도, 조명 효과도, 낭만적인 열정도 없습니다. 어깨를 으쓱하고 계속 나아가면 모든 것이 그대로 유지됩니다. 그리고 멈춰서 보면 심연을 찾을 수 있습니다.

20세기 미국의 가장 유명한 예술가 중 한 명인 에드워드 호퍼의 그림도 마찬가지입니다.

유럽을 주목하지 않음

Hopper의 전기에는 밝은 사건과 예상치 못한 왜곡이 거의 없습니다. 그는 공부하고, 파리에 갔고, 일하고, 결혼하고, 계속 일하고, 인정을 받았습니다. 던지기, 스캔들, 이혼, 알코올 중독, 터무니없는 장난이 없습니다. 여기에서 Hopper의 인생 이야기는 그의 그림과 비슷합니다. 겉으로는 모든 것이 단순하고 차분하지만 깊이에는 극적인 긴장이 있습니다.

이미 어린 시절에 그는 부모가 가능한 모든 방법으로 그를 지원하는 그림 능력을 발견했습니다. 방과 후 1년 동안 통신으로 일러스트레이션을 공부한 후 명문 New York Art School에 입학했습니다. 미국 소식통은 그의 유명한 동료 학생들의 전체 목록을 인용하지만 그들의 이름은 러시아 청중에게 거의 아무것도 말하지 않습니다. Rockwell Kent를 제외하고 그들은 모두 국가적으로 중요한 예술가로 남았습니다.

1906년에 Hopper는 학업을 마치고 광고 대행사에서 삽화가로 일하기 시작했지만 가을에 유럽으로 떠났습니다.

유럽여행은 거의 필수였다고 해야하나 직업 교육미국 예술가들에게. 당시 파리의 별은 환하게 빛나고 있었고, 세계 회화의 최신 성과와 경향에 동참하기 위해 전 세계에서 젊고 야심 찬 사람들이 그곳으로 모여들었습니다.

국제 가마솥에서 양조의 결과가 얼마나 다른지 놀랍습니다. 스페인 피카소와 같은 일부는 학생에서 리더로 빠르게 전환했으며 스스로 예술적 패션의 트렌드세터가 되었습니다. Mary Cassatt 및 James Abbot McNeil Whistler와 같은 다른 사람들은 항상 모방자로 남아 있지만 재능이 있습니다. 러시아 예술가들과 같은 다른 사람들은 고국으로 돌아와 영에 감염되고 충전되었습니다. 새로운 예술, 그리고 이미 집에서 그들은 세계 예술의 뒷마당에서 아방가르드로 가는 길을 닦았습니다.

Hopper는 가장 독창적이었습니다. 그는 유럽을 여행하고 파리, 런던, 암스테르담에 있었고 뉴욕으로 돌아와 다시 파리와 스페인을 여행하고 유럽 박물관에서 시간을 보내고 유럽 예술가를 만났습니다 ... 그러나 단기적인 영향을 제외하고 그의 그림은 그렇지 않습니다. 현대 트렌드에 대한 친숙함을 드러냅니다. 전혀, 심지어 팔레트도 간신히 밝아졌습니다!

그는 그 당시 이미 고전이 된 Edouard Manet과 Edgar Degas와 같은 거장들로부터 Rembrandt와 Hals, 나중에 El Greco를 높이 평가했습니다. Picasso에 관해서는 Hopper는 파리에있는 동안 그의 이름을 듣지 못했다고 매우 진지하게 주장했습니다.

믿기 어렵겠지만 사실은 남아 있습니다. 후기 인상파는 이미 세상을 떠났고, 야수파와 입체파는 이미 창을 부수고 있었고, 미래주의가 지평선에 어렴풋이 나타나며, 회화는 가시적인 이미지에서 탈피하여 화면의 문제와 한계에 주목했고, 피카소와 마티스가 빛났다. . 그러나 사물의 깊숙한 곳에 있는 Hopper는 그것을 보지 못하는 것 같았습니다.

그리고 1910년 이후에는 권위 있는 베니스 비엔날레의 미국관에 그의 그림이 전시되었을 때도 대서양을 건너지 않았습니다.

직장에서 아티스트

1913년 호퍼는 뉴욕 워싱턴 스퀘어에 정착하여 50년 이상 살면서 일했습니다. 같은 해에 그는 뉴욕의 유명한 Armory Show에 전시된 그의 첫 번째 그림을 판매했습니다. 경력이 유망하게 시작되고 성공이 멀지 않은 것 같습니다.

그렇게 장밋빛으로 밝혀지지 않았습니다. "Armory Show"는 미국 최초의 전시회로 구상되었습니다. 현대 미술그 결과 대성공을 거두었습니다. 그녀는 아마추어, 비평가, 예술가들의 시선을 리얼리즘에서 벗어나 아방가르드로 향하게 했지만 조롱과 추문이 뒤따랐다. Duchamp, Picasso, Picabia, Brancusi, Braque의 배경에 비해 Hopper의 사실주의는 지방적이고 구식으로 보였습니다. 미국은 유럽을 따라잡을 필요가 있다고 판단했고, 부유한 수집가들은 해외 미술품에 관심을 갖게 되었으며, 국내 작품의 단일 판매는 차이가 없었습니다.

Hopper는 수년 동안 상업 일러스트레이터로 일했습니다. 그는 회화까지 포기하고 판화 복제에 더 적합한 당시의 기법인 에칭에 몰두했다. 그는 봉사하지 않았고 잡지 주문으로 아르바이트를했으며이 직책의 모든 어려움을 경험했으며 때로는 우울증에 빠지기도했습니다.

그러나 당시 뉴욕에는 특히 미국 예술가의 작품을 수집하기로 결정한 예술 후원자가있었습니다. 백만장 자 Vanderbilt의 딸인 Gertrude Whitney; 그건 그렇고, 식인종 Ellochka가 성공적으로 경쟁하지 못한 사람은 Ostap Bender의 차 여과기를 12 개의 의자 중 하나와 교환했습니다.

밤 그림자.

그 후 Whitney는 그녀의 현대 미국 예술가 컬렉션을 메트로폴리탄 미술관에 기증하려고 시도했지만 그의 경영진은 선물이 가치가 있다고 생각하지 않았습니다. 거절당한 수집가는 보복으로 근처에 자신의 박물관을 세웠는데, 최고의 박물관미국 예술.

저녁 바람. 1921 뉴욕 미국 미술관

그러나 그것은 미래의 일입니다. Hopper가 Whitney Studio를 방문하는 동안 1920 년에 그는 첫 개인전 인 16 점의 그림을 가졌습니다. 그의 에칭 중 일부, 특히 "Night Shadows"와 "Evening Wind"는 대중의 관심을 끌었습니다. 그러나 그는 아직 프리랜서 예술가가 되지 못하고 일러스트레이션으로 계속 돈을 벌었습니다.

가족과 인정

1923년 호퍼는 그의 미래의 아내조세핀. 그들의 가족은 강했지만 가족 생활은 쉽지 않았습니다. 조씨는 남편이 누드를 그리는 것을 금했고, 필요하다면 스스로 포즈를 취하기도 했다. 에드워드는 고양이 때문에도 그녀를 질투했다. 그의 과묵함과 우울한 성격으로 인해 모든 것이 악화되었습니다. “때때로 Eddie와 대화하는 것은 우물에 돌을 던지는 것과 같았습니다. 한 가지 예외를 제외하고는 물에 빠지는 소리가 들리지 않았습니다.”라고 그녀는 인정했습니다.

에드워드와 조 호퍼. 1933

그럼에도 불구하고 호퍼에게 수채화의 가능성을 일깨워준 사람은 조였고, 그는 다시 이 기법으로 돌아갔다. 그는 곧 브루클린 박물관에서 6개의 작품을 전시했고 그 중 하나는 박물관에서 100달러에 구입했습니다. 비평가들은 전시회에 친절하게 반응했으며 가장 겸손한 주제에서도 Hopper 수채화의 활력과 표현력에 주목했습니다. 이러한 외부적 구속과 표현의 깊이의 조합은 남은 기간 동안 Hopper의 트레이드마크가 될 것입니다.

1927년 Hopper는 그림 "Two in the Auditorium"을 1,500달러에 팔았고 부부는 이 돈으로 첫 차를 구입했습니다. 작가는 스케치를 할 기회를 얻었고 오랫동안 미국의 시골 지방이 그의 그림의 주요 동기 중 하나가되었습니다.

강당에 2개. 1927. 톨레도 미술관

1930년에 예술가의 삶에서 또 다른 중요한 사건이 일어났습니다. 후원자 Stephen Clark은 그의 그림 “House at 철도” 뉴욕 현대 미술관에 기증했으며 그 이후로 눈에 띄는 장소에 걸려 있습니다.

그래서 쉰 살이 되기 직전에 호퍼는 인정의 시간을 맞이했습니다. 1931년에 그는 13점의 수채화를 포함하여 30점의 작품을 판매했습니다. 1932년 그는 휘트니 미술관의 첫 번째 정기 전시회에 참가했고 죽을 때까지 다음 전시회를 놓치지 않았습니다. 1933년, 예술가의 기념일을 기념하여 현대 미술관은 그의 작품에 대한 회고전을 선보였습니다.

이후 30년 동안 Hopper는 노년에 건강 문제가 발생했음에도 불구하고 열심히 일했습니다. 조는 그를 10개월이나 살아남았고 가족 컬렉션 전체를 휘트니 박물관에 물려주었다.

자정. 1942. 예술 연구소, 시카고

성숙기에 작가는 "Early Sunday Morning", "Night Owls", "Office in New York", "People in the Sun"과 같은 많은 인정받는 걸작을 만들었습니다. 이 기간 동안 그는 많은 상을 받았으며 캐나다와 멕시코를 여행했으며 여러 회고전 및 개인전에서 발표되었습니다.

감시 보호

이 세월 동안 그의 그림이 발전하지 않았다고 말할 수는 없습니다. 그럼에도 불구하고 Hopper는 자신이 좋아하는 테마와 이미지를 일찍 찾았고, 달라진 것이 있다면 그것은 그들의 구체화의 신뢰성입니다.

Hopper의 작업에 대한 짧은 공식을 찾으려면 "소외와 고립"이 될 것입니다. 그의 캐릭터는 어디로 가고 있습니까? 그들은 왜 한낮에 얼어 있을까? 그들이 대화를 시작하고, 서로에게 손을 내밀고, 소리를 지르고 응답하는 것을 막는 것은 무엇입니까? 답도 없고 솔직히 말해서 질문도 거의 없습니다. 적어도 그들에게는요. 이것이 그들의 모습이고, 이것이 삶이고, 이것이 보이지 않는 장벽으로 사람을 가르는 세상입니다.

장벽이 보이지 않는다는 점은 Hopper를 심각하게 걱정시켰고, 이것이 그의 그림에 창문이 많은 이유입니다. 유리는 시각적인 연결 고리이지만 물리적 장벽입니다. 거리에서 본 그의 영웅과여 주인공은 세상에 열려있는 것처럼 보이지만 실제로는 닫혀 있고 몰입되어 있습니다. Night Owls 또는 The Office in New York을 살펴보십시오. 이러한 이중성은 깨지기 쉬운 취약성과 완고한 접근 불가능성, 심지어 난공불락의 가슴 아픈 조합을 야기합니다.

반대로 우리가 캐릭터와 함께 유리를 통해 내다 보면 창은 다시 속이고 무언가를 볼 가능성으로 놀립니다. 최상의 시나리오 외부 세계나무나 건물의 배열로만 표시되며 예를 들어 "저녁 바람"이나 그림 "자동 판매기"와 같이 창에는 아무것도 보이지 않는 경우가 많습니다.

자동 판매기 1927. 아트 센터, 디모인. 미국

일반적으로 Hopper의 창과 문은 애니메이션 캐릭터와 동일한 개방성과 폐쇄성의 조합이 특징입니다. 약간 열린 새시, 흔들리는 커튼, 닫힌 블라인드, 반쯤 닫힌 문이 그림에서 그림으로 돌아 다닙니다.

투명함은 뚫을 수 없으며 결합해야 할 것이 분리됩니다. 따라서 끊임없는 신비감, 절제, 접촉 실패.

사람들 사이의, 대도시에서, 모든 사람 앞에서의 외로움은 20세기 예술의 교차 주제가 되었습니다. 오직 여기에서 Hopper와 함께, 그들이 도망치는 곳은 외로움이 아니라 구원받는 곳입니다. 그의 캐릭터의 친밀감은 마치 자연스러운 형태변덕이나 성격의 재산이 아닌 자기 방어. 그들에게 쏟아지는 빛은 고통스러울 정도로 무자비하고 너무 공개적으로 전시되어 있으며 주변 세계에는 일종의 무관심한 위협이 도사리고 있습니다. 따라서 외부 장벽 대신 내부 장벽을 구축해야 합니다.

물론 사무실의 벽이 무너지면 업무 효율성이 높아질 것입니다. 서로 앞에서, 특히 상사 앞에서 사람들이 덜 산만하고 수다를 떨기 때문입니다. 그러나 모든 사람이 감시를 받으면 의사소통이 중단되고 침묵만이 유일한 방어 수단이 됩니다. 영웅들은 억제되고, 본능은 억압되고, 정욕은 깊숙이 박혀 있습니다. 문명화되고 교양 있는 사람들은 외부 예의라는 보호 갑옷을 입고 있습니다.

그 이상의 관심

종종 Hopper의 그림은 정지된 순간의 인상을 줍니다. 그리고 이것은 그림 자체에서 움직임이 전혀 표시되지 않는다는 사실에도 불구하고. 그러나 그것은 이전 프레임을 막 교체하고 다음 프레임으로 넘어갈 준비가 된 필름 프레임으로 인식됩니다. Hopper가 미국 영화 제작자, 특히 Hitchcock에서 그토록 높이 평가 된 것은 우연이 아니며 그의 영향을 고려하여 프레임을 구성하는 할리우드 표준이 크게 형성되었습니다.

작가가 묘사된 순간이 아니라 그 전후의 가상의 사건으로 관객의 관심을 유도하는 것은 자연스러운 일이었다. 회화사에서 보기 드문 이 기술은 순간에 대한 관심이 고조된 인상주의의 성과와 시간의 흐름을 순간적인 예술적 이미지로 압축하려는 후기 인상주의의 성과를 역설적으로 결합했습니다.

Hopper는 캔버스에 포착하기 어려운 순간을 확실히 고정하는 데 성공했으며 동시에 그를 표면으로 데려온 후 즉시 과거의 어두운 깊이로 데려가는 끊임없는 시간의 흐름을 암시했습니다. 미래주의가 그림 같은 평면에서 움직임을 직접 묘사하려고 시도했다면 Hopper는 그림의 경계를 벗어나지 만 우리 인식의 한계 내에 둡니다. 우리는 그것을 보지 못하지만 느낍니다.

같은 방식으로 작가는 시간뿐만 아니라 공간에서도 우리의 관심을 그림 너머로 리디렉션합니다. 캐릭터는 바깥 어딘가를 바라보고, 주유소를 지나는 고속도로는 그곳에서 시청자의 시선을 끌고, 철도에서는 기차의 마지막 차량만 눈에 띕니다. 그리고 더 자주 그는 더 이상 거기에없고 기차가 돌진하고 우리는 레일을 따라 그를 따라 무의식적으로 성공적으로 눈을 떼지 않습니다.

이것은 있는 그대로의 미국입니다. 상실에 대한 갈망도, 진보에 대한 미화도 없습니다. 그러나 그것이 미국뿐이라면 Hopper는 더 나쁘지 않은 기술을 가진 많은 동시대 사람들이 그것을 얻지 못한 것처럼 많은 세계적 명성에 떨어지지 않았을 것입니다. 실제로 Hopper는 국가적 소재를 사용하여 보편적 인 감정을 만졌습니다. 그는 길을 닦았다 국제적 인정미국 회화는 세계 미술의 주역이 되었지만 전후 예술가, Hopper 자신이 인식하지 못했습니다.

그의 길은 독특합니다. 활기찬 예술 운동의 격동의 세계에서 그는 누구의 영향에도 굴복하지 않고 낭만주의와 사회 비판 사이, 아방가르드 개념에 대한 집착과 정밀주의와 초현실주의의 고의적 자연주의 사이의 좁은 길을 따라 걸었습니다. 끝까지 자신.

미국 예술가 에드워드 호퍼는 일부 사람들에게 도시주의자로 간주되고 다른 사람들은 마술적 사실주의, 일부는 팝 아트의 선구자입니다. Hopper의 작품 팬들은 그를 "환상 없는 몽상가", "빈 공간의 시인"이라고 열광적으로 부릅니다. 모든 의견은 "Night Owls"라는 Hopper의 극적인 캔버스로 통합됩니다. Leonardo Da Vinci의 Mona Lisa, Edvard Munch의 The Scream 또는 Coolidge의 Dogs Playing Poker로 인식할 수 있습니다. 이 작품의 놀라운 인기는 그를 대중 문화의 아이콘으로 만들었습니다.

(에드워드 호퍼, 1882-1967)은 20세기 미국 풍속화의 저명한 대표자였다. 그리고 이 시기에 예술의 새로운 경향이 탄생했지만, 그는 동료들의 전위적 변화와 실험에 무관심했다. 유행과 보조를 맞추는 동시대인들은 입체파, 초현실주의, 추상미술을 좋아했고, 호퍼의 그림은 지루하고 보수적인 것으로 여겨졌다. Edward는 고통을 겪었지만 그의 이상을 바꾸지 않았습니다. 그들은 어떻게 이해할 수 없습니까? 예술가의 독창성은 독창성이 아니라 방법, 특히 세련된 방법이 아니라 성격의 정수입니다. ».

그리고 Edward Hopper의 성격은 매우 복잡했습니다. 그리고 매우 폐쇄적입니다. 그리고 그의 죽음 이후 그의 삶과 성격에 대한 정보의 유일한 출처는 아마도 그의 아내의 일기였습니다. 한 인터뷰에서 그녀는 이렇게 말했습니다.

어느 날 New Yorker 잡지 직원이 Edward의 삶에 대한 에세이를 쓰려고 했습니다. 그리고 나는 할 수 없었다. 자료가 없었습니다. 쓸 내용이 없습니다. 그의 실제 전기나는 쓸 수 밖에 없었다. 그리고 그것은 순수한 Dostoevsky 일 것입니다« .

그래서 그는 어린 시절부터 였지만 소년은 Nyack (뉴욕) 마을에있는 잡화점 주인의 좋은 가정에서 자랐습니다. 가족은 예술에 대해 낯선 사람이 아니었습니다. 주말에 아버지, 어머니, 아이들은 때때로 미술 전시회를 방문하거나 극장에 가기 위해 뉴욕에 왔습니다. 소년은 두꺼운 공책에 자신의 인상을 몰래 적었습니다. 어른들에게는 많은 것들이 숨겨져있었습니다. 특히 12살 때 여름에 갑자기 30cm가 컸고 몹시 어색하고 나른해 보이기 시작했던 그의 경험과 억울함. 급우들은 매번 그를 조롱하고 놀 렸습니다. 아마도이 불행한 사건으로 인해 Edward Hopper는 고통스러운 수줍음, 고립 및 침묵을 영원히 유지했습니다. 그의 아내는 일기에 이렇게 썼다. 에드에게 무엇이든 말하는 것은 바닥 없는 우물에 돌을 던지는 것과 같습니다. 스플래쉬가 들리지 않는다 «.

당연히 이것은 그의 그림 스타일에 반영되었습니다. Hopper는 생명이 없는 인테리어와 사막 풍경을 그리는 것을 좋아했습니다. 아무데도 가지 않는 철도 막다른 골목, 외로움이 스쳐지나가는 황량한 카페. 창 개구부는 그의 작업의 지속적인 주요 모티브였습니다. 작가는 닫힌 세계에서 벗어날 길을 찾고 있었다. 또는 아마도 그는 비밀리에 자신의 입구를 열었을 것입니다. 창문을 통해 방으로 떨어지는 햇빛이 Hopper의 금욕 그림의 추위를 약간 따뜻하게했습니다. 그의 우울한 풍경과 인테리어를 배경으로 그의 캔버스에 비치는 태양 광선은 " 어두운 영역에 빛의 광선 «.

그러나 대부분 Hopper는 그의 그림에서 외로움을 묘사했습니다. 호퍼의 노을도, 거리도, 집도 외롭다. 그의 화폭에 묘사된 커플들, 특히 커플들은 그다지 외로워 보이지 않는다. 남자와 여자 사이의 상호 불만과 소외는 Edward Hopper의 끊임없는 주제입니다.

이 주제는 매우 중요한 기반을 가지고 있었습니다. 40세의 나이에 Hopper는 뉴욕 미술 학교 때부터 알고 지내던 동료 Josephine Nivison과 결혼했습니다. 그들은 같은 원 안에 있었고, 같은 관심사로 연결되어 있었고, 많은 것들에 대해 비슷한 견해를 가졌습니다. 그러나 그들의 가족 생활모든 종류의 다툼과 추문으로 가득 차 있으며 때로는 싸움에 이릅니다. 아내의 일기에 따르면 무례한 남편이 모든 책임을 져야했습니다. 동시에 지인들의 회상에 따르면 조 자신이 가족 난로를 지키는 이상과는 거리가 멀다는 것이 분명하다. 예를 들어, 아티스트 친구들이 그녀에게 " 에드워드가 가장 좋아하는 음식은??" 그녀는 오만하게 말했다. 우리 서클에는 맛있는 음식이 너무 많고 좋은 그림이 너무 적다고 생각하지 않습니까? 우리가 가장 좋아하는 요리는 친숙한 콩 조림 통조림입니다.«.

Hopper의 커플 그림은 아내와의 관계의 비극을 명확하게 묘사합니다. 그들은 서로 고통을 주고받으며 살았고, 동시에 뗄래야 뗄 수 없는 존재였다. 그들은 프랑스시, 그림, 연극 및 영화에 대한 사랑으로 연합했습니다. 이것은 그들이 함께 머물기에 충분했습니다. 조세핀은 1923년 이후 에드워드 그림의 뮤즈이자 주요 모델이기도 했다. 그의 그림 "Night Owls"에 묘사 된 식당을 늦게 방문한 두 사람에서 작가는 다시 한 번 자신과 아내를 명확하게 묘사했으며, 나란히 앉아있는 남자와 여자의 소외가 너무나 분명합니다.

"자정" (나이트호크), 1942, 에드워드 호퍼

우연찮게 사진이다. "자정"미국에서 컬트 예술 작품이되었습니다. (원래는 " 나이트호크"라고도 번역할 수 있습니다. 올빼미"). Edward Hopper는 진주만 공격 직후인 1942년 Night Owls를 그렸습니다. 이 사건은 미국 전역에 억압과 불안감을 불러일으켰습니다. 식당을 찾은 방문객들은 외롭고 생각에 잠기고, 황량한 거리에는 상점 창문의 희미한 빛이 비추고, 생명이 없는 집은 모든 것의 배경이 됩니다. 그러나 저자는 일종의 우울증을 표현하고 싶었다는 사실을 부인했습니다. 그의 말로 그는 아마도 무의식적으로 외로움을 묘사했을 것입니다. 대도시 ».

어쨌든 호퍼의 한밤중 카페는 그의 상대방이 묘사한 도시 카페에서 중요한 출발점입니다. 일반적으로 이러한 시설은 언제 어디서나 로맨스와 사랑의 감각을 지니고 있습니다. 아를의 나이트 카페를 그린 빈센트 반 고흐는 검은색 페인트를 전혀 사용하지 않았고, 그의 사람들은 탁 트인 테라스에 앉아 있고, 하늘에는 꽃밭처럼 별이 흩뿌려져 있다.

« 나이트 테라스카페”, 아를, 1888, 빈센트 반 고흐

그의 가지각색의 팔레트와 Hopper의 색상의 시원함과 인색함을 비교할 수 있습니까? 그럼에도 불구하고 그림 "Night Owls"를 보면 강조된 Hopper의 글의 간결함 뒤에 표현력의 심연이 있음이 분명해집니다. 자신의 생각에 잠긴 그의 말없는 인물들은 치명적인 형광등이 쏟아지는 무대 위의 드라마 참가자처럼 보인다. 보는 사람은 평행선의 기하학, 바 카운터를 따라 있는 좌석에 의해 반향되는 이웃 건물의 생명 없는 창문의 균일한 리듬, 거대한 돌벽과 투명하고 깨지기 쉬운 유리의 대비에 의해 최면에 걸린 듯한 영향을 받습니다. 4 명 중 빛의 섬에 피난처를 찾았습니다 ... 작가가 거리의 무관심한 어둠을 피해 의도적으로 여기에 잠근 것 같습니다. 자세히 보면 방에서 보이는 출구가 하나도 없다는 것을 알 수 있습니다.

그림 "밤 올빼미"미국 문화에 큰 영향을 미쳤습니다. 포스트모더니스트들은 이 그림을 문학, 영화, 그림을 기반으로 한 무수한 패러디 리메이크에 사용했습니다.

에드워드 호퍼의 이 작품에 대한 암시와 패러디는 많은 그림, 영화, 책, 노래에서 찾아볼 수 있습니다. Tom Waits는 그의 앨범 중 하나를 " 식당의 나이트호크» — « 식당에서 자정". 이 캔버스는 데이비드 린치 감독이 가장 좋아하는 작품 중 하나입니다. 그것은 또한 Ridley Scott "Blade Runner"의 영화에서 도시의 모습에 영향을 미쳤습니다.

Night Owls에서 영감을 받아 오스트리아 예술가 Gottfried Helnwein은 ""라는 유명한 리메이크를 만들었습니다. 부서진 꿈의 거리 ". 얼굴없는 캐릭터 대신 그는 Marilyn Monroe, Humphrey Bogart, Elvis Presley 및 James Dean과 같은 우주적 외로움의 공허에 4 명의 유명인을 배치했습니다. 따라서 그들의 삶과 재능이 얼마나 무의미하게 조기에 공허에 가라 앉았는지 암시합니다. Presley는 장기간의 알코올 및 약물 남용과 남용의 결과로 사망했습니다. Marilyn은 항우울제 과다 복용으로 사망했습니다. 보가트의 죽음 역시 알코올 남용의 결과였고, 제임스 딘은 비극적인 교통사고로 사망했습니다.

다른 스푸핑 리메이크 작가들은 다양한 예술 분야의 미국 상징적인 작품을 사용했습니다. 우선, 가장 인기있는 미국 영화는 유명한 캐릭터, 만화의 슈퍼 히어로 및 전 세계에 알려진 이야기입니다. 흑백 필름 느와르의 우울한 스타일은 호퍼의 그림 분위기와 완벽하게 일치했습니다. 필름 누아르 ).

확실히 40년대 느와르 영화의 프레임 "컷"을 보십시오. 이 프레임은 " 부서진 꿈의 거리 ". (2005년 펑크 그룹의 멤버들은 그린 데이그들의 두 번째 싱글은 Hopper의 그림의 직접적인 영향으로 그러한 이름과 해당 포스터를 받았다고 말했습니다.

또한 아이러니하게도 리메이크는 다른 많은 할리우드 페티쉬에서 재생되었습니다.

스타 워즈

심슨

패밀리 가이

컬트 만화 땡땡의 모험을 기반으로

슈퍼맨과 배트맨

좀비

Tim Burton 감독의 m / f "Dead Bride"를 주제로 한 리메이크

패러디가 될 운명을 피하지 못한 호퍼의 그림 리메이크는 다르다 인기 프로그램그리고 연재물.

코미디 TV 시리즈 "사인펠드"(1989-1998)를 주제로 한 패러디 포스터

범죄 시리즈 "C.S.I.: Crime Scene Investigation"을 주제로 한 패러디 포스터

물론 패러디에서는 작가가 그의 그림에서 강조한 카페의 닫힌 공간이 재생됩니다.

그리고 그림의 차가운 색조와 팔레트의 금욕주의로 인해 많은 조커들이 우주와 연관되었습니다.

도시 풍경에 대한 모든 종류의 미국식 진부한 표현도 사용되었습니다.

글쎄, 밤 거리가 있고 근처에 경찰이없는 곳에 거리 낙서 괴롭힘 Banksy가 나타날 수 있다는 것은 매우 논리적이지만 여기에서 그는 플라스틱 의자를 카페 창에 던지고 있습니다.

모든 종류의 주제로 만들어진 Edward Hopper의 그림에 대한 아이러니한 리메이크의 수백 가지 예를 여전히 제공할 수 있습니다. 이것은 가장 일반적인 인터넷 밈 중 하나입니다. 그리고 그러한 다산은 진정한 걸작이 시간의 지배를 받지 않는다는 것을 확인시켜 줄 뿐입니다.

에드워드 호퍼

파일:Edward Hopper의 재봉틀에 있는 소녀.jpg

에드워드 호퍼. "재봉틀 뒤에서"(1921).

에드워드 호퍼(eng. Edward Hopper, 7 월 22 일, Nyack, New York-5 월 15 일, 뉴욕)-20 세기 최대 도시 예술가 중 한 명인 미국 장르 회화의 저명한 대표자 인 미국 예술가.

전기 및 독창성

뉴욕 Newascu에서 상점 주인의 아들로 태어났습니다. 어린 시절부터 그는 그림 그리기를 좋아했습니다. 1899년 그는 예술가가 되려는 의도로 뉴욕으로 이주했습니다. 1899-1900년에 그는 광고 예술가 학교에서 공부했습니다. 그 후 그는 당시 현대를 창조한다는 아이디어를 옹호했던 Robert Henry의 학교에 입학합니다. 국가 예술미국. 이 학교의 주요 원칙은 "자신을 교육하십시오. 내가 당신을 교육하게하지 마십시오." 집단주의의 부재를 주장했지만, 개성의 탄생을 목표로 한 원칙, 중요한 국가 예술 전통.

1906년 에드워드 호퍼는 파리로 가서 공부를 계속했습니다. 프랑스 외에도 그는 영국, 독일, 네덜란드, 벨기에를 방문했습니다. 그것은 국가의 만화경이었고 다른 문화 센터. Hopper는 1907년에 뉴욕으로 돌아왔습니다.

1908년 에드워드 호퍼는 G8 조직(로버트 헨리와 그의 학생들)이 주최한 전시회에 참가했지만 성공하지 못했습니다. 그는 더 열심히 일하고 스타일을 향상시킵니다. 1908-1910년에 그는 파리에서 다시 미술을 공부했습니다. 1915년부터 1920년까지 - 이것은 예술가에 대한 적극적인 창의적 검색 기간입니다. 이 기간의 그림은 Hopper가 모두 파괴했기 때문에 살아남지 못했습니다.

그림은 이윤을 남기지 않았기 때문에 Edward는 광고 대행사에서 신문 삽화를 만드는 일을 합니다.

Hopper는 1915년에 첫 판화를 만들었습니다. 전체적으로 그는 약 60개의 에칭을 만들었고 그 중 가장 좋은 것은 1915년에서 1923년 사이에 만들어졌습니다. 여기에 Edward Hopper 작업의 주요 주제 인 미국 사회와 세계에서 사람의 외로움이 나타났습니다.

판화는 예술가에게 약간의 명성을 가져다주었습니다. 그는 전시회에서 그들을 대표하고 상을 받았습니다. 곧 Whitney Art Studio Club에서 주최하는 개인전이 열렸습니다.

1920년대 중반. Hopper는 자신의 예술적 스타일을 개발했으며 이는 그의 생애가 끝날 때까지 충실하게 유지됩니다. 현대 도시 생활의 사진으로 검증된 장면(종종 수채화로 그려짐)에서 외롭고 얼어붙은 이름 없는 인물과 맑은 기하학적 모양오브제들은 절망적인 소외감과 일상에 숨겨진 위협을 전달한다.

예술가로서 Hopper의 주요 영감은 뉴욕시와 지방 도시("Meto", "Manhattan Bridge Constructions", "East Wind over Weehawkend", " 광산 마을펜실베니아에서). 도시와 함께 Hopper는 그 안에 사람의 독특한 이미지를 만들었습니다. 특정인의 초상화는 예술가에게서 완전히 사라졌고, 그는 그것을 개별 도시 거주자 인 외톨이의 일반화되고 요약 된 견해로 대체했습니다. Edward Hopper의 그림의 영웅은 바, 카페, 호텔에 묘사 된 실망하고 외롭고 황폐하고 얼어 붙은 사람들입니다 ( "Room - in a hotel", 1931, "Western Motel", 1957).

이미 1920년대에 Hopper라는 이름이 미국 회화에 등장했습니다. 그는 학생과 찬사를 받았습니다. 1924년에 그는 화가인 Josephine Verstiel과 결혼했습니다. 1930년에 그들은 Cape Cord에 집을 사서 그곳으로 이사했습니다. 일반적으로 Hopper가 열렸습니다. 새로운 장르- 집 초상화 - Talbot House, 1926, Adams House, 1928, Captain Killy House, 1931, Railroad House, 1925.

(1967-05-15 ) (84세) 죽음의 장소: 기원: 시민권: