100개의 유명한 그림. 미술사에서 세계에서 가장 유명하고 중요한 그림

위대한 거장들의 손으로 만든 장엄한 예술 작품은 예술이 별 의미가 없는 사람들도 놀라게 할 수 있습니다. 그렇기 때문에 세계적으로 유명한 박물관은 매년 수백만 명의 방문객을 끌어들이는 가장 인기 있는 명소 중 하나입니다.

미술사를 통틀어 쓰여진 수많은 그림들 중에서 눈에 띄기 위해 예술가는 재능뿐만 아니라 그의 시대에 독특하고 매우 적절한 방식으로 독특한 플롯을 표현하는 능력도 필요합니다.

아래의 그림은 작가의 재능뿐만 아니라 왔다가 사라진 많은 문화적 경향과 가장 중요한 역사적 사건항상 예술에 반영되었습니다.

"비너스의 탄생"

르네상스의 거장 산드로 보티첼리가 그린 이 그림은 바다 거품에서 아름다운 비너스가 나타나는 순간을 묘사하고 있습니다. 그림의 가장 매력적인 측면 중 하나는 여신의 겸손한 자세와 단순하면서도 아름다운 얼굴입니다.

"개들이 포커를 친다"

1903년에 Cassius Coolidge가 그린 이 16개의 그림 시리즈는 개들이 커피나 도박 테이블 주위에 모여 포커를 하는 모습을 묘사합니다. 많은 비평가들은 이 그림을 그 시대의 미국인을 정식으로 묘사한 것으로 인정합니다.

레카미에 부인의 초상

자크 루이 다비드(Jacques-Louis David)가 그린 이 초상화는 심플한 민소매 흰색 드레스를 입은 대조적으로 미니멀하고 단순한 배경에서 현란한 사교계 명사를 묘사합니다. 이것은 초상화 예술에서 신고전주의의 생생한 예입니다.

№5

잭슨 폴록의 이 유명한 그림은 그의 가장 상징적인 작품으로, 폴록의 영혼과 정신에 미친 모든 혼돈을 생생하게 묘사하고 있습니다. 이것은 가장 고가의 작품미국 아티스트가 판매한 적이 있습니다.

"남자의 아들"

Rene Magritte의 "The Son of Man"은 검은 양복을 입고 있지만 얼굴 대신 사과가있는 예술가 자신을 묘사하는 일종의 자화상입니다.

"숫자 1"("로열 레드 앤 블루")

마크 로스코(Mark Rothko)가 최근에 만든 이 작품은 손으로 만든 캔버스에 세 가지 다른 색조를 붓질한 것에 지나지 않습니다. 이 그림은 현재 시카고 아트 인스티튜트에 전시되어 있습니다.

"무고한 자의 학살"

베들레헴의 무고한 아기 학살에 관한 성경 이야기를 바탕으로 피터 폴 루벤스는 보는 사람의 감정을 감동시키는 섬뜩하고 잔인한 그림을 그렸습니다.

"그랑자트 섬의 일요일 오후"

Georges Seurat가 디자인한 이 독특하고 매우 대중적인 그림주말의 여유로운 분위기를 표현한 대도시. 이러한 그림은 많은 점을 하나의 전체로 결합하는 점묘법의 훌륭한 예입니다.

"춤"

Henri Matisse의 "Dance"는 밝고 거의 부자연스러운 색상과 모양, 높은 역동성을 특징으로 하는 Fauvism이라는 스타일의 한 예입니다.

"아메리칸 고딕"

"아메리칸 고딕"은 대공황기 미국인의 이미지를 완벽하게 상징하는 예술 작품입니다. 이 그림에서 그랜트 우드는 고딕 양식의 창문이 있는 소박한 집 앞에 서 있는 엄격하고 종교적인 커플을 묘사했습니다.

"플라워 로더"

20세기 멕시코의 가장 인기 있는 화가 디에고 리베라의 이 그림은 밝은 열대 꽃이 가득 담긴 바구니를 등에 지고 거의 견딜 수 없는 남자를 묘사합니다.

"휘슬러의 어머니"

"회색과 검정색의 배열. 예술가의 어머니"라고도 알려진 이 작품은 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 유명한 그림미국 화가 제임스 휘슬러. 이 그림에서 휘슬러는 어머니가 회색 벽에 기대어 의자에 앉아 있는 모습을 그렸습니다. 그림은 검은색과 회색 음영만 사용합니다.

"기억의 지속성"

이것은 이 운동을 예술의 최전선으로 가져온 세계적으로 유명한 스페인 초현실주의자인 컬트 살바도르 달리의 컬트 작품입니다.

도라 마르의 초상

파블로 피카소는 가장 유명하고 영향력 있는 스페인 화가. 그는 어떤 대상이든 해체하여 명료하게 전달하고자 하는 큐비즘(Cubism)이라 불리는 당시의 센세이셔널한 양식의 창시자이다. 기하학적 모양. 이 그림은 입체파 스타일의 첫 번째 초상화입니다.

<수염 없는 예술가의 초상>

반 고흐의 이 그림은 자화상이며, 일반적인 수염이 없는 화가를 묘사하고 있기 때문에 독특합니다. 또한 이것은 개인 소장품으로 판매된 몇 안 되는 반 고흐 그림 중 하나입니다.

"나이트 카페 테라스"

Vincent van Gogh가 그린 이 그림은 놀랍도록 생생한 색상과 특이한 모양을 사용하여 친숙한 광경을 완전히 새로운 방식으로 묘사합니다.

"구성 VIII"

바실리 칸딘스키가 창립자로 인정 추상 미술- 친숙한 사물과 사람 대신 도형과 기호를 사용하는 스타일. "Composition VIII"는 작가가 이 스타일로만 만든 첫 번째 그림 중 하나입니다.

"키스"

아르누보 양식의 첫 번째 예술 작품 중 하나인 이 그림은 거의 전적으로 금색 톤으로 그려져 있습니다. Gustav Klimt의 그림은 가장 인상적인 스타일 작품 중 하나입니다.

"물랑 드 라 갈레트의 무도회"

Pierre Auguste Renoir의 그림은 도시 생활을 생생하고 역동적으로 묘사합니다. 또한 세계에서 가장 비싼 그림 중 하나입니다.

"올림피아"

Olympia에서 Édouard Manet은 고전 시대의 신화에 가려지지 않은 시선을 가진 벌거 벗은 여자가 분명히 여주인이기 때문에 거의 스캔들에 가까운 진정한 논쟁을 불러 일으켰습니다. 이것은 사실주의 스타일의 초기 작품 중 하나입니다.

"1808년 5월 3일 마드리드에서"

이 작품에서 프란시스코 고야는 스페인에 대한 나폴레옹의 공격을 묘사했습니다. 이것은 전쟁을 부정적인 시각으로 묘사한 최초의 스페인 그림 중 하나입니다.

"라스 메니나스"

Diego Velasquez의 가장 유명한 그림은 Velasquez가 그린 부모의 초상화 앞에서 다섯 살 된 Infanta Margherita를 묘사합니다.

"아르놀피니스의 초상"

이 사진은 다음 중 하나입니다. 가장 오래된 작품그림. Jan van Eyck이 그린 이 그림은 이탈리아 사업가 Giovanni Arnolfini와 브뤼헤의 집에서 임신한 아내를 묘사합니다.

"비명"

노르웨이 예술가 에드바르트 뭉크의 그림은 피처럼 붉은 하늘을 배경으로 공포에 일그러진 남자의 얼굴을 묘사하고 있다. 배경의 풍경은 이 그림에 어두운 매력을 더한다. 또한 The Scream은 감정에 더 많은 자유를 허용하기 위해 사실주의를 최소한으로 유지하는 최초의 표현주의 그림 중 하나입니다.

"워터스"

클로드 모네(Claude Monet)의 수련(Water Lilies)은 화가 자신의 정원 요소를 묘사한 250점의 그림 시리즈 중 일부입니다. 이 그림들은 전 세계 여러 미술관에 전시되어 있습니다.

"스타라이트 나이트"

반 고흐의 "별이 빛나는 밤"은 세계에서 가장 유명한 이미지 중 하나입니다. 현대 문화. 현재 박물관에 전시되어 있습니다. 현대 미술뉴욕에서.

"이카루스의 추락"

그린 이 그림은 네덜란드 예술가 Pieter Brueghel은 동료 인간의 고통에 대한 인간의 무관심을 보여줍니다. 강력한 사회적 주제가 여기에 표시됩니다. 간단한 방법으로, 물에 빠진 이카루스의 이미지와 그의 고통을 무시하는 사람들을 사용합니다.

"아담의 창조"

아담의 창조는 바티칸 궁전의 시스티나 예배당 천장을 장식한 미켈란젤로의 여러 장엄한 프레스코화 중 하나입니다. 그것은 아담의 창조를 묘사합니다. 이상적인 이미지 뿐만 아니라 인간 형태, 프레스코화는 미술사에서 신을 묘사하려는 최초의 시도 중 하나입니다.

"마지막 식사"

위대한 레오나르도가 그린 이 프레스코화는 예수가 배반당하고 체포되어 죽기 전의 최후의 만찬을 묘사하고 있습니다. 구성, 형태 및 색상 외에도 이 프레스코에 대한 논의는 숨겨진 상징과 예수 옆에 막달라 마리아의 존재에 대한 이론으로 가득 차 있습니다.

"게르니카"

피카소의 "게르니카"는 스페인 식민지 시대에 같은 이름을 가진 스페인 도시의 폭발을 묘사합니다. 내전. 이것은 파시즘, 나치즘 및 그들의 사상을 부정적으로 묘사하는 흑백 사진입니다.

"진주 귀걸이를 한 소녀"

요하네스 베르메르의 이 그림은 종종 네덜란드의 모나리자라고 불리는데, 이는 엄청난 인기 때문일 뿐만 아니라 소녀의 얼굴 표정을 포착하고 설명하기 어렵기 때문입니다.

"세례 요한의 참수"

Caravaggio의 그림은 감옥에서 세례 요한이 살해되는 순간을 매우 사실적으로 묘사합니다. 그림의 어두움과 캐릭터의 표정은 진정한 고전 걸작입니다.

"야경"

"나이트 워치"는 렘브란트의 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 그룹 초상화장교가 이끄는 소총 중대. 이 그림의 독특한 측면은 밤 풍경의 인상을 주는 반어두움입니다.

"아테네 학당"

초기 로마 시대에 라파엘로가 그린 이 프레스코화는 플라톤, 아리스토텔레스, 유클리드, 소크라테스, 피타고라스 등과 같은 유명한 그리스 철학자들을 묘사합니다. 예를 들어 Plato - Leonardo da Vinci, Heraclitus - Michelangelo, Euclid - Bramante와 같이 많은 철학자가 Raphael의 동시대 자로 묘사됩니다.

"모나리자"

아마도 세계에서 가장 유명한 그림은 모나리자로 더 잘 알려진 Leonardo da Vinci의 Gioconda일 것입니다. 이 캔버스는 신비한 얼굴 표정으로 눈길을 끄는 게라르디니 부인의 초상입니다.

Leonardo di ser Piero da Vinci(1452년 4월 15일 - 1519년 5월 2일)는 이탈리아의 유명한 화가, 건축가, 철학자, 음악가, 작가, 탐험가, 수학자, 엔지니어, 해부학자, 발명가 및 지질학자였습니다. 그의 그림으로 유명하며 그 중 가장 유명한 것은 " 마지막 식사”, “모나리자”, 그리고 시대를 훨씬 앞서갔지만 종이에만 남아 있는 수많은 발명품들. 또한 Leonardo da Vinci는 해부학, 천문학 및 기술 발전에 중요한 공헌을 했습니다.

라파엘 산티(Raphael Santi, 1483년 3월 28일 ~ 1520년 4월 6일)는 15세기 말부터 16세기 초까지 르네상스 시대에 활동한 위대한 이탈리아 화가이자 건축가였습니다. 라파엘은 전통적으로 다음 중 하나로 간주됩니다. 세 가지 위대한미켈란젤로, 레오나르도 다빈치와 함께 이 시대의 거장. 그의 작품 중 다수는 바티칸의 사도 궁전에 있는 라파엘로의 스탠자라는 방에 있습니다. 그 중에서도 그의 가장 유명한 작품인 "아테네 학당"이 있습니다.

Diego Rodríguez de Silva y Velasquez(1599년 6월 6일 – 1660년 8월 6일) - 스페인 화가, 초상화 화가, 필립 4세의 궁정 화가, 가장 위대한 대표자스페인 회화의 황금기. 과거의 역사적, 문화적 장면을 묘사한 수많은 그림 외에도 그는 스페인 왕실과 다른 유명한 유럽 인물의 초상화를 많이 그렸습니다. Velasquez의 가장 유명한 작품은 마드리드의 Prado Museum에 위치한 1656년의 그림 "La Meninas"(또는 "Family of Philip IV")입니다.

Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuseno Maria de los Remedios Cipriano de la Santisima Trinidad Martir Patricio Ruiz와 Picasso(1881년 10월 25일 - 1973년 4월 8일)는 세계적으로 유명한 스페인 예술가이자 조각가이며 방향의 창시자입니다. 예술 - 큐비즘. 20세기 미술 발전에 영향을 미친 가장 위대한 예술가 중 한 명으로 여겨진다. 전문가들은 지난 100년을 산 사람 중 최고의 예술가이자 세계에서 가장 '비싼' 예술가로 인정받았다. 그의 생애 동안 Picasso는 약 20,000 개의 작품을 만들었습니다 (다른 출처에 따르면 80,000).

Vincent Willem van Gogh(1853년 3월 30일 – 1890년 7월 29일)는 죽은 후에야 명성을 얻은 유명한 네덜란드 화가였습니다. 많은 전문가들에 따르면 반 고흐는 유럽 미술사에서 가장 위대한 예술가 중 한 명일 뿐만 아니라 후기 인상주의의 가장 저명한 대표자 중 한 명입니다. 870점의 회화, 1,000점의 소묘, 133점의 스케치를 포함하여 2,100점 이상의 예술 작품을 저술했습니다. 그의 수많은 자화상, 풍경화, 초상화는 세계에서 가장 유명하고 값비싼 예술 작품 중 하나입니다. Vincent van Gogh의 가장 유명한 작품은 아마도 "해바라기"라는 일련의 그림으로 간주됩니다.

미켈란젤로 부오나로티(Michelangelo Buonarroti, 1475년 3월 6일 - 1564년 2월 18일) - 전 세계에 지울 수 없는 흔적을 남긴 세계적으로 유명한 이탈리아의 조각가, 예술가, 건축가, 시인 및 사상가 세계 문화. 아마도 예술가의 가장 유명한 작품은 시스티나 예배당 천장의 프레스코화일 것입니다. 그의 조각품 중 가장 유명한 것은 "Pieta"( "Lamentation of Christ")와 "David"입니다. 건축 작품 중-성 베드로 대성당의 돔 디자인. 흥미롭게도 미켈란젤로는 생애 동안 전기를 쓴 서유럽 예술의 첫 번째 대표자가되었습니다.

세계에서 가장 유명한 예술가 순위에서 4 위는 다른 거장에게 큰 영향을 준 위대한 이탈리아 예술가 인 Masaccio (1401-1428 년 12 월 21 일)입니다. Masaccio는 매우 짧은 생애를 살았기 때문에 그에 대한 전기적 증거가 거의 없습니다. 그의 프레스코화 중 4점 만이 남아 있으며 의심할 여지 없이 Masaccio의 작품입니다. 다른 것들은 파괴된 것으로 여겨진다. Masaccio의 가장 유명한 작품은 이탈리아 피렌체의 Santa Maria Novella 교회에 있는 Trinity 프레스코화입니다.

페터 폴 루벤스(Peter Paul Rubens, 1577년 6월 28일 - 1640년 5월 30일)는 플랑드르(남네덜란드) 화가로 화려한 스타일로 유명한 바로크 시대의 가장 위대한 예술가 중 한 명입니다. 당대 가장 다재다능한 예술가로 여겨진다. 그의 작품에서 루벤스는 다음을 강조하고 구현했습니다. 활력그리고 색감. 그는 수많은 초상화, 풍경화, 역사적인 그림신화적이고 종교적이고 우화적인 주제로. 루벤스의 가장 유명한 작품은 1610년에서 1614년 사이에 쓰여진 삼부작 "십자가에서 내려오는 강림"으로 전 세계적으로 명성을 얻었습니다.

Michelangelo Merisi da Caravaggio(1571년 9월 29일 – 1610년 7월 18일)는 초기 바로크 시대의 위대한 이탈리아 예술가로 17세기 유럽 사실주의 회화의 창시자입니다. 그의 작품에서 Caravaggio는 세부 사항에 초점을 맞추면서 빛과 그림자의 대비를 능숙하게 사용했습니다. 종종 평범한 로마인, 거리와 시장의 사람들을 성인과 마돈나의 이미지로 묘사했습니다. 예를 들면 "The Evangelist Matthew", "Bacchus", "Conversion of Saul" 등이 있습니다. 예술가의 가장 유명한 그림 중 하나는 "The Lute Player"(1595)로 Caravaggio가 그에게 가장 성공적인 그림이라고 불렀습니다. .

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) - 가장 위대하고 가장 위대한 것으로 여겨지는 유명한 네덜란드 화가이자 조각가 유명한 예술가평화. 약 600점의 회화, 300점의 판화, 2,000점의 소묘를 남겼습니다. 그 특징은 빛의 효과와 깊은 그림자가 있는 절묘한 플레이입니다. 렘브란트의 가장 유명한 작품은 1642년에 쓰여진 4미터짜리 그림 "야간 순찰"입니다. 주립 박물관암스테르담.

100개의 위대한 그림(1부)

위대한 캔버스는 예술가가 옷을 입힐 수 있는 복잡한 우화적 형태가 무엇이든 항상 시간의 거울입니다. 모든 사진이 보는 사람에게 첫눈에 명확하지는 않으며 일부 사진은 세심한 주의, 반성, 특정 준비 및 지식이 필요합니다.

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얀 반 에이크(1390-1441)은 15세기 네덜란드 최대의 화가로 손꼽히며 제단화의 사실적 전통의 토대를 마련했습니다. 1422년 뫼즈 강의 작은 네덜란드 마을 출신으로 이미 존경받는 주인이었던 그는 바이에른의 요한 백작에게 봉사했고 1424년까지 헤이그에 있는 백작의 궁전 장식에 참여했습니다. 1425년 반 에이크는 릴로 이주하여 부르고뉴 공작 선량왕 필리프 3세의 궁정 화가가 되었습니다. 작가를 높이 평가하는 공작의 궁정에서 그는 그림을 그렸을뿐만 아니라 스페인과 포르투갈을 반복적으로 여행하면서 많은 외교 임무를 수행했습니다.

1431년에 반 에이크는 브뤼헤로 이사했고 그곳에서 궁정 화가이자 도시의 예술가로서 일하면서 말년까지 살았습니다. 우리에게 내려온 가장 많은 수의 작품은 그가 부르고뉴 공작을 섬기던 시절에 주인이 쓴 것입니다.

가장 많은 것 중 하나 유명한 작품 Van Eyck, Arnolfinis의 초상은 런던 국립 미술관 소장품입니다. 부유 한 두 젊은이의 결혼식을 묘사 한 그림에서 작가는 예를 들어 충성의 상징 인 신혼 부부의 발에있는 개와 같은 여러 상징의 장소를 찾았습니다. 구성 깊숙한 곳의 벽에 걸려있는 둥근 거울에는 분명히 결혼의 증인 인 두 사람이 반영됩니다. 그중 하나에서 작가는 거울 위의 비문에서 알 수 있듯이 자신을 묘사했습니다. 작가는 신혼 부부를 완전히 성장시켰다. 화가는 신혼부부를 둘러싼 것들을 사랑스럽게 그린다. 이러한 항목은 소유자의 라이프 스타일에 대해 많은 것을 말하며 검소함, 겸손, 질서에 대한 사랑과 같은 도둑의 미덕을 강조합니다.

위에서 설명한 그림의 내용은 가장 일반적인 버전일 뿐이지만 일부 연구자에게는 또 다른 것이 매력적입니다. 이것은 작가의 자화상입니다. 1934년에 유명한 오스트리아 미술 평론가 어윈 파노프스키는 이 그림이 결혼이 아니라 약혼을 묘사하고 있다고 제안했습니다. 또한 Giovanni Arnolfini와 그의 아내는 존재하지 않았으며 그림에 묘사 된 여성은 분명히 가족 추가를 기다리고 있으며 1434 년 6 월 30 일 Margarita van Eyck (작가의 여동생)이 출산했습니다. 아들.

그래서 그림의 주인공은 누구입니까? 아니면 맞춤 초상화가 아니라 정말 가족 장면인가요? 질문은 아직 열려 있습니다 ...

Van Eyck은 시청자에게 다음을 소개합니다. 은둔일상의 아름다움을 보여주는 사람들. 이를 통해 그는 네덜란드에서 유사한 그림이 많이 만들어졌던 17세기에야 완전히 실현된 순수 예술의 새롭고 사실적인 가능성을 열었습니다.

그의 "봄"과 같은이 예술가의 가장 위대한 창조물은 300 년 이상 피렌체 근처의 조용한 카스텔로 별장에서 깊은 망각 속에있었습니다. 이 그림은 15세기 이탈리아의 가장 희귀한 재능 중 하나로 보티첼리를 재발견한 지난 세기 중반에야 주목을 받았습니다.

비너스의 탄생은 위대한 로렌초의 사촌이자 보티첼리의 가장 중요한 후원자인 로렌초 디 피에르프란체스코 데 메디치를 위해 쓰여졌습니다. 예술가가 대부분의 삶을 보낸 피렌체는 강력한 메디치 가문의 지배를 받았습니다. 그림의 줄거리는 신 플라톤주의 철학이 깃든 Lorenzo Medici 법원의 문화와 관련이 있습니다. 이번에는 Poliziano의 연과 Lorenzo the Magnificent의 소네트, 토너먼트와 카니발 행렬의 시간이 Botticelli의 전성기였습니다.

The Birth에서 Sandro Botticelli는 어머니없이 바다에서 태어난 천왕성의 딸인 천상의 금성 인 Aphrodite Urania의 이미지를 묘사했습니다. 이 그림은 탄생 그 자체가 아니라 공기의 천재들의 숨결에 이끌려 비너스가 약속된 해안에 도달하는 순간을 포착합니다. 벌거 벗은 인물의 아름다움은 자연의 화신 인 요정 오라가 관을 씌우고 망토로 그녀를 덮을 준비가되어 있습니다. Ora는 세 산 중 하나이며 계절의 님프입니다. 그녀의 옷을 덮고 있는 꽃으로 판단되는 이 산은 비너스의 힘이 절정에 이르는 그 시기를 애용합니다. 아마도 이 화가의 그림은 호메로스의 찬가 중 하나에서 영감을 받았을 것입니다. 서풍, 산이 그녀를 받아 들인 키프로스 섬으로 금성을 데려 왔습니다.

Lorenzo Medici의 서클에 따르면 사랑의 여신인 Venus는 인류의 여신이기도 합니다. 사람들에게 이성과 용맹을 가르치는 그녀는 물질과 정신, 자연과 생각, 사랑과 영혼의 결합에서 태어난 조화의 어머니입니다.

세계에서 가장 유명한 그림인 레오나르도 다빈치의 모나리자는 루브르 박물관에 있습니다.

모나리자는 1503년에서 1506년 사이에 제작되어 1510년에 완성되었습니다. 위대한 스승을 위해 누가 정확히 포즈를 취했는지는 아직 불분명합니다. 화가는 피렌체의 비단 상인 프란체스코 델 지오콘도(Francesco del Giocondo)로부터 주문을 받았고, 대부분의 역사가와 미술사학자들은 이 초상화가 지오콘도의 아내인 리사 게라르디니(Lisa Gherardini)를 묘사하고 있다고 믿고 있습니다. 1502년 12월에 태어났다. 그럼에도 불구하고 500년 동안 이 유명한 그림에 실제로 누가 묘사되어 있는지에 대한 논쟁은 가라앉지 않았습니다.

"Mona"라는 단어는 "monna" 또는 "mia donna"의 축약형, 즉 "milady" 또는 "madame"일 가능성이 큽니다. 프랑스어에서는 "La Joconde", 이탈리아어에서는 "La Gioconda"(merry)라고하지만 이것은 말장난 일 뿐이며 그림의 원형이 된 이름과 일치합니다.

초상화는 Leonard가 가장 좋아하는 기술인 소위 sfumato- "smoky chiaroscuro"의 훌륭한 예입니다. 약간 번지고 부드럽게 전환되는 것처럼 보이는 부드러운 색조 범위의 부드러운 반광입니다. 동시에 Leonardo는 사진이 정말 환상적인 품질을 얻을 수 있도록 정확하고 우아하게 입과 눈의 모서리를 표시합니다.

일부 연구자들은 그 그림이 레오나르도 자신의 자화상이라고 주장하는데, 그는 자신의 외모에 여성스러운 특징이나 심지어 자웅 동체의 특징을 부여했습니다. 그리고 과연 모나리자의 제모 이미지를 보면 묘한 섹스리스 얼굴이 나온다. 이 가설은 Leonardo가 Mona Lisa의 이미지로 자신을 묘사 할 수 있다는 가설을 확인한 Bell Labs 실험실의 Lillian Schwartz와 런던 Maudsley 클리닉의 Digby Quest와 같은 독립적 인 연구원이 수행 한 작업에 의해 확인되었습니다. 연구원들은 특별한 컴퓨터 프로그램"모나리자"와 레오나르도의 자화상은 그가 이미 유서 깊은 나이에 만들어졌습니다. 결과는 놀랍습니다. "모나리자"는 거장 얼굴의 거의 거울 이미지로 밝혀졌습니다. 코끝, 입술, 눈을 포함하여 거의 모든 얼굴 특징이 완벽하게 일치했습니다.

1911년, 박물관에서 목수로 일하던 이탈리아인 Vincenzo Perugia가 모나리자를 루브르 박물관에서 도난당했습니다. 그는 단순히 그림을 갤러리 밖으로 가져와 옷 속에 숨겼습니다. 유명한 그림은 납치범이 특정 수집가에게 팔려고 시도한 1913년에야 발견되었습니다. 그 전에는 레오나르도의 걸작이 이중 바닥이 있는 여행 가방에 보관되었습니다. 공격자는 나폴레옹 보나파르트가 불법적으로 수출한 그림을 이탈리아로 반환하고 싶다고 말함으로써 자신이 한 일을 설명했습니다.

로버트 커밍의 위대한 예술가들:
"일반적으로 '드레스덴의 비너스'로 알려진 이 그림은 고전 고대 예술에서 비교할 수 없는 매우 독창적인 작품이었습니다. 이 작품은 시적인 분위기가 이성적인 내용보다 우세한 새로운 미의 이상에 대한 예술가의 관심을 보여줍니다.
기대어 누운 이 누드는 가장 인기 있는 이미지 중 하나가 되었습니다. 유럽 ​​회화. 조르조네는 나무 아래에서 눈을 감고 꿈에 빠져 자신이 감시당하고 있다는 사실도 모른 채 잠자고 있는 인물을 묘사합니다. 이 주제에 대한 이후의 거의 모든 변형은 그녀가 깨어 있는 모습을 묘사합니다. 특히 Manet은 그의 "Olympia"에서 성적인 서비스를 제공하는 "Venus"를 묘사했습니다.
비너스의 부드러운 색조와 둥근 모양은 레오나르도 다빈치의 영향을 말하며, 이는 휘장 주름의 해결책에서도 볼 수 있습니다. "Dresden Venus"는 "Mona Lisa"에서 10 년 만에 작성되었으며 둘 다 즉시 많은 사본과 모방을 일으켰습니다.
능숙하게 렌더링된 키아로스쿠로와 고급스러운 커튼의 하이라이트는 Giorgione의 기술 숙달을 보여줍니다. 오일 페인팅.
몸의 매끄러운 윤곽은 깊은 수면의 느낌을 높이고 그대로 눈으로 그 모습을 애무하도록 초대합니다.
이미지의 에로틱한 특성은 그림이 개인 침실을 위해 의뢰되었음을 나타냅니다.
X-레이와 19세기 복원가의 기록에 따르면 조르조네는 원래 캔버스 오른쪽에 큐피드의 모습을 묘사(또는 묘사할 예정)했음을 알 수 있습니다.
소문에 따르면 조르조네는 생전에 그림을 완성할 시간이 없었고, 티치아노에게 풍경화를 완성하라는 명령이 내려졌다는 것이 일반적으로 받아들여지고 있다. "겹겹이 쌓인" 풍경과 지평선의 푸른 언덕은 티치아노의 초기 양식의 특징입니다. 라이벌의 때 이른 죽음은 티치아노의 스타가 부상하는 데 기여했습니다."

I. Bosch는 매우 어려운 예술가로 밝혀졌으며 지금도 그의 그림의 플롯과 개별 이미지 해석에 대한 확립 된 관점이 없습니다.
중세 예술가들(관객들뿐만 아니라)에게 모든 물체와 현상은 상징적 의미를 지녔고, 각 물체는 성경의 텍스트를 기반으로 상징적인 해석을 받았습니다. 예를 들어, "하나님의 말씀은 사자처럼 강하다"라는 문구에 따라 사자는 기독교 신앙의 전능함을 상징하는 것으로 간주되었습니다. , 그리고 이탈리아에서는 13~14세기의 조각가들이 교회 강단 아래에 사자를 두었습니다. Bosch의 작업은 아마도 우리 시대에 직접적인 인식이 어려울 수도 있습니다. 예술가는 전통적인 중세 기호 (모든 사람에게 알려져 있음) 외에도 연구가 덜 연구되고 해독하기 어려운 다른 기호를 사용했기 때문입니다.
보쉬의 예술적 언어는 중세의 상징적 해석에 완전히 들어맞지 않습니다. 작가는 어떤 기호를 일반적으로 통용되는 것과 반대되는 의미로 자주 사용했고, 새로운 기호를 발명하기도 했다. 그래서 그는 "우울한 공상 과학 작가", "악몽의 명예 교수"라고 불렸지만 현대 초현실주의자들은 Bosch에서 영적 아버지이자 선구자를 보았습니다. 여기 그런 장면이 있습니다. 사랑하는 부부가 투명한 거품 속에 은둔했다. 조금 더 높은 곳에서 한 청년이 거대한 올빼미를 안고 수영장 한가운데있는 거품 오른쪽, 물속에서 다른 남자가 머리에 서서 다리를 벌리고 그 사이에 새들이 둥지를 틀었습니다. 그에게서 멀지 않은 곳에 분홍색 속이 빈 사과에서 사랑하는 사람과 함께 기대어있는 청년이 목에 물속에 서있는 사람들에게 괴물 같은 포도 다발을 먹입니다. 이것은 Hieronymus Bosch의 가장 유명한 그림 중 하나인 "Garden of Earthly Delights"입니다.
그의 삼부작 "The Garden of Earthly Delights" 또는 "The Garden of Delights"(종종 가장 "Bosch" 작품이라고 함), 히에로니무스 보쉬 1503년에 창조되었으며, 그 안에서 그의 독특한 세계관이 완전히 드러났습니다. 그림의 제목은 다음과 같습니다. 현대 문학, 그리고 16세기 후반 필립 2세의 소유가 되었을 때 "세계의 다양성"이라고 불렸고 17세기에는 "허영과 영광"이라는 이름을 갖게 되었습니다.
이 삼부작의 왼쪽에는 낙원이 그려져 있고 오른쪽에는 지옥이 그려져 있으며 그 사이에 지상 존재의 이미지가 놓여 있습니다.쾌락의 정원 왼쪽에는 이브의 창조 장면이 묘사되어 있으며 낙원 자체가 빛납니다 밝고 반짝이는 색상으로 반짝입니다. 낙원의 환상적인 풍경을 배경으로. 다양한 동식물로 가득 찬 주인은 깨어 난 아담을 보여줍니다. 방금 깨어 난 아담은 땅에서 일어나 하나님이 보여 주신 이브를 경이롭게 바라 봅니다. 저명한 미술사학자 C. de Tolnay는 Adam이 첫 번째 여성에게 던지는 놀란 표정이 이미 죄의 길로 가는 발걸음이라고 지적합니다. 그리고 아담의 갈비뼈에서 추출한 이브는 단순한 여자가 아니라 유혹의 도구이기도 하다. 차분하고 죄 없는 남자와 죄의 씨를 품고 있는 여자 사이의 모순은 그들 주변의 자연 속에서 재생산된다. 신비한 주황색 바위에서 자라는 기형 야자수는 꽃이 만발한 야자수와 대각선으로 반대입니다. 몇 가지 사건이 동물의 평화로운 삶에 어두운 그림자를 드리웁니다. 사자가 사슴을 잡아먹고, 멧돼지가 신비한 짐승을 쫓습니다. 그리고 그 위에는 작은 섬의 짙은 파란색 돌 위에 세워진 높이 솟은 고딕 양식의 구조물인 식물과 대리석 바위의 하이브리드인 생명의 근원이 솟아 있습니다. 맨 위에는 여전히 거의 눈에 띄지 않는 초승달이 있지만 이미 내부에서 벌레, 올빼미-불행의 메신저처럼 들여다 봅니다.
삼부작의 중앙 부분 인 지상 기쁨의 정원 자체는 남성과 여성의 벌거 벗은 인물로 덮인 장대 한 풍경을 묘사합니다. 인물부 자연스러운 비율의 동물, 새, 물고기, 나비, 조류, 거대한 꽃과 과일이 섞여 있습니다. 지상 기쁨의 정원 구성에서 세 가지 계획이 눈에 띕니다. 다양한 동물을 타는 수많은 라이더의 기병대에 의해 세 번째 (가장 먼)는 사람들이 날개 달린 물고기를 타고 자신의 날개의 도움으로 날아가는 푸른 하늘로 장식됩니다. 그런 풍경을 배경으로 아무것도 아닌 것 같습니다 I. Bosch의 작업에 대한 정신 병리학 적 분석을 수행하기 위해 인간 커플의 사랑 게임보다 더 순결 할 수 있습니다.) 당시의 꿈의 책은 체리, 딸기, 딸기 및 포도와 같은 지상의 즐거움의 진정한 의미를 보여줍니다. 사람들에 의한 그러한 기쁨은 신성한 사랑의 빛이없는 죄 많은 성을 상징합니다. 연인들이 은퇴하는 사과 배는 여자의 가슴 모양입니다. 새는 정욕과 타락의 의인화가 되고, 물고기는 불안한 정욕의 상징이며, 껍데기는 여성의 원리입니다.
사진 하단에는 한 청년이 거대한 딸기를 안고 있다. 이 이미지의 의미는 서유럽 예술에서 딸기가 순결과 순결의 상징으로 사용되었다는 것을 기억한다면 우리에게 분명해질 것입니다. 웅덩이에 포도송이가 있는 장면은 성사인데, 거대한 펠리컨이 긴 부리로 체리(관능의 상징)를 집어 들고 꽃봉오리에 앉아 있는 사람들을 놀린다. 환상적인 꽃펠리칸 자체는 이웃에 대한 사랑을 상징합니다. 작가는 종종 기독교 예술의 상징에 구체적인 감각적 소리를 부여하여 물질적, 육체적 차원으로 환원시킨다.
Hieronymus Bosch는 덧없는 욕망과 관능적 쾌락의 놀라운 세계를 창조합니다. 알로에는 벌거벗은 살을 파고들고, 산호는 몸을 단단히 잡고, 껍질은 닫히고 회전합니다. 사랑하는 부부그들의 포로에서. 정욕의 호수에서 솟아 있고 노란색-주황색 벽이 수정처럼 반짝이는 간통의 탑에서 속은 남편들은 뿔 사이에서 잠을 잔다. 연인들이 애무에 빠지는 강철색 유리 구는 초승달 모양의 왕관과 분홍색 대리석 뿔로 덮여 있습니다. 세 명의 죄인을 보호하는 구체와 유리 종은 네덜란드 속담을 설명합니다. "행복과 유리-얼마나 수명이 짧은가!" 그리고 그것들은 또한 죄의 이단적 본성과 죄가 세상에 가져오는 위험을 상징합니다.
삼부작의 오른쪽 날개 인 지옥은 어둡고 우울하며 불안하며 별도의 빛이 밤의 어둠을 꿰뚫고 일부 거인에게 고통받는 죄인과 함께합니다. 악기. 지옥의 중심에는 거대한 사탄의 모습이 있습니다. 이것은 지옥을 통과하는 일종의 "가이드"입니다. 죽음의 창백한 얼굴과 얇은 입술에 아이러니 한 미소를 지닌 주요 "내레이터"입니다. 다리는 속이 빈 나무 줄기이며 두 척의 배에 얹혀 있습니다. 사탄의 몸은 열린 달걀 껍질, 그의 모자 가장자리에서 악마와 마녀는 죄 많은 영혼과 함께 걷거나 춤을 춥니 다 ... 또는 그들은 부 자연스러운 죄를 지은 사람들을 거대한 백파이프 (남성 원칙의 상징) 주위로 인도합니다. 지옥의 통치자 주변에서 죄에 대한 형벌이 있습니다. 한 죄인이 십자가에 못 박히고 하프 현으로 찔렸습니다. 그 옆에는 붉은 몸의 악마가 다른 죄인의 엉덩이에 적힌 음표로 지옥의 오케스트라 리허설을 지휘합니다. 악마가 높은 의자에 앉아 대식가와 대식가를 처벌합니다. 그는 맥주병에 발을 담그고 새 머리에 중산모를 씁니다. 그리고 죄인들을 삼킴으로써 벌하십니다.
지옥의 문은 지구 자체가 지옥으로 변한 타락의 세 번째 단계를 나타냅니다. 이전에 죄를 섬기던 물건은 이제 형벌의 도구가 되었습니다. 이 나쁜 양심의 키메라는 꿈의 성적 상징의 모든 구체적인 의미를 가지고 있습니다. 토끼 (그림에서 사람의 크기를 초과 함)는 기독교에서 영혼 불멸의 상징이었습니다. Bosch에서 그는 뿔을 연주하고 죄인의 머리를 지옥 불 속으로 내립니다. 거대한 귀는 불행의 징조입니다. 승려가 샤프트에 부착한 거대한 열쇠는 성직자에게 금지된 결혼에 대한 후자의 욕구를 배신합니다. 괴물 안에는 같은 백파이프 인 배너가 펄럭이는 선술집이 있습니다. 어느 정도 떨어진 곳에서 한 남자가 혼돈에 기대어 우울한 상태로 앉아 있습니다. Hieronymus Bosch 자신의 특징을 본다면 전체 그림이 시청자 앞에 다른 관점으로 나타날 수 있습니다. 아티스트 자신이이 악몽을 발명했으며 이러한 모든 고통과 고통이 그의 영혼에 저질러집니다. 예를 들어 이미 언급 한 Charles de Tolnay와 같은 일부 미술사 학자들은 이것을 주장합니다. 그러나 보쉬는 매우 종교적인 사람이었고 지옥에 들어갈 생각조차 할 수 없었습니다. 아마도 그가 Virgin의 형제단에 속한 이유 없이는 그의 그림에서 빛과 선함을 전달하는 이미지 중에서 예술가를 찾아야 할 것입니다.
동시대 사람들에게 The Garden of Pleasures에 나오는 캐릭터의 행동은 대체로 이해할 수 없지만 Bosch의 동시대 사람들에게는 (이미 위에서 언급했듯이) 깊은 상징적 의미. 그의 그림 (The Garden of Earthly Delights 포함)은 종종 인간과 동물의 부 자연스러운 호환성, 한 캐릭터의 삶과 죽음으로 시청자를 놀라게하고 동시에 즐겁게 할 수 있습니다. 그의 캐릭터는 Apocalypse의 악몽 같은 이미지와 동시에 카니발의 쾌활한 악마와 비슷합니다. 그러나 세속적 쾌락의 동산의 의미에 대한 많은 해석에도 불구하고 그들 중 누구도
그림의 모든 이미지를 완전히 덮습니다.

이 제단화는 그가 가장 좋아하는 주제에 대한 라파엘로의 주요 작품 중 마지막 작품입니다. 또한 초기창의력, 그는 새로운 접근 방식을 찾을 때마다 마돈나와 차일드의 이미지로 향했습니다. Raphael 천재의 우세한 성격은 지상의 인간을 영원하고 신성하게 변화시키려는 신에 대한 열망으로 표현되었습니다.
성모 마리아가 아기 예수를 품에 안고 구름 위를 걷고 있는 것입니다. 마돈나는 어머니의 방식으로 조심스럽고 조심스럽게 예수님을 신뢰하며 붙잡고 있습니다. 라파엘의 천재성은 마돈나의 왼손, 그녀의 떨어지는 베일, 예수의 오른손으로 형성된 마법진 안에 신성한 아기를 에워싸는 것처럼 보였다. 시청자를 향한 그녀의 시선은 불안한 예지력으로 가득 차 있습니다. 비극적 운명아들. 마돈나의 얼굴은 기독교 이상의 영성과 결합된 고대 미의 이상을 구현한 것입니다.
수락한 교황 식스토 2세 순교서기 258년 성인들 사이에서 헤아려지며, 제단 앞에서 그녀에게 기도하는 모든 이들을 위해 마리아에게 전구를 청합니다. Saint Barbara의 자세, 그녀의 얼굴 및 내리깔린 눈은 겸손과 경외심을 표현합니다. 그림의 깊숙한 곳, 황금빛 안개 속에서 간신히 구별되는 배경에는 천사의 얼굴이 어렴풋이 추측되어 전체적인 숭고한 분위기를 높입니다. 전경에 있는 두 천사의 눈과 몸짓은 마돈나를 향하고 있습니다. 신화 속 큐피드를 연상시키는 이 날개 달린 소년들의 존재는 캔버스에 특별한 따뜻함과 인간성을 부여합니다.
"Sistine Madonna"는 1512년 Raphael에 의해 Piacenza에 있는 Saint Sixtus 수도원의 예배당을 위한 제단화로 의뢰되었습니다. 당시 추기경이었던 교황 율리우스 2세는 성 식스토와 성 바바라의 유물이 보관된 예배당 건축을 위한 기금을 마련했습니다.
러시아, 특히 19 세기 전반에 Raphael의 "Sistine Madonna"는 V. A. Zhukovsky, V. G. Belinsky, N. P. Ogarev와 같은 다양한 작가와 비평가의 열광적 인 대사가 그녀에게 바쳐졌습니다. Belinsky는 Dresden에서 V.P. Botkin에게 "Sistine Madonna"에 대한 그의 인상을 공유했습니다. 당신은 볼 수 없습니다! 나는 무의식적으로 푸쉬킨을 기억했습니다. 동일한 귀족, 동일한 표현의 우아함, 동일한 윤곽의 엄격함! 푸쉬킨이 라파엘을 그토록 사랑한 것도 당연합니다. 두 명의 위대한 러시아 작가인 L. N. Tolstoy와 F. M. Dostoevsky는 사무실에 시스티나 성모의 복제품을 가지고 있었습니다. F. M. Dostoevsky의 아내는 일기에 이렇게 썼습니다.
Carlo Maratti는 라파엘에 대한 놀라움을 이렇게 표현했습니다.
괴테의 위대한 마음은 라파엘을 높이 평가했을 뿐만 아니라 그의 평가에 대한 적절한 표현도 찾았습니다. "그는 항상 다른 사람들이 꿈꾸는 것을 창조했습니다."
Raphael은 이상에 대한 열망뿐만 아니라 필사자에게 가능한 이상을 그의 작품에 구현했기 때문에 이것은 사실입니다.

Ionina N.A.의 책 "100 Great Pictures"에서 발췌:

그 당시 전체 스페인 법원과 많은 독일 왕자들이 모인 아우 크스 부르크. 아우크스부르크에서 티치아노는 카를 5세의 가장 눈부신 승리를 거둔 전투 전날 아침에 카를 5세의 거대한 승마 초상화를 그렸습니다. 이 초상화는 예상치 못한 Titian의 동시대 사람들을 강타했습니다. 미묘한 안락 의자 외교관이자 우울한 황제가 손에 창을 들고 기사와 영웅의 형태로 들판 사이에서 외롭게 질주하는 것을 보는 것이 이상했습니다. . 그러나 그것은 군주의 뜻이었습니다.
Mühlberg 전투에서이 천주교 광신자는 일종의 황홀경에 사로 잡힌 것처럼 보였습니다. 그는 요새 보호 아래 들것에 앉아 멀리서 전투를 이끌지 않았습니다. 그는 공격을 위해 군대보다 앞서 돌진했고 심지어 그의 대령을 끌고 엘베의 위험한 여울을 건넜습니다. 기억에 남을 이 날과 유일한 영웅적인 행위황제와 Titian을 영속시키기로되어있었습니다. 초상화는 동시대 사람들의 나레이션에서 그에 대해 말하는 것처럼 우울하고 조용하며 병든 Charles V를 묘사하지 않습니다. 이것은 현재 뮌헨 Pinakothek의 초상화에서 같은 Titian이 묘사 한 Karl이 아닙니다. 이것은 비참한 폐허가 아니라 교활한 교활함이 아니라 슬픈 "우주의 통치자"가 아니라 미친 조안나와 웅장한 필립의 아들이 아닙니다 ... 이것은 "마지막 기사"의 손자입니다-막시밀리안, 따라서 티치아노 초상화에는 전체 심리적 성격이 아닌 별도의 플래시가 묘사되어 있습니다.
그것은 Titian의 모든 작품 중에서 가장 놀랍고 대담했습니다. 봄날 아침의 불그스름한 안개 속에서, 엘베 언덕까지 뻗어 있는 광활한 평원에 혼자 있는 황제는 쫓기고 금박을 입힌 강철 옷을 입고 창백하고 단호한 얼굴 위로 솟아오른 막힌 얼굴로 숲에서 질주하며 질주합니다. 앞을 향한 창. 기수가 얼마나 인상적이고 장엄해 보이는지! 그러나 그가 이 분야에서 얼마나 외로웠는지. 그리고 그가 아름답게 뛰는 말을 타고 달려간 곳. 사람들을 지휘하고, 반항하는 자를 불과 칼로 처벌하고, 적에게 군대의 함대를 무너뜨리고, 게으른 몸짓으로도 승격하거나 파괴할 수 있는 사람-그는 초상화에 피곤하고 외로운 것으로 묘사됩니다.
관중은 날카로운 턱이 튀어 나온 그의 특징적이고 의지가 강한 얼굴을보고 갑자기 황제의 시선에서 확산 된 슬픔, 일종의 내면의 피로를 분명히 구별합니다. 말. 그의 외모가 인상적이다 악마, 그리고 당신을 놀라게 하고 놀라게 하는 비전. 초상화의 색상조차도 불길하고 전투적인 것을 포함합니다. Charles V의 얼굴에서 누군가는 "유령 같은"끔찍한 것을 봅니다. 하나는 현장에 있고 하나는 세상에 있고 하나는 부서진 영혼을 가지고 있습니다. 이것이 Titian이 황제를 이해하고 묘사 한 방법입니다. 아마도 그는 자신의 큰 피로를 아직 깨닫지 못했고 예술가는 꾸밈없이 그에게 자신의 영혼을 보여주었습니다.
이 초상화의 Titian은 그의 열정과 엄숙함의 범위가 펼쳐지는 것을 허용하지 않았지만 고객의 요구 사항 범위 내에서 자신을 속박하여 드물게 냉정하게 작업을 처리했습니다. 아마도 그것이 일부 연구자들이 초상화와 황제의 자세 모두에서 오래된 무기의 마네킹과 같이 약간의 부자연 스러움을 지적하는 이유 일 것입니다. 그러나 티치아노의 심리적 침투력은 이 초상화에서 최고 한계에 도달했다. 자신감으로 예술적 기법이 초상화는 그 시대의 성격과 정신을 표현하는 데 있어 인상적입니다. 그 무엇과도 비교할 수 없습니다. 당시에는 역사의 뮤즈인 클리오 자신이 작가의 손길을 이끌었던 것 같다.

페르세우스 -그리스 신화에서 Danae의 아들. 그는 자신을 황금빛 비의 흐름으로 바꿨을 때 Jupiter로 고통 받았습니다. 그의 영웅적인 행동에는 뱀 머리 고르곤 중 하나인 메두사를 참수하고 바다 괴물로부터 아름다운 안드로메다를 구하는 것이 포함되었습니다. 마지막 주제- 일반적인 비 원주민 전설. 페르세우스는 고전 고대의 전형적인 영웅이나 갑옷을 입은 전사로 묘사됩니다. 그는 머큐리의 선물인 둥근 검과 그의 보호자인 미네르바가 준 반짝이는 방패를 들고 있습니다.
Ovid는 Metamorphoses에서 에티오피아 왕의 딸인 Andromeda가 희생 제물로 해안의 바위에 사슬로 묶인 방법을 알려줍니다. 바다 괴물. 하늘을 나는 페르세우스는 그녀에게 첫눈에 반했다. 그는 적시에 달려와 괴물을 죽이고 안드로메다를 풀어주었습니다. 그림 "페르세우스와 안드로메다"루벤스는 그의 작품이 특히 감성적이고 유쾌했을 때 만들었습니다. 그림의 완성도와 높은 실행력으로 이 작품은 작가의 걸작 중 하나이다. 그리고 여기 루벤스에게 사람이 태어난 주된 것은 투쟁, 승리, 사랑입니다.

루벤스는 투쟁과 저항이 아니라 페르세우스 자체의 위업에 관심이 없었지만 해안에서 즐거운 외침이 들리고 모두가 강력한 영웅을 칭찬했을 때 이미 성취 된 승리에 대한 환희에 관심이있었습니다. 이 그림에서 페르세우스는 승리의 여신으로 등장하며 날개 달린 여신 빅토리아 (영광)는 종려 나무 가지와 월계관을 손에 들고 우승자를 차지합니다. 페르세우스의 신격화는 더 이상 아름답고 즐거운 어떤 것에 의해 가려지지 않는 삶의 승리가 됩니다. 그리고 루벤스는 지금까지 거의 만나보지 못한 매혹적인 힘으로 이 예술적 과제를 완벽하게 해결합니다. 각 라인의 강렬한 내부 역학, 각 형태, 성장하는 리듬은 여기에서 탁월한 표현력에 도달합니다. 외부 어딘가에서 회오리바람처럼 터져 나오는 저항할 수 없는 힘은 전체 구성과 소용돌이처럼 한 방향으로 소용돌이치는 움직임을 제공합니다.

SM 산도미르스키

책에서 로버트 월리스 레오나르도의 세계, M., 1997은 다음과 같이 썼습니다. 그는 유다를 다른 사람들과 같은 쪽에 두었지만, 단순한 육체적 분리보다 훨씬 더 희고 짓눌리는 외로움으로 그를 다른 사람들과 심리적으로 분리시켰다. 우울하고 집중된 유다는 그리스도에게서 물러났습니다. 그 위에는 오래된 죄책감과 외로움의 도장이 찍혀 있었습니다.
유다는 사도 대열에 있는 사도처럼 모든 사람과 함께 앉아 있습니다. 그리스도는 외로우셔서 슬퍼하십니다. 그러나 가장 외롭지 않은 사람은 유다입니다. 따라서 그의 자신감 넘치는 힘. 그림 속의 대화는 배신에 관한 것이 아니라 이것에 대해 가장 걱정하지 않는 사람들의 영혼을 구하는 것이기 때문에 그는 유죄가 아닙니다.
말한 후에 그들은 더 이상 아무 것도 결정하지 않지만 사도들을 고려하십시오.

12 11 10 9 8 7 그리스도 1 2 3 4 5 6
바돌로매 요한 토마스 필립 마태
피터 제이콥 시메온
유다

1. 밝은 배경의 출입구에 있는 Foma. 오른손은 압축되고 검지는 위로 향합니다. "하나님은 그런 범죄를 허용하지 않으실 것입니다."
2. 야곱이 자기 손목에서 흘러나오는 새 언약의 피를 바라보며 두려워합니다. 넓게 벌린 팔과 손은 그리스도의 말씀을 막고 그 뒤에 있는 사람들을 보호하려고 합니다.
3. 필립은 가슴에 손가락을 대고 간청합니다. "저를 믿으세요. 제 입장에서는 불가능합니다."
4. 양손은 그리스도의 말씀을 받아들이고 한눈에 여섯 번째에게 묻습니다. "그가 말하는 것이 가능합니까?"
5. 시므온은 오른 손바닥으로 그리스도의 말씀을 받아들이고 6일에 묻습니다.
6. 매튜, 두 손바닥 모두 그리스도를 향하고 있습니다. 그는 "불가능합니다! "라는 말을 되돌려줍니다.
7. 존. 손가락을 꽉 쥐고 탁자 위에 눕혀 괴로움과 약함을 보여줍니다. 그는 눈을 감고 왼쪽으로 날카롭게 휘둘렀다. 머리는 힘없이 어깨에 얹혀 있습니다.
8. 피터. 왼손은 그리스도의 말씀을 받고 일곱 번째를 안심시킵니다. 그의 오른손에는 칼이 있습니다. 그는 배신자를 죽일 준비가되었습니다.
9. 유다: 안정된 낮은 힘, 독선, 결단력, 에너지.
10. 손바닥을 가슴 높이로 들어 올리기 : "반역자는 누구입니까?" 그의 시선이 칼을 가늘게 떴다.
11. 10번째 어깨의 오른손: 그는 그와 동의합니다. 그녀는 그리스도의 말씀을 받아들입니다.
12. Bartholomew는 단호하게 일어섰고 행동할 준비가 되었습니다.
일반적으로 적절한 사도 그룹은 배신을 허용하지 않습니다. 좌파는 그런 가능성을 인정하고 반역자를 처벌하기로 결심한다.
John이 얼마나 많이 왼쪽으로 흔들리고 창을 완전히 해제했는지-그리스도의 진리의 빛과 Thomas는 그리스도의 수준에서 창에 있지만 자신을 의지하지 않고 하나님을 의지합니다. 두 번째 사도가 오른쪽으로 던져진 방법, 나머지 제자들이 어떻게 혼동되고, 혼란스럽고, 소란스럽고, 희생과 구원의 개념, 그리스도의 신약의 계명이 이 약한 사람들 인 사도들은 수행되지 않을 것이며 그의 희생은 헛될 것입니다. 이것이 그리스도의 낙담의 이유입니다. 더욱이 작가 자신은 지상 신의 높은 열망과 희생에 경의를 표합니다.

매년 수백 점의 그림이 개인 소장품으로 보내집니다. 수집가는 개인 컬렉션에 추가하기 위해 수백만 달러를 소비합니다. 항상 가장 유명한 그림- 가장 비싼 그림. 세계에서 가장 유명한 그림은 세계적으로 유명한 박물관에 속하며 문자 그대로의 의미에서 귀중합니다. 전 세계 여러 박물관을 둘러보고 이 유명한 작품들을 살펴봅시다.

"비너스의 탄생"

이 그림은 위대한 피렌체 화가 산드로 보티첼리가 1485-1487년에 그렸습니다. 그것은 바다 거품에서 나오는 여신 비너스 (그리스 신화-아프로디테)를 묘사합니다. 오늘날 이 그림은 피렌체의 우피치 미술관에 전시되어 있습니다.

"수련"

43년 동안 모네는 지베르니(파리에서 80km 떨어진 작은 마을)에 살았고, 노르만 지주에게서 집을 빌리고 연못이 있는 이웃 땅을 샀습니다. 그 후, 이 사이트에서 작가는 두 개의 정원을 배치했으며 그 중 하나는 물 위에 있었습니다. 동기 워터 가든작가의 작품에서 중요한 위치를 차지합니다. 이 시리즈의 작품은 전 세계 박물관에 흩어져 있지만 뉴욕의 메트로폴리탄 미술관에는 괜찮은 작품 그룹이 전시되어 있습니다. 세계에서 가장 유명한 그림 중 하나.

"야경"

1642년 네덜란드 황금기의 절정기에 완성된 The Night Watch는 네덜란드 화가 Rembrandt van Rijn의 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 그림은 Frans Banning Cock 대위와 Willem van Ruytenbürg 중위의 소총 중대의 성능을 보여줍니다. 이 그림은 암스테르담 국립 미술관에 전시되어 있습니다.

"비명"

이 그림은 노르웨이 표현주의 화가 에드바르트 뭉크의 작품 시리즈 중 하나입니다. 그림은 핏빛 하늘을 배경으로 고통받는 인물을 묘사합니다. Edvard Munch는 The Scream의 여러 변형을 만들었습니다. 제시된 그림은 1893년에 그린 것으로 국립 미술관노르웨이. 그러나 1994년에 작품을 도난당했지만 몇 달 후 발견되어 박물관에 반환되었습니다.

"진주 귀걸이를 한 소녀"

때때로 이 그림은 "네덜란드 모나리자"라고 불립니다. "진주 귀걸이를 한 소녀"는 네덜란드 화가 Jan Vermeer가 1665년경에 그렸습니다.

특별한 선택에서 세계에서 가장 비싼 그림에 대해서도 읽어보십시오.

"게르니카"

"게르니카"는 파블로 피카소의 가장 유명한 그림 중 하나로 전쟁의 비극과 전쟁이 사람들, 특히 무고한 민간인에게 초래하는 고통을 보여줍니다. 이 작품을 만들 때 피카소의 주요 목표는 바스크 도시 게르니카의 폭격에 세계 공동체의 관심을 끄는 것이 었습니다. 이 그림은 1937년에 완성되었습니다. 게르니카는 현재 마드리드의 레이나 소피아 박물관에 전시되어 있습니다.

"아담의 창조"

1508년에서 1512년 사이에 미켈란젤로가 그린 시스틴 예배당의 천장은 가장 유명한 것 중 하나입니다. 유명한 작품 하이 르네상스. 아담의 창조는 역사상 가장 유명한 그림 중 하나입니다. 또한 이 작품은 수많은 레퍼런스와 패러디의 대상이 되어왔다. 별도의 선택 항목에서 미켈란젤로의 다른 가장 유명한 작품에 대해 읽어보십시오.

"마지막 식사"

최후의 만찬은 이탈리아 화가 레오나르도 다빈치가 그렸습니다. 이 그림은 밀라노의 산타 마리아 델 그라치에 수녀원 식당 뒷벽에 그려져 있습니다. 이 그림은 예수님이 열 두 사도 중 한 사람이 자신을 배반할 것이라고 선언하는 장면을 묘사하고 있습니다. Leonardo는 1495년에 The Last Supper 작업을 시작하여 1498년에 완성했지만 항상 그림 작업을 하지는 않았습니다.

« 별빛밤»

별이 빛나는 밤은 네덜란드 화가 빈센트 반 고흐가 그렸습니다. 평생 동안 작가는 그의 작품 중 단 하나만 팔았음에도 불구하고 그의 분야 창의적인 활동매우 부자. 별이 빛나는 밤은 그의 가장 유명한 작품. 그것은 Saint-Remy 마을을 묘사합니다. 1941년부터 이 그림은 뉴욕 현대미술관에 소장되어 있습니다.

"모나리자"

세계에서 가장 유명한 그림은 여전히 ​​피렌체 르네상스 시대에 Leonardo da Vinci가 그린 Mona Lisa로 간주됩니다. 그는 1503년(1504)에 이 걸작을 그리기 시작하여 1519년 사망 직전에 완성했습니다. 1911년, 모나리자는 이탈리아로 반환되어야 한다고 믿었던 이탈리아의 애국자, 루브르 박물관 직원인 Vincenzo Perugio에 의해 모나리자가 도난당했습니다. 페루지오는 이 그림을 2년 동안 집에 보관하다가 피렌체의 우피치 미술관 관장에게 팔려고 하다가 적발됐다. 오늘날 모나리자는 매년 6백만 명의 사람들이 이 그림을 보는 파리의 루브르 박물관에 다시 걸려 있습니다.

2016년 12월 8일 목요일 오전 11:56 + 견적 패드에

영국 신문 더 타임즈순위 탑 200 아티스트 20세기 초부터 현재까지 살았던 사람들.

그 결과 영국 독자들에 따르면, 처음위대한 스페인 예술가가 점령 파블로 피카소.

2위후기 인상파에게 주어진 폴 세잔, 세 번째 - 오스트리아 아르누보의 창시자 구스타프 클림트. 마지막 줄은 현대 일본 예술가가 차지합니다. 스지모토 히로시.

프랑스 예술가들이 상위 10위권에 등장 클로드 모네, 앙리 마티스, 마르셀 뒤샹그리고 미국 예술가 잭슨 폴록.
톱 10은 팝 아트의 전설로 마감되었습니다. 앤디 워홀, 추상주의의 대표 윌렘 드 쿠닝그리고 유명한 모더니스트 피에트 몬드리안.
일부 아티스트의 평가를 과대 평가하고 재능이 덜한 다른 아티스트를 무시하는 것을 눈치 채지 못하는 것은 불가능합니다. 설문 조사 결과를 요약하는 The Times의 편집자는 당황했습니다. “Martin Kippenberger는 상위 20 위에서 무엇을합니까? 그가 Rothko, Schiele 및 Klee보다 더 높은 평가를 받는 이유는 무엇입니까? 뭉크(46위)가 프리다 칼로보다 못하다? 아마도 이것은 공정한 섹스를 순위에서 가능한 한 높게 배치하려는 여성의 욕구 때문일 것입니다.

러시아 예술가들로부터순위에 나타나다 바질 칸딘스키(15일) 블랙스퀘어 창시자 " 카시미르 말레비치(17일). 95번째 우크라이나계 미국인 예술가 Alexander 아르치펜코. 135위 - 알렉산더 구성주의 창시자 중 한 명 로드첸코. 목록에도 포함됨 마크 샤갈-71번째, 그리고 블라디미르 타틀린- 145일.

여기 20세기 최고의 아티스트 20인, 영국 예술 애호가에 따르면

XX와 XXI 세기 초 최고의 아티스트 20인

1. 파블로 피카소

2. 폴 세잔

3. 구스타프 클림트

4. 클로드 모네

5. 마르셀 뒤샹

6. 앙리 마티스

7. 잭슨 폴록

8. 앤디 워홀

9. 윌렘 드 쿠닝

10. 피트 몬드리안

11. 폴 고갱

12. 프랜시스 베이컨

13. 로버트 라우센버그

14. 조르주 브라크

15. 바실리 칸딘스키

16. 콘스탄틴 브랑쿠시

17. 카지미르 말레비치

18. 재스퍼 존스

19. 프리다 칼로

20. 마틴 키펜베르거
………………
예, 우리나라에서 그러한 설문 조사를 수행했다면 목록이 완전히 다를 것입니다. 최고의 목록뿐만 아니라 문학 작품- 각 국가마다 크게 다릅니다.
그러나 지금까지 우리는 많은 아티스트를 알지 못하는 이 목록만 가지고 있습니다.
따라서 처음 20명의 아티스트에 대한 간략한 이야기가 있습니다.
전체 목록 20세기와 21세기 초 최고의 예술가 200인-포스팅 끝.
...................
1.피카소 파블로- 스페인 아티스트, 그래픽 아티스트

8. 앤디 워홀(실제 이름 - 앤드류 워홀라, 루신. 안드리 바르골라; 1928-1987)은 미국의 예술가이자 프로듀서로 팝 아트와 현대 미술 전반의 역사에서 주목할만한 인물입니다. 호모 유니버셜(homo universale) 이데올로기의 창시자.
워홀은 미술계에서 센세이션을 일으킨 여러 그림을 그렸습니다. 1960년에 그는 코카콜라 캔을 위한 디자인을 만들어 비범한 예술적 시각을 가진 예술가로 명성을 얻었습니다. 그리고 1960-1962년에 캠벨 수프 통조림을 묘사한 일련의 작품이 등장했습니다.


워홀그림을 그리는 방법으로 스크린 인쇄와 실크 스크린 인쇄를 사용한 최초의 사람 중 하나입니다.
워홀은 우상을 묘사한 일련의 그림을 그렸습니다. 현대 사회. Andy가 그린 별들 중에는 되풀이되는 Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor, The Beatles, Michael Jackson, Lenin 등이 있습니다. 밝은 색상의 이 그림은 워홀의 트레이드마크가 되었습니다. 60년대 미국의 분위기를 재현합니다.


비평가들에 따르면 이 그림들은 대량 소비 문화의 천박함, 서구 문명의 정신을 반영했다. 로버트 라우센버그(Robert Rauschenberg), 재스퍼 존스(Jasper Johns), 로이 리히텐슈타인(Roy Lichtenstein) 등 팝아트와 개념미술의 대표주자로 손꼽히는 워홀의 그림은 현재 수천만 달러에 이른다. 워홀의 모습을 중심으로 전체 하위 문화가 모였습니다.

2015년에 이 그림은 카타르 박물관청에 3억 달러에 팔렸습니다. 287\237\225

12. 프랜시스 베이컨-(1909-1992) - 영국 예술가- 표현주의. 베이컨의 그림은 항상 표현력이 풍부하며 존재의 비극을 전하는 일종의 외침입니다. 그의 작품의 주요 주제는 인간의 몸입니다. 기하학적 인물. 가장 비싼 그림 목록에는 여러 작품이 포함되어 있습니다.

2008년 5월 14일, Francis Bacon의 1976년 Canonical 20th Century 삼부작 랜드마크가 Sotheby's에서 8,630만 달러에 판매되었습니다. Château Pétrus 와인 생산의 소유주인 Muy 가족이 러시아 억만장자 Roman Abramovich에게 매각했습니다. 그리고 화가는 가장 비싼 칭호를 받았습니다. 전후 예술가일반적으로 세계에서 가장 비싼 예술가 상위 10위권에서 Picasso와 Klimt에 이어 3위를 차지했습니다. 180\122\96

13. 로버트 라우센버그(1925, Port Arthur -2008, Captiva Island, Florida)는 미국의 예술가입니다. 추상 표현주의의 대표자이자 개념 미술과 팝 아트의 대표자로서 그의 작품에서 그는 콜라주와 기성품, 중고 쓰레기 기술에 끌렸습니다.
팝 아트의 다른 대표자들과 마찬가지로 그는 세계에 대한 자신의 비전을 독특하고 충격적인 형태로 표현하려고 노력했습니다. 이를 위해 캔버스, 콜라주, 설치가 사용되었습니다.
50년대 초, Rauschenberg는 그림을 만드는 세 단계를 거쳤습니다.
"흰색 그림" - 검정색 숫자와 일부 기호가 흰색 배경에 표시됩니다.
"블랙 페인팅"-신문 스크랩을 캔버스에 붙였고이 모든 것이 블랙 에나멜로 덮여있었습니다.
"레드 페인팅" - 부분적으로 신문, 손톱, 사진 등의 스티커가 있는 빨간색 톤의 추상 캔버스
1953년 라우센버그는 윌렘 데 쿠닝의 드로잉을 지우고 "지운 데 쿠닝 드로잉"이라는 제목으로 전시하며 예술의 본질에 대한 질문을 던진다.

50년대 중반부터 Rauschenberg는 그가 "결합 그림"이라고 부르는 공간 개체를 만들어 왔습니다. 예를 들면 다음과 같습니다.
"Odalisque"(새틴 베개, 채워진 닭고기, 사진 및 복제품)
"침대" - 페인트가 뿌려지고 수직으로 놓인 침대 ...


50년대 후반에 그는 잡지 사진을 종이로 옮기기 위해 프로타주 기법(막스 에른스트가 예술에 도입한 마찰)을 마스터했습니다. Rauschenberg는 이를 사용하여 팝 아트 스타일의 Dante's Inferno에 대한 34개의 삽화로 구성된 그래픽 순환을 만들었습니다. 1962년에 그는 실크스크린 인쇄 기술을 습득하고 그 안에서 많은 대형 작품을 만들었습니다. 이 시리즈의 그림 중 하나 천국 가는 길» ( 스카이 웨이, 1964). 그 위에는 팝 문화의 상징(예: 미국 우주 비행사)과 루벤스의 이미지가 공존합니다.

Rauschenberg는 베니스 비엔날레의 주요 상, 그래미, 미국 국가 메달, 일본 제국 상 등 많은 상을 수상했습니다.
60년대와 70년대에 Rauschenberg는 공연, 해프닝 및 기타 연극 활동 분야에 참여했습니다.

1 파블로 피카소 21587
2 폴 세잔 21098
3 구스타프 클림트 20823
4 클로드 모네 20684
5 마르셀 뒤샹 20647
6 헨리 마티스 17096
7 잭슨 폴록 17051
8 앤디 워홀 17047
9 윌렘 드 쿠닝 17042
10 피에트 몬드리안 17028
11 폴 고갱 17027
12 프랜시스 베이컨 17018
13 로버트 라우센버그 16956
14 조르주 브라크 16788
15 바실리 칸딘스키 16055
16 콘스탄틴 브랑쿠시 14224
17 카지미르 말레비치 13609
18 재스퍼 존스 12988
19 프리다 칼로 12940
20 마틴 키펜베르거 12784
21 파울 클레
22 에곤 쉴레
23 도널드 저드
24 브루스 나우만
25 알베르토 자코메티
26 살바도르 달리
27 오귀스트 로댕
28 마크 로스코
29 에드워드 호퍼
30 루시안 프로이트
31 리차드 세라
32 르네 마그리트
33 데이비드 호크니
34 필립 가스통
35 게리 카르티에 브레송 8779
36 피에르 보나르
37 장 미셸 바스키아
38 막스 에른스트
39 다이앤 아버스
40 조지아 오키프
41 사이 톰블리
42 막스 베크만
43 바넷 뉴먼
44 조르지오 데 키리코
45 로이 리히텐슈타인 7441
46 에드바르트 뭉크
47 피에르 오귀스트 르누아르
48 남자 레이
49 헨리 무어
50 신디 셔먼
51 제프 쿤스
52 트레이시 에민
53 데미안 허스트
54 이브 클라인
55 헨리 루소
56 하임 수틴
57 아킬 고리키
58 아마데오 모딜리아니
59 움베르토 보치오니
60 장 뒤뷔페
61 에바 헤세
62 에드워드 빌라드
63 칼 안드레
64 후안 그리스
65 루시오 폰타나
66 프란츠 클라인
67 데이비드 스미스
68 조셉 보이스
69 알렉산더 칼더
70 루이즈 부르주아
71 마르크 샤갈
72 게르하르트 리히터
73 발튀스
74 조안 미로
75 에른스트 루트비히 키르히너
76 프랭크 스텔라
77 게오르그 바젤리츠
78 프란시스 피카비아
79 제니 사빌
80 댄 플래빈
81 알프레드 스티글리츠
82 안셀름 키퍼
83 매튜 버니
84 조르주 그로스
85 베른트와 힐라 베허
86 지그마 폴케
87 브라이스 마든
88 마우리치오 카텔란
89 사울 레빗
90 척 클로즈 2915
91 에드워드 웨스턴
92 조셉 코넬
93 카렐 아펠
94 브리짓 라일리
95 알렉산더 아르키펜코
96 앤서니 카로
97 리차드 해밀턴
98 클리포드 스틸
99 뤽 투이만스
100 올덴부르크급
101 에두아르도 루이지 파올로치
102 프랭크 아우어바흐
103 다이노스와 제이크 채프먼
104 마를렌 뒤마
105 안토나 타피에스
106 조르지오 모란디
107 워커 에반스
108 낸 골딘
109 로버트 프랭크
110 조르주 루오
111 아르프 한스
112 8월 발신자
113 제임스 로젠퀴스트
114 안드레아스 구르스키
115 외젠 앗제
116 제프 월
117 엘스워스 켈리
118 빌 브란트
119 크리스토와 장 클로드
120 하워드 호지킨
121 조셉 앨버스
122 피에로 만초니
123 아그네스 마틴
124 아니쉬 카푸어
125 LS 라우리
126 로버트 마더웰
127 로베르 들로네
128 스튜어트 데이비스
129 에드 루샤
130 길버트와 조지 2729
131 스탠리 스펜서
132 제임스 앙소르
133 페르나드 레저
134 브라사이(Gyula Halas)
135 알렉산더 로드첸코
136 로버트 라이먼
137 에드 라인하르트
138 한스 벨머
139 이사 겐즈켄
140 케이스 반 동겐
141 위지
142 폴라 레고
143 토마스 하트 벤턴
144 한스 호프만
145 블라디미르 타틀린
146 오딜롱 르동
147 조지 시걸
148 요르그 이멘도르프
149 로버트 스미스슨
150 피터 도이그 2324
151 에드와 낸시 키엔홀츠
152 리차드 프린스
153 안셀 아담스
154 나훔가보 2256
155 디에고 리베라 2239
156 바바라 헵워스 2237
157 니콜라 드 스탈 2237
158 월터 드 마리아 2229
159 펠릭스 곤잘레스-토레스 2228
160 자코모 발라 2225
161 벤 니콜슨 2221
162 안소니 곰리 2218
163 리오넬 파이닝거 2216
164 에밀 놀데 2213
165 마크 월링거 2211
166 헤르만 니체 2209
167 폴 시냐크 2209년
168 장 티글리 2209년
169 커트 슈비터스 2209
170 그레이슨 페리 2208
171 율리안 슈나벨 2208
172 레이몽 뒤샹-비용 2208
173 로버트 고버트 2208
174 두안 핸슨 2208
175 리차드 디벤콘 2207
176 에이펙스 카츠 2207
177 알리기에로 보에티 2206
178 고디에-브제스카 앙리 2206
179 라즐로 모홀리-나기 2205
180 자크 앙리 라티그 2205
181 로버트 모리스 2205
182 사라 루카스 2204
183 야니스 쿠넬리스 2204
184 크리스 바든 2204
185 오토 딕스 2203
186 데이비드 봄버그 2203
187 피슐리 & 바이스 2203
188 아우구스투스 요한 2203
189 마스든 하틀리 2203
190 무라카미 타카시

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