일본 미술의 주요 작품의 위대함의 비밀. 일본 장편 영화 아이즈 칠기

일본 문화의 가장 큰 현상 중 하나인 다도(차노유)의 형성은 봉건 씨족 간의 피비린내 나는 전쟁과 불화가 사람들의 삶을 참을 수 없게 만들었던 나라에 매우 어렵고 어려운 시기에 일어났습니다. 다도는 선(禪)불교의 미학과 철학의 영향을 받아 생겨났고, 미(美)숭배로 절망의 분위기를 타파하고자 했다.

그 당시 군계급의 지배자들과 부유한 상인들은 정치적, 상업적 논의를 위해 모였으며 종종 차를 대접할 기회를 가졌습니다. 삶의 근심 걱정에서 벗어나 조용한 찻집에 앉아 화로에서 물 끓는 소리를 듣는 것은 세련된 즐거움으로 여겨졌습니다. 위대한 스승 센노리큐는 차를 마시는 것을 예술로 만들었습니다. 그가 그랬던 것처럼 다도의 예술을 발전시킬 수 있었던 것은 부분적으로 앞서 언급한 사회적 배경이 있었기 때문입니다.

센노리큐가 지은 다실은 언뜻 보기에 매우 소박하고 심지어 너무 작아 보였다. 그러나 그것은 미묘한 명료성과 함께 가장 신중한 방식으로 계획되었습니다. 가장 작은 세부 사항. 순백의 반투명 일본 종이로 덮인 미닫이 문으로 장식되었습니다. 천장은 대나무나 짚으로 마감했고, 벽의 개방감이 높게 평가됐다. 지지대는 대부분 목재로 천연 껍질을 유지했습니다. 다실의 디자인에 암자 같은 느낌을 주기 위해 쓸데없는 장식과 과도한 장식은 모두 버렸다.

오늘날 다도는 가장 독창적이고 독특한 예술입니다. 영적으로 중요한 역할을 하며 공공 생활몇 세기 동안 일본. 시간이 지남에 따라 다도 의식이 정식화되었고 일련의 행동과 행동이 주어졌습니다. 이미 단순한 나무 문에 들어간 손님은 특별한 세계로 뛰어 들었고 모든 것을 평범하게 남겨두고 행동 법칙에만 순종하는 조용한 집중 상태였습니다.

고전적인 차노유는 엄격하게 짜여진 의례로서 다도인(차를 끓이고 따르는 사람)과 의식에 참여하는 다른 참가자들이 참여합니다. 본질적으로 다도인은 다도를 행하는 승려이고 나머지는 그와 함께하는 자들이다. 모든 사람은 앉을 때의 자세와 모든 움직임, 표정과 말투를 포함하여 고유한 행동 스타일을 가지고 있습니다.

차를 마시는 동안 현명한 연설을 하고, 시를 읽고, 예술 작품을 감상합니다. 꽃 부케와 음료를 양조하기 위한 특수 도구는 각 경우에 대해 특별한 주의를 기울여 선택됩니다.

분위기 자체는 구리 찻 주전자, 컵, 대나무 교반기, 차 보관함 등 놀랍도록 단순하고 겸손한 적절한 분위기를 조성합니다. D. Tanizaki는 이에 대해 다음과 같이 썼습니다. 우리는 은 제품도 사용하지만... 광택을 내기 위해 광택을 내지는 않습니다. 반대로, 우리는 이 광택이 물체의 표면에서 벗겨질 때, 처방의 손길을 얻을 때, 시간이 지남에 따라 어두워질 때 기뻐합니다. 다도에 사용되는 모든 물품은 세월의 흔적이 남아있지만 흠잡을 데 없이 깨끗합니다. 황혼, 침묵, 가장 단순한 주전자, 차를 붓는 나무 숟가락, 거친 세라믹 컵-이 모든 것이 존재하는 사람들을 매료시킵니다.

찻집 내부에서 가장 중요한 요소는 틈새 시장인 토코노마입니다. 그것은 일반적으로 그림이나 붓글씨 비문이 있는 두루마리와 꽃다발, 향이 있는 향로를 포함합니다. 도코노마는 입구 맞은편에 위치하여 즉시 손님들의 시선을 끈다. 도코나마 두루마리는 매우 신중하게 선택되며 의식 중에 없어서는 안 될 주제입니다. 그것은 선불교 스타일과 그런 고풍스러운 서예로 쓰여서 쓰여진 것의 의미를 이해하고 이해할 수 있는 사람은 거의 없습니다. 예를 들어 "대나무는 녹색이고 꽃은 빨간색입니다." !" 또는 "물은 물이다." 참석 한 사람들은 겉으로는 단순하지만 동시에 철학적으로 매우 깊은 이러한 말의 의미를 설명합니다. 때때로 이러한 생각은 하이쿠의 시적 형태로 표현되고 때로는 "와비"의 원칙에 따라 일반적으로 옛 주인의 그림에 반영됩니다.

일본에는 다양한 형태의 다도가 있지만 나이트 티, 선라이즈 티, 모닝 티, 애프터눈 티, 이브닝 티, 스페셜 티 등 일부만 엄격하게 확립되어 있습니다.

나이트 티는 달과 함께 시작됩니다. 손님은 11시 30분경에 도착하여 새벽 4시경에 출발합니다. 일반적으로 손님 앞에서 준비되는 가루 차를 양조합니다. 잎은 정맥에서 제거되고 박격포에서 가루로 분쇄됩니다. 이 차는 매우 강하고 공복에는 제공되지 않습니다. 따라서 처음에는 손님에게 조금 다른 음식을 대접합니다. 차는 아침 3~4시경 해가 뜨면 마신다. 손님은 6시까지 같은 시간에 머문다. 더운 날씨에 모닝 티를 연습하고 손님은 아침 6시에 모입니다. 애프터눈 티는 보통 오후 1시경에 케이크와 함께 제공됩니다. 이브닝 티는 오후 6시경에 시작됩니다. 친구와의 만남, 명절, 계절의 변화 등 특별한 날에는 특별한 티 파티(rinjitya-noyu)가 마련됩니다.

일본인에 따르면 다도는 소박함, 자연스러움, 깔끔함을 불러일으킨다. 물론 이것은 사실이지만 다도에는 더 많은 것이 있습니다. 사람들에게 잘 정립 된 의식을 소개하고 엄격한 질서와 무조건적인 사회 규칙 이행에 익숙해집니다. 다도는 민족 정서 함양의 가장 중요한 토대 중 하나이다.

현대 일본 미술계는 완전히 세계화 된 것 같습니다. 아티스트는 도쿄와 뉴욕을 오가며 거의 모두 유럽 또는 미국 교육을 받았으며 국제 예술 영어로 작업에 대해 이야기합니다. 그러나이 그림은 완전하지 않습니다.

국가적 형태와 트렌드는 일본이 세계 시장에 제공해야 하는 가장 인기 있는 품목 중 하나임이 입증되고 있습니다. 예술적 아이디어그리고 작동합니다.

비행기 작동. 슈퍼플랫은 미국 괴짜 문화와 일본 전통 회화를 결합하는 방법

무라카미 다카시. "탕탄보"

서구 세계에서 거의 모든 사람들에게(아마도 가장 열렬한 포스트모던 이론가를 제외하고) 고급 문화와 대중 문화 사이의 경계가 문제가 있긴 하지만 여전히 적절하다면 일본에서는 이러한 세계가 완전히 혼합되어 있습니다.

이에 대한 예는 세계 최고의 갤러리에서의 전시와 스트리밍 제작을 성공적으로 결합한 Takashi Murakami입니다.

무라카미 전시회 "부드러운 비가 내리겠습니다" 순회 녹음

그러나 무라카미와 대중문화의 관계(일본의 경우 이것은 주로 만화 및 애니메이션 팬(오타쿠)의 문화)와 관계가 더 복잡합니다. 철학자 아즈마 히로키는 오타쿠를 정통 일본 현상으로 이해하는 것을 비판합니다. 오타쿠는 17-19세기 에도 시대의 전통, 즉 고립주의 시대와 근대화 거부 시대와 직접적으로 연결되어 있다고 생각합니다. Azuma는 오타쿠 운동이 만화, 애니메이션, 그래픽 소설, 컴퓨터 게임- 미국 문화 수입의 결과로 전후 미국 점령의 맥락에서만 발생할 수 있습니다. Murakami와 그의 추종자들의 예술은 팝 아트 기법으로 오타쿠를 재창조하고 전통의 진정성에 대한 민족주의 신화를 폭로합니다. 그것은 "일본화된 미국 문화의 재미국화"를 나타냅니다.

미술사의 관점에서 볼 때 수퍼플랫은 초기에 가장 가깝습니다. 일본화우키요에. 이 전통에서 가장 유명한 작품은 " 큰 파도카츠시키 호쿠사이(1823-1831)의 '카나가와에서'.

서구 모더니즘에게 일본화의 발견은 돌파구였다. 그것은 그림을 평면으로 볼 수 있게 했고, 그 특성을 극복하는 것이 아니라 그것과 함께 작업하는 것을 추구한다.

카츠시키 호쿠사이. "가나가와 앞바다의 큰 파도"

성능의 선구자. 1950년대 일본 미술은 오늘날 무엇을 의미하는가

카나야마 아키라와 시라가 카즈오의 창작 과정을 기록한 문서

슈퍼플랫은 2000년대에야 비로소 모습을 드러냈습니다. 그러나 세계 예술에 중요한 예술적 행동은 서양보다 훨씬 일찍 일본에서 시작되었습니다.

예술의 수행적 전환은 지난 세기의 60년대와 70년대의 전환기에 일어났습니다. 일본에서는 50년대에 공연이 나왔다.

Gutai Group은 처음으로 자급자족할 수 있는 물건을 만드는 것에서 생산 과정으로 초점을 옮겼습니다. 여기에서 일시적인 이벤트를 위해 예술품을 포기하는 한 단계입니다.

구타이의 개별 예술가(20년 동안 59명)는 국제적 맥락에서 활발히 존재했지만, 일본어를 집단적 활동으로 이해 전후 예술일반적으로 서양에서 아주 최근에 시작되었습니다. 붐은 2013년 뉴욕과 로스앤젤레스, 도쿄의 소규모 갤러리에서 여러 전시회를 열면서 시작되었습니다. 일본 미술품의 모스크바 수입은 이러한 추세의 거의 뒤늦은 연속으로 보인다.

모토나가 사다마사. 구겐하임 미술관의 작품(물)

이 회고전 전시가 얼마나 현대적인지 놀랍습니다. 예를 들어, 구겐하임 미술관 전시의 중심 대상은 모토나가 사다마사(Sadamasa Motonaga)의 작품(물) 재건으로 박물관 원형 건물의 층은 색색의 물이 있는 폴리에틸렌 파이프로 연결되어 있습니다. 그것들은 캔버스에서 떼어낸 붓놀림을 연상시키고 "구체성"에 대한 구타이의 중심 초점을 예시합니다. 일본 이름그룹), 작가가 작업하는 대상의 물질성.

구타이의 많은 구성원은 고전 일본화와 관련된 교육을 받았고, 많은 사람들이 선불교의 종교적 맥락과 특징적인 일본 서예에 전기적으로 연결되어 있습니다. 그들 모두는 고대 전통에 대한 새롭고 절차적이거나 참여적인 접근 방식을 찾았습니다. Kazuo Shiraga는 자신의 발로 반 Rauschenberg 단색을 그리는 방법을 비디오로 녹화했으며 공개적으로 그림을 만들었습니다.

요시다 미노루(Minoru Yoshida)는 일본 판화의 꽃을 사이키델릭한 물건으로 바꿨습니다. 그 예로 세계 최초의 키네틱(움직이는) 조각품 중 하나인 양성화(Bisexual Flower)가 있습니다.

구겐하임 미술관 전시 큐레이터들은 이 작품들의 정치적 중요성에 대해 다음과 같이 이야기합니다.

"구타이는 수십 년 동안 군국주의 정부가 결정적인 영향력을 확보하고 중국을 침공한 후, 수십 년 동안 사회적 수동성과 순응에 대응하는 방법으로서 자유로운 개인 행동, 청중의 기대를 무너뜨리는 것, 심지어 어리석음의 중요성을 보여주었습니다. 제2차 세계대전에 가담하십시오."

선하고 현명합니다. 1960년대 예술가들이 일본을 떠나 미국으로 간 이유

구타이는 전후 일본 통치의 예외였다. 아방가르드 그룹은 주변부로 남아 있었고 예술계는 엄격하게 계층적이었습니다. 인정받는 주요 방법은 인정받는 고전 예술가 협회에서 개최하는 대회에 참가하는 것입니다. 따라서 많은 사람들이 서양으로 가서 영어 예술 ​​시스템에 통합되는 것을 선호했습니다.

특히 여자들이 힘들었다. 진보적인 구타이에서도 그들의 비중은 5분의 1도 되지 않았다. 특수 교육이 필요한 기존 기관에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 60년대에 소녀들은 이미 그것에 대한 권리를 얻었지만, 예술을 배우는 것(기술 세트의 일부인 장식에 관한 것이 아니라면 료사이 켄보- 좋은 아내와 현명한 어머니) 직업에 사회적으로 눈살을 찌푸린 사람이었다.

오노 요코. 컷 조각

5명의 강력한 일본 여성 예술가들이 도쿄에서 미국으로 이주하는 이야기는 요시모토 미도리의 연구 "Into Performance: Japanese Women Artists in New York"의 주제였습니다. 쿠사마 야요이, 사이토 타카코, 시오미 미에코, 쿠보타 시게코는 경력 초기에 뉴욕으로 떠나기로 결정하고 일본 미술 전통의 현대화를 포함하여 그곳에서 일했습니다. Yoko Ono만이 미국에서 자랐지만 그녀는 1962-1964년 짧은 체류 기간 동안 도쿄의 예술 계층 구조에 환멸을 느끼며 의도적으로 일본으로 돌아가는 것을 거부했습니다.

Ono는 John Lennon의 아내로서뿐만 아니라 여성 신체의 대상화에 전념하는 프로토 페미니스트 공연의 저자로서 다섯 명 중 가장 유명해졌습니다. 관객이 아티스트의 옷을 잘라낼 수 있는 Cut Piece It과 "퍼포먼스의 할머니" 마리나 아브라모비치의 "Rhythm 0" 사이에는 명백한 유사점이 있습니다.

짧은 다리에. 스즈키 타다시 작가의 연기 트레이닝을 이수하는 방법

오노와 구타이의 경우 작가와 분리된 작업 방식과 주제가 국제적으로 중요해졌다. 다른 형태의 수출이 있습니다. 작가의 작품이 국제 무대에서 관심을 가지고 인식되지만 그 특이성 때문에 실제 방법의 차용이 발생하지 않는 경우입니다. 가장 눈에 띄는 사례는 스즈키 타다시의 연기 트레이닝 시스템이다.

스즈키 극장은 러시아에서도 사랑 받고 있으며 이는 놀라운 일이 아닙니다. 마지막으로 2016년에는 에우리피데스의 텍스트를 바탕으로 한 <트로이의 여인> 공연으로 우리와 함께했고, 2000년대에는 셰익스피어와 체호프의 작품으로 여러 차례 찾아왔다. Suzuki는 연극의 행동을 현재 일본의 맥락으로 옮기고 텍스트에 대한 명확하지 않은 해석을 제공했습니다. 그는 Ivanov에서 반유대주의를 발견하고 중국에 대한 일본인의 경멸적인 태도와 비교하고 Lear 왕의 행동을 일본의 정신병원.

Suzuki는 러시아 연극 학교에 반대하는 시스템을 구축했습니다. 안에 XIX 후반 20세기, 이른바 메이지 시대에 일본 제국주의 근대화는 반대 운동의 발흥을 경험했습니다. 그 결과 이전에는 극도로 폐쇄된 문화가 대규모로 서구화되었습니다. 수입된 형식 중에는 Stanislavsky 시스템이 있었는데, 이는 여전히 일본(및 러시아)에서 주요 감독 방법 중 하나로 남아 있습니다.

스즈키 운동

스즈키가 활동을 시작한 60년대에 일본 배우들은 신체적인 특징 때문에 당시 레퍼토리를 가득 채운 서양 텍스트의 역할에 익숙해질 수 없다는 논문이 점점 더 퍼지고 있었습니다. 젊은 감독은 가장 설득력있는 대안을 제시했습니다.

스즈키의 다리 문법이라고 하는 운동 시스템에는 수십 가지 앉는 방법과 더 많은 일어서고 걷는 방법이 포함됩니다.

그의 배우들은 보통 맨발로 연기하며 무게 중심을 낮추어 가능한 한 땅에 단단히 묶인 채 무겁게 보입니다. 스즈키는 현대 장비로 가득 찬 고대 일본 가옥인 토가 마을에서 그들과 외국 공연자들에게 자신의 기술을 가르칩니다. 그의 극단은 1 년에 약 70 회만 공연하고 나머지 시간에는 거의 마을을 떠나지 않고 개인적인 일을 할 시간이 없으며 일만합니다.

도가 센터는 1970년대에 등장했으며, 세계적으로 유명한 건축가 아라타 이소자카가 감독의 요청으로 설계했습니다. 스즈키의 시스템은 가부장적이고 보수적으로 보일 수 있지만, 그 자신은 분권화라는 현대적 용어로 토가에 대해 이야기합니다. 2000년대 중반에도 스즈키는 예술을 수도에서 지역으로 수출하고 현지 생산 지점을 조직하는 것의 중요성을 이해했습니다. 감독에 따르면 일본의 연극지도는 여러면에서 러시아와 비슷합니다. 예술은 도쿄와 여러 소규모 센터에 집중되어 있습니다. 러시아 극장은 수도에서 멀리 떨어진 소도시를 정기적으로 여행하는 회사의 혜택을 받을 것입니다.

토가의 SCOT 회사 센터

꽃 산책로. 현대 연극은 노와 가부키 체계에서 어떤 자원을 발견했는가

스즈키 방식은 일본의 고대 전통인 가부키에서 비롯된 것입니다. 이러한 유형의 연극은 종종 걷는 예술로 특징지어질 뿐만 아니라 더 분명한 세부 사항에서도 나타납니다. 스즈키는 종종 남성의 모든 역할 수행에 대한 규칙을 따르고, 예를 들어 무대에서 강당 깊이까지 확장되는 플랫폼인 가부키 샘플의 하나미치("꽃의 길")와 같은 특징적인 공간 솔루션을 사용합니다. 그는 또한 꽃과 두루마리와 같이 잘 알아볼 수 있는 상징을 이용합니다.

물론 글로벌 세계에서 이야기가 있다일본인이 국가 형식을 사용하는 특권에 대해.

우리 시대의 가장 중요한 감독 중 한 명인 미국 로버트 윌슨의 극장은 ~에서 빌린 것입니다.

그는 일본의 대중을 연상시키는 마스크와 분장을 사용했을 뿐만 아니라 움직임의 최대 감속과 제스처의 자급자족적인 표현력을 바탕으로 연기 방식을 차용했다. 전통적이고 의식적인 형식을 초현대적인 조명 악보 및 미니멀리즘 음악(윌슨의 가장 유명한 작품 중 하나는 필립 글래스의 오페라 아인슈타인 온 더 비치)과 결합하여 윌슨은 본질적으로 현대 예술의 많은 부분이 추구하는 기원과 관련성의 종합을 만들어냅니다. .

로버트 윌슨. "해변의 아인슈타인"

아니오에서 가부키는 기둥 중 하나를 성장 현대 무용- 문자 그대로 번역된 부토 - 어둠의 춤. 1959년 안무가 오노 카즈오(Kazuo Ono)와 타츠미 히지카타(Tatsumi Hijikata)가 발명한 부토(butoh)는 충격적인 전쟁 경험의 반성을 신체 차원으로 가져오는 것이었습니다.

“그들은 몸이 아프고, 무너지고, 심지어 기괴하고 기괴하기까지 한 모습을 보여주었습니다.<…>움직임은 느리거나 의도적으로 날카롭고 폭발적입니다. 이를 위해 골격의 뼈 지렛대로 인해 주 근육이 개입되지 않은 것처럼 움직임이 수행되는 특별한 기술이 사용됩니다. 그것은 발레의 규범성에서 벗어나는 것입니다. 그녀는 부토를 20세기 초의 무용가 및 안무가의 관행과 비교합니다. Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman은 후기 "포스트모던" 무용에 대한 영향에 대해 이야기합니다.

부토 전통의 현대적 계승자인 가쓰라 가나의 춤의 단편

오늘날 원래 형태의 부토는 더 이상 전위적인 관행이 아니라 역사적 재구성입니다.

그러나 Ono, Hijikata 및 그 추종자들이 개발한 동작 어휘는 현대 안무가에게 중요한 자원으로 남아 있습니다. 서양에서는 Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky가 사용했으며 The Weekend의 "Belong To The World" 비디오에서도 사용되었습니다. 일본에서 부토 전통의 후계자는 예를 들어 테시가와라 사부로로 10월에 러시아를 방문할 예정입니다. 그 자신은 어둠의 춤과의 유사점을 부인하지만 비평가들은 겉보기에 뼈가없는 몸, 연약함, 소리없는 발걸음과 같은 꽤 눈에 띄는 징후를 발견합니다. 사실, 그들은 이미 포스트 모더니스트 안무의 맥락에 놓여 있습니다. 높은 템포, 달리기, 포스트 산업 소음 음악과 함께 작업합니다.

테시가와라 사부로. 변형

로컬 글로벌. 현대 일본 미술은 서양 미술과 어떻게 비슷합니까?

Teshigawara와 그의 많은 동료들의 작품은 최고의 서양 현대 무용 축제 프로그램에 유기적으로 적합합니다. 일본 최대 규모의 연간 공연인 페스티벌/도쿄에서 선보인 공연과 공연에 대한 설명을 대충 훑어보면 유럽의 트렌드와 근본적인 차이를 느끼기 어려울 것이다.

중심 주제 중 하나는 장소 특정성입니다. 일본 예술가들은 고층 빌딩 형태의 자본주의 덩어리에서 오타쿠 밀집 지역에 이르기까지 도쿄의 공간을 탐구합니다.

또 다른 주제는 세대 간 오해, 라이브 만남의 장소로서의 극장, 다양한 연령대의 사람들의 조직적 의사 소통에 대한 연구입니다. Toshika Okada와 Akira Tanayama가 그녀에게 바친 프로젝트는 유럽의 주요 공연 예술 축제 중 하나에 몇 년 동안 연속으로 비엔나로 옮겨졌습니다. 2000년대 말까지 다큐멘터리 자료와 개인적인 이야기를 무대로 옮기는 것은 새로운 것이 없었지만, 비엔나 페스티벌의 큐레이터는 이 프로젝트를 다른 사람과 실시간으로 일대일로 접촉할 수 있는 기회로 대중에게 제시했습니다. 문화.

또 다른 주요 라인은 충격적인 경험을 통해 작업하는 것입니다. 일본인에게 그것은 수용소나 홀로코스트가 아니라 히로시마와 나가사키의 폭격과 관련이 있습니다. 극장은 끊임없이 그를 언급하지만 모든 현대 일본 문화의 기원의 순간으로서의 원자 폭발에 대한 가장 강력한 진술은 여전히 ​​무라카미 다카시에게 속합니다.

전시회 "리틀 보이: 폭발하는 일본의 하위 문화 예술"

"Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture"는 2005년 뉴욕에서 선보인 기획 프로젝트의 제목입니다. "리틀 보이" - 러시아어로 "아기" - 1945년 일본에 투하된 폭탄 중 하나의 이름. 유명한 일러스트레이터의 만화 만화, 독특한 빈티지 장난감, Godzilla에서 Hello Kitty에 이르는 유명한 애니메이션에서 영감을 받은 상품을 수집한 Murakami는 박물관 공간의 귀여움(카와이)의 집중을 한계까지 끌어올렸습니다. 동시에 그는 폭발, 맨땅, 파괴된 도시의 사진이 중심 이미지가 된 애니메이션 모음을 출시했습니다.

이 반대는 외상 후 스트레스 장애에 대처하는 방법으로 일본 문화의 유아화에 대한 첫 번째 주요 진술이었습니다.

이제 이 결론은 이미 명백해 보입니다. 요모타 이누히코(Inuhiko Yomota)의 카와이에 대한 학문적 연구를 기반으로 합니다.

나중에 외상성 트리거도 있습니다. 가장 중요한 것은 2011년 3월 11일 후쿠시마 원자력 발전소에서 큰 사고를 일으킨 지진과 쓰나미입니다. Festival/Tokyo-2018에서는 6개의 공연으로 구성된 전체 프로그램이 자연 재해와 기술 재해의 결과를 이해하는 데 전념했습니다. 그들은 또한 Solyanka에서 발표된 작품 중 하나의 주제가 되었습니다. 이 예는 무기고가 중요한 방법서양과 일본의 미술은 근본적으로 다르지 않다. 이시이 하루유키(Haruyuki Ishii)는 지진에 관한 텔레비전 프로그램에서 고속으로 편집되고 반복되는 장면을 순환하는 3대의 텔레비전 세트를 제작합니다.

큐레이터는 “작품은 그가 본 모든 것이 더 이상 허구로 인식되지 않는 순간까지 작가가 뉴스에서 매일 보았던 111개의 영상으로 구성되어 있다”고 설명한다. "신일본"은 예술이 어떻게 국가 신화에 근거한 해석에 저항하지 않고 동시에 비판적인 눈동일한 해석이 모든 기원의 예술에 관련될 수 있음을 발견했습니다. 큐레이터들은 노자의 말을 인용하며 일본 전통의 근간인 사색에 대해 이야기합니다. 동시에, 거의 모든 현대 미술이 "관찰자 효과"(전시라고 함)에 초점을 맞추고 있다는 괄호를 벗어난 것처럼-익숙한 현상에 대한 인식을위한 새로운 맥락을 만드는 형태이든 제기하는 형태이든 상관 없습니다. 그러한 적절한 인식의 가능성에 대한 질문.

Imagined Communities - 비디오 아티스트 Haruyuki Ishii의 또 다른 작품

게임

그러나 2010년대 일본을 진보의 집약체라고 생각해서는 안 된다.

좋은 옛 전통주의의 습관과 오리엔탈리스트 이국주의에 대한 사랑은 아직 오래 가지 못했습니다. "The Theatre of Virgins"는 러시아 보수 잡지 "PTJ"에 실린 일본 연극 "Takarazuka"에 대한 오히려 찬사 기사의 제목입니다. 다카라즈카는 19세기 말 우연히 사설 철도의 종점이 된 같은 이름의 외딴 도시에 관광객을 유치하기 위한 사업 프로젝트로 등장했습니다. 미혼 소녀들만이 극장에서 뛰는데, 철도 소유자에 따르면 남성 관중을 도시로 유인해야했습니다. 오늘날 다카라즈카는 하나의 산업으로 기능합니다. 콘서트 프로그램, 심지어 지역 놀이 공원. 그러나 미혼 소녀 만이 극단에 들어갈 권리가 있습니다. 적어도 처녀성을 확인하지 않기를 바랍니다.

그러나 다카라즈카는 일본인들이 극장이라고도 부르는 교토의 도지 디럭스 클럽에 비하면 아무것도 아니다. 그들은 절대적으로 거칠게 보여줍니다. 설명뉴요커 칼럼니스트 Ian Buruma, 스트립 쇼: 무대 위의 여러 벌거벗은 소녀들이 성기 시연을 공공 의식으로 바꿉니다.

많은 예술적 관행과 마찬가지로 이 쇼는 고대 전설(촛불과 돋보기의 도움으로 청중의 남자들이 "어머니 여신 아마테라스의 비밀"을 차례로 탐구할 수 있음)에 기반을 두고 있으며 작가 자신이 상기시켰습니다. 노 전통의.

찾다 서양 대응"Takarazuki"와 Toji에 대해서는 독자에게 맡길 것입니다. 찾기가 어렵지 않습니다. 우리는 현대 예술의 상당 부분이 슈퍼 플랫에서 부토 댄스에 이르기까지 서양과 일본 모두에서 이러한 억압 관행에 맞서 싸우는 데 정확히 관련되어 있다는 점에 주목합니다.

이 기사와 함께 일본 미술사에 관한 일련의 기사를 시작합니다. 이 포스트들은 주로 헤이안 시대부터 시작된 회화에 초점을 맞출 것이며, 이 글은 서론이며 8세기까지의 예술 발전을 설명합니다.

조몬 시대
일본 문화매우 오래된 뿌리를 가지고 있습니다. 가장 초기의 발견은 기원전 10 천년으로 거슬러 올라갑니다. 이자형. 그러나 공식적으로 조몬 시대의 시작은 기원전 4500년으로 간주됩니다. 이자형. 이 기간에 대해 네코킷 아주 좋은 글을 썼습니다.
조몬 토기의 독특함은 일반적으로 토기의 외형과 발달에 따라 농업신석기 시대의 시작을 나타냅니다. 그러나 농업이 시작되기 수천 년 전인 중석기 시대에도 조몬 수렵 채집인들은 다소 복잡한 형태의 도자기를 만들었습니다.

토기의 등장은 아주 초기였음에도 불구하고 조몬시대 사람들은 기술의 발달이 매우 느렸고 석기시대 수준에 머물렀다.

중기 조몬 시대(기원전 2500-1500년)에 도자기 조각상이 등장했습니다. 그러나 중기 및 후기(기원전 1000-300년) 기간 모두 추상적이고 고도로 양식화된 상태로 남아 있습니다.

미야기현 다지리초 에비스다에서.H. 36.0.
조몬 시대, 1000-400B.C.
도쿄국립박물관

그건 그렇고, ufologists는 이것이 외계인의 이미지라고 믿습니다. 이 조각상에서 그들은 얼굴에 우주복, 고글 및 산소 마스크를 보고 "우주복"의 나선 이미지는 은하 지도로 간주됩니다.

야요이 시대
야요이는 짧은 기간 일본사, 기원전 300년부터 서기 300년까지 지속되어 일본 사회에서 가장 극적인 문화적 변화가 일어났습니다. 이 기간 동안 본토에서 이주해 온 부족들은 원주민일본 섬들은 그들의 문화와 쌀 재배 및 청동 가공과 같은 새로운 기술을 가져왔습니다. 다시 말하지만, 야요이 시대의 대부분의 예술과 기술은 한국과 중국에서 수입되었습니다.

고분 시대
300년에서 500년 사이에 부족 지도자들은 "고분"이라고 불리는 고분에 묻혔습니다. 이 기간을 이 이름으로 부릅니다.

죽은 사람이 필요로 하는 것들은 무덤에 두었습니다. 이들은 음식, 도구 및 무기, 보석류, 도자기, 거울 및 가장 흥미로운 "하니와"라고 불리는 점토 조각상입니다.

군마현 오이즈미마치 고카이에서.H.68.5.
고분시대 6세기.
도쿄국립박물관

인형의 정확한 목적은 알려지지 않았지만 고훈 시대의 모든 매장지에서 발견됩니다. 이 작은 조각상에서 사람들은 도구와 무기, 때로는 집 옆에 묘사되어 당시 사람들이 어떻게 살았는지 상상할 수 있습니다.

중국 전통의 영향을 받은 이 조각들은 지역 예술에만 내재된 독립적인 요소를 가지고 있습니다.

여성 무용수, 서한 왕조(206 B.C.–A.D. 9), B.C. 2세기
중국
메트로폴리탄 미술관, 뉴욕

고분 시대에는 조각상이 더욱 세련되고 다양해집니다. 군인, 사냥꾼, 가수, 댄서 등의 이미지입니다.

사이타마현 코난마치 노하라에서 현재 H. 64.2, 57.3.
고분시대 6세기.
도쿄국립박물관

이 조각품의 또 다른 특징이 있습니다. 하니와 뿐만 아니라 사회적 기능뿐만 아니라 그림의 분위기도. 예를 들어 전사는 얼굴에 근엄한 표정을 짓고 있습니다. 그리고 농민들의 얼굴에는 큰 미소가 있습니다.

군마현 오타시 이즈카초에서.H. 130.5.
고분시대 6세기.
도쿄국립박물관

아스카 시대
야요이 시대 이후 일본 미술은 한국 미술이나 중국 미술과 떼려야 뗄 수 없는 관계가 되었습니다. 이것은 일본 예술이 다양한 시각 장르로 급속히 발전하기 시작한 7세기와 8세기에 가장 두드러집니다.

6세기에 일본 사회에서 근본적인 변화가 일어났습니다. 마침내 일본 최초의 야마토 국가가 형성되었고, 또한 552년에 불교가 일본에 들어와 불교 조각과 사원의 개념을 가져왔습니다. 일본의 사찰 - 신도, 불교.
신사는 곡물 창고의 건축 양식을 따랐습니다(가장 초기의 신사는 추수 축하 행사가 열리는 곡물 창고였습니다. 축제 기간 동안 사람들은 신이 그들과 함께 잔치를 벌인다고 믿었습니다.)
신도의 신은 주로 자연의 힘이기 때문에 이러한 신사의 건축은 강과 숲과 같은 자연과 통합되어 있습니다. 이것은 이해하는 것이 중요합니다. 신도 건축에서 인공 구조물은 자연 세계의 확장을 의미했습니다.

최초의 불교 사찰인 시텐노지는 오사카에서 593년에 지어졌습니다. 이 초기 사찰은 세 개의 건물로 둘러싸인 중앙 탑과 덮힌 회랑으로 구성된 한국 불교 사찰을 모방했습니다.

불교의 전파는 일본과 한국이 중국과 접촉하고 중국 문화가 일본 문화에 통합되는 것을 촉진했습니다.

안녕하세요, 독자 여러분! 나는 내가 추천하는 일본에 관한 장편 영화를 계속해서 선택합니다. 책과 같은 영화를 통해 떠오르는 태양의 나라 주민들의 생활 방식, 정신 및 문화를 알 수 있습니다.

일본 예술 영화:

1. 황제, 2012년 개봉한 일본과 미국의 합동 영화, 장르-밀리터리, 감독 Pitter Webber. 이 영화는 제2차 세계대전 후 미군이 일본에 도착하여 질서를 회복하고 전범을 체포하며 일본의 향후 발전 방향을 결정하기 위해 일본에서 일어난 사건을 보여줍니다. 전쟁 전 일본 소녀를 사랑했던 미국 장군의 눈을 통해 상황을 바라본다. 그는 전쟁을 일으킨 일본의 히로히토 천황의 죄의 정도를 판단할 필요가 있었다.

영화는 당시의 실제 사건을 보여주기 때문에 역사적 관점에서 흥미 롭습니다. 그리고 일본은 침략 국가뿐만 아니라 영향을받는 국가로도 제시됩니다. 도시는 완전히 파괴되고 불에 탔고 수십만 명이 원자 폭탄 폭발로 화상을 입었습니다.

2. 신센구미, 영화가 제작된 해 1969년 일본에서 제작되었으며 Tadashi Sawashima가 감독했습니다.

영화는 보여줍니다 지난 몇 년도쿠가와 막부의 통치. 도쿠가와 일족의 마지막 쇼군을 보호하기 위해 자유 사무라이 (로닌) 그룹에서 소규모 분리가 형성되었을 때 소위 자칭 경찰의 분리. 필사적이고 용감한 사무라이로 구성된이 군대는 태어날 때부터 농민 인 Kondo Isami가 이끌었습니다. 분리는 손 대 손 전투에서 탁월한 군사적 손재주와 제국 권력에 대한 막부의 승리에 대한 아이디어로 유명했습니다.

같은 주제에서 당시 사건을 복원하고 신센구미 분대와 콘도 이사미 사령관의 행동을 객관적으로 평가하는 다큐멘터리를 찾을 수 있습니다. 영화는 역사적 사건장편 영화는 다큐멘터리 영화의 본질을 실질적으로 바꾸지 않습니다.

3.히든 블레이드, 일본에서 제작, 2004년 개봉, 야마다 요지 감독. 영화의 장르는 드라마, 멜로다. 영화는 19세기 중반일본 북서쪽 해안에 있는 우나사쿠의 작은 공국에서 세기. 이 기간 동안 국가에 큰 변화가 일어나고 사무라이는 서양식으로 재건되고 총기와 새로운 전쟁 방식을 마스터합니다. 옛 삶의 방식과 일본인의 삶을 빠르게 사로잡는 새로운 모든 것 사이에서 갈등이 시작된다.

남자와 여자의 관계를 배경으로 사무라이의 이미지가 눈에 띄지 않게 표시되며 명예 규칙, 존엄성 및 정직성을 엄격히 준수하는 것으로 구성됩니다. 이 영화를 보고 나면 사무라이가 무장 계급이라는 고정 관념이 잘못되었다는 결론에 다시 한 번 도달하게 됩니다. 영화의 주인공은 "사무라이에게 사람을 죽이는 것은 누구보다 어렵다"고 말했다.

4.내 비오는 날, 제작 일본 2009, 드라마 장르. 이 영화는 엔죠카사이를 하는 여학생들의 삶을 보여준다. 주인공이 역사 교사인 청년을 만나면서 모든 것이 바뀐다. 이 로맨틱 영화는 그들 사이의 관계 발전에 대해 이야기합니다. 너무 달고 감동적인 영화.

5.특별한 수준의 사랑- 제작 일본, 영화감독 구마자와 나오토, 개봉년도 2014년, 멜로드라마 장르.

모든 것은 고등학교에서 시작됩니다. Kururuki Yuni는 고등학생이고 똑똑하며 영어를 제외한 모든 분야에서 높은 점수를 받았습니다. 그녀는 목적이 있고 똑똑하며 모든 감정을 깊이 숨기고 있으므로 매우 외롭습니다.

젊은 영어 교사 사쿠라이가 유니의 일일 수업을 배정합니다. 무엇이 그를 그렇게 만들었습니까? 쿠쿠루키에게 언어를 가르치고 싶은 마음, 소녀를 껍질에서 꺼내고 싶은 마음. 하지만 뭐니뭐니해도 과외수업 영어아무도 예상하지 못한 결과가 나왔다. 영화는 귀엽고, 모든 행동은 최소한의 말과 감정의 유희로 여유롭게, 잘 생긴 배우, 침착한 음악 반주. 십대 여성 청중을 위해 설계되었습니다. 약간 빡빡해 보일 수 있습니다.

6. 안아주고 싶어- 프로덕션 일본, 영화 감독 시오토 아키히코, 개봉 연도 2014.

청년 마사미와 소녀 츠카사의 관계에 대한 슬프고 감동적인 이야기는 실제 사건. 영화는 홋카이도 섬에서 진행됩니다. 어느 날, 한 무리의 장애인들이 동시에 예약한 체육관에 젊은 농구 선수들이 도착한다. 이 행사는 학교 때부터 농구를 해온 택시 운전사 마사미가 교통사고로 장애인이 된 츠카사를 만날 수 있게 해주었다.

Tsukasa는 병자 취급을 좋아하지 않습니다. 사고의 심각한 결과에서 살아남고 점차 삶으로 돌아온 그녀는 강해졌습니다. 차례로 Masami는 친절하고 부드러운 사람입니다. 그들의 관계는 양쪽 부모 모두 이해하지 못했지만 그럼에도 불구하고 젊은이들은 계속 만났습니다. 젊고 성실한 부모의 관계를 깨닫고 츠카사와도 사랑에 빠졌다. 잘 생긴 청년과 휠체어를 탄 소녀의 멋진 결혼식이 있었지만 인생은 나름대로 ...

아르텔리노

가쓰시카 호쿠사이(1760-1849)의 가나가와 앞바다의 큰 파도는 가장 유명한 판화 중 하나이자 후지 삼십육경 시리즈의 첫 장입니다. 1830년대 초, Eijudo 출판사의 의뢰를 받은 Katsushika Hokusai는 46매(본 36매와 추가 10매)의 연작을 만들기 시작했으며, The Great Wave off Kanagawa는 연작 전체를 여는 판화였습니다.

이러한 판화 컬렉션은 당시 마을 사람들에게 일종의 " 가상 여행", 호기심을 만족시키는 방법-편리하고 저렴합니다. 후지산과 같은 판화 가격은 약 20몬으로 당시 일본 식당에서 국수의 두 배에 해당합니다. 그러나 성공이 너무 커서 1838년까지 호쿠사이의 시트 비용은 거의 50몬으로 증가했으며 마스터가 사망한 후 웨이브만 새 보드에서 1000번 이상 재인쇄되었습니다.

전체 시리즈의 명시된 주제에도 불구하고 The Wave의 Fuji가 다음과 같이 재생된다는 것은 놀라운 일입니다. 부역. 셰프 " 배우”이 조각에는 파도가 있고 전경에는 요소와의 투쟁에 대한 극적인 장면이 펼쳐집니다. 폼 크레스트의 가장자리는 환상적인 화난 악마의 꼬인 손가락처럼 보이며 보트에있는 인간 인물의 얼굴이없고 활동하지 않는 것은이 싸움에서 누가 승자가 될지 의심의 여지가 없습니다. 그러나 판화의 플롯을 만들어내는 것은 갈등인 이 대립이 아니다.
배가 충돌하는 순간을 멈춤으로써 Hokusai는 관객이 지평선을 향해 어두워지는 회색 하늘을 배경으로 잠시 후지산을 볼 수 있도록 합니다. 일본 조각가들은 이미 유럽의 선형 및 공중 관점, 그들은이 기술의 필요성을 느끼지 않았습니다. 어두운 배경과 시선의 긴 여정 전경파도의 움직임을 통해 후지까지 배를 타고 신성한 산이 바다의 창공으로 우리와 분리되어 있음을 눈으로 확인하십시오.

후지산은 폭풍우와는 반대로 안정과 불변의 상징으로 해안에서 멀리 솟아 있습니다. 반대의 통일성과 상호 의존성은 세계관에서 우주 질서와 절대적인 조화라는 개념을 뒷받침합니다. 극동, 그리고 Katsushika Hokusai의 시리즈를 여는 판화 "The Great Wave off Kanagawa"의 메인 테마가 된 것은 바로 그들이었습니다.

Kitagawa Utamaro, 1795-1796의 "Beauty Nanivaya Okita"

시카고 아트 인스티튜트

기타가와 우타마로(1753-1806)는 당연히 가수라고 불릴 수 있습니다. 여성의 아름다움일본어 활자로 우키요에: 그는 일본 미인의 표준 이미지를 많이 만들었습니다. 비진가) - 일본의 수도인 에도의 찻집과 유명한 유흥가인 요시와라의 주민 에도 — 1868년까지 도쿄의 이름..

bijinga 판화에서는 모든 것이 현대 시청자에게 보이는 것과 다릅니다. 풍족한 옷을 입은 귀족 여성은 원칙적으로 부끄러운 공예에 종사하고 하층에 속했으며 미인의 초상화가 새겨진 판화는 공개적으로 광고 기능을했습니다. 동시에 조각은 소녀의 모습에 대한 아이디어를 제공하지 않았으며 Asakusa 사원 근처의 Nanivaya 찻집의 Okita는에도의 첫 번째 아름다움으로 간주되었지만 조각의 그녀의 얼굴은 개성이 전혀 없습니다.

일본어로 된 여성 이미지 미술 10세기부터 그들은 미니멀리즘의 정경에 종속되었습니다. "라인 아이 매부코" - 테크닉 히키메카기하나화가는 특정 여성이 묘사된 것만 표시하도록 허용: 일본어로 전통문화육체적 아름다움에 대한 질문은 종종 생략되었습니다. 여성의 경우 고귀한 출생"마음의 아름다움"과 교육은 훨씬 더 가치가 있었고 쾌활한 구역의 주민들은 모든면에서 최고 수준을 모방하기 위해 노력했습니다. Utamaro에 따르면 Okita는 정말 아름다웠습니다.

"Beauty Nanivaya Okita"시트는 1795-1796 년에 9 세기 작가 중 한 명이 각 아름다움에 해당하는 "6 명의 불멸의 시인에 비유 된 유명한 미녀"시리즈에서 인쇄되었습니다. 왼쪽 상단 모서리에 오키타의 초상화가 있는 시트에는 일본에서 가장 존경받는 시인 중 한 명인 아리바라노 나리히라(825-880)의 이미지가 있으며, 전통적으로 소설 이세모노가타리가 그에게 귀속됩니다. 이 고귀한 귀족이자 뛰어난 시인은 또한 그의 연애로 유명해졌으며 그중 일부는 소설의 기초를 형성했습니다.

이 시트는 기술의 독특한 사용입니다 mitate(비교) 일본 조각. 권위있는 "원형"의 자질은 묘사 된 아름다움으로 옮겨지고 손님에게 차 한 잔을 제공하는 고요한 얼굴을 가진 우아한 기녀는 이미시와 사랑의 행위에 능숙한 여성으로 시청자에게 읽혀집니다. Arivara no Narihira와의 비교는 진정으로에도 미인 중 그녀의 우월성을 인정한 것입니다.

동시에 Utamaro는 놀랍도록 서정적인 이미지를 만듭니다. 잎사귀의 어두운 부분과 밝은 부분의 균형을 잡고 선율적이고 우아한 선으로 형태를 윤곽을 그리며 그는 진정으로 완벽한 우아함과 조화의 이미지를 만들어냅니다. "광고"는 사라지고 Utamaro가 포착한 아름다움은 영원합니다.

Ogata Korin의 화면 "Irises", 1710년대

Wikimedia Commons / 네즈 미술관, 도쿄

현재 일본의 국보인 6면 창포 한 쌍은 1710년경 오가타 고린(1658-1716)이 교토의 니시혼간지 사원을 위해 제작했습니다.

16세기 이후 벽 패널과 종이 병풍에 그림을 그리는 것이 주요 장르 중 하나가 되었습니다. 장식 예술일본과 림파 미술 학교의 설립자인 오가타 고린은 가장 위대한 거장 중 한 명이었습니다.

일본 인테리어의 스크린은 중요한 역할을했습니다. 널찍한 궁궐은 내벽이 거의 없고 병풍으로 공간을 구획한 단순한 일본인 주거지와 구조적으로 다르지 않았다. 높이가 1.5미터가 조금 넘는 스크린은 모든 계층의 일본 공통 전통이 바닥에 거주하도록 설계되었습니다. 일본에서는 19세기까지 높은 의자와 탁자가 사용되지 않았으며 화면의 높이와 그림의 구성도 무릎에 앉은 사람의 시선을 고려하여 디자인되었습니다. 이 관점에서 놀라운 효과가 발생합니다. 홍채가 앉은 사람을 둘러싸고있는 것처럼 보이며 사람은 꽃으로 둘러싸인 강둑에서 자신을 느낄 수 있습니다.

홍채는 비 윤곽 방식으로 칠해져 있습니다. 거의 인상주의적이고 넓은 진한 파란색, 라일락 및 자주색 온도가이 꽃의 무성한 장엄함을 전달합니다. 그림 같은 효과는 홍채가 묘사된 금색의 흐릿한 반짝임으로 강화됩니다. 화면에는 꽃만 묘사되어 있지만 각진 성장선은 꽃이 강의 구불구불한 코스나 나무 다리의 지그재그 주위로 구부러져 있음을 암시합니다. 일본인이 스크린에서 빠진 다리, 특별한 "8개의 널빤지 다리"를 보는 것은 자연스러운 일입니다. 야츠하시), 고전에서 홍채와 관련 일본 문학. 소설 Ise Monogatari(9세기)는 수도에서 추방된 영웅의 슬픈 여정을 묘사합니다. 그의 후계자와 함께 Yatsuhashi 다리 근처의 강둑에 정착 한 영웅은 붓꽃을보고 그의 사랑하는 사람을 기억하고시를 작곡합니다.

내 사랑하는 옷
수도에서 우아하게
사랑이 떠났다...
그리움으로 얼마나
나는 그녀와 거리가 멀다... N. I. Konrad의 번역.

"그래서 그는 접었고 모두가 마른 쌀에 눈물을 흘려서 수분으로 부풀어 올랐습니다. "라고 저자는 덧붙입니다. 서정적 영웅스토리텔링, 아리바라노 나리히라.

교육받은 일본인에게 다리 옆의 홍채와 Ise monogatari, 홍채와 이별의 주제 사이의 연결은 분명했으며 Ogata Korin은 장황함과 설명을 피합니다. 그는 장식적인 회화의 도움으로 빛과 색채, 문학적 의미로 가득 찬 이상적인 공간을 창조할 뿐이다.

금각사 금각사, 교토, 1397

예브겐 포고리에로프 / flickr.com, 2006

황금사원은 아이러니하게도 건설보다 파괴로 더 미화된 일본의 상징 중 하나입니다. 1950년, 이 건물이 속한 로쿠온지 승려의 정신적으로 불안정한 승려가 수면에 서 있는 연못에 불을 질렀습니다.
누각 1950년 화재로 사원은 거의 파괴되었습니다. 킨카쿠지의 복원 작업은 1955년에 시작되어 1987년에 전체 재건이 완료되었지만 완전히 사라진 실내 장식의 복원은 2003년까지 계속되었습니다.. 그의 행동의 진정한 동기는 불분명했지만 작가 미시마 유키오의 해석에 따르면이 사원의 거의 신비로운 아름다움을 얻을 수 없었습니다. 실제로 수세기 동안 긴카쿠지는 일본 미의 전형으로 여겨졌습니다.

1394년, 거의 모든 일본을 자신의 의지에 따라 정복한 쇼군 아시카가 요시미츠(1358-1408)는 공식적으로 은퇴하고 교토 북부에 특별히 지어진 별장에 정착했습니다. 인공 호수 Kyokoti ( "호수 거울")의 3 층 건물은 휴식, 독서 및기도를위한 한적한 파빌리온 인 일종의 암자 역할을했습니다. 그것은 쇼군의 그림 모음, 도서관 및 불교 유물 모음을 포함했습니다. 해안가 가까운 물가에 위치한 킨카쿠지는 해안과 배로만 교신할 수 있었고 교코티 주변에 돌과 소나무가 흩어져 있는 인공섬과 같은 섬이었다. "천상의 섬"이라는 개념은 중국 신화에서 차용한 것입니다. 천국의 거처불멸의 섬인 봉래 섬으로 봉사했습니다. 물에 비친 파빌리온은 이미 불교 진리 세계의 광채를 희미하게 반영한 필멸의 세계의 환상적 본질에 대한 아이디어와 불교의 연관성을 불러 일으 킵니다.

이 모든 신화적인 배음은 추측이지만 파빌리온의 위치는 놀라운 조화와 조화를 제공합니다. 반사는 건물의 쪼그려진 부분을 가려 더 크고 가늘게 만듭니다. 동시에 연못의 모든 둑에서 항상 어두운 녹지 배경을 배경으로 볼 수 있는 것은 파빌리온의 높이입니다.

그러나이 파빌리온이 원래 형태에서 얼마나 황금색이었는지는 완전히 명확하지 않습니다. 아마도 Ashikaga Yoshimitsu 아래에서 실제로 금박과 니스 보호 층으로 덮여 있었을 것입니다. 그러나 19 세기 ~ 20 세기 초 미시마 유키오의 사진을 믿는다면 20 세기 중반에 금박이 거의 벗겨지고 그 잔해는 건물의 상층에서만 볼 수있었습니다. 이때 그는 오히려 가장 아름다운 것에도 거침없는 황량함의 매력, 시간의 흔적으로 영혼을 감동시켰다. 이 우울한 매력은 미적 원리에 부합했습니다. 사비일본 문화에서 매우 존경받습니다.

어쨌든 이 건물의 화려함은 전혀 금이 아니었다. 킨카쿠지 절의 절묘한 형태와 풍경과의 완벽한 조화는 일본 건축의 걸작 중 하나입니다.

XVI-XVII 세기 카라츠 스타일의 그릇 "아이리스"

다이앤 마르티노 /pinterest.com/메트로폴리탄 미술관, 뉴욕

단어 명물- 이름이 있는 것. 이 컵의 정확한 시간과 장소, 마스터의 이름이 보존되지 않았기 때문에 이 컵의 이름만 실제로 살아 남았습니다. 그럼에도 불구하고 그것은 일본의 국보로 분류되며 명확한 예국가 스타일의 도자기.

16세기 말 다도는 차노유귀중한 재료를 연상시키는 유약으로 버려진 고급 중국 도자기와 도자기. 그들의 눈부신 아름다움은 다도인들에게 너무 인위적이고 솔직해 보였다. 완벽하고 값 비싼 품목 (그릇, 물통 및 차 통)은 다도가 발전한 정신으로 선불교의 거의 금욕적인 영적 대포와 일치하지 않았습니다. 차 활동의 진정한 혁명은 일본의 작업장이 대륙 도자기 기술을 막 습득하기 시작했을 때 훨씬 더 단순하고 예술적인 일본 도자기에 대한 매력이었습니다.

아이리스 그릇의 모양은 단순하고 불규칙합니다. 벽의 약간의 곡률, 몸 전체에 보이는 도공의 움푹 들어간 곳은 그릇에 거의 순진한 편안함을 제공합니다. 점토 조각은 균열 네트워크 인 craquelure가있는 가벼운 유약으로 덮여 있습니다. 다도 중에 손님을 맞이하는 앞면에는 홍채 이미지가 유약 아래에 적용됩니다. 그림은 순진하지만 마치 선의 정신으로 마치 한 번의 움직임처럼 활기찬 브러시로 실행됩니다. 달필. 형태와 장식 모두 특수한 힘을 가하지 않고 자발적으로 만들 수 있었던 것 같습니다.

이 자발성은 이상을 반영합니다. 와비- 단순함과 무능함, 영적 자유와 조화를 일으킴. 일본인 선불교 추종자들의 관점에서 볼 때 사람이나 무생물조차도 부처의 깨달은 본성을 가지고 있으며 숙련자의 노력은 자신과 주변 세계에서 이러한 본성을 발견하는 데 목적이 있습니다. 다도에 사용되는 물건들은 그 모든 서투름에도 불구하고 진실에 대한 깊은 경험, 매 순간의 관련성을 불러일으켜 가장 평범한 형태를 들여다보고 그 안에서 진정한 아름다움을 보도록 강요받았어야 했습니다.

그릇의 거친 질감과 단순함의 대비는 작은 금칠을 사용한 복원입니다. 긴쓰기). 복원 작업은 18세기에 이루어졌으며 일본 다도 장인들이 다도 도구를 다루는 경외심을 보여줍니다. 그래서 다도는 참가자들에게 아이리스 그릇과 같은 사물의 진정한 아름다움을 발견할 수 있는 "방법"을 제공합니다. 암시, 비밀은 와비의 미학적 개념의 기초이자 일본 세계관의 중요한 부분이 되었습니다.

승려 간진의 초상, 나라, 763

도쇼다이지, 2015

VIII 세기에 조각은 일본 국가 형성 및 불교 강화와 관련된 나라 시대 (710-794) 시대의 예술적 표현의 주요 형태가되었습니다. 일본의 거장들은 이미 견습의 단계와 대륙의 기술과 이미지를 맹목적으로 모방하는 단계를 넘어 조각으로 시대정신을 자유롭고 생생하게 표현하기 시작했습니다. 불교의 권위가 확산되고 성장하면서 불상이 등장하게 되었다.

이 장르의 걸작 중 하나는 763년에 제작된 간진의 초상화입니다. 천으로 덮인 나무틀에 옻칠을 겹겹이 쌓는 건칠기법으로 거의 실물 크기에 가까운 조형물을 사실적으로 그렸으며, 절의 황혼 속에서 간진은 명상하는 자세로 앉아 있었다. 살아 있다면”. 이 생생함은 그러한 초상화의 주요 컬트 기능이었습니다. 교사는 항상 나라시의 도다이지 수도원 벽 안에 있어야 하고 가장 중요한 예배에 참석해야 했습니다.

나중에 11 ~ 13 세기에 조각 초상화는 거의 무자비한 환상에 이르렀으며 존경하는 교사의 노인성 병약, 움푹 들어간 입, 처진 뺨 및 깊은 주름을 묘사했습니다. 이 초상화는 암석 수정과 나무로 상감 된 살아있는 눈으로 불교 신자들을 바라 봅니다. 그러나 Gandzin의 얼굴은 흐릿하고 명확한 윤곽과 명확한 형태가 없습니다. 반쯤 감은 눈꺼풀과 눈꺼풀이 벗겨지지 않은 눈꺼풀이 부어 보입니다. 긴장된 입과 깊은 팔자 주름은 명상의 집중보다는 습관적인 주의를 나타냅니다.

이 모든 기능은 놀라운 금욕주의와 비극에 대한 이야기 ​​인이 승려의 극적인 전기를 보여줍니다. 중국의 승려 간진이 나라 최대의 절인 도다이지 절의 봉헌식에 일본에 초청되었다. 배는 해적에게 나포되었고 먼 일본 사원을 대상으로 한 귀중한 두루마리와 불교 조각이 화재로 손실되었고 간진은 얼굴을 태우고 시력을 잃었습니다. 그러나 그는 문명의 먼 변두리, 즉 당시 대륙에서 일본이 어떻게 인식되었는지에 대해 설교하려는 열망을 버리지 않았습니다.

바다를 건너려는 몇 번의 시도는 같은 실패로 끝났고 다섯 번째 시도에서만 이미 중년의 눈이 멀고 병든 간진이 일본 수도 나라에 도착했습니다.

일본에서 간진은 불교법을 오랫동안 가르치지 않았습니다. 그의 삶의 극적인 사건들이 그의 건강을 해쳤습니다. 그러나 그의 권위는 너무 높아 아마도 그가 죽기 전에도 그의 조각품을 만들기로 결정했을 것입니다. 의심 할 여지없이 예술가 승려들은 조각품이 모델과 최대한 유사하도록 노력했습니다. 그러나 이것은 저장하기 위해 수행되지 않았습니다 모습개인의 영적 경험을 포착하기 위해 간진이 겪었고 불교의 가르침이 부르는 그 어려운 길.

대불 - 8세기 중반 나라 도다이지 사원의 대불

토드/flickr.com

8세기 중반, 일본은 천재지변과 역병에 시달렸고 영향력 있는 후지와라 가문의 음모와 그들이 일으킨 반란으로 인해 쇼무 천황은 수도인 나라에서 도망칠 수밖에 없었습니다. 망명 중에 그는 불교의 가르침을 따르겠다고 맹세했고 743년에 나라의 주요 사원 건설을 시작하고 거대한 동상 Buddha Vairochana (Buddha Great Sun 또는 All Illuminating Light). 이 신은 불교 가르침의 창시자 석가모니 부처님의 보편적 화신으로 간주되었으며 불안과 반란의시기에 황제와 전국을 보호하는 보증인이되어야했습니다.

작업은 745년에 시작되었으며 중국 수도 뤄양 근처의 용문 동굴 사원에 있는 거대한 불상을 모델로 했습니다. 나라의 불상은 다른 불상과 마찬가지로 "부처의 크고 작은 표식"을 나타내야 했습니다. 이 도상적 정경에는 길쭉한 귓불이 포함되어 있는데, 이는 석가모니 부처가 왕자 가문 출신이고 어린 시절부터 무거운 귀걸이, 머리 꼭대기의 높이(우쉬니샤), 이마의 점(항아리)을 착용했다는 사실을 연상시킵니다.

동상의 높이는 16m, 얼굴의 너비는 5m, 뻗은 손바닥의 길이는 3.7m, 항아리는 더 컸습니다. 인간의 머리. 건설에는 444 톤의 구리, 82 톤의 주석 및 엄청난 양의 금이 필요했으며 특별히 북부에서 검색이 수행되었습니다. 신사를 보호하기 위해 동상 주위에 대불전이라는 홀이 세워졌습니다. 그 작은 공간에는 약간 몸을 숙이고 앉은 부처상이 전체 공간을 채우고 있으며, 이는 불교의 주요 가정 중 하나인 신이 편재하고 모든 곳에 퍼져 있으며 모든 것을 포용하고 채우고 있다는 생각을 설명합니다. 얼굴의 초월적인 고요함과 신의 손짓(무드라, 보호를 주는 몸짓)은 부처의 고요하고 웅장함과 힘의 느낌을 보완합니다.

그러나 오늘날에는 원래 조각상에서 몇 개의 파편만 남아 있습니다. 화재와 전쟁으로 인해 XII와 XVI 세기, 그리고 현대 조각상은 대부분 18세기 주물을 나타냅니다. 18세기 복원 과정에서 청동상은 더 이상 금으로 덮이지 않았습니다. 8세기 쇼무 천황의 ​​불교 열심은 국고를 거의 비우고 이미 충격을 받은 나라를 피흘리게 했으며, 이후의 통치자들은 더 이상 그러한 과도한 지출을 감당할 수 없었습니다.

그럼에도 불구하고 Daibutsu의 중요성은 금이 아니며 신뢰할 수있는 진품도 아닙니다. 불교 가르침의 장대 한 구체화라는 아이디어 자체가 일본 시대의 기념비입니다. 기념비적인 예술진정한 개화를 경험하고 대륙 모델의 맹목적인 복사에서 벗어나 나중에 잃어버린 무결성과 표현력을 얻었습니다.