일본 미술의 주요 작품의 위대함의 비밀. 일본화의 발전

이 기사로 일본 역사에 관한 일련의 기사를 시작합니다. 시각 예술. 이 게시물은 주로 헤이안 시대부터 회화에 초점을 맞출 것이며, 이 기사는 소개이며 8세기까지 예술의 발전을 설명합니다.

조몬 시대
일본 문화는 매우 오래된 뿌리를 가지고 있습니다. 가장 초기의 발견은 기원전 10000년으로 거슬러 올라갑니다. 이자형. 그러나 공식적으로 조몬 시대의 시작은 기원전 4500년으로 간주됩니다. 이자형. 이 기간에 대해 네코킷 아주 좋은 글을 썼습니다.
제몬도자기의 특이점은 보통 도자기의 출현은 농업의 발달과 함께 신석기시대의 시작을 알린다는 점이다. 그러나 농업이 시작되기 수천 년 전인 중석기 시대에도 조몬 수렵 채집인들은 다소 복잡한 형태의 도자기를 만들었습니다.

토기의 출현 초기에도 불구하고 조몬 시대 사람들은 기술을 매우 느리게 개발하여 석기 시대 수준에 머물 렀습니다.

중기 조몬 시대(기원전 2500-1500년)에 도자기 조각상이 등장했습니다. 그러나 중기 및 후기(기원전 1000-300년) 기간 모두 추상적이고 고도로 양식화된 상태로 남아 있습니다.

미야기현 타지리초 에비스다에서.H. 36.0.
조몬 시대, 1000-400B.C.
도쿄국립박물관

그건 그렇고, ufologists는 이것이 외계인의 이미지라고 믿습니다. 이 조각상에서 그들은 얼굴에 우주복, 고글 및 산소 마스크를 보고 "우주복"의 나선 이미지는 은하 지도로 간주됩니다.

야요이 시대
야요이는 일본 역사에서 기원전 300년부터 서기 300년까지 지속되는 짧은 기간으로, 이 기간 동안 일본 사회에서 가장 극적인 문화적 변화가 일어났습니다. 이 기간 동안 본토에서 이주하여 일본 열도의 원주민을 이주시킨 부족들은 쌀 재배 및 청동 가공과 같은 문화와 새로운 기술을 가져 왔습니다. 다시 말하지만, 야요이 시대의 대부분의 예술과 기술은 한국과 중국에서 수입되었습니다.

고분 시대
300년에서 500년 사이에 부족 지도자들은 "고분"이라고 불리는 고분에 묻혔습니다. 이 기간을 이 이름으로 부릅니다.

죽은 사람이 필요로 하는 것들은 무덤에 두었습니다. 이들은 음식, 도구 및 무기, 보석류, 도자기, 거울 및 가장 흥미로운 "하니와"라고 불리는 점토 조각상입니다.

군마현 오이즈미마치 고카이에서.H.68.5.
고분시대 6세기.
도쿄국립박물관

인형의 정확한 목적은 알려지지 않았지만 고훈 시대의 모든 매장지에서 발견됩니다. 이 작은 조각상에서 사람들은 도구와 무기, 때로는 집 옆에 묘사되어 당시 사람들이 어떻게 살았는지 상상할 수 있습니다.

중국 전통의 영향을 받은 이 조각들은 지역 예술에만 내재된 독립적인 요소를 가지고 있습니다.

여성 무용수, 서한 왕조(206 B.C.–A.D. 9), B.C. 2세기
중국
메트로폴리탄 미술관, 뉴욕

고분 시대에는 조각상이 더욱 세련되고 다양해집니다. 군인, 사냥꾼, 가수, 댄서 등의 이미지입니다.

사이타마현 코난마치 노하라에서 현재 H. 64.2, 57.3.
고분시대 6세기.
도쿄국립박물관

이 조각품의 또 다른 특징이 있습니다. Haniva는 사회적 기능뿐만 아니라 인물의 분위기도 나타냅니다. 예를 들어 전사는 얼굴에 근엄한 표정을 짓고 있습니다. 그리고 농민들의 얼굴에는 큰 미소가 있습니다.

군마현 오타시 이즈카초에서.H. 130.5.
고분시대 6세기.
도쿄국립박물관

아스카 시대
야요이 시대 이후로 일본의 시각 예술은 한국이나 중국 예술. 이것은 일본 예술이 다양한 시각 장르로 급속히 발전하기 시작한 7세기와 8세기에 가장 두드러집니다.

6세기에 일본 사회에서 근본적인 변화가 일어났습니다. 마침내 일본 최초의 야마토 국가가 형성되었고, 또한 552년에 불교가 일본에 들어와 불교 조각과 사원의 개념을 가져왔습니다. 일본의 사찰 - 신도, 불교.
신사는 곡물 창고의 건축 양식을 따랐습니다(가장 초기의 신사는 추수 축하 행사가 열리는 곡물 창고였습니다. 축제 기간 동안 사람들은 신이 그들과 함께 잔치를 벌인다고 믿었습니다.)
신도 신들 - 무엇보다도 자연의 힘그래서 이러한 신사의 건축은 강과 숲과 같은 자연과 통합됩니다. 이것은 이해하는 것이 중요합니다. 신도 건축에서 인공 구조물은 자연 세계의 확장을 의미했습니다.

최초의 불교 사찰인 시텐노지는 오사카에서 593년에 지어졌습니다. 이 초기 사찰은 세 개의 건물로 둘러싸인 중앙 탑과 덮힌 회랑으로 구성된 한국 불교 사찰을 모방했습니다.

불교의 전파는 일본과 한국이 중국과 접촉하고 중국 문화가 일본 문화에 통합되는 것을 촉진했습니다.

일본? 어떻게 발전했습니까? 기사에서 이러한 질문과 다른 질문에 답할 것입니다. 일본 문화는 일본인이 본토에서 열도로 이주하여 조몬 시대의 문명이 탄생하면서 시작된 역사 운동의 결과로 형성되었습니다.

유럽, 아시아(특히 한국과 중국), 북미는 이 민족의 현재 계몽에 강한 영향을 미쳤습니다. 일본 문화의 징후 중 하나는 19 세기 중반까지 지속 된 도쿠가와 막부 통치 기간 동안 다른 모든 국가로부터 국가가 완전히 고립 된 시대 (사 코쿠 정책)의 오랜 발전입니다. 메이지 시대.

영향

어떻게 예술 문화일본? 문명은 국가의 고립된 지역적 위치, 기후 및 지리적 특징, 뿐만 아니라 자연 현상 (태풍 및 빈번한 지진). 이것은 살아있는 존재로서 자연에 대한 인구의 특별한 태도로 표현되었습니다. 특징 국민성일본인은 작은 나라에서 여러 형태의 예술로 표현되는 우주의 현재의 아름다움을 감상할 수 있는 능력입니다.

일본의 예술 문화는 불교, 신도, 유교의 영향으로 만들어졌습니다. 이러한 동일한 추세가 추가 개발에 영향을 미쳤습니다.

상대

동의합니다. 일본의 예술 문화는 훌륭합니다. 신도주의는 고대에 뿌리를 두고 있습니다. 불교는 우리 시대 이전에 나타났지만 5세기부터 전파되기 시작했다. 헤이안 시대(8~12세기)는 일본 건국의 황금기로 여겨진다. 같은시기에이 나라의 그림 같은 문화는 절정에 이르렀습니다.

유교는 13세기에 나타났다. 이 단계에서 공자와 불교의 철학이 분리되었습니다.

상형문자

일본 예술 문화의 이미지는 전설에 따르면 천상의 신성한 이미지에서 비롯된이 나라에서는 서예 예술도 고도로 발달 된 독특한 검증으로 구현됩니다. 글쓰기에 생명을 불어넣은 것은 바로 그들이었기 때문에 사람들은 철자의 모든 기호에 친절했습니다.

각인을 둘러싼 이미지가 등장했기 때문에 일본 문화를 부여한 것이 상형 문자라는 소문이 있습니다. 조금 후에 한 작품에서 회화와 시의 요소가 강하게 결합되는 것이 관찰되기 시작했습니다.

일본 두루마리를 연구하면 작품에 두 종류의 기호가 포함되어 있음을 알 수 있습니다. 이들은 물개,시, kolofen 및 그림 같은 글쓰기의 징후입니다. 동시에 가부키 극장은 큰 인기를 얻었습니다. 다른 유형의 극장 -하지만 -은 주로 군인이 선호합니다. 그들의 가혹함과 잔인함은 No.1에 강한 영향을 미쳤습니다.

그림

예술 문화는 많은 전문가들에 의해 연구되었습니다. 그 형성에 큰 역할을 한 것은 일본어로 그림이나 그림을 의미하는 카이가 그림이었습니다. 이 예술은 수많은 솔루션과 형식에 의해 결정되는 가장 오래된 국가 회화 유형으로 간주됩니다.

그 안에는 신성한 원칙을 결정하는 자연이 특별한 장소를 차지합니다. 수미에와 야마토에로 회화를 구분하는 것은 10세기부터 존재해 왔습니다. 첫 번째 스타일은 14세기에 가깝게 발전했습니다. 일종의 단색 수채화입니다. 야마토에란 문학 작품의 장식에 흔히 사용되는 가로로 접은 두루마리입니다.

조금 후인 17 세기에 우키요에라는 태블릿 인쇄가 나라에 나타났습니다. 거장들은 풍경화, 게이샤, 유명 배우가부키 극장. 18세기에 이러한 유형의 그림은 유럽 예술에 강한 영향을 미쳤습니다. 떠오르는 경향은 "일본주의"라고 불 렸습니다. 중세 시대에 일본의 문화는 국경을 넘어 전 세계의 세련되고 세련된 인테리어 디자인에 사용되기 시작했습니다.

달필

오, 일본의 예술 문화는 얼마나 아름다운가! 자연과의 조화에 대한 이해는 각 부분에서 볼 수 있습니다. 현대 일본 서예란? 이를 shodo("알림 방식")라고 합니다. 서예는 글쓰기와 마찬가지로 필수 과목입니다. 과학자들은 이 예술이 한문과 동시에 거기에 왔다는 것을 발견했습니다.

그런데 고대에는 서예 수준으로 사람의 문화를 판단했다. 오늘은 큰 숫자작문 스타일이며 불교 승려에 의해 개발되었습니다.

조각품

일본 문화는 어떻게 생겼습니까? 우리는 인간 삶의 이 영역의 발달과 유형을 가능한 한 자세히 연구할 것입니다. 조각은 일본에서 가장 오래된 예술 유형입니다. 고대에 이 나라 사람들은 우상의 조각상과 도자기로 접시를 만들었습니다. 그런 다음 사람들은 무덤에 구운 점토로 만든 khaniv 동상을 설치하기 시작했습니다.

현대 조각 공예의 발달 일본 문화국가에서 불교의 확산과 관련이 있습니다. 일본 기념물의 가장 오래된 대표자 중 하나는 Zenko-ji 사원에 놓인 나무로 만든 아미타불 부처님의 동상으로 간주됩니다.

조각품은 종종 빔으로 만들어졌지만 매우 풍부 해 보였습니다. 장인이 광택제, 금색 및 밝은 색상으로 조각품을 덮었습니다.

종이접기

일본의 예술 문화를 좋아합니까? 자연과의 조화에 대한 이해는 잊을 수 없는 경험을 선사할 것입니다. 특징일본 문화는 종이접기("접은 종이")의 놀라운 제품이 되었습니다. 이 기술은 실제로 양피지가 발명된 중국에서 유래되었습니다.

처음에는 종교 의식에서 "접힌 종이"가 사용되었습니다. 이 예술은 상류층에서만 연구할 수 있었습니다. 그러나 제2차 세계대전 이후 종이접기는 귀족들의 집을 떠나 전 세계에서 종이접기를 숭배하는 사람들을 찾았습니다.

이케바나

모두가 동양 국가의 예술 문화가 무엇인지 알아야 합니다. 일본은 개발에 많은 노력을 기울였습니다. 이 문화의 또 다른 요소 멋진 나라이케바나("살아있는 꽃", "꽃의 새 생명")입니다. 일본인은 미학과 단순함의 팬입니다. 작품에 투자되는 것은 바로 이 두 가지 특성입니다. 이미지의 정교함은 초목의 자연미를 이롭게 활용함으로써 달성됩니다. 꽃꽂이는 종이접기와 마찬가지로 종교 의식의 일부로도 사용되었습니다.

미니어처

아마도 많은 사람들이 고대 중국과 일본의 예술 문화가 밀접하게 얽혀 있다는 것을 이미 이해했을 것입니다. 그리고 분재는 무엇입니까? 실제 나무와 거의 똑같은 미니어처 복제품을 재배하는 것은 일본 고유의 기술입니다.

일본에서는 네츠케(열쇠고리의 일종인 작은 조각품)를 만드는 것도 일반적입니다. 종종이 용량의 인형은 주머니가없는 일본인의 옷에 부착되었습니다. 그들은 그것을 장식했을뿐만 아니라 원래의 균형추 역할도했습니다. 열쇠 고리는 열쇠, 주머니, 고리 버들 바구니 형태로 만들어졌습니다.

회화의 역사

예술 문화 고대 일본많은 사람들에게 관심이 있습니다. 이 나라의 회화는 일본 구석기 시대에 시작되어 다음과 같이 발전했습니다.

• 야마토 시대. 아스카와 고훈 시대(4~7세기)에는 상형 문자의 도입, 중국식 국가 체제의 형성, 불교의 대중화와 함께 많은 예술 작품이 중국에서 일본으로 유입되었습니다. 이후 욱일국에는 중국식 회화가 재현되기 시작했다.
• 나라시. VI 및 VII 세기에. 불교는 일본에서 계속 발전했습니다. 이와 관련하여 귀족이 지은 수많은 사원을 장식하는 데 사용되는 종교 그림이 번성하기 시작했습니다. 일반적으로 나라시대에는 회화보다 조각과 미술의 발전에 기여한 바가 컸다. 이 시기의 초기 그림에는 나라 현의 호류지 사원 내부 벽에 석가모니 부처의 생애를 묘사한 벽화가 포함됩니다.
• 헤이안 시대. 일본화에서는 10세기 이후부터 앞서 기술한 바와 같이 야마토에의 경향이 두드러진다. 이러한 그림은 책을 설명하는 데 사용되는 가로 두루마리입니다.
• 무로마치 시대. XIV 세기에는 Supi-e 스타일 (단색 수채화)이 등장했고 XVII 세기 전반기에 나타났습니다. 예술가들은 판화에 판화를 인쇄하기 시작했습니다-우키요에.
• 아즈치 모모야마 시대의 회화는 무로마치 시대의 회화와 뚜렷한 대조를 이룹니다. 은을 많이 사용한 다색 양식으로 이 시기에 가노 교육 기관은 큰 명성과 명성을 누렸습니다. 설립자는 천장과 미닫이 문을 별도의 방으로 칠한 Kano Eitoku였습니다. 그러한 그림은 군사 귀족의 성과 궁전을 장식했습니다.
• 마이지 시대. 19세기 후반부터 예술은 경쟁하는 전통 양식과 유럽 양식으로 나뉘었습니다. 마이지 시대에 일본은 엄청난 사회와 정치적 변화당국이 조직 한 현대화 및 유럽화 과정에서. 젊은 유망한 예술가들이 유학을 갔고, 해외 예술가들이 학교 미술 프로그램을 만들기 위해 일본에 왔습니다. 어쨌든 서양의 예술적 스타일에 대한 호기심이 처음 급증한 후 시계추는 반대쪽, 일본 전통 스타일이 부활했습니다. 1880년 서양 미술 관행은 공식 전시회에서 금지되었고 심한 비판을 받았습니다.

시

고대 일본의 예술 문화는 여전히 연구되고 있습니다. 그 특징은 다양한 종교의 영향으로 형성되었기 때문에 다재다능함, 일부 합성입니다. 일본의 고전 시는 일상 생활에서 생겨나 그 안에서 활동했으며, 이러한 소박함은 오늘날의 전통적인 시 형식인 3행 하이쿠와 5행 단가에서 어느 정도 보존된 것으로 알려져 있습니다. 대량 문자. 그건 그렇고, 20 세기 초 유럽시의 영향으로 일본에 등장한 엘리트주의에 끌리는 '자유시'와 구별되는 것은 바로 이러한 특성입니다.

일본 예술 문화의 발전 단계가 다면적이라는 사실을 알고 계셨습니까? 이 나라 사회에서 시는 특별한 역할을 했다. 가장 유명한 장르 중 하나는 하이쿠이며, 그 역사를 숙지해야만 하이쿠를 이해할 수 있습니다.

헤이안 시대에 처음 등장했으며, 와우의 사려 깊은 시에서 잠시 휴식을 취하고자 했던 시인들을 위한 일종의 배출구였던 렌가 스타일과 유사했습니다. 하이카이가 되었다 독립 장르 16세기에 렌가가 너무 심각해지고 하이쿠에 의존하게 되면서 구어체여전히 유머러스했습니다.

물론 일본의 예술문화는 많은 작품에서 간략하게 기술되어 있지만, 좀 더 자세히 이야기해보도록 하겠습니다. 중세 시대에 가장 유명한 일본 문학 장르 중 하나는 탄카("간결한 노래")였습니다. 대부분의 경우 이것은 고정된 수의 음절이 있는 한 쌍의 연으로 구성된 5행입니다. 첫 번째 연의 세 줄에는 5-7-5 음절, 두 번째 연의 두 줄에는 7-7 음절입니다. 내용에 관해서는 tanka는 다음과 같은 체계를 사용합니다. 첫 번째 연은 특정 자연 이미지를 나타내고 두 번째 연은 이 이미지를 반영하는 사람의 감정을 반영합니다.

• 먼 산에서
  졸고 있는 긴꼬리 꿩 -
  이 길고 긴 밤
  나 혼자 자도 돼? ( Kakinomoto no Hitovaro, 8세기 초, Sanovich 번역.)

일본 드라마투르기

많은 사람들은 중국과 일본의 예술 문화가 매혹적이라고 주장합니다. 당신은 공연 예술을 좋아합니까? 욱일국의 전통적인 극작술은 조루리(인형극), 노가쿠극(교겐과 요쿄쿠), 가부키극과 신게키로 나뉩니다. 이 예술의 관습에는 교겐노, 부가쿠, 가부키, 분라쿠의 다섯 가지 기본적인 연극 장르가 포함됩니다. 이 다섯 가지 전통은 모두 오늘날에도 여전히 존재합니다. 엄청난 차이에도 불구하고 그들은 일본 예술을 뒷받침하는 공통의 미적 원칙으로 연결되어 있습니다. 그런데 일본의 드라마투르기(dramaturgy)는 1번을 무대로 해서 생겨났다.

가부키 연극은 17세기에 등장하여 18세기 말에 전성기를 맞았습니다. 특정 기간 동안 발전한 공연 형식은 현대 가부키 무대에서 보존됩니다. 이 극장의 제작물은 고대 예술 애호가의 좁은 범위에 초점을 맞춘 No의 무대와 달리 대중을 위해 설계되었습니다. 가부키 기술의 뿌리는 코미디언의 공연에서 비롯됩니다. 작은 희극의 연기자, 춤과 노래로 구성된 장면입니다. 가부키의 연극적 기교는 조루리와 노의 요소를 흡수했다.

가부키 극장의 모습은 교토(1603년)의 불교 성소인 오구니의 일꾼 이름과 관련이 있습니다. O-Kuni는 Nembutsu-odori의 민속 춤 동작을 포함하는 종교 춤으로 무대에서 공연했습니다. 그녀의 공연은 코믹 연극으로 산재해 있었다. 이 단계에서 작품은 유조 가부키(창녀 가부키), 오쿠니 가부키 또는 온나 가부키(숙녀 가부키)라고 불렸습니다.

판화

지난 세기에 유럽인과 러시아인은 조각을 통해 일본 미술 현상을 접했습니다. 한편, 떠오르는 태양의 땅에서 나무에 그림을 그리는 것은 저렴함, 가용성, 유통과 같은 대중 문화의 모든 속성을 가지고 있었지만 처음에는 전혀 기술로 간주되지 않았습니다. Ukiyo-e 감정가는 플롯의 구현과 선택 모두에서 최고의 명료성과 단순성을 달성할 수 있었습니다.

우키요에는 예술의 특수학교였기 때문에 뛰어난 거장들을 많이 배출할 수 있었다. 따라서 Hisikawa Moronobu (1618-1694)의 이름은 음모 조각 개발의 초기 단계와 관련이 있습니다. 18세기 중반에 최초의 다색 판화 감정가인 스즈키 하루노부(Suzuki Harunobu)가 만들어졌습니다. 그의 작업의 주요 동기는 행동이 아니라 사랑, 부드러움, 슬픔과 같은 기분과 감정의 전달에주의를 기울인 서정적 장면이었습니다. 헤이안 시대의 절묘한 고대 예술처럼 우키요에 거장들은 개조된 도시 환경에서 여성의 절묘한 아름다움에 대한 비범한 숭배를 되살렸습니다.

유일한 차이점은 인쇄물이 자랑스러운 헤이안 귀족 대신 에도의 유흥가에서 온 우아한 게이샤를 묘사했다는 것입니다. 예술가 Utamaro (1753-1806)는 아마도 다양한 삶의 상황에서 다양한 포즈와 드레스를 입은 여성을 묘사하는 데 자신의 창작물을 바친 회화 역사상 전문가의 독특한 예일 것입니다. 그의 최고의 작품 중 하나는 모스크바의 푸쉬킨 회화 박물관에 보관되어 있는 판화 "게이샤 오사마"입니다. 작가는 제스처와 분위기, 표정의 통일성을 유난히 미묘하게 전달했다.

만화와 애니메이션

많은 예술가들이 일본의 회화를 연구하려고 합니다. 애니메이션(일본 애니메이션)이란? 다른 애니메이션 장르와 달리 성인 시청자에 맞춰져 있다. 여기에는 모호하지 않은 스타일에 대한 중복 분할이 있습니다. 대상 청중. 크러쉬의 척도는 영화를 보는 사람의 성별, 나이 또는 심리적 초상화입니다. 종종 애니메이션은 큰 명성을 얻은 일본 만화 만화의 영화 각색입니다.

만화의 기본 부분은 성인 시청자를 위해 설계되었습니다. 2002년 자료에 따르면 일본 전체 도서 시장의 약 20%가 망가 만화가 차지했다.

일본은 지리적으로 우리와 가깝지만 그럼에도 불구하고 오랫동안 전 세계에서 이해하기 어렵고 접근하기 어려웠습니다. 오늘날 우리는 이 나라에 대해 많은 것을 알고 있습니다. 오랜 자발적인 고립은 그 문화가 다른 국가의 문화와 완전히 다르다는 사실로 이어졌습니다.

일본은 372,000 평방 킬로미터로 극동에서 가장 작은 나라입니다. 그러나 일본이 세계 문화사에 기여한 공헌은 위대한 고대 국가의 공헌에 못지 않습니다.

이 고대 국가 예술의 기원은 기원전 8천년으로 거슬러 올라갑니다. 그러나 모든 영역에서 가장 중요한 단계는 예술적인 삶 R.Kh에서 6-7 세기에 시작된 기간이있었습니다. 그리고 19세기 중반까지 계속되었다. 일본 미술의 발전은 고르지 않게 진행되었지만 너무 급격한 변화나 급격한 쇠퇴를 알지 못했습니다.

일본 미술은 특별한 자연 및 역사적 조건에서 발전했습니다. 일본은 4개의 큰 섬(혼슈, 홋카이도, 규슈, 시오쿠)과 많은 작은 섬에 위치해 있습니다. 오랫동안그녀는 난공불락이었고 외부 전쟁을 몰랐습니다. 본토와 일본의 근접성은 고대 중국 및 한국과의 접촉 확립에 영향을 미쳤습니다. 이것은 일본 예술의 발전을 가속화했습니다.

일본 중세 미술은 한국과 중국 문화의 영향을 받아 성장했습니다. 일본은 중국 문자와 중국 세계관의 특징을 채택했습니다. 불교는 일본의 국교가 되었다. 그러나 일본인은 나름대로 굴절 중국 아이디어그들의 삶의 방식에 적응했습니다.

일본 가옥, 일본식 인테리어
일본 가옥은 외부만큼이나 내부도 깨끗하고 소박합니다. 그것은 항상 깨끗하게 유지되었습니다. 광택이 나는 바닥은 가벼운 짚 매트-다다미로 덮여 방을 직사각형으로 나누었습니다. 문앞에서 신발을 벗고 옷장에 물건을 보관했으며 부엌은 거실과 분리되었습니다. 방에는 일반적으로 영구적인 물건이 없었습니다. 그들은 필요에 따라 가져오고 가져갔습니다. 하지만 텅 빈 방 안의 모든 것, 꽃병에 꽂힌 꽃, 그림, 옻칠한 탁자 등 모든 것이 시선을 끌며 특별한 표현력을 얻었다.

모든 유형의 예술은 중세 일본의 집, 사원, 궁전 또는 성의 공간 디자인과 관련이 있습니다. 각각은 서로를 보완하는 역할을 했습니다. 예를 들어, 능숙하게 선택한 꽃다발은 풍경화에서 전달되는 분위기를 보완하고 돋보이게 합니다.

일본 가옥의 장식과 같은 흠잡을 데 없는 정밀함, 동일한 소재감이 장식 예술 제품에서도 느껴졌습니다. 다도에서 가장 큰 보석으로 손으로 만든 도구가 사용되는 것은 당연합니다. 부드럽고 울퉁불퉁한 그릇은 젖은 진흙을 조각한 손가락의 흔적을 간직하고 있었다. 핑크 펄, 청록색 라일락 또는 그레이 블루 유약은 눈에 띄지 않았지만 일본 예술의 모든 대상과 관련된 삶과 함께 자연 자체의 광채를 느꼈습니다.

일본 도자기
유약을 바르지 않고 손으로 빚어 저온에서 구운 점토 그릇은 다른 고대 민족의 도자기와 비슷했습니다. 그러나 그들은 이미 일본 문화 고유의 특징을 가지고 있었습니다. 다양한 모양의 주전자와 접시의 패턴은 허리케인, 바다 및 불을 뿜는 산의 요소에 대한 아이디어를 반영했습니다. 이 제품들의 환상은 자연 그 자체에서 촉발된 것 같았다.

볼록한 점토 묶음 패턴이 붙은 거의 1미터 높이에 이르는 거대한 주전자는 구불구불한 조개껍질, 분지형 산호초, 얽힌 조류 또는 들쭉날쭉한 화산 가장자리와 비슷합니다. 이 웅장하고 기념비적인 꽃병과 그릇은 가정에서뿐만 아니라 의식용으로도 사용되었습니다. 그러나 기원전 1 천년 중반. 청동 제품이 사용되었고 도자기 도구는 의식 목적을 잃었습니다.

도자기 옆에 무기, 보석, 청동 종 및 거울과 같은 예술 공예품의 신제품이 나타났습니다.

일본 가정 용품
서기 9~12세기에는 일본 귀족의 취향이 장식 예술에서 드러난다. 매끄럽고 습기에 강한 옻칠 제품에 금은 가루를 뿌려 마치 일본식 방의 황혼을 비추는 것처럼 가볍고 우아하며 다양한 일상 용품을 구성했습니다. 옻칠은 그릇과 관, 상자와 탁자를 만드는 데 사용되었습니다. 악기. 사원과 일상 생활의 모든 작은 것-음식을위한은 수저, 꽃을위한 꽃병, 편지를위한 무늬 종이, 수 놓은 벨트-세계에 대한 일본인의 시적이고 감정적 인 태도를 드러 냈습니다.

일본 회화
기념비적인 궁궐 건축의 발달과 함께 궁중 화가들의 활동은 더욱 활발해졌다. 예술가들은 벽뿐만 아니라 방의 그림과 이동식 칸막이 역할을하는 여러 장의 종이 병풍을 넓은 표면에 칠해야했습니다. 재능있는 장인의 창의적인 방식의 특징은 벽 패널이나 스크린의 광대한 평면에서 풍경의 크고 다색적인 세부 사항을 선택하는 것입니다.

두껍고 육즙이 많은 반점이있는 황금빛 빛나는 배경에서 Kano Eitoku가 수행 한 꽃, 허브, 나무 및 새의 구성은 우주의 힘과 화려함에 대한 일반화 된 아이디어입니다. 16세기 일본 도시의 삶과 삶을 반영하는 그림과 새로운 주제에 포함된 자연 모티프와 함께 카노파의 대표자.

궁전 화면에는 단색 풍경도있었습니다. 그러나 그들은 훌륭한 장식 효과가 있습니다. 셋슈의 제자인 하세가와 도하쿠(1539-1610)가 그린 병풍입니다. 흰색 무광택 표면은 화가에 의해 두꺼운 안개 베일로 해석되어 환상처럼 오래된 소나무의 실루엣이 갑자기 터집니다. 몇 개의 대담한 잉크 방울로 Tohaku는 가을 숲의 시적인 그림을 만듭니다.

부드러운 아름다움을 지닌 단색 산수 두루마리는 궁전 방의 스타일과 일치하지 않았습니다. 그러나 그들은 영적 집중과 평화를 위해 설계된 chashitsu 차 파빌리온의 필수 불가결 한 부분으로서의 의미를 유지했습니다.

일본 거장들의 예술 작품은 고대 스타일에 충실할 뿐만 아니라 항상 다른 예술 작품에는 없는 새로운 것을 담고 있습니다. 일본 미술에는 진부한 표현과 템플릿이 들어갈 자리가 없습니다. 그 안에는 자연과 마찬가지로 완전히 동일한 두 개의 창조물이 없습니다. 그리고 지금도 일본 거장들의 작품은 다른 나라의 작품과 혼동될 수 없다. 일본 미술에서 시간은 느려졌지만 멈추지는 않았다. 일본 미술에서는 고대의 전통이 오늘날까지 살아 남았습니다.

« 큰 파도카츠시카 호쿠사이(Katsushika Hokusai, 1760-1849)의 "카나가와에서"는 가장 유명한 판화 중 하나이자 후지 삼십육경 시리즈의 첫 장입니다. 1830년대 초, Eijudo 출판사의 의뢰를 받은 Katsushika Hokusai는 46매(본 36매와 추가 10매)의 연작을 만들기 시작했으며, The Great Wave off Kanagawa는 연작 전체를 여는 판화였습니다.

이러한 판화 컬렉션은 당시 마을 사람들에게 일종의 "가상 여행" 역할을했으며 호기심을 만족시키는 편리하고 저렴한 방법이었습니다. 후지산과 같은 판화 가격은 약 20몬으로 당시 일본 식당에서 국수의 두 배에 해당합니다. 그러나 성공이 너무 커서 1838년까지 호쿠사이의 시트 비용은 거의 50몬으로 증가했으며 마스터가 사망한 후 웨이브만 새 보드에서 1000번 이상 재인쇄되었습니다.

놀랍게도 전체 시리즈의 명시된 주제에도 불구하고 The Wave의 Fuji는 부차적인 역할을 하는 것 같습니다. 이 조각의 주요 "캐릭터"는 파도이며 전경에는 한 남자가 요소와 투쟁하는 극적인 장면이 펼쳐집니다. 폼 크레스트의 가장자리는 환상적인 화난 악마의 꼬인 손가락처럼 보이며 보트에있는 인간 인물의 얼굴이없고 활동하지 않는 것은이 싸움에서 누가 승자가 될지 의심의 여지가 없습니다. 그러나 판화의 플롯을 만들어내는 것은 갈등인 이 대립이 아니다.
배가 충돌하는 순간을 멈춤으로써 Hokusai는 관객이 지평선을 향해 어두워지는 회색 하늘을 배경으로 잠시 후지산을 볼 수 있도록 합니다. 당시 일본 조각가들은 이미 유럽의 선형 원근법과 공중 원근법의 원리에 익숙했지만 이 기술의 필요성을 느끼지 못했습니다. 어두운 배경과 파도의 움직임을 통해 후지까지 보트를 타고 전경에서 눈의 긴 여행은 신성한 산이 바다의 창공으로 우리와 분리되어 있음을 눈으로 확신시킵니다.

후지산은 폭풍우와는 반대로 안정과 불변의 상징으로 해안에서 멀리 솟아 있습니다. 극동의 세계관에서 우주 질서와 절대 조화라는 개념의 밑바탕에는 반대의 통일성과 상호 의존성이 있으며, 시리즈를 연 "가나가와의 대파" 판화의 주요 주제가 된 것은 바로 그들이었습니다. 카츠시카 호쿠사이.

Kitagawa Utamaro, 1795-1796의 "Beauty Nanivaya Okita"

기타가와 우타마로(1753-1806)는 당연히 가수라고 불릴 수 있습니다. 여성의 아름다움일본어 활자로 우키요에: 그는 일본 미인의 표준 이미지를 많이 만들었습니다. 비진가) - 일본의 수도인 에도의 찻집과 유명한 유흥가인 요시와라의 주민 에도 — 1868년 이전의 도쿄 이름..

bijinga 판화에서는 모든 것이 현대 시청자에게 보이는 것과 다릅니다. 풍족한 옷을 입은 귀족 여성은 원칙적으로 부끄러운 공예에 종사하고 하층에 속했으며 미인의 초상화가 새겨진 판화는 공개적으로 광고 기능을했습니다. 동시에 조각은 소녀의 모습에 대한 아이디어를 제공하지 않았으며 Asakusa 사원 근처의 Nanivaya 찻집의 Okita는에도의 첫 번째 아름다움으로 간주되었지만 조각의 그녀의 얼굴은 개성이 전혀 없습니다.

10세기 이후 일본 미술의 여성 이미지는 미니멀리즘의 정경에 종속되었습니다. "라인 아이 매부코" - 테크닉 히키메카기하나작가는 특정 여성이 묘사되었다는 것만 표시하도록 허용했습니다. 일본 전통 문화에서 육체적 아름다움의 문제는 종종 생략되었습니다. 여성의 경우 고귀한 출생"마음의 아름다움"과 교육은 훨씬 더 가치가 있었고 쾌활한 구역의 주민들은 모든면에서 최고 수준을 모방하기 위해 노력했습니다. Utamaro에 따르면 Okita는 정말 아름다웠습니다.

"Beauty Nanivaya Okita"시트는 1795-1796 년에 9 세기 작가 중 한 명이 각 아름다움에 해당하는 "6 명의 불멸의 시인에 비유 된 유명한 미녀"시리즈에서 인쇄되었습니다. 왼쪽 상단 모서리에 오키타의 초상화가 있는 시트에는 일본에서 가장 존경받는 시인 중 한 명인 아리바라노 나리히라(825-880)의 이미지가 있으며, 전통적으로 소설 이세모노가타리가 그에게 귀속됩니다. 이 고귀한 귀족이자 뛰어난 시인은 또한 그의 연애로 유명해졌으며 그중 일부는 소설의 기초를 형성했습니다.

이 시트는 기술의 독특한 사용입니다 mitate(비교) 일본 조각. 권위있는 "원형"의 자질은 묘사 된 아름다움으로 옮겨지고 손님에게 차 한 잔을 제공하는 고요한 얼굴을 가진 우아한 기녀는 이미시와 사랑의 행위에 능숙한 여성으로 시청자에게 읽혀집니다. Arivara no Narihira와의 비교는 진정으로에도 미인 중 그녀의 우월성을 인정한 것입니다.

동시에 Utamaro는 놀랍도록 서정적인 이미지를 만듭니다. 잎사귀의 어두운 부분과 밝은 부분의 균형을 잡고 선율적이고 우아한 선으로 형태를 윤곽을 그리며 그는 진정으로 완벽한 우아함과 조화의 이미지를 만들어냅니다. "광고"는 사라지고 Utamaro가 포착한 아름다움은 영원합니다.

Ogata Korin의 화면 "Irises", 1710년대

현재 일본의 국보인 6면 창포 한 쌍은 1710년경 오가타 고린(1658-1716)이 교토의 니시혼간지 사원을 위해 제작했습니다.

16세기 이후 벽 패널과 종이 병풍 그림은 일본 장식 예술의 주요 장르 중 하나가 되었으며 린파 미술 학교의 설립자인 오가타 고린은 가장 위대한 거장 중 한 명이었습니다.

일본 인테리어의 스크린은 중요한 역할을했습니다. 널찍한 궁궐은 내벽이 거의 없고 병풍으로 공간을 구획한 단순한 일본인 주거지와 구조적으로 다르지 않았다. 높이가 1.5미터가 조금 넘는 스크린은 모든 계층의 일본 공통 전통이 바닥에 거주하도록 설계되었습니다. 일본에서는 19세기까지 높은 의자와 탁자가 사용되지 않았으며 화면의 높이와 그림의 구성도 무릎에 앉은 사람의 시선을 고려하여 디자인되었습니다. 이 관점에서 놀라운 효과가 발생합니다. 홍채가 앉은 사람을 둘러싸고있는 것처럼 보이며 사람은 꽃으로 둘러싸인 강둑에서 자신을 느낄 수 있습니다.

홍채는 비 윤곽 방식으로 칠해져 있습니다. 거의 인상적이고 넓은 진한 파란색, 라일락 및 자주색 온도가이 꽃의 무성한 장엄함을 전달합니다. 그림 같은 효과는 홍채가 묘사된 금색의 흐릿한 반짝임으로 강화됩니다. 화면에는 꽃만 묘사되어 있지만 각진 성장선은 꽃이 강의 구불구불한 코스나 나무 다리의 지그재그 주위로 구부러져 있음을 암시합니다. 일본인이 스크린에서 빠진 다리, 특별한 "8개의 널빤지 다리"를 보는 것은 자연스러운 일입니다. 야츠하시), 고전에서 홍채와 관련 일본 문학. 소설 Ise Monogatari(9세기)는 수도에서 추방된 영웅의 슬픈 여정을 묘사합니다. 그의 후계자와 함께 Yatsuhashi 다리 근처의 강둑에 정착 한 영웅은 붓꽃을보고 그의 사랑하는 사람을 기억하고시를 작곡합니다.

내 사랑하는 옷
수도에서 우아하게
사랑이 떠났다...
그리움으로 얼마나
나는 그녀와 거리가 멀다... N. I. Konrad의 번역.

"그래서 그는 접었고 모두가 마른 쌀에 눈물을 흘려서 수분으로 부풀어 올랐습니다. "라고 저자는 덧붙입니다. 서정적 영웅스토리텔링, 아리바라노 나리히라.

교육받은 일본인의 경우 다리 옆의 홍채와 Ise monogatari, 홍채와 이별의 주제 사이의 연관성은 분명했으며 Ogata Korin은 장황함과 설명을 피했습니다. 그는 장식적인 회화의 도움으로 빛과 색채, 문학적 의미로 가득 찬 이상적인 공간을 창조할 뿐이다.

금각사 금각사, 교토, 1397

황금사원은 아이러니하게도 건설보다 파괴로 더 미화된 일본의 상징 중 하나입니다. 1950년, 이 건물이 속한 로쿠온지 승려의 정신적으로 불안정한 승려가 수면에 서 있는 연못에 불을 질렀습니다.
누각 1950년 화재로 사원은 거의 파괴되었습니다. 킨카쿠지의 복원 작업은 1955년에 시작되어 1987년에 전체 재건이 완료되었지만 완전히 사라진 실내 장식의 복원은 2003년까지 계속되었습니다.. 그의 행동의 진정한 동기는 불분명했지만 작가 미시마 유키오의 해석에 따르면이 사원의 거의 신비로운 아름다움을 얻을 수 없었습니다. 실제로 수세기 동안 긴카쿠지는 일본 미의 전형으로 여겨졌습니다.

1394년, 거의 모든 일본을 자신의 의지에 따라 정복한 쇼군 아시카가 요시미츠(1358-1408)는 공식적으로 은퇴하고 교토 북부에 특별히 지어진 별장에 정착했습니다. 인공 호수 Kyokoti ( "호수 거울")의 3 층 건물은 휴식, 독서 및기도를위한 한적한 파빌리온 인 일종의 암자 역할을했습니다. 그것은 쇼군의 그림 모음, 도서관 및 불교 유물 모음을 포함했습니다. 해안가 가까운 물가에 위치한 킨카쿠지는 해안과 배로만 교신할 수 있었고 교코티 주변에 돌과 소나무가 흩어져 있는 인공섬과 같은 섬이었다. "천상의 섬"이라는 개념은 중국 신화에서 차용한 것입니다. 천국의 거처불멸의 섬인 봉래 섬으로 봉사했습니다. 물에 비친 파빌리온은 이미 불교 진리 세계의 광채를 희미하게 반영한 필멸의 세계의 환상적 본질에 대한 아이디어와 불교의 연관성을 불러 일으 킵니다.

이 모든 신화적인 배음은 추측이지만 파빌리온의 위치는 놀라운 조화와 조화를 제공합니다. 반사는 건물의 쪼그려진 부분을 가려 더 크고 가늘게 만듭니다. 동시에 연못의 모든 둑에서 항상 어두운 녹지 배경을 배경으로 볼 수 있는 것은 파빌리온의 높이입니다.

그러나이 파빌리온이 원래 형태에서 얼마나 황금색이었는지는 완전히 명확하지 않습니다. 아마도 Ashikaga Yoshimitsu 아래에서 실제로 금박과 니스 보호 층으로 덮여 있었을 것입니다. 그러나 19 세기 ~ 20 세기 초 미시마 유키오의 사진을 믿는다면 20 세기 중반에 금박이 거의 벗겨지고 그 잔해는 건물의 상층에서만 볼 수있었습니다. 이때 그는 오히려 가장 아름다운 것에도 거침없는 황량함의 매력, 시간의 흔적으로 영혼을 감동시켰다. 이 우울한 매력은 미적 원리에 부합했습니다. 사비일본 문화에서 매우 존경받습니다.

어쨌든 이 건물의 화려함은 전혀 금이 아니었다. 킨카쿠지 절의 절묘한 형태와 풍경과의 완벽한 조화는 일본 건축의 걸작 중 하나입니다.

XVI-XVII 세기 카라츠 스타일의 그릇 "아이리스"

단어 명물- 이름이 있는 것. 이 그릇에는 실제로 이름만 있습니다. 정확한 시간창조 장소도 주인의 이름도 보존되지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 그것은 일본의 국보에 등재되어 있으며 국가 스타일의 도자기 중 가장 밝은 예 중 하나입니다.

16세기 말 다도는 차노유귀중한 재료를 연상시키는 유약으로 버려진 고급 중국 도자기와 도자기. 그들의 눈부신 아름다움은 다도인들에게 너무 인위적이고 솔직해 보였다. 완벽하고 값 비싼 품목 (그릇, 물통 및 차 통)은 다도가 발전한 정신으로 선불교의 거의 금욕적인 영적 대포와 일치하지 않았습니다. 차 활동의 진정한 혁명은 일본의 작업장이 대륙 도자기 기술을 막 습득하기 시작했을 때 훨씬 더 단순하고 예술적인 일본 도자기에 대한 매력이었습니다.

아이리스 그릇의 모양은 단순하고 불규칙합니다. 벽의 약간의 곡률, 몸 전체에 보이는 도공의 움푹 들어간 곳은 그릇에 거의 순진한 편안함을 제공합니다. 점토 조각은 균열 네트워크 인 craquelure가있는 가벼운 유약으로 덮여 있습니다. 다도 중에 손님을 맞이하는 앞면에는 홍채 이미지가 유약 아래에 적용됩니다. 그림은 순진하지만 마치 선의 정신으로 마치 한 번의 움직임처럼 활기찬 브러시로 실행됩니다. 달필. 형태와 장식 모두 특수한 힘을 가하지 않고 자발적으로 만들 수 있었던 것 같습니다.

이 자발성은 이상을 반영합니다. 와비- 단순함과 무능함, 영적 자유와 조화를 일으킴. 일본인 선불교 추종자들의 관점에서 볼 때 사람이나 무생물조차도 부처의 깨달은 본성을 가지고 있으며 숙련자의 노력은 자신과 주변 세계에서 이러한 본성을 발견하는 데 목적이 있습니다. 다도에 사용되는 물건들은 그 모든 서투름에도 불구하고 진실에 대한 깊은 경험, 매 순간의 관련성을 불러일으켜 가장 평범한 형태를 들여다보고 그 안에서 진정한 아름다움을 보도록 강요받았어야 했습니다.

그릇의 거친 질감과 단순함의 대비는 작은 금칠을 사용한 복원입니다. 긴쓰기). 복원 작업은 18세기에 이루어졌으며 일본 다도 장인들이 다도 도구를 다루는 경외심을 보여줍니다. 그래서 다도는 참가자들에게 아이리스 그릇과 같은 사물의 진정한 아름다움을 발견할 수 있는 "방법"을 제공합니다. 암시, 비밀은 와비의 미학적 개념의 기초이자 일본 세계관의 중요한 부분이 되었습니다.

승려 간진의 초상, 나라, 763

VIII 세기에 조각은 일본 국가 형성 및 불교 강화와 관련된 나라 시대 (710-794) 시대의 예술적 표현의 주요 형태가되었습니다. 일본 거장들은 이미 견습의 단계와 대륙의 기술과 이미지를 맹목적으로 모방하는 단계를 넘어 조각에서 자유롭고 생생하게 시대 정신을 표현하기 시작했습니다. 불교의 권위가 확산되고 성장하면서 불상이 등장하게 되었다.

이 장르의 걸작 중 하나는 763년에 제작된 간진의 초상화입니다. 천으로 덮인 나무 틀에 옻칠을 겹겹이 쌓는 건칠기법으로 만든 이 조각품은 거의 실물 크기사실적으로 그려졌고, 사원의 반쯤 어두운 곳에서 간진은 "살아 있는 것처럼" 명상하는 자세로 앉아 있었다. 이 생생함은 그러한 초상화의 주요 컬트 기능이었습니다. 교사는 항상 나라시의 도다이지 수도원 벽 안에 있어야 하고 가장 중요한 예배에 참석해야 했습니다.

나중에 11 ~ 13 세기에 조각 초상화는 거의 무자비한 환상에 이르렀으며 존경하는 교사의 노인성 병약, 움푹 들어간 입, 처진 뺨 및 깊은 주름을 묘사했습니다. 이 초상화는 암석 수정과 나무로 상감 된 살아있는 눈으로 불교 신자들을 바라 봅니다. 그러나 Gandzin의 얼굴은 흐릿하고 명확한 윤곽과 명확한 형태가 없습니다. 반쯤 감은 눈꺼풀과 눈꺼풀이 벗겨지지 않은 눈꺼풀이 부어 보입니다. 긴장된 입과 깊은 팔자 주름은 명상의 집중보다는 습관적인 주의를 나타냅니다.

이 모든 기능은 놀라운 금욕주의와 비극에 대한 이야기 ​​인이 승려의 극적인 전기를 보여줍니다. 중국의 승려 간진이 나라 최대의 절인 도다이지 절의 봉헌식을 위해 일본에 초청받았다. 배는 해적에게 나포되었고 먼 일본 사원을 대상으로 한 귀중한 두루마리와 불상이 화재로 손실되었고 간진은 얼굴을 태우고 시력을 잃었습니다. 그러나 그는 문명의 먼 변두리, 즉 당시 대륙에서 일본이 어떻게 인식되었는지에 대해 설교하려는 열망을 버리지 않았습니다.

바다를 건너려는 몇 번의 시도는 같은 실패로 끝났고 다섯 번째 시도에서만 이미 중년의 눈이 멀고 병든 간진이 일본 수도 나라에 도착했습니다.

일본에서 간진은 불교법을 오랫동안 가르치지 않았습니다. 그의 삶의 극적인 사건들이 그의 건강을 해쳤습니다. 그러나 그의 권위는 너무 높아 아마도 그가 죽기 전에도 그의 조각품을 만들기로 결정했을 것입니다. 의심 할 여지없이 예술가 승려들은 조각품이 모델과 최대한 유사하도록 노력했습니다. 그러나 이것은 사람의 외모를 보존하기 위한 것이 아니라, 간진이 거쳐간 고난의 길, 불교의 가르침이 부르는 개인의 영적 체험을 포착하기 위한 것이었다.

대불 - 8세기 중반 나라 도다이지 사원의 대불

8세기 중반, 일본은 천재지변과 역병에 시달렸고 영향력 있는 후지와라 가문의 음모와 그들이 일으킨 반란으로 인해 쇼무 천황은 수도인 나라에서 도망칠 수밖에 없었습니다. 망명 중에 그는 불교의 가르침을 따르겠다고 맹세했고 743년에 나라의 주요 사원 건설을 시작하고 거대한 동상 Buddha Vairochana (Buddha Great Sun 또는 All Illuminating Light). 이 신은 불교 가르침의 창시자 석가모니 부처님의 보편적 화신으로 간주되었으며 불안과 반란의시기에 황제와 전국을 보호하는 보증인이되어야했습니다.

작업은 745년에 시작되었으며 중국 수도 뤄양 근처의 용문 동굴 사원에 있는 거대한 불상을 모델로 했습니다. 나라의 불상은 여느 부처상과 마찬가지로 "부처님의 크고 작은 표시"를 나타내야 했습니다. 이 도상적 정경에는 길쭉한 귓불이 포함되어 있는데, 이는 석가모니 부처가 왕자 가문 출신이고 어린 시절부터 무거운 귀걸이, 머리 꼭대기의 높이(우쉬니샤), 이마의 점(항아리)을 착용했다는 사실을 연상시킵니다.

불상의 높이는 16m, 얼굴의 폭은 5m, 펼친 손바닥의 길이는 3.7m, 항아리는 사람의 머리보다 컸다. 건설에는 444 톤의 구리, 82 톤의 주석 및 엄청난 양의 금이 필요했으며 특별히 북부에서 검색이 수행되었습니다. 신사를 보호하기 위해 동상 주위에 대불전이라는 홀이 세워졌습니다. 그 작은 공간에는 약간 몸을 숙이고 앉은 부처상이 전체 공간을 채우고 있으며, 이는 불교의 주요 가정 중 하나인 신이 편재하고 모든 곳에 퍼져 있으며 모든 것을 포용하고 채우고 있다는 생각을 설명합니다. 얼굴의 초월적인 고요함과 신의 손짓(무드라, 보호를 주는 몸짓)은 부처의 고요하고 웅장함과 힘의 느낌을 보완합니다.

그러나 오늘날에는 원래 동상의 몇 조각만 남아 있습니다. 12세기와 16세기에 화재와 전쟁으로 인해 동상이 막대한 피해를 입었고 현대 동상은 주로 18세기 주물입니다. 18세기 복원 과정에서 청동상은 더 이상 금으로 덮이지 않았습니다. 8세기 쇼무 천황의 ​​불교 열심은 국고를 거의 비우고 이미 충격을 받은 나라를 피흘리게 했으며, 이후의 통치자들은 더 이상 그러한 과도한 지출을 감당할 수 없었습니다.

그럼에도 불구하고 Daibutsu의 중요성은 금이 아니며 신뢰할 수있는 진품도 아닙니다. 불교 가르침의 이러한 장대 한 구체화에 대한 아이디어는 일본의 기념비적 예술이 진정한 개화를 경험 한 시대의 기념비입니다. 대륙 샘플을 맹목적으로 복사하고 무결성과 표현력을 얻었지만 나중에 손실되었습니다.

일본인들은 9-12세기 헤이안 시대(794-1185)에 사물에 숨겨진 아름다움을 발견하고 "모노노와레"(物の哀れ(もののあわれ))라는 특별한 개념으로 명명했습니다. 사물의 슬픈 매력. "사물의 매력"은 일본 문학에서 아름다움에 대한 가장 초기의 정의 중 하나이며, 모든 것이 고유한 신(카미)과 고유한 매력을 가지고 있다는 신도의 믿음과 관련이 있습니다. Avare는 기쁨과 흥분을 일으키는 사물의 내적 본질입니다.

- 와시(wasi) 또는 와가미(wagami).
수동 종이 만들기. 중세 일본인들은 와시를 실용적 가치뿐만 아니라 아름다움으로도 높이 평가했습니다. 그녀는 그녀의 미묘함, 거의 투명성으로 유명했지만 그녀의 힘을 박탈하지는 않았습니다. 와시는 코조(뽕나무) 나무와 다른 나무의 껍질로 만듭니다.
와시 종이는 수세기 동안 보존되어 왔으며, 이에 대한 증거는 수세기를 거쳐 현재까지 내려온 고대 일본 서예, 그림, 병풍, 판화의 앨범과 책입니다.
Vasya의 종이는 섬유질입니다. 현미경을 보면 공기와 햇빛이 침투하는 균열이 보입니다. 이 품질은 병풍과 일본 전통 등불 제조에 사용됩니다.
와시 기념품은 유럽인들에게 매우 인기가 있습니다. 이 종이로 지갑, 봉투, 부채 등 작고 유용한 물건을 많이 만듭니다. 내구성이 뛰어나면서도 가볍습니다.

- 고헤이.
종이 스트립의 부적. Gohei -종이 지그재그 스트립이 부착 된 신도 사제의 의식 지팡이. 같은 종이 조각이 신사 입구에 걸려 있습니다. 신도에서 종이의 역할은 전통적으로 매우 컸고 종이 제품은 항상 난해한 의미. 그리고 모든 것, 모든 현상, 심지어 단어에도 카미(신)가 포함되어 있다는 믿음은 고헤이와 같은 유형의 응용 예술의 출현을 설명합니다. 신도주의는 우리의 이교도와 다소 비슷합니다. 신도 신자의 경우, 카미는 특히 평범하지 않은 모든 곳에서 기꺼이 거주합니다. 예를 들어, 종이에. 그리고 오늘날 신사 입구 앞에 걸려 있고 사원에 신이 있음을 나타내는 복잡한 지그재그로 꼬인 고헤이에서 더욱 그렇습니다. 고헤이를 접는 방법은 20가지가 있는데, 특히 특이하게 접힌 것이 가미를 끌어당긴다. Gohei는 주로 흰색이지만 금색, 은색 및 기타 여러 색조도 있습니다. 9세기부터 일본에서는 스모 선수들이 시합을 시작하기 전에 벨트의 고헤이를 강화하는 관습이 있었습니다.

- 아네사마.
종이인형 제작입니다. 19세기에 사무라이 아내들은 아이들이 가지고 노는 종이 인형을 만들어 다른 옷을 입혔습니다. 장난감이 없던 시절, 아네사마는 아이들의 유일한 대담자로서 어머니, 누나, 아이, 친구의 역할을 "수행"했습니다.
인형은 일본 종이로 접고 머리카락은 구겨진 종이로 만들고 잉크로 염색하고 접착제로 덮어 광택을냅니다. 독특한 특징은 길쭉한 얼굴에 멋진 작은 코입니다. 오늘날에도 숙련된 손만 있으면 되는 이 간단한 장난감은 전통적인 형태로 이전과 같은 방식으로 계속 만들어지고 있습니다.

- 종이 접기.
종이 접기의 고대 기술(折り紙, 직역: "접힌 종이"). 종이 접기 기술은 종이가 발명된 고대 중국에 뿌리를 두고 있습니다. 처음에 종이 접기는 종교 의식에 사용되었습니다. 오랫동안 이러한 유형의 예술은 종이 접기 기술을 소유하는 것이 좋은 취향의 표시인 상류층 대표에게만 제공되었습니다. 제 2 차 세계 대전 이후에만 종이 접기는 동양을 넘어 미국과 유럽으로 건너가 즉시 팬을 찾았습니다. 클래식 종이 접기는 정사각형 종이로 접혀 있습니다.
가장 복잡한 제품의 접는 방식을 스케치하는 데 필요한 특정 기존 기호 세트가 있습니다. 재래식 기호의 대부분은 20세기 중반 일본의 유명한 거장 요시자와 아키라에 의해 실용화되었습니다.
고전적인 종이접기는 풀과 가위 없이 균일한 색상의 정사각형 종이 한 장을 사용하는 것을 규정합니다. 현대적인 형태예술은 때때로 이 정경에서 벗어납니다.

- 키리가미.
Kirigami는 여러 번 접은 종이를 가위로 여러 모양으로 자르는 기술입니다. 모형을 만드는 과정에서 가위와 종이 자르기를 사용할 수 있는 일종의 종이접기입니다. 이것은 kirigami와 다른 종이 접기 기술의 주요 차이점이며 이름에서 강조됩니다. 切る (kiru) - 자르기, 紙 (gami) - 종이. 우리 모두는 어린 시절에 눈송이를 자르는 것을 좋아했습니다. kirigami의 변형으로 눈송이뿐만 아니라이 기술을 사용하여 다양한 인물, 꽃, 화환 및 기타 귀여운 종이 물건을자를 수 있습니다. 이들 제품은 판화용 스텐실, 앨범 데코레이션, 엽서, 포토액자, 패션디자인, 인테리어 디자인 등 다양한 데코레이션에 활용될 수 있다.

- 꽃꽂이.
꽃꽂이, (jap 生け花 또는 いけばな)에서 번역 일본어- ike" - 생명, "bana" - 꽃 또는 "살아있는 꽃". 일본의 꽃꽂이 예술은 일본인의 가장 아름다운 전통 중 하나입니다. 꽃꽂이를 만들 때 꽃과 함께 자른 가지, 잎, 새싹을 사용하는데 기본 원칙은 절묘한 단순성이며 이를 달성하기 위해 식물의 자연미를 강조합니다. 꽃꽂이는 꽃의 아름다움과 구성을 창조하는 주인의 영혼의 아름다움이 조화롭게 결합된 새로운 자연 형태의 창조입니다.
오늘날 일본에는 4개의 주요 꽃꽂이 학교가 있습니다: Ikenobo(Ikenobo), Koryu(Koryu), Ohara(Ohara), Sogetsu(Sogetsu). 그들 외에도 이러한 학파 중 하나를 고수하는 약 천 가지의 다른 방향과 추세가 있습니다.

- 오리바나.
17세기 중반에 오하라(이케바나의 주요 형태 - 오리바나)와 고류(주요 형태 - 세크)의 두 유파가 이케노보에서 출발했습니다. 참고로 오하라 유파는 아직 오리바누만 공부하고 있습니다. 일본인이 말했듯이 종이 접기가 종이 접기로 바뀌지 않는 것이 매우 중요합니다. 고미는 일본어로 쓰레기라는 뜻입니다. 결국 종이 한 장을 접은 다음 어떻게해야합니까? Oribana는 인테리어 장식용 부케에 대한 많은 아이디어를 제공합니다. 오리바나 = 종이접기 + 꽃꽂이

- 실수.
플로리스트리에서 탄생한 미술의 일종. 플로리스트 리가 일본에 600년 이상 존재했지만 8년 전에 우리나라에 나타났습니다. 중세 시대에 사무라이는 전사의 길을 이해했습니다. 그리고 오시바나는 상형 문자를 쓰고 검을 휘두르는 것과 같은 그 길의 일부였습니다. 그 착오의 의미는 사토리(satori)의 완전한 현존 상태에서 주인이 말린 꽃(압화)의 그림을 만들었다는 것이다. 그러면 이 그림은 침묵 속으로 들어가 같은 사토리를 경험할 준비가 된 사람들을 위한 열쇠이자 지침이 될 수 있습니다.
"Oshibana"예술의 본질은 꽃, 허브, 잎, 나무 껍질을 압력을 받아 수집하고 건조하고 바닥에 붙임으로써 작가가 식물의 도움을 받아 진정한 "그림"작업을 만드는 것입니다. 즉, 잘못은 식물로 그림을 그리는 것입니다.
플로리스트의 예술적 창의성은 건조 식물 재료의 형태, 색상 및 질감의 보존을 기반으로 합니다. 일본인은 "오시바나" 그림이 색이 바래거나 어두워지는 것을 방지하는 기술을 개발했습니다. 그 본질은 유리와 그림 사이에 공기가 펌핑되고 ​​식물이 부패하는 것을 방지하는 진공이 생성된다는 것입니다.
그것은이 예술의 틀에 얽매이지 않을뿐만 아니라 식물의 특성에 대한 상상력, 맛, 지식을 보여줄 기회도 끌어들입니다. 플로리스트는 장신구, 풍경화, 정물화, 초상화, 이야기 그림을 만듭니다.

- 분재.
현상으로서의 분재는 중국에서 천 년 이상 전에 나타났지만 이 문화는 일본에서만 발전의 절정에 이르렀습니다. (분재 - 일본어 盆栽. "화분에 심기") - 실제 나무를 미니어처로 정확하게 복제하여 키우는 기술. 이 식물은 우리 시대보다 몇 세기 전에 불교 승려에 의해 재배되었으며 이후 지역 귀족의 활동 중 하나가되었습니다.
분재는 일본 가정과 정원을 장식했습니다. 도쿠가와 시대에 공원 설계는 새로운 자극을 받았습니다. 진달래와 단풍나무 재배는 부유층의 취미가 되었습니다. 드워프 작물 생산(하치노키 - "냄비 속의 나무")도 개발되었지만 당시의 분재는 매우 컸습니다.
이제 일반 나무가 분재에 사용되며 지속적인 가지 치기와 기타 다양한 방법으로 인해 작아집니다. 동시에 그릇의 부피에 의해 제한되는 뿌리 시스템의 크기 비율과 분재의 땅 부분은 자연의 성인 나무 비율에 해당합니다.

- 미즈히키.
마크라메 아날로그. 이것은 특수 끈으로 다양한 매듭을 묶고 그로부터 패턴을 만드는 고대 일본 응용 예술입니다. 이러한 예술 작품은 기프트 카드와 편지에서 헤어스타일과 핸드백에 이르기까지 매우 넓은 범위를 가졌습니다. 현재 mizuhiki는 선물 산업에서 매우 널리 사용됩니다. 인생의 모든 사건에 대해 선물은 매우 특정한 방식으로 포장되고 묶여 있어야 합니다. 미즈히키 기술에는 매우 많은 매듭과 구성이 있으며 모든 일본인이 이를 모두 암기하는 것은 아닙니다. 물론 가장 자주 사용되는 가장 일반적이고 간단한 매듭이 있습니다. 아이의 탄생 축하, 결혼식 또는 기념, 생일 또는 대학 입학을 위해.

- 쿠미히모.
Kumihimo는 일본 꼰 코드입니다. 실을 짜면 리본과 끈을 얻습니다. 이 끈은 Marudai 및 Takadai와 같은 특수 기계로 짜여져 있습니다. Marudai 기계는 둥근 끈을 짜는 데 사용되며 Takadai는 평평한 끈을 짜는 데 사용됩니다. 일본어로 Kumihimo는 "줄 짜기"(kumi - 짜기, 함께 접기, himo - 밧줄, 레이스)를 의미합니다. 역사가들이 스칸디나비아 인들과 안데스 산맥의 주민들 사이에서 비슷한 직조를 찾을 수 있다고 완고하게 주장한다는 사실에도 불구하고 일본의 kumihimo 예술은 실제로 가장 오래된 직조 유형 중 하나입니다. 그것에 대한 첫 번째 언급은 550년으로 거슬러 올라갑니다. 그때 불교는 일본 전역에 퍼졌고 특별한 의식에는 특별한 장식이 필요했습니다. 나중에 kumihimo 끈은 여성용 기모노의 오비 벨트 고정 장치, 전체 사무라이 무기고를 "포장"하는 로프로 사용되기 시작했습니다 (사무라이는 갑옷과 말 갑옷을 묶기 위해 장식 및 기능적 목적으로 kumihimo를 사용했습니다). 무거운 물건을 묶는 데에도 사용됩니다.
현대적인 쿠미히모의 다양한 패턴은 수제 골판지 베틀에서 매우 쉽게 짜여집니다.

- 코모노.
시간이 지나면 기모노는 어떻게 남습니까? 버려지고 있다고 생각합니까? 이런 건 없어! 일본인은 절대 그렇게 하지 않을 것입니다. 기모노는 비싸다. 그렇게 그냥 버리는 것은 상상도 할 수 없고 불가능합니다... 다른 유형의 기모노 재활용과 함께 공예가들은 작은 조각으로 작은 기념품을 만들었습니다. 이들은 어린 이용 작은 장난감, 인형, 브로치, 화환, 여성용 보석 및 기타 제품이며, 오래된 기모노는 총칭하여 "komono"라고하는 작고 귀여운 물건을 만드는 데 사용됩니다. 기모노의 길을 이어가며 스스로의 삶을 살게 될 작은 것들. 이것이 "코모노"라는 단어의 의미입니다.

- 칸자시.
천(주로 실크)으로 만든 머리핀(대부분 꽃(나비 등)으로 장식)을 장식하는 기술입니다. 일본 간자시(간자시)는 전통적인 일본 여성 헤어스타일을 위한 긴 머리핀입니다. 그들은 나무, 옻칠, 은, 대모갑은 중국과 일본의 전통 헤어스타일에 사용됩니다. 약 400년 전 일본에서는 여성의 헤어스타일 스타일이 바뀌었습니다. 기괴한 형태 - 니혼가미 다양한 아이템 사용 - 머리핀, 막대기, 빗. 손목 주얼리, 목걸이 등 헤어스타일 장식이 주 미인이자 자기표현의 장이었고, 가방의 맛과 두께를 과시하기도 했다. 주인처럼. 판화에서 자세히 보면 일본 여성들이 헤어 스타일에 값 비싼 칸자시를 20 개까지 쉽게 걸었던 방법을 볼 수 있습니다.
헤어스타일에 세련미와 우아함을 더하고 싶어하는 젊은 일본 여성들 사이에서 칸자시를 사용하는 전통이 이제 다시 부활하고 있습니다.

- 키누사이가.
일본의 놀라운 유형의 바느질. 기누사이가(絹彩画)는 바틱과 패치워크의 교차점입니다. 주요 아이디어는 새로운 그림이 오래된 비단 기모노(진정한 예술 작품)에서 함께 연결된다는 것입니다.
먼저 작가는 종이에 스케치를 한다. 그런 다음 이 도면을 나무판으로 옮깁니다. 패턴의 윤곽은 홈 또는 홈으로 절단된 다음 색상과 톤이 일치하는 작은 조각이 오래된 실크 기모노에서 절단되고 이러한 조각의 가장자리가 홈을 채웁니다. 그런 사진을 보고 있으면 마치 사진을 보고 있는 것 같은 느낌이 들기도 하고, 창밖의 풍경을 보기만 해도 너무 리얼하다.

- 테마리.
단순한 스티치로 만든 일본의 전통적인 기하학적 자수 공으로 한때 어린이 장난감이었으며 현재는 일본뿐만 아니라 전 세계적으로 많은 팬을 보유한 예술 형식이 되었습니다. 오래 전에 이러한 제품은 사무라이 아내가 오락을 위해 만든 것으로 여겨집니다. 처음에는 볼 게임의 공으로 실제로 사용되었지만 점차 예술적 요소를 습득하기 시작하여 나중에 장식용 장식품으로 변했습니다. 이 공의 섬세한 아름다움은 일본 전역에 알려져 있습니다. 그리고 오늘날 다채롭고 세심하게 만들어진 제품은 일본의 민속 공예품 중 하나입니다.

- 유비누키.
일본 골무는 손바느질이나 자수를 할 때 일하는 손의 가운데 손가락의 가운데 지골에 놓고 손가락 끝으로 바늘에 원하는 방향을 부여하고 바늘을 가운데 고리를 통해 밀어 넣습니다. 일하는 손가락. 처음에 일본 유비누키 골무는 아주 간단하게 만들어졌습니다. 약 1cm 너비의 촘촘한 천이나 가죽 조각을 여러 층으로 손가락에 단단히 감싸고 몇 가지 간단한 장식 스티치로 고정했습니다. 유비눅스 시절부터 필요한 과목모든 집에서 그들은 실크 실로 기하학적 자수로 장식되기 시작했습니다. 스티치의 엇갈림에서 다채롭고 복잡한 패턴이 만들어졌습니다. 단순한 생활용품이던 유비누키도 일상의 장식인 '감탄'의 오브제로 탈바꿈했다.
유비누키는 여전히 바느질과 자수에 사용되지만 장식용 반지처럼 단순히 손가락에 끼는 것도 볼 수 있습니다. 유비누키 스타일의 자수는 냅킨 링, 팔찌, 테마리 스탠드, 유비누키 자수로 장식된 반지 형태의 다양한 물건을 장식하는 데 사용되며 같은 스타일의 자수 바늘 침대도 있습니다. 유비누키 패턴은 테마리 오비 자수에 큰 영감을 줄 수 있습니다.

- Suibokuga 또는 sumie.
일본 수묵화. 이 중국 스타일의 그림은 14세기와 15세기 말에 일본 예술가들에 의해 채택되었습니다. 일본 회화의 주류가 되었다. 스이보쿠가는 단색입니다. 흑묵(수묵)을 사용하는 것이 특징이며, 입체적인 형태 숯또는 중국 잉크의 그을음으로 만들어 먹병에 갈아서 물로 희석하고 붓으로 종이나 실크에 바릅니다. 모노크롬은 중국인들이 오래 전에 잉크의 "색상"으로 인식했던 끝없는 색조 옵션을 마스터에게 제공합니다. Suibokuga는 때때로 실제 색상의 사용을 허용하지만 항상 잉크 라인에 종속되는 얇고 ​​투명한 획으로 제한합니다. 수묵화는 엄격하게 통제된 표현과 형태의 기술적인 숙달과 같은 본질적인 특성을 서예 예술과 공유합니다. 수묵화의 질은 서예에서와 마찬가지로 잉크로 그린 선의 온전함과 찢어짐에 대한 저항으로 귀결됩니다. 말하자면 뼈가 조직을 유지하듯이 예술 작품을 자체적으로 유지하는 것입니다.

- 에테가미.
그려진 엽서 (e - 그림, 태그 - 편지). DIY 엽서 만들기는 일반적으로 일본에서 매우 인기 있는 활동이며 연휴 전에 인기가 더욱 높아집니다. 일본인은 친구에게 엽서를 보내는 것을 좋아하고 친구도 받는 것을 좋아합니다. 이것은 특수 공백에 대한 일종의 빠른 편지이며 봉투없이 우편으로 보낼 수 있습니다. 에테가미에 없다 특별 규칙또는 기술자, 특별한 교육을 받지 않은 사람이면 누구나 될 수 있습니다. Etagami는 기분, 인상을 정확하게 표현하는 데 도움이되며 따뜻함, 열정, 관심, 사랑 등 보낸 사람의 감정을 전달하는 그림과 짧은 편지로 구성된 수제 엽서입니다. 그들은 계절, 활동, 야채와 과일, 사람과 동물을 묘사한 명절을 위한 엽서를 보냅니다. 이 그림은 단순하게 그릴수록 더 재미있어 보입니다.

- 보자기.
일본식 포장 기술 또는 천 접기 기술. 보자기는 오랫동안 일본인의 삶에 들어갔습니다. 가마쿠라-무로마치 시대(1185-1573)의 고대 두루마리에는 머리에 천으로 감싼 옷 다발을 들고 있는 여성의 이미지가 보존되어 있습니다. 이 흥미로운 기술은 일찍이 710-794년 일본에서 시작되었습니다. "후로시키"라는 단어는 문자 그대로 "목욕 깔개"로 번역되며 모든 모양과 크기의 물건을 포장하고 운반하는 데 사용되는 정사각형 천 조각입니다.
예전에는 방문객들이 집에서 가져온 가벼운 면 기모노를 입고 일본식 목욕탕(후로)에 들어가는 것이 관례였습니다. 목욕하는 사람은 옷을 벗을 때 서 있던 특별한 양탄자(시키)도 가져왔습니다. "목욕" 기모노로 갈아입은 방문객은 옷을 깔개로 감싸고, 목욕 후에는 젖은 기모노를 깔개로 싸서 집으로 가져옵니다. 따라서 욕실 매트는 다기능 가방이 되었습니다.
보자기는 사용하기 매우 쉽습니다. 천은 포장하는 물체의 모양을 취하고 손잡이가 있어 짐을 쉽게 옮길 수 있습니다. 또한 딱딱한 종이가 아닌 부드러운 다층 천으로 포장 된 선물은 특별한 표현력을 얻습니다. 매일 또는 축제를 위해 다양한 방법으로 보자기를 접을 수 있습니다.

- 아미구루미.
작은 박제 동물과 인간형 생물을 뜨개질하거나 뜨개질하는 일본 예술. 아미구루미(編み包み, lit.: "뜨개질로 감싼")는 대부분 귀여운 동물(곰, 토끼, 고양이, 개 등), 작은 사람이지만 인간의 속성이 부여된 무생물일 수도 있습니다. 예를 들어, 컵케이크, 모자, 핸드백 등. Amigurumi는 뜨개질을하거나 뜨개질을하거나 뜨개질을합니다. 최근 크로 셰 아미 구루미는 점점 더 대중화되고 보편화되었습니다.
간단한 편직 방법으로 원사로 편직-나선형으로 유럽 편직 방법과 달리 원은 일반적으로 연결되지 않습니다. 또한 실의 굵기에 비해 더 작은 크기로 코바늘로 뜨개질을 하여 충전물이 나올 틈이 없는 매우 조밀한 직물을 만듭니다. 아미구루미는 팔다리가 없고 머리와 몸통만 있어 하나의 전체인 일부 아미구루미를 제외하고는 부품으로 만든 다음 조립하는 경우가 많습니다. 팔다리는 때때로 플라스틱 조각으로 채워져 생체중을 제공하는 반면 신체의 나머지 부분은 섬유질로 채워집니다.
아미구루미 미학의 확산은 그들의 귀여움("카와이")에 의해 촉진됩니다.