일본 문화. 일본 미술 - 역사 - 소개 - 흥미로운 일본 — LiveJournal

일본화는 세계에서 가장 아름다운 그림 중 하나입니다.

일본화는 가장 오래되고 놀라운 창의성 유형 중 하나입니다. 다른 것과 마찬가지로 오랜 역사를 가지고 있으며 기술과 특징에 따라 여러 기간으로 나눌 수 있습니다. 모든 시대에 공통된 것은 자연이며 그림의 주요 장소입니다. 일본 미술에서 인기 2위는 삶의 국내 장면입니다.

야마토

야마토(VI-VII 세기) - 글쓰기의 토대를 마련한 일본 미술의 첫 번째 기간. 예술 발전의 원동력은 종교와 문학 분야에서 중국이 이룬 성과였다. 일본은 서둘러 그의 수준으로 올라가 구조를 바꾸고 모든 것을 중국처럼 건설했습니다. 회화의 발전을 위해 중국 거장들의 수많은 작품을 일본으로 가져와 비슷한 그림을 만들기 위해 대담하게 서두른 일본인에게 영감을주었습니다.

다카마츠즈카 고분의 그림

이 기간은 두 개의 하위 기간으로 구성됩니다.

• 고분- 야마토 전반을 차지하는 일본 미술의 시대. 기간의 이름은 "무덤의 기간"으로 번역됩니다. 그 당시에는 실제로 마운드가 큰 역할을 맡아 모든 곳에서 만들어졌습니다.
• 아스카- 야마토 시대 후반부. 이 기간은 그 해에 활동했던 국가의 정치 중심지의 이름을 따서 명명되었습니다. 그것은 일본에 불교가 도래한 것과 관련이 있으며 앞으로는 모든 문화 분야의 활발한 발전과 관련이 있습니다.

나라

중국에서 건너온 불교가 일본에 활발히 전파되면서 예술에 종교적 주제가 등장하는 데 기여했다. 이 주제에 사로 잡힌 일본 예술가들은 영향력있는 인물이 만든 사원의 벽을 그렸습니다. 현재까지 호류지 절은 당시의 벽화를 보존하고 있습니다.

아즈치모모야마

이 기간은 전임자와 정반대입니다. 우울함과 단색은 작품에서 사라지고 밝은 색상과 금색과 은색의 사용으로 대체됩니다.

사이프러스. 화면. 카노 에이토쿠.

메이지

19세기에 일본화는 전통화와 유럽화로 분단되기 시작하여 격렬하게 경쟁하였다. 이 기간 동안 일본에서는 엄청난 정치적 변화가 일어났습니다. 그해 유럽의 영향은 행성의 거의 모든 구석에 영향을 미쳐 각 주에 자체 기능을 도입했습니다. 유럽 ​​스타일의 예술은 오래된 전통을 거부하면서 당국의 적극적인 지원을 받았습니다. 그러나 곧 서양화에 대한 흥분은 금세 가라앉고 전통 미술에 대한 관심은 급격히 돌아왔다.

일본화의 발전업데이트: 2017년 9월 15일 작성자: 애인

고대부터 일본 미술은 능동적 창조성이 특징이었습니다. 새로운 예술적, 미적 경향이 끊임없이 등장하는 중국에 대한 의존에도 불구하고 일본 예술가들은 항상 새로운 기능을 도입하고 교사의 예술을 변경하여 일본적인 모습을 부여했습니다.

이와 같은 일본의 역사는 5세기 말에 이르러서야 명확한 형태를 갖추기 시작합니다. 이전 세기(고대 시대)로 거슬러 올라가는 항목은 상대적으로 거의 발견되지 않았지만 발굴 중이나 건설 작업 중에 발견된 일부 항목은 놀라운 예술적 재능을 말해줍니다.

고풍 시대.

일본 미술의 가장 오래된 작품은 조몬 유형(코드 인상)의 토기입니다. 이름은 주인이 그릇을 만들 때 사용한 막대기에 끈을 감은 나선형 모양으로 표면을 장식한 데서 유래합니다. 아마도 처음에 주인은 우연히 고리 버들 세공 지문을 발견했지만 의식적으로 사용하기 시작했습니다. 때로는 코드 모양의 점토 컬이 표면에 달라 붙어 더 복잡한 장식 효과, 거의 안도감이 생겼습니다. 최초의 일본 조각은 조몬 문화에서 시작되었습니다. 사람이나 동물의 도구(점토 형상)는 일종의 종교적 의미를 가졌을 것입니다. 주로 여성인 사람의 이미지는 다른 원시 문화의 점토 여신과 매우 유사합니다.

방사성탄소 분석에 따르면 조몬 문화에서 발견된 일부는 기원전 6-5천년까지 거슬러 올라갈 수 있지만 그러한 초기 연대는 일반적으로 인정되지 않습니다. 물론 그러한 요리는 오랫동안 만들어졌으며 정확한 날짜는 아직 정할 수 없지만 세 가지 기간으로 구별됩니다. 가장 오래된 샘플은 바닥이 뾰족하고 도공 도구의 흔적을 제외하고 거의 장식이 없습니다. 중기의 그릇은 더 풍부하게 장식되어 있으며 때로는 양감 있는 느낌을 주는 성형 요소가 있습니다. 제3기 그릇의 형태는 매우 다양하지만 장식은 다시 납작해지고 절제된다.

대략 2 세기. 기원전. Jōmon 도자기는 형태의 우아함, 디자인의 단순함 및 높은 기술적 품질을 특징으로 하는 Yayoi 도자기에 자리를 내주었습니다. 그릇의 파편은 얇아졌고 장식은 덜 변덕스러웠습니다. 이 유형은 3세기까지 널리 퍼졌습니다. 기원 후

예술적인 관점에서 보면 아마도 최고의 작품초기에는 3-5세기로 거슬러 올라가는 점토 원통인 카니바(khaniva)가 있습니다. 기원 후 이 시대의 특징적인 기념물은 거대한 언덕 또는 고분, 황제의 매장 구조 및 강력한 귀족입니다. 종종 매우 큰 사이즈, 그들은 황실과 궁중의 권력과 부의 증거입니다. Nintoku-tenno 천황(c. 395-427 AD)을 위해 그러한 구조물을 건설하는 데 40년이 걸렸습니다. 이 손수레의 가장 두드러진 특징은 울타리, khaniva처럼 그들을 둘러싼 점토 실린더였습니다. 일반적으로 이러한 실린더는 매우 단순했지만 때로는 인간의 모습으로 장식되었으며 덜 자주 말, 집 또는 수탉의 모습으로 장식되었습니다. 그들의 목적은 두 가지였습니다. 엄청난 양의 지구의 침식을 방지하고 고인에게 지상 생활에 필요한 모든 것을 공급하는 것입니다. 당연히 실린더는 대량으로 즉시 만들어졌습니다. 그들을 장식하는 인물들의 다양한 주제, 얼굴 표정 및 몸짓은 주로 주인의 즉흥 연주의 결과입니다. 화가나 조각가가 아닌 장인의 작품이지만 일본 고유의 예술 형식으로서 매우 중요합니다. 건물, 담요에 싸인 말, 청초한 숙녀와 전사는 초기 봉건 일본의 군사 생활에 대한 흥미로운 그림을 제시합니다. 이 원기둥의 원형이 중국에 나타났을 가능성이 있습니다. 중국에서는 다양한 물건이 매장에 직접 배치되었지만 하니와의 실행과 사용은 지역 전통에 속합니다.

고대는 종종 높은 예술적 수준의 작품이 없는 시대, 주로 고고학적, 민족학적 가치를 지닌 것들이 지배하는 시대로 여겨집니다. 그러나 이 작품은 기억해야 한다. 초기 문화그 형태가 살아남아 후대에 일본 미술의 특정한 국가적 특징으로 계속 존재했기 때문에 일반적으로 큰 생명력을 가졌습니다.

아스카 시대

(서기 552-710년). 6세기 중반에 불교가 소개되었다. 일본인의 생활 방식과 사고 방식에 중대한 변화를 가져왔으며 이 시대와 그 이후의 예술 발전의 원동력이 되었습니다. 중국에서 한국을 통해 불교가 들어온 것은 전통적으로 서기 552년으로 거슬러 올라가지만 아마도 그보다 더 일찍 알려졌을 것입니다. 초기에 불교는 국교인 신도에 대한 정치적 반대에 직면했지만 불과 수십 년 후에 새로운 신앙이 공식 승인을 받고 마침내 확립되었습니다. 일본에 침투한 초기에 불교는 형상을 필요로 하는 소수의 신이 있는 비교적 단순한 종교였지만 약 100년 후에는 힘을 얻어 판테온이 엄청나게 성장했습니다.
이 기간 동안 신앙 증진의 목적뿐만 아니라 예술과 교육의 중심지인 사원이 세워졌습니다. Horyu-ji의 수도원 사원은 초기 불교 예술 연구에 가장 중요한 것 중 하나입니다. 다른 보물 중에는 위대한 삼신상인 Syaka-Nerai(623 AD)의 동상이 있습니다. 우리에게 알려진 최초의 위대한 일본 조각가인 Tori Busshi의 이 작품은 양식화된 청동 이미지로 중국의 거대한 동굴 사원에 있는 유사한 그룹과 유사합니다. 앉아 있는 샤키(역사적인 부처인 "석가모니"라는 단어의 일본어 표기)와 그 옆에 서있는 두 인물의 자세에서 엄격한 정면성이 관찰됩니다. 인체의 형태는 개략적으로 표현된 옷의 두터운 대칭적 주름으로 가려져 있고, 매끈하고 길쭉한 얼굴에서 몽환적인 자아도취와 사색을 느낄 수 있다. 이 첫 번째 불교 시대의 조각은 50년 전 본토의 양식과 원형을 기반으로 합니다. 한국을 통해 일본에 전해진 중국의 전통을 충실히 따르고 있다.

이 시대의 가장 중요한 조각품 중 일부는 청동으로 만들어졌지만 나무도 사용되었습니다. 가장 유명한 두 개의 목조 조각은 호류지에 있는 여신 관음상인 Yumedono Kannon과 Kudara Kannon입니다. 그들은 고풍스러운 미소와 몽환적인 표정으로 샤키 삼신보다 더 매력적인 숭배의 대상입니다. 관음상의 옷자락 배열도 도식적이고 대칭적이지만 가볍고 움직임이 풍부합니다. 키가 크고 날씬한 인물은 얼굴의 영성과 추상적인 친절을 강조하며 세상의 모든 관심사에서 멀리 떨어져 있지만 고통받는 사람들의 간청에 민감합니다. 조각가는 옷주름에 가려진 쿠다라 관음의 윤곽에 주목했고, 유메도노의 들쭉날쭉한 실루엣과 대비하여 인물과 천의 움직임이 깊이 있게 연출되었습니다. Kudar의 프로필에서 Kannon은 우아한 S 자 모양을 가지고 있습니다.

7세기 초의 양식에 대한 아이디어를 제공하는 유일하게 살아남은 그림의 예는 "날개 달린 신사"인 Tamamushi Zushi입니다. 이 소형 성소는 구멍이 뚫린 금속 프레임에 설치된 무지개 빛깔의 딱정벌레 날개에서 그 이름을 따왔습니다. 나중에 그것은 유색 래커로 만든 종교적 구성과 개별 인물의 인물로 장식되었습니다. 이 시기의 조각처럼 일부 이미지는 디자인의 자유도가 매우 높습니다.

나라 시대

(710-784). 710년에 수도를 나라로 옮겼다. 신도시, 중국 수도 장안의 모델을 기반으로 지어졌습니다. 넓은 거리, 큰 궁전, 수많은 불교 사원이 있었습니다. 모든 측면의 불교뿐만 아니라 전체 중국 문화와 정치 생활롤모델로 인식. 아마도 다른 어떤 나라도 자기 문화의 부족함을 이만큼 느끼지 못했고 외부 영향에 그렇게 민감하지 않았을 것입니다. 학자와 순례자들은 일본과 본토 사이를 자유롭게 오가며 행정과 궁궐 생활은 당나라 때 중국을 모델로 삼았습니다. 그러나 당나라의 모델을 모방했음에도 불구하고, 특히 예술 분야에서 당나라의 영향과 스타일을 인지한 일본인은 거의 항상 외국 양식을 자신의 것으로 받아들였다는 사실을 기억해야 합니다.

조각에서는 이전 아스카 시대의 엄격한 정면성과 대칭성이 보다 자유로운 형태에 자리를 내주었다. 신에 대한 아이디어의 발전, 향상된 기술 및 재료 소유권의 자유로 인해 아티스트는 더 가깝고 접근하기 쉬운 상징적 이미지를 만들 수 있었습니다. 새로운 불교 종파의 설립은 판테온을 확장하여 성인과 불교의 창시자까지 포함시켰습니다. 청동 조각 외에도 나무, 점토 및 옻칠로 만든 많은 작품이 알려져 있습니다. 이 돌은 희귀했고 조각에 거의 사용되지 않았습니다. 건식 래커는 특히 인기가 많았는데, 아마도 구성을 준비하는 과정의 복잡성에도 불구하고 그것으로 만든 작품이 나무보다 더 장관을 이루고 제조하기 쉬운 점토 제품보다 강했기 때문일 것입니다. 옻칠 인형은 나무나 흙으로 만든 기초 위에 만든 다음 제거하거나 나무나 철조망 위에 만들었다. 그들은 가볍고 강했습니다. 이 기술은 포즈에 약간의 경직성을 요구했지만 얼굴 묘사에는 많은 자유가 허용되었으며 이는 부분적으로는 초상화 조각이라고 할 수 있는 것의 발전에 부분적으로 기여했습니다. 신의 얼굴 이미지는 불교 경전의 엄격한 처방에 따라 수행되었지만 일부 신앙의 창시자와 설교자의 인기와 신격화까지 초상화 유사성을 전달할 수있는 훌륭한 기회를 제공했습니다. 이러한 유사성은 도쇼다이지 사원에 위치한 일본에서 존경받는 중국 총대주교 겐진의 건칠 조각에서 찾을 수 있습니다. 겐진은 753년 일본에 도착했을 때 눈이 멀었고, 보이지 않는 눈과 깨달은 내면의 사색 상태는 알려지지 않은 조각가에 의해 아름답게 표현되었습니다. 이러한 사실주의 경향은 13~14세기 조각가 고쇼가 만든 설교자 구이의 목각에서 가장 잘 드러난다. 설교자는 지팡이, 징, 망치를 들고 방랑하는 거지 복장을 하고 반쯤 벌린 입에서 작은 부처상이 나온다. 노래하는 스님의 이미지에 만족하지 못한 조각가는 그의 말의 가장 깊은 의미를 표현하려고 시도했습니다.
나라 시대의 불상도 사실주의가 뛰어납니다. 날로 늘어나는 사찰을 위해 만들어진 이 사원은 전임자처럼 냉정하고 소박하지 않으며, 더 우아한 아름다움과 고귀함을 지니고 있으며, 그들을 숭배하는 사람들에게 더 호의를 베풀고 있습니다.

이 시대의 그림은 거의 남아 있지 않습니다. 종이에 그린 다색 그림은 부처님의 과거와 현재 삶을 묘사합니다. 이것은 emakimono 또는 두루마리 그림의 몇 안되는 고대 사례 중 하나입니다. 두루마리는 오른쪽에서 왼쪽으로 천천히 펴졌고 보는 사람은 두루마리를 펴는 손 사이에 있는 그림의 일부만 즐길 수 있었습니다. 삽화는 텍스트의 섹션이 설명 이미지와 번갈아 나타나는 후기 두루마리와 달리 텍스트 바로 위에 있습니다. 이 가장 오래 살아남은 두루마리 그림의 예에서 윤곽선이 거의 없는 풍경을 배경으로 윤곽선이 있는 그림이 설정되고 중심 인물인 Syaka가 다양한 에피소드에 등장합니다.

초기 헤이안

(784-897). 784년에 수도는 부분적으로는 나라의 불교 승려들의 지배를 피하기 위해 일시적으로 나가오카로 옮겨졌습니다. 794년에 그녀는 더 오랜 기간 동안 헤이안(지금의 교토)으로 이사했습니다. 8~9세기 후반 일본이 자신의 특성에 맞게 많은 외국 혁신을 성공적으로 동화시킨시기였습니다. 불교도 의례와 에티켓이 발달한 새로운 밀교 종파의 출현이라는 변화의 시기를 겪었다. 이 중 가장 영향력이 큰 것은 인도에서 발원하여 중국에 전해진 천태종과 진언종으로, 그곳에서 두 명의 학자가 오랜 도제 기간을 거쳐 고국으로 돌아온 후 일본으로 건너왔습니다. 진언종("진실한 말")은 특히 궁중에서 사랑을 받았고 빠르게 지배적인 위치를 차지했습니다. 주요 수도원은 교토 근처의 고야산에 있었습니다. 다른 중요한 불교 센터와 마찬가지로 그들은 거대한 예술 기념물 컬렉션의 저장소가되었습니다.

조각 9세기 c. 대부분 나무였다. 신의 이미지는 엄숙함과 거대함으로 강조된 엄격함과 접근하기 어려운 웅장 함으로 구별되었습니다. 휘장은 표준 패턴에 따라 능숙하게 자르고 스카프는 파도에 눕습니다. 무로지 사찰의 석기 입상이 이러한 양식의 한 예입니다. 이것과 9 세기의 유사한 이미지를 위해. 더 깊고 선명한 주름 및 기타 세부 사항이 있는 단단한 조각이 특징입니다.

신의 수의 증가는 예술가들에게 큰 어려움을 안겨주었습니다. 복잡하고 지도와 같은 만다라(마법적인 의미를 지닌 기하학적 디자인)에서 신들은 중앙에 배치된 부처를 중심으로 계층적으로 배열되었으며, 부처는 그 자신이 절대자의 한 현시일 뿐이었습니다. 이때 화염에 휩싸인 수호신의 모습이 끔찍하지만 본질적으로 자비로운 모습을 묘사하는 새로운 방식이 등장했습니다. 이 신들은 비대칭적으로 배열되어 움직이는 포즈로 묘사되었으며, 무서운 얼굴 특징으로 인해 발생할 수 있는 위험으로부터 신앙을 맹렬히 보호합니다.

헤이안 중기와 후기 후지와라 시대

(898-1185). 성직자들의 어려운 요구를 피하기 위한 헤이안으로의 수도 이전도 정치 체제에 변화를 가져왔다. 귀족이 지배적인 세력이었고 후지와라 가문이 가장 특징적인 대표자가 되었습니다. 기간 10-12세기. 종종 이 이름과 관련이 있습니다. 진정한 황제가 시와 그림을 더 즐겁게 추구하기 위해 국가 문제를 제쳐두도록 "강력하게 권고"받은 특별한 권력의 시대가 시작되었습니다. 성인이 될 때까지 황제는 일반적으로 Fujiwara 가족의 엄격한 섭정이 이끌었습니다. 문학, 서예 및 예술 분야에서 사치와 놀라운 업적의 시대였습니다. 모든 것이 나른하고 감정적으로 느껴졌고 깊이에 도달하는 경우는 거의 없었지만 전체적으로 매력적이었습니다. 우아한 세련미와 도피주의가 이 시대의 예술에 반영되었습니다. 불교 신자들도 더 쉬운 방법을 찾고 있었고 특히 천상 부처인 아미다 숭배가 인기를 끌었습니다. 아미다 부처님의 연민과 구원의 은총은 이 시대의 회화와 조각에 깊이 반영되어 있습니다. 9세기 동상의 거대함과 자제력. 10-11세기에. 행복과 매력을 선사했습니다. 신들은 몽환적이고 신중하게 차분한 것으로 묘사되며 조각은 덜 깊어지고 표면은 더 다채롭고 풍부한 질감이 있습니다. 이 시기의 가장 중요한 기념물은 조각가 조초의 작품입니다.
예술가의 작품은 또한 천에 그림을 연상시키는 부드러운 기능과 끔찍한 신까지도 얻었습니다. 신앙의 수호자는 덜 위협적이었습니다. 경전(불교 경전)은 짙은 푸른색 종이에 금색과 은색으로 쓰여졌으며 경전의 훌륭한 서예는 종종 작은 삽화가 선행되었습니다. 최대 인기있는 목적지불교와 관련 신들은 초기 불교의 가혹한 이상에서 점차 벗어나는 귀족의 선호도를 반영합니다.

이 시기의 분위기와 그의 작품은 894년 중국과의 국교가 단절된 것과 부분적으로 연결되어 있다. 이러한 단절에 따른 외딴 섬의 존재는 일본인으로 하여금 그들 자신의 문화로 전환하고 새롭고 더 순수한 일본식 스타일을 개발하도록 자극했습니다. 사실, 10-12세기의 세속적인 그림입니다. 기술과 구성 및 플롯 모두에서 거의 전적으로 일본인이었습니다. 야마토에라고 불리는 이 일본 ​​두루마리의 독특한 특징은 엔기 플롯(기원, 역사)이 우세하다는 것입니다. 중국 두루마리는 광대 한 놀라운 자연, 산, 개울, 바위 및 나무의 파노라마를 가장 자주 묘사하고 사람은 상대적으로 중요하지 않은 것처럼 보였지만 그림과 텍스트의 일본인 서술 두루마리에서는 사람이 가장 중요했습니다. 풍경은 들려지는 이야기의 배경 역할만 했을 뿐, 메인에 종속되었다. 연기하는 사람또는 사람. 많은 두루마리는 유명한 불교 설교자 또는 역사적 인물의 삶, 여행 및 군사 작전에 대한 연대기를 그렸습니다. 다른 사람들은 귀족과 예절의 삶에서 낭만적인 에피소드에 대해 이야기했습니다.

초기 두루마리의 외관상 독특한 스타일은 불교 공책 페이지의 단순한 잉크 스케치에서 비롯되었습니다. 이것은 동물의 이미지를 통해 인간의 행동을 풍자화하는 능숙한 그림입니다. 부풀린 개구리를 숭배하는 수도원 옷을 입은 원숭이, 산토끼, 원숭이 및 개구리 간의 경쟁. 이들과 다른 헤이안 후기 두루마리는 13세기와 14세기에 발전된 양식의 더 복잡한 이야기 ​​두루마리의 기초를 제공했습니다.

가마쿠라 시대

(1185-1392). 12세기 후반 일본의 정치 및 종교 생활은 물론 예술에도 심각한 변화를 가져왔습니다. 교토 법원의 우아함과 심미주의가 대체되었거나 "특별한"통치의 전통에서 새롭고 가혹하고 용감한 통치 인 가마쿠라 막부의 형태로 "추가"되었습니다. 교토는 명목상 수도로 남아 있었지만 쇼군 미나모토노 요리토모(1147-1199)는 가마쿠라 시에 본부를 세웠고 불과 25년 만에 엄격한 군사 독재와 봉건 체제를 확립했습니다. 일반 재가자들이 이해할 수 없을 정도로 복잡하고 의례화되었던 불교도 예술의 후원을 약속하지 않는 큰 변화를 겪었다. Honen Shonin (1133-1212)의 지도 아래 아미다 부처님을 숭배하는 요도 ( "정토") 종파는 부처와 신의 위계를 개혁하고 단순히 아미다를 믿는 모든 사람에게 구원의 희망을주었습니다. 쉽게 도달할 수 있는 낙원에 대한 이 교리는 후에 신종의 창시자인 또 다른 승려인 신란(1173-1262)에 의해 단순화되었습니다. "나무 아미타 불"(첫 번째 단어는 "제출"을 의미하고 두 번째 단어는 "부처 아미다")를 반복합니다. 영혼을 구하는 이 간단한 방법은 매우 매력적이었고 지금은 수백만 명이 그것을 사용합니다. 한 세대 후, 이 종파의 이름을 딴 호전적인 설교자 니치렌(1222-1282)은 이 단순화된 형태의 종교를 버렸습니다. 그의 추종자들은 즉각적이고 무조건적인 구원을 약속하지 않는 법화경을 숭배했습니다. 그의 설교는 종종 정치적인 주제를 다루었고 그의 신념과 교회와 국가의 개혁 제안은 가마쿠라의 새로운 전사 계층에 호소했습니다. 마지막으로 일찍이 8세기에 등장한 선(禪) 철학은 그 시대의 불교 사상에서 점점 더 큰 역할을 하기 시작했습니다. Zen은 신과 연결하려는 인간의 탐구를 방해할 수 있는 모든 이미지에 대한 명상과 경멸의 중요성을 강조했습니다.

그래서 종교사상이 이전에 예배에 필요한 그림과 조각의 수를 제한하던 시기였습니다. 그럼에도 불구하고 일본 예술의 가장 훌륭한 작품 중 일부는 가마쿠라 시대에 만들어졌습니다. 자극은 예술에 대한 일본인의 내재적 사랑 이었지만 퍼즐의 핵심은 교리가 아니라 새로운 신조에 대한 사람들의 태도입니다. 실로 작품 자체가 창작의 이유를 암시하고 있다. 생명력과 에너지가 넘치는 조각과 그림 중 상당수가 초상화이기 때문이다. 선철학은 일반적인 종교적 숭배 대상을 깨달음의 장벽으로 여겼을지 모르지만 스승을 존경하는 전통은 상당히 수용 가능했습니다. 초상화 자체는 숭배의 대상이 될 수 없습니다. 초상화에 대한 이러한 태도는 선불교에만 국한된 것이 아니었습니다. 정토종의 많은 대신들은 거의 불교의 신처럼 숭배되었습니다. 초상화 덕분에 mieido 또는 초상화 예배당이라는 새로운 건축 양식도 나타났습니다. 리얼리즘의 급속한 발전은 전적으로 시대정신에 있었다.
그림 같은 성직자의 초상화가 실제로 이미지라는 사실에도 불구하고 특정 인물, 그들은 종종 중국 불교 창시자를 묘사하는 그림을 재 작업했습니다. 그들은 설교하고 입을 벌리고 손짓을 하는 모습으로 그려져 있었다. 때때로 탁발 수도승들이 믿음의 영광을 위해 험난한 여정을 하는 것으로 묘사되었습니다.

가장 인기 있는 플롯 중 하나는 라이고(원하는 도착)로, 그의 동료들과 함께 아미다 부처님이 임종한 신자의 영혼을 구해 낙원으로 옮기기 위해 구름을 타고 내려오는 모습을 묘사했습니다. 그러한 이미지의 색상은 종종 적용된 금으로 강화되었으며 물결 모양의 선, 펄럭이는 망토, 소용돌이 치는 구름은 부처의 강림에 운동감을 부여했습니다.

12세기 후반과 13세기 초에 활동한 운케이는 가마쿠라 시대에 조각가들이 가장 좋아하는 재료로 남아 있는 목재 조각을 더 쉽게 만드는 혁신의 저자였습니다. 이전에는 그림이 잘린 데크 또는 통나무의 크기와 모양에 따라 마스터가 제한되었습니다. 팔과 의복 요소는 별도로 중첩되었지만 완성된 조각은 종종 원래의 원통형 모양과 유사했습니다. 새로운 기술에서는 수십 개의 작은 조각을 서로 조심스럽게 끼워 속이 빈 피라미드를 형성한 다음 견습생이 대략적으로 그림을 잘라낼 수 있었습니다. 조각가는 더 가단성 있는 재료와 더 복잡한 형태를 만들 수 있는 능력을 마음대로 사용할 수 있었습니다. 펄럭이는 망토와 예복을 입은 근육질의 신전 경비병과 신들은 수정이나 유리가 그들의 눈구멍에 삽입되기 시작했기 때문에 더욱 살아 있는 것처럼 보였습니다. 조각상은 금박을 입힌 청동으로 장식되기 시작했습니다. 나무가 건조되면서 더 가벼워지고 갈라질 가능성이 줄었습니다. Unkei의 아들 Kosho의 작품인 Kuya Shonin의 언급된 목상은 초상화 조각에서 가마쿠라 시대의 사실주의 최고 성취를 보여줍니다. 실제로 그 당시 조각은 발전의 정점에 도달했으며 이후 더 이상 예술에서 그렇게 두드러진 위치를 차지하지 않았습니다.

세속화도 당시의 정신을 반영했다. 절제된 색채와 우아한 선으로 표현된 헤이안 시대 말기의 두루마리는 겐지 왕자의 낭만적인 모험이나 은둔한 궁녀들의 오락에 대해 이야기합니다. 이제 가마쿠라 시대의 예술가들은 밝은 색상과 활기찬 획으로 호전적인 씨족의 전투, 화염에 휩싸인 궁전, 공격하는 군대를 피해 겁에 질린 사람들을 묘사했습니다. 두루마리에 종교적 이야기가 전개되었을 때에도 이미지는 아이콘이 아니라 거룩한 사람들의 여행과 그들이 행한 기적에 대한 역사적 증거였습니다. 이 플롯의 디자인에서 자연에 대한 사랑이 커지고 자연 경관에 대한 감탄을 찾을 수 있습니다.

무로마치 또는 아시카가 시대

(1392-1568). 1392년, 아시카가 가문의 3대 쇼군 요시미츠(1358-1408)가 50년 이상의 분쟁 끝에 나라를 재통일했습니다. 정부 소재지는 다시 교토의 명목상의 수도가 되었으며 아시카가 쇼군은 무로마치 지구에 궁궐을 세웠습니다. (이 기간은 때때로 무로마치, 때로는 아시카가라고 불립니다.) 전시는 그곳에 있던 보물과 함께 불에 탔던 일본 예술의 저장소인 많은 사원을 아끼지 않았습니다. 그 나라는 심하게 황폐화되었고 전쟁을 벌이는 씨족들이 그들의 변덕에 따라 호의를 베푸는 것처럼 평화조차도 거의 구호를 얻지 못했습니다. 상황은 예술의 발전에 극도로 불리한 것처럼 보이지만 실제로는 회화가 번성했던 15, 16 세기에 특히 아시카가 쇼군이 후원했습니다.

이 시대의 가장 중요한 예술은 선불교에 의해 장려되고 송과 원 왕조의 중국 디자인에 영향을 받은 흑백 시적 수묵화였습니다. 명나라(1368-1644)에는 중국과의 접촉이 재개되었고 미술 수집가이자 후원자인 요시미츠는 중국 회화의 수집과 연구를 장려했습니다. 그녀는 가볍고 유창한 붓놀림으로 풍경, 새, 꽃, 승려와 현자의 이미지를 그리는 재능있는 예술가들의 모델이자 출발점이 되었습니다. 이 시대의 일본화는 선의 절약이 특징이다. 작가는 묘사된 줄거리의 정수를 추출하여 보는 사람의 시선이 세부 사항으로 채울 수 있도록 하는 것 같습니다. 이 그림에서 회색과 반짝이는 검정 잉크의 전환은 물론 저자에게 영감을 준 선의 철학과 매우 가깝습니다. 이 신조는 가마쿠라의 군사력 하에서도 상당한 영향을 미쳤지만 수많은 선종 수도원이 생겨난 15세기와 16세기에도 급속도로 퍼졌습니다. 주로 "자기 구원"의 사상을 설파하면서 구원을 부처와 연관 짓지 않고 오히려 인간의 엄격한 자기 훈련에 의존하여 그를 절대자와 결합시키는 갑작스러운 직관적 "깨달음"을 달성했습니다. 잉크를 아껴 쓰지만 대담하게 사용하고 종이의 도색되지 않은 부분이 이상적인 풍경, 현인 및 과학자를 묘사하는 데 중요한 역할을 하는 비대칭 구성은 이러한 철학과 일치했습니다.

단색 수묵화의 한 양식인 수묵화의 가장 유명한 주창자 중 한 명은 길고 다작의 삶을 통해 계속 숭배를 받았던 선 승려인 셋슈(1420-1506)였습니다. 그의 말년에 그는 하보쿠(빠른 잉크) 스타일을 사용하기 시작했는데, 이는 명확하고 경제적인 획이 필요한 성숙한 스타일과 달리 단색 그림의 전통을 거의 추상화로 가져왔습니다.
Kano 가족 예술가의 활동과 스타일 개발은 같은시기에 해당합니다. 대상의 선택이나 먹의 사용은 중국어에 가까웠으나 표현수단에 있어서는 일본에 머물렀다. 가노는 막부의 지원을 받아 "공식적인" 화파 또는 화풍이 되었고 19세기까지 번창했습니다.

야마토에의 순진한 전통은 일본화의 두 번째 중요한 방향인 토사파의 작품에 계속해서 살아 숨쉬고 있습니다. 사실, 이때 Kano와 Tosa 두 학교는 밀접한 관련이 있었고 현대 생활에 대한 관심으로 통합되었습니다. 가노 모토노부(1476~1559) 뛰어난 예술가이 시기에 자신의 딸을 유명한 화가 토사와 결혼시켰을 뿐만 아니라 그의 방식으로 그림을 그렸습니다.

15~16세기. 주목할만한 조각 작품이 몇 개 밖에 없었습니다. 그러나 다양한 분위기와 감정을 지닌 누 드라마의 발전은 조각가들에게 새로운 활동 영역을 열었습니다. 그들은 배우를 위해 가면을 조각했습니다. 귀족에 의해 그리고 귀족을 위해 공연되는 일본 고전 드라마에서 배우(한 명 이상)는 가면을 썼습니다. 그들은 두려움, 불안, 혼란에서 절제된 기쁨에 이르기까지 다양한 감정을 전달했습니다. 일부 마스크는 매우 훌륭하게 조각되어 배우가 머리를 조금만 돌리면 미묘한 표정 변화가 발생했습니다. 이 마스크의 놀라운 예는 가족 구성원이 만든 가족에 의해 수년 동안 보관되었습니다.

모모야마 시대

(1568-1615). 1593년, 위대한 군사 독재자 히데요시는 모모야마에 성을 쌓았고, 이 이름은 아시카가 막부가 멸망한 후부터 도쿠가와 시대 즉 에도 시대까지의 47년을 가리키는 것이 관례입니다. , 1615년. 이때는 완전히 새로운 군대 계급이 지배하던 시기였으며, 그의 막대한 부는 예술의 번영에 기여했습니다. 큰 청중 홀과 긴 복도가 있는 인상적인 성은 16세기 말에 유행했습니다. 그들의 위대함에 걸맞는 장신구를 요구했다. 엄격하고 용감한 사람들의 시대였고, 새로운 후원자들은 이전 귀족들과 달리 지적 추구나 장인 정신의 미묘함에는 특별히 관심이 없었습니다. 다행스럽게도 새로운 세대의 예술가들은 후원자들에게 부응했습니다. 이 기간 동안 밝은 진홍색, 에메랄드, 녹색, 보라색 및 파란색으로 멋진 화면과 이동식 패널이 나타났습니다. 종종 금색이나 은색을 배경으로 한 이러한 화려한 색상과 장식 형태는 100년 동안 큰 인기를 끌었고, 이를 만든 사람들은 당연히 "위대한 장식가"라고 불렸습니다. 미묘한 일본적 취향 덕분에 호화로운 스타일은 저속함으로 변질되지 않았고 절제와 절제가 사치와 장식의 과잉으로 바뀌어도 일본인은 우아함을 유지했습니다.

이 시대의 첫 번째 위대한 예술가 중 한 명인 Eitoku Kano(1543-1590)는 Kano와 Tosa의 스타일로 작업하여 첫 번째 그림의 개념을 확장하고 두 번째 색상의 풍부함과 결합했습니다. 비록 Eitoku가 작가로 안전하게 식별될 수 있는 작품은 몇 개만 남아 있지만 그는 Momoyama 스타일의 창시자 중 한 명으로 간주되며 이 시기의 대부분의 예술가는 그의 제자이거나 그의 영향을 받았습니다.

에도 또는 도쿠가와 시대

(1615-1867). 새로 통일된 일본에 찾아온 긴 평화는 통치자의 이름을 따서 도쿠가와 시대 또는 1603년 이 도시가 새로운 권력의 중심지가 되었기 때문에 에도(현대 도쿄)라고 불립니다. 짧은 모모야마 시대의 두 유명한 장군 오다 노부나가(1534-1582)와 도요토미 히데요시(1536-1598)는 군사 행동과 외교를 통해 마침내 강력한 씨족과 호전적인 성직자를 화해시켰습니다. 1598년 히데요시가 죽자 권력은 도쿠가와 이에야스(1542-1616)에게 넘어가 공동으로 시작된 조치를 완료했습니다. 1600년 세키가하라의 결정적인 전투는 이에야스의 입지를 강화했고, 1615년 오스카 성의 함락은 히데요시 가문의 최종적인 붕괴와 도쿠가와 막부의 완전한 통치를 확립하는 것과 함께 이루어졌습니다.

도쿠가와의 평화로운 통치는 15대에 걸쳐 지속되었으며 19세기에 이르러서야 끝났습니다. 기본적으로 "닫힌 문" 정책의 기간이었습니다. 1640년 칙령에 따라 외국인의 일본 입국이 금지되었고 일본인은 해외 여행을 할 수 없었습니다. 유일한 상업 및 문화 연결은 나가사키 항구를 통한 네덜란드 및 중국과의 연결이었습니다. 다른 고립 기간과 마찬가지로 17세기 말에 민족적 감정이 고조되고 등장했습니다. 소위 장르 회화 및 판화 학교.
빠르게 성장하는 에도의 수도는 섬 제국의 정치 및 비즈니스 생활의 중심지일 뿐만 아니라 예술과 공예의 중심지가 되었습니다. 지방 봉건 영주인 다이묘가 매년 특정 기간 동안 수도에 있어야 한다는 요구 사항으로 인해 궁전 건물을 포함한 새로운 건물이 필요했고 따라서 예술가들이 건물을 장식해야 했습니다. 동시에 등장한 부유하지만 귀족적이지 않은 상인 계급은 예술가들에게 새롭고 종종 비전문적인 후원을 제공했습니다.

에도 시대 초기의 예술은 부분적으로 모모야마 스타일을 계승하고 발전시켜 고급스러움과 화려함에 대한 경향을 강화했습니다. 기괴한 이미지의 풍부함과 이전 시대로부터 물려받은 다색성은 계속해서 발전합니다. 이 장식 양식은 17세기 후반에 절정에 달했습니다. 소위. 도쿠가와 시대(1688-1703)의 겐로쿠 시대. 일본 장식 예술에서는 화려한 라이프 스타일의 속성 인 그림, 직물, 옻칠의 화려 함과 풍부한 색상 및 장식 모티프와 유사하지 않습니다.

우리는 비교적 늦은 역사에 대해 이야기하고 있기 때문에 많은 예술가의 이름과 그들의 작품이 보존된 것은 놀라운 일이 아닙니다. 여기에서 가장 눈에 띄는 몇 가지만 언급할 수 있습니다. 모모야마 시대와 에도 시대에 살았던 장식 학교의 대표자는 혼나미 고에츠(1558-1637)와 노노무라 소타츠(d. 1643)입니다. 그들의 작업은 놀라운 패턴, 구성 및 색상 감각을 보여줍니다. 재능있는 도예가이자 칠기 예술가인 Koetsu는 서예의 아름다움으로 유명했습니다. 그들은 Sotatsu와 함께 당시 유행했던 두루마리 시를 만들었습니다. 문학, 서예, 회화의 이러한 조합에서 이미지는 단순한 일러스트레이션이 아니라 텍스트 인식에 적합한 분위기를 생성하거나 제안했습니다. 오가타 고린(1658-1716)은 장식 양식의 후계자 중 한 명으로 동생인 오가타 겐잔(1663-1743)과 함께 장식 기법을 완성했습니다. 예술가보다 도예가로 더 잘 알려진 Kenzan은 그의 유명한 형의 디자인이 새겨진 그릇을 발사했습니다. 19세기 초 이 학교의 부흥. 시인이자 화가인 사카이 호이츠(1761-1828)는 장식 양식의 마지막 급증이었습니다. Horitsu의 아름다운 두루마리와 병풍은 Korin의 그림 감각과 Maruyama 자연주의의 자연에 대한 관심을 결합하여 붓놀림의 화려함과 기교로 누그러진 초기의 풍부한 색상과 장식 모티브를 탄생시켰습니다.

다색 장식 스타일과 함께 전통적인 가노파 수묵화가 계속 인기를 끌었습니다. 1622년 가노 탄유(1602-1674)는 쇼군의 궁정 화가로 임명되어 에도로 부름을 받았습니다. 그의 부임과 코비키토에 가노 화파 에도파가 설립됨으로써 반세기에 걸친 이 전통의 예술적 리더십이 시작되어 가노 가문의 명성을 회복하고 에도 시대의 작품을 가장 잘 만들었습니다. 카노 페인팅에서 중요합니다. "훌륭한 장식가"와 라이벌이 만든 금색과 밝은 색상으로 칠해진 스크린의 인기에도 불구하고 Tangyu는 그의 재능과 공식적인 지위의 힘 덕분에 귀족들 사이에서 부활 한 Kano 학교의 그림을 대중화 할 수있었습니다. Tanyu는 단단한 파선과 넓은 자유 표면에 구성 요소의 신중한 배치를 기반으로 Kano 학교의 전통적인 기능에 힘과 단순성을 추가했습니다.

자연에 대한 관심을 주요 특징으로 하는 새로운 경향이 18세기 말에 우세하기 시작했습니다. 새 학교의 교장인 마루야마 오쿄(1733-1795)는 농민이었다가 성직자가 되었고 마침내 예술가가 되었습니다. 처음 두 수업은 그에게 행복이나 성공을 가져다주지 않았지만 예술가로서 그는 큰 높이에 도달했으며 Maruyama 사실주의 학교의 창시자로 간주됩니다. 그는 Kano 학교의 주인 Ishida Yutei (d. c. 1785)와 함께 공부했습니다. 그는 수입된 네덜란드 판화를 바탕으로 서구의 원근법 기법을 이해했고 때로는 단순히 이 판화를 베끼기도 했다. 그는 또한 Chen Xuan(1235-1290)과 Shen Nanping의 미묘하고 사실적인 스타일을 포함하여 Song과 Yuan 왕조의 중국 스타일을 연구했습니다. 후자는 18세기 초에 나가사키에 살았습니다. 오쿄는 자연에서 많은 작품을 만들었고 그의 과학적 관찰은 마루야마 학파의 기반이 되는 자연 인식의 기초를 형성했습니다.

18세기 자연주의에 대한 관심과 더불어. 중국 예술 전통의 새로운 영향. 이러한 경향의 대표자들은 명나라(1368-1644)와 청나라(1644-1912) 화가-과학자들의 화파에 끌렸지만, 중국의 현재 예술 상태에 대한 그들의 이해는 아마도 제한적이었을 것입니다. 이 일본 학교의 예술은 부진가(교육받은 사람들의 예술)라고 불렸습니다. bujinga 스타일의 가장 영향력 있는 거장 중 한 명은 Ikeno Taiga(1723-1776)였습니다. 유명한 예술가그리고 서예가. 그의 성숙한 스타일은 밝은 톤과 잉크의 가벼운 깃털 선으로 채워진 두꺼운 윤곽선이 특징입니다. 그는 또한 넓고 자유로운 검정 잉크로 바람과 비에 구부러진 대나무 줄기를 묘사했습니다. 짧은 곡선으로 숲으로 둘러싸인 호수 위로 안개 낀 산의 이미지를 조각한 듯한 효과를 냈다.
17 세기 에도 시대의 또 다른 주목할만한 예술 방향을 낳았습니다. 이것은 소위 우키요에(변화하는 세계의 그림)입니다. 서민에 의해 그리고 서민을 위해 만들어진 장르 장면입니다. 초기 우키요에는 교토의 옛 수도에서 시작되었으며 대부분 그림이 아름다웠습니다. 그러나 생산의 중심은 곧 에도로 옮겨갔고, 대가들의 관심은 목판화에 집중되었다. 우키요에와 목판 인쇄의 밀접한 연관성은 목판 인쇄가 이 시기의 발견이라는 오해를 불러일으켰습니다. 사실 그것은 11세기에 시작되었습니다. 이러한 초기 이미지는 불교의 창시자와 신을 묘사하는 본질적으로 봉헌되었으며 가마쿠라 시대에는 조각된 블록에서 일부 이야기 두루마리가 재현되었습니다. 그러나 조각술은 17세기 중반에서 19세기 사이에 특히 인기를 끌었다.

우키요에 조각의 주제는 게이 구역의 아름다운 기녀, 좋아하는 배우, 드라마 장면이었습니다. 일찍, 소위. 원시적인 판화는 검은색에 강하고 리드미컬한 물결선이 있었고 단순한 문양이 특징이었다. 그들은 때때로 겨자색 노란색과 녹색 표시가 있는 tan-e(밝은 빨간색 그림)라고 하는 주황색-빨간색으로 손으로 칠했습니다. 일부 "원시적" 예술가들은 우루슈에(옻칠 그림)라는 손 그림을 사용했는데, 이 그림에서는 접착제를 추가하여 어두운 부분을 강조하고 더 밝게 만들었습니다. 1741년 또는 1742년에 등장한 초기의 다색 인쇄는 베니주리에(진홍색 인쇄)라고 불리며 일반적으로 장미 빨강, 녹색, 때로는 노란색의 세 가지 색상을 사용했습니다. 전체 팔레트를 사용하고 nishiki-e(브로케이드 이미지)라고 하는 진정한 다색 판화는 1765년에 등장했습니다.

개별 판화를 만드는 것 외에도 많은 조각가들은 책에 그림을 그리고 책과 두루마리에 에로틱한 삽화를 만들어 돈을 벌었습니다. 우키요에 조각은 세 가지 유형의 활동으로 구성되어 있다는 점을 명심해야 합니다. 그것은 인쇄물에 이름이 붙은 기안가, 조각가 및 인쇄업자의 작업이었습니다.

히시카와 모로노부(c. 1625-1694)는 우키요에 판화 제작 전통의 창시자로 간주됩니다. 이러한 추세의 다른 "원시적" 예술가로는 Kiyomasu(1694-1716)와 Kaigetsudo 그룹(존재가 불분명한 이상한 예술가 커뮤니티), Okumura Masanobu(1686-1764)가 있습니다.

베니주리화를 만든 과도기 예술가는 이시카와 도요노부(1711-1785), 도리이 기요히로(1751-1760년경), 도리이 기요미츠(1735-1785)였습니다.

스즈키 하루노부(1725-1770)의 작품은 다색 판화의 시대를 열었습니다. 부드럽고 거의 중성적인 색상으로 가득 차 있고 우아한 숙녀와 용감한 연인으로 채워진 Harunobu 지문은 큰 성공을 거두었습니다. 비슷한 시기에 Katsukawa Shunsho(1726-1792), Torii Kienaga(1752-1815), Kitagawa Utamaro(1753-1806)가 그와 함께 일했습니다. 그들 각각은 이 장르의 발전에 기여했습니다. 주인은 우아한 아름다움을 묘사하는 판화를 가져 왔고 유명 배우완벽하게. 1794-1795년의 몇 달 동안 신비한 Tosusai Saraku는 당시 배우들의 놀랍도록 강하고 솔직히 잔인한 초상화를 만들었습니다.

19세기 초반 10년 동안 이 장르는 성숙기에 이르렀고 쇠퇴하기 시작했습니다. 가쓰시카 호쿠사이(1760-1849)와 안도 히로시게(1797-1858)는 19세기 조각 예술의 쇠퇴를 연결시킨 당대 최고의 거장들이다. 그리고 20세기 초 새로운 부흥. 둘 다 주로 풍경화가였으며 판화에 현대 생활의 사건을 고정했습니다. 조각가와 프린터 기술의 뛰어난 숙달 덕분에 판화에서 기발한 선과 석양 또는 새벽에 떠오르는 안개의 가장 작은 음영을 전달할 수있었습니다.

메이지 유신과 근대.

한 사람 또는 다른 사람의 고대 예술이 이름, 날짜 및 살아남은 작품이 좋지 않은 경우가 종종 있으므로 모든 판단은 매우 신중하고 관습적으로만 이루어질 수 있습니다. 그러나 어떤 운동이나 예술가와 그의 작품의 규모를 정확하게 평가하기 위해서는 역사적 관점이 없기 때문에 현대 미술을 판단하는 것은 그다지 어렵지 않습니다. 일본 미술 연구도 예외는 아니며, 할 수 있는 최선은 현대 미술의 파노라마를 제시하고 잠정적인 예비 결론을 도출하는 것입니다.

19세기 후반 일본 항구는 무역을 위해 재개되었고 정치 현장에서 큰 변화가 일어났습니다. 1868년 막부가 폐지되고 메이지 천황이 복고되었다. 공식 수도와 천황의 거처는 에도로 옮겨졌고 도시 자체는 도쿄(동경)로 알려지게 되었습니다.

과거에 일어났던 것처럼 국가적 고립의 종식은 다른 국가의 성과에 많은 관심을 불러일으켰습니다. 이때 일본은 과학과 기술에서 큰 도약을 이루었습니다. 예술적으로 메이지 ​​시대(1868-1912)의 시작은 기술을 포함한 모든 서양의 수용을 보여줍니다. 그러나이 열정은 오래 가지 않았고 동화 기간, 새로운 형태의 출현, 고유 한 전통으로의 복귀와 새로운 서양 경향이 결합되었습니다.

예술가 중에는 Kano Hogai (1828-1888), Shimomura Kanzan (1873-1916), Takeuchi Seiho (1864-1924) 및 Tomioka Tessai (1836-1942)가 명성을 얻었습니다. 처음 세 사람은 분위기와 기법에서 독창성을 보여주려고 노력했지만 전통적인 일본식 스타일과 주제를 고수했습니다. 예를 들어 Seihō는 교토의 조용하고 보수적인 분위기에서 일했습니다. 그의 초기 작품마루야마의 자연주의적 화풍으로 창작되었으나 이후 중국을 광범위하게 여행하면서 중국 수묵화의 영향을 많이 받았다. 그의 박물관 여행과 주요 아트 센터유럽도 그의 작품에 흔적을 남겼습니다. 이 시대의 모든 저명한 예술가들 중에서 토미오카 텟사이만이 새로운 스타일을 개발하는 데 근접했습니다. 힘차고 힘찬 그의 작품에는 거칠고 뒤틀리고 들쭉날쭉한 선과 검은 잉크 번짐이 곱게 쓰여진 색의 조각과 어우러진다. 나중에 몇몇 젊은 유화가들은 할아버지가 실패한 곳에서 성공했습니다. 이 특이한 소재로 작업하려는 첫 번째 시도는 파리의 캔버스를 연상케했으며 특별한 가치나 특히 일본의 특징으로 구별되지 않았습니다. 그러나 지금은 추상적인 주제를 통해 일본 특유의 색감과 균형감각이 빛나는 뛰어난 매력의 작품들이 만들어지고 있습니다. 더 자연스럽고 전통적인 잉크로 작업하고 때로는 서예를 출발점으로 사용하는 다른 예술가들은 회색 음영이 있는 화려한 검은색으로 활기찬 추상 조각을 만듭니다.

에도 시대와 마찬가지로 19세기와 20세기에도 말이죠. 조각품은 인기가 없었습니다. 그러나 이 분야 대표 현대 세대, 미국과 유럽에서 훈련을 받았으며 큰 성공을 거두었습니다. 형태가 추상적이고 이상한 이름을 가진 작은 청동 조각은 부드러운 녹색 또는 따뜻한 갈색 녹청을 사용하여 나타나는 일본식 선과 색상 감각을 보여줍니다. 목각은 재료의 질감에 대한 일본인의 사랑을 증언합니다.

일본의 "창의적인 판화"인 Sosaku hanga는 20세기 첫 10년 동안에만 등장했지만 특별한 예술 방향으로서 현대 미술의 다른 모든 영역을 능가했습니다. 이 현대 판화는 엄밀히 말하면 오래된 우키요에 목판화의 후계자가 아닙니다. 스타일, 플롯 및 생성 방법이 다릅니다. 서양화의 영향을 많이 받은 예술가들은 그들 자신의 중요성을 깨달았습니다. 예술적 유산그들의 창조적 이상을 표현하기 위해 나무에서 적합한 재료를 찾았습니다. 한가의 명인들은 그림을 그리는 것뿐만 아니라 나무판에 그림을 새기고 직접 인쇄하기도 한다. 목공은 이 예술 형식에서 최고 수준이지만 모든 현대 서양 판화 기술이 사용됩니다. 경우에 따라 나뭇잎, 꼬기 및 "발견된 물체"를 실험하면 독특한 표면 질감 효과를 만들 수 있습니다. 처음에 이러한 추세의 주인은 인정을 받아야했습니다. 결국 우키요에 학교의 최고의 업적조차도 지적 예술가와 문맹 군중과 관련이 있었고 평민 예술로 간주되었습니다. Onchi Koshiro, Hiratsuka Unichi, Maekawa Senpan과 같은 예술가들은 판화에 대한 존경심을 회복하고 순수 예술의 가치 있는 분야로 확립하기 위해 많은 노력을 기울였습니다. 그들은 많은 젊은 예술가들을 그들의 그룹으로 끌어들였고 조각가들은 이제 수백 명에 달합니다. 일본과 서양에서 인정받은 이 세대의 거장 중에는 Azechi Umetaro, Munakata Shiko, Yamaguchi Gen 및 Saito Kiyoshi가 있습니다. 이들은 혁신과 부인할 수 없는 재능으로 일본을 대표하는 예술가들 사이에서 가치 있는 위치를 차지할 수 있었던 거장들입니다. 많은 동료들과 다른 젊은 한가 예술가들도 놀라운 판화를 제작했습니다. 여기서 그들의 이름을 언급하지 않는다는 사실이 그들의 작업에 대한 낮은 평가를 의미하지는 않습니다.

예술 및 응용 예술, 건축 및 정원

이전 섹션에서는 대부분의 국가에서 예술의 주요 유형으로 간주되는 회화와 조각을 주로 다루었습니다. 시각 예술. 일본 예술의 중요하고 필수적인 부분인 장식 예술과 민속 공예, 정원 예술과 건축 양식을 기사 끝에 포함시키는 것은 아마도 불공평할 것입니다. 그러나 아마도 건축을 제외하고는 특별한 고려가 필요합니다. 일반적인 주기화일본 예술과 스타일 변화.

도자기와 도자기.

일본에서 가장 중요한 예술과 공예는 도자기와 도자기입니다. 도예는 자연스럽게 두 가지 범주로 나뉩니다. 섬세한 다색 Imari, Nabeshima 및 Kakiemon 도자기는 생산지에서 이름을 따 왔으며 크림색 또는 청백색 표면의 풍부한 그림은 귀족과 궁정을 대상으로 했습니다. 진짜 도자기를 만드는 과정은 16세기 말이나 17세기 초에 일본에서 알려지게 되었습니다. 매끄러운 유약을 바른 접시와 그릇은 비대칭적이거나 비단 같은 패턴으로 가정과 서양 모두에서 가치가 있습니다.

시노, 오리베, 비젠에서 흔히 볼 수 있는 점토나 저질의 돌덩어리로 만든 투박한 도기의 자기와 달리 겉보기에는 소박하지만 장식적인 요소를 세심하게 배치한 소재에 시선이 집중된다. 선불교의 개념에 영향을 받은 이러한 그릇은 지식인 사이에서 매우 인기가 있었고 특히 다도에서 널리 사용되었습니다. 다도 예술의 속성인 많은 컵, 찻주전자 및 캐디에는 강인한 자기 수양과 엄격한 단순성이라는 선불교의 정수가 구현되어 있습니다. 일본 장식 예술의 전성기에 재능있는 예술가 Korin과 Kenzan이 도자기 제품 장식에 참여했습니다. Kenzan의 명성은 화가가 아니라 도예가로서의 그의 재능과 더 관련이 있다는 것을 기억해야 합니다. 그릇을 만드는 간단한 유형과 기술 중 일부는 민속 공예 전통에서 나옵니다. 오래된 전통을 이어가는 현대 작업장에서는 우아하고 단순함을 즐길 수 있는 아름다운 제품을 생산합니다.

래커 제품.

이미 7-8 세기에. 바니시는 일본에서 알려졌습니다. 이 때부터 사람들의 이미지와 기하학적 모티브로 장식된 관의 뚜껑이 얇은 금색 선으로 적용되어 보존되었습니다. 우리는 이미 8세기와 9세기 조각에서 건칠 기법의 중요성에 대해 이야기했습니다. 동시에 그리고 나중에 편지함이나 향 상자와 같은 장식용 물건이 만들어졌습니다. 에도 시대에는 이러한 제품이 대량으로 만들어졌으며 가장 화려한 장식으로 만들어졌습니다. 인로(inro)라고 불리는 아침 식사용, 케이크용, 향 및 약용으로 화려하게 장식된 상자는 이 시대 고유의 사치에 대한 부와 사랑을 반영했습니다. 물체의 표면은 금은 가루, 금박 조각, 단독 또는 조개 상감, 자개, 주석과 납의 합금 등으로 문양을 장식했습니다. 이러한 패턴은 옻칠한 빨강, 검정 또는 갈색 표면과 대조를 이룹니다. 고린이나 고에츠 등의 작가가 옻칠 도안을 제작한 경우도 있지만, 이 작품에 직접 참여했을 가능성은 희박하다.

검.

이미 말했듯이 일본인은 역사의 상당한 기간 동안 전사의 민족이었습니다. 무기와 갑옷은 대다수의 인구에게 필수 품목으로 간주되었습니다. 검은 인간의 자존심이었다. 칼날 자체와 검의 다른 모든 부분, 특히 손잡이(츠바)는 다양한 기술로 장식되었습니다. 철이나 청동으로 만든 쓰바는 금과 은 상감으로 장식하거나 두 가지로 조각하거나 손질했습니다. 그들은 풍경이나 인물, 꽃 또는 가문의 문장(mon)을 묘사했습니다. 이 모든 것이 검 제작자의 작업을 보완했습니다.

직물.

화려하고 풍요로운 시대에 궁중과 성직자들이 선호하는 무늬가 풍부한 비단과 기타 직물, 민속 예술의 거의 원시적인 디자인 특성을 지닌 평직물도 일본 국민의 재능을 표현한 것입니다. 풍요로운 겐로쿠 시대에 절정에 이르렀던 직물 예술은 현대 일본에서 다시 번성했습니다. 서양의 아이디어와 인조 섬유를 전통적인 색상과 장식 모티브와 결합합니다.

정원.

최근 수십 년 동안 서양 대중이 이러한 예술 형식에 더 많이 노출되면서 일본 정원과 건축에 대한 관심이 높아졌습니다. 일본의 정원에는 특별한 장소가 있습니다. 그들은 높은 종교적, 철학적 진리의 표현이자 상징이며 정원의 명백한 아름다움과 결합된 이러한 모호하고 상징적인 의미는 서구 세계의 관심을 불러일으킨다. 종교적이거나 철학적인 사상이 있었다고 말할 수 없다. 주된 이유정원을 만들지만 기획자는 정원을 계획하고 만들 때 그러한 요소를 고려했으며, 그 생각은 보는 사람으로 하여금 다양한 철학적 진리에 대해 성찰하게 할 것입니다. 여기에서 선불교의 관조적 측면은 잔디와 결합된 특이한 돌, 갈려진 모래와 자갈의 물결, 또는 그 뒤의 흐름이 사라지고 다시 나타나도록 배열된 식물로 구현되며, 이 모든 것이 보는 사람으로 하여금 독립적으로 완성하도록 격려합니다. 건설 정원 아이디어 동안 누워. 이해하기 쉬운 설명보다 모호한 힌트를 선호하는 것은 선 철학의 특징입니다. 이제 서양에서 인기 있는 분재 난쟁이 나무와 작은 화분 정원은 이러한 아이디어의 연속이 되었습니다.

건축학.

기본 건축 기념물일본은 사원, 수도원 단지, 봉건 성 및 궁전입니다. 고대부터 오늘날까지 목재는 주요 건축 자재였으며 대부분 디자인 특징을 결정합니다. 가장 오래된 종교 건물은 일본의 국교인 신도의 사당입니다. 글과 그림으로 미루어 보아 고대 민가처럼 초가지붕을 얹은 비교적 단순한 건물이었다. 불교가 전파된 후 세워진 사원 건물은 스타일과 배치에서 중국 원형을 기반으로 했습니다. 사찰 건축은 시간이 지남에 따라 변화했으며 건물의 장식과 배치는 종파에 따라 다양했습니다. 일본식 건물은 높은 지붕이 있는 큰 홀과 복잡한 콘솔 시스템이 특징이며 장식은 당시의 취향을 반영합니다. 7세기 초에 나라 근처에 지어진 호류지 단지의 단순하고 장엄한 건축물은 연꽃 호수에 비친 우지의 "봉황당"인 후도의 아름다움과 우아함만큼이나 아스카 시대의 특징입니다. , 헤이안 시대입니다. 에도 시대의 보다 정교한 구조물은 해자 성과 봉건 궁전의 내부를 장식한 동일한 "위대한 장식가"가 만든 풍부하게 칠해진 미닫이 문과 병풍의 형태로 추가 장식을 받았습니다.

일본의 건축과 정원은 서로의 일부로 간주될 정도로 밀접하게 관련되어 있습니다. 이것은 다도를 위한 건물과 정원 집에 특히 해당됩니다. 그들의 개방성, 단순성, 풍경과 관점에 대한 세심하게 만들어진 연결은 다음에 큰 영향을 미칩니다. 현대 건축서쪽.

서양에서 일본 예술의 영향

불과 1세기 만에 일본의 미술은 서양에 알려지게 되었고 상당한 영향을 미쳤습니다. 이전에도 접촉이 있었지만(예를 들어, 네덜란드인은 나가사키 항구를 통해 일본과 무역을 했습니다), 17세기에 유럽에 도착한 물건은 주로 응용 예술품인 도자기와 칠기였습니다. 호기심으로 열심히 수집하고 다양한 방식으로 복사했지만 이러한 장식 수출품은 일본 미술의 본질과 품질을 반영하지 않았으며 일본인에게 서양의 취향에 대한 무례한 생각을 제공했습니다.

서양화는 처음으로 1862년 런던에서 열린 대규모 만국박람회 기간 동안 유럽에서 일본 미술의 직접적인 영향을 경험했습니다. 5년 후 파리 박람회에서 소개된 일본 목판화는 새로운 관심을 불러일으켰습니다. 여러 개인 판화 컬렉션이 즉시 생겨났습니다. Degas, Manet, Monet, Gauguin, Van Gogh 등은 일본 컬러 프린트를 계시로 받아들였습니다. 인상파에 대한 일본 판화의 영향은 미미하지만 항상 눈에 띕니다. 미국인 Whistler와 Mary Cassatt는 선의 절제와 우키요에 판화와 그림의 밝은 색상에 매료되었습니다.

1868년 일본이 외국인에게 개방되면서 서양의 모든 것에 매료되었고 일본인은 자신의 풍부한 문화와 예술 유산을 외면하게 되었습니다. 이때 많은 아름다운 그림과 조각품이 팔렸고 결국 서양 박물관과 개인 소장품이 되었습니다. 이러한 품목의 전시는 서양에 일본을 소개하고 극동 여행에 대한 관심을 불러일으켰습니다. 의심할 여지 없이 제2차 세계대전이 끝난 후 미군이 일본을 점령하면서 일본 사원과 그 보물에 대해 알고 더 깊이 연구할 수 있는 기회가 이전보다 더 많이 열렸습니다. 이러한 관심은 미국 박물관의 참석에 반영되었습니다. 일반적으로 동양에 대한 관심은 일본의 공공 및 개인 컬렉션에서 선택하여 미국과 유럽으로 가져온 일본 미술 전시회의 조직으로 인해 발생했습니다.

과학적 연구 최근 몇십 년일본 미술이 중국 미술의 반영일 뿐이라는 의견을 반박하기 위해 많은 노력을 기울였으며, 영어서양에 동양의 이상을 소개했습니다.

현대 일본 미술계는 완전히 세계화 된 것 같습니다. 아티스트는 도쿄와 뉴욕을 오가며 거의 모두 유럽 또는 미국 교육을 받았으며 국제 예술 영어로 작업에 대해 이야기합니다. 그러나이 그림은 완전하지 않습니다.

국가적 형태와 경향은 일본이 예술적 아이디어와 작품의 세계 시장에 제공할 수 있는 가장 인기 있는 상품 중 하나임이 밝혀졌습니다.

비행기 작동. 슈퍼플랫은 미국 괴짜 문화와 일본 전통 회화를 결합하는 방법

무라카미 다카시. "탕탄보"

서구 세계에서 거의 모든 사람들에게(아마도 가장 열렬한 포스트모던 이론가를 제외하고) 고급 문화와 대중 문화 사이의 경계가 문제가 있긴 하지만 여전히 적절하다면 일본에서는 이러한 세계가 완전히 혼합되어 있습니다.

세계 최고의 갤러리 전시와 스트리밍 제작을 성공적으로 결합한 Takashi Murakami가 그 예입니다.

무라카미 전시회 "부드러운 비가 내리겠습니다" 순회 녹음

그러나 무라카미와 대중문화의 관계(일본의 경우 이것은 주로 만화 및 애니메이션 팬(오타쿠)의 문화)와 관계가 더 복잡합니다. 철학자 아즈마 히로키는 오타쿠를 정통 일본 현상으로 이해하는 것을 비판합니다. 오타쿠는 17-19세기 에도 시대의 전통, 즉 고립주의 시대와 근대화 거부 시대와 직접적으로 연결되어 있다고 생각합니다. Azuma는 만화, 애니메이션, 그래픽 소설, 컴퓨터 게임을 기반으로 한 오타쿠 운동이 미국 문화의 수입으로 인해 전후 미국 점령의 맥락에서만 발생할 수 있다고 주장합니다. Murakami와 그의 추종자들의 예술은 팝 아트 기법으로 오타쿠를 재창조하고 전통의 진정성에 대한 민족주의 신화를 폭로합니다. 그것은 "일본화된 미국 문화의 재미국화"를 나타냅니다.

예술적 관점에서 슈퍼플랫은 초기 일본 우키요에 그림에 가장 가깝습니다. 이 전통에서 가장 유명한 작품은 가쓰시카 호쿠사이(Katsushika Hokusai, 1823–1831)의 판화인 가나가와의 큰 파도입니다.

서구 모더니즘에게 일본화의 발견은 돌파구였다. 그것은 그림을 평면으로 볼 수 있게 했고, 그 특성을 극복하는 것이 아니라 그것과 함께 작업하는 것을 추구한다.

카츠시키 호쿠사이. "가나가와 앞바다의 큰 파도"

성능의 선구자. 1950년대 일본 미술은 오늘날 무엇을 의미하는가

카나야마 아키라와 시라기 카즈오의 창작 과정을 기록한 문서

슈퍼플랫은 2000년대에야 비로소 모습을 드러냈습니다. 그러나 세계 예술에 중요한 예술적 행동은 서양보다 훨씬 일찍 일본에서 시작되었습니다.

예술의 수행적 전환은 지난 세기의 60년대와 70년대의 전환기에 일어났습니다. 일본에서는 50년대에 공연이 나왔다.

Gutai Group은 처음으로 자급자족할 수 있는 물건을 만드는 것에서 생산 과정으로 초점을 옮겼습니다. 여기에서 일시적인 이벤트를 위해 예술품을 포기하는 한 단계입니다.

구타이 출신의 개별 예술가(20년 동안 59명)가 국제적 맥락에서 활발히 활동했지만, 일반적으로 일본 전후 예술에 대한 그들의 집단적 활동이 서양에서 어떻게 시작되었는지 이해하는 것은 아주 최근입니다. 붐은 2013년 뉴욕과 로스앤젤레스, 도쿄의 소규모 갤러리에서 여러 전시회를 열면서 시작되었습니다. 일본 미술품의 모스크바 수입은 이러한 추세의 거의 뒤늦은 연속으로 보인다.

모토나가 사다마사. 구겐하임 미술관의 작품(물)

이 회고전 전시가 얼마나 현대적인지 놀랍습니다. 예를 들어, 구겐하임 미술관 전시의 중심 대상은 모토나가 사다마사(Sadamasa Motonaga)의 작품(물) 재건으로 박물관 원형 건물의 층은 색색의 물이 있는 폴리에틸렌 파이프로 연결되어 있습니다. 그것들은 캔버스에서 떼어낸 붓놀림을 연상시키며, 아티스트가 작업하는 대상의 물질성인 "구체성"(밴드의 이름이 일본어에서 번역된 대로)에 대한 Gutai의 중심 초점의 예 역할을 합니다.

구타이의 많은 구성원은 고전 일본화와 관련된 교육을 받았고, 많은 사람들이 선불교의 종교적 맥락과 특징적인 일본 서예에 전기적으로 연결되어 있습니다. 그들 모두는 고대 전통에 대한 새롭고 절차적이거나 참여적인 접근 방식을 찾았습니다. Kazuo Shiraga는 자신의 발로 반 Rauschenberg 단색을 그리는 방법을 비디오로 녹화했으며 공개적으로 그림을 만들었습니다.

요시다 미노루(Minoru Yoshida)는 일본 판화의 꽃을 사이키델릭한 물건으로 바꿨습니다. 그 예로 세계 최초의 키네틱(움직이는) 조각품 중 하나인 양성화(Bisexual Flower)가 있습니다.

구겐하임 미술관 전시 큐레이터들은 이 작품들의 정치적 중요성에 대해 다음과 같이 이야기합니다.

"구타이는 수십 년 동안 군국주의 정부가 결정적인 영향력을 확보하고 중국을 침공한 후, 수십 년 동안 사회적 수동성과 순응에 대응하는 방법으로서 자유로운 개인 행동, 청중의 기대를 무너뜨리는 것, 심지어 어리석음의 중요성을 보여주었습니다. 제2차 세계대전에 가담하십시오."

선하고 현명합니다. 1960년대 예술가들이 일본을 떠나 미국으로 간 이유

구타이는 전후 일본 통치의 예외였다. 아방가르드 그룹은 주변부로 남아 있었고 예술계는 엄격하게 계층적이었습니다. 인정받는 주요 방법은 인정받는 고전 예술가 협회에서 개최하는 대회에 참가하는 것입니다. 따라서 많은 사람들이 서양으로 가서 영어 예술 ​​시스템에 통합되는 것을 선호했습니다.

특히 여자들이 힘들었다. 진보적인 구타이에서도 그들의 비중은 5분의 1도 되지 않았다. 필요한 접근을 위해 전통적인 기관에 대해 무엇을 말할 수 있습니까? 특수 교육. 60년대에 소녀들은 이미 그것에 대한 권리를 얻었지만, 예술을 배우는 것(기술 세트의 일부인 장식에 관한 것이 아니라면 료사이 켄보- 좋은 아내와 현명한 어머니) 직업에 사회적으로 눈살을 찌푸린 사람이었다.

오노 요코. 컷 조각

5명의 강력한 일본 여성 예술가들이 도쿄에서 미국으로 이주하는 이야기는 요시모토 미도리의 연구 "Into Performance: Japanese Women Artists in New York"의 주제였습니다. 쿠사마 야요이, 사이토 타카코, 시오미 미에코, 쿠보타 시게코는 경력 초기에 뉴욕으로 떠나기로 결정하고 일본 미술 전통의 현대화를 포함하여 그곳에서 일했습니다. Yoko Ono만이 미국에서 자랐지만 그녀는 1962-1964년 짧은 체류 기간 동안 도쿄의 예술 계층 구조에 환멸을 느끼며 의도적으로 일본으로 돌아가는 것을 거부했습니다.

Ono는 John Lennon의 아내로서뿐만 아니라 여성 신체의 대상화에 전념하는 프로토 페미니스트 공연의 저자로서 다섯 명 중 가장 유명해졌습니다. 관객이 아티스트의 옷을 잘라낼 수 있는 Cut Piece It과 "퍼포먼스의 할머니" 마리나 아브라모비치의 "Rhythm 0" 사이에는 명백한 유사점이 있습니다.

짧은 다리에. 스즈키 타다시 작가의 연기 트레이닝을 이수하는 방법

오노와 구타이의 경우 작가와 분리된 작업 방식과 주제가 국제적으로 중요해졌다. 다른 형태의 수출이 있습니다. 작가의 작품이 국제 무대에서 관심을 가지고 인식되지만 그 특이성 때문에 실제 방법의 차용이 발생하지 않는 경우입니다. 가장 눈에 띄는 사례는 스즈키 타다시의 연기 트레이닝 시스템이다.

스즈키 극장은 러시아에서도 사랑 받고 있으며 이는 놀라운 일이 아닙니다. 마지막으로 2016년에는 에우리피데스의 텍스트를 바탕으로 한 <트로이의 여인> 공연으로 우리와 함께했고, 2000년대에는 셰익스피어와 체호프의 작품으로 여러 차례 찾아왔다. Suzuki는 연극의 행동을 현재 일본의 맥락으로 옮기고 텍스트에 대한 명확하지 않은 해석을 제공했습니다. 그는 Ivanov에서 반유대주의를 발견하고 중국에 대한 일본인의 경멸적인 태도와 비교하고 Lear 왕의 행동을 일본의 정신병원.

Suzuki는 러시아 연극 학교에 반대하는 시스템을 구축했습니다. 안에 XIX 후반 20세기, 이른바 메이지 시대에 일본 제국주의 근대화는 반대 운동의 발흥을 경험했습니다. 그 결과 이전에는 극도로 폐쇄된 문화가 대규모로 서구화되었습니다. 수입된 형식 중에는 Stanislavsky 시스템이 있었는데, 이는 여전히 일본(및 러시아)에서 주요 감독 방법 중 하나로 남아 있습니다.

스즈키 운동

스즈키가 활동을 시작한 60년대에 일본 배우들은 신체적인 특징 때문에 당시 레퍼토리를 가득 채운 서양 텍스트의 역할에 익숙해질 수 없다는 논문이 점점 더 퍼지고 있었습니다. 젊은 감독은 가장 설득력있는 대안을 제시했습니다.

스즈키의 다리 문법이라고 하는 운동 시스템에는 수십 가지 앉는 방법과 더 많은 일어서고 걷는 방법이 포함됩니다.

그의 배우들은 보통 맨발로 연기하며 무게 중심을 낮추어 가능한 한 땅에 단단히 묶인 채 무겁게 보입니다. 스즈키는 현대 장비로 가득 찬 고대 일본 가옥인 토가 마을에서 그들과 외국 공연자들에게 자신의 기술을 가르칩니다. 그의 극단은 1 년에 약 70 회만 공연하고 나머지 시간에는 거의 마을을 떠나지 않고 개인적인 일을 할 시간이 없으며 일만합니다.

도가 센터는 1970년대에 등장했으며, 세계적으로 유명한 건축가 아라타 이소자카가 감독의 요청으로 설계했습니다. 스즈키의 시스템은 가부장적이고 보수적으로 보일 수 있지만, 그 자신은 분권화라는 현대적 용어로 토가에 대해 이야기합니다. 2000년대 중반에도 스즈키는 예술을 수도에서 지역으로 수출하고 현지 생산 지점을 조직하는 것의 중요성을 이해했습니다. 감독에 따르면 일본의 연극지도는 여러면에서 러시아와 비슷합니다. 예술은 도쿄와 여러 소규모 센터에 집중되어 있습니다. 러시아 극장은 수도에서 멀리 떨어진 소도시를 정기적으로 여행하는 회사의 혜택을 받을 것입니다.

토가의 SCOT 회사 센터

꽃 산책로. 현대 연극은 노와 가부키 체계에서 어떤 자원을 발견했는가

스즈키 방식은 일본의 고대 전통인 가부키에서 비롯된 것입니다. 이러한 유형의 연극은 종종 걷는 예술로 특징지어질 뿐만 아니라 더 분명한 세부 사항에서도 나타납니다. 스즈키는 종종 남성의 모든 역할 수행에 대한 규칙을 따르고, 예를 들어 무대에서 강당 깊이까지 확장되는 플랫폼인 가부키 샘플의 하나미치("꽃의 길")와 같은 특징적인 공간 솔루션을 사용합니다. 그는 또한 꽃과 두루마리와 같이 잘 알아볼 수 있는 상징을 이용합니다.

물론, 글로벌 세계일본인이 자국 양식을 사용할 수 있는 특권에 대해서는 의문의 여지가 없습니다.

우리 시대의 가장 중요한 감독 중 한 명인 미국 로버트 윌슨의 극장은 ~에서 빌린 것입니다.

그는 일본의 대중을 연상시키는 마스크와 분장을 사용했을 뿐만 아니라 움직임의 최대 감속과 제스처의 자급자족적인 표현력을 바탕으로 연기 방식을 차용했다. 전통적이고 의식적인 형식을 초현대적인 조명 악보 및 미니멀리즘 음악(윌슨의 가장 유명한 작품 중 하나는 필립 글래스의 오페라 아인슈타인 온 더 비치)과 결합하여 윌슨은 본질적으로 현대 예술의 많은 부분이 추구하는 기원과 관련성의 종합을 만들어냅니다. .

로버트 윌슨. "해변의 아인슈타인"

노와 가부키에서 현대 무용의 기둥 중 하나가 성장했습니다. 문자 그대로 번역 된 부토는 어둠의 춤입니다. 1959년 안무가 오노 카즈오(Kazuo Ono)와 타츠미 히지카타(Tatsumi Hijikata)가 발명한 부토(butoh)는 충격적인 전쟁 경험의 반성을 신체 차원으로 가져오는 것이었습니다.

“그들은 몸이 아프고, 무너지고, 심지어 기괴하고 기괴하기까지 한 모습을 보여주었습니다.<…>움직임은 느리거나 의도적으로 날카롭고 폭발적입니다. 이를 위해 골격의 뼈 지렛대로 인해 주 근육이 개입되지 않은 것처럼 움직임이 수행되는 특별한 기술이 사용됩니다. 그것은 발레의 규범성에서 벗어나는 것입니다. 그녀는 부토를 20세기 초의 무용가 및 안무가의 관행과 비교합니다. Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman은 후기 "포스트모던" 무용에 대한 영향에 대해 이야기합니다.

부토 전통의 현대적 계승자인 가쓰라 가나의 춤의 단편

오늘날 원래 형태의 부토는 더 이상 전위적인 관행이 아니라 역사적 재구성입니다.

그러나 Ohno, Hijikata 및 그 추종자들이 개발한 이동 사전은 여전히 ​​귀중한 자원입니다. 현대 안무가. 서양에서는 Dimitris Papaioannou, Anton Adasinsky가 사용했으며 The Weekend의 "Belong To The World" 비디오에서도 사용되었습니다. 일본에서 부토 전통의 후계자는 예를 들어 테시가와라 사부로로 10월에 러시아를 방문할 예정입니다. 그 자신은 어둠의 춤과의 유사점을 부인하지만 비평가들은 겉보기에 뼈가없는 몸, 연약함, 소리없는 발걸음과 같은 꽤 눈에 띄는 징후를 발견합니다. 사실, 그들은 이미 포스트 모더니스트 안무의 맥락에 놓여 있습니다. 높은 템포, 달리기, 포스트 산업 소음 음악과 함께 작업합니다.

테시가와라 사부로. 변형

로컬 글로벌. 현대 일본 미술은 서양 미술과 어떻게 비슷합니까?

Teshigawara와 그의 많은 동료들의 작품은 최고의 서양 현대 무용 축제 프로그램에 유기적으로 적합합니다. 일본 최대 규모의 연간 공연인 페스티벌/도쿄에서 선보인 공연과 공연에 대한 설명을 대충 훑어보면 유럽의 트렌드와 근본적인 차이를 느끼기 어려울 것이다.

중심 주제 중 하나는 장소 특정성입니다. 일본 예술가들은 고층 빌딩 형태의 자본주의 덩어리에서 오타쿠 밀집 지역에 이르기까지 도쿄의 공간을 탐구합니다.

또 다른 주제는 세대 간 오해, 라이브 만남의 장소로서의 극장, 다양한 연령대의 사람들의 조직적 의사 소통에 대한 연구입니다. Toshika Okada와 Akira Tanayama가 그녀에게 바친 프로젝트는 유럽의 주요 공연 예술 축제 중 하나에 몇 년 동안 연속으로 비엔나로 옮겨졌습니다. 2000년대 말까지 다큐멘터리 자료와 개인적인 이야기를 무대로 옮기는 것은 새로운 것이 없었지만, 비엔나 페스티벌의 큐레이터는 이 프로젝트를 다른 사람과 실시간으로 일대일로 접촉할 수 있는 기회로 대중에게 제시했습니다. 문화.

또 다른 주요 라인은 충격적인 경험을 통해 작업하는 것입니다. 일본인에게 그것은 수용소나 홀로코스트가 아니라 히로시마와 나가사키의 폭격과 관련이 있습니다. 극장은 끊임없이 그를 언급하지만 모든 현대 일본 문화의 기원의 순간으로서의 원자 폭발에 대한 가장 강력한 진술은 여전히 ​​무라카미 다카시에게 속합니다.

전시회 "리틀 보이: 폭발하는 일본의 하위 문화 예술"

"Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture"는 2005년 뉴욕에서 선보인 기획 프로젝트의 제목입니다. "리틀 보이" - 러시아어로 "아기" - 1945년 일본에 투하된 폭탄 중 하나의 이름. 유명한 일러스트레이터의 만화 만화, 독특한 빈티지 장난감, Godzilla에서 Hello Kitty에 이르는 유명한 애니메이션에서 영감을 받은 상품을 수집한 Murakami는 박물관 공간의 귀여움(카와이)의 집중을 한계까지 끌어올렸습니다. 동시에 그는 폭발, 맨땅, 파괴된 도시의 사진이 중심 이미지가 된 애니메이션 모음을 출시했습니다.

이 반대는 외상 후 스트레스 장애에 대처하는 방법으로 일본 문화의 유아화에 대한 첫 번째 주요 진술이었습니다.

이제 이 결론은 이미 명백해 보입니다. 요모타 이누히코(Inuhiko Yomota)의 카와이에 대한 학문적 연구를 기반으로 합니다.

나중에 외상성 트리거도 있습니다. 가장 중요한 것은 2011년 3월 11일 후쿠시마 원자력 발전소에서 큰 사고를 일으킨 지진과 쓰나미입니다. Festival/Tokyo-2018에서는 6개의 공연으로 구성된 전체 프로그램이 자연 재해와 기술 재해의 결과를 이해하는 데 전념했습니다. 그들은 또한 Solyanka에서 발표된 작품 중 하나의 주제가 되었습니다. 이 예는 서양과 일본 예술에서 사용되는 비판적 방법의 무기고가 근본적으로 다르지 않다는 것을 분명히 보여줍니다. 이시이 하루유키(Haruyuki Ishii)는 지진에 관한 텔레비전 프로그램에서 고속으로 편집되고 반복되는 장면을 순환하는 3대의 텔레비전 세트를 제작합니다.

큐레이터는 “작품은 그가 본 모든 것이 더 이상 허구로 인식되지 않는 순간까지 작가가 뉴스에서 매일 보았던 111개의 영상으로 구성되어 있다”고 설명한다. New Japan은 예술이 어떻게 국가 신화에 근거한 해석에 저항하지 않는지 보여주는 좋은 예입니다. 큐레이터들은 노자의 말을 인용하며 일본 전통의 근간인 사색에 대해 이야기합니다. 동시에, 거의 모든 현대 미술이 "관찰자 효과"(전시라고 함)에 초점을 맞추고 있다는 괄호를 벗어난 것처럼-익숙한 현상에 대한 인식을위한 새로운 맥락을 만드는 형태이든 제기하는 형태이든 상관 없습니다. 그러한 적절한 인식의 가능성에 대한 질문.

Imagined Communities - 비디오 아티스트 Haruyuki Ishii의 또 다른 작품

게임

그러나 2010년대 일본을 진보의 집약체라고 생각해서는 안 된다.

좋은 옛 전통주의의 습관과 오리엔탈리스트 이국주의에 대한 사랑은 아직 오래 가지 못했습니다. "The Theatre of Virgins"는 러시아 보수 잡지 "PTJ"에 실린 일본 연극 "Takarazuka"에 대한 오히려 찬사 기사의 제목입니다. 다카라즈카는 19세기 말 우연히 사설 철도의 종점이 된 같은 이름의 외딴 도시에 관광객을 유치하기 위한 사업 프로젝트로 등장했습니다. 미혼 소녀들만이 극장에서 뛰는데, 철도 소유자에 따르면 남성 관중을 도시로 유인해야했습니다. 오늘날 다카라즈카는 자체 TV 채널, 빽빽한 ​​콘서트 프로그램, 심지어 지역 놀이공원까지 갖춘 하나의 산업처럼 기능합니다. 그러나 미혼 소녀 만이 극단에 들어갈 권리가 있습니다. 적어도 처녀성을 확인하지 않기를 바랍니다.

그러나 다카라즈카는 일본인들이 극장이라고도 부르는 교토의 도지 디럭스 클럽에 비하면 아무것도 아니다. 그들은 절대적으로 거칠게 보여줍니다. 설명뉴요커 칼럼니스트 Ian Buruma, 스트립 쇼: 무대 위의 여러 벌거벗은 소녀들이 성기 시연을 공공 의식으로 바꿉니다.

많은 사람들처럼 예술적 관행, 이 쇼는 고대 전설을 기반으로 하며(촛불과 돋보기의 도움으로 청중의 남자들은 "어머니 여신 아마테라스의 비밀"을 차례로 탐구할 수 있음) 저자 자신이 노 전통을 상기시켰습니다. .

Takarazuki와 Toji에 대한 서양 유사어 검색은 독자에게 맡길 것입니다. 찾기가 어렵지 않습니다. 우리는 현대 예술의 상당 부분이 슈퍼 플랫에서 부토 댄스에 이르기까지 서양과 일본 모두에서 이러한 억압 관행에 맞서 싸우는 데 정확히 관련되어 있다는 점에 주목합니다.

일본은 다양한 전통과 관습으로 알려진 매우 흥미로운 국가입니다. 떠오르는 태양의 땅의 지리적 위치는 유럽 국가를 고려하지 않고 발전한 덕분에 다른 국가와 다소 고립되었습니다. 일본의 문화는 매우 풍부하고 다양합니다. 독특한 일본 전통은 역사적으로 영향을 받아 형성되었습니다. 중요한 사건들. 점차적으로 일본은 특징적인 특징과 인구의 특정 정신을 가진 강력하고 응집력있는 국가로 변모했습니다.

일본 문화의 주요 측면

국가의 문화는 사회의 여러 영역에서 나타납니다. 일본에서 그 측면은 다음과 같습니다.

일본인을 위해 차를 마시는 과정은 신체의 생리적 요구에 대한 단순한 만족이 아니라 진정한 컬트입니다. 일본의 다도는 특별한 속성을 수반하며 많은 전통을 담고 있습니다. 일상적인 과정에 대한 그러한 경건한 태도는 불교 승려의 명상에서 발전한 것 같습니다. 차를 마시는 과정에 많은 의미를 부여한 것은 바로 그들이었습니다.

유럽인에게 "기모노"라는 개념은 일본의 민족 의상을 특징 짓습니다. 그러나 떠오르는 태양의 땅 자체에는 좁은 의미와 넓은 의미에서이 단어의 두 가지 의미가 있습니다. 일본에서 "기모노"라는 단어는 민족 의상뿐만 아니라 일반적으로 모든 의류를 의미합니다. 기모노 아래에는 원칙적으로 특수 가운과 7 개의 벨트를 착용합니다. 여름에 입는 기모노를 유카타라고 합니다. 여성의 나이에 따라 복장 모델도 다를 수 있습니다.

일본에서는 신도와 불교라는 두 가지 종교 운동이 한 번에 성공적으로 전파되었습니다. 고대 일본에 등장한 신도주의는 다양한 생물에 대한 숭배를 기반으로 합니다. 차례로 불교는 여러 종류로 나뉩니다. 일본에는 하나 또는 다른 불교 경향을 홍보하는 많은 학교가 있습니다.

암석 정원은 일본 문화에서 특히 중요합니다. 관광객의 시선을 사로잡는 건축물일 뿐만 아니라 영적 성장. 여기에서 일본인은 특별 주문에 위치한 석조 구조물에 대한 묵상에서 깨달음을 얻습니다. 암석 정원에는 깨달은 사람만이 풀 수 있는 구체적인 계획이 포함되어 있습니다.

Tango no sekku는 소년들을 기리는 축하 행사입니다. 그것은 모든 작은 남성 대표뿐만 아니라 전체 일본 국민의 남성성과 강인함을 위해 바칩니다. 자연이 깨어나 그 아름다움에 만족하는 봄에 휴가를 축하하는 것이 일반적입니다. tango no sekku의 날에 소년들은 부모의 보살핌을 받습니다. 아버지는 아들에게 모든 일본 전사와 그들의 공적에 대해 말해야 합니다. 그리고 그의 어머니는 맛있는 음식으로 그를 위해 식탁을 차려줍니다.

벚꽃은 가장 아름다운 자연 현상으로 간주됩니다. 많은 관광객들이 꽃을 감상하기 위해 이곳을 찾습니다. 봄에는 일본의 공원에서 많은 인파를 볼 수 있습니다. 많은 가족들이 소풍을 가며 일본 벚나무의 아름다움을 구경합니다.

활은 그 나라의 독특한 전통 때문일 수 있습니다. 그것들은 매너의 규칙을 나타냅니다. 일본인이 작별인사를 하는 것은 관례가 아니며, 대화 상대가 한 만큼 인사를 합니다.

사무라이는 전통과 관습의 영향을 받아 발전해 온 특정 계층의 사회를 대표합니다. 그것은 그 나라의 문화와 직접적인 관련이 있습니다. 사무라이는 특정 서비스를 수행하는 전사이며 군대, 보안 또는 가정이 될 수 있습니다. 어떤 경우든 사무라이는 일본인의 용기, 남성성, 고귀함을 의인화합니다.

고대 일본의 문화 형성 과정

고대 일본의 문화는 일본어와 문자의 탄생과 함께 발전하기 시작했습니다. 떠오르는 태양의 땅은 중국에서 그 근거를 빌렸습니다. 일본어 문자에는 상형 문자도 포함되어 있어 외국인이 이해할 수 없습니다. 시간이 지남에 따라 새로운 단어, 소리 및 구문이 일본어에 추가되기 시작했습니다. 그래서 완전히 변신했지만 일반적인 특징중국과 여전히 추적 가능합니다.

국가의 종교성도 고대부터 시작됩니다. 신토이즘은 다양한 신화가 발전한 결과였습니다. ~에 이 순간이 가르침은 지도자와 죽은 사람에 대한 숭배를 조장합니다. 반면에 불교는 이러한 유형의 종교의 출현에 대한 과학자와 역사가의 의견이 크게 다를 정도로 뿌리가 깊습니다.

일본 미술

일본에서 행해지는 거의 모든 유형의 예술은 평온함과 휴식이라는 하나의 주요 아이디어를 가지고 있습니다. 정보가 제공되는 방식에 관계없이 예술을 포함하는 것은 바로 사람과 자신의 조화입니다. 전 세계적으로 알려진 많은 예술 형식이 일본에서 발전하기 시작했습니다. 그중 종이 접기는 구별 될 수 있습니다-종이에서 다양한 모양을 접는 기능.

또 다른 인기있는 부분일본 미술은 이케바나가 되었습니다. 특별한 기술로 꽃다발을 만드는 스킬이다. 여기에서 분재라고 불리는 똑같이 인기있는 활동이 나왔습니다. 이것은 난쟁이 나무에서 다양한 구성을 만드는 것입니다. 도쿄에서 멀지 않은 오미야에는 전체 분재 공원이 있습니다. 여기에 제시된 각 난쟁이 나무는 고유하고 아름답습니다.

일본의 그림은 각각의 그림에 숨겨진 의미가 있기 때문에 특별한 의미가 있습니다. 일반적으로 디자인으로 밝은 색상, 대비되는 전환 및 명확한 선이 사용됩니다. 일본에도 서예가 있습니다. 미학적으로 아름다운 상형문자를 쓰는 기술입니다. 응용 미술은 일본에서도 널리 퍼져 있습니다. 도쿄에는 이 공예에 전념하는 전체 박물관이 있습니다. 여기에서 종이, 유리 또는 금속으로 만든 제품을 볼 수 있습니다. 그리고 이것은 이러한 목적으로 사용되는 재료의 전체 목록이 아닙니다.

일본식 인테리어 디자인에도 특별한 관심이 필요합니다. 실행의 독창성과 함께 기능성과 단순성을 포함합니다. 또한 인테리어 디자인은 다른 일본 예술과 마찬가지로 종교적 철학을 담고 있습니다.

일본 건축

일본의 건축 구조는 어떤 식으로든 종교와 관련이 있습니다. 처음에 사원 건물에는 대부분 꽃이 없었습니다. 이것은 건축에 도색되지 않은 목재를 사용했기 때문입니다. 나중에 그들은 빨간색과 파란색 음영을 사용하기 시작했습니다.

일본 건축의 주요 재료는 목재로 간주됩니다. 그 이유는 주식이 이 자원국내에서 충분히 크다. 나무는 열을 잘 전달하고 수분을 흡수한다는 사실 외에도 일본에서 자주 발생하는 지진에도 실용적입니다. 석조 주택이 파괴 후 재창조하기가 매우 어렵다면 목조 주택이 훨씬 쉽습니다.

일본 건축의 주요 특징은 심지어 기하학적 모양이 존재한다는 것입니다. 대부분 삼각형과 직사각형입니다. 어떤 구조에서도 선의 매끄러움과 둥글기를 맞추는 것은 거의 불가능합니다. 일본인이 집을 갖추는 기본 원칙은 집 안과 밖이 불가분의 존재라는 것입니다. 이것은 일본 정원에 적용됩니다. 그들은 집 자체와 정확히 같은 스타일로 장식되어야 합니다. 그렇지 않으면 나쁜 맛과 완전한 나쁜 맛으로 간주됩니다. 일본인은 정원에 특별한 관심을 기울입니다.

일본 음악

음악적 발전 측면에서 일본은 다른 나라를 바라보며 악기. 그러나 나중에 그녀는 현지 취향과 전통의 영향으로 현대화했습니다. 일본의 클래식 음악 형성에 첫 번째 영향을 미친 것은 지역 덴가쿠 민속음악으로, 외국의 영향이 혼합되어 현재 일본에 친숙한 음악이 탄생했습니다.

문제의 종교적 측면도 음악적 기원에 기여했습니다. 기독교 덕분에 오르간 연주가 퍼지기 시작했습니다. 그리고 불교는 플루트 연주를 장려했습니다.

현재 일본에서는 클래식 음악이 인기를 얻고 있습니다. 이 창의성 세포의 많은 구성원이 일본 밖으로 여행합니다. 여기에는 고토 미도리, 오자와 세이지, 우치다 미츠코가 포함됩니다. 비교적 최근에는 클래식 음악을 편안하게 들을 수 있도록 설계된 홀이 일본에 문을 열었습니다. 기요 홀, 오사카 심포니 홀, 오차드 등이 있습니다.

일본의 가정 전통

일본인은 예의가 바르고 전통과 관습을 준수합니다. 일본에서는 자신과 타인에 대한 존중이 표준으로 간주됩니다. 어린 시절부터 아이들은 예의 범절의 규범을 배우고 일본인의 기본 가치를 설명하고 가능한 모든 방법으로 계몽합니다. 그리고 그것은 모두 사회의 이익을 위한 것입니다. 다른 나라에서 떠오르는 태양의 땅에 오는 모든 관광객은 일본인이 얼마나 친절하고 친절하며 예의 바른지 놀란다.

유럽 ​​국가들과 달리 일본은 오랫동안 공공장소에서의 흡연을 금지해 왔습니다. 이것은 사유 재산에도 적용됩니다. 다른 사람 근처에서 흡연하는 것은 동의한 경우에만 허용됩니다.

무엇보다도 일본인은 사회가 요구하는 모든 위생 규칙을 엄격히 준수합니다. 예를 들어 종교 건물을 포함한 모든 방에는 특수 밀짚 깔개가 있습니다. 신발을 신고 걸을 수 없으며 실내 장식뿐만 아니라 진정한 신성 모독으로 간주됩니다. 또한 일본인은 화장실에서 발로 가져올 수있는 박테리아로부터 자신을 보호하기로 결정했습니다. 모든 공공 장소와 아파트에는 유해한 세균이 다른 방으로 옮겨지는 것을 방지하는 화장실용 특수 슬리퍼가 있습니다.

일본인에게 먹는 것은 삶의 과정이 아니라 진정한 컬트입니다. 식사 전에 일본인들은 항상 물에 적신 특별한 수건으로 손을 닦는데, 이를 오시보리라고 합니다. 테이블 설정은 무작위로 발생하지 않고 특별한 계획에 따라 발생합니다. 각 장치에도 고유한 위치가 있습니다. 일본인은 그들을 남성과 여성으로 나누는데 이것은 그들에게 매우 중요합니다. 일본의 숟가락은 새해를 준비하는 오존 수프를 먹는 데만 사용되며 일본인은 특별한 그릇에서만 다른 첫 번째 코스를 마시는 것을 선호합니다. 또한 식사 중에 입술을 때리는 것은 나쁜 형태로 간주되지 않습니다. 이런 식으로 요리의 맛이 더 잘 드러난다고 믿어집니다.

일본에서 좋은 형식의 관련성은 다음 규칙의 존재로 입증됩니다.

• 사전에 회의 장소와 시간을 협의해야 합니다. 일본에서 지각하는 것은 건방진 행동이며 예의범절을 벗어난 행동으로 간주됩니다.
• 당신은 대담자를 방해 할 수 없으며 그 사람이 말할 때까지 참을성있게 기다린 다음 그의 의견을 표현하기 시작해야합니다.
• 잘못된 번호로 전화를 걸면 사과해야 합니다.
• 누군가가 당신을 도우러 온다면 반드시 그에게 감사해야합니다.
• 일본인의 일부 손님은 명예로 간주 될 수 있습니다. 그들을 위해 그들은 일반적으로 방 입구에서 가장 극단적 인 테이블에 특별한 장소를 할당합니다.
• 일본인에게 선물을 줄 때는 그것이 무엇이든 겸허한 것에 대해 사과해야 합니다. 규칙이니 어기면 안 됩니다.
• 식탁에 앉을 때 남자는 다리를 꼬을 수 있지만 여자는 다리를 꼬는 것이 엄격히 금지되어 있습니다. 다리는 안으로 집어넣고 한 방향을 향해야 합니다.

또한 일본 생활의 전통에는 나이가 많은 사람들을 숭배하는 것이 포함됩니다. 어떤 사람의 직업, 수입, 외모, 성격이 어떠하든 나이가 많으면 존중받아야 합니다. 일본의 노년은 존경과 자부심을 불러일으킵니다. 이것은 그 사람이 먼 길을 왔고 이제 그는 영예를 누릴 자격이 있음을 의미합니다.

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안녕하세요, 친애하는 독자들지식과 진리를 찾는 사람들!

오늘 우리는 아름다움을 만지고 고대 일본의 예술에 대해 이야기하도록 여러분을 초대합니다. 아래 기사에서는 일본 예술의 형성에 영향을 미친 역사의 단계를 간략하게 검토한 다음 각 구성 요소에 대해 자세히 설명합니다. 건축, 회화와 같은 전통적인 유형의 기능뿐만 아니라 전투 예술, 미니어처, 극장, 공원 등의 기능에 대해서도 배우게 됩니다.

따라서이 기사는 흥미롭고 가장 중요한 것은 유익하다고 약속합니다!

역사적 기간

떠오르는 태양의 나라는 전통적인 독창적인 건물과 사원, 그림, 조각, 장식, 정원, 문학 작품으로 구현된 독특한 문화를 가지고 있습니다. 최근 몇 세기 동안 목판화, 시, 종이 접기, 분재, 꽃꽂이, 심지어 만화 및 애니메이션과 같은 사소한 영역이 인기를 얻고 있습니다. 그들 모두는 고대에 뿌리를 둔 오랜 시간 동안 형성되었습니다.

지난 세기가 시작될 때까지 이 시기에 대해 알려진 것이 거의 없었습니다. 왜냐하면 일본은 나머지 세계에 대해 상당히 폐쇄된 국가였기 때문입니다. 그러나 그 이후로 수많은 연구가 수행되었으며 고고학 발굴 결과는 놀랍습니다. 그들은 이미 기원전 2 천년에 일본 문화 사회가 있었고 원시 부족이 15-12 천년 전에 섬에 살았다는 것을 보여줍니다.

일본 문화는 기원전 4000년 경에 형성되기 시작했지만 중세 시대인 6세기에서 18세기 사이에 절정에 이르렀습니다.

일본의 고대 역사는 선사 시대에 시작하여 8~9세기 헤이안 시대로 끝납니다. 하지만 많은 연구자들이 후기 시대도 포함하고 있습니다. 이와 관련하여 세 가지 주요 단계가 구분되며 차례로 더 작은 기간으로 나뉩니다. 지다이. 그들 각각은 새로운 제품, 구조, 스타일의 출현이 특징입니다.

1. 원시공동체

일본의 원시 사회는 최초의 석기가 등장한 신석기 시대와 조몬 시대, 야요이 시대에 존재했습니다. 조몬은 기원전 1000년부터 기원전 4세기까지 지속된 것으로 여겨진다. 그런 다음 전체 시대와 같은 이름 인 jomon을 가진 첫 번째 도자기가 나타나기 시작했습니다.

조몬 토기

이 그릇은 모양이 비대칭이었고 꼬인 밧줄 형태의 전통 장식이 있었습니다. 그들은 다양한 의식과 의식에 사용되었다고 믿어집니다. 동시에 점토, 동물 이빨, 조개, 암석, 수정으로 만든 귀걸이, 팔찌 및 목걸이와 같은 다양한 종류의 보석이 나타났습니다.

조몬 시대의 점토 귀걸이와 팔찌

기원전 3세기에 야요이 시대가 시작되어 6세기 동안 지속되었습니다. 그 다음에 현지인그들은 벼 재배를 배우고 농업을 시작했으며 계속해서 도자기 기술을 습득했으며 금속을 녹이기 시작했습니다. 그 중 가장 중요한 것은 철이었고 구리로 무기를 만들고 청동으로 종을 만들었습니다.

동탁 동종 야요이 시대 말기

• 국가의 형성 일본의 국가는 4~8세기에 형성되기 시작했습니다. 이 기간을 고분 시대와 야마토 시대라고 합니다. 그런 다음 고분의 전체 네트워크가 전국에 나타 났고 일본 자체가 천상의 제국에 더 가까워지기 시작하여 필연적으로 종교와 함께 건축, 조각을 채택했습니다 시대의 가장 중요한 건물은 호류지입니다. 5층의 탑. "khaniva"라고 불리는 점토로 만든 특수 조각품이 마운드 근처에 설치되기 시작했습니다.

일본 호류지

• 법 제정: 이 단계는 나라(8세기)와 헤이안(8-12세기 말) 시대에 속합니다. 그 순간 일본인은 이웃인 중국인과 한국인과 더욱 가까워지고 불교 개념과 함께 유교와 도교 개념을 차용하고 금속 가공 기술, 건축 방법 및 건물 디자인, 회화의 새로운 경향을 채택합니다. 특히 변화하고 있습니다. 단순한 신사가 인도와 유사한 층층의 불교 사리탑으로 대체되고 있습니다. 서민들의 주거지에는 맨땅 대신 바닥에 나무 판자가 나타나고 그 위에 편백 지붕이 나타났습니다.

일본 나라 시대의 묘사

나중에 이야기하면 몇 가지 더 많은 기간과 주요 문화적 ​​특징을 구분할 수 있습니다.

• Karakum (XII-XIV 세기) - 사무라이와 무술의 모습;
• Sengoku and Jidai (XV-XVI 세기)-기독교와 서양 문화 경향이 떠오르는 태양의 땅까지 침투 한 동방 세계로의 유럽 확장 시대;
• 에도 (XVII-XIX 세기) - 일본의 고립과 문화적 정체성의 발전을 특징으로 하는 유명한 도쿠가와 가문의 힘.

나중에 일어난 모든 것은 이미 새로운 시간과 근대성이며 지금은 의심 할 여지없이 상대적으로 폐쇄 된 일본에서도 확실한 것이 있습니다. 문화적 세계화-서양 거장들의 경험이 채택되고, 서양에서는 차례로 일본식 모티프가 유행합니다. 그러나 일본의 예술에는 항상 특별한 풍미가 있었고 고유한 특징이 있었습니다.

단순함, 인간과의 비례, 간결함, 천연 소재, 자연과의 통일성 - 고대와 현대의 일본 걸작을 특징 짓는 방법입니다.

그림

아시다시피 일본은 오랫동안 떨어져 있었고 국경은 다른 나라에 폐쇄되었습니다. 7 세기가 도래하면서 일본인은 대륙 세계와 관계를 맺기 위해 이웃과 점점 더 자주 의사 소통하기 시작했을 때 페인트, 양피지, 잉크, 그리고 그들과 함께 미술을 발견했습니다.

처음에는 매우 간단하고 간결했습니다. 일반적으로 노란색, 녹색 또는 빨간색의 세 가지 색상 중 하나 인 검은 색 또는 흰색 종이에 간단한 이미지가 만들어졌습니다. 그러나 스승과 그의 제자들의 삶에서 점점 더 많은 그림이 만들어짐에 따라 점차적으로 지역 화가들의 기술이 성장했고 주로 부처님의 가르침이 널리 퍼졌기 때문입니다.

고대 일본의 불교를 주제로 한 그림

9세기까지 일본은 이미 중국으로부터 독립된 독자적인 회화 분파를 형성했습니다. 동시에 불교의 역할이 약해지기 시작했고 종교적 동기는 소위 세속적, 즉 도쿠가와 가문 통치 기간 동안 특히 인기가 있었던 세속적 동기로 대체되었습니다.

도쿠가와 왕조의 쇼군

일본인이 회화라고 부르는 Kaiga는 완전히 다른 형태와 스타일을 취했으며 자연이 중요한 자리를 차지했습니다. 그 이후로 회화는 새로운 형태로 나타났습니다.

• Yamato-e는 화가의 주요 학교입니다. 그것은 9-10세기에 발생했으며 황제 아래 예술 아카데미의 지원을 받았습니다. 작품은 두루마리를 말아서 묘사한 것입니다. 문학 플롯숙련 된 서예와 함께. 두루마리에는 두 가지 주요 유형이 있습니다. emakimono - 길이가 수 미터이고 수평으로 접혀서 종종 테이블에서 볼 수 있으며 kakimono - 수직으로 접혀 벽에 걸려 있습니다. 보통 비단이나 종이는 야마토에 화풍으로 화사하게 칠했지만, 이후에는 도자접시, 민족복, 부채, 벽, 병풍 등이 캔버스로 점점 더 많이 사용되었다. 마음의 상태를 전달하는 데 특별한주의를 기울였습니다.
• Sumi-e - 독립적인 스타일로서 XIV 세기에 형성되었습니다. 그 특징은 수채화와 흑백 색상을 사용하는 것입니다.
• 초상화 - XIII-XIV 세기에 인기를 얻었습니다.
• 풍경 - XIV-XV 세기에 인기를 얻었는데, 이는 주로 자연과의 사색과 통일성에 기반한 선불교가 전국적으로 확산되었기 때문입니다.
• 우키요에는 보드에 밝은 그림이 특징입니다. 그것은 17 세기에 등장했으며 자연, 유명한 일본 게이샤 또는 가부키 연극 예술가의 이미지를 포함했습니다. 한 세기 후, 이 트렌드는 유럽인들의 마음을 사로잡을 정도로 인기를 얻었습니다. 그들은 이 스타일을 자신의 작품에 적용하기 시작했습니다.

전통적인 우키요에 판화

건축 방향

처음에 일본 건축은 고대 전통 가옥인 하니와 건설로 축소되었습니다. 그들은 4 세기 이전에 만들어졌으며 오늘날까지 살아남지 않았기 때문에 살아남은 미니어처 점토 모형과 그림으로 만 외모를 판단 할 수 있습니다.

여기에 평범한 사람들의 삶과 삶이 지나갔습니다. 이들은 밀짚 캐노피로 위에서 덮힌 원래 덕아웃이었습니다. 특수 목재 프레임으로 지원되었습니다.

나중에 takayuka가 나타났습니다-곡물 창고와 유사합니다. 그들은 또한 자연 재해와 해충으로부터 작물을 구할 수 있게 해주는 특수 지지 빔으로 구성되었습니다.

같은시기에 I-III 세기에 자연의 힘을 후원하는 신들을 기리기 위해 고대 신도 종교의 사원이 나타나기 시작했습니다. 그들은 대부분 처리되지 않고 도색되지 않은 사이프러스로 지어졌으며 간결한 직사각형 모양을 가졌습니다.

초가 또는 소나무 지붕은 박공이었고 구조물 자체는 파빌리온으로 둘러싸인 기둥 위에 지어졌습니다. 신사의 또 다른 특징은 입구 앞의 U자형 문입니다.

신도에는 갱신의 법칙이 있습니다. 20 년마다 사원이 파괴되었고 거의 똑같지 만 새 건물이 같은 장소에 지어졌습니다.

가장 유명한 그러한 사원은 이세(Ise)라고 불립니다. 그것은 1천년 초에 처음 지어졌으며 전통에 따라 지속적으로 재건되었습니다. Ise는 서로 약간 떨어진 두 개의 유사한 단지로 구성되어 있습니다. 첫 번째는 태양의 힘에 전념하고 두 번째는 다산의 신에게 헌정됩니다.

6세기부터 중국과 한국에서 전해진 불교의 가르침이 욱일대륙에 퍼지기 시작했고, 그와 함께 사찰 건축의 원리도 전파되었습니다. 처음에 그들은 중국 사본을 대표했지만 나중에 사원 건축에서 특별하고 진정한 일본식 스타일을 추적하기 시작했습니다.

구조물은 마치 자연과 하나가 된 것처럼 비대칭적으로 지어졌습니다. 간결함과 형태의 명확성, 석조 기초와 결합 된 나무 프레임, 너무 밝은 색상이 아닌 여러 계층의 탑-이것이 당시의 성소를 구별하는 것입니다.

그들 중 많은 사람들이 오늘날까지 살아 남았습니다. 건축 기념물로는 유명한 황금 사원과 40개의 다른 건물이 있는 7세기 초의 호류지, 8세기 중반 나라 시의 도다이지 등이 있습니다. 행성. 동시에 불교 건축은 스승의 삶에서 신과 모티프를 묘사하는 조각 및 회화와 밀접하게 얽혀 있습니다.

도다이지 절

12 ~ 13 세기 초에 봉건제가 국가에서 시작되어 화려 함이 특징 인 신덴 스타일이 대중화되었습니다. 그것은 단순함과 약간의 친밀감이있는 세인 스타일로 대체되었습니다. 벽 대신 거의 무중력 스크린이 있고 바닥에는 매트와 다다미가 있습니다.

동시에 지역 봉건 영주의 궁전 사원이 나타나기 시작했습니다. 이러한 유형의 건축물의 걸작은 유명한 14세기 금각사, 은각사라고도 알려진 15세기 긴카쿠지입니다.

은각사(금각사)

XIV-XV 세기의 궁전 사원과 함께 조경 정원 예술이 등장하기 시작했습니다. 여러면에서 그 출현은 선의 명상 적 가르침이 일본에 침투했기 때문입니다. 주요 구성 요소가 식물, 꽃뿐만 아니라 돌, 물, 물 요소를 상징하는 모래 및 자갈 마운드 인 사원과 큰 주거 주변에 정원이 나타나기 시작했습니다.

독특한 도시인 교토는 전 세계적으로 유명합니다.

또 다른 유형의 정원은 "tyaniva"라고하는 차 정원입니다. 특별하고 여유로운 의식이 열리는 찻집을 둘러싸고 있으며 정원 전체를 통해 집까지 특별한 길이 이어집니다. 중세에 등장한 당김은 오늘날 모든 곳에서 발견됩니다.

조각 방향

고대 일본의 조각은 대부분 종교 및 의식 전통과 관련이 있습니다. 또한 III-V 세기사람들은 dogu라는 작은 인물을 만드는 방법을 배웠습니다.

Dogu는 사람, 동물을 묘사했으며 고분에서 발견되었다는 점을 감안할 때 죽은 자와 함께 무덤에 넣었다는 결론을 내릴 수 있습니다. 이들은 다음 세상에서 유용 할 수있는 하인이었습니다. 도구는 점토, 청동, 나무, 옻칠 인형이었습니다. 나중에는 고분과 신사 근처에 더 큰 신상도 만들어졌습니다.

도구 조각상

물론이 나라에 불교가 도착하면 지역 조각품에 영향을 미쳤습니다. 6-7세기에 부처에 대한 수많은 기념물이 나타나기 시작했습니다. 중국과 한국의 거장들을 따라 현지 조각가들이 여행을 시작했습니다.

9세기에 이르러 조각의 방향은 더욱 발전하기 시작했지만 부처의 모습이 바뀌었고 몇 개, 최대 천 개의 얼굴과 손을 가지기 시작했습니다. 가장 자주 그들은 강한 나무 종, 바니시, 청동, 점토로 만들어졌습니다.

많은 아름다운 기념물이 오늘날까지 살아 남았습니다. 예를 들어, Haryu-ji 사원에서는 장엄한 부처상이 연꽃 위에 앉아 있고, Todai-ji에는 조각가 Kaikei와 Unkei가 만든 16m 부처가 이끄는 신들의 전체 앙상블이 있습니다. .

다른 유형

일본 예술은 다면적이며 몇 시간 동안 그것에 대해 이야기할 수 있습니다. 고대에 시작된 다른 여러 유형의 예술에 대해 이야기해 봅시다.

• 달필

그것은 "알림의 길"을 의미하는 세도라고 불립니다. 중국에서 차용한 아름다운 상형 문자 덕분에 일본의 서예가 등장했습니다. 많은 현대 학교에서 필수 과목으로 간주됩니다.

• 하이쿠 또는 하이쿠

하이쿠는 14세기에 등장한 일본의 특별한 서정시입니다. 시인은 "하이진"이라고합니다.

• 종이접기

이 이름은 "접힌 종이"로 번역됩니다. 중왕국 시대부터 종이접기는 원래 의례에 사용되었고 귀족들의 직업이었지만 최근에는 전 세계로 퍼졌습니다.

고대 예술일본의 종이 접기

• 이케바나

번역의 단어는 "살아있는 꽃"을 의미합니다. 종이 접기와 마찬가지로 원래 의식에 사용되었습니다.

• 미니어처

미니어처의 가장 일반적인 두 가지 유형은 분재와 네츠케입니다. 분재는 실제 나무를 크게 축소한 모사품입니다. Netsuke는 18-19세기에 등장한 부적과 같은 작은 조각상입니다.

• 무술

그들은 주로 사무라이-일종의 기사도, 닌자-암살자-용병, 부시도-전사와 관련이 있습니다.

• 연극 예술

가장 유명한 극장, 모든 일본인의 자부심은 고전 가부키 극장입니다. 일본의 연극 예술에 대해 더 많이 읽을 수 있습니다.

일본의 가부키 극장

결론

기사에서 볼 수 있듯이 일본은 국가적 규모뿐만 아니라 세계적인 규모의 예술 걸작의 보고입니다. 우리 시대보다 오래 전에 시작된 고대부터 일본인은 그림, 건물, 동상,시, 공원, 미니어처 등 아름다운 것을 만들고 창조하기 시작했으며 이것이 전체 목록이 아닙니다.

흥미롭게도 내장된 기능은 일본 문화고대의 우리 시대의 창조물에서 추적 될 수 있습니다. 이것은 단순성, 간결함, 자연 스러움, 자연과의 조화에 대한 열망입니다.

독자 여러분의 관심에 감사드립니다! 오늘 일본과 같은 신비하고 먼 나라에 대해 많은 것을 배웠기를 바랍니다. 우리와 함께하세요 - 댓글을 남기고 친구들과 기사 링크를 공유하세요 - 우리는 기꺼이 탐구할 것입니다 신비한 세계당신과 함께 동쪽!

곧 봐요!