“춤에 대해 조금 아는 시청자에게 관심이 있어요. 약력 Jean Christophe Maillot 발레 꿈

몬테카를로 발레 극장에서 일어나는 모든 일이 중요하고 우리에게 가까이 있는 것 같습니다. 결국 안무가인 Jean-Christophe Maillot이 감독을 맡았기 때문에 우리는 그의 발레 Daphnis와 Chloe를 다시 보았을 때 첫눈에 반했습니다. 2012. 그런 다음 그는 볼쇼이 극장에서 The Taming of the Shrew를 상연했으며 이번 시즌에는 Cinderella (St. Petersburg)와 Beauty (모스크바)를 보여주었습니다. 장 크리스토프 - 흥미로운 성격그리고 매력적인 사람. Olga Rusanova와의 인터뷰에서 그는 줄거리 없는 발레인 Marius Petipa에 대한 관심과 작은 모나코에서 안무가가 되는 것이 어떤 것인지에 대해 이야기했습니다.

추상화는 생명이다?

대중은 내 주제 발레를 잘 알고 있으며 이것은 실제로 중요한 부분내 창의력. 하지만 음악과 관련된 순수한 움직임을 만들어내는 것에서 큰 즐거움을 얻기도 합니다. 예,이 예술은 추상적 인 것 같지만 사람이하는 모든 일에는 일종의 감정과 느낌이 있기 때문에 완전히 추상적 인 것이 있다고 믿지 않습니다. 또한 저는 움직임과 음악 사이의 매우 구체적인 관계를 탐구하는 것을 좋아합니다. 그리고 굳이 이야기에 매달리지 않아도 될 때면 더 대담해질 ​​수 있고 안무 연구에 위험을 무릅쓸 수도 있다. 이것은 나를 사로 잡는 일종의 실험실입니다. 그리고 이것은 또한 내 작업의 중요한 부분이며 아마도 덜 알려져 있지만 원하는 경우 발레의 본질, 움직임 자체를 포함합니다.

내 마지막 발레인 Abstraction/Life는 완전히 새로운 음악인 첼로 협주곡으로 만들어졌습니다. 프랑스 작곡가브루노 만토바니의 "추상화". 거의 50분에 달하는 매우 큰 악보이며 작곡가와 작업한다는 아이디어에 영감을 받았습니다.

물론 저는 Shostakovich의 음악 작업도 좋아했습니다. 발레 "The Taming of the Shrew"를 의미합니다. 그의 작품에서 현실에 존재하지 않는 발레의 새로운 악보를 만들었습니다. 하지만 그래도 작곡가가 특별히 저를 위해 작곡을 해준다면 그건 완전히 다른 문제입니다. 또한 이번 발레의 밤은 두 부분으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 부분에는 Stravinsky의 바이올린 협주곡 음악에 대한 George Balanchine의 발레가 있습니다. Balanchine의 문구를 상기시켜 드리겠습니다. "나는 춤을 듣고 음악을 보려고 노력합니다." 그래서 나는 Balanchine을 따라 음악이 눈에 보이도록 만들고 싶습니다. 자주 현대 음악그 자체로는 이해하기 어렵다. 그리고 춤, 움직임은 그것을 "소생"시켜 지각을 위해 더 자연스럽게 만들 수 있게 합니다. 티야. 이 시점에서 실제로 무언가가 일어나고 있습니다.기적... 일반적으로 안무가로서 저는 항상 음악과 함께 춤을 작곡합니다. 그것 없이는 한 걸음, 한 동작을 상상할 수 없습니다. 제 생각에는 음악이 최고 수준의 예술이기 때문입니다. , 복잡하고 이해할 수 없더라도 항상 감정을 다루었습니다. 그리고이 감정을 전달할 수있는 것은 춤, 몸의 움직임, 그것을 말하는 방법, 그리고 이것이 만지는 것입니다.

그리고 더. 예술가는 자신이 살고 있는 시간에 대한 정보를 제공하기 위해 증인이 되어야 합니다. 현실 세계. 협주곡의 저자인 브루노 만토바니와 이에 대해 이야기를 나눴습니다. 그의 음악은 때때로 너무 복잡하고 거칠다. “20세기에, 그리고 오늘날에는 더욱 더 잔인함이 어디에나 있습니다. 세상은 성장하고 있으며 점점 더 많은 사람들이 있습니다. 많은 두려움, 질문, 혼란… 부드럽고 부드러운 음악을 쓸 수 없습니다. 현실을 반영해야합니다.”

Petipa, Diaghilev 및 Instagram

Petipa는 특별하고 특별하며 독특한 것입니다. 그렇다면 그와 같은 안무가는 없었다. 나는 그가 아무것도 생각할 필요가없는 자급 자족 언어로 춤의 개념을 추가 한 최초의 사람 중 한 명이라고 생각합니다. 실제로 그의 경우 발레는 공연을 만들기에 충분합니다.

왜 우리는 여전히 Petipa에 대해 이야기하고 있습니까? “발레는 모든 것의 중심에 있기 때문입니다. Petipa가 한 일이 아니었다면 오늘날 그가 있는 곳에 아무도 없었을 것입니다. 오늘날 우리가 가지고 있는 발레에 대한 지식의 출발점, 시작점입니다. 그리고 그가 수년, 수세기, 세대를 넘어섰기 때문에 그가 매우 중요한 존재였음을 의미하며 이것은 명백합니다.

그리고 오늘날 큰 줄거리 발레를 만들 때 우리는 여전히 백조의 호수에 대해 생각합니다. 이것이 모든 안무가가 의존하는 클래식 발레의 기초이기 때문입니다. 그것은 새로운 개념을 더 구축하는 첫 번째 기반이었습니다. 새로운 스타일생각, 새로운 아이디어. 그 당시에는 비디오, 영화가 없었습니다. 우리는 이 지식을 시간과 세대를 통해 전달할 수 있는 매우 특정한 춤의 능력만 가지고 있었습니다.

글쎄, Petipa의 현상은 문화의 상호 침투의 예로서 흥미 롭습니다. 그의 발레는 춤이 국제적 규모의 의사소통을 위한 훌륭한 기반이라는 것을 수년 동안 보여주었습니다. 상호 언어. 내가 볼쇼이 극장에 와서 극단의 솔리스트들과 함께 일했을 때 나는이 프랑스 사람이 어떻게 마르세유에서 러시아로 왔는지, 그리고 러시아 문화를 만난 러시아 무용수들에 대해 Petipa에 대해 생각할 수밖에 없었습니다. 문화.

특히 오늘날 문화적 차이가 서서히 사라지고 있기 때문에 이것은 기억하는 것이 매우 중요합니다. 우리는 점점 서로에게 녹아들어 섞이고 있다. 아주 최근에 동료를 5 ~ 6 년 동안 보지 않으면 그들이 무엇을하고 있는지 몰랐고 이제는 소셜 네트워크와 Instagram 덕분에 정보가 끊임없이 흐르고 있습니다. 모든 것이 동시에 모든 곳에서 일어나는 것 같습니다. 이것은 좋고 나쁩니다.

나는 생각하고 있습니다 : Facebook과 그 당시 존재했던 모든 것이 Trisha Brown이 동시에 뉴욕에서 무엇을하고 있는지 안다면 Grigorovich는 어떻게 될까요? 그의 발레에 있는 모든 것이 똑같을까요? 그럴 가능성은 없으며 아마도 후회할 수 밖에 없습니다.

러시아 무용수들의 태도는 원래 프랑스나 미국과는 사뭇 달랐지만 시간이 가고있다, 그리고 당신은 20년 전에 달랐던 것이 이제 점점 지워지고, 용해되고, 더 가까워지고 있음을 이해합니다. 그리고 저는 이것을 다른 국적의 대표자들이 춤추는 회사에서 봅니다.

생각, 스타일, 미학의 보편성 - 예, 어떤 면에서는 훌륭하지만 점차 우리는 정체성을 잃게 될 것입니다. 우리는 무의식적으로 서로를 점점 더 많이 복사합니다. 그리고 아마도이 과정을 일으킨 최초의 사람 중 한 명은 Petipa 였을 것입니다. 프랑스를 떠나 다른 나라, 러시아로 문화를 가져온 사람은 바로 그 사람이었습니다. 그리고 어쩌면 그래서 그녀가 그렇게 비범해졌는지도...

일반적으로 모든 아티스트의 임무는 이전에 수행된 작업을 참조하고, 유산을 알고, 존중과 호기심으로 다루는 것이라고 생각합니다. 역사를 아는 것은 매우 중요하지만, 동시에 앞으로 나아가기 위해서는 어느 시점에서 이 지식을 "잊어야" 합니다. 나는 종종 우리 극장이 운영되는 몬테카를로에서 일했던 Sergei Diaghilev의 Russian Seasons 극단에 대해 질문을받습니다. 물론 회사가 작곡가, 예술가, 안무가를 모아 저녁에 2 ~ 3 개의 발레를 선보일 때 가장 흥미로운 현상이었습니다. 오늘날 많은 사람들이 이것을 하고 있지만, 그때 그들이 처음이었습니다. 나에게 Diaghilev의 Russian Seasons는 Petipa의 것보다 중요하지 않습니다.

Bezharovsky 댄서

나는 연극 가족에서 자랐습니다. 아버지는 오페라와 발레 극장의 세트 디자이너였습니다. 집에서, 투어에서, 가수, 댄서, 감독들이 모인, 나는 극장에서 태어나고 자랐다고 말할 수 있습니다. 나는 몇 시간 동안 거기에서 놀았다. 그래서 나는 오페라를 좋아하지 않는다. 초기그녀를 너무 많이 보았다. 동시에 저는 무용의 세계에서 자랐다고 말하기보다는 예술적인 환경에서 자랐다고 말하고 싶습니다. 오랫동안 나는 32세가 될 때까지 나 자신을 댄스 분야의 전문가라고 생각할 수 없었습니다.

나는 댄서였습니다. 투르의 음악원에서 공부한 다음 칸에서 공부했습니다. 나는 춤에 대해 잘 몰랐고 항상 안무의 역사보다 삶에 대해 더 궁금해했습니다. 저는 어린 시절 Maurice Béjart, 특히 그의 희곡인 God's Clown Nijinsky에서 얼마나 깊은 인상을 받았는지 기억합니다. 그리고 마당에있을 때 (그리고 나는 내 가장 존경할만한 지역에서 자라지 않았습니다. 고향 Tura) 소년들이 물었다. “당신은 어떤 종류의 댄서입니까? Classic 또는 Bezharovsky?”, 나는 대답했습니다. “Bezharovsky”. 그렇지 않으면 그들은 아마 나를 이해하지 못했을 것이고 아마도 그들은 나를 때렸을 것입니다. 우리는 클래식 댄스보다는 대중적인 댄스 문화에서 자랐습니다.

그런 다음 주로 무용수를 통해 발레에 대해 중요한 것을 배우기 시작했습니다. Giselle의 Baryshnikov, Swan Lake의 Makarova에 대해 이야기하고 있습니다. 나는 Balanchine을 발견했고 우리 회사에서 그의 발레 19개를 상연했습니다.

중요한 것은 무용수들이다.

나는 2012년에 그의 발레 Ivan the Terrible을 보았을 때 Yuri Grigorovich를 정말로 발견했습니다. 나는 매혹되고 사로 잡혔습니다. 저에게 가장 깊은 인상을 준 것은 안무가 아니라 그 자체로 매우 흥미로웠지만 댄서들, 그들의 참여, 그들이 하고 있는 일에 대한 믿음이었습니다. 그것은 나를 만졌다. 그리고 발레는 무용수들이 중심이라는 걸 다시 깨달았다. 물론 안무가가 필요하지만 무용수가 없는 안무가는 아무것도 아니다. 우리는 그것을 잊지 말아야 합니다. 당신이 좋아한다면, 이것은 나의 집착입니다. 내 직업은 사람들과 함께 스튜디오에 있는 것입니다. 특별한 사람들: 그들이 거짓말을 할 때도 연약하고 취약하며 매우 정직합니다. 함께 음악을 나누는 아티스트, 우리가 함께 느끼는 것을 표현할 수 있는 춤의 언어에 항상 관심이 있습니다. 그리고 이 감정의 소용돌이가 무대에서 공연장으로 옮겨져 우리 모두가 하나가 되기를 항상 바랍니다.

고립된 상태에서 행복하다

나는 발레 세계에 너무 연결되어 있다고 느끼지 않습니다. 여기 모나코에서 나는 일종의 "고립"입니다. 하지만 이곳이 저를 닮아서 좋아요. 이 나라는 특별합니다. 총 면적이 2제곱 킬로미터로 매우 작지만 모두가 알고 있습니다. 모나코는 매우 매혹적인 곳입니다. 파업, 사회 경제적 문제, 갈등, 가난, 실업자가 없습니다. 모나코의 캐롤라인 공주는 저에게 이곳에서 25년 동안 일할 수 있는 멋진 기회를 주었습니다. 나는 다음과 같은 강력한 기관의 일부가 아닙니다. 로열발레단, 큰 극장, 파리 오페라, 국제 기업의 일부입니다. 나는 외롭지만 온 세상을 여기로 가져올 수 있습니다.

그리고 여기 "고립"되어 있는 것이 행복합니다. 그리고 내일 발레계가 나에 대한 불매 운동을 발표하면 괜찮습니다. 여기서 일하겠습니다. 왕자도 공주도 나에게 "너는 이것 저것을 해야 한다"고 말하지 않는다. 나는 정직하고 독립적이며 자유로울 수 있는 멋진 기회를 가지고 있습니다. 나는 내가 원하는 것을 할 수 있다: 공연을 하고, 축제를 개최한다.

모나코에는 다른 극장이 없습니다. 그리고 몬테카를로 발레단의 레퍼토리에 국한하지 않고 최대한 지역 대중들에게 선사하기 위해 노력합니다. 수년 동안 그들이 우리 발레 만 본다면 그것은 내가 대중을 속이고 있다는 것을 의미합니다. 발레의 세계. 내 임무는 고전, 현대 무용단 및 기타 안무가들을 이곳으로 데려오는 것입니다. 나는 이곳에 사는 사람들이 파리지앵과 Muscovites와 같은 기회를 갖기를 바랍니다. 그래서 나는 한 번에 모든 것을 해야 합니다. 무대 발레, 투어, 축제, 발레 아카데미에 참여하는 것입니다. 하지만 내 임무는 그를 위해 일하는 것이 아니라 그를 지원하는 전문 감독을 찾는 것이 었습니다.

일반적으로 더 재능있는 사람들주위에 있을수록 일을 더 흥미롭고 쉽게 할 수 있습니다. 좋아요 똑똑한 사람근처 - 그들은 당신을 더 똑똑하게 만듭니다.

나는 감독이 괴물이어야 하고, 힘을 보여주고, 사람들이 스스로를 두려워하게 만들어야 한다는 생각이 싫다. 매일 당신 앞에서 거의 벌거벗은 사람들에게 권력을 행사하는 것은 어렵지 않습니다. 그러나 이들은 매우 취약하고 불안정한 사람들입니다. 그리고 당신은 당신의 힘을 남용할 수 없습니다. 그리고 나는 무용수를 사랑합니다. 약한 사람들에게도 공감합니다. 특별한 일. 예술가에게 스무 살에 성숙하라고 하지만 보통 사람들그것은 40 세에 불과하며 댄서에게 진정한 성숙이 오면 몸이 "떠난다"는 것이 밝혀졌습니다.

우리 회사-아티스트가 내 자녀가 아니기 때문에 "가족"이라고 말하지 않겠습니다. 이것은 같은 생각을 가진 사람들의 회사입니다. 나는 두려움, 분노, 갈등이 살게 될 극단과 관계를 맺은 적이 없습니다. 그건 내 것이 아니야.

안무가가 된다는 것은 다른 학파, 다른 사고방식을 가진 사람들을 연결하여 공연을 만드는 것이며, 동시에 창작 과정에서 누가 정확히 결과에서 가장 중요한 연결 고리가 될지 알 수 없습니다. . 항상 팀의 노력입니다.

몬테카를로 발레 극장에서 일어나는 모든 일이 중요하고 우리에게 가까이 있는 것 같습니다. 결국 안무가인 Jean-Christophe Maillot이 감독을 맡았기 때문에 우리는 그의 발레 Daphnis와 Chloe를 다시 보았을 때 첫눈에 반했습니다. 2012. 그런 다음 그는 볼쇼이 극장에서 The Taming of the Shrew를 상연했으며 이번 시즌에는 Cinderella (St. Petersburg)와 Beauty (모스크바)를 보여주었습니다. Jean-Christophe는 흥미로운 성격과 매력적인 사람입니다. Olga Rusanova와의 인터뷰에서 그는 줄거리 없는 발레인 Marius Petipa에 대한 관심과 작은 모나코에서 안무가가 되는 것이 어떤 것인지에 대해 이야기했습니다.

추상화는 생명이다?

대중은 내 주제 발레를 잘 알고 있으며 이것은 실제로 내 작업의 중요한 부분입니다. 하지만 음악과 관련된 순수한 움직임을 만들어내는 것에서 큰 즐거움을 얻기도 합니다. 예,이 예술은 추상적 인 것 같지만 사람이하는 모든 일에는 일종의 감정과 느낌이 있기 때문에 완전히 추상적 인 것이 있다고 믿지 않습니다. 또한 저는 움직임과 음악 사이의 매우 구체적인 관계를 탐구하는 것을 좋아합니다. 그리고 굳이 이야기에 매달리지 않아도 될 때면 더 대담해질 ​​수 있고 안무 연구에 위험을 무릅쓸 수도 있다. 이것은 나를 사로 잡는 일종의 실험실입니다. 그리고 이것은 또한 내 작업의 중요한 부분이며 아마도 덜 알려져 있지만 원하는 경우 발레의 본질, 움직임 자체를 포함합니다.

나의 최신 발레인 Abstraction/Life는 완전히 새로운 음악, 즉 Abstraction이라는 프랑스 작곡가 Bruno Mantovani의 첼로 협주곡으로 만들어졌습니다. 거의 50분에 달하는 매우 큰 악보이며 작곡가와 작업한다는 아이디어에 영감을 받았습니다.

물론 저는 Shostakovich의 음악 작업도 좋아했습니다. 발레 "The Taming of the Shrew"를 의미합니다. 그의 작품에서 현실에 존재하지 않는 발레의 새로운 악보를 만들었습니다. 하지만 그래도 작곡가가 특별히 저를 위해 작곡을 해준다면 그건 완전히 다른 문제입니다. 또한 이번 발레의 밤은 두 부분으로 구성되어 있습니다. 첫 번째 부분에는 Stravinsky의 바이올린 협주곡 음악에 대한 George Balanchine의 발레가 있습니다. Balanchine의 문구를 상기시켜 드리겠습니다. "나는 춤을 듣고 음악을 보려고 노력합니다." 그래서 나는 Balanchine을 따라 음악이 눈에 보이도록 만들고 싶습니다. 종종 현대 음악은 그 자체로 인식하기 어렵습니다. 그리고 춤, 움직임은 그것을 "소생"시켜 지각을 위해 더 자연스럽게 만들 수 있게 합니다. 티야. 이 시점에서 실제로 무언가가 일어나고 있습니다.기적... 일반적으로 안무가로서 저는 항상 음악과 함께 춤을 작곡합니다. 그것 없이는 한 걸음, 한 동작을 상상할 수 없습니다. 제 생각에는 음악이 최고 수준의 예술이기 때문입니다. , 복잡하고 이해할 수 없더라도 항상 감정을 다루었습니다. 그리고이 감정을 전달할 수있는 것은 춤, 몸의 움직임, 그것을 말하는 방법, 그리고 이것이 만지는 것입니다.

그리고 더. 작가는 현실 세계에 대한 정보를 제공하기 위해 자신이 살고 있는 시간의 목격자가 되어야 한다. 협주곡의 저자인 브루노 만토바니와 이에 대해 이야기를 나눴습니다. 그의 음악은 때때로 너무 복잡하고 거칠다. “20세기에, 그리고 오늘날에는 더욱 더 잔인함이 어디에나 있습니다. 세상은 성장하고 있으며 점점 더 많은 사람들이 있습니다. 많은 두려움, 질문, 혼란… 부드럽고 부드러운 음악을 쓸 수 없습니다. 현실을 반영해야합니다.”

Petipa, Diaghilev 및 Instagram

Petipa는 특별하고 특별하며 독특한 것입니다. 그렇다면 그와 같은 안무가는 없었다. 나는 그가 아무것도 생각할 필요가없는 자급 자족 언어로 춤의 개념을 추가 한 최초의 사람 중 한 명이라고 생각합니다. 실제로 그의 경우 발레는 공연을 만들기에 충분합니다.

왜 우리는 여전히 Petipa에 대해 이야기하고 있습니까? “발레는 모든 것의 중심에 있기 때문입니다. Petipa가 한 일이 아니었다면 오늘날 그가 있는 곳에 아무도 없었을 것입니다. 오늘날 우리가 가지고 있는 발레에 대한 지식의 출발점, 시작점입니다. 그리고 그가 수년, 수세기, 세대를 넘어섰기 때문에 그가 매우 중요한 존재였음을 의미하며 이것은 명백합니다.

그리고 오늘날 큰 줄거리 발레를 만들 때 우리는 여전히 백조의 호수에 대해 생각합니다. 이것이 모든 안무가가 의존하는 클래식 발레의 기초이기 때문입니다. 그것은 새로운 개념, 새로운 사고 방식, 새로운 아이디어를 구축하는 첫 번째 기반이었습니다. 그 당시에는 비디오, 영화가 없었습니다. 우리는 이 지식을 시간과 세대를 통해 전달할 수 있는 매우 특정한 춤의 능력만 가지고 있었습니다.

글쎄, Petipa의 현상은 문화의 상호 침투의 예로서 흥미 롭습니다. 그의 발레는 춤이 우리의 공통 언어이기 때문에 국제적 규모의 의사소통을 위한 훌륭한 기반임을 수년 동안 보여주었습니다. 내가 볼쇼이 극장에 와서 극단의 솔리스트들과 함께 일했을 때 나는이 프랑스 사람이 어떻게 마르세유에서 러시아로 왔는지, 그리고 러시아 문화를 만난 러시아 무용수들에 대해 Petipa에 대해 생각할 수밖에 없었습니다. 문화.

특히 오늘날 문화적 차이가 서서히 사라지고 있기 때문에 이것은 기억하는 것이 매우 중요합니다. 우리는 점점 서로에게 녹아들어 섞이고 있다. 아주 최근에 동료를 5 ~ 6 년 동안 보지 않으면 그들이 무엇을하고 있는지 몰랐고 이제는 소셜 네트워크와 Instagram 덕분에 정보가 끊임없이 흐르고 있습니다. 모든 것이 동시에 모든 곳에서 일어나는 것 같습니다. 이것은 좋고 나쁩니다.

나는 생각하고 있습니다 : Facebook과 그 당시 존재했던 모든 것이 Trisha Brown이 동시에 뉴욕에서 무엇을하고 있는지 안다면 Grigorovich는 어떻게 될까요? 그의 발레에 있는 모든 것이 똑같을까요? 그럴 가능성은 없으며 아마도 후회할 수 밖에 없습니다.

러시아 무용수들의 태도는 처음에는 프랑스와 미국의 것과 완전히 달랐지만 시간이 흐르고 20년 전과 달랐던 것이 이제는 점점 더 지워지고, 해체되고, 가까워지고 있음을 이해합니다. 그리고 저는 이것을 다른 국적의 대표자들이 춤추는 회사에서 봅니다.

생각, 스타일, 미학의 보편성 - 예, 어떤 면에서는 훌륭하지만 점차 우리는 정체성을 잃게 될 것입니다. 우리는 무의식적으로 서로를 점점 더 많이 복사합니다. 그리고 아마도이 과정을 일으킨 최초의 사람 중 한 명은 Petipa 였을 것입니다. 프랑스를 떠나 다른 나라, 러시아로 문화를 가져온 사람은 바로 그 사람이었습니다. 그리고 어쩌면 그래서 그녀가 그렇게 비범해졌는지도...

일반적으로 모든 아티스트의 임무는 이전에 수행된 작업을 참조하고, 유산을 알고, 존중과 호기심으로 다루는 것이라고 생각합니다. 역사를 아는 것은 매우 중요하지만, 동시에 앞으로 나아가기 위해서는 어느 시점에서 이 지식을 "잊어야" 합니다. 나는 종종 우리 극장이 운영되는 몬테카를로에서 일했던 Sergei Diaghilev의 Russian Seasons 극단에 대해 질문을받습니다. 물론 회사가 작곡가, 예술가, 안무가를 모아 저녁에 2 ~ 3 개의 발레를 선보일 때 가장 흥미로운 현상이었습니다. 오늘날 많은 사람들이 이것을 하고 있지만, 그때 그들이 처음이었습니다. 나에게 Diaghilev의 Russian Seasons는 Petipa의 것보다 중요하지 않습니다.

Bezharovsky 댄서

나는 연극 가족에서 자랐습니다. 아버지는 오페라와 발레 극장의 세트 디자이너였습니다. 집에서, 투어에서, 가수, 댄서, 감독들이 모인, 나는 극장에서 태어나고 자랐다고 말할 수 있습니다. 나는 몇 시간 동안 거기에서 놀았다. 그래서 저는 오페라를 좋아하지 않습니다. 어릴 때부터 오페라를 너무 많이 봤습니다. 동시에 저는 무용의 세계에서 자랐다고 말하기보다는 예술적인 환경에서 자랐다고 말하고 싶습니다. 오랫동안 나는 32세가 될 때까지 나 자신을 댄스 분야의 전문가라고 생각할 수 없었습니다.

나는 댄서였습니다. 투르의 음악원에서 공부한 다음 칸에서 공부했습니다. 나는 춤에 대해 잘 몰랐고 항상 안무의 역사보다 삶에 대해 더 궁금해했습니다. 저는 어린 시절 Maurice Béjart, 특히 그의 희곡인 God's Clown Nijinsky에서 얼마나 깊은 인상을 받았는지 기억합니다. 그리고 마당에있을 때 (그리고 나는 내 고향 투르의 가장 존경받는 지역에서 자라지 않았습니다) 소년들은“당신은 어떤 종류의 댄서입니까? Classic 또는 Bezharovsky?”, 나는 대답했습니다. “Bezharovsky”. 그렇지 않으면 그들은 아마 나를 이해하지 못했을 것이고 아마도 그들은 나를 때렸을 것입니다. 우리는 클래식 댄스보다는 대중적인 댄스 문화에서 자랐습니다.

그런 다음 주로 무용수를 통해 발레에 대해 중요한 것을 배우기 시작했습니다. Giselle의 Baryshnikov, Swan Lake의 Makarova에 대해 이야기하고 있습니다. 나는 Balanchine을 발견했고 우리 회사에서 그의 발레 19개를 상연했습니다.

중요한 것은 무용수들이다.

나는 2012년에 그의 발레 Ivan the Terrible을 보았을 때 Yuri Grigorovich를 정말로 발견했습니다. 나는 매혹되고 사로 잡혔습니다. 저에게 가장 깊은 인상을 준 것은 안무가 아니라 그 자체로 매우 흥미로웠지만 댄서들, 그들의 참여, 그들이 하고 있는 일에 대한 믿음이었습니다. 그것은 나를 만졌다. 그리고 발레는 무용수들이 중심이라는 걸 다시 깨달았다. 물론 안무가가 필요하지만 무용수가 없는 안무가는 아무것도 아니다. 우리는 그것을 잊지 말아야 합니다. 당신이 좋아한다면, 이것은 나의 집착입니다. 내 직업은 사람들과 함께 스튜디오에 있는 것입니다. 특별한 사람들: 그들이 거짓말을 할 때도 연약하고 취약하며 매우 정직합니다. 함께 음악을 나누는 아티스트, 우리가 함께 느끼는 것을 표현할 수 있는 춤의 언어에 항상 관심이 있습니다. 그리고 이 감정의 소용돌이가 무대에서 공연장으로 옮겨져 우리 모두가 하나가 되기를 항상 바랍니다.

고립된 상태에서 행복하다

나는 발레 세계에 너무 연결되어 있다고 느끼지 않습니다. 여기 모나코에서 나는 일종의 "고립"입니다. 하지만 이곳이 저를 닮아서 좋아요. 이 나라는 특별합니다. 총 면적이 2제곱 킬로미터로 매우 작지만 모두가 알고 있습니다. 모나코는 매우 매혹적인 곳입니다. 파업, 사회 경제적 문제, 갈등, 가난, 실업자가 없습니다. 모나코의 캐롤라인 공주는 저에게 이곳에서 25년 동안 일할 수 있는 멋진 기회를 주었습니다. 저는 로열 발레단, 볼쇼이 극장, 파리 오페라와 같은 강력한 기관의 일원이 아니라 국제 기업의 일원입니다. 나는 외롭지만 온 세상을 여기로 가져올 수 있습니다.

그리고 여기 "고립"되어 있는 것이 행복합니다. 그리고 내일 발레계가 나에 대한 불매 운동을 발표하면 괜찮습니다. 여기서 일하겠습니다. 왕자도 공주도 나에게 "너는 이것 저것을 해야 한다"고 말하지 않는다. 나는 정직하고 독립적이며 자유로울 수 있는 멋진 기회를 가지고 있습니다. 나는 내가 원하는 것을 할 수 있다: 공연을 하고, 축제를 개최한다.

모나코에는 다른 극장이 없습니다. 그리고 몬테카를로 발레단의 레퍼토리에 국한하지 않고 최대한 지역 대중들에게 선사하기 위해 노력합니다. 수년 동안 그들이 우리 발레 만 본다면 발레계에서 일어나는 일에 대해 대중을 속이고 있다는 뜻입니다. 내 임무는 고전, 현대 무용단 및 기타 안무가들을 이곳으로 데려오는 것입니다. 나는 이곳에 사는 사람들이 파리지앵과 Muscovites와 같은 기회를 갖기를 바랍니다. 그래서 나는 한 번에 모든 것을 해야 합니다. 무대 발레, 투어, 축제, 발레 아카데미에 참여하는 것입니다. 하지만 내 임무는 그를 위해 일하는 것이 아니라 그를 지원하는 전문 감독을 찾는 것이 었습니다.

일반적으로 주변에 재능 있는 사람들이 많을수록 일을 더 흥미롭고 쉽게 할 수 있습니다. 나는 근처에 있는 똑똑한 사람들을 좋아합니다. 그들은 당신을 더 똑똑하게 만듭니다.

나는 감독이 괴물이어야 하고, 힘을 보여주고, 사람들이 스스로를 두려워하게 만들어야 한다는 생각이 싫다. 매일 당신 앞에서 거의 벌거벗은 사람들에게 권력을 행사하는 것은 어렵지 않습니다. 그러나 이들은 매우 취약하고 불안정한 사람들입니다. 그리고 당신은 당신의 힘을 남용할 수 없습니다. 그리고 저는 무용수를 사랑하고 약자에게도 공감합니다. 왜냐하면 그들은 특별한 직업을 가지고 있기 때문입니다. 당신은 예술가에게 스무 살에 성숙함을 보여달라고 요청하지만 평범한 사람들에게는 마흔 살에야 찾아옵니다. 그리고 무용수에게 진정한 성숙함이 찾아오면 몸은 “떠나간다”는 것이 밝혀졌습니다.

우리 회사-아티스트가 내 자녀가 아니기 때문에 "가족"이라고 말하지 않겠습니다. 이것은 같은 생각을 가진 사람들의 회사입니다. 나는 두려움, 분노, 갈등이 살게 될 극단과 관계를 맺은 적이 없습니다. 그건 내 것이 아니야.

안무가가 된다는 것은 다른 학파, 다른 사고방식을 가진 사람들을 연결하여 공연을 만드는 것이며, 동시에 창작 과정에서 누가 정확히 결과에서 가장 중요한 연결 고리가 될지 알 수 없습니다. . 항상 팀의 노력입니다.

© ITAR-TASS/ 미하일 자파리제

"Jean-Christophe Maillot은 정반대에서 그의 삶을 엮습니다. "Rollella Hightower의이 말은 프랑스 안무가 예술의 본질을 완벽하게 반영합니다. 그를 클래식 또는 아방가르드 아티스트라고 분명히 부르는 것은 불가능합니다. 더욱이 그의 작품에서 이러한 경향은 결코 반대되지 않으며 더욱이 서로를 배제하지 않습니다.

Jean-Cristo Maillot은 1960년 투르에서 태어났습니다. 투르 지역의 국립 음악원에서 안무뿐만 아니라 피아노 연주도 공부했고, 그 후 칸에서 공부했다. 국제 학교 Rosella Hightower가 그의 멘토였던 댄스.

Jean-Christophe는 댄서로서 무대 경력을 시작했습니다. 1977년에 그는 이 자격으로 로잔에서 열린 청소년 대회에 참가하여 1등상을 수상했습니다. J. Neumeier는 재능 있는 젊은 무용수를 자신의 극단에 초대했고, 그는 함부르크 발레단에서 5년 동안 솔로 파트를 연주했습니다… 공연에 대해… 그러나 그는 안무가의 활동이라는 자신의 다른 길을 발견합니다.

Jean-Christophe Maillot은 고국으로 돌아와 Bolshoi Ballet Theatre of Tours를 이끌고 있으며 1985 년에 설립 된이 공연에서 24 회 이상의 공연을했습니다. 안무 축제모나코의 Le Chor?graphique도 그의 장점이다. 1987년 안무가는 Monte-Carlo Ballet의 음악에 발레 "The Miraculous Mandarin"을 넣었습니다. 성공은 엄청났고 협업은 몇 년 후 계속되었습니다. 1992년 J.-C. Mayo는 이 극단의 크리에이티브 컨설턴트가 되고 1년 후 Hanover의 공주가 그를 임명합니다. 예술 감독.

Monte-Carlo Ballet을 이끄는 Jean-Christophe Maillot은 당시 아방가르드 안무가 인 William Forsyth, Nacho Duato의 작품을 대중에게 알리기 시작했으며 자신의 작품도 제작합니다. 처음에 그의 혁신은 이해를 얻지 못했습니다. 홀의 관중 수가 20 명을 초과하지 않았지만 점차 새로운 예술이 높이 평가되었습니다. 이것은 또한 안무가가 가져온 극단의 예술적 수준의 증가에 의해 촉진되었습니다. 새로운 라운드개발. 그는 예술가들 사이에서 밝은 성격을 발견하고 모두에게 그들의 재능을 극대화할 수 있는 기회를 주었다.

Monte-Carlo Ballet에서 수년 동안 작업하는 동안 Jean-Christophe Maillot은 60개 이상의 작품을 제작했으며 그 중 적은 수의 발레와 대규모 발레가 있었습니다. Black Monsters, Birthplace, To the Promised Land, Dance of Men, To the other side ”, “눈에는 눈” 등. 안무가의 무대와 고전 작품– 그러나 그들의 해석은 항상 예상치 못한 것이었습니다. 예를 들어 J.-C. P. I. Tchaikovsky의 발레 The Nutcracker에서 이런 일이 일어났습니다. Mayo는 "The Nutcracker at the Circus"라는 제목으로 무대에 올랐습니다. 여기에는 크리스마스 모티브가 없습니다. 여주인공은 책을 읽다가 잠이 들었고, 그녀의 꿈은 서커스 쇼, Mr. Drossel과 Mrs. Meyer가 청지기 역할을합니다 (Drosselmeyer의 이미지가 너무 기괴하게 해결되었습니다). 발레는 요소와 결합 서커스 예술, 그리고 발레리나가되는 꿈을 꾸는 Marie 자신은 클래식 발레의 이미지 인 잠자는 숲속의 미녀, 신데렐라를 "시도"하고 호두 까기 인형은 그녀에게 남성적 원칙이 분명히 강조되는 의상에서 춤을 가르칩니다. 발레 "로미오와 줄리엣"의 해석은 틀에 얽매이지 않는 것으로 밝혀졌습니다. 죽음으로 이어지는 것은 가족의 적대감이 아닙니다. 젊은 영웅그러나 자멸로 이끄는 눈부신 사랑.

S. S. Prokofiev - Cinderella의 음악에 대한 또 다른 발레에서 몇 가지 새로운 기능이 줄거리에 도입되었습니다. 죽은 어머니,여 주인공을 끝까지 동행합니다. 안무가와 또 다른 클래식 발레 P. I. Tchaikovsky- "", "Lake"라는 이름으로 발표 : 초점은 Siegfried 왕자가 아니라 Odette가 아니라 여성에게 역할이 부여 된 Evil Genius에 있습니다.

2000년 안무가는 모나코에서 Dance Form을 조직했습니다. 이 안에 국제 축제다양성을 표현하기 위해 고안된 안무 예술, 공연뿐만 아니라 세미나, 컨퍼런스, 전시회도 있었다. 이후 2001년에 Dance Forum은 Princess Grace Academy of Classical Dance와 합병되었고 J.-C. 메이요. 2년 전 안무가는 러시안 시즌스 100주년 기념 프로그램의 코디네이터로 활동했습니다. 모나코에서 열린 이 행사의 관객 수는 6만 명을 넘어섰고, 각국에서 온 50개 이상의 발레단이 이곳에서 공연을 했다.

Jean-Christophe Maillot의 주요 특징 중 하나는 개방성, 경험 교환 의지입니다. 다양한 아티스트들의 작품을 촘촘하게 따라다니며 다른 장르의 안무가들과도 기꺼이 협업하며 안무가로서 뿐만 아니라 프로듀서로서의 면모도 입증했다. 오페라 공연: Winsbaden에 있는 Staatstheater의 "Faust" 및 "Norma" 오페라 극장 2007년 몬테카를로에서

공동 J.-C. 메이요와 s 러시아 예술가. 2014년 그는 무대 볼쇼이 극장 D. D. Shostakovich의 25 작품 음악에 대한 발레 "The Taming of the Shrew": 폴카, 로맨스, 영화 "The Gadfly", "Oncoming", "Hamlet"의 음악 조각, "Moscow-Cheryomushki"의 조각, ~에서 교향곡 작품. 안무가에 따르면 그는 이 작곡가의 음악을 선택했다고 한다. 주인공셰익스피어 코미디: D. D. Shostakovich와 Katarina는 모두 다른 사람들이 보고 싶어 했던 것이 아닙니다. 발레는 "불합리한 것의 조합"처럼 보일 수 있습니다. 예를 들어, 공연이 시작될 때 검은 투투의 발레리나가 바닥에 신사를 굴리고이 자유로운 장면은 대조를 이룹니다. 고전 무용"올바른 소녀"Bianchi-하지만 셰익스피어의 영웅 캐릭터를 설명하는 것은 바로 그러한 기술입니다.

Jean-Christophe Maillot은 수많은 상을 받았습니다. 벨레트르, 레지옹 도뇌르 훈장, 성 찰스 훈장, 문화적 공로에 대한 모나코 공국 훈장, 베누아 드 라 당스 및 단사 발렌시아 상. 그가 만든 발레는 독일, 스웨덴, 캐나다, 러시아, 한국, 미국의 여러 극단의 레퍼토리에 포함되었습니다.

음악 시즌

1960년 프랑스 투르에서 태어났다. 그는 National Conservatory of Tours(Indre-et-Loire)에서 Alain Daven 밑에서 무용과 피아노를 공부했고, 그 후(1977년까지) Cannes의 International School of Dance에서 Roselle Hightower와 함께 공부했습니다. 같은 해에 그는 로잔에서 열린 국제 청소년 콩쿠르 상을 수상한 후 함부르크 발레단 John Neumeier의 극단에 합류하여 향후 5년 동안 솔리스트로 주요 부분을 연주했습니다.

사고로 인해 그는 댄서로서의 경력을 그만 두었습니다. 1983년에 그는 투르로 돌아와 안무가이자 투르의 볼쇼이 발레 극장의 감독이 되었으며, 나중에 국립 안무 센터로 변모했습니다. 그는 이 극단을 위해 20개 이상의 발레를 상연했습니다. 1985년에 그는 Le Chorégraphique 축제를 설립했습니다.

1986년 그는 발레를 재개하라는 초청을 받았다. 작별 교향곡 1984년 당시 부활한 몬테카를로 발레단을 위해 J. 노이마이어에게 "마지막 용서"라고 말한 J. 하이든의 음악에. 1987년 이 극단을 위해 그는 B. Bartok의 The Wonderful Mandarin을 상연했는데 이 발레는 탁월한 성공을 거둘 것으로 예상되었습니다. 같은 해에 그는 M. Ravel의 동명 오페라 음악에 맞춰 발레 "The Child and the Magic"을 상연했습니다.

1992-93시즌. 몬테카를로 발레단의 예술 고문이 되었고, 1993년 하노버 공주 전하가 그를 예술 감독으로 임명했습니다. 그가 이끄는 50명으로 구성된 극단은 빠르게 발전했으며 이제 고도로 전문적이고 창의적으로 성숙한 팀이라는 명성을 얻었습니다.

Mayo는 변함없이 새로운 안무 언어를 만드는 과정에 있습니다. 왜냐하면 그는 위대한 이야기 ​​발레를 새로운 방식으로 "다시 읽고" 자신만의 추상적인 안무적 사고 방식을 보여주기를 원하기 때문입니다. 이 접근 방식은 그를 세계 언론에서 유명하게 만들었습니다. 그는 극단의 발전에 집착합니다. 항상 다른 크리에이터와의 협력을 위해 열려 있으며 매년 귀하를 모나코로 초대합니다. 흥미로운 안무가, 동시에이 무대와 젊은 안무가들에게 자신을 표현할 수있는 기회를 제공합니다.

창의력에 대한 탁월한 충동은 그가 자신의 극단에서 수집하고 양육하는 밝은 성격에 의해 그에게 주어지며 더 밝게 열리고 더 성숙한 기술을 보여줄 수있는 기회를 제공하기를 원합니다. 이러한 열망은 곧 국제적으로 널리 알려지게 된 축제인 모나코 댄스 포럼(Monaco Dance Forum)의 2000년 창설로 이어졌습니다.

몬테카를로 발레단은 1년 중 6개월을 순회 공연으로 보내는데, 이는 Mayo의 면밀한 정책의 결과이기도 합니다. 극단은 거의 전 세계를 여행했습니다 (런던, 파리, 뉴욕, 마드리드, 리스본, 서울, 홍콩, 카이로, 상파울루, 리우데 자네이루, 브뤼셀, 도쿄, 멕시코 시티, 베이징, 상하이에서 공연) 모든 곳에서 그녀와 그녀의 지도자는 최고의 표창을 받았습니다.

Jean-Christophe Maillot은 언제나 환영받는 손님입니다. 발레단평화. 전적으로 동의합니다 지난 몇 년그는 캐나다 볼쇼이 발레단(몬트리올), 스웨덴 왕립 발레단(스톡홀름), 에센 발레단(독일), 퍼시픽 노스웨스트 발레단(미국 , 시애틀), 국립발레단(서울), 슈투트가르트발레단(독일), 덴마크 왕립발레단(코펜하겐), 제네바 대극장발레단, 아메리칸발레시어터(ABT), 로잔 베자르발레단.

2007년에는 Wiesbaden State Theatre에서 C. Gounod의 오페라 "Faust"를, 2009년에는 Monte-Carlo Opera에서 V. Bellini의 "Norma"를 상연했습니다. 2007년 첫 영화 발레 '신데렐라'를 연출했고, 2008년 가을에는 영화 발레 '드림'을 연출했다.

2011년에는 아주 중요한 사건. 극단, 축제 그리고 교육 기관, 즉 : 몬테카를로 발레, 모나코 댄스 포럼 및 댄스 아카데미. 그레이스 공주. 하노버 공주 전하의 후원과 Jean-Christophe Maillot의 지도력 아래, 그의 열망을 실현할 수 있는 더 많은 기회를 얻었습니다.

클래식도 아방가르드도 그 중간도 아닌 Jean-Christophe Maillot은 한 가지 스타일에 집착하지 않고 전통적인 쁘띠 슈즈와 아방가르드가 더 이상 상호 배타적이지 않은 대화로 춤을 만듭니다.

다른 많은 안무가들처럼 그도 무용수로 경력을 시작했습니다. 다른 많은 뛰어난 무용수들과 마찬가지로 그에 대한 인정은 로잔에서 열린 국제 청소년 콩쿠르에서 상을 받으면서 시작되었습니다. 훨씬 덜 운이 좋은 사람들은 그와 같이 전설적인 John Neumeier 극단에서 솔로 파트를 연주하라는 초대를 받았습니다. 그리고 사고로 이륙하는 동안 부서진 극소수만이 자신 만의 독창적 인 스타일을 만들어 냈습니다.

함부르크에서 고향 인 투르로 돌아온 그는 나중에 프랑스에서 권위있는 지위를 얻은 투르의 볼쇼이 발레 극장의 안무가이자 감독이되었습니다. 내셔널 센터안무. 그는 Le Chorégraphique 축제를 창설했고 Monte-Carlo Ballet을 포함하여 많은 공연을 했습니다. 그의 작업은 큰 성공을 거두었고 이제 하노버 공주는 그를 몬테카를로 발레단의 감독으로 초대하고 그에게 인상적인 예산을 제공합니다.

이 순간부터 Mayo는 Monaco를 안무의 메카로 만들기 위해 모든 것을 다합니다. 20명으로 시작했어도 강당, 그해 William Forsyth와 Nacho Duato의 아방가르드로 단골들을 놀라게했습니다. 그러나 이 극단은 빠르게 성장했고 20년 동안 매우 전문적이고 창의적으로 성숙한 팀으로 명성을 얻었습니다. Mayo는 밝은 성격을 신중하게 수집하고 육성하며 최대한 개방하고 재능을 보여줄 기회를 제공하기 위해 노력합니다. 그는 70개 타이틀의 놀라운 레퍼토리를 구축했으며, 자신을 무대에 올리고 가장 많은 안무가를 초청했습니다. 다른 스타일그리고 방향. 그는 설립 댄스 스쿨, 문자 그대로 전 세계에서 영재 학생들을 수집합니다. 그는 권위있는 "모나코 댄스 포럼"을 만들었습니다. 댄스 페스티벌새로운 안무 작품을 제작하는 국제적 수준.

안무가 Jean-Christophe Maillot은 춤과 드라마 극장, 서커스 돔 아래 줄타기에서 균형을 잡고 시각 예술에 녹아 들며 음악을 먹고 다양한 형태의 문학을 탐구합니다. 그의 작품은 가장 넓은 의미의 예술입니다. 30년 동안 Mayo는 대규모 내러티브 발레에서 소규모 작품에 이르기까지 60개 이상의 작품을 제작했습니다. 이 작품 모두 복잡하게 얽혀 있고 연관성과 암시로 서로를 언급하며 함께 우리 발레 역사의 큰 부분을 구성합니다. 시간.

Jean-Christophe Maillot은 전 세계 모든 발레단의 환영받는 손님이지만 일반적으로 그는 Monte-Carlo Ballet에서 테스트 한 자신의 작품을 다른 단계로 옮길뿐입니다. 이러한 극장에는 다음이 포함됩니다. 빅 발레캐나다(몬트리올), 스웨덴 왕립발레단(스톡홀름), 에센발레단과 슈투트가르트발레단(독일), 퍼시픽노스웨스트발레단(미국, 시애틀), 국립발레단한국(서울), 덴마크 왕립발레단(코펜하겐), 제네바 대극장 발레단(스위스), 아메리칸 발레 시어터(미국, 뉴욕), 베자르 발레단(프랑스).

Mayo의 경력에서 독특한 사례는 러시아 볼쇼이 극장 극단을 위해 특별히 제작된 The Taming of the Shrew의 제작입니다.