샤미센 - 악기 - 역사, 사진, 비디오. 동양 악기의 세계와 두둑의 기원에 대한 짧은 여행

일본의 이야기꾼이나 가수의 도움으로 공연 중에 동행했습니다. 샤미센의 가장 가까운 유럽 아날로그는 . 하야시 및 샤쿠하치 플루트, 쓰즈미 드럼 및 . 일본의 전통 악기를 말합니다.

이름은 분라쿠와 가부키의 음악 장르인 나가우타(긴 노래)와 대조를 이룹니다. 가장 잘 알려지고 가장 복잡한 공연 스타일은 다케모토 기다유(1651-1714)의 이름을 딴 기다유입니다. 인형극오사카 분라쿠. 악기와 플렉트럼이 가장 크고 가이드 자신이 가수이자 무대에서 일어나는 일에 대한 해설자입니다. 이야기꾼의 작업은 너무 복잡해서 공연 중간에 가이드가 바뀝니다. 화자는 가사와 멜로디를 절대적으로 알아야 합니다. 19세기 이후 여성 이야기꾼인 온나기다유(onna-gidayu)도 등장했다.

기원

원래 형태의 샤미센은 서아시아 깊숙한 곳에서 시작되어 그곳에서 "산 시안"이라고 불리는 중국 (XIII 세기)에 왔고 류큐 제도 (현대 오키나와)로 옮겨져 그곳에서만 일본에 왔습니다. 이 사건은 역사에서 매우 명확하게 표시됩니다. 다른 사건이 나타난 시간과 달리 악기- 1562년으로 거슬러 올라갑니다.

샤미센의 전신인 산신은 당시 현이 된 류큐 왕국에서 연주되었습니다. 산신(Sanshin)은 중앙아시아 악기에서 진화한 중국 악기 산지안(Sanjian)에서 유래했습니다.

샤미센은 도쿠가와 막부 초기에 등장한 순회 무작정 연주자들에게 가장 중요한 악기이기도 했습니다.

전통/고대 악기가 그다지 주목받지 못하는 유럽과 달리 일본에서는 샤미센을 비롯한 국악기가 널리 알려지고 사랑받고 있습니다. 인기는 문화와 역사에 대한 일본인의 존경심뿐만 아니라 주로 가부키와 분라쿠 극장에서 일본 전통 극장에서 국가 악기, 특히 샤미센을 사용하기 때문입니다.

샤미센은 도쿠가와 시대에 가장 널리 보급되었으며 샤미센 연주 기술은 마이코-게이샤 학생들을 위한 필수 교육 프로그램의 일부였습니다. 그래서 "즐거운 숙소"는 종종 "샤미센이 멈추지 않는 숙소"라고 불렸습니다.

품종 및 응용

목의 두께가 서로 다른 여러 유형의 악기가 있습니다.

도구 좁은 목~라고 불리는 호소자오주로 음악에 사용 나가우타.

도구 독수리 매체두께라고 합니다 추자오와 같은 음악 장르에 사용됩니다. 키요모토, 토키와즈, 지우타등.

일본 북부, 특히 쓰가루 지역(아오모리현 서부)에서는 별도의 샤미센의 두꺼운 버전 — 쓰가루자미센, 특별한 기교가 필요한 게임. 목이 가장 두꺼운 츠가루쟈미센이라고 합니다. 후토자오에 사용됩니다 조루리.

장치

샤미센의 몸체는 가죽으로 단단히 덮인 나무 프레임입니다. 예를 들어 류큐 제도에서는 뱀 가죽이 사용되었고 일본에서는 고양이나 개의 가죽이 이러한 목적으로 사용되었습니다. 케이스는 양면이 가죽으로 덮여 있으며 플렉트럼(bati) 타격으로부터 보호하기 위해 작은 가죽 조각이 전면 멤브레인에 접착되어 있습니다.

굵기가 다른 세 개의 현이 못과 몸체 바닥 중앙에서 튀어나온 목 하단 사이에 매어져 있습니다. 현은 실크, 나일론 및 테틀론으로 만들어집니다. 샤미센의 길이는 약 100cm입니다.

샤미센은 나무, 상아, 거북이 껍질, 버팔로 뿔, 플라스틱과 같은 재료로 만들어진 큰 바치 플렉트럼으로 연주됩니다. nagaut 및 jiuta의 Bati는 모서리가 매우 날카로운 거의 규칙적인 삼각형입니다.

Tsugarujamisen은 은행잎과 같은 더 작은 플렉트럼을 제안합니다.

샤미센 연주 기법

세 가지 스타일의 샤미센 연주가 형성되었습니다.

Uta-mono - 노래 스타일.주요 장르 중 하나 음악 반주연극 공연 가부키. 이 장르는 하야시 앙상블이 연주하는 긴 음악 막간으로 표현됩니다(이 앙상블은 일반적으로 연극 공연에 수반되며 플루트와 세 가지 유형의 드럼으로 구성됨).

Katari-mono는 판타지 스타일입니다.일본 전통 음악의 가장 특징적이며 특정 유형의 노래로 표현됩니다.

민요는 민요입니다.

샤미센이 일본에 처음 등장했을 때 작은 플렉트럼(유비카케)으로 현을 뜯었고 시간이 지남에 따라 음악가들이 플렉트럼을 사용하기 시작하여 악기의 음색 가능성이 크게 확장되었습니다. 아래쪽 현을 뜯을 때마다 소리 외에 배음과 약간의 잡음이 들리는 현상을 "savari"("터치")라고 합니다. Savaries는 또한 다른 현이 하단 현과 공명할 때, 특히 현 사이의 피치 간격이 한 옥타브(2옥타브, 3, 5도 등)일 때 나타납니다. 이 추가 사운드를 사용하는 능력은 연주자의 높은 기술의 표시이며 음향 효과 자체는 샤미센 제작자가 엄격하게 제어합니다.

플렉트럼은 오른손에 쥐고 있고, 적당한 순간에 프렛 없는 목에 왼손 세 손가락으로 현의 소리를 멈춘다. 엄지와 새끼 손가락은 게임에서 사용되지 않습니다. 샤미센을 연주하는 가장 특징적인 방법은 플렉트럼을 막과 현에 동시에 치는 것입니다. 또한 현, 넥, 멤브레인의 두께, 플렉트럼이 현을 치는 위치 등과 같이 소리의 특성을 결정하는 다른 많은 중요한 요소가 있습니다. 또한 샤미센에서는 왼손으로 현을 뜯을 수 있어 더욱 우아한 음색을 얻을 수 있습니다. 음색을 바꾸는 이 능력은 샤미센의 특징 중 하나입니다.

연주 방법 외에도 현, 목 또는 플렉트럼의 길이와 치수, 두께, 무게, 재료(질량 표시기)를 변경하여 악기의 음색을 변경할 수 있습니다! 음높이와 음색이 서로 다른 약 20여 개의 샤미센이 있으며 연주자는 자신의 음악 장르와 가장 일치하는 악기를 선택하거나 공연 직전에 다시 조율합니다.

샤미센 음악에서 음성 라인은 악기에서 연주되는 것과 거의 일치합니다. 음성은 멜로디보다 약간 앞서서 텍스트를 듣고 이해할 수 있으며 음성과 음 사이의 대비를 강조합니다. 샤미센.

현대 음악의 샤미센

샤미센은 특유의 소리로 인해 일부 지역에서 "국가적" 소리를 향상시키는 데 자주 사용됩니다. 일본 영화및 애니메이션(예: 러시아). 그래서 샤미센은 나루토 애니메이션 시리즈 Puni Puni Poemi의 사운드 트랙에서 들립니다.

Agatsuma Hiromitsu는 New Age 스타일로 연주합니다.

유럽 ​​뮤지컬 아방가르드 대표(예: Henri Pousseur)가 사용합니다.

Yoshida Brothers가 연주하는 작곡은 꽤 유명하며 그들의 샤미센 소리는 비슷합니다.

사토 미치로가 샤미센을 즉흥적으로 연주하고, 재즈 피아니스트 Glenn Horiuchi는 샤미센 연주의 일부를 작곡에 삽입했습니다.

기타리스트 Kevin Kmetz는 캘리포니아에 기반을 둔 밴드 God of the Shamisen을 이끌고 tsugarujamisen을 연주합니다.

비디오: 비디오 + 사운드의 샤미센

이 비디오 덕분에 도구에 익숙해질 수 있습니다. 실제 게임그것에 소리를 듣고 기술의 세부 사항을 느껴보십시오.

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악기: 류트

초음속과 나노 기술의 시대에 때때로 당신은 진정으로 긴장을 풀고 세상의 모든 소란을 버리고 예를 들어 르네상스의 낭만적인 시대와 같이 현대적인 혼란이 없는 다른 세계에서 자신을 찾고 싶을 때가 있습니다. 현재 이를 위해 타임머신을 발명할 필요는 없지만 Izmailovsky Kremlin 또는 Sheremetyevo Palace 어딘가에서 정통 음악 콘서트를 방문하기만 하면 됩니다. 그곳에서 정신적으로 과거로 이어지는 아름다운 멜로디를들을 수있을뿐만 아니라 먼 조상들이 몇 세기 전에 음악을 연주했던 흥미로운 악기에 대해서도 알게 될 것입니다. 오늘날 고대 음악에 대한 관심이 높아지고 있으며, 현대 연주자들은 트래버스 플루트, 비올라 다 감바, 고음 비올라, 바로크 콘트라베이스 바이올린, 하프시코드의심할 여지 없이 류트는 특권층의 악기이며 특별한 주의를 기울일 가치가 있습니다. 중세 아랍인들은 그녀를 악기의 여왕이라고 불렀습니다.

소리

류트는 현악기에 속합니다. 뽑아 낸 악기, 소리의 특성상 기타와 약간 비슷하지만 목소리가 훨씬 부드럽고 부드러 우며 배음으로 더 포화되어 음색이 부드럽고 떨립니다. 류트의 사운드 소스는 연주자가 오른손으로 뽑고 왼손으로 프렛을 눌러 길이를 변경하여 피치를 변경하는 단일 현입니다.

악기의 악보는 6줄의 문자로 작성되었으며, 소리의 지속 시간은 문자 위에 있는 음표로 표시되었습니다. 범위 3옥타브 정도의 악기. 도구에는 특정 표준 설정이 없습니다.

사진:

흥미로운 사실

• 많은 국가에서 류트의 이미지는 조화, 젊음, 사랑의 상징으로 사용되었습니다. 중국인들 사이에서 그것은 가족과 사회의 일관성뿐만 아니라 지혜를 의미했습니다. 불교도의 경우-신의 세계에서의 조화, 기독교인의 경우-천사의 아름다움과 자연력의 화해를 나타내는 천사의 손에 든 류트. 르네상스 예술에서 그녀는 음악을 상징했고, 현이 끊어진 악기는 불일치와 불화를 나타냈습니다.
• 류트는 연인의 상징적 이미지 인 엠블럼이었습니다.
• 르네상스의 류트는 그림에 자주 표시되었으며 오르페우스와 아폴로조차도 그 당시의 예술가들은 거문고가 아니라 류트로 그렸습니다. 그리고 이 낭만적인 악기를 가진 소녀나 청년보다 더 조화로운 구성을 상상하는 것은 불가능합니다.
• 한때 매우 인기가 있었던 류트는 세속계, 귀족, 왕족의 특권적인 악기로 여겨졌습니다. 동양에서는 악기의 술탄(sultan of instrument)으로 불렸으며, 유럽 국가에서는 오르간이 “모든 악기의 왕”, 류트가 “모든 왕의 악기”라는 말이 있었습니다.
• 위대한 영국 시인이자 극작가 W. 셰익스피어는 그의 작품에서 종종 류트를 언급했습니다. 그는 그녀의 소리에 감탄했고, 청취자를 황홀한 상태로 만드는 능력이 그녀에게 있다고 생각했습니다.
• 이탈리아의 가장 위대한 조각가이자 예술가, 시인이자 사상가인 미켈란젤로 부오나로티(Michelangelo Buonarroti)는 유명한 류트 연주자 프란체스코 다 밀라노(Francesco da Milano)의 연주에 감탄하며 자신이 음악에서 신성한 영감을 받았으며 당시 그의 모든 생각이 하늘로 향했다고 말했습니다.
• 류트를 연주하는 사람을 류트 연주자라고 하고 악기를 만드는 대가를 류트라고 합니다.
• 볼로냐 장인의 악기 인 L. Mahler와 G. Frey는 물론 17-18 세기에 만들어진 베니스와 파도바의 Tieffenbrucker 가족 대표는 이러한 기준에 따라 천문학적 비용이 듭니다.
• 류트를 연주하는 법을 배우는 것은 그리 어렵지 않았지만, 천연 소재로 만든 현이 여러 개지만 온도와 습도의 변화로 인해 조율이 제대로 이루어지지 않는 악기를 조율하는 것이 문제였습니다. 매우 유명한 농담이 있습니다. 류트 연주자는 시간의 2/3를 악기를 조율하는 데 사용하고 1/3은 조율되지 않은 악기로 음악을 연주합니다.

설계

류트의 매우 우아한 디자인에는 몸체와 목이 포함되어 있으며 페그 블록으로 끝납니다. 배 모양의 바디는 데크와 공명기 역할을 하는 바디로 구성된다.

• 몸체는 곡선으로 만들어져 반구형 모양을 형성하며 단단한 나무로 만든 부분은 흑단, 자단, 체리 또는 단풍 나무입니다.
• 데크는 몸을 덮는 몸의 앞부분입니다. 평평하고 타원형이며 일반적으로 공진기 가문비 나무로 만들어집니다. 하부의 데크에는 스탠드가 있고, 중앙에는 우아하고 복잡한 문양이나 아름다운 꽃 모양의 사운드 홀이 있습니다.

상대적으로 넓지만 짧은 류트 넥이 공명판과 같은 높이로 본체에 부착되어 있습니다. 흑단 오버레이가 붙어 있고 catgut fret 구분 기호도 묶여 있습니다. 넥 상단에는 현의 장력을 조절하는 너트가 있습니다.

현 장력 조절 핀이 있는 류트의 페그 블록에도 자체 특징. 그것은 블록이 목의 목과 관련하여 상당히 크고 거의 직각으로 위치한다는 사실에 있습니다.

서로 다른 류트에서 짝을 이루는 현의 수는 5개에서 16개, 때로는 24개로 크게 다릅니다.

무게도구는 매우 작고 약 400 gr입니다., 길이도구 - 약 80cm.

품종

한때 매우 유행했던 류트는 매우 집약적으로 진화했습니다. 음악의 달인모양, 현 수 및 튜닝을 지속적으로 실험했습니다. 결과적으로 상당히 많은 악기 종류가 생겼습니다. 예를 들어, 르네상스 류트는 다음을 제외합니다. 전통 악기, 합창단과 같은 쌍을 이룬 현의 수가 다른 악기를 포함하여 작은 옥타브, 작은 고음, 고음, 알토, 테너, 저음 및 옥타브 저음과 같이 인간 목소리의 레지스터와 유사한 다양한 크기의 유형을 가졌습니다. 또한 류트 계열에는 바로크 류트, al-ud, archilute, torban, kobza, theorba, kittaron, zither, bandora, cantabile 류트, orfarion, Wandervogel 류트, 만도라, 만돌라가 포함됩니다.

애플리케이션

미술사학자들은 류트를 가장 흥미로운 악기 중 하나일 뿐만 아니라 16세기와 17세기 유럽 음악사에서 근본적으로 중요한 악기로 간주합니다. 평민에서 왕족에 이르기까지 다양한 계층의 대표자들로부터 인정을 받았으며 반주, 독주 및 앙상블 악기로 사용되었습니다. 빠르게 증가하는 류트의 인기는 지속적으로 레퍼토리의 보충과 업데이트를 요구했습니다. 종종 작품의 작곡가는 동시에 연주자 였기 때문에 유럽 국가에는 멋진 류트 작곡가의 은하계 전체가 나타났습니다. 이탈리아 - F. Spinachino, F. Milano, V. Galilei, A. Rippe, G. Morley, V. Capirola, A. Piccinini. 스페인 - L. Milan, M. Fuenlyana. 독일 - H. Neusiedler, M. Neusiedler, I. Kapsberger, S. Weiss, W. Lauffensteiner. 영국 - D. Dowland, D. Johnson, F. Cutting, F. Rosseter, T. Campion. 폴란드 - V. Dlugoraj, J. Reis, D. Kato, K. Klabon. 프랑스 - E. Gauthier, D. Gauthier, F. Dufau, R. Wiese. 또한 그러한 위대한 거장들조차 이다. 바흐, A. 비발디, G. 헨델, J. 하이든류트에 주목하여 작품으로 레퍼토리를 풍부하게했습니다.

현재 초기 음악에 대한 관심과 동시에 류트에 대한 관심은 약해지지 않습니다. 그녀의 소리는 무대에서 점점 더 많이 들립니다. 콘서트 홀. 중에 현대 작곡가 I. David, V. Vavilov, S. Kallosh, S. Lundgren, T. Sato, R. MacFarlen, P. Galvao, R. MacKillop, J. Wissems, A. Danilevsky, R. Turovsky-Savchuk, M. Zvonarev.

주목할만한 예술가

르네상스와 바로크에서 비정상적으로 유행했지만 다른 악기로 대체되고 부당하게 잊혀진 류트는 오늘날 진정한 음악가들 사이에서 다시 큰 관심을 불러일으키고 있습니다. 그녀의 소리는 이제 점점 더 다양한 기기에서 들을 수 있습니다. 콘서트장, 솔로뿐만 아니라 다른 아름다운 고대 악기와의 앙상블도 있습니다. 21세기에 이 악기의 대중화를 위해 많은 노력을 기울인 가장 유명한 거장 연주자는 V. Kaminik(러시아), P. O "Dett(미국), O. Timofeev(러시아), A. Krylov(러시아, 캐나다)입니다. , A Suetin(러시아), B. Yan(중국), J. Imamura(일본), R. Lislevand(노르웨이), E. Karamazov(크로아티아), J. Held(독일), L. Kirchhoff(독일), E Eguez(아르헨티나), H. Smith(미국), J. Lindbergh(스웨덴), R. Barto(미국), M. Lowe(영국), N. North(영국), J. van Lennep(네덜란드) 등 기타 .

이야기

류트 출현의 전체 역사는 동부 국가가장 진보 된 도구 중 하나로 간주되어 추적이 불가능합니다. 이러한 도구는 이미 4천년 전에 세계 여러 나라에서 널리 보급되었습니다. 그들은 이집트, 메소포타미아, 중국, 인도, 페르시아, 아시리아, 고대 그리스그리고 로마. 그러나 예술 학자들은 류트가 선지자의 손자가 만든 결과라고 주장하면서 중동에서 여전히 특별한 경의를 표하는 악기인 우드(oud)의 직계 조상이 있었다고 제안합니다. oud는 호두 또는 배나무로 만든 배 모양의 몸체, 소나무 사운드 보드, 짧은 목 및 뒤로 구부러진 머리를 가졌습니다. 플렉트럼으로 소리를 추출했습니다.

류트에 의한 유럽 정복은 무어인들이 이베리아 반도를 정복한 후인 8세기에 스페인과 카탈로니아에서 시작되었습니다. 이 도구는 이들 국가의 문화에 매우 빠르게 합류했을 뿐만 아니라 십자군, 다른 지역으로 빠르게 퍼지기 시작했습니다. 유럽 ​​국가: 이탈리아. 프랑스, 독일, 저수조 및 판두라와 같이 당시 존재했던 다른 도구를 대체합니다. 인기를 얻은 류트는 지속적으로 다양한 개선을 거쳤습니다. Masters는 악기 디자인을 변경하고 바디와 넥을 수정하고 현을 추가했습니다. 처음에 그가 4-5 쌍의 현-합창단을 가지고 있었다면 나중에 숫자가 점차 증가했습니다. 14세기까지 유럽의 류트는 완전히 형성되었을 뿐만 아니라 궁정에서뿐만 아니라 가정 음악 제작에서도 가장 인기 있는 악기 중 하나가 되었습니다. 반주뿐만 아니라 독주 악기로도 사용되었다. 류트를 위해 그들은 다양한 음악을 많이 작곡하고 대중가요와 춤뿐만 아니라 신성한 음악도 필사했습니다. 15세기에는 악기의 인기가 더욱 높아졌고 화가들은 종종 예술 캔버스에 악기를 묘사합니다. 작곡가들은 계속해서 레퍼토리를 집중적으로 풍부하게 하고 있습니다. 연주자들은 플렉트럼을 버리고 기술적인 가능성을 크게 확장한 손가락 추출 방식을 선호하여 화성 반주와 다성 음악을 모두 연주할 수 있습니다. 류트는 계속 개선되었고 6쌍의 현이 있는 악기가 가장 인기 있는 악기가 되었습니다.

16세기에 류트의 인기는 절정에 이르렀습니다. 그녀는 전문 음악가와 아마추어 모두를 지배했습니다. 악기는 왕궁과 최고 귀족은 물론 일반 시민의 집에서도 울렸다. 솔로 및 앙상블 작품을 연주하고 성악가 및 합창단과 함께 오케스트라에 소개했습니다. 안에 다른 나라류트 악기 생산을위한 학교가 만들어졌으며 그중 가장 유명한 학교는 이탈리아 볼로냐시에있었습니다. 악기는 지속적으로 수정되었고 쌍을 이루는 현의 수가 증가했습니다. 처음에는 10개, 다음에는 14개, 나중에는 그 수가 36개에 이르렀고 그에 따라 악기 디자인을 변경해야 했습니다. 많은 종류의 류트가 있었고, 그중에는 할인에서 저음까지 인간 목소리의 테시투라에 해당하는 7가지가 있었습니다.

17세기 말에 이르러 류트의 인기는 눈에 띄게 떨어지기 시작했고 점차적으로 다음과 같은 악기로 대체되었습니다. 기타, 하프시코드, 그리고 나중에 피아노. 18세기에는 스웨덴, 우크라이나, 독일에 존재했던 여러 품종을 제외하고는 실제로 더 이상 사용되지 않았습니다. 그리고 19세기와 20세기 초에 이르러서야 기악 거장, 전문 음악가, 음악학자인 Arnold Dolmich가 이끄는 영국 애호가들의 고대 악기에 대한 새로운 관심으로 인해 류트에 대한 관심이 다시 크게 증가했습니다.

류트는 아름답고 부드러운 목소리를 가진 고대의 우아한 악기로 한때 사용이 금지되고 부당하게 잊혀졌습니다. 시간이 흐르고 뮤지션들은 그를 기억하고 관심을 갖게되었고 다시 그를 콘서트 무대로 데려와 세련된 사운드로 청취자를 정복했습니다. 오늘날 류트는 종종 독주 및 앙상블 악기로 연주하는 본격적인 음악 콘서트에 참여합니다.

비디오: 류트 듣기

언젠가 일본 악기 이야기를 하겠다고 약속한 적이 있다. 이번에 왔습니다. Biva는 우연히 내 손에 떨어졌지만 주제를 여는 것은 그녀에게 떨어졌습니다 :)

오늘날 우리의 관심은 비와(biwa)라고 하는 일본 전통 악기의 마법 같은 소리에 사로잡히게 될 것입니다.
비와(Biwa)는 일본의 다양한 류트 또는 만돌린으로 7세기에 중국에서 일본에 전해졌습니다.
그리고 유럽 류트의 뿌리도 중앙아시아로 갑니다.
일본에서는 천년 이상의 비파 개발, 많은 모델, 많은 연주 및 노래 유파가 나타났습니다.

(오케스트라와 함께하는 일종의 비파 협주곡이다. 기온 쇼자. 작곡가 아키기시 히로히사
프롤로그 "The tale"s of Heike "("Taira monogatari "라고도하는 Heike의 이야기) 녹음에서 이것이 주요 현대 작품 biwa에서 공연됩니다. 2004년 서울 세종문화회관에서 녹음한 것입니다.)

이 도구는 위쪽을 향한 아몬드 너트와 모양이 비슷합니다. 몸의 앞벽은 앞쪽으로 약간 구부러져 있고 뒤쪽은 평평합니다. 벽, 즉 두 개의 나무 판이 멀리 떨어져 있지 않고 악기가 다소 평평합니다. 전면 벽에는 세 개의 구멍이 있습니다.
비와에는 찹쌀 풀로 함께 붙인 가장 가는 비단 실로 만든 4~5개의 끈이 있습니다. 지판에는 5개의 매우 높은 프렛이 있습니다.

현은 매우 자유롭게 팽팽합니다. 즉, 현이 팽팽하지 않습니다. 현을 더 세게 누르는 음악가는 장력을 변경합니다. 즉, 피치를 올립니다. 우리는 악기가 서유럽의 의미에서 전혀 조율되지 않았다고 말할 수 있지만 음악가는 현을 누르는 힘을 변경하여 특정 음을 연주할 수 있습니다.
그러나 게임의 요점은 올바른 음을 치는 것이 아닙니다. 따라서 현에 데스 그립이 없으며 손가락이 항상 압력을 변경하여 소리가 뜨게 만듭니다. 또한 손가락으로 넓은 프렛을 따라 현을 움직일 수 있습니다. 이로부터 현이 윙윙 거리기 시작합니다. 현악기시타르나 와인처럼.

비파는 수직으로 들고 연주할 때 작은 부채 모양의 삼각형 나무 플렉트럼을 사용합니다. 측면 중 하나의 길이는 30cm에 이르며 일종의 견갑골입니다. 이 블레이드의 제조 - 위대한 예술, 동시에 견고하고 탄력적이어야 합니다. 중재자의 나무는 10년 동안 건조됩니다. 물론 희귀한 수종을 사용한다.
피크를 사용하면 현뿐만 아니라 몸체도 치고 현을 긁을 수 있지만 마스터는 이것이 현대적인 기술이라고 말하며 이전에는 그렇지 않았습니다.
그러나 그렇게 큰 플렉트럼으로 현을 치는 방법이 한 가지 이상이라는 것은 분명합니다. 물론 이것은 완벽하게 들을 수 있습니다.

BIWA (킹 레코드, 1990)
CD에는 2개의 악기 트랙과 4개의 보컬-악기 트랙이 있습니다. 가장 인상적인 것은 Enomoto Shisui가 부른 서사시 노래 "Kawanakajima"("두 강 사이의 섬")입니다.
Enomoto Shizui는 1978년에 사망했으며 19세기에 태어났습니다. 그는 제2차 세계 대전 이전 시대의 유명한 비와 마스터에 속했습니다.
19세기와 20세기 전반에 비와 예술은 부활을 경험했습니다. 도쿄에서만 악기를 만드는 30명의 거장들이 있었지만 전쟁이 끝난 후 일본 전역과 전 세계에 단 한 명만 남았습니다. . 이 예술은 이제 정치적으로 부정확한 사무라이 정신이 가사에 스며들었기 때문에 영원히 사라질 기회를 가졌습니다.
신세대 가수들과 비교할 때 Enomoto Shizuya의 목소리는 더 비극적이고 히스테리적이며 더 무자비하게 들립니다.
이 노래가 바쳐진 섬은 두 강 사이의 땅입니다. 16세기 이곳에서 두 군사 지도자의 군대 사이에 여러 전투가 벌어졌습니다.
사람들이 중요한 일에 지쳐 저녁에 듣는 재미있는 음악이라는 것이 믿기지 않습니다. 아니, 아니, 이 음악은 사무라이에게 그들의 의무를 분명히 일깨워주고 그들의 투지에 불을 붙입니다.

또 다른 잘 알려진 아이템은 사진 속 비파이기도 한 아츠모리입니다.

검을 치는 것과 같은 날카로운 금속 타격은 천천히 펼쳐지는 가수의 목소리와 대조를 이룬다. 모음이 오래 끌리고 리듬이 자유롭고 음악에 많은 일시 중지가 있지만 결코 느리다고 할 수는 없습니다. 그녀는 매우 긴장하고 집중합니다.
그런데 일본 전통에서 멈춤, 공허함, 침묵의 순간도 음향적 요소, 즉 소리로 간주됩니다. "ma"라는 단어라고합니다. 침묵은 짧거나 길거나, 긴장하거나 차분하거나, 예상하지 못했거나 논리적일 수 있습니다. 침묵은 일부 소리를 강조하고 악절의 강조를 이동시킵니다.

비와(biwa)의 역사에는 두 개의 병렬 흐름이 있었습니다. 첫째, 비와(biwa)는 궁정 오케스트라의 일부였습니다. 고대 비와는 바닥에 수평으로 놓여 작은 플렉트럼으로 연주되었습니다. 그녀는 타악기였다.
중세 시대에는 귀족과 가신들이 비와를 연주했는데, 이 음악은 순전히 기악에 불과한 것으로 여겨집니다. 안에 고전 문학중세의 독주 비파에 대한 많은 묘사, 그 우아하고 세련된 소리와 중국에서 온 숭고한 선율은 살아남았지만, 독주 비파는 오늘날까지 궁중 음악의 전통에서 보존되지 않았다. 가가쿠 오케스트라에서 비파 부분은 너무 단순해서 중요한 것이 시대를 거치면서 사라졌다는 인상을 지울 수 없습니다.
독주 악기로서의 비와 전통은 13세기에 중단되었다가 20세기에야 부활했습니다.

"Ichinotani" en laúd Biwa por Silvain Guignard (fragmento). 보시다시피 유럽 버전

그러나 비파의 주요 기능은 긴 노래와 이야기를 반주하는 것입니다.
20세기까지 비와는 거의 맹인 음악가들이 연주했으며, 그들은 비와호시라고 불렸습니다. 그들 중 일부는 승려였으며 경전과 찬송을 낭송했지만 여전히 대부분의 가수는 전설적인 영웅의 전쟁과 전투에 대해 이야기했습니다.
가장 유명한 영웅 서사시 biwahoshi 레퍼토리에서 - "Heike Monogatari"(Heike Monogatari).
짧은 전성기를 보낸 헤이케 일족(일명 타이레)이 12세기 후반에 겐지 일족(겐지, 일명 미나모토)에게 패배한 과정에 대한 거대하고 피비린내 나는 시입니다.
이 시는 200편으로 그 중 176편은 일반편, 19편은 비밀편, 나머지 5편은 일급비밀편입니다.

(화질 및 음질 죄송합니다. 고토 유키히로 역)
모든 이야기는 어떤 식으로든 운명의 무상함뿐만 아니라 원인과 결과에 대한 불교의 생각을 설명합니다.
오늘날 "헤이케 모노가타리"는 비와를 연주하는 소수의 악사들만이 연주합니다. 다른 모든 사람들은 훨씬 더 현대적인 레퍼토리를 가지고 있습니다.
그러나 중세에 맹인 승려들이 연주한 영웅적인 노래는 물론 기악 궁중 비와의 전통도 사라졌다는 의견이 있다. 영웅적인 노래의 전통은 여러 번 부활했으며 아마도 700년 전에 존재했던 형태가 아닐 가능성이 큽니다.
악기의 역사는 7세기로 거슬러 올라가지만 오늘날까지 살아남은 음악은 분명히 더 이상 중세와 관련이 없지만 오늘날 고대 및 고전이라고 불리는 스타일은 오래전에.
비와 역사에서 중요한 순간은 16세기입니다.
그런 다음 생성되었습니다 새로운 도구 Satsuma biwa: Satsuma 일족의 지도자는 장님 승려의 저음과 겸손한 류트를 개선하여 인상적이고 날카로운 소리를 내는 큰 악기가 되도록 개선하라는 명령을 내렸습니다. 비파는 더 커졌고 몸체는 더 단단한 나무로 만들어졌습니다. 그녀의 소리는 공격적이지는 않지만 더 남성적이 되었습니다.
http://youtu.be/7udqvSObOo4
(사운드가 더 좋지만 삽입은 허용되지 않습니다)
신곡도 썼다. 이 행동의 목적은 교육 및 선전이었습니다. 군사 훈련을받은 청년, 즉 미래의 사무라이는이 노래 아래에서 정신을 키우고 기사의 기량의 기본을 배워야했습니다.
그런 다음 연주와 노래의 정경이 없었습니다. 모든 사무라이는 영웅적인 텍스트를 외칠 수 있었고 더 큰 표현력을 위해 때때로 현을 이길 수 있습니다. 노래는 더 이상 젊은이들에게 착취를 요구하지 않고 전쟁에서 살아남은 사무라이는 비파의 소리에도 캠페인에 대해 이야기했습니다.
시간이 지남에 따라 상당히 평화로운 인구가 이 군국주의 음악에 깊은 관심을 갖기 시작했습니다. 따라서 민간인을위한 스타일 인 machi fu (도시 스타일)와 군대를위한 스타일 인 shi fu (사무라이 스타일)가 나타났습니다.
새로운 유형의 악기가 등장했습니다. 19 세기에 치쿠젠 비와 (치쿠젠 비와)가 등장했다고 가정 해 보겠습니다. 여기에는 높은 현이 하나 더 있습니다. 따라서 이 비파는 여성스럽고 부드럽습니다. 각각 여성을 재생하십시오.

비와 반주에 맞춰 연주되는 모든 서사시 가사는 짧은 시적 구절이 산재된 리드미컬한 산문입니다. 일부 구절은 표준 멜로디에 맞춰 노래를 부르고 짧은 기악 휴식이 이어집니다. 그러나 일반적으로 비와 현을 한두 번 치면 각 구절이나 연이 끝날 때 소리가 납니다. 이 비트는 음색이 다릅니다. 비와는 드럼보다 훨씬 더 많은 가능성이 있습니다.
비와의 소리가 내레이터가 노래하는 것을 설명한다면 그것은 단지 음색입니다-얇은 소리 또는 귀머거리, 금속성 또는 쉿하는 소리 ... 텍스트는 고전 일본어로 노래되며 청취자는 무엇을 이해해야합니다 억양, 리듬, 색채음은 드라마의 내용과 관련이 있다.
이것은 행동에 완전히 사로잡힌 행동에 공감하는 사람들을 위한 직접적인 청취를 위한 음악입니다.
언어를 모르는 우리는 분명히이 음악에서 많은 것을 인식하지 못하지만 그녀는 기적적으로, 이것으로부터 이국적이거나 기괴하거나 환상적이지 않습니다. 아니, 아니, 의미와 설득력을 유지한다.
이것이 매우 감성적이며 매우 강렬하고 개방적인 음악이라는 점도 흥미 롭습니다. 그리고 일본인은 다른 모든 불교도와 마찬가지로 자신의 감정을 드러내지 않는 것 같습니다.

일본에서는 우주를 움직이는 힘을 기(氣)라고 합니다. 그것은 그리스의 프뉴마와 유사한 영적인 힘입니다.
ki라는 표현은 모든 것에서 가장 높은 우선 순위를 갖습니다. 일본 예술. 대우주에서 기는 바람에 해당하고 소우주에서는 사람의 숨결에 해당한다. 일본어에는 기와 관련된 많은 단어가 있습니다: ki-shФ(날씨), ki-haku(정신).
노래하는 목소리의 근본은 호흡이기 때문에 노래는 기의 발현 중 하나이다.
고대 일본인은 단어를 발음하거나 더 잘 말하면 숨을 내쉬고 불면 영적인 행위를 수행한다고 믿었습니다. 그리고 러시아어에서 "호흡"과 "정신"이라는 단어는 서로에게 전혀 이질적이지 않습니다.
일본의 노래 전통은 말을 의미가 담긴 숨결로 대하는 이러한 태도와 직접적인 관련이 있습니다.

그리고 이 짧은 녹음은 단순한 음악이 아니라 일본 황궁의 의식 음악인 가가쿠입니다.

다른 모든 음악과 마찬가지로 유럽 노래는 소리의 음높이와 지속 시간을 기반으로 합니다. 안에 고대 일본노래는 소리의 색깔, 에너지, 크기, 품질과 같은 음향적 요소를 하나의 소리 상형 문자로 융합했습니다.
그것은 올바른 음표보다 헤아릴 수 없을 정도로 더 많은 것입니다.
그리고 비와 음악은 여러 면에서 서유럽 음악과 다릅니다. 일본 악기는 소리와 리듬에 대해 완전히 다른 태도를 취합니다.
일본의 모더니스트 작곡가 타케미츠 도루는 심포니 오케스트라와 함께 비와를 사용한 여러 곡을 작곡했습니다. 비와 음악을 녹음하는 전통적인 방법이 있습니다. 서유럽과 비교하면 매우 근사해 보입니다.

Kwaidan Music, Haochi the Earles, Toru Takemitsu, 1964

이것은 Toru Takemitsu에게 바칩니다.

그의 작곡 중 하나에서 비와 연주자가 서유럽 표기법을 공부하기 위해 자원했을 때 Takemitsu는 그녀가 그렇게 하는 것을 금지했습니다. "이것은 내가 당신에게 기대하는 마지막 것입니다. "작곡가가 말했습니다. “비와 음악의 전통적인 녹음을 직접 공부하고 사용법을 배우면 서양 음표가 필요하지 않습니다. 오늘날 전통적인 소리감각은 서구식 시스템으로 인해 죽어가고 있다. 미세 조정악기 및 메모가 있는 녹음 음악.

옛날 옛적에 텐노 천황의 궁전에서 고대 비파가 사라졌습니다. 그녀의 이름은 겐조였습니다. 그녀는 가격이 없었고 매우 비쌌습니다. 황제는 자신의 자리를 찾을 수 없었습니다. 도난 당했다면 도둑이 부수어야했고 팔 수 없었습니다. 황제는 그의 비파가 그의 영혼을 어둡게 하기 위해 도난당했다고 확신했습니다.
미나모토노 히로마사는 귀족이자 뛰어난 음악가였습니다. 그 역시 손실에 매우 슬펐습니다.
어느 날 밤 그는 현악기 소리를 들었습니다. 의심의 여지가 없었습니다. 그것은 Genjo의 비와였습니다. 히로마사는 하인을 깨우고 도둑을 잡으러 갔다. 그들은 소리에 가까워지고 있었지만 계속 멀어졌습니다. 비와에서 어떤 종류의 정신이 연주되었습니다. Hiromasa만이 현 소리를들을 수있었습니다.
그는 그 소리를 따라가다가 남쪽 지점교토-불길한 Rashomon 게이트까지. Hiromasa와 그의 하인은 문 ​​아래에 서 있었고 위에서 류트 소리가 들렸습니다. "인간이 아니야." 히로마사가 속삭였다. "그건 악마야."
그는 목소리를 높여 "야, 누가 겐조를 연주하고 있니! 텐노 황제는 도구가 사라진 이후로 도구를 찾고 있었습니다. 당신이 여기 있는 걸 알아요, 궁전에서 줄곧 당신을 따라왔어요!"
음악이 멈추고 위에서 무언가가 떨어져 통로에 매달렸습니다. Hiromasa는 반발했습니다. 그는 그것이 악마라고 생각했습니다. 그러나 Genjou의 류트는 로프에 매달려 있습니다.
황제는 겐조의 귀환에 매우 기뻐했고 아무도 보물을 훔쳐준 악마라는 것을 의심하지 않았습니다. Hiromasa는 관대하게 보상을 받았습니다.
겐조는 아직 제국의 궁전. 이것은 단순한 류트가 아니라 고유한 특성을 지닌 살아있는 것입니다. 무능한 음악가가 집어 들면 소리가 나지 않습니다.
어느 날 궁전에 불이 났습니다. 모두가 달려갔고 아무도 Genjo를 구할 생각을 하지 않았습니다. 그러나 불가사의하게도 그녀는 궁전 앞 잔디밭에서 발견되었습니다.

Andrey Gorokhov © 2001 Deutsche Welle

시진핑 중국 국가주석 인민 공화국, 세계 대전 중 일본 침략자에 대한 승리 69 주년 기념 심포지엄에서 일본이 평가에보다 책임감있는 접근 방식을 취할 것을 촉구했습니다 ...

추가: 2014년 3월 4일

국립 일본 음악 및 악기

떠오르는 태양의 나라 일본에는 독특하고 독특한 문화가 있습니다. 위대한 국가의 유산은 음악과 밀접한 관련이 있습니다. 국립 일본 음악은 국가의 고립으로 인한 동일한 원래 현상입니다.

일본 국민은 항상 고국 문화의 기념물을 신중하고 정중하게 다룹니다. 어떤 음악도 악기 없이는 불가능합니다. 일본의 음악 문화에는 고유한 장르가 있습니다. 이것은 음악 걸작을 만드는 데 사용되는 다양한 악기를 설명합니다.

주목할만한 악기

가장 유명한 일본 악기 중 하나는 샤미센류트와 유사합니다. 세 줄로 된 뽑는 악기의 범주에 속합니다. 그는 출신 산시나에서 파생됩니다. 싼시안중국이 원산지입니다.

일본의 음악과 춤은 오늘날에도 여전히 숭배되는 샤미센 없이는 완성되지 않습니다. 일본 열도일본 연극에서 자주 사용되는 분라쿠와 가부키. 샤미센 게임이 게이샤-마이코 훈련 프로그램에 포함되는 것도 중요합니다.

국립 일본 음악은 또한 플루트와 불가분의 관계가 있습니다. 악기 연료고음으로 유명한 플루트 계열에 속합니다. 그들은 대나무로 만들어집니다. 이 플루트는 중국 플루트에서 유래했습니다. 파이샤오«.

fue 가족 중 가장 유명한 플룻은 샤쿠하치, 선불교 승려들이 악기로 사용하는 악기. 전설에 따르면 shakuhachi는 평범한 농부에 의해 발명되었습니다. 그가 대나무를 옮길 때 바람이 불 때 대나무에서 나오는 놀라운 선율을 들었습니다.

반라쿠와 가부키 극장, 그리고 다양한 앙상블에서 반주로 자주 사용되는 후에 플루트와 샤미센. 푸엣의 일부는 서양식으로 조율되어 솔로이스트가 될 수 있습니다. 초기에 푸를 연주하는 것이 일본 방랑 승려들에게만 특징적이었다는 것은 흥미 롭습니다.

스이킨쿠츠

나타내는 또 다른 도구 일본 문화~이다 스이킨쿠츠. 그것은 물이 흐르는 거꾸로 된 주전자 모양입니다. 특정 구멍을 통해 내부로 들어가면 악기에서 종소리와 매우 유사한 소리가 납니다. 이 악기는 다도 전에 연주되며 전통 일본 정원의 속성으로도 사용됩니다.

그런데 편의상 정원에서 다도를 할 수 있습니다. 악기 소리는 사람을 설명할 수 없는 이완감에 빠뜨리고 사색적인 분위기를 조성합니다. 이러한 상태는 다도 중에 정원에서 휴식을 취하는 것이 선 전통의 일부이기 때문에 선에 몰입하기에 매우 적합합니다.

우리의 인식에 더 이해하기 쉬운 도구는 타이코,러시아어로 번역하면 "드럼"을 의미합니다. 그건 그렇고, Taiko는 다른 나라의 대응뿐만 아니라 군사 업무에서 유명해졌습니다. 그들이 말했듯이 Gunji Yeshu의 연대기에서 9 x 9 타격은 전투 요청을 의미했고 9 x 3은 적을 추격해야 함을 의미했습니다.

드러머의 연주 중에는 연주의 멜로디와 리듬뿐만 아니라 멜로디가 연주되는 악기의 외관도 중요하기 때문에 그가 제공하는 연주의 미학에주의를 기울인다는 점을 명심해야합니다. 재생됩니다.

일본 음악 장르

일본의 민속 음악은 많은 발전을 이루었습니다. 그 기원은 마법의 노래였으며 나중에 개발 및 형성되었습니다. 음악 장르유교와 불교의 영향을 받았다. 따라서 일본 음악은 의식, 전통 공휴일, 연극 공연 및 기타 활동과 관련이 있습니다. 일본어 민족 음악, 현대 세계에서 하루 중 언제 어디서나 할 수 있는 온라인 듣기가 되었습니다. 중요한 부분 문화 유산국가.

크게 두 가지가 있습니다 인기있는 종국립 일본 음악.

• 첫 번째는 쇼묘, 이것은 불교 성가입니다.
• 두번째 - 가가쿠, 오케스트라 궁중 음악입니다.

그러나 고대에 뿌리를 두고 있지 않은 장르도 있습니다. 그들이 속한 야스기 부시와 엔카.

일본 민요의 가장 대중적인 장르는 야스기부시, 야스기시의 이름을 따서 명명되었습니다. 장르의 주제는 고대 역사 및 신화 시적 이야기와 연결되어 있습니다. 그러나 야스기부시는 노래뿐만 아니라 춤이기도 하다. 스쿠이 도장뿐만 아니라 음악 저글링의 예술 제니 다이코, 대나무 줄기는 악기로 사용되며 동전으로 채워져 있습니다.

엔카, 장르로서 전후 기간에 비교적 최근에 등장했습니다. 그 안에는 일본 민속 모티브가 재즈 및 블루스 음악과 얽혀 있습니다. 그래서 일본 음악은 국가 특성, 따라서 다른 나라의 다른 음악 장르와 다릅니다. 그래서 티베트를 제외하고는 지구 어디에서도 볼 수 없는 노래하는 우물이라는 악기가 있습니다.

일본 음악은 템포와 리듬이 끊임없이 변화하는 것이 특징입니다. 종종 크기가 없습니다. 일본 음악은 자연의 소리에 가깝기 때문에 더욱 신비롭고 이색적입니다.

비디오: 일본 음악 온라인

두타르. 두-둘. 타르 - 문자열. 단조 프렛과 2개의 정맥 현이 있는 악기. 현이 적을수록 연주하기가 더 쉽다고 생각하십니까?

자, 그럼 다음 중 하나를 들어보세요. 최고의 장인두타르 연주 - Abdurakhim Khaita, 중국 신장 위구르 출신.
투르크멘 두타르도 있다. 투르크멘 두타르의 현과 프렛은 금속이고 몸체는 나무 한 조각으로 속이 비어 있으며 소리는 매우 밝고 경쾌합니다. 투르크멘 두타르는 지난 3년 동안 제가 가장 좋아하는 악기 중 하나였으며 사진에 표시된 두타르는 아주 최근에 타슈켄트에서 가져온 것입니다. 놀라운 도구!

아제르바이잔 saz. 9개의 현은 세 그룹으로 나뉘며 각 그룹은 일제히 조율됩니다. 터키의 유사한 악기는 baglama라고합니다.

이 악기가 마스터의 손에서 어떻게 들리는 지 꼭 들어보세요. 시간이 없으시면 2분 30초부터 보시면 됩니다.
saz와 baglama에서 그리스 악기 bouzouki와 아일랜드 버전이 나왔습니다.

이 악기를 아랍어로 부르는 경우 Oud 또는 al-ud. 이 악기의 아랍어 이름에서 유럽 류트의 이름이 유래되었습니다. Al-ud - 류트, 류트 - 들리나요? 일반적인 oud에는 프렛이 없습니다. 내 컬렉션의이 표본에 대한 프렛이 제 이니셔티브에 나타났습니다.

모로코의 마스터가 어떻게 우드를 연주하는지 들어보세요.

단순한 공명기 본체와 작은 가죽 막이 있는 중국의 2현 얼후 바이올린에서 중앙아시아 기작이 유래했으며 코카서스와 터키에서는 케만차라고 불렀습니다.

Imamyar Khasanov가 연주할 때 케만차가 어떻게 들리는지 들어보십시오.

루바브에는 5개의 현이 있습니다. 처음 네 개는 두 배가되고 각 쌍은 일제히 조율되며베이스 현은 하나입니다. 긴 목에는 거의 2옥타브에 대한 반음계에 따른 프렛과 가죽 멤브레인이 있는 작은 공명기가 있습니다. 목에서 악기로 향하는 아래쪽으로 구부러진 뿔은 무엇을 의미한다고 생각하십니까? 모양이 양의 머리를 연상시키나요? 하지만 괜찮아요 - 무슨 소리야! 이 악기의 소리를 들어보셨을 겁니다! 거대한 목으로도 진동하고 떨며 주변의 모든 공간을 소리로 채 웁니다.

Kashgar rubab의 소리를 들어보십시오. 하지만 내 rubab은 솔직히 더 잘 들립니다.

이란산 타르는 한 조각의 나무로 만든 이중 속이 빈 몸통과 미세한 생선 껍질로 만든 막을 가지고 있습니다. 여섯 쌍의 현: 두 개의 강철 현, 그 다음 강철과 얇은 구리의 조합, 그리고 다음 쌍은 한 옥타브로 조율됩니다. 두꺼운 구리 현은 얇은 강철보다 한 옥타브 아래로 조율됩니다. 이란 타르는 정맥으로 만든 프렛을 강요했습니다.

이란 타르 소리를 들어보세요.
이란 타르는 여러 악기의 조상입니다. 그 중 하나는 인도 세타르(se-three, tar-string)이고 나머지 두 개는 아래에서 이야기하겠습니다.

아제르바이잔 타르에는 6개가 아니라 11개의 줄이 있습니다. 이란 타르와 동일한 6개, 베이스 현 1개, 연주 시 공명하는 미연주 4개, 소리에 메아리를 더하고 소리가 더 오래 지속되도록 합니다. 타르와 케만차는 아마도 아제르바이잔 음악의 두 가지 주요 악기일 것입니다.

10시 30분부터 또는 적어도 13시 50분부터 시작하여 몇 분간 들어보세요. 당신은 그런 것을 들어본 적이 없으며 이 악기에서 그러한 연주가 가능하다는 것을 상상할 수 없습니다. 이것은 Imamyar Khasanov-Rufat의 형제가 담당합니다.

타르가 현대 유럽 기타의 조상이라는 가설이 있습니다.

최근에 내가 전기 가마솥에 대해 이야기했을 때 그들은 나를 비난했습니다. 그들은 가마솥에서 영혼을 꺼낸다 고 말합니다. 아마도 90년 전에 어쿠스틱 기타에 픽업을 달기로 추측한 사람에게도 거의 같은 말을 했을 것입니다. 약 30년 후, 일렉트릭 기타의 가장 좋은 예가 만들어졌으며 오늘날까지 표준으로 남아 있습니다. 10년 후 비틀즈가 나타났고, 롤링 스톤즈이어 핑크플로이드.
그리고 이러한 모든 진전은 제조업체를 방해하지 않았습니다. 어쿠스틱 기타그리고 클래식 기타 연주자.

그러나 악기가 항상 동서로 전파된 것은 아닙니다. 예를 들어, 아코디언은 비정상적으로 대중적인 악기 19세기 아제르바이잔에서 최초의 독일 정착민이 그곳에 나타났습니다.

내 아코디언은 Aftandil Israfilov를 위해 악기를 만든 동일한 마스터가 만들었습니다. 이 악기가 어떤 소리를 내는지 들어보세요.

동양 악기의 세계는 넓고 다양합니다. 아직 완성되지 않은 내 컬렉션의 일부도 보여주지 않았습니다. 그러나 두 가지 악기에 대해 더 말해야 합니다.
상단에 종이 달린 파이프를 주르나(zurna)라고 합니다. 그리고 그 아래에 있는 악기는 두둑 또는 발라반이라고 합니다.

축하 행사와 결혼식은 코카서스, 터키, 이란의 zurna 소리로 시작됩니다.

다음은 우즈베키스탄에서 유사한 악기의 모습입니다.

우즈베키스탄과 타지키스탄에서는 zurna를 surnay라고 합니다. 안에 중앙 아시아그리고이란, 또 다른 악기 인 karnay의 여운 소리가 필연적으로 수르 나와 탬버린의 소리에 추가됩니다. Karnay-surnay는 휴일의 시작을 나타내는 안정적인 문구입니다.

흥미롭게도 Karnay와 관련된 악기가 Carpathians에 존재하며 그 이름은 많은 사람들에게 친숙합니다. Trembita.

그리고 내 사진에 표시된 두 번째 파이프는 balaban 또는 duduk입니다. 터키와 이란에서는 이 악기를 메이라고도 합니다.

Alikhan Samedov가 발라반을 연주하는 방법을 들어보십시오.

우리는 발라반으로 돌아갈 것이지만 지금은 내가 베이징에서 본 것에 대해 이야기하고 싶습니다.
당신이 이해하는 한 나는 악기를 수집합니다. 그리고 베이징 여행 중 한가한 시간이 생기자마자 바로 악기점에 갔다. 이 가게에서 내가 산 것은 다음에 말씀 드리겠습니다. 그리고 이제 내가 사지 않았고 내가 몹시 후회하는 것.
창문에는 zurna와 꼭 닮은 디자인의 종이 달린 파이프가있었습니다.
- 어떻게 부르나요? 나는 통역을 통해 물었다.
-소나,-그들이 대답했습니다.
- "sorna - surnay - zurna"와 얼마나 비슷한지 - 소리내어 생각했습니다. 그리고 번역가는 내 추측을 확인했습니다.
- 중국인들은 단어 중간에 r을 발음하지 않는다.

중국의 다양한 zurna에 대해 더 많이 읽을 수 있습니다.
하지만 아시다시피 zurna와 balaban은 함께합니다. 그들의 디자인에는 공통점이 많습니다. 아마도 그 이유일 것입니다. 어떻게 생각하세요? 소나 악기 옆에는 관 또는 관지라는 또 다른 악기가 있었습니다. 다음과 같이 생겼습니다.

다음과 같습니다. 여러분, 동무 여러분, 이것이 두둑입니다!
그리고 그는 언제 거기에 도착했습니까? 8세기에. 따라서 시기와 지리가 일치하는 중국에서 왔다고 가정할 수 있습니다.
지금까지는 이 도구가 신장에서 동쪽으로 퍼졌다는 기록만 있습니다. 음, 그들은 현대 신장에서 이 악기를 어떻게 연주합니까?

18초부터 보고 들으세요! Uighur balaman이 가진 고급스러운 소리를 들어보십시오. 예, 여기서는 아제르바이잔어와 정확히 동일합니다 (이름의 발음이 있습니다).

그리고 먹자 추가 정보예를 들어 이란 백과사전과 같은 독립 출처에서:
발라반
CH. 올브라이트
7개의 손가락 구멍과 1개의 엄지 구멍이 있는 약 35cm 길이의 원통형 보어 이중 리드 관악기로 이란의 동부 아제르바이잔과 아제르바이잔 공화국에서 연주되었습니다.

아니면 Iranika는 Azerbaijanis에 공감합니까? 글쎄, TSB는 또한 duduk이라는 단어가 Turkic에서 유래했다고 말합니다.
아제르바이잔인과 우즈벡인이 컴파일러를 매수했다고?
글쎄, 당신은 확실히 불가리아 사람들이 터키인에 대한 동정심을 의심하지 않을 것입니다!
duduk이라는 단어에 대한 매우 진지한 불가리아어 사이트에서:
두둑, 두둑; duduk, dudyuk (터키어 düdük에서), squeaker, svorche, glasnik, 추가 - Naroden darven은 aerophonite 유형의 반 폐쇄 파이프 악기입니다.
다시 그들은 단어의 터키 어원을 가리키며 그것을 그들의 민속 악기라고 부릅니다.
이 도구는 주로 투르크족이나 투르크족과 접촉한 사람들 사이에서 널리 퍼졌습니다. 그리고 모든 국가는 합리적으로 그것을 민속 국가 도구로 간주합니다. 그러나 그 창조에 대한 공로를 인정받는 사람은 단 한 명뿐입니다.

결국 게으른 사람 만이 "두둑은 고대 아르메니아 악기". 동시에 그들은 duduk이 3 천년 전에, 즉 증명할 수없는 과거에 만들어 졌다고 암시합니다. 그러나 사실과 기본 논리는 그렇지 않음을 보여줍니다.

이 기사의 시작 부분으로 돌아가서 악기를 다시 살펴보십시오. 거의 모든 악기가 아르메니아에서도 연주됩니다. 그러나 이러한 모든 도구가 훨씬 더 많이 등장한 것은 분명합니다. 수많은 국가아르메니아 인이 살았던 명확하고 이해하기 쉬운 역사를 가지고 있습니다. 자신의 국가와 제국을 가진 다른 민족들 사이에 분산되어 살고 있는 작은 민족을 상상해 보십시오. 그런 사람들이 전체 오케스트라를 위한 완전한 악기 세트를 만들까요?
솔직히 나도 생각했다: "좋아, 그것들은 크고 복잡한 악기였어. 그것들은 제쳐두자. 하지만 적어도 아르메니아인들은 파이프를 생각해낼 수 있었을까?" 아니오, 그들은 그렇지 않았습니다. 그들이 그것을 생각해 내면이 파이프는 시적이고 은유적인 tsiranopokh (살구 나무의 영혼)가 아니라 순전히 아르메니아어 이름을 갖게 될 것입니다. 지금까지 모든 출처는 이 악기 이름의 투르크어 어원을 가리키고 있으며, 두둑이 중앙아시아에서 유통되기 시작한 지역과 유통 날짜를 보여줍니다.
글쎄, 한 가지 더 가정하고 duduk이 고대 아르메니아에서 신장에 왔다고 가정 해 봅시다. 하지만 어떻게? 누가 그를 데려왔습니까? 1000년 초 코카서스에서 중앙아시아로 이주한 민족은? 그런 나라는 없습니다! 그러나 투르크인들은 끊임없이 중앙아시아에서 서쪽으로 이동하고 있었다. 문서에서 알 수 있듯이 그들은이 도구를 코카서스와 현대 터키 영토, 심지어 불가리아에도 퍼뜨릴 수 있습니다.

나는 duduk의 아르메니아 기원 버전에 대한 옹호자들의 또 다른 주장을 예견합니다. 마찬가지로 진짜 두둑은 라틴어로 Prúnus armeniáca라고 하는 살구나무로만 만들어집니다. 그러나 첫째, 중앙 아시아의 살구는 코카서스보다 덜 일반적입니다. 라틴어 이름은 이 나무가 아르메니아라는 지리적 이름을 가진 지역의 영토에서 전 세계로 퍼졌다는 것을 나타내지 않습니다. 거기에서 그것은 유럽으로 침투했고 약 300년 전에 식물학자들에 의해 기술되었습니다. 반대로 일부는 중국에 있고 일부는 중앙 아시아에있는 Tien Shan에서 살구가 퍼진 버전이 있습니다. 둘째, 매우 재능 있는 사람들의 경험에 따르면 이 악기는 대나무로도 만들 수 있습니다. 그리고 내가 가장 좋아하는 발라반은 뽕나무로 만들어졌고 살구보다 훨씬 낫습니다. 저도 가지고 있고 아르메니아에서만 만들어집니다.

제가 몇 년 동안 어떻게 이 악기를 연주하는 법을 배웠는지 들어보세요. 녹음에 참여했습니다. 국민작가 Turkmen Gasan Mammadov (바이올린)와 우크라이나 인민 예술가, Fergana, Enver Izmailov (기타) 출신의 동포.

이 모든 것을 통해 저는 아르메니아의 위대한 두둑 연주자 Jivan Gasparyan에게 경의를 표하고 싶습니다. 그의 작품 덕분에 두둑을 전 세계에 알려진 악기로 만든 사람이 바로 이 사람이었습니다. 덕분에 아르메니아에서 두둑을 연주하는 멋진 유파가 생겨났습니다.
하지만 얘기 아르메니아 두둑"는 아르메니아에서 만들어진 특정 악기에 대해서만 유효하거나 J. Gasparyan 덕분에 발생한 음악 유형에 대해서만 유효합니다. 표시 아르메니아 출신 duduk은 입증되지 않은 주장을 허용하는 사람들에게만 가능합니다.

나 자신이 두둑이 나타나는 정확한 장소나 정확한 시간을 표시하지 않는다는 점에 유의하십시오. 아마도 이미 확립하는 것이 불가능하고 duduk의 원형은 어떤 살아있는 민족보다 오래되었습니다. 그러나 나는 두둑의 확산에 대한 가설을 사실과 기초적인 논리에 입각하여 구축하고 있다. 누군가 나에게 이의를 제기하고 싶다면 미리 묻고 싶습니다. 가설을 세울 때도 마찬가지로 독립 출처에서 입증 가능하고 검증 된 사실에 의존하고 논리를 피하지 말고 다른 이해하기 쉬운 설명을 찾으십시오. 나열된 사실에 대해.