일본 미술의 이름은 무엇입니까? 일본 장편 영화
일본 문화의 가장 큰 현상 중 하나인 다도(차노유)의 형성은 봉건 씨족 간의 피비린내 나는 전쟁과 불화가 사람들의 삶을 참을 수 없게 만들었던 나라에 매우 어렵고 어려운 시기에 일어났습니다. 다도는 선(禪)불교의 미학과 철학의 영향을 받아 생겨났고, 미(美)숭배로 절망의 분위기를 타파하고자 했다.
그 당시 군계급의 지배자들과 부유한 상인들은 정치적, 상업적 논의를 위해 모였으며 종종 차를 대접할 기회를 가졌습니다. 삶의 근심 걱정에서 벗어나 조용한 찻집에 앉아 화로에서 물 끓는 소리를 듣는 것은 세련된 즐거움으로 여겨졌습니다. 위대한 스승 센노리큐는 차를 마시는 것을 예술로 만들었습니다. 그가 그랬던 것처럼 다도의 예술을 발전시킬 수 있었던 것은 부분적으로 앞서 언급한 사회적 배경이 있었기 때문입니다.
센노리큐가 지은 다실은 언뜻 보기에 매우 소박하고 심지어 너무 작아 보였다. 그러나 가장 세세한 부분까지 가독성이 좋아 가장 신중하게 계획되었습니다. 순백의 반투명 일본 종이로 덮인 미닫이 문으로 장식되었습니다. 천장은 대나무나 짚으로 마감했고, 벽의 개방감이 높게 평가됐다. 지지대는 대부분 목재로 천연 껍질을 유지했습니다. 다실의 디자인에 암자 같은 느낌을 주기 위해 쓸데없는 장식과 과도한 장식은 모두 버렸다.
오늘은 다도가 가장 특색있고, 독특한 예술. 영적으로 중요한 역할을 하며 공공 생활몇 세기 동안 일본. 시간이 지남에 따라 다도 의식이 정식화되었고 일련의 행동과 행동이 주어졌습니다. 이미 단순한 나무 문에 들어간 손님은 특별한 세계로 뛰어 들었고 모든 것을 평범하게 남겨두고 행동 법칙에만 순종하는 조용한 집중 상태였습니다.
고전적인 차노유는 엄격하게 짜여진 의례로서 다도인(차를 끓이고 따르는 사람)과 의식에 참여하는 다른 참가자들이 참여합니다. 본질적으로 다도인은 다도를 행하는 승려이고 나머지는 그와 함께하는 자들이다. 모든 사람은 앉을 때의 자세와 모든 움직임, 표정과 말투를 포함하여 고유한 행동 스타일을 가지고 있습니다.
차를 마시는 동안 현명한 연설을 하고, 시를 읽고, 예술 작품을 감상합니다. 꽃 부케와 음료를 양조하기 위한 특수 도구는 각 경우에 대해 특별한 주의를 기울여 선택됩니다.
분위기 자체는 구리 찻 주전자, 컵, 대나무 교반기, 차 보관함 등 놀랍도록 단순하고 겸손한 적절한 분위기를 조성합니다. D. Tanizaki는 이에 대해 다음과 같이 썼습니다. 우리는 은 제품도 사용하지만... 광택을 내기 위해 광택을 내지는 않습니다. 반대로, 우리는 이 광택이 물체의 표면에서 벗겨질 때, 처방의 손길을 얻을 때, 시간이 지남에 따라 어두워질 때 기뻐합니다. 다도에 사용되는 모든 물품은 세월의 흔적이 남아있지만 흠잡을 데 없이 깨끗합니다. 황혼, 침묵, 가장 단순한 주전자, 차를 붓는 나무 숟가락, 거친 세라믹 컵-이 모든 것이 존재하는 사람들을 매료시킵니다.
찻집 내부에서 가장 중요한 요소는 틈새 시장인 토코노마입니다. 그것은 일반적으로 그림이나 붓글씨 비문이 있는 두루마리와 꽃다발, 향이 있는 향로를 포함합니다. 도코노마는 입구 맞은편에 위치하여 즉시 손님들의 시선을 끈다. 도코나마 두루마리는 매우 신중하게 선택되며 의식 중에 없어서는 안 될 주제입니다. 그것은 선불교 스타일과 그런 고풍스러운 서예로 쓰여서 쓰여진 것의 의미를 이해하고 이해할 수 있는 사람은 거의 없습니다. 예를 들어 "대나무는 녹색이고 꽃은 빨간색입니다." !" 또는 "물은 물이다." 참석 한 사람들은 겉으로는 단순하지만 동시에 철학적으로 매우 깊은 이러한 말의 의미를 설명합니다. 때때로 이러한 생각은 하이쿠의 시적 형태로 표현되고 때로는 "와비"의 원칙에 따라 일반적으로 옛 주인의 그림에 반영됩니다.
일본에는 다양한 형태의 다도가 있지만 나이트 티, 선라이즈 티, 모닝 티, 애프터눈 티, 이브닝 티, 스페셜 티 등 일부만 엄격하게 확립되어 있습니다.
나이트 티는 달과 함께 시작됩니다. 손님은 11시 30분경에 도착하여 새벽 4시경에 출발합니다. 일반적으로 손님 앞에서 준비되는 가루 차를 양조합니다. 잎은 정맥에서 제거되고 박격포에서 가루로 분쇄됩니다. 이 차는 매우 강하고 공복에는 제공되지 않습니다. 따라서 처음에는 손님에게 조금 다른 음식을 대접합니다. 차는 아침 3~4시경 해가 뜨면 마신다. 손님은 6시까지 같은 시간에 머문다. 더운 날씨에 모닝 티를 연습하고 손님은 아침 6시에 모입니다. 애프터눈 티는 보통 오후 1시경에 케이크와 함께 제공됩니다. 이브닝 티는 오후 6시경에 시작됩니다. 친구와의 만남, 명절, 계절의 변화 등 특별한 날에는 특별한 티 파티(rinjitya-noyu)가 마련됩니다.
일본인에 따르면 다도는 소박함, 자연스러움, 깔끔함을 불러일으킨다. 물론 이것은 사실이지만 다도에는 더 많은 것이 있습니다. 사람들에게 잘 정립 된 의식을 소개하고 엄격한 질서와 무조건적인 사회 규칙 이행에 익숙해집니다. 다도는 민족 정서 함양의 가장 중요한 토대 중 하나이다.
히메지는 일본에서 가장 오래된 성 중 하나입니다.
고대 일본 미술
일본 문화는 특별한 자연 및 역사적 조건에서 형성되고 발전했습니다. 일본은 바다로 씻겨진 크고 작은 4개의 섬에 위치하고 있습니다. 그녀는 동쪽 끝자락에 있었기 때문에 중국과 한국과 같은 본토 문화의 영향력이 주기적으로 증가했다가 다시 사라지는 것을 경험했습니다. 상호 작용 기간 외부 세계일본 역사에서 오랜 세기에 걸친 문화적 고립(10~14세기 및 17~19세기 중반)으로 대체되었습니다. 후자의 상황은 일반적으로 일본 문화, 특히 예술의 많은 독특한 특징을 발전시키고 통합하는 데 기여했습니다. 서양 문화에 대한 지식은 원래 일본 문명의 주요 특징이 이미 형성되었던 16 세기에 일어났습니다. 1854년까지 일본은 단 하나의 항구를 통해 중국 및 네덜란드와 교역했습니다.
일본 섬의 가장 오래된 주민 - 사냥꾼과 어부 -는 고고학 발굴의 결과로 발견되었습니다. 돌도끼, 작살, 화살촉, 손으로 조각 한 도자기 그릇에는 "줄 흔적"을 의미하는 "Jomon"문양이 각인되어 있습니다. 따라서 일본의 신석기 문화를 조몬이라고도 한다. 시베리아, 폴리네시아, 이후 한국과 중국에서 도착한 정착민들은 서로 다른 수준에 서 있었습니다. 문화 발전. 이는 신석기 시대와 청동기 시대의 기념물이 일부 문화 층에서 발견된다는 사실을 설명합니다. 일본어는 Altaic 그룹의 언어에 가깝습니다. 와의 접촉으로 인한 경우 중국 문화일본인이 중국어 상형 문자 쓰기에 익숙해진 이후로 중국어 상형 문자를 일본어 구두로 전달하기 위해 적용하는 것이 매우 어려운 것으로 판명되었습니다.
신뢰할 수있는 데이터가 보존 된 일본 문화의 초기 기간은 고분 (고분)의 시대라고합니다. 매장지의 땅 부분은 특징적인 모양의 토루였습니다. 원과 사다리꼴의 조합, 땅과 물의 결합을 상징하는 열쇠 구멍과 비슷합니다. 그들은 상당한 크기 였고 물이있는 이중 도랑으로 둘러싸여 있었고 잔디는 마운드 위로 자랐으며 마운드의 내부 둘레를 따라 30cm에서 1까지 사람, 동물, 보트 모델 및 주택의 속이 빈 점토 인물이있었습니다. 반 미터 높이. 그들은 "하니와"라고 불 렸습니다. 매장 실 안에는 귀족의 죽은 대표자들이있는 관이 있었는데, 거기에는 의식 물건이 놓여있었습니다. 거울, 동탁 종, 그 소리는 악령을 겁주고 경운기의 후원자 인 신을 끌어들이는 것으로 여겨졌습니다. 야마토 왕의 매장에는 항상 옥 펜던트와 검과 같은 권력의 의식적 상징이 포함되어 있습니다. 야마토 일족의 왕을 높이기 위해 역사의 시작을 정하고 신의 위계를 정하고 신 아마테라스("하늘에서 빛나는")를 뽑아 권력을 이양했습니다. 일본 열도야마토 일족의 왕. "떠오르는 태양의 땅"을 의미하는 "Nippon" 또는 "Nihon"이라는 이름은 7세기에 등장했습니다. 608년에 중국 유학이 시작되어 2세기 이상 계속되었습니다.
Dotaku-의식 청동 종-상단까지 좁아진 실린더, 둥근 선반이있는 넓은 고리로 얹혀 있으며 벽은 그래픽 이미지로 채워진 사각형으로 나뉩니다.
원시적 애니미즘과 물신숭배의 특징이 많은 일본인의 이질적인 신앙이 신도에 반영되어 있다. 신도("신의 길")는 본질적으로 자연의 보편적인 영성에 대한 일본의 생각을 반영합니다. 비와코 호수와 후지산과 같은 기적적인 풍경 물체와 이로 인해 마법의 속성이 부여 된 검, 거울과 같은 사람이 만든 물체에는 소위 "카미"(정령)가 무수히 존재합니다. 신사는 목조 구조의 단순함으로 구별되었습니다. 단일 홀 방은 죽마 위에 놓여 있고 사방이 베란다로 둘러싸여 있습니다. 신사 내부는 어두컴컴하고 텅 비어 있었다. 신자들은 성전에 들어가지 않았습니다.
파라 시대(645-794 AD)
나라는 당시 일본 최초의 수도이자 유일한 도시의 이름입니다. 이것은 일본 국가 수립, 불교 도입 및 불교 예술 기념물 (사원, 탑, 다양한 불상)의 생성시기였습니다. 이 기간 동안의 불교는 법원 정책의 연속만큼 사람들의 믿음이 아니 었습니다. 다양한 불교 종파가 궁정에서 매우 중요한 역할을 했고, 불교 사원의 토지 보유가 증가했으며, 승려들은 궁정에서 큰 영향력을 행사했습니다. 직사각형 벽으로 둘러싸인 지역에 위치한 목조 건물 그룹 인 불교 사원이 나타납니다. 특히 중요한 것은 정문으로 이어지는 넓은 골목과 사찰 앞 광장, 멀리서도 보이는 다층탑이었다. 목조 사원은 붉은 옻칠로 칠하고 돌 기초 위에 올려졌으며 넓은 곡선 이중 지붕-irimoya가 있습니다.
초기 불교 사원 중에는 Asukadera, Horyuji가 있으며 후자의 건설은 당시 통치하는 황태자 Shotoku Taishi의 요청에 따라 607 년에 시작되었습니다. 수도원은 90,000m2의 면적에 위치한 53개의 건물로 구성되었습니다. 사원의 정면은 남쪽을 향하고 주요 건물은 남북 축에 위치하고 신성한 구역은 북쪽에 있으며 코도, 콘도 및 오층탑과 같은 설교 홀이 있습니다. Horyuji에는 265 개의 동상이 있었고 주요 조각 이미지는 두 명의 보살과 함께 신조 창시자의 조각으로 대표되는 석가모니의 삼위 일체였습니다. 8세기 큰 수도원에는 이미 조각가들의 작업장이 있었다. 관세음보살 숭배가 확산되었는데, 그 이름은 산스크리트어 Avalokiteshvara(세상의 소리에 대한 주의)를 번역한 것입니다. 중생에 대한 연민으로 가득 찬 보살은 고통받는 사람들이 어디에 있든 그들의 소리를 들을 수 있습니다. Avalokiteshvara 숭배는 인도 북서부에서 시작되어 중국으로 퍼졌습니다. 법화경에서 보살은 그를 부르는 존재의 형상을 취했다고 합니다. 일본에서는 Kannon 숭배의 확산으로 그녀의 이미지가 많이 나타났습니다. 지옥에서 돕는 성자 Kannon, 말 머리가있는 Kannon은 소에게 자비를 퍼 뜨리고 악령-asuras는 천 명에 의해 구해졌습니다. - 무장한 관음, 어림이 있는 관음이 사람을 구한다.
헤이안 시대(794-1185)
794년에 수도를 헤이안(지금의 교토)으로 옮겼다. 헤이안 시대에는 세련된 궁중 문화가 번성했습니다. 일본어 음절이 만들어졌습니다-가나 (jap.-빌린 상형 문자). 처음에는 여성만 이 문자를 사용했지만 공식 문자는 계속 중국어였습니다. X 세기 동안. 여성의 글은 개인 연습에 사용되기 시작했습니다. XI 세기에. 일본 고전 문학의 전성기가 시작되었습니다. 그 좋은 예는 궁녀 Murasaki Shikibu가 만든 소설 "겐지 모노 가타리"입니다.
헤이안 예술에서 주요 장소는 모든 생명체가 부처의 본질을 가지고 있다고 가르친 당시 중국에서 온 밀교 종파 천태종과 진곤의 불상이 차지하고 있습니다. 정신과 육체를 단련하고 서원을 이행함으로써 누구나 몇 번의 환생 과정에서 부처의 정수를 얻을 수 있습니다. 이 종파의 사원은 산 꼭대기와 바위 선반에 지어졌으며 그 안의 예배당은 두 부분으로 나뉩니다. 신성한 이미지가있는 내부에는 일반 신자가 허용되지 않았습니다.
헤이안 시대는 지배층의 사치의 시대입니다. 이때 shinden 주거 유형이 형성되었습니다. 따뜻한 기후의 벽과 조건은 자본이 아니었고 기준 가치가 없었습니다. 매우 쉽게 분리할 수 있고, 추운 날씨에 더 내구성이 뛰어난 것으로 교체하거나 따뜻한 날씨에 완전히 제거할 수 있습니다. 창문도 없었다. 유리 대신 격자 프레임 위에 늘어뜨렸습니다. 백지방으로 확산된 빛을 허용합니다. 지붕의 넓은 처마 장식은 습기와 햇빛으로부터 벽을 보호했습니다. 영구 가구가없는 내부에는 슬라이딩 칸막이 벽이있어 마음대로 홀이나 여러 개의 작은 격리 된 방을 만들 수 있었고 바닥은 같은 크기의 짚 매트-다다미로 덮여있었습니다 (180 90cm).
유교와 불교 문헌은 헤이안 시대에 중국에서 들여왔습니다. 종종 그들은 이미지로 장식되었습니다. 처음에 일본 예술가들은 중국의 "유명한 장소"를 복사했지만 10세기부터 시작되었습니다. 풍경과 관습의 이미지로 전환 본국. 일본의 시, 단편소설, 소설 등을 주제로 하여 중국화와 다른 "야마토에" 그림을 디자인하였습니다. 민속 전설. 이 그림은 일본의 국가가 형성된 혼슈 섬의 남서부 지역 인 야마토 지역의 이름에서 이름을 따 왔습니다.
이미지는 종종 해당 텍스트가 있는 삽화의 두루마리를 나타내며, 손으로 잡고 오른쪽에서 왼쪽으로 회전하면서 해당 섹션을 읽으면서 그 뒤에 오는 그림을 고려했습니다.
야마토에 그림은 헤이안 시대 후기에 절정을 이루었습니다. 이때 스크린, 슬라이딩 파티션 (쇼지) 및 두루마리-emakimono에 세속적 인 주제에 그림을 그리는 전문 예술가가 나타났습니다. 가장 오래된 두루마리는 Genji Monogatari입니다. Emakimano 두루마리는 그림 이야기였습니다. Murasaki Shikibu의 유명한 소설 "Genji-monogatari-emaki"의 두루마리는 오늘날까지 살아 남았으며 귀족의 나태한 삶을 선명한 색상으로 묘사했으며 서예, 문학 및 그림의 종합입니다. 소설의 54개 챕터 중 살아남은 19개 챕터에는 삽화에 단일 플롯과 액션이 없습니다. 묘사 된 장면의 대부분은 실내에서 일어나고 보이는 모든 것은 위에서 보여지며 선의 단일 소실점이 없으며 인물과 건축의 대규모 대응, 모든 캐릭터의 얼굴은 동일하고 헤어 스타일과 옷만 다릅니다. . 작가의 관심의 주요 주제는 모두에게 잘 알려진 소설에서 일어나는 사건의 감정적 내용을 전달하는 것입니다. 주요 기술은 공간 구성과 색상 가능성의 사용입니다. 캐릭터의 내면 상태와 각 장면의 분위기를 전달하려면 두루마리의 아래쪽 가장자리와 관련하여 대각선이 향하는 각도가 작가에게 중요합니다. 커튼 또는 베란다 가장자리. 정서적 긴장 정도에 따라 이 각도는 30도에서 54도까지 다양합니다.
Bodhisattva - Kannon은 주로 여성의 형태로 주전자, 버드 나무 가지 및 올가미를 들고 중국, 한국 및 일본에 나타납니다.
귀족의 집에는 칸막이가 없었고 최고의 예술가들은 병풍과 커튼에 야마토에 그림을 그렸습니다. 야마토에 그림은 문학 작품, 스크린과 커튼에도 배치되었습니다. X-XIII 세기의 시집에서. 9-10세기의 스크린에 쓰여진 구절은 드문 일이 아닙니다. 그러한 시의 가장 많은 수는 선집 "Sui-shu"에 포함되어 있습니다. 시가 사계절에 관한 것인 것처럼 화면을 위한 그림도 마찬가지였습니다. 민요와 함께 일정한 시적 공식 체계가 발전하여 일본 고전 시학의 기초가 되었습니다. 그래서 봄의 징조는 안개 낀 연무, 버드 나무, 여름의 징조-뻐꾸기, 매미, 가을-주홍 단풍, 사슴, 달, 겨울-눈과 매화였습니다.
교토는 일본의 고대 보석입니다.
언어의 풍부한 동음이의어는 구절에 많은 의미를 부여할 수 있게 했습니다. 주제와 줄거리는 세부 사항이나 힌트를 통해 매우 간결한 시적 형식(단카당 31음절)으로 감정 상태의 모든 음영의 다양성을 표현할 수 있도록 했습니다. 텍스트가 있는 화면에서 텍스트가 없는 화면으로 점진적으로 전환되었습니다. 이것이 실제 화보 장르 세분화가 형성된 방법입니다-shiki-e ( "사계절 사진") 및 mei-se-e ( "명소 사진").
그러한 그림의 구성은 어떤 범주에도 해당하지 않았습니다. 중국화. 자연과 인간의 가장 큰 융합은 일본 미술의 다양한 장르의 특징이 될 것입니다.
가마쿠라 시대(1185-1333) 및 무로마치 시대(1333-1568)
12세기 말에 수도는 다시 옮겨졌고, 피비린내 나는 내전의 결과로 나라의 권력은 미나모토 일족에 의해 점령되었고, 그의 머리는 수도를 가마쿠라로 옮겼습니다. 일본 역사의 다음 단계. 사무라이의 군사 계급이 나라에서 권력을 잡았으며 그 중 쇼군이 나왔습니다. 일본의 실제 군사 통치자 인 나라에 남아 있던 황제는 명목상의 권력 속성 만 유지했습니다. 사무라이 궁정 문화의 세련미는 단순함을 선호했습니다. 선종의 수도원에는 더 이상 탑이 없었고 사원은 시골 오두막과 비슷했습니다. XIII 세기 말부터. 선종의 범신론 사상의 영향으로 풍경은 모든 풍경 대상에 불교 신의 존재에 대한 생각을 구현하기 시작했습니다. 가마쿠라 수도원에서는 민스크 총대주교 초상화의 도상학이 발전했습니다. 선종(禪宗)의 영향으로 조각은 뒷전으로 밀려나고 그림, 특히 풍경화는 이 시대 사람들의 태도를 표현한다.
무로마치 시대는 1333년 혼슈 남동부의 봉건 영주가 가마쿠라를 점령하고 불태워 수도를 헤이안으로 되돌린 사건으로 시작됩니다. 봉건 씨족의 내부 투쟁과 전쟁의 시대였습니다. 고난의 시대를 이끈 것은 자연과의 합일을 이루면 삶의 고난을 받아들이고 세상과의 합일을 이룰 수 있다는 선종 신도들의 가르침이었습니다. 일본 미술의 첫 번째 장소는 부처의 "몸"이 자연이라는 선의 가르침의 영향으로 풍경화를 제시합니다. XII 세기 후반. 중국에서 일본으로 침투한 검정 잉크로 그림을 그립니다. 주로 그러한 그림을 그린 일본인은 선종의 일원이었습니다. 그들이 만들었다 새로운 스타일, 새로운 신조 (shigaku - 그림과시의 조합)를 설명했습니다. 15세기와 16세기 - 수묵화의 전성기, 그 대표 거장은 셋슈 도요(1420~1506). 이 스타일과 병행하여 야마토에 스타일도 존재했습니다.
군계급을 전면에 내세운 사회정치적 관계의 변화도 16세기에 등장하게 되었다. Sein 건축 스타일. 집의 이전 단일 볼륨은 이제 미닫이 문(shoji), 미닫이 칸막이(fusuma)의 도움으로 분할됩니다. 방에는 수업을위한 특별한 장소가 나타났습니다. 책을위한 선반과 넓은 창틀이있는 창문과 기발한 모양의 꽃다발이나 돌이 놓여 있고 수직 두루마리가 매달린 틈새 (tokonoma)가 있습니다.
XVI 세기에. 일본 건축사에서 차관은 다도의 올바른 수행의 필요성과 관련하여 등장합니다. 차는 가마쿠라 시대에 불교 승려들에 의해 물약으로 일본에 전해졌습니다. 차 의식(차노유)은 선승 무라타 슈코의 주도로 도입되었으며 이를 구현하기 위한 특별한 방법이 필요했습니다. 따라서 새로운 유형의 건축 구조가 형성되었습니다. chashitsu (다도를위한 파빌리온), 건설적인 기반은 주거용 건물에 가깝고 기능면에서는 불교 사원에 가깝습니다. 차관의 지지대는 나무로 되어 있었고 천장은 대나무나 갈대로 마감되었다. 매트가 늘어선 오두막, 어도비 벽이있는 1.5 또는 2 개의 다다미, 다양한 수준의 작은 창문, 매달린 단색 풍경이있는 토코 노마 틈새, 꽃병에 꽃, 난로,기구 선반이있었습니다.
무로마치 시대에는 원예 기술이 번창했습니다. 일본 정원은 다릅니다. 작은 정원은 대부분 사원에 있거나 전통 가옥과 관련되어 있으며 볼 수 있도록 설계되었습니다. 크기가 큰 조경된 정원내부에서 인식되도록 설계되었습니다.
콘도 - (jap. 황금 홀) - 아이콘, 조각상, 벽화가 포함된 불교 단지의 본당
선종 정원은 단색 산수 두루마리 원칙에 따라 지어졌습니다. 종이 대신 작가는 돌, 이끼, 나무 잎 및 관목과 같은 두꺼운 얼룩과 유실물 대신 자갈로 덮인 넓은 호수 또는 플랫폼을 사용했습니다. 점차적으로 정원에서 꽃이 사라지고 이끼와 관목으로 대체되었으며 다리 대신 돌이 사용되기 시작했습니다. 일부 정원은 풍경, 구릉지(츠키야마)였습니다. Tsukiyama 정원은 바위, 이끼, 나무, 연못과 같은 자연 요소의 조합으로 해안에 의무적인 파빌리온이 있습니다. 가장 오래된 조경 정원은 교토에 있으며 소호지 수도원에 속합니다. 마른 정원은 "hiraniva"라고 불 렸습니다. 평평한. Hiraniva는 시청자에게 발전된 상상력을 요구했기 때문에 "철학적"정원입니다. 히라니와 정원은 “돌, 모래, 자갈이 남아 있었습니다. 정원을 둘러싼 벽으로 삼면이 폐쇄된 이 정원은 명상을 위한 용도로만 사용되었습니다. XV 세기 말에. Ryoanji 수도원에서 가장 유명한 마른 정원 중 하나를 만들었습니다. 그것은 직사각형 자갈 지역에 위치한 15개의 돌을 포함합니다. 1509년에 조성된 다이토쿠지 사원의 히라니와 정원에서는 자연이 돌과 자갈의 구성으로 표현됩니다. 정원의 한 부분은 "공허의 바다"라고 불렸고 직사각형 영역 중앙에 두 개의 낮은 자갈 언덕으로 구성되어 있습니다. 정원은 서로를 보완할 수 있습니다.
XV 세기 말에. 장식 그림 Kano의 법원 학교가 형성되었습니다. 학교 설립자 Kano Masanobu(1434-1530)는 군대 출신으로 인정받는 궁정 전문 예술가가 되었습니다. 그의 풍경은 오직 전경, 그 밖의 모든 것은 안개가 자욱한 안개로 덮여있었습니다. 이미지의 특정 주제에 대한 강조는 Kano 학교의 특징이 될 것입니다. Kano 학교 예술가들의 작업에서 주요 장소는 장식용 벽화와 스크린이 차지했습니다. 풍속화. 벽화는 건축적 형태와의 통합의 주요 구성요소이자 건축 공간의 조형적 의미에 영향을 미치는 수단이 되었다. 차례로 건축 양식의 특징은 그림의 특정 문체 특성을 요구했기 때문에 새로운 문체 캐논이 점차 형성되어 일본화 19세기까지.
신덴은 주거용 건물의 일종입니다. 평면도가 직사각형인 단일 홀 본관은 남쪽 정면이 있는 광장을 향하고 있으며 동쪽과 서쪽의 갤러리로 둘러싸여 있습니다.
모모야마 시대(1X73-1614)
그리고 이번에는 봉건 전쟁의 시대가 끝나고 오다 노부나가, 도요토미 히데요시, 도쿠가와 이야에스 등 연속적인 군사 독재자에게 국가의 권력이 넘어갔습니다. 도시 성장, 문화의 세속화와 민주화, 새로운 가치 지향의 침투의 시대였습니다. 컬트 건축은 이전의 의미를 잃었습니다. 일본의 새로운 통치자는 웅장한 성을 건설하여 권력을 선언했으며, 그 건설은 일본의 총기 출현과 이에 따른 전투 및 방어 전술의 변화로 인해 발생했습니다. 성은 근본적으로 새로운 유형의 일본 건축이되었습니다. 해자와 경비 및 모퉁이 탑으로 둘러싸인 비대칭으로 위치한 성의 영토에는 중앙 광장과 많은 안뜰과 방, 지하 대피소 및 통로가 포함되었습니다. 거처는 사회적 계층을 반영하여 내부 공간의 엄격한 계층 구조로 성의 영토에 위치한 목조 건물에 위치했습니다. 황혼에 잠긴 성의 내부는 황금색 배경에 밝은 색상으로 채워진 웅장한 크기의 장식용 벽화에 가장 적합했습니다.
가노 에이토쿠(1543-1590). 군사 독재자를 미화하기 위해 고안된 새로운 스타일의 벽화를 만든 사람. 그는 먼저 큰 수평면에 단일 구성의 원리를 개발하여 형태를 확대하고 포기했습니다. 작은 부품실루엣뿐만 아니라 형태의 역동성을 전달합니다. Eitoku는 장식적인 특성을 향상시키기 위해 그림의 평탄도를 높이려는 욕구가 특징입니다. 그래서 빈 공간을 상징하는 곳에는 금가루가 섞인 반점이 있다. 구도의 공간은 깊이가 아니라 시선을 따라 펼쳐진다.
1576년 비와호 기슭에 거대한 7층 탑이 있는 지금까지 알려지지 않은 성이 세워져 독재자 오다 노부나가의 권력을 과시하기로 되어 있었습니다. 성의 특징은 공식실뿐만 아니라 개인실도 있다는 것입니다. 방의 주요 장식은 벽화로, 많은 조수들과 함께 3년 동안 작업한 Kano Eitoku에게 의뢰되었습니다. 명령의 집행으로 독재자에 의해 서둘렀던 Kano Eitoku는 간결한 예술적 언어에 의지하여 볏짚으로 만든 두꺼운 붓을 사용하여 형태를 확대하기 시작했습니다. 주요 장소는 나무, 꽃, 새 및 동물의 이미지가 차지했습니다. 색 구성표가 밝고 색상 뉘앙스가 없었습니다.
도쿠가와 쇼군이 권력을 잡은 후 국가의 사회적 상황의 변화로 인해 성 건설이 금지되었습니다.
XVII 세기의 1/3 예술가들의 작품에서. 새로운 특성이 이어지기 시작합니다. 회화에서는 균형 잡힌 차분한 구성에 대한 열망, 장식적인 형태의 성장, 헤이안 시대 문화에 대한 관심, 야마토에 작품에 대한 관심이 더욱 두드러졌습니다. 구별되는 특징이 시대의 카노 학교 - 장식성과 장식성 증가. XVII 세기의 2/4 분기에 언제. 성 건설이 금지되었고 스크린이 장식 그림의 주요 형태가되었습니다. Kano Eitoku의 기념비는 장식 그림을 남겼습니다. 예술은 문체 특성에 영향을 미치는 개인 색상을 획득했습니다. 장식 그림 17 세기 부족 귀족과 떠오르는 부르주아 엘리트의 닥스훈트의 관심 범위를 반영하여 고전 문학의 영웅과 주제에서 가장 자주 영감을 받았습니다. 옛 수도인 교토에서 발달한 장식화.
Ogata Korin은 도시 거주자, 상인 및 장인과 같은 새로운 예술 소비자의 취향을 대변하는 대변인이되었습니다. 새 대표카노 학교.
Emakimano는 끝에 나무 롤러가있는 비단 테두리가있는 프레임에 붙여진 종이 또는 실크로 만든 수평 두루마리입니다.
Ogata Korin(1658-1716)은 부유한 갈퀴처럼 살았고, 끊임없이 "재미있는 지역"을 방문했습니다. 폐허가 된 후에야 생계를 꾸려야 하는 절박한 필요성에 직면한 그는 직물과 그림을 그리기 시작했습니다. 오가타 고린은 도자기와 칠기, 채색 기모노와 부채를 모두 다루었습니다. 어떻게
주인님, 그는 알아가는 것에서 시작했습니다 전통 회화그리고 그녀의 방법. Korin은 항상 간결함, 형태의 균형, 특징을 위해 노력했습니다. 창의적인 방식- 여러 플롯 모티프의 개발, 반복 반복 및 변형에 중점을 둡니다. 오가타 고린의 작품에는 처음으로 생명의 작품이 등장했다. 화면 “홍백매화”의 그림에서 고린이 찍은 줄거리 모티프는 이른 봄과 깨어나는 자연의 이미지로 고전 시로 거슬러 올라간다. 개울의 양쪽에는 황금색 배경에 꽃이 만발한 나무가 쓰여 있습니다. 두껍고 구부러진 줄기와 거의 수직으로 솟아 오르는 가지가있는 땅딸막 한 나무, 붉은 매화 나무 및 다른 나무는 줄기의 발로만 표시되고 급격히 구부러져 있습니다. 마치 물에 빠지는 것처럼 갑자기 하얀 꽃이 흩뿌려진 나뭇가지가 솟아올랐다.
소나무 위의 카노 에이토쿠 매. 화면. 16세기 말의 세부 사항.
Ogata Kenzan (1663-1743)은 어린 시절부터 영적 가치에 끌린 형인 Ogata Korin과 달리 선불교의 추종자였으며 중국과 일본의 고전 문학, 극장 없음, 차 의식을 알고있었습니다. 닌나지 사원에 속한 영토에서 Kenzan은 1712년까지 13년 동안 제품을 생산하는 자신의 도자기 가마를 건설할 수 있는 허가를 받았습니다. . 처음으로 그는 체적화에 전통적인 수묵화 기법을 사용했습니다. Kenzan은 색을 사용하기 시작했고 젖은 조각에 썼고 다공성 점토는 수묵화의 종이처럼 페인트를 흡수했습니다. 대중적인 하이쿠 장르를 계시로 바꾼 그의 위대한 동시대 시인 바쇼처럼 오가타 겐잔은 평범한 도자기 접시, 컵, 꽃병이 실용적인 물건인 동시에 시적인 예술 걸작이 될 수 있음을 보여주었습니다.
에도 시대(1614-1868)
1615년 사무라이는 교토에서 에도로 재정착했습니다. 마라, 교토, 오사카에 집중된 상인, 상인 및 고리대금업자 계급의 중요성이 커졌습니다. 이들 대표에게 사회 단체삶에 대한 세속적 인식, 봉건적 도덕의 영향에서 벗어나려는 열망이 특징입니다. 처음으로 예술은 소위 삶을 포함하여 일상 생활의 주제를 다룹니다. 재미있는 동네 - 찻집의 세계, 가부키 극장, 스모 선수. 목판화의 출현은 문화의 민주화와 관련이 있습니다. 판화는 유통, 저렴 및 접근성이 특징이기 때문입니다. 후에 가정용 그림판화는 우키요에(문자 그대로 - 변할 수 있는 필멸의 세계)로 알려지게 되었습니다.
조각의 생산은 넓은 범위를 얻었습니다. 우키요에 그래픽 개발의 초기 기간은 하시카와 모로노부(1618-1694)라는 이름과 관련이 있습니다. 그는 찻집 주민, 장인의 삶에서 복잡하지 않은 장면을 묘사하고 서로 관련이 없는 서로 다른 시간에 이벤트를 결합합니다. 다른 하나의 조각에. 판화의 배경은 흰색으로 유지되었고 선은 선명했습니다. 점차 판화의 주제 범위가 넓어지면서 캐릭터의 외부 세계뿐만 아니라 내면 세계에 대한 관심도 깊어졌다. 1780-1790년 일본 판화. 전성기를 맞이합니다. Suzuki Haranobu (1725-1770)는 "매화 가지를 뽑는 미녀", "눈 덮인 정원의 연인"과 같은 판화에서 영웅의 내면 세계를 처음으로 드러내기 시작했습니다. 그는 어두운 톤에서 밝은 톤으로 전환하고 선의 두께와 질감을 변화시키는 롤링 기법을 처음으로 사용했습니다. 그는 실제 색상에 신경 쓰지 않았고 판화의 바다는 분홍색, 하늘은 모래, 잔디는 파란색, 모든 것은 일반에 달려 있습니다. 감정적 기분장면. 그의 최고의 작품"같은 샤미센을 연주하는 연인들"은 "음악이 사랑을 촉진한다면 놀아라"라는 일본 속담을 주제로 만들어졌습니다.
도코노마 - 찻집 내부의 틈새
키타가와 우타마로(1753-1806) - 탁월한 우키요에 대가. 그의 작업은 "The Book of Insects", "Songs of Shells"앨범으로 시작되었습니다. 반신, 흉상 길이의 여성 초상화에서 Utamaro는 처음으로 운모 가루를 사용하여 반짝이는 배경을 만듭니다. 단아한 모양과 머리의 핏으로 완벽한 미인 우타마로,
얇은 목, 작은 입, 짧은 검은 눈썹. 시리즈 "텐 여성 캐릭터"그리고"여성의 날과 시간 "그는 여성의 다양한 외모와 성격을 식별하려고 노력했습니다. 90년대 후반. Utamaro에서 그는 "Mother with a Child"및 "Ball Game"과 같은 판화에서 모성 주제를 다루며 동시에 간접 지정에 의지하여 역사적 주제에 대한 삼부작과 폴립 티치를 만듭니다 (국가의 영웅은 묘사됩니다 아름다움으로). Teshusai Shyaraku는 가부키 연극 배우와 스모 선수의 초상화 시리즈를 만들었습니다. 그는 일반적으로 받아 들여지는 전통을 버리고 그로테스크를 그의 주요 기술로 삼았습니다. 우키요에 판화 발전의 세 번째 시기는 1800-1868년입니다. 이때에 미치는 영향은 일본 미술네덜란드와 독일 에칭. 예술왕조 우타가와(Utagawa)의 창의성을 위해 개성 추구의 거부, 형식적 우아함에 대한 열망이 등장인물이 되었다. 조각에서 풍경 장르의 전성기는 Katsushika Hokusai (1760-1849)의 이름과 관련이 있습니다. 호쿠사이는 고대와 현대 트렌드일본 미술, 중국 미술을 알고 유럽 조각에 대해 알게되었습니다. 거의 50세가 될 때까지 Hokusai는 우키요에 예술가의 전통적인 방식으로 작업했습니다. 호쿠사이는 1812년에 첫 권이 출판된 만화집(스케치집)에서만 자신의 예술 분야를 찾았습니다. 이제 그는 일상적인 장면, 풍경, 군중을 그렸습니다.
일본 조경 정원
70세의 나이에 호쿠사이는 후지산을 묘사한 각 판화에 "후지산 36경" 시리즈를 만들었습니다. 장르 테마와 풍경의 조합은 Hokusai의 특징입니다. 고대의 풍경화가들과 달리 호쿠사이는 땅을 아래에서 바라본다. 동시에 그는 "국가의 폭포를 통한 여행", "다리", "큰 꽃", "후지 100 전망"시리즈를 만듭니다. Hokusai는 예상치 못한 측면. 후지 100경 판화에서 산은 환상처럼 밤의 어둠 속에서 나타나거나 대나무 줄기 뒤에 보이거나 호수에 반사됩니다. Hokusai의 추종자 Ando Hiroshige (1797-1858)는 자연을 훨씬 더 사실적으로 그렸습니다. 직업이 하천 요원인 그는 전국을 많이 여행하며 "도카이도 53개 역", "오미 호수 8경", "기시카이도 69경" 시리즈를 만들었습니다. 히로시게의 예술은 유럽 회화에 접근하여 우키요에 판화의 200년 전성기를 완성합니다.
일본? 어떻게 발전했습니까? 기사에서 이러한 질문과 다른 질문에 답할 것입니다. 일본 문화는 역사적 운동, 일본인이 본토에서 군도로 이동하여 조몬 시대의 문명이 탄생하면서 시작되었습니다.
이 민족의 현재 계몽은 유럽, 아시아(특히 한국과 중국)의 영향을 강하게 받았고, 북아메리카. 일본 문화의 징후 중 하나는 19 세기 중반까지 지속 된 도쿠가와 막부 통치 기간 동안 다른 모든 국가로부터 국가가 완전히 고립 된 시대 (사 코쿠 정책)의 오랜 발전입니다. 메이지 시대.
영향
일본의 예술 문화는 어떻게 발전했는가? 문명은 국가의 고립된 지역적 위치, 기후 및 지리적 특징, 자연 현상 (태풍 및 빈번한 지진). 이것은 살아있는 존재로서 자연에 대한 인구의 특별한 태도로 표현되었습니다. 일본인의 국민적 성격의 특징은 작은 나라에서 다양한 유형의 예술로 표현되는 우주의 현재 아름다움을 감상하는 능력입니다.
일본의 예술 문화는 불교, 신도, 유교의 영향으로 만들어졌습니다. 이러한 동일한 추세가 추가 개발에 영향을 미쳤습니다.
상대
동의합니다. 일본의 예술 문화는 훌륭합니다. 신도주의는 고대에 뿌리를 두고 있습니다. 불교는 우리 시대 이전에 나타났지만 5세기부터 전파되기 시작했다. 헤이안 시대(8~12세기)는 일본 건국의 황금기로 여겨진다. 같은시기에이 나라의 그림 같은 문화는 절정에 달했습니다.
유교는 13세기에 나타났다. 이 단계에서 공자와 불교의 철학이 분리되었습니다.
상형문자
일본 예술 문화의 이미지는 전설에 따르면 천상의 신성한 이미지에서 비롯된이 나라에서는 서예 예술도 고도로 발달 된 독특한 검증으로 구현됩니다. 글쓰기에 생명을 불어넣은 것은 바로 그들이었기 때문에 사람들은 철자의 모든 기호에 친절했습니다.
각인을 둘러싼 이미지가 등장했기 때문에 일본 문화를 부여한 것이 상형 문자라는 소문이 있습니다. 조금 후에 한 작품에서 회화와 시의 요소가 강하게 결합되는 것이 관찰되기 시작했습니다.
일본 두루마리를 연구하면 작품에 두 종류의 기호가 포함되어 있음을 알 수 있습니다. 이들은 물개,시, kolofen 및 그림 같은 글쓰기의 징후입니다. 동시에 가부키 극장은 큰 인기를 얻었습니다. 다른 유형의 극장 -하지만 -은 주로 군인이 선호합니다. 그들의 가혹함과 잔인함은 No.1에 강한 영향을 미쳤습니다.
그림
예술 문화는 많은 전문가들에 의해 연구되었습니다. 그 형성에 큰 역할을 한 것은 일본어로 그림이나 그림을 의미하는 카이가 그림이었습니다. 이 예술은 수많은 솔루션과 형식에 의해 결정되는 가장 오래된 국가 회화 유형으로 간주됩니다.
그 안에는 신성한 원칙을 결정하는 자연이 특별한 장소를 차지합니다. 수미에와 야마토에로 회화를 구분하는 것은 10세기부터 존재해 왔습니다. 첫 번째 스타일은 14세기에 가깝게 발전했습니다. 일종의 단색 수채화입니다. 야마토에란 문학 작품의 장식에 흔히 사용되는 가로로 접은 두루마리입니다.
조금 후인 17 세기에 우키요에라는 태블릿 인쇄가 나라에 나타났습니다. 거장들은 풍경화, 게이샤, 유명 배우가부키 극장. 18세기에 이러한 유형의 그림은 유럽 예술에 강한 영향을 미쳤습니다. 떠오르는 경향은 "일본주의"라고 불 렸습니다. 중세 시대에 일본의 문화는 국경을 넘어 전 세계의 세련되고 세련된 인테리어 디자인에 사용되기 시작했습니다.
달필
오, 일본의 예술 문화는 얼마나 아름다운가! 자연과의 조화에 대한 이해는 각 부분에서 볼 수 있습니다. 현대 일본 서예란? 이를 shodo("알림 방식")라고 합니다. 서예는 글쓰기와 마찬가지로 필수 과목입니다. 과학자들은 이 예술이 한문과 동시에 거기에 왔다는 것을 발견했습니다.
그런데 고대에는 서예 수준으로 사람의 문화를 판단했다. 오늘날 많은 수의 문체들이 있고, 불교 승려들이 그것들을 발전시킨다.
조각품
일본 문화는 어떻게 생겼습니까? 우리는 인간 삶의 이 영역의 발달과 유형을 가능한 한 자세히 연구할 것입니다. 조각은 일본에서 가장 오래된 예술 유형입니다. 고대에 이 나라 사람들은 우상의 조각상과 도자기로 접시를 만들었습니다. 그런 다음 사람들은 무덤에 구운 점토로 만든 khaniv 동상을 설치하기 시작했습니다.
현대 일본 문화에서 조각 공예의 발전은 국가의 불교 확산과 관련이 있습니다. 일본 기념물의 가장 오래된 대표자 중 하나는 Zenko-ji 사원에 놓인 나무로 만든 아미타불 부처님의 동상으로 간주됩니다.
조각품은 종종 빔으로 만들어졌지만 매우 풍부 해 보였습니다. 장인이 광택제, 금색 및 밝은 색상으로 조각품을 덮었습니다.
종이접기
일본의 예술 문화를 좋아합니까? 자연과의 조화에 대한 이해는 잊을 수 없는 경험을 선사할 것입니다. 특징일본 문화는 종이접기("접은 종이")의 놀라운 제품이 되었습니다. 이 기술은 실제로 양피지가 발명된 중국에서 유래되었습니다.
처음에는 종교 의식에서 "접힌 종이"가 사용되었습니다. 이 예술은 상류층에서만 연구할 수 있었습니다. 그러나 제2차 세계대전 이후 종이접기는 귀족들의 집을 떠나 전 세계에서 종이접기를 숭배하는 사람들을 찾았습니다.
이케바나
모두가 동양 국가의 예술 문화가 무엇인지 알아야 합니다. 일본은 개발에 많은 노력을 기울였습니다. 이 문화의 또 다른 요소 멋진 나라이케바나("살아있는 꽃", " 새로운 삶그림 물감"). 일본인은 미학과 단순함의 팬입니다. 작품에 투자되는 것은 바로 이 두 가지 특성입니다. 이미지의 정교함은 초목의 자연미를 이롭게 활용함으로써 달성됩니다. 꽃꽂이는 종이접기와 마찬가지로 종교 의식의 일부로도 사용되었습니다.
미니어처
아마도 많은 사람들이 이미 예술 문화가 고대 중국일본과 밀접하게 얽혀 있다. 그리고 분재는 무엇입니까? 실제 나무와 거의 똑같은 미니어처 복제품을 재배하는 것은 일본 고유의 기술입니다.
일본에서는 네츠케(열쇠고리의 일종인 작은 조각품)를 만드는 것도 일반적입니다. 종종이 용량의 인형은 주머니가없는 일본인의 옷에 부착되었습니다. 그들은 그것을 장식했을뿐만 아니라 원래의 균형추 역할도했습니다. 열쇠 고리는 열쇠, 주머니, 고리 버들 바구니 형태로 만들어졌습니다.
회화의 역사
예술 문화 고대 일본많은 사람들에게 관심이 있습니다. 이 나라의 회화는 일본 구석기 시대에 시작되어 다음과 같이 발전했습니다.
- 야마토 시대. 아스카와 고훈 시대(4~7세기)에는 상형 문자의 도입, 중국식 국가 체제의 형성, 불교의 대중화와 함께 많은 예술 작품이 중국에서 일본으로 유입되었습니다. 이후 욱일국에는 중국식 회화가 재현되기 시작했다.
- 나라시. VI 및 VII 세기에. 불교는 일본에서 계속 발전했습니다. 이와 관련하여 귀족이 지은 수많은 사원을 장식하는 데 사용되는 종교 그림이 번성하기 시작했습니다. 일반적으로 나라시대에는 회화보다 조각과 미술의 발전에 기여한 바가 컸다. 초기 그림이 주기에는 석가모니 부처의 생애에 대해 이야기하는 나라현 호류지 사원 내벽의 벽화가 포함됩니다.
- 헤이안 시대. 일본화에서는 10세기 이후부터 앞서 기술한 바와 같이 야마토에의 경향이 두드러진다. 이러한 그림은 책을 설명하는 데 사용되는 가로 두루마리입니다.
- 무로마치 시대. XIV 세기에는 Supi-e 스타일 (단색 수채화)이 등장했고 XVII 세기 전반기에 나타났습니다. 예술가들은 판화에 판화를 인쇄하기 시작했습니다-우키요에.
- 아즈치 모모야마 시대의 회화는 무로마치 시대의 회화와 뚜렷한 대조를 이룹니다. 은을 많이 사용한 다색 양식으로 이 시기에 가노 교육 기관은 큰 명성과 명성을 누렸습니다. 설립자는 천장과 미닫이 문을 별도의 방으로 칠한 Kano Eitoku였습니다. 그러한 그림은 군사 귀족의 성과 궁전을 장식했습니다.
- 마이지 시대. 19세기 후반부터 예술은 경쟁하는 전통과 유럽 스타일. 마이지 시대에 일본은 당국에 의해 조직된 근대화와 유럽화 과정을 거치면서 사회적, 정치적으로 큰 변화를 겪었습니다. 젊은 유망한 예술가들이 유학을 갔고, 해외 예술가들이 학교 미술 프로그램을 만들기 위해 일본에 왔습니다. 처음에 호기심이 급증한 후에 예술적 스타일서양에서는 진자가 뒤로 휘둘러지고 일본 전통 스타일이 다시 태어났습니다. 1880년 서양 미술 관행은 공식 전시회에서 금지되었고 심한 비판을 받았습니다.
시
고대 일본의 예술 문화는 여전히 연구되고 있습니다. 그 특징은 다양한 종교의 영향으로 형성되었기 때문에 다재다능함, 일부 합성입니다. 일본의 고전 시는 일상 생활에서 생겨나 그 안에서 활동했으며, 이러한 소박함은 오늘날의 전통적인 시 형식인 3행 하이쿠와 5행 단가에서 어느 정도 보존된 것으로 알려져 있습니다. 대량 문자. 그건 그렇고, 20 세기 초 유럽시의 영향으로 일본에 등장한 엘리트주의에 끌리는 '자유시'와 구별되는 것은 바로 이러한 특성입니다.
일본 예술 문화의 발전 단계가 다면적이라는 사실을 알고 계셨습니까? 이 나라 사회에서 시는 특별한 역할을 했다. 가장 유명한 장르 중 하나는 하이쿠이며, 그 역사를 숙지해야만 하이쿠를 이해할 수 있습니다.
헤이안 시대에 처음 등장했으며, 와우의 사려 깊은 시에서 잠시 휴식을 취하고자 했던 시인들을 위한 일종의 배출구였던 렌가 스타일과 유사했습니다. 하이카이는 16세기에 렌가가 너무 심각해지면서 그 자체로 하나의 장르로 발전했고, 하이쿠는 구어체에 의존했고 여전히 유머러스했습니다.
물론 일본의 예술문화는 많은 작품에서 간략하게 기술되어 있지만, 좀 더 자세히 이야기해보도록 하겠습니다. 중세 시대에 가장 유명한 일본 문학 장르 중 하나는 탄카("간결한 노래")였습니다. 대부분의 경우 이것은 고정된 수의 음절이 있는 한 쌍의 연으로 구성된 5행입니다. 첫 번째 연의 세 줄에는 5-7-5 음절, 두 번째 연의 두 줄에는 7-7 음절입니다. 내용에 관해서는 tanka는 다음과 같은 체계를 사용합니다. 첫 번째 연은 특정 자연 이미지를 나타내고 두 번째 연은 이 이미지를 반영하는 사람의 감정을 반영합니다.
- 먼 산에서
졸고 있는 긴꼬리 꿩 -
이 길고 긴 밤
나 혼자 자도 돼? ( Kakinomoto no Hitovaro, 8세기 초, Sanovich 번역.)
일본 드라마투르기
많은 사람들은 중국과 일본의 예술 문화가 매혹적이라고 주장합니다. 당신은 공연 예술을 좋아합니까? 욱일국의 전통적인 극작술은 조루리(인형극), 노가쿠극(교겐과 요쿄쿠), 가부키극과 신게키로 나뉩니다. 이 예술의 관습에는 교겐노, 부가쿠, 가부키, 분라쿠의 다섯 가지 기본적인 연극 장르가 포함됩니다. 이 다섯 가지 전통은 모두 오늘날에도 여전히 존재합니다. 엄청난 차이에도 불구하고 그들은 일본 예술을 뒷받침하는 공통의 미적 원칙으로 연결되어 있습니다. 그런데 일본의 드라마투르기(dramaturgy)는 1번을 무대로 해서 생겨났다.
가부키 연극은 17세기에 등장하여 18세기 말에 전성기를 맞았습니다. 특정 기간 동안 발전한 공연 형식은 현대 가부키 무대에서 보존됩니다. 이 극장의 제작물은 고대 예술 애호가의 좁은 범위에 초점을 맞춘 No의 무대와 달리 대중을 위해 설계되었습니다. 가부키 기술의 뿌리는 코미디언의 공연에서 비롯됩니다. 작은 희극의 연기자, 춤과 노래로 구성된 장면입니다. 가부키의 연극적 기교는 조루리와 노의 요소를 흡수했다.
가부키 극장의 모습은 교토(1603년)의 불교 성소인 오구니의 일꾼 이름과 관련이 있습니다. O-Kuni는 Nembutsu-odori의 민속 춤 동작을 포함하는 종교 춤으로 무대에서 공연했습니다. 그녀의 공연은 코믹 연극으로 산재해 있었다. 이 단계에서 작품은 유조 가부키(창녀 가부키), 오쿠니 가부키 또는 온나 가부키(숙녀 가부키)라고 불렸습니다.
판화
지난 세기에 유럽인과 러시아인은 조각을 통해 일본 미술 현상을 접했습니다. 한편, 떠오르는 태양의 땅에서 나무에 그림을 그리는 것은 저렴함, 가용성, 유통과 같은 대중 문화의 모든 속성을 가지고 있었지만 처음에는 전혀 기술로 간주되지 않았습니다. Ukiyo-e 감정가는 플롯의 구현과 선택 모두에서 최고의 명료성과 단순성을 달성할 수 있었습니다.
우키요에는 예술의 특수학교였기 때문에 뛰어난 거장들을 많이 배출할 수 있었다. 따라서 Hisikawa Moronobu (1618-1694)의 이름은 음모 조각 개발의 초기 단계와 관련이 있습니다. 18세기 중반에 최초의 다색 판화 감정가인 스즈키 하루노부(Suzuki Harunobu)가 만들어졌습니다. 그의 작업의 주요 동기는 행동이 아니라 사랑, 부드러움, 슬픔과 같은 기분과 감정의 전달에주의를 기울인 서정적 장면이었습니다. 절묘한 것처럼 고대 예술헤이안 시대에 우키요에 거장들은 개조된 도시 환경에서 여성의 세련된 아름다움에 대한 비범한 숭배를 되살렸습니다.
유일한 차이점은 인쇄물이 자랑스러운 헤이안 귀족 대신 에도의 유흥가에서 온 우아한 게이샤를 묘사했다는 것입니다. 예술가 Utamaro (1753-1806)는 아마도 다양한 삶의 상황에서 다양한 포즈와 드레스를 입은 여성을 묘사하는 데 자신의 창작물을 바친 회화 역사상 전문가의 독특한 예일 것입니다. 그의 최고의 작품 중 하나는 모스크바의 푸쉬킨 회화 박물관에 보관되어 있는 판화 "게이샤 오사마"입니다. 작가는 제스처와 분위기, 표정의 통일성을 유난히 미묘하게 전달했다.
만화와 애니메이션
많은 예술가들이 일본의 회화를 연구하려고 합니다. 애니메이션(일본 애니메이션)이란? 다른 애니메이션 장르와 달리 성인 시청자에 맞춰져 있다. 여기에는 모호하지 않은 스타일에 대한 중복 분할이 있습니다. 대상 청중. 크러쉬의 척도는 영화를 보는 사람의 성별, 나이 또는 심리적 초상화입니다. 종종 애니메이션은 큰 명성을 얻은 일본 만화 만화의 영화 각색입니다.
만화의 기본 부분은 성인 시청자를 위해 설계되었습니다. 2002년 자료에 따르면 일본 전체 도서 시장의 약 20%가 망가 만화가 차지했다.
일본은 지리적으로 우리와 가깝지만 그럼에도 불구하고 오랫동안 전 세계에서 이해하기 어렵고 접근하기 어려웠습니다. 오늘날 우리는 이 나라에 대해 많은 것을 알고 있습니다. 오랜 자발적인 고립은 그 문화가 다른 국가의 문화와 완전히 다르다는 사실로 이어졌습니다.
세부 정보 범주: 19세기 미술 및 건축 게시일: 2017-08-14 18:30 조회수: 1604XIX 세기 전반기. 우키요에는 여전히 일본 회화를 지배했습니다. 1868년, 메이지 혁명과 국경 개방 이후 서구 문명의 성취는 일본에서 더 쉽게 접근할 수 있게 되었고 우키요에는 점차 유행에서 벗어나 사진으로 대체되었습니다.
하지만 먼저 해야 할 일이 있습니다.
우키요에 스타일
우키요에(변화하는 세계의 일본화(이미지)) - 일본 시각예술의 경향. 처음에 이 불교 용어는 "죽음의 세계, 슬픔의 골짜기"라는 의미로 사용되었습니다. 그러나 에도 시대에 가부키 극장이 번창하고 게이샤와 창녀의 집이 된 특별히 지정된 도시 블록이 출현하면서 이 용어는 다시 생각되었고 "덧없는 쾌락의 세계, 사랑의 세계."
우키요에 판화는 일본의 주요 목판화 유형입니다. 이 예술 형식은 17세기 후반 도시 문화에서 대중화되었습니다. 우키요에의 창시자는 일본의 화가이자 그래픽 아티스트입니다. 히시카와 모로노부.
H. Moronobu “가을의 아사쿠사. 우에노 공원의 벚꽃. 스크린 페인팅. 프리어 갤러리(워싱턴)
처음에 판화는 잉크로 만든 흑백이었습니다. XVIII 세기 초부터. 일부 작품은 붓으로 손으로 그렸습니다.
우키요에 판화는 주로 더 비싼 그림을 살 여유가 없는 도시 거주자들을 위한 것이었습니다.
우키요에 테마는 아름다운 게이샤, 스모 선수, 유명한 가부키 연극 배우, 이후의 풍경화 등 일상 생활의 사진입니다.
가쓰시카 호쿠사이 "가나가와의 큰 파도"(1823-1831)
XVIII-XIX 세기 동안. 주목할만한 예술가는 Utamaro, Hokusai, Hiroshige 및 Toshusai Syaraku입니다.
우키요에 스타일이 일본에서 유행을 벗어나기 시작했을 때 서유럽과 미국에서 인기를 얻었고 미술사 학자들은 판화를 대량 구매하기 시작했습니다.
일본 판화는 빈센트 반 고흐, 클로드 모네 등 입체파, 인상파, 후기 인상파 스타일로 작업한 많은 유럽 예술가들에게 영감을 주었습니다. 이러한 영향을 "일본주의"라고 합니다.
Vincent van Gogh "Papa Tanguy의 초상화"(1887-1888). 캔버스, 유채. 로댕 미술관(파리)
주목할만한 우키요에 예술가:
히시카와 모로노부(17세기)
키타가와 우타마로(18세기)
가와나베 쿄사이(19세기)
가쓰시카 호쿠사이(XVIII-XIX 세기)
우타가와 히로시게(19세기)
우타가와 구니사다(19세기)
우타가와 구니요시(19세기)
게이사이 에이센(19세기)
스즈키 하루노부(19세기)
도요하라 구니티카(19세기)
쓰키오카 요시토시(19세기)
오가타 게코(XIX-XX 세기)
가와세 하스이(XX 세기)
그들 중 일부가 한 일을 생각해 보십시오.
카츠시카 호쿠사이(1760-1849)
카츠시카 호쿠사이. 자화상
일본의 유명한 우키요에 화가, 삽화가, 조각가. 많은 가명(최소 30개)으로 작업했습니다. 장인의 집안에서 태어난 그는 6살 때부터 그림을 그리기 시작했다. 서점에서 일하면서 그는 읽고 쓰는 법을 배웠습니다. 그런 다음 그는 조각사의 작업장에서 일했습니다. 당시 일본에서는 조각이 매우 인기가있었습니다.
1793-1794년. 시작하다 독립 생활물질적 측면에서 다소 무겁지만 예술로 가득 찬 예술가-그는 다양한 회화 학교를 연구합니다. Kano 학교 (풍경, 새와 동물의 이미지, 일상 장면, 슬라이딩 스크린의 문을 패턴으로 장식했습니다); 소타츠 학교(그림 일상 생활일본어와 일본 풍경미닫이 문에). 작가는 점차 자신만의 스타일을 발전시키기 시작한다.
1796년에 예술가는 나중에 널리 보급된 것을 사용하기 시작했습니다. 유명한 별칭호쿠사이. 1800년, 41세의 나이에 화가는 자신을 가케진 호쿠사이("화가 호쿠사이")라고 부르기 시작했습니다.
작가는 사람들의 일상과 그들의 일과 고민이 갖는 의미와 특별한 가치에 대한 자각을 통해 세상의 모습을 파악한다. 호쿠사이의 풍경에서 자연의 삶, 그 의미와 아름다움은 일상 업무에 종사하는 사람들의 존재 덕분에 분명해집니다. Hokusai는 그가 본 모든 것을 스케치하면서 전국을 여행하면서 대부분의 삶을 보냈습니다. 호쿠사이는 조각가로서 뿐만 아니라 작가, 시인, 화가로도 알려져 있었습니다.
그는 풍경이 중요한 작품을 만든 일본 판화 예술가 중 첫 번째였습니다. 독립 장르. 호쿠사이의 풍경은 일본의 활기차고 장엄한 자연을 포착했습니다.
내 오랜 예술 활동그는 약 30,000개의 그림과 판화를 만들었고 약 500권의 책에 그림을 그렸습니다.
호쿠사이의 창의성의 전성기는 1820년대와 1830년대 초로 거슬러 올라갑니다. 이때 그는 최고의 풍경 시리즈를 만들었습니다. 이 시리즈는 "Bridges" 시리즈( 1823-1829), "중국과 일본의 시인"(1830) 시리즈에서 자연의 미묘한 서정적 경험에 대한 "폭포"(1827-1830)의 원소의 힘에 감탄했습니다.
카츠시카 호쿠사이 남풍. 맑은 날". "후지 삼십육경" 시리즈의 컬러 목판화(1823-1831)
가장 많은 것 중 하나 중요한 작업예술가 사상가로서의 그의 작품의 독창성이 가장 잘 드러난 호쿠사이는 "후지 36경" 연작이다. 이 시리즈의 대부분의 시트는 다양한 장르의 장면을 나타냅니다. 그물을 던지는 어부; 목재 창고에서 일하는 제재소; 통을 만드는 쿠퍼 등. 이 모든 장면은 후지산을 배경으로 한 풍경을 배경으로 합니다.
창의력 Hokusai는 수많은 모방을 일으켰고 그의 학생 수는 매우 많았습니다. 그러나 예술가의 거의 모든 추종자들은 그의 창작 방법의 외부 측면만을 동화시키는 특징이 있습니다.
수리모노
Surimono는 일본 도시 지식인 사이에서 선물로 제공되는 일본 전통 미술의 한 유형인 채색 목판화입니다. 기념일, 아들의 탄생, 벚꽃 시즌의 시작, 다가오는 새해 등이 그러한 선물의 이유가 될 수 있습니다. 수리모노의 장르는 인물의 이미지, 동물의 이미지, 꽃과 새의 이미지, 풍경 등 다양했다.
시각적, 시적, 기술적 수단으로 만들어진 이미지는 온전해야 했다. Surimono는 예술이자 게임이며 마을 사람들의 일상 생활의 일부인 엔터테인먼트 방식입니다.
카츠시카 호쿠사이 "잉어"(스리모노)
스 리 모노의 인기 상승에서 호쿠사이의 장점은 대단합니다. 그는 그것을 일본 목판화 유형 중 가장 중요하게 만듭니다.
호쿠사이의 수리모노에 나오는 사람들은 "살아있다". 풍경의 배경에 대해 묘사되어 적극적으로 상호 작용합니다. 손으로 태양으로부터 눈을 가리고 구름을 가리키며 끝없는 창공을 들여다보고 때로는 시청자에게 등을 돌립니다.
카츠시카 호쿠사이. 수리모노
만화
"만화"(Jap. 말 그대로 "호쿠사이의 그림")는 명성의 정점에서 그가 만든 예술가의 창조적 유산에서 가장 중요한 작품 중 하나입니다. "만화"는 그의 철학 인 창의성에 대한 호쿠사이의 견해를 표현한 것으로 주인의 비밀을 드러냅니다. 호쿠사이 인생의 이정표일 뿐만 아니라 봉건제 후기 일본의 문화와 예술에 대한 중요한 정보원으로서도 가치가 있습니다. 호쿠사이의 만화는 종종 "일본인의 백과사전"이라고 불립니다. 대부분의 그림은 도시 생활의 장면을 묘사했으며 많은 사람들의 스케치가 있었습니다. 컬렉션은 주인이 삶에서 본 모든 것을 그림(텍스트가 아님)의 형태로 입력한 일기장이었습니다.
카츠시카 호쿠사이 "후지산에 대한 관조"(1814) 만화
일반적으로 일본 예술과 마찬가지로 호쿠사이는 유럽에 상당한 영향을 미쳤습니다. 예술 XIX프랑스 인상주의를 포함한 세기. Hokusai 판화의 주제는 Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir 등의 작품에 있습니다.
19세기 전반 일본 판화의 마지막 중요한 대표자. 풍경화가 안도 히로시게.
안도 히로시게(1797-1858)
우타가와 히로시게(Utagawa Hiroshige)는 일본의 그래픽 아티스트로 우키요에(Ukiyo-e) 방향을 대표하는 컬러 목판화의 대가입니다. 최소 5400개의 판화 작가. 장르적 모티프가 있는 서정적인 풍경에서 그는 자연의 불안정한 상태, 눈과 안개의 대기 효과를 전달했습니다. Ando Hiroshige라는 가명으로 활동했습니다.
그는 아버지와 어머니를 일찍 잃었습니다. 미술호쿠사이의 작품을 보고 공부를 시작했습니다.
히로시게는 조각가 우타가와 도요히로(1763-1828)의 제자였습니다. Hiroshiga의 명성을 얻은 첫 번째 작품은 1834년에 인쇄된 일련의 판화 "53 Tokaido Stations"였습니다. Hiroshige는 Hokusai의 풍경 장르를 계속하여 자신의 방식으로 개발합니다.
도카이도는 에도와 일본의 다른 지역을 연결하는 5개의 도로 중 하나였습니다. 혼슈 동부 해안을 따라 달렸습니다. 여행자에게 숙박, 음식 및 마구간을 제공하는 53개의 우체국이 있습니다.
1832년에 히로시게는 황실로 갈 말을 수송하는 공식 사절단의 일원으로 도카이도를 여행했습니다. 풍경은 작가에게 강한 인상을 주었고 많은 스케치를 만들었습니다. 집에 돌아온 그는 53개의 작품으로 구성된 사이클을 만들었습니다. 이 시리즈의 성공으로 Hiroshige는 가장 중요하고 인정받는 판화 제작자가 되었습니다.
A. 히로시게. 1정거장: 시노가와
A. 히로시게. 30합목: 마이사카
A. 히로시게. 32합목: 시라스카
안에 자연미히로시게의 자연이 표현력을 매료합니다.
Hiroshige의 작품은 18세기와 19세기 전반의 일본 색채 목판화의 화려한 개화기를 완성합니다. 조각 1850-1860 단일 주요 아티스트를 제시하지 않았으며 양식화와 절충주의가 점점 더 두드러지고 있습니다.
1868년 일본에서 부르주아 혁명이 일어났고 1880년대에는 군주제가 되었다. 이러한 사건은 일본 미술사에서 새로운 단계의 시작을 의미했습니다. 일본은 자본주의 국가의 세계체제에 편입되었다. 이 시기의 일본 예술에는 수많은 학파와 그룹이 생겨났습니다. 그들 중 일부는 유럽 예술을 마스터하는 길을 택했고 다른 일본 예술가들(예: 구로다 기요테리(Kuroda Kiyoteri, 1866-1924)은 유럽에서 공부하기 위해 떠났습니다. 그러나 국가 전통의 순수성을 보존하려는 사람들도 있었습니다.
19세기 말~20세기 초 일본 예술에서는 오래된 예술 전통의 수정, 유럽 예술의 발전, 새로운 예술의 모색 및 자체 개발 방식의 시대였습니다.
일본의 응용 예술
일본 응용 미술의 전성기는 16세기 말에 시작되었습니다. 19세기 나무 조각, 뼈 조각, 도자기 및 도자기가 널리 사용되었습니다.
에 대해서도 말해야 한다 네츠케- 미니어처 조각, 일본 예술과 공예 작품. Netsuke는 일본 전통 의상, 기모노 및 코소데에 사용되는 조각된 작은 열쇠 고리입니다.
호테이(소통, 즐거움, 번영의 신)를 묘사한 네츠케. 아이보리, 컨템퍼러리 워크
최초의 네츠케는 16세기 후반과 17세기 초에 일본에 나타났습니다. 19세기 말부터 그리고 20세기 내내. netsuke는 수출용으로 만들어졌습니다. 그들은 오늘날에도 여전히 만들어지고 있습니다. 컨베이어 방식으로 제작된 기념품으로 그다지 고품질. 그러나 netsuke의 예술은 사라지지 않았습니다. 그리고 오늘날에는 네츠케 조각을 전문으로 하는 대가들이 있습니다.
비밀을 가진 Netsuke
일본은 섬에 위치한 놀라운 동부 국가입니다. 일본의 또 다른 이름은 나라 떠오르는 태양. 온화하고 따뜻하고 습한 기후, 화산 산맥 및 바닷물은 젊은 일본인이 자라는 웅장한 풍경을 만들어 주며 의심 할 여지없이이 작은 국가의 예술에 흔적을 남깁니다. 여기 사람들이 초기그들은 아름다움에 익숙해지고 신선한 꽃, 관상용 식물 및 호수가있는 작은 정원이 거주지의 속성입니다. 모두가 스스로 야생 동물을 조직하려고 노력하고 있습니다. 모든 동부 국적과 마찬가지로 일본인은 문명이 존재하는 수세기 동안 존경 받고 존경받는 자연과의 연결을 유지해 왔습니다.
공기 가습: WINIX WSC-500 에어 워셔는 미세한 물 입자를 생성합니다.위닉스 WSC-500 싱크대 작동모드 : 에어싱크 "WINIX WSC-500"은 편리한 자동운전모드를 가지고 있습니다. 동시에 실내에서 가장 최적의 편안한 습도(50-60%)가 유지되며 플라즈마 공기 정화 및 이온화 모드("Plasma Wave™")가 기본적으로 활성화됩니다.
일본 건축
오랫동안일본은 폐쇄된 국가로 간주되어 중국과 한국과만 접촉할 수 있었습니다. 따라서 개발은 고유한 경로를 따라 진행되었습니다. 나중에 다양한 혁신이 섬의 영토에 침투하기 시작했을 때 일본인은 빠르게 적응하고 자신의 방식으로 다시 만들었습니다. 일본 건축 양식은 끊임없는 폭우로부터 자신을 보호할 수 있는 거대한 곡선 지붕이 있는 주택입니다. 진정한 예술 작품은 황궁정원과 파빌리온이 있는
일본에서 발견되는 예배 장소 중 오늘날까지 살아남은 목조 신도 사원, 더 많은 곳에 나타난 불교 탑 및 불교 사원 단지를 구별할 수 있습니다. 후기역사, 불교가 본토에서 들어와 국가 종교로 선언되었을 때. 아시다시피 목조 건물은 내구성이 약하고 취약하지만 일본에서는 건물을 원래 형태로 재건하는 것이 일반적이므로 화재 후에도 한 번에 지어진 형태로 재건됩니다.
일본의 조각
불교는 일본 예술의 발전에 큰 영향을 미쳤습니다. 많은 작품들이 부처의 모습을 표현하고 있어 사찰에는 수많은 불상과 조각상이 만들어졌습니다. 그들은 금속, 나무 및 돌로 만들어졌습니다. 얼마 후 세속적 인 초상화 조각을 만들기 시작한 장인이 나타 났지만 시간이 지남에 따라 그 필요성이 사라져 건물 장식에 깊은 조각이있는 조각 부조가 점점 더 자주 사용되기 시작했습니다.
미니어처 netsuke 조각은 일본의 국가 예술 형식으로 간주됩니다. 처음에는 이러한 수치가 벨트에 부착된 키체인 역할을 했습니다. 당시 옷에는 주머니가 없었기 때문에 조각상마다 필요한 물건을 걸 수 있는 끈 구멍이 있었습니다. 세속적 인물, 신, 악마 또는 다양한 아이템예를 들어 가족의 행복을 바라는 특별한 비밀 의미를 가진 사람. Netsuke는 나무, 상아, 도자기 또는 금속으로 만들어집니다.
일본의 예술과 공예
예리한 무기 제조는 일본의 예술 수준으로 승격되어 사무라이 검 제조가 완성되었습니다. 검, 단검, 검 테두리, 전투 탄약의 요소는 일종의 남성 장신구 역할을하여 클래스에 속함을 나타내므로 만들어졌습니다. 숙련된 장인, 보석과 조각으로 장식되어 있습니다. 또한 일본의 민속 공예품 중에는 도자기, 칠기, 직조 및 목판 공예의 제조가 있습니다. 일본의 도예가들은 전통 도자기에 다양한 문양과 유약을 칠합니다.
일본 회화
처음에 일본화는 서예 예술과 밀접하게 얽힌 흑백 유형의 그림이 지배했습니다. 둘 다 동일한 원칙에 따라 만들어졌습니다. 페인트, 잉크 및 종이를 만드는 기술은 본토에서 일본으로 왔습니다. 이와 관련하여 회화 예술의 새로운 발전이 시작되었습니다. 당시 일본화의 한 종류는 부처의 삶의 장면을 묘사한 에마키노모의 긴 가로 두루마리였습니다. 일본의 풍경화는 훨씬 나중에 발전하기 시작했고 그 후부터 장면을 전문으로하는 예술가들이 등장했습니다. 세속적 삶, 초상화 및 군사 장면 쓰기.
일본에서는 주로 병풍, 미닫이, 집의 담장, 옷 등에 그림을 그렸습니다. 일본인에게 스크린은 가정의 기능적 요소일 뿐만 아니라 방의 전반적인 분위기를 결정하는 사색을 위한 예술 작품이기도 합니다. 국가 기모노 의상도 일본 예술품에 속하며 특별한 동양적 풍미를 지니고 있습니다. 밝은 색상을 사용하여 금박에 장식한 패널도 일본화 작품에 기인할 수 있습니다. 일본인은 소위 목판화라고 불리는 우키요에를 만드는 데 뛰어난 기술을 발휘했습니다. 그러한 그림의 줄거리는 일반 시민, 예술가 및 게이샤의 삶의 에피소드뿐만 아니라 일본 회화 예술 발전의 결과가 된 웅장한 풍경이었습니다.
