고대 그리스 후기 고전의 조각. 후기 클래식

후기 고전의 문화는 연대순으로 펠로폰네소스 전쟁(기원전 404년) 말부터 4세기 대부분을 포함한다. 기원전 이자형. 알렉산더 대왕(기원전 323년)의 죽음 이후의 역사적 기간으로 4세기의 마지막 4분의 1을 다룹니다. 기원전 즉, 고대 사회와 문화의 역사에서 소위 헬레니즘이라는 다음 단계로 넘어가는 과도기적 시간을 나타냅니다. 이 마지막 기간은 마케도니아, 그리스 본토, 이집트, 이전 아케메네스 왕조의 영토를 덮고 코카서스, 중앙아시아 사막 및 인더스 강에 이르는 거대한 국가 형성이 붕괴된 시기였습니다. 동시에 이것은 소위 헬레니즘 군주제라고 불리는 상대적으로 더 안정적인 형성의 알렉산더 대왕의 광대한 제국의 폐허에 형성되는 기간이었습니다.

그러나 후기 고전의 예술이 그리스 도시 국가의 자유를 매장한 카이로네이아 전투의 날이나 알렉산더 대왕이 사망한 해에 갑자기 존재하지 않게 되었다고 믿는 것은 잘못된 것입니다. . 330~320년대 그리스 문화의 헬레니즘 시대로의 전환. 기원전 이자형. 막 시작된. 지난 25년 동안은 후기 고전의 점차 퇴색하는 예술 형식과 새로운 헬레니즘 예술 경향의 출현이 공존하는 어려운 시기였습니다. 동시에 특정 마스터의 작업에서 두 ​​가지 경향이 서로 얽혀있는 경우도 있고 때로는 서로 반대되는 경우도 있습니다. 따라서 이 시기는 원시 헬레니즘 시대라고도 할 수 있다.

일반적으로 헬레니즘 시대 (동양 문화의 영향이 모두 강화 됨)에 그리스 고유와 소아시아의 고대 그리스 지역과 같은 당시 헬레니즘 세계의 지역에서 예술이 발생했지만 고전에서 유래했지만 여전히 그리스 고전 예술의 전통과 경험과 깊은 연속적인 관계로 연결되어 있습니다. 따라서 예를 들어 Samothrace의 Nika와 같은 기념물은 즐겁고 영웅적인 파토스로 가득 차거나 고귀한 정복으로 가득 차 있습니다. 자연미"Aphrodite de Milo"는 후기 고전의 이상과 예술적 전통과 밀접하게 연결되어 있습니다.

후기고전을 그리스 문화사의 독립된 단계로, 그리스 세계 사회사의 특정 단계에 상응하는 하나의 독립된 단계로 꼽을 수 있게 해주는 정신적, 미적 통일성의 특징은 무엇인가? 문화에서 이 시기는 그리스 합창 드라마의 점진적인 소멸, 기념비적인 예술의 조화로운 선명도의 상실과 관련이 있습니다. 새롭고 매우 귀중한 예술적 해결책의 동시 출현과 함께 숭고함과 자연, 영웅적이고 서정적인 시작의 통합의 점진적인 붕괴는 폴리스 대중 의식의 위기와 불가분의 관계로 연결되었습니다. Interpolis Peloponnesian War의 재난으로 생성 된 이전의 영웅적인 시민 이상. 이러한 재난은 참으로 크고 고통스러웠습니다. 그러나 4세기 그리스의 일반적인 영적 분위기는 기원전 이자형. Peloponnesian War의 결과뿐만 아니라 결정했습니다. 그리스 도시국가들의 문화적 위기의 원인은 더 깊은 데 있었다. 폴리스 체제가 생존력을 유지했다면, 노예 소유 관계의 첫 번째 위기가 시작되지 않았다면 정책은 격변과 이 어려운 전쟁에서 분명히 회복되었을 것입니다.

아시다시피 그 이유는 그리스의 사회 생활에서 폴리스 시스템을 역사적으로 쓸모없는 시스템으로 바꾸어 노예 사회의 발전을 방해하는 변화가 있었기 때문입니다. 결국, 정책 간의 전쟁은 이전에도 발생했습니다. 그리고 이전에는 페르시아 침공 중에 일시적으로 부분적으로 만 극복 된 Hellas의 정치적 분열에는 부정적인 측면이있었습니다. 그러나 그것은 고전 문화의 개화를 막지는 못했습니다. 더욱이 그것은 그리스 고전 예술의 개화로 이어진 독특한 영적 분위기 인 강렬한 사회 생활의 출현을위한 주요 조건이었습니다. 경제적, 정치적 활동을 효과적으로 수행할 수 있었던 자유로운 장인과 농민이 폴리스의 대중적 기반을 형성하는 한, 폴리스 체제는 역사적으로 그 자체를 정당화했다. 그러나 노예 제도의 위기, 인구의 자유 인구의 빈곤 증가, 소수의 노예 소유자의 부의 증가, 노예 봉기의 위험

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불가피한 집결 노예 소유 고대 사회. 그리고 이 통일은 정책의 정치적 독립성을 상실해야만 달성할 수 있었다. 그리고 이 대가는 역사적으로 불가피해졌다. 분열되어 지배권을 놓고 싸우는 정책은 자발적이고 평등한 결속을 이룰 수 없었습니다. 이러한 조건 하에서 하나의 헤게모니를 강화하고 정책 지배 영역을 점차 확장함으로써 강력한 노예 소유 국가를 만들 수 있습니다. 이것이 로마의 미래 경로입니다. 펠로폰네소스 전쟁의 경험은 그리스 상황에서 이 옵션이 비현실적임을 보여주었습니다. 이것은 마케도니아, 즉 당시 반 그리스, 반 야만인 국가에 의한 그리스의 강제 통일의 역사적 필연성을 불러 일으켰습니다. 그리스 북부와 오늘날 불가리아와 유고슬라비아의 남부에 위치한 마케도니아는 주로 농민 국가였으며 경제적으로나 정신적으로 그리스 본토보다 훨씬 덜 발전했습니다. 그러나 그것은 고대 헬라스에서 상대적으로 큰 중앙집권적 군주제를 형성하는 기반이 되었다. 군사 및 인적 자원의 집중, 확고한 규율, 군사 정치 조직의 상대적 안정성은 마케도니아가 그리스 도시 세계와의 유대가 강화되고 노예 제도가 발전함에 따라 그리스에서 헤게모니를 달성할 수 있는 기회를 제공했습니다. 따라서 머지 않아 마케도니아와 무역 및 공예 노예 소유 도시 국가의 합병은 역사적으로 불가피했습니다.

이 과정은 극적이고 때로는 비극적인 형태로 발생했습니다. 그러나 모든 비극적 아름다움에도 불구하고 구 그리스 자유 지지자들의 투쟁은 마케도니아의 승리에 관심이 있는 여러 정책에 힘이 있었기 때문에 역사적으로 미리 파멸되었습니다. 따라서 마케도니아 헤게모니의 화해할 수 없는 상대인 데모스테네스의 연설에서 비통함의 그늘이 나타났고, 이는 나중에 폴리에우크투스(기원전 3세기)의 데모스테네스 조각상 초상화에서 매우 정확하게 나타났습니다. 마케도니아 왕 필립 2세 때부터 시작된 헬라스의 마케도니아 정복 과정은 마침내 알렉산드로스 치하에서 완성되었다. 마케도니아 귀족의 이익과 그리스 정책의 노예 소유 사회의 최고를 위해 페르시아 군주제를 분쇄하고 부를 장악하려는 그의 욕망은 역사적으로 가장 효과적일 뿐만 아니라 위기에서 일시적인 탈출구이기도 했습니다. 후기 고전 시대에 그리스가 경험했습니다. 다가오는 페르시아 캠페인은 마케도니아의 헤게모니적 열망을 발산하여 헬라스를 단독으로 정복하는 것을 가능하게 했습니다. 가능한 경로원래 그리스의적인 페르시아 전제주의에 대한 최종 보복을 위해. 페르시아는 정말 무너졌지만 정책에 비해 지나치게 높은 대가를 치렀습니다. 사실, 일반적으로 페르시아인에 대한 승리, 초기 헬레니즘에서 거대한 제국을 건설하는 파토스는 삶과 문화의 무조건적인 급증, 일종의 장대하고 기념비적이고 한심하게 고상한 예술 형태의 번성을 일으켰습니다. 후기 고전 시대에 문화의 운명은 그리스 사회의 진화에서 폴리스 단계의 전반적인 위기에 의해 정확하게 결정되었습니다. 그러나 폴리스의 위기가 옛 고전 예술의 쇠퇴만을 불러일으켰다고 생각해서는 안 된다. 문제는 더 복잡했습니다. 폴리스의 영적 문화 위기의 과정은 매우 다른 예술 경향을 불러 일으켰습니다.

일반적으로 이것은 정책의 시민 생활과 영적 생활의 기초의 합리적인 조화에 실망한시기, 일치, 사익 및 공익에 대한 믿음의 위기였습니다. 그 시대의 비극적 불협화음에 대한 감정은 고전 시대의 마지막 위대한 비극 작가인 에우리피데스의 작품에서 이미 표현되었습니다. 고전적 기념비적 통합의 영웅적 조화는 돌이킬 수 없는 과거 속으로 물러나고 있다. 물론 문화와 예술에는 성숙한 고전의 경험과 전통을 보존하고 계승하려는 욕구가 있지만 여전히 이 예술의 이데올로기적 내용과 형식은 심오한 변화를 겪고 있습니다. 고전의 이상은 실제 사회 생활의 조건에 대한 내적 대응을 잃고 있었기 때문에 고전의 형식적 모방은 처음으로 공식적이고 냉정한 작품에 생명을 불어 넣었습니다.

동시에 사회에서 일어나는 영적 과정은 위기의 특징뿐만 아니라 표시되었습니다. 후기 고전에서는 새로운 윤리적 및 미적 가치의 출현과 관련된 잘 알려진 추세가 발생할 수밖에 없었습니다. 전체의 붕괴하는 "대성당주의"로부터 개인의 점점 더 분리되는 것과 관련하여 특정 발전이 더 서정적이거나 더 개인적으로 채색된 감정과 상태로 표현되었습니다. 오래된 위대한 가치를 대체하는 예술의 이러한 새로운 순간의 중요한 의미는 후기 고전의 조건에서 고전의 일반적으로 아름다운 예술적 언어의 감정적 수정과 부분적으로 사회적 변화의 변화로 나타났다는 것입니다. 기념물의 미적 목적. 조화롭게 아름답고 시적인 사람의 이미지는 더 이상 과거의 영웅적인 파토스를 전달하지 않으며 현실의 비극적 불협화음은 그 안에서 메아리를 찾지 못하지만 더 개인적으로 이해되는 행복의 서정적으로 변형 된 세계가 그 안에 드러납니다. 이것이 유토피아 적 쾌락주의의 특징과 인간 삶의 서정적 시작에 대한 미묘한 감각을 결합하여 Praxiteles의 예술이 발생하는 방식입니다.

시대의 비극적 대조에 대한 깊은 윤리적 미적 경험은 사람과 그의 운명에 대한 이해에 다소 더 개인적이고 복잡한 음영을 도입하는 위대한 Scopas의 예술에서 절제된 사려 깊거나 한심하게 열정적 인 구체화를 찾습니다. Scopas의 예술이 후속 헬레니즘 시대의 예술에서 라인의 한심한 역학으로 가득 찬 기념비적 인 모습을 어느 정도 준비했다면 이미 세기 후반에 Lysippus의 작업이 그 토대를 마련했습니다. 6-5세기 인간의 보편적인 이미지에서 벗어난 사실주의 형식. 기원전 이자형. 헬레니즘 예술의 여러 경향에 큰 영향을 미쳤습니다. 후기 고전 조각 발전의 일반적인 경향은 초상화의 발전에도 영향을 미쳤습니다. 여러 방향이 있습니다. 한편으로 이것은 개발의 이상화 라인입니다.

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초상화, Silanion에서 Leohar의 초상화로 이동합니다. 다른 한편으로, 성격의 개별적인 외모의 이전 또는 점점 더 명확하고 구체화 된 영웅의 마음 상태의 이전에 대한 관심의 출현 과정이 설명됩니다. 점차적으로 이미 초기 헬레니즘 시대에이 두 줄이 마침내 합쳐져 신체적, 영적 특성의 생생한 통일성, 즉 좁은 초상화의 출현으로 개인의 성격이 드러납니다. 단어의 의미 - 유럽 미술사에서 거대한 정복.

IV 세기의 추가 개발. 기원전 이자형. 받고 그림을 그립니다. 그녀의 예술적 언어에 숨겨진 구체적인 가능성을 드러내는 데 한 걸음 더 나아가는 것은 바로 이 시기였다. 일반적으로 4세기 회화용. 기원전 즉, 조각뿐만 아니라 냉정한 파토스가없는 추상적으로 미화하는 방향의 발전과 친밀한 서정적 억양의 증가가 분명히 특징적입니다. IV 세기의 영적 문화의 특징 중 하나라는 점에 유의해야합니다. 기원전 이자형. 인간의 성격과 인간 팀의 가장 일반적인 특성을 유기적으로, 예술적으로 진실되게 구현하는 능력, 보편적 중요성에 대한 신화적 이미지에 의해 점진적인 손실 과정이 있었습니다. 이미 5세기에. 기원전 이자형. 노예 소유 사회와 그 문화의 진화는 우주와 사회에 대한 신화적 개념의 점진적인 붕괴로 이어집니다. 그러나 철학과 부분적으로 역사 과학 분야에서 당시의 선진 그리스 사상가들이 세계 인식과 평가의 신화 적 원리를 변형하고 극복한다면 세계에 대한 시적 인식 분야와 윤리 분야에서 , 신화적 형식, 특히 삶에 대한 일반적인 생각을 시각적으로 조형적으로 의인화하는 신화의 미학적 윤리적 능력은 유난히 살아 있었고 일반적인 삶의 방식과 삶의 질서와 조화를 이루었습니다. 민중뿐만 아니라 사원 앙상블의 창시자, 위대한 그리스 비극의 창시자에게 신화적 이미지와 전설은 당대의 시급한 윤리적, 미학적 문제를 해결하기 위한 기반과 무기고를 제공했습니다.

5세기 말에도. 기원전 이자형. 플라톤은 사랑의 본질에 관한 예술적이고 철학적인 논문을 작성하여 철학적, 논리적 사고의 특징적인 주장이 예술적 이미지, 은유 및 시적 전설의 전체 시스템과 유기적으로 얽혀있는 소크라테스와 대담 자의 연설을 입에 넣습니다. 그리스 의식의 이전 역사에 의해 발전된 신화적 표현과 의인화에 대한 철학적 재고입니다.

사실, 그 시대의 비극과 코미디와는 달리 플라톤은 신화적인 인물이 아니라 살아있는 동시대 인이며 연회 테이블에서 진행되는 사랑의 본질에 대한 논쟁은 매우 구체적으로 설명 된 조건에서 전개됩니다. 이것은 후기 고전으로의 전환의 시작입니다. 그럼에도 불구하고 대담 자의 주장은 전성기 폴리스 문화의 특징 인 신화 적 이미지의 깊은 영적 내용 인 철학적, 예술적 원칙의 융합으로 스며든다. IVb에서. 기원전 이자형. 세상을 보는 체계는 점차 유기성을 잃어가고 있으며, 이는 인간 의식의 합리적이고 과학적인 형태의 발달과 함께 긍정적인 순간과도 연결되어 있습니다. 그러나이 진보는 세계에 대한 예술적 인식의 보편적 무결성이 붕괴되기 시작하는 것과도 관련이 있습니다. 신화적 표현과 이미지의 세계는 점차 다른 예술적 내용, 다른 세계관으로 채워지기 시작합니다. 점점 더 신화는 차갑게 이성적인 알레고리의 소재가 되거나, 오랫동안 모든 사람에게 친숙한 줄거리나 상황을 예술가가 자신의 개인적인 경험을 구현하는 수단으로 바꾸는 열정적이고 심리적으로 예리한 극적인 내용으로 채워집니다.

물론 작가는 새로운 범위의 문제에 의해 생성된 그의 감정과 생각의 세계에 줄거리와 내용이 일치하는 신화를 찾고 있다. 그러나 동시에 예술가의 개인적인 창의적 억양은 창의적인 파토스가됩니다. 신화에 객관적으로 내재된 윤리적 파토스와 작가의 의지와 마음의 합일과 고전 작품에서 작가의 개성과 개인의 내면 세계를 충분히 명확하게 느낄 수 없었던 그 미학적 의미는 과거로 후퇴. IV 세기에. 기원전 이자형. 동시대 사람들은 올림피아에 있는 제우스 신전의 서쪽 페디먼트에서 벌어진 그리스인과 켄타우로스의 전투에서 그렇게 명백하게 드러난 신화에 대한 깊은 시민적, 미학적 이해에 낯설어졌습니다.

곧 파르테논 신전의 페디먼트에서 볼 수 있듯이 우주 개념의 영웅적 무결성에 대한 신화적인 이미지의 구체화의 기쁨이 사라집니다. Myron의 Athena와 Marsyas에 구현 된 보편적 인 미적, 윤리적 의미를 지닌 서로 반대되는 두 신화 적 인물의 비교도 불가능 해집니다.

따라서 Scopas의 Tegean 페디먼트에서 죽어가는 영웅의 고통과 슬픔의 폭풍우 같은 충동은 이미지의 엄격한 정신보다 시대에 뒤 떨어진 존재 규범에 반항하는 개인적인 열정으로 표시되는 Euripides 영웅의 정신에 더 가깝습니다. Aeschylus 및 Sophocles - 보편적으로 중요한 윤리적 가치를 지닌 자 (인간 의지의 위대함을 확인하는 Prometheus, 위반 된 진실에 복수하는 Orestes, 왕권의 폭력에 반대하는 Antigone 등). 이것은 4세기 예술의 약점만이 아니다. 기원전 즉, 그 힘, 예술이 가져다주는 미적으로 새로운 것, 즉 예술적 이미지의 보다 차별화된 복잡성, 미적 원리 자체에 대한 보다 독립적인 식별, 개인적, 때로는 서정적으로, 때로는 애처롭게 이미지의 예술적 삶에서 컬러 순간. 이 시대의 예술은 개인화된 심리주의, 서정주의, 예리한 극적 표현의 첫 싹과 관련이 있습니다. 그것들은 정확히 기원전 4세기에 고대 예술에 처음 등장합니다. 기원전 이자형. 이것은 고전 예술의 많은 위대한 업적을 포기함으로써 높은 가격으로 달성한 한 걸음 앞으로 나아간 것입니다.

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건축학

4세기 그리스 건축. 기원전 이자형. 고전적인 주문 시스템 내에서 계속 발전했습니다. 동시에 그 경향 중 일부는 그대로 헬레니즘 시대 건축의 모습을 준비했습니다. 세기의 첫 3분의 1 동안 지친 펠로폰네소스 전쟁 이후 그리스 정책을 사로잡은 경제 및 사회적 위기로 인해 건설 활동이 어느 정도 감소했습니다. 물론 이러한 감소가 보편적인 것은 아닙니다. 패배 한 아테네에서 가장 심각하게 나타 났으며 Peloponnese에서는 건설이 거의 중단되지 않았습니다.

이미 370년대부터. 기원전 이자형. 건축 활동이 부활합니다. 사원 건축과 함께 도시 주민들의 시민적, 사회적 요구를 충족시키기 위해 설계된 공공 건물 건립에 많은 관심을 기울입니다. 연극 구조는 돌로 지어지기 시작했고 팔레스트라, 체육관 및 불레테리움의 건설이 확장되었습니다. 부유한 시민을 위한 주거용 건물 건설(예: Delos 섬)은 점점 더 부유한 도시 거주자의 삶과 삶의 중심이 되는 개인 주택이 되는 새로운 순간의 출현으로 표시됩니다. 오래된 건축 원칙이 사용되었지만 안뜰의 우아한 열주, 집을 장식하기위한 모자이크 도입 등은 여기에서도 새로운 트렌드의 출현을 증언합니다. 근본적으로 중요한 것은 처음에는 소아시아 그리스에서, 나중에는 그리스 자체에서 개인, 가장 자주 통치자의 성격을 높이는 데 전념하는 건축 구조의 출현이었습니다. 그래서 세기 중반에 Halicarnassus의 영묘가 세워졌습니다. 이것은 4 세기 후반에 Caria, Mausolus의 통치자를 기리는 거대한 무덤입니다. 기원전 이자형. - 그리스 정책에 대한 마케도니아 왕 Philip II의 승리를 찬양하는 Olympia Philippeion의 기념 건물. 고풍과 고전 시대의 그러한 구조는 상상할 수 없었습니다. 고전적인 질서 건축의 명확한 조화에서 벗어나 복잡성과 화려함을 향한 경향이 드러나는 것은 바로 이 건물들에서입니다.

후기 고전의 건축은 성숙한 고전보다 더 빈번하고 상당히 다른 다양한 질서의 사용이 특징입니다. 도리아 양식의 엄밀한 웅장함과 이오니아 양식의 명확한 우아함을 결합함으로써 고전 건축은 미학적 이상을 구현하는 최대의 조화로운 충만을 달성하고자 했습니다. 4세기에 Doric, Ionic 및 Corinthian 주문의 동시 사용. 기원전 이자형. 다른 목표를 추구했습니다. 이로 인해 인상적인 건축 이미지가 생성되거나 동적 복잡성과 그림의 풍부함이 향상되었습니다. 한 방향은 궁극적으로 더 큰 대표성을 가져오고 다른 방향은 건축 전체의 조형적인 정서적 삶을 활성화하고 복잡하게 만드는 작업을 설정한다는 사실에 관계없이 두 경우 모두 고전 건축의 기본 원칙, 건설적이고 미적인 원리, 완성도와 유기성, 조형적 해결.

Corinthian order의 야채 수도가 점점 더 널리 퍼지고 있습니다. Corinthian 수도는 형태의 chiaroscuro 풍부함과 잔잔한 컬의 불안한 플레이로 콜로 네이드의 장식적인 표현력을 향상 시켰습니다. 주문 시스템의 구조적 명확성에서 벗어나 천장과 만날 때 기둥의 탄성 장력 느낌도 제거했는데, 이는 이오니아, 특히 Doric 수도에 내재되어 있습니다. 인테리어 디자인에 Corinthian 콜로 네이드를 도입 한 첫 번째 사례 중 하나는 Delphi - Marmaria에있는 성소의 둥근 사원이었습니다. 특히 후기 고전의 특징은 BC 394년 화재 이후 수십 년 동안 재건된 Tegea(Peloponnese)에 있는 Athena Alei의 주변 사원에 구현되었습니다. 이자형. 조각 장식의 건축가이자 제작자는 후기 고전 Skopas의 가장 위대한 거장이었습니다. 사원의 나오스를 반기둥으로 장식할 때 그는 코린트식 질서를 사용했다. Tegean 사원의 반 기둥은 Bass의 사원보다 적은 정도로 벽에서 튀어 나왔습니다. 그들은 naos의 모든 벽을 따라 달리는 그들에게 공통된 복잡한 프로파일 기반에 의존했습니다. 따라서 사원의 3면 내부 공간은 단일 홀로 바뀌었고 반 기둥은 순전히 장식 기능을 수행했습니다.

4세기 중반에 재건된 가장 중요한 앙상블 중 하나입니다. 기원전 즉, Epidaurus에는 컬트 콤플렉스가있었습니다. 성소 건물의 자유로운 위치가 특징입니다. 그것의 중앙 장소는 반원형 틈새가있는 반원형 장식 벽으로 둘러싸인 큰 원형 건물 인 Asclepius의 성역이 차지했습니다.

성소 단지의 둥근 사원은 이전에 만났습니다. 그러나 고풍과 고전의 앙상블에서는 직사각형 Doric peripter가 지배적 인 위치를 차지했습니다. 여기서 원형 건물의 보다 활동적인 공간 형태는 다른 사원의 직사각형 주변부와 거의 동등한 위치를 차지하여 대비되는 표현력이 넘치는 전체의 건축적 이미지를 생성합니다.

그러나 Epidaurus 앙상블에서 가장 큰 미학적 관심은 Asclepius의 성역이 아니라 Polykleitos the Younger가 지은 다소 측면에 위치한 극장 건물입니다. 고대 최고의 극장 중 하나였습니다. 최초의 석조 극장은 5세기에 지어졌습니다. 기원전 이자형. Syracuse에 있지만 원래 형태로 보존되지 않았습니다.

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우리에게 내려온 그리스의 다른 연극 구조(예: 아테네의 디오니소스 극장)와 마찬가지로 Epidaurus의 극장은 가파른 언덕의 자연 경사를 사용했습니다. 이러한 지형에 대한 건축의 적응은 고전 시대 건축가들의 특징적인 특징입니다. 테아트론(관람석이 배치된 돌계단의 반원형)은 언덕의 가파른 경사면과 주변 자연의 고요한 형태에 유기적으로 맞습니다. 동시에 긴장된 곡선의 명확한 리듬으로 주변 풍경의 선의 자연스러운 유동성에 질서와 질서를 부여하는 인간의 창조적 활동의 힘을 드러내는 것 같습니다.

우리와 달리 그리스 극장의 독특한 건축 양식을 이해하려면 고대 극장의 전체 구조가 원래의 민속 숭배 광경에서 성장했다는 점을 기억해야 합니다. 옛날 옛적에 컬트 게임의 의상을 입은 참가자들이 원형 오케스트라에서 공연했고 관중들이 주변에있었습니다. 숫자가 증가함에 따라 청중이 위치한 언덕 경사면에서 액션을 수행하는 것이 더 편리하다는 것이 밝혀졌습니다. 언덕 반대편에는 배우들이 출구를 준비하고 있던 텐트 스켄이 세워졌습니다. 점차적으로 스케네는 콜로네이드가 있는 2층 구조로 변했습니다. 영구적인 건축 배경을 형성하고 배우를 자연 환경과 분리했습니다. 언덕의 경사도 건축 학적으로 마스터되었습니다. 극장의 동심원 층이 나타났습니다. 이것이 그리스 극장의 건축이 발전한 방식이며 Epidaurus의 극장이 모델입니다. 넓은 수평 바이패스는 대략 황금 비율에 따라 theatron의 단계 행을 나눕니다. 오케스트라에서 줄의 계단 사이 위로 7개의 통로 계단이 뻗어 있습니다. 수평 열의 길이가 크게 늘어난 우회로 위에는 통로 사이에 추가 통로가 들어갑니다. 따라서 수직 리듬의 명확하고 생생한 네트워크가 생성되어 극장 단계의 수평으로 분기되는 원의 팬을 가로지릅니다. 그리고 또 하나의 특징 : 오케스트라에서 공연하는 배우 또는 합창단 멤버는 극장 계단에 위치한 수천 명의 관중을 항상 쉽고 자연스럽게 "소유"합니다. 배우가 극장에 휩싸이면 배우의 넓게 뻗은 팔이 그대로 닫히고 극장의 전체 공간을 정복합니다. 또한 배우는 목소리를 크게 높일 필요가 없습니다. 오케스트라 중앙에 서서 바닥 돌에 동전을 던지거나 종이를 찢으면 맨 윗줄에서 떨어지는 동전 소리, 찢어진 시트의 바스락 거리는 소리가 들립니다. 그리고 어느 곳에서나 맨 위 단계에서 이제 거의 파괴 된 Skene의 벽이 완벽하게 보이며 오케스트라와 Proskenium (Skene 앞의 좁은 높은 플랫폼이 호출됨)을 환경에서 분리합니다.

극장 건축의 단순하고 고상한 비율과 오케스트라로 내려가는 계단의 동심원 운동은 시청자의 관심을 배우와 합창단(합창단과 일반적으로 오케스트라의 원에서 연주하는 배우들이 아니라 프로스케늄). 넓게 펼쳐진 산과 언덕, 높고 푸른 하늘은 오케스트라에서 벌어지는 행동에 대한 인식에서 온 사람들을 산만하게 할 수 없었습니다. 그러한 극장의 관객은 자연과 이혼하지 않았지만, 펼쳐지는 드라마에 관심이 집중되고 집중되었습니다.

근본적인 중요성은 그리스 극장의 벤치 열이 오케스트라의 절반 이상을 덮었다는 사실이었습니다. 따라서 연극의 사건은 외부의 고려 대상이 아니라 관객은 말하자면 사건의 공범자이며 대중은 연기하는 배우를 포용한다. 그런 점에서 관객이 위치한 공간적 환경과 공연이 이루어지는 공간적 환경(현대 연극의 전형)의 근본적인 소외는 여전히 존재하지 않는다.

처음으로 공연에서 무대의 위치와 역할에 대한 현대적인 이해에 더 가깝게 로마 극장에서 나중에 수행되기 시작했습니다. 무대 건축의 복잡성과 공간의 증가와 함께 로마 극장에서 관객이 더 이상 오케스트라를 받아들이지 않는다는 것이 결정적으로 중요했습니다. 오케스트라 자체는 주요 연주 무대로서의 이전의 의미를 잃었습니다.

동시에 고대 연극의 민속 예능의 원리로서 관객과 배우의 긴밀한 관계 원리가 어느 정도 20 세기에 다시 주목을 받고 있다는 점은 특히 주목할 만하다. 연극의 제작자. 고대 연극의 정신을 근대적 예술적 인식의 조건에서 되살리고, 무대의 틀을 넘어서려는 시도가 있었다. 이러한 시도는 종종 인위적이었습니다. 그러나 여전히 그들, 특히 고대 드라마 작품 (특히 우리나라 오이디푸스 렉스, 메데이아에서 제작)을 연출하는 데 새로 등장한 관심은 고대 연극의 일부 원칙, 특히 고전 드라마투르기.

이와 관련하여 그리스에서는 관객과 배우 사이의 공간적, 심리적 연결이 여전히 오케스트라의 숭고한 예술적 삶과 관객이 살았던 삶의 차원을 동일시하지 못했다는 점을 강조해야 합니다. 공간 환경의 통일성으로 인해 더 깊고 가장 중요한 차이가 있었습니다.

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배우와 관객의 구별 외에 17~19세기에는 박스 스테이지의 벽을 제거한 채 객석에서 행해졌다. 그러나 이 특별한 상자 안에서 배우들은, 특히 19세기 연극에서 배우들은 실존 인물들과 예술적으로 유사하려고 노력하는 동시에 보이지 않는 경계 너머 어둠 속에 앉아 있는 관객들을 보지 않으려고 한다. 문. 그리스 연극에서는 배우와 관객을 포괄하는 환경의 진정한 공통성이 영웅적 일반화의 증가와 연극적 인물의 비극적 언어와 외모와 결합되었다.

고대 극장은 야외 극장이었고 공연은 휴가아침과 저녁 새벽 사이. 물론 시청자와 캐릭터를 동등하게 포용하는 자연광에서 배우의 표현적인 연극의 음영은 Epidaurus에서 13,000 명 이상의 관중을 수용 한 극장의 뒷줄에서 어렵게 인식되었을 것입니다. 그러나 배우들이 가면을 쓰고 행동하여 영웅의 영적 상태의 주요 leitmotif를 긴 가운-chlamys, 높은 cothurnas의 신발에서 인위적으로 높이면서 조형 적으로 표현했기 때문에 이것이 필요하지 않았습니다. 표정도 없고, 헬레네의 미학적 개념에 부합하지도 않았을 것이다. 배우들은 반주되는 음악에 맞춰 움직임을 조정했습니다. 분명히 이러한 움직임은 본질적으로 단호하게 리드미컬했으며 소성 표현력으로 구별되었습니다. 이것에 대한 몇 가지 아이디어는 마스크의 살아남은 이미지, 비극적 및 희극 배우의 인물에 의해 제공됩니다. Commedia dell'arte의 캐릭터 유형 마스크와의 비교를 통해 공통점뿐만 아니라 5 세기-4 세기 전반의 고전 극장의 두 연극 시스템 간의 깊은 차이를 이해할 수 있습니다. 기원전 이자형. 르네상스 가면의 핵심적이고 일상적인 특징이지만 일상과 그로테스크를 초월한 보편적인 이미지를 가지고 있습니다.

IV 세기에. 기원전 이자형. 주목할만한 것은 봉헌 목적으로 세워진 개인 건축물의 비율이 증가했다는 것입니다. 아테네의 리시크라테스 기념비(기원전 332년)입니다. 기념물에서 불멸의 Lysicrates는 그의 의존에 의해 준비된 합창단의 승리가 경쟁에서 이겼습니다. 코린트 양식의 우아한 반기둥으로 장식된 가느다란 석조 원통이 깔끔하게 다듬어진 사각형으로 지어진 높은 입방체 받침대 위에 솟아 있습니다. 좁고 가볍게 프로파일링된 아키트레이브 위에는 프리즈-소포어가 펼쳐져 있으며, 그 위에 그림과 가벼운 역학으로 가득 찬 구호 그룹이 흩어져 있습니다. 완만하게 경사진 원뿔 모양의 지붕을 덮고 있는 가느다란 아크로테리움은 리시크라테스에게 상으로 수여된 청동 삼각대의 스탠드였습니다. 이 건물의 독창성은 규모의 친밀함과 비율의 절묘한 선명도에 의해 결정됩니다. 리시크라테스의 기념비는 인간 삶의 보다 사적이고 친밀한 측면의 미적 디자인과 관련된 헬레니즘 건축, 회화 및 조각을 어느 정도 예상합니다. 헬레니즘의 대표적인 건축물로 이어지는 경향은 그리스의 필리피온 기념관(기원전 338~334년)에서 나타난다. 평면도가 둥근 사원은 이오니아식 열주로 장식되었고 내부에는 코린트식 질서가 사용되었습니다. 웅장한 Corinthian 기둥 사이에는 이전에 신을 묘사하는 데만 사용되었던 chrysoelephantine 기술로 만든 마케도니아 왕의 동상이 배치되었습니다.

소아시아 그리스에서 건축의 진화 경로는 그리스 자체의 건축 발전과 다소 달랐습니다. 그곳에서 웅장하고 웅장한 건축 구조를 만들고자하는 열망은 전통적으로 동양과 관련된 소아시아 건축의 고전적 이상에서 벗어나는 경향이 특히 분명하게 느껴졌 기 때문에 특별한 영향을 미쳤습니다. 그래서 IV 세기 중반에 지어졌습니다. 기원전 이자형. 거대한 Ionian diptera (Ephesus의 두 번째 Artemis 사원, Sardis의 Artemis 사원 등)는 화려하고 세련된 건축 장식의 고급 스러움으로 구별되었습니다.

Halicarnassus의 영묘는 건축의 새로운 사회적 기능과 그에 상응하는 미학적 원리에 대한 아이디어를 제공합니다. 영묘는 기원전 353년에 세워졌다. 이자형. 빌더 Satyr와 Pytheas. 그것은 정책의 시민에 대한 외국인 임명, 즉 군주의 승영에 의해 고전적 주문 구조와 구별되었습니다. 양식적으로도 영묘는 거대한 규모와 다양한 건축 형태의 복잡한 조합, 그리고 그리스와 동양 건축 모티프의 독특한 공생이라는 점에서 고전적인 질서 구조와는 거리가 멀다. 부와 화려함의 인상을 얻기 위해 건축업자들은 건설적인 선명도를 희생했습니다.

파괴 된 건물의 재건에 대한 세부 사항은 여전히 ​​논란의 여지가 있지만 중요한 것은 분명합니다. 건물은 거의 입방 체적의 지하 층으로 시작되었습니다. 계층은 분명히 부조로 장식 된 역학으로 가득 찬 frieze-zophor로 장식되었습니다. 따라서 두 번째 계층의 열주는 안정적인 연단 바닥이 아니라 흔들리고 불안한 조각 부조 스트립에 놓였습니다. 열주 위에는 잘린 세 번째 층이 있습니다.

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계단식 피라미드. 그 꼭대기에는 Mausolus와 그의 아내의 거대한 쌍 동상이있었습니다. 이오니아 열주 위에 잘린 계단 피라미드를 배치한 동기는 예를 들어 이오니아 열주와 계단 피라미드의 조합이 사용된 암석 절단 무덤의 형태로 지역 소아시아 전통으로의 회귀였습니다. 그러나 규모의 방대함, 비율의 변화, 장식의 화려한 인상은 기원전 6세기의 겸손한 리디아 무덤과 비교하여 영묘의 건축 이미지에 완전히 다른 성격을 부여했습니다. 기원전 이자형.

Halicarnassus 영묘의 앙상블은 고급 고전 예술의 쇠퇴만을 보여주는 예로 간주될 수 없습니다. 미래 시대 건축 발전의 진보적 인 경향은 영묘 건축에서 명확한 표현을 찾지 못했습니다. 앙상블 개념의 복잡성과 풍부함, 내부 건축 공간의 표현력에 대한 관심의 각성, 건축의 예술적 언어의 감성의 강화 등. 그러나 영묘를 장식한 조각가들은 기념비에 대한 공식적인 생각과 다소 무거운 시학을 뛰어넘었습니다. 특히 Scopas는 그리스인과 아마존의 전투에 전념하는 프리즈에서 비극적으로 고민하는 시대의 정신을 비범 한 힘으로 구현하여 인간의 열정의 충동을 전달하는 데 중요한 진전을 이루었습니다.

조각품

4세기 1/3 조각의 특징. 기원전 이자형. 페리클레스 시대의 전통과 공식적으로 관련된 대가인 케피소도트(장로)의 작품에서 그들의 표현을 찾았습니다.

그러나 그의 작품에는 수사적 내러티브와 냉정한 감성이 결합된 고의적 이상화의 특징도 있다. 이런 의미에서 로마 사본에서 알려진 아기 플루토스를 품에 안고 있는 세계 에이레네의 여신 케피소도투스의 작품은 유익하다. 동상은 기원전 370년경에 만들어졌습니다. 즉, 또 다른 주간 전쟁 후 아테네가 평화를 맺은 직후. 그녀는 풍부함을 우화적으로 칭찬했습니다.

세상이 준. 동상의 예술적이고 비유적인 해결책의 첫 번째는 합리적으로 공식화 된 아이디어의 복잡한 의인화입니다. 그래서 세상이 부를 낳는다는 생각을 표현하기 위해 부의 신 플루토스를 에이레네의 손에 올려놓았다. 묘사 된 풍요의 뿔은 비슷한 의미를 가지고 있습니다. 그러나 엄마와 아기 사이에는 살아있는 친밀한 관계가 없습니다. 고전의 기념비적 예술의 유기적 무결성이 상실되고 인간 캐릭터의 개인적인 관계 문제, 인간 상황은 지금까지 순전히 외적으로 해결되었습니다.

위대한 Scopas의 예술의 모습을 준비하는 새로운 한심한 시작은 Epidaurus 앙상블의 Asclepius 주변 사원 페디먼트에 멋진 조각품으로 구현되었습니다. 극적인 흥분, 공간적 역동성, 강력하고 풍부한 키아로스쿠로로 Timothy가 제작한 이 작품은 건축과 조각의 기념비적인 합성에 새로운 사운드를 가져올 뿐만 아니라 그들은 여러 면에서 열정적이고, 더 개인적이고, 극적인 예술이 동상의 저자는 동시대 선배였던 위대한 스코파스였습니다.

초상화의 새로운 개념, 더 정확하게는 초상화 흉상을 창조하려는 첫 번째 시도도 매우 중요합니다. 고전의 경우 소위 초상화의 가장 전형적인 형태는 육체적, 영적 자질의 충만 함을 소유 한 사람의 이미지에 바쳐진 기념비적 인 조각상이었습니다. 보통 그것은 올림픽 게임에서 승자의 이미지 또는 쓰러진 전사의 용맹을 확인하는 묘비였습니다. 그러한 조각상은 이 영예를 안은 운동 선수나 전사의 이름이 이상적으로 일반화된 영웅의 이미지와 연관되어 있다는 의미에서만 초상화였습니다.

사실, V 세기에. 기원전 이자형. 초상화 예술에서 가장 중요한 것은 머리의 이미지가 사면체 기둥과 연결된 herms의 생성입니다. 인물의 성격에 대한 작가의 관심은 80-60년대에 더욱 절실하게 나타났다. 5세기 기원전 이자형. 이러한 초상화에서 개인의 유사성을 전달하려는 첫 번째 시도를 포착할 수 있습니다 1 . 그러나 앞서 언급한 바와 같이 고전의 성숙기에는 이러한 경향이 일시적으로 발전하지 않았다.

5세기 말과 4세기 전반의 그리스 초상화의 진화에서. 기원전 이자형. 이 시대 예술 발전의 일반적인 성격에 해당하는 두 가지 경향을 알 수 있습니다. 형식적으로 고전의 전통을 이어가는 이상적인 초상화의 선은 Silanion의 작품에서 가장 생생하게 표현됩니다. 로마 사본으로 우리에게 내려온 그의 초상화는 다소 엄격한 그래픽 실행 방식과 비 유적 솔루션의 이상화 무감각 함으로 구별됩니다.

그 경향에서 더 유익한 것은 Alopeka의 Demetrius의 작업이었습니다. 그는 더 결정적으로 개별화 된 초상화 유사성의 요소를 초상화에 도입하기 시작했습니다. 그러나 데메트리우스는

1 이 문제는 O. F. Waldgauer가 처음 제기했습니다. 사실, 그는 항상 정확하게 귀속되는 기념물이 아닌 그의 관찰을 뒷받침했습니다. 최근 몇 년 동안 동독의 고대 학자 Dr. W. Zinderling에 의해 새로운 자료와 더 정확한 속성을 기반으로 개발되었습니다.

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묘사되는 사람의 개별적인 특징, 머리 구조의 특징적인 독창성, 주어진 개성의 외모의 유기적 특징이 아니라 인간 얼굴의 이상적인 구성에서 약간의 편차로 인식 가능 묘사 된.

4세기의 다른 거장들의 여러 초상화. 기원전 이자형. 이미지의 초기 기반으로서의 이상이라는 오래된 개념에서 완전히 벗어나는 것이 아직 수행되지 않았다고 믿을만한 이유를 제공합니다. 어쨌든 Demetrius에서 아마도 초상화의 개발 라인은 심리적으로 더 구체적이고 물론 물리적으로 원본과 더 유사합니다.

얼마 전까지만 해도 초상화가 데메트리오스의 작품의 구체적인 특징에 대한 아이디어가 있다고 가정할 수 있었습니다. 철학자 Antisthenes의 머리는 그의 작품에서 늦은 사본으로 존경 받았습니다. 현대 고대의 성공은 이러한 확신을 반박했으며 이제 우리는 이 거장의 스타일에 대한 충분한 아이디어를 제공하는 작품이 없습니다. 보편적이지 않고 더 개별화 된 영적 상태 인 인간 영혼의 움직임의 일반화 된 전송 문제가 처음에는 초상화가 아니라 기념비적이고 기념적인 조각품에서 해결되었을 가능성이 큽니다. 인간 조건에 대한 새로운 이해가 가장 깊고 가장 강력하게 표현된 것은 스코파스의 작업에서였으며, 이는 기원전 4세기 예술의 중요한 특징이 되었습니다. 기원전 이자형.

후기 고전의 진화 연구에서 근본적으로 중요한 것은 Tegea의 Athena Alei 사원 페디먼트에서 보존된 전사 머리 조각입니다. 이 파편들은 그 수치가 날카롭고 신속하게 바뀌었다고 믿을 만한 이유를 제공합니다. 어느 정도 페디먼트 구성의 가능한 동적 강도에 대한 아이디어는 Bassae의 Apollo 사원에서 "Centauromachy"장면을 사용한 이전 부조에 의해 우리에게 제공됩니다. 그러나 Scopas는 Bassae 사원의 프리즈 마스터의 특징적인 형태의 잔인한 무거움에서 자유롭지 않습니다. 그는 투쟁의 물리적 측면의 가혹하고 무자비한 표현력이 아니라 영웅의 영적 상태를 시적으로 전달하는 데 관심이있었습니다. 한심하게 던져진 뒷머리의 성급한 축소, 불안한 드라마로 가득 찬 빛과 그림자의 반점의 강력한 플레이, Scopas의 Tegean 머리의 특징은 성숙한 고전 예술의 전임자가 있었다고 말해야합니다. Acropolis 조각품의 개별 조각에서 이미 유사한 것이 추측되었으며 이미 고전 예술 발전의 후속 단계에서 혼란스러운 Euripides 드라마를 예상하는 메모가 포함되어 있습니다. 그러나 아크로폴리스 조각의 전체적-조화적 앙상블에서 여기저기서만 뚫고 나온 것이 여기에서 지배적인 모티프가 된다.

이오니아 출신인 스코파스는 다락방이 아니라 5세기 아르고스-시키온 학파와 관련이 있었습니다. 기원전. Tegean 페디먼트의 전사 머리는이 전통에 대한 감각을 분명히 제공합니다. 강하게 지어진 입방체의 머리, 꼭 맞는 머리카락, 명확한 건축 학적 형태의 표현은 Polikleitos의 예술로 거슬러 올라갑니다. 그러나 힘든 경기

chiaroscuro, 뒤로 던져진 머리의 날카로운 단축법은 Polikletov 작품의 안정적인 건축학을 파괴합니다. 영웅적인 노력에서 발견되는 조화의 아름다움이 아니라 충동 그 자체의 극적인 아름다움, 광란의 투쟁이 스코파스 이미지의 본질적인 기반이다.

이러한 머리 속에서 스코파스는 열정과 경험의 힘을 이전 시대의 미학적 윤리적 이상인 감정 지배의 원칙을 위반하여 전체의 명확한 조화를 파괴하는 힘으로 인식하는 것 같다. 부상당한 전사의 뒤로 던져진 머리의 빠른 회전, chiaroscuro의 날카 롭고 불안한 플레이, 슬프게 아치형 눈썹은 기원전 5 세기에 알려지지 않은 이미지를 제공합니다. 기원전 이자형. 열정적 인 파토스와 경험의 드라마. Scopas는 명확한 플라스틱 형태의 순도와 볼륨의 점진적인 전환을 위반하여 빛과 그림자의 하이라이트 플레이에 끊임없이 깜박이는 강도를 도입할 뿐만 아니라 머리 모양의 구조적 관계의 자연스러운 조화를 위반합니다. 따라서 초 섬모 아치의 윗부분은 마치 고통스러운 긴장의 노력으로 콧대에 수렴하는 반면 안구 아치의 윗부분은 중앙에서 흩어져 당황하고 고통받는 사람을 전달합니다. 상처받은 영웅의 모습.

형식에 익숙한 시청자에게 사실주의 XIX XX 세기 동안 그러한 기술은 너무 형식적이고 추상적으로 보일 수 있습니다. 고전주의 이미지의 조화로운 선명도에 익숙한 그리스인들에게 이 디테일은 플라스틱 형태의 조형적 사운드를 변화시킨 중요한 예술적 혁신으로 인식되었습니다. 사실, 5세기의 침착하게 "보이는" 조각상으로부터의 전환입니다. 기원전 이자형. 특정 감정적 영향을 전달하는 "보기", 즉 일반적인 마음 상태에서 경험으로의 전환은 근본적으로 중요했습니다. 본질적으로 세상에서 사람의 위치에 대한 다른 이해, 미적 반성과 성찰의 가치가 있다고 여겨지는 그의 존재 측면에 대한 다른 생각이 여기에서 태어났습니다.

스코파스(Scopas)가 만든 매나드(maenad)의 이미지는 아름다운 앤티크 레플리카에 보존되어 새로운 아름다움을 표현합니다. 이전의 이상성숙한 고전. Dionysian 엑스터시에 사로 잡힌 maenad의 춤은 신속합니다. 그녀의 머리는 뒤로 젖혀지고 무거운 파도에 뒤로 던져진 머리카락은 어깨에 떨어지고 짧은 튜닉의 날카롭게 구부러진 주름의 움직임은 신체의 폭풍우 충동을 강조합니다 . 시공간에 전개되는 복잡한 이미지는 더 이상 하나의 주요 관점에서 완전히 인식될 수 없습니다. 형태의 모든 3차원 볼륨에 대해 항상 하나의 주요 관점이 지배하는 성숙한 고전 작품과 달리 조각상이 디자인되었으며 작품의 명확하고 전체적인 조형적 의미가 최고의 완성도를 자랑하는 스코파소프 매나드는 모든 관점에서 일관된 고려를 포함합니다. . 이미지가 형성되는 것은 그 전체에서만입니다.

왼쪽에서 보면 거의 벗은 몸의 아름다움과 빠른 위아래로 움직이는 탄력이 특히 선명하게 드러난다. 풀 페이스 인 스프레드

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그녀의 손, 그녀의 키톤 주름의 자유로운 움직임, 격렬하게 던져진 뒷머리에서 매나드의 황홀한 상승 버스트의 매력이 드러납니다. 오른쪽의 관점에서, 머리를 뒤로 당기는 것처럼 떨어지는 머리카락의 무거운 대걸레에서 매나드의 충동이 고갈되는 것을 느낄 수 있습니다. 끈끈하게 흐르는 키톤의 주름은 보는 이의 시선을 뒤에서 바라보는 최종 시점으로 이끈다. 완성된 점프와 피로라는 주제가 여기에서 지배적입니다. 그러나 뒤에서 우리는 흐르는 머리카락과 함께 직물 주름의 빠른 움직임의 시작을보고 왼쪽 관점으로의 전환으로 이어지고 다시 우리는 부활하는 강렬하고 격렬한 엑스터시를 느낍니다. 매나드.

Scopas의 이미지는 초상화가 아니며 개별 특성을 가지고 있지 않습니다. 그들은 여전히 ​​고전적으로 보편적이며 사람의 이미지와 운명에서 중요한 것을 표현합니다. Skopas가 영웅의 이미지에 구현 된 인간의 본질에 대한 이해에 도입 한 중요한 변화에 주목하는 것이 더욱 중요합니다.

그것으로 고대 예술은 결정적인 선명도와 안정된 상태의 순수성을 잃지 만 다른 한편으로는 극적인 발전력을 얻습니다. 매나드(maenad)를 묘사한 그리스 시인이 그 내면의 정신을 너무나 표현적으로 표현한 이미지, 우리 눈앞에 펼쳐지는 이미지의 삶에 대한 느낌이 있습니다.

Parian 돌 - Bacchante. 그러나 돌을 주었다
영혼 조각가,
그리고 술에 취한 듯 벌떡 일어나 춤을 추었다.
미친 듯이 죽은 염소로 이 ​​피아다를 만든 후,
당신은 우상화된 끌인 스코파스 1로 기적을 행했습니다.

고대 기념비 예술의 진화에서 중요한 위치는 Halicarnassus에 세워진 Mausolus 왕의 건축 무덤에 대한 Scopas의 조각 작업이 차지했습니다. 조각 이미지의 복잡한 계층 구조에서 구조의 피라미드 지붕 꼭대기를 장식하는 Mausolus와 그의 아내 Artemisia의 거대한 대리석 조각상이 구성의 지배적 위치를 차지했습니다. 헬레니즘 군주 동상의 웅장한 대표성은 여전히 ​​\u200b\u200bMasolus 동상과는 거리가 멀다는 것을 인정해야합니다. Mausolus의 얼굴은 절제된 위엄과 거의 슬픈 사려 깊음으로 가득 차 있습니다. 동시에 이 작품은 그 자체로 나중에 페르가몬 학파에서 발전하게 될 기념비적인 극적인 힘의 미묘한 특징을 담고 있습니다.

최고 예술적 가치앙상블에는 Amazonomachy 전용 프리즈 부조가 있습니다. Skopas와 함께 Timothy, Briaxis 및 젊은 Leohar가 제작에 참여했습니다. Scopas가 만든 부조는 다른 작가의 작품과 구별하기가 매우 쉽습니다. 따라서 Timothy가 만든 프리즈의 일부는 과체중 무거움이 특징입니다. 그들은 Bassae에있는 Apollo 사원의 부조를 다소 연상시킵니다. 비교적 잘 보존되지 않은 Leohar의 프리즈는 조각 형태의 무기력과 함께 특정 연극 운동과 불안한 그림 같은 구성이 특징입니다.

Scopas가 만든 슬래브는 프리즈의 리본처럼 펼쳐지는 공간 환경에서 인물의 자유로운 배치로 표시됩니다. 특히 사투를 벌이는 인물들의 극적인 충돌의 날카로움, 리드미컬한 대비의 예상치 못한 강렬함, 생동감 넘치는 조형의 웅장한 조형은 감탄을 자아낸다. 프리즈의 구성은 필드 전체에 그룹을 자유롭게 배치하여 무자비한 전투라는 주제를 매번 새로운 방식으로 반복합니다. 특히 표현력이 풍부한 것은 그리스 전사가 방패를 앞으로 밀고 뒤로 기대는 날씬하고 반쯤 벗은 아마존을 공격하는 안도감입니다. 다음 편에서는 치열한 승부를 펼칠 동기가 커질 것으로 보인다. 약한 손을 가진 타락한 아마존은 타락한 처녀를 무자비하게 끝내는 전사의 공격을 격퇴하려고합니다. 다른 그룹에서는 한 손으로 방패를 잡고 다른 손으로 치명타를 가한 격렬하게 빠른 아마존의 맹공격에 저항하려고 뒤로 기대는 전사를 비교합니다. 양육하는 말을 타고 질주하는 기수의 움직임의 모티브도 눈에 띕니다. 그녀는 앉아서 뒤돌아 그녀를 쫓는 적에게 다트를 던집니다. 달아오른 말은 움츠러드는 전사를 거의 뛰어넘을 뻔했다. 반대 방향의 움직임의 날카로운 충돌, 예상치 못한 변화, 동기의 뚜렷한 대조, 불안한 빛의 섬광 및

1 글라브크. 바캉테에게. - In: "Greek Epigram", p. 176.

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그림자, 그리스 전사의 힘과 아마존의 신속함의 표현적인 병치, 가벼운 키톤의 떨림, 어린 소녀의 알몸을 반쯤 드러내는 것-이 모든 것이 내부 대조로 가득 찬 특별한 드라마를 만듭니다. 일관된 그림을 시간.

Halicarnassus 프리즈의 구성 개념을 Great Panathenaic의 프리즈와 비교하는 것이 유익합니다. 파르테논 프리즈에서 운동은 처음부터 행렬의 그림에서 절정에 이르는 회전을 통해 행렬을 준비하는 처음부터 엄숙하게 움직이는 나머지 올림픽 신들에서 끝까지 발전합니다. 즉, 움직임의 주제가 소진되고 완성되며 프리즈의 구성이 완전한 전체의 인상을줍니다. "Amazonomachia"는 극명하게 대조되는 반대, 갑작스러운 일시 중지, 날카로운 움직임의 리듬이 특징입니다. 보는 사람의 시선 앞에는 시작도 끝도없는 치열한 투쟁에 휩싸인 영웅들의 빠른 회오리 바람이 지나간다. 이미지의 미적 표현력의 기초는 인상의 극적인 열정, 매우 끓는 움직임의 아름다움입니다. 조각과 건축의 통합에 대한 피디아스와 스코파스의 이해도 크게 다릅니다. 대형 Panathenaic의 프리즈는 그대로 벽 주위를 조용히 흐르고 평면에서 펼쳐지며 건축 용적 표면의 결정질 선명도를 유지합니다. Scopas에서 빛과 그림자의 날카로운 섬광, 빠른 단축법(벽을 밀어내기 위해 비스듬히 배치된 방패)은 프리즈의 인물이 사는 진동하는 공간 환경을 만듭니다. 조각은 건축의 명확한 형태에 대한 고전적인 전형적인 플라스틱 종속을 포기하기 시작합니다. 마치 얇은 층으로 벽을 감싸듯이 빛과 그림자의 깜박임이 스며드는 자신의 환경을 만들어 자신의 삶을 살기 시작하는 것 같습니다.

동시에 건축과의 새로운 유형의 연결이 이루어지고 있습니다. 더 큰 공간적 자유는 더 큰 그림 같은 형태의 장식성과 결합됩니다. 따라서 부조는 건축 전체의 역동적이고 그림 같은 외관과의 감정적 연결만큼 건설적이지 않은 특별함을 얻습니다. 따라서 합성의 붕괴에 대해 이야기하는 것은 시기상조입니다. 오히려 우리는 건축의 성격이 다르고 조각 작업에 대한 이해가 다르기 때문에 새로운 유형의 종합에 대해 이야기해야 합니다. 어쨌든 Scopas는 "Amazonomachy"를 공통 전체에 도입하고 독립적 인 예술적 삶의 공개를 훌륭하게 결합합니다.

Scopas의 작업에 정신적으로 가까운 것은 Attica에서 온 청년의 묘비입니다. 특히 4세기에 도입된 새로운 것을 명확하게 구현하고 있다. 기원전 이자형. 기념 예술의 진화에서. 거의 원형으로 제작된 이 부조는 일찍 세상을 떠난 청년과 산 사람들 사이에 남아 슬퍼하며 그를 바라보는 큰 아버지 사이의 조용한 대화를 드러낸다. 제단에 기대어 있는 벌거벗은 젊은 육체의 지치고 편안한 리듬이 표현력이 뛰어납니다. 가벼운 반투명 그림자가 그의 위를 미끄러지듯 지나갔고, 두터운 팔에는 무거운 망토가 걸려 있었다. 눈물을 흘리는 소년이 발밑에서 잠이 들었고 그 옆에는 사냥개가 그를 떠난 주인의 흔적을 열렬히 냄새 맡았습니다. 애절한 얼굴에 손을 얹은 노인의 움직임은 절제된 비극으로 가득 차 있다. 모든 것이 깊은 연관성으로 가득 찬 비 유적 분위기를 형성하며, 아버지 복장의 흐느끼는 리듬의 절제된 드라마는 구성을 지배하는 청년 인물의 플라스틱 형태의 부드럽고 넓은 애가에 의해 조절됩니다.

이미지의 높은 시, 그 윤리적 힘은 절망과 슬픔을 고전적인 묘비의 전통인 명확한 슬픔으로 바꾸는 데 있습니다. 이 이미지의 인간성은 깊고 슬프고 현명하게 죽음과 화해합니다. 그러나 스코파스와 5세기 거장들의 차이. 기원전 이자형. 경험이 더 개인적으로 채색되고 더 극적으로 복잡해지며 달성 된 카타르시스 (고통을 통한 공포와 공포로부터의 정화)가 더 간접적이고 덜 직접적으로 제공된다는 사실로 표현됩니다. 동시에, 이 부조에서 개별 연관 내러티브 세부 사항(잠자는 소년, 개 등)은 인상의 통일성을 파괴하지 않고 전체의 즉각적인 활력을 향상시킵니다. 후기 고전의 또 다른 거장인 프락시텔레스의 작품은 스코파스의 작품과 크게 달랐습니다. 세련된 조화, 절제된 사려 깊음 및 서정시의 정신으로 가득 차 있습니다. 복잡하게 모순된 시대정신을 드러내기 위해서는 두 조각가의 예술이 동등하게 필요했다. Skopas와 Praxiteles는 모두 인간 영혼의 내면 상태, 인간 감정을 드러내는 다양한 방식으로 예술을 창조합니다. Praxiteles의 작업에는 조화롭게 발전하고 이상적으로 아름다운 사람의 이미지가 구현됩니다. 이런 점에서 그는 스코파스보다 성숙한 고전의 전통과 더 직접적으로 연결되어 있는 것 같다. 그러나 Scopas의 예술과 마찬가지로 Praxiteles의 예술은 그리스 예술 문화 발전의 질적으로 새로운 단계입니다.

Praxiteles의 작품은 5 세기의 창조물보다 정신 생활의 음영을 전달하는 데있어 더 큰 우아함과 더 정교함으로 구별됩니다. 기원전 그러나 그의 이미지는 덜 영웅적입니다. Praxiteles의 작품을 "Discobolus"및 "Dorifor"뿐만 아니라 Parthenonian Cephalus와 비교하면 이것을 확신합니다. Praxiteles의 예술적 언어의 독창성은 그의 초기가 아니라 여전히 5 세기에 가깝습니다. 기원전 이자형. 작품("포도주를 붓는 사티로스"), 그리고 4세기 중엽으로 거슬러 올라가는 성숙한 것들. 기원전 이자형. 로마 대리석 사본으로 우리 시대에 내려온 휴식하는 사티로스입니다.

어린 사티로스 조각가는 아무렇지도 않게 나무 줄기에 기대어 있는 모습으로 묘사됩니다. 몸의 미세한 모델링, 표면에서 미끄러지는 그림자는 숨쉬는 느낌, 삶의 경외감을 만듭니다. 두터운 주름으로 어깨 너머로 드리워진 살쾡이 가죽은 부드러운 온기를 발산한다. 깊은 눈은 꿈결처럼 먼 곳을 바라보고 부드럽고 사려 깊은 반 미소가 입술에 미끄러지며 오른손에는 방금 연주 한 플루트가 있습니다. S자 모양의 굴곡이 특징입니다. 마스터의 관심을 끄는 것은 플라스틱 구조의 구조적 선명도가 아니라 절묘한 유연성과 움직임의 행복입니다. 마찬가지로 중요한 것은 세 번째 받침점을 사용하는 것입니다.

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편안한 행복에 빠지면서 인체의 상태를 전달할 수있게 해주는 Praxiteles의 가장 좋아하는 기술입니다. 높은 고전의 주인은이 기술을 알고 있었지만 거의 사용하지 않았으며 일반적으로 다른 목적으로 사용했습니다. 따라서 "Wounded Amazon"의 주인은 부상당한 여성이 추가 지원 지점을 찾도록 강요하면서 점점 약해지는 느낌을 절제된 방식으로 전달하기 위해 세 번째 지원 지점을 도입합니다.

성숙한 고전의 영웅적인 파토스는 일반적으로 위업을 달성 할 준비가 된 활력이 넘치는 사람의 이미지 생성으로 표현되었습니다. Praxiteles에게 미학적 이상은 완전한 행복을 누릴 수 있고 휴식의 상태에 있는 사람의 이미지입니다. 유아 Dionysus와 함께 그의 Hermes입니다. 프락시텔레스의 이 작품은 분명히 후기 그리스 거장의 일류 복제품이나 프락시텔레스 자신이 직접 만든 진짜 대리석(현재 올림피아 박물관에 있음)으로 우리에게 전해졌습니다.

그녀는 무심코 나무 줄기에 기대어 있던 헤르메스를 묘사합니다. 들어 올린 오른손에는 포도 다발을 들고 있는 것 같습니다(손이 없음). 왼팔에 앉은 아기 디오니소스가 그녀에게 손을 뻗는다. 동상은 자유로운 휴식 자세에있는 인물의 전체 내부 에너지의 우아한 움직임으로 구별됩니다. 조각가는 이상적으로 아름다운 헤르메스의 얼굴에 절제되지만 깊은 영성을 표현했습니다. 동시에 Praxiteles는 대리석에 숨겨진 능력을 미묘하게 사용하여 빛과 그림자의 부드럽고 반짝이는 플레이, 최고의 질감 뉘앙스를 만듭니다. 주인은 또한 헤르메스의 강한 모습의 움직임의 모든 고귀함, 근육의 탄력적 유연성 및 신체 표면의 약간의 반짝임, 컬의 그림 같은 그림자 놀이, 눈의 광채를 전달합니다.

Praxiteles 예술의 본질을보다 완벽하게 이해하려면 청동 원본 "Apollo Saurocton"에서 우리에게 내려온 로마 대리석 사본, 즉 Apollo가 도마뱀을 죽이는 것이 중요합니다. 벌거 벗은 청년의 우아한 모습에서 나무에 기대어 몸통을 따라 미끄러지는 도마뱀을 뾰족한 갈대로 겨냥하는 것은 그의 오만한 개입으로 미리 결정된 신성한 영웅 Python을 쓰러 뜨린 강력한 신을 인식하기 어렵습니다. 니오베의 아이들을 죽인 무자비한 복수 자 켄타우로스에 대한 그리스인의 승리. 이것은 이것이 전자의 강력한 장르화의 일종의 암시화 및 장르화임을 나타냅니다. 신화 이미지. 이 예술적 과정은 또한 예술 자체의 예술적, 미학적 가치가 지금까지 일반적인 신화적 사상의 세계와 폴리스의 대중 숭배와의 완전한 연결로부터 점점 더 분리되는 것과 관련이 있습니다. 그러나 VI-V 세기의 조각상이라고 가정해서는 안됩니다. 기원전 이자형. 따라서 객관적으로 예술적이고 비유적인 내용을 박탈당했습니다. 미학적 완벽함과 함께 당시의 모든 창조물은 그러한 가정을 거부합니다. 우리는 5 세기 말부터 사실에 대해서만 이야기하고 있습니다. 기원전 이자형. 예술의 독자적인 미적 가치는 예술가에 의해 더욱 분명하게 실현되고 점차 예술의 주요 목적으로 나타나기 시작합니다. 예술적 이미지의 본질에 대한 새로운 이해는 Cnidus의 Aphrodite 동상에서 특히 명확하게 표현되며, 컬트 목적으로 직접 만들어졌으며 많은 로마 복제품에서 살아 남았습니다 1 . "거품으로 태어난" 아프로디테의 모티프(바다에서 여신이 출현하는 마술 행위는 "루도비시의 왕좌"의 주인에 의해 묘사됨)는 여기에서 옷을 벗어던진 아름다운 여성의 모티프로 변형됩니다. 옷을 입고 물에 들어갈 준비를 합니다. 물론 벌거 벗은 여성의 몸은 이전에도 조각가들의 관심을 끌었지만 컬트 캐릭터의 조각상에서 처음으로 벌거 벗은 여신이 묘사되었습니다. 동상의 혁신적인 특성은 그의 동시대 사람들에게 약간의 당혹감을 불러일으켰습니다. 따라서 Pliny는 창조의 역사를 다음과 같이 설명합니다. 금성, 그러나 하나는 옷으로 덮여 있었고, 선택할 권리가 있는 코스의 주민들이 선호했습니다. Praxiteles는 두 동상에 대해 동일한 가격을 지정했지만 Kos의 주민들은이 동상이 심각하고 겸손하다는 것을 인식했습니다.

Cnidus의 Aphrodite는 많은 반복과 모방을 일으켰습니다. 그러나 대부분의 경우, 특히 로마 제국 시대에 모방자들은 아프로디테에서 아름다운 여성 신체의 관능적 이미지만을 보았습니다. 그들은 Praxiteles의 작품에서 드러난 인간의 아름다움의 완벽함에 대한 감탄에 접근할 수 없었습니다. 따라서 Praxitelean 이미지의 영향으로 그리스인이 만든 동상은 큰 가치가 있습니다. 그들은 후기 고전과 초기 그리스 헬레니즘의 예술적 언어의 시적 매력과 미묘함을 느낍니다. 아프로디테의 나폴리 몸통과 푸쉬킨 주립 미술관에 위치한 매력적인 여성 몸통이 있습니다. Taranto의 박물관에서 Praxiteles와 가까운 마스터가 만든 시적이고 몽환적인 흥분과 그림 같은 모델링의 부드러움으로 매력적인 Aphrodite 또는 Artemis의 머리는 확실히 Praxiteles 예술의 전통과 관련이 있습니다.

일반적으로 Praxitele의 예술의 매력은 엄청납니다. 헬레니즘과 로마 제국 시대에 Gleb Uspensky가 너무 조심스럽게 말한 차가운 장식적이고 에로틱 한 동상의 제작자가 그의 유산에 호소했다는 사실에도 불구하고 그 가치는 부인할 수 없습니다. Praxiteles 자신의 작업에서 세련된 우아함과 꿈결이 이미지의 관능적 조화와 결합하여 이러한 인간적 특성의 일종의 즐겁고 생생한 균형을 이룹니다. Praxiteles 이미지의 영적 시와 서정성은 작은 조형 예술에 큰 영향을 미쳤습니다. 따라서 Praxitelean 예술계에 속하는 Gabia의 Artemis 동상을 망토에 싸인 매력적인 Tanagra 조각상과 비교하는 것으로 충분합니다. 겸손한 주인의 작품에서,

1 1970년 대영 박물관 창고에서 부분적으로 보존된 대리석 머리가 발견되었으며 사원 부지의 Knida에서 발견되었습니다. 아마도 이것은 진짜 동상의 조각일 것입니다.
2 플리니. 예술에 관하여, XXXII, 20. Odessa, 1919, p. 75.

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이름이 알려지지 않은 Praxiteles의 예술 전통은 오랫동안 계속되었습니다. 4세기 중반과 후반의 여러 작품에서 c. 기원전 이자형. Praxiteles와 Scopas의 영향은 특이하게 얽혀 있습니다. 그 중 절제된 사려 깊음이 매력적인 Tegea (Athens, National Museum)의 소위 "Gygea"의 머리를 골라야합니다. Praxiteles에 덜 가깝습니다 (기원전 5 세기의 전통을 반영 함)는 4 세기의 몇 안되는 청동 원본 중 하나 인 아름다운 Athena 동상입니다. 기원전 e., 1959년 Piraeus에서 발견됨.

IV 세기 유산의 특별한 장소. 기원전 이자형. 두 개의 웅장한 청동상이 차지하고 있습니다. 그들 중 하나-마라톤 근처에서 발견 된 청년 동상은 Scopas 동상의 엄청난 비율과 Praxitele 서클 동상 움직임의 절제된 표현력과 부드러움을 결합합니다. 이것은 우리에게 이름이 알려지지 않은 밝고 창의적인 성격의 작품입니다. 조각상은 표면의 부드럽게 반짝이는 질감과 함께 당시 그리스 청동 원본의 특징을 구성하는 신체 움직임의 자유로운 유연성과 구조의 선명도의 독특한 조합에 대한 생생한 아이디어를 제공합니다. 청년 얼굴의 밝은 사려 깊음과 고개를 돌리는 절제된시에서 Praxiteles의 영향이 느껴지면 Antikythera의 "Ephebe"라는 또 다른 동상에서 절제된 가소성 에너지, 상대적인 거대 함이 느껴집니다. 신체 비율 그 자체, 청년 시선의 숨겨진 파토스에서 우리는 Scopas 전통의 영향을 더 직접적으로 인식합니다.

Scopas와 Praxiteles의 작품에서 4 세기 전반과 중반의 예술이 직면 한 과제는 가장 완벽한 해결책을 찾았습니다. 기원전 이자형. 그들의 작업은 성숙한 고전 예술의 원리와 연속적으로 연결되었습니다. 세기 후반, 특히 마지막 1/3의 예술 문화에서 고전 전통과의 연결은 덜 직접적이고 부분적으로 손실됩니다. 이 기간 동안 예술의 이상화 라인은 4 세기 초에 강화됩니다. 기원전 이자형. Kefisodot의 작업에서 느껴졌습니다. 동시에 Scopas와 부분적으로 Praxiteles의 경험에 대한 재고를 통해 변화된 삶의 조건에 상응하는 새로운 유형의 사실적인 예술을 형성하는 과정은 인본주의적이고 사실적인 기반의 발전에서 근본적으로 다른 단계입니다. 고대 예술의, 일어나고 있습니다.

이상화 방향의 가장 일관된 예술은 Alexander the Great의 궁정 예술가 중 한 명이 된 Skopas의 젊은 동시대 인 Athenian Leoxapa의 작업에서 드러납니다. 대표 예술에 대한 새로운 요구를 가장 완벽하게 충족시킨 사람은 바로 그 사람이었습니다. 그래서 그는 Philippeion을 위해 마케도니아 왕조의 왕들의 크리소코끼리 조각상 시리즈를 만들었습니다. 마케도니아 군주제를 찬양하는 데 전념하는 Leohar의 작품 스타일에 대한 아이디어는 Alexander the Great의 영웅화 된 누드 인물의 로마 사본에 의해 제공됩니다.

Leohar의 가장 완벽한 예술 프로그램은 Apollo Belvedere 1의 유명한 동상에서 드러납니다. Leochar의 동상은 이상적인 체형과 이미지의 의식적인 인상에 대한 열망의 조합으로 구별됩니다. 그림에는 성숙한 고전의 이미지에는 없었던 의도적으로 선택된 화려한 "태도"의 순간이 나타나며 자연스럽게 자유로운 영웅적 힘에 제약을받지 않습니다. 또한 고전의 전통에 이질적인 것은 헤어 스타일의 고의적 화려 함과 오만한 머리 회전입니다. 이전에 Apollo Kifared 또는 Apollo Musagete의 이미지, 즉 거문고를 연주하거나 사제 클라미스를 입거나 뮤즈 합창단을 이끄는 유사한 헤어 스타일이 사용되었습니다. 벌거 벗은 아폴로 영웅의 이미지에서 그러한 헤어 스타일은 거의 없을 것입니다.

당대 문화의 가장 깊은 요구를 미학적으로 표현한 대가는 리시포스였다. Lysippus의 창의성의 현실적인 기반은 고전주의의 숭고한 인본주의의 예술적 원칙과 크게 다릅니다. 많은 중요한 차이점이 그의 직계 전임자 인 Scopas 및 Praxiteles의 작업과 마스터를 구분하지만 그의 경험은 광범위하게 마스터하고 재 작업했습니다. 과도기의 거장 리시포스는 후기 고전의 흐름을 완성했고, 헬레니즘 예술에서 적절한 사실적 선택의 원칙을 발견했다.

그의 작업에서 Lysippus는 인간 경험의 내면 세계와 일부 개인화를 드러내는 문제를 해결했습니다. Lysippus는 완벽한 아름다운 사람의 이미지 생성을 예술의 주요 과제로 간주하지 않습니다. 위대한 예술가로서 그는 사회의 변화하는 상황이 6~5세기에 가졌던 이 이상의 실제 기반을 박탈했다고 느꼈습니다. 기원전 이자형. 따라서 Lysippus는 사람의 나이 특성에 관심을 갖기 시작합니다.

그 당시에는 고전적인 사람의 이미지 이상화, 차별화 된 전달에 대한 관심의 각성, 인간 캐릭터의 다양성에 대한 이해가 일반적이었습니다. 그래서 나중에 철학자이자 자연주의자인 Theophrastus는 분석했습니다. 인간형그의 책 캐릭터에서. 물론 Theophrastus와 특히 Lysippus는 여전히 성격에 대한 이해와는 거리가 멀고, 미학적으로나 심리적으로 중요하고 흥미로운 사회적으로 중요하고 흥미로운 것들이 사람들의 삶에서 드러나는 것은 기질의 개별 고유성에 있습니다. . 그럼에도 불구하고 그의 전형적으로 일반화된 이미지는 심리적 다양성에 의해 고전과 비교할 때 다릅니다. 그들은 이상적으로 조화롭고 완벽한 것보다 특징적인 표현에 더 많은 관심을 보입니다. Pliny가 증언했듯이 Lysippus가 고대인들이 사람들을 실제 그대로 묘사했고 그가 우리에게 보이는 그대로 묘사했다고 말한 것은 우연이 아닙니다.

전통적인 조각 장르의 틀을 확장하려는 Lysippus의 열망은 다른 방식으로 진행되었습니다. Lysippus는 그 드문 범주의 주인에 속했습니다.

1 동상의 청동 원본은 보존되지 않았으며 로마 시대의 매우 높은 품질의 대리석 사본이 살아 남았습니다. 르네상스 시대에 발견되어 바티칸의 벨베데레(Belvedere)를 장식했으며, 그 덕분에 그 이름이 유래되었습니다.

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복잡하고 과도기적인 시대, 그 작업에는 서로 다르고 이질적인 경향이 얽혀 있습니다. 따라서 사람에 대한보다 직접적인 삶의 인식이 담긴 작품과 함께 Lysippus는 넓은 지역을 장식하기위한 기념 기념비 조각상을 만드는 역할도합니다. 고대에는 인간의 규모에 맞지 않는 거대한 조각품 (로도스의 거상)의 헬레니즘 시대의 출현을 예상하면서 우리에게 내려 오지 않은 20 미터 제우스 동상이 유명했습니다. 일반적으로 고전과는 거리가 먼 초자연적 웅장 함과 이미지의 힘에 대한 그 시대의 미적 욕망은 공학 및 수학적 지식의 성장과 관련하여 실현 될 기회를 얻었습니다. 이와 관련하여 Pliny의 발언은 특징적이며 Zeus Lysippus 동상에서 "그들이 말했듯이 손으로 움직일 수 있고 폭풍이 흔들릴 수 없다는 것이 놀랍습니다. 이것이 계산입니다. 그것의 균형” 1 .

Lysippus는 여러 형상의 기념비적 구성을 만들었습니다. 25 명의 승마 인물로 구성된 유명한 그룹 "Granicus 전투의 Alexander"입니다. 이 구성은 Aeschylus가 비극 The Persians에서 그의 시대에했던 것처럼 현대 주제를 더 이상 신화화 된 방식으로 해석하지 않고 일종의 이상화되고 영웅화되었지만 매우 실제적인 사건으로 해석했을 가능성이 큽니다. 이 구성의 가능한 특성에 대한 몇 가지 아이디어는 4-3 세기 전환기에 제공됩니다. 기원전 이자형. 소위 "알렉산더의 석관". 다색 부조는 양육하는 말에 앉아있는 알렉산더 대왕이 폭풍우 같은 움직임과 에너지로 가득 찬 구성으로 묘사되는 사냥 장면을 묘사합니다.

동시에 Lysippus는 사적인 미적 소비의 대상이며 공개 도메인을 구성하지 않는 방 크기의 인형 제작에도 관심을 기울였습니다. 알렉산더 대왕이 사랑했던 앉은 헤라클레스의 테이블 입상도 마찬가지였습니다.

그러나 Lysippus 작업의 가장 가치있는 측면은 바로 인간 이미지에 대한 새로운 이해가 반영된 그의 작업입니다. 그것은 상당히 믿을만한 로마 대리석 사본으로 우리에게 내려온 Apoxyomenes의 청동상에서 가장 완벽하게 드러났습니다. 청년은 긁는 도구와의 투쟁 중에 몸에 붙은 모래를 청소하는 순간을 묘사합니다. 동상에서 선수가 경험한 스트레스 이후에 휩싸인 긴장된 피로의 그늘을 짐작할 수 있습니다. 이미지에 대한 이러한 해석은 고급 고전 예술의 전통과 결정적으로 결별합니다. 이미지의 숭고한 영웅주의를 약간 상실한 대가로 Lysippus는 영웅의 감정 상태에 대한보다 직접적인 인상을 전달할 기회를 얻습니다.

그러나 마스터는 일반화 된 이미지 생성을 거부하지 않으며 Apoxyomenos의 얼굴은 초상화 이미지가 아닙니다. 일반적으로 현대적 의미의 개별화는 여전히 부족합니다. 그러나 Lysippus는 내면의 평화와 안정적인 균형에 관심이 없으며 영웅적인 노력의 정점이 아니라 과도기적 상태와 분위기의 복잡한 음영에 관심이 있습니다. 이것은 또한 동상의 리듬의 복잡성을 결정합니다. 공간에 자유롭게 배치된 청년의 모습은 말하자면 불안정하고 변화무쌍한 움직임으로 스며든다. Scopas보다 훨씬 더 Lysippus는 영웅의 과도기적 움직임과 상태의 모든 변화를 전달하기 위해 조각에 대한 다양한 관점을 결합합니다. 단축법과 회전은 움직임의 모든 새로운 표현 음영을 드러냅니다. 일부 주요 관점이 항상 지배하는 성숙한 고풍 및 고급 고전과 달리 Apoxyomenos에서는 각각이 중요하며 전체 인식에 본질적으로 새로운 것을 도입합니다. 동시에 안정성, 구성 격리로 구별되는 관점은 없지만 점차 다른 관점으로 흘러갑니다.

전면적인 관점에서 앞으로 뻗은 팔은 조각상과 관람자 사이의 공간적 환경을 예술적 이미지의 삶에 적극적으로 참여시킬 뿐만 아니라, 말하자면 관람자를 인물 주위로 안내합니다. . 왼쪽에서 Apoxyomenes는 더 차분하고 안정적으로 보입니다. 그러나 몸통의 반회전은 빛과 그림자의 강렬하고 쉴 틈 없는 유희로 관객을 뒤에서 바라보는 시점으로 이끈다. 이 앞으로 기울어 진 등의 움직임의 일반적인 특성은 다소 모호하고 불분명하게 "읽기"때문에 걷기를 완료 한 시청자는 오른쪽의 시점으로 이동합니다. 여기에서 등의 구부정한 부분이 갑자기 드러나고 뻗은 팔의 처짐이 신경질적으로 나른한 피로의 인상을 만듭니다. 조각상 검사는 어떤 관점에서든 역순으로도 시작할 수 있지만 모두 동일하게 한 관점에서 이미지의 특성이 부족하고 시청자가 한 곳에서 다른 곳으로 이동할 때 감정 상태의 변화 다른 하나는 변화하는 인식 음영의 복잡한 통일성을 통해서만 이미지를 소진시킬 수 있습니다. 환경에 대한 호소, Lysippo 조각 공간에서의 삶은 서로에게 전달되는 더 복잡한 움직임 모티프를 전달해야 할 필요성뿐만 아니라 더 차별화되고 복잡한 마음 상태 또는 영웅 행동의 본질을 표현해야 할 필요성에 의해서만 결정됩니다. 세상 속 사람의 자리를 다른 개념으로 표현한 조형적 표현이다. 인간은 더 이상 세계에 대한 영웅적 지배권을 주장하지 않으며 더 이상 안정적이고 영구적이며 확립된 본질을 소유하지 않습니다. 그는 움직이고 변할 수 있습니다. 작가는 보는 사람의 시선을 인물 자체에 집중시키고 주변 세계와 분리하고 모든 내부 에너지를 몸 자체에 집중시키려하지 않는다. 긴장으로 가득 찬 Myron의 원반 던지는 선수는 거의 침착하게 서있는 Apoxyomenos보다 자신에게 더 가깝고 기념비적으로 안정적입니다.

Lisippian 이미지가 열려 있고 사람이 주변 공간에 살고 상호 연결되어 있으며 큰 세계에서 플라스틱으로 분리 된 부분으로 나타납니다. 덜 영웅적으로 명확하지만 세상에서 인간의 위치에 대한 더 복잡한 이해의 계시는 시대의 미적 요구가 됩니다. 따라서 조각상을 감싸고 있는 빛의 환경,

1 플리니. On Art, XXXIV, 40, p. 21.

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미학적으로 중립적인 환경에서 활성화됩니다. 펄럭이는 빛과 그림자가 아폭시오메네스의 몸을 미끄러지듯 미끄러지듯 지나가고, 그늘진 눈은 진동하는 분위기를 통해 그의 얼굴을 부드럽게 감싸듯 발산합니다.

Apoxyomenos는 로마 사본에서 살아남은 앉아있는 Hermes (아마도 Lysippus 학생의 작품)의 동상에 가깝습니다. 그는 날씬한 주자로서 신의 메신저의 이미지를 제공하며 잠시 동안 쪼그리고 앉고 다시 멀리 돌진 할 준비가되어 있습니다. 동시에 강조되는 것은 보편성이 아니라 날씬한 주자 Hermes의 독창성 또는 Hercules의 무거운 힘 (로마 사본으로 내려온 "Hercules Resting")입니다.

초상화의 역사에서 Lysippus의 작업은 특별한 장소를 차지합니다. 사실, 우리가 판단할 수 있는 한, 외적 물리적 닮음의 전이에 있어서 리시포스는 특별히 멀리 가지 않았습니다. 그러나 그는 이미 묘사 된 사람의 영적 세계의 중요성, 말하자면 묘사 된 개인의 영적 파토스의 일반적인 방향을 드러내는 임무를 스스로 설정했습니다. 그의 초상화의 영웅은 Hellenes의 삶에서 중요한 위치를 차지한 사람들입니다. Lysippus에게 개성은 개별적인 고유성이 아니라 여전히 미학적으로 가치가 있습니다. 그것은 그것의 활동이 다른 사람들의 존경을 받는 중요한 무언가에 기여한 만큼만 가치가 있습니다. 이런 의미에서 Lysippus는 여전히 높은 고전에 가깝습니다. 그러나 개인의 초상화를 만들지 않고 그의 유명한 일곱 현자 시리즈의 Lysippus는 더 이상 용감한 남편 (시민 또는 일반적으로 우수한 운동 선수)을 묘사하지 않습니다. 그는 가장 일반적인 형태이기는 하지만 영웅의 성격과 영적 삶을 전달하려고 합니다. 그래서 현자 Bias의 이미지 (Lysippus의 원형으로 거슬러 올라가는 복제품이 우리에게 내려옴)에서 조각가는 깊고 집중된 생각에 몰입하는 상태를 전달합니다. 약간 기울어 진 얼굴, 거의 우울하고 자기 몰입적인 표정, 의지가 강하고 활기찬 입, 절제된 강렬한 빛과 그림자의 놀이, 강하고 넓은 헤드 볼륨 모델링-모두 지적 힘과 깊은 생각. Lysippus의 원과 연결된 Euripides의 초상화에서 입가의 쓰라린 주름, 음영 처리 된 눈의 슬픈 표정, 피곤한 얼굴에 매달려있는 머리카락에서 비극의 이미지는 정확히 다음과 같이 구현됩니다. 비극의 독자는 상상할 수 있습니다.

Lysippus의 초상화가 어느 정도 Theophrastus의 캐릭터와 병행하여 존재한다는 것은 이미 언급되었습니다. 그러나 Lysippus의 초상화는 다소 인위적으로 구성된 Theophrastus의 캐릭터에 내재 된 차갑고 추상적 인 합리주의에서 자유 롭습니다. 그의 sycophant, braggart, miser 등의 유형은 사회적 마스크와 비슷합니다. 인구의 다른 사회 집단 대표가 완전한 살아있는 캐릭터보다 받아 들일 고의적 표시 목록입니다.

Lysippus의 초상화에서 높은 고전을 가진 사람의 보편적으로 일반화 된 비 유적 화신의 특징이었던 이미지의 예술적 삶의 무결성과 유기적 특성은 아직 완전히 손실되지 않았습니다. 따라서 그의 초상화는 그대로 다음 시대의 전체적이고 개인적으로 특징적인 사실적인 초상화에 다리를 던집니다.

Lysippus는 계속해서 Alexander the Great의 초상화로 향했습니다. 군주의 조각상 초상화를 만들면서 그는 벌거 벗은 운동 선수 영웅의 전통적인 모습으로 그를 묘사했습니다. 이 모티프는 5세기에 자연스럽습니다. 기원전 즉, Lysippus 시대에 잘 알려진 이상화의 그늘을 얻었습니다. 그리스 작품의 작은 청동 복제품으로 판단할 때 이 조각상은 헬레니즘 의식 초상화의 유형을 예상했습니다. Lysippus의 기술은 초기 헬레니즘의 웅장한 대리석 복제품으로 우리에게 내려온 Alexander의 초상화 머리에서 훨씬 더 완전하게 드러났습니다. 뒤로 던져진 머리의 열정적 인 한심한 충동, 빛과 그림자의 강렬한 플레이는 Lysippus와 Scopas의 창조적 전통 사이의 긴밀한 연결에 대한 증거입니다. 그러나 Scopas와 달리 Lysippus는 영웅의 영적 삶에 대한보다 복잡한 공개를 위해 노력합니다. 그는 알렉산드로스를 사로잡은 감정의 충동을 보다 구체적이고 차별화되게 전달할 뿐만 아니라 동시에 운동 동기의 한심한 본성을 더욱 강하게 강조한다. 여기에는 후기 헬레니즘 초상화 그룹으로 이어지는 길이 있으며, 심리학의 강도가 두드러집니다(Polyeuctus의 데모스테네스). 기념비적 인 헬레니즘 예술 (Pergamon)의 아름다운 앙상블.

Lysippus는 Alexander 외모의 외부 특징을 정확하게 재현하는 작업을 스스로 설정하지 않습니다. 그러나 동시에 그는 동시대 사람들이 쓴 알렉산더 본성의 비극적 불일치를 극도로 일반화 된 형태로 표현하려고합니다. 빠르게 뒤로 젖힌 머리의 강한 의지 충동은 고통스럽게 반쯤 열린 입, 슬픔에 잠긴 이마 주름, 슬픔으로 가득 찬 그늘진 눈과 결합됩니다. 이마 위로 급히 올라온 갈기머리가 관자놀이를 타고 흘러내려 애절한 표정을 이룬다. 반대되는 열정의 대조, 오만한 충동과 비극적 혼란의 내적 투쟁은 처음으로 예술에서 그 구체화를 찾습니다. Skopas의 작업에서 시작된 영웅에 대한 시청자의 직접적인 감정적, 개인적인 공감의 순간은 여기에서 다음 개발 단계로 넘어갑니다.

세기의 마지막 3분의 1에는 Lisippo의 Alexander 이미지의 예술적 구체화와 완벽하게 동일한 초상화가 만들어지지 않았습니다. 그러나 많은 작품을 통해 초상화의 추가 진화 추세를 파악할 수 있습니다. 주먹 전사의 청동 머리(아마도 Lysippus의 형제이자 학생인 Lysistratus의 작품)는 새로운 무대 4세기 초상화의 역사에서 그 선의 발전. 기원전 e .. 물리적 유사성의 전달을 강조합니다. 거의 가혹한 정확성으로 주인은 체력의 무례함, 이미 중년의 수염 난 주먹 전사의 우울한 영적 세계의 원시성을 전달합니다. 매달린 낮은 이마, 작은 눈은 독특하고 독특합니다. 우리는 멋진 운동 선수의 이미지를 보는 것이 아니라 특정 초상화-나이와 특정 직업적 특징 (평평한 코 등)을 모두 보여주는 주먹 전투기의 특징입니다. ). 결과적으로 추한 특성은 삶에 존재하는 순간 예술적 관찰과 미학의 대상이 된다.

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일반화. 이런 식으로 주먹 전사는 5세기의 실레니와 사티로스의 일반화된 불완전함과 근본적으로 다릅니다. 기원전 이자형. 예술적 문제를 해결하기위한 그러한 접근 방식의 출현 가능성은 그의 무결성에 대한 진술로서 사람의 보편적 속성과 자질의 구체화로서 예술에 대한 고전적 이해의 소진을 나타냅니다.

그림

회화는 이전 시대보다 후기 고전 예술 문화에서 더 중요한 위치를 차지합니다. 화가들은 ​​계속해서 그녀의 예술적 언어의 특정 가능성을 점차 마스터합니다. 사실, 5세기 말과 4세기 초. 기원전 이자형. 예술가들은 여전히 ​​성숙한 고전의 전통을 따랐으며 인체의 가장 완벽한 모델링 작업에 관심을 집중했습니다. 따라서 Sicyon 학교의 예술가들은 Polykleitos에 따라 이상적으로 아름다운 인물을 구성하기 위한 비례 기반을 개발했습니다. Eupompus는 Sicyonian 학교의 창시자로 존경 받았습니다. 그의 그림 "야자나무 가지를 가진 운동 선수 우승자"는 학교의 전형적인 것으로 간주되었으며 이러한 유형의 그림의 모델로 Polyclet의 "Dorifor"처럼 사용되었습니다. 그의 학생 Pamphilus는 그림의 새로운 기능을 말하는 "뗏목 위의 오디세우스", "플 룬트 전투"및 "가족 초상화"와 같은 encaustic 기법으로 만든 그림으로 유명했습니다. 실무자뿐만 아니라 Pamphilus 학교의 이론가로서 그는 우리에게 전해지지 않은 회화 기술에 관한 논문을 썼으며 고대인의 리뷰로 판단하면 건축 원리를 입증했습니다. 완벽한 인물, 빛과 그림자를 사용하여 모델링하는 방법. 후기 고전 예술의 이상화 추세의 시작 중 하나가 Pamphilus에서 왔다고 가정하는 것이 가능합니다.

IV 세기 중반. 기원전 이자형. encaustic 기법을 사용했던 Pausius(소년, 꽃 등)의 장르적 재미가 더해진 예술이 구체화되고 있습니다. 세기의 2/4 분기에 Thebes에 회화 학교가 형성되었으며 예술적 검색은 분명히 많은 측면에서 Scopas의 작업과 일치했습니다. 분명히 한심한 드라마의 특징, 흥분하려는 욕구, 시청자에게 충격을주는 것은 학교의 가장 큰 대표자 인 Aristide the Elder에게 내재되어 있습니다. 그의 그림은 특히 유명했는데, 전투를 배경으로 죽어가는 어머니를 묘사하고 아기가 젖가슴에 도달하는 모습을 묘사했습니다. on Chios'는 Eugène Delacroix와 공통점이 있습니다.

IV 세기 중반의 가장 큰 주인. 기원전 이자형. Praxiteles가 높이 평가 한 Nicias가있었습니다 (조각가는 대리석 조각상에 색을 칠하라고 지시했습니다). 후기 고전 시대에 조각의 다색성은 고대 및 초기 고전 시대보다 덜 화려하고 장식적인 성격을 가졌습니다. 녹은 왁스 페인트의 도움으로 대리석의 부드러운 착색에 관한 것입니다. 고대에 유명한 Nikiya의 그림 같은 구성은 보존되지 않았습니다. Nicias "Perseus and Andromeda"의 유명한 그림을 매우 부정확하게 재현했지만 폼페이의 벽화 중 하나에서 그의 방식에 대한 아이디어를 얻을 수 있습니다. 후기 필사자가 그린 프레스코화의 인물들은 5세기처럼 착용하고 있습니다. 기원전 즉, 자연의 조각상이지만 움직임이 더 자유롭게 전달되고 각도가 더 대담합니다. 사실, 조경 환경은 여전히 ​​매우 드물게 계획되어 있습니다. 성숙한 고전에 비해 새로운 것은 형태의 부드러운 빛과 그림자 모델링과 더 풍부한 색 구성표입니다.

고대인에 따르면 표현의 더 큰 그림의 자유를 향한 고대 회화의 진화는 Apelles의 작품에서 가장 완벽하게 구현되었습니다. 이오니아 출신의 Apelles는 Lysippus와 함께 가장 큰 영광에 둘러싸여 있었습니다. 그의 초상화는 널리 알려졌는데, 특히 알렉산더 대왕의 초상화가 유명했다. 분명히 Apelles의 초상화는 군주의 이미지를 찬양하는 대규모 의식 구성이었습니다 (예 : "Alexander with lightning"). 고대인들은 왕좌에 앉아 있는 통치자의 웅장함과 알렉산더의 손에 있는 빛나는 번개 광선이 청중에게 뻗어 있는 이미지에서 명암의 대담한 효과에 똑같이 감탄했습니다. 아마도 예술적으로 더 중요한 것은 Apelles의 신화적이고 우화적인 구성이었습니다. 그의 "Aphrodite Anadyomene"은 Kos 섬의 Asclepius 사원을 위해 작성되었습니다. Apelles는 물에서 나오는 나체 아프로디테를 묘사하여 머리카락에서 바다 수분을 짜냅니다. 동시대인들은 젖은 알몸과 맑은 물의 거장 이미지뿐만 아니라 행복과 사랑으로 빛나는 아프로디테의 시선에 놀랐습니다. 분명히 작가는 사람의 마음 상태를 옮기는 일에 몰두했습니다.

복잡한 우화적 다중 인물 구성에 대한 Apelles의 관심은 그다지 특징적이지 않습니다. (어느 정도 이것은 조각 앙상블의 현대 다중 형상 구성에서도 관찰되었습니다.) Apelles의 작품은 신뢰할 수있는 사본으로 우리에게 전해지지 않았습니다. 그러나 이러한 구성에 대한 살아남은 설명은 르네상스 예술가들에게 큰 인상을 남겼습니다. 그래서 Botticelli의 유명한 그림 "비방의 우화"는 같은 주제에 대한 Apelles 그림의 문학적 우아하고 상세한 설명에서 영감을 받았습니다. Lucian의 설명을 믿는다면 Apelles는 캐릭터의 움직임과 표정의 사실적인 전달에 큰 관심을 기울였습니다. 그래도 전체 구성은 다소 임의적일 수 있습니다. 어떤 추상적인 생각과 아이디어를 형상화한 인물들은 보는 이의 눈앞에서 펼쳐진 프리즈 같은 구도를 차례로 지나치는 듯했다.

IV 세기에. 기원전 이자형. 기념비적 인 그림은 여전히 ​​널리 퍼졌습니다. 이 그림의 걸작은 고대인들이 그토록 웅변으로 칭찬했지만 우리 시대에 살아남지 못했습니다. 다행스럽게도 고대 세계의 변방에는 기원전 3세기의 여러 기념비적인 그림이 보존되어 있습니다. 기원전 즉, IV 세기의 전통으로 거슬러 올라갑니다. 기원전 이자형. 카잔루크(불가리아)의 그림은 후기 고전 예술과 문체적으로 연관되어 있습니다. 그러나 이 그림에서는 공간 환경의 전달이 전혀 없다. 경마 장면을 묘사한 인물 그 자체

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고인에게 선물을 제공하는 것은 구성 적으로 항상 서로 설득력있게 연결되어 있지는 않습니다. 그럼에도 불구하고 각도의 큰 자유와 그림 같은 실행 용이성은 당시 기념비적 인 그림에 대한 아이디어를 제공합니다.

세기의 마지막 3분의 1에 기념비적인 전투 그림은 구성의 고상한 파토스와 세부 사항의 더 큰 구체성을 결합하기 시작했습니다. Philoxenus "The Battle of Alexander the Great with Darius"의 그림에서 훌륭한 헬레니즘 거장이 만든 것으로 보이는 대형 모자이크 복제품이 우리에게 내려 왔습니다. 이 작품에서는 5세기 예술에 내재된 역사적 주제에 대한 영웅적-신화적 해석과는 대조적이다. 기원전 즉, 전투의 일반적인 특성을 보다 현실적이고 구체적으로 전달하려는 마스터의 바람을 분명히 볼 수 있습니다. 주인은 기병대를 이끄는 알렉산더의 성급한 충동 인 다리우스에 대한 두려움과 같은 상황의 드라마를 능숙하게 구현했습니다. 전투의 요소, 인간 대중의 움직임, 진동하는 창의 표현적인 리듬은 5세기와 비교됩니다. 기원전 이자형. 그리스 예술 발전의 새로운 특징을 정의했습니다.

소형 플라스틱 및 꽃병 페인팅

보다 친밀한 예술에 대한 갈망, 시적으로 해석된 장르 모티프에 대한 새로운 관심, 그리고 마지막으로 개인의 삶의 영역에 들어가는 예술의 비율 증가로 인해 작은 청동, 특히 테라코타 플라스틱이 더욱 번성했습니다. Attica와 Boeotia, 특히 Boeotian 도시인 Tanagra (종종 "Tanagra figurines"라는 용어는 모든 그리스 도자기 작은 조각을 가리키는 데 사용됨)와 소아시아 그리스의 도시는 작은 테라코타 조형 예술의 주요 중심지로 남아 있습니다. . Praxiteles 작업의 영향을받은 Attica와 Tanagra의 거장들의 작품은 생생한 우아함, 움직임의 우아함, 이미지의 서정적 시로 구별되었습니다. 우리에게 내려온 미지의 그리스 거장들의 원본의 생생한 매력은 고대 그리스의 소위 작은 예술 형식의 높은 미적 수준에 대한 유익한 증거입니다. 대부분의 조각상은 그 당시 그리스 조각의 다색성 특성에 대한 특정 아이디어를 제공하는 색상을 보존했습니다. 아마도 챔버 플라스틱에서 다색성은 특히 기원전 4세기에 기념비적 조각품보다 더 차별화되었습니다. 기원전 이자형. 테라코타의 가볍고 섬세한 색상 - 피스타치오 그린, 옅은 파란색, 회청색, 핑크 스칼렛, 사프란 톤의 부드러운 조합 - 인형의 우아하고 즐거운 성격과 미묘하게 조화를 이룹니다.

좋아하는 플롯에는 "아기 에로스와 노는 아프로디테", "목욕하는 아프로디테", "사티로스가 쫓는 님프" 등과 같은 신화적 모티브에 대한 장르별 해석이 포함됩니다. 점차적으로 순전히 장르의 음모도 인기를 얻고 있습니다. 산책하는 친구, 주사위를 던지는 소녀, 배우 이미지, 버푼 등. 온갖 종류의 그로테스크하고 캐리커처 조각상이 배포되었습니다. 5세기의 보다 일반화되고 비인격적인 조각상과는 대조적입니다. 기원전 이자형. (가장 자주 침묵하거나 가면을 쓴 만화 배우) 4-3 세기의 캐리커처 인형. 기원전 이자형. 유형의 직접적인 생명력과 특수성이 내재되어 있었다(환전업자, 사악하고 심술궂은 노파, 기괴하게 해석된 민족적 동양 유형 등). 소아시아 출신의 인형은 Attic 및 Boeotian 작품과 결합하는 여러 공통 기능에도 불구하고 일반적으로 더 큰 장식 밝기가 다릅니다. 일반적으로 그들은 실루엣의 우아함, 우아함 및 비율의 고귀함 측면에서 Tanagra보다 열등했으며 더 큰 형태의 화려 함이 특징입니다. 예를 들어 보라색 금색 껍질에 담긴 매우 아름다운 Hermitage Aphrodite입니다.

작은 플라스틱과 달리 꽃병 도자기와 4세기 그림. 기원전 이자형. 감소 기간을 입력하십시오. 이전 세기의 마지막 수십 년 동안 이미 윤곽이 잡힌 장식의 화려함이 증가하는 경향은 6세기와 5세기의 특징을 파괴했습니다. 기원전 이자형. 구성의 엄격한 건축학, 선박 모양과 이미지의 합성 연결, 이것은 또한 그림의 첫 번째 정복을 각도의 숙달로 옮기고 공간의 인물 분포를 꽃병 그림으로 옮기려는 시도에 의해 촉진되었습니다. 그림 같은 성능의 자유, 음모의 복잡성, 구성의 화려 함은 엄격하고 우아한 귀족을 잃기 위해 매우 높은 가격에 구입했습니다. 그리고 4세기에 화려하게 장식된 화병의 형태입니다. 기원전 이자형. 점차 그 비율의 고귀한 명료함과 형태의 단순한 우아함을 잃어버렸습니다.

이미 5세기 마지막 20년의 거장인 미디어의 아름다운 작품들에서. 기원전 즉, 구성의 일부 복잡성, 장식 이미지와 장르 기능의 조합은 후기 고전으로의 전환을 예상합니다. Aristophanes "Nessus and Dejanira"(기원전 약 420 년)의 그림에 이미 복잡한 단축법과 애처롭게 화려한 제스처의 도입은 이러한 추세를 상당히 설득력있게 확인합니다.

우리는 화병 그림에서 후기 고전의 특징이 이미 기원전 5세기의 마지막 분기에 느껴졌다고 말할 수 있습니다. 기원전 이자형. 따라서 Fiala의 주인이 실행 한 분화구의 매력적인 그림 (분화구는 유아 Dionysus를 Silenus에게 넘겨주는 Hermes를 묘사 함)은 구성의 절제된 명확성에도 불구하고 440-430 년대의 이상과 분명히 관련이 있습니다. 기원전 즉, 꽃병 그림 예술의 다음 단계를 준비하는 붉은 그림 기법에서 벗어난 그림 같은 질감의 자유로 공격합니다. 사실, 기술 자체는 흰색 배경 그림을 다시 생각하는 것 같지만 대형 선박-크레이터-의 디자인에 도입하는 것은 새로운 기능입니다. 나중에 IV 세기에. 기원전 즉, 예술가들은 이미 여러 가지 색상을 사용하고, 금도금을 도입하고, 페인팅과 컬러 릴리프를 결합하는 등 순전히 그림적인 솔루션에 의존하여 점점 더 붉은 그림 기법에서 멀어지고 있습니다. 예를 들어, Peleus가 Thetis 여신을 납치 한 신화에 전념하는 Master Marsyas가 만든 매우 특징적인 pelika입니다.

4세기 기원전 이자형. Magna Graecia의 꽃병이 특히 일반적입니다. 그녀의 부유한 도시에서는 아주 일찍 발전했습니다.

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호화로운 라이프 스타일에 대한 갈망. Magna Graecia의 꽃병에는 서정적이고 한심한 모티프 (예 : 거장 Dolon "Odysseus and the shadow of Tiresias"의 분화구 그림)와 서사시의 신화와 에피소드에 대한 코믹한 그로테스크 해석이 분명히 영감을 받았습니다. 남부 이탈리아 코미디(예: 기원전 380년경 꽃병 "Capturing Dolon»Master Dolon).

IV 세기 중반까지. 기원전 이자형. 꽃병 그림이 점점 더 복잡해지고 이미지의 그림 공간적 해석은 이전의 그림과 그릇 모양 및 표면의 유기적 연결을 파괴하기 시작합니다. fliacs 연극의 한 장면 인 Darius의 "Funeral Pyre of Patroclus"와 같은 그림은 이러한 변화에 대한 명확한 아이디어를 제공합니다.

따라서 회화의 발전에 있어 긍정적인 의미를 지닌 이러한 경향은 예술적 언어의 여러 특정 가능성으로 회화를 마스터하는 데 도움이 되었지만 꽃병 페인팅에 적용할 때 유기적으로 통합된 예술 시스템을 파괴하는 데 상당히 해로운 것으로 판명되었습니다. 200년 이상 동안 그리스 꽃병 그림을 지배하면서 응용 예술의 거의 주요 문제인 사물과 그와 관련된 이미지의 합성적 통일성에 대한 가장 완벽한 해결책 중 하나였습니다.

그러나 이러한 쇠퇴는 결코 예술가의 기술의 쇠퇴 때문이 아니라 삶의 전반적인 성격의 전반적인 변화에 기인한다는 점에 유의해야 합니다. 화려함과 복잡성의 증가는 꽃병의 모양에도 영향을 미쳤고, 이로 인해 장식과 꽃병 자체의 건축 사이에 일정한 공통점이 생겼습니다. 건축에서 공간 환경을 마스터하는 데 대한 관심 증가, 회화와 조각, 주제에 대한 장르 기반 해석에 대한 중력-이 모든 것이 특정 유형의 미적 환경을 만들었습니다.

고유 한 방식으로 그리스 꽃병 그림은 변화된 예술 문화의 문체 체계에 유기적으로 적합합니다. 그러나이 시스템은 전체 미적 삶의 방식과 마찬가지로 세계 인식의 엄격하고 명확한 조화, 6-5 세기 꽃병 그림이 번성했던 예술적 형식의 명확한 구조의 상실을 표현했습니다. 기원전 이자형. 꽃병 그림에서 그것을 거부하는 것은 건축과 순수 예술에서 이 과정을 수반하는 이득과 균형을 이루지 못했습니다.

4세기 예술 기원전 이자형. 세계 예술 문화의 역사에서 전체 시대, 즉 그리스 노예 도시 국가의 탄생, 부상, 번영 및 위기의 시대를 완성합니다. 이 시기는 미술사, 특히 조각과 건축사에서 가장 꽃이 피는 시기 중 하나였습니다.

시간은 지상에서 장엄한 사원과 아름다운 조각상을 없애 버렸습니다. 그럼에도 불구하고 우리에게 내려온 것, 그리고 창조된 것의 아주 작은 부분만이 살아남아 우리에게 깊고 비교할 수 없는 미적 기쁨을 줍니다. 기념물 고대 그리스예술에서 인간의 화신이 얼마나 무한히 아름다울 수 있는지, 조화롭게 발전한 인간이 윤리적으로나 미학적으로 얼마나 완벽한지를 보여주었다. 예술의 더 많은 역사는 육체와 정신의 즉각적인 완전성을 표현하는 것, 이미지의 활력과 이미지의 보편적 중요성의 융합에서 멀어졌습니다. 그러나 예술의 새로운 지평의 발견, 사람의 이미지에서 개인적 특성의 숙달, 세계의 아름다움-풍경, 사회 생활과 투쟁의 직접적인 경험을 예술적으로 정확하고 깊이 일반화하는 작품 제작 그들의 시간 -이 모든 것은 우리 마음에서 대체 할 수 없으며 고대 Hellas의 빛나는 유산을 우리 감정의 세계에서 대체합니다.

본 연구가 최종적으로 다음 두 가지 질문에 대한 답을 제공하였기를 바란다. 첫 번째는 고대 그리스의 예술 문화가 세계 문화사에서 지역적이고 특수한 현상으로 보이는가, 아니면 인류의 예술적 성취의 역사에서 특정 단계를 결정하는가? 중요성? 두 번째 질문은 그것과 밀접한 관련이 있습니다. 사회주의 사회의 문화에 대한 고대 헬라스의 예술적 유산의 의미는 무엇입니까?

그리스 폴리스의 예술적 문화는 특수한 구체적인 역사적 버전에서 노예 소유 형성에 의해 생성되었습니다. 그것은 지중해의 일부 지역-그리스 본토,에게 해 섬, 소아시아 해안에서 발생했습니다. 인간 사회는 노예 제도를 발전시키는 다른 많은 형태와 방법을 알고 있었으며 일반적으로 그리스-로마 시대보다 초기 계급 사회 구성을 알고 있었습니다. 일부 민족은 개발 된 노예 제도의 기간을 알지 못했습니다. 예를 들어, 독일의 서부 슬라브족인 고대 루스인들 사이에서는 후기 봉건적 사회 구성만이 완전히 발전했습니다.

일반적으로 세계 예술사의 경험은 종종 단일 사회 구성 내의 특정 역사적 차이가 광범위한 결과를 초래하여 해당 예술 문화의 깊은 질적 차이를 초래한다는 것을 보여줍니다. 때로는 사회의 역사적 진화의 일반적 통합 과정에서 서로 다른 지역적 변형이 특정 단계(특히 영적 문화 영역에서)의 손실 또는 "흐림"으로 이어집니다. 특히 유럽에서는 봉건주의에서 자본주의로의 전환이 영적 문화, 특히 예술의 발전 단계에서 모든 민족을 위한 1이라는 단어의 적절한 의미에서 르네상스와 같은 발전된 형태로 발생하지 않았습니다. 이 경우 우리는 지상인 이미지의 중요성과 아름다움을 주장하는 파토스가 스며 든 질적으로 새로운 예술의 추가를 염두에두고 새로운 시대의 리얼리즘의 토대를 만듭니다. 그것은 중세의 성숙한 문화의 이전 단계와 고대 전통의 부흥의 현실적인 경향에 대한 재검토를 기반으로합니다. 르네상스 문화는 후기의 전자본주의 문화가 그 밑바닥에서 유럽의 자유 도시가 번창하는 특수한 조건에서 발생했습니다.

1 "르네상스"( "르네상스")라는 용어는 교육의 부흥 또는 인문주의 경향의 성장과 고대에 대한 관심의 가장 일반적인 지정의 의미로 사용될 수 있습니다. 따라서 Carolingian 르네상스, XII-XIII 세기의 조지아 르네상스 등.

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중세. 역사적 의미에서 자본주의 형성으로의 전환 과정에서 많은 문화가 세계 예술의 보물에 큰 공헌을 한 발전된 르네상스를 알지 못했습니다. 고대로 돌아가서 우리는 동양의 여러 민족 사이에서 노예 소유 유형의 사회가 고대와는 크게 다른 형태로 형성되었다고 말할 수 있습니다. 우리가 인도, 중국, 중남미 사회 발전의 초기 계급 단계를 노예 제도의 초기 단계 또는 고대와 평행 한이 형성 및 진화의 변형으로 지정하기 시작하더라도 사실 본질적인 사회역사적, 역사문화적, 특히 그리스-로마문명과의 예술적, 문화적 차이는 논쟁의 여지가 없습니다. 이러한 문화의 예술적 가치의 본질은 근본적으로 다릅니다. 물론 가장 일반화된 유형학적 특징 중 일부는 이러한 고대 또는 중세 문명의 괄호에서 벗어날 수 있습니다. 신화와의 연결, 예술의 기념비적 컬트적 특성, 예술의 종합 등이 있습니다. 이러한 범주는 의미가 있지만 살아있는 감각적 예술의 본질에서 추상화하면 주어진 예술 문화의 미적 본질의 실제 내용 영역 밖에 있습니다.

이러한 고대 예술 문명 간의 진정한 차이점을 포착하려면 그리스와 메소포타미아의 건축 개념을 비교하는 것으로 충분합니다. 기원전 6세기의 그리스 쿠로스를 비교할 수도 있습니다. 기원전 이자형. 파르테논 신전의 프리즈와 "적을 죽이는 람세스"를 묘사한 부조인 "앉아 있는 서기관"을 통해 이러한 각 문화의 고유성을 경험할 수 있습니다. 마찬가지로 그리스와 인도의 예술에서 바로 합성 시스템, 바로 그 상관 관계 유형인 조각-건축은 크게 다릅니다.

극동의 고대 및 중세 문명에서 세계 우주의 광활함을 풍경에 직접 구현하는 특별한 역할이 놀랍습니다. 고대 및 유럽 중세와 비교할 때 이것은 인간-세계라는 관계에 대한 거의 반대의 이해입니다. Ma-Yuan의 "Full Moon" 또는 So-si의 "Autumn Fog"와 같은 XII-XIII 세기의 중국 풍경을 Paestum의 그림 "Tomb of the Diver"와 비교하는 것으로 충분합니다. 또는 몬트리올과 팔레르모의 시칠리아-비잔틴 모자이크의 "낙원의 아담과 이브"와 함께.

다양한 고대 문명에서 신화적 표현의 세계, 즉 살아있는 표현에서 초기 계급 문명의 영적 문화의 가장 일반적인 초기 특징은 매우 다른 측면을 얻습니다. 따라서 신화 적 이미지의 의인화 정도, 특정 내용에서 사람들의 영적 삶과의 연결은 크게 다릅니다. 사회 구조의 특수한 성격(예를 들어, 고대 고대 토지의 사적 소유의 발전과 대조적으로 공동체의 보존), 사회와 숭배의 권위주의적 구조, 국가와 사회적 관습의 종교적, 주술적 측면은 고대 동양의 여러 국가에서 강력하고 복잡하게 조직된 사제 계급을 낳았습니다. 그것은 거대하고 종종 지배적 인 사회 정치적 세력이되어 그리스에서는 그렇지 않은 전체 예배 영역을 독단했습니다. 따라서 실제 활동 및 정부 형태 (폴리스 및 동양 전제주의), 특히 영적 삶의 전체 구조의 중요한 차이점은 예술과 밀접한 관련이 있습니다. 따라서 일반적으로 노예 소유 및 초기 계급 사회 발전의 각 버전은 고유한 미학적 가치와 특정 역사적 한계를 지닌 질적으로 고유한 문화를 창출했습니다.

물론 이것은 유추를 배제하지 않으며 연대순으로 후기 문명이 이전 문명(그리스와 중동)의 업적을 다시 생각하는 것을 배제하지 않습니다. 그러나 Memnon의 거상, "Disco Thrower" 및 "Dancing Shiva"는 서로 환원될 수 없으며 서로 파생될 수 없습니다. 이것은 이집트 - 중국 또는 마야 - 그리스와 같은 커플에게 특히 해당됩니다. 이런 의미에서 고전 고대의 문화와 예술(다른 고대 문화와 마찬가지로)은 의무적인 유형의 영적 문화, 특히 세계의 모든 민족이 거쳐야 하는 예술을 나타내지 않았습니다.

전 세계 문화의 직접적인 통합, 직접적이고 전방위적인 상호 작용은 자본주의 시대에만 발생합니다. 이와 관련하여 우리는 인류 사회의 실제 역사에서 다음과 같은 중요한 특징을 언급하지 않을 수 없습니다. 객관적인 역사적 사실은 유럽(고대 그리스와 로마로 거슬러 올라가는 문명의 기원)에서 자본주의가 경제적, 사회정치적, 문화적 유대라는 세계적인 특징을 가지고 형성되었다는 것입니다. 계급 착취 사회의 마지막 형성인 자본주의는 19세기에 새로운 세계 역사적, 문화적 상황을 창조한 지구상의 모든 문화의 직접적인 생활 상호작용이라는 개념을 비록 추악한 모순적 형태이긴 하지만 발생시켰다. 분리된 곳 대신 상대적으로 고립된 곳 국가 문학, 마르크스와 엥겔스의 말처럼 "하나의 세계 문학이 형성되고 있다" 1 . 이 "세계 문학"은 예술 문화 전체와 마찬가지로 평준화되고 단조로운 것이 아닙니다. 이것은 서로 다른 민족의 문화가 복잡하고 생생한 상호 작용에 들어가는 복잡하고 다양한 통합입니다. 이 상호 연결은 전 세계 모든 민족의 문화가 직면하고, 세계 각지에서 다르게 해석되며, 가장 중요한 것은 시대의 주요 계층의 마음에서 다르게 인식되는 공통 과제에 대한 아이디어를 낳습니다. 세계 문화, 새로운 유형의 세계 예술, 또는 오히려 그 인본주의적이고 사실적인 라인은 유럽, 즉 고대의 전통, 서유럽 및 동양의 전통에서 성장한 역사 및 문화 지역에서 처음 형성됩니다. 고대를 요람으로 간주하는 유럽 중세와 르네상스. 전 세계에 걸친 자본주의적 생산 형태의 확산과 식민화 과정에서 변형된 지구의 다른 지역 사람들의 영역 참여,

1 K. 마르크스와 F. 엥겔스. 작품, 4권, p. 428.

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사회 력사적 발전 속도에 일시적으로 뒤처진 민족의 사회적 정신적 발전을 저해하고 문화를 파괴했다. 말하자면 이것은 프로세스의 파괴적인 측면이었습니다. 그러나 자본주의 국가들에서 인민대중의 민족해방운동의 발흥과 19-20세기 유럽과 미국의 현실적이고 인본주의적인 민주주의 문화가 그 힘을 발휘한 것과는 또 다른 측면이 있었다. 일시적으로 식민지 국가와 전 세계적으로 새로운 유형의 문화 내용 인 민주적이고 대중적인 창조를 가속화 한 경험. 동시에 자본주의의 길에 들어선 유럽 국가들의 문화 속에서 세계 문화의 다양한 형태에 대한 생각이 떠오르고 다른 대륙 사람들의 정신적 예술 생활에 대한 관심이 커지고 있습니다. 여기에서 두 가지 접근 방식이 충돌하고 얽혀 있습니다. 한편으로는 비유럽 문화를 일종의 이국적이고 재미있는 이질감으로 해석하는 경우가 있습니다. 다른 한편으로, 비유럽 문화의 깊은 내재적 가치와 다양한 문화의 상호보완성에 대한 의식이 있으며, 그 전체성에서만 진정한 세계 문화를 창조합니다. 아이디어는 세계 문화의 복잡한 통일성과 차별화된 무결성에서 탄생합니다. 이 과정에서 선진 민주주의 과학은 지구 다른 지역의 비역사적, 지역적 문화에 대한 고유한 발상으로 유럽 중심적 편견을 극복한다.

단일 세계 경제의 궤도에 모든 민족의 참여, 세계의 모든 문화 간의 상호 작용의 출현은 문화 인물에게 복잡한 일련의 작업을 제기합니다. 문화의 가치 보호, 하나 또는 다른 척도 검색 전 세계 사람들의 문화 가치, 비판적 선택, 처리 등을 마스터합니다. 이러한 과정의 결과 유럽 문화의 고대와 아시아, 아프리카 및 아메리카 민족의 오래된 문화에서 성장한 위대한 문화적 가치의 상호 동화는 그들의 영적 가치를 문화 유산으로 바꿉니다. 세계의 모든 민족의.

물론 과거에도 신흥문명(문화역사적 세계나 지역)이 서로 완전히 고립된 것은 아니었다. 그들 사이에는 상호작용이 있었다. 그러나 19세기, 특히 20세기에는 더 이상 상호 영향에 관한 것이 아닙니다. 이미 언급했듯이 주요 방향, 발전 추세의 투쟁이있는 전체적으로 차별화 된 세계 문화의 개념이 발생합니다. 국립 학교의 모든 풍부함과 복잡한 다양성, 이데올로기적 경향으로 인해 예술의 각각의 중요한 현상은 전 세계 모든 영역의 재산이 되어 거의 즉각적인 긍정적 또는 부정적 반응을 유발합니다. 현대 문화의 중요한 현상과 직접적인 관계가 있는 세계 문화는 역사적 현실. 세계사적 발전 과정의 원동력 현대 문화(다양한 국가적 발전 형태를 통해) 궁극적으로 인본주의, 민족성, 현실주의와 반인본주의, 데카당스의 투쟁에 의해 결정됩니다(코스모폴리탄 또는 민족주의자, "아방가르드" 또는 양식화된 보수적 형태에 관계없이 -국가 문화는 오늘 걸릴 수 있습니다).

그리스와 이집트, 인도, 극동, 고대 아메리카의 과거 시대의 예술과 문화는 그들의 예술적 기여의 가치만큼 유기적인 부분이 됩니다. 문화적 전통세상의 모든 민족. 따라서 하나 또는 다른 역사적 지역의 문화는 그 안에서 만들어진 공통된 미적 관심의 글로벌 가치를 실현합니다. 그것은 세계가됩니다.

여러 식민지 국가에서 민족해방운동의 성장과 함께 유럽에서 발전된 형태의 민주적 사실주의 예술, 즉 궁극적으로 고대의 근원으로 돌아가는 예술과 그들의 유산에 대한 관심과 소통을 되살리는 복잡한 변증법적 과정, 일어나고 있습니다(예를 들어 인도와 일본에서 일어나고 있습니다). 동시에 유럽의 전통과 연결된 중앙 아메리카의 문화에서 예를 들어 멕시코 기념비적 예술과 같은 고대 발전된 문화 유산에 대한 관심의 부활을 관찰할 수 있습니다. 19-20세기 유럽 예술의 일부 현상은 비유럽 문명의 성취에 대한 관심의 각성(인상주의와 극동 풍경, 이집트의 많은 조각가의 관심, 일본 개념을 재고하려는 시도)과 관련이 있습니다. 정원 및 인테리어 등).

많은 사람들이 사회주의로 전환함에 따라, 자본주의 하에서 구현의 추악한 불일치에서 벗어나 문화의 상호 풍요로운 이 과정은 진정으로 포괄적이고 조화로운 발전의 가능성을 얻습니다. 쏘련 사회주의공화국의 가정에서 새로운 문화를 건설한 경험은 다양성이 획일적인 새로운 사회주의 세계문화를 형성하는 과정에서 중요한 역할을 하도록 요구됩니다. 궁극적으로 전 세계 사회주의의 완전한 승리, 문화의 민주적 경향의 승리가 문제의 최종 조화로운 해결책을 제공할 것입니다. 이것이 공산주의 예술로의 전환이 준비되는 방법입니다. 이 연결됩니다 중대한 변화다양성을 통해 문화의 통일성을 실현하는 바로 그 원리입니다. 국가의 소멸과 함께 민족 문화 간의 일종의 자발적인 "분업"도 사라질 것입니다. 그러나 인류의 예술 문화의 조화가 아니라 교향곡의 완전성의 원칙은 남을 것입니다. 그 주요 원동력은 모든 사람에게 필수적인 우리 주변 세계의 특정 측면에 대한 미적 인식의 측면을 구현할 수 있는 르네상스 이후 특히 활발했던 창조적 개성의 개인 독창성의 가치 원칙이 될 것입니다. , 특별한 힘과 깊이로 특정 귀중한 자질을 구현합니다. 도덕적 평화사람.

현재 고대 예술은 간접적으로(그 기반 위에서 성장한 문명의 미적 경험, 특히 유럽의 리얼리즘을 통해

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기본적으로 전 세계 유산을 흡수하여 사회주의 리얼리즘의 예술이 형성된 시간)뿐만 아니라 예술적 성취의 향유를 통해 직접 우리나라뿐만 아니라 거대하고 가까운 시대로 드러납니다. 우리 문화, 그러나 모든 사람에게 세계의 사람들에게 세계 역사적 가치. 이러한 가치(인본주의, 인간에 대한 영웅적 개념, 기념비적 종합의 명확한 조화)는 고대 노예 소유 사회의 초기 폴리스 단계의 특정, 어느 정도 예외적인 조건에서만 한 번에 발생할 수 있습니다.

과거의 여러 위대한 문명이 현대 세계 문화의 보고에 기여한 양적 척도를 저울에 달아보는 것은 이치에 맞지 않습니다. 역사적으로 독특한 지역적 현상으로 등장한 이들은 세계적인 가치를 지니고 있으며, 지금은 특별한 영향력으로 드러나고 있습니다. 오늘날 세계의 인민들은 낡은 계급 사회 발전의 적대적 모순의 포로 상태에서 벗어나 자신들의 경험을 종합적으로 재구성하기 시작하고 있습니다.

그럼에도 불구하고 고대 그리스에서는 과거의 예술에 접근할 수 있는 특별한 완전성, 깊이 및 예술적이고 중요한 진실을 가지고 자유인과 인간 팀의 위대함에 대한 아이디어가 구체화되었다는 사실은 처음으로 인간은 환상적 변형 가치가 없는 진정한 육체적 정신적 세계에서 완전히 드러났기 때문에 그리스 예술은 공산주의 사회 문화에 특별한 의미를 부여합니다. 인간 집단의 창조적 능력과 인간의 개성을 해방시킨 그 사회는 진정으로 조화로운 발전의 길을 열었습니다.

오늘날의 고대 유산은 그 영향이 간접적으로 전달되는 형태와 경험에 직접적으로 호소한다는 의미에서 과거의 유산에서 우리에게 가깝고 소중한 위대한 시대 중 하나입니다. 물론 이것은 그리스 예술의 양식화된 모조품이 아닙니다. 그러나 이전 프레젠테이션 전체에서 이것을 보여 주려고 시도한 것처럼 그리스 예술의 여러 심오한 원칙이 우리 시대와 가깝고 일치합니다. 오늘날에도 그것은 개인의 영적 풍요로움의 수단으로서 우리 문화에서 중요한 위치를 차지합니다. 이러한 가치를 부정하지 않고, 가치에서 멀어지게 하는 것이 아니라 진정한 이해를 촉진하고 영향력의 범위를 확장하는 것이 우리의 중요한 임무입니다. 고대 문화(다른 위대한 문명 못지않게)는 미래 공산주의 문화의 중요한 원천 중 하나로서 세계사적 가치가 있습니다. 창의적 재고 없이는 오늘과 내일의 문화, 즉 우리가 건설하고 있는 사회주의 문화, 공산주의 문화를 발전시키기 위해 수행된 과거의 유산을 진정으로 포괄적으로 숙달하는 과정은 불가능합니다.

후기 고전 미술(펠로폰네소스 전쟁 말기부터 마케도니아 제국의 부상까지)

기원전 4세기는 고대 그리스 예술의 발전에서 중요한 단계였습니다. 높은 고전의 전통은 새로운 역사적 조건에서 재 작업되었습니다.

노예 제도의 성장, 이미 5세기 후반부터 소수의 대소유주들의 손에 훨씬 더 큰 부가 집중되었습니다. 기원전. 자유 노동의 발전을 방해했습니다. 세기 말, 특히 경제적으로 발전한 도시 국가에서 자유 노동의 비율이 감소한 소규모 자유 생산자의 점진적인 파멸 과정이 점점 더 두드러졌습니다.

노예 소유의 폴리스에서 시작된 위기의 첫 징후였던 펠로폰네소스 전쟁은 이 위기의 전개를 극도로 악화시키고 가속화시켰다. 많은 그리스 도시 국가에서 자유 시민과 노예의 가장 가난한 부분의 봉기가 있습니다. 동시에 교환의 성장은 새로운 시장을 정복하고 착취당하는 대중의 봉기를 성공적으로 진압할 수 있는 단일 권력의 창출을 필요로 했습니다.

헬레네인들의 문화적, 민족적 통합에 대한 인식도 서로 정책의 분열과 치열한 투쟁으로 결정적인 갈등을 빚게 되었다. 일반적으로 전쟁과 내부 투쟁으로 약화 된 정책은 노예 소유 사회의 발전에 제동이됩니다.

노예 소유주들 사이에는 노예 사회의 기반을 위협하는 위기에서 탈출구를 찾기 위한 치열한 투쟁이 있었습니다. 세기 중반에 노예 소유 민주주의의 반대자들을 통합하는 추세가 형성되었습니다. 대규모 노예 소유주, 상인, 고리 대금업자는 군사적 수단으로 정책을 정복하고 통합 할 수있는 외부 세력에 모든 희망을 두었습니다. 가난한 사람들의 이동과 동부로의 광범위한 군사 및 상업 확장을 조직합니다. 그러한 세력은 경제적으로 상대적으로 미개발된 마케도니아 군주제였으며 주로 농업을 구성하는 강력한 군대를 가졌습니다. 마케도니아 국가에 대한 그리스 정책의 종속과 동양 정복의 시작은 그리스 역사의 고전적 시대를 종식시켰습니다.

정책의 붕괴는 자유 시민의 이상 상실을 수반했습니다. 동시에 사회현실의 비극적 갈등은 사회생활의 현상을 이전보다 더 복합적으로 바라보게 하여 당대 진보인들의 의식을 풍요롭게 하였다. 유물론과 이상주의, 신비주의와 과학적 지식 방법 사이의 투쟁의 악화, 정치적 열정의 폭력적인 충돌, 동시에 개인 경험의 세계에 대한 관심은 내부 모순으로 가득 찬 사회 및 문화 생활의 특징입니다. 4세기. 기원전.

사회 생활의 변화된 조건은 고대 사실주의의 본질에 변화를 가져왔다.

4 세기의 전통적인 고전 예술 형식의 지속 및 발전과 함께. BC, 특히 아키텍처는 완전히 새로운 문제를 해결해야 했습니다. 예술은 처음으로 전체 정책이 아닌 개인의 미적 요구와 관심에 봉사하기 시작했습니다. 군주제 원칙을 확인하는 작품도있었습니다. 4세기 내내. 기원전. 5 세기의 국적과 영웅의 이상에서 그리스 예술의 여러 대표자들이 떠나는 과정이 지속적으로 강화되었습니다. 기원전.

동시에 시대의 극적인 모순은 깊은 의심으로 찢겨진 깊고 슬픈 경험에 압도되어 자신에게 적대적인 세력과의 긴장된 비극적 투쟁에서 영웅을 보여주는 예술적 이미지에 반영되었습니다. Euripides의 비극과 Scopas의 조각품의 영웅입니다.

예술의 발전은 4세기 말의 영향을 많이 받았다. 기원전. 순진하고 환상적인 신화 적 사상 체계의 위기, 먼 예표는 이미 5 세기에 볼 수 있습니다. 기원전. 그러나 5세기에 기원전. 민속 예술적 환상은 원시적으로 사람들에게 친숙하고 가까운 신화 이야기와 신념(Aeschylus, Sophocles, Phidias 등)에서 여전히 고상한 윤리적, 미학적 아이디어에 대한 자료를 그렸습니다. 4 세기에 작가는 과거의 신화 적 이미지와 아이디어에 맞지 않는 인간 존재의 측면에 점점 더 관심을 갖게되었습니다. 예술가들은 내면의 상충되는 경험과 열정의 충동, 인간의 영적 삶의 세련미와 침투를 모두 작품에서 표현하려고 노력했습니다. 가장 일반적인 용어이지만 일상 생활에 대한 관심과 사람의 정신적 구성의 특징이 생겼습니다.

4세기 최고의 대가들의 예술에서. 기원전. -Skopas, Praxiteles, Lysippus-인간 경험을 이전하는 문제가 제기되었습니다. 그 결과 개인의 영적 삶을 드러내는 데 첫 번째 성공을 거두었습니다. 이러한 경향은 모든 형태의 예술, 특히 문학과 극작술에 영향을 미쳤습니다. 이것들은; 예를 들어 Theophrastus의 "Characters"는 용병 전사, 허풍쟁이, 기생 등 사람의 정신적 구성의 전형적인 특징을 분석하는 데 전념합니다. 완벽하게 조화롭게 발전한 사람의 일반화 된 전형적인 이미지의 작업뿐만 아니라 5 세기 예술가들의 관심의 중심에 있지 않은 문제의 원으로의 전환. 기원전.

후기 고전의 그리스 예술 발전에서 사회 발전 과정 자체로 인해 두 단계가 명확하게 구분됩니다. 세기의 처음 3분의 2 동안 예술은 ​​여전히 ​​고급 고전의 전통과 매우 유기적으로 연결되어 있었습니다. 4세기의 마지막 3분의 1에서 c. 기원전. 예술 발전에는 새로운 사회 발전 조건이 새로운 과제를 제기하기 전에 예술 발전에 급격한 전환점이 있습니다. 이때 예술에서 사실적 선과 반현실적 선 사이의 투쟁은 특히 심화되었습니다.

그리스 건축 4세기 c. 기원전. 개발이 매우 고르지 않고 모순되었지만 여러 가지 주요 성과를 거두었습니다. 따라서 4세기의 1/3 동안. 건축에서는 모든 그리스 정책, 특히 그리스 본토에 위치한 정책을 뒤덮은 경제 및 사회적 위기를 반영하여 건축 활동의 잘 알려진 감소가 있었습니다. 그러나 이러한 감소는 보편적인 것과는 거리가 멀었습니다. 그것은 펠로폰네소스 전쟁에서 패배한 아테네에서 가장 심각하게 영향을 받았습니다. Peloponnese에서는 사원 건설이 멈추지 않았습니다. 세기의 2/3부터 건설이 다시 강화되었습니다. 그리스 소아시아와 부분적으로는 반도 자체에 수많은 건축 구조물이 세워졌습니다.

4세기의 기념물 기원전. 일반적으로 주문 시스템의 원칙을 따랐습니다. 그럼에도 불구하고 그들은 고급 고전 작품과 성격이 크게 달랐습니다. 사원 건설은 계속되었지만 특히 5 세기에 비해 광범위한 개발이 이루어졌습니다. 극장, 팔레스트라, 체육관, 공공 회의를 위한 폐쇄된 공간(bouleuterium) 등의 건축을 받았습니다.

동시에 개별 성격의 승영에 전념하는 구조가 기념비적 인 건축물에 나타 났으며 더욱이 신화적인 영웅이 아니라 독재 군주의 성격-5 세기 예술에 절대적으로 놀라운 현상입니다. 기원전. 예를 들어, 그리스 정책에 대한 마케도니아 왕 필립의 승리를 찬양 한 통치자 Carius Mausolus (Halicarnassus의 영묘) 또는 Olympia의 Philippeion의 무덤이 있습니다.

영향을 받은 후기 고전의 특징이 기원전 394년 화재 이후 재건된 최초의 건축 기념물 중 하나입니다. Tegea (Peloponnese)의 Athena Alea 사원. 건물 자체와 건물을 장식한 조각품은 모두 스코파스에 의해 만들어졌습니다. 어떤 면에서 이 사원은 밧새 사원의 전통을 발전시켰다. 따라서 Tegean 사원에서는 Doric, Ionic 및 Corinthian의 세 가지 주문이 모두 사용되었습니다. 특히 나오스를 장식하는 벽에서 튀어나온 반기둥에는 코린트식 오더가 사용된다. 이 반기둥은 방의 모든 벽을 따라 이어지는 공통의 복잡한 모양의 바닥으로 서로 연결되었습니다. 일반적으로 사원은 풍부한 조각 장식, 화려 함 및 다양한 건축 장식으로 구별되었습니다.

중간에. 4세기 기원전. 에피다우로스에 있는 아스클레피오스 성소의 앙상블을 포함하는데, 그 중심에는 신의 치유자 아스클레피오스의 사원이 있었지만 앙상블의 가장 주목할만한 건물은 고대의 가장 아름다운 극장 중 하나인 폴리클레이토스 2세가 지은 극장이었습니다. . 그 당시 대부분의 극장에서와 마찬가지로 관중석 (theatron)은 산비탈에 있습니다. 적어도 10,000명을 수용할 수 있는 총 52줄의 돌 벤치가 있었습니다. 이 행은 합창단이 공연하는 플랫폼인 오케스트라를 구성했습니다. 동심원 열에서 극장은 오케스트라의 반원보다 더 많이 덮었습니다. 청중석 반대편에서 오케스트라는 skene 또는 그리스어로 텐트로 닫혔습니다. 처음에는 6세기와 5세기 초에 c. BC, Skene은 배우들이 떠날 준비를하고 있었지만 5 세기 말까지 텐트였습니다. 기원전. 스케네는 기둥으로 장식되고 건축 배경을 형성하는 복잡한 2층 구조로 바뀌었고 그 앞에서 배우들이 공연했습니다. 에서 실내 공간오케스트라에 스 케네는 여러 출구를 이끌었다. Epidaurus의 Skene에는 Ionic 주문으로 장식된 프로시니엄이 있었습니다. 이 프로시니엄은 오케스트라 수준보다 높고 주요 배우가 개별 에피소드를 연주하도록 설계된 석재 플랫폼입니다. Epidaurus의 극장은 부드러운 언덕의 실루엣에 뛰어난 예술적 감각으로 새겨 져 있습니다. 건축물의 엄숙하고 우아한 Skene은 태양에 비추어 푸른 하늘과 먼 산의 윤곽에 아름답게 돋보였으며 동시에 배우와 드라마 합창단을 주변 자연 환경과 구별했습니다.

개인이 세운 우리에게 내려온 가장 흥미로운 구조는 아테네에있는 Lysicrates의 안무 기념비 (기원전 334 년)입니다. Athenian Lysicrates는이 기념비에서 자신의 비용으로 훈련 된 합창단이 얻은 승리를 영속시키기로 결정했습니다. 직사각형의 흠 잡을 데 없이 다듬어진 정사각형으로 지어진 높은 정사각형 받침대 위에 코린트식 질서의 우아한 반기둥이 있는 가느다란 원통이 솟아 있습니다. 엔타블러처를 따라 좁고 가볍게 프로파일링된 아키트레이브 위로 프리즈가 연속적인 리본으로 뻗어 있으며 구호 그룹이 자유롭게 흩어져 있고 제한되지 않은 움직임으로 가득 차 있습니다. 경사진 원뿔 모양의 지붕은 가느다란 아크로테리움으로 장식되어 있는데, 이 아크로테리움은 그의 합창단이 승리한 리시크라테스에게 수여된 상인 청동 삼각대를 위한 스탠드를 형성합니다. 절묘한 단순함과 우아함의 조합, 규모와 비율의 챔버 특성은 섬세한 맛과 우아함으로 구별되는 이 기념물의 특징입니다. 그럼에도 불구하고 이러한 종류의 구조의 출현은 정책의 구조에 의한 예술의 공공 민주적 기반의 상실과 관련이 있습니다.

Lysicrates의 기념비가 사람의 사생활에 전념하는 헬레니즘 건축, 회화 및 조각 작품의 출현을 예상했다면 조금 더 일찍 만들어진 Philippeion에서 4 세기 후반 건축 발전의 다른 측면 세기는 그들의 표현을 찾았습니다. 기원전. Philippeion은 4세기 30년대에 지어졌습니다. 기원전. Hellas에서 마케도니아 헤게모니와 싸우려고 노력했던 아테네와 보이오 티아 군대에 대한 마케도니아 왕 필립이 338 년에 얻은 승리를 기리기 위해 올림피아에서. 평면도가 둥근 Philippeion naos는 Ionic 열주로 둘러싸여 있었고 내부는 Corinthian 기둥으로 장식되었습니다. naos 내부에는 chryso-elephantine 기술로 만들어진 마케도니아 왕조의 왕의 동상이 있었는데, 그때까지는 신의 묘사에만 사용되었습니다. Philippeion은 권위로 봉헌하기 위해 그리스에서 마케도니아의 패권에 대한 생각을 전파하기로되어있었습니다. 신성한 장소마케도니아 왕과 그의 왕조의 왕권.

소아시아 그리스 건축의 발전 경로는 그리스 고유의 건축 발전과 다소 달랐습니다. 그녀는 무성하고 웅장한 건축 구조에 대한 열망이 특징이었습니다. 소아시아 건축의 고전에서 벗어나는 경향은 특히 강하게 느껴졌습니다. 그래서 4세기 중반과 후반에 지어졌습니다. 기원전. 거대한 Ionic diptera (Ephesus의 두 번째 Artemis 사원, Sardis의 Artemis 사원 등)는 화려 함과 장식의 고급 스러움에서 진정한 고전의 정신과는 매우 달랐습니다. 고대 작가의 설명에서 알려진이 사원은 매우 빈약 한 잔재로 우리 시대에 왔습니다.

소아시아 건축 개발의 가장 두드러진 특징은 기원전 353년경에 지어진 건물에 영향을 미쳤습니다. 건축가 Pytheas와 Satyr Halicarnassus Mausoleum-페르시아 지방 Carius의 통치자 인 Mausolus의 무덤.

영묘는 비율의 장엄한 조화가 아니라 그 규모의 웅장 함과 장엄한 장식의 풍부함에 깊은 인상을 받았습니다. 고대에는 세계 7대 불가사의로 꼽혔습니다. 영묘의 높이는 아마도 40-50m에 달했을 것이며 건물 자체는 그리스 질서 건축의 소아시아 지역 전통과 고전 동양에서 빌린 모티프를 결합한 다소 복잡한 구조였습니다. 15세기에 영묘는 심하게 손상되었으며 현재 정확한 재건이 불가능합니다. 가장 일반적인 기능 중 일부만이 과학자들 사이에서 논쟁을 일으키지 않습니다. 계획상으로는 정사각형에 가까운 직사각형이었다. 후속 계층과 관련된 첫 번째 계층은 주각으로 사용되었습니다. 영묘는 큰 사각형으로 지어진 거대한 돌 프리즘이었습니다. 네 모퉁이에서 첫 번째 층은 승마 조각상 옆에 있습니다. 이 거대한 돌 블록의 두께에는 왕과 그의 아내의 무덤이 서 있는 높은 아치형 방이 있었습니다. 두 번째 층은 이오니아 질서의 높은 열주로 둘러싸인 방으로 구성되었습니다. 기둥 사이에는 대리석 사자상이 놓여 있었습니다. 세 번째, 마지막 계층은 계단식 피라미드였으며 그 위에는 전차에 서있는 통치자와 그의 아내의 큰 인물이 배치되었습니다. Mausolus의 무덤은 세 줄의 프리즈로 둘러싸여 있었지만 건축 앙상블에서 정확한 위치는 확립되지 않았습니다. 모든 조각 작품은 Skopas를 포함한 그리스 거장에 의해 만들어졌습니다.

압도적인 힘과 지하층의 거대한 규모와 열주의 장엄함이 어우러져 왕의 권력과 권력의 위대함을 강조하기 위함이었다.

따라서 일반적으로 고전 건축과 예술의 모든 업적은 고대 사회의 불가피한 발전에 의해 생성된 고전과는 다른 새로운 사회적 목표에 기여했습니다. 개발은 정책의 낡은 고립에서 강력하지만 연약한 노예 소유 군주제로 진행되어 사회의 최상층이 노예 제도의 기반을 강화할 수 있게 했습니다.

4세기 조각 작품이지만. 기원전은 물론 고대 그리스 전역에서 주로 로마 사본으로 우리에게 전해졌다. 그러나 우리는 건축과 회화의 발전보다 이 시대의 조각 발전에 대해 훨씬 더 완전한 그림을 가질 수 있다. 4세기 미술에서 획득한 현실적 경향과 반현실적 경향의 얽힘과 투쟁. 기원전. 5세기보다 훨씬 더 심각하다. 5세기에 기원전. 주요 모순은 죽어가는 고풍의 전통과 발전하는 고전 사이의 모순이었습니다. 여기에서 4 세기 예술 자체의 발전에 대한 두 가지 방향이 명확하게 정의되었습니다.

한편으로는 고전의 전통을 형식적으로 계승한 일부 조각가들은 삶에서 추상화된 예술을 창조하여 날카로운 모순과 갈등에서 벗어나 냉정하고 차갑고 추상적으로 아름다운 이미지의 세계로 이끌었다. 이 예술은 그 발전경향에 따라 고전주의 예술의 현실주의적 정신에 적대적이었다. 그러나이 시대의 일반적으로 조각과 예술의 본질을 결정한 것은 Kephisodotus, Timothy, Briaxis, Leohar가 가장 눈에 띄는 대표자 인이 방향이 아닙니다.

후기 고전의 조각과 예술의 일반적인 성격은 주로 사실주의 예술가들의 창작 활동에 의해 결정되었습니다. 이러한 추세의 선두이자 가장 위대한 대표자는 Skopas, Praxiteles 및 Lysippus였습니다. 사실적 경향은 조각뿐만 아니라 회화(Apelles)에서도 널리 발전하였다.

그 시대의 사실주의 예술의 성취에 대한 이론적 일반화는 아리스토텔레스의 미학이었다. 그것은 4세기에 있었다. 기원전. 아리스토텔레스의 미학적 진술에서 후기 고전의 사실주의 원칙은 일관되고 상세한 정당화를 받았습니다.

4세기 예술의 두 경향의 반대. 기원전. 즉시 나타나지 않았습니다. 처음에는 4세기 초의 미술에서, 고급 고전에서 후기 고전으로 이행하는 시기에 이러한 경향은 같은 거장의 작품에서 때때로 모순적으로 얽혀 있었다. 따라서 Kefisodot의 예술은 그 자체로 서정적 인 영적 분위기 (Kephisodot의 아들 인 위대한 Praxiteles의 작업에서 더욱 발전됨)와 동시에 고의적 인 아름다움, 외적인 화려 함 및 우아함의 특징에 대한 관심을 가져 왔습니다. 그녀의 팔에 부의 신과 함께 세계의 여신을 묘사 한 Kefisodot "Eirene with Plutus"의 동상은 음모의 장르 해석, 부드러운 서정적 느낌과 같은 새로운 기능을 이미지를 이상화하려는 의심 할 여지없는 경향과 결합합니다. 외부적이고 다소 감상적인 해석에.

5세기의 사실주의 원칙과는 다른 사실주의에 대한 새로운 이해의 영향을 받은 최초의 조각가 중 한 사람. BC는 Alopeka의 Demetrius였으며 활동 시작은 5 세기 말로 거슬러 올라갑니다. 모든 징후로 그는 사실적인 그리스 예술의 가장 대담한 혁신가 중 한 명이었습니다. 그는 묘사되는 인물의 개별적인 특징을 진실되게 전달하기 위한 방법의 개발에 모든 관심을 기울였습니다.

5세기의 초상화 거장들 그들의 작품에서 그들은 그러한 세부 사항을 생략했습니다. 모습영웅화 된 이미지를 만들 때 중요하지 않은 사람의-Demetrius는 그리스 미술 역사상 처음으로 사람의 외모의 고유 한 개인적 외적 특징의 예술적 가치를 주장하는 길에 착수했습니다.

Demetrius 예술의 장점이자 동시에 한계는 기원전 375년경에 처형된 그의 철학자 Antisthenes 초상화의 살아남은 사본으로 어느 정도 판단할 수 있습니다. ,-그의 현실적인 열망이 특히 완전하게 표현 된 주인의 마지막 작품 중 하나. Antisthenes의 얼굴에는 깊은 주름으로 덮인 이마, 이빨없는 입, 헝클어진 머리카락, 흐트러진 수염, 고정되고 약간 우울한 표정과 같은 그의 특정한 개별 외모의 특징이 명확하게 표시됩니다. 그러나이 초상화에는 복잡한 심리적 특성이 없습니다. 사람의 영적 영역을 특징 짓는 작업을 개발하는 데있어 가장 중요한 업적은 Scopas, Praxiteles 및 Lysippus와 같은 후속 마스터에 의해 이미 수행되었습니다.

4세기 전반부의 가장 큰 대가. 기원전. 스코파스였다. 스코파스의 작품에서 그의 시대의 비극적 모순은 가장 심오한 예술적 표현을 발견했습니다. Peloponnesian 및 Attic 학교의 전통과 밀접한 관련이 있는 Skopas는 기념비적이고 영웅적인 이미지를 만드는 데 전념했습니다. 이로써 하이클래식의 전통을 이어가는 듯했다. Scopas의 작업은 엄청난 내용과 활력이 놀랍습니다. 높은 고전의 영웅과 마찬가지로 Scopas의 영웅은 계속해서 강하고 용감한 사람들의 가장 아름다운 특성을 구현합니다. 그러나 그들은 모든 영적 세력의 격렬한 극적인 긴장으로 인해 고전의 이미지와 구별됩니다. 영웅적 위업은 더 이상 정책의 모든 합당한 시민에게 자연스러운 행동의 성격을 갖지 않습니다. Scopas의 영웅들은 비정상적인 힘의 압박을 받고 있습니다. 열정의 쇄도는 하이 클래식에 내재된 조화로운 선명도를 깨뜨리지만, 다른 한편으로는 Scopas의 이미지에 엄청난 표현, 개인적이고 열정적인 경험의 터치를 제공합니다.

동시에 Scopas는 폴리스 전성기에 만들어진 윤리적 미적 이상의 비극적 위기를 간접적으로 반영하여 고통의 모티프, 내부 비극적 골절을 고전 예술에 도입했습니다.

거의 반세기에 가까운 활동 기간 동안 Skopas는 조각가뿐만 아니라 건축가로도 활동했습니다. 그의 작품 중 아주 작은 부분만이 우리에게 전해졌다. 고대에 그 아름다움으로 유명했던 테게아의 아테나 신전에서 내려온 것은 빈약한 파편뿐이지만 그것으로도 작가의 작품의 용기와 깊이를 판단할 수 있다. 건물 자체 외에도 Skopas는 조각 장식도 완성했습니다. 서쪽 페디먼트에는 카익 계곡에서 아킬레우스와 텔레포스의 전투 장면이 그려져 있고, 동쪽 페디먼트에는 멜레아그로스와 아탈란타가 칼레도니아 멧돼지를 사냥하는 모습이 그려져 있다.

볼륨의 일반적인 해석에 따르면 서쪽 페디먼트에서 부상당한 전사의 머리는 Polykleitos에 가까운 것 같습니다. 그러나 던져진 머리의 성급한 애처로운 회전, chiaroscuro의 날카 롭고 불안한 플레이, 고통스럽게 아치형 눈썹, 반쯤 열린 입은 높은 고전이 알지 못했던 열정적 인 표현력과 경험의 드라마를 제공합니다. 이 머리의 특징은 정신적 긴장의 강도를 강조하기 위해 얼굴의 조화 구조를 위반하는 것입니다. 눈썹 윗부분과 안구 위쪽 아치가 일치하지 않아 드라마틱한 불협화음이 만들어집니다. 그것은 조형 형태의 가장 미묘한 뉘앙스, 특히 의미론적 의미가 있을 때 눈이 민감한 고대 그리스인에 의해 상당히 지각 가능하게 포착되었습니다.

Scopas는 그리스 고전의 거장 중 처음으로 대리석에 결정적인 선호도를 부여했으며, 고급 고전의 거장, 특히 Myron과 Polikleitos가 가장 좋아하는 재료 인 청동 사용을 거의 포기한 것이 특징입니다. 실제로 빛과 그림자의 따뜻한 유희를 제공하여 미묘하거나 날카로운 질감 대비를 달성할 수 있는 대리석은 명확하게 주조된 형태와 명확한 실루엣 가장자리로 인해 청동보다 Scopas의 작업에 더 가깝습니다.

작고 손상된 골동품 사본으로 우리에게 내려온 대리석 "Maenad"는 격렬한 열정의 폭발에 사로 잡힌 남자의 이미지를 구현합니다. 자신의 열정을 당당하게 다스릴 수 있는 영웅의 이미지를 구현한 것이 아니라, 사람을 품고 있는 남다른 황홀한 열정을 드러내는 것이 매나드의 특징이다. 흥미롭게도 Scopas의 Maenad는 5세기의 조각품과 달리 모든 방향에서 볼 수 있도록 설계되었습니다.

술에 취한 매나드의 춤은 격렬하다. 그녀의 머리는 뒤로 젖혀지고, 무거운 파도로 이마에서 뒤로 던져진 머리카락은 어깨까지 떨어집니다. 옆으로 잘린 짧은 키톤의 날카롭게 구부러진 주름의 움직임은 신체의 폭력적인 충동을 강조합니다.

우리에게 내려온 무명의 그리스 시인의 4행시가 일반적인 내용을 잘 전달한다. 비유적 체계"매나드":

Parian 돌 - Bacchante. 그러나 조각가는 돌에 영혼을 부여했습니다. 그리고 술에 취한 듯 벌떡 일어나 춤을 추었다. 미친 듯이 죽인 염소로 이 ​​매나드를 창조하신 당신은 숭배에 새겨진 기적을 행하셨습니다, 스코파스.

Scopas 서클의 작품에는 Caledonian 멧돼지에 대한 신화적인 사냥의 영웅인 Meleager의 동상도 포함됩니다. 비율 체계에 따르면 동상은 일종의 Polikleitos 정경 처리입니다. 그러나 Skopas는 Meleager의 머리를 빠르게 돌리는 것을 날카롭게 강조하여 이미지의 애처로운 성격을 강화했습니다. Scopas는 신체 비율에 큰 조화를 이루었습니다. 일반적으로 아름답지만 Polykleitos보다 더 신경질적으로 표현되는 얼굴과 몸의 형태에 대한 해석은 감정이 특징입니다. Skopas는 Meleager에서 불안과 불안의 상태를 전달했습니다. 영웅의 감정을 직접적으로 표현하는 데 대한 관심은 주로 인간의 영적 세계의 무결성과 조화를 침해하는 Scopas와 관련이 있음이 밝혀졌습니다.

Scopas의 커터는 분명히 4 세기 상반기부터 가장 잘 보존 된 아름다운 묘비에 속합니다. 기원전. 이것은 Ilissus 강에서 발견된 "젊은이의 묘비"입니다. 그것에 묘사 된 대화의 특별한 드라마에서 이런 종류의 대부분의 부조와 다릅니다. 그리고 세상을 떠난 청년과 그에게 슬프고 사려 깊게 작별 인사를하는 수염 난 노인, 그리고 잠에 빠져 죽음을 의인화하는 앉은 소년의 구부러진 모습-그들 모두는 명확하고 차분한 명상으로 가득 차 있습니다. , 그리스 묘비에 일반적이지만 특별한 생명의 깊이와 느낌의 강도로 구별됩니다.

Scopas의 가장 주목할만한 최신 작품 중 하나는 Halicarnassus Mausoleum을 위해 만들어진 그리스인과 Amazons의 투쟁을 묘사하는 부조입니다.

위대한 주인은 다른 그리스 조각가 인 Timothy, Briaxis 및 젊은 Leohar와 함께이 장대 한 작업에 참여하도록 초대되었습니다. Scopas의 예술적 스타일은 그의 동료들이 사용하는 예술적 수단과 현저하게 달랐으며 이로 인해 Mausoleum frieze의 살아남은 리본에서 그가 만든 부조를 골라 낼 수 있습니다.

Great Panathenaic Phidias의 프리즈와 비교하면 Scopas의 Halicarnassus 프리즈의 특징 인 새로운 것을 특히 명확하게 볼 수 있습니다. Panathenaic frieze에서 인물의 움직임은 모든 중요한 다양성과 함께 점진적이고 일관되게 발전합니다. 행렬 움직임의 고른 축적, 정점 및 완성은 완전하고 조화로운 전체의 인상을 만듭니다. Halicarnassian "Amazonomachia"에서 고르고 점진적으로 증가하는 움직임은 단호하게 대조되는 반대, 갑작스런 일시 중지, 날카로운 움직임의 움직임의 리듬으로 대체됩니다. 빛과 그림자의 대비, 옷의 펄럭이는 주름은 구성의 전체적인 드라마를 강조합니다. "Amazonomachia"는 높은 고전의 숭고한 파토스가 없지만 다른 한편으로는 열정의 충돌, 투쟁의 괴로움이 탁월한 힘으로 보여집니다. 이것은 강하고 근육질의 전사와 날씬하고 가벼운 아마존의 빠른 움직임에 대한 반대에 의해 촉진됩니다.

프리즈의 구성은 필드 전체에 점점 더 많은 새로운 그룹을 자유롭게 배치하여 다음과 같이 반복됩니다. 다양한 옵션무자비한 싸움의 같은 주제. 특히 표현력이 뛰어난 것은 그리스 전사가 방패를 앞으로 밀고 등을 기대고 도끼로 팔을 들고 있는 날씬하고 반쯤 벗은 아마존을 공격하는 부조입니다. 발전: 아마존이 무너졌다. 팔꿈치를 땅에 대고 약해진 손으로 부상자를 무자비하게 마무리하는 그리스인의 타격을 격퇴하려고합니다.

한 손으로 방패를 잡고 다른 손으로 치명타를 가한 아마존의 공격에 저항하기 위해 날카롭게 뒤로 기대는 전사를 묘사하는 구호는 웅장합니다. 이 그룹의 왼쪽에는 뜨거운 말을 타고 있는 아마존이 있습니다. 그녀는 뒤로 물러나 앉아 그녀를 쫓는 적에게 다트를 던집니다. 말은 등을 기대고 있는 전사를 거의 뛰어넘을 뻔했습니다. 기수와 전사의 상반된 움직임의 날카로운 충돌과 아마존의 비정상적인 상륙은 대비로 구성의 전체 드라마를 향상시킵니다.

우리에게 내려온 Scopas 프리즈의 세 번째 슬래브 조각에있는 전차의 모습은 뛰어난 힘과 긴장감으로 가득 차 있습니다.

Scopas의 예술은 현대와 후기 그리스 예술 모두에 큰 영향을 미쳤습니다. 예를 들어 Scopas의 직접적인 영향으로 Pytheas(Halicarnassus Mausoleum의 건축자 중 한 명)는 Mausolus와 그의 아내 Artemisia의 기념비적인 조각 그룹을 만들어서 Mausoleum 꼭대기의 quadriga에 서 있습니다. 약 3m 높이의 마우솔로스 동상은 비율, 옷주름 등의 발달에 있어서 정통 그리스식 명료함과 조화로움을 본래 그리스적이지 않은 마우솔로스의 이미지와 결합하고 있다. 그의 넓고 엄격하며 약간 슬픈 얼굴, 긴 머리, 길게 떨어지는 콧수염은 다른 나라 대표의 독특한 민족적 모습을 전달할뿐만 아니라 그 당시 조각가들이 사람의 영적 삶을 묘사하는 데 관심이 있음을 증언합니다. 에베소에 있는 새로운 아르테미스 신전의 기둥 바닥에 있는 미세한 양각은 스코파스의 예술 분야에 기인할 수 있습니다. 날개 달린 천재의 온화하고 사려 깊은 모습이 특히 매력적이다.

스코파스의 젊은 동시대인들 중에서 다락방 거장 프락시텔레스의 영향만이 스코파스만큼 지속적이고 심오했습니다.

Skopas의 폭풍우와 비극적 인 예술과는 달리 그의 작품에서 Praxiteles는 명확하고 순수한 조화와 차분한 사려 깊음의 정신이 깃든 이미지를 말합니다. Scopas의 영웅은 거의 항상 격렬하고 성급한 행동을 취하며 Praxiteles의 이미지는 일반적으로 명확하고 고요한 묵상 분위기로 가득 차 있습니다. 그러나 Skopas와 Praxiteles는 서로를 보완합니다. 다른 방식이지만 Skopas와 Praxiteles는 모두 인간 영혼의 상태, 인간의 감정을 드러내는 예술을 만듭니다. Scopas와 마찬가지로 Praxiteles는 고유 한 개별 기능이없는 아름다운 사람의 일반화 된 이미지를 넘어서지 않고 사람의 영적 삶의 풍요 로움과 아름다움을 드러내는 방법을 찾고 있습니다. Praxiteles의 동상에서 남자는 이상적으로 아름답고 조화롭게 발전한 것으로 묘사됩니다. 이런 점에서 Praxiteles는 Scopas보다 고급 고전의 전통과 더 밀접하게 관련되어 있습니다. 더욱이 Praxiteles의 최고의 작품은 많은 고전 작품보다 영적 삶의 그늘을 전달하는 데 더 큰 은혜와 미묘함으로 구별됩니다. 그럼에도 불구하고 Praxiteles의 모든 작품을 "Moiras"와 같은 고급 고전의 걸작과 비교하면 Praxiteles의 예술 업적이 영웅적인 생명 긍정 정신의 상실, 그 조합을 위해 높은 가격에 구입되었음을 분명히 알 수 있습니다. 전성기의 작품에서 달성된 기념비적인 웅장함과 자연스러운 단순함.

초기 작품 Praxiteles는 여전히 고전 예술의 예와 직접적으로 연결되어 있습니다. 따라서 "Satire Pouring Wine"에서 Praxiteles는 Polycletic 캐논을 사용합니다. Satyr가 평범한 로마 사본으로 우리에게 전해졌지만 그럼에도 불구하고 Praxiteles가 Polykleitos 정경의 장엄한 엄격함을 부드럽게했다는 것은 이러한 사본에서 분명합니다. satyr의 움직임은 우아하고 그의 모습은 날씬합니다.

프락시텔레스(기원전 350년경)의 성숙한 문체의 작품은 그의 <휴식하는 사티로스>이다. Praxiteles의 satyr는 우아하고 사려 깊은 청년입니다. 그의 "신화적" 기원을 연상시키는 사티로스의 외모에서 유일한 세부 사항은 날카로운 "사티로스" 귀입니다. 그러나 그들은 두꺼운 머리카락의 부드러운 컬에 빠져 거의 보이지 않습니다. 휴식을 취하고 있는 아름다운 청년이 아무렇지도 않게 팔꿈치를 나무 줄기에 기대고 있었습니다. 미세한 조형은 물론, 몸의 표면 위로 부드럽게 미끄러지는 그림자는 숨쉬는 느낌, 삶의 경외감을 만들어냅니다. 두터운 주름과 거친 질감으로 어깨 너머로 드리워진 스라소니 피부는 남다른 생명력과 몸의 따뜻함을 돋보이게 한다. 깊은 눈이 응시한다 세계, 그의 입술에는 부드럽고 약간 교활한 미소가 그의 오른손에는 방금 연주 한 플루트입니다.

프락시텔레스의 숙달은 그의 "아기 디오니소스와 함께 쉬고 있는 헤르메스"와 "크니도스의 아프로디테"에서 가장 완벽하게 드러났다.

헤르메스는 도중에 멈춘 것으로 묘사됩니다. 그는 아무렇지도 않게 나무 줄기에 기대어 있다. 보존되지 않은 오른손에서 Hermes는 유아 Dionysus가 손을 뻗는 포도 다발을 들고 있었던 것 같습니다 (그의 비율은 고전 예술의 어린이 이미지에서 흔히 볼 수 있듯이 유치하지 않습니다). 이 동상의 예술적 완성도는 조각가가 헤르메스의 아름다운 얼굴에 줄 수 있었던 깊고 미묘한 영성의 표현에서 그 사실주의가 두드러지는 이미지의 생명력에 있습니다.

빛과 그림자의 부드럽고 반짝이는 유희를 창조하고 형태의 움직임에 있어 미세한 질감의 뉘앙스와 모든 음영을 전달하는 대리석의 능력은 Praxiteles에 의해 처음으로 그러한 기술로 개발되었습니다. 물질의 예술적 가능성을 훌륭하게 사용하여 인간 이미지의 아름다움에 대한 매우 중요하고 영적인 공개 작업에 종속시키는 Praxiteles는 강력하고 우아한 헤르메스 인물의 움직임의 모든 고귀함을 전달합니다. 근육의 유연성, 몸의 따뜻함과 탄력있는 부드러움, 곱슬 머리의 그림 같은 그림자 놀이, 사려 깊은 표정의 깊이.

Cnidus의 Aphrodite에서 Praxiteles는 옷을 벗고 물에 들어갈 준비가 된 아름다운 나체 여성을 묘사했습니다. 빛과 그림자의 날카로운 유희와 함께 버려진 옷의 연약하고 무거운 주름은 몸의 날씬한 형태, 차분하고 부드러운 움직임을 강조합니다. 조각상은 컬트 목적으로 만들어졌지만 그 안에는 신성한 것이 없습니다. 정확히 아름다운 지상 여성입니다. 벌거 벗은 여성의 몸은 드물지만 이미 높은 고전 조각가 (Ludovisi 왕좌의 "Girl flutist", Thermae Museum의 "Wounded Niobida"등)의 관심을 끌었지만 처음으로 벌거 벗은 여신 의도된 목적을 위해 컬트 조각상에서 처음으로 이미지가 엄숙함과 위엄이 없는 모습으로 묘사되었습니다. 그러한 동상의 출현은 오래된 신화 적 아이디어가 마침내 의미를 잃었고 4 세기 그리스인 때문에 가능했습니다. 기원전. 예술 작품의 미적 가치와 생생한 표현력이 컬트의 요구 사항과 전통을 준수하는 것보다 더 중요해 보이기 시작했습니다. 이 조각상의 역사, 로마 과학자 Pliny는 다음과 같이 설명합니다.

“... Praxiteles뿐만 아니라 일반적으로 우주에 존재하는 모든 작품은 그의 작품의 금성입니다. 그녀를 만나기 위해 많은 사람들이 Knidos로 항해했습니다. Praxitel은 두 개의 금성 동상을 동시에 만들고 판매했지만 하나는 옷으로 덮여있었습니다. 선택할 권리가있는 Kos 주민들이 선호했습니다. Praxiteles는 두 동상에 대해 동일한 가격을 청구했습니다. 그러나 코스의 주민들은 이 동상이 진지하고 겸손하다는 것을 인식했습니다. 그들이 거부하고 Cnidians가 샀습니다. 그리고 그녀의 명성은 엄청나게 높았습니다. Tsar Nicomedes는 나중에 Cnidians로부터 그녀를 사고 싶었고 그들이 빚진 모든 막대한 빚에 대해 Cnidians의 상태를 용서하겠다고 약속했습니다. 그러나 Cnidians는 동상과 헤어지기보다는 모든 것을 견디는 것을 선호했습니다. 그리고 헛된 것이 아닙니다. 결국 Praxiteles는이 동상으로 Cnidus의 영광을 만들었습니다. 이 동상이 있는 건물은 사방에서 볼 수 있도록 모두 개방되어 있습니다. 더욱이 그들은 이 조각상이 여신 자신의 호의적인 참여로 세워졌다고 믿고 있다. 그리고 한쪽에서 그것이 일으키는 기쁨은 적지 않습니다 ... ".

Cnidus의 Aphrodite는 특히 헬레니즘 시대에 많은 반복과 모방을 일으켰습니다. 그러나 그들 중 누구도 원본과 비교할 수 없었습니다. 나중에 모방자들은 아프로디테에서 아름다운 여성의 몸에 대한 관능적인 이미지만을 보았습니다. 사실 이 이미지의 실제 내용은 훨씬 더 중요합니다. "Cnidus의 아프로디테"는 사람의 육체적 아름다움과 영적 아름다움의 완성에 대한 감탄을 구현합니다.

"Cnidian Aphrodite"는 Praxiteles 시대로 거슬러 올라가는 수많은 사본과 변형으로 우리에게 왔습니다. 그들 중 최고는 아프로디테의 모습이 전체적으로 보존 된 바티칸 및 뮌헨 박물관의 사본이 아니라 (너무 높지 않은 위엄의 사본입니다) 나폴리 "아프로디테의 몸통"과 같은 동상입니다. 프락시텔레스 특유의 생각에 잠긴 표정과 부드러운 표정의 부드러움이 탁월하게 전달되는 이른바 '아프로디테 카우프만'의 경이로운 머리. "Aphrodite Khvoshchinsky"의 몸통은 또한 푸쉬킨 미술관의 골동품 컬렉션에서 가장 아름다운 기념물 인 Praxiteles로 올라갑니다.

Praxiteles의 예술의 중요성은 또한 신화적인 주제에 대한 그의 작품 중 일부가 전통적인 이미지를 일상 생활의 영역으로 번역했다는 사실에 있습니다. "Apollo Saurokton"의 조각상은 본질적으로 손재주를 발휘하는 그리스 소년일 뿐입니다. 그는 달리는 도마뱀을 화살로 찌르려고 합니다. 이 날씬한 젊은 몸의 은총에는 신성한 것이 없으며 신화 자체는 예기치 않은 장르-서정적 재검토를 거쳐 이전의 전통적인 그리스 아폴로 이미지가 남아 있지 않습니다.

Gabia의 Artemis는 동일한 은혜로 구별됩니다. 자연스럽고 자유로운 몸짓으로 어깨에 옷을 맞추는 젊은 그리스 여성은 아폴로의 누이 인 엄격하고 자랑스러운 여신처럼 보이지 않습니다.

Praxiteles의 작품은 특히 작은 테라코타 플라스틱에서 끝없는 변형으로 반복되었다는 사실로 표현되는 폭 넓은 인정을 받았습니다. 모든 구조에서 "Gabii의 Artemis"에 가깝습니다. 예를 들어 망토에 싸인 소녀의 멋진 Tanagra 입상 및 기타 많은 것 (예 : "Aphrodite in the shell"). 이름으로 우리에게 알려지지 않은 겸손한 거장들의 작품에서 Praxiteles 예술의 최고의 전통은 계속 살아 남았습니다. 그의 재능의 특징 인 미묘한 삶의시는 무수한 차갑고 귀엽거나 달콤하고 감성적 인 발언보다 불균형 적으로 더 많이 보존됩니다. 유명한 거장헬레니즘과 로마 조각.

4세기 중반의 일부 조각상도 매우 가치가 있습니다. 기원전. 알려지지 않은 장인이 만들었습니다. 그들은 Scopas와 Praxiteles의 현실적인 발견을 독특하게 결합하고 다양화합니다. 예를 들어, 20세기에 발견된 에페베의 청동상입니다. 마라톤 근처 바다에서 ( "마라톤에서 온 청년"). 이 조각상은 Praxitelean 예술의 모든 회화 및 조직 기술로 청동 기술이 풍부해진 예를 제공합니다. Praxiteles의 영향은 비율의 우아함과 소년의 전체 모습의 부드러움과 사려 깊음 모두에 반영되었습니다. "Eubouleus의 머리"는 또한 Praxiteles의 범위에 속하며 세부 사항뿐만 아니라 특히 훌륭하게 렌더링됩니다. 구불 거리는 머리카락, 그러나 또한 무엇보다도 영적 미묘함을 가지고 있습니다.

스코파스와 프락시텔레스의 작업에서 기원전 4세기 전반의 예술이 직면한 과제는 가장 생생하고 완전한 해결책을 찾았습니다. 그들의 작품은 모든 혁신적인 특성에도 불구하고 여전히 고전의 원칙과 예술과 밀접하게 연결되어 있습니다. 세기 후반, 특히 마지막 1/3의 예술 문화에서 높은 고전의 전통과의 연결은 덜 직접적이며 부분적으로 손실됩니다.

여러 주요 정책의 대노예 소유주들의 지원을 받는 마케도니아가 그리스 문제에서 패권을 차지한 것은 이 기간 동안이었습니다.

구 민주주의의 지지자, 폴리스의 독립과 자유의 수호자는 영웅적인 저항에도 불구하고 결정적인 패배를 겪었습니다. 이 패배는 정책과 그 정치 구조가 노예 소유 사회의 발전에 필요한 조건을 제공하지 않았기 때문에 역사적으로 불가피했습니다. 노예혁명의 성공과 노예소유제도의 근간 자체를 철폐하기 위한 역사적 전제조건은 아직 존재하지 않았다. 더욱이 유명한 아테네 연설가 Demosthenes와 같은 폴리스의 오래된 자유와 마케도니아 확장의 적에 대한 가장 일관된 수호자조차도 노예 제도를 전복시킬 생각을 전혀하지 않았으며 자유 부분의 많은 부분의 이익만을 표명했습니다. 옛 노예 소유 민주주의의 원칙에 헌신한 인구의 그러므로 그들의 원인의 역사적 파멸. 기원전 4세기의 마지막 10년 그리스에서 마케도니아의 헤게모니를 수립하게 된 시대일 뿐만 아니라 고대 역사의 새로운 장을 연 알렉산더 대왕의 동방 원정(기원전 334-325년)의 시대이기도 했다. 사회 - 소위 헬레니즘.

당연히 낡은 것의 급격한 해체와 새로운 것의 탄생이라는 이 시대의 과도기적 성격이 예술에 반영되지 않을 수 없다.

그 시대의 예술 문화에서는 삶에서 추상화 된 사이비 고전 예술과 현실의 예술적 반영을위한 수단을 찾기 위해 고전적 사실주의의 전통을 재 작업하려는 현실적이고 진보 된 예술 사이의 투쟁이있었습니다. 이미 5세기와는 달랐다.

후기 고전 예술의 이상화 추세가 특히 명확하게 반현실적 성격을 드러내는 것은 이 시기였습니다. 실제로 4 세기 전반에도 삶과의 완전한 격리가 이루어졌습니다. 기원전. 이상화 방향의 작품들은 차가운 추상성과 인공성의 특징을 보인다. 예를 들어 "Eirena with Plutos"동상의 저자 인 Kefisodot와 같은 세기 전반기 거장들의 작품에서 고전 전통이 어떻게 중요한 내용을 점차 잃어 버렸는지 알 수 있습니다. 이상화 방향의 조각가의 기술은 때때로 겉으로는 아름답지만 본질적으로 진정한 삶을 설득력있는 작품이 없는 형식 기술의 거장 숙달로 귀결되었습니다.

세기 중반, 특히 4세기 후반에는 본질적으로 삶에서 도피하는 이 보수적 경향이 특히 널리 발전했습니다. 이 경향의 예술가들은 새로운 군주제를 장식하고 높이며 대규모 노예 소유자의 반민주적 미적 이상을 확인하도록 설계된 차갑고 엄숙한 공식 예술 창작에 참여했습니다. 이러한 경향은 Halicarnassus 영묘를 위해 Timothy, Briaxis 및 Leochar가 세기 중반에 만든 부조에서 상당히 두드러졌습니다.

의사 고전 방향의 예술은 알렉산더 대왕의 궁정 화가가 된 아테네 인 Leochar의 작품에서 가장 일관되게 드러났습니다. Philippeion을 위해 마케도니아 왕조 왕의 여러 chrysoelephantine 동상을 만든 사람은 바로 그 사람이었습니다. 차갑고 호화로운 고전화, 즉 고전적 형태를 외적으로 모방하는 Leochar의 작품 스타일은 떠오르는 Alexander 군주제의 요구를 충족했습니다. 마케도니아 군주제를 찬양하는 데 전념하는 Leochar의 작품 스타일에 대한 아이디어는 그의 영웅화 된 Alexander the Great 초상화의 로마 사본에 의해 제공됩니다. Alexander의 벌거 벗은 모습은 추상적이고 이상적인 성격을 가졌습니다.

외부 적으로 그의 조각 그룹 "제우스의 독수리에 의해 납치 된 가니메데"는 또한 가니메데의 달콤한 이상화가 장르와 일상적인 모티프 묘사에 대한 관심과 특이하게 얽혀있는 장식적인 성격을 가졌습니다. 가니메데가 떨어뜨림).

Leohar의 작품 중 가장 중요한 것은 유명한 "Apollo Belvedere"( "Apollo Belvedere"- 한 때 Vatican Belvedere (오픈 로지아)에 있던 Leochar의 청동 원본에서 우리에게 내려온 로마 대리석 사본의 이름).

수세기 동안 Apollo Belvedere는 그리스 고전 예술의 최고 품질을 구현하는 것으로 제시되었습니다. 그러나 그들은 19세기에 널리 알려지게 되었습니다. 진정한 고전 작품, 특히 파르테논 신전의 조각품은 "Apollo Belvedere"의 미적 가치의 전체 상대성을 분명히했습니다. 물론 이 작품에서 레오하르는 자신의 기술을 완벽하게 마스터한 예술가이자 훌륭한 해부학 감정가임을 보여주었다. 그러나 아폴로의 이미지는 내적으로 중요하기보다 외적으로 더 장관입니다. 헤어 스타일의 화려 함, 머리의 거만한 회전, 제스처의 잘 알려진 연극 성은 고전의 진정한 전통과는 깊이 이질적입니다.

차갑고 다소 오만한 웅장 함이 가득한 유명한 "베르사유의 아르테미스"동상도 레오 차르의 원에 가깝습니다.

리시포스는 이 시대의 사실주의적 경향의 가장 위대한 예술가였다. 당연히 Lysippus의 사실주의는 높은 고전의 사실주의 원칙과 그의 직계 전임자 인 Skopas 및 Praxiteles의 예술과 크게 달랐습니다. 그러나 Lysippus는 Praxiteles, 특히 Scopas의 예술 전통과 매우 밀접하게 관련되어 있다는 점을 강조해야 합니다. 후기 고전의 마지막 거장 인 Lysippus의 예술과 그의 전임자들의 작업에서 인간 경험의 내면 세계와 사람 이미지의 특정 개별화를 드러내는 작업이 해결되었습니다. 동시에 Lysippus는 이러한 예술적 문제를 해결하기 위해 새로운 음영을 도입했으며 가장 중요한 것은 완벽한 아름다운 사람의 이미지 생성을 예술의 주요 작업으로 간주하지 않았다는 것입니다. 예술가로서 Lysippus는 사회 생활의 새로운 조건이 이러한 이상에 대한 진지한 생명력을 박탈한다고 느꼈습니다.

물론 고전 예술의 전통을 이어가면서 Lysippus는 그 시대 사람의 특징을 구현하는 일반화 된 전형적인 이미지를 만들려고 노력했습니다. 그러나이 기능 자체,이 사람에 대한 예술가의 태도 자체는 이미 크게 달랐습니다.

첫째, Lysippus는 폴리스의 자유 시민 팀의 일원, 조화롭게 발전된 성격으로 사람을 특징 짓는 기능이 아니라 그의 나이, 직업의 특성에서 이미지의 전형적인 사람을 묘사하는 근거를 찾습니다. , 하나 또는 다른 심리적 유형의 성격에 속합니다. . 따라서 Lysippus가 모든 고유한 독창성으로 개인의 이미지를 언급하지는 않지만 그럼에도 불구하고 그의 일반적으로 일반화 된 이미지는 고급 고전 이미지보다 다양합니다. Lysippus의 작업에서 특히 중요한 새로운 기능은 사람의 이미지에서 이상적으로 완벽하지 않고 특징적으로 표현되는 것을 드러내는 데 관심이 있다는 것입니다.

둘째, Lysippus는 그의 작품에서 개인적인 인식의 순간을 어느 정도 강조하고 묘사 된 사건에 대한 그의 감정적 태도를 전달하려고합니다. Pliny에 따르면 Lysippus는 고대인들이 사람들을 실제 모습으로 묘사했다면 Lysippus는 보이는 그대로라고 말했습니다.

Lysippus는 또한 고전 조각의 전통적인 장르 틀의 확장을 특징으로 합니다. 그는 넓은 지역을 장식하고 도시 앙상블에서 자신의 위치를 ​​차지하도록 설계된 거대한 기념비적 조각상을 많이 만들었습니다. 가장 유명한 것은 3-2 세기 예술의 전형적인 거대한 동상의 출현을 예상하는 20m 높이의 웅장한 제우스 동상이었습니다. 기원전. 이렇게 거대한 동상이 만들어지게 된 것은 초자연적인 웅장함과 이미지의 힘에 대한 당대 예술의 욕망뿐만 아니라 공학과 수학적 지식의 발달 때문이기도 했다. 제우스 조각상에 대한 Pliny의 말은 특징적입니다. Lysippus는 거대한 동상의 건설과 함께 작은 방 크기의 조각상을 만드는 데 관심을 기울였습니다. 이는 공공 재산이 아닌 개인의 재산이었습니다. 이것은 알렉산더 대왕이 개인적으로 소유했던 앉은 헤라클레스를 묘사한 테이블 입상입니다. 또한 새로운 것은 조각의 회화적 가능성의 범위를 확실히 확장시킨 원형 조각의 현대 역사적 주제에 대한 대형 다중 형상 구성의 개발에 대한 Lysippus의 호소였습니다. 예를 들어 유명한 그룹 "Granicus 전투의 Alexander"는 25 명의 전투 승마 인물로 구성되었습니다.

Lysippus 예술의 본질에 대한 상당히 명확한 아이디어는 그의 작품에서 나온 수많은 로마 사본을 통해 우리에게 제공됩니다.

인간의 이미지에 대한 Lysippus의 이해는 특히 그의 유명한 고대 청동상 "Apoxiomen"에서 생생하게 구현되었습니다. Lysippus는 스포츠 경기 중에 몸에 붙은 스크레이퍼로 경기장의 모래를 청소하는 청년을 묘사했습니다. 이 조각상에서 작가는 그가 경험한 투쟁의 스트레스 이후에 청년을 사로잡은 피로의 상태를 매우 표현적으로 전달했습니다. 운동 선수의 이미지에 대한 이러한 해석은 예술가가 예를 들어 모든 힘의 최대 긴장 상태에서 영웅을 보여주고 자하는 욕구가 특징 인 그리스 고전 예술의 전통을 결정적으로 깨뜨린다는 것을 암시합니다. , 예를 들어 Polikleitos의 Doryphoros에서와 같이 Scopas 또는 용감하고 강하며 위업을 달성 할 준비가 된 작품에서. Lysippus에서 그의 Apoxyomenos에는 영웅주의가 없습니다. 그러나 이미지에 대한 이러한 해석은 Lysippus에게 시청자의 삶에 대한보다 직접적인 인상을 불러 일으키고 Apoxyomenes의 이미지에 최고의 설득력을 부여하여 영웅이 아니라 젊은 운동 선수만을 보여줄 수있는 기회를 제공합니다.

그러나 Lysippus가 전형적인 이미지 생성을 거부한다고 결론을 내리는 것은 잘못된 것입니다. Lysippus는 사람의 내면 세계를 드러내는 임무를 설정하지만 높은 고전의 거장처럼 캐릭터의 영구적이고 안정적인 속성의 이미지를 통해서가 아니라 사람의 경험을 전달합니다. Apoxyomeno에서 Lysippus는 내면의 평화와 안정적인 균형이 아니라 복잡하고 모순적인 분위기 변화를 보여주고 싶어합니다. 이미 그 청년이 경기장에서 겪었던 투쟁을 연상시키는 줄거리 모티프는 시청자에게 이 날씬한 젊은 몸이 견뎌낸 모든 육체적, 정신적 힘의 열정적 인 노력을 상상할 수있는 기회를 제공합니다.

따라서 구성의 동적 선명도와 복잡성이 있습니다. 청년의 모습은 그대로 불안정하고 변덕스러운 움직임으로 스며든다. 이 움직임은 공간에서 자유롭게 전개됩니다. 청년은 왼쪽 다리에 기댄다. 그의 오른쪽 다리는 뒤쪽으로 옆으로 놓여 있습니다. 가늘고 강한 다리로 쉽게 운반되는 몸은 약간 앞으로 기울어지고 동시에 급회전합니다. 특히 복잡한 턴에서 강한 목에 심어진 표현력이 풍부한 머리가 주어집니다. Apoxyomenes의 머리는 오른쪽으로 향하고 동시에 왼쪽 어깨쪽으로 약간 기울어집니다. 어둡고 깊은 눈은 지친 듯 먼 곳을 응시합니다. 그녀의 머리카락은 불안한 가닥으로 헝클어졌습니다.

그림의 복잡한 단축법과 회전은 그림의 움직임에서 점점 더 표현력이 풍부한 음영이 드러나는 점점 더 많은 새로운 관점을 찾도록 시청자를 매료시킵니다. 이 기능은 조각 언어의 가능성에 대한 Lisippo의 이해의 깊은 독창성입니다. Apoxyomenos에서 각 관점은 이미지 인식에 필수적이며 이러한 인식에 근본적으로 새로운 것을 도입합니다. 그래서 예를 들어 동상 주위를 걸을 때 정면에서 바라볼 때 인물의 빠른 에너지의 인상은 점차 피로감으로 대체됩니다. 그리고 시간이 지남에 따라 번갈아 나타나는 인상을 비교해야만 시청자는 Apoxyomenes 이미지의 복잡하고 모순적인 특성을 완전히 이해할 수 있습니다. Lysippus가 개발한 조각 작품을 우회하는 이 방법은 예술적 언어조각품.

그러나 여기서도 진보는 높은 가격, 즉 높은 고전 이미지의 명확한 무결성과 단순성을 포기한 대가로 구입했습니다.

Lysippus 또는 그의 학생 중 한 명이 만든 Apoxyomenos "Hermes Resting"에 가깝습니다. 헤르메스는 절벽 끝에 잠시 앉아 있는 것 같았다. 작가는 여기에서 평화와 약간의 피로, 그리고 동시에 신속하게 빠른 비행을 계속할 에르메스의 준비 상태를 전달했습니다. Hermes의 이미지에는 깊은 도덕적 내용이 없으며 5 세기 작품의 명확한 영웅주의도, Scopas의 열정적 인 충동도, Praxitele 이미지의 세련된 서정도 포함되어 있지 않습니다. 그러나 반면에 헤르메스 신의 빠르고 손재주있는 전령의 특징적인 외형은 생생하고 표현력있게 전달됩니다.

이미 언급했듯이 Lysippus는 특히 그의 조각상에서 한 상태에서 다른 상태로 전환되는 순간을 미묘하게 전달합니다. 곤봉에 기대어 쉬고 있는 지친 헤라클레스(소위 "헤라클레스 파르네세")입니다. Lysippus는 사람의 체력의 긴장을 표현적으로 보여줍니다. "Hercules가 Cyrenian doe를 추월"에서는 Hercules의 무거운 몸의 무자비한 힘이 doe 입상의 조화와 우아함에 대한 탁월한 날카로움과 대조됩니다. 로마 사본에서 Lysippus의 다른 작품과 마찬가지로 우리에게 내려온이 구성은 Hercules의 착취를 묘사하는 일련의 12 조각 그룹의 일부였습니다. 같은 시리즈에는 Hermitage에 저장된 로마 사본으로 우리에게 내려온 Nemean 사자와 Hercules의 투쟁을 묘사하는 그룹도 포함되었습니다.

특히 중요한 것은 그리스 초상화의 발전을 위한 Lysippus의 작업이었습니다. 묘사되는 사람의 외부 특징을 구체적으로 전달하는 과정에서 Lysippus는 Alopeka의 Demetrius보다 더 이상 가지 않았지만 이미 묘사 된 사람의 성격의 일반적인 창고를 드러내는 목표를 매우 명확하고 일관되게 설정했습니다. Lysippus는 역사적 성격을 지닌 일곱 현자의 초상화 시리즈와 동시대 인물의 초상화 모두에서이 원칙을 동등하게 고수했습니다.

따라서 Lysippus의 현자 Bias의 이미지는 우선 사상가의 이미지입니다. 미술사에서 처음으로 작가는 자신의 작품에서 생각의 과정, 깊고 집중된 생각을 전달합니다. Bias의 약간 숙인 머리, 찌푸린 눈썹, 약간 우울한 표정, 단단히 압축 된 강한 의지의 입, 빛과 그림자의 불안한 플레이가있는 머리카락-이 모든 것이 일반적인 억제 된 긴장감을 만듭니다. 의심 할 여지없이 Lysippus의 원과 관련된 Euripides의 초상화에서 비극적 인 불안감이 전달되고 슬퍼합니다. 생각. 시청자 앞에는 Euripides가 높은 고전의 주인이 보여줄 것이기 때문에 현명하고 당당한 남편이 아니라 비극입니다. 더욱이 Euripides의 Lysippus 특성화는 위대한 극적 시인 작품의 일반적인 동요 특성에 해당합니다.

가장 명확하게는 Lysippus의 초상화 기술의 독창성과 강점이 그의 Alexander the Great 초상화에 구현되었습니다. 알몸의 영웅 운동 선수의 전통적인 모습으로 알렉산더를 묘사 한 고대에 유명한 동상에 대한 아이디어는 루브르 박물관에 보관 된 작은 청동 조각상에 의해 제공됩니다. 특히 흥미로운 것은 Lysippus의 원본 작품에서 헬레니즘 거장이 만든 Alexander의 대리석 머리입니다. 이 머리는 Lysippus와 Scopas 예술의 창조적 근접성을 판단할 수 있게 합니다. 동시에 Scopas와 비교할 때이 Alexander의 초상화는 사람의 영적 삶을보다 복잡하게 공개하는 데 중요한 발걸음을 내디뎠습니다. 사실, Lysippus는 Alexander 외모의 외부 특징을 신중하게 재현하려고하지 않습니다. 이런 의미에서 알렉산더의 머리는 바이어스의 머리와 마찬가지로 이상적인 성격을 가지고 있지만 알렉산더의 성격의 복잡한 불일치가 여기에 뛰어난 힘으로 전달됩니다.

의지가 강하고 활기차게 머리를 돌리고 날카롭게 뒤로 던진 머리카락은 한심한 충동의 일반적인 느낌을 만듭니다. 반면에 이마의 슬픈 주름, 고통스러운 표정, 구부러진 입은 알렉산더의 이미지에 비극적 혼란의 특징을 부여합니다. 이 초상화에서는 미술사에서 처음으로 열정의 긴장과 내면의 투쟁이 그러한 힘으로 표현됩니다.

4세기의 마지막 3분의 1에서 c. 기원전. 초상화에서는 Lysippus의 특징 인 일반화 된 심리적 표현의 원칙뿐만 아니라 개발되었습니다. 이 방향과 함께 외부 초상화 유사성, 즉 사람의 외모의 독창성을 전달하기 위해 노력하는 또 다른 방향이있었습니다.

Lysippus의 형제 인 Lysistratus가 만들었을 가능성이있는 Olympia의 주먹 전투기의 청동 머리에는 이미 중년의 전문 전투기의 무자비한 체력, 원시적 인 영적 삶, 그의 성격의 우울한 우울함이 정확하고 강하게 전달됩니다. . 납작한 코, 작고 넓고 깊은 눈, 넓은 광대뼈-이 얼굴의 모든 것은 개인의 독특한 특징을 말합니다. 그러나 주인이 모델의 개별 외모에서 무자비한 체력과 무뚝뚝한 인내를 가진 사람의 일반적인 유형과 일치하는 특징을 정확하게 강조한다는 점은 주목할 만합니다. 주먹 전투기의 머리는 초상화이자 더 큰 범위에서 특정 인간 캐릭터입니다. 이미지에 대한 이 작가의 예리한 관심과 추함의 아름다움은 고전에 비하면 완전히 새로운 것이다. 동시에 초상화의 저자는 인간 성격의 추악한 측면에 대한 평가 및 비난 문제에 전혀 관심이 없습니다. 그들은 존재하며 예술가는 가능한 한 정확하고 표현력있게 묘사합니다. 선택과 평가는 중요하지 않습니다. 이것이 이 작업에 명확하게 표현된 원칙입니다.

따라서 예술의 이 영역에서도 보다 구체적인 현실 묘사를 향한 발걸음은 예술의 높은 교육적 가치에 대한 이해의 상실을 동반했습니다. 본질적으로 올림피아의 주먹 전투기의 머리는 사실 이미 후기 고전의 예술을 넘어 그리스 예술 발전의 다음 단계와 밀접하게 연결되어 있습니다.

그러나 4세기 미술에서 그렇다고 가정해서는 안 된다. 기원전. 추악한 유형, 추악한 삶의 현상은 조롱되지 않았습니다. 5c에서와 같이. 기원전, 그리고 4세기 c. 캐리커처 또는 기괴한 성격의 점토 조각상이 널리 퍼졌습니다. 어떤 경우에는 이러한 조각상이 만화 연극 마스크의 반복이었습니다. 5세기의 그로테스크한 ​​조각상 사이. 기원전. (특히 세기 후반에 자주 생성됨) 및 4세기의 조각상. 기원전. 중요한 차이가 있었다. 조각상 5 c. 그들의 모든 사실주의에 대해 그들은 특정 형태의 일반화로 구별되었습니다. 4세기에 그들은 더 직접적으로 중요하고 거의 장르의 성격이었습니다. 그들 중 일부는 표현 유형의 정확하고 사악한 이미지였습니다. 고리대금업자, 사악하고 못생긴 노파 등. Leningrad Hermitage에는 그러한 점토 조각상이 풍부하게 소장되어 있습니다.

후기 고전에서는 5세기 후반의 사실적인 회화 전통이 발전했습니다. 기원전. 4세기의 예술적 삶에서 그것의 몫. 기원전. 매우 컸다.

4세기 중반의 화가들 중 가장 규모가 컸다. 기원전. Praxiteles가 특히 높이 평가 한 Nicias가있었습니다. Praxiteles는 그 시대의 대부분의 거장들과 마찬가지로 화가들에게 대리석 조각상에 색을 칠하라고 지시했습니다. 이 착색은 분명히 매우 가볍고 조심 스러웠습니다. 녹은 왁스 페인트를 대리석에 문질러서 돌의 차갑고 하얀색을 부드럽게 살리고 따뜻하게 했습니다.

Nicias의 원본은 우리 시대까지 살아남지 못했습니다. 그의 작품에 대한 잘 알려진 아이디어는 Nikne이 개발 한 플롯과 구성 솔루션을 정확히 반복하지 않는 Pompeii의 일부 벽화에서 제공됩니다. 폼페이의 한 프레스코화에는 니키아스의 유명한 그림 "페르세우스와 안드로메다"가 재현되어 있습니다. 그럼에도 불구하고 수치는 여전히 조각상이지만 5세기와 비교됩니다. 기원전. 그림은 단축법과 인물의 움직임의 자유로 구별됩니다. 풍경은 인물이 배치된 공간의 가장 일반적인 인상을 만들기에 충분할 정도로 가장 일반적인 용어로 윤곽이 그려져 있습니다. 그 당시에는 사람이 살고 행동하는 환경을 자세히 묘사하는 작업이 아직 설정되지 않았습니다. 헬레니즘 후기 시대의 고대 그림 만이 문제를 해결하는 데 가까워졌습니다. 후기 고전 회화의 이러한 특징은 완전히 자연스럽고 그리스 예술적 의식이 무엇보다도 사람의 이미지를 드러내려고 노력했다는 사실로 설명되었습니다. 그러나 인체를 세밀하게 모델링할 수 있게 해주는 회화 언어의 이러한 특성은 4세기의 거장들에 의해 성공적으로 개발되었습니다. BC, 특히 Nikias. 동시대 사람들에 따르면 부드러운 빛과 음영 모델링, 강하고 동시에 미묘한 색상 병치, 형태 조각은 Nicias와 4 세기의 다른 예술가들에 의해 널리 사용되었습니다. 기원전.

고대인의 리뷰에 따르면 회화 기술의 가장 큰 완성도는 Lysippus와 함께 세기의 마지막 3 분의 1에서 가장 유명한 예술가였던 Apelles에 의해 달성되었습니다. 이오니아 출신인 Apelles는 후기 고전 초상화 초상화의 가장 저명한 거장이었습니다. 그의 알렉산더 대왕 초상화는 특히 유명했습니다. Apelles는 또한 살아남은 설명에 따르면 청중의 마음과 상상력을위한 훌륭한 음식을 제공하는 많은 우화적인 구성을 만들었습니다. 이러한 성격의 그의 작곡 중 일부는 동시대 사람들에 의해 매우 자세하게 설명되어 르네상스 시대에 그것을 재현하려는 시도를 일으켰습니다. 예를 들어 Apelles "비방의 우화"에 대한 설명은 동일한 주제에 대해 Botticelli가 만든 그림의 캔버스 역할을했습니다. 이 설명은 Apelles의 사람 이미지와 움직임 및 표정의 전달이 생생한 표현력으로 구별된다면 전체 구성이 다소 조건부라는 인상을줍니다. 어떤 추상적인 생각과 생각을 형상화한 인물들은 관객의 눈앞을 차례로 지나가는 듯했다.

코스 섬의 아스클레피오스 신전을 장식한 아펠레스의 아프로디테 아나디오메네(Aphrodite Anadyomene)는 작가의 사실주의적 기교를 특히 완벽하게 구현한 것으로 보인다. 고대의 이 그림은 Praxiteles의 Cnidus의 Aphrodite만큼 유명했습니다. Apelles는 벌거벗은 아프로디테가 물에서 나와 머리카락에서 바닷물을 짜내는 모습을 묘사했습니다. 이 작품의 동시대인들은 젖은 몸과 투명한 물의 뛰어난 이미지뿐만 아니라 아프로디테의 밝고 "행복과 사랑으로 빛나는"모습에 충격을 받았습니다. 분명히 사람의 마음 상태를 이전하는 것은 Apelles의 무조건적인 장점이며 그의 작품을 4 세기 후반의 사실적인 예술 발전의 일반적인 추세에 더 가깝게 만듭니다. 기원전.

4세기에 기원전. 기념비적 인 그림도 널리 퍼졌습니다. 오래된 설명을 바탕으로 기념비적 그림이 고전 후기 조각과 같은 발전 경로를 거쳤다는 꽤 그럴듯한 가정을 할 수 있지만 불행히도 살아남은 원본이 거의 없기 때문에 그것을 제공하는 것이 불가능합니다. 자세한 평가. 그럼에도 불구하고 4세기 또는 3세기 초 카잔루크(불가리아)에서 최근에 발견된 벽화와 같은 기념물이 있습니다. 기원전. ,이 프레스코 화는 의심 할 여지없이 그리스 거장에 의해 만들어 졌기 때문에 후기 고전 그림의 우아함과 미묘함에 대한 특정 아이디어를 제공하십시오. 그러나 이 그림에는 공간적 환경이 없고, 평면적인 배경에 인물들이 주어져 있으며, 공통된 행동으로 연결되는 것이 거의 없다. 분명히 그림은 일부 지방 학교를 졸업 한 마스터가 만들었습니다. 그럼에도 불구하고 카잔루크에서 이 그림이 발견된 것은 고대 그리스 회화 연구에서 가장 놀라운 사건 중 하나로 간주될 수 있습니다.

응용 예술은 후기 고전 시대에도 계속 번성했습니다. 그러나 4세기의 마지막 3분의 1에 예술 공예의 실제 그리스 센터와 함께. BC, 특히 헬레니즘 시대에 소아시아, 대 그리스 (Apulia, Campania) 및 북부 흑해 지역의 중심지가 발전하고 있습니다. 꽃병의 형태는 점점 더 복잡해지고 있습니다. 5세기보다 더 자주. 기원전에는 복잡하고 미세한 추적 및 프로파일링을 통해 값비싼 은색 꽃병의 기술을 점토로 모방한 꽃병이 있습니다. 꽃병 표면에 배치된 볼록 부조 이미지의 채색은 매우 널리 사용됩니다.

이런 종류의 화병의 출현은 4세기 부유한 집의 특징인 사생활의 사치와 화려함의 결과였습니다. 기원전. 4세기의 상대적 경제적 번영. 이탈리아 남부의 그리스 도시들은 이 도시들에서 이 스타일의 꽃병이 특히 널리 분포되도록 결정했습니다.

종종 4세기 도자기 장인이 만들었습니다. 기원전. 꽃병을 생각했습니다. 또한, 5세기라면. 기원전. 마스터는 일반적으로 사람이나 동물의 머리 이미지로 제한되었으며 덜 자주 개별 인물이 아닌 4 세기에 사용되었습니다. 그들은 종종 여러 개의 밀접하게 짜여진 밝은 색상의 인물로 구성된 전체 그룹을 묘사합니다. 예를 들어, 소아시아 출신의 조각상 lekythos "두 개의 에로스가 동반 된 아프로디테"입니다.

금속 예술 작품이 널리 보급되었습니다. 특히 흥미로운 것은 구호 이미지로 장식 된은으로 만든 그릇과 접시입니다. 이것이 바로 18세기에 발견된 "오르시니 그릇"입니다. Anzio에서 Orestes 법원의 구호 묘사가 있습니다. 놀라운 금 아이템이 최근 불가리아에서 발견되었습니다. 그러나 일반적으로 응용 예술, 특히 꽃병 그림은 기원전 4세기에 이르지 못합니다. 기원전. 5세기 꽃병 그림에서 매우 전형적이었던 그릇의 구성과 모양 사이의 미묘한 연결의 높은 예술적 완성도.

4세기 후반의 예술 c. 기원전. 그리스 고전의 길고 영광스러운 발전 경로를 완성했습니다.

고전 예술은 인류 역사상 처음으로 인간과 인간 집단의 윤리적, 미학적 가치를 진실되게 드러내는 것을 목표로 삼았습니다. 고전 예술은 계급 사회 역사상 처음으로 민주주의의 이상을 가장 잘 표현했습니다.

고전의 예술 문화는 또한 인류 예술 발전의 절대적인 정점 중 하나로서 우리에게 영원하고 지속적인 가치를 보존합니다. 고전 예술 작품에서 처음으로 조화롭게 발전한 사람의 이상이 완벽한 예술적 표현을 찾았고 육체적으로나 도덕적으로 아름다운 사람의 아름다움과 용기가 진정으로 드러났습니다.

Hellas의 정치 역사에서 새로운 시간은 밝지도 창의적이지도 않았습니다. 만약 V c. 기원전 이자형. IV 세기에 그리스 정책의 번성으로 표시되었습니다. 그들의 점진적인 쇠퇴는 그리스 민주주의 국가라는 개념의 쇠퇴와 함께 일어났습니다.

386년, 페르시아는 이전 세기에 아테네의 지도 아래 그리스인들에게 완전히 패배했고, 그리스 도시 국가들을 약화시킨 내부 전쟁을 이용하여 그들에게 평화를 강요했습니다. 작은 해안은 페르시아 왕의 지배를 받았습니다. 페르시아 국가는 그리스 세계의 주요 중재자가 되었습니다. 그것은 그리스인의 국가 통일을 허용하지 않았습니다.

Internecine 전쟁은 그리스 국가가 스스로 통합 할 수 없음을 보여주었습니다.

한편, 통일은 그리스 국민에게 경제적 필요였다. 이 역사적 임무를 완수하는 것은 이웃 발칸 강국인 마케도니아의 힘 안에 있는 것으로 밝혀졌습니다. 마케도니아는 그때까지 더 강해졌는데, 그의 왕 필립 2세는 338년 카이로네이아에서 그리스인을 물리쳤습니다. 이 전투는 Hellas의 운명을 결정했습니다. 연합 된 것으로 판명되었지만 외국 통치하에 있습니다. 그리고 위대한 사령관 알렉산더 대왕 인 필립 2 세의 아들은 원초적 인 페르시아인에 대한 승리 캠페인에서 그리스인을 이끌었습니다.

이것은 그리스 문화의 마지막 고전 시대였습니다. IV 세기 말에. 고대 세계는 더 이상 헬레니즘이 아니라 헬레니즘이라고 불리는 시대에 들어갈 것입니다.

후기 고전 예술에서 우리는 새로운 경향을 분명히 인식합니다. 위대한 번영의 시대에 이상적인 인간상은 도시 국가의 용감하고 아름다운 시민으로 구체화되었습니다. 정책의 붕괴는 이 생각을 흔들었다. 인간의 모든 것을 정복하는 힘에 대한 자랑스러운 자신감은 완전히 사라지지 않지만 때로는 가려지는 것처럼 보입니다. 반사가 일어나 불안을 일으키거나 평온한 삶을 즐기는 경향이 있습니다. 인간의 개별 세계에 대한 관심이 커지고 있습니다. 궁극적으로 그것은 이전 시대의 강력한 일반화로부터의 출발을 표시합니다.

아크로폴리스의 조각으로 구현된 세계관의 웅장함은 점차 작아지지만 삶과 아름다움에 대한 일반적인 인식은 풍요로워진다. Phidias가 묘사 한 것처럼 신과 영웅의 차분하고 장엄한 귀족은 복잡한 경험, 열정 및 충동을 예술에서 식별하는 데 도움이됩니다.

그리스 5세기 그는 건강하고 용감한 시작, 강한 의지 및 활력의 기초로 힘을 중요시했습니다. 따라서 대회 우승자 인 운동 선수의 동상은 그를 위해 인간의 힘과 아름다움에 대한 확인을 의인화했습니다. 4세기의 예술가 어린 시절의 매력, 노년의 지혜, 여성의 영원한 매력을 처음으로 끌어들입니다.

5세기 그리스 미술이 이룩한 위대한 기술은 4세기에도 여전히 살아 있어서 후기 고전의 가장 영감을 받은 예술적 기념물에는 최고의 완벽함을 나타내는 동일한 도장이 찍혀 있습니다. 헤겔이 지적했듯이 아테네의 정신은 죽어서도 아름답게 보인다.

3대 그리스 비극작가인 Aeschylus(526-456), Sophocles(5세기 90년대-406), Euripides(446-c. 385)는 당대의 영적 열망과 주요 관심사를 표현했습니다.

Aeschylus의 비극은 인간의 성취, 애국적 의무라는 아이디어를 미화합니다. Sophocles는 사람을 영화 롭게하고 그 자신이 사람을 묘사해야한다고 말합니다. Vvripid는 모든 약점과 악과 함께 실제 모습을 보여 주려고 노력하며 그의 비극은 이미 4 세기 예술의 내용을 여러면에서 드러냅니다.

금세기에 극장 건설은 그리스에서 특별한 범위를 차지했습니다. 그들은 엄청난 수의 관중을 위해 설계되었습니다-15에서 20,000 이상. 건축 측면에서 예를 들어 아테네의 Dionysus 대리석 극장과 같은 극장은 기능의 원칙을 완전히 충족했습니다. 언덕의 반원에 위치한 관중석은 합창단을위한 플랫폼을 구성했습니다. 관중, 즉 Hellas의 전체 사람들은 그들의 역사와 신화의 영웅에 대한 생생한 아이디어를 극장에서 받았으며 극장에서 합법화하여 시각 예술에 도입했습니다. 극장은 사람을 둘러싼 세계의 상세한 그림을 보여주었습니다. 이동식 날개 형태의 풍경은 원근 축소로 물체를 묘사하여 현실의 환상을 만들었습니다. 무대에서 Euripides 비극의 영웅들은 살았고 죽었고 기뻐하고 고통을 겪었으며 열정과 충동으로 청중과 함께 영적 공동체를 보여주었습니다. 그리스 극장은 다른 예술에 대한 특정 요구 사항을 개발한 진정한 대중 예술이었습니다.

따라서 Hellas의 모든 예술에서 아름다움에 대한 아이디어에서 영감을 받아 지속적으로 풍부해진 위대한 그리스 사실주의가 확인되었습니다.

IV 세기는 건축의 새로운 경향을 반영합니다. 후기 고전 그리스 건축은 화려함, 심지어 웅장함, 그리고 가벼움과 장식적인 우아함을 추구하는 특정한 노력으로 특징지어집니다. 순수 그리스어 예술적 전통그리스 도시가 페르시아 통치를 받는 소아시아에서 오는 동양의 영향과 얽혀 있습니다. 주요 건축 명령 인 Doric 및 Ionic과 함께 나중에 발생한 세 번째 Corinthian이 점점 더 많이 사용되고 있습니다.

Corinthian 기둥은 가장 웅장하고 장식적입니다. 현실적인 경향은 자연의 꽃이 만발한 옷차림 인 코린트 식 질서를 입은 자본의 원시 추상 기하학적 체계를 극복합니다-두 줄의 아칸서스 잎.

정책의 격리는 구식이었습니다. 고대 세계에는 비록 연약하긴 하지만 강력하고 노예를 소유한 폭정의 시대가 다가오고 있었습니다. 건축은 페리클레스 시대와는 다른 임무를 부여받았다.

후기 고전 그리스 건축의 가장 장대 한 기념물 중 하나는 우리에게 내려 오지 않은 페르시아 지방 Carius Mausolus의 통치자 인 Halicarnassus (소아시아)시의 무덤이었습니다. " 영묘'에서 나왔다.

세 가지 명령 모두 Halicarnassus 영묘에서 결합되었습니다. 그것은 두 개의 계층으로 구성되었습니다. 첫 번째는 영안실, 두 번째는 영안실입니다. 층 위에는 네 마리 말이 끄는 마차(quadriga)가 있는 높은 피라미드가 있었습니다. 고대 동양 통치자의 장례식 구조를 연상시키는 엄숙함과 함께 거대한 크기의이 기념비 (높이가 40 ~ 50 미터에 달한 것으로 보임)에서 그리스 건축의 선형 조화가 발견되었습니다. 영묘는 건축가인 사티로스(Satyr)와 피티우스(Pythius)에 의해 지어졌으며 그 조각 장식은 아마도 그들 사이에서 주도적인 역할을 했을 스코파스(Skopas)를 포함한 여러 거장에게 맡겨졌습니다.

Skopas, Praxiteles 및 Lysippus는 후기 고전의 가장 위대한 그리스 조각가입니다. 그들이 고대 예술의 전체 발전에 미친 영향 측면에서 이 세 천재의 작품은 파르테논 신전의 조각품과 비교할 수 있습니다. 그들 각각은 밝은 개별 세계관, 아름다움에 대한 이상, 완벽에 대한 이해를 표현했으며, 개인을 통해서만 공개되어 영원한-보편적 인 봉우리에 도달합니다. 그리고 다시 한 번, 각자의 작업에서이 개인은 시대와 일치하며 그 감정, 자신과 가장 일치하는 동시대 사람들의 욕구를 구현합니다.

열정과 충동, 불안, 적대적인 세력과의 투쟁, 깊은 의심과 슬픔의 경험이 Scopas의 예술에 숨을 쉬고 있습니다. 이 모든 것은 분명히 그의 본성의 특징이었고 동시에 그의 시대의 특정 분위기를 생생하게 표현했습니다. 기질에 따라 Scopas는 Euripides와 가깝고 Hellas의 비참한 운명에 대한 인식에 얼마나 가깝습니다.

대리석이 풍부한 파로스 섬 출신인 스코파스(BC 420~355)는 아티카와 펠로폰네소스 도시, 소아시아에서 일했습니다. 작품 수와 주제 모두에서 극도로 광범위한 그의 창의성은 거의 흔적도없이 사라졌습니다.

테게아(Tegea)에 있는 아테나 신전의 조각 장식 또는 그의 직접적인 감독하에(조각가뿐만 아니라 건축가로도 유명해진 스코파스는 이 사원의 건축자이기도 했습니다), 몇 개의 파편만 있습니다. 남았다. 그러나 부상당한 전사 (아테네, 국립 박물관)의 불구가 된 머리를 보면 그의 천재성의 위대한 힘을 느낄 수 있습니다. 아치형 눈썹, 하늘을 바라보는 눈, 갈라진 입, 고통과 슬픔 모두를 포함한 모든 것이 표현되는 머리를 위해, 말하자면 4세기 그리스의 비극뿐만 아니라 모순으로 찢겨지고 짓밟힌 비극을 표현합니다. 외세 침략자에 의한 것일 뿐만 아니라, 승리 뒤에는 여전히 죽음이 뒤따르는 끊임없는 투쟁에서 온 인류의 원초적 비극이기도 합니다. 그래서 한때 그리스인의 의식을 비추었던 존재의 밝은 기쁨은 아무것도 남지 않은 것 같습니다.

Amazons와 그리스인의 전투를 묘사 한 Mausolus 무덤의 프리즈 조각 (런던, 대영 박물관). 이것은 의심할 여지 없이 Scopas 또는 그의 작업실의 작업입니다. 위대한 조각가의 천재성이 이 폐허에 숨쉬고 있다.

파르테논 프리즈 조각과 비교하십시오. 그리고 여기저기서-운동의 해방. 그러나 거기에서 해방은 장엄한 규칙성을 가져오고 여기에서 실제 폭풍 속에서 인물의 각도, 제스처의 표현력, 널리 펄럭이는 옷은 고대 예술에서 아직 볼 수 없었던 폭력적인 역 동성을 만듭니다. 거기에서 구성은 부분의 점진적인 일관성, 여기에서 가장 선명한 대조를 기반으로 구축됩니다. 그럼에도 불구하고 Phidias의 천재성과 Scopas의 천재성은 매우 중요하고 거의 중요한 것과 관련이 있습니다. 두 프리즈의 구성은 똑같이 날씬하고 조화로우며 이미지는 똑같이 구체적입니다. 결국 Heraclitus가 가장 아름다운 조화는 대조에서 나온다고 말한 것은 아무것도 아닙니다. Scopas는 Phidias만큼 결점이 없는 통일성과 선명도를 지닌 구성을 만듭니다. 또한 단일 그림이 용해되지 않고 독립적 인 소성 의미를 잃지 않습니다.

그것이 Scopas 자신이나 그의 학생들에게 남아있는 전부입니다. 그의 작품과 관련된 다른 것들은 후기 로마 사본입니다. 그러나 그들 중 하나는 아마도 그의 천재성에 대한 가장 생생한 아이디어를 제공할 것입니다.

Parian 돌 - Bacchante. 그러나 조각가는 돌에 영혼을 부여했습니다. 그리고 술에 취한 듯 벌떡 일어나 춤을 추었다. 미친 듯이 죽인 염소와 신격화 끌로이 매나드를 만든 스코 파스, 당신은 기적을 행했습니다.

그래서 알려지지 않은 그리스 시인은 작은 사본으로 만 판단 할 수있는 Maenad 또는 Bacchante의 동상을 칭찬했습니다 (드레스덴 박물관).

우선, 우리는 사실적인 예술의 발전에 매우 중요한 특징적인 혁신에 주목합니다. 5세기의 조각상과 달리 이 조각상은 모든 측면에서 볼 수 있도록 완전히 설계되었으며 모든 것을 인식하려면 주위를 돌아다녀야 합니다. 아티스트가 만든 이미지의 측면.

그녀의 머리를 뒤로 젖히고 몸 전체를 구부린 젊은 여성은 포도주의 신의 영광을 위해 폭풍우가 치는 진정한 Bacchic 춤을 춥니 다. 그리고 대리석 사본도 단편에 불과하지만 그러한 힘으로 사심없는 분노의 파토스를 전달하는 다른 예술 기념물은 없을 것입니다. 이것은 고통스러운 승영이 아니라 한심하고 승리의 승영이지만 인간의 열정에 대한 힘은 잃어 버렸습니다.

그래서 안으로 지난 세기고전에서 강력한 그리스 정신은 끓어오르는 열정과 고통스러운 불만으로 인한 분노 속에서도 모든 원초적 위대함을 보존할 수 있었습니다.

Praxitel (기원전 370-340 년에 일한 아테네 출신)은 그의 작업에서 완전히 다른 시작을 표현했습니다. 우리는 그의 형제들보다 이 조각가에 대해 조금 더 알고 있습니다.

Scopas와 마찬가지로 Praxiteles는 청동을 무시하고 대리석으로 그의 가장 위대한 작품을 만들었습니다. 우리는 그가 부유했고 한때 피디아스의 영광을 능가할 만큼 큰 명성을 누렸다는 것을 알고 있습니다. 우리는 또한 그가 신성 모독 혐의로 고발되어 그녀의 아름다움에 감탄한 아테네 판사들에 의해 무죄 선고를 받고 대중 숭배의 가치가 있다고 인정한 유명한 창녀 Phryne을 사랑했다는 것을 알고 있습니다. Phryne은 사랑의 여신 아프로디테(비너스) 조각상의 모델로 사용되었습니다. 로마 학자 Pliny는 Praxiteles 시대의 분위기를 생생하게 재현하면서 이러한 동상의 생성과 숭배에 대해 다음과 같이 기록합니다.

“... Praxiteles뿐만 아니라 일반적으로 우주에 존재하는 모든 작품은 그의 작품의 금성입니다. 그녀를 만나기 위해 많은 사람들이 Knidos로 항해했습니다. Praxitel은 두 개의 금성 동상을 동시에 만들고 판매했지만 하나는 옷으로 덮여있었습니다. 선택할 권리가있는 Kos 주민들이 선호했습니다. Praxiteles는 두 동상에 대해 동일한 가격을 청구했습니다. 그러나 코스의 주민들은 이 동상이 진지하고 겸손하다는 것을 인식했습니다. 그들이 거부하고 Cnidians가 샀습니다. 그리고 그녀의 명성은 엄청나게 높았습니다. Tsar Nicomedes는 나중에 Cnidians로부터 그녀를 사고 싶었고 그들이 빚진 모든 막대한 빚에 대해 Cnidians의 상태를 용서하겠다고 약속했습니다. 그러나 Cnidians는 동상과 헤어지기보다는 모든 것을 견디는 것을 선호했습니다. 그리고 헛된 것이 아닙니다. 결국 Praxiteles는이 동상으로 Cnidus의 영광을 만들었습니다. 이 동상이 있는 건물은 사방에서 볼 수 있도록 모두 개방되어 있습니다. 또한 여신상 자체가 호의적으로 참여하여 동상을 세웠다고 믿고 있습니다. 그리고 어느 쪽이든 그것이 야기하는 기쁨은 적지 않습니다 ... "

Praxiteles는 여성의 아름다움에 영감을 받은 가수로 기원전 4세기 그리스인들에게 존경을 받았습니다. 빛과 그림자의 따스한 유희 속에서 전에 없던 여성의 몸의 아름다움이 그의 끌 아래에서 빛났다.

여성이 알몸으로 묘사되지 않는 시대는 이미 지났지만, 이번에는 프락시텔레스가 단순한 여성이 아닌 여신을 대리석으로 노출해 처음에는 놀란 질책을 불러일으켰다.

그러한 아프로디테 이미지의 특이성은 알려지지 않은 시인의 구절에서 빛납니다.

Knida에서 Cyprida (Cyprida는 특히 키프로스 섬에 컬트가 널리 퍼진 Aphrodite의 별명입니다.)를보고 Cyprida는 부끄럽게 말했습니다.
프락시텔레스는 내가 벌거벗은 것을 어디에서 보았습니까?

Belinsky는 "오랫동안 모든 사람이 동의했습니다. 고대인의 벌거 벗은 조각상은 열정의 흥분을 진정시키고 진정시키고 흥분시키지 않으며 더럽혀진 사람은 그들을 깨끗하게 둡니다. "라고 썼습니다.

물론이지. 그러나 분명히 Praxiteles의 예술은 여전히 ​​\u200b\u200b예외입니다.

부활한 마블? 누가 자신의 눈으로 Cyprida를 보았습니까?
냉정한 욕망은 누가 담았는가?
프락시텔레스의 손은 창조물인가 여신인가
그녀는 Knidos로 은퇴하여 Olympus를 고아로 남겨 두었습니까?

이들은 또한 알려지지 않은 그리스 시인의 시입니다.

열정 욕망! Praxiteles의 작품에 대해 우리가 알고 있는 모든 것은 위대한 예술가가 그의 예술의 원동력 중 하나를 사랑의 정욕으로 보았다는 것을 나타냅니다.

Cnidian Aphrodite는 사본과 차용을 통해서만 우리에게 알려져 있습니다. 두 개의 로마 대리석 사본(로마와 뮌헨의 조각가)에서 전체가 우리에게 전해졌으므로 우리는 일반적인 모습을 알 수 있습니다. 그러나이 일체형 사본은 일류가 아닙니다. 일부 다른 것들은 비록 잔해이긴 하지만 이 위대한 작품을 더욱 생생하게 보여줍니다. 루브르 박물관과 나폴리 박물관에 있는 그녀의 몸통은 원본의 매혹적인 여성성을 짐작할 수 있으며 원본이 아니라 프락시텔레스의 천재성에서 영감을 받은 헬레니즘 조각상에서 가져온 로마 사본까지 추측할 수 있습니다. Venus Khvoshchinsky”(수집가를 인수 한 러시아인의 이름을 따서 명명), 대리석은 여신의 아름다운 몸의 따뜻함을 발산하는 것 같습니다 (이 조각은 모스크바 미술관 골동품 부서의 자부심입니다. ).

옷을 벗고 물에 뛰어들 준비를하는 가장 매혹적인 여신의 이미지에서 동시대 사람들을 기쁘게 한 것은 무엇입니까? 잃어버린 원본의 일부 특징을 전달하는 깨진 사본에서도 우리를 기쁘게 하는 것은 무엇입니까?

전임자를 능가하는 최고의 모델링, 반짝이는 빛의 반사로 대리석에 생기를 불어넣고 부드러운 돌에 그에게만 내재된 기교가 있는 섬세한 벨벳을 부여하여 Praxiteles는 윤곽의 부드러움과 신체의 이상적인 비율을 포착했습니다. 고대인에 따르면 그녀의 자세의 감동적인 자연스러움, 그녀의 시선에서 "젖고 빛나는" 여신, 그리스 신화에서 아프로디테가 표현한 위대한 원칙은 인류의 의식과 꿈에서 영원히 시작되었습니다.

아름다움과 사랑.

아름다움 - 다정하고 여성스럽고 무지개 빛깔이며 즐겁습니다. 사랑은 또한 다정하고 약속하며 행복을줍니다.

Praxiteles는 때때로 고대 예술에서 그 철학적 방향의 가장 눈에 띄는 지수로 인식되며, 쾌락에서 모든 인간 열망의 최고선과 자연적 목표, 즉 쾌락주의를 보았습니다. 그러나 그의 예술은 이미 4세기 말에 번성했던 철학을 예고하고 있다. "에피쿠로스의 숲에서" 푸쉬킨은 에피쿠로스가 학생들을 모은 아테네 정원이라고 불렀습니다...

K. Marx가 지적했듯이 이 유명한 철학자의 윤리에는 쾌락주의보다 더 높은 것이 포함되어 있습니다. 고통의 부재, 고요한 마음 상태, 죽음에 대한 두려움과 신에 대한 두려움에서 사람들을 해방시키는 것-Epicurus에 따르면 이것이 삶의 진정한 즐거움을위한 주요 조건이었습니다.

실제로 프락시텔레스가 창조한 이미지의 아름다움, 그에 의해 조각된 신들의 온화한 인간성은 그 고요함으로 결코 고요하지도 않고 자비롭지도 않은 시대에 이러한 두려움으로부터의 해방이 유익함을 확인했습니다.

분명히 운동 선수의 이미지는 그가 시민 동기에 관심이 없었던 것처럼 Praxiteles에 관심이 없었습니다. 그는 Polikleitos만큼 근육질이 아니고 매우 날씬하고 우아하고 유쾌하지만 약간 교활한 미소를 지으며 특히 누구를 두려워하지는 않지만 누구를 위협하지 않고 고요하게 행복하고 의식이 가득한 육체적으로 아름다운 청년의 이상을 대리석으로 구현하기 위해 노력했습니다. 그의 존재 전체의 조화에 대해. .

그러한 이미지는 분명히 자신의 세계관과 일치하므로 특히 그에게 소중했습니다. 재미있는 일화에서 이를 간접적으로 확인할 수 있습니다.

유명한 예술가와 Phryne과 같은 비교할 수없는 아름다움 사이의 사랑 관계는 그의 동시대 사람들에게 매우 흥미로 웠습니다. 아테네인의 활기찬 마음은 그들에 대한 추측에 뛰어났습니다. 예를 들어, Phryne은 Praxiteles에게 사랑의 표시로 그녀에게 가장 좋은 조각품을 주도록 요청했다고 보고되었습니다. 그는 동의했지만 그녀에게 선택권을 남겨두고 그가 가장 완벽하다고 생각하는 그의 작품을 교활하게 숨겼습니다. 그런 다음 Phryne은 그를 능가하기로 결정했습니다. 어느 날 그녀가 보낸 노예는 예술가의 작업장이 불타 버렸다는 끔찍한 소식을 가지고 Praxiteles로 달려갔습니다. "불꽃이 Eros와 Satyr를 파괴하면 모든 것이 죽었습니다!" Praxiteles는 슬픔에 잠겼습니다. 그래서 Phryne은 저자 자신의 평가를 알아 냈습니다 ...

우리는 복제품을 통해 고대 세계에서 큰 명성을 얻은 이 조각품을 알고 있습니다. The Resting Satyr의 최소 150개의 대리석 사본이 우리에게 내려왔습니다(그 중 5개는 Hermitage에 있습니다). Praxiteles의 천재에서 영감을 얻은 골동품 조각상, 대리석, 점토 또는 청동으로 만든 인형, 묘비 및 모든 종류의 응용 예술 작품도 있습니다.

두 아들과 손자는 조각가의 아들인 Praxiteles의 조각 작업을 계속했습니다. 그러나 이 혈통의 연속성은 물론 그의 작품으로 돌아가는 일반적인 예술적 연속성에 비하면 무시할 만하다.

이 점에서 Praxiteles의 예는 특히 암시적이지만 예외적이지는 않습니다.

진정으로 위대한 원본의 완성도는 독특하지만, 새로운 '미의 변주'를 보여주는 작품은 죽어도 불멸이다. 우리는 Olympia의 Zeus 동상이나 Athena Parthenos의 정확한 사본을 가지고 있지 않지만 전성기의 거의 모든 그리스 예술의 영적 내용을 결정한 이러한 이미지의 위대함은 미니어처 보석과 동전에서도 분명히 볼 수 있습니다. 그 시간의. 그들은 Phidias 없이는 이런 스타일이 아니었을 것입니다. 헬레니즘과 로마 시대 귀족들의 별장과 공원을 장식하는 다양한 장식에도 나무에 나른하게 기대어 있는 부주의한 젊은이들의 조각상이나 서정적인 아름다움에 사로잡힌 벌거벗은 대리석 여신상이 없을 것입니다. Praxitelean 스타일, Praxitelean 달콤한 행복, 고대 예술에서 오랫동안 유지되었습니다. 진정한 "휴식하는 사티로스"와 진정한 "Cnidus의 아프로디테"가 아니라면 이제 잃어버린 신은 어디서 어떻게 방법을 알고 있습니다. 다시 말해, 그들의 상실은 돌이킬 수 없지만 그들의 정신은 모방가의 가장 평범한 작품에서도 살아 있기 때문에 우리를 위해 살아 있습니다. 그러나 이 작품들이 보존되지 않았다면 이 정신은 어떻게든 인간의 기억 속에서 깜빡거리며 언제라도 다시 빛을 발할 것이다.

고대 예술에서-진정한 "쉬는 사티로스"와 진정한 "Cnidus의 아프로디테"가 되지 마십시오. 이제 잃어버린 신은 어디서 어떻게 방법을 알고 있습니다. 다시 말해, 그들의 상실은 돌이킬 수 없지만 그들의 정신은 모방가의 가장 평범한 작품에서도 살아 있기 때문에 우리를 위해 살아 있습니다. 그러나 이 작품들이 보존되지 않았다면 이 정신은 어떻게든 인간의 기억 속에서 깜빡거리며 언제라도 다시 빛을 발할 것이다.

예술 작품의 아름다움을 인식하면 사람은 영적으로 풍요로워집니다. 세대 간의 살아있는 연결은 결코 완전히 끊어지지 않습니다. 아름다움에 대한 고대의 이상은 중세 이데올로기에 의해 단호히 거부되었고, 그것을 구현한 작품들은 무자비하게 파괴되었습니다. 그러나 인본주의 시대에 이 이상의 승리적 부활은 그것이 완전히 파괴된 적이 없음을 증거한다.

진정으로 위대한 모든 예술가의 예술에 대한 공헌에 대해서도 마찬가지입니다. 그의 영혼에서 태어난 아름다움의 새로운 이미지를 구현하는 천재에게는 인류를 영원히 풍요롭게 합니다. 그래서 고대부터 그 강력하고 장엄한 동물 이미지가 구석기 시대 동굴에서 처음 만들어 졌을 때 모든 순수 예술이 나왔고 먼 조상이 높은 창조적 영감으로 조명 된 그의 온 영혼과 꿈을 담았습니다.

예술의 화려한 발전은 서로를 보완하여 더 이상 죽지 않는 새로운 것을 소개합니다. 이 새로운 것은 때때로 전체 시대에 흔적을 남깁니다. Phidias도 그랬고 Praxiteles도 그랬습니다.

그러나 Praxiteles 자신이 만든 것에서 모든 것이 사라졌습니까?

고대 작가의 말에 따르면 Praxiteles "Hermes with Dionysus"의 동상이 Olympia의 사원에 서 있었다고 알려졌습니다. 1877년 발굴 중에 비교적 약간 손상된 이 두 신의 대리석 조각상이 그곳에서 발견되었습니다. 처음에는 아무도 이것이 Praxiteles의 원본이라는 것을 의심하지 않았으며 지금도 많은 전문가들이 그 저자를 인정하고 있습니다. 그러나 대리석 기법 자체에 대한 주의 깊은 연구를 통해 일부 학자들은 올림피아에서 발견된 조각품이 아마도 로마인들이 수출한 원본을 대체하는 훌륭한 헬레니즘 사본이라는 확신을 갖게 되었습니다.

단 한 명의 그리스 작가가 언급한 이 조각상은 분명히 프락시텔레스의 걸작으로 간주되지 않았습니다. 그럼에도 불구하고 그 장점은 부인할 수 없습니다. 놀랍도록 미세한 모델링, 선의 부드러움, 빛과 그림자의 훌륭하고 순전히 Praxitelean 플레이, 매우 명확하고 완벽하게 균형 잡힌 구성, 그리고 가장 중요한 것은 그의 몽환적이고 약간 산만 한 표정과 꼬마 디오니소스의 유치한 매력. 그러나이 매력에는 어떤 달콤함이 있으며 조각상 전체에서 매우 잘 구부러진 신의 부드러운 곡선이 놀랍도록 날씬한 모습에서도 아름다움과 우아함이 아름다움과 은혜가 시작됩니다. Praxiteles의 모든 예술은이 선에 매우 가깝지만 가장 영적인 창조물에서 위반하지 않습니다.

분명히 색상은 Praxiteles 동상의 전반적인 외관에 큰 역할을했습니다. 우리는 그들 중 일부가 (대리석의 백색도를 부드럽게 되살리는 녹은 왁스 페인트를 문질러서) 당시의 유명한 화가인 Nikias 자신이 그렸다는 것을 알고 있습니다. 색상 덕분에 Praxiteles의 정교한 예술은 훨씬 더 큰 표현력과 감성을 얻었습니다. 두 위대한 예술의 조화로운 결합은 아마도 그의 창작물에서 수행되었을 것입니다.

마지막으로 우리는 흑해 북부 지역에서 드니프르와 버그(올비아) 어귀 근처에서 위대한 프락시텔레스의 서명이 있는 조각상 받침대가 발견되었다고 덧붙입니다. 아아, 조각상 자체는 땅에 묻혀 있지 않았다. (지난해 말 전 세계 언론에 센세이션한 메시지가 돌았다. 고고학적 발견으로 유명한 아이리스 러브 교수(미국)는 프락시텔레스의 진품 머리를 발견했다고 주장한다. 아프로디테! 땅에 있는 것이 아니라... 런던 대영 박물관의 창고에, 아무도 신원을 밝히지 못한 채 이 조각이 100년 이상 동안 놓여 있었습니다.

심하게 손상된 대리석 머리는 이제 기원전 4세기 그리스 예술의 기념물로 박물관의 박람회에 포함됩니다. 기원전 이자형. 그러나 Praxiteles의 저자에 찬성하는 미국 고고학자의 주장은 많은 영국 과학자들에 의해 이의를 제기합니다.).

Lysippus는 이미 Alexander the Great 시대 인 4 세기의 마지막 3 분의 1에 일했습니다. 그의 작품은 말 그대로 후기 고전의 예술을 완성합니다.

청동은 이 조각가가 가장 좋아하는 재료였습니다. 우리는 그의 원본을 모르기 때문에 그의 모든 작품을 반영하는 것과는 거리가 먼 살아남은 대리석 사본으로만 그를 판단할 수 있습니다.

우리에게 내려오지 않은 고대 헬라스의 예술 기념물의 수는 헤아릴 수 없습니다. Lysippus의 방대한 예술적 유산의 운명은 이것에 대한 끔찍한 증거입니다.

Lysippus는 당대 가장 많은 작품을 남긴 거장 중 한 명으로 간주되었습니다. 그들은 그가 코인에 대한 완료된 각 주문에 대한 보상에서 따로 떼어 놓았다고 말합니다. 그의 죽음 이후에는 150 개가 넘었습니다. 한편, 그의 작품 중에는 최대 20개에 달하는 조각 그룹이 있었고 일부 조각품의 높이는 20미터를 넘었습니다. 이 모든 것에서 사람, 요소 및 시간은 무자비하게 처리되었습니다. 그러나 어떤 힘도 리시포스의 예술 정신을 파괴할 수 없었고 그가 남긴 흔적을 지울 수 없었습니다.

Pliny에 따르면 Lysippus는 사람들을있는 그대로 묘사 한 그의 전임자와 달리 Lysippus는 사람들을있는 그대로 묘사하려고했습니다. 이것으로 그는 그리스 예술에서 오랫동안 승리했지만 동시대의 미적 원칙에 따라 완전히 완성하기를 원했던 사실주의의 원칙을 확인했습니다. 가장 위대한 철학자아리스토텔레스의 고대.

우리는 이미 이것에 대해 이야기했습니다. 자연을 아름다움으로 변형시키지만 사실주의 예술은 그것을 눈에 보이는 현실로 재현한다. 이것은 자연이 그대로가 아니라 예를 들어 그림에서 우리 눈에 보이는 것처럼 거리에 따라 묘사되는 크기가 변경됨을 의미합니다. 그러나 원근법은 당시 화가들에게 아직 알려지지 않았습니다. Lysippus의 혁신은 그가 이전에 아직 사용되지 않은 거대한 사실적인 가능성을 조각하는 기술에서 발견했다는 사실에 있습니다. 사실, 그의 인물은 우리가 "쇼를 위해"만든 것으로 인식하지 않고 우리를 위해 포즈를 취하지 않고 예술가의 눈이 가장 다양한 움직임의 모든 복잡성을 포착하여 하나 또는 또 다른 영적 충동. 당연히 주조 시 어떤 형태로든 쉽게 변형되는 청동이 이러한 조각적 문제를 해결하는 데 가장 적합했습니다.

받침대는 Lysippus의 인물을 환경에서 분리하지 않고 마치 특정 공간 깊이에서 튀어 나온 것처럼 진정으로 그 안에 살고 있습니다. 그 표현력은 어느 쪽에서든 다른 방식이지만 똑같이 명확하게 나타납니다. 그러므로 그것들은 완전히 3차원적이며 완전히 해방되어 있다. 인간 형상은 Myron이나 Polikleitos의 조각에서와 같이 조형 합성이 아닌 새로운 방식으로 Lysippus에 의해 구축되었지만 주어진 순간에 예술가에게 제시된(보였던) 것과 정확히 같은 덧없는 측면으로 만들어졌습니다. 이전에는 아직 없었고 앞으로도 없을 것입니다.

스냅 사진? 인상주의? 이러한 비교가 떠오르지만 물론 그리스 고전의 마지막 조각가의 작품에는 적용되지 않습니다. 왜냐하면 모든 시각적 직접성에도 불구하고 깊이 생각되고 확고하게 입증되어 순간적인 움직임이 Lysippus에서 무작위성을 의미하지는 않습니다.

인물의 놀라운 유연성, 매우 복잡성, 때로는 움직임의 대비-이 모든 것이 조화롭게 정렬되어 있으며이 마스터는 최소한 자연의 혼돈과 닮은 것이 없습니다. 주로 시각적인 인상을 전달하면서 그는 이 인상을 자신의 예술 정신에 따라 단번에 확립된 특정 질서에 종속시킵니다. 내부 부동성, 무거움을 거부하는 그의 역동적 인 예술에 더 적합한 자신 만의 새롭고 훨씬 더 가볍고 더 적합한 인간 모습의 오래된 Polycletic 정경을 파괴하는 사람은 Lysippus입니다. 이 새로운 캐논에서 머리는 더 이상 1¦7이 아니라 전체 높이의 1¦8입니다.

우리에게 내려온 그의 작품의 대리석 반복은 일반적으로 Lysippus의 현실적인 업적에 대한 명확한 그림을 제공합니다.

유명한 "Apoxiomen"(로마, 바티칸). 이것은 젊은 운동 선수이지만 그의 이미지가 자랑스러운 승리 의식을 발산했던 이전 세기의 조각품과는 전혀 다릅니다. Lysippus는 경기 후 운동 선수를 보여 주었고 금속 스크레이퍼로 몸의 기름과 먼지를 부지런히 청소했습니다. 전혀 날카롭지 않고 무표정해 보이는 손의 움직임이 전체적인 모습에 부여되어 남다른 생명력을 선사한다. 겉으로는 태연하지만 엄청난 흥분을 경험한 듯한 느낌이 들며, 극한의 노력으로 지친 모습을 엿볼 수 있다. 끊임없이 변화하는 현실에서 빼앗긴 듯한 이 이미지는 매우 인간적이며 완전한 편안함에서 극도로 고귀합니다.

"사자와 헤라클레스"(Leningrad, Hermitage). 이것은 예술가가 옆에서 본 것처럼 삶이 아니라 죽음을위한 투쟁의 열정적 인 파토스입니다. 전체 조각품은 폭풍우와도 같은 강렬한 움직임으로 가득 차 있는 것처럼 보이며, 서로 달라붙는 강력한 인간과 짐승의 모습이 조화롭게 아름다운 전체로 불가항력적으로 합쳐집니다.

Lysippus의 조각품이 동시대 사람들에게 어떤 인상을 주었는지 다음 이야기에서 판단할 수 있습니다. Alexander the Great는 그의 입상 "Feasting Hercules"(그 반복 중 하나는 Hermitage에도 있음)를 너무 좋아하여 캠페인에서 헤어지지 않았으며 마지막 시간이되었을 때 그것을 앞에 놓도록 명령했습니다. 그를.

Lysippus는 유명한 정복자가 그의 모습을 포착하기에 합당하다고 생각한 유일한 조각가였습니다.

용기가 넘치는 알렉산더의 모습과 그의 전체적인 모습
Lysippus가 구리로 부었습니다. 이 구리가 살아있는 것처럼.
동상은 제우스를 바라보며 그에게 이렇게 말하는 것 같습니다.
"나는 나를 위해 지구를 차지합니다. 당신은 올림푸스를 소유하고 있습니다."

이것이 그리스 시인이 그의 기쁨을 표현한 방법입니다.

... "아폴로 동상은 고대부터 우리에게 살아남은 모든 작품 중에서 최고의 예술 이상입니다." 이것은 Winckelmann에 의해 작성되었습니다.

여러 세대에 걸친 "고대" 과학자들의 저명한 조상을 그토록 기쁘게 했던 동상의 저자는 누구였습니까? 예술이 오늘날까지 가장 밝게 빛나는 조각가는 없습니다. 그것은 어떻고 여기서 오해는 무엇입니까?

Winckelmann이 말하는 Apollo는 유명한 "Apollo Belvedere"입니다. Leocharus(기원전 4세기 마지막 3분의 1)가 만든 청동 원본의 대리석 로마 사본으로 오랫동안 전시된 갤러리(로마, 바티칸) . 이 동상은 한때 많은 열광을 불러일으켰습니다.

고대 연구에 평생을 바친 Winckelmann의 장점은 엄청납니다. 즉시는 아니지만 이러한 공로가 인정되었고 그는 (1763년) 로마와 그 주변 지역의 고대 유물을 관리하는 직책을 맡았습니다. 그러나 가장 심오하고 미묘한 감정가조차도 그리스 예술의 가장 위대한 걸작에 대해 무엇을 알 수 있었습니까?그들은 인정되었고 그는 로마와 그 주변에서 고대 유물을 관리하는 직책을 맡았습니다(1763년). 그러나 가장 심오하고 미묘한 감정가조차도 그리스 예술의 가장 위대한 걸작에 대해 무엇을 알 수 있었습니까?

Winckelmann은 금세기 초 P. P. Muratov "Images of Italy"의 러시아 미술 평론가의 유명한 책에서 다음과 같이 잘 알려져 있습니다. ... 고대 예술은 매우 희생적이었습니다. 그의 운명에는 기적적인 요소가 있습니다. 골동품에 대한이 불 같은 사랑은 브란덴부르크의 모래 사이에서 자란 제화공의 아들을 이상하게 붙잡아 모든 우여곡절을 통해 그를 로마로 이끌었습니다 ... Winckelmann도 마찬가지입니다. 괴테도 18세기의 사람들이 아니었습니다. 그중 하나에서 골동품은 새로운 세계 발견 자의 열렬한 열정을 불러 일으켰습니다. 또 다른 하나는 자신의 창조력을 해방시키는 살아있는 힘이었다. 골동품에 대한 그들의 태도는 르네상스 사람들을 구별 짓는 영적 전환을 반복하며 그들의 영적 유형은 Petrarch와 Michelangelo의 많은 특징을 유지합니다. 따라서 고대 세계의 특징인 소생 능력은 역사에서 반복되었습니다. 이것은 그것이 오랫동안 그리고 무한정 존재할 수 있다는 증거입니다. 부흥은 어느 한 사람의 우연한 내용이 아닙니다. 역사적 시대오히려 그것은 인류의 영적 삶의 끊임없는 본능 중 하나입니다. 그러나 당시 로마 컬렉션에는“로마 제국을 섬기는 예술 만이 대표되었습니다. 유명한 그리스 동상의 사본, 헬레니즘 예술의 마지막 촬영 ... Winckelmann의 통찰력은 그가 때때로 그것을 통해 그리스를 추측 할 수 있었다는 것입니다. 그러나 지식 미술사 Winckelmann 시대 이후로 멀리 갔다. 우리는 더 이상 그리스를 추측할 필요가 없으며 아테네, 올림피아, 대영 박물관에서 그리스를 볼 수 있습니다."

예술사에 대한 지식, 특히 헬라스의 예술에 대한 지식은 이 글이 쓰여진 이후로 훨씬 더 발전했습니다.

고대 문명의 순수한 근원의 활력은 이제 특히 유익할 수 있습니다.

우리는 벨베데레 "아폴로"에서 그리스 고전의 반영을 인식합니다. 그러나 그것은 반성일 뿐입니다. 우리는 Winckelmann이 몰랐던 파르테논 신전의 프리즈를 알고 있으므로 의심 할 여지가없는 모든 쇼와 함께 Leochar의 동상은 우리에게 내부적으로 차갑고 다소 연극적인 것처럼 보입니다. Leochar는 Lysippus와 동시대 사람 이었지만 그의 예술은 내용의 진정한 의미를 잃고 학문주의의 냄새를 풍기며 고전과 관련하여 쇠퇴했습니다.

그러한 동상의 영광은 때때로 모든 그리스 예술에 대한 오해를 불러일으켰습니다. 이 개념은 오늘날까지 사라지지 않았습니다. 일부 예술가는 Hellas의 예술적 유산의 중요성을 줄이고 미적 검색을 완전히 다른 문화 세계로 전환하는 경향이 있습니다. 그들의 의견으로는 우리 시대의 세계관과 더 일치합니다. (프랑스 작가이자 예술 이론가인 Andre Malraux와 같은 가장 현대적인 서구 미적 취향의 권위 있는 지수는 그의 작품 "세계 조각의 상상 박물관"에서 고대 헬라스의 조각 기념물의 복제품을 소위 미국, 아프리카, 오세아니아의 원시 문명!) 그러나 나는 파르테논 신전의 장엄한 아름다움이 인류의 마음 속에서 다시 승리하여 인본주의의 영원한 이상을 확인하게 될 것이라고 고집스럽게 믿고 싶습니다.

Winckelmann 이후 200년이 지난 지금 우리는 그가 그리스 조각에 대해 알고 있는 것보다 그리스 회화에 대해 덜 알고 있습니다. 이 그림의 반사는 우리에게 도달합니다. 반사이지만 광채는 아닙니다.

매우 흥미로운 것은 Kazanlak (불가리아)에있는 Thracian 매장 지하실의 그림으로, 4 세기 말 또는 3 세기 초로 거슬러 올라가 폭탄 보호소를위한 기초 구덩이를 파는 동안 우리 시대 (1944 년)에 이미 발견되었습니다. . 기원전 이자형.

고인, 그의 친척, 전사, 말 및 전차의 이미지가 둥근 돔에 조화롭게 새겨 져 있습니다. 날씬하고 당당하며 때로는 매우 우아한 인물. 그러나 분명히 정신적으로 그것은 지방 그림입니다. 공간 환경의 부재와 구성의 내부 통일성은 4세기 그리스 거장들의 놀라운 업적에 대한 문학적 증거와 맞지 않습니다. 프로토게네스, 필록세누스, 안티필루스.

우리에게는 그저 이름일 뿐...

Apelles는 Alexander the Great가 가장 좋아하는 화가였으며 Lysippus처럼 그의 궁정에서 일했습니다. Alexander 자신은 자신의 작품에 대한 초상화에 대해 두 명의 Alexander가 있다고 말했습니다. Philip의 무적 아들과 Apelles가 만든 "최소한의"입니다.

아펠레스의 죽은 작품을 어떻게 부활시킬 것인가, 우리는 그것을 어떻게 즐길 수 있을까? 그리스 시인의 구절에서 Apelles의 정신은 분명히 Praxitele의 정신에 가깝지 않습니까?

나는 바다 어머니에게서 태어난 Apelles Cyprida를 보았습니다.
나체의 광채 속에서 그녀는 파도 위에 서 있었다.
그래서 사진에서 그녀는 : 그녀의 컬과 습기로 인해 무겁습니다.
그녀는 부드러운 손으로 바다 거품을 서둘러 제거합니다.

그녀의 모든 매혹적인 영광의 사랑의 여신. 그녀의 "젖고 무거운" 컬에서 거품을 걷어내는 그녀의 손의 움직임은 얼마나 아름다웠을 것입니까!

Apelles 그림의 매혹적인 표현력은 이 구절에서 빛을 발합니다.

호머 표현력!

Pliny에서 우리는 Apelles에 대해 읽었습니다. “그는 또한 희생적인 처녀 합창단으로 둘러싸인 Diana를 만들었습니다. 그리고 그 그림을 보면 마치 호메로스가 묘사한 구절을 읽고 있는 것 같습니다.

4세기 그리스 그림의 소실. 기원전 이자형. 많은 증언에 따르면 그 세기는 회화가 새로운 놀라운 정점에 도달한 세기였기 때문에 더욱 극적이었습니다.

잃어버린 보물을 다시 한 번 후회합시다. 우리가 그리스 조각상 조각을 아무리 존경하더라도, 모든 유럽 예술이 탄생한 가슴 속에 있는 헬라스의 위대한 예술에 대한 우리의 생각은 불완전할 것입니다. 최근 19세기 미술의 발전에 대해 우리의 먼 후손들에게, 그의 그림이 하나도 남지 않았더라면...

모든 것은 공간과 공기의 이동이 후기 고전의 그리스 회화에서 더 이상 해결할 수 없는 문제가 아님을 시사합니다. 선형 원근법의 기초는 이미 그 안에 분명했습니다. 문학적 출처에 따르면 색상이 풍부하게 들렸고 예술가들은 색조를 점차적으로 향상시키거나 부드럽게 하는 방법을 배웠기 때문에 그림과 실제 그림을 구분하는 선이 분명히 교차했습니다.

"valere"라는 용어가 있는데, 이는 동일한 색조 내에서 색조의 음영 또는 빛과 그림자의 그라데이션을 나타내는 것을 나타냅니다. 이 용어는 프랑스어와 문자 그대로가치를 의미합니다. 색상 값! 또는 - 꽃. 그러한 가치를 창출하고 그림에서 조합하는 선물은 컬러리스트의 선물입니다. 이에 대한 직접적인 증거는 없지만 선과 순수한 색상(색조보다는)이 구성에서 계속해서 중요한 역할을 했음에도 불구하고 후기 고전의 가장 큰 그리스 화가들이 이미 부분적으로 소유했다고 가정할 수 있습니다.

고대 작가들에 따르면, 이 화가들은 그림을 단일하고 조화롭게 통합하는 구성으로 그룹화하여 때로는 날카롭고 폭풍우가 치는, 때로는 부드럽고 절제된 몸짓으로 영적 충동을 시선으로 전달할 수 있었습니다. 그들의 예술에 할당된 모든 작업은 종종 현대 조각가만큼 훌륭합니다.

마지막으로 역사화와 전투화, 초상화, 풍경화, 심지어 죽은 자연화까지 가장 다양한 장르에서 성공했다는 사실을 우리는 알고 있다.

화산 폭발로 파괴 된 폼페이에서는 벽화 외에도 모자이크가 발견되었으며 그중에서 우리에게 특히 소중한 것입니다. 이것은 "Issus에서 다리우스와 알렉산더의 전투"(나폴리, 국립 박물관), 즉. 이 전투에서 심각한 패배를 겪은 페르시아 왕 다리우스 3 세와 함께 알렉산더 대왕은 곧 붕괴로 이어졌습니다. 아케메네스 제국.

피할 수 없는 것을 막으려는 마지막 시도인 것처럼 손을 앞으로 내민 다리우스의 강력한 모습. 그의 눈에는 분노와 비극적 인 긴장이 있습니다. 우리는 그가 그의 모든 군대와 함께 적을 덮겠다고 위협하는 먹구름 같은 느낌이 듭니다. 그러나 그것은 다르게 일어났습니다.

그와 알렉산더 사이에는 말과 함께 쓰러진 부상당한 페르시아 전사가 있습니다. 이것은 구성의 중심입니다. 회오리 바람처럼 다리우스에게 달려가는 알렉산더를 막을 수 있는 것은 아무것도 없습니다.

알렉산더는 다리우스가 의인화한 야만인 세력의 정반대입니다. 알렉산더는 승리입니다. 그러므로 그는 침착합니다. 젊고 용감한 특징. 입술이 약간 슬퍼서 약간의 미소를 지었다. 그는 그의 승리에 무자비합니다.

페르시아 전사들의 창은 여전히 ​​검은 벼랑처럼 솟아 있다. 그러나 싸움의 결과는 이미 정해져 있다. 부러진 나무의 슬픈 골격은 다리우스에게 이러한 결과를 예고합니다. 왕의 전차의 분노한 전차의 채찍이 휘파람을 불었습니다. 구원은 비행 중에만 있습니다.

전체 구성은 전투의 파토스와 승리의 파토스로 호흡합니다. 대담한 각도는 전사와 찢어진 야콘의 모습을 전달합니다. 그들의 격렬한 움직임, 밝은 하이라이트와 그림자의 대비는 두 세계 사이의 치열한 윤리적 전투가 우리 앞에 펼쳐지는 공간감을 불러일으킨다.

놀라운 힘의 전투 장면.

그림? 하지만 그렇지 않아 진짜 그림, 그러나 유색 돌의 그림 같은 조합입니다.

그러나 문제의 사실은 유명한 모자이크(아마 어딘가에서 폼페이로 가져온 헬레니즘 작품)가 4세기 말, 즉 이미 여명기에 살았던 그리스 화가 Philoxenus의 그림을 재현한다는 것입니다. 헬레니즘 시대. 동시에 원작의 구성력을 어쩐지 우리에게 전달하기 때문에 상당히 성실하게 재생산합니다.

물론 이것은 원본이 아니며 여기에는 그림에 가깝지만 예술에 가까운 또 다른 왜곡 프리즘이 있습니다. 그러나 아마도 부유한 집의 바닥을 장식했을 뿐인 폼페이 대재앙으로 불구가 된 이 모자이크가 고대 헬라스의 위대한 예술가들의 그림적 폭로의 흥미진진한 비밀에 대한 베일을 어느 정도 열어줄 것입니다.

그들의 예술 정신은 우리 시대의 중세 말에 되살아날 운명이었습니다. 르네상스 예술가들은 고대 그림의 단 하나의 예를 보지 못했지만 자신의 것을 만들었습니다. 위대한 그림(훨씬 더 정교하고 그녀의 모든 가능성을 더 잘 알고 있음) 그리스의 원주민 딸이었습니다. 왜냐하면 이미 말했듯이 예술의 진정한 계시는 결코 흔적도 없이 사라지지 않기 때문입니다.

그리스 고전 예술에 대한 간략한 리뷰를 마치면서 우리 에르미타주에 보관되어 있는 주목할 만한 기념물을 하나 더 언급하고 싶습니다. 이것은 4세기의 세계적으로 유명한 이탈리아 꽃병입니다. 기원전 e., 고대 도시 쿠마(캄파니아) 근처에서 발견되었으며, 구성의 완벽함과 "꽃병의 여왕" 장식의 풍부함을 따서 명명되었으며, 아마도 그리스 자체에서 만들어지지는 않았지만 그리스 플라스틱. Qum의 검은 유약을 바른 꽃병에서 가장 중요한 것은 다산의 여신 Demeter의 숭배에 바쳐진 진정으로 완벽한 비율, 날씬한 윤곽, 형태의 일반적인 조화 및 놀랍도록 아름다운 다중 그림 부조 (밝은 색상의 흔적을 유지함)입니다. 가장 어두운 장면이 무지개 빛깔의 환상으로 대체되어 죽음과 삶, 영원한 부패와 자연의 각성을 상징하는 유명한 Eleusinian 신비. 이 부조는 5세기와 4세기의 가장 위대한 그리스 거장들의 기념비적인 조각품의 메아리입니다. 그래서 입상은 모두 프락시텔레스파의 조각상을 닮고, 앉은 조각상은 피디아스학파의 조각상을 닮았다.

첫 번째 제비의 도착을 묘사한 또 다른 유명한 에르미타주 꽃병을 떠올려 봅시다.

아직 만료되지 않은 고고주의, 고전 시대 예술의 선구자, 여전히 소심하고 독창적 인 세계관으로 표시되는 향기로운 봄이 있습니다. 여기-완성되고 현명하며 이미 다소 소박하지만 여전히 이상적으로는 아름다운 장인 정신입니다. 고전은 고갈되고 있지만 고전의 화려함은 아직 화려함으로 변질되지 않았습니다. 두 꽃병 모두 똑같이 아름답습니다.

이동 거리는 새벽부터 황혼까지 태양의 경로와 같이 엄청납니다. 아침 인사가 있었고 여기 저녁, 작별 인사가있었습니다.

고전 시대는 고대 그리스 역사상 가장 유명한 그리스 예술 발전의 정점입니다.

높은 고전 시대에 이전 시대와 마찬가지로 그리스 건축의 주요 특징은 사원 건설과 관련이 있습니다.

그리스 사원은 신의 거처로 간주되었으므로 모든 그리스 사원에는 신의 동상이 세워졌습니다. Hellas의 사원은 또한 가장 중요한 공공 건물로 간주되었습니다. 폴리스의 재물과 재무부가 그곳에 저장되었습니다.

고전 시대의 거장들은 건축과 조각의 통합 문제를 훌륭하게 해결했습니다.. 건축 기념물그 시간과 그들의 장식은 하나의 전체를 형성합니다. 게이블과 프리즈는 조각 구성을 수용하기 위해 적극적으로 사용되었습니다.

사원 건축 재료는 목재와 대리석, 빨간색과 파란색 페인트, 금도금이 장식용으로 널리 사용되었습니다. 그리스 사원의 유형도 다양했습니다. 범인- 열주로 둘러싸인 계획 건물의 직사각형, 디터– 두 줄의 기둥이 있는 템플, 둥근 형태의 템플 – 모노터그리고 톨로스.

Y 세기 초. 기원전. 가장 중요한 Doric 사원이 세워졌습니다. Olympia의 Zeus 사원과 Paestum의 Hera 사원입니다.

그리스 건축사에서 특별한 장소는 웅장한 사원 앙상블이 차지하고 있습니다. 아테네 아크로폴리스- 그리스 고전의 가장 유명한 건물.그레코-페르시아 전쟁 중에 심하게 파괴된 이 건물은 10세기 중반에 복원되었습니다. 기원전. 유명한 건축가와 조각가들이 아크로폴리스 재건에 참여했습니다. : 익틴, 칼리크라테스, 므네시클레스, 피디아스등아크로폴리스는 민주주의 아테네의 힘과 힘을 표현한 곳이었으며 그 위엄과 놀라운 조화로 여전히 놀라움을 금치 못합니다. 아크로폴리스에서 가장 큰 건물은 파르테논 신전- 아테나에게 바쳐진 신전. 역사는 창조자의 이름을 보존했습니다 - 익틴그리고 칼리크라테스. 밝은 대리석으로 지어졌으며 46개의 도리아식 기둥으로 둘러싸여 있고 이오니아 양식의 프리즈로 둘러싸여 있습니다., 조화와 엄격함의 구체화를 나타냅니다. 또한 Doric과 Ionic 스타일의 조합으로 아크로폴리스로 이어지는 장엄한 문이 만들어졌습니다. 프로필라이아(건축가 Mnesicles).

이오니아 질서는 작지만 우아한 Nike Apteros(날개 없음) 사원의 건축을 지배합니다. 같은 스타일로 일종의 사원이 세워졌습니다. Athena, Poseidon 및 영웅 Erechtheus를 기리기 위해 에렉테이온 - 비대칭 계획을 가진 그리스 건축에서 거의 발견되지 않는 사원의 예.각 정면은 다르게 장식되어 있습니다. 남쪽은 특히 아름답습니다. – 기둥 대신 여섯 명의 여성 인물이 있습니다. 유명한 caryatids.

아크로 폴리스의 사원은 아테네 시민의 주요 휴일 인 Great Panathenaic 동안 아크로 폴리스로의 엄숙한 전국 행렬 참가자가 각 건물의 시야를 점차적으로 열도록 언덕에 위치했습니다. Acropolis의 모든 건물은 비정상적으로 플라스틱이며 적절합니다. 파르테논 신전의 건축가는 또한 인간 시각의 몇 가지 특징을 고려했습니다. 사원의 기둥은 서로 간격이 일정하지 않고 모서리 기둥은 내부 기둥보다 약간 더 크며 전체적으로 모든 것이 안쪽으로 약간 기울어져 있습니다. 건물의 벽 - 이것은 건물을 더 얇고 더 크게 보이게 합니다.

10세기의 고전 그리스 조각. 기원전. 고전적인 완벽함의 모델이 되었습니다. 그녀의 스타일은 균형, 엄격한 대칭, 이상화 및 정적이 특징입니다.그리스 동상의 얼굴은 항상 무표정하고 정적이며 캐릭터의 내면 세계에는 개성과 감정이 없습니다. 이미지의 개별화, 즉 초상화의 예술, 고대 조각은 전혀 몰랐습니다.

초기 고전 조각의 가장 좋은 예 중 하나는 델포이의 청동 "전차병 동상"입니다. 석상의 어느 정도의 긴장감에도 불구하고 그 자세는 여전히 얼어붙은 쿠로스보다 더 자연스럽다.

높은 그리스 고전의 시대는 세 가지를 제시 저명한 조각가 – Phidias, Myron 및 Polykleitos.

Phidias는 많은 유명한 작품을 만들었습니다.. 그와 그의 학생들은 유명한 파르테논 신전의 프리즈. 파르테논 신전의 92개 메토프는 그리스와 아마존의 전투, 트로이 전쟁 장면, 신과 거인의 전투를 묘사한 부조로 가득 차 있었습니다. 프리즈에는 500개 이상의 인물이 그려져 있으며, 그 중 어느 것도 다른 것을 반복하지 않습니다.파르테논 신전의 조각 프리즈는 고전 예술의 정점 중 하나로 간주됩니다. Phidias는 또한 12m 동상을 실행했습니다. 아테네-처녀자리. 여신은 아름다운 여성으로 묘사됩니다. 여신의 옷, 투구, 머리카락, 방패는 순금으로 만들어졌으며 여신의 얼굴과 손은 상아판으로 덮여있었습니다. 조각상의 눈구멍에는 사파이어가 박혀 있었다. Phidias는 진정한 후원자 인 전사 여신이자 지혜의 여신 인 Athena의 새로운 이미지를 세상에 공개했습니다.

인간 성격의 이상은 피디아스에 의해 그의 유명한 또 다른 작품에서 구체화되었습니다. 올림피아 신전의 올림피아 제우스 동상. 이 동상은 "세계 7대 불가사의"로 선정되었으며 높이는 14m였습니다. 끔찍한 신은 왕좌에 위엄있게 앉아있는 것으로 묘사되었습니다. 얼굴

Zeus는 지혜와 박애의 개념을 구체화했습니다.제우스의 동상도 금과 상아로 만들어졌습니다.

Phidias의이 두 작품은 모두 살아남지 못했으며 고대 그리스 역사가 Pausanias (BC 2 세기)의 설명과 동전의 이미지에서만 우리에게 알려져 있습니다. 게다가 Phidias는 또 다른 조각상을 소유하고 있습니다. 전사 아테나 . 그녀의 손에 창을 들고있는 12m 높이의 아테나 동상은 파르테논 신전 앞 광장을 장식하고 있습니다. 고대 그리스 예술에서 "고급 스타일"의 개념은 고귀한 단순함과 동시에 웅장함으로 표현된 Phidias의 작품과 관련이 있습니다.

미론, 그는 9세기 중반 아테네에서 일했습니다. BC는 급속한 움직임의 순간에 사람의 모습을 전달한 최초의 그리스 조각가였습니다. 그의 동상은 가장 잘 알려져 있습니다. 원반던지기 선수», 인간 시민의 이상적인 이미지를 구현합니다. 움직이는 사람을 묘사한 이 조각상에서도 원반 던지는 사람의 얼굴이 차분하고 정적이라는 점은 의미심장하다.

Y의 세 번째 유명한 조각가 c. 기원전. - 아르고스의 폴리클레이토스 , 유명한 작가 헤라의 조각상, "상처 입은 아마존"그리고 " 도리포라". Poliklet은 예술 이론가였습니다. 그는 이상적인 인간 모습의 비율에 대한 기준을 결정하고 논문에서 공식화했습니다. 정경". 실제로 정경의 구체화는 동상 "Dorifor"였습니다. Polykleitos가 발견한 규칙에 따르면 머리는 전체 높이의 1/7, 얼굴과 손은 1/10, 발은 1/6, 코의 직선은 이마. Polycleitus의 동상은 항상 움직이지 않고 정적입니다. Polikleitos와 Myron의 원본 작품은 보존되지 않았으며 로마 대리석 사본 만 살아 남았습니다.

Y 세기의 그리스 예술가 중. 기원전. 눈에 띄다 폴리그노토스, 아폴로도로스, 파라시우스. 불행히도 우리 시대의 그림은 살아남지 못했고 동시대 사람들에 대한 설명만 살아 남았습니다. 하지만 꽃병 그림의 아름다운 예가 보존되어 제작자의 높은 기술을 증명합니다. 초기 그리스 고전의 가장 큰 꽃병 화가는 유프로니우스그리고 에브티미드붉은 도형 구성 기법을 연구한 사람,구성의 볼륨을 더 잘 전달하고 세부 사항을 명확하게 식별할 수 있게 했습니다. 그리스 꽃병에 대한 그림의 줄거리는 주로 신화에서 가져왔지만 Y 세기에 있습니다. 기원전. 일상의 풍경에 대한 화가들의 관심이 높아지고 있습니다.

후기 고전 시대의 그리스 예술(기원전 Y-IY 세기 후반).

이 기간 동안 그리스는 정치적 불안정, 폴리스 제도의 붕괴 및 폴리스 도덕성으로 표현되는 위기의시기에 접어 들었습니다. 이때 새로운 문화적 가치와 이상이 형성된다. 냉소주의와 같은 새로운 철학적 경향이 자리를 잡고 있습니다. 위대한 고대 그리스 철학자 플라톤은 이상적인 국가에 대한 그의 교리를 만듭니다.

고전주의 시대에 아테네가 기념비적인 건축물의 중심지였다면 4세기에 기원전. 건축의 중심은 다시 한 번 전성기를 누리고 있는 소아시아로 옮겨갔다. 그리스 본토에서는 Doric 스타일이 지배적이었습니다.하지만 이전보다 비율이 가벼워졌습니다. 소아시아의 도시들에서는 재능있는 건축가가 일한 이오니아 스타일 피테아스, 누가 지었는지 프리에네의 아테나 신전. 그는 건축 역사상 처음으로 다음과 같은 기념비적인 건물을 세웠습니다. 웅장한 무덤,-Halicarnassus시에있는 Carian 왕 Movsol과 그의 아내 Artemisia의 웅장한 무덤.이 24단 3단 대리석 피라미드는 높이 49m, 마구에 네 마리의 말을 묘사 한 조각품 인 quadriga로 장식 된 고대인은 "세계 7 대 불가사의"중 하나로 선정되었습니다. 그다지 웅장하지 않은 것은 "세계의 불가사의"로 여겨지는 고전적인 딥터였습니다. 기원전 356 년 화재 이후 재건되었습니다. 에베소의 아르테미스 신전. 이 건물의 위엄과 화려함은 고대 동양의 건축 양식에 더 가까워졌고 그리스와 동양의 문화적 차용이 합쳐진 새로운 헬레니즘 시대가 다가오고 있음을 증언했습니다.

20세기 건축에서 기원전. 주요 역할은 더 이상 사원 (문화) 건물이 아니라 극장, 회의실, 팔레 스트라, 체육관과 같은 세속적 건물에서 수행되었습니다.아주 멋진 건축 앙상블 Epidaurus시에 지어졌습니다. 여기에는 사원, 경기장, 체육관, 방문객을위한 집, 콘서트 홀 및 아름다운 극장이 포함되어 있습니다. 뛰어난 건축가 Policlet the Younger의 걸작입니다.

후기 고전의 조각품에는 여러 가지 새로운 기능이 있습니다. 그녀는 더욱 세련되고 깊은 인간의 감정, 사람의 내면을 보여주었습니다.위엄과 위엄은 극적인 파토스, 특별한 서정 및 은혜와 같은 다른 경향으로 대체되었습니다. 그들은 기원전 4세기의 가장 위대한 그리스 조각가들에 의해 그들의 작품에 구체화되었습니다. - Scopas, Praxiteles 및 Lysippos. 또한 이 시대의 조각에서는 장르적, 일상적 모티프가 특별한 자리를 차지하여 종교적, 시민적 모티프를 배경으로 밀어내고 있다.

Scopas는 일반적으로 그들의 드라마와 표현에 충격을 주는 신화적 이미지를 만들었습니다. 그의 " 미친 여인”, Dionysus의 춤추는 동반자는 고대뿐만 아니라 세계 예술의 걸작입니다. (Halicarnassus 영묘의 프리즈).

Scopas의 젊은 동시대 프락시텔레스주로 올림픽 신과 여신을 조각했습니다. 그의 조각품은 몽환적인 휴식의 자세로 묘사됩니다. "쉬는 사티로스", "아폴로", "아기 디오니소스를 안고 있는 헤르메스". 그의 가장 유명한 동상은 "크니도스의 아프로디테" - 사랑의 여신의 많은 후속 이미지의 원형. 그리스 조각 역사상 처음으로 Praxiteles는 아프로디테를 아름다운 나체 여성으로 표현했습니다.

Skopas와 Praxiteles의 원본 조각상은 거의 남아 있지 않습니다. 우리는 주로 그들의 로마 사본을 알고 있습니다. Praxiteles의 작품은 헬레니즘 시대의 조각가들과 로마의 거장들에게 눈에 띄는 영향을 미쳤습니다.

인물의 다양성을 전달하고자 하는 열망은 위대한 조각가의 작품의 주요 특징이다. 리시포스. 그는 후세에 아름다운 알렉산더 대왕의 흉상 Polykleitos ( "Apoxiomen")의 캐논을 대체하는 새로운 플라스틱 캐논을 개발했습니다.

아테네 이름 레오하라교과서 작업과 관련된 - “ 아폴로 벨베데레”. 이 조각품은 그리스 미술에서 남성 미의 이상이 어떻게 변했는지를 증언한다.

일반적으로 건축, 조각, 20 세기 회화 모두에서. 기원전. 다음 헬레니즘 시대에 완전히 표현될 많은 경향의 탄생으로 표시됩니다.

5세기의 첫 10년부터 c. 기원전. 그리스 문화와 그리스 예술의 고전적 발전 시기가 시작되었습니다. 6세기 말 클레이스테네스의 개혁. 기원전. 아테네와 다른 그리스 도시에서 귀족에 대한 국민의 완전한 승리를 승인했습니다. 5세기 초까지. 기원전. 그들의 삶의 방식에는 가장 정반대의 두 도시 국가가 있었습니다. 바로 아테네와 스파르타였습니다. 예술의 역사에서 스파르타는 불모지로 남아 있었습니다.

고전 그리스 문화 발전의 중심은 주로 아티카, 펠로폰네소스 북부, 에게 해의 섬들, 부분적으로는 시칠리아와 이탈리아 남부(그레이트 그리스)의 그리스 식민지였습니다. Greco-Persian 전쟁 중에 고전 예술 발전의 첫 번째 기간 인 초기 고전 (BC 490-550)이 시작되었으며 5 세기 2/4 분기에 시작되었습니다. 기원전. (기원전 475-450년) 고풍스러운 전통은 마침내 극복되었고 고전의 원리는 당시 거장들의 작품에서 완전히 표현되었습니다. 최고의 번영의 시간 - 안으로"페리클레스 시대" - 기원전 450년에서 410년까지 지속되었습니다. 5세기 말까지. 기원전. 노예 노동의 증가하는 사용은 자유 노동의 번영에 악영향을 미치기 시작하여 일반 자유 시민의 점진적인 빈곤을 초래했습니다. 그리스의 정책 분할은 노예 사회의 발전을 늦추기 시작했습니다. 두 도시 동맹(아테네와 스파르타가 이끄는) 간의 길고 어려운 펠로폰네소스 전쟁(BC 431-404)은 정책의 위기를 가속화했습니다. 5세기 말부터 4세기 초까지의 고전 예술. 기원전. 마지막 세 번째 개발 단계 인 후기 고전에 들어갔습니다. 후기 고전의 예술은 영웅적이고 시민적인 성격을 잃었지만 사람의 내부 모순을 반영하는 새로운 이미지가 개발되었으며 이 기간은 더욱 극적이고 서정적이 되었습니다.

4세기 후반의 마케도니아 정복. 기원전. 그리스 도시 국가의 독립된 존재에 종지부를 찍습니다. 그것은 그리스 고전의 전통을 파괴하지는 않았지만 전반적으로 더 많은 예술의 발전은 다른 길을 택했습니다.

초기 고전의 예술."엄격한 스타일"

서기 490-450년 기원전.

고대 관습의 특징은 꽃병 그림, 특히 조각에서 한동안 여전히 느껴졌습니다. 5세기의 1/3의 모든 예술. 기원전. 사람을 사실적으로 묘사하는 방법에 대한 강렬한 검색으로 스며 들었습니다. Peripter는 그리스 기념비적 건축에서 지배적인 건물 유형이 됩니다. 비율면에서 사원은 덜 길어지고 더 견고해졌습니다. 큰 사원에서 나오스는 일반적으로 두 줄의 기둥으로 세 부분으로 나뉘었고 작은 사원에서는 건축가가 내부 기둥을 생략했습니다. 정면 중앙에있는 사원 입구의 위치를 ​​\u200b\u200b방해하는 끝 정면에 홀수 개의 기둥이있는 열주 사용이 사라졌습니다. 전면 및 측면 정면의 기둥 수의 일반적인 비율은 6:13 또는 8:17입니다. 입구 맞은 편 나오스 중앙 부분 깊숙한 곳에 신상이 있었다.

후기 고풍에서 초기 고전으로의 과도기적 기념물은 Erige 섬에 있는 Athena Aphaia 사원(기원전 490년)으로 기둥의 비율은 6:12이며 사원은 석회암으로 지어지고 회반죽으로 덮여 있습니다. 페디먼트는 대리석 조각 그룹으로 장식되었습니다.

성전은 과도기적 성격을 가졌습니다.Selinunte (시칠리아)의 "E". 열의 비율은 6:15입니다.

초기 고전 건축의 가장 완전한 전형적인 특징은 Paestum의 Poseidon 사원 (기원전 5 세기 대 그리스)에 구현되었습니다. 컬럼 비율 6:14

그리고 올림피아(펠로폰네소스, 기원전 468-456년)의 제우스 신전에서 고전적인 도리아식 페리프터, 기둥 비율 6:13. 사원은 거의 완전히 파괴되었지만 발굴과 고대 작가의 설명을 바탕으로 일반적인 모습이 정확하게 재건되었습니다. 비율의 엄격함과 엄격함은 축제 색상으로 부드러워졌습니다. 사원은 페디먼트에 큰 조각 그룹으로 장식되었습니다-Pelops와 Oenomaus의 전차에서의 경쟁과 메토프에서 켄타우로스와의 그리스인 (Lapiths) 전투-헤라클레스의 착취. 5세기 중반의 사원 내부. 기원전. 금과 상아로 만든 Phidias의 Zeus 동상이 있습니다.

초기 고전 시대에 꽃병 그림에는 민속 예술과 공예의 전통이 스며들었습니다. 검은 그림 꽃병 그림의 평면 실루엣 대신 예술가들은 다양한 방향과 각도로 입체적인 몸을 만들기 시작했습니다. 꽃병 그림의 거장들은 몸과 움직임을 구체적으로 묘사하려고 노력했을 뿐만 아니라 신화적이고 일상적인 내용의 복잡한 장면을 그리면서 구성에 대한 새로운 이해를 얻었습니다. 어떤 의미에서 화병 그림의 발전은 조각의 발전을 결정했다.

이 시대 가장 저명한 꽃병 그림의 대가는 아테네에서 일했던 Euphronius, Duris 및 Brig였습니다. 무엇보다 이 거장들 중 가장 나이가 많은 유프로니우스(기원전 6세기 후반)는 고풍스러운 문양과 장식과 관련이 있습니다.

Amphitrite의 테세우스. 유프로니우스

사티르와 매나드.유프라테스, 루브르

테티스와 펠레우스. 두리스

브리그의 지배자 트로이 함락

꽃병 그림에서 조각이나 기념비적 그림에서와 같이 환경은 사람, 즉 그들의 행동만을 보여주는 예술가에게 관심이 없었습니다. 사람이 행동하는 도구와 노동의 결실조차도 행동의 의미를 이해하기 위해서만 표시됩니다. 이것은 초기 및 고전 고전 모두 그리스 꽃병 그림에 풍경이 없다는 것을 설명합니다. 인간과 자연의 관계는 인간 자신의 이미지를 통해 전달되었습니다.

제비로 펠릭. Euphronius, 암자

Peloponnese의 북부, Doric 학교 중 가장 중요한 Argos-Sicyon 학교에서 조각품은 침착하게 서있는 인간 형상을 만드는 작업을 개발했습니다. 무게 중심을 한쪽 다리로 옮기면 마스터는 자유롭고 자연스러운 자세를 얻을 수 있습니다. 아이오니아 방향은 움직임에 더 많은 관심을 기울였습니다. 이미 6세기에. 기원전. Attic 학교는 양방향의 가장 좋은 측면과 5 세기 중반까지 합성했습니다. 기원전. 사실적인 예술의 기본 원칙을 승인했습니다. 고전 시대 그리스 조각의 중요한 특징은 공공 생활과 불가분의 관계였습니다.과도기 단계는 Aegina 사원의 페디먼트 조각에서 볼 수 있습니다. (조각상은 유명한 조각가 Thorvaldsen에 의해 19세기에 복원되었습니다)

윤리적이고 미학적 이상의 힘과 아름다움의 방향으로 신화적 이미지에 대한 재고가 있습니다.

폭군 살해 집단: 하르모디우스와 아리스토게이톤. 조각가 크리티아스와 네시오스(프로토타입« 노동자와 집단 농부» )

기념비적 조각의 역사에서 처음으로 조각 그룹이 하나의 행동, 하나의 줄거리로 통합되었습니다.

이에 비해 아고라의 폴리메데스의 고대 조각상은"클레오비스와 비튼"

70~60년대 조각의 결정적 전환을 이룬 대표적인 거장들. 5세기 기원전. Agelad, Pythagoras Regius 및 Calamis였습니다.

히아신스 또는 에로스 소란조,피타고라스 레기우스(로마 사본, Hermitage)

델포이 마부

몇 안되는 진정한 고대 그리스 청동상 중 하나입니다.

폼페이에서 온 아폴로(로마 복제품)

이미 6세기 말과 5세기 초에. 기원전. 장인들은 이 방향으로 쿠로스 조각상을 재가공하려고 했습니다.

천둥 제우스

파편을 꺼내는 소년

실제 움직임을 묘사하는 데 큰 성공을 거둔 것은 다음과 같은 동상의 등장이었습니다.« 우승자 실행". 조각상은 원래 청동으로 만들어졌는데, 로마의 필사자가 대리석으로 그것을 반복하여 조잡한 소품을 추가했습니다.

부상당한 니오비다, 테르메 박물관, 로마

Xanth의 Nereids (대영 박물관 재건)

고풍의 전통을 깨는 수년 동안 신화적 음모를 재고한 좋은 예는 아프로디테(루도비시의 왕좌)의 탄생을 묘사한 부조입니다.

높은 고전을 향한 다음 중요한 단계는 올림피아에 있는 제우스 신전의 페디먼트 그룹과 메토프였습니다(기원전 5세기 50년대).동쪽 페디먼트는 시작을 표시한 Pelops와 Oenomaus 간의 경쟁 신화에 전념합니다. 올림픽의. 서부 - 켄타우로스와의 Lapiths 전투.

처음에 초상화 조각의 가장 일반적인 유형은 올림픽 대회 우승자의 동상이었습니다. 우승자의 동상은 우승자뿐만 아니라 도시 전체를 찬양하기 위해 도시 국가에서 주문했습니다. 조화롭게 발달한 신체의 용감한 정신 - 이것은 사람에게 가장 가치 있는 것으로 여겨졌기 때문에 조각상은 일반적으로 일반화되었습니다. 장점으로 구별되는 시민의 첫 번째 초상화도 뚜렷한 개인 특성을 박탈당했습니다.

아테나의 머리. 올림피아 제우스 신전의 메토프 조각

아틀라스 머리. 올림피아 제우스 신전의 메토프 조각

아폴로. 올림피아 제우스 신전의 서쪽 페디먼트 조각

선수의 머리. 미론(?) 암자

Cimon (?) 뮌헨 Glyptothek

Discobolus, 머리. 미론. 로마, 테르메 박물관

이 시대의 가장 유명한 조각가는 Eleuther의 Myron입니다. 그는 2세기 말과 5세기 3분기 초에 아테네에서 활동했습니다. 기원전. 원본은 우리에게 전해지지 않고 로마 사본만 전해졌습니다.

원반 던지기. 미론.로마, 테르메 박물관

Athena와 Marsyas, Myron. 프랑크푸르트

Myron의 예술과 정신이 유사한 작품에는 창에 기대어 있는 Athena를 묘사하는 부조가 포함됩니다(기원전 460년).

날개 달린 Nike-Victory, Mende의 Paeonius

고전 예술

서기 450-410년 기원전.

5세기 3분기 건축. 기원전. 자연에 대한 합리적인 인간 의지의 승리의 증거로 작용했습니다. 도시뿐만 아니라 야생에서도 건축 구조물이 주변 공간을 지배했다. 예를 들어, 기원전 430년경 수니우스 곶에서. 포세이돈 신전이 세워졌습니다.

아테네는 지붕이 있는 현관(스탠드), 체육관(청년들이 철학과 문학을 가르치는 학교), 팔레스트라스(청년 체조를 가르치는 방 등) 등 수많은 새 건물로 장식되었습니다. 벽은 종종 기념비적 인 그림으로 덮여있었습니다. 그러나 페리클레스 시대의 가장 중요한 건물은 아테네 아크로폴리스의 새로운 앙상블이었습니다.

아테네 아크로폴리스 지역 계획:

1. 파르테논 신전 2. 헤카톰페돈 3. 에렉테이온 4. 아테나 프로마코스 동상 5. 프로필라이아 6. 나이키 앱테로스의 사원 7. 엘레우시니온 8. 브라우로네이온 9. 칼코테카 10. 판드로시온 11. 아레포리온 12. 아테네 제단13. 제우스 폴리에아스의 성소14. 판디온의 성역15. Herodes Atticus의 Odeon 16. 에우메네스 주랑 17. 아스클레피온 18. 디오니소스 극장 19. 페리클레스 오데온 20. 디오니소스의 테메노스21. 아글라우라 성소

아크로 폴리스는 페르시아 침공 중에 파괴되었으며 오래된 건물의 잔해와 부서진 조각상은 언덕 표면을 평평하게 만드는 데 사용되었습니다. 5세기 3분기 동안 c. 기원전. 새로운 건물이 세워졌습니다-파르테논 신전, Propylaea, 날개없는 승리의 사원. 앙상블을 완성하는 에레크테온 건물은 나중에 펠로폰네소스 전쟁 중에 지어졌습니다. 아크로폴리스의 배치는 위대한 조각가 피디아스의 일반적인 지도하에 수행되었습니다. 아크로폴리스의 온전한 의미는 축제 기간 동안의 엄숙한 행렬의 움직임을 고려해야만 이해할 수 있습니다. Great Panathenaic의 향연-도시 국가 전체를 대신하여 아테네 소녀들이 여신 Athena에게 선물로 짠 peplos를 선물로 가져온 날-행렬은 서쪽에서 아크로 폴리스로 들어갔습니다. 도로는 건축가 Mnesicles가 437-432년에 지은 Acropolis의 엄숙한 입구인 Propylaea(Propylaea 건물에는 도서관과 미술관이 있는 Pinakothek이 있음)로 이어졌습니다. 기원전. 도시를 향한 Propylaea의 Doric 콜로 네이드는 건물의 두 개의 다른 날개로 둘러싸여 있습니다. 그들 중 하나-왼쪽-더 크고 Acropolis-Pyrgos의 바위 선반은 Nike Apteros의 작은 사원, 즉 Wingless Victory (날개 없음-아테네에서 결코 날아 가지 않도록) 더 작은 것에 인접

Mnesicle. 프로필라이아

이 작은 사원은 기원전 449년에서 421년 사이에 건축가 칼리크라테스에 의해 지어졌습니다. 기원전. Propylaea와 Nike Apturos의 사원의 레이아웃에서 Acropolis 언덕의 불규칙성이 능숙하게 사용되었습니다. 두 번째는 아크로폴리스를 마주보고 있는 Propylaea의 Doric portico가 바깥쪽 것보다 더 높게 위치했습니다. Propylaea 통로의 내부 공간은 이오니아 기둥으로 장식되었습니다.프로필라이아, 파르테논 신전, 에레크테온 사이의 아크로폴리스 광장에는 아크로폴리스의 새로운 앙상블이 건설되기 전에 피디아스가 만든 아테나 프로마코스(전사)의 거대한(7m) 청동상이 있었습니다.

파르테논 신전은 한때 Hekatompedon의 고대 사원이 서 있었기 때문에 입구 바로 맞은 편에 위치하지 않고 옆에 있습니다. 축제 행렬은 파르테논 신전의 북쪽 열주를 따라 주요 동쪽 정면으로 이동했습니다. 파르테논 신전의 큰 건물은 광장 반대편에 서 있는 에렉테온 건물과 균형을 이루었습니다. 파르테논 신전의 창시자는 Iktin과 Callicrates(기원전 447-438년)였으며, 파르테논 신전의 조각 작업인 Phidias와 그의 조수들은 432년까지 계속되었습니다. 파르테논 신전의 기둥은 초기 Doric 사원보다 더 자주 설정되며 entablature가 가벼워집니다. 눈에 보이지 않는 곡률- 즉, 기단과 엔타블러쳐의 수평선의 약한 볼록한 곡률과 기둥이 안쪽과 중심을 향한 눈에 띄지 않는 기울기 - 이러한 기하학적 정확도의 편차는 파사드의 중앙 부분이 페디먼트, 기둥을 세게 누르고 정면의 측면보다 더 많은 힘으로 기단을 만들면 사원 바닥의 완전히 직선인 수평선이 보는 사람에게 약간 구부러진 것처럼 보일 것입니다. 이러한 시각적 효과를 보완하기 위해 사원의 일부 수평선은 건축가가 위쪽으로 휘어지게 만들었습니다. 색상은 구조적 세부 사항을 강조하고 페디먼트와 메토프(빨간색과 파란색)의 조각이 눈에 띄는 색상 배경에만 사용되었습니다.

주로 도리스식으로 실행된 파르테논 신전에는 이오니아식 개별 요소가 포함되어 있습니다. 파르테논 신전은 Phidias의 지시에 따라 만들어진 조각품으로 장식되었습니다. Phidias는 또한 naos에 서 있던 12m 높이의 Athena 동상을 소유했습니다.

Acropolis를 위해 Phidias는 Athena의 세 조각상을 만들었습니다. 이들 중 가장 초기는 Athena Promachos(전사)였습니다. 두 번째로 작은 것은 Athena Lemnia(Lemnos)였습니다. 세 번째는 Athena Parthenos(즉, Virgo)입니다. 피디아스의 신들의 위대함은 신성이 아니라 높은 인성에서 나타납니다.

Athena Lemnia (로마 대리석 사본, 몸통, 드레스덴, 머리 - 볼로냐) 및 재건

아테나 바르바키온. Athena Parthenos Phidias의 축소된 사본. 아테네, 국립 박물관

Athena Parthenos와 Olympian Zeus 동상의 특징 중 하나는 chrysalephantine 기술이었습니다. 얇은 시트금(머리카락과 옷)과 상아판(얼굴, 손, 발). 이 기술이 만들어낼 수 있는 인상의 예는 5세기 말 다락방 작업의 작은 레키토스입니다. 기원전. -"타만 스핑크스"(암자):

파르테논 신전을 장식한 조각 그룹과 부조는 심하게 손상되었지만 원본에 보존되어 있습니다. 사원의 92개 메토프는 모두 높은 부조로 장식되었습니다. 서쪽 정면의 메토프에는 아마존과 그리스인의 전투가 주요 동쪽 정면에 묘사되어 있습니다. 거인과 신의 전투, 사원 북쪽, 트로이의 몰락, 남쪽-켄타우로스와 Lapiths의 투쟁. 이 모든 이야기는 고대 Hellenes에게 매우 중요했습니다. 동쪽 페디먼트의 고막에 있는 큰 다중 형상 그룹은 제우스의 머리에서 지혜의 여신 아테나의 기적적인 탄생 신화에 전념했습니다. 서쪽 그룹은 다락방 땅을 소유하기 위해 Athena와 Poseidon 사이의 분쟁을 묘사했습니다. 기둥 뒤의 naos 벽을 따라 걸었습니다. 조포러스(프리즈 인 그리스 신전), Great Panathenaic 시대 아테네 사람들의 축제 행렬을 묘사합니다.

이 시대의 예술적 삶은 아테네에만 국한되지 않았습니다. 예를 들어 Argos (Peloponnese) 출신의 유명한 조각가 Poliklet이 있습니다. 그의 예술은 Argive-Sikyonian 학교의 전통과 연결되어 있으며 침착하게 서있는 인물을 묘사하는 데 주된 관심이 있습니다. Polykleitos 동상의 이미지는 hoplite (무장한 전사)의 고대 이상을 반영합니다.

도리포(창병). Polykleitos, ~ser. 5세기 기원전.

그림의 균형은 올라간 오른쪽 엉덩이가 낮아진 오른쪽 어깨에 해당하고 그 반대도 마찬가지라는 사실에 의해 달성됩니다. 인간의 모습을 만드는 이 시스템을 교차점. Poliklet은 완벽한 사람의 전형적인 이미지를 이론적으로 구체화하려고 노력했기 때문에 글을 쓰게되었습니다."Canon"- 시스템에 대한 이론 논문 이상적인 비율및 대칭 법칙. 로마 필사자들은 표준에서 발생한 추상화 기능을 강화했습니다."정경". 예를 들어, 벌거벗은 청년의 로마 사본(파리, 루브르 박물관):

Policlet은 삶의 끝에서 엄격한 준수에서 벗어납니다.attica의 주인과 가까워진 "Kanonu"는 유명한 Diadumen을 만듭니다.

또한 Polikleitos의 부상당한 아마존의 로마 사본과 Phidias의 원본으로 거슬러 올라가는 Mattea의 로마 아마존 동상도 있습니다.

Phidias의 직접적인 학생들 중에서 Pericles의 초상화의 저자 인 Kresilaus가 눈에 띕니다.

에페베의 머리. 크레실라이

같은 Phidias 서클에서 극적인 행동을 강화하고 투쟁의 주제를 악화시키려는 작품이 나타납니다. 이 추세의 조각가들은 Bassae의 Apollo 사원을 장식했습니다. 일반적인 규칙과는 달리 그리스인과 켄타우로스 및 아마존과의 전투를 묘사하는 프리즈는 반쯤 어두운 naos에 있었고 높은 부조로 만들어졌습니다.

Fidiian 학교의 주인 중 5 세기 말까지. 기원전. 서정적인 감정을 표현하려는 경향도 있었다. Attica에서이 방향의 가장 큰 주인은 Alkamen이었습니다. Alcamenes는 또한 거대한 Dionysus 동상과 같은 순수한 Phidiean 성격의 일부 동상을 소유했습니다. 하지만 아프로디테 조각상 같은 작품에서는 새로운 퀘스트가 좀 더 선명하게 나왔는데-"정원의 아프로디테":

이미지에 대한 서정적인 탐색은 아크로폴리스에 있는 니케 압테로스 신전의 난간 부조에서 실현되었습니다. 이 부조는 소녀들이 희생하는 모습을 묘사했습니다.

샌들을 풀고 있는 니카

묘비의 부조는 이 방향을 형성하는 데 매우 중요한 역할을 했습니다.

게게소의 묘비. 아테네, 국립 박물관

Stella Mnesarete, 뮌헨

레키토스. 무덤에서의 장면. 암자

예술적 의식의 변화는 건축에서 그 표현을 찾았습니다. Bassae에 있는 Apollo 사원의 Iktin은 Doric 및 Ionic 요소와 함께 처음으로 건물에 도입되었습니다.

새로운 것은 421-406년에 알려지지 않은 건축가가 만든 아테네 아크로폴리스에 있는 에렉테온 건물의 비대칭 구조였습니다.

아테나와 포세이돈에게 헌정된 이 사원의 예술적 발전은 고전 시대의 건축에 ​​새로운 특징을 도입했습니다. 대조되는 건축 양식과 조각 형태를 비교하는 데 대한 관심, 다양한 관점. Erechtheon은 고르지 않은 북쪽 경사면에 지어졌으며 레이아웃에는 이러한 불규칙성이 포함됩니다. 사원은 서로 다른 수준에 위치한 두 개의 방으로 구성되어 있으며 남쪽 벽의 유명한 cor portico (caryatids)를 포함하여 3면에 다양한 모양의 현관이 있습니다. Erechtheon에는 외부 그림이 없었고 보라색 프리즈 리본이 달린 흰색 대리석과 개별 세부 사항의 금박 조합으로 대체되었습니다.

기념비적 인 회화 및 조각과 긴밀한 협력을 통해 개발 된 고급 고전 시대의 꽃병 그림. 꽃병 화가들은 행동뿐만 아니라 캐릭터의 마음 상태에 대한 이미지에 매료되기 시작했습니다. 조각에서와 마찬가지로 인간 정신의 가장 일반적인 상태는 구체적이고 개별적인 감정에 주의를 기울이지 않고도 이 시대의 화병 그림의 이미지로 전달되었습니다.

오르비에토, 파리, 루브르 박물관의 분화구

그네에서 소녀를 흔드는 사티로스

Eriphile에게 목걸이를 제공하는 Polyneices (Lecce의 꽃병)

세기 중반 경에 컬트 목적으로 사용되는 흰색 배경에 그림이있는 lekythos가 널리 퍼졌습니다.

보스턴 박물관의 레키토스

5세기 말까지. 기원전. 꽃병 그림이 쇠퇴하기 시작했습니다. 이미 미디어와 그의 모방가들은 장식적인 세부 사항으로 그림을 오버로드하기 시작했습니다. 자유 노동의 위기는 도예가와 기안가의 작업에 특히 해로운 영향을 미쳤습니다.

우리에게 전해지지 않은 고전 시대의 그림은 고대 작가의 진술에서 판단할 수 있는 한 조각과 마찬가지로 기념비적 성격을 지녔으며 건축과 불가분의 관계를 가졌습니다. 그것은 분명히 가장 자주 프레스코 화로 수행되었으며 왁스뿐만 아니라 접착제 페인트가 사용되었을 가능성이 있습니다 ( 강렬한). 이 시대의 가장 위대한 스승은 Thasos 섬 출신의 Polygnotus였습니다. Polygnotus 그림의 중요한 특징은 역사적 성격의 주제에 대한 호소였습니다."마라톤 전투"). 가장 유명한 작품 중 하나 - 회화Delphi의 "Cnidians의 Leshi (회의소)". 이 작품에 대한 설명은 Pausanias의 글에 보존되어 있습니다. Polygnotus는 4 가지 색상 (흰색, 노란색, 빨간색 및 검은 색) 만 사용한 것으로 알려져 있으며 그의 팔레트는 꽃병 그림에 사용되는 것과 크게 다르지 않았습니다. 설명에 따르면 색상은 채색의 성격을 띠고 있으며 인물의 색상 모델링은 거의 사용되지 않았습니다. 고대인들은 그의 해부학적 지식과 특히 얼굴을 묘사하는 능력에 감탄했습니다.

후반과 5세기 말 c. 기원전. Attic 조각 학교의 경향과 밀접하게 관련된 많은 화가들이 나타났습니다. 가장 유명한 작가는 아테네의 아폴로도로스였다. 그의 그림은 신체의 흑백 모델링에 대한 관심이 특징입니다. 그와 많은 화가들(예를 들어 제욱시스와 파라시우스)은 원근법, 선형 및 바람이 잘 통하는 방식을 발전시키기 시작했습니다. Apollodorus는 건축 구조와 유기적으로 연결되지 않은 그림을 그리는 데 처음 온 사람 중 한 명입니다.

후기 고전의 예술

Peloponnesian Wars의 끝 - 마케도니아 제국의 출현

4세기 기원전. 고대 그리스 예술의 발전에서 중요한 단계였으며 높은 고전의 전통은 새로운 역사적 조건에서 처리되었습니다. 노예 제도의 성장과 소수의 노예 소유자의 손에 부의 집중은 자유 노동의 발전을 방해했습니다. Peloponnesian Wars는 위기의 발전을 악화 시켰습니다. 많은 도시에서 인구의 가난한 부분의 봉기가 있습니다. 교환의 성장은 단일한 힘의 창출을 필요로 했다. 세기 중반에는 노예 소유 민주주의의 반대자들을 통합하고 군사적 수단으로 정책을 통합할 수 있는 외부 세력에 희망을 두는 추세가 형성되었습니다. 마케도니아 군주국은 그러한 세력이었습니다.
정책의 붕괴는 자유 시민의 이상 상실을 수반했습니다. 동시에 사회 활동의 비극적 갈등은 현상에 대한 보다 복잡한 관점의 출현을 초래했습니다. 예술은 처음으로 정책 전체가 아닌 개인의 미적 요구와 이익에 부응하기 시작했습니다. 군주제 원칙을 확인하는 작품도있었습니다. 신화적 표현 체계의 위기는 예술에도 큰 영향을 미쳤다. 일상 생활에 대한 관심과 사람의 정신 구성의 특징이 생겼습니다.4세기 최고의 대가들의 예술에서. 기원전. -Skopas, Praxiteles, Lysippus-인간 경험을 이전하는 문제가 제기되었습니다.
후기 고전 그리스 예술의 발전에는 두 단계가 구별됩니다. 세기의 처음 2/3 동안 예술은 ​​여전히 ​​높은 고전의 전통과 유기적으로 연결되어 있습니다. 4세기의 마지막 3분의 1에서 c. 기원전. 급격한 전환점이 발생하는 이때 예술의 사실주의와 반 사실주의의 투쟁이 심화됩니다.
4세기의 1/3 동안 c. 기원전 이자형. 건축에서는 모든 그리스 정책을 뒤덮은 사회 경제적 위기를 반영하여 건축 활동의 잘 알려진 감소가 있었습니다. 이러한 감소는 보편적인 것과는 거리가 멀었습니다. 그것은 펠로폰네소스 전쟁에서 패배한 아테네에서 가장 심각하게 영향을 받았습니다. Peloponnese에서는 사원 건설이 중단되지 않았습니다. 세기의 2/3에 건설이 다시 강화되었습니다.
4세기의 기념물 기원전. 일반적으로 주문 시스템의 원칙을 따랐지만 고전 작품과는 크게 달랐습니다. 사원 건설은 계속되었지만 극장, 팔레 스트라, 체육관, 공개 회의를위한 폐쇄 건물 (bouleuterium) 등의 건설이 특히 널리 퍼졌습니다. 동시에 개인의 인격을 높이는 데 전념하는 구조는 신화적인 영웅이 아니라 독재 군주의 인격이 기념비적 인 건축물에 나타났습니다. 예를 들어, 그리스 정책에 대한 마케도니아 왕 필립의 승리에 헌정 된 Caria Mausolus (Halicarnassus의 영묘) 또는 Olympia의 Philippeion 통치자의 무덤.

올림피아의 필리피온

후기 고전의 특징이 표현된 최초의 기념물 중 하나는 394년 화재 후 재건된 테게아(펠로폰네소스)의 아테나 알레아 신전이었습니다.건물과 조각품 모두 Scopas가 만들었습니다. Tegey 사원에서는 세 가지 명령이 모두 적용되었습니다.

그러나 가장 유명한 건물은 Polykleitos the Younger가 지은 극장이었습니다. 그 당시 대부분의 극장에서와 마찬가지로 관중석 (theatron)은 산비탈에 있습니다. 52줄(10,000명)이 합창단이 공연하는 플랫폼인 오케스트라를 구성했습니다. 청중석 반대편에서 오케스트라는 그리스어에서 텐트로 번역 된 스케 네에 의해 닫혔습니다. 처음에 스케네는 배우들이 떠날 준비를 하는 텐트였지만, 나중에 스케네는 배우들이 공연하는 앞에서 기둥으로 장식되고 건축적 배경을 형성하는 복잡한 2층 구조로 변했습니다. Epidaurus의 Skene에는 주요 배우가 개별 게임 에피소드를 수행하기 위한 석재 플랫폼인 Ionic 주문으로 장식된 프로시니엄이 있습니다.

에피다우로스의 톨로스(피멜라), 폴리클레이토스 이세:

우리에게 내려온 건축물 중 가장 흥미로운 것은 개인이 세운 아테네에 있는 리시크라테스의 안무 기념비(기원전 334년)입니다. .

소아시아 그리스의 건축 발전 경로는 그리스 자체의 건축 발전과 다소 달랐습니다. 그녀는 무성하고 웅장한 건축 구조에 대한 열망이 특징이었습니다. 소아시아 건축의 고전에서 벗어나는 경향은 매우 강하게 느껴졌습니다. 예를 들어 에베소의 두 번째 아르테미스 사원과 사르디스의 아르테미스 사원의 거대한 이오니아 dipteras는 화려 함과 장식의 고급 스러움으로 구별되었습니다. 고대 작가의 설명에서 알려진 이 사원은 빈약한 잔재로 오늘날까지 살아 남았습니다.

소아시아 건축 개발의 가장 두드러진 특징은 기원전 353년경에 지어진 건물에 영향을 미쳤습니다. Halicarnassus의 영묘 (건축가 Pytheas와 Satyr). 고대에는 세계 7대 불가사의로 꼽혔습니다.

건물은 그리스 질서 건축의 소아시아 전통과 고전 동양에서 차용한 모티프를 결합한 복합 구조였습니다. 15세기에 영묘가 심하게 손상되었습니다. 그리고 정확한 재구성은 불가능합니다.

건축과 회화에 관한 것보다 로마 사본 덕분에 이 시대의 조각 발전에 대해 말할 수 있는 것이 거의 없습니다. 2가지 방향이 명확하게 정의되어 있습니다. 형식적으로 고전의 전통을 따랐던 일부 조각가들은 삶에서 추상화된 예술을 창조했고, 날카로운 모순과 갈등에서 벗어나 냉정하고 추상적으로 아름다운 이미지의 세계로 이끌었다. 가장 저명한 대표자는 Kefisodot, Timothy, Briaxis, Leohar였습니다.

후기 고전의 조각과 예술의 일반적인 성격은 주로 사실주의 예술가들의 창작 활동에 의해 결정되었습니다. 이 방향의 가장 큰 대표자는 Skopas, Praxiteles 및 Lysippus였습니다. 사실적 경향은 조각뿐만 아니라 회화(Apelles)에서도 널리 발전하였다. 그 시대의 사실주의 예술의 성취에 대한 이론적 일반화는 아리스토텔레스의 미학이었다.

두 방향의 반대는 즉각 드러나지 않았다. 처음에는 이러한 방향이 때때로 모순되어 한 주인의 작업에서 교차했습니다. 따라서 Kefisodot(Praxiteles의 아버지)의 예술은 서정적인 영적 분위기에 대한 관심과 동시에 고의적인 외적 우아함의 특징을 모두 담고 있습니다.

4세기 전반부의 가장 큰 대가. 기원전. 스코파스였다. Scopas의 이미지는 모든 영적 힘의 격렬한 극적인 긴장으로 인해 고전 이미지와 다릅니다. 스코파스는 정책의 전성기에 만들어진 윤리적, 미적 이상의 비극적 위기를 간접적으로 반영하여 고통의 모티프, 내적 비극적 골절, 내적 비극적 골절을 도입하였다. 거의 반세기에 가까운 활동 기간 동안 Skopas는 조각가뿐만 아니라 건축가로도 활동했습니다. 우리에게 내려온 것은 거의 없습니다. Tegea에있는 Athena 사원의 빈약 한 조각이 남아 있습니다. 건물 자체 외에도 Skopas는 조각 장식을 수행했습니다. 서쪽 페디먼트에는 카익 계곡에서 아킬레우스와 텔레포스의 전투 장면이 그려져 있고, 동쪽 페디먼트에는 멜레아그로스와 아탈란타가 칼레도니아 멧돼지를 사냥하는 모습이 그려져 있다. Amazonomachy, Halicarnassus의 영묘를 위해 아마존과 그리스인의 전투 부조. 런던, 대영 박물관

Skopas의 폭풍우와 비극적 인 예술과는 달리 그의 작품에서 Praxiteles는 명확하고 순수한 조화와 차분한 사려 깊음의 정신이 깃든 이미지로 성장했습니다. Skopas와 마찬가지로 Praxiteles는 사람의 영적 삶의 풍부함과 아름다움을 드러내는 방법을 찾고 있습니다. Praxiteles의 초기 작품은 여전히 ​​고전적인 예술 이미지와 관련이 있습니다. 예, 안으로"Satire pouring wine" 그는 Polycletic 캐논을 사용합니다.

프락시텔레스(~기원전 350년)의 성숙한 스타일의 작품은 그의 Apollo Saurocton (도마뱀 죽이기)

가비아의 아르테미스

4세기 후반의 예술 문화에서 c. 기원전. 그리고 특히 마지막 3분의 1에서는 고급 고전의 전통과의 연결이 덜 직접적입니다. 이때 마케도니아가 그리스 문제에서 리더십을 얻었습니다. 구 민주주의 지지자들은 완전한 패배를 겪었습니다. 또한 이번에는 고대 사회의 역사 인 헬레니즘에 새로운 장을 연 알렉산더 대왕 (기원전 334-325)의 캠페인으로 유명합니다. 그해의 예술 문화에는 사실주의와 거짓 고전주의 사이의 투쟁이있었습니다. 4세기 중반. 기원전. 보수적 인 반 현실주의 방향이 특히 널리 개발되었습니다. 이러한 전통은 Halicarnassus의 영묘를 위해 Timothy, Briaxis 및 Leochar가 만든 부조에서 볼 수 있습니다. 사이비 고전적 방향의 예술은 레오하르의 작품에서 가장 일관되게 드러났다. 그는 알렉산더 대왕의 궁정 화가가 되었고 필리피온을 위해 마케도니아 왕조 왕들의 크리소코끼리 조각상을 만들었습니다.외적으로 그의 조각은 장식적인 성격도 가지고 있었다."제우스의 독수리에게 납치된 가니메데":

Leohar의 가장 중요한 작품은 유명한 Apollo 동상이었습니다."아폴로 벨베데레". 뛰어난 실행에도 불구하고 머리를 거만하게 돌리고 몸짓의 연극과 같은 조각의 세부 사항은 고전의 진정한 전통과는 거리가 멀다.

유명한 동상은 Leohara의 원에 가깝습니다."베르사유의 아르테미스":

사실주의 운동의 가장 위대한 화가는 Lysippus였습니다. Lysippus의 사실주의는 그의 전임자와 크게 달랐지만 그의 작업에서 인간 경험의 내면 세계를 드러내는 작업과 사람 이미지의 특정 개별화도 해결되었습니다. 그는 완벽하게 아름다운 사람의 이미지 생성을 예술의 주요 과제로 생각하지 않았습니다. 그러나 그는 또한 당대 인물의 특징을 형상화한 일반화된 전형적인 이미지를 창조하고자 하였다. 주인은 그를 팀의 일원으로 특징 짓는 특징이 아니라 조화롭게 발전한 성격으로 이미지 속의 전형적인 사람을 묘사하는 근거를 찾습니다. Lysippus는 또한 그의 작품에서 개인적인 인식의 요소를 강조합니다. 그는 광장을 장식하고 도시 앙상블에서 자신의 자리를 차지하도록 설계된 수많은 기념비적 조각상을 만들었습니다. 가장 유명한 것은 제우스의 동상입니다.알렉산더 대왕의 초상

바이어스 헤드. 로마, 바티칸 박물관

Lysippus의 현자 Bias의 이미지는 무엇보다도 사상가의 이미지입니다. 미술사에서 처음으로 작가는 자신의 작품에서 생각의 과정, 깊은 집중된 생각을 전달합니다. 특히 흥미로운 것은 알렉산더 대왕의 대리석 머리입니다. Lysippus는 Alexander의 외모의 외부 특징을 신중하게 재현하려고 노력하지 않습니다. 이러한 의미에서 Bias의 머리와 같은 그의 머리는 이상적인 성격을 가지고 있지만 Alexander의 본성의 복잡한 불일치는 탁월한 힘으로 전달됩니다.

4세기에 BC 이전과 마찬가지로 풍자 만화 또는 기괴한 성격의 점토 조각상이 일반적이었습니다. 그러한 인형의 풍부한 컬렉션이 Hermitage에 보관됩니다.

후기 고전에서는 5세기 후반의 사실적인 회화 전통이 발전했습니다. 기원전. 화가 중 가장 큰 사람은 Praxiteles가 높이 평가 한 Nikias였습니다. 그는 그에게 대리석 조각상에 색을 칠하라고 지시했습니다. Nicias의 원본은 우리 시대까지 살아남지 못했습니다. 폼페이의 프레스코화 중 하나에 니키아스의 그림이 재현되어 있습니다."페르세우스와 안드로메다".

가장 위대한 기술은 Lysippus와 함께 세기의 마지막 3분의 1에서 가장 유명한 예술가였던 Apelles에 의해 달성되었습니다. 알렉산더 대왕의 초상화로 유명하다. 그는 또한 남아 있는 설명에 따르면 청중의 마음과 상상력을 위한 훌륭한 음식을 제공한 여러 우화적 구성의 저자이기도 했습니다. 일부 플롯은 동시대 사람들에 의해 매우 자세하게 묘사되어 르네상스 시대에 종종 재현하려고 시도했습니다.

4세기에 기원전. 기념비적 인 그림도 널리 퍼졌습니다. 원본이 거의 없기 때문에 평가가 불가능합니다.