누가 처음 그림을 그렸습니까? 곰을 Shishkin에 그렸고 유명한 그림의 다른 비밀 배경은 하늘색 안개가있는 영화 "반지의 제왕"과 같습니다. 물결 모양의 머리와 귀족적인 코 마돈나 - 다빈치

거의 모든 중요한 작업예술은 수수께끼, "이중 바닥" 또는 비사당신이 열고 싶은.

엉덩이에 음악

히에로니무스 보쉬, "정원 세속적 쾌락", 1500-1510.

삼부작의 단편

의미에 대한 분쟁과 숨겨진 의미가장 유명한 작품 네덜란드 예술가시작부터 가라 앉지 않았습니다. "Musical Hell"이라는 삼부작의 오른쪽 날개에는 지하 세계에서 고문을당하는 죄인들이 묘사되어 있습니다. 악기. 그들 중 한 명은 엉덩이에 메모가 찍혀 있습니다. 이 그림을 공부한 오클라호마 기독교 대학 학생 아멜리아 햄릭은 16세기 표기법을 다음과 같이 번역했습니다. 현대적인 방법"500년 된 지옥에서 온 엉덩이의 노래"를 녹음했습니다.

누드 모나리자

유명한 "Gioconda"는 두 가지 버전으로 존재합니다. 누드 버전은 "Monna Vanna"라고 불리며 잘 알려지지 않은 예술가위대한 레오나르도 다빈치의 제자이자 시터였던 살라이. 많은 미술 평론가들은 레오나르도의 그림 "세례 요한"과 "바커스"의 모델이 바로 그 사람이라고 확신합니다. 여성복을 입은 버전도 있는데 Salai는 Mona Lisa 자신의 이미지로 사용되었습니다.

늙은 어부

1902년 헝가리 예술가 Tivadar Kostka Chontvari는 " 늙은 어부". 그림에는 특이한 것이 없어 보이지만 Tivadar는 작가의 생애 동안 결코 공개되지 않은 하위 텍스트를 그 안에 넣었습니다.

그림 중앙에 거울을 놓는 것을 생각한 사람은 거의 없었습니다. 각 사람에게는 신(노인의 오른쪽 어깨가 복제됨)과 악마(노인의 왼쪽 어깨가 복제됨)가 모두 있을 수 있습니다.

고래가 있었어?

Hendrik van Antonissen "해안의 장면".

평범한 풍경 같았다. 보트, 해안에 있는 사람들, 그리고 사막의 바다. 그리고 X- 레이 연구에서만 사람들이 이유 때문에 해안에 모인 것으로 나타났습니다. 원본에서는 해변으로 씻겨 진 고래의 시체를 조사했습니다.

그러나 작가는 아무도 죽은 고래를 보고 싶어하지 않을 것이라고 판단하고 그림을 다시 그렸습니다.

두 개의 "잔디 위의 아침 식사"

에두아르 마네, 풀밭에서의 아침 식사, 1863.

클로드 모네, 풀밭에서의 아침 식사, 1865.

예술가 Edouard Manet과 Claude Monet은 때때로 혼란 스럽습니다. 결국 둘 다 프랑스 인이었고 동시에 살았으며 인상주의 스타일로 작업했습니다. 마네의 가장 유명한 그림 중 하나인 "풀밭에서의 아침 식사"의 이름조차 모네는 그의 "풀밭에서의 아침 식사"를 차용하여 썼습니다.

최후의 만찬에서 쌍둥이

레오나르도 다빈치, 마지막 식사", 1495-1498.

Leonardo da Vinci가 The Last Supper를 썼을 때 그는 그리스도와 유다라는 두 인물에 특별한 중요성을 부여했습니다. 그는 아주 오랫동안 그들을 위해 보모를 찾고있었습니다. 마침내 그는 젊은 가수들 사이에서 그리스도의 형상에 대한 모델을 찾았습니다. Leonardo는 3년 동안 Judas의 보모를 찾지 못했습니다. 그러나 어느 날 그는 거리의 도랑에 누워있는 술고래를 만났습니다. 그는 과음으로 나이가 든 청년이었습니다. Leonardo는 그를 선술집에 초대했고 즉시 그에게서 Judas를 쓰기 시작했습니다. 술고래가 정신을 차렸을 때 그는 이미 한 번 그를 위해 포즈를 취했다고 예술가에게 말했습니다. 몇 년 전 그가 교회 합창단에서 노래를 불렀을 때 Leonardo는 그에게서 그리스도를 썼습니다.

"야간 감시" 또는 "주간 감시" ?

렘브란트, " 나이트 워치", 1642.

렘브란트의 가장 유명한 그림 중 하나인 "Frans Banning Cock 대위와 Willem van Ruytenbürg 중위의 소총 중대의 공연"은 약 200년 동안 여러 홀에 걸려 있었고 19세기에야 미술사가들에 의해 발견되었습니다. 인물들이 어두운 배경에 눈에 띄는 것 같아서 나이트 워치(Night Watch)라고 불렸고 이 이름으로 세계 미술의 보고(寶庫)에 들어갔다.

그리고 1947 년에 수행 된 복원 중에 만 홀에서 그림이 그을음 층으로 덮여 색상이 왜곡 된 것으로 나타났습니다. 원본 그림을 클리어한 후 마침내 렘브란트가 제시한 장면이 실제로 낮에 일어난다는 것이 밝혀졌다. 캡틴 콕의 왼손에서 그림자의 위치는 행동 시간이 14시간을 넘지 않음을 보여줍니다.

전복된 배

앙리 마티스, "배", 1937.

1961년 뉴욕 현대미술관에서 앙리 마티스의 그림 "The Boat"가 전시되었습니다. 47일이 지나서야 누군가 그림이 거꾸로 걸려 있는 것을 알아차렸습니다. 캔버스는 흰색 배경에 10개의 보라색 선과 두 개의 파란색 돛을 묘사합니다. 작가는 이유 때문에 두 개의 돛을 그렸습니다. 두 번째 돛은 수면에 첫 번째 돛이 반영된 것입니다.
그림이 걸려있는 방식에 착각하지 않으려면 세부 사항에주의를 기울여야합니다. 더 큰 돛은 그림의 상단에 있어야 하고 그림의 돛의 정점은 오른쪽 상단 모서리를 향해야 합니다.

자화상 속 속임수

빈센트 반 고흐, 파이프를 든 자화상, 1889.

반 고흐가 자신의 귀를 잘랐다는 전설이 있다. 이제 가장 신뢰할 수 있는 버전은 반 고흐의 귀가 다른 예술가인 폴 고갱과의 작은 난투에서 손상되었다는 것입니다.

자화상은 왜곡된 형태로 현실을 반영한다는 점에서 흥미롭다. 작가는 작업할 때 거울을 사용했기 때문에 오른쪽 귀에 붕대를 감고 있는 것으로 묘사된다. 사실, 왼쪽 귀가 손상되었습니다.

외계인 곰

Ivan Shishkin, "소나무 숲의 아침", 1889.

유명한 그림은 Shishkin의 브러시에만 속하지 않습니다. 서로 친구였던 많은 예술가들은 종종 "친구의 도움"에 의지했고 평생 풍경을 그렸던 이반 이바노비치는 곰을 만져도 원하는대로 나오지 않을까 두려워했습니다. 따라서 Shishkin은 친숙한 동물 화가 Konstantin Savitsky에게로 향했습니다.

Savitsky는 아마도 러시아 회화 역사상 최고의 곰을 그렸고 Tretyakov는 그림의 모든 것이 "아이디어에서 시작하여 실행으로 끝나는 모든 것이 그림의 방식, 창의적인 방법 Shishkin의 특징.

순진한 이야기 ​​"고딕"

그랜트 우드, 미국 고딕", 1930.

그랜트 우드의 작품은 미국 회화 역사상 가장 이상하고 가장 우울한 작품 중 하나로 여겨집니다. 우울한 아버지와 딸이있는 그림은 묘사 된 사람들의 엄격함, 청교도주의 및 역행을 나타내는 세부 사항으로 넘쳐납니다.
사실, 작가는 공포를 묘사하려는 의도가 없었습니다. 아이오와를 여행하는 동안 그는 작은 집을 발견했습니다. 고딕 양식그의 의견으로는 주민으로 이상적으로 적합한 사람들을 묘사하기로 결정했습니다. 그랜트의 여동생과 그의 치과 의사는 아이오와 사람들이 그토록 불쾌하게 여겼던 캐릭터의 형태로 불멸의 존재로 남아 있습니다.

살바도르 달리의 복수

그림 "창가의 그림"은 Dali가 21 세였던 1925 년에 그렸습니다. 그런 다음 Gala는 아직 예술가의 삶에 들어 가지 않았고 그의 여동생 Ana Maria는 그의 뮤즈였습니다. 남매의 관계는 그가 그림 중 하나에 "가끔 내 어머니의 초상화에 침을 뱉는데 그게 나에게 기쁨을 준다"라고 썼을 때 악화되었습니다. Ana Maria는 그러한 충격을 용서할 수 없었습니다.

그녀의 1949년 저서 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister에서 그녀는 칭찬 없이 오빠에 대해 씁니다. 그 책은 엘살바도르를 격분시켰다. 그 후 10년 동안 그는 화를 내며 기회가 있을 때마다 그녀를 기억했다. 그래서 1954 년에 "자신의 순결의 뿔의 도움으로 남색 죄에 빠지는 젊은 처녀"라는 그림이 나타납니다. 여자의 자세, 그녀의 컬, 창 밖의 풍경, 그림의 색 구성표는 Figure at the Window를 분명히 반영합니다. Dali가 그녀의 책에 대해 여동생에게 복수 한 버전이 있습니다.

두 얼굴의 다나에

렘브란트 Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

렘브란트의 가장 유명한 그림 중 하나의 많은 비밀은 20세기 60년대 캔버스에 X선이 비춰졌을 때에만 드러났습니다. 예를 들어, 촬영은 초기 버전에서 공주의 얼굴이 정사제우스와 함께라면 1642년에 사망한 화가의 아내 사스키아의 얼굴처럼 보였다. 그림의 최종 버전에서는 예술가가 아내의 죽음 이후에 함께 살았던 렘브란트의 여주인 Gertier Dirks의 얼굴을 닮기 시작했습니다.

반 고흐의 노란 침실

빈센트 반 고흐, "아를의 침실", 1888-1889.

1888년 5월, 반 고흐는 그를 이해하지 못하는 파리 예술가들과 비평가들을 피해 프랑스 남부 아를에 작은 작업장을 마련했습니다. 네 개의 방 중 하나에 Vincent는 침실을 마련합니다. 10월에 모든 것이 준비되었고 그는 Arles에 있는 Van Gogh의 침실을 그리기로 결정했습니다. 예술가에게는 방의 색상과 편안함이 매우 중요했습니다. 모든 것이 휴식에 대한 생각을 암시해야 했습니다. 동시에 그림은 불안한 노란색 톤으로 유지됩니다.

Van Gogh의 창의성 연구원은 예술가가 환자의 색상 인식에 심각한 변화를 일으키는 간질 치료제 인 디기탈리스를 복용했다는 사실로 이것을 설명합니다. 주변 현실 전체가 녹색-노란색 톤으로 칠해져 있습니다.

한적한 완벽함

레오나르도 다빈치, "리사 델 지오콘도 부인의 초상", 1503-1519.

일반적으로 통용되는 의견은 모나리자는 완벽하고 그녀의 미소는 그 신비함 속에서 아름답다는 것입니다. 그러나 미국의 미술 평론가이자 시간제 치과의사인 Joseph Borkowski는 그녀의 얼굴 표정으로 판단할 때 여주인공이 많은 이빨을 잃었다고 믿습니다. 걸작의 확대 사진을 검토하던 중 Borkowski는 입 주위에 흉터도 발견했습니다. "그녀는 그녀에게 일어난 일 때문에 정확하게 미소를 짓습니다. "라고 전문가는 믿습니다. "그녀의 표정은 앞니가 빠진 사람들의 전형적인 표정입니다."

페이스 컨트롤 전공

파벨 페도토프, 소령의 중매, 1848년.

그림 "전공의 중매"를 처음 본 대중은 크게 웃었다. 예술가 페도 토프는 그 당시 시청자들이 이해할 수있는 아이러니 한 디테일로 그것을 채웠다. 예를 들어, 전공은 분명히 고귀한 에티켓의 규칙에 익숙하지 않습니다. 그는 신부와 어머니를 위해 적절한 꽃다발없이 나타났습니다. 그리고 신부 자신은 낮 이었지만 상인 부모에 의해 이브닝 무도회 가운으로 퇴원했습니다 (방의 모든 램프가 꺼졌습니다). 소녀는 분명히 처음으로 로우 컷 드레스를 입어보고 부끄러워하며 방으로 도망치려합니다.

자유가 벌거벗은 이유

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, 바리케이드에서의 자유, 1830.

미술사 학자 Etienne Julie에 따르면 Delacroix는 왕실 군인의 손에 오빠가 죽은 후 바리케이드로 가서 9 명의 경비원을 죽인 유명한 파리 혁명가 인 세탁소 Anna-Charlotte의 여성 얼굴을 그렸습니다. 작가는 그녀의 맨발을 묘사했습니다. 그의 계획에 따르면 이것은 민주주의의 승리뿐만 아니라 두려움과 이타심의 상징입니다. 벌거 벗은 가슴은 평민처럼 Svoboda가 코르셋을 입지 않는다는 것을 보여줍니다.

정사각형이 아닌 정사각형

카지미르 말레비치, 흑인 절대주의 광장, 1915.

사실, "검은 사각형"은 전혀 검은색도 아니고 사각형도 아닙니다. 사각형의 어느 변도 다른 변과 평행하지 않으며 그림을 구성하는 사각형 프레임의 변도 없습니다. ㅏ 어두운 색- 여러가지 색을 섞은 결과인데, 그 중에 검은색은 없었습니다. 이것은 저자의 과실이 아니라 원칙적인 입장, 역동적이고 움직이는 형태를 만들고자하는 욕구라고 믿어집니다.

Tretyakov Gallery의 전문가들은 Malevich의 유명한 그림에서 작가의 비문을 발견했습니다. 비문에는 "어두운 동굴에서 흑인들의 전투"라고 쓰여 있습니다. 이 문구는 완전히 검은 직사각형이었던 프랑스 언론인, 작가 및 예술가 Alphonse Allais "Battle of the Negroes in a Dark Cave in the Dead of Night"의 장난기 가득한 그림의 이름을 나타냅니다.

오스트리아 모나리자의 멜로드라마

구스타프 클림트, "아델레 블로흐-바우어의 초상", 1907.

클림트의 가장 중요한 그림 중 하나는 오스트리아의 설탕왕 페르디난드 블로흐-바우어의 아내를 묘사한 것입니다. 모든 비엔나는 Adele의 폭풍우 로맨스에 대해 논의했고 유명한 예술가. 상처 입은 남편은 연인들에게 복수하고 싶었지만 특이한 방법: 그는 Klimt를 위해 Adele의 초상화를 주문하고 예술가가 그녀에게서 멀어지기 시작할 때까지 수백 개의 스케치를 만들도록 하기로 결정했습니다.

Bloch-Bauer는 작업이 몇 년 동안 지속되기를 원했고 모델은 Klimt의 감정이 어떻게 사라지는지를 볼 수 있었습니다. 그는 예술가에게 거절 할 수없는 관대 한 제안을했고 속은 남편의 시나리오에 따라 모든 것이 밝혀졌습니다. 작업은 4 년 만에 완료되었고 연인들은 오랫동안 서로를 향해 식었습니다. Adele Bloch-Bauer는 남편이 Klimt와의 관계를 알고 있다는 사실을 결코 알지 못했습니다.

고갱을 되살린 그림

Paul Gauguin, "우리는 어디에서 왔습니까? 우리는 누구입니까? 우리는 어디로 가고 있습니까?", 1897-1898.

Gauguin의 가장 유명한 캔버스에는 한 가지 기능이 있습니다. 왼쪽에서 오른쪽이 아니라 아티스트가 관심을 보인 Kabbalistic 텍스트처럼 오른쪽에서 왼쪽으로 "읽습니다". 영혼의 탄생 (오른쪽 하단에 잠자는 아이)에서 죽음의 시간의 필연성 (도마뱀이있는 새 왼쪽 하단 모서리에 있는 발톱).

이 그림은 예술가가 문명에서 여러 번 도망친 타히티에서 고갱이 그렸습니다. 그러나 이번에는 섬에서의 생활이 잘 풀리지 않았습니다. 완전한 빈곤으로 인해 그는 우울증에 걸렸습니다. 그의 영적 유언이 될 캔버스를 완성한 고갱은 비소 상자를 들고 산으로 가서 죽었습니다. 그러나 그는 복용량을 계산하지 않았고 자살에 실패했습니다. 다음날 아침, 그는 비틀거리며 오두막으로 가서 잠이 들었고, 깨어났을 때 삶에 대한 갈증을 잊고 있었습니다. 그리고 1898에서 그의 업무는 오르막이었고 그의 작업에서 더 밝은 기간이 시작되었습니다.

112개의 속담을 한 장의 사진으로

Pieter Brueghel the Elder, "Netherlands Proverbs", 1559

Pieter Brueghel the Elder는 당시 네덜란드 속담의 문자 그대로 이미지가 거주하는 땅을 묘사했습니다. 그려진 그림에는 대략 112개의 인식 가능한 숙어가 있습니다. 그들 중 일부는 "흐름에 맞서 수영", "벽에 머리를 부딪히다", "이빨에 무장", "큰 물고기가 작은 물고기를 먹는다"와 같이 오늘날에도 여전히 사용됩니다.

다른 잠언들은 인간의 어리석음을 반영합니다.

예술의 주관성

폴 고갱, 눈 아래 브르타뉴 마을, 1894

Gauguin의 그림 "Breton Village in the Snow"는 작가가 사망 한 후 단 7 프랑에 "나이아가라 폭포"라는 이름으로 판매되었습니다. 경매인은 폭포를 본 후 실수로 그림을 거꾸로 매달았습니다.

숨겨진 그림

파블로 피카소, 푸른 방, 1901

2008 년 적외선은 "Blue Room"아래에 또 다른 이미지가 숨겨져 있음을 보여주었습니다. 나비와 함께 양복을 입고 머리를 손에 얹은 남자의 초상화입니다. “피카소가 새로운 생각, 그는 붓을 들고 구현했습니다. 하지만 그는 뮤즈가 그를 방문할 때마다 새 캔버스를 살 기회가 없었습니다." 가능한 원인이 미술사 학자 Patricia Favero.

접근하기 어려운 모로코 여성

지나이다 세레브랴코바, 나체, 1928년

어느 날 Zinaida Serebryakova는 동양 처녀의 벌거 벗은 모습을 묘사하기 위해 창의적인 여행을 떠나라는 유혹적인 제안을 받았습니다. 그러나 그 장소에서 모델을 찾는 것은 단순히 불가능하다는 것이 밝혀졌습니다. Zinaida의 통역사가 구조하러 왔습니다. 그는 자매와 신부를 그녀에게 데려 왔습니다. 그 전후 어느 누구도 닫힌 동양 여성의 나체를 포착하지 못했다.

자발적 통찰력

Valentin Serov, "재킷을 입은 니콜라이 2세의 초상화", 1900

오랫동안 Serov는 차르의 초상화를 그릴 수 없었습니다. 예술가가 완전히 포기했을 때 그는 Nikolai에게 사과했습니다. Nikolai는 약간 화가 나서 테이블에 앉아 그 앞에서 손을 뻗었습니다 ... 그리고 예술가에게 새벽이 왔습니다-여기 있습니다! 맑고 슬픈 눈을 가진 장교 재킷을 입은 단순한 군인. 이 초상화는 마지막 황제를 가장 잘 묘사한 것으로 간주됩니다.

다시 듀스

© 표도르 레셰트니코프

유명한 그림 "Again deuce"는 예술적 3 부작의 두 번째 부분에 불과합니다.

첫 번째 부분은 "휴일에 도착했습니다."입니다. 분명히 잘하는 가족, 겨울 방학, 즐거운 우수한 학생.

두 번째 부분은 "다시 듀스"입니다. 노동 계급 외곽의 가난한 가족, 한 학년의 높이, 다시 듀스를 잡은 둔한 기절 자. 왼쪽에 상단 모서리"공휴일에 도착했습니다"라는 그림이 보입니다.

세 번째 부분은 "재검토"입니다. 시골집, 여름, 모두가 걷고, 연례 시험에 실패한 악의적 인 무식한 사람은 사방에 앉아서 벼락치기를해야합니다. 왼쪽 상단 모서리에서 "Again deuce"라는 그림을 볼 수 있습니다.

명품은 어떻게 탄생하는가

조셉 터너, 비, 증기 및 속도, 1844

1842년 사이먼 부인은 기차로 영국을 여행했습니다. 갑자기 폭우가 쏟아지기 시작했습니다. 맞은편에 앉은 노신사는 일어나서 창문을 열고 고개를 내밀고는 10여분 동안 그렇게 바라보았다. 호기심을 참지 못한 여자도 창문을 열고 앞을 내다보았다. 1년 후, 그녀는 Royal Academy of Arts 전시회에서 "Rain, Steam and Speed"라는 그림을 발견했고 그 그림에서 기차에서의 바로 그 에피소드를 인식할 수 있었습니다.

미켈란젤로의 해부학 수업

미켈란젤로, 아담의 창조, 1511

두 명의 미국 신경해부학 전문가들은 미켈란젤로가 실제로 그의 가장 유명한 작품 중 하나에 해부학적 삽화를 남겼다고 믿고 있습니다. 그들은 그림의 오른쪽에 거대한 뇌가 그려져 있다고 믿습니다. 놀랍게도 소뇌, 시신경, 뇌하수체 등 복잡한 구성요소까지 발견할 수 있다. 눈에 띄는 녹색 리본은 척추 동맥의 위치와 완벽하게 일치합니다.

반 고흐의 최후의 만찬

빈센트 반 고흐, 나이트 테라스카페", 1888

Jared Baxter 연구원은 Van Gogh의 Café Terrace at Night에 Leonardo da Vinci의 The Last Supper에 대한 헌신이 포함되어 있다고 믿습니다. 사진 중앙에는 웨이터가 있습니다. 긴 머리그리고 그리스도의 옷을 연상시키는 흰색 튜닉과 그 주위에 정확히 12 명의 카페 방문자. Baxter는 또한 흰색 웨이터 바로 뒤에 위치한 십자가에 주목합니다.

달리의 기억의 이미지

살바도르 달리, 기억의 지속, 1931

그의 걸작을 만드는 동안 Dali를 방문한 생각이 항상 매우 사실적인 이미지의 형태였으며 작가가 캔버스로 옮겼다는 것은 비밀이 아닙니다. 그래서 작가 자신에 따르면 "기억의 지속성"이라는 그림은 가공 치즈를보고 발생한 협회의 결과로 그려졌습니다.

뭉크가 외치는 것

에드바르트 뭉크, "절규", 1893.

Munch는 가장 많은 것 중 하나에 대한 그의 아이디어의 출현에 대해 말했습니다. 신비한 그림세계 회화에서 : "나는 두 친구와 함께 길을 걷고 있었다-해가지고 있었다-갑자기 하늘이 핏빛으로 변했고, 나는 잠시 멈추고 지쳐서 울타리에 기대었다-나는 푸르스름한 피와 불꽃을 보았다- 검은 피요르드와 도시-내 친구들은 계속되었고 나는 자연을 꿰뚫는 끝없는 비명을 느끼며 흥분에 떨며 서있었습니다. 그러나 어떤 종류의 일몰이 작가를 그렇게 놀라게 할 수 있습니까?

Krakatoa 화산의 가장 강력한 분출이 여러 차례 있었던 1883 년 Munch에 의해 "Scream"이라는 아이디어가 탄생 한 버전이 있습니다. 너무 강력하여 지구 대기의 온도를 1도 변경했습니다. 엄청난 양의 먼지와 재가 전 세계에 퍼져 노르웨이까지 퍼졌습니다. 연속으로 여러 저녁 동안 일몰은 마치 종말이 다가올 것처럼 보였습니다. 그 중 하나는 예술가에게 영감의 원천이되었습니다.

민중의 작가

Alexander Ivanov, "사람들에게 그리스도의 모습", 1837-1857.

Alexander Ivanov를 위해 포즈를 취한 수십 명의 시터 메인 사진. 그들 중 하나는 예술가 자신만큼 알려져 있습니다. 배경에는 아직 세례 요한의 설교를 듣지 못한 여행자와 로마 기병 사이에서 갈색 튜닉을 입은 인물이 눈에 띕니다. 그의 Ivanov는 Nikolai Gogol과 함께 썼습니다. 작가는 특히 종교 문제에 대해 이탈리아의 예술가와 긴밀히 소통하고 그림을 그리는 과정에서 그에게 조언을 제공했습니다. Gogol은 Ivanov가 "그의 작업을 제외하고는 전 세계를 위해 오래 전에 죽었다"고 믿었습니다.

미켈란젤로의 통풍

라파엘 산티, 아테네 학당, 1511.

유명한 프레스코 "The School of Athens"를 만든 Raphael은 고대 그리스 철학자의 이미지로 친구와 지인을 불멸화했습니다. 그들 중 하나는 Heraclitus의 "역할"을 맡은 Michelangelo Buonarroti였습니다. 수세기 동안 프레스코화는 미켈란젤로의 개인적인 삶의 비밀을 지켰으며 현대 연구자들은 예술가의 이상하게 각진 무릎이 관절 질환이 있음을 나타냅니다.

르네상스 예술가의 생활 방식과 작업 조건의 특성과 미켈란젤로의 만성 일중독을 고려할 때 이것은 가능성이 높습니다.

아르놀피니스의 거울

얀 반 에이크, "아르놀피니의 초상", 1434

Arnolfinis 뒤의 거울에서 방에 두 사람이 더 비친 것을 볼 수 있습니다. 아마도 이들은 계약이 끝날 때 증인이 될 것입니다. 그들 중 하나는 van Eyck입니다. 전통과는 달리 구성 중앙의 거울 위에 "Jan van Eyck was here"라는 라틴어 비문이 있습니다. 이것이 계약이 일반적으로 봉인되는 방법입니다.

결함이 어떻게 재능으로 바뀌었는가

렘브란트 Harmenszoon van Rijn, 1669년 63세의 자화상.

연구원 Margaret Livingston은 Rembrandt의 모든 자화상을 연구하고 예술가가 사시로 고통 받고 있음을 발견했습니다. 이미지에서 그의 눈은 주인이 다른 사람들의 초상화에서 관찰되지 않는 다른 방향으로 보입니다. 이 질병은 작가가 정상적인 시각을 가진 사람들보다 현실을 2차원적으로 더 잘 인식할 수 있다는 사실로 이어졌다. 이 현상을 "입체 실명"이라고 합니다. 세상을 3D로 볼 수 없는 것입니다. 그러나 화가는 2차원 이미지로 작업해야 하기 때문에 렘브란트의 경이로운 재능에 대한 설명 중 하나가 될 수 있는 것은 바로 이러한 렘브란트의 단점이었습니다.

죄 없는 비너스

산드로 보티첼리, 비너스의 탄생, 1482-1486.

비너스의 탄생 이전의 벌거벗은 이미지 여성의 몸그림에서 그것은 원죄의 개념만을 상징했습니다. 산드로 보티첼리는 그에게서 죄를 발견하지 못한 최초의 유럽 화가였습니다. 더욱이 미술 평론가들은 이교도의 사랑의 여신이 프레스코화를 상징한다고 확신합니다. 기독교 이미지: 그녀의 모습은 세례 의식을 통과한 영혼의 재탄생에 대한 알레고리이다.

류트 연주자 또는 류트 연주자?

미켈란젤로 메리시 다 카라바조, 류트 연주자, 1596.

오랫동안 그림은 "Lute Player"라는 제목으로 Hermitage에서 전시되었습니다. 20세기 초에야 미술사학자들은 캔버스가 여전히 한 청년을 묘사하고 있다는 데 동의했습니다(아마도 Caravaggio는 그의 친구 예술가 Mario Minniti가 포즈를 취했을 것입니다). Jacob Arcadelt의 madrigal "내가 당신을 사랑한다는 것을 알고 있습니다"가 보입니다 . 여자는 그런 선택을 거의 할 수 없었습니다. 목구멍이 어렵습니다. 또한 류트는 그림 맨 끝에 있는 바이올린처럼 카라바조 시대에 남성 악기로 여겨졌다.

23.04.2017 20:25 426

최초의 그림을 그린 사람.

그리는 것을 좋아합니까? 아마도 대답은 "예"일 것입니다. 그리고 확실히 당신은 이미 그림 전시회가 열리는 박물관에 가본 적이 있습니다. 그리고 아마도 그들은 어른들에게 "세계 최초의 그림을 그린 작가는 누구였습니까? "라는 질문을했을 수도 있습니다.

지구상 최초의 예술가는 정당하게 간주될 수 있습니다. 고대인동굴에 살았던 사람들. 프랑스 남부와 스페인에서 연구원들은 동굴 벽에 그려진 동물의 색칠된 그림을 발견했습니다.

고고학자들에 따르면 이러한 이미지는 우리 시대보다 약 20-30,000년 전에 그려질 수 있습니다. 고대인들은 그들을 둘러싼 야생 동물을 묘사했습니다.

놀랍게도 그러한 고대에도 불구하고 많은 그림이 잘 보존되어 있습니다. 저장하는 동굴 때문에 가능했습니다. 원시 그림, 수세기 동안 사람들에게 알려지지 않았습니다.

또한 아프리카와 동부 스페인에서도 다소 불완전하게 묘사된 인물상이 발견되었습니다. 하지만 그들의 포즈는 마치 살아있는 것 같았다.

원시 예술가들은 그림에 다양한 밝은 색상을 사용했습니다. 흙 황토는 밝은 노란색에서 진한 주황색에 이르기까지 다양한 색조의 산화철 (또는 단순히 녹) 염료로 사용되었습니다. 또한 망간은 금속 원소입니다.

이 물질은 고대인에 의해 가루로 분쇄 된 다음 지방이나 동물성 지방과 혼합 된 후 붓과 비슷한 것으로 동굴 벽에 바릅니다.

그러나 첫 번째 사람들은 또한 다음과 유사한 장치를 가졌습니다. 현대 연필. 그들은 이전에 가루로 갈아서 라드와 섞은 염료로 채워진 나무 막대기였습니다.

게다가 그들은 선을 긁기 위해 날카롭게 갈린 부싯돌 끌을 사용했습니다. 우리 행성의 고대 주민들은 동물의 털이나 식물 섬유로 그림을 그리기 위해 붓을 만들었습니다.

안에 고대 이집트원시 예술가들은 파라오와 다른 중요한 사람들의 무덤뿐만 아니라 피라미드를 장식하기 위해 그림을 그렸습니다.

무덤의 벽에는 예술가들이 그들의 예술 작품과 함께 그곳에 묻힌 고귀한 사람의 삶의 장면을 불멸화했습니다. 이를 위해 고대 이집트 화가들은 수채화 물감그리고 흰색.

다른 고대 문명-에게 해는 회화 예술의 발전에도 큰 성공을 거두었습니다. 자유롭고 우아한 스타일로 창조된 에게해 예술가들.

그림에서 그들은 동물, 꽃, 해양 생물을 묘사했습니다. 그리고 그들의 작품의 주제는 스포츠 게임. 그들은 젖은 석고 위에 그림을 그렸습니다. 오늘날 이러한 유형의 그림을 프레스코라고합니다.

보시다시피 그림과 그림의 예술은 매우 오래된 역사를 가지고 있습니다.

1961년 12월 3일 뉴욕 박물관 현대 미술중요한 사건이 발생했습니다. 46 일 동안 거꾸로 매달린 Matisse 그림 "The Boat"가 제대로 걸렸습니다. 이것은 위대한 예술가의 그림과 관련된 하나의 재미있는 사례가 아니라고 말할 가치가 있습니다.

파블로 피카소는 그의 유명한 초상화 중 하나를 5분 이내에 그렸습니다.

한 번은 파블로 피카소의 지인 중 한 명이 그의 신작을보고 진심으로 작가에게 이렇게 말했습니다. “미안하지만 이해가 안 돼요. 그런 것들은 존재하지 않습니다." 이에 피카소는 “당신도 중국어를 이해하지 못한다. 하지만 여전히 존재합니다." 그러나 많은 사람들이 피카소를 이해하지 못했습니다. 그가 러시아 작가 Ehrenburg에게 제안한 적이 있습니다. 좋은 친구, 그의 초상화를 그립니다. 그는 기꺼이 동의했지만 예술가가 모든 것이 준비되었다고 발표하면서 포즈를 취하기 위해 안락 의자에 앉을 시간이 없었습니다.

Ehrenburg는 작업 실행 속도에 놀랐습니다. 결국 5 분도 채 걸리지 않았고 Picasso는 다음과 같이 대답했습니다. “나는 당신을 40 년 동안 알고 있습니다. 그리고 이 40년 동안 나는 초상화를 5분 안에 그리는 법을 배웠습니다.

Ilya Repin은 자신이 그리지 않은 그림 판매를 도왔습니다.

한 여성은 "I. Repin"이라는 서명이 자랑스럽게 과시 된 완전히 평범한 그림을 단 10 루블에 시장에서 구입했습니다. 그림 감정가가 일리야 에피모비치에게 이 작품을 보여주자 그는 웃으며 “이건 레핀이 아니다”라고 덧붙이며 사인을 했다. 얼마 후 진취적인 여인은 그림을 팔았습니다. 무명 화가이미 100 루블에 대한 위대한 주인의 사인으로.

Shishkin의 유명한 그림에 나오는 곰은 다른 예술가가 그렸습니다.

예술가들 사이에는 전문적인 상호 지원이라는 무언의 법이 있습니다. 결국, 그들 각각은 좋아하는 이야기뿐만 아니라 강점, 뿐만 아니라 약점그러니 서로 돕지 않겠습니까. 따라서 Aivazovsky의 "Pushkin on the Seashore"그림의 경우 Repin이 위대한 시인의 모습을 그렸고 Levitan "Autumn Day"의 그림을 그렸습니다. 검은 옷을 입은 여인 소콜니키는 니콜라이 체호프가 그렸습니다. 그의 그림에 풀잎과 바늘을 모두 그릴 수 있었던 풍경화가 Shishkin은 "Morning in in"이라는 그림을 만들 때 소나무 숲“곰은 어떤 식으로도 나오지 않았습니다. 따라서 Savitsky는 유명한 Shishkin 캔버스에 곰을 그렸습니다.

단순히 페인트를 붓는 섬유판 조각은 가장 비싼 그림 중 하나가되었습니다.

2006년 세계에서 가장 비싼 그림은 잭슨 폴록의 1948년 5번입니다. 경매 중 하나에서 이 그림은 1억 4천만 달러에 낙찰되었습니다. 재미있어 보일지 모르지만 작가는이 그림을 만드는 데 특별히 "신경 쓰지"않았습니다. 그는 단순히 섬유판 위에 페인트를 붓고 바닥에 펼쳤습니다.

별에 의해 암호화된 그의 그림 루벤스의 생성 날짜

오랫동안 미술 평론가와 과학자들은 가장 유명한 것 중 하나가 만들어진 날짜를 정할 수 없었습니다. 유명한 그림루벤스 - 그림 "올림푸스 신들의 만찬". 수수께끼는 천문학자들이 사진을 자세히 살펴본 후에야 풀렸습니다. 1602년에 행성들이 하늘에 위치했던 것과 정확히 같은 순서로 그림에 등장하는 인물들이 위치했다는 것이 밝혀졌습니다.

Chupa-Chups 로고는 세계적으로 유명한 초현실주의 작가가 그렸습니다.

1961년, Chupa Chups 회사의 소유주인 Enrique Bernata는 예술가 Salvador Dali에게 사탕 포장지의 이미지를 생각해 달라고 요청했습니다. 요청을 이행했습니다. 오늘날 이 이미지는 약간 수정된 형태이지만 회사의 막대 사탕에서 알아볼 수 있습니다.

1967년 이탈리아에서 교황의 축복을 받아 살바도르 달리의 삽화와 함께 출시되었다는 점은 주목할 가치가 있습니다.

가장 비싼 그림 밀가루는 불행을 가져옵니다

뭉크의 그림 "절규"는 경매에서 1억 2천만 달러에 팔렸으며 현재 이 예술가의 그림 중 가장 비싼 그림입니다. 뭉크는 말한다. 인생의 길일련의 비극인 슬픔을 너무 많이 담아 그림이 부정적인 에너지를 흡수하고 가해자에게 복수합니다.

Munch Museum의 직원 중 한 명이 우연히 그림을 떨어 뜨린 후이 남자를 자살로 이끈 끔찍한 두통에 시달리기 시작했습니다. 그림을 손에 쥘 수 없었던 또 다른 박물관 직원은 불과 며칠 후 끔찍한 교통사고를 당했습니다. 그리고 자신이 그림을 만질 수 있도록 허용한 박물관 방문자는 얼마 후 화재로 산 채로 불에 탔습니다. 그러나 이것은 우연의 일치일 가능성이 있습니다.

말레비치의 '검은 사각형'에는 '형'이 있다

"블랙 스퀘어", 아마도 가장 유명한 그림 Kazimir Malevich는 79.5 * 79.5 센티미터의 캔버스로 흰색 배경에 검은 색 사각형이 그려져 있습니다. 말레비치는 1915년에 그림을 그렸습니다. 그리고 말레비치보다 20년 전인 1893년 프랑스 유머작가 알폰스 알레가 자신의 '검은 사각형'을 그렸습니다. 사실, Alle의 그림은 "어두운 밤에 깊은 동굴에서 흑인의 전투"라고 불 렸습니다.

그리스도와 유다는 다빈치의 그림에서 같은 얼굴을 가지고 있습니다.

그림 "최후의 만찬"을 만들기 위해서는 레오나르도 다빈치의 막대한 노력이 필요했다고 합니다. 예술가는 그리스도의 이미지가 그려진 사람을 빨리 찾았습니다. 교회 합창단 가수 중 한 명이 이 역할에 접근했습니다. 그러나 "유다" 다빈치는 3년 동안 찾고 있었다.

길거리에서 작가는 cesspool에서 벗어나려고 시도한 술고래를 보았습니다. Da Vinci는 그를 술집 중 한 곳으로 데려가 앉히고 그림을 그리기 시작했습니다. 문을 연 술고래가 몇 년 전에 이미 그를 위해 포즈를 취했다고 인정했을 때 예술가의 놀라움은 무엇입니까? 이것이 같은 가수라는 것이 밝혀졌습니다.

일리야 레핀의 수녀

일리야 레핀. 수녀. 1878. State Tretyakov Gallery / 엑스레이 아래의 초상화

엄격한 수도원 옷을 입은 어린 소녀가 초상화에서 보는 사람을 신중하게 바라본다. 이미지는 고전적이고 친숙합니다. Repin 아내의 조카 인 Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore의 회고록이 아니었다면 미술 평론가들 사이에서 관심을 불러 일으키지 않았을 것입니다. 그들은 흥미로운 역사를 가지고 있습니다.

Sophia Repina, née Shevtsova는 The Nun을 위해 Ilya Repin을 위해 포즈를 취했습니다. 그 소녀는 예술가의 시누이였으며 한때 Repin 자신도 그녀에게 심각하게 반했지만 그녀와 결혼했습니다. 여동생믿음. Sophia는 또한 Mariinsky Theatre의 오케스트라 멤버 인 Repin의 형제 Vasily의 아내가되었습니다.

이것은 예술가가 Sophia의 초상화를 반복적으로 그리는 것을 막지 못했습니다. 그들 중 하나를 위해 소녀는 의식 무도회장에서 포즈를 취했습니다. 가볍고 우아한 드레스, 레이스 소매, 높은 머리. 그림을 그리는 동안 Repin은 모델과 심각하게 다투었습니다. 아시다시피 모든 사람이 아티스트를 화나게 할 수 있지만 Repin만큼 창의적으로 복수할 수 있는 사람은 거의 없습니다. 불쾌한 예술가는 수도원 옷을 입은 초상화에서 소피아를 "옷을 입혔습니다".

농담과도 같은 사연은 엑스레이로 확인됐다. 연구원들은 운이 좋았습니다. Repin은 원본을 청소하지 않았습니다. 페인트 레이어,여 주인공의 원래 복장을 자세히 고려할 수있었습니다.

아이작 브로드스키의 "파크 앨리"

아이작 브로드스키. 공원 골목. 1930. 개인 소장품 / 아이작 브로드스키. 로마의 공원 골목. 1911년

적어도 재미있는 수수께끼 Repin의 학생 인 Isaac Brodsky가 연구원을 위해 떠났습니다. Tretyakov Gallery는 그의 그림 "Park Alley"를 보유하고 있는데 언뜻보기에는 눈에 띄지 않습니다. Brodsky는 "공원"을 주제로 많은 작업을했습니다. 그러나 공원으로 더 멀리 - 더 다채로운 레이어.

연구원 중 한 명이 그림의 구성이 "로마의 공원 골목"이라는 예술가의 다른 작품을 의심스럽게 연상시키는 것으로 나타났습니다 (Brodsky는 인색했습니다. 원래 제목). 이 그림은 오랫동안 유실된 것으로 간주되어 1929년에 다소 희귀한 판본으로만 복제판으로 출판되었습니다. 방사선 사진의 도움으로 소련 바로 아래에서 신비롭게 사라진 로마 골목이 발견되었습니다. 작가는 이미 완성 된 이미지를 지우지 않고 단순히 여러 가지 간단한 변경을가했습니다. 그는 XX 세기 30 년대 패션으로 행인을 옷을 입히고 어린이에게서 serso를 "제거"하고 제거했습니다. 대리석 조각상트리를 약간 수정했습니다. 그래서 몇 번의 가벼운 손 움직임으로 햇볕이 잘 드는 이탈리아 공원이 모범적 인 소비에트 공원으로 변했습니다.

Brodsky가 로마 골목을 숨기기로 결정한 이유를 물었을 때 답을 찾지 못했습니다. 그러나 1930년의 "부르주아지의 겸손한 매력"에 대한 묘사는 이미 이념적 관점에서 부적절했다고 가정할 수 있다. 그럼에도 불구하고 Brodsky의 모든 혁명 이후 풍경 작품 중에서 "Park Alley"가 가장 흥미 롭습니다. 변화에도 불구하고 그림은 아쉽게도 더 이상 소비에트 현실주의에 없었던 현대성의 매력적인 우아함을 유지했습니다.

Ivan Shishkin의 "소나무 숲의 아침"

Ivan Shishkin과 Konstantin Savitsky. 소나무 숲의 아침. 1889. 주립 Tretyakov 갤러리

새끼들이 쓰러진 나무 위에서 노는 숲 풍경은 아마도 가장 주목할만한 작품아티스트. 그것은 Ivan Shishkin이 다른 예술가 인 Konstantin Savitsky를 촉발시킨 풍경의 아이디어 일뿐입니다. 그는 또한 세 마리의 새끼와 함께 그녀의 곰을 그렸습니다. 곰, 숲의 전문가 인 Shishkin은 어떤 식 으로든 성공하지 못했습니다.

Shishkin은 숲 식물을 완벽하게 이해하고 학생들의 그림에서 가장 작은 실수를 발견했습니다. 자작 나무 껍질이 같은 방식으로 묘사되지 않았거나 소나무가 가짜처럼 보입니다. 그러나 그의 작품 속 사람과 동물은 언제나 드물었다. 이것은 Savitsky가 구조하러 온 곳입니다. 그건 그렇고, 그는 몇 가지를 남겼습니다 준비 도면새끼들과의 스케치-적절한 포즈를 찾고있었습니다. "소나무 숲의 아침"은 원래 "아침"이 아니었습니다. 그 그림은 "숲속의 곰 가족"이라고 불렸고 거기에는 곰 두 마리만 있었습니다. 공동 저자로서 Savitsky는 캔버스에 서명을 했습니다.

캔버스가 상인 Pavel Tretyakov에게 전달되었을 때 그는 분개했습니다. 그는 Shishkin을 지불했습니다 (주문 작가의 작품), 그러나 Shishkin과 Savitsky를 받았습니다. Shishkin, 어떻게 공정한 사람, 저자를 자신에게 귀속시키지 않았습니다. 그러나 Tretyakov는 원칙에 따라 테레빈 유로 그림에서 Savitsky의 서명을 모독적으로 지 웠습니다. Savitsky는 나중에 저작권을 고상하게 거부했으며 곰은 오랫동안 Shishkin에 기인했습니다.

콘스탄틴 코로빈의 "합창 소녀의 초상"

콘스탄틴 코로빈. 합창 소녀의 초상화입니다. 1887. State Tretyakov Gallery / 초상화의 뒷면

캔버스 뒷면에서 연구자들은 골판지에서 Konstantin Korovin의 메시지를 발견했는데 그림 자체보다 거의 더 흥미로운 것으로 판명되었습니다.

“1883년 Kharkov에서 합창 소녀의 초상화. 상업 공공 정원의 발코니에 작성되었습니다. Repin은 Mamontov S.I.가이 스케치를 그에게 보여 주었을 때 Korovin이 글을 쓰고 다른 것을 찾고 있지만 그것이 무엇을위한 것인지-이것은 그림 전용 그림이라고 말했습니다. 당시 Serov는 아직 초상화를 그리지 않았습니다. 그리고 이 스케치의 그림은 이해할 수 없는 것으로 밝혀졌다??!! 그래서 Polenov는 예술가도 회원도 아닌 Mosolov 씨와 다른 사람들이 좋아하지 않기 때문에 전시회에서이 스케치를 제거 해달라고 요청했습니다. 모델은 못생긴 여자, 심지어 다소 못생긴 여자였습니다.

콘스탄틴 코로빈

"편지"는 전체 예술 공동체에 대한 직접성과 대담한 도전으로 무장 해제되었습니다. "세 로프는 아직 그 당시 초상화를 그리지 않았습니다."-그들은 Konstantin Korovin이 그렸습니다. 그리고 그는 나중에 러시아 인상주의라고 불리는 스타일의 특징적인 기술을 처음으로 사용한 것으로 알려져 있습니다. 하지만 이는 모두 작가가 의도적으로 만들어낸 신화로 밝혀졌다.

조화로운 이론 "Korovin - 러시아 인상주의의 선구자"는 객관적인 기술 및 기술 연구에 의해 무자비하게 파괴되었습니다. 초상화의 앞면에서 그들은 "1883, Kharkov"라는 잉크로 조금 더 낮은 페인트로 작가의 서명을 발견했습니다. Kharkov에서 작가는 1887 년 5 월-6 월에 작업했습니다. 그는 러시아 개인 Mamontov Opera의 공연을 위해 풍경을 그렸습니다. 또한 미술 평론가들은 "합창 소녀의 초상"이 특정 예술적 방식 인 라 프리마로 만들어 졌다는 사실을 발견했습니다. 이 기술 오일 페인팅한 세션에서 그림을 그릴 수 있습니다. Korovin은 1880년대 후반에만 이 기술을 사용하기 시작했습니다.

이 두 가지 불일치를 분석 한 후 Tretyakov Gallery의 직원은 초상화가 1887 년에만 그려 졌다는 결론에 도달했으며 Korovin은 자신의 혁신을 강조하기 위해 더 이른 날짜를 추가했습니다.

이반 야키모프의 "인간과 요람"

이반 야키모프. 인간과 요람.1770. 주립 트레차코프 갤러리 / 풀 버전일하다

오랫동안 Ivan Yakimov의 그림 "A Man and a Cradle"은 미술사 학자들을 당혹스럽게 만들었습니다. 그리고 요점은 이런 종류의 일상적인 스케치가 절대 일반적이지 않다는 것조차 아닙니다. 그림 XVIII세기 - 그림의 오른쪽 아래 모서리에 있는 흔들 목마에는 논리적으로 바닥에 누워 있어야 하는 로프가 너무 부자연스럽게 늘어져 있습니다. 예, 요람에서 나온 아이가 그런 장난감을 가지고 놀기에는 너무 이릅니다. 또한 벽난로는 캔버스에 반도 맞지 않아 매우 이상해 보였습니다.

문자 그대로의 의미에서 엑스레이로 상황을 "깨달음"했습니다. 그녀는 캔버스가 오른쪽과 상단에서 잘린 것을 보여주었습니다.

안에 트레차코프 갤러리이 그림은 Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin 컬렉션 판매 후 나왔습니다. 그는 그림, 조각 및 골동품 컬렉션 인 소위 "러시아 박물관"을 소유했습니다. 그러나 1834 년에 재정 문제로 인해 컬렉션을 팔아야했고 그림 "남자와 요람"은 Tretyakov Gallery에서 끝났습니다. 전부는 아니지만 왼쪽 절반 만. 불행히도 올바른 것을 잃어 버렸지 만 Tretyakov Gallery의 또 다른 독특한 전시 덕분에 여전히 전체 작품을 볼 수 있습니다. Yakimov 작품의 정식 버전은 "우수 작품 모음집"앨범에서 찾을 수 있습니다. 러시아 예술가그리고 Curious Domestic Antiquities”에는 Svinin 컬렉션의 일부였던 대부분의 그림에서 가져온 그림이 포함되어 있습니다.