르네상스 이탈리아의 이상적인 도시 프로젝트. 파리의 건축 앙상블
세르게이 크로모프
하나의 이상적인 도시는 돌로 구체화되지 않았지만 그들의 아이디어는 르네상스의 실제 도시에서 삶을 찾았습니다 ...
건축가들이 도시 재건 문제를 처음 언급했던 시기로부터 500년이 지났습니다. 그리고 이 같은 질문은 오늘날 우리에게도 심각합니다. 어떻게 새로운 도시를 만들 것인가? 오래된 것을 재건하는 방법-별도의 앙상블을 그들에 맞추거나 모든 것을 철거하고 재건하려면? 그리고 가장 중요한 것은 새로운 도시에 어떤 아이디어를 놓는 것입니까?
르네상스의 거장들은 고대 문화와 철학에서 이미 들렸던 아이디어, 즉 인본주의의 아이디어, 자연과 인간의 조화를 구체화했습니다. 사람들은 이상적인 국가와 이상적인 도시에 대한 플라톤의 꿈으로 다시 돌아갑니다. 도시의 새로운 이미지는 이탈리아 Quattrocento의 다른 많은 발명품과 마찬가지로 미래에 대한 대담한 주장인 이미지, 공식, 아이디어로 먼저 탄생합니다.
도시 이론의 구성은 고대 유산 연구와 밀접하게 관련되어 있으며 무엇보다도 건축가이자 엔지니어 인 Mark Vitruvius (BC 1 세기 후반)의 "건축에 관한 10 권의 책"전체 논문과 밀접한 관련이 있습니다. Julius Caesar의 군대에서. 이 논문은 1427년 한 수도원에서 발견되었습니다. Vitruvius의 권위는 Alberti, Palladio, Vasari에 의해 강조되었습니다. 비트루비우스의 가장 위대한 감정가는 다니엘레 바르바로(Daniele Barbaro)였는데, 그는 1565년에 주석과 함께 논문을 출판했습니다. 아우구스투스 황제에게 헌정한 저서에서 비트루비우스는 그리스와 로마의 건축 및 도시 계획 경험을 요약했습니다. 그는 도시 건설에 유리한 지역 선택, 주요 도시 광장과 거리의 배치, 건물의 유형에 대한 이미 고전적인 질문을 고려했습니다. 미학적 관점에서 Vitruvius는 안수 준수(건축 순서 준수), 합리적인 계획, 리듬과 질서의 균일성 관찰, 대칭과 비례, 목적에 대한 형태의 적합성 및 자원의 분배를 조언했습니다. |
르네상스의 도시 계획에서는 이론과 실천이 동시에 발전했습니다. 새로운 건물이 지어지고 오래된 건물이 재건되고 건축 앙상블이 형성되고 동시에 논문이 작성되고 있습니다. 건축에 전념, 도시 계획 및 요새화. 그들 중 유명한 작품알베르티와 팔라디오, 계획 이상적인 도시 Filarete, Scamozzi 및 기타. 저자의 아이디어는 실제 건설의 요구보다 훨씬 앞서 있습니다. 그들은 특정 도시를 계획하는 데 사용할 수 있는 기성 프로젝트가 아니라 도시의 개념인 그래픽으로 묘사된 아이디어를 설명합니다. 경제, 위생, 방어, 미학의 관점에서 도시의 위치에 대한 추론이 제공됩니다. 주거 지역과 도심, 정원 및 공원에 대한 최적의 계획을 찾고 있습니다. 구성, 조화, 아름다움, 비율에 대한 질문을 공부합니다. 이러한 이상적인 건축물에서 도시 계획은 합리성, 기하학적 명확성, 중심 구성 및 전체와 부분 간의 조화로 특징지어집니다. 그리고 마지막으로 르네상스 건축이 다른 시대와 구별되는 것은 이 모든 건축의 중심에 서 있는 사람입니다. 주의 인간의 성격너무 훌륭해서 심지어 건축 구조비유 인간의 몸완벽한 비율과 아름다움의 기준으로
이론
XV 세기의 50 년대. Leon Alberti의 "Ten Books on Architecture"라는 논문이 나타납니다. 본질적으로 이 주제에 대한 새로운 시대의 첫 번째 이론적 작업이었습니다. 사이트 선택 및 도시 계획에서 건물 유형 및 장식에 이르기까지 도시 계획의 많은 문제를 다룹니다. 특히 흥미로운 것은 아름다움에 대한 그의 주장입니다. Alberti는 "아름다움은 모든 부분의 엄격한 비례 조화이며, 그들이 속한 것에 의해 통합되어 더 나빠지지 않고는 아무것도 더하거나 빼거나 변경할 수 없습니다. "라고 썼습니다. 사실, 알베르티는 르네상스 도시 앙상블의 기본 원칙을 처음으로 선포하여 고대 비례감과 새로운 시대의 합리주의적 시작을 연결했습니다. 주어진 건물과 그 앞에 위치한 공간의 높이 비율(1:3에서 1:6), 주 건물과 부 건물의 건축 규모의 일관성, 구성의 균형 및 부재 불협화음 대조 - 이것은 르네상스 도시 계획가의 미적 원칙입니다.
이상적인 도시는 그 시대의 많은 위대한 사람들을 흥분시켰습니다. 그와 레오나르도 다빈치에 대해 생각했습니다. 그의 아이디어는 2층 도시를 만드는 것이었습니다. 상위 레벨은 보행자 및 지상 도로를 위한 것이고, 하위 레벨은 화물 운송이 이동하는 주택의 지하실과 연결된 터널 및 운하를 위한 것입니다. 밀라노와 피렌체의 재건 계획과 스핀들 도시 프로젝트로 유명합니다.
또 다른 저명한 도시 이론가는 Andrea Palladio였습니다. 그의 논문 "Four Books on Architecture"에서 그는 도시 유기체의 무결성과 공간 요소의 관계에 대해 반성합니다. 그는 "도시는 특정한 것에 지나지 않는다. 큰 집, 그 반대의 경우도 집은 일종의 작은 마을입니다. 도시 앙상블에 대해 그는 다음과 같이 썼습니다. 아름다운 모양전체와 부분의 대응, 부분과 전체의 대응, 부분과 전체의 대응. 논문에서 눈에 띄는 위치는 건물 내부, 치수 및 비율입니다. Palladio는 거리의 외부 공간과 주택 및 안뜰의 내부를 유기적으로 연결하려고 합니다.
16세기 말경. 많은 이론가들은 소매 공간과 요새화 문제에 매료되었습니다. 따라서 이상적인 도시의 Giorgio Vasari Jr.는 광장, 쇼핑 아케이드, 로지아, 궁전 개발에 많은 관심을 기울입니다. 그리고 Vicenzo Scamozzi와 Buanayuto Lorrini의 프로젝트에서 요새화 예술 문제는 중요한 위치를 차지합니다. 이것은 시간의 순서에 대한 응답이었습니다. 폭발성 포탄의 발명으로 요새 벽과 탑은 도시 경계에서 벗어난 흙 요새로 대체되었으며 도시는 윤곽선에서 다중 빔 별과 비슷해지기 시작했습니다. . 이러한 아이디어는 실제로 지어진 Palmanova 요새에 구현되었으며, 그 생성은 Scamozzi에 기인합니다.
관행
하나의 이상적인 도시가 돌로 구현되지는 않았지만 작은 요새 도시를 제외하고는 이미 16 세기에 이미 건설의 많은 원칙이 구현되었습니다. 그 당시 이탈리아와 다른 나라에서는 도시 앙상블의 중요한 요소를 연결하는 곧고 넓은 거리를 깔고 새로운 광장을 만들고 오래된 광장을 재건했으며 나중에는 규칙적인 구조의 공원과 궁전 앙상블이 나타났습니다.
| Antonio Filarete의 이상적인 도시 도시는 측면이 3.5km 인 두 개의 동일한 사각형이 45 ° 각도로 교차하여 형성된 계획 상 팔각형 별이었습니다. 별의 돌출부에는 8 개의 둥근 탑이 있고 "주머니"에는 8 개의 성문이 있습니다. 게이트와 타워는 방사형 거리로 중앙에 연결되었으며 그 중 일부는 배송 채널이었습니다. 도시의 중앙 부분, 언덕에는 짧은면에는 왕자의 궁전과 도시 대성당이 있고 긴면에는 사법 및 도시 기관이있는 주요 직사각형 광장이 있습니다. 광장 중앙에는 연못과 망루가 있었다. 다른 두 곳은 도시의 가장 저명한 주민들의 집과 함께 중앙 광장에 인접했습니다. 방사형 거리와 순환 거리의 교차점에는 16개의 광장이 더 있습니다. |
르네상스 예술은 중세 예술과 충분히 대립했음에도 불구하고 중세 도시에 쉽고 유기적으로 들어맞았다. 실제 활동에서 르네상스 건축가는 "오래된 것을 파괴하지 않고 새로운 것을 짓는다"는 원칙을 사용했습니다. 그들은 피렌체의 Annuziata 광장 (Filippo Brunelleschi가 설계)과 로마의 국회 의사당 (Michelangelo가 설계)에서 볼 수 있듯이 같은 스타일의 건물에서 놀랍도록 조화로운 앙상블을 만들었습니다. 하나의 구성으로 다른 시간. 그래서 성 베드로 광장에서 베니스의 Mark, 중세 건물은 16 세기의 새로운 건물과 건축 및 공간 앙상블로 결합됩니다. 그리고 피렌체에서는 Giorgio Vasari가 설계한 중세 Palazzo Vecchio가 있는 Piazza della Signoria에서 Uffizi Street가 조화롭게 이어집니다. 또한 Santa Maria del Fiore (Brunelleschi의 재건) 피렌체 대성당의 앙상블은 로마네스크, 고딕 및 르네상스의 세 가지 건축 양식을 한 번에 완벽하게 결합합니다.
중세의 도시와 르네상스의 도시
르네상스의 이상적인 도시는 고대 도시 계획 원칙의 발전으로 표현된 중세에 대한 일종의 항의로 나타났습니다. 인간이 아닌 신성한 계획의 구체화 인 "하늘의 예루살렘"과 닮은 불완전하지만 일종의 것으로 인식되었던 중세 도시와 달리 르네상스 도시는 인간 창조주에 의해 창조되었습니다. 인간은 이미 존재하는 것을 단순히 복사한 것이 아니라 더 완벽한 것을 창조했으며 "신성한 수학"에 따라 그것을 했습니다. 르네상스의 도시는 인간을 위해 만들어졌으며 지상 세계 질서, 실제 사회, 정치 및 일상 구조와 일치해야 했습니다.
중세 도시는 강력한 성벽으로 둘러싸여 있으며 세계와 차단되어 있으며 그 집은 허점이 몇 개 있는 요새와 비슷합니다. 르네상스 도시는 개방되어 있습니다. 외부 세계, 그는 그것을 통제하고 종속시킵니다. 건물의 벽은 거리와 광장의 공간을 안뜰과 방으로 구분하여 결합합니다. 그들은 투과성이 있습니다 - 그들은 많은 개구부, 아케이드, 열주, 차도, 창문이 있습니다.
중세 도시가 건축 볼륨의 배치라면 르네상스 도시는 건축 공간의 분포가 더 큽니다. 신도시의 중심은 대성당이나 시청 건물이 아니라 중앙 광장의 여유 공간으로 위아래로 열린다. 그들은 건물에 들어가 거리와 광장으로 나갑니다. 그리고 중세 도시가 구성 적으로 중심에 끌리면 구심력이 있고 르네상스 도시는 원심력이 있습니다. 외부 세계로 향합니다.
| 플라톤의 이상적인 도시 계획상 도시의 중앙 부분은 물 고리와 흙 고리가 번갈아 가며 나타납니다. 외부 워터 링은 길이 50스타디아(1스타디아 - 약 193m)의 수로로 바다와 연결되었습니다. 워터 링을 분리하는 흙 고리에는 선박 통과에 적합한 다리 근처에 지하 채널이 있습니다. 둘레에 있는 가장 큰 물 고리는 너비가 3스타디온이었고 그 뒤에 흙으로 만든 고리도 있었습니다. 다음 두 개의 고리인 물과 흙은 너비가 2스타데드였습니다. 마지막으로 중앙에 위치한 섬을 에워싸고 있는 물의 고리는 스태디아 폭이었다. |
중세 도시는 자연 경관을 따라 그 자체의 목적을 위해 사용합니다. 르네상스의 도시는 오히려 예술 작품, "기하학 게임"입니다. 건축가는 그 위에 그려진 공간의 기하학적 그리드를 중첩하여 지형을 수정합니다. 그러한 도시는 명확한 모양을 가지고 있습니다. 원, 사각형, 팔각형, 별; 강조차도 곧게 펴집니다.
중세 도시는 수직적입니다. 여기서 모든 것은 멀리 있고 접근하기 어려운 위쪽, 하늘을 향합니다. 르네상스의 도시는 수평적이며 여기서 가장 중요한 것은 새로운 지평을 향한 원근법, 원거리에 대한 열망입니다. 중세인에게 천국으로가는 길은 회개와 겸손, 지상의 모든 것을 포기함으로써 얻을 수있는 승천입니다. 르네상스 사람들에게 이것은 자신의 경험을 얻고 신성한 법칙을 이해함으로써 상승하는 것입니다.
이상적인 도시에 대한 꿈은 르네상스 시대뿐만 아니라 후기의 많은 건축가들의 창조적 탐구에 자극을 주었고 조화와 아름다움의 길을 인도하고 밝혔습니다. 사상의 세계와 사실의 세계가 다른 것처럼, 상상의 세계와 환상의 세계가 다른 것처럼 이상적인 도시는 항상 실제 도시 안에 존재한다. 그리고 르네상스의 거장들이 꿈꾸는 방법을 알고 있다면 태양의 도시, 황금의 도시인 이 도시를 볼 수 있습니다.
원본 기사는 잡지 "New Acropolis" 사이트에 있습니다.
서유럽 건축의 고전주의
이탈리아인들에게 맡기자
가짜 광택이 있는 빈 반짝이.
총 의미가 더 중요하다그러나 그에게 오려면
우리는 장애물과 길을 극복해야 할 것입니다.
표시된 경로를 엄격히 따르십시오.
때때로 마음은 오직 하나의 길만 가지고 있다...
의미에 대해 생각한 다음 작성해야합니다!
N. Boileau. "시적 예술".
V. Lipetskaya의 번역
그래서 고전주의의 주요 이데올로기 중 한 명인 시인 Nicolas Boileau (1636-1711)는 그의 동시대 사람들에게 가르쳤습니다. 고전주의의 엄격한 규칙은 코르네이유와 라신의 비극, 몰리에르의 희극, 라 퐁텐의 풍자, 륄리의 음악과 푸생의 그림, 파리의 궁전과 앙상블의 건축과 장식으로 구체화되었습니다.
고전주의는 질서 체계, 엄격한 대칭, 구성 부분의 명확한 비례 및 일반적인 아이디어에 대한 종속과 같은 고대 문화의 최고의 업적에 초점을 맞춘 건축 작품에서 가장 분명하게 나타났습니다. 고전주의 건축의 "엄격한 스타일"은 "고귀한 단순함과 차분한 웅장함"이라는 이상적인 공식을 시각적으로 구현하려는 것처럼 보였습니다. 고전주의의 건축 구조는 단순하고 명확한 형태, 차분한 비율의 조화가 지배했습니다. 물체의 윤곽을 반복하는 직선, 눈에 잘 띄지 않는 장식이 선호되었습니다. 솜씨의 단순함과 고귀함, 실용성 및 편의성이 모든 것에 영향을 미쳤습니다.
"이상적인 도시"에 대한 르네상스 건축가의 아이디어를 바탕으로 고전주의 건축가는 새로운 유형단일 기하학적 계획에 엄격히 종속되는 웅장한 궁전과 공원 앙상블. 이 시대의 뛰어난 건축 구조 중 하나는 파리 외곽에 있는 프랑스 왕의 거주지인 베르사유 궁전이었습니다.
베르사유의 "요정의 꿈"
19세기 중반 베르사유를 방문한 마크 트웨인.
“빵이 모자랐을 때 베르사유에 2억 달러를 쓴 루이 14세를 꾸짖었지만 이제 그를 용서했습니다. 매우 아름답습니다! 당신은 눈을 뜨고 당신이 에덴 동산이 아니라 지구에 있다는 것을 이해하려고 노력합니다. 그리고 당신은 이것이 사기, 단지 멋진 꿈이라고 믿을 준비가 거의 되어 있습니다.
실제로 베르사유의 "동화 꿈"은 일반 레이아웃의 규모, 정면의 웅장한 화려 함 및 인테리어 장식 장식의 광채에 여전히 놀라움을 금치 못합니다. 베르사유는 합리적으로 배열된 세계 모델의 아이디어를 표현하는 고전주의의 웅장한 공식 건축의 가시적 구체화가 되었습니다.
100헥타르의 땅은 극도로 짧은 시간(1666-1680)은 프랑스 귀족을 위한 낙원으로 바뀌었습니다. 건축가 Louis Leveaux(1612-1670), Jules Hardouin-Mansart(1646-1708) 및 앙드레 르 노트르(1613-1700). 수년에 걸쳐 그들은 건축에서 많은 것을 재건하고 변경하여 현재는 고전주의의 특징을 흡수하는 여러 건축 층의 복잡한 융합입니다.
베르사유의 중심은 3개의 길이 모이는 왕궁입니다. 특정 고도에 위치한 궁전은 지역에서 지배적 인 위치를 차지합니다. 제작자는 거의 반 킬로미터 길이의 정면을 중앙 부분과 두 개의 측면 날개 인 risalit로 나누어 특별한 엄숙함을 부여했습니다. 파사드는 3층으로 표현된다. 거대한 기반의 역할을 하는 첫 번째는 이탈리아 르네상스 궁전-팔라초 모델에 소박하게 장식되어 있습니다. 두 번째 전면에는 높은 아치형 창문이 있으며 그 사이에는 이오니아 기둥과 벽기둥이 있습니다. 건물을 덮는 층은 궁전의 외관에 기념비적 인 느낌을줍니다. 건물에 특별한 우아함과 가벼움을 부여하는 조각 그룹으로 짧아지고 끝납니다. 파사드의 창문, 벽기둥 및 기둥의 리듬은 고전적인 엄격함과 웅장함을 강조합니다. Molière가 베르사유 왕궁에 대해 다음과 같이 말한 것은 우연이 아닙니다.
"궁전의 예술적인 장식은 자연이 주는 완벽함과 너무도 조화를 이루어 마법의 성이라고 부를 수 있습니다."
인테리어 그랜드 팰리스바로크 양식으로 장식되어 있습니다. 조각 장식, 금박 치장 벽토 및 조각 형태의 풍부한 장식, 많은 거울 및 정교한 가구로 가득합니다. 벽과 천장은 정사각형, 직사각형 및 원과 같은 명확한 기하학적 패턴이 있는 유색 대리석 슬래브로 덮여 있습니다. 신화를 주제로 한 그림 같은 패널과 태피스트리는 루이 14세를 찬양합니다. 금박을 입힌 거대한 청동 샹들리에는 부와 사치의 인상을 완성합니다.
궁전 홀 (약 700 개가 있음)은 끝없는 엔필라드를 형성하며 의식 행렬, 웅장한 축제 및 가장 무도회를 위해 설계되었습니다. 궁전의 가장 큰 의식 홀인 미러 갤러리(길이 73m)에서 새로운 공간 및 조명 효과에 대한 탐색이 명확하게 시연됩니다. 홀 한쪽의 창문은 다른 쪽의 거울과 일치했습니다. 햇빛이나 인공조명 아래에서 400개의 거울이 놀라운 공간 효과를 만들어 반사의 마법 같은 유희를 전달했습니다.
Versailles와 Louvre에서 Charles Lebrun (1619-1690)의 장식 구성은 의식의 화려 함으로 눈에 띄었습니다. 고위층에 대한 아찔한 칭찬을 포함하는 그가 선포 한 "열정을 묘사하는 방법"은 예술가를 현기증 나는 성공으로 이끌었습니다. 1662년에 그는 왕의 첫 번째 화가가 되었고, 그 다음에는 왕실 태피스트리(손으로 짠 카펫 그림 또는 태피스트리)의 책임자이자 베르사유 궁전의 모든 장식 작업 책임자가 되었습니다. 궁전의 거울 갤러리에서 Lebrun은 그림을 그렸습니다.
"태양왕" 루이 14세의 통치를 미화한 신화적 주제에 대한 많은 우화적 구성이 있는 금박 천장. 그림 같은 알레고리와 속성, 바로크 양식의 밝은 색상 및 장식 효과는 고전주의 건축과 분명히 대조됩니다.
왕의 침실은 궁전의 중앙 부분에 위치하며 정면을 향하고 있습니다. 떠오르는 태양. 여기에서 한 지점에서 방사되는 세 개의 고속도로가 열리며 국가 권력의 중심을 상징적으로 상기시킵니다. 발코니에서 왕의 전망은 베르사유 공원의 모든 아름다움을 열었습니다. 주요 제작자인 Andre Le Nôtre는 건축과 조경 원예 예술. 자연과의 합일의 사상을 표현한 조경(영어) 공원과 달리 일반(프랑스) 공원은 자연을 작가의 의지와 의도에 종속시켰다. 베르사유 공원은 명확하고 합리적인 공간 구성에 깊은 인상을 받았으며 건축가는 나침반과 눈금자를 사용하여 그림을 정확하게 확인했습니다.
공원의 골목은 궁전 홀의 연속으로 인식되며 각각은 저수지로 끝납니다. 많은 풀에는 올바른 기하학적 모양. 해가 지기 전의 매끄러운 물거울은 태양 광선과 정육면체, 원뿔, 원통 또는 공 모양으로 다듬어진 덤불과 나무가 드리운 기발한 그림자를 반사합니다. 녹지는 때때로 단단하고 뚫을 수없는 벽, 때로는 넓은 갤러리를 형성하며 조각 구성, herms (머리 또는 흉상으로 장식 된 사면체 기둥) 및 얇은 물줄기 폭포가있는 수많은 꽃병이 배치되는 인공 틈새에 있습니다. 만든 분수의 우화 조각 유명한 거장, 절대 군주의 통치를 미화하기 위해 고안되었습니다. "태양 왕"은 전차를 타고 물에서 나오거나 시원한 동굴에서 님프들 사이에서 쉬는 아폴로 신 또는 해왕성의 모습으로 그들에게 나타났습니다.
잔디밭의 부드러운 카펫은 기괴한 꽃 장식으로 밝고 화려한 색상으로 놀랍습니다. 꽃병 (약 150,000 개가 있음)에는 베르사유가 일년 중 언제든지 계속 꽃이 피도록 변경된 신선한 꽃이있었습니다. 공원의 길에는 색색의 모래가 흩어져 있습니다. 그들 중 일부는 햇볕에 반짝이는 도자기 조각으로 늘어서 있었습니다. 이 모든 화려 함과 자연의 화려 함은 온실에서 퍼지는 아몬드, 자스민, 석류, 레몬 냄새로 보완되었습니다.
이 공원에는 자연이 있었다
마치 무생물처럼;
고상한 소네트처럼,
그들은 풀을 가지고 장난을 치고 있었습니다.
춤도, 달콤한 라즈베리도,
르 노트르와 장 륄리
정원과 무질서의 춤에서
참을 수 없었습니다.
주목은 황홀한 것처럼 얼어 붙었습니다.
덤불이 줄지어 서 있고,
그리고 절했다
배운 꽃.
V. Hugo E. L. Lipetskaya의 번역
1790년에 베르사유를 방문한 N. M. Karamzin(1766-1826)은 러시아 여행자의 편지에서 자신의 인상에 대해 다음과 같이 말했습니다.
“광대함, 부분들의 완벽한 조화, 전체의 움직임: 이것은 화가가 붓으로 묘사할 수 없는 것입니다!
대담한 천재가 어디에서나 자랑스러운 예술의 왕좌에 앉은 Le Nôtre의 창조물 인 정원으로 가자. 가난한 노예처럼 겸손한 Natura가 그를 발에 던졌습니다 ...
그러므로 베르사유 정원에서 자연을 찾지 마십시오. 하지만 여기에서는 모든 단계에서 Art가 눈을 사로 잡습니다 ... "
건축 앙상블파리. 제국
17-18세기 초 베르사유의 주요 공사가 완료된 후 앙드레 르 노트르(André Le Nôtre)가 출범했습니다. 왕성한 활동파리 재개발을 위해 그는 튈르리 공원의 붕괴를 수행하여 루브르 앙상블의 세로축의 연속에 중심축을 명확하게 고정했습니다. Le Nôtre 이후 루브르 박물관이 마침내 재건되었고 Place de la Concorde가 만들어졌습니다. 파리의 위대한 축은 웅장함, 웅장함, 화려함의 요구 사항을 충족하는 도시에 대해 완전히 다른 해석을 제공했습니다. 열린 도시 공간의 구성, 건축적으로 설계된 거리와 광장의 시스템은 파리 계획의 결정적인 요소가 되었습니다. 하나의 전체로 연결된 거리와 광장의 기하학적 패턴의 선명도는 앞으로 수년 동안 도시 계획의 완성도와 도시 계획자의 기술을 평가하는 기준이 될 것입니다. 이후 전 세계 많은 도시에서 고전적인 파리지앵 모델의 영향을 받게 될 것입니다.
사람에 대한 건축 적 영향의 대상으로서 도시에 대한 새로운 이해는 도시 앙상블 작업에서 분명한 표현을 찾습니다. 건설 과정에서 고전주의 도시 계획의 기본 및 기본 원칙, 즉 공간의 자유로운 개발과 환경과의 유기적 연결이 설명되었습니다. 도시 개발의 혼란을 극복하기 위해 건축가들은 자유롭고 탁 트인 시야를 위해 설계된 앙상블을 만들려고 했습니다.
"이상적인 도시"를 만들고자 하는 르네상스의 꿈은 더 이상 특정 건물의 정면이 아닌 새로운 유형의 광장 형성으로 구체화되었습니다. 강 제방. 건축은 바로 인접한 건물뿐만 아니라 도시의 매우 먼 지점도 특정 앙상블 통일성으로 연결하려고 합니다.
18세기 후반 그리고 19세기의 1/3. 프랑스에서 기념 새로운 무대고전주의의 발전과 유럽 국가에서의 분포 - 신고전주의. 프랑스 대혁명과 1812년 애국 전쟁 이후, 도시 계획에 새로운 우선 순위가 등장하여 당시의 정신과 조화를 이루었습니다. 그들은 엠파이어 스타일에서 가장 인상적인 표현을 발견했습니다. 그것은 다음과 같은 특징이 특징입니다 : 제국의 웅장 함의 의식 파토스, 기념비, 제국 로마 예술에 대한 호소 및 고대 이집트, 주요 장식 주제로 로마 군사 역사의 속성 사용.
새로운 예술적 스타일의 본질은 나폴레옹 보나파르트의 중요한 말로 매우 정확하게 전달되었습니다.
"나는 힘을 사랑하지만 예술가로서 ... 나는 그것으로부터 소리, 화음, 하모니를 추출하는 것을 좋아합니다."
엠파이어 스타일나폴레옹의 정치 권력과 군사적 영광의 의인화가되어 그의 숭배의 일종의 표현 역할을했습니다. 새로운 이데올로기는 새 시대의 정치적 이익과 예술적 취향에 완전히 부합했습니다. 열린 광장, 넓은 거리 및 도로의 대규모 건축 앙상블이 도처에 만들어졌으며 다리, 기념물 및 공공 건물이 세워져 제국의 웅장 함과 권력의 힘을 보여주었습니다.
예를 들어 Austerlitz 다리는 나폴레옹의 대전투를 연상시키며 바스티유의 돌로 지어졌습니다. 앳 더 플레이스 카루젤지어졌다 개선문 Austerlitz에서의 승리를 기리기 위해. 상당한 거리를 두고 서로 떨어져 있는 두 개의 사각형(Consent 및 Stars)은 건축적 관점으로 연결되었습니다.
성 제네비에브 교회, J. J. Soufflot이 세운 것은 프랑스 위대한 사람들의 안식처 인 판테온이되었습니다. 그 당시 가장 화려한 기념물 중 하나는 방돔 광장에 있는 대군(Grand Army) 기둥입니다. Trajan의 고대 로마 기둥과 유사하게 건축가 J. Gonduin과 J. B. Leper의 계획에 따르면 New Empire의 정신과 위대함에 대한 나폴레옹의 갈증을 표현하기로했습니다.
궁전과 공공 건물의 내부 밝은 장식에서 엄숙함과 장엄한 화려 함은 특히 높이 평가되었으며 장식은 종종 군사 도구로 가득 차있었습니다. 지배적 인 모티프는 독수리, 그리핀, 항아리, 화환, 횃불, 그로테스크와 같은 로마와 이집트 장식품의 요소 인 색상의 대조되는 조합이었습니다. Empire 스타일은 Louvre와 Malmaison의 황실 거주지 내부에서 가장 분명하게 나타났습니다.
나폴레옹 보나파르트의 시대는 1815년에 끝났고 곧 그들은 이데올로기와 취향을 적극적으로 근절하기 시작했습니다. "꿈처럼 사라진"제국에는 이전의 위대함을 분명히 증언하는 제국 스타일의 예술 작품이 있습니다.
질문 및 작업
1. 베르사유가 뛰어난 작품으로 꼽힐 수 있는 이유는 무엇입니까?
XVIII 세기의 고전주의의 도시 계획 아이디어로. 예를 들어 Place de la Concorde와 같은 파리의 건축 앙상블에서 실제 구현을 찾았습니까? 포폴로 광장(P. 74 참조)과 같은 17세기 로마의 이탈리아 바로크 광장과 무엇이 다른가?
2. 바로크와 고전주의 사이의 연결은 어떻게 표현되었습니까? 고전주의는 바로크에서 어떤 아이디어를 물려받았습니까?
3. 엠파이어 스타일이 등장하게 된 역사적 배경은 무엇인가? 그가 예술 작품에서 표현하고자 했던 당시의 새로운 아이디어는 무엇이었습니까? 어느 예술적 원리그는 의지합니까?
창작 워크숍
1. 급우들에게 베르사유 가이드 투어를 제공하세요. 준비를 위해 인터넷의 비디오 자료를 사용할 수 있습니다. Versailles와 Peterhof의 공원은 종종 비교됩니다. 그러한 비교의 근거는 무엇이라고 생각하십니까?
2. 르네상스 시대의 "이상적인 도시"의 이미지를 파리의 고전주의 앙상블(상트페테르부르크 또는 그 교외)과 비교해 보십시오.
3. Fontainebleau의 Francis I 갤러리와 Versailles의 Mirror Gallery의 실내 장식 (인테리어) 디자인을 비교하십시오.
4. “Versailles. 왕의 행보”(p. 74 참조). 그들은 프랑스 왕 루이 14세의 궁정 생활의 일반적인 분위기를 어떻게 전달합니까? 왜 그들은 독특한 그림-기호로 간주될 수 있습니까?
프로젝트 주제, 초록 또는 메시지
"17~18세기 프랑스 건축의 고전주의 형성"; "세계의 조화와 아름다움의 모델로서의 베르사유"; "베르사유 산책: 궁전 구성과 공원 배치 사이의 연관성"; "서유럽 고전주의 건축의 걸작"; "프랑스 건축의 나폴레옹 제국"; "베르사유와 피터호프: 경험 비교 특성»; « 예술적 발견파리의 건축 앙상블에서”; "파리의 광장과 도시의 규칙적인 계획 원칙의 발전"; "파리 앵발리드 대성당의 구성의 명확성과 볼륨의 균형"; "Concord Square는 고전주의 도시 계획 아이디어 개발의 새로운 단계입니다."; "J. Soufflot의 St. Genevieve (Pantheon) 교회 장식의 심한 표현력과 인색함"; "서유럽 국가 건축의 고전주의 특징"; "서유럽 고전주의의 뛰어난 건축가".
추가로 읽을 수 있는 책
Arkin D. E. 건축 이미지와 조각 이미지. M., 1990. Kantor A.M. 및 기타 XVIII 세기의 예술. M., 1977. (작은 예술사).
고전주의와 낭만주의: 건축. 조각품. 그림. 그림 / 에드. R. 토만. M., 2000.
Kozhina E.F. 18세기 프랑스 미술. 엘., 1971.
LenotrJ. 왕 아래 베르사유의 일상. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. 깨달음의 문화. M., 1996.
Watkin D. 서유럽 건축의 역사. M., 1999. Fedotova E.D. 나폴레옹 제국. M., 2008.
자료를 준비하면서 교과서 "세계 예술 문화. 18세기부터 현재까지”(저자 Danilova G. I.).
르네상스는 가장 중요한 시대 중 하나입니다. 문화 발전인류는 근본적으로 새로운 문화의 기초가 발생하고 미래의 다음 세대가 적극적으로 사용할 풍부한 아이디어, 생각, 상징이 발생하는 시점이기 때문입니다. XV 세기에. 이탈리아에서는 실제 건축 구현보다 미래 모델 인 프로젝트처럼 개발되는 도시의 새로운 이미지가 탄생하고 있습니다. 물론 르네상스 이탈리아에서 그들은 도시를 많이 미화했습니다. 그들은 거리를 곧게 펴고, 정면을 평평하게 하고, 포장 도로를 만드는 데 많은 돈을 썼습니다. 건축가는 또한 새 집을 짓고 빈 공간에 맞추거나, 드물게는 , 철거 된 오래된 건물 대신에 세웠습니다. 전체적으로 이탈리아 도시실제로 건축 풍경은 중세 시대로 남아 있습니다. 도시개발이 활발한 시기는 아니었지만, 도시문제가 문화건설의 가장 중요한 영역으로 인식되기 시작한 것은 바로 이때였다. 정치적일 뿐만 아니라 사회문화적 현상으로서 도시가 무엇인지에 관한 흥미로운 논문들이 많이 나왔다. 르네상스 인문주의자들의 눈에 중세 도시와 다른 새로운 도시는 어떻게 보일까?
모든 도시 계획 모델, 프로젝트 및 유토피아에서 도시는 먼저 인간 구원의 공간을 상징하는 하늘의 예루살렘, 방주라는 신성한 원형에서 벗어났습니다. 르네상스 시대에는 신성한 원형이 아니라 건축가의 개별 창작 활동의 결과로 만들어진 이상적인 도시에 대한 아이디어가 생겼습니다. 건축에 관한 고전 Ten Books의 저자인 유명한 L. B. Alberti는 독창적인 건축 아이디어가 종종 밤에 떠오른다고 주장했습니다. 이때 그의 주의가 산만해지고 깨어 있는 동안에는 드러나지 않는 것들이 나타나는 꿈을 꿉니다. 창작 과정에 대한 이 세속화된 설명은 고전적인 기독교인의 보는 행위와는 상당히 다릅니다.
신도시하늘에 해당하는 것이 아니라 사회적, 정치적, 문화적 및 국내 목적에 대한 지상 규정에 해당하는 이탈리아 인본주의 자의 작품에 나타났습니다. 신성한 공간적 수축의 원칙이 아니라 기능적이고 완전히 세속적인 공간 구분을 기반으로 지어졌으며 중요한 주거 또는 공공 건물을 중심으로 그룹화 된 광장, 거리의 공간으로 구분되었습니다. 이러한 재건은 예를 들어 피렌체와 같이 실제로 어느 정도 수행되었지만 더 큰 범위에서 실현 된 것으로 판명되었습니다. 미술, 르네상스 그림의 건설 및 건축 프로젝트에서. 르네상스 도시는 자연에 대한 인간의 승리, 인간 문명이 자연에서 새로운 인공 세계로 "분리"되는 데 합리적이고 조화롭고 아름다운 근거가 있다는 낙관적 믿음을 상징했습니다.
르네상스 인은 창조주가 미완성으로 판명 된 것을 자신의 손으로 완성한 우주 정복 문명의 원형입니다. 그렇기 때문에 건축가는 도시를 계획할 때 도시 공동체의 삶에 필요한 모든 건물을 배치해야 하는 다양한 기하학적 모양 조합의 미학적 의미를 기반으로 아름다운 프로젝트를 만드는 것을 좋아했습니다. 공리주의적 고려는 배경으로 사라졌고 건축적 환상의 자유로운 미적 유희는 당시 도시 계획가들의 의식을 정복했습니다. 개인의 존재 기반으로서의 자유로운 창의성에 대한 생각은 르네상스 시대의 가장 중요한 문화적 명령 중 하나입니다. 건축적 창의성 이 경우또한 이 아이디어를 구현했으며, 이는 복잡한 장식적인 환상처럼 보이는 건물 프로젝트의 생성으로 표현되었습니다. 실제로 이러한 아이디어는 규칙적인 모양의 석판으로 덮인 다양한 유형의 석재 포장을 만들 때 주로 구현되는 것으로 밝혀졌습니다. 마을 사람들이 자랑스러워하며 "다이아몬드"라고 부르는 것은 주요 혁신이었습니다.
도시는 원래 자연계의 자연성에 반대하는 인공적인 제품으로 인식되었는데, 중세 도시와 달리 생활 공간을 정복하고 지배했으며 지형에 딱 들어맞지 않았기 때문입니다. 따라서 르네상스의 이상적인 도시는 정사각형, 십자가 또는 팔각형 형태의 엄격한 기하학적 모양을 가졌습니다. I. E. Danilova의 적절한 표현에 따르면 당시의 건축 프로젝트는 모든 것이 지배되는 인간 마음의 지배의 인장으로 위에서부터 지형에 겹쳐졌습니다. 뉴에이지 시대에 인간은 이해할 수 없는 우연이나 행운의 게임을 없애기 위해 세상을 예측 가능하고 합리적으로 만들려고 노력했습니다. 따라서 L. B. Alberti는 그의 작품 "On the Family"에서 마음이 민사에서 그리고 인간의 삶행운보다 훨씬 더 큰 역할. 유명한 건축 및 도시 계획 이론가는 응용 수학과 기하학의 규칙을 확장하여 세계를 테스트하고 정복해야 할 필요성에 대해 말했습니다. 이러한 관점에서 볼 때 르네상스 도시는 세계, 즉 공간을 정복하는 최고의 형태였다. 왜냐하면 도시 계획 프로젝트는 그 위에 구획된 공간의 기하학적 그리드를 부과한 결과 자연경관의 재편성을 수반했기 때문이다. 그것은 중세 시대와 달리 중앙이 대성당이 아니라 거리가있는 사방에서 열리고 성벽 너머 멀리 보이는 광장의 여유 공간 인 개방형 모델이었습니다.
현대 전문가문화 분야에서는 르네상스 도시의 공간 구성 문제, 특히 도시 광장의 주제, 그 기원 및 의미가 다양한 국제 심포지엄에서 활발히 논의되고 있습니다. R. Barthes는 다음과 같이 썼습니다. 의미의 공허함이 아니라 의미 있는 공허함이 중요하다. 즉, 요소 자체가 아니라 위치에 따라 요소가 점점 더 중요해집니다.
중세 도시, 건물, 교회는 친밀감 현상, 물리적 또는 영적 장벽을 극복해야 할 필요성, 대성당이든 작은 요새와 유사한 궁전이든 외부 세계와 분리 된 특별한 공간을 구현했습니다. 침투는 항상 숨겨진 비밀에 대한 친숙함을 상징했습니다. 반면에 광장은 완전히 다른 시대의 상징이었습니다. 그것은 위쪽뿐만 아니라 측면, 거리, 골목, 창문 등을 통해 개방의 아이디어를 구현했습니다. 사람들은 항상 광장에 들어갔습니다. 밀폐된 공간. 반대로 모든 사각형은 즉시 개방되고 열린 공간의 느낌을 만들어 냈습니다. 도시 광장은 그대로 신비로운 비밀로부터 해방되는 과정 자체를 상징하고 공개적으로 탈 신성화 된 공간을 구현했습니다. L. B. Alberti는 도시의 가장 중요한 장식은 거리와 광장의 위치, 방향, 대응, 배치에 의해 주어진다고 썼습니다.
이러한 아이디어는 XIV 및 XV 세기에 피렌체에서 발생한 개별 가족 씨족의 통제로부터 도시 공간 해방을위한 투쟁의 실제 관행에 의해 강화되었습니다. F. 브루넬레스키는 이 기간 동안 도시에 세 개의 새로운 광장을 설계했습니다. 다양한 귀족의 묘비가 광장에서 제거되고 그에 따라 시장이 재건됩니다. 열린 공간의 아이디어는 벽과 관련하여 L. B. Alberti에 의해 구현됩니다. 그는 장애물이 되는 벽의 관습성을 강조하기 위해 가능한 한 자주 콜로네이드를 사용하라고 조언합니다. 이것이 알베르티의 아치가 잠긴 성문의 반대편으로 인식되는 이유입니다. 아치는 시야를 여는 틀처럼 항상 열려 있어 도시 공간을 연결한다.
르네상스 도시화는 도시 공간의 근접성과 고립을 의미하는 것이 아니라 반대로 도시 외부의 분포를 의미합니다. Francesco di Giorgio Martini의 프로젝트는 "자연의 정복자"의 공격적인 공격적 파토스를 보여줍니다. Yu. M. Lotman은 그의 논문의 특징인 이 공간 충동에 대해 썼습니다. 대부분의 경우 마티니 요새는 바깥쪽으로 강하게 확장되는 요새가 있는 벽 모서리에 의해 모든 방향으로 노출되는 별 모양입니다. 이 아키텍처 솔루션은 주로 포탄의 발명으로 인한 것입니다. 멀리 우주로 진출한 요새에 설치된 대포는 적에게 능동적으로 대응할 수 있게 했고, 원거리에서 적에게 타격을 가해 주벽에 닿지 못하게 했다.
레오나르도 브루니는 플로렌스에 바치는 찬사에서 우리 앞에 나타납니다. 진짜 도시, 그러나 구체화 된 사회 문화적 교리는 그가 도시 레이아웃을 "수정"하고 건물의 위치를 새로운 방식으로 설명하려고 노력하고 있기 때문입니다. 결과적으로 Palazzo Signoria는 도시 권력의 상징으로 실제보다 넓은 벽의 고리, 요새 등이 갈라지는 도시의 중심에 있음이 밝혀졌습니다.이 설명에서 Bruni는 출발합니다. 중세 도시의 폐쇄적 모델에서 벗어나 새로운 생각새로운 시대를 상징하는 일종의 도시 확장 아이디어. 피렌체는 인근 땅을 점령하고 광활한 영토를 예속합니다.
따라서 XV 세기의 이상적인 도시입니다. 수직적 신성화 투영이 아니라 구원의 영역이 아닌 편안한 생활 환경으로 이해되는 수평적 사회 문화적 공간에서 구상된다. 그래서 이상적인 도시는 15세기의 예술가들에 의해 묘사되었습니다. 먼 목표가 아니라 내부에서 아름답고 조화로운 인간 삶의 영역으로.
그러나 원래 르네상스 도시의 이미지에 존재했던 특정 모순에 주목할 필요가 있습니다. 이 기간 동안 주로 "사람을 위해"만들어진 새로운 유형의 웅장하고 편안한 주거지가이 기간 동안 나타 났음에도 불구하고 도시 자체는 이미 돌로 된 새장으로 인식되기 시작했습니다. 자유롭고 창조적 인 인간 성격의 개발. 도시의 풍경은 자연과 모순되는 것으로 인식될 수 있으며, 아시다시피 당시의 예술가, 시인, 사상가들에게 미학적 감탄의 대상은 자연(인간과 비인간 모두)입니다.
사회 문화적 공간의 도시화의 시작은 기본적이고 초보적이며 열정적으로 인식되는 형태에서도 이미 존재 론적 외로움, 새로운 "수평"세계에 대한 포기를 불러 일으켰습니다. 앞으로 이 이중성은 발전하여 근대 문화의식의 첨예한 모순으로 변해 유토피아적 반도시 시나리오의 등장으로 이어질 것이다.
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문화학
문화 이론. 사회 인도주의 지식 체계의 문화학. 우리 시대의 기본 문화 이론과 학교. 문화의 역학. 문화의 역사. 고대 문명 - 요람 유럽 문화. 유럽 중세의 문화. 실제 문제 현대 문화. 세계화하는 세계에서 국가 문화의 얼굴. 언어와 문화 코드.
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독립적인 지식 분야로서의 문화학
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문화 연구 방법
문화 이해의 역사와 논리의 통일성
문화에 대한 고대의 생각
중세 문화의 이해
근대 유럽철학의 문화이해
XX 세기 문화 연구의 일반적인 특성.
O. Spengler의 문화학적 개념
문화 통합 이론 P. Sorokin
문화의 정신 분석적 개념
문화의 본질 분석에 대한 기본 접근
문화의 형태
문화의 규범과 가치
문화의 기능
르네상스 예술
르네상스-지금은 연극, 문학, 음악 등 모든 예술의 전성기이지만 의심 할 여지없이 그 시대의 정신을 가장 잘 표현한 것은 순수 예술이었다.
르네상스가 예술가들이 더 이상 지배적인 "비잔틴" 스타일의 틀에 만족하지 않고 그들의 작품에 대한 모델을 찾기 위해 처음으로 의지했다는 사실로 르네상스가 시작되었다는 이론이 있다는 것은 우연이 아닙니다 고대로. "Renissance"(르네상스)라는 용어는 그 시대의 사상가이자 예술가인 Giorgio Vasari("유명한 화가, 조각가 및 건축가의 전기")에 의해 도입되었습니다. 그래서 그는 시간을 1250년에서 1550년으로 불렀다. 그의 관점에서 이것은 고대의 부흥의 시간이었습니다. Vasari에게 고대는 이상적인 방식으로 나타납니다.
앞으로는 용어의 내용이 발전했습니다. 부흥은 신학에서 과학과 예술의 해방, 기독교 윤리에 대한 냉각, 국가 문학의 탄생, 가톨릭 교회의 제한으로부터 자유를 원하는 인간의 열망을 의미하기 시작했습니다. 즉, 르네상스는 본질적으로 인문주의.
부흥, 르네상스(French renais sance - rebirth) - 가장 위대한 시대 중 하나, 전환점중세와 새로운 시대 사이의 세계 예술 발전에. 르네상스는 XIV-XVI 세기를 다룹니다. 이탈리아에서는 XV-XVI 세기. 다른 유럽 국가에서. 문화 발전의이 기간은 고대 예술에 대한 관심의 부활과 관련하여 르네상스 (또는 르네상스)라는 이름을 받았습니다. 그러나 당시의 예술가들은 오래된 패턴을 복사했을 뿐만 아니라 질적으로 새로운 내용을 넣었습니다. 르네상스는 예술적 스타일이나 방향으로 간주되어서는 안됩니다. 이 시대에는 다양한 예술적 스타일, 트렌드, 흐름이 있었기 때문입니다. 르네상스의 미적 이상은 새로운 진보적 세계관 인 인본주의를 기반으로 형성되었습니다. 현실 세계와 사람은 최고의 가치로 선포되었습니다. 사람은 만물의 척도입니다. 특히 창의적인 사람의 역할이 커졌습니다.
그 시대의 인본주의적 파토스는 이전 세기와 마찬가지로 우주의 그림을 그리는 것을 목표로 한 예술에서 가장 잘 구현되었습니다. 새로운 것은 그들이 물질과 정신을 하나의 전체로 통합하려고 노력했다는 것입니다. 예술에 무관심한 사람을 찾기 어려웠지만 미술과 건축을 선호했습니다.
15세기 이탈리아 회화 대부분 기념비적이다(프레스코화). 회화는 순수 예술의 유형 중 선두 자리를 차지합니다. 그것은 "자연을 모방한다"는 르네상스 원칙과 가장 완벽하게 일치합니다. 자연에 대한 연구를 바탕으로 새로운 시각 체계가 형성됩니다. 아티스트 Masaccio는 키아로스쿠로의 도움을 받아 볼륨에 대한 이해를 발전시키고 볼륨을 전달하는 데 가치 있는 기여를 했습니다. 선형 및 법칙의 발견 및 과학적 입증 공중 관점유럽 회화의 운명에 큰 영향을 미쳤습니다. 조각의 새로운 플라스틱 언어가 형성되고 있으며 창립자는 Donatello였습니다. 그는 독립형 원형 조각상을 부활시켰다. 그의 최고의 작품은 다비드(피렌체)의 조각품이다.
건축에서는 고대 질서 체계의 원리가 부활하고 비율의 중요성이 높아지며 새로운 유형의 건물이 형성되고 있으며(도성 궁전, 시골 별장 등) 건축 이론과 이상 도시의 개념은 개발 중. 건축가 브루넬레스키는 건축에 대한 고대의 이해와 후기 고딕 양식의 전통을 결합하여 고대인에게 알려지지 않은 새로운 건축 영성을 달성한 건물을 지었습니다. 르네상스 시대에 새로운 세계관은 당연히 천재라고 불리는 예술가들의 작품에서 가장 잘 구현되었습니다. Leonardo da Vinci, Raphael, Michelangelo, Giorgione 및 Titian. 16세기의 마지막 2/3 ~라고 불리는 후기 르네상스. 이때 위기는 예술을 덮는다. 그것은 정중하게 규제되고 따뜻함과 자연스러움을 잃습니다. 그러나 개별 위대한 예술가-Titian, Tintoretto는이 기간 동안 계속해서 걸작을 만듭니다.
이탈리아 르네상스는 프랑스, 스페인, 독일, 영국 및 러시아의 예술에 큰 영향을 미쳤습니다.
네덜란드, 프랑스, 독일(XV-XVI 세기) 예술 발전의 부상을 북부 르네상스라고 합니다. 화가 Jan van Eyck, P. Brueghel the Elder의 작품은 예술 발전에서 이 시기의 정점입니다. 독일에서 A. Dürer는 독일 르네상스의 가장 위대한 예술가였습니다.
영적 문화와 예술 분야에서 르네상스 시대에 이루어진 발견은 이후 세기에 유럽 예술의 발전에 큰 역사적 중요성을 가졌습니다. 그들에 대한 관심은 오늘날까지 계속되고 있습니다.
이탈리아의 르네상스는 초기 르네상스, 전성기 르네상스, 후기 르네상스 등 여러 단계를 거쳤습니다. 피렌체는 르네상스의 발상지가 되었습니다. 새로운 예술의 기초는 화가 Masaccio, 조각가 Donatello 및 건축가 F. Brunelleschi에 의해 개발되었습니다.
아이콘 대신 그림을 처음으로 만든 사람은 프로토 르네상스의 가장 큰 거장이었습니다. 지오토.그는 상징주의를 실제 공간과 특정 대상의 묘사로 대체하여 실제 인간의 감정과 경험의 묘사를 통해 기독교 윤리 사상을 전달하기 위해 노력한 최초의 인물입니다. 조토의 유명한 프레스코화에 파도바의 아레나 채플성도 옆에서 양치기 또는 스피너와 같은 아주 특이한 캐릭터를 볼 수 있습니다. Giotto의 각 개인은 매우 명확한 경험, 명확한 성격을 표현합니다. 
예술의 초기 르네상스 시대에 고대 예술 유산의 발전이 일어나고 새로운 윤리적 이상이 형성되며 예술가는 과학의 업적 (수학, 기하학, 광학, 해부학)으로 향합니다. 초기 르네상스 예술의 이데올로기 및 문체 원칙 형성에 주도적 인 역할은 다음과 같습니다. 피렌체. Donatello, Verrocchio와 같은 마스터가 만든 이미지에서 Donatello의 condottiere Gattamelata David의 승마 동상은 영웅적이고 애국적인 원칙을 지배합니다 (Donatello의 "St. George"및 "David"및 Verrocchio의 "David"). 
Masaccio는 르네상스 회화의 창시자였습니다.(Brancacci Chapel의 벽화, "Trinity") Masaccio는 공간의 깊이를 전달할 수 있었고 그림과 풍경을 단일 구성 아이디어로 연결했으며 개인에게 초상화 표현력을 부여했습니다.
그러나 인간에 대한 르네상스 문화의 관심을 반영한 그림 초상화의 형성과 진화는 Umrbi 학교의 예술가 이름과 관련이 있습니다. 피에로 델라 프란체스카, 핀투리키오
예술가의 작품은 초기 르네상스에서 두드러집니다. 산드로 보티첼리.그가 만든 이미지는 영적이고 시적입니다. 연구자들은 예술가의 작품에서 추상화와 세련된 지적주의, 복잡하고 암호화된 콘텐츠("봄", "비너스의 탄생")로 신화적인 구성을 만들고자 하는 그의 열망에 주목합니다. 보티첼리의 전기 작가 중 한 명은 그의 마돈나와 비너스가 다음과 같은 인상을 준다고 말했습니다. 손실, 지울 수없는 슬픔... 그들 중 일부는 하늘을 잃었고 다른 일부는 지구를 잃었습니다. 
"봄" "비너스의 탄생"
이탈리아 르네상스의 이데올로기적, 예술적 원리 발전의 절정은 하이 르네상스. 전성기 르네상스 예술의 창시자는 레오나르도 다빈치입니다. 화성그리고 과학자.
그는 많은 걸작을 만들었습니다. Leonardo 학교는 거의 눈에 띄지 않습니다. 그러나 얼굴과 체형을 감싸는 부드럽게 녹는 안개 속에서 레오나르도는 인간 표정의 무한한 가변성을 느낄 수 있었습니다. Gioconda의 눈은 보는 사람을 세심하고 침착하게 바라보지만 눈구멍의 음영으로 인해 약간 눈살을 찌푸리고 있다고 생각할 수 있습니다. 그녀의 입술은 압축되어 있지만 거의 눈에 띄지 않는 그림자가 모서리 근처에 윤곽이 잡혀있어 매분 열리고 웃고 말할 것이라고 믿게 만듭니다. 그녀의 시선과 입술의 반쯤 웃는 것 사이의 대조는 그녀의 경험의 모순적인 본질에 대한 아이디어를 제공합니다. Leonardo가 긴 세션으로 모델을 고문한 것은 헛되지 않았습니다. 누구와도 달리 그는이 그림에서 그림자, 음영 및 하프 톤을 전달했으며 떨리는 삶의 느낌을줍니다. Vasari가 Mona Lisa의 목에서 정맥이 어떻게 뛰고 있는지 볼 수 있다고 생각한 것은 당연합니다.
Gioconda의 초상화에서 Leonardo는 몸과 그것을 감싸는 공기 환경을 완벽하게 전달했을뿐만 아니라. 그는 또한 그림이 조화로운 인상을 주기 위해 눈이 필요로 하는 것이 무엇인지에 대한 이해를 담았습니다. 그래서 긴장된 불협화음이 해소될 때 음악에서 일어나는 것처럼 모든 것이 자연스럽게 하나에서 다른 형태로 태어나는 것처럼 보입니다. 조화로운 화음으로. Gioconda는 엄격하게 비례하는 직사각형에 완벽하게 새겨 져 있으며 그녀의 반쪽 모양은 전체를 형성하고 접힌 손은 그녀의 이미지 완성도를 제공합니다. 물론 초기 수태 고지의 기괴한 컬에 대해서는 의문의 여지가 없습니다. 그러나 모든 윤곽이 아무리 부드러워도 Gioconda의 머리카락의 물결 모양의 자물쇠는 투명한 베일과 조화를 이루고 어깨 너머로 던져진 천은 먼 길의 부드러운 구불 구불 한 메아리를 찾습니다. 이 모든 것에서 Leonardo는 리듬과 조화의 법칙에 따라 창조하는 능력을 보여줍니다. “기술적인 측면에서 모나리자는 항상 설명할 수 없는 것으로 여겨져 왔습니다. 이제 이 수수께끼에 답할 수 있을 것 같아요.” 프랭크가 말했습니다. 그에 따르면 Leonardo는 "sfumato"(이탈리아어 "sfumato", 문자 그대로 "연기처럼 사라졌다")를 개발 한 기술을 사용했습니다. 트릭은 그림의 개체에 명확한 경계가 없어야하고 모든 것이 서로 부드럽게 전환되어야하며 개체를 둘러싼 가벼운 공기 연무의 도움으로 개체의 윤곽이 부드러워 져야한다는 것입니다. 이 기술의 가장 큰 어려움은 현미경이나 X선을 사용하여 인식할 수 없는 가장 작은 스트로크(약 1/4밀리미터)에 있습니다. 따라서 다빈치의 그림을 그리는 데는 수백 번의 세션이 필요했습니다. 모나리자의 이미지는 약 30층의 거의 투명한 액체 유성 페인트로 구성되어 있습니다. 이러한 장신구 작업을 위해 작가는 돋보기를 사용해야 했던 것 같다. 아마도 그러한 힘든 기술의 사용은 초상화 작업에 거의 4 년이 걸리는 오랜 시간을 설명합니다. 
, "마지막 식사"지속적인 인상을 남깁니다. 벽면에는 이를 극복하고 보는 이를 조화와 장엄한 환상의 세계로 안내하듯 속이는 신뢰의 고대 복음 드라마가 펼쳐진다. 그리고 이 드라마는 슬픈 얼굴을 한 남편이 불가피한 일이라고 받아들이는 주인공을 향한 일반적인 충동에서 해결책을 찾는다. 그리스도께서는 방금 제자들에게 "너희 중 하나가 나를 팔리라"고 말씀하셨습니다. 배신자는 다른 사람들과 함께 앉습니다. 옛 거장들은 따로 앉아있는 유다를 묘사했지만 레오나르도는 그림자로 그의 모습을 가리고 훨씬 더 설득력있게 그의 우울한 고립을 가져 왔습니다. 그리스도는 그의 위업의 희생에 대한 의식으로 가득 찬 그의 운명에 복종합니다. 눈을 낮추고 기울인 머리, 손짓은 한없이 아름답고 장엄합니다. 그의 모습 뒤 창문을 통해 매력적인 풍경이 펼쳐진다. 그리스도는 전체 구성, 주위를 맴도는 모든 격정의 소용돌이의 중심이십니다. 그의 슬픔과 평온함은 그대로 영원하고 자연스럽고 이것이 보여지는 드라마의 깊은 의미입니다 그는 자연에서 완벽한 형태의 예술의 원천을 찾고 있었지만 N. Berdyaev는 그가 다가오는 과정에 대한 책임이 있다고 생각합니다 사람을 자연에서 찢어 놓은 인간 삶의 기계화와 기계화.
회화는 창의성에서 고전적 조화를 이룬다 라파엘.그의 예술은 성모(Madonna Conestabile)의 초기 쌀쌀한 움브리아 이미지에서 피렌체와 로마 작품의 "행복한 기독교" 세계로 진화했습니다. "황금 방울새를 가진 마돈나"와 "안락 의자에 앉은 마돈나"는 부드럽고 인간적이며 심지어 인간성에서 평범합니다. 
그러나 "Sistine Madonna"의 이미지는 웅장하며 하늘과 땅의 세계를 상징적으로 연결합니다. 무엇보다 라파엘은 마돈나의 부드러운 이미지를 창조한 것으로 알려져 있다. 그러나 그림에서 그는 르네상스 시대의 보편적 인간(카스틸리오네의 초상화)의 이상과 역사적 사건의 드라마를 모두 구현했습니다. The Sistine Madonna (c. 1513, Dresden, Art Gallery)는 예술가의 가장 영감을 받은 작품 중 하나입니다. 성 베드로 수도원 교회의 제단화로 쓰여졌다. Piacenza의 Sixtus, 이 그림은 이미지의 디자인, 구성 및 해석 측면에서 피렌체 시대의 마돈나와 크게 다릅니다. 두 아기의 놀이를 겸손하게 따르는 아름다운 젊은 처녀의 친밀하고 세속적 인 이미지 대신 누군가가 뒤로 젖힌 커튼 때문에 갑자기 하늘에 나타난 멋진 비전이 있습니다. 엄숙하고 장엄한 황금빛 광채에 둘러싸인 마리아는 아기 예수를 앞에 안고 구름 속을 걸어갑니다. 그녀의 St 앞에 왼쪽과 오른쪽이 무릎을 꿇습니다. 식스토와 성. 바바라. 대칭적이고 엄격하게 균형 잡힌 구성, 실루엣의 선명도 및 형태의 기념비적 일반화는 Sistine Madonna에 특별한 웅장함을 부여합니다.
이 그림에서 Raphael은 아마도 다른 어느 곳보다 훨씬 더 생생한 이미지의 진실성과 이상적인 완벽의 특징을 결합했습니다. 마돈나의 이미지는 복잡합니다. 아주 젊은 여성의 감동적인 순결과 순진함이 그에게 확고한 결단력과 희생에 대한 영웅적인 준비와 결합됩니다. 이 영웅주의는 이탈리아 휴머니즘의 최고의 전통과 관련된 마돈나의 이미지를 만듭니다. 이 그림에서 이상과 현실의 조합은 Rafael이 그의 친구 B. Castiglione에게 보낸 편지에서 잘 알려진 말을 떠올리게 합니다. "그리고 나는 당신에게 말할 것입니다. "라고 Raphael은 썼습니다. . 완벽함이 있는지는 모르겠지만 그것을 이루기 위해 열심히 노력합니다. 이 말은 작가의 창작 방식을 조명한다. 현실에서 출발하고 그것에 의지하면서 동시에 그는 우발적이고 일시적인 모든 것보다 이미지를 높이려고 노력합니다.
미켈란젤로(1475-1564) - 의심할 여지 없이 미술사에서 가장 영감을 받은 예술가 중 한 명이며 이탈리아 르네상스의 가장 강력한 인물인 레오나르도 다빈치와 함께 합니다. 조각가, 건축가, 화가, 시인으로서 미켈란젤로는 동시대인들과 그 이후의 서양 예술 전반에 막대한 영향을 미쳤습니다.
그는 1475년 3월 6일 아레초(Arezzo) 시 근처의 작은 마을 카프레제(Caprese)에서 태어났지만 자신을 피렌체인이라고 생각했습니다. 미켈란젤로는 자신의 도시, 예술, 문화를 깊이 사랑했으며 이 사랑을 그의 생애가 끝날 때까지 이어갔습니다. 그는 성년의 대부분을 로마에서 교황을 위해 일하면서 보냈다. 그러나 그는 자신의 시신이 산타 크로체 교회의 아름다운 무덤에 피렌체에 묻혔다는 유언장을 남겼습니다.
미켈란젤로가 완성한 대리석 조각 피에타(그리스도의 애가) (1498-1500), 여전히 원래 위치 인 성 베드로 대성당에 있습니다. 이것은 세계 미술사에서 가장 유명한 작품 중 하나입니다. 피에타는 아마도 미켈란젤로가 25세 이전에 완성했을 것입니다. 이것이 그가 서명한 유일한 작품입니다. 어린 마리아는 무릎을 꿇은 죽은 그리스도와 함께 묘사되어 있는데, 이는 북유럽 예술에서 차용한 이미지입니다. 메리의 표정은 엄숙할 정도로 슬프지 않다. 이것은 젊은 미켈란젤로의 창의력의 최고점입니다. 
젊은 미켈란젤로의 덜 중요한 작업은 거대한 (4.34m) 대리석 이미지였습니다. 다윗(Academy, Florence), Florence로 돌아온 후 1501에서 1504 사이에 처형되었습니다. 영웅 구약 성서미켈란젤로가 잘 생기고 근육질이며 벌거 벗은 청년의 형태로 묘사했습니다. 그는 마치 자신의 적 골리앗을 평가하는 것처럼 걱정스럽게 먼 곳을 바라 봅니다. David의 얼굴의 생생하고 긴장된 표정은 미켈란젤로의 많은 작품의 특징입니다. 이것은 그의 개별 조각 방식의 표시입니다. 미켈란젤로의 가장 유명한 조각인 다비드상은 피렌체의 상징이 되었으며 원래는 피렌체 시청인 베키오 궁전 앞 시뇨리아 광장에 놓였습니다. 이 조각상으로 미켈란젤로는 동시대인들에게 자신이 모든 현대 예술가들뿐만 아니라 고대의 거장들을 능가한다는 것을 증명했습니다.
시스티나 예배당 금고에 그림 그리기 1505년 미켈란젤로는 교황 율리우스 2세에 의해 두 가지 명령을 수행하기 위해 로마로 소환되었습니다. 가장 중요한 것은 시스 티나 예배당 금고의 프레스코 화였습니다. 미켈란젤로는 1508년에서 1512년 사이에 천장 바로 아래 높은 발판에 누워 작업하면서 일부 성서 이야기에 대한 가장 아름다운 삽화를 그렸습니다. 교황 예배당의 금고에는 빛과 어둠의 분리로 시작하여 아담의 창조, 이브의 창조, 아담과 이브의 유혹과 타락, 홍수를 포함하여 창세기의 9개 장면을 묘사했습니다. . 주요 그림 주위에는 대리석 왕좌에 있는 선지자와 시빌, 다른 구약성서의 인물, 그리스도의 조상의 이미지가 번갈아 나타납니다.
이 위대한 작품을 준비하기 위해 미켈란젤로는 엄청난 수의 스케치와 카드보드를 만들어 다양한 포즈로 시터의 모습을 묘사했습니다. 이 장엄하고 강력한 이미지는 서유럽 예술의 새로운 방향에 자극을 준 인체 해부학과 움직임에 대한 예술가의 뛰어난 이해를 증명합니다. 
다른 두 개의 훌륭한 조각상, 묶인 죄수와 노예의 죽음(둘 다 c. 1510-13) 파리의 루브르 박물관에 있습니다. 조각에 대한 미켈란젤로의 접근 방식을 보여줍니다. 그의 견해에 따르면, 조각상은 단순히 대리석 블록 안에 둘러싸여 있으며, 여분의 돌을 제거하여 조각상을 자유롭게 하는 것이 예술가의 일입니다. 종종 미켈란젤로는 더 이상 필요하지 않거나 단순히 예술가에 대한 관심을 잃었기 때문에 조각품을 미완성 상태로 두었습니다. 
San Lorenzo 도서관 Julius II의 무덤 프로젝트에는 건축 연구가 필요했지만 건축 분야에서 Michelangelo의 진지한 작업은 예술가가 다시 돌아온 Florence의 St. Lawrence 도서관 외관을 명령받은 1519 년에야 시작되었습니다 ( 이 프로젝트는 구현되지 않았습니다). 1520년대에 그는 산 로렌초 교회에 인접한 우아한 도서관 입구 홀도 설계했습니다. 이러한 구조는 저자가 사망한 지 불과 수십 년 후에 완성되었습니다.
공화파의 지지자인 미켈란젤로는 1527-29년에 메디치와의 전쟁에 참여했습니다. 그의 책임에는 피렌체 요새의 건설 및 재건이 포함되었습니다. 
메디치 예배당.꽤 오랜 기간 동안 피렌체에 거주한 미켈란젤로는 1519년에서 1534년 사이에 산 로렌초 교회의 새로운 성구실에 두 개의 무덤을 세우라는 메디치 가문의 위임을 완료했습니다. 높은 돔형 금고가있는 홀에서 예술가는 우르비노 공작 로렌조 데 메디치와 느 무르 공작 줄리아노 데 메디치를 위해 벽에 두 개의 웅장한 무덤을 세웠습니다. 두 개의 복잡한 무덤은 반대 유형의 표현으로 생각되었습니다. Lorenzo - 자신에 둘러싸인 사람, 사려 깊고 철회 된 사람; 반대로 Giuliano는 활동적이고 개방적입니다. Lorenzo의 무덤 위에 조각가는 아침과 저녁의 우화 조각을, Giuliano의 무덤 위에는 낮과 밤의 우화를 배치했습니다. 메디치 무덤에 대한 작업은 미켈란젤로가 1534년에 로마로 돌아온 후에도 계속되었습니다. 그는 사랑하는 도시를 다시는 방문하지 않았습니다.
최후의 심판
1536년부터 1541년까지 미켈란젤로는 로마에서 바티칸에 있는 시스티나 예배당의 제단 벽을 그리는 일을 했습니다. 르네상스의 가장 큰 프레스코는 최후의 심판의 날을 묘사하며, 불 같은 번개를 손에 든 그리스도는 지구의 모든 주민들을 구도의 왼쪽에 묘사 된 구원받은 의인과 단테의 지옥(프레스코 왼쪽). 자신의 전통을 엄격히 따르는 미켈란젤로는 원래 모든 인물을 누드로 그렸지만 10년 후 문화적 분위기가 더욱 보수적이 되면서 일부 청교도 예술가가 인물을 "옷을 입혔습니다". Michelangelo는 프레스코 화에 자신의 자화상을 남겼습니다. 그의 얼굴은 거룩한 순교자 사도 Bartholomew에서 찢어진 피부에서 쉽게 추측됩니다.
이 기간 동안 미켈란젤로는 사도 성 바오로의 예배당(1940)을 그리는 것과 같은 다른 그림 의뢰를 받았지만, 우선 그는 건축에 모든 힘을 쏟으려고 노력했습니다.
성 베드로 대성당의 돔입니다. 1546년에 미켈란젤로는 건설 중인 바티칸의 성 베드로 대성당의 수석 건축가로 임명되었습니다. 이 건물은 도나토 브라만테의 계획에 따라 지어졌지만 궁극적으로 미켈란젤로가 제단 후진의 건설과 대성당의 돔을 위한 공학 및 예술적 솔루션 개발을 책임지게 되었습니다. 성 베드로 대성당 건설의 완성은 건축 분야에서 피렌체 거장의 최고 업적이었습니다. 긴 생애 동안 미켈란젤로는 로렌초 데 메디치에서 레오 10세, 클레멘스 8세, 비오 3세에 이르기까지 많은 추기경, 화가, 시인과 같은 왕자와 교황의 절친한 친구였습니다. 작가의 성격, 삶의 위치는 그의 작품을 통해 모호하지 않게 이해하기 어렵습니다. 너무 다양합니다. 아마도 시를 제외하고, 자신의 시에서 미켈란젤로는 창의성과 예술에서의 그의 위치에 대한 질문에 더 자주 그리고 더 깊이 관심을 가졌습니다. 그의 시에서 많은 부분은 그가 작품에서 직면해야 했던 문제와 어려움, 그리고 그 시대의 가장 저명한 대표자들과의 개인적인 관계에 주어집니다. 유명한 시인르네상스 Lodovico Ariosto는 이 유명한 예술가의 비문을 썼습니다. "Michele은 필사자 이상입니다. 그는 신성한 천사입니다." 
