이상적인 도시의 창조는 무엇입니까? 부흥 이전
서유럽 건축의 고전주의
이탈리아인들에게 맡기자
가짜 광택이 있는 빈 반짝이.
가장 중요한 것은 의미이지만 그것에 도달하기 위해서는
우리는 장애물과 길을 극복해야 할 것입니다.
표시된 경로를 엄격히 따르십시오.
때때로 마음은 오직 하나의 길만 가지고 있다...
의미에 대해 생각한 다음 작성해야합니다!
N. Boileau. "시적 예술".
V. Lipetskaya의 번역
그래서 고전주의의 주요 이데올로기 중 한 명인 시인 Nicolas Boileau (1636-1711)는 그의 동시대 사람들에게 가르쳤습니다. 고전주의의 엄격한 규칙은 코르네이유와 라신의 비극, 몰리에르의 희극, 라 퐁텐의 풍자, 륄리의 음악과 푸생의 그림, 파리의 궁전과 앙상블의 건축과 장식에 구현되었습니다.
고전주의는 질서 체계, 엄격한 대칭, 구성 부분의 명확한 비례 및 일반적인 아이디어에 대한 종속과 같은 고대 문화의 최고의 업적에 초점을 맞춘 건축 작품에서 가장 분명하게 나타났습니다. 고전주의 건축의 "엄격한 스타일"은 "고귀한 단순함과 차분한 웅장함"이라는 이상적인 공식을 시각적으로 구현하려는 것처럼 보였습니다. 고전주의의 건축 구조는 단순하고 명확한 형태, 차분한 비율의 조화가 지배했습니다. 물체의 윤곽을 반복하는 직선, 눈에 잘 띄지 않는 장식이 선호되었습니다. 솜씨의 단순함과 고귀함, 실용성 및 편의성이 모든 것에 영향을 미쳤습니다.
"이상적인 도시"에 대한 르네상스 건축가의 아이디어를 바탕으로 고전주의 건축가는 단일 기하학적 계획에 엄격하게 종속되는 새로운 유형의 웅장한 궁전과 공원 앙상블을 만들었습니다. 이 시대의 뛰어난 건축 구조 중 하나는 파리 외곽에 있는 프랑스 왕의 거주지인 베르사유 궁전이었습니다.
베르사유의 "요정의 꿈"
베르사유를 방문한 마크 트웨인 19세기 중반 V.
“빵이 모자랐을 때 베르사유에 2억 달러를 쓴 루이 14세를 꾸짖었지만 이제 그를 용서했습니다. 매우 아름답습니다! 당신은 눈을 뜨고 당신이 에덴 동산이 아니라 지구에 있다는 것을 이해하려고 노력합니다. 그리고 당신은 이것이 사기, 단지 멋진 꿈이라고 믿을 준비가 거의 되어 있습니다.
실제로 베르사유의 "동화 꿈"은 일반 레이아웃의 규모, 정면의 웅장한 화려 함 및 인테리어 장식 장식의 광채에 여전히 놀라움을 금치 못합니다. 베르사유는 합리적으로 배열된 세계 모델의 아이디어를 표현하는 고전주의의 웅장한 공식 건축의 가시적 구체화가 되었습니다.
100헥타르의 땅은 극도로 짧은 시간(1666-1680)은 프랑스 귀족을 위한 낙원으로 바뀌었습니다. 건축가 Louis Leveaux(1612-1670), Jules Hardouin-Mansart(1646-1708) 및 앙드레 르 노트르(1613-1700). 수년 동안 그들은 건축에서 많이 재건되고 변경되었으므로 현재는 여러 건축 층의 복잡한 융합으로 흡수됩니다. 캐릭터 특성고전주의.
베르사유의 중심은 3개의 길이 모이는 왕궁입니다. 특정 고도에 위치한 궁전은 지역에서 지배적 인 위치를 차지합니다. 제작자는 거의 반 킬로미터 길이의 정면을 중앙 부분과 두 개의 측면 날개 인 risalit로 나누어 특별한 엄숙함을 부여했습니다. 파사드는 3층으로 표현된다. 거대한 기반의 역할을 하는 첫 번째는 이탈리아 르네상스 궁전-팔라초 모델에 소박하게 장식되어 있습니다. 두 번째 전면에는 높은 아치형 창문이 있으며 그 사이에는 이오니아 기둥과 벽기둥이 있습니다. 건물을 덮는 층은 궁전의 외관에 기념비적 인 느낌을줍니다. 건물에 특별한 우아함과 가벼움을 부여하는 조각 그룹으로 짧아지고 끝납니다. 파사드의 창문, 벽기둥 및 기둥의 리듬은 고전적인 엄격함과 웅장함을 강조합니다. Molière가 베르사유 왕궁에 대해 다음과 같이 말한 것은 우연이 아닙니다.
"궁전의 예술적인 장식은 자연이 주는 완벽함과 너무도 조화를 이루어 마법의 성이라고 부를 수 있습니다."
그랜드 팰리스의 내부는 바로크 양식으로 장식되어 있습니다. 조각 장식, 금박 치장 벽토 및 조각 형태의 풍부한 장식, 많은 거울 및 정교한 가구가 풍부합니다. 벽과 천장은 정사각형, 직사각형 및 원과 같은 명확한 기하학적 패턴이 있는 유색 대리석 슬래브로 덮여 있습니다. 그림 같은 패널과 태피스트리 신화적 주제루이 14세를 찬양합니다. 금박을 입힌 거대한 청동 샹들리에는 부와 사치의 인상을 완성합니다.
궁전 홀 (약 700 개가 있음)은 끝없는 엔필라드를 형성하며 의식 행렬, 웅장한 축제 및 가장 무도회를 위해 설계되었습니다. 궁전의 가장 큰 의식 홀인 미러 갤러리(길이 73m)에서 새로운 공간 및 조명 효과에 대한 탐색이 명확하게 시연됩니다. 홀 한쪽의 창문은 다른 쪽의 거울과 일치했습니다. 햇빛이나 인공조명 아래에서 400개의 거울이 놀라운 공간 효과를 만들어 반사의 마법 같은 유희를 전달했습니다.
Versailles와 Louvre에서 Charles Lebrun (1619-1690)의 장식 구성은 의식의 화려 함으로 눈에 띄었습니다. 고위층에 대한 아찔한 칭찬을 포함하는 그가 선포 한 "열정을 묘사하는 방법"은 예술가를 현기증 나는 성공으로 이끌었습니다. 1662년에 그는 왕의 첫 번째 화가가 되었고, 그 다음에는 왕실 태피스트리(손으로 짠 카펫 그림 또는 태피스트리)의 책임자이자 베르사유 궁전의 모든 장식 작업 책임자가 되었습니다. 궁전의 거울 갤러리에서 Lebrun은 그림을 그렸습니다.
"태양왕" 루이 14세의 통치를 미화한 신화적 주제에 대한 많은 우화적 구성이 있는 금박 천장. 그림 같은 알레고리와 속성, 바로크 양식의 밝은 색상 및 장식 효과는 고전주의 건축과 분명히 대조됩니다.
왕의 침실은 궁전의 중앙 부분에 위치하고 있으며 떠오르는 태양을 향하고 있습니다. 여기에서 한 지점에서 방사되는 세 개의 고속도로가 열리며 국가 권력의 중심을 상징적으로 상기시킵니다. 발코니에서 왕의 전망은 베르사유 공원의 모든 아름다움을 열었습니다. 주요 창작자 Andre Le Nôtre는 건축과 원예 예술의 요소를 함께 연결했습니다. 자연과의 합일의 사상을 표현한 조경(영어) 공원과 달리 일반(프랑스) 공원은 자연을 작가의 의지와 의도에 종속시켰다. 베르사유 공원은 명확하고 합리적인 공간 구성에 깊은 인상을 받았으며 건축가는 나침반과 눈금자를 사용하여 그림을 정확하게 확인했습니다.
공원의 골목은 궁전 홀의 연속으로 인식되며 각각은 저수지로 끝납니다. 많은 수영장은 올바른 기하학적 모양을 가지고 있습니다. 해가 지기 전의 매끄러운 물거울은 태양 광선과 정육면체, 원뿔, 원통 또는 공 모양으로 다듬어진 덤불과 나무가 드리운 기발한 그림자를 반사합니다. 녹지는 때때로 단단하고 뚫을 수없는 벽, 때로는 넓은 갤러리를 형성하며 조각 구성, herms (머리 또는 흉상으로 장식 된 사면체 기둥) 및 얇은 물줄기 폭포가있는 수많은 꽃병이 배치되는 인공 틈새에 있습니다. 만든 분수의 우화 조각 유명한 거장, 절대 군주의 통치를 미화하기 위해 고안되었습니다. "태양 왕"은 전차를 타고 물에서 나오거나 시원한 동굴에서 님프들 사이에서 쉬는 아폴로 신 또는 해왕성의 모습으로 그들에게 나타났습니다.
잔디밭의 부드러운 카펫은 기괴한 꽃 장식으로 밝고 화려한 색상으로 놀랍습니다. 꽃병 (약 150,000 개가 있음)에는 베르사유가 일년 중 언제든지 계속 꽃이 피도록 변경된 신선한 꽃이있었습니다. 공원의 길에는 색색의 모래가 흩어져 있습니다. 그들 중 일부는 햇볕에 반짝이는 도자기 조각으로 늘어서 있었습니다. 이 모든 화려 함과 자연의 화려 함은 온실에서 퍼지는 아몬드, 자스민, 석류, 레몬 냄새로 보완되었습니다.
이 공원에는 자연이 있었다
마치 무생물처럼;
고상한 소네트처럼,
그들은 풀을 가지고 장난을 치고 있었습니다.
춤도, 달콤한 라즈베리도,
르 노트르와 장 륄리
정원과 무질서의 춤에서
참을 수 없었습니다.
주목은 황홀한 것처럼 얼어 붙었습니다.
덤불이 줄지어 서 있고,
그리고 커트시
배운 꽃.
V. Hugo E. L. Lipetskaya의 번역
1790년에 베르사유를 방문한 N. M. Karamzin(1766-1826)은 러시아 여행자의 편지에서 자신의 인상에 대해 다음과 같이 말했습니다.
“광대함, 부분들의 완벽한 조화, 전체의 움직임: 이것은 화가가 붓으로 묘사할 수 없는 것입니다!
대담한 천재가 자랑스러운 예술의 왕좌에 앉은 Le Nôtre의 창조물 인 Le Nôtre와 가난한 노예처럼 겸손한 Natura가 그를 발에 던진 정원으로 가자 ...
그러므로 베르사유 정원에서 자연을 찾지 마십시오. 하지만 여기에서는 모든 단계에서 Art가 눈을 사로 잡습니다 ... "
파리의 건축 앙상블. 제국
17-18세기 초 베르사유 주요 공사가 완료된 후 앙드레 르 노트르(André Le Nôtre)가 출범했습니다. 왕성한 활동파리 재개발을 위해 그는 튈르리 공원의 붕괴를 수행하여 루브르 앙상블의 세로축의 연속에 중심축을 명확하게 고정했습니다. Le Nôtre 이후 루브르 박물관이 마침내 재건되었고 Place de la Concorde가 만들어졌습니다. 파리의 위대한 축은 웅장함, 웅장함, 화려함의 요구 사항을 충족하는 도시에 대해 완전히 다른 해석을 제공했습니다. 열린 도시 공간의 구성, 건축적으로 설계된 거리와 광장의 시스템은 파리 계획의 결정적인 요소가 되었습니다. 하나의 전체로 연결된 거리와 광장의 기하학적 패턴의 선명도 오랜 세월도시계획의 완성도와 도시계획자의 역량을 평가하는 기준이 될 것이다. 이후 전 세계 많은 도시에서 고전적인 파리지앵 모델의 영향을 받게 될 것입니다.
사람에 대한 건축 적 영향의 대상으로서 도시에 대한 새로운 이해는 도시 앙상블 작업에서 분명한 표현을 찾습니다. 건설 과정에서 고전주의 도시 계획의 기본 및 기본 원칙, 즉 공간의 자유로운 개발과 환경과의 유기적 연결이 설명되었습니다. 도시 개발의 혼란을 극복하기 위해 건축가들은 자유롭고 탁 트인 시야를 위해 설계된 앙상블을 만들려고 했습니다.
"이상적인 도시"를 만들고자 하는 르네상스의 꿈은 더 이상 특정 건물의 정면이 아닌 새로운 유형의 광장 형성으로 구체화되었습니다. 강 제방. 건축은 바로 인접한 건물뿐만 아니라 도시의 매우 먼 지점도 특정 앙상블 통일성으로 연결하려고 합니다.
18세기 후반 그리고 19세기의 1/3. 프랑스에서 기념 새로운 무대고전주의의 발전과 유럽 국가에서의 분포 - 신고전주의. 그레이트 이후 프랑스 혁명그리고 애국 전쟁 1812년에는 도시 계획에 새로운 우선 순위가 등장했으며 이는 당시의 정신과 일치했습니다. 그들은 엠파이어 스타일에서 가장 인상적인 표현을 발견했습니다. 그것은 다음과 같은 특징이 특징입니다 : 제국의 위대함의 의식 파토스, 기념비, 로마 제국과 고대 이집트의 예술에 대한 호소, 주요 장식 모티프로 로마 군사 역사의 속성 사용.
새로운 예술적 스타일의 본질은 나폴레옹 보나파르트의 중요한 말로 매우 정확하게 전달되었습니다.
"나는 힘을 사랑하지만 예술가로서 ... 나는 그것으로부터 소리, 화음, 하모니를 추출하는 것을 좋아합니다."
엠파이어 스타일나폴레옹의 정치 권력과 군사적 영광의 의인화가되어 그의 숭배의 일종의 표현 역할을했습니다. 새로운 이데올로기는 새 시대의 정치적 이익과 예술적 취향에 완전히 부합했습니다. 크기가 큰 건축 앙상블열린 광장, 넓은 거리와 도로, 다리, 기념물 및 공공 건물이 세워져 제국의 위대함과 권력의 힘을 보여주었습니다.
예를 들어 Austerlitz 다리는 나폴레옹의 대전투를 연상시키며 바스티유의 돌로 지어졌습니다. 앳 더 플레이스 카루젤지어졌다 Austerlitz의 승리를 기리는 개선문. 상당한 거리를 두고 서로 떨어져 있는 두 개의 사각형(Consent 및 Stars)은 건축적 관점으로 연결되었습니다.
성 제네비에브 교회, J. J. Soufflot이 세운 것은 프랑스 위대한 사람들의 안식처 인 판테온이되었습니다. 그 당시 가장 화려한 기념물 중 하나는 방돔 광장에 있는 대군(Grand Army) 기둥입니다. Trajan의 고대 로마 기둥과 유사하게 건축가 J. Gonduin과 J. B. Leper의 계획에 따르면 New Empire의 정신과 위대함에 대한 나폴레옹의 갈증을 표현하기로했습니다.
궁전과 공공 건물의 내부 밝은 장식에서 엄숙함과 장엄한 화려 함은 특히 높이 평가되었으며 장식은 종종 군사 도구로 가득 차있었습니다. 지배적 인 모티프는 독수리, 그리핀, 항아리, 화환, 횃불, 그로테스크와 같은 로마와 이집트 장식품의 요소 인 색상의 대조되는 조합이었습니다. Empire 스타일은 Louvre와 Malmaison의 황실 거주지 내부에서 가장 분명하게 나타났습니다.
나폴레옹 보나파르트의 시대는 1815년에 끝났고 곧 그들은 이데올로기와 취향을 적극적으로 근절하기 시작했습니다. "꿈처럼 사라진"제국에는 이전의 위대함을 분명히 증언하는 제국 스타일의 예술 작품이 있습니다.
질문 및 작업
1. 베르사유가 뛰어난 작품으로 꼽힐 수 있는 이유는 무엇입니까?
XVIII 세기의 고전주의의 도시 계획 아이디어로. 예를 들어 Place de la Concorde와 같은 파리의 건축 앙상블에서 실제 구현을 찾았습니까? 포폴로 광장(P. 74 참조)과 같은 17세기 로마의 이탈리아 바로크 광장과 무엇이 다른가?
2. 바로크와 고전주의 사이의 연결은 어떻게 표현되었습니까? 고전주의는 바로크에서 어떤 아이디어를 물려받았습니까?
3. 엠파이어 스타일이 등장하게 된 역사적 배경은 무엇인가? 그가 예술 작품에서 표현하고자 했던 당시의 새로운 아이디어는 무엇이었습니까? 어느 예술적 원리그는 의지합니까?
창작 워크숍
1. 급우들에게 베르사유 가이드 투어를 제공하세요. 준비를 위해 인터넷의 비디오 자료를 사용할 수 있습니다. Versailles와 Peterhof의 공원은 종종 비교됩니다. 그러한 비교의 근거는 무엇이라고 생각하십니까?
2. 르네상스 시대의 "이상적인 도시"의 이미지를 파리의 고전주의 앙상블(상트페테르부르크 또는 그 교외)과 비교해 보십시오.
3. Fontainebleau의 Francis I 갤러리와 Versailles의 Mirror Gallery의 실내 장식 (인테리어) 디자인을 비교하십시오.
4. “Versailles. 왕의 행보”(p. 74 참조). 그들은 프랑스 왕 루이 14세의 궁정 생활의 일반적인 분위기를 어떻게 전달합니까? 왜 그들은 독특한 그림-기호로 간주될 수 있습니까?
프로젝트 주제, 초록 또는 메시지
"17~18세기 프랑스 건축의 고전주의 형성"; "세계의 조화와 아름다움의 모델로서의 베르사유"; "베르사유 산책: 궁전 구성과 공원 배치 사이의 연관성"; "서유럽 고전주의 건축의 걸작"; "프랑스 건축의 나폴레옹 제국"; "베르사유와 피터호프: 경험 비교 특성»; "파리 건축 앙상블의 예술적 발견"; "파리의 광장과 도시의 규칙적인 계획 원칙의 발전"; "파리 앵발리드 대성당의 구성의 명확성과 볼륨의 균형"; "Concord Square는 고전주의 도시 계획 아이디어 개발의 새로운 단계입니다."; "J. Soufflot의 St. Genevieve (Pantheon) 교회 장식의 심한 표현력과 인색함"; "서유럽 국가 건축의 고전주의 특징"; "서유럽 고전주의의 뛰어난 건축가".
추가로 읽을 수 있는 책
Arkin D. E. 건축 이미지와 조각 이미지. M., 1990. Kantor A.M. 및 기타 XVIII 세기의 예술. M., 1977. (작은 예술사).
고전주의와 낭만주의: 건축. 조각품. 그림. 그림 / 에드. R. 토만. M., 2000.
Kozhina E.F. 18세기 프랑스 미술. 엘., 1971.
LenotrJ. 왕 아래 베르사유의 일상. M., 2003.
Miretskaya N. V., Miretskaya E. V., Shakirova I. P. 깨달음의 문화. M., 1996.
Watkin D. 서유럽 건축의 역사. M., 1999. Fedotova E.D. 나폴레옹 제국. M., 2008.
자료를 준비하면서 교과서“세계 예술 문화. 18세기부터 현재까지”(저자 Danilova G. I.).
페이지 \* 병합 형식 2
연방철도청
시베리아 주립 교통 대학교
"철학"학과
르네상스의 예술적 이미지
수필
"문화학" 분야에서
머리 디자인
교수 학생 gr. D-111
Bystrova A.N. ___________ Kamyshova E.V.
(서명) (서명)
08.12.2012
(검사일자) (검사제출일자)
2012년
소개
르네상스는 유럽 문화 발전 역사상 가장 밝은시기 중 하나로 간주됩니다. 부흥은 중세에서 새로운 시대로의 전환 과정에서 문화적 격변 (전환점, 전환)이 발생한 전체 문화 시대라고 말할 수 있습니다. 근본적인 변화는 신화의 근절과 관련이 있습니다.
르네상스 (fr. 르네상스, "르네상스")라는 용어의 기원에도 불구하고 고대의 부흥은 없었고 그럴 수도 없었습니다. 인간은 과거로 돌아갈 수 없습니다. 르네상스는 고대의 교훈을 사용하여 혁신을 도입했습니다. 그는 모든 고대 장르를 되살린 것이 아니라 그의 시대와 문화의 염원을 특징으로 하는 장르만을 되살렸습니다. 르네상스는 고대에 대한 새로운 해석과 기독교에 대한 새로운 해석을 결합했습니다.
선택한 주제의 관련성은 현대와 르네상스 사이의 연결 때문입니다. 이것은 우선 가치 체계, 존재하는 모든 것에 대한 평가 및 관련에서 혁명입니다.
작업의 주요 목적은 고려중인 시대의 가장 위대한 인물의 세계관에서 발생한 근본적인 변화를 보여주는 것입니다.
1. 르네상스 문화
XIII-XVI 수세기는 경제, 정치 및 문화에서 큰 변화의 시간이었습니다. 도시의 급속한 성장과 수공예품의 발달, 그리고 이후 제조업 생산으로의 전환은 중세 유럽의 모습을 변화시켰습니다.
도시가 전면에 등장했습니다. 얼마 전 중세 세계의 가장 강력한 세력인 제국과 교황권은 심각한 위기에 처했습니다. 안에 16세 세기에 독일 국가의 쇠퇴하는 신성 로마 제국은 최초의 두 반봉건 혁명, 즉 독일 대농민 전쟁과 네덜란드 봉기의 현장이 되었습니다.
시대의 과도기적 성격, 삶의 모든 영역에서 일어나는 중세의 경로로부터의 해방 과정, 동시에 신흥 자본주의 관계의 아직 저개발은 당시의 예술 문화와 미적 사상의 특성에 영향을 미칠 수밖에 없었습니다. .
A. V. Stepanov에 따르면 사회 생활의 모든 변화는 자연 및 정확한 과학의 번성, 자국어, 시각 예술. 이탈리아 도시에서 시작된 이 갱신은 다른 유럽 국가를 점령했습니다. 저자는 인쇄술의 출현 이후 문학과 문학의 보급을 위한 전례 없는 기회가 열렸다고 믿습니다. 과학 작품, 그리고 국가 간의 더 정기적이고 긴밀한 의사 소통은 새로운 예술 경향의 침투에 기여했습니다.
이것은 중세가 새로운 경향 이전에 물러났다는 것을 의미하지 않습니다. 전통적인 아이디어는 대중 의식에서 보존되었습니다. 교회는 종교 재판이라는 중세의 수단을 사용하여 새로운 사상에 저항했습니다. 인간의 자유에 대한 생각은 계급으로 나누어진 사회에서 계속 존재했습니다. 농민의 봉건적 의존 형태는 완전히 사라지지 않았으며 일부 국가(독일, 중부 유럽) 농노로의 복귀가있었습니다. 봉건제도는 상당히 활력을 보였다. 각 유럽 국가는 자신의 방식과 방식으로 그것을 살았습니다. 연대기적 틀. 자본주의 오랫동안도시와 시골 모두에서 생산의 일부만 다루는 삶의 방식으로 존재했습니다. 그러나 가부장적 중세의 느림은 과거 속으로 물러나기 시작했다.
위대한 지리적 발견은 이 돌파구에서 큰 역할을 했습니다. 예를 들어, 1492년. H. Columbus, 인도로가는 길을 찾아서 건넜다. 대서양바하마에 상륙하여 신대륙인 아메리카를 발견했습니다. 1498년 아프리카를 일주한 스페인 여행자 Vasco da Gama는 성공적으로 배를 인도 해안으로 가져 왔습니다. 와 함께 16세 V. 유럽인들은 이전에 가장 막연한 생각만 가지고 있던 중국과 일본에 침투하고 있습니다. 1510년부터 아메리카 정복이 시작된다. 안에 XVII V. 호주가 발견되었습니다. 지구의 모양에 대한 생각이 바뀌었습니다. F. Magellan의 세계 일주 여행은 그것이 공 모양이라는 추측을 확인했습니다.
지상의 모든 것에 대한 경멸은 이제 현실 세계, 인간, 자연의 아름다움과 웅장함에 대한 의식에 대한 열렬한 관심으로 대체되었으며, 이는 르네상스 문화 기념물을 분석하여 증명할 수 있습니다. 중세 시대에 논쟁의 여지가 없었던 과학에 대한 신학의 우위는 무한한 가능성에 대한 믿음으로 흔들립니다. 인간의 마음진리의 최고 기준이 되는 것입니다. 신에 반대되는 인간에 대한 관심을 강조하면서 새로운 세속적 지식인의 대표자들은 스스로를 인본주의자라고 불렀고, 이 단어는 "의 개념에서 파생되었습니다.인문학 연구 ”, 인간의 본성과 그의 영적 세계와 관련된 모든 것에 대한 연구를 의미합니다.
르네상스 시대의 작품과 예술에는 무한한 창의적 가능성을 가진 자유로운 존재라는 개념이 특징이 되었습니다. 그것은 르네상스 미학의 인간 중심주의와 아름답고 숭고하며 영웅적인 것에 대한 이해와 관련이 있습니다. 아름다운 예술적이고 창조적 인 인간 성격의 원리는 르네상스 이론가들에 의해 모든 종류의 비율, 대칭 및 원근법을 수학적으로 계산하려는 시도와 결합되었습니다.
이 시대의 미적, 예술적 사고는 처음으로 인간의 지각 그 자체와 감각적으로 실제적인 세계상에 바탕을 두고 있습니다. 여기에서 종교적, 도덕적 해석에 관계없이 생명 감각에 대한 주관 주의자-개인 주의적 갈증도 눈에 띄지 만 후자는 원칙적으로 거부되지 않습니다. 르네상스의 미학은 예술을 자연의 모방에 집중합니다. 그러나 우선 여기에는 그의 창작 활동에서 신에 비유되는 예술가만큼 자연이 없습니다.
E. Chamberlin은 이전 미학 이론의 학문적 "학습"과는 대조적으로 중요한 민주적 경향을 나타내기 때문에 즐거움을 예술 작품 인식의 가장 중요한 원칙 중 하나로 간주합니다.
르네상스의 미학사상은 중세의 신적 인격에 반대되는 인간 개인의 절대화 사상뿐만 아니라 그러한 개인주의의 한계에 대한 일정한 자각을 내포하고 있다. 개인. 따라서 W. 셰익스피어, M. 세르반테스, 미켈란젤로 등의 작품에서 발견되는 비극의 동기는 고대 중세의 절대적인 것에서 출발했지만 역사적 상황으로 인해 아직 새로운 것을 찾지 못한 문화의 모순적인 성격입니다. 신뢰할 수 있는 기초.
예술과 과학의 연결은 다음 중 하나입니다. 특징문화. 예술가들은 과학에서 지원을 구했고 종종 그들의 발전을 자극했습니다. 르네상스는 예술가 과학자의 출현으로 표시되며 그중 첫 번째 장소는 Leonardo da Vinci에 속합니다.
따라서 르네상스의 과제 중 하나는 인간이 신성한 아름다움으로 가득 찬 세계를 이해하는 것입니다. 세상은 그가 하나님에 의해 영화화되기 때문에 사람을 매료시킵니다. 그러나 르네상스 시대에는 인간 존재의 비극에 대한 또 다른 경향이 있었습니다.
2. 거장들의 작품에 나타난 세계와 인간의 모습르네상스
"르네상스"(프랑스어 "르네상스"의 번역)라는 용어는 연결을 나타냅니다. 새로운 문화고대와 함께. 십자군 시대에 동양, 특히 비잔티움에 대해 알게 된 결과 유럽인들은 고대 인본주의 원고, 고대 미술 및 건축의 다양한 기념물에 대해 알게되었습니다. 이 모든 고대 유물은 부분적으로 이탈리아로 운송되기 시작하여 수집 및 연구되었습니다. 그러나 이탈리아 자체에도 많은 고대 로마 기념물이 있었으며 이탈리아 도시 지식인의 대표자들도 신중하게 연구하기 시작했습니다. 이탈리아 사회에서는 고전 고대 언어, 고대 철학, 역사 및 문학에 대한 깊은 관심이 생겼습니다. 피렌체 시는 이 운동에서 특히 중요한 역할을 했습니다. 새로운 문화의 많은 뛰어난 인물들이 피렌체에서 나왔습니다.
가장 활기차고 경제적 인 의미에서 고대 도시에서 만들어진 고대 이데올로기를 사용하여 새로운 부르주아지는 자신의 방식으로 그것을 재 작업하여 이전에 우세한 봉건주의 세계관과 완전히 반대되는 새로운 세계관을 공식화했습니다. 새로운 이름의 두 번째 이탈리아 문화- 휴머니즘이 증명할 뿐입니다.
인본주의 문화는 중세 이데올로기의 경우처럼 신성하고 다른 세상이 아니라 사람 자신 (humanus-human)을 관심의 중심에 두었습니다. 금욕주의는 더 이상 인본주의적 세계관에서 자리를 차지하지 못했습니다. 인간의 몸, 그 열정과 필요는 억누르거나 고문해야 하는 "죄 많은" 것이 아니라 그 자체로 끝이며 인생에서 가장 중요한 것으로 여겨졌습니다. 지상의 존재는 유일한 실제 존재로 인식되었습니다. 자연과 인간에 대한 지식은 과학의 본질로 선언되었습니다. 중세 학자와 신비주의자의 세계관을 지배했던 비관적 동기와 달리 르네상스 시대 사람들의 세계관과 분위기에는 낙관적 동기가 우세했습니다. 그들은 인간에 대한 믿음, 인류의 미래에 대한 믿음, 인간 이성과 계몽의 승리에 대한 믿음으로 특징지어졌습니다. 모든 종류의 저명한 시인과 작가, 학자 및 예술가들이 이 위대한 새로운 지적 운동에 참여했습니다. 이탈리아의 영광은 Leonardo da Vinci, Giorgione, Michelangelo, Raphael, Titian과 같은 훌륭한 예술가들에 의해 가져 왔습니다.
의심할 여지가 없는 르네상스의 업적은 그림의 기하학적으로 정확한 구성이었습니다. 작가는 자신이 개발한 기법을 사용하여 이미지를 구축했습니다. 당시 화가들에게 가장 중요한 것은 사물의 비율을 관찰하는 것이었다. 자연조차도 수학적 트릭에 빠졌습니다.
즉, 르네상스 시대의 예술가들은 예를 들어 자연을 배경으로 한 사람의 정확한 이미지를 전달하려고 했습니다. 어떤 종류의 캔버스에서 본 이미지를 재현하는 현대적인 방법과 비교하면 후속 조정이 가능한 사진이 르네상스 예술가들이 무엇을 위해 노력했는지 이해하는 데 도움이 될 것입니다.
르네상스 화가들은 자연의 결점을 바로잡을 권리가 있다고 믿었습니다.
성서적 장면을 묘사하면서 르네상스 예술가들은 성서적 이야기를 동시에 사용하면 사람의 지상 표현을 더 명확하게 묘사할 수 있음을 분명히 하려고 노력했습니다. 그 당시 예술가들의 작품에 익숙해지기 시작하면 타락, 유혹, 지옥 또는 천국이 무엇인지 이해할 수 있습니다. 마돈나의 같은 이미지는 우리에게 여성의 아름다움을 전달하고 지상의 인간 사랑에 대한 이해도 전달합니다.
따라서 르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다. 그 인지적 의미는 숭고한 시적 아름다움과 불가분의 관계가 있었고, 자연스러움을 추구함에 있어 소소한 일상에 하강하지 않았다. 예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.
결론
따라서 르네상스 또는 르네상스는 인류의 삶에서 예술과 과학의 엄청난 발전으로 특징지어지는 시대입니다. 르네상스는 인간을 삶의 최고의 가치로 선포했습니다.
예술에서 메인 테마무한한 영적, 창조적 가능성을 가진 사람이 되었습니다.르네상스 예술은 뉴 에이지 유럽 문화의 토대를 마련했으며 모든 주요 예술 유형을 근본적으로 바 꾸었습니다.
건축에서는 새로운 유형의 공공 건물이 개발되었습니다.그림은 선형 및 공중 원근법, 인체의 해부학 및 비율에 대한 지식으로 풍부해졌습니다.세속적 내용은 예술 작품의 전통적인 종교적 주제에 침투했습니다. 고대 신화, 역사, 일상 장면, 풍경, 초상화에 대한 관심 증가. 그림이 나타나고 유화가 나타났습니다. 예술가의 창의적인 개성이 예술에서 1 위를 차지했습니다.
르네상스 예술에서 세계와 인간에 대한 과학적, 예술적 이해의 길은 밀접하게 얽혀있었습니다.예술은 보편적인 영적 필요가 되었습니다.
의심 할 여지없이 르네상스는 인류 역사상 가장 아름다운 시대 중 하나입니다.
서지
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세르게이 크로모프
하나의 이상적인 도시는 돌로 구현되지 않았지만 그들의 아이디어는 실제 도시르네상스...
건축가들이 도시 재건 문제를 처음 언급했던 시기로부터 500년이 지났습니다. 그리고 이 같은 질문은 오늘날 우리에게도 심각합니다. 어떻게 새로운 도시를 만들 것인가? 오래된 것을 재건하는 방법-별도의 앙상블을 그들에 맞추거나 모든 것을 철거하고 재건하려면? 그리고 가장 중요한 것은 새로운 도시에 어떤 아이디어를 놓는 것입니까?
르네상스의 거장들은 이미 들렸던 아이디어를 구현했습니다. 고대 문화철학: 휴머니즘 사상, 자연과 인간의 조화. 사람들은 이상적인 국가와 이상적인 도시에 대한 플라톤의 꿈으로 다시 돌아갑니다. 도시의 새로운 이미지는 이탈리아 Quattrocento의 다른 많은 발명품과 마찬가지로 미래에 대한 대담한 주장인 이미지, 공식, 아이디어로 먼저 탄생합니다.
도시 이론의 구성은 고대 유산 연구와 밀접하게 관련되어 있으며 무엇보다도 건축가이자 엔지니어 인 Mark Vitruvius (BC 1 세기 후반)의 "건축에 관한 10 권의 책"전체 논문과 밀접한 관련이 있습니다. Julius Caesar의 군대에서. 이 논문은 1427년 한 수도원에서 발견되었습니다. Vitruvius의 권위는 Alberti, Palladio, Vasari에 의해 강조되었습니다. 비트루비우스의 가장 위대한 감정가는 다니엘레 바르바로(Daniele Barbaro)였는데, 그는 1565년에 주석과 함께 논문을 출판했습니다. 아우구스투스 황제에게 헌정한 저서에서 비트루비우스는 그리스와 로마의 건축 및 도시 계획 경험을 요약했습니다. 그는 이미 고려 고전적인 질문도시 건설에 유리한 지역 선택, 주요 도시 광장 및 거리 배치, 건물 유형. 미학적 관점에서 Vitruvius는 안수 준수(건축 순서 준수), 합리적인 계획, 리듬과 질서의 균일성 관찰, 대칭과 비례, 목적에 대한 형태의 적합성 및 자원의 분배를 조언했습니다. |
르네상스의 도시 계획에서는 이론과 실천이 동시에 발전했습니다. 새로운 건물이 지어지고 오래된 건물이 재건되고 건축 앙상블이 형성되고 동시에 논문이 작성되고 있습니다. 건축에 전념, 도시 계획 및 요새화. 그중에는 Alberti와 Palladio의 유명한 작품, Filarete, Scamozzi 등의 이상적인 도시 계획이 있습니다. 저자의 아이디어는 실제 건설의 요구보다 훨씬 앞서 있습니다. 그들은 특정 도시를 계획하는 데 사용할 수 있는 기성 프로젝트가 아니라 도시의 개념인 그래픽으로 묘사된 아이디어를 설명합니다. 경제, 위생, 방어, 미학의 관점에서 도시의 위치에 대한 추론이 제공됩니다. 주거 지역과 도심, 정원 및 공원에 대한 최적의 계획을 찾고 있습니다. 구성, 조화, 아름다움, 비율에 대한 질문을 공부합니다. 이러한 이상적인 건축물에서 도시 계획은 합리성, 기하학적 명확성, 중심 구성 및 전체와 부분 간의 조화로 특징지어집니다. 그리고 마지막으로 르네상스 건축이 다른 시대와 구별되는 것은 이 모든 건축의 중심에 서 있는 사람입니다. 인간에 대한 관심이 너무 커서 심지어 건축 구조완벽한 비율과 아름다움의 기준으로 인간의 몸에 비유되었습니다.
이론
XV 세기의 50 년대. Leon Alberti의 "Ten Books on Architecture"라는 논문이 나타납니다. 본질적으로 이 주제에 대한 새로운 시대의 첫 번째 이론적 작업이었습니다. 사이트 선택 및 도시 계획에서 건물 유형 및 장식에 이르기까지 도시 계획의 많은 문제를 다룹니다. 특히 흥미로운 것은 아름다움에 대한 그의 주장입니다. Alberti는 "아름다움은 모든 부분의 엄격한 비례 조화이며, 그들이 속한 것에 의해 통합되어 더 나빠지지 않고는 아무것도 더하거나 빼거나 변경할 수 없습니다. "라고 썼습니다. 사실, 알베르티는 르네상스 도시 앙상블의 기본 원칙을 처음으로 선포하여 고대 비례감과 새로운 시대의 합리주의적 시작을 연결했습니다. 주어진 건물과 그 앞에 위치한 공간의 높이 비율(1:3에서 1:6), 주 건물과 부 건물의 건축 규모의 일관성, 구성의 균형 및 부재 불협화음 대조 - 이것은 르네상스 도시 계획가의 미적 원칙입니다.
이상적인 도시는 그 시대의 많은 위대한 사람들을 흥분시켰습니다. 그와 레오나르도 다빈치에 대해 생각했습니다. 그의 아이디어는 2층 도시를 만드는 것이었습니다. 상위 레벨은 보행자 및 지상 도로를 위한 것이고, 하위 레벨은 화물 운송이 이동하는 주택의 지하실과 연결된 터널 및 운하를 위한 것입니다. 밀라노와 피렌체의 재건 계획과 스핀들 도시 프로젝트로 유명합니다.
또 다른 저명한 도시 이론가는 Andrea Palladio였습니다. 그의 논문 "Four Books on Architecture"에서 그는 도시 유기체의 무결성과 공간 요소의 관계에 대해 반성합니다. 그는 "도시는 특정한 것에 지나지 않는다. 큰 집, 그 반대의 경우도 집은 일종의 작은 마을입니다. 그는 도시의 앙상블에 대해 다음과 같이 썼습니다. 논문에서 눈에 띄는 위치는 건물 내부, 치수 및 비율입니다. Palladio는 거리의 외부 공간과 주택 및 안뜰의 내부를 유기적으로 연결하려고 합니다.
16세기 말경. 많은 이론가들은 소매 공간과 요새화 문제에 매료되었습니다. 따라서 이상적인 도시의 Giorgio Vasari Jr.는 광장, 쇼핑 아케이드, 로지아, 궁전 개발에 많은 관심을 기울입니다. 그리고 Vicenzo Scamozzi와 Buanayuto Lorrini의 프로젝트에서 요새화 예술 문제는 중요한 위치를 차지합니다. 이것은 시간의 순서에 대한 응답이었습니다. 폭발성 포탄의 발명으로 요새 벽과 탑은 도시 경계에서 벗어난 흙 요새로 대체되었으며 도시는 윤곽선에서 다중 빔 별과 비슷해지기 시작했습니다. . 이러한 아이디어는 실제로 지어진 Palmanova 요새에 구현되었으며, 그 생성은 Scamozzi에 기인합니다.
관행
하나의 이상적인 도시가 돌로 구현되지는 않았지만 작은 요새 도시를 제외하고는 이미 16 세기에 이미 건설의 많은 원칙이 구현되었습니다. 그 당시 이탈리아와 다른 나라에서는 도시 앙상블의 중요한 요소를 연결하는 곧고 넓은 거리를 깔고 새로운 광장을 만들고 오래된 광장을 재건했으며 나중에는 규칙적인 구조의 공원과 궁전 앙상블이 나타났습니다.
| Antonio Filarete의 이상적인 도시 도시는 측면이 3.5km 인 두 개의 동일한 사각형이 45 ° 각도로 교차하여 형성된 계획 상 팔각형 별이었습니다. 별의 돌출부에는 8 개의 둥근 탑이 있고 "주머니"에는 8 개의 성문이 있습니다. 게이트와 타워는 방사형 거리로 중앙에 연결되었으며 그 중 일부는 배송 채널이었습니다. 도시의 중앙 부분, 언덕 위에는 계획상 직사각형의 주요 광장이 있었고 그 짧은 변에는 왕궁그리고 도시 대성당, 그리고 긴 것을 따라-사법 및 도시 기관. 광장 중앙에는 연못과 망루가 있었다. 다른 두 곳은 도시의 가장 저명한 주민들의 집과 함께 중앙 광장에 인접했습니다. 방사형 거리와 순환 거리의 교차점에는 16개의 광장이 더 있습니다. |
르네상스 예술은 중세 예술과 충분히 대립했음에도 불구하고 중세 도시에 쉽고 유기적으로 들어맞았다. 그의 실용적인 활동르네상스 건축가들은 "오래된 것을 파괴하지 않고 새로운 것을 짓는다"는 원칙을 사용했습니다. 그들은 피렌체의 Annuziata 광장 (Filippo Brunelleschi가 설계)과 로마의 국회 의사당 (Michelangelo가 설계)에서 볼 수 있듯이 같은 스타일의 건물에서 놀랍도록 조화로운 앙상블을 만들었습니다. 하나의 구성으로 다른 시간. 그래서 성 베드로 광장에서 베니스의 Mark, 중세 건물은 16 세기의 새로운 건물과 건축 및 공간 앙상블로 결합됩니다. 그리고 피렌체에서는 Giorgio Vasari가 설계한 중세 Palazzo Vecchio가 있는 Piazza della Signoria에서 Uffizi Street가 조화롭게 이어집니다. 또한 Santa Maria del Fiore (Brunelleschi의 재건) 피렌체 대성당의 앙상블은 로마네스크, 고딕 및 르네상스의 세 가지 건축 양식을 한 번에 완벽하게 결합합니다.
중세의 도시와 르네상스의 도시
르네상스의 이상적인 도시는 고대 도시 계획 원칙의 발전으로 표현된 중세에 대한 일종의 항의로 나타났습니다. 인간이 아닌 신성한 계획의 구체화 인 "하늘의 예루살렘"과 닮은 불완전하지만 일종의 것으로 인식되었던 중세 도시와 달리 르네상스 도시는 인간 창조주에 의해 창조되었습니다. 인간은 이미 존재하는 것을 단순히 복사한 것이 아니라 더 완벽한 것을 창조했으며 "신성한 수학"에 따라 그것을 했습니다. 르네상스의 도시는 인간을 위해 만들어졌으며 지상 세계 질서, 실제 사회, 정치 및 일상 구조와 일치해야 했습니다.
중세 도시는 강력한 성벽으로 둘러싸여 있으며 세계와 차단되어 있으며 그 집은 허점이 몇 개 있는 요새와 비슷합니다. 르네상스의 도시는 열려 있고 외부 세계로부터 자신을 방어하지 않고 통제하고 정복합니다. 건물의 벽은 거리와 광장의 공간을 안뜰과 방으로 구분하여 결합합니다. 그들은 투과성이 있습니다 - 그들은 많은 개구부, 아케이드, 열주, 차도, 창문이 있습니다.
중세 도시가 건축 볼륨의 배치라면 르네상스 도시는 건축 공간의 분포가 더 큽니다. 신도시의 중심은 대성당이나 시청 건물이 아니라, 상하좌우로 개방된 중앙 광장의 자유공간이다. 그들은 건물에 들어가 거리와 광장으로 나갑니다. 그리고 중세 도시가 구성 적으로 중심에 끌리면 구심력이 있고 르네상스 도시는 원심력이 있습니다. 외부 세계로 향합니다.
| 플라톤의 이상적인 도시 계획상 도시의 중앙 부분은 물 고리와 흙 고리가 번갈아 가며 나타납니다. 외부 워터 링은 길이 50스타디아(1스타디아 - 약 193m)의 수로로 바다와 연결되었습니다. 워터 링을 분리하는 흙 고리에는 선박 통과에 적합한 다리 근처에 지하 채널이 있습니다. 둘레에 있는 가장 큰 물 고리는 너비가 3스타디온이었고 그 뒤에 흙으로 만든 고리도 있었습니다. 다음 두 개의 고리인 물과 흙은 너비가 2스타데드였습니다. 마지막으로 중앙에 위치한 섬을 에워싸고 있는 물의 고리는 스태디아 폭이었다. |
중세 도시는 자연 경관을 따라 그 자체의 목적을 위해 사용합니다. 르네상스의 도시는 오히려 예술 작품, "기하학 게임"입니다. 건축가는 그 위에 그려진 공간의 기하학적 그리드를 중첩하여 지형을 수정합니다. 그러한 도시는 명확한 모양을 가지고 있습니다. 원, 사각형, 팔각형, 별; 강조차도 곧게 펴집니다.
중세 도시는 수직적입니다. 여기서 모든 것은 멀리 있고 접근하기 어려운 위쪽, 하늘을 향합니다. 르네상스의 도시는 수평적이며 여기서 가장 중요한 것은 새로운 지평을 향한 원근법, 원거리에 대한 열망입니다. 중세인에게 천국으로가는 길은 회개와 겸손, 지상의 모든 것을 포기함으로써 얻을 수있는 승천입니다. 르네상스 사람들에게 이것은 자신의 경험을 얻고 신성한 법칙을 이해함으로써 상승하는 것입니다.
이상적인 도시에 대한 꿈은 르네상스 시대뿐만 아니라 후기의 많은 건축가들의 창조적 탐구에 자극을 주었고 조화와 아름다움의 길을 인도하고 밝혔습니다. 사상의 세계와 사실의 세계가 다른 것처럼, 상상의 세계와 환상의 세계가 다른 것처럼 이상적인 도시는 항상 실제 도시 안에 존재한다. 그리고 르네상스의 거장들이 꿈꾸는 방법을 알고 있다면 태양의 도시, 황금의 도시인 이 도시를 볼 수 있습니다.
원본 기사는 잡지 "New Acropolis" 사이트에 있습니다.
15세기 초 이탈리아의 생활과 문화에는 엄청난 변화가 있었습니다. 12세기부터 이탈리아의 마을 사람들, 상인, 장인들은 봉건적 의존에 맞서 영웅적인 투쟁을 벌였습니다. 무역과 생산을 발전시키면서 마을 사람들은 점차 더 부유해지고 봉건 영주의 권력을 버리고 자유 도시 국가를 조직했습니다. 이러한 무료 이탈리아 도시매우 강력해졌습니다. 그들의 시민들은 그들의 정복을 자랑스러워했습니다. 독립적인 이탈리아 도시들의 막대한 부는 그들을 번성하게 만들었습니다. 이탈리아 부르주아지는 다른 눈으로 세상을 바라보고 자신과 자신의 힘을 굳게 믿었습니다. 그들은 지금까지 그들에게 설교되었던 모든 지상의 기쁨에 대한 고통, 겸손, 거부에 대한 열망에 대해 이질적이었습니다. 삶의 기쁨을 누리는 지상인에 대한 존경심이 커졌습니다. 사람들은 삶에 적극적인 태도를 취하고 열심히 세상을 탐험하며 그 아름다움에 감탄하기 시작했습니다. 이 기간 동안 다양한 과학이 탄생하고 예술이 발전합니다.
이탈리아에서는 고대 로마 예술의 많은 기념물이 보존되어 고대 시대가 다시 모델로 숭배되었고 고대 예술은 감탄의 대상이되었습니다. 고대를 모방하고 예술에서 이 시기를 부르는 이유를 제시했습니다. 갱생이는 프랑스어로 "르네상스". 물론 이것은 맹목적이고 정확한 반복은 아니었다. 고대 예술, 이미 새로운 예술 이었지만 골동품 샘플을 기반으로했습니다. 이탈리아 르네상스 3 단계로 나뉩니다. VIII - XIV 세기 - 르네상스 이전(프로토 르네상스 또는 트레센토- 그것으로.); XV 세기 - 초기 르네상스(Quattrocento); 15세기 말~16세기 초~ 높은 르네상스.
고고 학적 발굴은 고대 기념물을 찾기 위해 이탈리아 전역에서 수행되었습니다. 새로 발견된 조각상, 동전, 도구, 무기는 이를 위해 특별히 만들어진 박물관에서 조심스럽게 보존되고 수집되었습니다. 예술가들은 이러한 고대 샘플을 연구하고 삶에서 그렸습니다.
Trecento (르네상스 이전)
르네상스의 진정한 시작은 이름과 관련이 있습니다. 조토 디 본도네(1266? - 1337). 그는 르네상스 회화의 창시자로 간주됩니다. 피렌체 지오토는 예술사에 큰 공헌을 했습니다. 그는 새롭게 하는 자요 모든 것의 조상이요 유럽 회화중세 이후. Giotto는 복음 장면에 생명을 불어 넣고 실제 사람들의 이미지를 만들었으며 영적이지만 세속적이었습니다.
Giotto는 처음으로 chiaroscuro의 도움으로 볼륨을 만듭니다. 그는 분홍색, 펄 그레이, 옅은 보라색, 밝은 라일락과 같은 차가운 색조의 깨끗하고 밝은 색상을 좋아합니다. Giotto의 프레스코 화에 나오는 사람들은 발걸음이 무겁고 땅딸막합니다. 그들은 큰 얼굴 특징, 넓은 광대뼈, 좁은 눈을 가지고 있습니다. 그의 남자는 친절하고 사려 깊고 진지합니다.
Giotto의 작품 중에서 Padua 사원의 프레스코 화가 가장 잘 보존되어 있습니다. 복음 이야기그는 여기에서 기존의 세속적이며 실제적인 것으로 제시했습니다. 이 작품에서 그는 친절과 상호 이해,기만과 배신, 깊이, 슬픔, 온유, 겸손, 영원한 모성애에 대해 항상 사람들과 관련된 문제에 대해 이야기합니다.
중세 회화에서와 같이 이질적인 개별 인물 대신 Giotto는 일관된 이야기, 단지에 대한 전체 이야기 내면의 삶영웅. 기존의 황금색 배경 대신 비잔틴 모자이크, Giotto는 풍경 배경을 소개합니다. 그리고 비잔틴 그림에서 인물이 공중에 떠 있고 공중에 매달려 있다면 Giotto의 프레스코 화의 영웅은 발 아래에서 단단한 땅을 찾았습니다. 공간 이동, 인물의 가소성, 움직임의 표현력에 대한 Giotto의 탐색은 그의 예술을 르네상스의 전체 무대로 만들었습니다.
중 하나 유명한 거장부흥 이전 -
시모네 마티니(1284~1344).
그의 그림에서 북부 고딕의 특징이 보존되었습니다. Martini의 인물은 길쭉하고 일반적으로 황금색 배경에 있습니다. 그러나 Martini는 chiaroscuro의 도움으로 이미지를 만들고 자연스러운 움직임을 제공하며 특정 심리적 상태를 전달하려고 시도합니다.
Quattrocento (초기 르네상스)
고대는 초기 르네상스의 세속 문화 형성에 큰 역할을 했습니다. Platonic Academy가 플로렌스에서 열리고 Laurentian 도서관에는 가장 풍부한 고대 사본 컬렉션이 있습니다. 첫번째 미술관조각상, 고대 건축물 조각, 대리석, 동전, 도자기로 가득 차 있습니다. 르네상스 시대에는 피렌체, 로마, 베니스와 같은 이탈리아 예술 생활의 주요 중심지가 두드러졌습니다.
새롭고 사실적인 예술의 발상지이자 가장 큰 센터 중 하나는 피렌체였습니다. 15세기에는 많은 유명한 르네상스 거장들이 그곳에서 거주하고 공부하고 일했습니다.
초기 르네상스 건축
피렌체 주민들은 높은 예술 문화, 그들은 도시 기념물 제작에 적극적으로 참여하고 아름다운 건물 건설 옵션을 논의했습니다. 건축가들은 고딕 양식을 닮은 모든 것을 버렸습니다. 고대의 영향으로 돔으로 장식 된 건물이 가장 완벽한 것으로 간주되기 시작했습니다. 여기서 모델은 로마 판테온이었습니다.
피렌체는 세계에서 가장 아름다운 도시 중 하나인 도시 박물관입니다. 그것은 거의 온전한 고대 건축물을 보존하고 있으며 가장 아름다운 건물은 대부분 르네상스 시대에 지어졌습니다. 피렌체 고대 건물의 붉은 벽돌 지붕 위로 도시 대성당의 거대한 건물이 솟아 있습니다. 산타 마리아 델 피오레, 종종 단순히 피렌체 대성당이라고합니다. 높이는 107m에 이릅니다. 흰 돌 갈비뼈로 조화를 이루는 웅장한 돔이 대성당을 장식합니다. 돔은 크기가 놀랍고 (지름은 43m) 도시의 전체 파노라마를 장식합니다. 대성당은 플로렌스의 거의 모든 거리에서 볼 수 있으며 분명히 하늘을 향해 어렴풋이 어렴풋이 보입니다. 이 웅장한 건축물은 건축가에 의해 지어졌습니다.
필리포 브루넬레스키(1377~1446).
르네상스 시대의 가장 웅장하고 유명한 돔형 건물은 로마의 성 베드로 대성당. 100년 넘게 지어졌습니다. 원래 프로젝트의 제작자는 건축가였습니다. 브라만테와 미켈란젤로.
르네상스 건물은 기둥, 벽기둥, 사자 머리 및 "푸티"(벌거 벗은 아기), 꽃과 과일의 석고 화환, 잎 및 많은 세부 사항, 고대 로마 건물의 폐허에서 샘플이 발견되었습니다. 다시 패션으로 반원형 아치.부유한 사람들은 더 아름답고 더 편안한 집을 짓기 시작했습니다. 집들이 서로 밀착되어 있는 대신 고급스러워 보였어요 궁전 - 궁전.
초기 르네상스 조각
15세기에 두 명의 유명한 조각가가 피렌체에서 일했습니다. 도나텔로와 베로키오.도나텔로(1386? - 1466)-고대 예술의 경험을 사용한 이탈리아 최초의 조각가 중 한 명. 그는 초기 르네상스의 가장 훌륭한 작품 중 하나인 다윗의 동상을 만들었습니다.
에 따르면 성경의 전설, 단순한 목자였던 청년 다윗은 거인 골리앗을 무찌르고 유대 주민들을 노예 상태에서 구하고 나중에 왕이되었습니다. David는 르네상스의 가장 좋아하는 이미지 중 하나였습니다. 그는 조각가에 의해 성경의 겸손한 성인이 아니라 젊은 영웅, 승자, 고향 도시의 수호자로 묘사됩니다. 그의 조각품에서 Donatello는 인간을 르네상스 시대에 등장한 아름다운 영웅적 인격의 이상으로 노래합니다. David는 승자의 월계관으로 왕관을 씁니다. Donatello는 단순한 기원의 표시 인 양치기 모자와 같은 세부 사항을 소개하는 것을 두려워하지 않았습니다. 중세 시대에 교회는 알몸을 악의 그릇으로 간주하여 묘사하는 것을 금지했습니다. Donatello는 이 금지 사항을 용감하게 위반한 최초의 마스터였습니다. 그는 이로써 주장한다. 인간의 몸아주 멋진. 다윗상은 그 시대 최초의 원형 조각상이다.
Donatello의 또 다른 아름다운 조각품도 알려져 있습니다. 전사 동상입니다. , Gattamelata의 사령관.르네상스 최초의 기마 기념물이었습니다. 500년 전에 만들어진 이 기념물은 여전히 높은 받침대 위에 서서 파도바 시의 광장을 장식하고 있습니다. 처음으로 신도 성인도 아니고 고귀하고 부자가 아니라 조각품에서 불멸의 존재가 아니라 위대한 업적으로 명성을 얻을 자격이있는 위대한 영혼을 가진 고귀하고 용감하며 강력한 전사였습니다. 골동품 갑옷을 입은 Gattemelata ( "점박이 고양이"를 의미하는 그의 별명)는 조용하고 장엄한 자세로 강력한 말에 앉아 있습니다. 전사의 얼굴 특징은 단호하고 확고한 성격을 강조합니다.
안드레아 베로키오(1436 -1488)
San Giovanni 교회 근처 광장에 베니스에 배치 된 condottiere Colleoni에 대한 유명한 승마 기념물을 만든 Donatello의 가장 유명한 학생. 기념비에서 가장 중요한 것은 말과 기수의 공동 에너지 운동입니다. 말은 그대로 기념비가 세워진 대리석 받침대 너머로 돌진합니다. 등자에 서있는 Colleoni는 몸을 쭉 뻗고 머리를 높이 들고 먼 곳을 응시했습니다. 분노와 긴장의 찡그린 얼굴이 그의 얼굴에 얼었다. 그의 자세에서 거대한 의지를 느끼고 그의 얼굴은 맹금류와 비슷합니다. 이미지는 파괴 불가능한 힘, 에너지, 가혹한 권위로 가득 차 있습니다.
초기 르네상스 회화
르네상스는 또한 회화의 예술을 업데이트했습니다. 화가는 공간, 빛과 그림자, 자연스러운 포즈, 다양한 인간의 감정을 올바르게 전달하는 법을 배웠습니다. 이러한 지식과 기술이 축적된 시기가 초기 르네상스였다. 그 당시의 그림에는 가볍고 높은 영혼이 담겨 있습니다. 배경은 종종 밝은 색상으로 칠해지는 반면 건물과 자연 모티프는 날카로운 선으로 윤곽이 그려져 있으며 순수한 색상이 우세합니다. 순진한 근면함으로 이벤트의 모든 세부 사항이 묘사되며 캐릭터는 가장 자주 정렬되고 명확한 윤곽으로 배경과 분리됩니다.
르네상스 초기의 그림은 완벽함만을 추구했지만 그 진정성 덕분에 보는 이의 영혼을 감동시킨다.
Tommaso di Giovanni di Simone Cassai Guidi, 이름으로 알려진 마사초(1401~1428)
그는 Giotto의 추종자이자 초기 르네상스 회화의 첫 번째 거장으로 간주됩니다. Masaccio는 28세밖에 살지 못했지만 짧은 생애 동안 예술에 과대 평가하기 어려운 족적을 남겼습니다. 그는 Giotto가 시작한 회화의 혁명적 변화를 완성했습니다. 그의 그림은 어둡고 깊은 색으로 구별됩니다. Masaccio의 프레스코 화에 나오는 사람들은 고딕 시대의 그림보다 훨씬 더 조밀하고 강력합니다.
Masaccio는 원근법을 고려하여 공간에서 물체를 올바르게 배열한 최초의 사람입니다. 그는 해부학 법칙에 따라 사람들을 묘사하기 시작했습니다.
그는 인물과 풍경을 하나의 행동으로 연결하여 자연과 사람의 삶을 극적이고 동시에 매우 자연스러운 방식으로 전달하는 방법을 알고 있었으며 이것이 화가의 큰 장점입니다.
이것은 1426년 마사초가 피사의 산타 마리아 델 카르미네 교회 예배당을 위해 의뢰한 몇 안 되는 이젤 작품 중 하나입니다.
마돈나는 조토의 관점의 법칙에 따라 엄격하게 만들어진 왕좌에 앉아 있습니다. 그녀의 모습은 자신감 있고 명확한 획으로 쓰여져 조각 같은 볼륨의 인상을 줍니다. 그녀의 얼굴은 차분하고 슬프고, 그녀의 시선은 아무데도 향하지 않습니다. 암청색 외투를 두른 성모 마리아는 아기를 품에 안고 있으며, 어두운 배경에 황금빛 모습이 뚜렷하게 돋보입니다. 망토의 깊은 주름은 아티스트가 chiaroscuro를 가지고 놀 수 있게 해주며, 이는 또한 특별한 시각 효과를 만들어냅니다. 아기는 친교의 상징인 검은 포도를 먹습니다. 마돈나를 둘러싼 완벽하게 그려진 천사들(예술가는 인체 해부학을 완벽하게 알고 있음)은 그림에 추가적인 감정적 사운드를 제공합니다.
양면 삼부작을 위해 Masaccio가 그린 유일한 띠. 화가가 일찍 세상을 떠난 후 로마의 산타 마리아 교회를 위해 교황 마르틴 5세가 의뢰한 나머지 작품은 화가 마솔리노가 완성했습니다. 그것은 온통 붉은 옷을 입은 두 명의 엄격하고 기념비적으로 처형된 성도들의 모습을 묘사합니다. Jerome은 펼쳐진 책과 바실리카 모형을 들고 있으며 사자가 그의 발치에 누워 있습니다. 세례 요한은 평소의 모습으로 묘사됩니다. 그는 맨발로 손에 십자가를 들고 있습니다. 두 그림 모두 해부학적 정확성과 조각에 가까운 양감이 인상적입니다.
사람에 대한 관심, 그의 아름다움에 대한 감탄은 르네상스 시대에 너무 커서 그림의 새로운 장르 인 초상화 장르가 등장했습니다.
Pinturicchio (Pinturicchio의 변형) (1454 - 1513) (Bernardino di Betto di Biagio)
이탈리아 페루자 출신. 얼마 동안 그는 미니어처를 그렸고 Pietro Perugino가 프레스코 화로 로마의 시스틴 예배당을 장식하는 것을 도왔습니다. 가장 복잡한 형태의 장식적이고 기념비적인 벽화에 대한 경험을 쌓았습니다. 몇 년 후 Pinturicchio는 독립적인 벽화가가 되었습니다. 그는 바티칸의 보르지아 아파트에서 프레스코화 작업을 했습니다. 그는 시에나 대성당의 도서관에 벽화를 그렸습니다.
작가는 초상화의 유사성을 전달하는 것뿐만 아니라 사람의 내면을 드러내고자 한다. 우리 앞에는 엄격한 도시 거주자 복장을 한 십대 소년이 있습니다. 핑크 색상, 머리에 작은 파란색 모자. 갈색 머리가 어깨까지 내려와 섬세한 얼굴을 감싸고 있으며, 갈색 눈의 세심한 시선은 사려 깊고 약간 불안합니다. 소년 뒤에는 얇은 나무, 은빛 강, 수평선에서 분홍색으로 변하는 하늘이 있는 움브리아 풍경이 있습니다. 영웅 캐릭터의 메아리 인 자연의 봄 부드러움은 영웅의시와 매력과 조화를 이룹니다.
소년의 이미지는 전경에 크고 그림의 거의 전체 평면을 차지하며 풍경은 배경에 그려져 매우 작습니다. 이것은 인간의 중요성, 주변 자연에 대한 그의 지배력에 대한 인상을 만들어 인간이 지구상에서 가장 아름다운 창조물이라고 주장합니다.
여기에서 Kapranik 추기경이 1431 년부터 1449 년까지 거의 18 년 동안 바젤에서 처음으로, 그리고 나서 로잔에서 바젤 대성당으로 엄숙하게 출발했습니다. 젊은 Piccolomini도 추기경의 후계자였습니다. 반원형 아치의 우아한 프레임에는 페이지와 하인과 함께 기병 그룹이 표시됩니다. 그 행사는 그렇게 현실적이고 믿을만하지는 않지만 기사도적으로 세련되고 거의 환상적입니다. 전경에서 백마를 탄 아름다운 기수가 고급스러운 드레스와 모자를 쓰고 고개를 돌려 보는 사람을 바라보고 있습니다. 이것은 Aeneas Silvio입니다. 기쁨으로 작가는 벨벳 담요에 풍성한 옷과 아름다운 말을 씁니다. 인물의 길쭉한 비율, 약간 예의 바른 움직임, 약간의 머리 기울임은 법원의 이상에 가깝습니다. Pope Pius II의 삶은 밝은 사건으로 가득 차 있었고 Pinturicchio는 황제 Frederick III와 함께 스코틀랜드 왕과 교황의 만남에 대해 말했습니다.
필리포 리피(1406~1469)
Lippi의 삶에 대한 전설이 있습니다. 그 자신은 승려 였지만 수도원을 떠나 방황하는 예술가가되었고 수도원에서 수녀를 납치하고 노년에 사랑에 빠진 젊은 여성의 친척들에게 독살당했습니다.
그는 살아있는 인간의 감정과 경험으로 가득 찬 마돈나와 차일드의 이미지를 그렸습니다. 그의 그림에서 그는 가정 용품, 환경 등 많은 세부 사항을 묘사했기 때문에 그의 종교적 주제는 세속화와 유사했습니다.
도메니코 기를란다이오(1449~1494)
그는 종교적 주제뿐만 아니라 피렌체 귀족의 삶, 그들의 부와 사치, 귀족의 초상화도 그렸습니다.
우리 앞에는 예술가의 친구이자 부유한 피렌체의 아내가 있습니다. 별로 아름답지 않고 화려하게 차려입은 이 젊은 여성에게서 작가는 고요함, 고요함과 침묵의 순간을 표현했습니다. 여자의 얼굴 표정은 차갑고 모든 것에 무관심하며 임박한 죽음을 예견하는 것 같습니다. 초상화를 그린 직후 그녀는 죽을 것입니다. 그 당시의 많은 초상화에서 전형적으로 나타나는 여성의 옆모습이 그려져 있습니다.
피에로 델라 프란체스카(1415/1416 - 1492)
15세기 이탈리아 회화에서 가장 중요한 이름 중 하나. 그는 그림 같은 공간의 원근법을 구성하는 방식에서 수많은 변형을 완성했다.
그림은 계란 온도로 포플러 판에 그려져 있습니다. 분명히 이때까지 예술가는 아직 비밀을 마스터하지 않았습니다. 오일 페인팅, 그의 후기 작품이 쓰여질 기술에서.
예술가는 그리스도의 세례 당시 성 삼위 일체의 신비의 현현을 포착했습니다. 그리스도의 머리 위로 날개를 펼친 흰 비둘기는 구세주에 대한 성령의 강림을 상징합니다. 그리스도, 세례 요한, 그 옆에 서있는 천사들의 모습은 절제된 색으로 칠해져 있습니다.
그의 프레스코 화는 엄숙하고 숭고하며 장엄합니다. 프란체스카는 인간의 높은 운명을 믿었고 그의 작품에서 사람들은 항상 놀라운 일을 합니다. 그는 미묘하고 부드러운 색상 전환을 사용했습니다. Francesca는 en plein air (in the air)를 처음으로 그렸습니다.
이상적인 도시의 창조는 다양한 국가와 시대의 과학자와 건축가를 괴롭혔지만 그러한 도시를 설계하려는 첫 번째 시도는 르네상스 시대에 일어났습니다. 과학자들은 파라오와 로마 황제의 궁정에서 일했지만 모든 것이 계층 구조에 분명히 복종 할뿐만 아니라 통치자 모두를 위해 살기가 편한 일종의 이상적인 정착지를 만드는 것을 목표로했습니다. 그리고 단순한 장인. 적어도 Akhetaten, Mohenjodaro 또는 Stasicrates가 Alexander the Great에게 제안한 환상적인 프로젝트를 기억하십시오. 유일한 문제는 이러한 정착지가 문서에 남아 있거나 파괴되었다는 것입니다. 이상적인 도시를 설계한다는 아이디어는 건축가뿐만 아니라 많은 예술가들에게도 나왔습니다. Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana 및 기타 많은 사람들이 여기에 참여했다는 언급이 있습니다.
Piero della Francesco는 그의 동시대인들에게 주로 논문의 저자로 알려졌습니다. 예술에 전념. 그들 중 "주판에 대한 논문", "회화의 관점", "다섯 개의 규칙적인 몸"의 세 가지만이 우리에게 내려 왔습니다. 모든 것이 수학적 계산의 대상이 되고 명확한 대칭 구조를 약속하는 이상적인 도시를 만드는 문제를 처음 제기한 사람은 바로 그 사람이었습니다. 이러한 이유로 많은 학자들은 르네상스의 원칙에 완벽하게 부합하는 "이상적인 도시의 전망"이라는 이미지를 피에로에게 부여합니다.
Leon Battista Alberti는 이러한 대규모 프로젝트의 구현에 가장 근접했습니다. 사실, 그는 자신의 아이디어를 완전히 실현하지 못했지만 Leon이 달성하지 못한 것을 다른 예술가들이 미래에 달성 할 수 있었던 많은 그림과 메모를 남겼습니다. 특히 Bernardo Rosselino는 그의 많은 프로젝트의 실행자로 활동했습니다. 그러나 Leon은 서면으로 뿐만 아니라 그가 지은 많은 건물의 예에서도 자신의 원칙을 구현했습니다. 기본적으로 이들은 귀족 가족을 위해 설계된 수많은 궁전입니다. 건축가는 자신의 논문 On Architecture에서 이상적인 도시에 대한 자신의 예를 밝힙니다. 과학자는 그의 생애가 끝날 때까지 이 작품을 썼다. 그것은 사후에 출판되었고 건축의 문제를 밝힌 최초의 인쇄된 책이 되었습니다. Leon에 따르면 이상적인 도시는 사람의 모든 요구를 반영하고 그의 모든 인본주의 적 요구에 응답해야했습니다. 그리고 이것은 우연이 아닙니다. 철학적 사고르네상스 시대에는 인간 중심적 휴머니즘이 있었습니다. 도시는 계층적 원칙이나 고용 유형에 따라 분할될 분기로 분할되어야 합니다. 중앙 광장에는 도시 권력이 집중 될 건물과 주요 대성당과 귀족 가문과 도시 관리자의 집이 있습니다. 변두리 가까이에는 상인과 장인의 집이 있었고 가난한 사람들은 바로 국경에 살았습니다. 건축가에 따르면 이러한 건물 배치는 부자의 집이 가난한 시민의 집과 분리되기 때문에 다양한 사회 불안의 출현에 장애가되었습니다. 또 다른 중요한 계획 원칙은 통치자와 성직자가 이 도시에서 편안하게 살 수 있도록 모든 범주의 시민의 요구를 충족시켜야 한다는 것입니다. 그것은 학교와 도서관에서 시장과 온천에 이르기까지 모든 건물을 포함하기로 되어 있었습니다. 그러한 건물의 공공 접근성도 중요합니다. 이상적인 도시의 모든 윤리적, 사회적 원칙을 무시하더라도 외부의 예술적 가치는 남아 있습니다. 레이아웃은 규칙적이어야 했고, 이에 따라 도시는 직선 거리에 의해 깨끗한 구역으로 나뉘었습니다. 일반적으로 모든 건축 구조종속되어야 한다 기하학적 모양그리고 선을 따라 그립니다. 사각형은 둥글거나 직사각형이었습니다. 이러한 원칙에 따라 로마, 제노아, 나폴리와 같은 오래된 도시는 오래된 중세 거리를 부분적으로 철거하고 새로운 넓은 구역을 건설했습니다.
일부 논문에서 사람들의 여가에 대한 유사한 언급이 발견되었습니다. 그것은 주로 소년들과 관련이 있습니다. 젊은이들이 노는 것을 방해받지 않고 관찰할 수 있는 성인의 지속적인 감독하에 있을 수 있는 유형의 놀이터와 교차로를 도시에 건설하는 것이 제안되었습니다. 이러한 예방 조치는 젊은이들의 신중함을 교육하는 데 목적이 있습니다.
르네상스 문화는 여러 면에서 이상적인 도시의 구조에 대해 더 깊이 생각할 수 있는 양식을 제공했습니다. 이것은 특히 인본주의 자에게 해당됩니다. 그들의 세계관에 따르면 편안한 존재를 위해 모든 것이 사람을 위해 만들어 져야합니다. 이 모든 조건이 충족될 때 사람은 사회적 평화와 영적 행복을 얻게 됩니다. 그러므로 그러한
사회는 단순히 선험적으로 전쟁이나 폭동을 가질 수 없습니다. 인류는 존재하는 내내 그러한 결과를 향해 나아가고 있습니다. Thomas More의 유명한 "Utopia"나 George Orwell의 "1984"를 기억하십시오. 이런 종류의 작품은 기능적 특징뿐만 아니라 반드시 도시가 아닌, 어쩌면 세계가 아닌 이 지역에 살고 있는 공동체의 관계, 질서, 구조에 대한 생각에도 영향을 미쳤다. 그러나 이러한 기반은 15세기에 다시 마련되었으므로 르네상스 시대의 과학자들은 당대의 포괄적인 교육을 받은 사람들이었다고 안전하게 말할 수 있습니다.
