생활 글쓰기의 미학 보그다노비치는 민족 민속학에 대한 그의 문학 시대의 선호를 공유한 것과 마찬가지로, 삶의 글쓰기에 대한 일반적인 문학적 열정에 경의를 표했습니다.

철학. 미학

I. 미술사와 일반 미학<…>체계적-철학적 미학의 기반을 박탈당한 시학은 그 기반 자체에서 불안정하고 우발적이 된다. 체계적으로 정의된 시학은 언어적 예술적 창조의 미학임에 틀림없다. 이 정의

수용적 미학

17세기 유럽 고전주의 문학에 나타난 인물의 이미지 르네상스의 새로운 문학 사상은 실생활로 번역될 수 없었다. 인본주의 자의 가르침에 대한 실망은 고전주의 묘사에 매우 중요한 변화를 가져옵니다.

17세기 한 인간의 새로운 세계관. 유럽의 여러 지역에서 독특한 형태의 영적 문화로 표현되었습니다. 일부 국가에서는 르네상스 문화의 위기 이후 바로크 시대가 시작되고 (이탈리아, 플랑드르) 다른 국가에서는 고전주의라는 새로운 스타일이 형성되고 있습니다. 17세기 초 바로크 양식은 이미 모든 유형의 예술에서 하나의 양식으로 작용했으며 고전주의는 그 형성이 늦었습니다. 고전주의의 양식 체계는 17세기에만 평가할 수 없습니다. 왜냐하면 유럽 전역에 걸쳐 수정된 형태의 분포가 18세기와 19세기 초에 속하기 때문입니다. 그러나 바로크와 달리 고전주의 이론은 매우 발전했으며 예술적 실천보다 앞서 나갔습니다. 전체적으로 고전주의 예술 시스템프랑스에서 유래. 그것은 종종 절대주의 문화라고 불립니다. 왜냐하면 17세기이기 때문입니다. 프랑스에서 개발 중 클래식 패턴절대주의 국가. 그러나 고전주의의 예술은 절대주의에 봉사하는 것으로 축소될 수 없습니다. 고전주의는 프랑스의 미래에 대한 질문이 열린 세기 전반기에 형성되었습니다. 왕권, 귀족 및 성장하는 부르주아지와 같은 국가의 주요 사회 세력의 균형이 여전히 유지되는 국가 및 국가 건설 과정이있었습니다. 그 자체로 왕권이 아니라 군주에 대한 절대적인 복종이 아니라 이념적 시민권을 미화하는 고전 예술의 출현을 가능하게 한 것은 바로 이러한 균형이었습니다. 이 예술은 통치자와 부하의 합리적인 행동, 사회적 균형에 대한 관심, 질서 및 측정 등 모든 사람에게 요구됩니다. 고전주의는 성찰적이고 건설적인 예술입니다. 공익에 대한 합리적인 생각을 바탕으로 정의롭고 조화로운 세상의 이상적인 모델을 만들기 위해 노력했습니다. 고전주의 이론가들은 사회 교육을 예술의 주요 임무로 간주했습니다. 물론 어떤 예술도 이성의 원칙에만 기반을 두고 건설될 수는 없습니다. 그렇지 않으면 예술이 될 수 없습니다. 고전주의는 르네상스 유산과 근대성의 경험에서 비롯되었으므로 분석 정신과 이상에 대한 감탄이 모두 특징이었습니다. 고전주의는 르네상스의 문화 자체가 위기에 처했을 때, 르네상스의 사실주의가 심미화된 무의미한 매너리즘의 예술로 재탄생했을 때 르네상스의 문화를 대체하게 된다. XVII 세기의 역사적 조건에서. 인간 본성의 조화로운 원리에 대한 선의 승리에 대한 인본주의 적 믿음이 사라졌습니다. 이 믿음의 상실은 풍부한 영적 삶과 고귀한 목표를 가진 사람이라는 이상을 잃었 기 때문에 예술적 창의성의 직접적인 위기로 이어졌습니다. 따라서 고전주의와 전성기 르네상스 예술을 연결하는 가장 중요한 연결 고리는 목적이 있고 활기찬 사람, 행복을 갈망하고 삶을 사랑하는 활동적인 강력한 영웅의 현대 무대로의 복귀였습니다. 그러나 르네상스의 이상과는 달리 사회에 존재하는 강력한 도덕적 기준은 뉴 에이지 영웅의 행복에 이르는 길에 작용했습니다. 인간 존엄성의 불변의 법칙인 공공 도덕은 사람에게 영감을 주고 그의 행동을 인도해야 했습니다. Corneille의 비극, Racine, Molière의 코미디에 등장하는 것은 그러한 영웅입니다. 고전주의의 미학 이론이 주로 프랑스 드라마투르기그리고 문학. 프랑스 작가와 시인의 논문은 고전주의의 주요 문체 형태를 발전시키는 데 탁월한 역할을했습니다. 이론의 형성과 병행하여 최초의 완전한 고전주의 예술 작품이 등장했습니다. 고전주의의 최초의 이론가이자 시인 중 한 사람은 Nicolas Boileau-Depreo(1636-1711)였습니다. 그의 시적 논문 "Poetic Art"에서 처음으로 모였습니다. 이론적 원리고전주의. 고전주의의 규범과 정경은 이 작품에서 생생하고 이해하기 쉬운 형태로 제시됩니다. 시 체계는 이성의 규율에 종속되어야 합니다. 주제의 합리적인 발전이 앞장서고 있습니다. Boileau의 "사랑은 운문으로 생각한다"라는 외침은 고전시의 대원칙이 되었다. 시인의 주요 요구 사항은 그의 창의성을 이성의 규율에 종속시키는 것입니다. 이성은 느낌과 상상을 지배해야 합니다. 그러나 작품의 내용, 의미뿐만 아니라 형식도 마찬가지입니다. 내용을 완벽하게 반영하기 위해서는 검증된 올바른 방법, 높은 전문성, 기교가 필요합니다. 형식과 내용의 통일성은 고전주의의 기본 원칙 중 하나입니다. 고전주의는 고대 문화에서 아름다움의 미적 이상을 보았다. 고대 예술은 르네상스와 바로크 예술의 표준으로 선포되었습니다. 그러나 이 규범과 예술적 실천고전주의는 근본적으로 다릅니다. 르네상스를 위하여 골동품 예술표준 모델이 아니라 우수 학교이자 독립적인 창의적 검색에 대한 인센티브였습니다. 바로크 시대의 거장들은 이론적으로 고대의 대포를 인정했지만 그들의 작품에서는 그것들과 거리가 멀었습니다. 고전주의 예술에서 고대의 규범은 명백한 진리의 의미를 얻습니다. 뉴 에이지 문화의 조건에서 이러한 규범을 따르는 것은 고전주의 예술을 진리의 "이차적"성격으로 파멸시킵니다. 이름 자체 - 고전이 아닌 고전주의는 이러한 이차적 성격을 강조합니다. 고전주의는 고대 문화에서 미학뿐만 아니라 윤리적 이상도 보았습니다. 고대 그리스와 로마의 예술은 높은 시민적, 도덕적 이상을 설교하는 훌륭한 사회적 소리 예술의 한 예였습니다. 고전주의 예술에서 고대 대포 사용의 핵심은 합리적인 원칙이었습니다. 이 요소는 또한 르네상스의 창의성 과정에서 중요한 위치를 차지했습니다. 그러나 자연과 예술의 법칙을 이해하는 주요 수단으로 중세의 비합리적인 감정에 반대하여 합리주의가 제시되었습니다. 고전주의에서 이성은 자연적 요소로 나타나지 않는다 인간 활동그러나 숭배의 대상으로. 합리주의는 고전주의 이론의 기초이자 본질이 되었다. 이성은 예술적 진실과 아름다움의 주요 기준으로 선포되었습니다. 고전주의 예술은 아름다움에 대한 인식에서 주관적 감정의 영역과 근본적으로 분리되었습니다. 고전주의는 절대적인 도덕적 진리와 흔들리지 않는 진리를 긍정한다고 주장했습니다. 예술 형식이유에 의해 설정되고 규칙으로 표현됩니다. 창의성은 법을 준수해야 합니다. 고전주의자들은 고대 예술에 대한 관찰을 바탕으로 이러한 법칙을 도출했습니다. 최초의 고전주의 이론가 중 한 명인 프랑스의 위대한 극작가 피에르 코르네유(Pierre Corneille, 1606-1684)는 아리스토텔레스의 시학에 대해 논평하고 수세기에 걸친 역사적 경험을 언급하면서 드라마의 형식적 법칙을 추론하려고 했습니다. 주요한 것 중 하나는 시간, 장소 및 행동의 세 가지 통일성의 법칙이었습니다. Corneille의 활동은 극작의 진정한 개혁이었습니다. 그는 드라마 이론과 자신의 글에 대한 비판적 분석에 관한 여러 논문의 저자입니다. Corneille의 비극 "The Garden"은 프랑스의 국가적 자부심이되었습니다. 매우 빠르게 많은 언어로 번역되었습니다. 유럽 ​​언어. 연극과 작가의 영광은 대단했습니다. "Sid"는 이제 프랑스뿐만 아니라 유럽의 다른 많은 극장의 영구 레퍼토리에 있습니다. 그의 연극 ( "Horace", "Cinna"등)의 줄거리는 역사적인 과거, 극심한 정치적 사회적 갈등의시기에 사람들의 운명에서 극적인 순간을 만들었습니다. 특히 그는 로마 역사의 자료를 자주 사용했는데, 이는 그에게 정치적 성찰을 위한 풍부한 자료를 제공했습니다. 현대 테마. Corneille의 비극의 주요 극적 갈등은 이성과 ... 그리고 감정, 의무 및 열정의 충돌입니다. 승리에는 항상 이유와 의무가 있습니다. 관객은 어떤 모순과 의심도 없이 극장을 떠나야 했다. 비극의 근원은 극도의 열정이며 시청자는 교훈을 배워야했습니다. 열정을 억제하는 것이 필요합니다. 또 다른 유명한 극작가 Jean Racine (1639-1699)의 비극에서 청중은 장엄한 영웅뿐만 아니라 약점과 결점을 가진 사람 ( "Andromache", "Berenik", "Iphigenia in Aulis")을 보았습니다. Rasi-na의 연극은 베르사유의 살롱 생활을 반영했습니다. 요구에 의해 불가피한 그리스인과 로마인 고전 시, 당시의 진정한 프랑스 인처럼 보였습니다. 무대에서 그들은 곱슬 가발, 뾰족한 모자, 칼을 들고 공연했습니다. 라신이 무대에 올린 왕들은 루이 14세의 이상적인 초상화였다. 왕의 통치는 50년 이상 지속되었고, 유럽의 역사이때는 심지어 루이 14세의 세기라고도 불렸습니다. 유리한 상황에서 프랑스는 경제적, 정신적 발전과 정치적 힘의 절정에 이르렀고 탁월한 유럽 강국이 되었으며 유럽 전체의 취향과 패션의 트렌드세터가 되었습니다. 절대주의의 수립은 왕의 개인적 성향에 부합했다. 권력에 굶주리고 자기애 적이며 궁중의 아첨에 버릇없는 루이는 "국가는 나다"라는 말을 반복하는 것을 좋아했습니다. 왕실의 위신을 높이기 위해 궁중 생활에 특별한 관심을 기울였습니다. 엄격한 에티켓은 왕실 시간을 어김없이 사소하게 분배했으며, 그의 삶에서 가장 일상적인 행위(예: 옷 입기)는 최대한 엄숙하게 꾸며졌습니다. 루이 14세는 궁중들로부터 보고 들은 자신에 대한 찬사에 만족하지 않고 저명한 작가, 프랑스어 및 외국, 금전적 보상과 연금을 제공하여 자신과 그의 통치를 영광스럽게합니다. 프랑스 문학은 점차 정중한 성격을 띠게 되었습니다. 1635년 파리에 문학 아카데미가 설립되었습니다. 그 이후로 고전주의는 문학의 공식적인 지배적 경향이 되었습니다. 법원에서 비교적 멀리 떨어진 곳에 Jean de La Fontaine (1621-1695)이 서있었습니다. 그것은 고전주의 문학에서 독특한 위치를 차지합니다. Lafontaine은 "낮은"장르에 대한 관심을 두려워하지 않고 민중의 지혜, 깊이 정의하는 민속 국민성그의 창의력. 그의 창조적 유산은 다면적이지만 그는 프랑스의 가장 위대한 시인 중 한 사람의 명성을 그의 우화에 빚지고 있습니다. (Lafontaine의 전통은 IA. Krylov가 사용했습니다.) 그들의 교훈적인 도덕성에서 우리는 고전주의의 가장 중요한 원칙 중 하나 인 예술이 교육하고 설득해야한다는 표현을 봅니다. 고전 양식의 조형 체계는 서정시, 회화, 음악 예술에 비생산적인 것으로 판명되었습니다. 불안정하고 변하기 쉬운 감정의 영역은 고전주의와는 거리가 멀었습니다. 새로운 스타일의 원칙은 "형식의 조화로운 균형과 이상적인 비율- 본질적으로 건축의 원리였습니다. 이 예술 분야에서 고전주의의 주요 업적은 2세기에 걸친 유럽 문화의 확산을 결정했습니다. 고전주의 건축에서 스타일의 기본 원칙은 유기적 구체화를 찾았습니다. 프랑스, 영국, 네덜란드에서 발전한 고전 건축. 이상적으로 이 스타일은 바로크 양식과 정반대입니다. 형태의 명확한 기하학, 엄격한 선, 명확한 볼륨 및 조화로운 구성 디자인이 특징입니다. 고전주의는 고대 건축의 형태로 바뀌었고, 그는 모티프와 개별 요소뿐만 아니라 건축 패턴도 사용했습니다. 고전주의 건축 언어의 기초는 바로크보다 고대에 가까운 형태의 질서였습니다. 자발적인 비합리적인 바로크 대신 고전주의의 건축 이미지는 논리, 질서 및 측정에 대한 아이디어를 표현하려고 합니다. 그러나 17세기 건축은 아직 이러한 개념을 일관되고 명확하게 구현하지 못했습니다. 실제로 바로크 시스템과의 연결은 여전히 ​​눈에 띄었습니다. 특히 이러한 일부 바로크 기법의 차용은 프랑스 건축에서 볼 수 있습니다. 엄격하게 고전적인 비 유적 수단은 공식 예술 이론가들이 정한 절대 군주제를 미화하는 문제를 해결할 수 없었습니다. 따라서 고전주의의 건축가들은 종종 바로크 양식의 의식 대표성 방법에 의지했습니다. 그들은 바로크 양식의 정신으로 건물의 정면을 장식했는데, 이는 때때로 미숙한 시청자가 스타일을 엄격하게 정의하기 어렵게 만듭니다. 왕권이 깨달은 군주제의 모습을 취하고 사회 교리를 바꾼 18 세기에야 고전주의가 완전히 독립적 인 비유 구조를 발전 시켰습니다. 17세기 프랑스는 후기 르네상스, 고딕, 바로크 양식이 고전주의와 혼합된 특징이 있습니다. 그러나 주요 방향은 고전주의였으며 나머지는 모두 동반했습니다. 뉴 에이지 문화의 일반적인 과정에서 요새화 된 성이 요새화되지 않은 궁전으로 점진적으로 변형되는 과정이있었습니다. 도시에서는 거리와 광장의 일반적인 구조에 포함되었고, 도시 밖에서는 광대한 공원과 연결되었다. 도개교는 돌로 대체되었고 해자는 공원의 요소가되었으며 입구의 탑은 파빌리온으로 대체되었습니다. 튈르리, 퐁텐블로 등의 정원과 공원 앙상블이 만들어졌으며, 그들은 풀과 관목으로 손질된 곧은 골목의 엔필라드와 함께 일반 프랑스 정원 예술의 토대를 마련했습니다. 기하학적 모양콘과 볼. 정원사는 건축가이자 조각가가 되었고, 공간적 범주의 관점에서 생각하기 시작했고, 살아있는 재료를 합리적인 디자인에 종속시키기 시작했습니다. 주택에 대한 수요 증가는 도시의 발전을 변화시켰습니다. 세기 초 파리에서 개발된 호텔 유형은 2세기 동안 지배적이었습니다. 안뜰과 정원이있는 귀족의 집입니다. 그들은 단순하고 편리한 계획을 조각, 부조 및 질서로 화려하게 장식된 정면과 결합합니다. 도시 주택의 새로운 모습 큰 중요성지붕이 있었고 디자인과 모양이 변경되었습니다. XVII 세기의 30 대. 건축가 Mansart는 주거용 다락방을 사용하여 부서진 지붕 모양을 제안했습니다. 다락방의 저자 이름을 딴 이 시스템은 유럽 전역에 퍼졌습니다. 와 함께 초기 XVII V. 영국 고전주의의 건축이 형성되고 있습니다. 이 시기는 국가의 활발한 산업발전과 자본주의가 형성되는 시기와 일치한다. 최초의 대규모 고전주의 구성의 창시자이자 제작자는 건축가 Inigo Jones였습니다. 그는 유명한 Banqueting House(공식 리셉션을 위한 건물)와 런던의 Lindsay House 프로젝트를 소유하고 있습니다. 그는 그리니치에 있는 Quans House(Queen's House)의 건축가였습니다. 이것은 주택 건설의 역사에서 고전주의의 훌륭한 예입니다. 가장 엄격한 형태의 고전주의에서 런던의 그리니치 병원 (건축가 Jones, Christopher Wren 등)의 앙상블 인 Whitehall 왕궁 건물의 앙상블이 만들어졌습니다. 고전주의는 새로운 형태를 발전시켰다. 다양한 분야- 다양한 형태의 도시광장 조성(런던 코벤트가든 광장, 파리 방돔광장), 건설 궁전 단지 (Versailles, Whitehall), 교회 (런던의 St. Paul 대성당 - 건축가 K. Wren, Invalides Cathedral - 건축가 Hardouin-Mansart), 공공 건물 - 시청, 병원, 개인 주거용 건물, 귀족 저택, 무역 회사 건물 (Invalides의 앙상블 - 건축가 Bruant, Cambridge의 Trinity College Library", 런던의 세관 건물 - 건축가 K. Ren, Augsburg의 시청 건물 - 건축가 Elias Holl, 암스테르담의 시청 - 건축가 J. van Kampen , Gouda의 비늘 건물 등) 고전주의는 절대 군주제와 부르주아 사회 질서의 취향을 모두 충족시키는 건축 언어의 형태를 발전시켰습니다.루이 14세의 새로운 거주지인 베르사유는 프랑스 건축에서 특별한 위치를 차지합니다.베르사유 시대 스타일의 미적 소리굽쇠가되었습니다 이것은 전례없는 웅장 함과 무결성이있는 궁전의 건축 앙상블입니다 궁전 앞의 거대한 광장에서 세 개의 길이 출발하여 중앙 * 축이 도시를 통해 16km 뻗어 있습니다 , 광장, 궁전 및 공원. Levo, Orbe, Mansart, Lebrun, Lenotre, Gabriel과 같은 여러 건설 기간 동안 많은 건축가가 Versailles 앙상블 제작에 참여했습니다. 이 앙상블은 규칙 성, 엄격한 대칭, 구성의 명확성, 부품의 명확한 종속, 교대 창, 기둥, 기둥의 차분한 리듬과 같은 고전주의 원칙을 일관되게 구현했습니다. 동시에, 특히 내부의 무성한 장식 마감은 바로크 양식을 연상시킵니다. 궁전의 홀은 조각 장식, 유색 대리석, 금박을 입힌 청동 부조, 프레스코 화, 거울로 풍부하게 장식 된 enfilades에 있습니다. 공원은 건축적 표현력과 분리할 수 없는 앙상블의 중요한 부분이 되었습니다. 새로운 종류의 예술인 조경 정원의 프로그램 작업이라고 할 수 있습니다. André Linotre(1613-1700)는 앙상블을 기반으로 건축, 조각, 원예 및 수력 공학의 요소를 결합한 예술을 완성했습니다. 역사상 처음으로 예술가들이 정리한 풍경이 예술 작품으로 바뀌었습니다. 공원은 유명한 거장 François Girandon(1628-1715)과 Antoine Coisevox(1640-1720)의 조각품으로 장식되었습니다. 이 조각품은 위대한 군주 통치의 영광이라는 프로그램 적 성격을 가졌습니다. 조각가들은 고전적인 방식으로 바로크 양식의 모티프를 사용했습니다. 그들은 각 인물의 격리와 대칭 배치를 위해 노력했습니다. 고전주의 건축의 전형적인 예는 건축가 Claude Perrault(1613-1688)가 설계한 루브르 박물관의 동쪽 정면(때때로 "루브르 박물관의 콜로네이드"라고도 함)이었습니다. 합리적인 단순성, 부품의 조화로운 균형, 선의 선명도, 조용하고 장엄한 정적을 갖춘 Perrault 콜로네이드는 그 시대의 일반적인 이상에 부합했습니다. 1677년 건축 아카데미가 설립되었는데, 그 주요 임무는 "이상적이고 영원한 아름다움의 법칙"을 개발하기 위해 축적된 건축 경험을 일반화하는 것이었습니다. 이 법은 추가 건설로 이어졌습니다. 고전주의는 공식적으로 건축의 주요 스타일로 인정되었습니다. 예술은 웅장한 궁전과 공원, 도시 앙상블, 공공 건물에서 군주제의 위대함, 국가 및 국가의 힘을 시각적으로 표현하고 미화해야 했습니다. 아카데미는 바로크 양식의 원리에 대해 비판적인 평가를 내렸으며 프랑스에서는 받아들일 수 없는 것으로 인식했습니다. 비율은 아름다움의 기초였습니다. 건물의 선반, 발코니 또는 페디먼트와 반드시 일치해야하는 건물의 중심 축 할당과 순서에 따라 층별로 명확한 구분을 갖는 것이 의무적 인 것으로 간주되었습니다. 파사드의 날개는 파빌리온으로 둘러싸였습니다. 공식적인 고전주의의 지시는 시각 예술에서도 느껴졌습니다. 회화의 고전주의 경향의 창시자는 Nicolas Poussin (1594-1665)이었습니다. 이것 프랑스 예술가 로마에서 공부하고 일했습니다. Poussin은 뛰어난 이론가와 실무자를 결합했습니다. 화가와 이론가들이 모인 그의 로마 작업장에서 예술가의 생각은 전파를 위한 비옥한 토양을 찾았습니다. Poussin은 특별한 과학 논문을 쓰지 않았으며 그림의 목표와 가능성에 대한 작가의 생각은 다른 작가의 서신과 전달을 통해 우리에게 전해졌습니다. 그는 "장엄한 스타일"의 예술이 4 가지 요소로 구성되어 있다고 믿었습니다. 이것은 내용, 해석, 구성 및 스타일입니다. 가장 중요한 것은 내용과 줄거리가 장엄하고 아름답다는 것입니다. 이를 위해 작가는 이야기의 고상한 의미와 모순되지 않도록 사소한 모든 것을 버려야합니다. 이미지의 주제는 아름다움에 대한 아이디어를 위해 "준비"되어야 하며, 이 준비에서 가장 중요한 것은 질서, 측정 및 형식입니다. 질서와 형식-Poussin은 이에 대해 끊임없이 이야기하고 합리주의 철학의 창시자 인 Descartes도 이에 대해 이야기합니다. "우리가 매우 명확하고 분명하게 인식하는 것은 사실입니다." 합리적인 "준비"만이 물질을 영적으로 만들어 진정으로 아름다워질 수 있습니다. 예술의 자연은 합리적인 과정, "품위"의 규칙 및 예의에 대한 의견과 일치하지 않는 것이없는 이성으로 고상한 형태로 제시되어야합니다. 풍경은 자연의 서사적 힘과 조화를 구현해야 하며, 조화로운 풍경입니다. 이 아름다움의 표현으로 천체, 영웅, 사티로스, 님프 및 아름다운 사람들이 거주하는 Poussin의 Arcadia 세계가 발생합니다("The Kingdom of Flora", "The Arcadian Shepherds", "Landscape with Polyphenes"). 그는 신화, 성경, 역사적 전통에서 주제를 끌어냈습니다. Poussin은 강한 성격, 장엄한 행동, 이성과 정의의 승리에 매료되었습니다. 그는 생각할 거리를 제공하고 미덕을 교육하는 음모를 선택했습니다. 여기에서 그는 예술의 사회적 목적을 보았다. Poussin은 극적인 음모의 형태로 제시된 공공 의무, 도덕적 필요성이라는 주제를 전면에 내세웁니다. 그를 구하고 솔로몬 왕은 아이에 대한 두 어머니 간의 분쟁에서 도덕적 정의의 전달자 역할을합니다 ( "게르 마니 쿠스의 죽음", "탄 크레드와 에르 미 니아", "예루살렘의 점령", "사빈의 강간") . 고전주의 회화의 기초는 작품의 예술적 조직의 정확한 불변의 법칙입니다. Poussin의 구성은 순서가 지정되어 있으며 명확한 구성 체계가 표시되며 주요 작업은 항상 전경에서 발생합니다. 예술적 언어의 주요 의미는 형태, 그림, 선에 붙어 있습니다. 마음의 물신화는 진정한 예술에 위협이 되었습니다. 계산과 영감, 이성과 감성, 직관적 사이의 균형을 이루는 것은 매우 어려운 창의적 작업입니다. Poussin은 고전주의의 개념이 진정으로 생산적으로 구현된 17세기의 유일한 화가였습니다. 다른 마스터들에게는 그 작업이 압도적이었습니다. 추상적 합리적 원리가 우세했고 고전주의 체계는 학문적 체계로 바뀌었다. 그것은 확립된 규범에 의존하는 독단적인 접근 방식에 의해 지배되었습니다. 프랑스 예술 아카데미는 1648년에 설립되었으며 왕의 초대 장관의 감독을 받았습니다. 다른 모든 형태의 예술과 마찬가지로 회화에서도 예술적 창의성을 절대주의 과제에 엄격하게 규제하고 종속시키는 과정이 있었습니다. 아카데미는 거장 예술의 공식적인 규칙을 개발하도록 요청 받았습니다. 그 당시 일부 예술가들은 과학자만이 예술 감정가가 될 수 있다고 주장했습니다. 이성을 통해 그림을 개선한다는 생각이 매우 강했습니다. 각 화가의 업적에 대한 수학적 표도 있었습니다. 아카데미는 저명한 예술가들이 학생들 앞에서 루브르 박물관의 왕실 컬렉션에서 그림을 분류하는 정기 회의에서 만났습니다. 그림의 분석은 분류를 기반으로 했습니다. 모든 것이 디자인, 비율, 색상, 구성의 범주로 나뉩니다. 가장 높은 장르의 그림은 역사적인 것으로 간주되었으며 여기에는 성경의 장면, 고대 신화, 유명한 문학 작품이 포함됩니다. 완벽한 것만 묘사 할 가치가 있으며, 고전 주의자들의시에서와 같이 낮은 모든 것은 중요한 것에서주의를 돌리는 우연하고 불필요한 세부 사항으로 거부되었습니다. 초상화, 풍경, 정물, 국내 장면은 "작은 장르"로 간주되었습니다. Academicians는 특정에 대한 움직임과 제스처의 일치를 기반으로 전체 규칙 시스템을 개발했습니다. 정신 상태- 두려움, 분노, 기쁨, 놀람 등 고전 논문에서는 특정 감정 상태를 전달하는 방법에 대한 정확한 지침이 제공되었으며 도면이 첨부되었습니다. 크기 인간의 몸고대 대포에 따라 지어졌습니다. 그림 위에 그림을 그리는 것이 우선시되면서 고전 주의자들의 캔버스에 그려진 인물은 고대 조각품과 비슷했습니다. 그러나 고대는 자연스러운 형태"높은 스타일"의 작품에 대한 이상적이지만 필수 소품의 표현. 합리적이고 무미건조한 규범성은 고전주의를 학문주의로 퇴보시켰다. 그는 예술에서 상상력, 환상, 개인의 비전을 추방했습니다. 창작 과정을 지배하는 일련의 규칙은 예술을 절대주의의 통제에 종속시키면서 예술의 규제에 기여했습니다. 고전주의의 역사적으로 필요한 역할은 모든 창의성에 내재된 의식적 원리의 발전이었습니다. 그러나 역사적 조건으로 인해 이러한 추세는 너무 건조하고 합리적인 어조를 취했습니다. 예술창작의식은 기계적인 편의주의로 바뀌었다. 생각의 우위에 대한 아이디어는 그 반대의 생명이없는 형식주의로 바뀌 었습니다. 캐스트 스타일 공식은 긍정적인 역할과 부정적인 역할을 모두 수행했습니다. 우리는 내용의 풍부함과 다양성 속에서 고전 예술을 볼 수 있어야 합니다. 예술적 실천은 항상 이론보다 풍부하며 일반적으로 시대보다 오래갑니다. Corneille과 Racine의 드라마, Molière의 코미디와 La Fontaine의 우화, Poussin과 Lorrain의 풍경은 여전히 ​​살아 있으며 세계 문화사에서 불멸을 확인합니다. 질문 1. 고전주의 스타일의 공통된 특징은 무엇입니까? 2. 고대, 르네상스, 고전주의의 문화적 이상은 어떤 관련이 있습니까? 3. 고전주의 예술에서 합리적 원리는 어떤 역할을 했습니까? 4. 프랑스 드라마투르기에서는 어떤 고전주의 원칙이 형성되었는가? 5. 고전주의 이론가들은 예술의 주된 과제를 어떻게 이해했는가? 6. 건축과 회화에서 고전주의 스타일의 주요 특징은 무엇입니까?

고전주의는 17세기에 시작되어 18세기에 발전하고 19세기에 추적될 수 있는 예술의 미학적으로 중요한 경향입니다. 그것은 완벽한 조화의 엄격한 규범적 모델로서 고대 고전에 호소하는 것이 특징입니다. 미적 아이디어고전주의는 그 시대에 지배력을 퍼뜨린 합리주의의 맥락에서 형성됩니다. 철학적, 과학적 교리에 따르면 이성은 인간의 가장 높은 능력이며 세상을 인식하고 심지어 변화시켜 부분적으로는 신과 동등하게됩니다. , 사회를 재구성합니다. 합리주의의 관점에서 볼 때 이성은 인간 마음의 주된 능력일 뿐만 아니라 유일하게 완전히 적절한 능력이다. 감정은 이성적 추론의 전제일 뿐이며 그 자체로 명확한 진리를 가리고 있습니다. 신비로운 직관은 합리적인 논증 체계에 포함된다는 점에서 가치가 있습니다. 그러한 견해는 특히 과학, 철학 및 수학과 같은 유럽 국가의 최고 사회계에서 형성되기 시작한 문화 영역 간의 관계에 영향을 미칠 수밖에 없습니다. 이들은 지식 진보의 주요 원동력입니다. 예술은 감상적 향유라는 좀 더 온건하고 부차적인 역할을 부여받습니다. 가벼운 엔터테인먼트이해하기 쉽고 인상적인 교화; 철학적 이신론의 합리적인 생각에 의해 "계몽"되지 않은 전통 종교는 사회적 관습 분야에서 일종의 안정제 인 사회 유기체에 유용한 단순한 무식한 사람들의 믿음입니다.
고전주의는 규범적 미학 이론에 기초한다. 이미 17세기 전반의 프랑스 수학자이자 철학자인 르네 데카르트(Rene Descartes)는 당대를 위한 그의 원작인 『방법론』, 『음악 개론』 등에서 예술은 엄격한 규제를 받아야 한다고 주장한다. 마음으로. 동시에 R. Descartes에 따르면 예술 작품의 언어는 합리성으로 구별되어야하며 구성은 엄격하게 설정된 규칙을 기반으로해야합니다. 예술가의 주된 임무는 우선 생각의 힘과 논리로 설득하는 것입니다. 고전주의의 규범적 미학 이론은 합리주의, 균형 잡힌 명확성, 비례성, 완전성, 단일성, 균형 및 형태의 완성도에 초점을 맞춘 형식적 계산, 정치적 절대주의 사상 및 도덕적 명령과의 연결이 특징입니다. 고전주의의 규범적 원칙은 높은 장르와 낮은 장르로의 명확한 구분을 의미했습니다.
이러한 고전주의 원칙은 모든 유형의 예술에서 나타납니다. N. Boileau (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega 등)의 이념적 일반화를 고수하는 극장에서; 문학 (Lafontaine) 건축, 특히 세속적 - 궁전과 공원 (베르사유의 이미지) 및 시민 및 교회 (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Nôtre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, 등.); 회화(Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): 조각(Canova, Thorvaldsen 등), 음악(Gluck, Haydn, Mozart, 초기 베토벤 등) 깊은 표현 아이디어는 그가 하이 장르와 로우 장르의 분리를 가정한 고전주의의 엄격한 규범성을 넘어섰지만, 그들의 작업은 여전히 ​​이 시대의 특징인 표현의 명확성, 간결함 및 스타일의 조화라는 원칙에 의해 통합됩니다.
그 시대의 예술 미학 이론의 가장 저명한 대표자는 Nicolas Boileau (1636 - 1711) - 프랑스의 풍자 시인이자 고전주의 이론가였으며 그의 규범과 규칙은 시적 논문 "Poetic Art"에서 그에 의해 설정되었습니다. 초보 시인, 예술가에게 일종의 지시.
N. Boileau는 감정적 영역보다 지적 영역의 시인 작업 (및 일반적으로 예술)에서 우세한 지지자입니다. 그는 예술 작품이 감정보다는 이성에 초점을 맞춘다고 믿습니다. 아름다움의 가장 중요한 징후(마음에 쉽게 포착되는 것)는 명확성, 뚜렷함입니다. 동시에 모든 것이 이해할 수없고 추악합니다. 작품의 아이디어, 구체화가 명확해야 하고 작품의 부분과 전체 건축학이 명확하고 뚜렷해야 합니다. 단순성과 명료성 - 이것은 N. Boileau가 완벽한 구성으로 시와 극작술로 확장한 "3개의 통일성"이라는 유명한 원칙의 모티브입니다. , 시간의 통일성(행동은 하루, 하루에 맞아야 함), 행동의 통일성(연속 장면은 사건의 시간적 순서와 일치해야 함). 동시에 묘사된 캐릭터는 작업 내내 변경되어서는 안 됩니다. N. Boileau에 따르면 이러한 원칙은 이성, 규율의 법칙을 직접적으로 표현한 것입니다. 창의적인 가능성독자나 시청자가 전달되는 내용을 쉽게 이해할 수 있도록 하여 만족스럽게 완전히 이해할 수 있도록 합니다.
타당성은 N. Boileau의 예술 미학의 핵심 개념입니다. N. Boileau는 아름다움을 합리적이고 자연스러운 것으로 제시하기 때문입니다. 이성은 취미 규범의 보편적 타당성의 기초입니다. 따라서 아름다운 것은 어떻게 든 진실에 순종합니다. 그러나 삶의 진리는 올바른 반성이 아니라 규범적인 이상화이기도 합니다. N. Boileau에 따르면 아름다움은 일종의 합리적인 영적 원리에 의해 세상에 소개되며 합리적인 활동의 산물 인 예술 작품은 자연의 창조물보다 더 완벽합니다. 영적 아름다움은 육체 위에, 예술은 자연 위에 놓입니다.
N. Boileau는 고전주의에서 발전한 장르 이론을 상위와 하위로 나눌 때 구체화합니다. 따라서 비극은 높고 영웅적인 것을, 코미디는 낮고 사악한 것을 묘사해야합니다. 코미디의 주인공은 수사학의 화려한 언어가 아니라 가벼운 현대 세속 언어로 자신의 생각을 표현하는 단순한 사람들입니다.
계몽주의의 새로운 사상은 대체로 고전주의의 원리와 관련이 있었고 18세기의 많은 문화 현상에서 고전주의와 유기적인 통일성을 나타냈다. 계몽주의 시대의 공리적 원리는 17세기에 등장한 세계관만큼 합리주의적이지만 초기 합리주의와 달리 계몽주의는 비용을 들여 자연의 힘을 지배하는 것을 목표로 하지 않는 전체 프로그램입니다. 과학적 지식그것의 법칙 (물론 17 세기에 시작된이 과정은 계속되었습니다), 그러나 많은면에서 새로운 과학적 지식에 기초하여 이성에 기초한 전체 문화와 전체 사회의 변화에 ​​대해 중세의 태도에 뿌리를 둔 영적 전통. 프랑스, 영국, 독일 사상가(D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder 등)가 저술한 계몽주의 프로젝트 일루미나티(라틴어 일루미나티오 - 계몽)와 같은 합리주의적 설득의 비밀 신비주의 사회 구성원 - 과학 지식의 통합과 철학적 이해의 문제에 대한 새로운 유형의 이성적 지식의 보급과 같은 여러 상호 관련된 영역으로 구성됨 예술을 포함한 인간, 사회, 문화, 교육받은 대중에게 호소하는 일반 대중 사이의 새로운 세대의 과학적 지식과 가치 보급, 혁명적 변화까지 사회 생활 법칙의 개선.
이와 관련하여 계몽주의 철학의 노선 중 하나는 인식하는 마음의 경계와 이해하는 감정과 같은 인간의 다른 인식 및 능동적 힘과의 연결을 식별하는 것입니다. 의지와 같은 독립적인 규율, 그 범위는 실용적인 마음의 영역으로 해석되었습니다. 계몽주의자들은 자연성과 문화의 비율을 다양한 방식으로 이해했습니다. " 계몽주의 프로그램 과제의 실행과 관련된 또 다른 측면은 세계 문화의 지평에 대한 지식의 출현, 문화, 예술 및 종교에 대한 비유럽 경험의 발전의 시작, 특히 세계 예술 문화의 개념 (J. Goethe).
예술에서의 계몽주의 사상은 18세기 예술계의 여러 가지 새로운 현상으로 표현되었습니다. - 민주주의에서 - 세속적 살롱, 사무실 및 궁전을 넘어 공공 콘서트 홀, 도서관, 갤러리로의 예술 출현 민속 생활그리고 민족사, 일상 장르와 코미디 장르의 인기에서 높고 낮은 장르의 혼합에서 영웅적 귀족의 거부와 평민의 이미지 노래에서; 에 관심이 공공 생활그리고 진보; 반성직주의와 중세의 낡아빠진 잔재에 대한 풍자적 아이러니한 비판과 개인의 경건함으로 가려진 것들을 포함하여 악랄한 관습들; 자유주의에서-개인의 자유를 설교하고 동시에 사회의 선과 조화되는 인간의 단순성과 자연성에 대한 도덕적 설교에서; 비유럽 문화에 대한 광범위한 백과사전적 관심과 관심; 사실주의 - 인간 이미지의 단순한 본성, 사회적 맥락, 심리적 아우라를 자연스러움에 대한 목가적인 헌신과 인간의 감정에 충실함, 실수할 수 있는 마음과는 반대로 보여줍니다.
문학과 연극에서 이것은 Beaumarchais, Lessing, Sheridan, Goldoni, Gozzi, Schiller, Goethe, Defoe, Swift의 작품에 반영되었습니다. 그림에서-Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; 조각 - Houdon, Shubin 등
계몽주의의 많은 아이디어는 고전주의 미학에 의해 발전된 예술 형식으로 구현되었으므로 이러한 스타일의 실제 유사성에 대해 원칙의 특정 이데올로기 적 제한과 함께 말할 수 있습니다. 일부 교육적 모티프는 장난스럽고 세련된 로코코 궁정 스타일과 조화를 이루었습니다. 후기 계몽주의 사상의 틀 내에서 (특히시와 그림에서) 독창적 인 감상주의 스타일이 형성되었으며, 꿈, 감수성, 삶의 이해에서 전달 된 느낌의 특별한 역할과 연민 (공감)이 J.J. Rousseau의 철학 정신에 따라 도덕 교육, 자연스러운 순응 및 목가적 인 목가적. 한편으로는 F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David와 같은 18세기 후반 예술 창작자들의 감상주의와 표현력이 풍부한 상징적 이미지를 통해 우리는 특별한 단계에 대해 말할 수 있습니다. 계몽주의의 미학과 삶의 깊이에서 준비된 전낭만주의.
계몽주의 미학의 철학적 사상은 18세기의 많은 주요 사상가들의 작업에서 명확하게 표현되었습니다.
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - 독일 철학자, Leibniz와 Wolff의 추종자, 독일 고전 철학 미학의 창시자. 1735년
A. Baumgarten은 감각 지식의 철학적 과학을 지정하고 아름다움을 이해하고 창조하며 예술 이미지로 표현한 "미학"이라는 용어를 처음 도입했습니다. Baumgarten의 미학적 견해는 "시적 작품과 관련된 몇 가지 문제에 대한 철학적 성찰", "미학"이라는 작품에 명시되어 있습니다.
Gotthold Ephraim Lessing(1729 - 1781) - 독일 철학자 - 교육자, 극작가, 문학 평론가, 예술 이론가. 계급 귀족적 규범성의 족쇄로부터의 해방을 위해. 레싱에 따르면 예술은 자연의 모방이며, 넓게는 삶의 지식으로 해석됩니다. 사실주의 예술의 이론을 입증하는 것은 고전주의와 싸우기 위해 아리스토텔레스와 셰익스피어의 작품의 용어에 의존합니다. Lessing의 주요 이론 작업: “Laocoön. 그림과 시의 한계에.
요한 괴테(1749~1832) - 독일 시인, 설립자 독일 문학새로운 시간, 사상가 및 자연주의자. 젊었을 때 괴테는 Sturm und Drang 운동의 지도자 중 한 명이었습니다. 괴테에 따르면 예술은 개인의 억압에 맞서 싸우기 위해 쓸모없는 관습, 낡은 도덕성에 저항하도록 요구받습니다. I. Goethe는 예술을 자연의 "모방"으로 해석했습니다. 사실 그는 "유형화"라는 아이디어를 공식화했습니다. 창조력을 지정하기 위해 괴테는 "악마"라는 개념을 도입했습니다. I. Goethe의 주요 작품 : “단순한 자연 모방. 방법. 스타일", "빛의 교리".
Immanuel Kant (1724 - 1804) - 독일 고전 철학의 창시자. 미학 문제에 대한 I. Kant의 주요 작업은 "판단력에 대한 비판"입니다. I. Kant에게 미적 원리는 근본적인 선험적 (경험적 경험 이전에 의식의 구성을 결정하는) 형태, 즉 적용에 보편적 인 취향에 대한 무관심한 판단의 한 형태로 밝혀졌습니다. 취미판단은 '목적 없는 편의'의 원칙에 입각한 쾌락이나 불쾌를 느끼는 능력과 연결되며, 그 파생물은 인간의 의지 작용의 실제적 편의와 신의 활동의 합법성이다. 정신. 칸트 미학의 주요 범주는 편의(부분과 전체의 조화로운 연결), 아름다움과 숭고함입니다. 칸트는 미의 감각을 미적 형식을 관조하는 데서 오는 "사심 없는" 즐거움으로 환원함으로써 미에 대한 합리주의적이고 실용적인 개념을 몰아냈습니다. 동시에 I. Kant에 따르면 예술 작품의 가장 큰 장점은 사람의 실험적 미적 능력에 호소하는 완벽한 형식만큼 중요한 내용이 아닙니다. 칸트에 따르면 숭고의 본질은 일반적인 척도를 위반하는 것입니다. 숭고한 판단에는 발전된 상상력과 높은 도덕성이 필요합니다. 예술에 대한 인식에는 취향이 필요하고 창조에는 천재-독특한 성격이 부여되었습니다. 높은 학위창의적인 상상.
Georg Hegel (1770-1831) - 계몽주의의 특징 인 합리주의의 영향으로 견해가 형성된 독일 고전 철학의 뛰어난 대표자. 그러나 진정한 보편적 철학 체계에서 G. Hegel은 계몽 사상의 틀을 극복했습니다. 그의 독창적인 방법론의 형성 과정에서 그는 19세기 초 독일 철학자들의 개념에서 눈에 띄는 초기 낭만적 동기의 영향도 받았다. I. Fichte 및 F. Schelling. G. Hegel은 존재와 의식의 모순을 이해할 수 있는 합리적 반성의 방법을 더욱 완벽하게 만들었으며, Hegel에 따르면, 엄격하게 합리적-논리적, 특히 심미적이며 심지어는 사고 운동의 신비로운 모델을 그 자체로 통합했습니다. 그러나 변증법적 논리의 더 넓은 좌표로, 따라서 마음의 양상으로 변합니다. G. Hegel은 변증법을 기반으로 한 객관적 이상주의 체계의 창시자입니다.
창조 초기에 G. Hegel은 모든 생각을 포괄하는 최고의 이성의 행위는 미적 행위이며 진리와 선은 아름다움에서만 가족의 유대로 결합된다고 믿었습니다. 나중에 G. Hegel의 미학은 예술 철학으로 나타납니다. 예술은 정신에 대한 절대적인 자기 인식의 형태로서의 철학과 비교하여 하위를 차지합니다. 역사적인 발전역사의식.
G. Hegel의 성숙한 미학의 참신함은 예술과 아름다움과 인간 활동의 연결 및 "객관적 정신", 즉 사회 전체의 문화의 발전을 강조하는 데 있습니다. 헤겔에 따르면 아름다움은 항상 인간적이다. 헤겔의 가장 일반적인 미적 범주는 미(美)이다. 헤겔의 미학은 내재적이다. 역사적 원리재료의 고려. 예술의 자기 계발의 변증법적 삼합은 상징적(고대 동양), 고전적(고대) 및 낭만적(기독교 유럽)의 역사 과정에서 연속적으로 변화하는 형식에 의해 형성됩니다. 헤겔의 미학에서는 예술 형식을 세세하게 고찰했다. 모든 곳에서 그는 개발 원리를 파악하려고 노력했습니다. G. Hegel의 미학적 개념을 설명하는 주요 작업은 미학 강의입니다.