Japonijos šiuolaikinis menas: anime ir manga. Mono be Avare

Nepaisant to, kad Japonija visame pasaulyje laikoma kylančių technologijų šalimi, šiuolaikinis menas neskuba nutraukti ryšių su tradicija. Paroda „Mono no Avare. Daiktų žavesys“ – liūdna istorija apie žmogaus būklę plastikos amžiuje.

Mono no Avare yra būdingas estetinis principas Japonijos kultūra, kuris ir davė pavadinimą parodai, reiškia liūdną daiktų žavesį, susižavėjimo akivaizdžiu ir numanomu daiktų ir reiškinių grožiu jausmą, su privalomu neprotingo liūdesio atspalviu, kurį sukelia visko iliuzinės prigimties ir trapumo jausmas. matomas. Jis neatsiejamai susijęs su tradicine japonų šintoizmo religija. Šintoistai tiki, kad viskas yra apdovanota dvasine „kami“ esme. Jis egzistuoja bet kuriame objekte: tiek medyje, tiek akmenyje. „Kami“ yra nemirtingi ir įtraukiami į gyvenimo ir mirties ciklą, per kurį viskas pasaulyje nuolat atnaujinama.

Ir nors šiuolaikinis menas kalba tarptautine kalba, šioje parodoje pristatomas Japonijos šiuolaikinis menas geriau žiūrimas iš jų tradicijų perspektyvos.

Menininko Hiraki Sawa įžanginė instaliacija užėmė visą kambarį ir yra šešėlių teatras, kuriame aktoriai yra namų apyvokos reikmenys. Jis sukurtas vaikišku principu geležinkelis. Per menininko sukurtą peizažą pravažiuoja traukinys su žibintuvėliu, šviesos spindulys iš daiktų mikro pasaulio gimdo makro pasaulį. O dabar jau yra Beržynas, ne vertikaliai stovintys pieštukai; o tai elektros laidai laukuose, o ne kabantys skalbinių segtukai; o apverstas plastikinis baseinas su rankenomis yra tunelis. Kūrinys vadinasi „Inside“, anksčiau buvo parodytas Venecijos bienalėje.

Shinishiro Kano paveikslą galima pavadinti primityviuoju siurrealizmu. Kano natiurmorte krepšinio kamuolys, Žemės planeta ir vaisiai yra vienoje lėkštėje.

Paveiksle nėra paties paveikslo, o tik aliejumi nutapytas rėmelis. Ant vienos drobės raudonu kimono vilkinčios dievybės figūra derinama su raudonu rankšluosčiu, pakabintu ant kabliuko ant kitos. Argi ši vaizdinė serija nėra apie iliuzinę pasaulio prigimtį? O gal kiekvienas daiktas turi kami.

Masajos Čibos paveiksle gražių džiunglių fone – dvi figūros: antropomorfinės būtybės, išnykusios iš baltosios medžiagos, vos primenančios vyrą ir moterį. Jie tvirtinami ant pagaliukų kaip rytietiški teatro lėlės. Materija yra mirtina, tai tik apvalkalas – tarsi autorius norėtų mums pasakyti. Maždaug toks pat yra ir kitas jo tapybos darbas „Miegantis žmogus“. Nuotraukoje nėra žmogaus, tik keli daiktai ant pufo: senos fotografijos ir atvirukai, išaugę kaktusai, pirštinės, mėgstamos juostos, indelis prieskonių ir įrankių rinkinys.

Menininkas Teppei Kanueji savo asmenį „skulptuoja“ (statomas objektas) tokiu pačiu principu: antropomorfinės būtybės pavidalu suklijuoja buitines šiukšles ir jas padengia baltais dažais.

Didžiulė mandala ant grindų išklota druska; tai tradicinis Japonijos šventyklos ritualas, matyt, kilęs iš budizmo. Toks papuošalas užfiksuoja arba labirinto, arba paslaptingo krašto žemėlapio dvasią ir kaip gerai, kad muziejuje nepučia vėjas. Ši instaliacija unikali, menininkė keletą dienų kūrė ją muziejaus sienose. Yra ir įdomi japonų tradicija: prieš kovą sumo imtynininkai žemę pabarsto druska.

Hiroaki Morita instaliaciją „Nuo Eviano iki Volviko“ atidaro gana a įdomi tema modernus Japonijai – plastiko apdirbimas. Ant stiklinės lentynos guli „Evian“ vandens butelis, šešėlis nuo jo tiksliai krenta į kito ant grindų stovinčio „Volvik“ butelio kaklą. Tai sukuria iliuziją, kad vanduo liejasi iš butelio į butelį. Absurdas iš pirmo žvilgsnio. Japonams šis konceptualus kūrinys ne tik simbolizuoja „kami“ ciklą, tai yra dvasinę esmę, bet ir tiesiogine prasme perdirbimo principas – perdirbimas. Būdama salų valstybė, Japonija viena pirmųjų išmoko rinkti, rūšiuoti ir perdirbti plastiko atliekas. Iš gautos medžiagos ne tik iš naujo gaminami nauji buteliai ir sportbačiai, bet net sukuriamos dirbtinės salelės.

Teppei Kuneuji instaliacija iš pirmo žvilgsnio primena šiukšlių rūšiavimo stotį. Čia plastikiniai daiktai išdėliojami įvairia seka: semtuvėliai, formelės, skirtingi žaislai, pakabos, spalvoti dantų šepetėliai, žarnelės, akiniai ir kt. Pabarstę baltais milteliais, atrodo, kad jie čia guli visą amžinybę. Vaikštant tarp šių pažįstamų, bet dabar nenaudojamų objektų, apmąstant juos jau atskirtus, apima jausmas, panašus į meditaciją alpinariumu. Savo nuotraukų koliažuose Teppei Kuneuji „protiškai“ stato bokštelius iš statybinių šiukšlių. Bet tai ne tokios kinetinės grandinės kaip meninio dueto Fishli ir Weiss, o kaip budistų sakralinis pastatas, kuriame akmuo remiasi į akmenį be surišančios medžiagos.

Menininkas Suda Yoshihiro įdėjo meistriškai pagamintą medinę rožinę rožę su vienu nukritusiu žiedlapiu tarp stiklų muziejaus lange su vaizdu į Moiką. Žvelgdamas į šį labai subtilų ir poetišką įsikišimą į muziejų, noriu pradėti kalbėti japoniškais eilėraščiais haiku žanre, pavyzdžiui: „Žiema. Net rožė muziejuje žydi amžinai.

Kitas ne mažiau poetinis Onishi Yasuaki kūrinys „Tūrio priešingybė“ nurodo viduramžių tapytojo ir dzen vienuolio Toyo Sesshu kūrybą. Ši japonų klasika garsėja tuo, kad į Tekančios saulės šalį atnešė kinišką vienspalvį rašalo piešinį.

Yasuaki instaliacija – tai pilkas polietileninis trimatis kalno siluetas, ant kurio nuo lubų krinta sušalusio skysto plastiko čiurkšlės (kaip lietus). Sakoma, kad po liūtimi reikia padaryti „tuščią“ kalną, tarsi su vienspalviu Toyo paveikslai Sessu, menininkas turėjo pastatyti kalną dėžių, padengti jį plonu polietilenu, o tada nuo lubų lašinti karštą plastiką.

Galiausiai Kengo Kito instaliacija: spalvotų plastikinių sportinių lankų girliandos, kabantys, tarsi „japoniški sveikinimai“, atvežta į Rusiją olimpinės žaidynės. Smalsu, kad parodoje „Daiktų žavesys“ plastikas naudojamas kaip medžiaga, su kuria japonų menininkai liečia ne tik aplinkos, bet ir dvasines problemas.

Daiktuose slypintį grožį japonai atrado IX–XII amžiuje, Heiano eroje (794–1185) ir netgi pavadino jį specialia sąvoka „mono no aware“ (物の哀れ (もののあわれ)), o tai reiškia " liūdnas dalykų žavesys. Daiktų žavesys yra vienas iš ankstyviausių Japonų literatūra grožio apibrėžimų, jis siejamas su šintoizmo tikėjimu, kad kiekvienas daiktas turi savo dievybę – kami – ir savo unikalų žavesį. Avare yra vidinė dalykų esmė, tai, kas sukelia malonumą, susijaudinimą.

- Washi (wasi) arba wagami (wagami).
Rankinis popieriaus gaminimas. Viduramžių japonai washi vertino ne tik dėl praktinių savybių, bet ir dėl grožio. Ji garsėjo savo subtilumu, beveik skaidrumu, tačiau tai neatėmė jėgų. Washi gaminamas iš kozo (šilkmedžio) ir kai kurių kitų medžių žievės.
Washi popierius buvo saugomas šimtmečius, tai liudija senovės japonų kaligrafijos albumai ir tomai, paveikslai, ekranai, graviūros, atėjusios per šimtmečius iki šių dienų.
Vasios popierius yra pluoštinis, pažiūrėjus pro mikroskopą pamatysi įtrūkimus, pro kuriuos prasiskverbia oras ir saulės šviesa. Ši kokybė naudojama ekranų ir tradicinių japoniškų žibintų gamyboje.
Washi suvenyrai yra labai populiarūs tarp europiečių. Iš šio popieriaus pagaminama daug smulkių ir naudingų daiktų: piniginės, vokai, vėduoklės. Jie yra gana patvarūs, tačiau lengvi.

- Gohei.
Talismanas iš popierines juosteles. Gohei – ritualinė šintoizmo kunigo lazda, prie kurios tvirtinamos popierinės zigzago juostelės. Tos pačios popieriaus juostelės pakabintos prie įėjimo į šintoizmo šventovę. Popieriaus vaidmuo šintoizme tradiciškai buvo labai didelis, o popieriaus gaminiams visada buvo skiriamas dėmesys ezoterinė prasmė. Ir tikėjimas, kad kiekviename daikte, kiekviename reiškinyje, net žodžiuose yra kami – dievybė – paaiškina šios rūšies atsiradimą. taikomosios dailės kaip gohei. Šintoizmas kažkuo panašus į mūsų pagonybę. Šintoistams kami ypač nori apsigyventi bet kur, kas neįprasta. Pavyzdžiui, ant popieriaus. Ir juo labiau gohejuje, susuktame į sudėtingą zigzagą, kuris šiandien kabo priešais įėjimą į šintoizmo šventoves ir rodo dievybės buvimą šventykloje. Yra 20 būdų, kaip sulankstyti gohei, o tie, kurie yra ypač neįprastai sulankstyti, pritraukia kami. Gohei vyrauja balta spalva, tačiau randama ir aukso, sidabro ir daug kitų atspalvių. Nuo IX amžiaus Japonijoje buvo paprotys prieš prasidedant kovai sumo imtynininkų diržais sustiprinti gohei.

- Anesama.
Tai popierinių lėlių gamyba. XIX amžiuje samurajų žmonos gamino popierines lėles, su kuriomis vaikai žaisdavo, aprengdavo jas skirtingais drabužiais. Tais laikais, kai nebuvo žaislų, anesama buvo vienintelė vaikams pašnekovė, „atlikdama“ mamos, vyresniosios sesers, vaiko ir draugo vaidmenį.
Lėlė lankstoma iš japoniško washi popieriaus, plaukai iš raukšlėto popieriaus, nudažyti rašalu ir padengti klijais, kurie suteikia blizgesio. Išskirtinis bruožas yra graži nosytė ant pailgo veido. Šiandien šis paprastas žaislas, kuriam reikia nebent įgudusių rankų, tradicinės formos, ir toliau gaminamas taip pat, kaip ir anksčiau.

- Origami.
Senovinis popieriaus lankstymo menas (折り紙, liet.: „lankstytas popierius“). Origami meno šaknys yra senovės Kinijoje, kur buvo išrastas popierius. Iš pradžių origami buvo naudojamas religinėse ceremonijose. Ilgam laikuiši meno rūšis buvo prieinama tik aukštesniųjų sluoksnių atstovams, kur gero skonio požymis buvo popieriaus lankstymo technikos turėjimas. Tik po Antrojo pasaulinio karo origami išėjo už Rytų ribų ir atkeliavo į Ameriką bei Europą, kur iš karto rado savo gerbėjų. Klasikinis origami yra sulankstytas iš kvadratinio popieriaus lapo.
Yra tam tikras įprastų simbolių rinkinys, būtinas norint nubraižyti net sudėtingiausio gaminio lankstymo schemą. Daugumą sutartinių ženklų XX amžiaus viduryje praktiškai pritaikė garsus japonų meistras Akira Yoshizawa.
Klasikinis origami reikalauja naudoti vieną kvadratinį tolygiai spalvotą popieriaus lapą be klijų ir žirklių. Šiuolaikinio meno formos kartais nukrypsta nuo šio kanono.

- Kirigamis.
Kirigami – tai menas žirklėmis iškirpti įvairias figūras iš kelis kartus perlenkto popieriaus lapo. Origami tipas, leidžiantis modelio kūrimo procese naudoti žirkles ir pjaustyti popierių. Tai ir yra pagrindinis skirtumas tarp kirigami ir kitų popieriaus lankstymo technikų, kuris pabrėžiamas pavadinime: 切る (kiru) – kirpimas, 紙 (gami) – popierius. Visi vaikystėje mėgome karpyti snaiges – kirigami variantą, šia technika galima karpyti ne tik snaiges, bet ir įvairias figūrėles, gėles, girliandas ir kitus mielus popierinius daiktus. Šie gaminiai gali būti naudojami kaip spaudinių, albumų dekoracijų, atvirukų, nuotraukų rėmelių, mados dizaino, interjero dizaino ir kitų įvairių dekoracijų trafaretai.

- Ikebana.
Ikebana, (jap 生け花 arba いけばな) išversta iš japonų kalba- ike" - gyvenimas, "bana" - gėlės arba "gėlės, kurios gyvena". Japoniškas gėlių komponavimo menas yra viena gražiausių japonų tradicijų. Kuriant ikebaną, kartu su gėlėmis naudojamos nupjautos šakos, lapai ir ūgliai.Pagrindinis principas – išskirtinis paprastumas, kurį pasiekti stengiamasi pabrėžti natūralų augalų grožį. Ikebana – tai naujos natūralios formos kūrimas, kuriame darniai dera gėlės grožis ir kompoziciją kuriančio meistro sielos grožis.
Šiandien Japonijoje yra 4 pagrindinės ikebanos mokyklos: Ikenobo (Ikenobo), Koryu (Koryu), Ohara (Ohara), Sogetsu (Sogetsu). Be jų, yra dar apie tūkstantis įvairiomis kryptimis ir srovės, besilaikančios vienos iš šių mokyklų.

- Oribana.
XVII amžiaus viduryje iš ikenobo pasitraukė dvi mokyklos: ohara (pagrindinė ikebanos forma - oribana) ir koryu (pagrindinė forma - sek). Beje, ohara mokykla vis dar mokosi tik oribanu. Kaip sako japonai, labai svarbu, kad origami nevirstų origamiu. Gomi japoniškai reiškia šiukšles. Juk kaip būna, sulankstėte popieriaus lapą, o ką su juo daryti? Oribana siūlo daugybę idėjų puokštėms papuošti interjerą. ORIBANA = ORIGAMI + IKEBANA

- Klaida.
Vaizduojamojo meno rūšis, gimusi iš floristikos. Floristika mūsų šalyje atsirado prieš aštuonerius metus, nors Japonijoje gyvuoja daugiau nei šešis šimtus metų. Kažkada viduramžiais samurajus suprato kario kelią. Ošibana buvo šio kelio dalis, kaip ir hieroglifų rašymas ir kardo valdymas. Klaidos prasmė ta, kad visiško buvimo akimirkoje būsenoje (satori) meistras sukūrė džiovintų gėlių (presuotų gėlių) paveikslą. Tada šis paveikslas galėtų pasitarnauti kaip raktas, vadovas tiems, kurie buvo pasiruošę tylėti ir patirti tą patį satori.
„Ošibanos“ meno esmė ta, kad rinkdamas ir džiovindamas gėles, žoleles, lapus, žievę spaudžiamas ir klijuodamas ant pagrindo, autorius augalų pagalba sukuria tikrą „tapymos“ kūrinį. Kitaip tariant, negerai yra dažymas augalais.
Meninė kūryba floristai remiasi džiovintos augalinės medžiagos formos, spalvos ir tekstūros išsaugojimu. Japonai sukūrė techniką, kaip apsaugoti „oshibanos“ paveikslus nuo blukimo ir patamsėjimo. Jo esmė ta, kad tarp stiklo ir paveikslo išpumpuojamas oras ir sukuriamas vakuumas, neleidžiantis augalams gesti.
Tai vilioja ne tik šio meno netradicinumu, bet ir galimybe parodyti vaizduotę, skonį, augalų savybių išmanymą. Floristai kuria ornamentus, peizažus, natiurmortus, portretus ir istorijų paveikslus.

- Bonsai.
Bonsai, kaip reiškinys, atsirado daugiau nei prieš tūkstantį metų Kinijoje, tačiau ši kultūra savo vystymosi viršūnę pasiekė tik Japonijoje. (bonsai – jap. 盆栽 liet. „sodinti į puodą“) – auginimo menas tiksli kopija tikras miniatiūrinis medis. Šiuos augalus budistų vienuoliai augino kelis šimtmečius prieš mūsų erą ir vėliau tapo viena iš vietinės aukštuomenės veiklos rūšių.
Bonsai puošė japonų namus ir sodus. Tokugavos eroje parko projektavimas gavo naują postūmį: azalijų ir klevų auginimas tapo turtingųjų pramoga. Taip pat vystėsi žemaūgė augalininkystė (hachi-no-ki – „medis vazonėlyje“), tačiau to meto bonsai buvo labai dideli.
Dabar bonsams naudojami paprasti medžiai, dėl nuolatinio genėjimo ir įvairių kitų būdų jie tampa smulkūs. Tuo pačiu metu šaknų sistemos, kurią riboja dubens tūris, ir antžeminės bonso dalies dydžių santykis atitinka suaugusio medžio proporcijas gamtoje.

- Mizuhiki.
Makramo analogas. Tai senovinis japonų taikomasis menas iš specialių virvelių rišti įvairius mazgus ir iš jų kurti raštus. Tokie meno kūriniai turėjo itin plačią apimtį – nuo ​​dovanų kortelių ir laiškų iki šukuosenų ir rankinių. Šiuo metu mizuhiki itin plačiai naudojamas dovanų industrijoje – kiekvienam gyvenimo įvykiui dovana turi būti supakuota ir surišta labai specifiniu būdu. Mizuhiki mene yra nepaprastai daug mazgų ir kompozicijų, ir ne kiekvienas japonas juos visus žino mintinai. Žinoma, yra labiausiai paplitusių ir paprasčiausių mazgų, kurie naudojami dažniausiai: sveikinimui gimus vaikeliui, vestuvėms ar minėjimui, gimtadieniui ar stojant į universitetą.

- Kumihimo.
Kumihimo yra japoniška pinta virvelė. Veriant siūlus gaunami kaspinai ir raišteliai. Šie raišteliai audžiami specialiomis mašinomis – Marudai ir Takadai. Mašina „Marudai“ audžia apvalius raištelius, o „Takadai“ – plokščius. Kumihimo japonų kalba reiškia „pynimas virves“ (kumi – pynimas, lankstymas kartu, himo – virvė, nėriniai). Nepaisant to, kad istorikai atkakliai tvirtina, kad tokį audimą galima rasti tarp skandinavų ir Andų gyventojų, japonų menas Kumihimo iš tiesų yra viena iš seniausių audimo rūšių. Pirmasis jo paminėjimas datuojamas 550 m., kai budizmas išplito visoje Japonijoje ir specialioms ceremonijoms reikėjo ypatingų dekoracijų. Vėliau kumihimo raišteliai pradėti naudoti kaip obi diržo fiksatorius ant moteriško kimono, kaip virvės visam samurajų ginklų arsenalui „supakuoti“ (samurajus naudojo kumihimo dekoratyviniais ir funkciniais tikslais, kad susirištų savo šarvus ir arklio šarvus) ir taip pat sunkiems daiktams rišti.
Įvairūs šiuolaikinio kumihimo raštai labai lengvai audžiami ant naminių kartoninių staklių.

- Komono.
Kas lieka iš kimono, jam pasibaigus? Ar manote, kad jis išmetamas? Nieko panašaus! Japonai niekada to nepadarys. Kimono brangūs. Taip tiesiog išmesti neįsivaizduojama ir neįmanoma... Be kitų rūšių kimono perdirbimo, amatininkės iš smulkių gabalėlių gamino nedidelius suvenyrus. Tai maži žaislai vaikams, lėlės, sagės, girliandos, moteriški papuošalai ir kiti gaminiai, iš seno kimono gaminami smulkūs mieli daikteliai, kurie bendrai vadinami „komono“. Maži dalykai, kurie gyvens savo gyvenimą, tęsdamas kimono kelią. Štai ką reiškia žodis „komono“.

- Kanzashi.
Plaukų segtukų dekoravimo menas (dažniausiai puoštas gėlėmis (drugeliais ir kt.) iš audinio (daugiausia šilko). Japoniški kanzashi (kanzashi) – ilgas segtukas tradicinei japonų moteriškai šukuosenai. Jie buvo gaminami iš medžio, lako, sidabras, vėžlio kiautas naudojamas tradicinėse kinų ir japonų šukuosenose.Maždaug prieš 400 metų Japonijoje pasikeitė moterų šukuosenų stilius: moterys nustojo šukuoti plaukus tradicine forma – taregami (ilgi tiesūs plaukai) ir pradėjo juos formuoti įmantriai ir keistos formos – nihongami.naudota įvairių daiktų- plaukų segtukai, pagaliukai, šukos. Būtent tada net ir paprastos kushi šukos-šukos virsta nepaprasto grožio elegantišku aksesuaru, kuris tampa tikru meno kūriniu. Japonijos moterų tradicinis kostiumas neleido papuošalų ant riešų ir karolių, todėl plaukų papuošalai buvo pagrindinis grožis ir saviraiškos laukas – taip pat demonstruojantis savininko piniginės skonį ir storumą. Ant graviūrų matote – atidžiau įsižiūrėjus – kaip japonės lengvai pasikabino iki dvidešimties brangių kanzashi savo šukuosenose.
Dabar tarp jaunų japonų moterų, norinčių savo šukuosenoms suteikti rafinuotumo ir elegancijos, atgimsta kanzashi vartojimo tradicijos. Šiuolaikinės barrettes gali būti papuoštos tik viena ar dviem dailiomis rankų darbo gėlėmis.

- Kinusaiga.
Nuostabus rankdarbių tipas iš Japonijos. Kinusaiga (絹彩画) yra batikos ir kratinio kryžius. Pagrindinė idėja yra ta, kad nauji paveikslai yra renkami iš senų šilko kimono po gabalą - tikri darbai str.
Pirmiausia menininkas padaro eskizą ant popieriaus. Tada šis piešinys perkeliamas ant medinės lentos. Rašto kontūras perpjaunamas grioveliais, arba grioveliais, o tada iš seno šilko kimono išpjaunamos mažos spalvos ir tono derančios skiautelės, kurių kraštai užpildo griovelius. Žiūrint į tokį paveikslą apima jausmas, kad žiūri į fotografiją ar net tiesiog stebi peizažą už lango, jie tokie tikroviški.

- Temari.
Tai tradiciniai japoniški geometriniais siuvinėtais rutuliukai, pagaminti paprastomis siūlėmis, kurie kažkada buvo vaikų žaislas, o dabar tapo meno forma, kurią mėgsta ne tik Japonija, bet ir visame pasaulyje. Manoma, kad seniai šiuos gaminius samurajų žmonos gamindavo pramogai. Pačioje pradžioje jie tikrai buvo naudojami kaip kamuoliukas žaidimui su kamuoliu, tačiau pamažu pradėjo įgyti meninių elementų, vėliau virto dekoratyviniais ornamentais. Subtilus šių kamuoliukų grožis žinomas visoje Japonijoje. Ir šiandien spalvingi, kruopščiai pagaminti gaminiai yra viena iš liaudies amatų rūšių Japonijoje.

- Yubinuki.
Japoniški antpirščiai, siuvant ar siuvinėjant rankomis, dedami ant dirbančios rankos vidurinio piršto vidurinės falangos, pirštų galiukų pagalba adatai suteikiama norima kryptis, o adata stumiama per žiedą viduryje. pirštas darbe. Iš pradžių japoniški yubinuki antpirščiai buvo gaminami gana paprastai - apie 1 cm pločio tankaus audinio arba odos juosta keliais sluoksniais buvo tvirtai apvyniojama aplink pirštą ir susegta keliomis paprastomis dekoratyvinėmis siūlėmis. Kadangi jubinukai buvo reikalinga tema kiekvienuose namuose jie buvo pradėti puošti geometriniais siuvinėjimais šilko siūlais. Iš siūlių susipynimo, spalvingi ir sudėtingi raštai. Yubinuki iš paprasto namų apyvokos daikto taip pat virto daiktu, skirtu „grožėtis“, puošti Kasdienybė.
Yubinuki vis dar naudojami siuvimui ir siuvinėjimui, tačiau juos taip pat galima rasti tiesiog nešiojant ant rankų ant bet kurio piršto, pavyzdžiui, dekoratyvinius žiedus. Yubinuki stiliaus siuvinėjimu puošiami įvairūs žiedo pavidalo daiktai – servetėlių žiedai, apyrankės, temari stovai, dekoruoti yubinuki siuvinėjimais, taip pat yra tokio paties stiliaus siuvinėtų adatų gultų. Yubinuki raštai gali būti puikus įkvėpimas temari obi siuvinėjimui.

- Suibokuga arba sumie.
Japoniška tapyba tušu. Tai kinų stiliaus tapybą japonų menininkai pasiskolino XIV amžiuje, o iki XV amžiaus pabaigos. tapo pagrindine tapybos srove Japonijoje. Suibokuga yra vienspalvis. Jai būdingas juodo rašalo (sumi) naudojimas, kieta forma anglis arba pagaminta iš kiniško rašalo suodžių, kurie sumalami rašalo inde, praskiedžiami vandeniu ir teptuku tepami ant popieriaus ar šilko. Monochrome siūlo meistrui begalinį atspalvių pasirinkimą, kurį kinai seniai pripažino rašalo „spalvomis“. „Suibokuga“ kartais leidžia naudoti tikras spalvas, tačiau apsiriboja plonais, skaidriais potėpiais, kurie visada lieka pavaldūs rašalo linijai. Tapyba tušu su kaligrafijos menu dalijasi tokiomis esminėmis savybėmis kaip griežtai valdoma raiška ir techninis formos meistriškumas. Tapybos tušu kokybė, kaip ir kaligrafijoje, priklauso nuo tušu nubrėžtos linijos vientisumo ir atsparumo plyšimui, kuri tarsi laiko kūrinį ant savęs, kaip kaulai laiko audinius ant savęs.

- Etegami.
Nupiešti atvirukai (e – paveikslėlis, pažymėti – raidė). Atvirukų kūrimas „pasidaryk pats“ Japonijoje apskritai yra labai populiarus užsiėmimas, o prieš šventę jos populiarumas dar labiau išauga. Japonai mėgsta siųsti atvirukus savo draugams, taip pat mėgsta juos gauti. Tai greitas laiškas ant specialių ruošinių, gali būti siunčiamas paštu be voko. Ne etegami specialios taisyklės arba technikas, tai gali būti bet kuris asmuo be specialaus išsilavinimo. Etagami padeda tiksliai išreikšti nuotaiką, įspūdžius, tai rankų darbo atvirukas susidedantis iš paveikslėlio ir trumpo laiško, perteikiantis siuntėjo emocijas, tokias kaip šiluma, aistra, rūpestis, meilė ir kt. Šiuos atvirukus jie siunčia šventėms ir kaip tik, vaizduojančius metų laikus, veiklą, daržoves ir vaisius, žmones ir gyvūnus. Kuo paprasčiau nupieštas šis paveikslas, tuo įdomiau jis atrodo.

- Furošiki.
Japoniška vyniojimo technika arba audinių lankstymo menas. Furoshiki ilgą laiką pateko į japonų gyvenimą. Išlikę senoviniai Kamakura-Muromachi laikotarpio (1185–1573 m.) ritiniai su moterų atvaizdais, ant galvų nešiojančių drabužių ryšulius, suvyniotus į audinį. Ši įdomi technika atsirado dar 710–794 m. po Kr. Japonijoje. Žodis „furoshiki“ pažodžiui verčiamas kaip „vonios kilimėlis“ ir yra kvadratinis audinio gabalas, naudojamas apvynioti ir nešti visų formų ir dydžių daiktus.
Senovėje japoniškose pirtyse (furo) buvo įprasta vaikščioti su šviesiais medvilniniais kimono, kuriuos lankytojai atsinešdavo iš namų. Pirtininkas atsinešė ir specialų kilimėlį (shiki), ant kurio stovėjo nusirengdamas. Persirengęs į „maudymosi“ kimono, lankytojas drabužius suvyniojo į kilimėlį, o po vonios šlapią kimono suvyniojo į kilimėlį, kad parsineštų namo. Taip vonios kilimėlis tapo daugiafunkciu krepšiu.
Furoshiki labai paprasta naudoti: audinys įgauna daikto, kurį apvyniojate, formą, o rankenos leidžia lengvai nešti krovinį. Be to, dovana, supakuota ne į kietą popierių, o į minkštą, daugiasluoksnį audinį, įgauna ypatingo išraiškingumo. Yra daugybė furoshiki lankstymo schemų bet kokiai progai, kasdienai ar šventei.

- Amigurumi.
Japonijos menas megzti arba nerti mažų gyvūnų ir žmogeliukų iškamšas. Amigurumi (編み包み, liet.: „megzti-apvynioti“) dažniausiai yra mieli gyvūnėliai (pavyzdžiui, meškiukai, zuikiai, katės, šunys ir kt.), maži žmogeliukai, tačiau gali būti ir negyvi daiktai, apdovanoti žmogiškomis savybėmis. Pavyzdžiui, keksiukai, kepurės, rankinės ir kt. Amigurumi yra megztas arba megztas arba nertas. IN Pastaruoju metu Nėrimo amigurumi tapo populiaresni ir labiau paplitę.
megztas iš verpalų paprastu būdu mezgimas – spirale ir, skirtingai nei europietiško mezgimo būdu, apskritimai dažniausiai nejungiami. Jie taip pat neriami mažesniu dydžiu, palyginti su verpalų storiu, kad būtų sukurtas labai tankus audinys be jokių tarpų įdarui išeiti. Amigurumi dažnai gaminami iš dalių ir sujungiami, išskyrus kai kuriuos amigurumus, kurie neturi galūnių, o turi tik galvą ir liemenį, kurie yra viena visuma. Galūnės kartais užpildomos plastiko gabalėliais, kad būtų suteiktas gyvasis svoris, o likusi kūno dalis užpildoma pluošto užpildu.
Amigurumi estetikos sklaidą skatina jų mielumas („kawaii“).

Ermitaže vyksta įdomi paroda - Modernus menas Japonija "MONO-NO AWARE. Daiktų žavesys".

Negaliu pasakyti, kad esu šiuolaikinio meno gerbėjas. Man labiau patinka, kai yra į ką pažiūrėti (užimta grafika, arba menai ir amatai, etnosas man yra viskas). Žavėtis grynos koncepcijos grožiu man ne visada smagu. (Malevič, atsiprašau! Aš nemėgstu Juodojo kvadrato!)

Bet šiandien patekau į šią parodą!

Brangioji, jei esi Sankt Peterburge, domiesi menu ir dar nebuvai ten, tuomet paroda veiks iki vasario 9 d.! Eik, nes tai įdomu!

Sąvokos mane šiek tiek įtikina, kaip rašiau aukščiau. Kažkaip pagalvojau, kad per metus, kai lankau šiuolaikines parodas, vienas ar du objektai man atrodo juokingi. Ir daugelis dalykų manęs taip neliečia, kad man gaila laiko, kurį praleidau. Bet tai yra bet kuriame žanre, bet kokiame mene, talento ir vidutinybės santykio procentas, gerai, jei jis yra vienas iš dešimties! Bet man patiko šis pasirodymas.

Japonų kūriniai buvo patalpinti Generalinio štabo parodų salėse. Pirmoji lankytojus pasitinkanti instaliacija – neįtikėtinas labirintas, užpildytas druska ant grindų. Pilkos grindys, balta druska, neįtikėtinai tvarkingai pažymėta erdvė, supinta į vieną lauką. Didelis parodų salė, o baltas ornamentas pasklido po grindis kaip koks nuostabus lopšys. Ir jūs suprantate, koks laikinas šis menas. Paroda bus uždaryta, labirintas bus nušluotas šluota. Kartą žiūrėjau filmą „Mažasis Buda“. Ir ten pradžioje budistų vienuolis iš spalvoto smėlio išklojo sudėtingą ornamentą. O filmo pabaigoje vienuolis padarė aštrų judesį teptuku ir titaniškas darbas išsisklaidė vėjyje. Tai buvo, tada šokinėkite, ir ne. Ir sako: vertink grožį čia ir dabar, viskas praeina. Taigi šis druskos labirintas pradeda su tavimi dialogą, tu pradedi atsakyti į klausimus, kuriuos jis tau pateikia. Menininkas yra Motoi Yamamoto.

Taip taip! Tai toks didelis labirintas, ar pajutote mastelį?

Antrasis objektas, kuris žavi, yra didžiulis Yasuaki Onishi kupolas iš polietileno ir juodos dervos. Neįprastai nuspręsta erdvė. Ant juodų ploniausių nelygių dervos siūlų kabo, šiek tiek judantis, kupolas .... arba kalnas su sudėtingu reljefu. Įėjus į vidų matosi margas taškelių raštas – vietos, kur prilimpa sakai. Juokinga, lyg tyliai pliauptų juodas lietus, o tu – po baldakimu.

Kaip atsirado ši technika? Juokinga, tiesa? Tačiau gyvai atrodo „gyvesnis“, kupolas šiek tiek siūbuoja nuo pravažiuojančių lankytojų kuriamo vėjelio. Ir yra jūsų sąveikos su objektu jausmas. Galite įeiti į „urvą“, pamatyti iš vidaus, kaip yra!

Bet kad nesusidarytų įspūdis, kad viskas buvo tik juoda ir balta, įdėsiu čia dar porą kompozicijos nuotraukų, padarytų iš kartu sujungtų lankelių. Tokios spalvotos juokingos plastikinės garbanos! Taip pat galite pereiti per šį kambarį, lankų viduje, arba galite pažvelgti į viską iš išorės.

Šie daiktai yra mano mėgstamiausi. Žinoma, netrukus konceptualus šiuolaikinis menas taps kitoks, dera su nauju laiku. Ji negrįš į seną ir neliks tokia, kokia yra dabar. Tai pasikeis. Tačiau norint suprasti, kas buvo, kur veržėsi upelis ir kas ir iš kur jis ateina, reikia žinoti, kas vyksta dabar. Ir nesidrovėkite, kad neee, koncepcija ne man, bet pabandykite ją pamatyti ir įvertinti. Talentų, kaip visada, mažai, bet jų yra. O jei eksponatai sulaukia atgarsio, tai dar ne viskas prarasta!!!

Šiuolaikinis pasaulis dažnai kaltinamas dvasinė krizė, griaunant ryšius su tradicijomis, globalizacijoje, neišvengiamai sugeriančioje tautinius pamatus. Viskas yra suasmeninta ir nuasmeninta vienu metu. Jei vadinamąjį klasikinį meną galėtume skirstyti į tautines mokyklas ir įsivaizduok tai ten italų menas kas yra vokiečių, o kas prancūzų menas; ar galime šiuolaikinį meną skirstyti į tas pačias „mokyklas“?

Atsakydamas į šį klausimą, norėčiau jūsų dėmesiui pristatyti Japonijos šiuolaikinį meną. Konferencijoje m Meno muziejus Tokijo universiteto profesorius Michio Hayashi, praėjusiais metais Mori kalbėdamas apie internacionalizmą šiuolaikiniame mene, teigė, kad 1980-aisiais Vakaruose populiarų „japoniškumo“ suvokimą sutvirtino „kičo“, „natūralumo“ ir „technologinio sudėtingumo“ trejybė. “. Šiandien populiarus, o ypač komerciškai populiarus Japonijos šiuolaikinis menas vis dar gali būti įtrauktas į šį trikampį. Vakarų žiūrovui jis išlieka paslaptingas ir originalus specifinės savybės būdingas tik šalies menui kylanti saulė. Rugpjūčio mėnesį Vakarai ir Rytai susitiko iš karto trijose meno vietose: iki rugpjūčio 8 dienos Manhetene (515 W 26th Street, Chelsea, Manhattan) veikė paroda „Egzistencijos dvilypumas – post-Fukušima“, ekspozicija „teamLab: Ultra“. Subjektyvi erdvė“ truko iki rugpjūčio 15 d. yra praktiškai šalia (508-510 W 25th Street, Chelsea, Manhattan); ir Takashi Murakami „Arhat ciklas“ Palazzo Reale Milane vis dar užkariauja ir stebina lankytojus.

Visi rodomi meno kūriniai buvo sukurti po 2011 m. kovo 11 d., kai Japoniją užklupo cunamis. Branduolinė nelaimė Fukušimos atominėje elektrinėje sutraukė tautą, privertė persvarstyti prioritetus ir vertybes bei vėl atsigręžti į seniai pamirštas tradicijas. Menas negalėjo stovėti nuošalyje ir pristatytas pasauliui naujo tipo menininkas, orientuotas į šiuolaikinio žiūrovo poreikius, o kartu gerbdamas istorinius pagrindus ir vertybes.

Takashi Murakami – reklama sėkmingas menininkas, kuri išpopuliarino techno kičą ir sukūrė naują vizualinės kalbos superflat, paremtą japonų nihonga tapybos tradicijomis ir anime bei mangos specifika. Jo atkartotų skulptūrų ir siaubingų instaliacijų ideologija buvo parodyti pokyčius Japonijoje po karo, kai įsivyravo vartotojiškumas. Tačiau 2011 m. kovo 11 d. padalijo Japonijos gyvenimą į „prieš“ ir „po“, kaip dvi baisios 1945 m. rugpjūčio dienos, kai ant Hirosimos ir Nagasakio buvo numestos branduolinės bombos. Po to stipraus žemės drebėjimo, atvedusio prie siaubingų pasekmių, Murakami ėmėsi budizmo ir japonų estetikos permąstymo keliu, žengė žingsnį grįžimo prie ištakų ir dvasingumo link. Pirmasis kūrinys, inicijavęs Arhatų ciklą, yra 500 Arhatų, parodytas Takashi Murakami personalinėje parodoje Dohoje, Katare 2012 m. Grįžimą prie budizmo temų autorius aiškina kaip bandymą suvokti, kad šiame pasaulyje egzistuoja ne tik mes, kad yra nuo mūsų nepriklausomos jėgos ir kad mes turime kaskart tobulėti, kad nustotų būti priklausomi nuo mūsų. savų norų ir paveikia. Tanki arhatų siena, tarsi sauganti publiką nuo siautėjančių stichijų per visus 100 metrų drobės, įskiepijo ramybę ir ramybę kiekvieno sieloje. Tačiau Murakami neapsiribojo tik vienu kūriniu ir tęsė paveikslų ciklą, papildydamas ir išplėsdamas pasakojimą, tarsi pasitelkdamas mangos techniką ir pasakodamas istoriją vizualiniame dizaine. Antroji ciklo dalis buvo pristatyta galerijoje Blum & Poe ( Los Andželas) 2013 m. Šiandien Milane arhatai jau trečią kartą keliauja po pasaulį, skleisdami sugrįžimo prie dvasingumo ir aistrų išsižadėjimo idėją. Nepaisant ryškumo ir prasmės gilumo, paveikslai lengvai suvokiami dėl drąsaus ir ryškaus spalvinio sprendimo, pačios meninės kalbos. Manga elementai atnešė jiems būtiną populiarinimo dalį, kad transliuojamos budizmo idėjos būtų lengvai perskaitytos ir priimtos net nežinančios visuomenės.

Kitu šiuolaikinės japonų tapybos atstovu galima pavadinti Murakami mokinį Kazuki Umezawa, kuris sugrąžina mus prie mokyklos ir tęstinumo klausimo. Jis kuria skaitmeninius anime personažų atvaizdus, ​​piešdamas juos ant lipdukų, kad sukurtų papildomą gylį ir vizualinį chaosą. Iš atsitiktinių ir visame internete išsibarsčiusių vaizdų jis konstruoja koliažus, laužo fonus, kuria mandalas, atspindinčias otaku (anime ir mangos gerbėjų) vaizduotės struktūrą ir turinį. Kreipimasis į budizmo simbolį sustiprina jauno menininko darbų semantinę vertę, viena vertus, susiejant sakralumą ir kultūroje įsitvirtinusią, kita vertus, šiuolaikines problemas, bet vėlgi įtraukiant specifinį japonų reiškinį. anime.

Takashi Murakami ir Kazuki Umezawa meistriškai balansuoja tarp aktualumo ir tradicijos, kičo ir stiliaus.

Keista, bet po 2011 metų kovo 11 dieną Japonijoje įvykusio žemės drebėjimo devynias dienas po namo griuvėsiais įstrigęs ir išgelbėtas 16-metis, žurnalisto paklaustas apie savo ateities svajones, atsakė: „Aš nori tapti menininku“.

vyks šiuolaikinio japonų meno paroda „Dviguba perspektyva“.

1. Japonijos šiuolaikiniame mene yra daug neįprastų dalykų. Pavyzdžiui, šie Izumi Kato paveikslai yra sukurti rankomis, nenaudojant teptuko.

2. Iš pirmo žvilgsnio gali atrodyti, kad tai paprastos lemputės. Tačiau šis gilią prasmę turintis kūrinys skirtas 38-ajai lygiagrečiai, skiriančiai Šiaurės ir Pietų Korėją.

3. Žinoma, kiekviename darbe yra kažkokia gili prasmė, kuri slypi ne paviršiuje, bet net ir neradus galima tiesiog pasigrožėti, pavyzdžiui, šios meistriškai pagamintos rožės grožiu.

4. tai Kenji Yanobe darbas apie tai, kaip žmogus gali išgyventi pasaulio pabaigą

6. Tai garsiausias jo kūrinys „Saulės vaikas“, sukurtas po avarijos Fukušimos atominėje elektrinėje.

8. Makoto Aida "Bonsai Ai-chan"

9. tai irgi šiuolaikinis japonų menas

10. intersny projektas "Leninas ieškomas Maskvos butuose". Yoshinori Niva maskvėnų namuose ieškojo išsaugotų daiktų, susijusių su Lenino asmenybe. Keisčiausia, kad tai padarė ne rusas, o japonas.

14. Beje, šiam darbui buvo naudojamos tikros žiurkių iškamšos.

15. Šiose nuotraukose matyti žmonių baimės