Evige farger: Dürers selvportrett. De siste selvportrettene av Albrecht Dürer

selvportrett,

Opprettelsesår: 1500.

Tre, olje.

Original størrelse: 67×49 cm.

Alte Pinakothek, München / Selbstbildnis im Pelzrock, 1500. Öl auf Holz. 67 × 49 cm. Alte Pinakothek, München.

Beskrivelse av maleriet av Albrecht Durer "Selvportrett"

Dette fantastiske bildet ble holdt unna nysgjerrige øyne i veldig lang tid. Familien ønsket ikke å vise den til allmennheten. Det ble skrevet for fullt, et sted i 1500. Det var en nyvinning. Tidligere ble portretter avbildet i en semi-profil, i profil. I denne formen, som Dürer malte, kunne bare bilder relatert til religion avbildes. Og i vår tid er dette selvportrettet veldig populært og kjent.

"Selvportrett" eller på en annen måte heter det "Selvportrett i klær trimmet med pels" kjent maleri. Den skildrer en ung mann. Ikke eldre enn 30 år. Med langt bølget hår, skjegg og bart. Hår, som om såret før posering på curlers. Lepper ung mann vakker. Den nedre delen av leppen er litt fyldig. Et smart utseende, vakre, men trøtte øyne, sarte hvite hender vitner om et ansikt som ligner på Jesus Kristus. En av hendene hviler på kragen på morgenkåpen. Dette er kunstneren selv. Kledd i elegante rike klær, en krage trimmet med pels.

På begge sider er det noen notater på bildet. Vanligvis ble disse gjort på den tiden på ikoner. Likheten til kunstneren med utseendet til frelseren er åpenbar. Det klassiske tynne ansiktet, skjegget og barten minner om Jesus.

Med sitt portrett ville kunstneren vise en mann fra den nye tiden. Sammenlign det med Gud. Han ønsket å forlate ansiktet i ungdommen på lerretet. Døden skulle ikke røre ham, han ville lage et selvportrett for tidene. Og han klarte det utmerket. Malingen skal ikke falme med årene. Slike malerier var veldig karakteristiske for den tidens epoke. Kunstneren satte dermed et ufattelig preg på utseendet i alle generasjoner. Han oppnådde det han ønsket og det han snakket om til sine samtidige. Proklamerte menneskeidealet.

Den første tredjedelen av 1500-tallet er portrettkunstens storhetstid i Tyskland. Albrecht Dürer (1471-1528) er utvilsomt grunnleggeren av renessanseportrettet i sin "humanistiske" ikonografi.

Selvportrettet av 1500 er et av de mest betydningsfulle verkene til Albrecht Dürer, og markerer hans fulle kreative modenhet. Alle elementer av naiv fortelling forsvinner fra dette portrettet; den inneholder ingen attributter, detaljer om situasjonen, ingenting sekundært, som distraherer betrakterens oppmerksomhet fra bildet av en person. Bildet er basert på ønsket om generalisering av bildet, ryddighet, ytre og indre balanse.

Men den største kreative ærligheten til Dürer og oppriktigheten som aldri forråder ham, gjør at han tilfører dette bildet et snev av angst og angst. En liten rynke mellom øyenbrynene, konsentrasjon og en fremhevet seriøsitet i uttrykket gir ansiktet et snev av subtil tristhet. Rastløs er den fulle dynamikken til brøkdel krøllete hårlokker som rammer inn ansiktet; tynne uttrykksfulle fingre ser ut til å bevege seg nervøst og sortere gjennom pelsen på kragen.

Dürer la spesielt vekt på dette portrettet. Han markerte det ikke bare med sitt monogram, men forsynte det med en latinsk inskripsjon: "Jeg, Albrecht Dürer, en Nürnberger, malte meg selv i slike evige farger ..." Bokstavene er skrevet i gullmaling, de gjengir de gylne blinkene i håret og understreke det høytidelige i portrettet.

Se på dette portrettet. Ser du Kristus? Og her er det ikke. Dette er et selvportrett tysk kunstner Albrecht Dürer 1500. Det ser ut til at for en uhørt frekkhet for begynnelsen av 1500-tallet, da mennesker ble avbildet i portretter i halvprofil eller i profil. Hva vil Dürer fortelle oss med dette?
Dürer er en av renessansens største kunstnere, tyskeren Leonardo da Vinci. Han er en av 18 (!) barn av gullsmeden. Allerede i en alder av 13 stolte faren på at han tegnet skisser til fremtidige smykker. Dürer er ikke bare en allsidig maler: han malte i oljer, malte graveringer, laget glassmalerier. Han etterlot seg mange arbeider om matematikk og astrologi. Og nå, et selvportrett i Kristi bilde.
Dürer var en ivrig kristen. Dette selvportrettet er kronen på verket av hans filosofiske refleksjoner over menneskets plass i denne verden. Han setter seg på linje med Gud, fordi han, Dürer, også er en skaper. Og det er enhver kristens plikt å bli lik Jesus Kristus.
Du kan se dette selvportrettet i Alte Pinakothek i München.

Titanen fra den vesteuropeiske renessansen, genialiteten fra renessansen Albrecht Dürer var en av de lyseste stjernene i himmelen tysk maleri. Den største kunstneren fra århundreskiftet XV-XVI ble berømt for sine graveringer på tre og kobber; landskap laget i akvarell og gouache, realistiske levende portretter. Han ble den første kunstteoretikeren i historien. Som en diversifisert person skapte Albrecht Dürer ikke bare fremragende verk, men intellektuelle mesterverk. Blant dem er graveringen "Melancholia" med sin magiske firkant.

Den briljante kunstneren ble berømt for sine selvportretter, som inneholdt både dyktighet og forfatterens unike idé. I løpet av sin levetid skapte Albrecht Dürer minst 50 slike verk, men få har overlevd til i dag. Hva er bemerkelsesverdig med Dürers selvportretter? Hvorfor får de fortsatt entusiastiske beundrere av arbeidet hans til å skjelve?

Selvportretter som en biografi om Albrecht Dürer

Biografer sier at mesteren Albrecht Dürer var en ekstremt attraktiv ung mann, og kjærligheten til selvportretter skyldtes delvis et forgjeves ønske om å glede folk. Dette var imidlertid ikke deres sanne hensikt. Dürers selvportretter er en refleksjon av hans indre fred og syn på kunst, historien om utviklingen av intellektet og utviklingen av kunstnerisk smak. På dem kan du spore hele livet til kunstneren. Hver av dens stadier er et nytt verk, påfallende forskjellig fra det forrige. Dürer gjorde selvportrettet til en egen sjanger i kunst, og arbeidet hans som helhet har blitt en levende biografi om kunstneren. Noen ganger kan de fortelle mer enn noen bok.

Det første selvportrettet av den store kunstneren

Det første selvportrettet av Albrecht Dürer ble laget i 1484. Da var kunstneren bare tretten år gammel, men han visste allerede hvordan han skulle formidle proporsjonene riktig og mestret sølvnålen perfekt. De unge Albrecht deduserte for første gang konturene av ansiktet hans. Dette verktøyet etterlater et sølvfarget spor på grunnet papir. Over tid får den en brun fargetone. Det er nesten umulig å slette det fra arket uten å skade jorda. Tretten år gamle Albrecht malte imidlertid et portrett av dem, hvis skapelse ville ha forårsaket vanskeligheter selv for en erfaren kunstner på den tiden.

På bildet ser den unge Dürer gjennomtenkt og samtidig streng ut. Blikket hans er fylt av sorg og besluttsomhet. Håndbevegelsen snakker om et uforsonlig ønske om å nå målet sitt - å bli en stor mester i sitt håndverk. En dag så Albrechts far sønnens arbeid. Dürers første selvportrett imponerte den talentfulle gullsmeden. Faren ønsket alltid at sønnen skulle følge i fotsporene hans, men fordi han satte pris på arbeidet til Albrecht, sendte han ham for å studere ved atelieret til kunstneren Michael Wolgemuth. Der lærte unge Dürer det grunnleggende om maling og gravering.

Tidlig selvportrett i penn

På slutten av opplæringen dro hver kunstner, etter datidens tradisjon, på reise. På reise måtte han få erfaring fra mestere fra fjerne land. Albrecht Dürer fulgte også denne veien. Selvportrettet, skrevet av ham under en reise til Europa, ble laget på en helt annen måte. Det viser evnen til en ung kunstner til å reflektere på papir indre tilstand menneskelig sjel. Denne gangen brukte Dürer en penn, og humøret hans var annerledes. I tegningen «Selvportrett med bandasje» er Albrechts ansikt fullt av pine og utilslørt smerte. Det er dekket med rynker, noe som gjør bildet mer dystert. Årsaken til plagene er ikke kjent med sikkerhet, men det er ingen tvil om at de fant sted.

Selvportrett, 1493

Ved slutten av Albrechts vandringer overtok nyheten om hans forestående ekteskap. Så, på 1400-tallet, valgte foreldrene selv et par til barna sine. Albrechts far fant en brud fra en adelig familie i Nürnberg. Den unge kunstneren hadde ikke noe imot å gifte seg med Agnes Frey. Det er et synspunkt at det var i anledning en slik begivenhet at Dürer skrev Selvportrett med en tistel. I disse dager ble det ansett som normen at fremtidige ektefeller møttes rett i bryllupet, så den unge kunstneren bestemte seg for å gi sin fremtidige kone en spesiell gave.

På portrettet er Albrecht 22 år gammel. Den unge mannen festet blikket på avstanden. Han er fokusert og gjennomtenkt. Albrechts øyne myser litt på grunn av det faktum at han jobbet med portrettet og så seg selv i speilet. Kunstneren holder en tistel i hendene. Han ble gjenstand for kontrovers mellom fans av Dürers arbeid.

Kontrovers rundt "Selvportrett med tistler"

Ekvivalenten til ordet "tistel" i tysk er männertreu, som bokstavelig talt oversettes som "mannlig troskap". Dette indikerer tydelig at selvportrettet var ment for Agnes Frey. Imidlertid hevder motstandere av dette synspunktet at tistelen er et symbol på Kristi lidenskap, og plantens torner personifiserer Jesu pine. I tillegg skrev Dürer på et selvportrett: «Den allmektige styrer mine saker». Og dette indikerer også tydelig at dette bildet er et uttrykk for kunstnerens ydmykhet og hengivenhet til Gud, og ikke en gave til hans fremtidige kone. Imidlertid visste bare Dürer selv sannheten.

Italiensk verk, 1498

Det neste verket til mester Albrecht i sjangeren selvportrett ble allerede laget i Italia. Kunstneren ønsket alltid å reise til dette landet og bli kjent med den unike tradisjonen italiensk maleri. Den unge kona og familien hennes støttet ikke ideen om å reise, men pestepidemien som feide over Nürnberg gjorde den ønskede turen mulig. Durer ble truffet av det lyse opprøret av farger i italienske landskap. Han skildret naturen med en utrolig klarhet for den tiden. Dürer ble den første landskapsmaleren i kunsthistorien. Hans ideal var nå det riktige bildet, tilsvarende natur og geometri. Den kreative atmosfæren i Italia hjalp ham til å akseptere seg selv som en innovativ kunstner. Og dette gjenspeiles fullt ut i hans italienske selvportrett.

Den skildrer en selvsikker person som har realisert sitt kall, oppdraget til skaperen av det vakre og tenkerens trosbekjennelse. Det var Dürer. Selvportrettet, hvis beskrivelse gjør det mulig å bedømme endringene i hans selvbevissthet, ble et av de mest kjente verkene til kunstneren. Durer er full av verdighet på det. Holdningen hans er rett, og blikket uttrykker tillit. Albrecht er rikt kledd. Hans forsiktig krøllede hår faller over skuldrene hans. Og i bakgrunnen av selvportrettet kan man se det italienske landskapet - den rene inspirasjonen til kunstneren.

Fire temperamenter

Durers neste verk gjenspeiler fullt ut hans natur som tenker, så vel som ønsket om selverkjennelse. Selvportrettet er dedikert til den greske læren om de fire temperamentene. Ifølge ham er folk delt inn i melankolske og flegmatiske. På graveringen Bad for menn» stor kunstner legemliggjorde hver type temperament i en individuell person. Durer betraktet seg selv som en melankoliker. En ukjent astrolog fortalte ham en gang om dette. Det kan antas at det er i denne rollen han er avbildet i graveringen. Artisten fremstilte seg selv som en fløytist som underholdt vennene sine.

"Selvportrett i Kristi bilde", 1500

Dürer kom tilbake fra Italia, ikke lenger en engstelig student, men en mester i sitt håndverk. Hjemme mottok Albrecht mange bestillinger som ga ham berømmelse. Arbeidet hans var allerede kjent utenfor hjemlandet Nürnberg, og kunstneren satte selv virksomheten sin på kommersiell basis. Samtidig nærmet det seg et nytt århundre, hvis begynnelse skulle markeres ved verdens undergang. Den spente perioden med eskatologisk forventning hadde en betydelig innvirkning på Mester Albrecht. Og i 1500 mest bemerkelsesverdig arbeid, som Dürer laget - "Selvportrett i Kristi bilde."

Han fanget seg selv fra fronten, noe som var en ufattelig dristighet på 1500-tallet. Alle portretter på den tiden hadde en ting til felles: vanlige folk alltid framstilt halvt i ansiktet, og bare Jesus var et unntak. Dürer ble den første artisten som brøt dette uuttalte forbudet. Bølgete hår perfekt få det til å se ut som Kristus. Selv hånden, avbildet nederst på lerretet, er brettet i en gest typisk for den hellige far. Fargene i bildet er dempet. Mot en bakgrunn av svart, rødt, hvitt og brune nyanser kunstnerens ansikt skiller seg ut. Kledd i kapper trimmet med pels, syntes mester Albrecht å sammenligne seg med en skaper som skaper sin egen spesielle, mystiske og unike verden med meisel og børste.

Religiøse selvportretter

Dürers påfølgende selvportretter hadde en uttalt religiøs karakter. 1500-tallet var fullt av omveltninger knyttet til erkjennelsen av Guds rolle i livet til en vanlig person. Et gjennomførbart bidrag til denne saken ble gitt av Martin Luther, som prøvde å formidle essensen av kristen lære til mennesker. Og Dürer skrev en rekke religiøse komposisjoner. Blant dem er rosenkransens fest og tilbedelsen av den hellige treenighet. På dem er Dürer ikke bare en mester, men også en deltaker i hellige handlinger. På denne måten hyllet han hengivenheten til Gud.

Det mest ærlige selvportrettet

Et av de mest kontroversielle og mystiske verkene til kunstneren, "Naked Self-Portrait", bærer religiøse overtoner. Albrecht Dürer fremstilte seg selv som Kristus Martyren. Dette vitnes om av et tynt ansikt, en avmagret kropp, en positur som minner om Jesus under piskingen. Selv hudfolden som er avbildet av kunstneren over høyre lår kan ha en symbolsk betydning. Det var et av sårene som Kristus fikk.

Tegningen er laget med penn og pensel på tonet grønt papir. Eksakt tidspunkt opprettelsen av et selvportrett er ukjent, men basert på alderen til kunstneren på bildet kan det antas at han malte det i det første tiåret av 1500-tallet. Det er autentisk kjent at forfatteren holdt verket hjemme og ikke presenterte det for allmennheten. Ikke en eneste kunstner før eller etter ham avbildet seg selv helt naken. Tegningen, sjokkerende med sin åpenhet, kan knapt finnes i publikasjoner viet kunst.

De siste selvportrettene av Albrecht Dürer

Dürers påfølgende selvportretter spådde hans nært forestående død. I Nederland ble han rammet av en merkelig lidelse, som ingen på den tiden ante noe om. Nå kan historikere bare spekulere i at det var malaria. Kunstneren hadde problemer med milten, noe han tydelig påpekte i selvportrettet «Dürer er syk» med en gul flekk. Han sendte denne tegningen til legen sin og skrev til ham kort melding. Det stod at stedet der den gule flekken er avbildet forårsaker smerte. Refleksjon av kunstnerens fysiske tilstand og fortsettelse religiøst tema ble «Selvportrett i den lidende Kristus' bilde». Den skildrer Dürer, plaget av en ukjent sykdom og åndelig splid, som kanskje var årsaken til reformasjonen og hendelsene knyttet til den.

Han døde snart, og etterlot sine etterkommere den største arven fra sin tid. Dürers selvportretter, holdt i det meste kjente gallerier verden, som Louvre i Paris og Prado i Madrid, fortsatt forbløffe med sine indre styrke og nesten mystisk skjønnhet.

Albrecht Dürer var den første i historien til tysk (og i det store og hele av alle europeiske) malerier som malte selvportretter. Betraktet i kronologisk rekkefølge er de det unik historie menneskelig kunnskap om seg selv, naturen og Gud.

Det første selvportrettet av 13 år gamle Dürer

Albrecht Durer. selvportrett

Albrecht Dürer Sr. (1, 2), en ungarsk nybygger, hadde et smykkeverksted i Nürnberg og 18 døtre og sønner, hvorav fire overlevde. Den tredje av Dürer-barna, også Albrecht, i likhet med sin far, fra en alder av ti tilbrakte hele dagen i verkstedet. For å fortelle sannheten, først så han bare nøye på. Jeg så hvordan flerfargede steiner settes inn i en ramme, og ble en del av en ring eller et halskjede; hvordan en vridd pryd av blader og knopper gradvis, adlydende farens meisel, vikler inn halsen på en sølvvase, og en forgylt kalk (en kirkeskål for å ta nattverd) «overvokser» med en vinranke og klaser. I en alder av tretten hadde faren allerede instruert Albrecht Jr. om å lage skisser for det samme halskjedet, kronen eller bollen. Den tredje sønnen til Dürers hadde en fast hånd, et utmerket øye og en sans for proporsjoner. Hans gudfryktige far kunne takke himmelen for at familiebedriften hadde gode langtidsutsikter.

Albrecht Durer. dobbel beger

Albrecht Durer. Keiserlig krone
Skisser av smykker laget av Dürer allerede i voksen alder.

En gang ved å ta en sølvblyant, som er vanlig for en gullsmedlærling, som ikke tillater noen rettelser, avbildet 13 år gamle Albrecht seg selv, med henvisning til refleksjonen i speilet. Det viste seg å ikke være lett – hele tiden å se fra refleksjonen til papiret og tilbake, for å beholde samme positur og ansiktsuttrykk. Det var enda mer eksotisk å innse at akkurat nå er det tre Albrechts i studio - en i et amalgam av et speil, den andre dukker gradvis opp på papiret, og den tredje, som konsentrerer alle sine åndelige krefter, prøver å lage de to første sammenfaller så mye som mulig. Han tegnet bare ikke den magiske blyanten sin - han tegnet bare en skjør børste med en utstrakt finger, som om han pekte på noe usynlig for oss eller prøvde å måle noe.

Til høyre øvre hjørne inskripsjonen ble laget: «Jeg malte meg selv i et speil i 1484 da jeg fortsatt var barn. Albrecht Dürer". I Tyskland på slutten av 1400-tallet ble ikke selvportretter akseptert. Den 13 år gamle Dürer kunne ikke se noen prøver, akkurat som han ikke kunne anta at når det først var takket være ham i Europeisk kunst sjangeren selvportrett skal etableres. Med interessen til en naturforsker, så karakteristisk for renessansen, fikset Albrecht ganske enkelt gjenstanden som interesserte ham – hans eget ansikt – og prøvde ikke å dekorere, heroisere eller kle seg ut (slik han ville gjort når han vokste opp).

«Dette rørende ansiktet med barnlige lubne kinn og brede åpne øyne , - beskriver det første selvportrettet av Dürer, kunsthistoriker Marcel Brion. — De svulmende øynene, som øynene til en rovfugl, kan se på solen uten å blunke. Tegningen på dette stedet er noe udugelig. En sølvblyant, mer egnet for den møysommelige nøyaktigheten til gullsmedens skisser, skisserer skarpt kurven til øyelokkene, gjenskinnet i øyeeplet. Blikket er konsentrert og nærmest hallusinatorisk, noe som kan skyldes noe keitet hos den unge tegneren, eller kanskje en fantastisk intuisjon, som allerede da var et kjennetegn på den lille Dürers karakter. Ansiktet er vendt tre fjerdedeler, og avslører en mild oval av fulle kinn, en krokete nese, som ligner på et nebb. Det er en slags ubesluttsomhet og ufullstendighet i guttens ansikt, men nesen og øynene vitner om forfatterens eksepsjonelle individualitet, selvsikker, mester over hans sjel og skjebne.»

Selvportrett med studie av hånd og pute og selvportrett med bandasje

Albrecht Durer. Selvportrett med en studie av en hånd og en pute (forsiden av arket)

Albrecht Durer. Seks putestudier (baksiden av "Selvportrett med studier av en hånd og en pute")

Albrecht Durer. Selvportrett med bandasje
1491

Følgende grafiske selvportretter av Albrecht Dürer som har kommet ned til oss ble laget i 1491-1493. Forfatteren deres er litt over tjue. Her er ikke sølvblyant allerede brukt, men penn og blekk. Og Dürer selv er ikke lenger gullsmedlærling, men aspirerende kunstner. Faren var veldig lei seg for den meningsløse innsatsen som ble brukt på å lære Albrecht «gull og sølv håndverk», men da han så utholdenheten som sønnen streber etter å bli kunstner med, sendte han ham for å studere hos maleren og skjæreren Michael Wohlgemut, hvoretter Dürer dro, som det ble tatt, på en kreativ reise. "Årene med vandring" da disse selvportrettene ble utført vil gjøre ham til en sann mester.

Et selvportrett med en skisse av en hånd og en pute ser ved første øyekast ut til å være noe som en karikatur, en vennlig karikatur av seg selv. Men mest sannsynlig nei hemmelig betydning det er det ikke, og det er bare en grafisk øvelse. Dürer "fyller hånden sin", trener på å lage fullverdige tredimensjonale objekter ved hjelp av skravering og analysere hvordan strekene fikser deformasjonene deres: på baksiden av selvportrettet er det 6 forskjellig krøllete puter.

Emnet for Dürers nære oppmerksomhet i selvportrettstudier, sammen med ansiktet, er hendene. Som en utmerket tegner anså Dürer hendene for å være en av de mest betydningsfulle og interessante gjenstandene å studere og skildre. Han ga aldri en generalisert hånd, han utarbeidet alltid lettelsen av huden, de minste linjer og rynker. En skisse for en av Dürers altertavler, Hands of a Prayer/Apostle (1508), er for eksempel kjent som et selvstendig verk. For øvrig ble tynne børster med lange fingre som smalt oppover, som Dürer selv eide, ansett som et tegn på høy åndelig perfeksjon på sin tid.

I disse to ungdomsportrettene leser kunsthistorikere «bekymring, agitasjon, selvtillit». Et følelsesmessig trekk er allerede åpenbart i dem, som vil bli bevart i alle videre selvportretter av kunstneren: i ingen av dem skildret han seg selv glad, eller i det minste med en skygge fra et smil. Dels var dette en hyllest til billedtradisjonen (ingen ler i middelaldermaleriet), men dels gjenspeilte det karakteren. Etter å ha arvet fra sin far en uunngåelig familiestillhet og dysterhet, har Dürer alltid vært en kompleks, intenst tenkende natur, fremmed for selvtilfredshet: Det er ikke for ingenting at Dürers berømte gravering "Melancholia" ofte kalles hans åndelige selvportrett.

Selvportrett med kristtorn

Albrecht Durer. Selvportrett med en kristtorn (Selvportrett med en tistel)
1493, 56×44 cm

Mens Dürer reiste i nærheten av Øvre Rhinen og forbedret seg, ble han kjent med kjente artister Tyskland og skisserte utsikt over byer og fjell, hans far i Nürnberg forlovet ham en brud. Om matchmaking som et fait accompli informerer han sin intetanende sønn, som i det øyeblikket var i Strasbourg, per brev. Om jenta Agnes Frei skrev faren nesten ingenting til Dürer, men han fortalte mye om foreldrene hennes: den kommende svigerfaren Hans Frei, mester for interiørfontener, er i ferd med å bli utnevnt til Stort råd Nürnberg, og svigermoren er generelt fra det patrisiske (riktignok fattige) Rummel-dynastiet.

Den eldste Dürer, som selv kom ut av de ungarske korndyrkerne, ønsket virkelig å gjøre en god kamp for Albrecht og krevde derfor at sønnen skulle avslutte alle sine uferdige saker og returnere til Nürnberg, og i mellomtiden, er han en kunstner nå eller WHO? - skriv og send etter Agnes hennes eget portrett, slik at bruden kan forestille seg hvordan hennes forlovede ser ut, som hun aldri hadde sett før.

Et portrett utført i familie liv Dürer, rollen som en slags «forhåndsvisning», regnes som «Selvportrett med kristtorn» (1493). Det ble ikke skrevet på tre, som de fleste portretter på den tiden, men på pergament (de innrømmer at det var lettere å sende portrettet i denne formen), først i 1840 ville bildet bli overført til lerret. Dürer er 22 år her. For første gang i et selvportrett er hans oppgave ikke å kjenne seg selv, men å vise seg for andre, som om å "presentere" sitt utseende og personlighet for verden. Og for Dürer viser dette seg å være en interessant utfordring, som han reagerer på med spesiell kunstnerisk lidenskap. Dürer fremstiller seg selv med en trassig, karneval-teatralsk eleganse: den tynne hvite skjorten hans er knyttet med lilla snorer, ermene på overkjolen hans er dekorert med slitser, og den ekstravagante røde hatten hans ser mer ut som en dahliablomst enn en hodeplagg.

Dürer klemmer med fingrene en elegant torn, hvis natur og symbolikk er omstridt. På russisk satt navnet "Selvportrett med kristtorn" fast bak bildet, men planten, som på russisk kalles kristtorn (eller kristtorn) blomstrer og ser litt annerledes ut. Fra botanikernes synspunkt holder Dürer i hendene Eryngium amethystinum - en ametyst eryngium, den kalles også "blåtistelen". Ifølge en versjon peker den fromme Dürer på sin "trosbekjennelse" - Kristi tornekrone. En annen versjon sier at i Tyskland, på en av dialektene, er navnet på eryngium Männer treu ("mannlig troskap"), noe som betyr at Dürer gjør det klart at han ikke kommer til å krangle med faren og lover Agnes å være trofast ektemann. Inskripsjonen på en mørk bakgrunn My sach die gat / Als es oben schtat er oversatt som "Mine gjerninger er bestemt ovenfra"(det er også en rimoversettelse: "Min virksomhet fortsetter, som himmelen beordret"). Det kan også tolkes som et uttrykk for underkastelse til skjebnen og foreldrenes vilje. Men kostymet sier: "Jeg vil gjøre som min far sier, men dette vil ikke hindre meg i å være meg selv og bevege meg langs den valgte veien".

Albrecht Durer. Kona Agnes

Albrecht Durer. Agnes Dürer

Grafiske portretter av Agnes Dürer (1495 og 1521) laget av mannen hennes med et kvart århundres mellomrom

Albrecht og Agnes skal snart gifte seg, slik foreldrene ønsket, og bo sammen langt liv, som få ville våge å kalle lykkelig: de to halvdelene av det barnløse ekteparet Dürer viste seg å være for forskjellige i naturen. "Mellom ham og kona hans var det sannsynligvis aldri noen forståelse, - skriver Galina Matvievskaya i monografien "Albrecht Dürer - Scientist". — Praktisk og forsiktig var Agnes tilsynelatende svært skuffet over at hele veien for hennes nye liv ikke var i det hele tatt som farens vanlige hjem. I et forsøk på å leve et ordnet borgerliv, underlagt enkle og klare regler, støttet hun Dürer energisk i alle økonomiske anliggender, tok seg av husets materielle velvære, men ektemannens ambisjoner og idealer forble henne fremmede. Utvilsomt var det ikke lett for henne: selv i nærheten levde Dürer sitt eget liv, uforståelig for henne ... Over tid stivnet hun, ble følelsesløs og gjerrig, og åpenbar fiendtlighet snek seg inn i forholdet deres..

"Magnificent Durer": selvportrett fra Prado

Albrecht Durer. selvportrett
1498, 41×52 cm Olje, Tre

Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer - «Jeg skrev dette fra meg selv. Jeg var 26 år gammel. Albrecht Dürer". Mellom to selvportretter – dette og det forrige – gikk det bare fem år, og de var veldig viktige år biografi om Dürer. I løpet av disse fem årene giftet Dürer seg ikke bare, men ble også berømt, ikke bare modnet, men klarte også å realisere seg selv som en stor kunstner, en universell personlighet, for hvem rammene ble stramme. hjemby, for nå trenger Dürer hele verden. I dette selvportrettet fra Prado, i selve utseendet til Dürer, i hans rolige og selvsikre positur og i måten hendene hviler på brystningen, er det en spesiell, bevisst verdighet.

Dürer, i skrivende stund av selvportrettet, hadde nylig kommet tilbake fra sin andre tur til Italia. I Nord-Europa er han viden kjent som en utmerket gravør, hvis Apocalypse-syklus, trykt i trykkeriet til hans gudfar Anton Koberger, ble utsolgt i enorme antall. I Italia, denne kunstens vugge, blir Dürer ondsinnet kopiert, og han saksøker falsknere, forsvarer sitt ærlige navn, og beviser også overfor tvilende italienere at han er like fantastisk i maleri som i gravering, etter å ha malt maleriet «Rosakransfesten». ” (henne forteller vi historien i detalj her). Det nye selvportrettet er en slags erklæring om at Dürer ikke lenger er en håndverker (og i hjemlandet Nürnberg regnes kunstnere fortsatt som representanter for håndverkerklassen) - han er en kunstner, og derfor Guds utvalgte.

Dette er ikke lenger selvbevisstheten til en middelaldermester, men til en renessansekunstner. Dürer, ikke uten utfordringer, fremstiller seg selv i et italiensk antrekk, raffinert og dyrt: hans rynkede skjorte av hvit silke er dekorert i kragen med gyldne broderier, brede svarte striper på en caps med dusker rimer på svart kontraststrikk av klær, en brun kappe av tungt dyrt stoff holdes på nivå med kragebein flettet ledning tredd inn i maljer. Dürer har skaffet seg et pent skjegg som fortsatt ser ut til å lukte venetiansk parfyme, og hans gyllenrøde hår er forsiktig krøllet, noe som forårsaker latterliggjøring blant pragmatiske landsmenn. I Nürnberg gjemte hans kone eller mor slike antrekk i en kiste: Som representant for håndverkerklassen hadde Dürer, som biografer skriver, ingen rett til å tillate seg en slik trassig luksus. Og med dette selvportrettet erklærer han polemisk: kunstneren er ikke en håndverker, hans posisjon i det sosiale hierarkiet er mye høyere. De vakre barnehanskene hans av fin produksjon roper omtrent det samme. "Hvite hansker, også hentet fra Italia, - skriver Dürers biograf Stanislav Zarnitsky, - skjul de ærlige hendene til arbeideren, dekket med skrubbsår, kutt, flekker av inngrodd maling"). Hanskene hans er et symbol på hans nye status. En kostbar dress i venetiansk stil og et fjellandskap utenfor vinduet (en hyllest til mentoren Giovanni Bellini) tyder alt på at Dürer ikke lenger går med på å betrakte seg selv som en provinsiell håndverker, begrenset av konvensjonene om tid og rom.

Selvportrett i klær trimmet med pels ("Selvportrett i en alder av 28 år",
"Selvportrett i en pels"

Albrecht Durer. selvportrett
1500, 67×49 cm Olje, Tre

Den samme tendensen til å betrakte kunstneren ikke som en enkel håndverker, men som en universell personlighet, bringer Dürer til sin logiske grense i bildet, som senere ble det mest kjente av hans selvportretter. Her er hvordan utseendet hans beskrives biografisk roman Durer av Stanislav Zarnitsky:

«Gamle Dürer, som en gang kom inn i sønnens studio, så et bilde som han nettopp hadde fullført. Kristus - slik virket det for gullsmeden, hvis syn hadde blitt fullstendig dårligere. Men da han så nærmere, så han ikke Jesus foran seg, men hans Albrecht. I portrettet var sønnen kledd i en rik pelskåpe. En hånd med bleke fingre, hjelpeløse i sin tynne, trakk kjølig i sidene hennes. Fra den dystre bakgrunnen, som fra ikke-eksistens, stakk ikke bare et ansikt ut - ansiktet til en helgen. En overjordisk sorg frøs fast i øynene hans. Inskripsjonen er laget med små bokstaver: "Slik malte jeg, Albrecht Dürer fra Nürnberg, meg selv i en alder av 28 med evige farger."

For første gang skildrer Dürer seg selv ikke i en trekvart spredning, men strengt frontalt - det var ikke vanlig å male sekulære portretter, kun helgener. Med et gjennomsiktig "blikk inn i evigheten", skjønnheten i hele hans utseende og en håndbevegelse, lik en gest av velsignelse, sammenligner han seg bevisst med Kristus. Var det en spesiell frekkhet fra kunstnerens side å male seg selv i Frelserens bilde? Durer var kjent som en ivrig kristen og var sikker på at det å bli som Kristus for en troende ikke bare er en livsoppgave, men også en plikt. "På grunn av den kristne tro må vi utsettes for fornærmelser og farer" sa Dürer.

Noen forskere påpeker at bildet ble malt i 1500, da menneskeheten nok en gang forventet verdens undergang, derfor er dette selvportrettet et slags åndelig testamente fra Durer.

Selvportrett i bildet av den døde Kristus?

Albrecht Durer. Døde Kristus iført en tornekrone
1503

Den døde Kristus i tornekronen Dürers tegning med det kastede bakhodet til den døde Jesus anses av noen for å være et selvportrett. Det sies at i «Kristi alder» eller så ble Dürer veldig syk og var nær døden. I flere dager skalv han av feber, Dürer lå utslitt, med uttørrede lepper og innsunkne øyne. I det øyeblikket trodde alle at den troende kunstneren ville sende bud etter presten. Men han krevde å få med seg et lite speil, satte det på brystet og fant knapt krefter til å heve hodet og kikket lenge på speilbildet hans. Dette skremte Dürers slektninger: kanskje trodde de at han under påvirkning av sykdommen ble gal, fordi det aldri hadde falt noen på dødsleiet å beundre seg selv i speilet. Da Dürer ble frisk, laget han denne tegningen basert på det han så. I den nedre tredjedelen av arket ser vi et stort monogram av kunstneren - bokstavene A og D over hverandre og året - 1503 (Dürer ble født i 1471).

Selvportretter av Albrecht Dürer, som bare er kjent i ord

To mest interessante referanser til Dürers tapte selvportretter har kommet ned til oss. Begge tilhører kunstnerens samtid. Den første er italieneren Giorgio Vasari, forfatteren av de berømte "Biografiene", og den andre er tyskeren, den kjente advokaten i Nürnberg Christoph Scheirl, som ga ut brosjyren "A Book in Praise of Germany" i 1508.

Begge, ved hjelp av levende eksempler, snakker om Dürers virtuositet, og derfor fortjener beskrivelsene deres oppmerksomhet, selv om vi ikke vet hvilke selvportretter vi snakker om.

Vasari forteller hvordan Dürer, som han ringer "den mest fantastiske tyske maleren og gravøren på kobber, som produserer de vakreste trykkene”, sendt til sin yngre kollega Rafael "et hode selvportrett laget av ham i gouache på det fineste stoffet slik at det kunne sees likt fra begge sider, og høydepunktene var uten hvite og gjennomsiktige, og de andre lyse områdene i bildet var urørt med forventning om at et gjennomskinnelig stoff som bare er så vidt tonet og berørt med fargeakvarell. Denne tingen virket fantastisk for Raphael, og derfor sendte han ham mange ark med sine egne tegninger, som Albrecht satte spesielt stor pris på..

Saken beskrevet av Sheirl ser ut til å være en naiv nysgjerrighet og forteller om Dürer og hunden hans:

«... En gang, da han malte sitt eget portrett med et speil og satte et fortsatt friskt bilde i solen, løp hunden hans, som bare løp forbi, slikket ham i troen på at hun hadde kjørt på sin herre (for bare hunder, iht. den samme Plinius, kjenner navnene deres og gjenkjenner deres herre, selv om han dukker opp ganske uventet). Og jeg kan vitne om at det den dag i dag er spor av dette. Hvor ofte prøvde tjenestepikene dessuten å slette spindelvevene han møysommelig hadde skrevet!»

Cameo-selvportretter (Dürer i flerfigurmalerier som seg selv)

Dürer utførte solo-selvportretter og var en innovatør. Men noen ganger handlet han mer tradisjonelt, det samme gjorde mange av hans forgjengere og samtidige - han skrev inn sitt eget bilde i komposisjoner med mange figurer. Det var en vanlig praksis for kunstnere på Dürers tid å plassere seg på alterdøren eller inne i en tett skare av "berende og kommende" kunstnere.

Albrecht Durer. Rosenkransens fest (festen for rosekranser)
1506, 162×194,5 cm Olje, Tre

I høyre hjørne av altermaleriet «Rosekransens fest», på oppdrag fra det tyske miljøet i Venezia, skildrer kunstneren seg selv i praktfull antrekk. Han holder en rulle i hendene, som sier at Albrecht Dürer fullførte maleriet på fem måneder, selv om arbeidet med det faktisk varte i minst åtte: Det var viktig for Dürer å bevise for de tvilende italienerne at han var like god til å male som ved gravering.

Albrecht Durer. Jobs alter (Alteret til Yabakh). Gjenoppbygging
1504

Jabach-alteret (noen ganger også kalt "Job-alteret") ble sannsynligvis bestilt fra Dürer av kurfyrsten Frederick III av Sachsen til slottet i Wittenberg for å minnes slutten på pesten i 1503. Senere kjøpte Köln Yabach-familien alteret, frem til 1700-tallet var det i Köln, deretter ble det delt, og dens sentrale del gikk tapt. Slik så de spredte ytre vingene ut nå: Den langmodige Job og hans kone er avbildet til venstre, og musikerne som kom for å trøste Job er avbildet til høyre. Dürer fremstilte seg selv som en trommeslager. I virkeligheten var artisten interessert i musikk, prøvde å spille lut, men det er noe enda mer utvilsomt Dürer i dette bildet - hans iboende ekstravaganse i valg av klær. Trommeslageren Dürer skildrer seg selv iført en svart turban og en kort oransje kappe med et uvanlig snitt.

Antatte selvportretter av Dürer finnes i verkene hans "Plagen til ti tusen kristne", "Gellers alter" og "Treenighetens tilbedelse".

Albrecht Durer. Ti tusen kristnes martyrdød
1508, 99×87 cm

Albrecht Durer. Geller-alteret (alteret for Marias himmelfart). Gjenoppbygging
1500-tallet, 190×260 cm. Olje, Tempera, Tre

Albrecht Durer. Tilbedelse av den hellige treenighet (Landauer altertavle)
1511, 135×123 cm

Og her er fragmenter av de ovennevnte verkene med Dürers selvportretter:

Durer naken

Albrecht Durer. selvportrett i naken
1509, 29×15 cm.Blekk, Papir

Den tyske filologen og historikeren på 1500-tallet, Joachim Camerarius den eldre, skrev et essay om kunstnerens liv og arbeid for utgivelsen av Dürers bok om proporsjoner. Utseendet til Dürer i det Camerarius beskrevet som følger: "Naturen utstyrte ham med en kropp som var preget av sin slankhet og kroppsholdning og helt tilsvarte den edle ånden i den ... Han hadde et uttrykksfullt ansikt, glitrende øyne, en nese av edel form, ... en ganske lang hals, et veldig bredt bryst, en stram mage, muskuløse lår, sterke og slanke ben. Men du vil si at du aldri har sett noe mer grasiøst enn fingrene hans. Talen hans var så søt og vittig at ingenting gjorde lytterne så opprørt som slutten..

Den åpenheten som Dürer ikke skildrer andres, men hans egen nakenhet med, frem til det tjuende århundre og lignende eksperimenter av Lucian Freud, forble noe enestående og så sjokkerende at i mange publikasjoner ble dette generasjons-selvportrettet av Dürer skammelig kuttet av i midjenivå. .

Man må imidlertid forstå at Dürers strategi ikke inkluderte å sjokkere noen. Snarere ble han drevet av den samme renessanseinteressen til naturforskeren, som i en alder av 13 fikk den fremtidige kunstneren til å bli interessert i sitt eget ansikt og umiddelbart sjekke om han kunne "doble naturen", og fange det han ser på tegningen. I tillegg, i Tyskland under Dürers tid, representerte bildet av en naken kropp fra naturen seriøst problem: i motsetning til Italia, hvor det ikke var vanskelig å finne sittere av begge kjønn og ikke kostet for mye, var det ikke vanlig at tyskerne poserte naken for artister. Og Dürer klaget selv mye over det faktum at han ble tvunget til å lære å tegne menneskekroppen fra verkene til italienere (Andrea Mantegna og andre), og Vasari i Marcantonios liv innrømmer til og med, i forhold til Dürers evne til å skildre en naken kropp, en slik nedlatende etsende passasje:

"... Jeg er klar til å tro at Albrecht kanskje ikke kunne ha gjort det bedre, fordi han, uten noen annen mulighet, ble tvunget, avbildet en naken kropp, til å kopiere sine egne studenter, som, som de fleste tyskere, hadde stygge kropper, selv om de kledde menneskene i disse landene virker veldig vakre ”.

Selv om vi indignert avviser Vasaris angrep på tyske skikkelsers styggehet, er det naturlig å anta at Dürer, som eier av utmerkede proporsjoner av natur, aktivt brukte sin egen kropp til sine kunstneriske og antropometriske studier. Strukturelle problemer Menneskekroppen og forholdet mellom dens deler over tid ble en av de viktigste i arbeidet og verdensbildet til Dürer.

Albrecht Durer. Bad for menn

I graveringen "Men's Bath" finner Dürer en "lovlig" og vellykket anledning til å avbilde en naken, på ingen måte fornærme offentlig moral og advare bebreidelser fra konservative eller hyklere. Bad er en spesiell stolthet for tyske byer. De, som de romerske badene, tjener som et sted for vennlige møter og meningsfylte samtaler. Men bly i badekaret, ingen er kledd! På forgrunnen gravering Dürer skildrer hans mentor Michael Wolgemuth og nærmeste venn Willibald Pirckheimer. Det er også et selvportrett av Dürer her: hans muskuløse kropp går til fløytisten fra bakgrunnen.

Selvportretter av Dürer som en "sorgens mann"

Albrecht Durer. Man of Sorrows (Selvportrett)
1522, 40,8×29 cm. Blyant, Papir

«Jeg fant selv et grått hår i meg selv, det vokste fra fattigdom og fordi jeg lider så mye. Jeg føler at jeg ble født til å komme i trøbbel.". De siterte ordene er et sitat fra Dürers brev til en venn og kanskje det mest intime uttrykket for hva han tenker om sitt eget liv.

Dette sene selvportrettet forbinder paradoksalt nok to holdninger fra tidligere selvportretter: å bruke sin nakne kropp som en natur og å identifisere seg med Kristus på en bestemt måte. Dürer tegner sin ikke lenger unge kropp og ansiktet berørt av aldring, fikser hvordan musklene og huden gradvis blir slapp, danner hudfolder der de ikke var der i går, fikser endringene som skjer med nøktern objektivitet, tegner Dürer samtidig dette selvportrettet. i samsvar med den ikonografiske typen "sorgens ektemann". Denne definisjonen, som kommer fra Jesajas bok i Det gamle testamente, betegnet den pinte Kristus - i tornekronen, halvkledd, slått, spyttet på, med et blodig sår under ribbeina (1, 2).

Albrecht Durer. selvportrett
1521

Og dette selvportrettet er ikke et maleri eller en gravering, men en visualisering av diagnosen fra et brev skrevet av Dürer til legen som han ønsket å få konsultasjon fra. Øverst er det gitt en forklaring: "Hvor den gule flekken er og hvor fingeren min peker, gjør det meg vondt."

Fattigdom, sykdom, rettssaker med kunder og arrestasjonen av elskede studenter anklaget for gudløshet, Nürnberg-myndighetenes avslag på å betale kunstneren den årlige godtgjørelsen utnevnt av avdøde keiser Maximilian, mangelen på forståelse i familien - i fjor Durer var ikke lett og fylt med tristhet. Etter å ha foretatt en lang reise for å se en hval skyllet i land, vil den 50 år gamle Dürer bli syk av malaria, fra konsekvensene som han ikke vil kunne bli frisk før han dør. En alvorlig sykdom (muligens en svulst i bukspyttkjertelen) førte til at Dürer ifølge Willibald Pirkheimer tørket opp, «som en halmbunt». Og når han blir begravet (uten spesiell utmerkelse - Nürnberg-håndverkeren hadde ingen rett til dem), ville de urimelige beundrerne av geniet som innså seg selv insistere på utgraving for å fjerne dødsmasken fra ham. Og hans berømte bølgete krøller vil bli kuttet av og sortert ut som et minnesmerke. Som om minnet om ham trenger disse rekvisittene fra hans dødelige kjød, mens Dürer etterlot udødelige bevis på seg selv - graveringer, malerier, bøker og til slutt selvportretter.

Albrecht Dürer(Tyske Albrecht Dürer, 21. mai 1471, Nürnberg – 6. april 1528, Nürnberg) – Tysk maler og grafiker, en av de største mesterne i den vesteuropeiske renessansen. Anerkjent som den største europeiske tresnittmesteren, som hevet den til nivået av ekte kunst. Den første kunstteoretikeren blant nord europeiske artister, forfatter praktisk veiledning på fin og dekorativ kunst på tysk, noe som fremmet behovet for en allsidig utvikling av kunstnere. Grunnlegger av komparativ antropometri. Den første europeiske kunstneren som skrev en selvbiografi. Navnet på Dürer er assosiert med dannelsen av det nordeuropeiske selvportrettet som uavhengig sjanger. En av de beste portrettmalerne i sin tid, han verdsatte maleriet høyt for det faktum at det tillot bildet å bli bevart. spesifikk person for fremtidige generasjoner.

Durers kreative vei falt sammen med kulminasjonen av den tyske renessansen, hvis komplekse, stort sett disharmoniske natur satte et avtrykk på hele hans kunst. Det akkumulerer rikdommen og originaliteten til tyske kunstneriske tradisjoner, konstant manifestert i utseendet til Dürers karakterer, langt fra det klassiske skjønnhetsidealet, fremfor skarp karakter, i oppmerksomhet til individuelle detaljer. Samtidig har Dürers kontakt med italiensk kunst, hemmeligheten bak harmoni og perfeksjon som han prøvde å forstå. Han er den eneste mester i den nordlige renessansen som, når det gjelder orienteringen og allsidigheten til hans interesser, ønsket om å mestre kunstens lover, utviklingen av perfekte proporsjoner av menneskefiguren og reglene for perspektivkonstruksjon, kan sammenlignes med de største mestrene italiensk renessanse.

Albrecht Dürer "Selvportrett", Olje på tre, 67 × 49 cm, 1500

Dette selvportrettet gjorde et uforglemmelig inntrykk på de som så det. Allerede i den innledende fasen av arbeidet med portrettet begikk Albrecht, sett fra middelalderens kunstkanoner, ekte blasfemi: han begynte å male seg selv forfra - fra et perspektiv utenkelig for å avbilde rene dødelige, til og med en stor maler. Så det var lov å skrive bare Gud. Men Durer gikk videre: han ga sitt utseende Jesu Kristi trekk. Ulykke? Det er usannsynlig, fordi det er kjent at kunstneren i påfølgende verk gjentatte ganger brukte seg selv som en modell for å skildre Kristus.

Ryktet om den nye skapelsen av kunstneren, selv om det aldri ble utstilt offentlig og alltid forble mesterens eiendom, spredte seg over hele byen og gikk snart utover det. Det var all grunn til å klandre Dürer for ublu stolthet, spesielt i denne forferdelige tiden (1500 - forventningen om verdens undergang). Men han ble til og med tilgitt for sin stolthet. Bildet åpnet ikke bare ny scene i tysk portrett. Hun så ut til å si at mennesket skapte Gud i sitt eget bilde.

fra Wikipedia, den frie encyklopedi