Hvem malte de første bildene? Hvem malte bjørnene til Shishkin og andre hemmeligheter til kjente malerier Bakgrunnen er som fra filmen "Ringenes Herre", med en lyseblå tåke. Bølget hår og aristokratisk nese Madonna - Da Vinci
I nesten hver betydelig arbeid kunst er et mysterium, en "dobbeltbunn" eller hemmelig historie som du vil åpne.
Musikk på baken
Hieronymus Bosch, "Hage jordiske gleder", 1500-1510.
Fragment av en triptyk
Tvister om betydningene og skjulte betydninger mest kjente verk nederlandsk kunstner har ikke avtatt siden starten. På høyre fløy av triptyken kalt "Musical Hell" er syndere avbildet som blir torturert i underverdenen ved hjelp av musikkinstrumenter. En av dem har merkelapper på baken. Oklahoma Christian University-student Amelia Hamrick, som studerte maleriet, oversatte notasjonen fra 1500-tallet til moderne måte og spilte inn "en sang fra rumpa fra helvete, som er 500 år gammel."
Naken Mona Lisa
Den berømte "Gioconda" finnes i to versjoner: nakenversjonen heter "Monna Vanna", den ble skrevet av lite kjent kunstner Salai, som var student og sitter hos den store Leonardo da Vinci. Mange kunstkritikere er sikre på at det var han som var modell for Leonardos malerier «Døperen Johannes» og «Bacchus». Det er også versjoner som kledd i en kvinnes kjole, Salai fungerte som bildet av Mona Lisa selv.
Gammel fisker
I 1902 malte den ungarske kunstneren Tivadar Kostka Chontvari maleriet " Gammel fisker". Det ser ut til at det ikke er noe uvanlig i bildet, men Tivadar la en undertekst i det, som aldri ble avslørt i løpet av kunstnerens liv.
De færreste tenkte på å sette et speil i midten av bildet. I hver person kan det være både Gud (den gamle mannens høyre skulder er duplisert) og Djevelen (den venstre skulderen til den gamle mannen er duplisert).
Var det en hval?
Hendrik van Antonissen "Scene på bredden".
Det virket som et vanlig landskap. Båter, folk på kysten og ørkenhavet. Og bare en røntgenundersøkelse viste at folk samlet seg i kysten av en grunn – i originalen undersøkte de kadaveret av en hval som var skylt i land.
Imidlertid bestemte kunstneren at ingen ville se på en død hval og malte maleriet på nytt.
To "Frokoster på gresset"
Edouard Manet, Frokost på gresset, 1863.
Claude Monet, Frokost på gresset, 1865.
Kunstnerne Edouard Manet og Claude Monet er noen ganger forvirret – tross alt var de begge franskmenn, levde samtidig og jobbet i stil med impresjonisme. Til og med navnet på et av Manets mest kjente malerier, «Frokost på gresset», lånte og skrev Monet sin «Frokost på gresset».
Tvillinger ved siste nattverd
Leonardo da Vinci, Det siste måltid", 1495-1498.
Da Leonardo da Vinci skrev Nattverden, la han særlig vekt på to skikkelser: Kristus og Judas. Han lette etter sittere til dem i veldig lang tid. Til slutt klarte han å finne en modell for bildet av Kristus blant de unge sangerne. Leonardo klarte ikke å finne en oppsitter for Judas på tre år. Men en dag kom han over en fylliker som lå i renna på gata. Han var en ung mann som hadde blitt eldet av sterk drikking. Leonardo inviterte ham til en taverna, hvor han umiddelbart begynte å skrive Judas fra ham. Da fylliken kom til fornuft, fortalte han artisten at han allerede hadde posert for ham en gang. Det var for noen år siden da han sang i kirkekoret, Leonardo skrev Kristus fra ham.
"Nattvakt" eller "Dagvakt"?
Rembrandt, " Nattevakten", 1642.
Et av Rembrandts mest kjente malerier, «The Performance of the Rifle Company of Captain Frans Banning Cock and Lieutenant Willem van Ruytenbürg», hang i forskjellige haller i omtrent to hundre år og ble oppdaget av kunsthistorikere først på 1800-tallet. Siden figurene så ut til å skille seg ut mot en mørk bakgrunn, ble den kalt Nattevakten, og under dette navnet kom den inn i verdenskunstens skattkammer.
Og først under restaureringen, utført i 1947, viste det seg at i hallen hadde bildet klart å bli dekket med et sotlag, som forvrengte fargen. Etter å ha ryddet det originale maleriet, ble det til slutt avslørt at scenen presentert av Rembrandt faktisk finner sted i løpet av dagen. Plasseringen av skyggen fra venstre hånd til kaptein Kok viser at handlingens varighet ikke er mer enn 14 timer.
kantret båt
Henri Matisse, "Båten", 1937.
I New York Museum of Modern Art i 1961 ble Henri Matisses maleri «The Boat» stilt ut. Først etter 47 dager la noen merke til at maleriet hang opp ned. Lerretet viser 10 lilla linjer og to blå seil på hvit bakgrunn. Kunstneren malte to seil av en grunn, det andre seilet er en refleksjon av det første på overflaten av vannet.
For ikke å ta feil av hvordan bildet skal henge, må du ta hensyn til detaljene. Det større seilet skal være på toppen av maleriet, og toppen av seilet på maleriet skal rettes til øvre høyre hjørne.
Bedrag i et selvportrett
Vincent van Gogh, Selvportrett med et rør, 1889.
Det er legender om at Van Gogh angivelig kuttet av sitt eget øre. Nå er den mest pålitelige versjonen at øret til van Gogh ble skadet i et lite slagsmål med deltagelse av en annen artist, Paul Gauguin.
Selvportrettet er interessant fordi det gjenspeiler virkeligheten i en forvrengt form: kunstneren er avbildet med et bandasjert høyre øre, fordi han brukte et speil når han jobbet. Faktisk ble venstre øre skadet.
fremmede bjørner
Ivan Shishkin, "Morgen i furuskogen", 1889.
Det berømte maleriet tilhører ikke bare børsten til Shishkin. Mange kunstnere som var venner med hverandre, tyr ofte til «hjelpen av en venn», og Ivan Ivanovich, som hadde malt landskap hele livet, var redd for at bjørnene ikke skulle bli slik han trengte. Derfor henvendte Shishkin seg til en kjent dyremaler Konstantin Savitsky.
Savitsky malte kanskje de beste bjørnene i russisk maleris historie, og Tretyakov beordret at navnet hans skulle vaskes av lerretet, siden alt på bildet "starter fra ideen og slutter med henrettelsen, alt snakker om måten å male på, om kreativ metode karakteristisk for Shishkin.
Uskyldig historie "gotisk"
Grant Wood, amerikansk gotisk", 1930.
Grant Woods arbeid regnes som et av de merkeligste og mest deprimerende i amerikansk maleris historie. Bildet med en dyster far og datter er overfylt av detaljer som indikerer alvorligheten, puritanismen og retrograditeten til de avbildede menneskene.
Faktisk hadde kunstneren ikke til hensikt å skildre noen redsler: under en tur til Iowa la han merke til et lite hus i gotisk stil og bestemte seg for å skildre de menneskene som etter hans mening ville være ideelt egnet som innbyggere. Grants søster og tannlegen hans er udødeliggjort i form av karakterer som folket i Iowa ble så fornærmet av.
Salvador Dalis hevn
Maleriet «Figur ved vinduet» ble malt i 1925, da Dali var 21 år gammel. Da hadde Gala ennå ikke kommet inn i kunstnerens liv, og søsteren Ana Maria var hans muse. Forholdet mellom bror og søster ble dårligere da han skrev på et av maleriene «noen ganger spytter jeg på et portrett av min egen mor, og det gir meg glede». Ana Maria kunne ikke tilgi så sjokkerende.
I sin bok fra 1949 Salvador Dali Through the Eyes of a Sister skriver hun om sin bror uten ros. Boken gjorde El Salvador rasende. I ytterligere ti år etter det husket han henne sint ved enhver anledning. Og så, i 1954, dukker bildet "En ung jomfru som hengir seg til Sodomy-synd ved hjelp av hornene til sin egen kyskhet". Kvinnens positur, krøllene hennes, landskapet utenfor vinduet og fargevalget på maleriet gjenspeiler tydelig figuren ved vinduet. Det er en versjon om at dette er hvordan Dali hevnet sin søster for boken hennes.
Danae med to ansikter
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.
Mange hemmeligheter til et av Rembrandts mest kjente malerier ble avslørt først på 60-tallet av det tjuende århundre, da lerretet ble opplyst med røntgenstråler. For eksempel viste skytingen at i den tidlige versjonen ansiktet til prinsessen, som gikk inn kjærlighetsaffære med Zevs så det ut som ansiktet til Saskia, kona til maleren, som døde i 1642. I den endelige versjonen av maleriet begynte det å ligne ansiktet til Gertier Dirks, Rembrandts elskerinne, som kunstneren bodde hos etter konens død.
Van Goghs gule soverom
Vincent van Gogh, "Soverom i Arles", 1888 - 1889.
I mai 1888 skaffet Van Gogh seg et lite verksted i Arles, i Sør-Frankrike, hvor han flyktet fra de parisiske kunstnerne og kritikerne som ikke forsto ham. I et av de fire rommene setter Vincent opp et soverom. I oktober er alt klart, og han bestemmer seg for å male Van Goghs soverom i Arles. For kunstneren var fargen, komforten i rommet veldig viktig: alt måtte antyde tanker om avslapning. Samtidig opprettholdes bildet i urovekkende gultoner.
Forskere av Van Goghs kreativitet forklarer dette med det faktum at kunstneren tok revebjelle, et middel mot epilepsi, som forårsaker alvorlige endringer i pasientens oppfatning av farge: hele den omkringliggende virkeligheten er malt i grønn-gule toner.
Tannløs perfeksjon
Leonardo da Vinci, "Portrett av fru Lisa del Giocondo", 1503 - 1519.
Den allment aksepterte oppfatningen er at Mona Lisa er perfeksjon og smilet hennes er vakkert i sin mystiske. Den amerikanske kunstkritikeren (og deltidstannlegen) Joseph Borkowski mener imidlertid at heltinnen å dømme etter ansiktsuttrykket hennes har mistet mange av tennene. Mens hun undersøkte forstørrede fotografier av mesterverket, fant Borkowski også arr rundt munnen hennes. "Hun smiler så mye nettopp på grunn av det som skjedde med henne," mener eksperten. "Ansiktsuttrykket hennes er typisk for folk som har mistet fortennene."
Major på ansiktskontroll
Pavel Fedotov, Major's Matchmaking, 1848.
Publikum, som først så maleriet "Major's Matchmaking", lo hjertelig: kunstneren Fedotov fylte det med ironiske detaljer som var forståelige for den tidens seere. For eksempel er majoren tydeligvis ikke kjent med reglene for edel etikette: han dukket opp uten de riktige bukettene til bruden og moren hennes. Og bruden selv ble utskrevet av handelsforeldrene sine i en ballkjole, selv om det var dagtid (alle lampene i rommet ble slukket). Jenta prøvde tydeligvis en lavt snittkjole for første gang, er flau og prøver å stikke av til rommet sitt.
Hvorfor frihet er naken
Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Liberty at the Barricades, 1830.
Ifølge kunsthistorikeren Etienne Julie malte Delacroix ansiktet til en kvinne fra den berømte parisiske revolusjonæren - vaskedamen Anna-Charlotte, som gikk til barrikadene etter brorens død i hendene på kongelige soldater og drepte ni vakter. Kunstneren avbildet henne med bar overkropp. I henhold til planen hans er dette et symbol på fryktløshet og uselviskhet, så vel som demokratiets triumf: nakne bryster viser at Svoboda, som en vanlige, ikke bruker korsett.
ikke-firkantet kvadrat
Kazimir Malevich, Black Suprematist Square, 1915.
Faktisk er den "svarte firkanten" ikke i det hele tatt svart og slett ikke firkantet: ingen av sidene av firkanten er parallelle med noen av dens andre sider, og ingen av sidene av den firkantede rammen som rammer inn bildet. EN mørk farge- Dette er resultatet av å blande forskjellige farger, blant annet var det ikke svart. Det antas at dette ikke var forfatterens uaktsomhet, men en prinsipiell posisjon, ønsket om å skape en dynamisk, mobil form.
Spesialister fra Tretyakov-galleriet har oppdaget forfatterens inskripsjon på et kjent maleri av Malevich. Inskripsjonen lyder: "Slaget om negrene i en mørk hule." Denne setningen refererer til navnet på det lekne maleriet av den franske journalisten, forfatteren og kunstneren Alphonse Allais "Battle of the Negroes in a Dark Cave in the Dead of Night", som var et helt svart rektangel.
Melodrama av den østerrikske Mona Lisa
Gustav Klimt, "Portrett av Adele Bloch-Bauer", 1907.
Et av Klimts mest betydningsfulle malerier viser kona til den østerrikske sukkermagnaten Ferdinand Bloch-Bauer. Hele Wien diskuterte den stormfulle romantikken til Adele og kjent kunstner. Den sårede ektemannen ønsket å hevne seg på sine elskere, men valgte en veldig uvanlig måte: han bestemte seg for å bestille et portrett av Adele til Klimt og få ham til å lage hundrevis av skisser til kunstneren begynner å bli kvitt henne.
Bloch-Bauer ønsket at arbeidet skulle vare i flere år, og modellen kunne se hvordan Klimts følelser forsvinner. Han ga et sjenerøst tilbud til kunstneren, som han ikke kunne nekte, og alt viste seg i henhold til scenariet til den forledede mannen: arbeidet ble fullført på 4 år, elskerne hadde lenge avkjølt seg mot hverandre. Adele Bloch-Bauer fant aldri ut at mannen hennes var klar over forholdet hennes til Klimt.
Maleriet som brakte Gauguin tilbake til livet
Paul Gauguin, "Hvor kommer vi fra? Hvem er vi? Hvor skal vi?", 1897-1898.
Gauguins mest kjente lerret har ett trekk: det "leses" ikke fra venstre til høyre, men fra høyre til venstre, som kabbalistiske tekster som kunstneren var interessert i. Det er i denne rekkefølgen at allegorien om det åndelige og fysiske livet til en person utfolder seg: fra sjelens fødsel (et sovende barn i nedre høyre hjørne) til uunngåelig dødstime (en fugl med en øgle i klørne i nedre venstre hjørne).
Maleriet ble malt av Gauguin på Tahiti, hvor kunstneren flyktet fra sivilisasjonen flere ganger. Men denne gangen fungerte ikke livet på øya: total fattigdom førte ham til depresjon. Etter å ha fullført lerretet, som skulle bli hans åndelige testamente, tok Gauguin en boks med arsenikk og dro til fjells for å dø. Men han beregnet ikke dosen, og selvmordet mislyktes. Neste morgen vaklet han til hytta og sovnet, og da han våknet kjente han en glemt livstørst. Og i 1898 gikk forholdene hans oppoverbakke, og en lysere periode begynte i arbeidet hans.
112 ordtak i ett bilde
Pieter Brueghel den eldste, "Netherlands Proverbs", 1559
Pieter Brueghel den eldste skildret et land bebodd av bokstavelige bilder av de nederlandske ordtakene på den tiden. Det er omtrent 112 gjenkjennelige idiomer i det malte bildet. Noen av dem brukes fortsatt i dag, som «svøm mot strømmen», «bank hodet i veggen», «bevæpnet til tennene» og «store fisker spiser små».
Andre ordtak gjenspeiler menneskelig dumhet.
Kunstens subjektivitet
Paul Gauguin, bretonsk landsby under snøen, 1894
Gauguins maleri "Breton Village in the Snow" ble solgt etter forfatterens død for bare syv franc og dessuten under navnet "Niagara Falls". Auksjonarius hengte ved et uhell maleriet opp ned etter å ha sett en foss i det.
skjult bilde
Pablo Picasso, Det blå rommet, 1901
I 2008 viste infrarød at et annet bilde var skjult under «Blue Room» – et portrett av en mann kledd i dress med en sommerfugl og hvilende hodet på hånden. «Så snart Picasso hadde ny idé, tok han opp børsten og legemliggjorde den. Men han hadde ikke mulighet til å kjøpe nytt lerret hver gang musen besøkte ham, forklarer han mulig årsak denne kunsthistorikeren Patricia Favero.
Utilgjengelige marokkanske kvinner
Zinaida Serebryakova, naken, 1928
En dag mottok Zinaida Serebryakova et fristende tilbud - å dra på en kreativ reise for å skildre de nakne figurene til orientalske jomfruer. Men det viste seg at det rett og slett var umulig å finne modeller på de stedene. En tolk for Zinaida kom til unnsetning - han brakte søstrene og bruden til henne. Ingen før og etter det klarte å fange de lukkede orientalske kvinnene nakne.
Spontan innsikt
Valentin Serov, "Portrett av Nicholas II i en jakke", 1900
I lang tid Serov kunne ikke male et portrett av tsaren. Da artisten ga helt opp, ba han Nikolai om unnskyldning. Nikolai ble litt lei seg, satte seg ved bordet og strakte ut hendene foran seg ... Og så gikk det opp for kunstneren - her er han! En enkel militærmann i offisersjakke med klare og triste øyne. Dette portrettet regnes som den beste skildringen av den siste keiseren.
Igjen toer
© Fedor Reshetnikov
Det berømte maleriet "Again deuce" er bare andre del av den kunstneriske trilogien.
Den første delen er "Ankommet til ferien." Tydeligvis en velstående familie, vinterferier, en gledelig utmerket student.
Den andre delen er "Again the deuce." En fattig familie fra utkanten av arbeiderklassen, høyden av skoleåret, en kjedelig stunner som igjen grep en toer. Til venstre øvre hjørne bildet "Ankom til ferien" er synlig.
Tredje del er «Re-eksamen». Landlig hus, sommer, alle går, en ondsinnet ignorant som strøk på den årlige eksamen, blir tvunget til å sitte innenfor fire vegger og stappe. I øvre venstre hjørne kan du se bildet "Again deuce".
Hvordan mesterverk blir født
Joseph Turner, Rain, Steam and Speed, 1844
I 1842 reiste fru Simon med tog i England. Plutselig begynte et kraftig regnskyll. Den eldre mannen som satt overfor henne reiste seg, åpnet vinduet, stakk hodet ut og stirret slik i omtrent ti minutter. Ute av stand til å holde igjen nysgjerrigheten, åpnet kvinnen også vinduet og så framover. Et år senere oppdaget hun maleriet "Rain, Steam and Speed" på en utstilling ved Royal Academy of Arts og var i stand til å gjenkjenne selve episoden på toget i det.
Anatomi leksjon fra Michelangelo
Michelangelo, Skapelsen av Adam, 1511
Et par amerikanske nevroanatomi-eksperter mener at Michelangelo faktisk etterlot noen anatomiske illustrasjoner i et av hans mest kjente verk. De tror at en enorm hjerne er avbildet på høyre side av bildet. Overraskende nok kan til og med komplekse komponenter som lillehjernen, optiske nerver og hypofysen bli funnet. Og det fengende grønne båndet passer perfekt til plasseringen av vertebralarterien.
Nattverden av Van Gogh
Vincent van Gogh, Nattterrasse kafé", 1888
Forsker Jared Baxter mener at Van Goghs Café Terrace at Night inneholder en dedikasjon til Leonardo da Vincis The Last Supper. I midten av bildet står en kelner med langt hår og i en hvit tunika, som minner om Kristi klær, og rundt ham nøyaktig 12 kafébesøkende. Baxter trekker også oppmerksomheten til korset, som ligger rett bak ryggen på servitøren i hvitt.
Dalis bilde av minne
Salvador Dali, The Persistence of Memory, 1931
Det er ingen hemmelighet at tankene som besøkte Dali under opprettelsen av mesterverkene hans alltid var i form av veldig realistiske bilder, som kunstneren deretter overførte til lerretet. Så, ifølge forfatteren selv, ble maleriet "The Persistence of Memory" malt som et resultat av assosiasjoner som oppsto ved synet av bearbeidet ost.
Hva er det Munch roper om
Edvard Munch, "Skriket", 1893.
Munch snakket om fremveksten av ideen hans om en av de mest mystiske malerier i verdensmaleri: "Jeg gikk langs stien med to venner - solen gikk ned - plutselig ble himmelen blodrød, jeg stoppet opp, følte meg utmattet og lente meg mot gjerdet - jeg så på blodet og flammene over det blåaktige- svart fjord og byen - vennene mine fortsatte, og jeg sto og skalv av begeistring og kjente det endeløse skriket gjennomtrengende naturen. Men hva slags solnedgang kan skremme artisten så?
Det er en versjon om at ideen om "Skrik" ble født av Munch i 1883, da det var flere sterkeste utbrudd av Krakatoa-vulkanen - så kraftige at de endret temperaturen på jordens atmosfære med én grad. En rikelig mengde støv og aske spredte seg over hele kloden, og nådde til og med så langt som til Norge. Flere kvelder på rad så solnedgangene ut som om apokalypsen var i ferd med å komme – en av dem ble en inspirasjonskilde for kunstneren.
Forfatter blant folket
Alexander Ivanov, "Kristi tilsynekomst for folket", 1837-1857.
Dusinvis av sittere poserte for Alexander Ivanov for hans hovedbilde. En av dem er kjent ikke mindre enn kunstneren selv. I bakgrunnen, blant reisende og romerske ryttere som ennå ikke har hørt døperen Johannes preken, kan man legge merke til en karakter i brun tunika. Hans Ivanov skrev med Nikolai Gogol. Forfatteren kommuniserte tett med kunstneren i Italia, spesielt om religiøse spørsmål, og ga ham råd i prosessen med å male. Gogol mente at Ivanov "for lenge siden hadde dødd for hele verden, bortsett fra arbeidet hans."
Michelangelos gikt
Raphael Santi, Skolen i Athen, 1511.
Raphael skapte den berømte fresken "The School of Athens", og udødeliggjorde vennene sine og bekjente i bildene av gamle greske filosofer. En av dem var Michelangelo Buonarroti «i rollen» som Heraclitus. I flere århundrer holdt fresken hemmelighetene til Michelangelos personlige liv, og moderne forskere har antydet at kunstnerens merkelig kantede kne indikerer at han har en leddsykdom.
Dette er ganske sannsynlig, gitt særegenhetene ved livsstilen og arbeidsforholdene til renessansekunstnere og Michelangelos kroniske arbeidsnarkomani.
Speil av Arnolfinis
Jan van Eyck, "Portrett av Arnolfinis", 1434
I speilet bak Arnolfinis kan du se refleksjonen til ytterligere to personer i rommet. Mest sannsynlig er dette vitner til stede ved kontraktsinngåelsen. En av dem er van Eyck, som det fremgår av den latinske inskripsjonen plassert, i strid med tradisjonen, over speilet i midten av komposisjonen: "Jan van Eyck var her." Slik ble kontraktene vanligvis forseglet.
Hvordan en feil ble til et talent
Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Selvportrett i en alder av 63, 1669.
Forskeren Margaret Livingston studerte alle Rembrandts selvportretter og fant ut at kunstneren led av skjeling: i bildene ser øynene hans i forskjellige retninger, noe som ikke er observert i portrettene av andre mennesker av mesteren. Sykdommen førte til at kunstneren bedre kunne oppfatte virkeligheten i to dimensjoner enn mennesker med normalt syn. Dette fenomenet kalles "stereoblindhet" - manglende evne til å se verden i 3D. Men siden maleren må jobbe med et todimensjonalt bilde, var det nettopp denne mangelen ved Rembrandt som kunne være en av forklaringene på hans fenomenale talent.
Syndfri Venus
Sandro Botticelli, Venus' fødsel, 1482-1486.
Før ankomsten av The Birth of Venus, bildet av den nakne kvinnekropp i maleriet symboliserte det bare ideen om opprinnelig synd. Sandro Botticelli var den første europeiske maleren som ikke fant noe syndig i ham. Dessuten er kunstkritikere sikre på at den hedenske kjærlighetsgudinnen symboliserer på fresken kristent bilde: hennes utseende er en allegori på gjenfødelsen av sjelen som har bestått dåpsritualet.
Lutspiller eller lutspiller?
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutespilleren, 1596.
Lenge var maleriet utstilt i Eremitasjen under tittelen "Lutespiller". Først på begynnelsen av 1900-tallet var kunsthistorikere enige om at lerretet fortsatt skildrer en ung mann (sannsynligvis ble Caravaggio posert av hans venn artist Mario Minniti): på notene foran musikeren, et opptak av bassdelen av madrigalen av Jacob Arcadelt "Du vet at jeg elsker deg" er synlig . En kvinne kunne knapt tatt et slikt valg - det er bare vanskelig for halsen. I tillegg ble luten, som fiolinen helt i kanten av bildet, ansett som et mannlig instrument i Caravaggios tid.
23.04.2017 20:25
426
Hvem malte de aller første maleriene.
Elsker du å tegne? Mest sannsynlig vil svaret være "ja". Og du har sikkert allerede vært på museet, hvor det holdes utstillinger av malerier. Og kanskje stilte de til og med voksne et slikt spørsmål - "Hvem var forfatteren av det aller første maleriet i verden."
De aller første artistene på jorden kan med rette bli vurdert eldgamle folk som bodde i hulene. I Sør-Frankrike, så vel som i Spania, har forskere oppdaget fargetegninger av dyr malt på veggene i huler.
Ifølge arkeologer kunne disse bildene tegnes rundt 20-30 tusen år før vår tidsregning. Gamle mennesker avbildet ville dyr som omringet dem.
Overraskende nok er mange av tegningene godt bevart til tross for en slik oldtid. Dette ble mulig fordi hulene som lagrer primitivt maleri, i mange århundrer var ikke kjent for folk.
Også i Afrika og i det østlige Spania er det funnet ganske ufullkommen avbildede menneskefigurer. Posene deres var imidlertid som om de var i live.
Primitive kunstnere brukte forskjellige lyse farger i tegningene sine. Jordoker tjente som fargestoffer - jernoksid (eller ganske enkelt rust) av forskjellige nyanser - fra lys gul til mørk oransje. Også mangan er et metallelement.
Disse stoffene ble knust av gamle mennesker til pulver, deretter blandet med fett eller animalsk fett, hvoretter de ble påført på veggene i hulen med noe som ligner på børster.
Men de første menneskene hadde også enheter som ligner på moderne blyanter. De var trepinner fylt med fargestoffer, tidligere malt til pulver og blandet med smult.
Og dessuten brukte de skarpslipte flintmeisler for å skrape linjer. De eldgamle innbyggerne på planeten vår laget børster for å tegne fra dyrehår eller plantefibre.
I Det gamle Egypt primitive kunstnere laget malerier for å dekorere pyramidene, så vel som gravene til faraoene og andre viktige personer.
På veggene til gravene foreviget kunstnere scener fra livet til en edel person begravet der med sine kunstverk. For dette formålet brukte gamle egyptiske malere akvarell maling og hvit.
Annen antikk sivilisasjon- Aegean, oppnådde også stor suksess i utviklingen av malerkunsten. Egeerhavskunstnere skapt i en fri og grasiøs stil.
I maleriene avbildet de dyr, blomster, livet i havet. Og også temaet for verkene deres var sportsspill. De laget sine tegninger på våt gips. I dag kalles denne type maleri fresco.
Som du kan se gutter, har kunsten å tegne og male en veldig gammel historie.
3. desember 1961 på New York Museum Moderne kunst en betydelig begivenhet fant sted - Matisse-maleriet "Båten", som hang opp ned i 46 dager, ble skikkelig hengt. Det er verdt å si at dette ikke er en eneste morsom sak knyttet til maleriene til store kunstnere.
Pablo Picasso malte et av sine berømte portretter på mindre enn 5 minutter
En gang sa en av Pablo Picassos bekjente, som så på de nye verkene hans, oppriktig til kunstneren: «Jeg beklager, men jeg kan ikke forstå dette. Disse tingene eksisterer bare ikke." Som Picasso svarte: «Du forstår heller ikke kinesisk. Men den eksisterer fortsatt." Picasso ble imidlertid ikke forstått av mange. En gang foreslo han den russiske forfatteren Ehrenburg, hans god venn, male portrettet hans. Han var gladelig enig, men hadde ikke tid til å sette seg i en lenestol for å posere, da artisten annonserte at alt var klart.
Ehrenburg uttrykte overraskelse over hastigheten på utførelsen av arbeidet, tross alt hadde det gått mindre enn 5 minutter, som Picasso svarte: "Jeg har kjent deg i 40 år. Og alle disse 40 årene lærte jeg å male portretter på 5 minutter.
Ilya Repin hjalp til med å selge et maleri han ikke malte
En dame kjøpte på markedet for bare 10 rubler et helt middelmådig maleri, som signaturen "I. Repin" stolt flauntet på. Da en kjenner av maleri viste dette verket til Ilya Efimovich, lo han og la til "Dette er ikke Repin" og satte autografen sin. Etter en tid solgte den driftige damen maleriet ukjent artist med autografen til den store mesteren allerede for 100 rubler.
Bjørnene i det berømte maleriet av Shishkin ble malt av en annen kunstner
Blant kunstnere er det en uuttalt lov - profesjonell gjensidig bistand. Tross alt har hver av dem ikke bare favoritthistorier og styrker, men også svake punkter så hvorfor ikke hjelpe hverandre. Så det er sikkert kjent at for maleriet "Pushkin on the Seashore" av Aivazovsky ble figuren til den store dikteren malt av Repin, og for maleriet av Levitan "Høstdag. Sokolniki, en dame i svart ble malt av Nikolai Chekhov. Landskapsmaleren Shishkin, som kunne tegne hvert eneste gresstrå og nåler i maleriene sine, da han lagde maleriet "Morning in granskog«bjørn viste seg ikke på noen måte. Derfor malte Savitsky bjørner for det berømte Shishkin-lerretet.
Et stykke fiberplate, som maling ganske enkelt ble hellet over, ble et av de dyreste maleriene
Det dyreste maleriet i verden i 2006 var Jackson Polocks nummer 5, 1948. På en av auksjonene gikk maleriet for 140 millioner dollar. Det kan virke morsomt, men kunstneren "plaget" ikke spesielt med å lage dette bildet: han helte ganske enkelt maling over et stykke fiberplate spredt utover gulvet.
Datoen for opprettelsen av maleriet hans Rubens kryptert av stjernene
Kunstkritikere og forskere kunne i lang tid ikke fastslå datoen for opprettelsen av en av de mest kjente malerier Rubens - maleriet "Gudenes fest på Olympen". Gåten ble løst først etter at astronomer tok en nærmere titt på bildet. Det viste seg at karakterene på bildet var plassert i nøyaktig samme rekkefølge som planetene var plassert på himmelen i 1602.
Chupa-Chups-logoen ble tegnet av den verdensberømte surrealisten
I 1961 ba Enrique Bernata, eieren av Chupa Chups-selskapet, kunstneren Salvador Dali om å komme opp med et bilde for et godteripapir. Ga forespørselen oppfylt. I dag er dette bildet, om enn i en litt modifisert form, gjenkjennelig på selskapets slikkepinner.
Det er verdt å merke seg at i 1967 i Italia, med pavens velsignelse, ble den utgitt med illustrasjoner av Salvador Dali.
Det dyreste maleriet Mel bringer ulykke
Munchs maleri «Skriket» ble solgt på auksjon for 120 millioner dollar og er i dag det dyreste maleriet av denne kunstneren. Munch sies å livsvei som er en serie tragedier, la så mye sorg i det at bildet absorberte negativ energi og hevner seg på lovbryterne.
En av de ansatte ved Munch-museet mistet på en eller annen måte maleriet ved et uhell, hvoretter han begynte å lide av forferdelig hodepine som førte denne mannen til selvmord. En annen ansatt ved museet, som ikke var i stand til å holde maleriet, havnet i en forferdelig bilulykke bare noen dager senere. Og en besøkende på museet, som tillot seg å ta på maleriet, brant levende i brann etter en tid. Det er imidlertid mulig at dette bare er tilfeldigheter.
Malevichs "Black Square" har en "eldre bror"
«Black Square», som kanskje er mest kjent maleri Kazimir Malevich, er et lerret 79,5 * 79,5 centimeter, der en svart firkant er avbildet på en hvit bakgrunn. Malevich malte maleriet sitt i 1915. Og tilbake i 1893, 20 år før Malevich, tegnet Alphonse Allais, en fransk humorist, sin "svarte firkant". Riktignok ble Alle sitt maleri kalt "Slaget om negre i en dyp hule på en mørk natt."
Kristus og Judas har samme ansikt i Da Vincis maleri
Det sies at skapelsen av maleriet "The Last Supper" krevde en titanisk innsats fra Leonardo da Vinci. Kunstneren fant raskt personen som bildet av Kristus ble malt fra. En av kirkekorsangerne nærmet seg denne rollen. Men «Judas» da Vinci var ute etter tre år.
En gang på gaten så artisten en fylliker som uten hell forsøkte å komme seg ut av kloakkbrønnen. Da Vinci tok ham med til et av drikkestedene, satte ham ned og begynte å tegne. Hva var overraskelsen til artisten da fyllikeren, etter å ha åpnet seg, innrømmet at han for flere år siden allerede hadde posert for ham. Det viste seg at dette er den samme sangeren.
Nonnen av Ilya Repin
Ilya Repin. Nonne. 1878. Statens Tretyakov-galleri / Portrett under røntgen
En ung jente i strenge klosterklær ser ettertenksomt på betrakteren fra portrettet. Bildet er klassisk og kjent – det ville nok ikke vakt interesse blant kunstkritikere hvis det ikke var for memoarene til Lyudmila Alekseevna Shevtsova-Spore, niesen til Repins kone. De har en interessant historie.
Sophia Repina, født Shevtsova, poserte for Ilya Repin for The Nun. Jenta var kunstnerens svigerinne - og på et tidspunkt var Repin selv alvorlig forelsket i henne, men giftet seg med henne yngre søster Tro. Sophia ble også kona til Repins bror - Vasily, et orkestermedlem av Mariinsky Theatre.
Dette hindret ikke kunstneren i å gjentatte ganger male portretter av Sophia. For en av dem poserte jenta i en seremoniell ballsal: en lett elegant kjole, blondermer, høyt hår. Mens han jobbet med maleriet, kranglet Repin seriøst med modellen. Som du vet kan alle fornærme en artist, men få kan ta hevn så oppfinnsomt som Repin gjorde. Den fornærmede kunstneren «kledde» Sophia i portrettet i klosterklær.
Historien, lik en spøk, ble bekreftet av et røntgenbilde. Forskerne var heldige: Repin renset ikke av originalen malingslag, som tillot oss å vurdere i detalj det originale antrekket til heltinnen.
"Park Alley" av Isaac Brodsky
Isaac Brodsky. Park smug. 1930. Privat samling / Isaac Brodsky. Park smug i Roma. 1911
Ikke mindre enn interessant gåte overlatt til forskere av Repins student - Isaac Brodsky. Tretyakov-galleriet har maleriet hans "Park Alley", som ved første øyekast ikke er bemerkelsesverdig: Brodsky hadde mange arbeider om "park"-temaet. Men jo lenger inn i parken - jo mer fargerike lag.
En av forskerne la merke til at komposisjonen til maleriet minnet mistenkelig om et annet verk av kunstneren - "Park Alley in Roma" (Brodsky var gjerrig med originale titler). Dette maleriet ble ansett som tapt i lang tid, og reproduksjonen ble publisert bare i en ganske sjelden utgave av 1929. Ved hjelp av et røntgenbilde ble det funnet en romersk bakgate som på mystisk vis hadde forsvunnet – rett under den sovjetiske. Kunstneren renset ikke av det allerede ferdige bildet og gjorde ganske enkelt en rekke enkle endringer i det: han kledde på forbipasserende på 30-tallet av XX-tallet, "tok bort" serso fra barn, fjernet marmor statuer og modifiserte trærne litt. Så den solfylte italienske parken med et par lette håndbevegelser ble til en eksemplarisk sovjetisk.
På spørsmål om hvorfor Brodsky bestemte seg for å skjule sin romerske bakgate, fant de ikke noe svar. Men det kan antas at skildringen av «borgerskapets beskjedne sjarm» i 1930 allerede var upassende fra et ideologisk synspunkt. Likevel, av alle Brodskys post-revolusjonære landskapsverk, er "Park Alley" det mest interessante: til tross for endringene, beholdt bildet den sjarmerende elegansen til moderniteten, som dessverre ikke lenger var i sovjetisk realisme.
"Morgen i en furuskog" av Ivan Shishkin
Ivan Shishkin og Konstantin Savitsky. Morgen i en furuskog. 1889. Statens Tretjakovgalleri
Et skogslandskap med unger som leker på et veltet tre er kanskje mest bemerkelsesverdig arbeid kunstner. Det er bare ideen om landskapet Ivan Shishkin fikk en annen kunstner - Konstantin Savitsky. Han malte også en bjørn med tre unger: bjørner, en ekspert på skogen, Shishkin, lyktes ikke på noen måte.
Shishkin forsto upåklagelig skogfloraen, la merke til de minste feilene i tegningene til elevene hans - enten er ikke bjørkebarken avbildet på samme måte, eller så ser furu ut som en falsk. Men mennesker og dyr i hans arbeid har alltid vært en sjeldenhet. Det var her Savitsky kom til unnsetning. Han la forresten igjen noen få forberedende tegninger og skisser med unger - jeg lette etter passende positurer. "Morning in a Pine Forest" var ikke opprinnelig "Morgen": maleriet ble kalt "Bear Family in the Forest", og det var bare to bjørner på det. Som medforfatter satte Savitsky sin signatur på lerretet.
Da lerretet ble levert til kjøpmannen Pavel Tretyakov, var han indignert: han betalte for Shishkin (bestilt forfatterens verk), men mottok Shishkin og Savitsky. Shishkin, hvordan rettferdig mann, tilskrev ikke forfatterskapet til seg selv. Men Tretyakov gikk på prinsippet og slettet blasfemisk Savitskys signatur fra bildet med terpentin. Savitsky nektet senere adelig opphavsrett, og bjørnene ble tilskrevet Shishkin i lang tid.
"Portrait of a Chorus Girl" av Konstantin Korovin
Konstantin Korovin. Portrett av en refrengjente. 1887. Statens Tretyakov Gallery / Baksiden av portrettet
På baksiden av lerretet fant forskerne en melding fra Konstantin Korovin på papp, som viste seg å være nesten mer interessant enn selve maleriet:
"I 1883 i Kharkov, et portrett av en korjente. Skrevet på en balkong i en kommersiell offentlig hage. Repin sa, da denne skissen ble vist ham av Mamontov S.I., at han, Korovin, skriver og leter etter noe annet, men hva er det for noe - dette er kun for å male. Serov hadde ennå ikke malt portretter på den tiden. Og maleriet av denne skissen ble funnet uforståelig??!! Så Polenov ba meg fjerne denne skissen fra utstillingen, siden verken kunstnerne eller medlemmene - Mr. Mosolov og noen andre liker den. Modellen var en stygg kvinne, til og med litt stygg."Brevet" avvæpnet med sin direktehet og dristige utfordring til hele kunstnermiljøet: "Serov hadde ennå ikke malt portretter på den tiden" - men de ble malt av ham, Konstantin Korovin. Og han var angivelig den første som brukte teknikker som er karakteristiske for stilen som senere skulle bli kalt russisk impresjonisme. Men alt dette viste seg å være en myte som kunstneren skapte med vilje.Konstantin Korovin
Den harmoniske teorien "Korovin - forløperen til russisk impresjonisme" ble nådeløst ødelagt av objektiv teknisk og teknologisk forskning. På forsiden av portrettet fant de kunstnerens signatur i maling, litt lavere - med blekk: "1883, Kharkov." I Kharkov jobbet kunstneren i mai - juni 1887: han malte landskap for forestillingene til den russiske private Mamontov-operaen. I tillegg fant kunstkritikere ut at «Portrettet av en refrengjente» ble laget på en viss kunstnerisk måte – a la prima. Denne teknikken oljemaleri lov til å male et bilde i én økt. Korovin begynte å bruke denne teknikken først på slutten av 1880-tallet.
Etter å ha analysert disse to inkonsekvensene, kom de ansatte i Tretyakov-galleriet til den konklusjon at portrettet ble malt først i 1887, og Korovin la til en tidligere dato for å understreke sin egen innovasjon.
"Man and Cradle" av Ivan Yakimov
Ivan Yakimov. Mann og vugge.1770. Statens Tretjakovgalleri / Full versjon arbeid
I lang tid forundret Ivan Yakimovs maleri "En mann og en vugge" kunstkritikere. Og poenget var ikke engang at denne typen hverdagsskisser absolutt ikke er typiske for maleri XVIIIårhundre - gyngehesten i nedre høyre hjørne av bildet har et tau strukket for unaturlig, som logisk nok burde ha ligget på gulvet. Ja, og det var for tidlig for et barn fra vuggen å leke slike leker. Dessuten passet ikke peisen halvveis på lerretet, noe som så veldig rart ut.
"Opplyst" situasjonen - i bokstavelig forstand - røntgen. Hun viste at lerretet var kuttet til høyre og øverst.
I Tretyakov-galleriet maleriet kom etter salget av samlingen til Pavel Petrovich Tugogoi-Svinin. Han eide det såkalte "Russian Museum" - en samling av malerier, skulpturer og antikviteter. Men i 1834, på grunn av økonomiske problemer, måtte samlingen selges - og maleriet "En mann og en vugge" havnet i Tretjakovgalleriet: ikke alle, men bare venstre halvdel. Den rette gikk dessverre tapt, men du kan fortsatt se verket i sin helhet, takket være en annen unik utstilling fra Tretyakov-galleriet. Den fullstendige versjonen av Yakimovs arbeid ble funnet i albumet "Samling av utmerkede verk Russiske kunstnere and Curious Domestic Antiquities”, som inneholder tegninger fra de fleste maleriene som var en del av Svinin-samlingen.
