Kristina Krasnyanskaya: «Hvis de fortalte meg at det ville være SÅ, ville jeg aldri ha trodd det. Er dette møbelet samleobjekt?

Å samle kunstverk er en elitehobby, som ikke bare innebærer en seriøs utdannelse innen kunsthistorie, men også en upåklagelig smak.
Kristina Krasnyanskaya, en kunstkritiker, korresponderende medlem av International Academy of Culture and Art, eier av Moskva-galleriet "Heritage", fortalte oss om det er mulig å dyrke god smak på egen hånd og hvordan man kan lære å lage kunstsamlinger .

• Christina, hva er "god smak" for deg?
• God smak er kunsten å være i harmoni med miljøet. Veiledet av smak kan vi velge hva som skal bli en del av livene våre og hva som ikke blir det. Det er som å bygge en god samling. Evnen til å velge og finne matcher bestemmer dannelsen av vår personlige livskontekst. En person med god smak eksisterer alltid og føler seg til stedet og tiden, fordi han streber etter harmoni mellom den ytre og indre verden.
• Etter din mening kan god smak dyrkes?
• Selvfølgelig er god smak en egenskap som er innpodet fra barndommen. Hvis en person fra selve tidlig alder blir kjent med skjønnheten og de evige skjønnhetens kanoner, er det mye lettere for ham å utvikle en god smak. God smak er ikke en medfødt egenskap, snarere et resultat av arbeid med seg selv. Stadig utvide horisonten din og oppdage nye ting, vi forbedrer oss din smak. God smak er ofte forbundet med en følelse av stil, selv om det er to helt forskjellige konsepter, som mote og kunst.
• Og hva er viktigere i dannelsen av private samlinger - smak eller mote?
• Motelover finnes i all slags menneskelig aktivitet. Men mote er alltid betinget. Til tross for at motekunst er utrolig etterspurt i et bestemt øyeblikk, gjør dette det ikke mer attraktivt når det gjelder samlingsdannelse. Det er mye viktigere kriterier når man skal velge verk for innsamling, og for det første er dette den kunstneriske verdien av verket. I dag er det ekstremt fasjonabelt å samle samtidskunst, men dette betyr ikke i det hele tatt at samlere Art XIX Alder har dårlig smak...
• Smaken til en profesjonell og en nybegynner samler stemmer ofte ikke overens. Hvordan oppfører du deg i slike situasjoner – inngyt smak hos kundene eller prøv å matche deres ambisjoner?
• Jeg prøver alltid å lytte til kundenes ønsker og visjoner, uten å skjule min mening for dem. Som regel begynner alle å samle fra klassikerne, styrt av ideene mottatt i antologier og museumskataloger. Men konservatisme i å samle - ikke alltid et tegn god smak. Abstrakt kunst– dette er utviklingen som kunstneren går gjennom først, og deretter betrakteren. Denne kunsten krever spesiell trening, erfaring og utdanning. Du må komme til det, gradvis utvide synet ditt, ellers kommer du kanskje aldri.
• Hvordan moderne kunst påvirke offentlig smak?
• Til alle tider har kunst dannet både skjønnhetskanoner og fasjonable typer. Samtidskunst gjør dette på en mer intens og eklektisk måte, samtidig som den snakker om så mange ting på samme tid. I dag er det en trend mot en syntese av kunst, når teatret kombineres med musikk, maleri med design, videoinstallasjoner. og kinematografi. Kunst viser oss sin holdning til prosessene som foregår i samfunnet, og er med på å bestemme vår egen holdning til den. Hvor lyst og interessant det viser seg, avhenger av talentet og dyktigheten til artisten.
• Dårlig smak i kunst er...?
• Opprørende. Når en kunstner mangler inspirasjon eller skole for å gjøre seg kjent for verden, tyr han til å sjokkere. Gjennom arbeidet til noen kreative foreninger, moderne russisk kunst har blitt veldig ofte forbundet med sjokkerende. Heldigvis, i tillegg til sjokkerende, er det mange interessante i Russland samtidskunstnere basert på de rike tradisjonene til den russiske malerskolen. Uten tvil vil arbeidet deres en dag bli allmennhetens eiendom, men selv nå er arbeidet deres et samleobjekt.
• Hvilken kunstners verk er et eksempel på upåklagelig smak for deg?
• Dette er et veldig bredt spørsmål. Slike artister som Van Gogh, Marc Chagall, Konstantin Korovin hadde en utrolig sterk sans for stil. For meg personlig er en uendelig kilde til beundring arbeidet til den russiske avantgarde-greven Andrey Lansky, en russisk kunstner som forlot hjemlandet i årene oktoberrevolusjon og oppnådde bred anerkjennelse i Vesten. Hans lyriske abstraksjoner er raffinert intellektuelt maleri, full av "farge-lys" energi. I dag får Lanskys arbeid endelig velfortjent anerkjennelse i hjemlandet, noe som også vitner om utviklingen av offentlig smak i Russland ...
  (Fra galleriets nettside):
  Hovedaktivitetene til det internasjonale kunstgalleriet "Heritage" er kunsten til den russiske emigrasjonen fra første halvdel av 1900-tallet og russisk samtidskunst.
  Bevisst på ansvaret som arbeidet i galleriet legger på med verk kunst av et slikt nivå som "Russian Diaspora", streber vi etter å være så krevende som mulig i vårt arbeid med samtidskunst. Moderne russisk og vestlig kunst er representert i galleriet "Heritage" av kunstnere hvis verk er i samlingene til flere verdensmuseer.
  Mange deltakere i utstillingsprosjektene våre er medlemmer av Union of Artists of the USSR og Russland, studenter av slike giganter moderne maleri, som Varvara Bubnova (medlem av Union of Youth, Jack of Diamonds, Donkey Tail, utstilt med Malevich, Tatlin og Rodchenko), Vasily Sitnikov (representant for "uoffisiell kunst, grunnlegger av sin egen skole), Heinrich Ludwig (representant for avantgarde Sovjetisk arkitektur 20-årene).
  Hver presentert i vårt galleri med verk har en ubestridelig kunstnerisk verdi, noe som gjør samtidskunst verdig å samle på eliten og alltid gir oss glede fra kontakt med det vakre.
  ------------------
  Kristina Krasnyanskaya (38 år): datteren til medeieren av Eurocement Group Georgy Krasnyansky (en formue på 1,5 milliarder cu).
  Heritage Gallery

Fra 21. februar til 30. april i Moskva-galleriet Arv utstillingen vil finne sted "Postkonstruktivisme, eller fødselen av sovjetisk art deco: Paris - New York - Moskva" trekke paralleller og se etter skjæringspunkter og påvirkninger innen kunst, arkitektur og design i Russland, Amerika og Frankrike på 1920- og 30-tallet. Med denne utstillingen feirer galleriet sitt 10-årsjubileum, før grunnleggeren Christina Krasnyanskaya fortalte ARTANDHOUSES om forskjellene mellom samlere og investorer, om troen på «jungeltelegrafen» og fordelene med kunstkonsulenter.

De siste årene har du holdt på med flere museumsprosjekter i Russland, men nyheter om arbeidet til galleriet kom hovedsakelig fra utlandet – om deltakelse i. Hvorfor?

Det var en periode det var mange prosjekter – jeg tok på meg alt, og det var viktig for meg at det hele tiden ble gjennomført aktiv utstillingsvirksomhet. Dette er mindre relevant nå av flere grunner. Over tid utvikler tross alt kvantitet til kvalitet, og du griper ikke alt. Vi gjør ganske komplekse prosjekter som krever ganske lang forberedelse, spesielt med innsamling av materiale. Derfor, å gjøre mange av dem og ofte bare ikke fungerer, og å gjøre noe enkelt er ikke interessant for meg.

Det har seg slik at galleriets aktiviteter fra et fokus på russiske kunstnere i utlandet – selv om jeg understreker at vi ikke glemmer denne retningen og inkluderer verk i utstillinger – fløt jevnt over til temaet sovjetisk design. Men nyere utstillinger er likevel mye bredere: de inkluderer ikke bare design, men også maleri, grafikk og arkitektur. Jeg liker at de er mettede, eklektiske, jeg ser at denne utstillingstrenden støttes av andre. For når du har denne typen eksponering, kan du ikke bare se noe tatt ut av kontekst, men hele konteksten på en gang.

Det er derfor du, etter trendene, begynte å jobbe med samtidskunstnere?

Selvfølgelig skal det rette galleriet ha et visst fokus, men til tross for at vi konsentrerer oss om første halvdel av 1900-tallet, støtter jeg gjerne samtidskunstnere. Jeg hjelper til og med noen av dem med promotering i Vesten: i fjor hadde jeg tilsyn med et prosjekt av billedhuggeren Alexei Morozov ved Napoli arkeologiske museum. Og i fjor var hun medkurator for utstillingen til Oksana Mas i MAGA-museet nær Milano, hvor verkene hennes ble inkludert i utstillingen av arte povera-mestre - Fontana, Castellani og andre. Forresten, lånetakerne til dette museet er Missoni-familien, og nå har jeg en idé om å lage en utstilling om motehuset deres i Moskva.

William Klein
"Tatiana, Mary Rose og kameler, piknik, Marokko"
1958

Galleriet ditt er 10 år gammelt. Synes du det er for mye eller for lite for et galleri i Russland?

Markedet og den politiske situasjonen tatt i betraktning synes jeg dette er greit. I verdenssammenheng er det selvsagt ikke nok, men for vår russer er det nok. Spesielt å huske at vi i løpet av denne tiden har opplevd flere kriser.

Hvordan overlevde galleriet ditt krisene?

Den første er veldig enkel. Han rørte heller det internasjonale auksjonshus, fordi krisen virkelig var global, og folk ønsket ikke å gi ting for offentlig salg. Den andre er vanskeligere, fordi den var knyttet til våre samlere, med våre politiske og økonomiske begivenheter. Derfor skjedde det en slags rotasjon: folk som kjøpte kunst mye og aktivt, av en eller annen grunn, slutter å kjøpe, men nye kjøpere dukker opp. Vår virksomhet er utformet på en slik måte at galleriet skal være en fleksibel organisme og tilpasse seg omstendighetene. Det har alltid vært interessant for meg å holde en balanse mellom kommersielle og kuratoriske aspekter.

Jeg husker du for noen år siden klaget over mangelen på en art director i galleriet. Fant du det eller fortsetter du å gjøre alt selv?

Dessverre fortsetter jeg å være det selv, selv om jeg jevnlig tror at en slik person vil dukke opp.

Tilbake til fortiden ... Du har økonomisk og kunsthistorisk utdannelse. Gikk du målbevisst på studier som kunstkritiker for senere å åpne et galleri?

Ja. Da jobbet jeg allerede i ett privat galleri lukket type hos deres bekjente. Hun spesialiserte seg i klassisk maleri, og med min ankomst begynte de også å forholde seg til moderne kunst. Det var en flott tid! Et slikt felt for manøvrering, hvor jeg kunne studere hvordan galleriet og generelt denne virksomheten fungerer fra innsiden. På et tidspunkt utviklet det seg til og med omstendigheter der jeg måtte engasjere meg aktivt i salg, administrere galleriets økonomiske anliggender. Så det var en så bra skole.

Ib Kofod Larsen, lett stol, 1950 / Borge Mogensen, sofa, 1962

Hvorfor bestemte du deg også for i utgangspunktet å lage et lukket galleri?

Jeg tror bare ikke på at vi har samlere som går nedover gaten og ser gjennom vinduene. Det virker for meg som om innsamlingsemnet i vårt land fortsatt er lukket, og "jungeltelegrafen", den oppnådde autoriteten blant samlere, fungerer best her når de kommer tilbake til deg og anbefaler deg. Dette er sannsynligvis den beste reklamen noensinne.

Det vil si at våre gallerieiere selv fortsetter å opprettholde en aura av elitisme i å samle og skape en slags magi rundt?

Jeg tror at å samle er magi. Og jeg sier alltid at samlerklubben er en lukket klubb og faktisk elitens lodd. Fordi det ikke er nok å ha mye penger og muligheten til å kjøpe dyre kunstgjenstander, er det ikke engang nok å bare lese bøker, gå på utstillinger og messer, eller få en slags spesialopplæring. Tross alt, forstå at ikke alle mennesker er klare og ikke alle er infisert av denne samlingsånden. Selv de som kjøper noe blir ikke nødvendigvis samlere. Ekte samlere er veldig komplekse mennesker. Og, for å være ærlig, på noen måter til og med besatt. De lever det og oppfatter kunst på en helt annen måte. Fordi kunst er en betinget kategori. Det er ikke blant det essensielle, ikke engang blant luksusvarer, for eksempel en luksusbil, store diamanter, en yacht eller et hus på Cote d'Azur. Dette er hva du trenger å føle med hjertet, det du trenger å ha et "øye" og smak for. Ja, du kan gå gjennom utstillinger, huske navn og populære reisemål, men ikke alle er interessert i å forstå kunst og samle, studere dens subtiliteter dypt. Og ikke alle er i stand til det. Derfor er klubben til disse menneskene infisert med "basillen" for å samle, som liker å lage mat i den, som er sjalu på hverandres kjøp og følger ting i årevis, som liker å gi arbeidet sitt til museer, slik at de "lever ” noen form for eget liv og få herkomst, lukket. For å komme inn i det er det ikke nok bare å ha penger. Dessuten er det velkjente samlinger når folk kjøpte verk ikke i det hele tatt for fantastiske penger, de bare hadde et godt instinkt og kunnskap, og gode konsulenter.

Du har nettopp beskrevet figuren til det som sannsynligvis er den kanoniske lidenskapelige samleren. Det viser seg at du ikke anser de som samler inn til investeringsformål som samlere?

Jeg sier alltid: det er kjøpere og det er samlere. Kjøpere er de som kjøper kunst til hjemmet, for en gave, noen ganger under påvirkning av følelser, noe som skjer spesielt ofte på messer. Og det er samlere, en annen kategori, ikke i det hele tatt mytologisk. I vårt land er det for eksempel ti slike.

De som kjøper for investeringsformål er rett og slett investorer. Selvfølgelig spinner det mye penger i kunst, og mange ønsker å investere i det for å få ekstra inntekt senere. Men for dette må du enten kjenne dette markedet veldig godt, følge det ikke mindre enn aksjemarkedet, eller ha en erfaren konsulent i nærheten. Enda bedre, det ene og det andre. Vel, generelt tror jeg at det finnes mer lønnsomme og mindre risikable typer virksomhet enn å investere i kunst.

En gang med Matthew Stevenson, daværende leder av den russiske avdelingen av Christie's, holdt vi et foredrag om hvordan man samler på en slik måte at kunst alltid var flytende. Det var fem grunnleggende prinsipper.

Kan du stemme dem?

Det første er navnet. Vi snakker ikke nå om å investere i fremvoksende kunst(ung kunst), men vi snakker om det faktum at en person ønsker å investere pengene sine og, hvis ikke øke dem, så i det minste spare dem. Dette skal være den første raden med navn.

Den andre er perioden. Fordi enhver kunstner har en periode med velstand, men det er mindre interessante - begynnelsen, når han ennå ikke har dannet seg, nedgangen av kreativitet. Det er viktig å forstå at du kjøper den beste perioden til denne forfatteren.

For det tredje, handlingen. Det skal være et gjenkjennelig plot som kjennetegner denne artisten, og alle hans, la oss si, chips skal være med i arbeidet. Hvis du har arbeidet til Picasso foran deg og du ikke vet at det er hånden hans, trenger du ikke kjøpe investeringsmessig.

Fjerde - veldig interessant parameter. Det er et slikt konsept: veggkraft. Det betyr at arbeidet skal være effektivt. Selv, for eksempel, hvis dette er et maleri av avdøde Magritte, ikke den beste perioden, men hvis det er spektakulært, så kan det godt realiseres i fremtiden.

Og det siste punktet er tilstanden til arbeidet og herkomsten. Her må du se på sikkerheten til arbeidet, inngrepet eller ikke til restauratørene. Og dens opprinnelse: hvem den tilhørte, hvor den ble utstilt, eller i hvilket autoritativ galleri den ble anskaffet.

Hvis du følger disse enkle reglene, ser det ut til at investeringene dine er sikret.

David Dubois
Stroppbord
2014

Hvorfor vil det da være behov for kunstkonsulenter?

Vel, det er ikke så lett å bruke disse reglene (ler). Du må bruke mye tid på å studere problemstillinger, og for hver artist separat. Og for å skaffe den nødvendige mengden informasjon, må du sannsynligvis koble helt fra hovedvirksomheten din.

Hvordan ble navnet på galleriet ditt til?

Det er veldig enkelt: Jeg ønsket å gi et navn som på den ene siden ville være internasjonalt, og på den andre siden ville ha betydning. Og ordet "arv" virket universelt, som de sier, med god karma.

Du startet med russiske kunstnere i utlandet, nå har du gått inn i sovjetisk design – hele arven vår, ja. Og hvorfor begynte de å bringe ting fra utenlandske designere hit?

Allerede da jeg begynte, skjønte jeg at i vårt land er nisjen som kalles "samlingsdesign" ikke fylt i det hele tatt. Og for mange år siden gjorde jeg en utstilling av kun vestlige ting av denne typen. Hun viste der de beste lærebokobjektene, både antikke og gjennom hele 1900-tallet frem til moderne designere Martin Bas og Fabio Novembre. Jeg var interessert i å se reaksjonen til folk, men da var få klare for dette. I dag er det heldigvis allerede noen få som gjør slike ting.

Vi, spesielt på denne utstillingen dedikert til jubileet for galleriet, er fokusert på sovjetisk design i en bred internasjonal kontekst - vi prøver å vise hvordan Amerika og Frankrike påvirket USSR, hva som kom til oss derfra og hva som er autentisk i Sovjet. design.

Du viser aktivt sovjetisk design i Vesten. Hvordan reagerer lokale samlere?

Vestlige museer er veldig interesserte, og jeg er med i en serie foredrag om et show. Og samlere liker det, men de opptrer forsiktig – det finnes svært lite litteratur om dette i utlandet. Selv om vi i tillegg til russiske kjøpere har kunder fra Tyskland og Sveits, en franskmann med russiske røtter, og, håper jeg, vil dukke opp fra Italia.

Toppmodell, TV-programleder og skuespiller. Etter å ha mottatt tittelen "Best comers girl in Russia" ifølge Fashion TV, fløy hun for å erobre Paris. Og hun lyktes - Polina signerte kontrakter med Houses of Dior, Roberto Cavalli, Jitrois, Levi's. Og som skjønnhetsmodell klarte Polina å jobbe med L'Oreal og Feraud, og ble ansiktet til vellykkede reklamekampanjer for kjente merkevarer.

For et par måneder siden var jeg på et arrangement dedikert til åpningen av en utstilling av den berømte russiske kunstneren i utlandet Georgy Artemov i Heritage. Alle bohemske Moskva og innflytelsesrike mennesker i hovedstaden samlet seg i dette galleriet. Vi ble møtt av eieren av galleriet, hvis navn er viden kjent i forretnings- og motekretser, vakker jente med et sjarmerende smil, - Christina Krasnyanskaya. Samme kveld fikk jeg ideen om å spille inn et intervju med Kristina, snakke med henne om galleriet hennes, hvor vanskelig det er å oppnå et kall og, selvfølgelig, om arbeidet til russiske kunstnere.

: Christina, jeg er glad for å se deg. Alle kjenner oversettelsen av navnet på galleriet "Heritage", som betyr "Heritage". Jeg vet at galleriet er vertskap for utstillinger av kun russiske kunstnere, hva er grunnen til et slikt valg?

Christina Krasnyanskaya: At galleriet har et offisielt konsept. Poenget er at vi jobber med russiske kunstnere i utlandet, med de som immigrerte under revolusjonen eller før den. Selvfølgelig er arbeidet deres vår arv. Dessverre var den tapt inntil en viss periode. Oppgaven til galleriet vårt er å gjenopprette dette, og vise verden at dette er russiske kunstnere. For eksempel, frem til 1985, signerte Marc Chagall i alle gallerier som fransk kunstner. På den tiden ble det glemt at han var fra Russland. Nå er tingene til Chagall fra den russiske perioden på markedet verdsatt mye mer enn franskmennene. Han levde langt liv kjent kunstner, i nesten 100 år, og jobbet til slutten av sine dager. Det er alltid verdt å huske at vår russiske "arv" er en enorm liste over både kjente navn som Marc Chagall, Wassily Kandinsky, Natalia Goncharova, Mikhail Larionov, Konstantin Korovin, Boris Grigoriev og mindre kjente artister: Georgy Artemov, Boris Anisfeld, Andre Lanskoy, Serge Polyakov, Georgy Pozhedaev, Leopold Survage, Serge Charchoun og mange andre, som nylig har blitt en oppdagelse for samlere. Generelt er det begrepet etnisk markedskunst. En gruppe av disse artistene går utover det. Det er imidlertid allment kjent at russere prøver å kjøpe russisk kunst, skandinaver - skandinaver, amerikanere - amerikansk og så videre.

: Hva er begrunnelsen for dette?

Christina Krasnyanskaya: Ønsket om å ha verk av kunstnere som personifiserer nasjonen, kunst kjent fra barndommen, sett mer enn en gang i nasjonale museer. Det er her et element av en slags patriotisme også spiller inn. Hver samler begynner oftest å kjøpe det som tilhører hans arv hjemland. Kunstnerne som galleriet omhandler er interessante fordi de har en russisk skole, russiske røtter, men samtidig er de representert i samlingene til verdensmuseer. Disse navnene er i samlingene til ikke bare russiske, men også vestlige samlere. Dette er russiske kunstnere med verdenskjente. Wassily Kandinsky, Marc Chagall, Naum Gabo, Alexei Yavlensky har lenge blitt solgt på auksjonene til impresjonistene, og ingen steder i verden er det ingen som posisjonerer dem som russiske kunstnere. Derfor var det viktig for galleriet for det første å returnere arven vår til Russland. For det andre må vi ikke glemme at disse kunstnerne også er en integrert del av verdensarven. Derfor er arbeidet deres også en veldig god investering for samlere. La oss for eksempel ta Artemovs utstilling, som for tiden finner sted i Heritage. Jeg ble først kjent med verkene hans i et fransk galleri. Da jeg så trepanelet hans presentert der, ble jeg henrykt. Etter å ha lært kostnadene, trodde jeg at den navngitte prisen ble beregnet for russiske kjøpere, men jeg tok feil. Panelet ble dessuten kjøpt av franskmennene på svært kort tid. Hvis du ser på historien til arbeidet til Georgy Artemov, kan du se at han jobbet mye for franske kunder, som Andre Lanskoy. Det franske galleriet la Carré gjorde et navn for Lansky sammen med slike kjente artister som Fernand Léger og Raoul Dufy.

: Når du velger kolleksjoner, stoler du som profesjonell på din smak?

Christina Krasnyanskaya: Ja. Jeg har ingen art director, så det er min rolle. Drømmen min er at alt skal fungere av seg selv, uten min permanent deltakelse. Men dessverre er dette praktisk talt umulig. På den ene siden er dette selvfølgelig fantastisk, men på den andre siden er det vanskelig. Du er i en tilstand av konstant spenning og ansvar for virksomheten din og menneskene som jobber med deg. Jeg pleide å tro at min virksomhet er frihet. Dette er en stor misforståelse.

: Når jeg besøker deg på arrangementer, la jeg merke til at dine kunder og venner lytter nøye til din mening. Det er flott fordi du kan være med å bygge den riktige samlingen fra alle vinkler. Fra den materielle siden, som en god investering, og fra den spirituelle og energimessige siden. Føler du ikke en slags stolthet over at du blir lyttet til?

Christina Krasnyanskaya: Gjennom hele denne tiden innså jeg at arbeidet til en gallerist på sett og vis også er en psykologs arbeid. Var annen tid, og en lang vei til det jeg har nå. Da jeg begynte å selge kunst var det få som ønsket å kjøpe av meg. Folk som er seriøst involvert i dette, bruker mye penger, har egne konsulenter og selvfølgelig er spørsmålet om tillit til erfaring og profesjonalitet veldig viktig. Jeg fant ut to postulater for meg selv: For det første burde jeg aldri skamme meg over det jeg selger, en person skal ikke bli skuffet og returnere, og for det andre legger jeg aldri press på folk, jeg "dytter" ikke noe og gir til og med råd mine kunder ved kjøp gjennom andre kunsthandlere eller gallerier. Din ærlighet og profesjonalitet ligger i å lede en person kompetent, gi ham riktig råd. Vår virksomhet er veldig delikat som å selge en yacht eller bra bil enklere enn å selge kunst, siden kunst ikke har noen utilitaristisk funksjon. I Russland tar flertallet av samlere et valg til i dag til fordel for klassisk kunst. Situasjonen er mye mer komplisert med abstraksjon, nonfigurativt maleri, og det er svært vanskelig med faktisk, konseptuell samtidskunst. Dette er veldig interessant jobb, tross alt, ved å fortelle og formidle informasjon til en person, begynner du å utdanne ham, utvikle ham, endre hans estetiske oppfatning, gjøre den, si, bredere. Den "overvåkede raden" er veldig viktig. Tross alt, hvis en person ikke ser på utstillinger, ikke mottar, sammen med det han ser, ny informasjon, det utvikler seg ikke. Generelt er det en standard samlervei: fra klassiske landskap til samtidskunst...

: Det er sant, men de fleste behandler dessverre samtidskunst etter prinsippet «Hvorfor koster det så mye, for jeg kan også gjøre det».

Christina Krasnyanskaya A: Dette skyldes vanligvis mangel på informasjon og forberedelse. Når du gradvis fordyper deg i et emne, begynner du å forstå bedre. Alt er egentlig enkelt. Kunstneren har to virkemidler – form og innhold. Og å spille med disse to instrumentene og deres variasjoner varer i 500 år. Med form mener vi «hvordan det gjøres»: maleri, grafikk, skulptur, relieff, motrelieff, installasjon osv., opp til performance og videokunst. Innhold er temaet, kunstnerens budskap til samfunnet. Kunst skal ha en dialog med betrakteren. Ta for eksempel ekspresjonismen, det ser ut til at retningen ble dannet som et resultat av første verdenskrig, da følelser som smerte, skuffelse og fortvilelse tok overhånd. Kunstnernes oppgave var å reflektere denne tiden, å formidle disse følelsene gjennom lerretet, og ikke å vise vakkert bilde med en gledelig farge, som impresjonistene. På dette tidspunktet dukket artister som Egon Schiele og Edvard Munch opp. Malerier som er vakre på sin egen måte, men som skiller seg fra den vanlige visjonen om skjønnhet.

: Det er virkelig mye smerte i maleriene til disse kunstnerne. Når jeg har en slags trøbbel i livet mitt, dukker alltid bildet av Edvard Munch «Skriket» opp i hodet mitt.

Christina Krasnyanskaya: I dag trenger kunsten en kurator som blir en oversetter, en forklaring for betrakteren av kunstnerens ideer. Selv om kunst etter min mening bør snakke direkte til betrakteren.

: Jeg er enig med deg. Ta for eksempel Kazimir Malevichs svarte firkant. Etter å ha sjokkert publikum med et slikt verk, åpnet han veien for fantasi og tankefrihet om hva han ønsket å formidle til betrakteren.

Christina Krasnyanskaya: Malevich er et helt annet tema. Dette er den russiske avantgarden, et av de mest ettertraktede og derfor smidde temaene i kunstverdenen. Artister som har kommet til ikke-objektivitet har mestret alle stadier, alle stiler, alle retninger. Malevich, etter å ha passert denne veien, ble faktisk grunnleggeren av minimalismen. Han kansellerte skjemaet.

: Galleriet ditt er allerede seks år gammelt, føler du at du vil være engasjert i denne retningen hele livet?

Christina Krasnyanskaya: Du vet, jeg liker virkelig det jeg gjør nå. Kanskje i fremtiden vil jeg endre formen på denne retningen, på en eller annen måte utvikle, vokse, gå utover galleriet. Jeg er ikke en av dem som tenker ti år frem i tid. Kunstens verden er mangefasettert, galleriet er et av dem. Dette er en svært kostbar virksomhet, men det gir en mulighet for mange interessante prosjekter, kreativitet, kuratorarbeid og promotering til det internasjonale markedet, deltakelse i internasjonale prosjekter. Vi har blitt det første og så langt eneste russiske galleriet som stiller ut på Design Miami Basel. Vi presenterer en annen retning som jeg har vært lidenskapelig engasjert i i flere år - kolleksjonsdesign. Vi har vært i Miami og Basel. Jeg tar med designgjenstander fra vestlige forfattere til Russland, og sovjetisk design til Basel. Da jeg begynte sa alle til meg at ingen trengte det. Jeg tok mye risiko og var bekymret for hvordan prosjektet vårt ville bli oppfattet av samlere og vestlige medier i verdensklasse. Men alt ble så bra. I dag er vi venner med verdensmuseer og har utmerket respons i vestlig presse.

: I begynnelsen av reisen din diskuterte mange foreldrenes støtte til å lage et galleri. Du er flott, og hvert år beviser du at du er en profesjonell innen ditt felt, og ikke bare en datter av foreldrene dine. Var det ikke flaut at de sa det?

Christina Krasnyanskaya: Jeg har alltid forstått at folk vil ha en assosiasjon med familien min, og dette er et visst aksiom. Jeg er veldig stolt av etternavnet mitt, hvis jeg trenger å bruke fornavnet mitt, så gjør jeg det alltid. Men med alt det er jeg alene. Jeg hadde selvfølgelig startkapital. Da jeg fant et sted for et galleri og tilbød det til faren min, fortalte han meg at det var galskap. Etter alle forhandlingene sa jeg at jeg ikke visste hvor vellykket galleriet ville bli, men siden var flytende, noe som betyr at vi ikke ville tape noe. Han var enig med meg. Før det jobbet jeg i et lukket galleri i 1,5 år, og det var en god start på å lage min egen virksomhet. Jeg hadde også forhandlererfaring, så jeg skjønte allerede noe i denne aktiviteten. Skuffelsen var et annet sted. Da jeg begynte med dette, tenkte jeg at bekjente og venner som samler på kunst umiddelbart ville begynne å kjøpe av meg. Men folk kom, smilte og kjøpte ikke noe særlig, nå forstår jeg hvorfor. Folk som investerer i kunst har allerede fortrolige, konsulenter, og jeg er en jente som nettopp har begynt å gjøre dette, og hvis erfaring ikke inspirerte tilbørlig tillit.

Min første store avtale gikk slik. En dag gikk jeg gjennom en annen utstilling i Paris, opprørt, og jeg møtte vennen min. Han kjøpte allerede aktivt kunst på den tiden og var godt kjent med det. Han spurte hva som var interessant i galleriet mitt, og på den tiden hadde jeg to veldig gode seriøse verk. Han ba om å få ta dem med til kontoret sitt, og da han så lerretene, bestemte han seg for å kjøpe, selv uten mye pruting. Det var min første suksess, og steg for steg begynte folk å stole på min mening.

: Og hvordan promoterer du galleriet?

Christina Krasnyanskaya: Angående PR, så jobber jeg aldri med byråer, kun med mennesker. Dette er riktig fordi PR er et poengsystem. Jeg husker min første glossy shoot, som var for Harper's Bazaar. Det var en fantastisk fotograf, fotograferingen varte i 6 timer. Et par dager senere, da jeg så resultatet, ble jeg litt sjokkert. Photoshopped ansiktet mitt ble endret til det ugjenkjennelige. Det var min første opptreden i glans. Det var mange ting etter det... Jeg er veldig stolt av intervjuet i Wallpaper* Magazine. Utgaven var viet til Russland, den inneholdt de beste fagpersonene innen sitt felt. Arkady Novikov for hans bidrag til cateringvirksomhet, Daria Zhukova for det beste senteret for samtidskunst, Olga Sviblova som en person knyttet til fotografi, og meg som personifiseringen av design i Russland. Det var veldig hyggelig og viktig for meg.

: Vel, når det gjelder kvinners svakheter, hva liker du?

Christina Krasnyanskaya: Jeg vil ikke være original hvis jeg sier at jeg elsker vesker, sko og kåper. Med alt dette er jeg veldig rolig om smykker, jeg liker klær mer. Når noen gir meg noe, foretrekker jeg at det er KUNST enn smykker. Så jeg bytter Graff med Pablo Picasso.

Retur av de tapte kulturarv Russland - hovedretningen i arbeidet til galleriet "Heritage". Siden 2011 har galleriet dannet en samling av forfatterens vestlige og sovjetiske design. I 2012 og 2011 ble hun det første og eneste russiske galleriet som ble invitert til å delta i Design Miami / Basel. Februarutstilling på Arkitekturmuseet “Sovjetisk design. From Constructivism to Modernism 1920-1960s» er frukten av et grandiost kuratorarbeid. Utstillingen for første gang i historien i sin helhet presenterer publikum ikke bare sovjetisk design, men antikviteter på museumsnivå.

Kristina Krasnyanskaya, kunsthistoriker, samler, eier og kunstdirektør for det internasjonale kunstgalleriet Heritage, kurator for utstillingsprosjektet Soviet Design. Fra konstruktivisme til modernisme 1920 - 1960-tallet.

Christina, fortell våre lesere om kuratorideen. Hva er hovedkonseptet i prosjektet?

I fem enfilade-saler på museet presenteres totalt rundt to hundre interiørgjenstander, inkludert møbler, plast, servise, stoffer og så videre. Med en konseptuell kuratorisk beslutning delte vi utstillingen inn i stiler og retninger: fem saler - fem epoker - fem stiler. Da vi først begynte å jobbe med prosjektet, ble jeg møtt med det faktum at i prinsippet i Vesten, i tillegg til den russiske avantgarden og Sovjetisk konstruktivisme, ingen vet noe om sovjetisk design. Imidlertid skjer det samme, dessverre, stort sett hos oss. Dessverre er dette hvordan mentaliteten vår er ordnet, når vi endret, som de sier, milepæler, ødela vi alt, alle de materielle monumentene fra forrige epoke. Lite er igjen av arven kalt sovjetisk design. Mer heldig arkitektur. I løpet av de fire årene mens jeg jobbet med prosjektet, helt uventet for meg selv, oppdaget jeg et helt lag med stiler, epoker, trender. Noen eksisterte parallelt. Noen har endret seg. Utstillingen vår har en absolutt historisk og kulturell vekt.

Hvor begynner eksponeringen?

Utstillingen begynner med en sal dedikert til konstruktivisme. Her er sjeldne eksempler på møbler designet av Boris Iofan for hans berømte "House on the Embankment" (1927-1931), der arkitekten fullstendig tegnet alt interiøret. Propagandamøbler (1930-tallet) er også utstilt her, for eksempel et sett designet av arkitekten Igor Krestovsky for Smolensk kommunehus "Brød av kommunisme". Naturligvis er alle stiler og trender knyttet til prosessene som foregår i staten. Fra sangen, som de sier, kan du ikke kaste ut ord. Kommer ny personlighet, en kursendring, har alltid påvirket hverdagen, arkitekturen og designen. Nå har propagandamøbler blitt en sjeldenhet og flere autentiske gjenstander fra Kommunehuset er utstilt - masse lykke til! Gjenstandene som presenteres i prosjektet kommer ikke bare fra gallerisamlingen vår, men fra private og museumssamlinger, inkludert Museum of Decorative and Applied Arts, Museum of Architecture. I MUARE gjennomførte vi, som de sier, rekognosering i kraft og fant veldig interessante ting, som fotografier.

Sofa fra møbelsettet "Brød of Communism". Igor Krestovsky og Artel "Leninist" - 1937

Andre rom?

Den andre hallen er dedikert til sovjetisk art deco. Art Deco-stilen, dens sovjetiske versjon, har sine røtter i konstruktivismen. Det er utmerkede eksemplarer her, for eksempel møbler laget på 1930-tallet etter design av Nikolai Lansere for Museum of V.I. Lenin inn
Leningrad, plassert i Marmorpalasset. Det som er spesielt interessant er at Lansere designet dette møbelsettet mens han satt i Gulag, i en "sharashka", i "Special Design and Technical Bureau". Denne salen presenterer også praktfulle prøver av den sovjetiske propagandaen Wedgwood, som er veldig interessant.

Tredje rom?

Det tredje rommet har fantastisk design fra 1930-tallet, for eksempel et kjøleskap. I dag er det vanskelig å forstå at dette er et kjøleskap. Dette kjøleskapet har forresten til og med en inskripsjon om at det ble presentert for en viss Chekist Morozov. Tegningene til Stalins favorittarkitekt-designer Boris Smirnov er også presentert i samme rom.

Fjerde rom?

I dette rommet - den sovjetiske empire-stilen. Her, i all sin prakt, vises tingene til Karen Alabyan, skaperen av Red Army Theatre. Møbler av Stalinist Empire-stilen er også vist i unike eksemplarer: en transformerende stol og et radiogram, som ble laget etter ordre fra Leningrad Kirov Opera and Ballet Theatre (Mariinka) som en gave til Mikhail Ivanovich Kalinin. Ting er annerledes, interessant, alt er ledsaget av grafikk, fotografier.

Radiola. 1940

Og det siste, femte rommet?

Den siste salen er dedikert til den voksende, nå fasjonable sovjetiske modernismen, funksjonalismen på 1960-tallet. Her hovedtema er plass. Dette er tiden for lakoniske, funksjonelle møbler, som skulle bygges inn i Khrusjtsjov. Sovjetisk modernisme, representert av verkene til designere på 1950- og 1960-tallet
år, fortsatte avantgardens tradisjoner. Et eksempel er Yuri Sluchevskys møbeltegninger, med hans originale modulsystem som regulerer høyden og bredden på en struktur orientert mot menneskelig vekst.
Etter å ha jobbet tett med Stroganovakademiet, med Yuri Sluchevsky, som på slutten av 1950-tallet hadde eksperimentell produksjon i Strogonovka, så vi tydelig hvordan designere i tøperioden ble inspirert av avantgarden på 10-20-tallet. Selvfølgelig var det kontinuitet! Det er konseptet.

Reoler (1960-tallet, eik, 125x90x24 cm, fra en rekke møbler laget spesielt for en modellleilighet i Moskvas Cheryomushki-distrikt)

Hva annet kan sies om utstillingen, inkludert designbeslutningen?

Utstillingen forenes av én kunstnerisk løsning. På gulvet legger vi Suprematist-figurer fra teppe, som forbinder alle fem salene til en felles komposisjon. I utstillingen er det selvsagt lagt vekt på møbler, selv om det også er Palekh, og porselen, og glass, og propagandatekstiler. Men hovedpersonen er selvfølgelig møblene. Vi presenterer unike samleobjekter som er ekstremt vanskelig å finne i disse dager. Dette er originale møbler. Dette er en sjeldenhet, med herkomst, med historie. For å gjøre det mer behagelig for seerne å se utstillingen, har vi gitt ut en guide.

Hvor nyttig er utstillingen for fagfolk?

Det er veldig nyttig for designere, og for arkitekter, og for dekoratører. Det ødelegger den hvite flekken i historien til innenlandsk design. Utstillingen er en virkelig kilde til inspirasjon, forståelse av basen... Jeg må si at kundene våre endelig ikke lenger er redde for gamle ting i interiøret. Og utstillingen bidrar nok en gang til dette. Det levende interiøret er et eklektisk interiør hvor stoler fra forskjellige tidsepoker side om side med moderne kunst og en antikk kommode. Hvis jeg behandlet interiør profesjonelt, som dekoratør, ville jeg komponert nettopp slike interiører, og jeg ville lagt spesiell vekt på sovjetisk design.

Nicholas Lansere. Lenestol. 1932

Kristina, fortell oss hvordan galleridesignkolleksjonen din startet? Det er alltid interessant.

Jeg må si at vi allerede har samlet en samling til et lite, men høykvalitets museum, vi har samlet den i fire år! Det hele startet veldig morsomt, med Iofan. Da vi gjorde et prosjekt dedikert til avantgarde og post-avantgarde for Basel, falt Iofans stol i våre hender. En amerikansk kvinne kom til standen vår og begynte å hoppe forferdelig på den. Hjertet mitt hoppet over et slag, vi gjerdet av stolen og satte opp et skilt: ikke sett deg ned! Ikke rør! ikke til salgs! Og slik begynte samlingen vår. Alt ble veldig konseptuelt. Stolen er arkitektur!

Lenestol (

Utstillingen finner sted i Statens museum arkitektur oppkalt etter A.V. Shchuseva,. (Enfilade av hovedbygningen) til 22. mars.

Heritage Gallery feirer 7-årsjubileum i februar med utstillingen Soviet Design. Fra konstruktivisme til modernisme» ved Arkitekturmuseet: Designmøbler Nikolai Lansere, Boris Iofan, Karo Alabyan– nå en ny profil for galleriet, som tidligere spesialiserte seg på russiske kunstnere i utlandet og deres utstillinger, inkludert museumsmessige, – Andre Lansky, Boris Grigoriev. Eieren av «Heritage» fortalte hva annet man kan forvente av galleriet hennes – og fra henne personlig.

Hvorfor sluttet du å holde auksjoner?

Av to grunner. For det første er det en svært arbeidskrevende og kostbar oppgave. For det andre har vi fortsatt ikke en slik kultur – å kjøpe på auksjoner. Jeg og kollegene mine prøver å innpode noe sånt, men det går hardt. Auksjoner deltar hovedsakelig av forhandlere - og auksjonshus er forhandlerorienterte. Og blant allmennheten, ikke samlere, men rett og slett kjøpere, de som kjøper fra tid til annen, har dette ennå ikke blitt en vane - å besøke auksjoner, loppemarkeder, eksperimentere med den organiske kombinasjonen av gammelt og nytt ... Alle er veldig avhengig av designeren deres. Og designere har sine egne preferanser og prinsipper. Som et resultat resulterer alt i langsiktige nøkkelferdige interiører, som snart blir moralsk foreldet. Noen år - og en person innser at han ikke lenger kan leve i dette. Jeg lager nå min egen leilighet, hvor alt er en blanding. Eklektisisme som prinsipp - vi har forsøkt å forklare dette for kundene siden den første samlingsmøbelutstillingen her i Moskva (en utstilling med deltagelse av kjente parisiske gallerier Didier Aaron Og Yves Gastou spenner over 1700- og 1900-tallet Jean-Francois Eben før Ettore Sottsassa. — TANR). Så jeg skal ha skandinaviske møbler fra 1960-tallet, og sovjetisk og russisk kunst, både moderne og lite moderne.

Men samtidskunst er en ny aktivitetslinje for deg.

Dette er et eget prosjekt hvor jeg fungerer mer som kunstansvarlig. Det er noen få Russiske kunstnere som, la oss si, jeg ønsker å integrere i internasjonal kontekst - dette er en interessant oppgave for meg, en grunn til å bruke allerede testede, velkjente teknologier. Hva som kommer ut av det, får vi se. Så langt har jeg to avdelinger. Alexey Morozov Jeg liker at han har en skole, men med akademisk uniform er det også moderne preg: til tross for akademiskheten, virker ikke kunsten hans som en salong. Morozov liker det veldig godt, og er klar til å overvåke ham Alessandro Romanini som gjorde mer enn én utstilling Botero, inkludert det nylige jubileet. En omvisning forberedes: først, Morozovs utstilling på Napolitan National Archaeological Museum, i desember 2015, deretter, i mars 2016, i Moskva, i MMOMA på Gogolevsky. Vi forhandler med Venezia - vi ønsker å presentere marmorskulptur Morozov på et av byens torg under biennalen.

En annen artist - Oksana Mas. Oksana er en kreativ person. Hun kom til meg da hun innså at arbeidet til et helt team var nødvendig for å gjennomføre prosjektene hennes. En av henne Alter hva er det verdt (vi viser det i Gorky Park i mars)! Kurator og kunstkritiker ble interessert i henne Janet Zwingenberger, som så arbeidet hennes for noen år siden, har sett på henne siden den gang og skal nå skrive en monografi om Oksana. Oksana har også en omvisning: en utstilling Følelse av lys holdes i Baku fra 5. juli til 5. september, etter det – Astana, Berlin, og nå forhandler vi om Istanbul.

Men dette er ikke et galleri, dette er meg; galleriet er fortsatt en form for formatbegrensning. Galleriet tar for seg russiske kunstnere i utlandet pluss samlingsdesign. Og jeg, som enhver person, ønsker å utvikle meg. For å gjøre dette trenger jeg noen perspektiver, hvor jeg skal opptre ikke som et galleri, men som Christina.

Og hvis du velger én ting, hvilken ville du valgt?

I design, selvfølgelig. Men hvorfor? Jeg bestemte meg for at jeg hadde råd til noen få urelaterte prosjekter. I Vesten er vi kjent som et designgalleri; samlingsdesign - i Russland er dette nisjen hvor vi ble pionerer; galleriet har dannet en betydelig samling, som inkluderer unike gjenstander, fra konstruktivisme til modernisme - om noen år kan denne samlingen godt bli et museum. I Moskva og Russland er vi fortsatt kjent hovedsakelig på grunn av det faktum at vi er engasjert i det russiske i utlandet: vi har gjort mange verdige prosjekter på museumsnivå, vi samarbeider med museer, vi er en del av Society of Friends of the Russian Museum , vi har våre samlere, hvis samlinger vi opprettholder - vi fyller på nye verk, vi råder ... Men innen 7-årsjubileet for galleriet ønsker jeg å lage en utstilling på Arkitekturmuseet dedikert spesielt til design - et retrospektiv av sovjetisk design, som dekker nesten alle områder i dette området, en historisk digresjon som starter med møbler Boris Iofan for Regjeringshuset og sluttet på 1960-tallet. Under arbeidet med kataloger, spesielt for internasjonale messer, innså jeg at i tillegg til rent teknisk og tilhørende informasjon, er alle alltid interessert i generell informasjon også. Jeg tenkte at jeg trengte et pedagogisk program. Jeg fikk ideen til å lage dokumentar, hvor du kan forestille deg epoken bare gjennom ting - gjennom spektakulære ting, pompøse ting, tragisk forsvinnende og glemte ting ... Jeg vil gjøre filmen så seriøs at du for eksempel kan delta på en dokumentarfilmfestival med den. Jeg planlegger å presentere filmen i Basel til sommeren – vi har ikke tid til å gjøre det innen februar.

Du dro ikke til Basel i fjor sommer...

…Men i neste år går igjen. Hvis den politiske situasjonen tillater det. Tross alt har vi et spesifikt materiale - sovjetisk design. Og å reise til Europa med propagandasovjetiske møbler, skjønner du, nå ville det vært latterlig. Derfor takket vi nei. Arrangørene var opprørt. De sa at det allerede har dannet seg en krets av de som er interessert i oss, og for arrangørene en slik situasjon, når galleriet deltar i tre år, så plutselig ikke deltar, dette er ikke veldig tydelig, kunst bør være utenfor politikken og forbi grenser. Selvfølgelig, men hva med kunst som har politisk innhold? Da får Basel-messen omfattende mediedekning. Som bare ikke skrev om oss: Bakgrunn, Guardian, Daily Telegraph! Nå lurer man på hvorfor gjøre alt dette og ta det til Basel, vel vitende på forhånd at man risikerer å støte på en programmert negativ reaksjon på alt russisk? Før det hadde jeg et utmerket rykte - jeg vil ikke ødelegge det.

Men kommer du til å fortsette å promotere sovjetisk design på Design Miami?

Nylig, under middag i Italia, fortalte samlerne meg at 1950- og 1960-tallet er så kule at jeg aldri ville gi opp dette emnet. Rem Koolhaas han kontaktet oss da vi var i Basel, fordi han nettopp jobbet på et av de fremtidige lokalene til Garasjen, opprettet på riktig tidspunkt. Men vi er ikke begrenset til denne perioden. Det er bare det at ting fra 1920-, 1930-, 1940-tallet er sjeldnere og mer samleobjekter, la oss si; selv om 1960-tallet også er få. Men disse tingene er mer enn noen gang etterspurt, og den epoken ser faktisk ut til å bli relevant igjen. Materialet vårt tiltrekker museer. Jeg ble venn med New York Museum of Arts and Crafts, som nylig ble en avdeling av Smithsonian Institution; de viste interesse for fellesutstillinger: de har leder for utstillingsavdelingen, underdirektør, som driver med kampanjetekstiler. Takk skal du ha Craig Robins, grunnlegger og medeier Design Miami, som ga det russiske galleriet muligheten til å vise sovjetisk design på en slik messe - og erklære seg på riktig måte.

Hvor kom ideen om å lage sovjetiske møbler fra?

Ideen kom i det øyeblikket jeg la merke til, og deltok flittig Design Miami fra år til år at andelen av den mest fasjonable, dyreste, mest ettertraktede art deco-stilen begynte å synke, og gradvis ga plass til møbler fra 1950- og 1960-tallet. I tillegg spilte minner fra sovjetisk barndom et sted. Craig Robins tok meg en gang med til standen til et galleri som omhandler skandinavisk design, og da jeg så disse minimalistiske, asketiske møblene, ble jeg overrasket over å høre fra eieren av galleriet at jeg nettopp hadde kjøpt hele standen av ham Roman Abramovich. Ja, det er få samlere, men det er de. Det er bare det at få mennesker vet at Abramovich har et hus innredet med historiske ting i stil med 1930-tallet. Hva Abramovich kjøpte bacon- de vet det.

Du skulle ikke bare handle med samlemøbler, men også produsere det.

For et år siden, da jeg snakket om dette, tenkte jeg at nå ville vi være på et litt annet punkt enn vi var. Jeg verdsetter fortsatt denne ideen - å reprodusere sovjetiske prøver, men så langt har prosjektet ikke blitt lansert. Hvorfor kopier er bra: ikke alle er klare til å anskaffe gamle, antikke møbler - selv om de er restaurert og omtrukket, men fortsatt en lenestol av ærverdig alder - og en annen ting er en kopi. Jeg fant ikke opp hjulet på nytt, men for bare et par år siden i Paris i et galleri Yves Gastou så gjentakelse Ettore Sottsassa, begrenset opplag. Evelina Khromtchenko sa: "Jeg vil være din første kunde for en kopi." Og hun er ikke alene. Blir den produsert her eller i utlandet? Gitt dagens realiteter, mest sannsynlig her.

Men uten å gjengi sovjetisk kvalitet?

Snakker du om materialer? Ja, kvaliteten sank, og det meste av datidens møbler ble da kastet nettopp av denne grunn. Men kildematerialet var normalt. Da vi begynte å forholde oss til denne perioden, da Yuri Vasilievich Sluchevsky(86 år gammel professor ved Institutt for møbler, æret kunstarbeider Yuri Sluchevsky leder fortsatt hovedprofileringskurset "Møbeldesign" ved Moscow State Art Academy oppkalt etter S. G. Stroganov. — TANR) snakket om utstillinger på VDNKh på slutten av 1950-tallet og begynnelsen av 1960-tallet, da prototyper ble laget i det eksperimentelle verkstedet til Stroganovka - av solide materialer av høy kvalitet. I masseproduksjon ble det selvfølgelig allerede brukt andre materialer. Og prototypene gikk til hytter og leiligheter.