Figurer av kunstnerisk kultur fra andre halvdel av 1800-tallet. Kunst fra andre halvdel av 1800-tallet

Send ditt gode arbeid i kunnskapsbasen er enkelt. Bruk skjemaet nedenfor

Studenter, hovedfagsstudenter, unge forskere som bruker kunnskapsbasen i studiene og arbeidet vil være deg veldig takknemlig.

Vert på http://www.allbest.ru/

St. Petersburg State Medical University oppkalt etter akademiker I.P. Pavlova

disiplin: fedrelandets historie

emne: "Berømte skikkelser av russisk kultur på XIX århundre."

Utført:

elev gr.125

Goncharenko D.A.

Krysset av:

Zimin I.V.

St. Petersburg 2012

Introduksjon

2.1 Arkitektur

2.2 Billedkunst

3.1 Arkitektur og skulptur

3.2 Maling

3.3 Vandrende

4. Kunst fra slutten av XIX - tidlig XX århundre

Konklusjon

Liste over brukt litteratur

Introduksjon

De første tiårene av 1800-tallet fant sted i Russland i atmosfæren av et landsomfattende oppsving knyttet til den patriotiske krigen i 1812. Idealene fra denne tiden kom til uttrykk i poesien til den unge A. S. Pushkin. Krigen i 1812 og de frihetselskende håpene til den unge generasjonen av den russiske adelen, og spesielt de av dens representanter som, etter å ha gått gjennom Napoleonskrigene, gikk inn i Paris som befriere, bestemte i stor grad karakteren til russisk kultur i den første tredjedelen. århundret. kultur kunst humanistisk

Økende interesse for kunstnerisk liv Russland i disse årene kom til uttrykk i opprettelsen av kunstforeninger og utgivelsen av spesielle tidsskrifter: "The Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts" (1801), "Journal of Fine Arts" (først i Moskva, og deretter i St. Petersburg), "Selskap for kunstnernes oppmuntring" ( 1820), "Russisk museum" P. P. Svinin (1810-årene) og "Russisk galleri" i Eremitasjen (1825); dannelsen av provinsielle kunstskoler, som skolen til A. V. Stupin i Arzamas eller A. G. Venetsianov i St. Petersburg.

1. Faktorer i utviklingen av kultur i Russland

Den livegenskapen som var igjen på den tiden, den generelle økonomiske tilbakegangen til Russland sammenlignet med vesteuropeiske land, hindret kulturell fremgang. Og likevel, til tross for disse ugunstige forholdene, og til tross for dem, gjorde Russland på 1800-tallet et virkelig gigantisk sprang i kulturutviklingen, ga et enormt bidrag til verdenskultur. En slik økning i russisk kultur skyldtes en rekke faktorer www.ru.wikipedia.org:

prosessen med dannelsen av den russiske nasjonen i en kritisk epoke med overgang fra føydalisme til kapitalisme

Begynnelsen på den revolusjonære frigjøringsbevegelsen i Russland

nær kommunikasjon og samhandling med andre kulturer

innflytelse fra arven til Muscovite Rus på kulturen på 1800-tallet: assimileringen av gamle tradisjoner gjorde det mulig å spire nye skudd av kreativitet innen litteratur, poesi, maleri og andre kulturområder

2. Kunst fra første halvdel av 1800-tallet

I russisk kunst fra XIX århundre. Mye har endret seg siden 1700-tallet. Som i Vesten har kunstnerens sosiale rolle, betydningen av hans personlighet, hans rett til kreativitetsfrihet, der sosiale og moralske problemer nå er mer og mer akutte, økt.

Det betingede vannskillet i russisk kunsthistorie ble definert i to stadier - dens første og andre halvdel, og i denne siste synes det ganske naturlig å skille ut slutten av det 19. - begynnelsen av det 20. århundre. som en periode med egne semantiske og stilistiske trekk.

Frem til midten av århundret var det likheter i kulturen i Europa og Russland, men etter midten av århundret ble utviklingsveier kunstnerisk kultur avvike noe. Europeiske kunstnere, ledet av franske, blir i økende grad fordypet i formproblemene, og søker etter og finner nye kunstneriske teknikker, slik impresjonistene og postimpresjonistene gjorde det glimrende. Russiske kunstnere, derimot, oppfatter kunst først og fremst som en tribune som «nåtidens såre spørsmål» løses fra. Ilyina T.V. History of Russian Art 5. utgave, 2010.

2.1 Arkitektur

De humanistiske idealene i det russiske samfunnet ble reflektert i de svært borgerlige eksemplene på arkitektur og monumental og dekorativ skulptur, i syntesen av disse dekorativt maleri og brukskunst, ofte kreasjoner av arkitektene selv. Den dominerende stilen på denne tiden er moden, eller høy, klassisisme, i vitenskapelig litteratur, ofte referert til som "det russiske imperiet". Egentlig er det bare 1820-1830-årene som kan betraktes som en Empire-stil, og det første tiåret kan mer nøyaktig kalles «Alexanders klassisisme».

Arkitekturen fra den første tredjedelen av 1800-tallet er for det første løsningen på store byplanleggingsproblemer. I St. Petersburg fullføres planleggingen av hovedplassene i hovedstaden: palasset og senatet; opprettet de beste ensemblene byer. Spesielt intens etter brannen i 1812. Moskva er under bygging. Det arkitektoniske bildet slår an med storhet og monumentalitet. En stor rolle i bygningens generelle utseende spilles av skulptur, som har en viss semantisk betydning. Blant bygningene er hovedplassen okkupert av offentlige bygninger: teatre, avdelinger, utdanningsinstitusjoner, palasser og templer bygges mye sjeldnere (med unntak av regimentkatedraler ved brakkene).

Den største arkitekten på denne tiden, Andrei Nikiforovich Voronikhin (1759-1814), begynte sin uavhengige vei tilbake på 1790-tallet. restrukturering av interiøret i Stroganov-palasset på Moika (arkitekt F. B. Rastrelli) i St. Petersburg (1793, Mineralkabinett, kunstgalleri, hjørnehall).

Det viktigste ideen til Voronikhin er Kazan-katedralen (1801-1811). Den halvsirkelformede søylegangen til tempelet, som han reiste ikke fra siden av hovedsiden (vestlig), men fra siden av den nordlige fasaden, dannet et torg i sentrum av Nevsky. Voronikhin ga Mining Cadet Corps (1806-1811, nå Mining Institute) en enda strengere, aktivert karakter, der alt er underordnet en mektig dorisk portiko med 12 søyler som vender mot Neva.

A. N. Voronikhin, klassisismens arkitekt, viet mye energi til opprettelsen av et urbant ensemble, syntesen av arkitektur og skulptur, den organiske kombinasjonen av skulpturelle elementer med arkitektoniske inndelinger, både i store og små strukturer.

Ledende Petersburg-arkitekt fra den første tredjedelen av 1800-tallet. ("Det russiske imperiet") var Karl Ivanovich Rossi G.G. Grimm - Rossi Ensembles - L., 1947 (1775--1849). Rossi fikk sin første arkitektoniske utdannelse i verkstedet til VF Brenna, og reiste deretter til Italia, hvor han studerte antikkens monumenter. Hans uavhengige arbeid begynner i Moskva, fortsetter i Tver. Et av de første verkene i St. Petersburg er palass- og parkkomplekset på øya Elagin (1818, ferdigstilt i 1822). Det kan sies om Rossi at han "tenkte i ensembler", et palass eller et teater forvandlet til et byplanleggingsknutepunkt av torg og nye gater. Så, ved å opprette Mikhailovsky-palasset (1819-1825), organiserer han torget foran palasset og asfalterer gaten på Nevsky Prospekt, mens han måler planen hans med andre bygninger i nærheten - Mikhailovsky-slottet og området til Mars-feltet. I utformingen av Palace Square (1819-1829) sto Rossi overfor den vanskeligste oppgaven: å kombinere det barokke palasset til Rastrelli og den monotone klassisistiske fasaden til bygningen til generalstaben og departementene til en helhet. Arkitekten brøt frimodig denne monotonien med en kolossal bue av generalstabsbygningen, hvis sentrum var Triumfbuen, som åpner veien til Bolshaya Morskaya Street, til Nevsky Prospekt.

Det nye århundret var preget av opprettelsen av de viktigste ensemblene i St. Petersburg. Så, Andrey Dmitrievich Zakharov GG Grimm - Arkitekt Andrey Zakharov. Liv og arbeid - M., 1940 (1761 - 1811) student ved St. Petersburg Academy of Arts og student av den parisiske arkitekten Zh.F. Schalgren, fra 1805. begynner byggingen av Admiralitetsbygningen (1806 - 1823).

Zakharovs komposisjonsløsning er ekstremt enkel: en konfigurasjon av to volumer, og ett volum er så å si nestet i et annet, hvor den ytre, U-formede, er atskilt med en kanal fra to indre uthus, L-formet i plan . Det indre volumet er skips- og tegneverksteder, varehus, det eksterne volumet er avdelinger, administrative institusjoner, et museum, et bibliotek og så videre. Fasaden til Admiralitetet strekker seg i 406 m. Sidefasade-fløyene har utsikt over Neva, den sentrale fasaden ender i midten med en triumfbue med et spir, som er komposisjonens slott og som hovedinngangen går inn gjennom. . Zakharov beholdt Korobovs geniale design for spiret, og viste takt og respekt for tradisjon og klarte å transformere den til et nytt klassisistisk bilde av bygningen som helhet. Ensformigheten i den nesten en halv kilometer lange fasaden brytes av jevnt fordelte portikoer.

HELVETE. Zakharov døde uten å se Admiralitetet i sin ferdige form. Denne bygningen er nært knyttet til arkitekturen i sentrum. Tre veier stammer fra her: Voznesensky, Gorokhovaya Street, Nevsky Prospekt (dette bjelkesystemet ble unnfanget under Peter I)

2.2 Billedkunst

Klassisisme var den ledende trenden innen arkitektur og skulptur i den første tredjedelen av 1800-tallet. I maleriet ble det først og fremst utviklet av akademiske kunstnere - i den historiske sjangeren, dvs. historier fra skriftene, gammel mytologi og faktisk historisk. Men maleriets sanne suksess lå i en annen retning: bedre ambisjoner menneskelig sjel, opp- og nedturer i ånden uttrykte datidens romantiske maleri.

Men romantikken manifesterte seg mest subtilt på russisk jord i portrettsjangeren, og den ledende plassen her bør gis til Orest Adamovich Kiprensky I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoke og helter - M., 1982 (1782-- 1836). Sønnen til en godseier A. S. Dyakonov og en livegne, Kiprensky ble født i St. Petersburg-provinsen. Fra 1788 til 1803 studerte han (begynner med utdanningsskolen) ved Kunstakademiet, hvor han studerte i klassen for historisk maleri hos professor GI Ugryumov og den franske maleren G. F. Doyen. I 1805 mottok han den store gullmedaljen for maleriet "Dmitrij Donskoy på seier over Mamai."

Komplisert, gjennomtenkt, foranderlig i humør - slike vises foran oss portrettert av Kiprensky "E. P. Rostopchin" (1809, State Tretyakov Gallery), "D. N. Khvostov" (1814, State Tretyakov Gallery), gutt "L. A. Chelishchev» (1809, Statens Tretyakov-galleri). I en fri positur, ser fraværende til siden, tilfeldig lent på en steinfugl, står oberst i Life Hussars "E.V. Davydov (1809, russisk museum). Dette portrettet blir oppfattet som et kollektivt bilde av helten fra krigen i 1812, selv om det er ganske spesifikt.

Alexei Gavrilovich Venetsianov (1780-1847) var stamfaren til hverdagssjangeren. En landmåler av utdannelse, Venetsianov forlot tjenesten for å male og flyttet til St. Petersburg. Ble en student av Borovitsky. Han tok sine første skritt i "kunsten" i portrettsjangeren, og skapte utrolig poetiske, lyriske, noen ganger viftet med romantiske stemningsbilder ("Portrett av V. S. Putyatina") med pastell, blyant og olje.

Ved overgangen til 1810-1820-årene. Venetsianov forlot St. Petersburg til provinsen Tver, hvor han kjøpte en liten eiendom. Her fant han sitt hovedtema, og viet seg til å skildre bondelivet.

Venetsianov var en utmerket lærer. Venetsianov-skolen, venetianerne, er en hel galakse av kunstnere fra 1820-1840-årene som jobbet med ham både i St. Petersburg og i Safonkovo-eiendommen hans. Representanter for den venetianske skolen var A.V. Tyranov, E.F. Krendovsky, K.L. Zelentsov, A.A. Alekseev, S.K. Zaryanko, L.K. Plakhov, N. S. Krylov og mange andre.

3. Kunst fra andre halvdel av 1800-tallet

3.1 Arkitektur og skulptur

Mindre raskt enn før utviklet skulptur og arkitektur seg i denne perioden. Som allerede nevnt, slutten av 1830-årene. klassisismen er i ferd med å dø ut. Betyr det kunstnerisk uttrykksevne motsier de nye oppgavene som arkitekturen fra andre halvdel av 1800-tallet utgjør. Vanligvis ble det kalt "retrospektiv stilisering", eller eklektisisme, men nå kalles det oftere historisisme, fordi arkitekter på den tiden begynte å bruke motiver og mønstre av arkitektoniske stiler fra tidligere epoker - gotisk, renessanse, barokk, rokokko, etc. D.E. Arkin - Bilder av arkitektur - M., 1941.

Et av datidens hovedproblem var bygging av leilighetsbygg (utleiehus).

På samme måte forble blomstringen av monumental-dekorativ skulptur i første halvdel av århundret.

Den mest kjente av mesterne på denne tiden var Mark Matveyevich Antokolsky (1843--1902), som, som korrekt bemerket av forskere, kompenserer for mangelen på monumentale uttrykksmidler med bildet av "monumentale personligheter": bevis på dette er "Ivan the Terrible" (1870), "Peter I" (1872), The Dying Socrates (1875), Spinoza (1882), Mephistopheles (1883), Yermak (1888). I disse bildene utført i henhold til et gitt program, er posituren, gesten, ansiktsuttrykkene alltid vellykket funnet, men den sanne uttrykksevnen til de skulpturelle midlene er erstattet av disse naturalistiske detaljene.

3.2 Maling

I andre halvdel av 1800-tallet var det nødvendig å si det tungtveiende ordet av all malerkunst, og fremfor alt sjangermaleriet. En kritisk holdning til virkeligheten, uttalte borgerlige og moralske posisjoner, en akutt sosial orientering blir karakteristisk spesielt for maleriet, der det dannes et nytt kunstnerisk synssystem, uttrykt i den såkalte kritiske realismen. Tar oftest til grunn for handlingen de akutte sosiale problemene som levde da russisk samfunn, kunstnere fungerte faktisk ikke så mye som talsmenn for disse ideene, men som deres direkte illustratører, enkle tolker. Den sosiale siden skjulte dem fra rent billedlige, plastiske oppgaver, og formell kultur falt uunngåelig. Som med rette bemerket, "ødela illustrativiteten maleriet deres."

Ekte sjelen til den begynnende kritisk retning i maleri var Vasily Grigorievich Perov V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987 (1834--1882), som plukket opp Fedotovs sak direkte fra hendene hans, klarte med anklagende patos å vise mange aspekter av det enkle hverdagslivet: det skjemmende utseendet til noen presteskap ("Landlig prosesjon på påske", 1861; "Tedrikking i Mytishchi", 1862), det håpløse livet til russiske bønder ("Seing the Dead Man", 1865; "The Last Tavern at the Outpost", 1868), livet til de fattige i byene ("Troika" , 1866) og intelligentsiaen, tvunget til å søke harde penger fra "pengeposer" ("Ankomst av en guvernante i et kjøpmannshus", 1866). Verkene hans er enkle i handlingen, men gripende i sorgen.

3.3 Vandrende

På 1870-tallet progressivt demokratisk maleri vinner offentlig anerkjennelse. Hun har sine egne kritikere - I. N. Kramskoy og V. V., Stasov og sin egen samler - P. M. Tretyakov. Tiden er inne for blomstringen av russisk demokratisk realisme i andre halvdel av 1800-tallet. På dette tidspunktet, i sentrum av den offisielle skolen - St. Petersburgs kunstakademi - var det også under oppsving for kunstens rett til å vende seg til det virkelige, virkelige liv, noe som resulterte i det såkalte "revolt of 14" i 1863. En rekke akademikere nektet å skrive et programmatisk bilde om ett tema i det skandinaviske eposet, når det er så mange spennende moderne problemer rundt, og etter å ikke ha fått tillatelse til fritt å velge et tema, forlot akademiet og grunnla "Petersburg Artel av kunstnere".

«Artel» varte ikke lenge, og snart avanserte Moskva og St. Petersburg kunstneriske krefter forent i Association of Travelling Art Exhibitions (1870).

Vandrernes kunst var et uttrykk for demokratiske ideer i den hjemlige kunstneriske kulturen i andre halvdel av 1800-tallet.

Sammensetningen av "Wanderers" inkludert, mer "senior" - disse er Ivan Nikolaevich Kramskoy, Nikolai Nikolaevich Ge, Vasily Vasilyevich Vereshchagin, Konstantin Apollonovich Savitsky, og "unge" - Ivan Ivanovich Shishkin, som ble kalt "naturen til det heroiske mennesker", Arkhip Ivanovich Kuindzhi, med sine slående lyseffekter ("Ukrainian Night", 1876; " Birch Grove", 1879), Isaac Ilyich Levitan.

Det er verdt å merke seg Ilya Efimovich Repin. Han ble født i Ukraina, i Kharkov-provinsen, og ble kjent med de første ferdighetene innen håndverk fra ukrainske ikonmalere. Repin betraktet Kramskoy som sin første lærer. Det første verket som skapte en sterk reaksjon fra publikum var maleriet "Barge Haulers on the Volga".

I 1873 dro Repin på en "pensjonistreise" til Frankrike, hvor han sammen med Polenov malte friluftsstudier og lærte mye om problemene med lys og luft.

Når han kommer tilbake, begynner Repin å jobbe fruktbart. Det ser ut til at det ikke er noen sjanger han ikke ville erklære seg i: portretter av skarpe individuelle egenskaper og portretttyper, portretter-malerier.

Nesten alle sjangere var underlagt Repin (han skrev ikke bare kampscener), alle typer - maleri, grafikk, skulptur; han skapte en fantastisk skole av malere, erklærte seg som en kunstteoretiker og en fremragende forfatter. Repins verk var et typisk fenomen for russisk maleri i andre halvdel av 1800-tallet. Det var han som legemliggjorde det D.V. Sarabyanov kalte "Vandrende realisme", absorberte alt karakteristisk, som ifølge forskeren ville bli "spredt" i forskjellige sjangre og personligheter. Og dette er kunstnerens universalisme, encyklopediske natur. I en slik fullstendig sammenfall med tiden hans i sin "adekvate implementering" er bevis på omfanget og styrken til Repins talent. Se: Sarabyanov, D.V. Repin og russisk maleri fra andre halvdel av 1800-tallet - M., 1978

4. Kunst fra slutten av XIX - tidlig XX århundre

På 1890-tallet i forbindelse med utbruddet av krisen i den populistiske bevegelsen, er også «det 19. århundres analytiske realismemetode», som det heter i russisk vitenskap, i ferd med å bli foreldet. I løpet av denne perioden opplevde mange av Wanderers kreativ krise, har gått inn i småligheten til et underholdende sjangerbilde. Det skal imidlertid bemerkes at de beste tradisjonene til V. G. Perov ble bevart mest av alt i Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur takket være undervisningsaktivitetene til slike kunstnere som S. N. Ivanov, K. A. Korovin, V. A. Serov og andre.

All slags kunst - maleri, teater, musikk, arkitektur - kom ut for fornyelsen av det kunstneriske språket, på høy profesjonalitet. Vandrernes krise, med sin trang til smålige emner, kom til uttrykk i erklæringer om ideologi og nasjonalitet, som imidlertid ikke ble støttet av noe estetisk program. For malere fra århundreskiftet er andre uttrykksmåter karakteristiske enn blant Vandrerne, andre former kunstnerisk kreativitet-- i motstridende, kompliserte bilder, som reflekterer modernitet uten illustrativitet og narrativ. Kunstnere søker smertelig harmoni og skjønnhet i en verden som er fundamentalt fremmed for både harmoni og skjønnhet. Det er derfor mange av dem ser sitt oppdrag i å dyrke en følelse av skjønnhet. Men det ga også opphav til universalismen til en hel generasjon kunstnere som kom etter de "klassiske" Wanderers, et eksempel på dette er arbeidet til V. A. Serov og M. A. Vrubel.

En stor rolle i populariseringen av både innenlandsk kunst og vesteuropeisk kunst, for å tiltrekke mestere til utstillinger Vest-Europa spilt av kunstnerne i foreningen "World of Art" (1898 - 1924). Etter å ha samlet de beste kunstneriske kreftene i St. Petersburg og publisert sitt eget magasin, bidro "Kunstens verden" ved deres eksistens til konsolideringen av kunstneriske krefter i Moskva, opprettelsen av "Union of Russian Artists" (1903-1323) ) Ilyina T.V. History of Russian Art 5. utgave, 2010.

Konklusjon

Russisk kunst, gjennomsyret av datidens progressive ideer, tjente et stort humant mål - kampen for menneskets frigjøring, for den sosiale omorganiseringen av hele samfunnet.

Generelt oppnådde Russland i første halvdel av 1800-tallet imponerende suksess på kulturområdet. Verdensfondet for alltid inkluderte verkene til mange russiske kunstnere. Prosessen med dannelsen av nasjonal kultur ble fullført.

På omdreining XIX-XXårhundrer modernistiske søk førte til dannelsen av en gruppe kunstnere samlet rundt magasinet "World of Art" (A.N. Benois, K.A. Somov, E.E. Lansere, L.S. Bakst, N.K. Roerich og Z. Grabar og etc.). The World of Artisans proklamerte nye kunstneriske og estetiske prinsipper. De fremmet individualisme, kunstens frihet fra sosiale og politiske problemer. Det viktigste for dem er skjønnheten og tradisjonene til den russiske nasjonale kulturen, som ikke kan sies om "Wanderers".

På begynnelsen av XX århundre. den «russiske avantgarden» oppsto. Dets representanter K.S. Malevich, P.P. Falk, M.Z. Chagall og andre forkynte kunsten "rene" former og ytre ikke-objektivitet. De var forløperne til abstraksjonismen og hadde en enorm innvirkning på utviklingen av verdenskunsten.

Bibliografi

1. www.ru.wikipedia.org

2. Ilyina T.V. History of Russian Art 5. utgave, 2010

3. G.G. Grimm - Ensembles of Rossi - L., 1947

4. GG Grimm - Arkitekt Andrey Zakharov. Liv og arbeid - M., 1940

5. I.V. Kislyakov - Orest Kiprensky. Epoke og helter - M., 1982

6. D.E. Arkin - Bilder av arkitektur - M., 1941

7. V.A. Lenyashin - V.G. Perov - M., 1987

8. Se: Sarabyanov, D.V. Repin og russisk maleri fra andre halvdel av 1800-tallet - M., 1978

Vert på Allbest.ru

Lignende dokumenter

Kunst fra første halvdel av 1800-tallet (O.A. Kiprensky, V.A. Tropinin, A.G. Venetsianov, P.A. Fedotov, K.P. Bryullov, A.A. Ivanov. Synthesis as karakteristisk utvikling av arkitektur og skulptur. Teater og musikk, utviklingen av russisk litteratur.

semesteroppgave, lagt til 20.08.2011


Begynnelsen av 1800-tallet er tiden for det kulturelle og åndelige oppsvinget i Russland, fremgangen til russisk kultur, utviklingen av utdanning, vitenskap, litteratur og kunst. Veksten av den nasjonale selvbevisstheten til folket og de nye demokratiske prinsippene som slo rot i det russiske livet.

rapport, lagt til 29.03.2009


Utviklingen av den sosiale bevegelsen til Decembrists i første halvdel av XIX århundre. Grunnleggende endringer i de sosiale, politiske og økonomiske livssfærene i det russiske samfunnet på 1800-tallet. Konservative, liberale og revolusjonære sosiale bevegelser.

abstrakt, lagt til 27.02.2015


Historisk utvikling i Russland på slutten av 1700-tallet. Speransky og hans måter å implementere liberale reformer på. Decembrists og deres plass i frigjøringsbevegelsens historie. Vestlendinger og slavofile om utviklingsmåtene til Russland i første halvdel av 1800-tallet.

kontrollarbeid, lagt til 12.07.2008


Kjennetegn ved et industrisamfunn. Utviklingen av vestlig sivilisasjon i den industrielle tidsalder. Intern politisk situasjon i Russland i første halvdel av 1800-tallet. Konservativ politikk til Alexander III. Sosiokulturelle trender i utviklingen av det russiske samfunnet.

presentasjon, lagt til 24.03.2019


Fremveksten av frigjøringsbevegelsen i India, der borgerskapet ble en deltaker. Prosessen med dannelsen av partisystemet, som gjenspeiler veksten av nasjonal indisk hovedstad. Opprettelsen av den indiske nasjonalkongressen; liberal og radikal.

semesteroppgave, lagt til 06.05.2010


Sosioøkonomiske forutsetninger for dannelsen av russisk kultur i andre halvdel av 1800-tallet. Status for opplysning og utdanning, kunstnerisk kultur ( visuell kunst, litteratur, teater, musikk, arkitektur). Sølvalderens fenomen.

semesteroppgave, lagt til 20.08.2012


Kapitalismens utvikling i Russland, den patriotiske krigen i 1812, den voksende nasjonale bevisstheten som forutsetninger for kulturens oppblomstring i første halvdel av 1800-tallet. Utvikling av utdanning, vitenskap, litteratur, kunst, arkitektur og byplanlegging.

essay, lagt til 28.02.2011


Den kulturelle forskjellen mellom hovedstadens edle aristokrati og provinseierne. Suksesser innen utdanning og opplysning. Internasjonale handelsforbindelser, utvikling av fabrikker med sivile arbeidere. sentimentalisme og realisme.

sammendrag, lagt til 27.01.2012


Funksjoner av den russiske økonomien i perioden andre halvdel av 1800-tallet - begynnelsen av 1900-tallet, forutsetninger for utviklingen. Økonomisk politikk i landet i første halvdel av det tjuende århundre: begynnelsen av industrialiseringen, de første femårsplanene; Nasjonal økonomi USSR på begynnelsen av 40-tallet.

Andre halvdel av 1800-tallet - en spesiell periode i utviklingen av russisk kultur. Årene for regjeringen til Alexander II, som ga veldig viktig i kulturlivet til «folkeåndens selvstendighet», var en tid for å søke en nasjonal vei i kunst og akutte aktuelle samfunnstemaer. På 60-tallet dukket det opp nye sosiopolitiske krefter i Russland - raznochintsy, folk fra demokratiske lag, revolusjonærsinnede intelligentsia. Revolusjonær-demokratiske ideer til A.I. Herzen, N.P. Ogareva, A.F. Pisemsky, ON. Nekrasova, M.E. Saltykov-Shchedrin, N.G. Chernyshevsky, NA. Dobrolyubov, som stigmatiserte sosiale laster, påvirket kunsten betydelig. Kritisk analyse av den omkringliggende virkeligheten og dens realistiske fremvisning ble metoden for avansert russisk litteratur, og etter den kunsten. Chernyshevsky la grunnlaget for estetikk med verkene sine. I hans avhandling "The Aesthetic Relations of Art to Reality" heter det direkte at "vakkert er livet", at " største skjønnhet er nettopp skjønnheten mennesket møter i virkelighetens verden, og ikke skjønnheten skapt av kunst. De begynte å kreve fra kunstneren "innhold", "forklaring av livet" og til og med "en setning om fenomenene som er avbildet." Sjef på russisk maleri var overvekt av moralske og sosiale prinsipper over det kunstneriske. Denne funksjonen ble tydeligst manifestert i arbeidet til demokratisk tenkende kunstnere.

I 1863 satte Kunstakademiet et program for en gullmedalje med handling fra skandinavisk mytologi. Alle tretten søkere, blant dem I.N. Kramskoy, K. G. Makovsky, A. D. Litovchenko, som ikke var enig i dette programmet og med programmer generelt, nektet å delta i konkurransen og forlot akademiet. De trassig forlot akademiet, organiserte opprørerne Artel of Artists, og i 1870, sammen med Moskva-malere, Association of Travelling Art Exhibitions. Fra og med Perov og slutter med Levitan, var alle de fremragende representantene for russisk maleri deltakere i disse utstillingene - Vandrere.

For den russiske offentligheten var betydningen av Wanderers enorm – de interesserte henne og lærte henne å stoppe foran maleriene; med deres utseende begynte bare forbindelsen mellom det russiske samfunnet og russiske kunstnere. Deres kreativitet, vedvarende fra realismens grunnleggende prinsipper, lærte den russiske offentligheten å se livet i kunsten og å skille sannhet fra løgn i den. Her bør vi nevne to russiske mennesker som Wanderers skylder sin suksess og innflytelse: P.M. Tretyakov og V.V. Stasov. Tretyakov støttet kamerat-

gjennom kjøp og bestillinger, og skaper det eneste museet for nasjonal kunst i verden. Den "altødeleggende kolossen" Stasov, som ledet den nasjonale bevegelsen i russisk kunst, var herolden for de estetiske synspunktene til Wanderers, og mange kunstnere skylder ham kreative råd, valg av tomter for malerier og lidenskapelig propaganda for deres aktiviteter i pressen.

Blant de første russiske kunstnerne som i ånden til den progressive pressen på 60-tallet gjorde maleriene sine til en piskende preken, var Vasily Grigorievich Perov(1834-1882). Allerede i hans første maleri, Preken i landsbyen, som kom ut året for frigjøringen av bøndene, var det ikke spor av Fedotovs harmløse hån: den overvektige grunneieren, likegyldig til prestens ord, sovnet på en stol; hans unge kone, som griper øyeblikket, hvisker med sin beundrer, og demonstrerer dermed forakten for åndelige verdier fra det "opplyste" samfunnets side. Det neste bildet, «The Religious Procession for Easter», var ganske «Bazarov» i skarphet og i samsvar med datidens mørkeste anklagende romaner.

En prosesjon i full kraft med bannere og ikoner forlater tselovalniken, etter å ha behandlet seg selv med ære der: fulle pilegrimer faller ut av tavernaen i uorden og slår på vårslupen; presten, som knapt tråkker med føttene, stiger med store vanskeligheter ned fra verandaen; Diakonen med røkelseskaret snublet og falt.

Mangfoldet av kunstneriske bevegelser på 1800-tallet var en konsekvens av moderniseringsprosessen. Samfunnets kunstneriske liv ble nå bestemt ikke bare av kirkelige diktater og rettskretsens mote. Endring sosial struktur førte til en endring i oppfatningen av kunst i samfunnet: det er nye sosiale lag av velstående og utdannede mennesker som er i stand til uavhengig å vurdere kunstverk, og fokuserer kun på kravet om smak. Det var på 1800-tallet at dannelsen av Massekultur; aviser og magasiner fra nummer til nummer, som trykket lange romaner med et underholdende plot, ble prototypen på TV-serier i det 20. århundres kunst.

I første halvdel av 1800-tallet utspant det seg byplanlegging i en enestående skala i Europa. De fleste europeiske hovedsteder - Paris, St. Petersburg, Berlin - har fått sitt karakteristiske utseende; i deres arkitektoniske ensembler økte rollen til offentlige bygninger. Det berømte Eiffeltårnet, bygget i 1889 for åpningen av verdensutstillingen, har blitt symbolet på Paris. Eiffeltårnet demonstrerte de tekniske egenskapene til et nytt materiale - metall. Den opprinnelige kunstneriske løsningen ble imidlertid ikke umiddelbart gjenkjent, tårnet ble oppfordret til å rives, kalt monstrøst.

Nyklassisisme i første halvdel av XIX århundre. opplevde en sen storhetstid, nå får den navnet Empire (fra det franske "imperiet"), denne stilen uttrykte storheten til imperiet skapt av Napoleon. Ved midten av århundret var hovedproblemet med europeisk arkitektur søket etter stil. På grunn av den romantiske fascinasjonen for antikken prøvde mange mestere å gjenopplive tradisjonene til fortidens arkitektur - slik oppsto den nygotiske, nyrenessansen, nybarokken. Arkitekters innsats førte ofte til eklektisisme - en mekanisk kombinasjon av elementer i forskjellige stiler, gammelt med nytt.

I det kunstneriske livet i første halvdel av 1800-tallet vant romantikken råd, noe som gjenspeiler skuffelse i opplysningstidens ideologi. Romantikken er blitt et spesielt verdensbilde og levesett. Det romantiske idealet til en person som ikke blir forstått av samfunnet, danner oppførselen til dets øvre lag. Romantikken er preget av motsetningen mellom to verdener: den virkelige og den imaginære. Virkeligheten betraktes som sjelløs, umenneskelig, uverdig for en person og motarbeider ham. «Livets prosa» i den virkelige verden står i motsetning til den «poetiske virkelighetens», idealets, drømmenes og håpets verden. Når man ser lastenes verden i samtidens virkelighet, prøver romantikken å finne en vei ut for mennesket. Denne utgangen er samtidig en avgang fra samfunnet i ulike alternativer: helten går inn i sin egen indre verden, utover grensene for det virkelige rommet og drar til en annen tid. Romantikken begynner å idealisere fortiden, spesielt middelalderen, og ser i den virkelighet, kultur og verdier som frost.

Eugene Delacroix (1798-1863) var bestemt til å bli lederen av fransk romantikk innen maleri. Den utømmelige fantasien til denne kunstneren skapte en hel verden av bilder som fortsatt lever på lerretet med sitt intense, fulle av kamp og lidenskapsliv. Delacroix hentet ofte motiver fra verkene til William Shakespeare, Johann Wolfgang Goethe, George Byron, Walter Scott, vendte seg til hendelsene under den franske revolusjonen, andre episoder nasjonal historie("Slaget ved Poitiers"). Delacroix tok en rekke bilder av folket i øst, hovedsakelig algeriere og marokkanere, som han så under turen til Afrika. I The Massacre on the Island of Chios (1824) reflekterte Delacroix grekernes kamp mot tyrkisk styre, som da bekymret hele Europa. En gruppe lidende fangede grekere på forgrunnen malerier, blant annet en kvinne fortvilet av sorg, og et barn som kryper til brystet til en død mor, kontrasterte kunstneren de arrogante og grusomme figurene til straffere; en brennende ødelagt by sees i det fjerne. Bildet traff samtidige med den betagende kraften i menneskelig lidelse, og med sin usedvanlig dristige og klangfulle fargelegging.

Begivenhetene under julirevolusjonen i 1830, som endte med revolusjonens nederlag og gjenopprettelsen av monarkiet, inspirerte Delacroix til å skape bredt kjent maleri"Frihet på barrikadene" (1830). Kvinnen som reiste den franske republikkens tricolor banner representerer frihet. Bildet av frihet på barrikadene 0 personifisering av kampen.

Den spanske kunstneren Francisco Goya (1746-1828) var en verdenskjent representant for romantikken, og Goya utviklet seg relativt sent til en stor kunstner. Den første betydelige suksessen brakte ham to serier (1776-1791) med en rekke billedvev laget for Royal Manufactory of Santa Barbara i Madrid ("Umbrella", "The Blind Guitarist", "Seller of Dishes", "Blind Man's Bluff", " Bryllup"). På 90-tallet. XVIII århundre i arbeidet til Goya, trekkene til tragedie, fiendtlighet mot det føydal-geistlige Spania av den "gamle orden" vokser. Stygheten i dets moralske, åndelige og politiske grunnlag avslører Goya i en grotesk-tragisk form, nærende folklorekilder, i en stor serie etsninger "Caprichos" (80 ark med kunstnerens kommentarer); den dristige nyheten i det kunstneriske språket, den skarpe uttrykkskraften i linjer og streker, kontrastene mellom lys og skygge, kombinasjonen av det groteske og virkeligheten, allegori og fantasi, sosial satire og en nøktern analyse av virkeligheten åpnet nye veier for utviklingen. av europeisk gravering. På 1790-tallet - tidlig på 1800-tallet nådde Goyas portrettverk en eksepsjonell blomstring, der en alarmerende følelse av ensomhet (portrett av Senora Bermudez), modig konfrontasjon og utfordring til miljøet (portrett av F. Guimardet), duften av mystikk og skjult sensualitet ("Maja kledd "og" Naken Maha "). Med en utrolig overbevisningskraft fanget kunstneren kongefamiliens arroganse, fysiske og åndelige elendighet i gruppeportrett"Familien til Charles IV". Dyp historisisme, lidenskapelig protest gjennomsyrer Goyas store malerier dedikert til kampen mot den franske intervensjonen ("Opprøret den 2. mai 1808 i Madrid", "Skyting av opprørerne natten til 3. mai 1808"), en serie filosofiske etsninger. å forstå skjebnen til folket "Krigskatastrofer" (82 ark, 1810-1820).

Francisco Goya "Caprichos"

Hvis subjektiviteten til en kunstners oppfatning i litteraturen blir oppdaget av symbolisme, er en lignende oppdagelse i maleriet gjort av impresjonisme. Impresjonisme (fra fransk impression - impression) - retning inn Europeisk maleri oppsto i Frankrike på midten av 1800-tallet. Impresjonistene unngikk alle detaljer i tegningen og prøvde å fange det generelle inntrykket av hva øyet ser i et bestemt øyeblikk. De oppnådde denne effekten ved hjelp av farge og tekstur. Det kunstneriske konseptet impresjonisme var basert på ønsket om å naturlig og naturlig fange verden i sin variasjon, formidler sine flyktige inntrykk. Fruktbar grunn for utviklingen av impresjonisme ble utarbeidet av kunstnerne fra Barbizon-skolen: de var de første som malte skisser fra naturen. Prinsippet om å "male det du ser midt i lys og luft" dannet grunnlaget for impresjonistenes friluftsmaleri.

På 1860-tallet prøvde unge sjangermalere E. Manet, O. Renoir, E. Degas å inspirere fransk maleri friskhet og umiddelbarhet av observasjon av livet, skildring av øyeblikkelige situasjoner, ustabilitet og ubalanse i former og komposisjoner, uvanlige vinkler og synspunkter. Å arbeide utendørs bidro til å skape følelsen av glitrende snø på lerretene, rikdommen av naturlige farger, oppløsningen av gjenstander i miljøet, vibrasjonen av lys og luft. Impresjonistiske kunstnere ga spesiell oppmerksomhet til forholdet mellom et objekt og dets miljø, til studier av endringen i farge og tone til et objekt i et skiftende miljø. I motsetning til romantikerne og realistene var de ikke lenger tilbøyelige til å skildre den historiske fortiden. Moderniteten var deres interesseområde. Livet til små parisiske kafeer, støyende gater, pittoreske bredder av Seinen, jernbanestasjoner, broer, den iøynefallende skjønnheten i landlige landskap. Kunstnere er ikke lenger villige til å berøre akutte sosiale problemer.

Arbeidet til Edouard Manet (1832-1883) forutså en ny retning i maleriet - impresjonisme, men kunstneren selv ble ikke med i denne bevegelsen, selv om han noe endret sin kreative stil under påvirkning av impresjonistene. Manet erklærte programmet sitt: "Lev tiden din og skildre det du ser foran deg, og oppdag sann skjønnhet og poesi i det daglige livet." Samtidig var det i de fleste av Manets verk ingen handling, til og med et minimalt plott. Paris blir et konstant motiv for Manets arbeid: byens folkemengde, kafeer og teatre, gatene i hovedstaden.

Édouard Manet "Bar at the Folies Bergère"

Edourd Manet "Music at the Tuileries"

Selve navnet impresjonismen skylder sin opprinnelse til landskapet til Claude Monet (1840-1926) "Impression. Soloppgang".

I arbeidet til Monet fikk lyselementet en ledende rolle. På 70-tallet. 1800-tallet Den fantastiske "Boulevard des Capucines" er en av dem, der penselstrøk kastet på lerretet formidler både perspektivet til en travel gate som går i det fjerne, en endeløs strøm av vogner som beveger seg langs den, og en munter festlig folkemengde. Han malte mange malerier med det samme, men ulikt belyste observasjonsobjektet. For eksempel en høystakk om morgenen, ved middagstid, om kvelden, i måneskinn, i regn, og så videre.

Mange av prestasjonene til impresjonismen er assosiert med arbeidet til Pierre-Auguste Renoir (1841-1919), som gikk inn i kunsthistorien som en "lykkemaler." Han skapte virkelig i sine malerier en spesiell verden av fengslende kvinner og rolige barn, glad natur og vakre blomster. Gjennom hele livet malte Renoir landskap, men hans kall forble bildet av en mann. Han elsket å male sjangermalerier, hvor han med en fantastisk livlighet gjenskapte travelheten i parisiske gater og boulevarder, ledigheten til kafeer og teatre, livligheten til turer på landet og friluftsferier. Alle disse maleriene, malt i friluft, kjennetegnes ved fargenes sonoritet. Maleriet "Moulin de la Galette" (folkeball i hagen til Montmartre dansesal) er et mesterverk av Renoir-impresjonismen. Den gjetter den livlige rytmen til dansen, blinkingen av unge ansikter. Det er ingen brå bevegelser i komposisjonen, og en følelse av dynamikk skapes av rytmen til fargeflekker. Den romlige organiseringen av bildet er interessant: forgrunnen er gitt ovenfra, de sittende figurene skjuler ikke danserne. Tallrike portretter er dominert av barn og unge jenter, i disse portrettene ble hans ferdigheter avslørt: "Gutt med en katt", "Jente med en fan".

En aktiv deltaker i alle utstillinger, Edgar Degas (1834 - 1917), var langt fra alle impresjonistenes prinsipper: han var en motstander av friluftslivet, malte ikke fra livet, søkte ikke å fange naturen til forskjellige stater av naturen. En betydelig plass i arbeidet til Degas er okkupert av en serie malerier som viser en naken kvinnekropp. Mange av maleriene hans senere år dedikert til «kvinnen bak toalettet». I mange verk viser Degas spesifisiteten til oppførselen og utseendet til mennesker, generert av særegenhetene i livet deres, avslører mekanismen til en profesjonell gest, holdning, bevegelse av en person, hans plastiske skjønnhet ("Strykere", "Laundresses med sengetøy"). I bekreftelsen av den estetiske betydningen av menneskers liv, deres daglige aktiviteter, gjenspeiles den særegne humanismen i Degas sitt arbeid. Kunsten til Degas er iboende i kombinasjonen av det vakre, noen ganger fantastiske, og det prosaiske: å formidle teatrets feststemning i mange ballettscener ("Ballet Star", "Ballet School", "Dance Lesson").

Postimpresjonismen dekker perioden fra 1886, da den siste impresjonistiske utstillingen ble holdt, som presenterte de første verkene til nyimpresjonistene, til 1910-tallet, som varslet fødselen av en helt ny kunst i form av kubisme og fauvisme. Begrepet "postimpresjonisme" ble introdusert av den engelske kritikeren Roger Fry, og uttrykker det generelle inntrykket av utstillingen av moderne fransk kunst han arrangerte i London i 1910, som inneholdt verk av Van Gogh, Toulouse-Lautrec, Seurat, Cezanne og andre kunstnere.

Postimpresjonister, hvorav mange tidligere hadde sluttet seg til impresjonismen, begynte å lete etter metoder for å uttrykke ikke bare det øyeblikkelige og forbigående - hvert øyeblikk begynte de å forstå de langsiktige tilstandene i verden rundt dem. Postimpresjonisme er preget av ulike kreative systemer og teknikker som påvirket den påfølgende utviklingen av kunst. Van Goghs arbeid forutså fremkomsten av ekspresjonismen, Gauguin banet vei for jugendstil.

Vincent van Gogh (1853-1890) skapte det mest slående kunstneriske bilder ved å syntetisere (kombinere) mønster og farge. Van Goghs teknikk er prikker, kommaer, vertikale linjer, solide flekker. Veiene, bedene og furene går virkelig i det fjerne, og buskene brenner på bakken som branner. Han skildret ikke ett grepet øyeblikk, men kontinuiteten i øyeblikkene. Han skildret ikke denne effekten av et tre bøyd av vinden, men selve veksten av et tre fra bakken .. Van Gogh visste hvordan han skulle gjøre alt tilfeldig til kosmisk. Van Goghs sjel krevde lyse farger, han klaget konstant til broren sin over mangelen på styrke, selv om hans favoritt lyse gule farge.

Starry Night var ikke Van Goghs første forsøk på å skildre nattehimmelen. I 1888, i Arles, malte han Starry Night over Rhone. Van Gogh ønsket å fremstille stjernenatten som et eksempel på kraften i fantasien, som kan skape mer fantastisk natur enn vi kan oppfatte når vi ser på den virkelige verden.

En økt virkelighetsoppfatning og mental ubalanse fører Van Gogh til mentalt syk. Gauguin kommer for å bli i Arles, men kreative forskjeller forårsaker en krangel. Van Gogh kaster et glass i hodet til kunstneren, og etter Gauguins erklæring om at han hadde til hensikt å forlate, kaster han seg over ham med en barberhøvel. I et anfall av galskap om kvelden samme dag, kutter kunstneren av øret («Selvportrett med bandasjert øre»).

Arbeidet til Paul Gauguin (1848-1903) er uatskillelig fra hans tragiske skjebne. Det viktigste i Gauguins stilistiske konsept var hans forståelse av farger. På ca. Tahiti, der kunstneren dro i 1891, under påvirkning av de primitive formene for polynesisk kunst, malte han bilder som utmerker seg ved dekorativitet, flate former og usedvanlig rene farger. Gauguins "eksotiske" maleri - "Er du sjalu?", "Hennes navn er Vairaumati", "Kvinne holder et foster" - gjenspeiler ikke så mye de naturlige kvalitetene til gjenstandene som den emosjonelle tilstanden til kunstneren og den symbolske betydningen av bilder han unnfanget. Det særegne ved Gauguins malestil er en uttalt dekorativ effekt, ønsket om å male over store plan av lerretet med en farge, forelsket i ornamentikk, som var til stede på klærne og på tepper og i landskapsbakgrunnen.

Paul Gauguin "Når skal man gifte seg" "Kvinne holder en frukt"

Den viktigste prestasjonen til kulturen på XIX århundre. er fremveksten av kunsten fotografi og design. Verdens første kamera ble laget i 1839 av Louis Jacques Mande Daguerre.

Daguerres tidlige forsøk på å lage et brukbart kamera var mislykket. I 1827 møtte han Joseph Niépce, som også prøvde (og da hadde litt større suksess) å finne opp kameraet. To år senere ble de partnere. Niépce døde i 1833, men Daguerre fortsatte å jobbe hardt. I 1837 var han endelig i stand til å utvikle seg praktisk system fotografi, kalt en daguerreotypi. Bildet (daguerreotype) ble oppnådd på en sølvplate behandlet med joddamp. Etter eksponering i 3-4 timer ble platen utviklet i kvikksølvdamp og fikset med en varm løsning av vanlig salt eller hyposulfitt. Daguerreotypiene var av svært høy bildekvalitet, men bare ett skudd kunne tas.

I 1839 publiserte Daguerre sin oppfinnelse, men innleverte ikke patent. Som svar tildelte den franske regjeringen ham og Niépces sønn livstidspensjoner. Kunngjøringen av Daguerres oppfinnelse vakte stor sensasjon. Daguerre ble dagens helt, berømmelse falt over ham, og daguerreotypi-metoden fikk raskt bred anvendelse.

Utviklingen av fotografiet førte til en revisjon kunstneriske prinsipper grafikk, maleri, skulptur, kombinert kunstnerskap og dokumentar, noe som ikke er oppnåelig i andre kunstformer. Grunnlaget for design ble lagt av International Industrial Exhibition i London i 1850. Designet markerte konvergensen mellom kunst og teknologi og la grunnlaget for en ny type kreativitet.

Louis Daguerre, Nicephore Niepce og Niepces Camera Obscura

Joseph Nicephore Niepce. Verdens første fotografi tatt på en legering av tinn og bly, 1826.

Daguerres "Artist's Studio", 1837

På 1870-tallet utviklet to oppfinnere, Elisha Gray og Alexander Graham Bell, uavhengig enheter som kunne overføre tale via elektrisitet, som de senere kalte telefonen. De sendte begge sine respektive patenter til patentkontorene, forskjellen i innleveringer var bare noen få timer. Imidlertid mottok Alexander Graham Bell) patentet først.

Telefon og telegraf er elektriske systemer basert på ledninger. Suksessen til Alexander Bell, eller snarere hans oppfinnelse, var ganske naturlig, siden han oppfant telefonen og prøvde å forbedre telegrafen. Da Bell begynte å eksperimentere med elektriske signaler, hadde telegrafen allerede vært i bruk som kommunikasjonsmiddel i rundt 30 år. Selv om telegrafen var et ganske vellykket kommunikasjonssystem basert på morsekode med visning av bokstaver ved hjelp av prikker og bindestreker, var imidlertid telegrafens store ulempe at informasjonen var begrenset til å motta og sende én melding om gangen.

Alexander Bell snakker i den første telefonmodellen

Den første telefonen, skapt av Alexander Graham Bell, var en enhet som lydene av menneskelig tale ble overført ved hjelp av elektrisitet (1875). Den 2. juni 1875 oppdaget Alexander Graham Bell, mens han eksperimenterte med teknikken sin, som han kalte "harmonisk telegraf", at han kunne høre lyd over en ledning. Det var lyden av en klokke.

Bells største suksess ble oppnådd 10. mars 1876. Bell snakket via et rør med sin assistent, Thomas Watson, som var i neste rom, og uttalte ordene som er kjent for alle i dag "Mr. Watson - kom hit - jeg vil se deg "(Mr. Watson - kom hit - jeg vil se deg). På dette tidspunktet ble ikke bare telefonen født, men multitelegrafen døde også. Kommunikasjonspotensialet ved å demonstrere at det var mulig å snakke gjennom elektrisitet var svært forskjellig fra det telegrafen kunne tilby med sitt system for å overføre informasjon ved hjelp av prikker og bindestreker.

Konseptet kino dukket opp for første gang i sin franske versjon - "kino", som betegner et system for å lage og vise en film, utviklet av brødrene Louis Jean og Auguste Lumiere. Den første filmen ble skutt med et filmkamera av franskmannen Louis Aimé Augustin Le Prinecy (1842–1890) i november 1888 i Storbritannia og besto av to fragmenter: den første hadde 10–12 bilder per sekund, den andre hadde 20 bilder per sekund. Men offisielt antas det at kino har sin opprinnelse 28. desember 1895. På denne dagen, i den indiske salongen "Grand Cafe" på Boulevard des Capucines (Paris, Frankrike), fant en offentlig visning av "Cinematograph of the Lumiere-brødrene" sted. I 1896 foretok brødrene en verdensturné med oppfinnelsen deres, og besøkte London, New York, Bombay.

Louis Jean Lumiere ble uteksaminert fra en industriskole, var fotograf og jobbet på en fotografisk fabrikk eid av faren. I 1895 oppfant Lumière filmkameraet for å ta og projisere "bevegende fotografier". Broren Auguste Lumiere deltok aktivt i arbeidet hans med oppfinnelsen av kino. Enheten ble patentert og ble kalt kino. Lumieres første filmprogrammer viste scener filmet på stedet: «Utgang av arbeidere fra Lumieres fabrikk», «Ankomst av et tog», «Barnefrokost», «Stønt vann» og andre. Interessant nok betyr ordet lumière på fransk "lys". Kanskje det er en ulykke, eller kanskje skjebnen til skaperne av kinoen var bestemt på forhånd.

Antropov Alexey Petrovich(1716-1795) - russisk maler. Antropovs portretter utmerker seg ved deres forbindelse med parsuna-tradisjonen, sannheten til egenskapene, maleteknikker barokk.

Argunov Ivan Petrovich(1729-1802) - Russisk livegneportrettmaler. Forfatter av representative seremoni- og kammerportretter.

Argunov Nikolay Ivanovich(1771-1829) - Russisk serf portrettmaler, som opplevde innflytelsen fra klassisismen i sitt arbeid. Forfatteren av det berømte portrettet av P. I. Kovaleva-Zhemchugova.

Bazhenov Vasily Ivanovich(1737-1799) - den største russiske arkitekten, en av grunnleggerne av russisk klassisisme. Forfatter av prosjektet for gjenoppbygging av Kreml, det romantiske palasset og parkensemblet i Tsaritsyn, Pashkov-huset i Moskva, Mikhailovsky-slottet i St. Petersburg. Prosjektene hans ble preget av dristighet i komposisjon, variasjon av ideer, kreativ bruk og kombinasjon av tradisjoner fra klassisk og gammel russisk arkitektur i verden.

Bering Vitus Jonassen (Ivan Ivanovich)(1681-1741) - navigatør, kaptein-sjef for den russiske flåten (1730). Leder for den første (1725–1730) og den andre (1733–1741) Kamchatka-ekspedisjonen. Han passerte mellom Chukchi-halvøya og Alaska (stredet mellom dem bærer nå navnet hans), nådde Nord-Amerika og oppdaget en rekke øyer i Aleut-ryggen. Et hav, et sund og en øy i Nord-Stillehavet er oppkalt etter Bering.

Borovikovsky Vladimir Lukich(1757-1825) - russisk portrettmaler. Arbeidene hans er preget av sentimentalisme, en kombinasjon av dekorativ subtilitet og ynde av rytmer med en ekte overføring av karakter (portrett av M. I. Lopukhina og andre).

Volkov Fedor Grigorievich(1729-1763) - russisk skuespiller og teaterfigur. I 1750 organiserte han en amatørtrupp i Yaroslavl (skuespillere - I. A. Dmitrevsky, Ya. D. Shumsky), på grunnlag av dette i 1756 ble det første permanente profesjonelle russiske offentlige teateret opprettet i St. Petersburg. Selv spilte han i en rekke tragedier av Sumarokov.

Derzhavin Gavrila Romanovich (1743-1816) - russisk poet. Representant for russisk klassisisme. Forfatteren av høytidelige oder gjennomsyret av ideen om en sterk russisk statsskap, inkludert satire på adelen, landskaps- og husholdningsskisser, filosofiske refleksjoner - "Felitsa", "Velmozha", "Waterfall". Forfatter av mange lyriske dikt.

Kazakov Matvei Fyodorovich(1738-1812) - en fremragende russisk arkitekt, en av grunnleggerne av russisk klassisisme. I Moskva utviklet han typer urbane boligbygg og offentlige bygninger som organiserer store byrom: Senatet i Kreml (1776–1787); Moskva universitet (1786–1793); Golitsynskaya (1. Gradskaya) sykehus (1796–1801); huseiendom til Demidov (1779-1791); Petrovsky Palace (1775-1782), etc. Han viste et spesielt talent innen interiørdesign (bygningen av adelsforsamlingen i Moskva). Overvåket utarbeidelsen av hovedplanen for Moskva. Laget en arkitektskole.

Kantemir Antiokia Dmitrievich(1708-1744) - russisk poet, diplomat. Rasjonalistisk pedagog. En av grunnleggerne av russisk klassisisme i sjangeren poetisk satire.

Quarenghi Giacomo(1744-1817) - Russisk arkitekt av italiensk opprinnelse, en representant for klassisismen. Han arbeidet i Russland fra 1780. Paviljongen “ Konsertsal«(1786) og Alexanderpalasset (1792-1800) i Tsarskoye Selo, Oppdragsbanken (1783-1790), Eremitasjeteatret (1783-1787), Smolny-instituttet (1806-1808) i St. Petersburg.

Krasheninnikov Stepan Petrovich(1711-1755) - Russisk reisende, oppdagelsesreisende av Kamchatka, akademiker ved St. Petersburgs vitenskapsakademi (1750). Medlem av den andre Kamchatka-ekspedisjonen (1733–1743). Samlet den første "Beskrivelse av landet Kamchatka" (1756).

Kulibin Ivan Petrovich(1735-1818) - en fremragende russisk selvlært mekaniker. Forfatter av mange unike mekanismer. Forbedret poleringsglass for optiske instrumenter. Han utviklet et prosjekt og bygde en modell av en enbuet bro over elven. Neva med et spenn på 298 m. Han skapte en prototype av et søkelys ("speillampe"), en semafortelegraf, en palassheis, etc.

Laptev Khariton Prokofievich(1700-1763) - kaptein av 1. rang. Oppmålt i 1739–1742. kysten fra elven Lena til elva. Khatanga og Taimyr-halvøya.

Levitsky Dmitry Grigorievich(1735-1822) - russisk maler. I komposisjonelt spektakulære seremonielle portretter kombineres høytidelighet med bilders vitalitet, fargerik rikdom (“Kokorinov”, 1769–1770; en serie portretter av elever ved Smolny Institute, 1773–1776); intime portretter er dypt individuelle i sine egenskaper, behersket i farger (“M. A. Dyakova”, 1778). I sen periode tok delvis innflytelse fra klassisismen (portrett av Catherine II, 1783).

Lomonosov Mikhail Vasilievich(1711-1765) - den første russiske verdensklasse vitenskapsmann-leksikon, poet. Grunnleggeren av det moderne russiske litterære språket. Kunstner. Historiker. Figur av offentlig utdanning og vitenskap. Han studerte ved det slavisk-gresk-latinske akademiet i Moskva (siden 1731), det akademiske universitetet i St. Petersburg (siden 1735), i Tyskland (1736-1741), siden 1742. - adjunkt, siden 1745 - den første russiske akademikeren ved St. Petersburgs vitenskapsakademi. Medlem av Kunstakademiet (1763).

Maikov Vasily Ivanovich(1728-1778) - russisk poet. Forfatter av diktene The Ombre Player (1763), Elisha, or the Irritated Bacchus (1771), Prayerful Fables (1766–1767).

Polzunov Ivan Ivanovich (1728-1766) - Russisk varmeingeniør, en av oppfinnerne av varmemotoren. I 1763 utviklet han et prosjekt for en universell dampmaskin. I 1765 opprettet han det første damp- og varmekraftverket i Russland for fabrikkbehov, som fungerte i 43 dager. Døde før prøvekjøringen hennes.

Popovsky Nikolay Nikitich(1730-1760) - russisk pedagog, filosof og poet. Professor ved Moskva-universitetet (siden 1755). En tilhenger og en av ideologene til den opplyste absolutismen.

Rastrelli Bartolomeo Carlo(1675-1744) - billedhugger. italiensk. Siden 1716 - i gudstjenesten i St. Petersburg er hans verk preget av barokk prakt og prakt, evnen til å formidle teksturen til det avbildede materialet ("Keiserinne Anna Ioannovna med et svart barn", 1733-1741).

Rastrelli Varfolomey Varfolomeevich(1700-1771) - en fremragende russisk arkitekt, en representant for barokken. Sønn av B. K. Rastrelli. Arbeidene hans er preget av et grandiost romlig omfang, klarhet i volumer, strenghet i rettlinjede planer, kombinert med plastisitet av masser, rikdom av skulpturell dekorasjon og farger, finurlig ornamentikk. De største verkene er Smolny-klosteret (1748–1754) og Vinterpalasset (1754–1762) i St. Petersburg, Det store palasset i Peterhof (1747–1752), Katarinapalasset i Tsarskoye Selo (1752–1757).

Rokotov Fedor Stepanovich(1735-1808) - russisk maler. Fin i maleriet, dypt poetiske portretter gjennomsyret av en bevissthet om den åndelige og fysiske skjønnheten til en person ("Ukjent i en rosa kjole", 1775; "VE Novosiltsova", 1780, etc.).

Sumarokov Alexander Petrovich(1717-1777) - Russisk forfatter, en av de fremtredende representantene for klassisismen. I tragediene "Khorev" (1747), "Sinav og Truvor" (1750) og andre, tok han opp problemet med borgerplikt. Forfatter av mange komedier, fabler, lyriske sanger.

Tatishchev Vasily Nikitich(1686-1750) - russisk historiker, statsmann. Styret statseide fabrikker i Ural, var Astrakhan-guvernøren. Forfatter av mange arbeider om etnografi, historie, geografi. Det største og mest kjente verket er "Russisk historie fra antikken".

Trediakovsky Vasily Kirillovich(1703-1768) - Russisk poet, filolog, akademiker ved St. Petersburgs vitenskapsakademi (1745-1759). I verket "En ny og kort måte å komponere russisk poesi" (1735) formulerte han prinsippene for russisk pensum-tonisk versifisering. Diktet "Tilemakhida" (1766).

Trezzini Domenico(1670-1734) - Russisk arkitekt, representant for den tidlige barokken. Sveitsisk etter nasjonalitet. I Russland siden 1703 (invitert til å delta i byggingen av St. Petersburg). Han bygde sommerpalasset til Peter I (1710–1714), katedralen St. Peter og Paul i Peter og Paul-festningen (1712–1733), byggingen av 12 høyskoler (1722–1734) i St. Petersburg.

Felten Yuri Matveevich(1730-1801) - Russisk arkitekt, representant for tidlig klassisisme. Forfatter av den gamle eremitasjen (1771–1787), gjerder av sommerhagen (1771–1784) i St. Petersburg. Deltok i byggingen av granittvollene i Neva (siden 1769).

Kheraskov Mikhail Matveevich(1733-1807) - russisk forfatter. Forfatter av det berømte episke diktet "Rossiyada" (1779), skrevet i klassisismens ånd.

Shelikhov (Shelekhov) Grigory Ivanovich(1747-1795) - Russisk kjøpmann, pioner. I 1775 opprettet han et firma for pels- og pelshandel på nordlige øyer Stillehavet og Alaska. Han grunnla de første russiske bosetningene i russisk Amerika. Utførte betydelig geografisk forskning. På grunnlag av selskapet opprettet av Shelikhov, ble det russisk-amerikanske selskapet dannet i 1799.

Shubin Fedot Ivanovich(1740-1805) - en fremragende russisk billedhugger. representant for klassisismen. Han skapte et galleri med psykologisk ekspressive skulpturportretter (byster av A. M. Golitsyn, 1775; M. R. Panina, 1775; I. G. Orlova, 1778; M. V. Lomonosov, 1792, etc.).

Yakhontov Nikolai Pavlovich(1764-1840) - russisk komponist. Forfatteren av en av de første russiske operaene "Sylph, or the Dream of a Young Woman".

Russisk kunst i første omgang XIX århundre. Nasjonalt oppsving knyttet til den patriotiske krigen i 1812. Krig og Decembrist-opprøret i russisk kultur i første tredjedel av århundret Akutte tidsmotsigelser på 40-tallet. Romantiske motiver i litteratur og kunst, som er naturlig for Russland, som har vært involvert i den pan-europeiske kulturprosessen i mer enn et århundre. Veien fra klassisisme til kritisk realisme gjennom romantikken.

Den økte sosiale rollen til kunstneren, viktigheten av hans personlighet, retten til kreativitetsfrihet, der sosiale og moralske problemer i økende grad reises; opprettelsen av kunstforeninger og spesielle magasiner ("Free Society of Lovers of Literature, Sciences and Arts", "Journal of Fine Arts", "Society for the Encouragement of Artists", "Russian Museum", "Russian Gallery"), provinsiell kunstskoler. Den dominerende stilen på denne tiden er moden, eller høy, klassisisme (det russiske imperiet).

Arkitekturen i den første tredjedelen av århundret er løsningen på store byproblemer. I St. Petersburg fullføres utformingen av hovedplassene i hovedstaden: palasset og senatet. Moskva ble bygget spesielt intensivt etter brannen i 1812. Antikken i sin greske (og til og med arkaiske) versjon blir idealet. Den doriske (eller toskanske) ordenen er brukt, streng og konsis. En stor rolle i bygningens generelle utseende spilles av skulptur, som har en viss semantisk betydning. Farge bestemmer mye, vanligvis er arkitekturen til høy klassisisme tofarget: søyler og stukkaturstatuer er hvite, bakgrunnen er gul eller øredobber. Blant bygningene er hovedplassen okkupert av offentlige bygninger: teatre, avdelinger, utdanningsinstitusjoner, palasser og templer bygges mye sjeldnere.

A. Voronikhin - den største arkitekten på denne tiden (Kazan-katedralen). A.Zakharov siden 1805 - "hovedarkitekten for Admiralitetet" (Admiralitetet som hovedensemblet i St. Petersburg). C.Rossi - den ledende Petersburg-arkitekten fra den første tredjedelen av 1800-tallet. ("det russiske imperiet"), "tenker i ensembler": et palass eller et teater forvandlet til et byplanleggingsknutepunkt fra torg og nye gater (Mikhailovsky-palasset, nå det russiske museet; bygning Alexandria teater; Senatsbygningen på den berømte Senatsplassen). "Den strengeste" av alle senklassisismens arkitekter V. Staso V(Pavlovsky-kasernen på Field of Mars, "Stallavdelingen" på Moika-vollen, regimentkatedralen til Izmailovsky-regimentet, de triumferende Narva- og Moskva-portene, interiør Vinterpalasset etter brannen), som overalt understreker massen, dens plastiske tyngde, statiske, imponerende og tyngde. St. Isak-katedralen i St. Petersburg (O.Montferrand) er et av de siste fremragende monumentene for religiøs arkitektur i Europa på 1800-tallet, som forente beste krefter arkitekter, skulptører, malere, murere og støpere, et eksempel på at klassisismen mister sin harmoni, vekting, komplikasjon.

Forbindelsen mellom skulpturen fra første halvdel av århundret og utviklingen av arkitektur: statuene av Barclay de Tolly og Kutuzov ved Kazan-katedralen (B. Orlovsky), som ga symbolene på heroisk motstand en vakker arkitektonisk ramme. ("Guy Playing Money" av N. Pimenov, "Guy Playing Pile" av A. Loganovsky). den andre avslører et ønske om en mer direkte og multilateral refleksjon av virkeligheten, den blir utbredt i andre halvdel av århundret, men begge retninger mister gradvis trekkene fra den monumentale stilen.

Sanne suksesser med maleri i romantikken. I portrettsjangeren er ledende plass besatt av O. Kiprensky (maleriet "Dmitry Donskoy om seieren over Mamai", som ga rett til en pensjonists utenlandsreise; portretter av E. Rostopchin, D. Khvostov, gutten Chelishchev, oberst av Life Hussars E. Davydov - et kollektivt bilde av helten fra krigen i 1812).

Romantikken kommer til uttrykk i landskapet. S. Shchedrin ("Utsikt over Napoli på en måneskinn natt") var den første som malte friluftsmalerier for Russland: han malte skisser i friluft og fullførte bildet ("pyntet") i studioet. I nyere arbeider Shchedrins interesse for chiaroscuro-effekter ble mer og mer tydelig. I likhet med portrettmaleren Kiprensky og kampmaleren Orlovsky, malte landskapsmaleren Shchedrin ofte sjangerscener.

Refraksjon av hverdagssjangeren i portretter V. Tropinina (portrett av sønnen Arseny, portrett av Bulakhov), en kunstner som ble frigjort fra livegenskap først i en alder av 45. Det beste av Tropinins portretter er preget av høy kunstnerisk perfeksjon, oppriktighet i bilder, livlighet og umiddelbarhet, som understrekes av dyktig lyssetting.

Tropinin introduserte bare et sjangerelement i portrettet. "Far til den russiske husholdningssjangeren" - A. Venetsianov («Reapers», «Vår. På åkerjord», «Bondekone med kornblomster», «Godseierens morgen»), som i sitt arbeid kombinerte elementer av klassisisme, romantikk, sentimentalisme og naturalisme, d.v.s. av alle de «levende» kunstneriske bevegelsene på begynnelsen av 1800-tallet.Han avslørte ikke de skarpe kollisjonene i bondelivet, reiste ikke vår tids «syke spørsmål». Han malte en patriarkalsk livsstil, men han introduserte ikke poesi i den utenfra, han fant den ikke opp, men hentet den fra selve folkelivet.

Utviklingen av russisk historisk maleri på 1930- og 1940-tallet under romantikkens tegn. "Kompromissets geni" mellom klassisismens idealer og romantikkens nyvinninger - K. Bryullov ("Narcissus" er en skisse som ble til et maleri; "The Last Day of Pompeii" er hovedverket til kunstneren, som viser storheten og verdigheten til en person i møte med døden.) Den sentrale figuren i maleriet av midten av århundret er A. Ivanov (maleriet "The Appearance of Christ to the People", som reflekterte kunstnerens lidenskapelige tro på den moralske transformasjonen av mennesker, på perfeksjonen til en person som søker frihet og sannhet).

Hovedkildene for sjangermaleriet i andre halvdel av århundret ligger i arbeidet med P. Fedotova , som klarte å uttrykke Russlands ånd på 40-tallet.Veien fra enkel hverdagsskriving til implementering i bildene av problemene i det russiske livet: "Majors matchmaking" (avslører ekteskapene til fattige adelsmenn med kjøpmanns-"pengeposer") , "The Picky Bride" (en satire om bekvemmelighetsekteskap), "Frokost til en aristokrat" (fordømmelse av tomheten til en sekulær fyr som kaster støv i øynene hans), "Anker, mer anker!" (en tragisk følelse av tilværelsens meningsløshet), "The Fresh Cavalier" ... Fedotovs kunst fullfører utviklingen av maleriet i første halvdel av 1800-tallet. og åpner et nytt stadium - kunsten å kritisk (demokratisk) realisme.

Russisk kunst i andre omgang XIX århundre . Skulptur og arkitektur utviklet seg mindre raskt i denne perioden. Klassisismens kunstneriske uttrykkskraft motsier oppgavene satt av arkitekturen i andre halvdel av 1800-tallet. Historicisme (retrospektiv stilisering, eklektisisme) som en reaksjon på den klassiske stilens kanonisitet. Nye typer bygninger fra kapitalismens periode krevde nye og mangfoldige komposisjonsløsninger, som arkitekter begynte å se etter i fortidens dekorative former, ved å bruke gotiske, renessanse-, barokk- og rokokkomotiver.

1840-tallet: fascinasjon for renessansen, barokken, rokokkoen. I en ånd av nybarokk og nyrenessanse blir noen interiører, Nikolaevsky-palasset, henrettet. På 1970- og 1980-tallet forsvant klassiske tradisjoner innen arkitektur. Innføringen av metallbelegg, metallrammestrukturer, brakte liv til en rasjonell arkitektur med sine nye funksjonelle og konstruktive konsepter. Teknisk og funksjonell hensiktsmessighet ved bygging av nye typer bygninger: industrielle og administrative, stasjoner, passasjer, markeder, sykehus, banker, broer, teater og underholdningsfasiliteter.

Monumentalismens krise påvirket også utviklingen av monumental skulptur. Monumenter blir for patetiske, brøkdeler i silhuetten, detaljerte (monumentet til Katarina II i St. Petersburg) eller kammer i ånden (monumentet til Pushkin i Moskva) I andre halvdel av 1800-tallet. Staffeli skulptur utvikler seg, hovedsakelig sjanger, narrativ, ser ut som et sjangermaleri oversatt til skulptur (M. Chizhov "En bonde i trøbbel", V. Beklemishev "Village Love"). Den animalistiske sjangeren er i utvikling (E. Lansere og A. Aubert), som spilte en stor rolle i utviklingen av russisk realistisk skulptur av små former.

I andre halvdel av 1800-tallet var også en kritisk holdning til virkeligheten, uttalte borgerlige og moralske posisjoner og en akutt sosial orientering karakteristisk for maleriet, der et nytt kunstnerisk synssystem ble dannet, uttrykt i kritisk realisme. nær forbindelse mellom maleri og litteratur. Kunstnere som illustratører, enkle tolker av akutte sosiale problemer i det russiske samfunnet.

Sjelen til en kritisk retning i maleriet V. Perov , som tok opp Fedotovs sak og klarte å enkelt og gjennomtrengende vise sidene av det enkle hverdagslivet: presteskapets skjemmende utseende ("Landsprosesjon i påsken"), det håpløse livet til russiske bønder ("See the Dead"), livet til de urbane fattige (“Troika”) og intelligentsiaen (“Guvernørens ankomst til kjøpmannshuset”).

Kampen for kunstens rett til å vende seg til det virkelige, virkelige livet ved St. Petersburgs kunstakademi ("revolt of 14"). Foreningen av nyutdannede ved Akademiet som nektet å skrive et programmatisk bilde om ett tema i det skandinaviske eposet (det er så mange moderne problemer rundt!), Foreningen av Vandrende Kunstutstillinger (1870-1923). Disse utstillingene ble kalt mobile fordi de ble arrangert i St. Petersburg, Moskva, provinsene ("å gå til folket"). Hver utstilling av "Wanderers" er som en stor begivenhet. Partnerskapets ideologiske program: en refleksjon av livet med alle dets akutte sosiale problemer, i all dets aktualitet. Vandrernes kunst som uttrykk for revolusjonære demokratiske ideer i den kunstneriske kulturen i andre halvdel av 1800-tallet. Partnerskapet ble opprettet på initiativ av Myasoedov, støttet av Perov, Ge, Kramskoy, Savrasov, Shishkin, brødrene Makovsky. Senere fikk de selskap av unge kunstnere; Repin, Surikov, Vasnetsov, Yaroshenko. Serov, Levitan, Polenov har deltatt i utstillinger siden midten av 80-tallet. Lederen og teoretikeren til Wanderers I. Kramskoy.

Kampsjanger på 70-80-tallet. V.Vereshchagin ("The Apotheosis of War") som å være nær Wanderers (organisasjonsmessig tilhørte han ikke dem). Han arrangerte utstillingene sine i forskjellige deler av verden og gjennomførte ideen om å vandre veldig vidt.

Demokrati i sjangeren landskap. Litt spektakulært utad sentralrussisk landskap, barsk nordlig natur som hovedtema for malerne. A.Savrasov ("Rooks Have Arrived", "Rye", "Country Road") - "luftens konge", som visste hvordan man på det enkleste kunne finne de dypt gripende, ofte triste trekkene som er så sterkt følt i det innfødte landskapet og så uimotståelig påvirke sjelen ... Et annet konseptlandskap i kunsten F. Vasilyeva ("After the Rain", "Thaw", "Wet Meadow") - en "strålende gutt" som oppdaget den "levende himmelen" for landskapsmaling, og viste med sin "Mozartian" skjebne at livet ikke telles for årene som leves, men for hvor klar mann se, skape, elske og undre seg. V. Polenov ("Moscow Yard", "Christ and the Sinner") handlet mye om hjemlige og historiske sjangre, der landskapet spilte en stor rolle. Polenov er en ekte reformator av russisk maleri, som utviklet det langs veien til plein airism. Hans forståelse av skissen som et selvstendig kunstverk hadde stor innflytelse på malerne i den påfølgende tiden. I. Levitan som en etterfølger av tradisjonene til Savrasov og Vasilyev ("Birch Grove", "Evening Ringing", "At the Pool", "Mars", "Golden Autumn"), "et stort, originalt, originalt talent", "det beste russisk landskapsmaler”.

Høydepunktet av demokratisk realisme i russisk maleri i andre halvdel av 1800-tallet. betraktet med rette arbeidet til Repin og Surikov, som hver på sin måte skapte et monumentalt heroisk bilde av folket. I. Repin ("Barge Haulers on the Volga", "Religious Procession in Kursk-provinsen», « Arrestasjonen av propagandisten", "Avslag på tilståelse", "De forventet ikke") - "en stor realist", som jobbet i en rekke sjangre, fra folklore til portretter, som klarte å uttrykke de nasjonale egenskapene til russisk liv lysere enn andre malere . Hans kunstverden hel, fordi den er "gjennomskinnelig" med en tanke, en kjærlighet - kjærlighet til Russland. I kreativitet V. Surikov ("Morning of the Streltsy Execution", "Menshikov in Berezov", "Boyar Morozova", "The Conquest of Siberia by Ermak", "The Capture of the Snow Town"), har historisk maleri funnet sin egen moderne forståelse. Surikov, som et "vitne fra fortiden", klarte å vise "de forferdelige ting fra fortiden, presentert i hans bilder til menneskeheten den heroiske sjelen til hans folk." Ved siden av Surikov, i den russiske historiske sjangeren fra andre halvdel av det 19. århundre. andre kunstnere jobbet også. I kreativitet V.Vasnetsova eventyr, folklore eller legendarisk bilde råder ("Alyonushka", "Ridderen ved korsveien", "Bogatyrs").

Sluttens russiske kunst XIX -begynnelse XX århundre . Med krisen til den populistiske bevegelsen på 1990-tallet, ble den "analytiske metoden for realisme fra det nittende århundre" foreldet. Den kreative nedgangen til Wanderers, som gikk inn i det "lille emnet" et underholdende sjangerbilde. Perovs tradisjoner ble bevart ved Moskva-skolen for maleri, skulptur og arkitektur. Alle typer kunst – maleri, teater, musikk, arkitektur – står for fornyelsen av det kunstneriske språket, for høy profesjonalitet.

For århundreskiftets malere er andre uttrykksmåter karakteristiske enn Wanderers, andre former for kunstnerisk kreativitet – i bilder som er motstridende, kompliserte og reflekterer moderniteten uten illustrativitet og narrativ. Kunstnere søker smertelig harmoni og skjønnhet i en verden som er fundamentalt fremmed for både harmoni og skjønnhet. Det er derfor mange så sitt oppdrag i å dyrke en følelse av skjønnhet. Denne tiden med "eves", forventningen om endringer i det offentlige liv, ga opphav til mange bevegelser, foreninger, grupperinger.

Foreningskunstnernes rolle "Kunstens verden" i populariseringen av innenlandsk og vesteuropeisk kunst. "World of Art" (Benoit, Somov, Bakst, Lansere, Golovin, Dobuzhinsky, Vrubel, Serov, Korovin, Levitan, Nesterov, Bilibin, Ryabushkin, Roerich, Kustodiev, Petrov-Vodkin, Malyavin) bidro til konsolideringen av kunstneriske krefter, opprettelsen av "Union of Russian Artists ". Betydning for dannelsen av foreningen av personligheten til Diaghilev, skytshelgen, arrangør av utstillinger, impresario av russisk ballett og operaturer i utlandet ("Russian Seasons"). De viktigste bestemmelsene i "World of Art": kunstens autonomi, problemene med kunstform, kunstens hovedoppgave er utdanning av den estetiske smaken til det russiske samfunnet gjennom bekjentskap med verdenskunstverk.

Fødselen av jugendstilen, som påvirket all plastisk kunst, fra arkitektur til grafikk, er ikke et entydig fenomen, den inneholder også dekadent pretensiøsitet, pretensiøsitet, designet for borgerlig smak, men det er også et ønske om enhet i stil som er betydelig i seg selv. Funksjoner ved jugendstil: i skulptur - formenes flyt, silhuettens spesielle uttrykksevne, komposisjonens dynamikk; i maleri - symbolikken til bilder, avhengighet av allegorier.

Fremveksten av jugendstil betydde ikke kollapsen av ideene om å vandre, som utvikler seg annerledes: bondetemaet avsløres på en ny måte (S. Korovin, A. Arkhipov). Til emnet Det gamle Russland trekker M. Nesterov , men bildet av Rus' fremstår i maleriene hans som en ideell, fortryllet verden, i harmoni med naturen, men forsvant som den legendariske byen Kitezh ("Vision til ungdommen Bartholomew").

Et annet syn på verden K. Korovina , som tidlig begynte å skrive i friluft.Hans franske landskap ("Parisian Lights") er allerede ganske impresjonistisk forfatterskap. Skarpe, umiddelbare inntrykk av storbylivet: stille gater i annen tid dager, gjenstander oppløst i lys-luft-mediet - funksjoner som minner om landskapene i Manet, Pissarro. Impresjonistisk etude, billedkunst, kunstnerskap bevarer Korovin i portrett og stilleben, i dekorative paneler, i teatralsk natur.

Innovatør av russisk maleri ved århundreskiftet V. Serov ("The Girl with Peaches", "The Girl Illuminated by the Sun") er en hel scene i russisk maleri. Portrett, landskap, stilleben, hjemlig, historisk maleri; olje, gouache, tempera, kull - det er vanskelig å finne sjangre som Serov ikke ville fungere i. Et spesielt tema i arbeidet hans er bonde, der det ikke er noen omreisende sosial skarphet, men det er en følelse av skjønnheten og harmonien i bondeliv, beundring for den sunne skjønnheten til det russiske folket.

"Herald of Other Worlds" M. Vrubel , som forårsaket forvirring som person og indignasjon som kunstner ("Pan", "Svaneprinsessen", " Demon sitter"," Spåkone", "Lilla"). Den første symbolisten (?), "universell i kunst", søket etter som sammenlignes med metoden til Leonardo da Vinci, Vrubel "faller veldig raskt ut" av "tradisjonelt" maleri, slår til med en original, full av mystikk og nesten demonisk kraft i måten å male på, som viste seg å være profetisk for nye kunstneriske retninger på 1900-tallet ...

"Miriskussnik" N. Roerich . En kjenner av østens filosofi og etnografi, arkeolog-vitenskapsmannen Roerich hadde til felles med "Kunstens verden" kjærligheten til tilbakeblikk, for den hedenske slaviske og skandinaviske antikken ("Messenger", "The Elders Converge", "Sinister" ). Roerich var mest knyttet til filosofien og estetikken til russisk symbolisme, men kunsten hans passet ikke inn i rammen av eksisterende trender, fordi han i samsvar med kunstnerens verdensbilde appellerte til hele menneskeheten med en appell. vennlig forening alle folkeslag. Senere viker historiske temaer for religiøse legender ("Heavenly Battle"). Hans dekorative panel "The Battle of Kerzhents" ble stilt ut under fremføringen av et fragment med samme navn fra Rimsky-Korsakovs opera "The Legend of the Invisible City of Kitezh and the Maiden Fevronia" i de parisiske "Russian Seasons".

I andre generasjon av "Kunstens verden" var en av de mest begavede kunstnerne B. Kustodiev , en elev av Repin, som er preget av stilisering, men dette er en stilisering av et populært trykk ("Fairs", "Shrovetide", "Balagany", "Merchant for Tea").

1903, opprettelsen av foreningen "Union of Russian Artists" , som inkluderer figurer fra "Kunstens verden" - Benois, Bakst, Somov, Dobuzhinsky, Serov, og deltakerne i de første utstillingene var Vrubel, Borisov-Musatov. Initiativtakerne til opprettelsen av foreningen var Moskva-kunstnere tilknyttet " kunstens verden”, men tynget av Petersburgernes programmatiske estetikk. K. Korovin ble ansett som leder av "Unionen".

1910, opprettelse av foreningen "Jack of Diamonds" (P. Konchalovsky, I. Mashkov, A. Lentulov R. Falk, M. Larionov), som uttalte seg mot vagheten, uoversetteligheten, nyansene i symbolspråket til "Blue Rose" og den estetiske stilen til "World of Kunst". "Knaves of Diamonds" bekjente en klar konstruksjon av bildet, understreket objektiviteten til formen, intensiteten, fargen med full lyd. Stilleben som favorittsjanger av "jacks".

"Ensom og unik" kreativitet P. Filonova , som satte som mål å forstå universets metafysikk ved hjelp av maleri, skape krystalllignende former som de primære elementene i universet ("Feast of Kings", "Holy Family"). Vitalitet av nasjonale tradisjoner, stor gammel russisk male i kreativitet K. Petrova-Vodkina , en kunstnertenker ("Bading the Red Horse" som en billedlig metafor, "Girls on the Volga" - en orientering mot tradisjonene i russisk kunst).

Tiden med høyt utviklet industriell kapitalisme og endringer i byens arkitektur. Nye typer bygninger: fabrikker, stasjoner, butikker, banker, kinoer. Nye byggematerialer - armert betong og metallkonstruksjoner, som gjør det mulig å dekke gigantiske rom og lage enorme utstillingsvinduer.

Kunsten i de førrevolusjonære årene i Russland er preget av den uvanlige kompleksiteten og inkonsistensen i kunstneriske søk, derav at gruppene erstatter hverandre med sine egne programinnstillinger og stilistiske sympatier. Men sammen med eksperimenterne innen abstrakte former i den russiske kunsten på den tiden, "World of Art" og "Blue Bearers", "allierte", "Knaves of Diamonds", fortsatte kunstnere av den neoklassiske trenden samtidig å jobbe .