Cultura artística do Renascimento. Pré-Renascimento

Criação cidade ideal atormentou cientistas e arquitetos de vários países e épocas, mas as primeiras tentativas de projetar algo assim surgiram durante o Renascimento. Embora na corte dos faraós e dos imperadores romanos trabalhassem cientistas, cujas obras visavam criar uma espécie de assentamento ideal, no qual não só tudo obedecesse claramente à hierarquia, mas também no qual fosse confortável viver para ambos o governante e um simples artesão. Basta lembrar Akhetaton, Mohenjodaro ou o fantástico projeto proposto por Stasicrates a Alexandre o Grande, segundo o qual ele propunha esculpir uma estátua de um comandante com uma cidade localizada em seu braço no Monte Athos. O único problema foi que estes assentamentos permaneceram no papel ou foram destruídos. Não só os arquitetos, mas também muitos artistas tiveram a ideia de projetar uma cidade ideal. Há referências ao fato de que Piero della Francesca, Giorgio Vasari, Luciano Laurana e muitos outros estiveram envolvidos nisso.

Piero della Francesco era conhecido pelos seus contemporâneos principalmente como autor de tratados de arte. Apenas três deles chegaram até nós: “Tratado sobre o Ábaco”, “Perspectiva na Pintura”, “Cinco Corpos Regulares”. Foi ele quem primeiro levantou a questão da criação de uma cidade ideal, em que tudo estivesse subordinado a cálculos matemáticos e construções promissoras de clara simetria. Por esta razão, muitos estudiosos atribuem a Pierrot a imagem “Vista de uma Cidade Ideal”, que se enquadra perfeitamente nos princípios do Renascimento.

Leon Battista Alberti foi quem esteve mais perto de implementar um projeto de tão grande escala. É verdade que não conseguiu concretizar toda a sua ideia, mas deixou para trás um grande número de desenhos e notas, a partir dos quais outros artistas conseguiram mais tarde realizar o que Leon não conseguiu. Em particular, Bernardo Rossellino realizou muitos dos seus projetos. Mas Leon implementou os seus princípios não apenas por escrito, mas também através do exemplo de muitos dos edifícios que construiu. Basicamente, são numerosos palácios projetados para famílias nobres. O arquiteto revela seu próprio exemplo de cidade ideal em seu tratado “Sobre Arquitetura”. O cientista escreveu esta obra até o fim da vida. Foi publicado postumamente e tornou-se o primeiro livro impresso a revelar os problemas da arquitetura. De acordo com os ensinamentos de Leon, a cidade ideal deveria refletir todas as necessidades humanas e responder a todas as suas necessidades humanísticas. E isso não é coincidência, porque o principal pensamento filosófico da Renascença foi o humanismo antropocêntrico. A cidade deveria ser dividida em bairros, que seriam divididos segundo um princípio hierárquico ou por tipo de emprego. No centro, na praça principal, encontra-se um edifício onde se concentraria o poder da cidade, bem como a catedral principal e as casas de famílias nobres e administradores municipais. Mais perto da periferia ficavam as casas de comerciantes e artesãos, e os pobres viviam na própria fronteira. Essa disposição dos edifícios, segundo o arquiteto, tornou-se um obstáculo ao surgimento de diversas agitações sociais, uma vez que as casas dos ricos seriam separadas das casas dos cidadãos pobres. Outro importante princípio de planeamento é que este deveria satisfazer as necessidades de qualquer categoria de cidadãos, para que tanto o governante como o clero se sentissem confortáveis ​​a viver nesta cidade. Era para conter todos os edifícios, desde escolas e bibliotecas até mercados e banhos. A acessibilidade pública de tais edifícios também é importante. Mesmo que ignoremos todos os princípios éticos e sociais de uma cidade ideal, os valores artísticos externos permanecem. O traçado deveria ser regular, segundo o qual a cidade fosse dividida em quarteirões claros por ruas retas. Em geral, todas as estruturas arquitetônicas devem estar subordinadas a formas geométricas e desenhadas ao longo de uma régua. Os quadrados eram circulares ou retangulares. De acordo com estes princípios, cidades antigas, como Roma, Génova, Nápoles, foram sujeitas à demolição parcial de antigas ruas medievais e à criação de novos bairros espaçosos.

Em alguns tratados foi encontrada uma observação semelhante sobre o lazer das pessoas. Preocupava-se principalmente com meninos. Foi proposta a construção de parques infantis e cruzamentos de tal tipo nas cidades que os jovens brincando ficassem sob a supervisão constante de adultos que pudessem observá-los sem impedimentos. Essas precauções visavam incutir prudência nos jovens.

A cultura da Renascença forneceu, em muitos aspectos, o alimento para uma reflexão mais aprofundada sobre a estrutura de uma cidade ideal. Isto foi especialmente verdadeiro para os humanistas. Segundo sua visão de mundo, tudo deveria ser criado para uma pessoa, para sua existência confortável. Quando todas essas condições forem satisfeitas, a pessoa receberá paz social e felicidade mental. Portanto, neste
Numa sociedade, guerras ou motins simplesmente não podem surgir a priori. A humanidade tem caminhado em direção a esse resultado ao longo de toda a sua existência. Basta lembrar a famosa “Utopia” de Thomas More ou “1984” de George Orwell. Obras deste tipo abordavam não só as características funcionais, mas também pensavam nas relações, na ordem e na estrutura da comunidade que vivia nesta localidade, não necessariamente uma cidade, talvez até o mundo. Mas essas bases foram lançadas no século XV, então podemos dizer com segurança que os cientistas da Renascença eram pessoas de seu tempo com formação abrangente.

Caros usuários! Temos o prazer de recebê-lo no site da publicação científica eletrônica “Analistas de Estudos Culturais”.

Este site é um arquivo. Não são aceitos artigos para publicação.

A publicação científica eletrônica “Analítica dos Estudos Culturais” apresenta os fundamentos conceituais dos estudos culturais (teoria da cultura, filosofia da cultura, sociologia da cultura, história da cultura), sua metodologia, axiologia, análise. Esta é uma palavra nova na cultura do diálogo científico e científico social.

Os materiais publicados na publicação científica eletrônica “Analytics of Cultural Studies” são levados em consideração na defesa de dissertações (candidatos e teses de doutorado) na Comissão Superior de Certificação da Federação Russa. Ao redigir artigos científicos e dissertações, o candidato deverá fornecer referências de trabalhos científicos, publicado em publicações científicas eletrônicas.

Sobre a revista

A publicação científica eletrônica “Analytics of Cultural Studies” é uma publicação eletrônica em rede e é publicada desde 2004. Publica artigos científicos e mensagens curtas, refletindo conquistas no campo dos estudos culturais e ciências afins.

Esta publicação é dirigida a cientistas, professores, estudantes de pós-graduação e graduação, funcionários de órgãos governamentais federais e regionais e estruturas governamentais locais, e todas as categorias de gestores culturais.

Todas as publicações são revisadas. O acesso à revista é gratuito.

A revista é revisada por pares, examinada pelos principais especialistas da Academia Russa de Ciências e da Universidade Estadual de Cultura e Cultura de Moscou, e informações sobre ela são publicadas em bancos de dados online.

Em suas atividades, a publicação científica eletrônica “Analistas de Estudos Culturais” conta com o potencial e as tradições de Tambov Universidade Estadual eles. G.R. Derzhavina.

Registrado pelo Serviço Federal de Supervisão de Comunicações de Massa, Comunicações e Segurança herança cultural Certificado de registro de meio de comunicação de massa El nº FS 77-32051 datado de 22 de maio de 2008.

Classicismo na arquitetura da Europa Ocidental

Vamos deixar isso para os italianos

Ouropel vazio com seu falso brilho.

Total o significado é mais importante, mas para ir até ele,

Teremos que superar obstáculos e caminhos,

Siga estritamente o caminho designado:

Às vezes a mente tem apenas um caminho...

Você precisa pensar no significado e só então escrever!

N.Boileau. “Arte Poética”.

Tradução de V. Lipetskaya

Foi assim que um dos principais ideólogos do classicismo, o poeta Nicolas Boileau (1636-1711), ensinou aos seus contemporâneos. As regras estritas do classicismo foram incorporadas nas tragédias de Corneille e Racine, nas comédias de Molière e nas sátiras de La Fontaine, na música de Lully e na pintura de Poussin, na arquitetura e decoração dos palácios e conjuntos de Paris...

O classicismo manifestou-se mais claramente em obras de arquitetura focadas nas melhores conquistas da cultura antiga - o sistema de ordem, simetria estrita, clara proporcionalidade das partes da composição e sua subordinação ao conceito geral. O “estilo estrito” da arquitetura classicista, ao que parecia, pretendia incorporar visualmente sua fórmula ideal de “simplicidade nobre e grandeza calma”. Nas estruturas arquitetônicas do classicismo predominavam as formas simples e claras e a calma harmonia de proporções. Foi dada preferência às linhas retas e à decoração discreta que acompanhasse os contornos do objeto. Simplicidade e nobreza de decoração, praticidade e conveniência estavam evidentes em tudo.

Com base nas ideias dos arquitetos renascentistas sobre a “cidade ideal”, os arquitetos do classicismo criaram um novo tipo de grandioso palácio e conjunto de parques, estritamente subordinados a um único plano geométrico. Uma das estruturas arquitetônicas marcantes desta época foi a residência dos reis franceses nos arredores de Paris - o Palácio de Versalhes.

"Sonho de Conto de Fadas" de Versalhes

Mark Twain, que visitou Versalhes em meados do século XIX.

“Repreendi Luís XIV, que gastou 200 milhões de dólares em Versalhes quando as pessoas não tinham pão suficiente, mas agora perdoei-o. É incrivelmente lindo! Você olha, olha e tenta entender que está na terra, e não nos Jardins do Éden. E você está quase pronto para acreditar que isso é uma farsa, apenas um sonho de conto de fadas.”

Na verdade, o “sonho de conto de fadas” de Versalhes ainda hoje surpreende pela escala do seu traçado regular, pelo magnífico esplendor das suas fachadas e pelo brilho dos seus interiores decorativos. Versalhes tornou-se a personificação visível da arquitetura cerimonial oficial do classicismo, expressando a ideia de um modelo de mundo racionalmente organizado.

Cem hectares de terra em condições extremamente pouco tempo(1666-1680) foram transformadas num paraíso destinado à aristocracia francesa. Os arquitetos Louis Levo (1612-1670), Jules Hardouin-Mansart (1646-1708) e André Le Nôtre(1613-1700). Ao longo de vários anos, reconstruíram e alteraram muito a sua arquitetura, de modo que atualmente é um amálgama complexo de várias camadas arquitetônicas, incorporando traços de caráter classicismo.

O centro de Versalhes é o Grande Palácio, ao qual conduzem três avenidas de acesso convergentes. Situado numa determinada colina, o palácio ocupa uma posição dominante sobre a área. Os seus idealizadores dividiram o comprimento de quase meio quilómetro da fachada numa parte central e duas alas laterais - risalit, que lhe conferem uma solenidade especial. A fachada é representada por três pisos. O primeiro, servindo de base maciça, é decorado com rusticação a exemplo dos palácios-palácios italianos do Renascimento. Na segunda, frontal, encontram-se altas janelas em arco, entre as quais se encontram colunas e pilastras jónicas. A camada que coroa o edifício confere ao palácio um aspecto monumental: é encurtada e termina com grupos escultóricos, conferindo ao edifício uma elegância e leveza especiais. O ritmo das janelas, pilastras e colunas da fachada enfatiza sua severidade e esplendor clássicos. Não é por acaso que Molière disse sobre o Grande Palácio de Versalhes:

“A decoração artística do palácio está tão em harmonia com a perfeição que a natureza lhe confere que pode muito bem ser chamado de castelo mágico.”

Interiores grande Palácio decorados em estilo barroco: abundam em decorações escultóricas, rica decoração em forma de molduras e talha dourada, muitos espelhos e móveis requintados. As paredes e tetos são revestidos com lajes de mármore coloridas com padrões geométricos claros: quadrados, retângulos e círculos. Painéis pitorescos e tapeçarias em temas mitológicos glorificar o rei Luís XIV. Enormes lustres de bronze com dourado completam a impressão de riqueza e luxo.

Os salões do palácio (são cerca de 700) formam intermináveis ​​​​enfileiras e destinam-se a procissões cerimoniais, magníficas celebrações e bailes de máscaras. No maior salão formal do palácio, a Galeria dos Espelhos (73 m de comprimento), ficou claramente demonstrada a procura de novos efeitos espaciais e luminosos. As janelas de um lado do corredor correspondiam aos espelhos do outro. Sob luz solar ou iluminação artificial, quatrocentos espelhos criavam um efeito espacial excepcional, transmitindo um jogo mágico de reflexos.

As composições decorativas de Charles Lebrun (1619-1690) em Versalhes e no Louvre impressionaram por sua pompa cerimonial. O “método de representar paixões” que ele proclamou, que envolvia elogios pomposos a pessoas de alto escalão, trouxe ao artista um sucesso vertiginoso. Em 1662, ele se tornou o primeiro pintor do rei e, em seguida, diretor da fábrica real de tapeçarias (tapetes tecidos à mão ou tapeçarias) e chefe de todos os trabalhos decorativos do Palácio de Versalhes. Na Galeria de Espelhos do palácio, Lebrun pintou

um abajur dourado com muitas composições alegóricas sobre temas mitológicos, glorificando o reinado do “Rei Sol” Luís XIV. As alegorias e atributos pictóricos empilhados, as cores vivas e os efeitos decorativos do Barroco contrastavam claramente com a arquitetura do classicismo.

O quarto do rei está localizado na parte central do palácio e está voltado para sol Nascente. Era daqui que se avistavam três rodovias divergindo de um mesmo ponto, o que lembrava simbolicamente o foco principal do poder estatal. Da varanda, o rei podia ver toda a beleza do Parque de Versalhes. Seu principal criador, Andre Le Nôtre, conseguiu combinar elementos de arquitetura e arte paisagística. Ao contrário dos parques paisagísticos (ingleses), que expressavam a ideia de unidade com a natureza, os parques regulares (franceses) subordinavam a natureza à vontade e aos planos do artista. O Parque de Versalhes surpreende pela clareza e organização racional do espaço, seu desenho foi verificado com precisão pelo arquiteto por meio de compasso e régua.

As vielas do parque são percebidas como uma continuação dos corredores do palácio, cada uma delas terminando com um reservatório. Muitas piscinas têm formato geométrico regular. Nas horas que antecedem o pôr do sol, os espelhos d'água lisos refletem os raios do sol e as sombras bizarras projetadas por arbustos e árvores recortadas em forma de cubo, cone, cilindro ou bola. A vegetação forma paredes sólidas e impenetráveis, ou amplas galerias, em nichos artificiais onde se colocam composições escultóricas, hermas (pilares tetraédricos encimados por cabeça ou busto) e numerosos vasos com cascatas de finos riachos de água. A plasticidade alegórica das fontes, feitas por mestres famosos, pretende glorificar o reinado do monarca absoluto. O “Rei Sol” apareceu neles sob a forma do deus Apolo ou Netuno, saindo da água em uma carruagem ou descansando entre as ninfas em uma gruta fresca.

Os tapetes lisos dos gramados surpreendem pelas cores vivas e variadas com intrincados padrões de flores. Os vasos (eram cerca de 150 mil) continham flores frescas, que foram trocadas de forma que Versalhes florescesse constantemente em qualquer época do ano. Os caminhos do parque são salpicados de areia colorida. Alguns deles eram revestidos com lascas de porcelana brilhando ao sol. Todo este esplendor e exuberância da natureza foi complementado pelos cheiros de amêndoa, jasmim, romã e limão, que se espalham pelas estufas.

Havia natureza neste parque

Como se estivesse sem vida;

Como se fosse um soneto pomposo,

Estávamos mexendo na grama ali.

Sem dança, sem framboesas doces,

Le Nôtre e Jean Lully

Nos jardins e nas danças da desordem

Eles não aguentaram.

Os teixos congelaram, como se estivessem em transe,

Os arbustos nivelaram a linha,

E eles fizeram uma reverência

Flores memorizadas.

V. Hugo Tradução de E. L. Lipetskaya

N. M. Karamzin (1766-1826), que visitou Versalhes em 1790, falou sobre suas impressões em “Cartas de um Viajante Russo”:

“Enorme, perfeita harmonia das partes, ação do todo: é isso que nem um pintor consegue retratar com pincel!

Vamos aos jardins, criação de Le Nôtre, cujo gênio corajoso por toda parte colocou no trono a orgulhosa Arte, e jogou a humilde Natureza, como um pobre escravo, a seus pés...

Por isso, não procure a Natureza nos jardins de Versalhes; mas aqui a cada passo a Arte cativa os olhos...”

Conjuntos arquitetônicos de Paris. Estilo império

Após a conclusão das principais obras de construção em Versalhes, na virada dos séculos XVII para XVIII, André Le Nôtre lançou trabalho ativo para a reconstrução de Paris. Realizou o traçado do Parque das Tulherias, fixando claramente o eixo central na continuação do eixo longitudinal do conjunto do Louvre. Depois de Le Nôtre, o Louvre foi finalmente reconstruído e a Place de la Concorde foi criada. O grande eixo de Paris deu uma interpretação completamente diferente da cidade, atendendo aos requisitos de grandeza, imponência e pompa. A composição dos espaços urbanos abertos e o sistema de ruas e praças arquitetonicamente projetadas tornaram-se o fator determinante no planejamento de Paris. A clareza do padrão geométrico de ruas e praças unidas em um único todo longos anos se tornará um critério para avaliar a perfeição do plano urbano e a habilidade do urbanista. Muitas cidades ao redor do mundo experimentarão posteriormente a influência do modelo parisiense clássico.

Uma nova compreensão da cidade como objeto de influência arquitetónica sobre o ser humano encontra expressão clara no trabalho sobre conjuntos urbanos. No processo de sua construção, foram delineados os princípios básicos e fundamentais do planejamento urbano do classicismo - livre desenvolvimento no espaço e conexão orgânica com o meio ambiente. Superando o caos do desenvolvimento urbano, os arquitetos procuraram criar conjuntos projetados para vistas livres e desobstruídas.

Os sonhos renascentistas de criar uma “cidade ideal” concretizaram-se na formação de um novo tipo de praça, cujos limites já não eram as fachadas de certos edifícios, mas o espaço das ruas e bairros adjacentes, parques ou jardins, e o rio. aterro. A arquitetura busca conectar em uma certa unidade de conjunto não apenas edifícios diretamente adjacentes entre si, mas também pontos muito distantes da cidade.

Segunda metade do século XVIII. e o primeiro terço do século XIX. na França eles comemoram novo palco desenvolvimento do classicismo e sua difusão nos países europeus - neoclassicismo. Depois do Grande revolução Francesa e a Guerra Patriótica de 1812, surgiram novas prioridades no desenvolvimento urbano, em sintonia com o espírito da época. Eles encontraram sua expressão mais vívida no estilo Império. Foi caracterizado pelas seguintes características: pathos cerimonial de grandeza imperial, monumentalidade, apelo à arte da Roma imperial e Antigo Egito, o uso de atributos romanos história militar como principais motivos decorativos.

A essência do novo estilo artístico foi transmitido com muita precisão nas palavras significativas de Napoleão Bonaparte:

“Adoro o poder, mas como artista... adoro extrair dele sons, acordes, harmonia.”

Estilo império tornou-se a personificação do poder político e da glória militar de Napoleão e serviu como uma manifestação única de seu culto. A nova ideologia correspondia plenamente aos interesses políticos e gostos artísticos dos novos tempos. Grandes conjuntos arquitetônicos de praças abertas, ruas largas e avenidas foram criadas por toda parte, pontes, monumentos e prédios públicos foram erguidos, demonstrando a grandeza imperial e o poder do poder.

Por exemplo, a Ponte Austerlitz comemorou a grande batalha de Napoleão e foi construída com pedras da Bastilha. Na Praça Carrossel foi construído Arco do Triunfo em homenagem à vitória em Austerlitz. Duas praças (Concórdia e Estrelas), localizadas a uma distância considerável uma da outra, foram ligadas por perspectivas arquitetônicas.

Igreja de Santa Genevieve, erguido por J. J. Soufflot, tornou-se o Panteão - o local de descanso do grande povo da França. Um dos monumentos mais espetaculares da época foi a coluna do Grande Exército na Place Vendôme. Comparada à antiga coluna romana de Trajano, pretendia, segundo os planos dos arquitectos J. Gondoin e J. B. Leper, expressar o espírito do Novo Império e a sede de grandeza de Napoleão.

Na luminosa decoração interior de palácios e edifícios públicos, a solenidade e a pompa majestosa eram especialmente valorizadas; a sua decoração era muitas vezes sobrecarregada com apetrechos militares. Os motivos dominantes eram combinações contrastantes de cores, elementos de ornamentos romanos e egípcios: águias, grifos, urnas, coroas, tochas, grotescos. O estilo Império manifestou-se mais claramente nos interiores das residências imperiais do Louvre e Malmaison.

A era de Napoleão Bonaparte terminou em 1815 e logo começou a erradicar ativamente sua ideologia e gostos. Do Império “desaparecido como um sonho”, tudo o que restou foram obras de arte no estilo Império, demonstrando claramente a sua antiga grandeza.

Perguntas e tarefas

1.Por que Versalhes pode ser considerado uma obra notável?

Como as ideias urbanísticas do classicismo do século XVIII encontraram sua implementação prática em conjuntos arquitetônicos Paris, por exemplo, Place de la Concorde? O que a distingue das praças barrocas italianas de Roma do século XVII, como a Piazza del Popolo (ver p. 74)?

2. Qual a expressão da ligação entre a arquitetura barroca e a arquitetura classicista? Que ideias o classicismo herdou do barroco?

3. Quais são os antecedentes históricos do surgimento do estilo Império? Que novas ideias de seu tempo ele se esforçou para expressar em obras de arte? Em quais princípios artísticos ele se baseia?

Oficina criativa

1. Faça com que seus colegas façam um tour por correspondência por Versalhes. Para prepará-lo, você pode usar materiais de vídeo da Internet. Os parques de Versalhes e Peterhof são frequentemente comparados. Quais você acha que são os motivos para tais comparações?

2. Tente comparar a imagem da “cidade ideal” do Renascimento com os conjuntos clássicos de Paris (São Petersburgo ou seus subúrbios).

3. Compare o design decoração de interior(interiores) das galerias Francisco I em Fontainebleau e da Galeria dos Espelhos em Versalhes.

4. Conheça as pinturas do artista russo A. N. Benois (1870-1960) da série “Versalhes. A Caminhada do Rei" (ver p. 74). Como eles transmitem a atmosfera geral da vida na corte do rei francês Luís XIV? Por que podem ser consideradas uma espécie de pintura simbólica?

Tópicos de projetos, resumos ou mensagens

“A formação do classicismo na arquitetura francesa dos séculos XVII-XVIII”; “Versalhes como modelo de harmonia e beleza do mundo”; “Um passeio por Versalhes: a ligação entre a composição do palácio e o traçado do parque”; “Obras-primas da Arquitetura do Classicismo da Europa Ocidental”; “Estilo Império Napoleônico na arquitetura francesa”; "Versalhes e Peterhof: experiência características comparativas»; « Descobertas artísticas nos conjuntos arquitetônicos de Paris”; “As praças de Paris e o desenvolvimento dos princípios do planeamento urbano regular”; “Clareza de composição e equilíbrio de volumes da Catedral dos Inválidos em Paris”; “A Place de la Concorde é uma nova etapa no desenvolvimento das ideias urbanísticas do classicismo”; “A dura expressividade dos volumes e a escassa decoração da Igreja de Santa Genevieve (Panteão) de J. Soufflot”; “Características do classicismo na arquitetura dos países da Europa Ocidental”; "Excelentes arquitetos do classicismo da Europa Ocidental."

Livros para leitura adicional

Arkin D. E. Imagens de arquitetura e imagens de escultura. M., 1990. Kantor A. M. e outros Arte do século XVIII. M., 1977. (Pequena história das artes).

Classicismo e Romantismo: Arquitetura. Escultura. Pintura. Desenho / ed. R. Toman. M., 2000.

Kozhina E. F. Arte da França no século XVIII. L., 1971.

Lenotre J. A vida cotidiana de Versalhes sob os reis. M., 2003.

Miretskaya N.V., Miretskaya E.V., Shakirova I.P. Cultura do Iluminismo. M., 1996.

Watkin D. História da arquitetura da Europa Ocidental. M., 1999. Fedotova E.D. Estilo do Império Napoleônico. M., 2008.

Na preparação do material, o texto do livro didático “Mundo cultura artística. Do século XVIII até o presente” (Autor G. I. Danilova).

Arte Renascentista

Renascimento- este foi o apogeu de todas as artes, incluindo o teatro, a literatura e a música, mas, sem dúvida, a principal delas, que mais plenamente expressou o espírito de sua época, foram as artes plásticas.

Não é por acaso que existe uma teoria de que o Renascimento começou com o facto de os artistas terem deixado de se contentar com o enquadramento do estilo “bizantino” dominante e, em busca de modelos para a sua criatividade, foram os primeiros a recorrer a para a antiguidade. O termo “Renascença” foi introduzido pelo próprio pensador e artista da época, Giorgio Vasari (“Biografias de Pintores, Escultores e Arquitetos Famosos”). Foi assim que ele nomeou o período de 1250 a 1550. Do seu ponto de vista, foi uma época de renascimento da antiguidade. Para Vasari, a antiguidade aparece como uma imagem ideal.

Posteriormente, o conteúdo do termo evoluiu. O renascimento começou a significar a emancipação da ciência e da arte da teologia, um arrefecimento em relação à ética cristã, o surgimento de literaturas nacionais e o desejo de uma pessoa de se libertar das restrições da Igreja Católica. Ou seja, o Renascimento, em essência, passou a significar humanismo.

RENASCIMENTO, RENASCIMENTO(Renascimento francês - Renascimento) - uma das maiores épocas, um ponto de viragem no desenvolvimento da arte mundial entre a Idade Média e os tempos modernos. O Renascimento abrange os séculos XIV-XVI. na Itália, séculos XV-XVI. em outros países europeus. Este período no desenvolvimento da cultura recebeu o seu nome - Renascença (ou Renascença) em conexão com o renascimento do interesse por Arte antiga. No entanto, os artistas desta época não apenas copiaram modelos antigos, mas também colocaram neles conteúdos qualitativamente novos. O Renascimento não deve ser considerado um estilo ou movimento artístico, pois nesta época existiram vários estilos, tendências e tendências artísticas. O ideal estético da Renascença foi formado com base em uma nova visão de mundo progressista - o humanismo. O mundo real e o homem foram proclamados o valor mais elevado: o homem é a medida de todas as coisas. O papel da personalidade criativa aumentou especialmente.

O pathos humanístico da época foi melhor concretizado na arte, que, como nos séculos anteriores, visava fornecer uma imagem do universo. A novidade foi que eles tentaram combinar o material e o espiritual em um todo. Foi difícil encontrar uma pessoa indiferente à arte, mas deu-se preferência à belas-Artes e arquitetura.

Pintura italiana do século XV. principalmente monumental (afrescos). A pintura ocupa um lugar de destaque entre os tipos de artes plásticas. Corresponde mais plenamente ao princípio renascentista de “imitar a natureza”. Um novo sistema pictórico está sendo desenvolvido baseado no estudo da natureza. O artista Masaccio deu uma valiosa contribuição para o desenvolvimento da compreensão do volume e sua transmissão com a ajuda do claro-escuro. Descoberta e justificativa científica das leis de linear e perspectiva aérea influenciou significativamente o destino futuro da pintura europeia. Uma nova linguagem plástica da escultura está se formando, cujo fundador foi Donatello. Ele reviveu a estátua redonda independente. Seu melhor trabalho é a escultura de David (Florença).

Na arquitetura, os princípios do antigo sistema de ordem são ressuscitados, a importância das proporções é elevada, novos tipos de edifícios são formados (palácio da cidade, vila de campo, etc.), a teoria da arquitetura e o conceito de cidade ideal são desenvolvidos . O arquiteto Brunelleschi construiu edifícios nos quais combinou a antiga compreensão da arquitetura e as tradições do gótico tardio, alcançando uma nova espiritualidade imaginativa da arquitetura desconhecida pelos antigos. Durante a Alta Renascença, a nova visão de mundo foi melhor incorporada no trabalho de artistas que são legitimamente chamados de gênios: Leonardo da Vinci, Rafael, Michelangelo, Giorgione e Ticiano. Os últimos dois terços do século XVI. chamada de Renascença tardia. Neste momento, uma crise envolve a arte. Torna-se regimentado, cortês e perde seu calor e naturalidade. No entanto, alguns grandes artistas - Ticiano, Tintoretto - continuam a criar obras-primas durante este período.

O Renascimento italiano teve uma enorme influência na arte da França, Espanha, Alemanha, Inglaterra e Rússia.

O aumento no desenvolvimento da arte na Holanda, França e Alemanha (séculos XV-XVI) é chamado de Renascença do Norte. As obras dos pintores Jan van Eyck e P. Bruegel, o Velho, são o ápice deste período de desenvolvimento artístico. Na Alemanha, o maior artista do Renascimento alemão foi A. Durer.

As descobertas feitas durante o Renascimento no campo da cultura espiritual e da arte foram de grande significado histórico para o desenvolvimento da arte europeia nos séculos subsequentes. O interesse por eles continua em nosso tempo.

O Renascimento na Itália passou por várias fases: início do Renascimento, alto Renascimento, final do Renascimento. Florença se tornou o berço do Renascimento. Os fundamentos da nova arte foram desenvolvidos pelo pintor Masaccio, pelo escultor Donatello e pelo arquiteto F. Brunelleschi.

O maior mestre do Proto-Renascimento foi o primeiro a criar pinturas em vez de ícones Gioto. Ele foi o primeiro a se esforçar para transmitir ideias éticas cristãs através da representação de sentimentos e experiências humanas reais, substituindo o simbolismo pela representação de espaço real e objetos específicos. Nos famosos afrescos de Giotto Capela del Arena em Pádua Você pode ver personagens muito inusitados ao lado dos santos: pastores ou fiandeiros. Cada pessoa em Giotto expressa experiências muito específicas, um caráter específico.

Durante o início do Renascimento na arte, a antiga herança artística foi dominada, novos ideais éticos foram formados, os artistas voltaram-se para as conquistas da ciência (matemática, geometria, óptica, anatomia). O papel principal na formação dos princípios ideológicos e estilísticos da arte do início da Renascença é desempenhado por Florença. Nas imagens criadas por mestres como Donatello, Verrocchio, a estátua equestre do David do condottiere Gattamelata é dominada pelos princípios heróicos e patrióticos de Donatello ("São Jorge" e "David" de Donatello e "David" de Verrocchio).

O fundador da pintura renascentista é Masaccio(pinturas da Capela Brancacci, “Trindade”), Masaccio soube transmitir a profundidade do espaço, conectou a figura e a paisagem com um único conceito composicional e deu expressividade retratista aos indivíduos.

Mas a formação e evolução do retrato pictórico, que refletiu o interesse da cultura renascentista pelo homem, está associada aos nomes dos artistas da escola Umrbi: Piero della Francesca, Pinturicchio.

O trabalho do artista se destaca no início do Renascimento Sandro Botticelli. As imagens que ele criou são espirituais e poéticas. Os pesquisadores notam a abstração e o intelectualismo sofisticado nas obras do artista, seu desejo de criar composições mitológicas com conteúdo complicado e criptografado (“Primavera”, “Nascimento de Vênus”).Um dos escritores da vida de Botticelli disse que suas Madonas e Vênus dão a impressão de perda, causando-nos um sentimento de tristeza indelével... Alguns perderam o céu, outros perderam a terra.

"Primavera" "Nascimento de Vênus"

O ponto culminante no desenvolvimento dos princípios ideológicos e artísticos do Renascimento italiano torna-se Alta Renascença. Leonardo da Vinci é considerado o fundador da arte da Alta Renascença. grande artista e cientista.

Ele criou uma série de obras-primas: “Mona Lisa” (“La Gioconda”) A rigor, o próprio rosto de Gioconda se distingue pela contenção e calma, o sorriso que lhe deu fama mundial e que mais tarde se tornou parte indispensável das obras de A escola de Leonardo é quase imperceptível nele. Mas na névoa suavemente derretida que envolvia o rosto e a figura, Leonardo conseguiu fazer sentir a variabilidade ilimitada das expressões faciais humanas. Embora os olhos de Gioconda olhem para o observador com atenção e calma, graças ao sombreamento das órbitas oculares, pode-se pensar que estão ligeiramente franzidos; seus lábios estão comprimidos, mas perto dos cantos há sombras sutis que fazem você acreditar que a cada minuto eles vão se abrir, sorrir e falar. O próprio contraste entre seu olhar e o meio sorriso nos lábios dá a ideia da inconsistência de suas experiências. Não foi em vão que Leonardo torturou seu modelo com longas sessões. Como ninguém, ele conseguiu transmitir sombras, sombras e meios-tons nesta imagem, e eles dão origem a uma sensação de vida vibrante. Não foi à toa que Vasari pensou que uma veia pulsava no pescoço de Gioconda.

No retrato de Gioconda, Leonardo não apenas transmitiu perfeitamente o corpo e o ar que o rodeia. Ele também investiu nisso uma compreensão do que o olho exige para que uma imagem produza uma impressão harmoniosa, e é por isso que tudo parece como se as formas nascessem naturalmente umas das outras, como acontece na música quando a dissonância tensa é resolvida por um acorde eufônico. . Gioconda está perfeitamente inscrita em um retângulo estritamente proporcional, sua meia figura forma algo inteiro, suas mãos postas dão completude à sua imagem. Agora, é claro, não poderia haver dúvida dos cachos fantasiosos da antiga “Anunciação”. Porém, por mais suavizados que sejam todos os contornos, a mecha ondulada do cabelo de Mona Lisa está em sintonia com o véu transparente, e o tecido pendurado jogado sobre seu ombro encontra eco nos sinuosos suaves da estrada distante. Em tudo isso, Leonardo demonstra sua capacidade de criar de acordo com as leis do ritmo e da harmonia. “Do ponto de vista da técnica de execução, a Mona Lisa sempre foi considerada algo inexplicável. Agora acho que posso responder a esse enigma”, diz Frank. Segundo ele, Leonardo utilizou a técnica “sfumato” que desenvolveu (do italiano “sfumato”, literalmente “desapareceu como fumaça”). A técnica é que os objetos nas pinturas não devem ter limites claros, tudo deve se transformar suavemente, os contornos dos objetos devem ser suavizados com a ajuda da névoa leve que os rodeia. A principal dificuldade desta técnica reside nos menores esfregaços (cerca de um quarto de milímetro), que não são reconhecíveis nem ao microscópio nem aos raios X. Assim, foram necessárias centenas de sessões para pintar a pintura de Da Vinci. A imagem da Mona Lisa consiste em aproximadamente 30 camadas de tinta a óleo líquida, quase transparente. Para esse trabalho de joalheria, o artista aparentemente teve que usar uma lupa. Talvez o uso de uma técnica tão trabalhosa explique o longo tempo gasto trabalhando no retrato - quase 4 anos.

, "Última Ceia" causa uma impressão duradoura. Na parede, como se a superasse e levasse o espectador a um mundo de harmonia e visões majestosas, desenrola-se o antigo drama evangélico da confiança traída. E este drama encontra a sua resolução num impulso geral dirigido à personagem principal - um marido de rosto triste que aceita o que está a acontecer como inevitável. Cristo acabou de dizer aos seus discípulos: “Um de vocês me trairá”. O traidor senta-se com outros; os antigos mestres retratavam Judas sentado separadamente, mas Leonardo revelava seu isolamento sombrio de maneira muito mais convincente, envolvendo suas feições em sombras. Cristo está submisso ao seu destino, cheio da consciência do sacrifício da sua façanha. Sua cabeça baixa com olhos baixos e o gesto de suas mãos são infinitamente belos e majestosos. Uma linda paisagem se abre pela janela atrás de sua figura. Cristo é o centro de toda a composição, de todo o redemoinho de paixões que assola. Sua tristeza e calma parecem eternas, naturais - e este é o significado profundo do drama mostrado. Ele procurou fontes de formas perfeitas de arte na natureza, mas foi ele quem N. Berdyaev considera responsável pelo vindouro processo de mecanização e a mecanização da vida humana, que separou o homem da natureza.

A pintura alcança a harmonia clássica na criatividade Rafael. Sua arte evolui das primeiras imagens friamente distantes das Madonas da Úmbria (“Madonna Conestabile”) para o mundo do “Cristianismo feliz” das obras florentinas e romanas. “Madonna com o Pintassilgo” e “Madonna na Poltrona” são suaves, humanas e até comuns em sua humanidade.

Mas a imagem da “Madona Sistina” é majestosa, conectando simbolicamente os mundos celeste e terrestre. Acima de tudo, Rafael é conhecido como o criador de imagens ternas de Madonas. Mas na pintura ele incorporou tanto o ideal do homem universal da Renascença (retrato de Castiglione) quanto o drama dos acontecimentos históricos. “A Madona Sistina” (c. 1513, Dresden, Galeria de Imagens) é uma das obras mais inspiradas do artista. Pintado como imagem de altar para a igreja do mosteiro de S. Sixta em Piacenza, esta pintura em conceito, composição e interpretação da imagem difere significativamente das “Madonas” do período florentino. Em vez de uma imagem íntima e terrena de uma bela jovem donzela observando condescendentemente as diversões de duas crianças, aqui vemos uma visão maravilhosa aparecendo de repente nos céus por trás de uma cortina puxada por alguém. Cercada por um brilho dourado, a solene e majestosa Maria caminha pelas nuvens, segurando o menino Cristo à sua frente. À esquerda e à direita, St. ajoelha-se diante dela. Sisto e S. Bárbara. A composição simétrica e estritamente equilibrada, a clareza da silhueta e a generalização monumental das formas conferem à “Madona Sistina” uma grandeza especial.

Nesta pintura, Rafael, talvez mais do que em qualquer outro lugar, conseguiu aliar a veracidade vital da imagem com os traços da perfeição ideal. A imagem da Madonna é complexa. A comovente pureza e ingenuidade de uma mulher muito jovem combinam-se nele com firme determinação e heróica prontidão para o sacrifício. Este heroísmo liga a imagem de Nossa Senhora às melhores tradições do humanismo italiano. A combinação do ideal e do real nesta imagem nos faz relembrar as famosas palavras de Rafael em uma carta ao amigo B. Castiglione. “E eu vou te dizer”, escreveu Raphael, “que para pintar uma beleza preciso ver muitas belezas... mas por falta... de mulheres bonitas, uso alguma ideia que me vem à cabeça . Não sei se tem alguma perfeição, mas me esforço muito para alcançá-la.” Estas palavras esclarecem o método criativo do artista. Partindo da realidade e apoiando-se nela, ele ao mesmo tempo se esforça para elevar a imagem acima de tudo que é aleatório e transitório.

Miguel Ângelo(1475-1564) é sem dúvida um dos artistas mais inspirados da história da arte e, juntamente com Leonardo Da Vinci, a figura mais poderosa do Alto Renascimento italiano. Como escultor, arquiteto, pintor e poeta, Michelangelo teve uma enorme influência nos seus contemporâneos e na subsequente arte ocidental em geral.

Ele se considerava florentino - embora tenha nascido em 6 de março de 1475 na pequena vila de Caprese, perto da cidade de Arezzo. Michelangelo amou profundamente sua cidade, sua arte, cultura e carregou esse amor até o fim de seus dias. Ele passou a maior parte de sua vida adulta em Roma, trabalhando por ordem dos papas; no entanto, deixou um testamento, segundo o qual seu corpo foi sepultado em Florença, em um belo túmulo na igreja de Santa Croce.

Michelangelo se apresentou escultura em mármore Pietá(Lamentação de Cristo) (1498-1500), que ainda se encontra no seu local original - a Basílica de São Pedro. Este é um dos mais trabalho famoso na história da arte mundial. A Pietà provavelmente foi concluída por Michelangelo antes dos 25 anos. Esta é a única obra que ele assinou. A jovem Maria é retratada com o Cristo morto de joelhos, uma imagem emprestada da arte do norte da Europa. O olhar de Maria não é tão triste quanto solene. Este é o ponto alto da obra do jovem Michelangelo.

Não menos significativa obra do jovem Michelangelo foi uma imagem gigante de mármore (4,34 m). Davi(Accademia, Florença), executado entre 1501 e 1504, após retornar a Florença. O herói do Antigo Testamento é retratado por Michelangelo como um jovem bonito, musculoso e nu que olha ansiosamente para longe, como se avaliasse seu inimigo - Golias, com quem terá que lutar. A expressão viva e intensa do rosto de David é característica de muitas obras de Michelangelo - este é um sinal de seu estilo escultural individual. David, a escultura mais famosa de Michelangelo, tornou-se um símbolo de Florença e foi originalmente colocada na Piazza della Signoria, em frente ao Palazzo Vecchio, a Câmara Municipal de Florença. Com esta estátua, Michelangelo provou aos seus contemporâneos que não só superou todos os artistas contemporâneos, mas também os mestres da antiguidade.

Pintando a abóbada da Capela Sistina Em 1505, Michelangelo foi convocado a Roma pelo Papa Júlio II para cumprir duas ordens. O mais importante foi o afresco da abóbada da Capela Sistina. Trabalhando deitado em um andaime alto logo abaixo do teto, Michelangelo criou as mais belas ilustrações para alguns contos bíblicos entre 1508 e 1512. Na abóbada da capela papal ele retratou nove cenas do Livro do Gênesis, começando com a Separação da Luz das Trevas e incluindo a Criação de Adão, a Criação de Eva, a Tentação e Queda de Adão e Eva e o Dilúvio. Ao redor das pinturas principais alternam-se imagens de profetas e sibilas em tronos de mármore, outros personagens do Antigo Testamento e os antepassados ​​de Cristo.

Para se preparar para este grande trabalho, Michelangelo completou um grande número de esboços e cartolinas, nos quais retratou figuras de assistentes em diversas poses. Estas imagens majestosas e poderosas demonstram a compreensão magistral do artista sobre a anatomia e o movimento humanos, o que deu impulso a um novo movimento na arte da Europa Ocidental.

Duas outras excelentes estátuas, O prisioneiro acorrentado e a morte de um escravo(ambos c. 1510-13) estão no Louvre, Paris. Eles demonstram a abordagem de Michelangelo à escultura. Para ele, as figuras ficam simplesmente encerradas em um bloco de mármore, e a tarefa do artista é libertá-las retirando o excesso de pedra. Muitas vezes Michelangelo deixou esculturas inacabadas - seja porque se tornaram desnecessárias, ou simplesmente porque perderam o interesse pelo artista.

Biblioteca de San Lorenzo O projeto do túmulo de Júlio II exigiu elaboração arquitetônica, mas o trabalho sério de Michelangelo na área arquitetônica começou apenas em 1519, quando foi contratado para a fachada da Biblioteca de São Lourenço em Florença, para onde o artista retornou. novamente (este projeto nunca foi implementado). Na década de 1520 projetou também o elegante hall de entrada da Biblioteca, adjacente à Igreja de San Lorenzo. Estas estruturas foram concluídas apenas algumas décadas após a morte do autor.

Michelangelo, um adepto da facção republicana, participou na guerra contra os Medici em 1527-29. Suas responsabilidades incluíam a construção e reconstrução de fortificações em Florença.

Capelas Médici. Tendo vivido bastante tempo em Florença, Michelangelo executou, entre 1519 e 1534, uma encomenda da família Médici para a construção de dois túmulos na nova sacristia da Igreja de San Lorenzo. Num salão com alta abóbada abobadada, o artista ergueu dois magníficos túmulos contra as paredes, destinados a Lorenzo De' Medici, duque de Urbino e a Giuliano De' Medici, duque de Nemours. As duas sepulturas complexas pretendiam representar tipos opostos: Lorenzo é um indivíduo contido, uma pessoa taciturna e retraída; Giuliano, ao contrário, é ativo e aberto. O escultor colocou esculturas alegóricas da Manhã e da Noite sobre o túmulo de Lorenzo, e alegorias do Dia e da Noite sobre o túmulo de Giuliano. O trabalho nos túmulos dos Medici continuou depois que Michelangelo retornou a Roma em 1534. Ele nunca mais visitou sua amada cidade.

Último Julgamento

De 1536 a 1541, Michelangelo trabalhou em Roma na pintura da parede do altar da Capela Sistina, no Vaticano. O maior afresco da Renascença retrata o dia do Juízo Final. Cristo, com um raio de fogo em sua mão, divide inexoravelmente todos os habitantes da terra em justos salvos, representados no lado esquerdo da composição, e pecadores descendo para o de Dante inferno (lado esquerdo do afresco). Seguindo estritamente a sua própria tradição, Michelangelo originalmente pintou todas as figuras nuas, mas uma década depois um artista puritano as “vestiu” à medida que o clima cultural se tornou mais conservador. Michelangelo deixou seu próprio autorretrato no afresco - seu rosto pode ser facilmente visto na pele arrancada do Santo Mártir Apóstolo Bartolomeu.

Embora durante este período Michelangelo tenha recebido outras encomendas de pintura, como a pintura da Capela de São Paulo Apóstolo (1940), antes de mais nada procurou dedicar toda a sua energia à arquitetura.

Cúpula da Catedral de São Pedro. Em 1546, Michelangelo foi nomeado arquiteto-chefe da construção da Basílica de São Pedro no Vaticano. O edifício foi construído de acordo com os planos de Donato Bramante, mas Michelangelo acabou por ser o responsável pela construção da abside do altar e pelo desenvolvimento da engenharia e do desenho artístico da cúpula da catedral. A conclusão da construção da Catedral de São Pedro foi a maior conquista do mestre florentino no campo da arquitetura. Durante sua longa vida, Michelangelo foi amigo íntimo de príncipes e papas, de Lorenzo De' Medici a Leão X, Clemente VIII e Pio III, bem como de muitos cardeais, pintores e poetas. O caráter do artista, sua posição na vida é difícil de entender claramente por meio de suas obras - elas são tão diversas. Somente na poesia, em seus próprios poemas, Michelangelo abordou com mais frequência e profundidade as questões da criatividade e de seu lugar na arte. Um grande lugar em seus poemas é dedicado aos problemas e dificuldades que ele teve que enfrentar em seu trabalho e às relações pessoais com os representantes mais proeminentes daquela época. poetas famosos Renascentista Ludovico Ariosto escreveu um epitáfio para este artista famoso: “Michele é mais que mortal, ele é um anjo divino.”

O aparecimento do termo “Renascença” (Renascença) remonta ao século XVI. Escreveu sobre " renascimento» Arte italiana - o primeiro historiógrafo Arte italiana, grande pintor, autor da famosa “Vida dos Mais Famosos Pintores, Escultores e Arquitetos” (1550) - Giorgio Vasari.

Este conceito se origina do difundido naquela época conceito histórico, segundo o qual a Idade Média foi caracterizada pela constante barbárie e ignorância que se seguiu à queda grande civilização arcaico clássico.

Se falamos do período medieval como algo simples no desenvolvimento da cultura, então é necessário levar em conta os pressupostos dos historiadores da época sobre a arte. Acreditava-se que a arte, que velhos tempos floresceu no mundo antigo, encontra seu primeiro renascimento para uma nova existência precisamente em seu tempo.

Primavera/Sandro Botticelli

No entendimento inicial, o termo “renascimento” foi interpretado não tanto como o nome de toda a época, mas tempo exato(geralmente no início do século XIV) o surgimento de uma nova arte. Somente a partir de certo período esse conceito adquiriu uma interpretação mais ampla e passou a designar na Itália e em outros países a era de formação e florescimento de uma cultura em oposição ao feudalismo.

Ora, a Idade Média não é considerada uma ruptura na história da cultura artística europeia. No século passado, iniciou-se um estudo aprofundado da arte da Idade Média, que se intensificou muito no último meio século. Levou à sua reavaliação e até mostrou que arte renascentista deve muito à era medieval.

Mas não se deve falar do Renascimento como uma continuação trivial da Idade Média. Alguns historiadores modernos da Europa Ocidental tentaram confundir a linha entre a Idade Média e a Renascença, mas nunca encontraram confirmação em factos históricos. Na verdade, uma análise dos monumentos culturais da Renascença indica uma rejeição da maioria das crenças básicas da visão de mundo feudal.

Alegoria do amor e do tempo/Agnola Bronzino

O ascetismo medieval e a compreensão de tudo o que é mundano estão sendo substituídos por um interesse insaciável no mundo real com a grandeza e a beleza da natureza e, claro, do homem. Crença em superpoderes mente humana como critério máximo de verdade, levou à posição precária da primazia intocável da teologia sobre a ciência, tão característica da Idade Média. Subordinação personalidade humana as autoridades eclesiásticas e feudais são substituídas pelo princípio do livre desenvolvimento da individualidade.

Os membros da recém-formada intelectualidade secular prestavam toda a atenção aos aspectos humanos em oposição ao divino e chamavam-se humanistas (do conceito dos tempos de Cícero “studia hmnanitatis”, significando o estudo de tudo relacionado com a natureza do homem e seu espiritual mundo). Este termo é um reflexo de uma nova atitude perante a realidade, o antropocentrismo da cultura renascentista.

Uma ampla gama de impulsos criativos foi aberta durante o período do primeiro ataque heróico ao mundo feudal. As pessoas desta época já abandonaram as redes do passado, mas ainda não encontraram novas. Eles acreditavam que suas possibilidades eram ilimitadas. Foi daí que nasceu o otimismo, tão característico da Cultura renascentista.

Vênus adormecida/ Giorgione

Um caráter alegre e uma fé infinita na vida deram origem à crença nas infinitas possibilidades para a mente e na possibilidade de desenvolvimento da personalidade de forma harmoniosa e sem barreiras.
Belas artes do Renascimento em muitos aspectos, contrasta com o medieval. A cultura artística europeia desenvolveu-se no desenvolvimento do realismo. Isto deixa uma marca tanto na difusão de imagens de carácter secular, no desenvolvimento da paisagem e do retrato, próximo da interpretação de género de temas por vezes religiosos, como na renovação radical de toda a organização artística.

A arte medieval baseava-se na ideia da estrutura hierárquica do universo, cuja culminação estava fora do círculo da existência terrena, que ocupava um dos últimos lugares. Houve uma desvalorização das conexões e fenômenos reais terrenos no tempo com o espaço, uma vez que a principal tarefa da arte era personificar visualmente a escala de valores criada pela teologia.

Durante o Renascimento, o sistema artístico especulativo desaparece e em seu lugar surge um sistema baseado no conhecimento e numa imagem objetiva do mundo que aparece ao homem. É por isso que uma das principais tarefas dos artistas renascentistas era a questão da reflexão do espaço.

No século XV, esta questão foi compreendida em todo o lado, com a única diferença de que o norte da Europa (Holanda) avançou para a construção objectiva do espaço por etapas através de observações empíricas, e a fundação da Itália já na primeira metade do século. foi baseado em geometria e óptica.

Davi/Donatello

Este pressuposto, que dá a possibilidade de construir uma imagem tridimensional num plano que seria orientado para o espectador, tendo em conta o seu ponto de vista, serviu como uma vitória sobre o conceito de Idade Média. A representação visual de uma pessoa revela a orientação antropocêntrica da nova cultura artística.

A cultura do Renascimento demonstra claramente a ligação característica entre ciência e arte. Um papel especial foi atribuído ao princípio cognitivo, a fim de retratar o mundo e as pessoas com bastante veracidade. É claro que a busca de apoio aos artistas na ciência levou ao estímulo ao desenvolvimento da própria ciência. Durante o Renascimento, surgiram muitos artistas-cientistas, liderados por Leonardo da Vinci.

Novas abordagens à arte ditaram uma nova forma de representação figura humana e transferência de ações. A antiga ideia da Idade Média sobre a canonicidade dos gestos, das expressões faciais e da arbitrariedade permitida nas proporções não correspondia a uma visão objetiva do mundo que nos rodeia.

Para as obras do Renascimento, é inerente o comportamento de uma pessoa, sujeito não a rituais ou cânones, mas ao condicionamento psicológico e ao desenvolvimento de ações. Os artistas estão tentando aproximar as proporções das figuras da realidade. É para isso que eles estão indo jeitos diferentes, portanto nos países do norte da Europa isso acontece empiricamente, e na Itália o estudo das formas reais ocorre em conjunto com o conhecimento dos monumentos da antiguidade clássica (o norte da Europa só é introduzido mais tarde).

Os ideais do humanismo permeiam Arte renascentista, criando a imagem de uma pessoa bonita e harmoniosamente desenvolvida. A arte renascentista é caracterizada pelo titanismo de paixões, personagens e heroísmo.

Os mestres do renascimento criam imagens que incorporam a orgulhosa consciência de seus poderes, a ilimitação capacidades humanas no campo da criatividade e da verdadeira crença na liberdade de sua vontade. Muitas obras de arte renascentista estão em consonância com esta expressão do famoso humanismo italiano Pico della Mirandola: “Oh, o propósito maravilhoso e sublime de uma pessoa a quem é dada a oportunidade de alcançar o que almeja e de ser o que deseja”.

Leda e o Cisne/ Leonardo da Vinci

Se o caráter das belas-artes era em grande parte determinado pelo desejo de refletir a realidade com veracidade, então o apelo à tradição clássica desempenhou um papel importante na formação de novas formas arquitetônicas. Isto consistiu não só na recriação do antigo sistema de ordem e na renúncia às configurações góticas, mas também na proporcionalidade clássica, no carácter antropocêntrico da nova arquitectura e no desenho de edifícios céntricos na arquitectura do templo, onde o espaço interior era facilmente visível.

No campo da arquitetura civil, muitas novas criações foram criadas. Assim, durante o Renascimento, os edifícios públicos urbanos de vários andares: prefeituras, universidades, casas de corporações mercantis, instituições de ensino, armazéns, mercados, armazéns receberam uma decoração mais elegante. Surge uma espécie de palácio citadino, ou então um palazzo - a casa de um burguês rico, bem como uma espécie de villa de campo. Estão a ser formados novos sistemas de decoração de fachadas, está a ser desenvolvido um novo sistema estrutural de um edifício de alvenaria (preservado na construção europeia até ao século XX), combinando pisos de tijolo e madeira. Os problemas de planeamento urbano estão a ser resolvidos de uma nova forma e os centros das cidades estão a ser reconstruídos.

Novo estilo arquitetônico ganhou vida com a ajuda da tecnologia de construção artesanal desenvolvida, preparada pela Idade Média. Basicamente, os arquitectos renascentistas estiveram directamente envolvidos na concepção de um edifício, orientando a sua implementação na realidade. Via de regra, possuíam também uma série de outras especialidades relacionadas à arquitetura, como: escultor, pintor e, às vezes, decorador. A combinação de competências contribuiu para o crescimento da qualidade artística das estruturas.

Se compararmos com a Idade Média, quando os principais clientes das obras eram os grandes senhores feudais e a igreja, agora o círculo de clientes está se expandindo com uma mudança na composição social. Associações de guildas de artesãos, guildas de comerciantes e até particulares (nobres, burgueses), juntamente com a igreja, muitas vezes dão ordens a artistas.

O status social do artista também muda. Apesar de os artistas estarem em busca e ingressarem nas oficinas, muitas vezes recebem prêmios e altas homenagens, ocupam cargos em câmaras municipais e realizam missões diplomáticas.
Há uma evolução na atitude do homem em relação às belas-artes. Se antes estava no nível do artesanato, agora está no mesmo nível das ciências, e as obras de arte pela primeira vez começam a ser consideradas como resultado da atividade criativa espiritual.

Último Julgamento/ Michelangelo

O surgimento de novas técnicas e formas de arte foi provocado pela expansão da demanda e pelo aumento do número de clientes seculares. As formas monumentais são acompanhadas por formas de cavalete: pintura sobre tela ou madeira, escultura em madeira, majólica, bronze, terracota. A crescente demanda por trabalhos de arte levou ao surgimento de gravuras em madeira e metal - a forma de arte mais barata e popular. Esta técnica permitiu pela primeira vez reproduzir imagens em grande número.
Uma das principais características do Renascimento italiano é a utilização generalizada das tradições do património antigo que não morrem na região do Mediterrâneo. Aqui, o interesse pela antiguidade clássica apareceu muito cedo - até mesmo nas obras de artistas do Proto-Renascimento italiano, de Piccolo e Giovanni Pisano a Ambrogio Lorszetti.

O estudo da antiguidade no século XV tornou-se uma das principais tarefas dos estudos humanísticos. Há uma expansão significativa de informações sobre cultura mundo antigo. Muitos manuscritos de obras até então desconhecidas de autores antigos foram encontrados nas bibliotecas de antigos mosteiros. A busca por obras de arte permitiu descobrir muitas estátuas antigas, relevos e, ao longo do tempo, afrescos Roma antiga. Eles foram constantemente estudados por artistas. Os exemplos incluem as notícias sobreviventes da viagem de Donatello e Brunelleschi a Roma para medir e esboçar monumentos da arquitetura e escultura romana antiga, as obras de Leon Battista Alberti, o estudo de Rafael sobre relevos e pinturas recém-descobertos e como o jovem Michelangelo copiou esculturas antigas. A arte da Itália foi enriquecida (devido ao apelo constante à antiguidade) com uma massa de novas técnicas, motivos e formas para a época, ao mesmo tempo que dava um toque de idealização heróica, completamente ausente nas obras dos artistas. do Norte da Europa.

Houve outra característica principal do Renascimento italiano – o seu racionalismo. Muitas pessoas trabalharam na formação dos fundamentos científicos da arte. Artistas italianos. Assim, no círculo de Brunelleschi, Masaccio e Donatello, formou-se a teoria da perspectiva linear, que foi então delineada no tratado de 1436 de Leon Battista Alberti “O Livro da Pintura”. Um grande número de artistas participaram do desenvolvimento da teoria da perspectiva, em particular Paolo Uccello e Piero della Francesca, que escreveram o tratado “Sobre a Perspectiva Pictórica” em 1484-1487. É nele que, finalmente, se percebem tentativas de aplicação da teoria matemática à construção da figura humana.

Vale destacar também outras cidades e regiões da Itália que desempenharam um papel de destaque no desenvolvimento da arte: no século XIV - Siena, no século XV - Úmbria, Pádua, Veneza, Ferrara. No século XVI, a diversidade das escolas locais desapareceu (a única excepção foi a Veneza original) e durante algum período as principais forças artísticas do país concentraram-se em Roma.

As diferenças na formação e no desenvolvimento da arte em cada região da Itália não interferem na criação e subordinação de um padrão geral, que nos permite delinear as principais etapas do desenvolvimento. Renascença italiana. A história da arte moderna divide a história do Renascimento italiano em quatro fases: Proto-Renascença (final do século XIII - primeira metade do século XIV), Início do Renascimento (século XV), Alta Renascença (final do século XV - primeiras três décadas do século XVI) e Renascença Tardia (meados e segunda metade do século XVI).

Renascença italiana (25:24)

Um filme maravilhoso de Vladimir Ptashchenko, lançado como parte da série Masterpieces of the Hermitage