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Shakespeare criou suas obras durante o período. Quem escreveu para Shakespeare? carreira teatral em Londres

William Shakespeare - o grande dramaturgo e poeta inglês do Renascimento, que teve um grande impacto no desenvolvimento de toda a arte teatral. Suas obras ainda hoje não saem dos palcos do teatro em todo o mundo.

William Shakespeare nasceu em 23 de abril de 1564 na pequena cidade de Stratford-upon-Avon. Seu pai, John Shakespeare, era fabricante de luvas e foi eleito prefeito da cidade em 1568. Sua mãe, Mary Shakespeare da família Arden, era uma das mais velhas sobrenomes ingleses. Acredita-se que Shakespeare estudou na "escola secundária" de Stratford, onde estudou a língua latina, o básico do grego e recebeu conhecimento da mitologia, história e literatura antigas, refletidas em sua obra. Aos 18 anos, Shakespeare casou-se com Anne Hathaway, de quem nasceram uma filha, Susanna, e os gêmeos Hamnet e Judith. O período de 1579 a 1588 costuma ser chamado de "anos perdidos", pois não há informações exatas sobre o que Shakespeare fez. Por volta de 1587, Shakespeare deixou sua família e mudou-se para Londres, onde iniciou atividades teatrais.

Encontramos a primeira menção de Shakespeare como escritor em 1592 no panfleto moribundo do dramaturgo Robert Greene “Por um centavo de uma mente comprada por um milhão de remorsos”, onde Greene falava dele como um competidor perigoso (“upstart”, “ corvo exibindo em nossas penas). Em 1594, Shakespeare foi listado como um dos acionistas da trupe de Lord Chamberlain's Men de Richard Burbage, e em 1599 Shakespeare tornou-se um dos coproprietários do novo Globe Theatre. segunda maior casa em Stratford, recebe o direito a um brasão de família e o nobre título de Lorde cavalheiro. retorna para sua Stratford natal Em 25 de março de 1616, um testamento foi redigido por um notário e em 23 de abril de 1616, em seu aniversário, Shakespeare morre.

A escassez de informações biográficas e muitos fatos inexplicáveis deram origem a um número bastante grande de pessoas indicadas para o papel de autor das obras de Shakespeare. Até agora, existem muitas hipóteses (apresentadas pela primeira vez no final do século 18) de que as peças de Shakespeare foram escritas por uma pessoa completamente diferente. Por mais de dois séculos de existência dessas versões, vários candidatos foram apresentados ao "papel" do autor dessas peças - de Francis Bacon e Christopher Marlo ao pirata Francis Drake e à rainha Elizabeth. Havia versões de que toda uma equipe de autores estava escondida sob o nome de Shakespeare. No momento, já são 77 candidatos à autoria. No entanto, quem quer que seja - e em inúmeras disputas sobre a personalidade do grande dramaturgo e poeta, o ponto não será colocado em breve, talvez nunca - as criações do gênio do Renascimento ainda hoje inspiram diretores e atores de todo o mundo.

Todo maneira criativa Shakespeare - o período de 1590 a 1612 é geralmente dividido em quatro períodos.

O primeiro período cai aproximadamente nos anos 1590-1594.

Por dispositivos literários pode ser chamado de período de imitação: Shakespeare ainda está completamente à mercê de seus predecessores. Por humor, os defensores de uma abordagem biográfica ao estudo da obra de Shakespeare definiram esse período como um período de fé idealista nos melhores aspectos da vida: "O jovem Shakespeare pune com entusiasmo o vício em suas tragédias históricas e canta com entusiasmo sentimentos elevados e poéticos - amizade, auto-sacrifício e especialmente amor" ( Vengerov).

Na tragédia "Titus Andronicus" Shakespeare homenageou plenamente a tradição dos dramaturgos contemporâneos de prender a atenção do público forçando paixões, crueldade e naturalismo. Os horrores cômicos de "Titus Andronicus" são um reflexo direto e imediato dos horrores das peças de Kid e Marlowe.

Provavelmente as primeiras peças de Shakespeare foram as três partes de Henrique VI. As Crônicas de Holinshed serviram como fonte para esta e as crônicas históricas subsequentes. O tema que une todas as crônicas shakesperianas é a mudança de uma série de governantes fracos e incapazes que levaram o país a conflitos civis e guerra civil e a restauração da ordem com a ascensão da dinastia Tudor. Como Marlowe em Edward II, Shakespeare não apenas descreve eventos históricos, mas explora os motivos por trás das ações dos personagens.

"Comédia dos Erros" - comédia precoce "estudante", sitcom. Segundo o costume da época, uma reformulação da peça de um autor inglês moderno, cuja fonte era a versão italiana da comédia Menechma de Plauto, que descreve as aventuras de irmãos gêmeos. A ação se passa em Éfeso, que pouco se assemelha a uma antiga cidade grega: o autor transfere os signos da Inglaterra contemporânea para um cenário antigo. Shakespeare acrescenta um enredo de servo duplo, confundindo ainda mais a ação. É característico que já nesta obra haja uma mistura do cômico e do trágico, o que é comum em Shakespeare: o velho Egeon, que involuntariamente violou a lei de Éfeso, está ameaçado de execução, e somente por meio de uma cadeia de incríveis coincidências , erros ridículos, no final, a salvação vem para ele. Interromper uma trama trágica com uma cena cômica, mesmo nas obras mais sombrias de Shakespeare, é um lembrete, enraizado na tradição medieval, da proximidade da morte e, ao mesmo tempo, do fluxo incessante da vida e sua constante renovação.

A peça “A Megera Domada”, criada nas tradições da comédia farsesca, é baseada em técnicas cômicas grosseiras. Esta é uma variação do enredo, popular nos teatros de Londres na década de 1590, sobre a pacificação de uma esposa por seu marido. Em um duelo emocionante convergem dois personalidades extraordinárias e a mulher é derrotada. O autor proclama a inviolabilidade da ordem estabelecida, onde o chefe da família é homem.

Nas peças subsequentes, Shakespeare se afasta dos dispositivos cômicos externos. Love's Labour's Lost é uma comédia inspirada nas peças de Lily, que ele escreveu para apresentações no teatro de máscaras da corte real e em casas aristocráticas. Com um enredo bastante simples, a peça é um torneio contínuo, uma competição de personagens em diálogos espirituosos, jogo verbal complexo, composição de poemas e sonetos (a essa altura Shakespeare já dominava uma forma poética difícil). A linguagem de "Love's Labour's Lost" - pretensiosa, florida, o chamado eufuísmo - é a linguagem da elite aristocrática inglesa da época, que se tornou popular após a publicação do romance de Lily "Euphues or the Anatomy of Wit".

Segundo período (1594-1601)

Por volta de 1595, Shakespeare cria uma de suas tragédias mais populares, Romeu e Julieta, uma história de desenvolvimento personalidade humana na luta com as circunstâncias externas pelo direito ao amor livre. A trama, conhecida dos contos italianos (Masuccio, Bandello), foi colocada por Arthur Brooke na base do poema de mesmo nome (1562). Provavelmente, o trabalho de Brooke serviu de fonte para Shakespeare. Ele aprimorou o lirismo e a dramaticidade da ação, repensou e enriqueceu os personagens dos personagens, criou monólogos poéticos que revelam as vivências íntimas dos personagens principais, transformando assim uma obra comum em um poema de amor renascentista. Esta é uma tragédia de tipo especial, lírica, otimista, apesar da morte dos personagens principais no final. Seus nomes se tornaram um substantivo comum para a mais alta poesia da paixão.

Por volta de 1596, outra das obras mais famosas de Shakespeare, O Mercador de Veneza, remonta. Shylock, assim como outro judeu famoso do drama elisabetano - Barrabás ("Judeu de Malta" de Marlo), anseia por vingança. Mas, ao contrário de Barrabás, Shylock, que continua sendo um personagem negativo, é muito mais difícil. Por um lado, este é um usurário ganancioso, astuto e até cruel, por outro lado, uma pessoa ofendida cuja ofensa causa simpatia. O famoso monólogo de Shylock sobre a identidade de um judeu e de qualquer outra pessoa, "Um judeu não tem olhos? .." (ato III, cena 1) é reconhecido por alguns críticos como o melhor discurso em defesa da igualdade dos judeus na toda literatura. A peça contrasta o poder do dinheiro sobre uma pessoa e o culto à amizade - parte integrante da harmonia da vida.

Apesar do "problema" da peça e do drama do enredo de Antonio e Shylock, em sua atmosfera, "O Mercador de Veneza" se aproxima de peças de contos de fadas como "Sonho de uma noite de verão" (1596). A peça mágica provavelmente foi escrita para as comemorações do casamento de um dos nobres elizabetanos. Pela primeira vez na literatura, Shakespeare dota criaturas fantásticas com fraquezas e contradições humanas, criando personagens. Como sempre, ele sobrepõe cenas dramáticas com cômicas: artesãos atenienses, muito semelhantes aos trabalhadores ingleses, preparam diligente e desajeitadamente para o casamento de Teseu e Hipólita a peça “Píramo e Tisbe”, que é uma história de amor infeliz, contada em uma forma paródica. Os pesquisadores ficaram surpresos com a escolha do enredo para a peça "casamento": seu enredo externo - mal-entendidos entre dois pares de amantes, resolvidos apenas graças à boa vontade de Oberon e à magia, uma zombaria dos caprichos femininos (a paixão repentina de Titânia pela Fundação ) - expressa uma visão extremamente cética do amor. No entanto, esta "uma das obras mais poéticas" tem uma conotação séria - a exaltação de um sentimento sincero, que tem uma base moral.

S. A. Vengerov viu a transição para o segundo período “na ausência daquela poesia da juventude, tão característica do primeiro período. Os heróis ainda são jovens, mas já viveram uma vida decente e o principal para eles na vida é o prazer. A porção é picante, viva, mas já não contém os encantos ternos das meninas dos Dois Veronianos, e mais ainda de Julieta.

Ao mesmo tempo, Shakespeare cria um tipo imortal e muito interessante, que até agora não tinha análogos na literatura mundial - Sir John Falstaff. O sucesso de ambas as partes de "Henry IV" não é menor e o mérito desta mais marcante ator crônica, que imediatamente se tornou popular. O personagem é sem dúvida negativo, mas com um caráter complexo. Um materialista, um egoísta, um homem sem ideais: a honra não é nada para ele, um cético observador e perspicaz. Ele nega honras, poder e riqueza: ele precisa de dinheiro apenas como meio de obter comida, vinho e mulheres. Mas a essência do cômico, o grão da imagem de Falstaff não é apenas sua inteligência, mas também uma risada alegre de si mesmo e do mundo ao seu redor. Sua força está no conhecimento da natureza humana, tudo que prende uma pessoa é nojento para ela, ele é a personificação da liberdade de espírito e da falta de escrúpulos. Um homem da era passageira, ele não é necessário onde o estado é poderoso. Percebendo que tal personagem está deslocado em um drama sobre um governante ideal, Shakespeare o remove em Henrique V: o público é simplesmente informado da morte de Falstaff. Segundo a tradição, acredita-se que a pedido da rainha Elizabeth, que queria ver Falstaff no palco novamente, Shakespeare o ressuscitou em As Alegres Comadres de Windsor. Mas esta é apenas uma cópia pálida do antigo Falstaff. Ele perdeu o conhecimento do mundo ao seu redor, não há mais ironia saudável, riso de si mesmo. Apenas um canalha satisfeito consigo mesmo permaneceu.

Muito mais bem-sucedida é a tentativa de retornar ao tipo Falstaff novamente na jogada final do segundo período, Noite de Reis. Aqui, na pessoa de Sir Toby e sua comitiva, temos, por assim dizer, uma segunda edição de Sir John, embora sem sua inteligência brilhante, mas com o mesmo cavalheirismo contagiante e bem-humorado. A grosseira zombaria das mulheres em A Megera Domada também se encaixa perfeitamente na estrutura do período “Falstaffiano”, em sua maior parte.

Terceiro período (1600-1609)

O terceiro período de sua atividade artística, abrangendo aproximadamente os anos 1600-1609, é denominado pelos partidários da abordagem biográfica subjetivista da obra de Shakespeare o período de "profunda escuridão espiritual", considerando o aparecimento do melancólico personagem Jacques na comédia " As You Like It" como um sinal de uma visão de mundo alterada, e chamando-o quase não um precursor de Hamlet. No entanto, alguns pesquisadores acreditam que Shakespeare na imagem de Jacques apenas ridicularizou a melancolia, e o período de supostas decepções da vida (de acordo com os defensores do método biográfico) não é realmente confirmado pelos fatos da biografia de Shakespeare. O tempo de criação pelo dramaturgo maiores tragédias coincide com o florescimento de seus poderes criativos, a solução de dificuldades materiais e a realização posição alta na sociedade.

Por volta de 1600, Shakespeare cria Hamlet, segundo muitos críticos, sua obra mais profunda. Shakespeare manteve o enredo da conhecida tragédia da vingança, mas voltou toda a sua atenção para a discórdia espiritual, o drama interior do protagonista. Um novo tipo de herói foi introduzido no tradicional drama de vingança. Shakespeare estava à frente de seu tempo - Hamlet não é o herói trágico usual, realizando vingança por causa da justiça divina. Chegando à conclusão de que é impossível restaurar a harmonia com um golpe, ele experimenta a tragédia da alienação do mundo e se condena à solidão. De acordo com a definição de L. E. Pinsky, Hamlet é o primeiro herói "reflexivo" da literatura mundial.

Os heróis das "grandes tragédias" de Shakespeare são pessoas notáveis nas quais o bem e o mal se misturam. Diante da desarmonia do mundo ao seu redor, eles fazem uma escolha difícil - como existir nele, eles criam seu próprio destino e assumem total responsabilidade por ele.

Ao mesmo tempo, Shakespeare cria o drama Medida por Medida. Apesar de no Primeiro Fólio de 1623 ser classificado como comédia, quase não há cômico nesta obra séria sobre um juiz injusto. Seu nome refere-se ao ensinamento de Cristo sobre a misericórdia, no decorrer da ação um dos heróis está em perigo mortal, e o final pode ser considerado condicionalmente feliz. Essa obra problemática não se enquadra em um determinado gênero, mas existe na fronteira dos gêneros: voltando à moral, ela se dirige para a tragicomédia.

A verdadeira misantropia aparece apenas em "Timão de Atenas" - a história de um generoso e bom homem, arruinado por aqueles a quem ajudou e se tornou um misantropo. A peça deixa uma impressão dolorosa, apesar do fato de que a ingrata Atenas sofre punição após a morte de Timon. Segundo os pesquisadores, Shakespeare sofreu um fracasso: a peça foi escrita em linguagem desigual e, junto com suas vantagens, tem desvantagens ainda maiores. Não está excluído que mais de um Shakespeare trabalhou nele. O personagem do próprio Timon falhou, às vezes dá a impressão de uma caricatura, outros personagens são simplesmente pálidos. Antônio e Cleópatra podem ser considerados uma transição para uma nova faixa da criatividade shakespeariana. Em Antônio e Cleópatra, o talentoso, mas desprovido de quaisquer princípios morais, o predador de Júlio César é cercado por uma auréola verdadeiramente poética, e a meio-traidora Cleópatra expia amplamente seus pecados com uma morte heróica.

Quarto período (1609-1612)

O quarto período, com exceção da peça "Henrique VIII" (a maioria dos pesquisadores concorda que foi quase inteiramente escrita por John Fletcher), abrange apenas três ou quatro anos e quatro peças - os chamados "dramas românticos" ou tragicomédias. Nas jogadas do último período, duras provações enfatizam a alegria de se livrar dos desastres. A calúnia é capturada, a inocência é justificada, a lealdade é recompensada, a loucura do ciúme não tem consequências trágicas, os amantes se unem em um casamento feliz. O otimismo dessas obras é percebido pelos críticos como um sinal de reconciliação de seu autor. "Péricles", uma peça significativamente diferente de tudo o que já foi escrito, marca o surgimento de novas obras. A ingenuidade que beira o primitivismo, a ausência de personagens e problemas complexos, um retorno à construção da ação característica do drama do início do Renascimento inglês - tudo indica que Shakespeare estava em busca de uma nova forma. "The Winter's Tale" é uma fantasia bizarra, uma história "sobre onde tudo é possível. A história de um homem ciumento que sucumbe ao mal, sofre angústia mental e merece perdão por seu arrependimento. No final, o bem vence o mal, segundo alguns pesquisadores, afirmando a fé nos ideais humanistas, segundo outros, o triunfo da moral cristã. A Tempestade é a mais bem-sucedida das últimas peças e, em certo sentido, o final da obra de Shakespeare. Em vez de luta, o espírito de humanidade e perdão reina aqui. Meninas poéticas criadas agora - Marina de "Péricles", Perda de "O Conto de Inverno", Miranda de "A Tempestade" - são imagens de filhas lindas em sua virtude. Os pesquisadores tendem a ver na cena final de A Tempestade, onde Próspero renuncia à sua magia e se retira, a despedida de Shakespeare do mundo do teatro.

partida de shakespeare

Por volta de 1610, Shakespeare deixou Londres e voltou para Stratford-upon-Avon. Até 1612, não perdeu o contato com o teatro: em 1611 foi escrito o Conto de Inverno, em 1612 - a última obra dramática, A Tempestade. Nos últimos anos de sua vida, ele se afastou da atividade literária e viveu silenciosa e imperceptivelmente com sua família. Isso provavelmente se deveu a uma doença grave - isso é indicado pelo testamento sobrevivente de Shakespeare, redigido claramente às pressas em 15 de março de 1616 e assinado com uma caligrafia alterada. 23 de abril de 1616 em Stratford-upon-Avon morreu o dramaturgo mais famoso de todos os tempos e povos.

Dezenas de documentos históricos foram preservados sobre a vida e obra de William Shakespeare. Ele era bem conhecido por seus contemporâneos como poeta e dramaturgo, cujos escritos foram repetidamente publicados e citados em verso e prosa. Circunstâncias de seu nascimento, educação, estilo de vida A grande maioria dos dramaturgos veio de famílias de artesãos (Shakespeare - filho de um fabricante de luvas, Marlowe - filho de um sapateiro, Ben Jonson - filho de um pedreiro etc.). Dos filhos de artesãos na Inglaterra, trupes de atuação foram reabastecidas já no século 15 (talvez isso se deva à tradição medieval de encenações de mistérios, da qual participavam guildas de artesãos). Geralmente profissão de teatro assumiu origens não aristocráticas. Ao mesmo tempo, o nível de educação de Shakespeare era suficiente para esta ocupação. Passou pela habitual escola primária (uma espécie de escola inglesa onde se ensinavam línguas e literaturas antigas), mas deu tudo pela profissão de dramaturgo.- tudo correspondia à época em que a profissão de dramaturgo ainda era considerada baixa, mas os teatros já traziam aos seus donos uma renda considerável. Finalmente, Shakespeare era ator e dramaturgo, e acionista de uma trupe de teatro. Ele passou quase vinte anos ensaiando e se apresentando no palco. Apesar de tudo isso, ainda se discute se William Shakespeare foi o autor das peças, sonetos e poemas publicados em seu nome. As primeiras dúvidas surgiram em meados do século XIX. Desde então, surgiram muitas hipóteses que atribuem a autoria das obras de Shakespeare a outra pessoa.

Os nomes de Bacon, Oxford, Rutland, Derby e Marlowe, é claro, não se limitam à lista de potenciais candidatos a Shakespeare. Existem várias dezenas deles no total, incluindo exóticos como a rainha Elizabeth, seu sucessor, o rei James I Stuart, o autor de Robinson Crusoe Daniel Defoe ou o poeta romântico inglês George Gordon Byron. Mas, em essência, não importa quem exatamente esses ou aqueles “pesquisadores” consideram ser o verdadeiro Shakespeare. É mais importante entender por que Shakespeare é repetidamente negado o direito de ser chamado de autor de suas obras.

A questão não é que nada se sabe ao certo sobre a vida de Shakespeare. Pelo contrário, após 200 anos de pesquisa sobre Shakespeare, uma quantidade incrível de evidências foi coletada e não há razão para duvidar da autoria de suas obras: não há absolutamente nenhum fundamento histórico para isso.

Para a dúvida, porém, há fundamentos de natureza emocional. Somos herdeiros da virada romântica ocorrida em cultura europeia no início do século XIX, quando surgiram novas ideias sobre a obra e a figura do poeta, desconhecidas dos séculos anteriores (não é por acaso que as primeiras dúvidas sobre Shakespeare surgiram precisamente na década de 1840). Em sua forma mais geral, essa nova ideia pode ser reduzida a duas características inter-relacionadas. Primeiro: o poeta é gênio em tudo, inclusive vida comum, e a existência do poeta é inseparável de sua obra; ele difere nitidamente do habitante médio, sua vida é como um cometa brilhante que voa rapidamente e queima com a mesma rapidez; à primeira vista, é impossível confundi-lo com uma pessoa de temperamento não poético. E em segundo lugar: o que quer que este poeta escreva, ele sempre falará de si mesmo, da singularidade de sua existência; qualquer uma de suas obras será uma confissão, qualquer linha refletirá toda a sua vida, o corpus de seus textos é sua biografia poética.

Shakespeare não se encaixa em tal noção. Nisso ele é semelhante a seus contemporâneos, mas só ele teve que se tornar, parafraseando Erasmo, um dramaturgo de todos os tempos. Não exigimos que Racine, Moliere, Calderon ou Lope de Vega vivam de acordo com as leis da arte romântica: sentimos que existe uma barreira entre nós e eles. A obra de Shakespeare é capaz de superar essa barreira. Consequentemente, com Shakespeare, a exigência é especial: aos olhos de muitos, ele deve corresponder às normas (ou melhor, aos mitos) do nosso tempo.

No entanto, existe uma cura confiável para essa ilusão - conhecimento histórico científico, uma abordagem crítica das ideias convencionais do século. Shakespeare não é pior nem melhor do que seu tempo, e não é pior nem melhor do que outras épocas históricas - elas não precisam ser embelezadas ou alteradas, devem ser tentadas para serem compreendidas.

Arzamas oferece seis das versões mais duradouras de quem poderia ter escrito para Shakespeare.

Versão 1

Francis Bacon (1561-1626), filósofo, escritor, estadista

Francis Bacon. Gravura de William Marshall. Inglaterra, 1640

Delia Bacon. 1853 Wikimedia Commons

Filha de um colono falido estado americano Connecticut Delia Bacon (1811-1859) não foi a primeira a tentar atribuir os escritos de Shakespeare a Francis Bacon, mas foi ela quem apresentou a versão ao público em geral. A fé dela em própria descoberta era tão contagioso escritores famosos, a quem ela pediu ajuda - os americanos Ralph Waldo Emerson, Nathaniel Hawthorne e o britânico Thomas Carlisle - não puderam recusá-la. Graças ao apoio deles, Delia Bacon veio para a Inglaterra e, em 1857, publicou A verdadeira filosofia das peças de Shakespeare, de 675 páginas. Este livro dizia que William Shakespeare era apenas um ator analfabeto e um empresário ganancioso, e peças e poemas em seu nome foram compostos por um grupo de "pensadores e poetas nobres" liderados por Bacon - supostamente o autor de " New Organon" esperava contornar as restrições de censura, que o impediam de expressar abertamente sua filosofia inovadora (que as peças também eram censuradas na Inglaterra elisabetana, Delia aparentemente não sabia de nada).

No entanto, a autora de Genuine Philosophy não forneceu nenhuma evidência em favor de sua hipótese: a evidência, Delia acreditava, estava no túmulo de Francis Bacon ou no túmulo de Shakespeare. Desde então, muitos anti-Shakespeares acreditam que autor real ordenado a enterrar os manuscritos das peças "shakespearianas" com ele e, se forem encontrados, o problema será resolvido de uma vez por todas Ao mesmo tempo, isso levou a um verdadeiro cerco de sepulturas históricas em toda a Inglaterra. Delia foi a primeira a solicitar permissão para abrir o túmulo de Bacon em St. Albany, mas sem sucesso..

As ideias de Delia encontraram muitos seguidores. Como prova, apresentavam pequenos paralelos literários entre as obras de Bacon e Shakespeare, que podem ser plenamente explicados pela unidade da cultura escrita da época, bem como pelo fato de o autor das peças de Shakespeare ter um gosto pela filosofia e ser conhecedor da vida de várias casas reais europeias. Por exemplo, esta é a corte de Navarra retratada na comédia Love's Labour's Lost..

As tentativas de desvendar a “cifra de Bacon” podem ser consideradas um desenvolvimento significativo da hipótese original. O fato é que Francis Bacon trabalhou para melhorar os métodos de esteganografia - criptografia, que, para o não iniciado, parece uma mensagem completa com significado próprio. Em particular, ele propôs um método para criptografar as letras do alfabeto inglês, reminiscente do código binário moderno.. Os baconianos têm certeza de que seu herói escreveu peças sob o disfarce de Shakespeare, não para ter sucesso com o público - Romeu e Julieta, Hamlet e Rei Lear, Noite de Reis e A Tempestade serviram de disfarce para algum conhecimento secreto.

Versão 2

Edward de Vere (1550-1604), 17º Conde de Oxford, cortesão, poeta, dramaturgo, patrono das artes e ciências

Eduardo de Ver. Cópia de um retrato perdido de 1575. Artista desconhecido. Inglaterra, século XVII National Portrait Gallery, Londres

Simples professor de inglês que se dizia descendente dos condes de Derby, Thomas Loney (1870-1944) não acreditava que o "mercador de Veneza" Esta peça Lowney lia com os alunos da classe ano após ano. poderia ter sido escrito por um homem de origem ignóbil que nunca esteve na Itália. Duvidando da autoria da comédia sobre Shylock, Lawney pegou uma antologia de poesia elizabetana e descobriu que o poema de Shakespeare "Venus and Adonis" (1593) foi escrito na mesma estrofe e no mesmo metro do poema "Women's Variation" de Edward de Vere ( 1587). De Vere, o 17º conde de Oxford, podia se orgulhar da antiguidade de sua família e de um bom conhecimento da Itália, era conhecido por seus contemporâneos não apenas como poeta, mas também como autor de comédias (não preservadas).

Lowney não escondia a natureza amadora de sua pesquisa e até se orgulhava dela: “Provavelmente, o problema ainda não foi resolvido exatamente porque”, escreveu ele no prefácio de Shakespeare Identified, “porque os cientistas têm trabalhado nisso até agora. ” Oxfordianos posteriores Ou seja, os seguidores da versão de Lowney. Foi nomeado após Edward de Vere, conde de Oxford. decidiu pedir a ajuda de advogados: em 1987 e 1988, na presença de juízes da Suprema Corte dos EUA e do London Middle Temple, respectivamente, os seguidores da hipótese de Lowney entraram em uma disputa aberta com estudiosos de Shakespeare (em Londres, eles foram contestados, em particular, pelo mais respeitado especialista vivo em Shakespeare, o professor Stanley Wells). Infelizmente para os organizadores, os juízes das duas vezes concederam a vitória aos cientistas. Por outro lado, os oxfordianos conseguiram repelir os baconinianos - hoje a versão oxfordiana do anti-Shakespeare é a mais popular.

Entre os seguidores mais famosos de Lowey estava o psiquiatra Sigmund Freud, que em sua juventude se inclinou para o baconianismo e, em 1923, após conhecer Shakespeare Identified, converteu-se ao Oxfordianismo. Assim, na década de 1930, Freud começou a desenvolver paralelos entre o destino do rei Lear e a biografia do conde de Oxford: ambos tinham três filhas e, se o conde inglês não se importava com a sua, então o lendário rei britânico , ao contrário, dava tudo às filhas, o que tinha. Tendo fugido dos nazistas para Londres em 1938, Freud escreveu a Loney uma carta calorosa e o chamou de autor de um "livro maravilhoso", e pouco antes de sua morte, com base no fato de que Oxford havia perdido seu amado pai na infância e supostamente odiava seu pai. mãe para seu próximo casamento, ele o atribuiu ao complexo de Édipo de Hamlet.

Versão #3

Roger Manners (1576-1612), 5º Conde de Rutland, cortesão, patrono das artes

Roger Manners, 5º Conde de Rutland. Retrato de Jeremiah van der Eyden. Por volta de 1675 Castelo de Belvoir/Bridgeman Images/Fotodom

Celestin Damblon (1859-1924), político socialista belga, professor de literatura francesa e escritor simbolista, interessou-se pela questão de Shakespeare ao saber de um documento encontrado em um dos arquivos da família em 1908. Seguiu-se que, em 1613, o mordomo de Francis Manners, 6º Conde de Rutland, pagou uma grande quantia ao "Sr. Shakespeare" e seu colega ator Richard Burbage, que inventou e pintou um emblema espirituoso no escudo do conde para que Manners aparecesse adequadamente. em um torneio de justas. . Essa descoberta alertou Dumblon: ele notou que o irmão mais velho de Francis, Roger Manners, 5º conde de Rutland, morreu em 1612, quase ao mesmo tempo em que Shakespeare parou de escrever para o palco. Além disso, Roger Manners manteve relações amistosas com o conde de Southampton (o aristocrata a quem Shakespeare dedicou dois de seus poemas e que é considerado o principal destinatário dos sonetos de Shakespeare), bem como com o conde de Essex, cuja queda em 1601 afetou indiretamente os atores do Globe Theatre. Em fevereiro de 1601, Essex tentou iniciar uma rebelião contra a rainha. Na véspera, os partidários do conde persuadiram os atores a colocar no palco a velha crônica de Shakespeare "Ricardo II", que tratava da derrubada do monarca. A revolta falhou, Essex foi executado (seu acusador era Francis Bacon). Southampton foi preso por um longo tempo. Os atores da Globo foram chamados para prestar explicações, mas isso não teve consequências para eles.. Manners viajou para os países que serviram de cenário para muitas das peças de Shakespeare (França, Itália, Dinamarca), e até estudou em Pádua com dois dinamarqueses, Rosencrantz e Guildenstern (sobrenomes dinamarqueses comuns na época). Em 1913, Demblont resumiu essas e outras considerações em um livro escrito em francês, Lord Rutland is Shakespeare.

Capa do livro "O Jogo de William Shakespeare, ou o Mistério da Grande Fênix" Editora "Relações Internacionais"

A versão de Dumblon também tem seguidores na Rússia: por exemplo, Ilya Gililov Ilya Gililov(1924-2007) - crítico literário, escritor, secretário científico da Comissão Shakespeare Academia Russa ciências por quase três décadas., autor de O Jogo de William Shakespeare, ou o Segredo da Grande Fênix (1997), afirmou que Shakespeare foi composto por um grupo de autores liderados pela jovem esposa do Conde de Rutland, Elizabeth - filha do famoso cortesão, escritor e poeta Philip Sidney. Gililov baseou isso em uma transferência completamente arbitrária da coleção Chester, que inclui o poema de Shakespeare "A Fênix e a Pomba" (1601, de acordo com Gililov - 1613). Ele argumentou que Rutland, Elizabeth e outros compuseram peças e sonetos para fins puramente conspiratórios - para perpetuar seu círculo próximo, no qual alguns rituais conduzidos apenas por eles lidavam. O mundo científico, com exceção de algumas respostas contundentes, ignorou o livro de Gililov.

Versão #4

William Stanley (1561-1642), 6º Conde de Derby, dramaturgo, estadista

William Stanley, 6º Conde de Derby. Retrato de William Derby. Inglaterra, século XIXA honra certa. Earl of Derby/Bridgeman Images/Fotodom

Abel Lefranc. Por volta de 1910 Biblioteca do Congresso

O historiador literário francês e especialista em François Rabelais Abel Lefranc (1863-1952) pensou pela primeira vez nas chances de William Stanley se tornar um candidato a "verdadeiro Shakespeare" após a publicação de um livro do respeitado estudioso inglês James Greenstreet intitulado "The Formerly Unknown Noble Autor de Comédias Isabelinas" (1891). Greenstreet conseguiu encontrar uma carta datada de 1599 assinada por George Fenner, um agente secreto da Igreja Católica, que afirmava que o conde de Derby não poderia ser útil aos católicos, pois estava "ocupado escrevendo peças para atores comuns".

Em 1918, Lefranc publicou Under the Mask of William Shakespeare , no qual reconhece Derby como um candidato muito mais adequado para Shakespeare do que os candidatos anteriores, apenas porque o nome do conde era William e suas iniciais correspondem às de Shakespeare. Além disso, em cartas particulares, ele assinou da mesma forma que o herói lírico do 135º soneto - Will, e não Wm e não Willm, como o próprio Stratford Shakespeare fez nos documentos sobreviventes. Além disso, Derby era um viajante experiente, em particular intimamente familiarizado com a corte navarra.

Não é surpreendente, acreditava Lefranc, que Henrique V contenha várias inserções extensas em Francês, no qual o Derby era bom. Além disso, acreditava o especialista em Rabelais, a famosa imagem de Falstaff foi criada sob a influência de Gargântua e Pantagruel, que ainda não havia sido traduzida para o inglês na época de Shakespeare.

Apesar de toda a engenhosidade desses argumentos, a versão de Derby tinha poucas chances de se igualar à oxfordiana: o livro de Lefranc foi escrito em francês e, quando foi lançado, Thomas Loney (que se dizia descendente do conde de Derby, aliás), já havia apresentado seus argumentos a favor de Edward de Vere.

Versão #5

Christopher Marlo (1564-1593) dramaturgo e poeta

Suposto retrato de Christopher Marlo. Artista desconhecido. 1585 Corpus Christi College, Cambridge

Filho de um sapateiro, nascido no mesmo ano de Shakespeare e só conseguiu se formar em Cambridge graças à generosidade do arcebispo de Canterbury, Christopher Marlowe acabou sendo quase o único candidato a Shakespeare de origem ignóbil. No entanto, Calvin Hoffman (1906-1986), um publicitário, poeta e dramaturgo americano que publicou O assassinato do homem que era Shakespeare em 1955, creditou a Marlo caso de amor com o nobre Thomas Walsingham, patrono dos poetas e irmão mais novo do poderoso Sir Francis Walsingham, Secretário de Estado e Chefe do Serviço Secreto da Rainha Elizabeth. Segundo Hoffman, foi Thomas Walsingham quem, ao saber que Marlo estava sendo preso sob a acusação de ateísmo e blasfêmia, decidiu salvar sua amante simulando seu assassinato. Conseqüentemente, em uma briga de taverna em Deptford em 1593, não foi Marlow quem foi morto, mas algum vagabundo, cujo cadáver foi passado como o corpo desfigurado do dramaturgo (ele foi morto por uma adaga no olho). O próprio Marlo, sob um nome falso, navegou às pressas para a França, escondendo-se na Itália, mas logo voltou para a Inglaterra, estabelecendo-se em reclusão perto de Skedbury, a propriedade de Thomas Walsingham em Kent. Lá ele compôs obras "shakespearianas", entregando os manuscritos ao seu patrono. Ele os enviou primeiro ao copista e depois, para encenação no palco, ao ator londrino William Shakespeare - um homem completamente desprovido de imaginação, mas fiel e silencioso.

Capa da primeira edição de O Assassinato do Homem que Foi Shakespeare.
1955 Grosset & Dunlap

Hoffman começou sua pesquisa contando paralelismos fraseológicos nos escritos de Marlowe e Shakespeare, e mais tarde conheceu as obras do professor americano Thomas Mendenhall, que compilou "perfis de dicionário" de vários escritores (com a ajuda de toda uma equipe de mulheres que contou laboriosamente milhões de palavras e letras em palavras). Com base nessas descobertas, Hoffman declarou a completa semelhança dos estilos de Marlowe e Shakespeare. No entanto, a maioria desses "paralelismos" na verdade não era assim, a outra parte pertencia a palavras e construções comumente usadas, e uma certa camada de paralelos óbvios atestava um fato bem conhecido: o jovem Shakespeare foi inspirado pelas tragédias de Marlowe, tendo aprendido muito com o autor de "Tamerlane the Great", "Maltese Jew" e "Doctor Faust" Hoje só podemos imaginar no que teria resultado a rivalidade criativa entre os dois gênios elisabetanos se não fosse a morte de Marlowe em 1593 - aliás, registrada em detalhes pelo legista real, cujas conclusões foram testemunhadas por um júri de 16 pessoas ..

Tentativas de descobrir todo um grupo de autores por trás dos escritos de Shakespeare foram feitas mais de uma vez, embora os defensores desta versão não cheguem a um acordo sobre nenhuma composição específica. Aqui estão alguns exemplos.

Em 1923, H. T. S. Forrest, um funcionário da administração britânica na Índia, publicou um livro chamado Os Cinco Autores dos Sonetos de Shakespeare, no qual falava de um torneio de poesia organizado pelo Conde de Southampton. Segundo Forrest, cinco grandes poetas elizabetanos concorreram ao prêmio anunciado pelo conde na arte de compor sonetos de uma só vez: Samuel Daniel, Barnaby Barnes, William Warner, John Donne e William Shakespeare. Conseqüentemente, todos os cinco são os autores dos sonetos, que, acreditava Forrest, foram erroneamente atribuídos apenas a Shakespeare. É característico que um dessa companhia, o autor do poema épico "Albion's England" Warner, não tenha escrito sonetos, enquanto o outro, John Donne, recorreu à forma de soneto apenas para compor versos religiosos.

Em 1931, Gilbert Slater, economista e historiador, publicou The Seven Shakespeares, no qual combinou os nomes de quase todos os contendores mais populares entre os anti-Shakespeares. Segundo ele, Shakespeare foi composto por: Francis Bacon, Earls of Oxford, Rutland and Derby, Christopher Marlowe Slater acreditava que Marlowe "renasceu" para a vida em 1594 sob o nome de Shakespeare., bem como Sir Walter Raleigh e Mary, Condessa de Pembroke (homem de letras e irmã de Sir Philip Sidney). As mulheres não eram frequentemente oferecidas e oferecidas para o papel de Shakespeare, mas para a Condessa de Pembroke, Slater abriu uma exceção: em sua opinião, "Júlio César" e "Antônio e Cleópatra" são marcados por uma clara presença de intuição feminina e também - em particular - "As You Like It", que Mary não apenas escreveu, mas também se apresentou na forma de Rosalinda.

Em Stratford-upon-Avon, Warwickshire, Inglaterra. O registro paroquial registra seu batismo em 26 de abril. Seu pai, John Shakespeare, era uma pessoa proeminente em Stratford (segundo algumas fontes, ele negociava artigos de couro) e ocupou vários cargos no governo da cidade, até o oficial de justiça (administrador imobiliário). A mãe era filha de um nobre de uma pequena propriedade de Warwickshire, que veio de família antiga Católicos das Ardenas.

No final da década de 1570, a família faliu e por volta de 1580 William teve que deixar a escola e começar a trabalhar.

Em novembro de 1582 ele se casou com Anne Hathaway. Em maio de 1583 nasceu seu primeiro filho - a filha Susan, em fevereiro de 1585 - o filho gêmeo Hamnet e a filha Judith.

Tornou-se popular dizer que Shakespeare se juntou a uma das companhias de teatro de Londres, que se apresentava em turnê em Stratford.

Até 1593, Shakespeare não publicou nada, em 1593 publicou o poema "Vênus e Adonis", dedicando-o ao duque de Southampton, patrono da literatura. O poema foi um grande sucesso e foi publicado oito vezes durante a vida do autor. No mesmo ano, Shakespeare ingressou na trupe de Lord Chamberlain, de Richard Burbage, onde trabalhou como ator, diretor e dramaturgo.

As atividades teatrais sob os auspícios de Southampton rapidamente lhe trouxeram riqueza. Seu pai, John Shakespeare, após vários anos de dificuldades financeiras, recebeu o direito a um brasão na Câmara Heráldica. O título concedido deu a Shakespeare o direito de assinar "William Shakespeare, cavalheiro".

Em 1592-1594, os teatros de Londres foram fechados devido à peste. Durante uma pausa involuntária, Shakespeare criou várias peças - a crônica "Richard III", "A Comédia dos Erros" e "A Megera Domada". Em 1594, após a abertura dos teatros, Shakespeare juntou-se à nova trupe do Lord Chamberlain.

Em 1595-1596, ele escreveu a tragédia Romeu e Julieta, as comédias românticas Sonho de uma noite de verão e O mercador de Veneza.

O dramaturgo ia bem - em 1597 comprou uma grande casa com jardim em Stratford, para onde se mudou com a esposa e as filhas (o filho morreu em 1596) e se estabeleceu depois de deixar os palcos de Londres.

Nos anos 1598-1600, foram criados os picos da obra de Shakespeare como comediante - "Muito Barulho por Nada", "As You Like It" e "Twelfth Night". Ao mesmo tempo, ele escreveu a tragédia "Júlio César" (1599).

Tornou-se um dos proprietários, dramaturgo e ator do teatro inaugurado "Globe". Em 1603, o rei James levou a trupe de Shakespeare sob patrocínio direto - tornou-se conhecida como os Servos de Sua Majestade o Rei, e os atores eram considerados cortesãos como valetes. Em 1608, Shakespeare tornou-se acionista do lucrativo London Blackfriars Theatre.

Com o advento do famoso "Hamlet" (1600-1601), iniciou-se o período das grandes tragédias do dramaturgo. Em 1601-1606 Otelo (1604), Rei Lear (1605), Macbeth (1606) foram criados. A trágica visão de mundo de Shakespeare deixou sua marca nas obras desse período que não pertencem diretamente ao gênero da tragédia - as chamadas "comédias amargas" "Troilus e Cressida" (1601-1602), "Tudo está bem quando acaba bem" (1603-1603), Medida por Medida (1604).

Em 1606-1613, Shakespeare criou tragédias baseadas em temas antigos "Antônio e Cleópatra", "Coriolano", "Timon de Atenas", bem como tragicomédias românticas, incluindo "O Conto de Inverno" e "A Tempestade", e a crônica tardia "Henrique VIII".

O que se sabe sobre a atuação de Shakespeare é que ele desempenhou os papéis do Fantasma em Hamlet e Adam na peça As You Like It. Ele desempenhou um papel na peça de Ben Jonson "Todos à sua maneira". A última performance atestada de Shakespeare no palco foi em sua própria peça, The Sejanus. Em 1613 ele deixou o palco e se estabeleceu em sua casa em Stratford.

O dramaturgo foi sepultado na Igreja da Santíssima Trindade, onde já havia sido batizado.

Por mais de dois séculos após a morte de Shakespeare, ninguém duvidou da autoria de Shakespeare. Desde 1850, surgiram dúvidas sobre a autoria do dramaturgo, que ainda hoje são compartilhadas por muitos. A fonte dos biógrafos de Shakespeare foi seu testamento, que fala de casas e propriedades, mas nenhuma palavra sobre livros e manuscritos. Existem muitos defensores da afirmação negativa - Shakespeare de Stratford não poderia ser o autor de tais obras, porque não estudou, não viajou, não estudou na universidade. Stratfordians (apoiadores da versão tradicional) e anti-Stratfordians fizeram muitos argumentos. Mais de duas dúzias de candidatos a Shakespeare foram propostos, entre os candidatos mais populares estão o filósofo Francis Bacon e o precursor de Shakespeare na transformação arte dramática Christopher Marlo, também chamado de Earls of Derby, Oxford, Rutland.

William Shakespeare é considerado o maior dramaturgo inglês, um dos os melhores dramaturgos paz. Suas peças foram traduzidas para todos os principais idiomas e até hoje formam a base do repertório teatral mundial. A maioria deles foi filmada muitas vezes.

Na Rússia, a obra de Shakespeare é conhecida desde o século XVIII, tornou-se um fato da cultura russa (entendimento, traduções) desde a primeira metade do século XIX.

O material foi preparado com base em informações da RIA Novosti e fontes abertas

O tema de quase todas as comédias de Shakespeare é o amor, seu surgimento e desenvolvimento, a resistência e as intrigas dos outros e a vitória de um sentimento jovem e brilhante. A ação das obras acontece tendo como pano de fundo belas paisagens banhadas pelo luar ou pelo sol. É assim que o mundo mágico das comédias de Shakespeare aparece diante de nós, aparentemente longe de ser divertido. Shakespeare tem uma grande habilidade, talentoso para combinar o cômico (os espirituosos duelos de Benedict e Beatrice em Muito Barulho por Nada, Petruchio e Catharina de A Megera Domada) com o lírico e até trágico (as traições de Proteu em Os Dois Veronianos , as intrigas de Shylock em O Mercador de Veneza). Os personagens de Shakespeare são incrivelmente multifacetados, suas imagens incorporam as características das pessoas do Renascimento: vontade, desejo de independência e amor pela vida. De particular interesse são as imagens femininas dessas comédias - iguais aos homens, livres, enérgicas, ativas e infinitamente charmosas. As comédias de Shakespeare são variadas. Shakespeare usa vários gêneros de comédias - uma comédia romântica ("Sonho de uma noite de verão"), uma comédia de personagens ("A Megera Domada"), uma sitcom ("Comédia dos Erros").

Durante o mesmo período (1590-1600), Shakespeare escreveu uma série de crônicas históricas. Cada um dos quais cobre um dos períodos da história inglesa.

Sobre a época da luta das Rosas Escarlate e Branca:

Henrique VI (três partes)

Sobre o período anterior de luta entre os barões feudais e a monarquia absoluta:

Henrique IV (duas partes)

O gênero da crônica dramática é peculiar apenas ao Renascimento inglês. Muito provavelmente, isso aconteceu porque o gênero teatral favorito do início da Idade Média inglesa eram mistérios com motivos seculares. A dramaturgia do renascimento maduro formou-se sob sua influência; e nas crônicas dramáticas, muitos traços de mistério são preservados: uma ampla cobertura de eventos, muitos personagens, uma alternância livre de episódios. Porém, ao contrário dos mistérios, as crônicas não apresentam história da bíblia e a história do estado. Aqui, em essência, ele também se refere aos ideais de harmonia - mas a harmonia do estado, que ele vê na vitória da monarquia sobre o conflito civil feudal medieval. No final das peças, o bem triunfa; o mal, por mais terrível e sangrento que fosse seu caminho, foi derrubado. Assim, no primeiro período da obra de Shakespeare em diferentes níveis - pessoal e estatal - é interpretada a principal ideia renascentista: a conquista da harmonia e dos ideais humanísticos.

Durante o mesmo período, Shakespeare escreveu duas tragédias:

Período II (trágico) (1601-1607)

É considerado o período trágico da obra de Shakespeare. Dedicado principalmente à tragédia. É nesse período que o dramaturgo atinge o ápice de sua obra:

Não há mais vestígios de um sentido harmonioso do mundo neles, conflitos eternos e insolúveis são revelados aqui. Aqui a tragédia reside não apenas no choque do indivíduo e da sociedade, mas também nas contradições internas da alma do herói. O problema é levado a um nível filosófico geral, e os personagens permanecem extraordinariamente multifacetados e psicologicamente volumosos. Ao mesmo tempo, é muito importante que nas grandes tragédias de Shakespeare haja uma completa ausência de uma atitude fatalista perante o destino, que predetermina a tragédia. A ênfase principal, como antes, é colocada na personalidade do herói, que molda seu próprio destino e o destino das pessoas ao seu redor.

Durante o mesmo período, Shakespeare escreveu duas comédias:

Período III (romântico) (1608-1612)

É considerado o período romântico da obra de Shakespeare.

Obras do último período de sua obra:

Estes são contos poéticos que se afastam da realidade para o mundo dos sonhos. A completa rejeição consciente do realismo e o recuo para a fantasia romântica são naturalmente interpretados pelos estudiosos de Shakespeare como a decepção do dramaturgo com os ideais humanísticos, o reconhecimento da impossibilidade de alcançar a harmonia. Esse caminho - de uma fé triunfante e jubilosa na harmonia à decepção cansada - na verdade passou por toda a visão de mundo do Renascimento.

Teatro Globe de Shakespeare

A incomparável popularidade mundial das peças de Shakespeare foi facilitada pelo excelente conhecimento do dramaturgo sobre o teatro "por dentro". Quase toda a vida de Shakespeare em Londres estava de uma forma ou de outra ligada ao teatro e, a partir de 1599 - ao Globe Theatre, que foi um dos grandes centros vida cultural na Inglaterra. Foi aqui que a trupe de R. Burbage "Servants of the Lord Chamberlain" mudou-se para o prédio recém-construído, justamente na época em que Shakespeare se tornou um dos acionistas da trupe. Shakespeare tocou no palco até cerca de 1603 - em todo caso, depois dessa época não há menção de sua participação em apresentações. Aparentemente, Shakespeare não era muito popular como ator - há evidências de que ele desempenhou papéis menores e episódicos. Mesmo assim, a escola de palco foi concluída - o trabalho no palco, sem dúvida, ajudou Shakespeare a entender melhor os mecanismos de interação entre o ator e o público e os segredos do sucesso do público. O sucesso do público foi muito importante para Shakespeare, tanto como acionista do teatro quanto como dramaturgo - e depois de 1603 ele permaneceu intimamente associado ao Globe, no palco em que quase todas as peças que escreveu foram encenadas. O projeto do salão Globe predeterminou a combinação de espectadores de vários estratos sociais e de propriedade em uma apresentação, enquanto o teatro poderia acomodar pelo menos 1.500 espectadores. O dramaturgo e os atores enfrentaram a mais difícil tarefa de manter a atenção de um público heterogêneo. As peças de Shakespeare responderam ao máximo a essa tarefa, fazendo sucesso com o público de todas as categorias.

A arquitetônica móvel das peças de Shakespeare foi amplamente determinada pelas peculiaridades da técnica teatral do século XVI. - um palco aberto sem cortina, um mínimo de adereços, uma convenção extrema de cenografia. Isso forçou a se concentrar no ator e em suas habilidades de palco. Cada papel nas peças de Shakespeare (geralmente escrito para um ator específico) é psicologicamente volumoso e oferece grandes oportunidades para sua interpretação no palco; a estrutura lexical da fala muda não apenas de peça para peça e de personagem para personagem, mas também se transforma dependendo do desenvolvimento interno e das circunstâncias do palco (Hamlet, Otelo, Ricardo III, etc.). Não é à toa que muitos atores mundialmente famosos brilharam nos papéis do repertório de Shakespeare.

A gloriosa história do Globe Theatre de Shakespeare começou em 1599, quando em Londres, que se distinguia pelo grande amor pela arte teatral, um após o outro, edifícios de teatros públicos públicos foram construídos. Durante a construção do Globe, foram utilizados materiais de construção que sobraram do prédio desmontado do primeiro teatro público de Londres (chamava-se Theatre). Os donos do prédio, a trupe de famosos atores ingleses dos Burbages, tiveram o contrato de arrendamento vencido; então eles decidiram reconstruir o teatro em um novo local. O principal dramaturgo da trupe, William Shakespeare, que em 1599 se tornou um dos acionistas da The Lord Chamberlain's Servants de Burbage, estava sem dúvida envolvido nessa decisão.

Os teatros para o público em geral foram construídos em Londres principalmente fora da cidade, ou seja, - fora da jurisdição da cidade de Londres. Isso se explicava pelo espírito puritano das autoridades da cidade, hostis ao teatro em geral. O Globe era um edifício típico de um teatro público do início do século XVII: uma sala oval em forma de anfiteatro romano, cercada por um muro alto, sem teto. O teatro recebeu o nome da estátua de Atlas que adornava sua entrada, sustentando o globo. Este globo (“globo”) estava rodeado por uma fita com a famosa inscrição: “O mundo inteiro está atuando” (lat. Totus mundus agit histrionem; tradução mais conhecida: “O mundo inteiro é um teatro”).

O palco ficava ao lado dos fundos do prédio; acima de sua parte profunda, erguia-se a plataforma do palco superior, o chamado. "galeria"; ainda mais alta era a "casa" - um prédio com uma ou duas janelas. Assim, havia quatro cenas de ação no teatro: o proscênio, projetando-se profundamente no corredor e cercado pelo público por três lados, onde se desenrolava a parte principal da ação; a parte profunda do palco sob a galeria, onde eram executadas as cenas de interior; uma galeria que servia para representar uma parede de fortaleza ou uma varanda (o fantasma do pai de Hamlet apareceu aqui ou a famosa cena na varanda de Romeu e Julieta estava acontecendo); e uma "casa", em cujas janelas também poderiam aparecer atores. Isso possibilitou a construção de um espetáculo dinâmico, já colocando na dramaturgia uma variedade de cenas e mudando os pontos de atenção do público, o que ajudou a manter o interesse pelo que estava acontecendo no set. Isso foi extremamente importante: não podemos esquecer que a atenção do público não era sustentada por nenhum meio auxiliar - as apresentações eram luz do dia, sem cortina, ao rugido contínuo do público, trocando animadamente impressões a plenos pulmões.

O auditório do “Globo” acomodava, segundo várias fontes, de 1200 a 3000 espectadores. É impossível estabelecer a capacidade exata do salão - não havia assentos para a maioria dos plebeus; eles se amontoaram nas baias, de pé no chão de terra. Os espectadores privilegiados localizavam-se com algumas conveniências: no interior da muralha ficavam os alojamentos da aristocracia, acima deles uma galeria para os ricos. Os mais ricos e nobres sentavam-se nas laterais do palco, em banquinhos portáteis de três pernas. Não havia instalações adicionais para espectadores (incluindo banheiros); as necessidades fisiológicas, se necessárias, foram facilmente atendidas, durante a apresentação - logo no auditório. Portanto, a ausência de um telhado poderia ser considerada mais uma bênção do que uma desvantagem - o influxo de ar fresco não permitia que os fãs dedicados da arte teatral sufocassem.

No entanto, tal simplicidade de moral atendeu plenamente às regras de etiqueta da época, e o Globe Theatre logo se tornou um dos principais centros culturais Inglaterra: todas as peças de William Shakespeare e outros dramaturgos proeminentes do Renascimento foram encenadas em seu palco.

No entanto, em 1613, durante a estreia de Henrique VIII, de Shakespeare, ocorreu um incêndio no teatro: uma faísca de um tiro de canhão de palco atingiu o telhado de palha acima da parte profunda do palco. Evidências históricas afirmam que não houve vítimas no incêndio, mas o prédio queimou até o chão. O fim do "primeiro Globo" marcou simbolicamente a mudança das eras literárias e teatrais: nessa época, William Shakespeare parou de escrever peças.

Carta sobre o incêndio no "Globo"

"E agora vou entretê-los com uma história sobre o que aconteceu esta semana em Bankside. Os atores de Sua Majestade interpretaram novo jogo intitulado "Tudo é verdade" (Henrique VIII), representando os destaques do reinado de Henrique VIII. A produção foi encenada com extraordinária pompa e até o piso do palco era incrivelmente bonito. Cavaleiros das Ordens de São Jorge e da Jarreteira, guardas com uniformes bordados e assim por diante - tudo era mais do que suficiente para tornar a grandeza reconhecível, senão ridícula. Assim, o rei Henrique arruma uma máscara na casa do cardeal Wolsey: ele aparece no palco, vários tiros de saudação são ouvidos. Uma das balas, aparentemente, ficou presa no cenário - e aí tudo aconteceu. A princípio, apenas uma pequena névoa era visível, à qual o público, arrebatado pelo que acontecia no palco, não prestou atenção; mas depois de uma fração de segundo, o fogo se espalhou para o telhado e começou a se espalhar rapidamente, destruindo todo o prédio em menos de uma hora. Sim, foram momentos desastrosos para este sólido edifício, onde arderam apenas madeira, palha e alguns trapos. É verdade que a calça de um dos homens pegou fogo e ele poderia facilmente ter sido assado, mas ele (graças a Deus!) adivinhou a tempo de apagar o fogo com cerveja de uma garrafa.

Senhor Henry Wotton

Logo o prédio foi reconstruído, já de pedra; o teto de palha acima da parte profunda do palco foi substituído por um de azulejos. A trupe de Burbage continuou a tocar no "Segundo Globo" até 1642, quando um decreto foi emitido pelo Parlamento Puritano e Lord Protector Cromwell para fechar todos os teatros e proibir qualquer entretenimento teatral. Em 1644, o “segundo globo” vazio foi reconstruído em um prédio alugado. A história do teatro foi interrompida por mais de três séculos.

A ideia da reconstrução moderna do Globe Theatre pertence, curiosamente, não aos britânicos, mas ao ator, diretor e produtor americano Sam Wanamaker. Ele veio a Londres pela primeira vez em 1949 e, por cerca de vinte anos, junto com pessoas que pensam como ele, pouco a pouco coletaram materiais sobre os teatros da era elisabetana. Em 1970, Wanamaker estabeleceu o Shakespeare Globe Trust, dedicado a renovar o teatro perdido, criando centro educacional e exposição permanente. O trabalho neste projeto continuou por mais de 25 anos; O próprio Wanamaker morreu em 1993, quase quatro anos antes da inauguração do remodelado Globe. O marco para a reconstrução do teatro foram os fragmentos escavados da fundação do antigo Globe, bem como o vizinho Rose Theatre, onde as peças de Shakespeare eram encenadas nos tempos "pré-Globus". O novo edifício foi construído em madeira de carvalho "verde", processada de acordo com as tradições do século XVI. e está localizado quase no mesmo lugar de antes - o novo fica a 300 metros do antigo Globus. A cuidadosa reconstrução da aparência é combinada com o moderno equipamento técnico prédio.

O novo Globe foi inaugurado em 1997 com o nome de Shakespeare's Globe Theatre. Como, de acordo com a realidade histórica, o novo prédio foi construído sem telhado, as apresentações são realizadas apenas na primavera e no verão. No entanto, os passeios no teatro mais antigo de Londres, "Globe", são realizados diariamente. Ja entrou Este século ao lado do Globe restaurado, foi inaugurado um parque-museu temático dedicado a Shakespeare. Lá está a maior exposição do mundo dedicada ao grande dramaturgo; vários eventos temáticos de entretenimento são organizados para os visitantes: aqui você pode tentar escrever um soneto; assista a uma luta de espadas e até participe da produção de uma peça de Shakespeare.

A linguagem e os meios de palco de Shakespeare

Em geral, a linguagem das obras dramáticas de Shakespeare é extraordinariamente rica: de acordo com estudos de filólogos e críticos literários, seu dicionário contém mais de 15.000 palavras. A fala dos personagens está repleta de todos os tipos de tropos - metáforas, alegorias, paráfrases, etc. O dramaturgo usou muitas formas de poesia lírica do século XVI em suas peças. - soneto, canzone, alba, epitálamo, etc. O verso branco, com o qual suas peças são escritas principalmente, distingue-se pela flexibilidade e naturalidade. Esta é a razão da grande atração da obra de Shakespeare para os tradutores. Em particular, na Rússia, muitos mestres do texto literário recorreram às traduções das peças de Shakespeare - de N. Karamzin a A. Radlova, V. Nabokov, B. Pasternak, M. Donskoy e outros.

O minimalismo dos meios de palco do Renascimento permitiu que a dramaturgia de Shakespeare se fundisse organicamente em uma nova etapa no desenvolvimento do teatro mundial que remonta ao início do século XX. - teatro do diretor, focado não no trabalho de atuação individual, mas na solução conceitual geral da performance. É impossível enumerar até mesmo os princípios gerais de todas as numerosas produções de Shakespeare - de uma interpretação cotidiana detalhada a uma simbólica extremamente convencional; da farsa-comédia à elegíaco-filosófica ou à tragédia-mistério. É curioso que as peças de Shakespeare ainda sejam voltadas para espectadores de quase todos os níveis - de intelectuais estéticos a públicos pouco exigentes. Isso, juntamente com complexos problemas filosóficos, tanto intrigas intrincadas quanto um caleidoscópio de vários episódios de palco, intercalando cenas patéticas com cômicas, e a inclusão de duelos, números musicais, etc. na ação principal, contribuem.

As obras dramáticas de Shakespeare tornaram-se a base para muitas apresentações do teatro musical (as óperas Otelo, Falstaff (baseada nas Alegres Comadres de Windsor) e Macbeth de D. Verdi; o balé Romeu e Julieta de S. Prokofiev e muitos outros).

partida de shakespeare

A influência da obra de Shakespeare na literatura mundial

A influência das imagens criadas por William Shakespeare na literatura e na cultura mundial não pode ser superestimada. Hamlet, Macbeth, Rei Lear, Romeu e Julieta - esses nomes há muito se tornaram substantivos comuns. Eles são usados não apenas em trabalhos de arte, mas também na linguagem comum como uma designação de qualquer tipo humano. Para nós, Otelo é um homem ciumento, Lear é um pai destituído de herdeiros, a quem ele mesmo favoreceu, Macbeth é um usurpador do poder e Hamlet é uma pessoa dilacerada por contradições internas.

As imagens de Shakespeare também tiveram um grande impacto na literatura russa do século XIX. para as jogadas dramaturgo inglês contatou I. S. Turgueniev, F.M. Dostoiévski, L.N. Tolstói, A. P. Chekhov e outros escritores. No século XX, o interesse mundo interior pessoas, motivos e heróis das obras de Shakespeare novamente excitaram os poetas. Nós os encontramos em M. Tsvetaeva, B. Pasternak, V. Vysotsky.

Na era do classicismo e do Iluminismo, Shakespeare foi reconhecido por sua capacidade de seguir a "natureza", mas foi condenado por não conhecer as "regras": Voltaire o chamou de "brilhante bárbaro". A crítica do Iluminismo inglês apreciou a veracidade realista de Shakespeare. Na Alemanha, Shakespeare foi elevado a uma altura inatingível por I. Herder e Goethe (esboço de Goethe "Shakespeare e ele não tem fim", 1813-1816). No período do romantismo, a compreensão da obra de Shakespeare foi aprofundada por G. Hegel, S. T. Coleridge, Stendhal, V. Hugo.

Na Rússia, Shakespeare foi mencionado pela primeira vez em 1748 por A.P. Sumarokov, porém, mesmo na 2ª metade do século 18, Shakespeare ainda era pouco conhecido na Rússia. Shakespeare tornou-se um fato da cultura russa na primeira metade do século 19: escritores associados ao movimento dezembrista se voltaram para ele (V. K. Kuchelbeker, K. F. Ryleev, A. S. Griboedov, A. A. Bestuzhev, etc.) , A. S. Pushkin, que viu as principais vantagens de Shakespeare em sua objetividade, a verdade dos personagens e a "representação correta do tempo" e desenvolveu as tradições de Shakespeare na tragédia "Boris Godunov". Na luta pelo realismo da literatura russa, V. G. Belinsky também conta com Shakespeare. A importância de Shakespeare aumentou especialmente nos anos 30-50 do século XIX. Projetando imagens de Shakespeare no presente, A. I. Herzen, I. A. Goncharov e outros ajudaram a compreender a tragédia do tempo mais profundamente. Um evento notável foi a produção de "Hamlet" traduzido por N. A. Polevoy (1837) com P. S. Mochalov (Moscou) e V. A. Karatygin (Petersburgo) no papel-título. Na tragédia de Hamlet, V. G. Belinsky e outras pessoas progressistas da época viram a tragédia de sua geração. A imagem de Hamlet atrai a atenção de I. S. Turgenev, que viu nele as características de "pessoas supérfluas" (Art. "Hamlet e Don Quixote", 1860), F. M. Dostoiévski.

Paralelamente à compreensão da obra de Shakespeare na Rússia, o conhecimento das próprias obras de Shakespeare se aprofundou e se expandiu. No século 18 e início do século 19, foram traduzidas principalmente adaptações francesas de Shakespeare. As traduções da 1ª metade do século XIX pecaram ou com literalismo ("Hamlet" na tradução de M. Vronchenko, 1828), ou com liberdade excessiva ("Hamlet" na tradução de Polevoy). Em 1840-1860, as traduções de A. V. Druzhinin, A. A. Grigoriev, P. I. Weinberg e outros descobriram tentativas de uma abordagem científica para resolver problemas tradução literária(o princípio da adequação da linguagem, etc.). Em 1865-1868, sob a direção de N. V. Gerbel, o primeiro " coleção completa Obras dramáticas de Shakespeare na tradução de escritores russos". Em 1902-1904, sob a direção de S. A. Vengerov, foi realizada a segunda Obra Completa de Shakespeare pré-revolucionária.

As tradições do pensamento russo avançado foram continuadas e desenvolvidas pelos estudos soviéticos de Shakespeare com base em profundas generalizações feitas por K. Marx e F. Engels. No início dos anos 1920, A. V. Lunacharsky leu palestras sobre Shakespeare. O aspecto da crítica de arte do estudo da herança de Shakespeare é trazido à tona (V. K. Muller, I. A. Aksyonov). Monografias históricas e literárias (A. A. Smirnov) e trabalhos problemáticos individuais (M. M. Morozov) apareceram. Uma contribuição significativa para a ciência moderna de Shakespeare é o trabalho de A. A. Anikst, N. Ya. Berkovsky, a monografia de L. E. Pinsky. Os diretores de cinema G. M. Kozintsev, S. I. Yutkevich compreendem a natureza da obra de Shakespeare de uma maneira peculiar.

Criticando alegorias e metáforas magníficas, hipérboles e comparações incomuns, "horrores e bufonarias, raciocínios e efeitos" - traços característicos do estilo das peças de Shakespeare, Tolstoi os tomou como sinais de arte excepcional, atendendo às necessidades da "classe alta" de sociedade. Tolstói, ao mesmo tempo, aponta muitos dos méritos das peças do grande dramaturgo: sua notável “capacidade de encenar cenas em que se expressa o movimento dos sentimentos”, a extraordinária presença de palco de suas peças, sua genuína teatralidade. O artigo sobre Shakespeare contém os profundos julgamentos de Tolstói sobre o conflito dramático, os personagens, o desenvolvimento da ação, a linguagem dos personagens, a técnica de construção do drama, etc.

Ele disse: "Então me permiti culpar Shakespeare. Mas, afinal, toda pessoa age com ele; e é sempre claro por que ele faz isso. Ele tinha pilares com uma inscrição: Luar, casa. E graças a Deus, porque toda a atenção estava voltada para a essência do drama, e agora muito pelo contrário. "Tolstoi, que "negou" Shakespeare, colocou-o acima dos dramaturgos - seus contemporâneos, que criaram peças inativas de "humores", " enigmas", "símbolos".

Reconhecendo que sob a influência de Shakespeare toda a dramaturgia mundial, não tendo "base religiosa", Tolstói atribuiu a ela suas "peças teatrais", observando ao mesmo tempo que foram escritas "acidentalmente". Assim, o crítico V. V. Stasov, que saudou com entusiasmo o surgimento de seu drama folclórico O Poder das Trevas, descobriu que foi escrito com o poder de Shakespeare.

Em 1928, com base em suas impressões ao ler "Hamlet" de Shakespeare, M. I. Tsvetaeva escreveu três poemas: "Ophelia to Hamlet", "Ophelia in Defense of the Queen" e "Hamlet's Dialogue with Consscience".

Nos três poemas de Marina Tsvetaeva, pode-se destacar um único motivo que prevalece sobre os demais: o motivo da paixão. Além disso, Ophelia, que em Shakespeare aparece como modelo de virtude, pureza e inocência, atua como portadora das idéias de um "coração quente". Ela se torna uma ardente protetora da rainha Gertrude e até se identifica com a paixão.

Desde meados dos anos 30 do século XIX, Shakespeare ocupou um grande lugar no repertório do teatro russo. P. S. Mochalov (Richard III, Otelo, Lear, Hamlet), V. A. Karatygin (Hamlet, Lear) são artistas famosos dos papéis de Shakespeare. Na segunda metade do século 19 - início do século 20, o Moscow Maly Theatre criou sua própria escola de sua personificação teatral - uma combinação de realismo de palco com elementos de romance, que apresentou intérpretes notáveis de Shakespeare como G. Fedotova, A. Lensky, A. Yuzhin, M. Yermolova . No início do século XX, o Teatro de Arte de Moscou voltou-se para o repertório shakespeariano (Júlio César, 1903, encenado por Vl. I. Nemirovich-Danchenko com a participação de K. S. Stanislavsky; Hamlet, 1911, encenado por G. Craig; César e Hamlet - V. I. Kachalov

Na década de 70 do século XVIII, surgiu a hipótese de que o autor das peças não era, mas outra pessoa que desejava permanecer anônima. Ao longo de dois séculos de disputas e discussões, dezenas de hipóteses foram apresentadas, e agora, talvez, não haja um único contemporâneo mais ou menos famoso de Shakespeare que não seja creditado com a autoria de peças brilhantes.

As circunstâncias da vida do grande dramaturgo inglês William Shakespeare são relativamente pouco conhecidas, pois ele compartilha o destino da grande maioria dos outros autores de sua época, cuja personalidade não se interessou particularmente pelos contemporâneos. Falando sobre o estudo da biografia do dramaturgo, vale antes de tudo destacar um grupo de estudiosos “não stratfordianos”, cujos membros negam a autoria do ator Shakespeare de Stratford e acreditam que este é o nome sob o qual outra pessoa ou grupo de pessoas estava se escondendo e, muito provavelmente, o verdadeiro ator Shakespeare ele mesmo deu permissão para o uso de seu nome. A rejeição da visão tradicional é conhecida desde 1848, embora não haja consenso entre os não stratfordianos sobre quem exatamente foi o verdadeiro autor das obras de Shakespeare.

Retrato de William Shakespeare. (wikipedia.org)

Os defensores dessa teoria acreditam que os fatos conhecidos sobre o ator Shakespeare de Stratford contradizem o conteúdo e o estilo das peças e poemas de Shakespeare. Numerosas teorias foram apresentadas sobre os supostos candidatos, e até agora existem várias dezenas.

O Globe Theatre em Londres, onde as peças de Shakespeare foram encenadas. (wikipedia.org)

O dicionário lexical das obras de William Shakespeare é de 15 mil palavras diferentes, enquanto o contemporâneo tradução do inglês A Bíblia King James tem apenas 5.000. No entanto, os escritores contemporâneos de Shakespeare (Marlo, Johnson, John Donne) não eram de origem menos modesta (aliás, o pai de Shakespeare de Stratford era rico e era um dos governadores da cidade), mas seu aprendizado superou o de Shakespeare.

Entre os contemporâneos de Shakespeare, o dramaturgo nunca foi considerado altamente educado, mas sim um escritor autodidata intuitivamente talentoso.

Elizabeth I em um palanquim durante uma procissão, c. 1601. (wikipedia.org)

Retrato de Francis Bacon. (wikipedia.org)

Outro candidato à autoria foi Edward de Vere, conde de Oxford. O 17º Conde de Oxford foi poeta da corte da Rainha Elizabeth I e serviu como Chamberlain da Inglaterra. Seus poemas são semelhantes a Vênus e Adônis de Shakespeare. Além disso, o brasão do conde é um leão deslumbrante com uma lança quebrada, e o famoso aristocrata de sua época estava ciente das intrigas palacianas refletidas em muitas das peças de Shakespeare.

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