O papel de Ostrovsky na história da literatura russa. Qual é o significado de criatividade A

Qual é o significado do trabalho de A. N. Ostrovsky no drama mundial.

1. A importância de A. N. Ostrovsky para o desenvolvimento do drama doméstico e do palco, seu papel nas conquistas de toda a cultura russa é inegável e enorme. Ele fez tanto pela Rússia quanto Shakespeare fez pela Inglaterra ou Molière pela França.
   Ostrovsky escreveu 47 peças originais (sem contar as segundas edições de Kozma Minin e Voevoda e sete peças em colaboração com S. A. Gedeonov (Vasilisa Melentyeva), N. Ya. Solovyov (Happy Day, Belugin's Marriage, Savage, Shines, mas não aquece) e P. M. Nevezhin (Bliss, o Velho de uma Nova Maneira)... Nas palavras do próprio Ostrovsky, este é todo um teatro folclórico.
   Mas a dramaturgia de Ostrovsky é um fenômeno puramente russo, embora sua obra,
   sem dúvida influenciou a dramaturgia e o teatro dos povos fraternos,
   pertencente à URSS. Suas peças foram traduzidas e encenadas em
   etapas da Ucrânia, Bielorrússia, Armênia, Geórgia, etc.

   As peças de Ostrovsky ganharam admiradores no exterior. Suas peças são encenadas
   nos teatros dos antigos países democráticos populares, especialmente nos palcos
   estados eslavos(Bulgária, Tchecoslováquia).
   Após a Segunda Guerra Mundial, as peças do dramaturgo atraíram cada vez mais a atenção de editoras e teatros dos países capitalistas.
   Aqui, antes de mais nada, eles se interessaram pelas peças Trovoada, Para todo sábio há simplicidade suficiente, Floresta, Donzela da Neve, Lobos e ovelhas, Dote.
   Mas tal popularidade e reconhecimento como Shakespeare ou Moliere, russo
   dramaturgo na cultura mundial não ganhou.

2. Tudo o que o grande dramaturgo descreveu não foi erradicado até hoje.

Composição

O dramaturgo quase não colocou em sua obra política e problemas filosóficos, expressões faciais e gestos, brincando com os detalhes de seus trajes e móveis domésticos. Para potencializar os efeitos cômicos, o dramaturgo costumava introduzir na trama pessoas menores - parentes, criados, clientes, transeuntes aleatórios - e circunstâncias secundárias da vida cotidiana. Tal é, por exemplo, a comitiva de Khlynov e o cavalheiro de bigode em The Hot Heart, ou Apollo Murzavetsky com seu Tamerlane na comédia Wolves and Sheep, ou o ator Schastlivtsev sob Neschastlivtsev e Paratov em The Forest and The Dowry, etc. o dramaturgo, como antes, procurou revelar os personagens dos personagens não apenas no próprio curso dos acontecimentos, mas não menos pelas peculiaridades de seus diálogos cotidianos - diálogos "caracterológicos", esteticamente dominados por ele em "Seu povo .. .".

Assim, no novo período de criatividade, Ostrovsky atua como um mestre estabelecido com um sistema completo de arte dramática. Sua fama, suas conexões sociais e teatrais continuam a crescer e se tornar mais complexas. A própria abundância de peças criadas no novo período foi o resultado de uma demanda cada vez maior pelas peças de Ostrovsky em revistas e teatros. Durante esses anos, o dramaturgo não apenas trabalhou incansavelmente, mas também encontrou forças para ajudar escritores menos talentosos e novatos e, às vezes, participar ativamente de seus trabalhos. Assim, em colaboração criativa com Ostrovsky, foram escritas várias peças de N. Solovyov (as melhores delas são “O Casamento de Belugin” e “Mulher Selvagem”), bem como de P. Nevezhin.

Contribuindo constantemente para a encenação de suas peças nos palcos de Moscou Maly e São Petersburgo teatros de Alexandria, Ostrovsky conhecia bem a situação dos assuntos teatrais, que estão principalmente sob a jurisdição do aparato burocrático do estado, e estava amargamente ciente de suas deficiências flagrantes. Ele viu que não retratava a nobre e burguesa intelectualidade raznochintsy em sua busca ideológica, assim como Herzen, Turgenev e, em parte, Goncharov. Em suas peças, ele mostrou a vida social cotidiana de representantes comuns da classe mercantil, da burocracia, da nobreza, uma vida onde conflitos pessoais, em particular amorosos, manifestavam choques de interesses familiares, monetários e patrimoniais.

Mas a consciência ideológica e artística de Ostrovsky desses aspectos da vida russa tinha um profundo significado nacional e histórico. Por meio das relações cotidianas daquelas pessoas que eram os senhores e donos da vida, sua condição social geral era revelada. Assim como, de acordo com a oportuna observação de Chernyshevsky, o comportamento covarde do jovem liberal, o herói da história de Turgenev "Asya", em um encontro com uma garota era um "sintoma da doença" de todo nobre liberalismo, sua fraqueza política, então a tirania cotidiana e o comportamento predatório de comerciantes, funcionários e nobres agiam como um sintoma de uma doença mais terrível de sua total incapacidade de, pelo menos até certo ponto, dar a suas atividades um significado progressivo nacional.

Isso era bastante natural e natural no período pré-reforma. Então a tirania, arrogância, predação dos Voltovs, Vyshnevskys, Ulanbekovs era uma manifestação do "reino das trevas" da servidão, já condenado a ser desmantelado. E Dobrolyubov apontou corretamente que, embora a comédia de Ostrovsky "não possa fornecer uma chave para explicar muitos dos fenômenos amargos retratados nela", no entanto, "ela pode facilmente levar a muitas considerações análogas relacionadas àquela vida, às quais não diz respeito diretamente". E o crítico explicou isso pelo fato de que os "tipos" de pequenos tiranos, criados por Ostrovsky, "não raramente contêm características não apenas exclusivamente mercantil ou burocrática, mas também nacionais (ou seja, nacionais)." Em outras palavras, as peças de Ostrovsky de 1840-1860. expôs indiretamente todos os "reinos sombrios" do sistema autocrático-feudal.

Nas décadas pós-reforma, a situação mudou. Então “tudo virou de cabeça para baixo” e o novo sistema burguês da vida russa gradualmente começou a “se encaixar”. sistema.

Quase vinte novas peças de Ostrovsky em temas contemporâneos deu uma resposta negativa clara a esta pergunta fatal. O dramaturgo, como antes, retratou o mundo das relações privadas sociais, domésticas, familiares e de propriedade. Nem tudo estava claro para ele nas tendências gerais de seu desenvolvimento, e sua "lira" às vezes não emitia "sons corretos" a esse respeito. Mas, em geral, as peças de Ostrovsky continham uma certa orientação objetiva. Eles expuseram tanto os remanescentes do antigo "reino sombrio" do despotismo quanto o recém-emergido "reino sombrio" da predação burguesa, exagero do dinheiro, a destruição de todos os valores morais em uma atmosfera de compra e venda geral. Eles mostraram que os empresários e industriais russos não são capazes de atingir os interesses do desenvolvimento nacional, que alguns deles, como Khlynov e Akhov, são capazes apenas de se entregar a prazeres grosseiros, outros, como Knurov e Berkutov, podem apenas subordinam tudo ao seu redor aos seus interesses predatórios de "lobo" e, para terceiros, como Vasilkov ou Frol Pribytkov, os interesses do lucro são cobertos apenas pela decência externa e exigências culturais muito estreitas. As peças de Ostrovsky, além dos planos e intenções de seu autor, delinearam objetivamente uma certa perspectiva de desenvolvimento nacional - a perspectiva da destruição inevitável de todos os remanescentes do antigo "reino das trevas" do despotismo autocrático dos servos, não apenas sem a participação de a burguesia, não apenas sobre sua cabeça, mas junto com a destruição de seu próprio "reino das trevas" predatório

A realidade retratada nas peças cotidianas de Ostrovsky era uma forma de vida desprovida de um conteúdo progressista nacional e, portanto, revelava facilmente a inconsistência cômica interna. Ostrovsky dedicou seu notável talento dramático à sua divulgação. Apoiando-se na tradição das comédias e histórias realistas de Gogol, reconstruindo-a de acordo com as novas demandas estéticas apresentadas pela "escola natural" da década de 1840 e formuladas por Belinsky e Herzen, Ostrovsky traçou a inconsistência cômica da vida social e cotidiana de as camadas dominantes da sociedade russa, aprofundando-se nos "detalhes do mundo", olhando fio após fio da "teia de relacionamentos cotidianos". Esta foi a principal conquista do novo estilo dramático criado por Ostrovsky.

Alexander Nikolayevich Ostrovsky (1823-1886) ocupa um lugar digno entre os maiores representantes do drama mundial.

O significado das atividades de Ostrovsky, que por mais de quarenta anos publicou anualmente nas melhores revistas da Rússia e encenou peças nos palcos dos teatros imperiais de São Goncharov, dirigiu-se ao próprio dramaturgo.

“Você trouxe literatura de presente uma biblioteca inteira trabalhos de arte, criaram seu próprio mundo especial para o palco. Você sozinho completou o edifício, na fundação do qual você colocou as pedras angulares de Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Mas só depois de você sermos russos, podemos dizer com orgulho: “Temos nosso próprio russo, teatro nacional“. Para ser justo, deveria ser chamado de Teatro de Ostrovsky.

Ostrovsky começou sua maneira criativa na década de 40, durante a vida de Gogol e Belinsky, e completou na segunda metade dos anos 80, numa época em que A.P. Chekhov já estava firmemente estabelecido na literatura.

A convicção de que a obra do dramaturgo, criando um repertório teatral, é um alto serviço público permeou e dirigiu a atividade de Ostrovsky. Ele estava organicamente conectado com a vida da literatura.

Na juventude, o dramaturgo escreveu artigos críticos e participou dos assuntos editoriais da Moskvityanin, tentando mudar os rumos dessa revista conservadora, publicando na Sovremennik e " Notas domésticas”, tornou-se amigo de N. A. Nekrasov, L. N. Tolstoy, I. S. Turgenev, I. A. Goncharov e outros escritores. Ele acompanhava seu trabalho, discutia com eles suas obras e ouvia suas opiniões sobre suas peças.

Em uma época em que teatros estaduais foram oficialmente considerados "imperiais" e estavam sob o controle do Ministério do Tribunal, e as instituições provinciais de entretenimento foram dadas à plena disposição dos empresários, Ostrovsky apresentou a ideia de uma reestruturação completa dos negócios teatrais em Rússia. Ele argumentou a necessidade de substituir o tribunal e o teatro comercial por um folclórico.

Não se limitando ao desenvolvimento teórico dessa ideia em artigos e notas especiais, o dramaturgo durante por longos anos praticamente lutou por sua implementação. As principais áreas em que realizou suas visões sobre o teatro foram seu trabalho e o trabalho com atores.

dramaturgia, base literária Ostrovsky considerou a performance como seu elemento definidor. O repertório do teatro, que dá ao espectador a oportunidade de “ver a vida russa e a história russa no palco”, segundo seus conceitos, era dirigido principalmente ao público democrático, “para o qual os escritores do povo querem escrever e são obrigados a escrever. " Ostrovsky defendeu os princípios do teatro do autor.

Ele considerava os teatros de Shakespeare, Molière e Goethe experiências exemplares desse tipo. A combinação em uma pessoa do autor de obras dramáticas e seu intérprete no palco - o professor de atores, o diretor - parecia a Ostrovsky uma garantia de integridade artística, a atividade orgânica do teatro.

Essa ideia, na ausência de direção, com a orientação tradicional do espetáculo teatral para a atuação de atores individuais, "solo", foi inovadora e frutífera. Seu significado não se esgotou até hoje, quando o diretor se tornou a figura principal do teatro. Basta recordar o teatro "Berliner Ensemble" de B. Brecht para se convencer disso.

Superando a inércia da administração burocrática, intrigas literárias e teatrais, Ostrovsky trabalhou com atores, dirigindo constantemente as produções de suas novas peças nos teatros Maly Moscow e Alexandrinsky Petersburg.

A essência de sua ideia era implementar e consolidar a influência da literatura no teatro. Fundamental e categoricamente, condenou o cada vez mais sentido desde os anos 70. subordinação dos escritores dramáticos aos gostos dos atores - os favoritos do palco, seus preconceitos e caprichos. Ao mesmo tempo, Ostrovsky não concebeu a dramaturgia sem o teatro.

Suas peças foram escritas com a expectativa direta de verdadeiros intérpretes, artistas. Ele enfatizou: para escrever boa jogada, o autor deve ter pleno conhecimento das leis do palco, o lado puramente plástico do teatro.

Longe de todo dramaturgo, ele estava pronto para entregar o poder aos artistas de palco. Ele tinha certeza de que apenas um escritor que criou sua própria dramaturgia única, seu próprio mundo especial no palco, tem algo a dizer aos artistas, algo a ensinar a eles. A atitude de Ostrovsky em relação ao teatro moderno foi determinada por sua sistema de arte. O herói da dramaturgia de Ostrovsky era o povo.

Toda a sociedade e, além disso, a vida sócio-histórica do povo aparecia em suas peças. Não sem razão, os críticos N. Dobrolyubov e A. Grigoriev, que abordaram a obra de Ostrovsky de posições mutuamente opostas, viram em suas obras um quadro completo da vida do povo, embora avaliassem a vida retratada pelo escritor de maneira diferente.

Essa orientação do escritor para os fenômenos de massa da vida correspondia ao princípio do jogo de conjunto, que ele defendia, a consciência inerente ao dramaturgo da importância da unidade, a integridade das aspirações criativas da equipe de atores participantes da performance .

Em suas peças, Ostrovsky retratou fenômenos sociais que tinham raízes profundas - conflitos, cujas origens e causas muitas vezes remontam a épocas históricas distantes.

Ele viu e mostrou as aspirações frutíferas surgindo na sociedade e o novo mal surgindo nela. Os portadores de novas aspirações e ideias em suas peças são obrigados a travar uma dura luta contra o antigo, consagrado pela tradição, costumes e visões conservadoras, e o novo mal colide nelas com o ideal ético secular do povo, com forte tradições de resistência. injustiça social e erro moral.

Cada personagem das peças de Ostrovsky está organicamente conectado com seu ambiente, sua época, a história de seu povo. Ao mesmo tempo, uma pessoa comum, em cujos conceitos, hábitos e fala em si, seu parentesco com o social e paz nacional, é o foco de interesse nas peças de Ostrovsky.

O destino individual de uma pessoa, a felicidade e a infelicidade de um indivíduo, pessoa comum, suas necessidades, sua luta pelo bem-estar pessoal emocionam o espectador dos dramas e comédias deste dramaturgo. A posição de uma pessoa serve neles como uma medida do estado da sociedade.

Além disso, a personalidade típica, a energia com que a vida das pessoas "afeta" as características individuais de uma pessoa, na dramaturgia de Ostrovsky, tem um importante significado ético e estético. A caracterização é maravilhosa.

Assim como os dramaturgos de Shakespeare herói trágico, seja belo ou terrível em termos de avaliação ética, pertence à esfera da beleza, nas peças de Ostrovsky o herói característico, na medida de sua tipicidade, é a personificação da estética e, em vários casos, da riqueza espiritual , vida histórica e cultura do povo.

Essa característica da dramaturgia de Ostrovsky predeterminou sua atenção ao jogo de cada ator, à capacidade do intérprete de apresentar um tipo no palco, de recriar de forma vívida e cativante um personagem social original e individual.

Ostrovsky apreciou especialmente essa habilidade nos melhores artistas de seu tempo, incentivando e ajudando a desenvolvê-la. Dirigindo-se a A. E. Martynov, ele disse: “... a partir de vários traços esboçados por uma mão inexperiente, você criou os tipos finais, cheios de verdade artística. É por isso que você é querido pelos autores.

Ostrovsky encerrou sua discussão sobre a nacionalidade do teatro, sobre o fato de que dramas e comédias são escritos para todo o povo: "... os escritores dramáticos devem sempre se lembrar disso, devem ser claros e fortes."

A clareza e força da criatividade do autor, além dos tipos criados em suas peças, encontra expressão nos conflitos de suas obras, construídas sobre simples incidentes da vida, refletindo, porém, os principais embates da vida social moderna.

Em seu artigo inicial, avaliando positivamente a história de A.F. Pisemsky “O Colchão”, Ostrovsky escreveu: “A intriga da história é simples e instrutiva, como a vida. Por causa dos personagens originais, por causa do natural e em o mais alto grau O dramático curso dos acontecimentos mostra-se através de um pensamento nobre, obtido pela experiência mundana.

Esta história é verdadeiramente uma obra de arte." O curso dramático natural dos acontecimentos, personagens originais, representação da vida das pessoas comuns - listando esses sinais da verdadeira arte na história de Pisemsky, o jovem Ostrovsky sem dúvida procedeu de suas reflexões sobre as tarefas do drama como arte.

É característico que Ostrovsky dê grande importância ao ensino trabalho literário. A instrutividade da arte lhe dá um motivo para comparar e aproximar a arte da vida.

Ostrovsky acreditava que o teatro, reunindo dentro de suas paredes um grande e diversificado público, unindo-o a um senso de prazer estético, deveria educar a sociedade, ajudar espectadores simples e despreparados “a entender a vida pela primeira vez” e dar aos educados “uma toda a perspectiva de pensamentos dos quais você não consegue se livrar” (ibid.).

Ao mesmo tempo, a didática abstrata era estranha a Ostrovsky. "Ter bons pensamentos qualquer um pode, mas só os escolhidos podem controlar mentes e corações”, lembrou, ironicamente a escritores que substituem sérios problemas artísticos por tiradas edificantes e uma tendência nua. O conhecimento da vida, a sua representação realista e verdadeira, a reflexão sobre as questões mais prementes e complexas da sociedade - é isso que o teatro deve apresentar ao público, é isso que faz do palco uma escola de vida.

O artista ensina o espectador a pensar e sentir, mas não lhe dá soluções prontas. A dramaturgia didática, que não revela a sabedoria e a instrutividade da vida, mas a substitui por verdades comuns declarativamente expressas, é desonesta, pois não é artística, embora seja precisamente por causa de impressões estéticas que as pessoas vão ao teatro.

Essas ideias de Ostrovsky encontraram uma refração peculiar em sua atitude em relação à dramaturgia histórica. O dramaturgo argumentou que "dramas históricos e crônicas<...>desenvolver o autoconhecimento das pessoas e educar o amor consciente pela pátria.

Ao mesmo tempo, ele enfatizou que não a distorção do passado por causa de uma ou outra ideia tendenciosa, não calculada no efeito externo do palco do melodrama nas tramas históricas e não a transcrição de monografias científicas em forma dialógica, mas uma a recriação verdadeiramente artística da realidade viva dos séculos passados ​​​​no palco pode ser a base da performance patriótica.

Tal performance ajuda a sociedade a se conhecer, estimula a reflexão, dando um caráter consciente ao sentimento imediato de amor pela pátria. Ostrovsky entendeu que as peças que ele cria todos os anos formam a base do repertório teatral moderno.

Definindo os tipos de obras dramáticas, sem as quais não pode existir um repertório exemplar, ele, além de dramas e comédias que retratam a vida russa moderna, e crônicas históricas, denominadas extravagâncias, peças de contos de fadas para apresentações festivas, acompanhadas de música e danças, concebidas como um colorido espetáculo folclórico.

O dramaturgo criou uma obra-prima desse tipo - o conto de fadas da primavera "The Snow Maiden", no qual fantasia poética e cenário pitoresco se combinam com profundo conteúdo lírico e filosófico.

História da literatura russa: em 4 volumes / Editado por N.I. Prutskov e outros - L., 1980-1983

(1843 – 1886).

Alexander Nikolaevich "Ostrovsky -" um gigante da literatura teatral "(Lunacharsky), ele criou o teatro russo, todo um repertório no qual muitas gerações de atores foram criados, as tradições foram fortalecidas e desenvolvidas Artes performáticas. Seu papel na história do desenvolvimento da dramaturgia russa e de toda a cultura nacional dificilmente pode ser superestimado. Ele fez tanto pelo desenvolvimento da dramaturgia russa quanto Shakespeare fez na Inglaterra, Lope de Vega na Espanha, Molière na França, Goldoni na Itália e Schiller na Alemanha.

"A história deixou o nome dos grandes e brilhantes apenas para aqueles escritores que sabiam escrever para todo o povo, e apenas aquelas obras sobreviveram aos séculos que eram verdadeiramente populares em casa; tais obras eventualmente se tornam compreensíveis e valiosas para outros povos, e finalmente, e para o mundo inteiro." Essas palavras do grande dramaturgo Alexander Nikolayevich Ostrovsky podem ser atribuídas à sua própria obra.

Apesar do assédio infligido pela censura, pelo comitê teatral e literário e pela diretoria dos teatros imperiais, apesar das críticas dos círculos reacionários, a dramaturgia de Ostrovsky conquistou a cada ano mais simpatia tanto entre os espectadores democráticos quanto entre os artistas.

Desenvolvendo as melhores tradições da arte dramática russa, usando a experiência da dramaturgia estrangeira progressiva, aprendendo incansavelmente sobre a vida país natal, em constante comunicação com o povo, em contato próximo com o público contemporâneo mais progressista, Ostrovsky tornou-se uma representação marcante da vida de sua época, que personificou os sonhos de Gogol, Belinsky e outras figuras literárias progressistas sobre o surgimento e o triunfo dos personagens russos no palco nacional.

A atividade criativa de Ostrovsky teve uma grande influência em todo o desenvolvimento posterior do drama russo progressivo. Foi com ele que nossos melhores dramaturgos estudaram, ensinou. Foi para ele que aspirantes a escritores dramáticos foram atraídos em seu tempo.

A força da influência de Ostrovsky sobre os escritores de sua época pode ser evidenciada por uma carta à poetisa dramaturga A. D. Mysovskaya. “Você sabe quão grande foi sua influência sobre mim? Não foi o amor pela arte que me fez entender e apreciar você: pelo contrário, você me ensinou a amar e respeitar a arte. Devo apenas a você o fato de ter resistido à tentação de cair na arena da mediocridade literária miserável, não perseguir louros baratos jogados pelas mãos de meio-educados agridoces. Você e Nekrasov me fizeram apaixonar pelo pensamento e pelo trabalho, mas Nekrasov me deu apenas o primeiro impulso, você é a direção. Lendo suas obras, percebi que rimar não é poesia, e um conjunto de frases não é literatura, e que somente processando a mente e a técnica, o artista será um verdadeiro artista.

Ostrovsky teve um impacto poderoso não apenas no desenvolvimento do drama doméstico, mas também no desenvolvimento do teatro russo. A importância colossal de Ostrovsky no desenvolvimento do teatro russo é bem enfatizada em um poema dedicado a Ostrovsky e lido em 1903 por M. N. Yermolova do palco do Teatro Maly:

No palco, a própria vida, do palco sopra a verdade,

E o sol brilhante acaricia e aquece-nos...

A fala ao vivo de pessoas comuns e vivas soa,

No palco, não é um “herói”, não é um anjo, não é um vilão,

Mas apenas um homem ... ator feliz

Com pressa para quebrar rapidamente os grilhões pesados

Condições e mentiras. Palavras e sentimentos são novos

Mas nos segredos da alma, a resposta soa para eles, -

E todas as bocas sussurram: bem-aventurado o poeta,

Arrancou as capas surradas e enfeitadas

E lançar uma luz brilhante no reino das trevas

A famosa atriz escreveu sobre o mesmo em 1924 em suas memórias: “Juntamente com Ostrovsky, a própria verdade e a própria vida apareceram no palco ... Começou o crescimento do drama original, cheio de respostas à modernidade ... Eles começaram a falar sobre o pobres, humilhados e insultados”.

A direção realista, abafada pela política teatral da autocracia, continuada e aprofundada por Ostrovsky, colocou o teatro no caminho da estreita ligação com a realidade. Só deu vida ao teatro como um teatro folclórico nacional, russo.

“Você trouxe toda uma biblioteca de obras de arte de presente para a literatura, criou seu próprio mundo especial para o palco. Você sozinho completou o edifício, em cujo alicerce foram lançadas as pedras angulares de Fonvizin, Griboyedov, Gogol. Esta carta maravilhosa foi recebida entre outras felicitações no ano do trigésimo quinto aniversário da atividade literária e teatral, Alexander Nikolaevich Ostrovsky de outro grande escritor russo - Goncharov.

Mas muito antes, sobre o primeiro trabalho do ainda jovem Ostrovsky, publicado em Moskvityanin, um sutil conhecedor de elegância e um observador sensível V. F. Odoevsky escreveu: este homem é um grande talento. Considero três tragédias na Rus': “Undergrowth”, “Woe from Wit”, “Inspector”. Coloquei o número quatro em falido.

De uma primeira avaliação tão promissora à carta de aniversário de Goncharov - uma vida cheia e ocupada; trabalho, e levou a uma relação tão lógica de avaliações, porque o talento exige, antes de tudo, muito trabalho sobre si mesmo, e o dramaturgo não pecou diante de Deus - ele não enterrou seu talento no chão. Tendo publicado o primeiro trabalho em 1847, Ostrovsky desde então escreveu 47 peças e traduziu mais de vinte peças de línguas europeias. E tudo no criado por ele teatro folclórico- cerca de mil atores.

Pouco antes de sua morte, em 1886, Alexander Nikolayevich recebeu uma carta de L. N. Tolstoy, na qual o brilhante escritor de prosa admitia: “Sei por experiência própria como as pessoas leem, ouvem e lembram de suas coisas e, portanto, gostaria de ajudá-lo a ter agora rapidamente se torne na realidade o que você é, sem dúvida, um escritor de todo o povo no sentido mais amplo.

Mesmo antes de Ostrovsky, a dramaturgia russa progressiva teve peças magníficas. Lembremo-nos de "Undergrowth" de Fonvizin, "Woe from Wit" de Griboedov, "Boris Godunov" de Pushkin, "Inspector General" de Gogol e "Masquerade" de Lermontov. Cada uma dessas peças poderia enriquecer e embelezar, como Belinsky escreveu com razão, a literatura de qualquer país da Europa Ocidental.

Mas essas jogadas eram muito poucas. E não determinaram o estado do repertório teatral. Falando figurativamente, eles se elevavam acima do nível da dramaturgia de massa como montanhas solitárias e raras em uma planície desértica sem fim. A grande maioria das peças que enchiam a então cena teatral eram traduções de vaudeville frívolo e vazio e melodramas sentimentais tecidos de horrores e crimes. Tanto o vaudeville quanto o melodrama, terrivelmente distantes da vida, não eram sequer sua sombra.

No desenvolvimento da dramaturgia russa e do teatro doméstico, o aparecimento de peças de A.N. Ostrovsky constituiu toda uma era. Eles voltaram drasticamente a dramaturgia e o teatro de volta à vida, à sua verdade, ao que realmente tocou e emocionou as pessoas do estrato desfavorecido da população, o povo trabalhador. Criando "peças da vida", como Dobrolyubov os chamava, Ostrovsky agia como um destemido cavaleiro da verdade, um lutador incansável contra o reino sombrio da autocracia, um expositor impiedoso das classes dominantes - a nobreza, a burguesia e os funcionários que serviram fielmente eles.

Mas Ostrovsky não se limitou ao papel de acusador satírico. Ele retratou com vivacidade e simpatia as vítimas do despotismo sócio-político e doméstico, trabalhadores, buscadores da verdade, iluministas, protestantes calorosos contra a arbitrariedade e a violência.

O dramaturgo não só fez guloseimas suas peças de gente do trabalho e do progresso, portadores da verdade e da sabedoria do povo, mas também escritas em nome do povo e para o povo.

Ostrovsky retratou em suas peças a prosa da vida, pessoas comuns em circunstâncias cotidianas. Tomando os problemas universais do mal e do bem, verdade e injustiça, beleza e feiúra como conteúdo de suas peças, Ostrovsky sobreviveu a seu tempo e entrou em nossa era como seu contemporâneo.

O caminho criativo de A.N. Ostrovsky durou quatro décadas. Escreveu suas primeiras obras em 1846 e a última em 1886.

Durante esse tempo, ele escreveu 47 peças originais e várias peças em colaboração com Solovyov ("O Casamento de Balzaminov", "Selvagem", "Brilha, mas não esquenta", etc.); fez muitas traduções do italiano, espanhol, francês, inglês, indiano (Shakespeare, Goldoni, Lope de Vega - 22 peças). São 728 papéis, 180 atos em suas peças; todos os Rus' estão representados. Variedade de gêneros: comédias, dramas, crônicas dramáticas, cenas familiares, tragédias, esquetes dramáticas são apresentados em sua dramaturgia. Ele atua em seu trabalho como romântico, chefe de família, trágico e comediante.

Claro, qualquer periodização é até certo ponto condicional, mas para navegar melhor na diversidade da obra de Ostrovsky, dividiremos sua obra em várias etapas.

1846 - 1852 - o estágio inicial da criatividade. As obras mais importantes escritas neste período: "Notas de um morador de Zamoskvoretsky", a peça "Pintura felicidade familiar”, “Nosso povo - vamos contar”, “Pobre noiva”.

1853 - 1856 - o chamado período "eslavófilo": "Não entre no seu trenó." "A pobreza não é um vício", "Não viva como você quer."

1856 - 1859 - reaproximação com o círculo de Sovremennik, um retorno às posições realistas. As peças mais importantes desse período: "Um lugar lucrativo", "O aluno", "Uma ressaca na festa de outra pessoa", "A trilogia Balzaminov" e, finalmente, criada durante o período da situação revolucionária, "Tempestade" .

1861 - 1867 - aprofundando-se no estudo da história nacional, o resultado são as crônicas dramáticas de Kozma Zakharyich Minin-Sukhoruk, Dmitry the Pretender e Vasily Shuisky, Tushino, o drama Vasilisa Melentievna, a comédia Voyevoda ou Dream on the Volga.

1869 - 1884 - as peças criadas durante este período de criatividade são dedicadas às relações sociais e domésticas que se desenvolveram na vida russa após a reforma de 1861. As peças mais importantes desse período: “Suficiente simplicidade para todo sábio”, “Coração Quente”, “Dinheiro Louco”, “Floresta”, “Lobos e Ovelhas”, “Última Vítima”, “Amor Tardio”, “Talentos e Admiradores”, “Culpado sem culpa.”

As peças de Ostrovsky não surgiram do nada. Sua aparição está diretamente ligada às peças de Griboedov e Gogol, que absorveram tudo de valioso que a comédia russa que os precedeu alcançou. Ostrovsky conhecia bem a velha comédia russa do século 18, estudou especialmente as obras de Kapnist, Fonvizin, Plavilshchikov. Por outro lado - a influência da prosa da "escola natural".

Ostrovsky chegou à literatura no final dos anos 1940, quando a dramaturgia de Gogol foi reconhecida como o maior fenômeno literário e social. Turgenev escreveu: "Gogol mostrou como nossa literatura dramática irá com o tempo." Ostrovsky, desde os primeiros passos de sua atividade, percebeu-se como um sucessor das tradições de Gogol, " escola natural”, considerava-se entre os autores de uma “nova tendência da nossa literatura”.

Os anos de 1846 a 1859, quando Ostrovsky trabalhou em sua primeira grande comédia "Our People - Let's Settle", foram os anos de sua formação como escritor realista.

O programa ideológico e artístico do dramaturgo Ostrovsky é claramente exposto em seus artigos críticos e resenhas. O artigo "Mistake", a história de Madame Tour" ("Moskvityanin", 1850), um artigo inacabado sobre o romance de Dickens "Dombey and Son" (1848), uma resenha da comédia de Menshikov "Moskvityanin", ("Moskvityanin" 1850 ), "Nota sobre a situação da arte dramática na Rússia na atualidade" (1881), "Uma palavra de mesa sobre Pushkin" (1880).

As visões sócio-literárias de Ostrovsky são caracterizadas pelas seguintes disposições principais:

Primeiro, ele acredita que o drama deve ser um reflexo da vida das pessoas, da consciência das pessoas.

O povo para Ostrovsky é, antes de tudo, a massa democrática, as classes baixas, as pessoas comuns.

Ostrovsky exigiu que o escritor estudasse a vida do povo, aqueles problemas que preocupam o povo.

“Para ser um escritor do povo”, escreve ele, “não basta amar a pátria... é preciso conhecer bem o seu povo, conviver melhor com ele, relacionar-se. A melhor escola de talentos é o estudo da nacionalidade.

Em segundo lugar, Ostrovsky fala sobre a necessidade de uma identidade nacional para a dramaturgia.

A nacionalidade da literatura e da arte é entendida por Ostrovsky como consequência integral de sua nacionalidade e democracia. "Só é nacional aquela arte que é popular, pois o verdadeiro portador da nacionalidade é a massa popular, democrática."

Na "Tabela Palavra sobre Pushkin" - um exemplo de tal poeta é Pushkin. Pushkin é um poeta do povo, Pushkin é um poeta nacional. Pushkin desempenhou um papel importante no desenvolvimento da literatura russa porque "deu coragem ao escritor russo para ser russo".

E, finalmente, a terceira disposição é sobre a natureza socialmente acusatória da literatura. “Quanto mais popular a obra, mais elemento acusatório nela, porque a “característica distintiva do povo russo” é “aversão a tudo que é nitidamente definido”, falta de vontade de retornar às “velhas formas já condenadas” de vida, o desejo de “buscar o melhor”.

O público espera que a arte denuncie os vícios e deficiências da sociedade, julgue a vida.

Condenando esses vícios em sua imagens artísticas o escritor desperta aversão a eles no público, obriga-os a serem melhores, mais morais. Portanto, “a direção social e denunciadora pode ser chamada de moral e pública”, enfatiza Ostrovsky. Falando da direção social acusatória ou moral-pública, ele quer dizer:

crítica acusatória ao modo de vida dominante; proteção de princípios morais positivos, ou seja, protegendo as aspirações das pessoas comuns e sua busca por justiça social.

Assim, o termo "direção acusatória moral" em seu sentido objetivo aproxima-se do conceito de realismo crítico.

As obras de Ostrovsky, escritas por ele no final dos anos 40 e início dos anos 50, “A Picture of Family Happiness”, “Notes of a Zamoskvoretsky Resident”, “Our People - Let's Settle”, “The Poor Bride - estão organicamente ligadas ao literatura da escola natural.

“O quadro da felicidade familiar” tem em grande parte a natureza de um ensaio dramatizado: não se divide em fenômenos, não há conclusão do enredo. Ostrovsky se propôs a retratar a vida dos mercadores. O herói interessa a Ostrovsky apenas como representante de sua propriedade, seu modo de vida, seu modo de pensar. Vai além da escola natural. Ostrovsky revela a estreita conexão entre a moralidade de seus personagens e sua existência social.

Ele coloca a vida familiar dos mercadores em conexão direta com as relações monetárias e materiais desse ambiente.

Ostrovsky condena completamente seus heróis. Seus heróis expressam seus pontos de vista sobre família, casamento, educação, como se demonstrassem a selvageria desses pontos de vista.

Essa técnica era comum na literatura satírica dos anos 40 - o método de autoexposição.

O trabalho mais significativo de Ostrovsky 40-s. - surgiu a comédia "Nosso povo - vamos resolver" (1849), que foi percebida pelos contemporâneos como uma grande conquista da escola natural do drama.

"Ele começou extraordinário", escreve Turgenev sobre Ostrovsky.

A comédia imediatamente atraiu a atenção das autoridades. Quando a censura submeteu a peça à consideração do czar, Nicolau I escreveu: “Impresso em vão! Para jogar mesmo ban, em qualquer caso.

O nome de Ostrovsky foi colocado na lista de pessoas não confiáveis, e o dramaturgo foi colocado sob vigilância policial secreta por cinco anos. O “Caso do escritor Ostrovsky” foi aberto.

Ostrovsky, como Gogol, critica os próprios fundamentos das relações que dominam a sociedade. Ele é crítico da vida social contemporânea e, nesse sentido, é um seguidor de Gogol. E, ao mesmo tempo, Ostrovsky imediatamente se definiu como um escritor - um inovador. Comparando as obras da fase inicial de sua obra (1846-1852) com as tradições de Gogol, vejamos que novidades Ostrovsky trouxe para a literatura.

A ação da "alta comédia" de Gogol se passa como se estivesse em um mundo de realidade irracional - "O Inspetor do Governo".

Gogol testou uma pessoa em sua atitude para com a sociedade, para com o dever cívico - e mostrou - é assim que essas pessoas são. Este é o centro dos vícios. Eles não se importam com a sociedade. Eles são guiados em seu comportamento por cálculos estritamente egoístas, interesses egoístas.

Gogol não se concentra na vida cotidiana - risos em meio às lágrimas. A burocracia para ele atua não como um estrato social, mas como uma força política que determina a vida da sociedade como um todo.

Ostrovsky tem algo completamente diferente - uma análise completa da vida social.

Como os heróis dos ensaios da escola natural, os heróis de Ostrovsky são comuns, representantes típicos seu ambiente social, que é compartilhado por seus vida cotidiana, todos os seus preconceitos.

a) Na peça "Nosso povo - vamos resolver" Ostrovsky cria uma biografia típica de um comerciante, fala sobre como o capital é acumulado.

Bolshov vendia tortas em uma barraca quando criança e depois se tornou um dos primeiros homens ricos em Zamoskvorechye.

Podkhalyuzin fez seu capital roubando o dono e, por fim, Tishka é um menino de recados, mas, porém, já sabe como agradar o novo dono.

Aqui são dadas, por assim dizer, três fases da carreira de um comerciante. Por meio de seu destino, Ostrovsky mostrou como o capital é constituído.

b) A peculiaridade da dramaturgia de Ostrovsky foi que ele mostrou essa questão - como o capital é constituído em um ambiente mercantil - por meio da consideração das relações intrafamiliares, cotidianas e comuns.

Foi Ostrovsky quem foi o primeiro no drama russo a considerar fio a fio a teia de relacionamentos cotidianos. Ele foi o primeiro a introduzir na esfera da arte todas essas ninharias da vida, segredos de família, pequenos negócios econômicos. Um lugar enorme é ocupado por cenas cotidianas aparentemente sem sentido. Muita atenção é dada às poses, gestos dos personagens, suas maneiras de falar, seu próprio discurso.

As primeiras peças de Ostrovsky pareciam ao leitor incomuns, não para o palco, mais narrativas do que obras dramáticas.

O círculo das obras de Ostrovsky, diretamente relacionado à escola natural dos anos 40, fecha com a peça A Noiva Pobre (1852).

Nele, Ostrovsky mostra a mesma dependência de uma pessoa nas relações econômicas e monetárias. Vários pretendentes buscam a mão de Marya Andreevna, mas quem consegue não precisa fazer nenhum esforço para atingir o objetivo. Para ele funciona a conhecida lei econômica de uma sociedade capitalista, onde tudo é decidido pelo dinheiro. A imagem de Marya Andreevna começa na obra de Ostrovsky, um novo tema para ele, a posição de uma menina pobre em uma sociedade onde tudo é determinado pelo cálculo comercial. ("Floresta", "Pupilo", "Dote").

Assim, pela primeira vez em Ostrovsky (ao contrário de Gogol), não apenas o vício aparece, mas também uma vítima do vício. Além dos mestres da sociedade moderna, há aqueles que se opõem a eles - aspirações cujas necessidades estão em conflito com as leis e costumes deste ambiente. Isso implicou novas cores. Ostrovsky descobriu novos aspectos de seu talento - o satirismo dramático. “Pessoas próprias - contaremos” - sátira.

A maneira artística de Ostrovsky nesta peça é ainda mais diferente da dramaturgia de Gogol. O enredo perde sua vantagem aqui. É baseado em um caso comum. O tema que foi dublado no "Casamento" de Gogol e recebeu cobertura satírica - a transformação do casamento em compra e venda, aqui adquiriu um som trágico.

Mas, ao mesmo tempo, é uma comédia em termos de caracterização, em termos de posições. Mas se os heróis de Gogol causam risos e condenação do público, então em Ostrovsky o espectador viu sua vida cotidiana, sentiu profunda simpatia por alguns - condenou outros.

A segunda etapa das atividades de Ostrovsky (1853 - 1855) é marcada pelo selo das influências eslavófilas.

Em primeiro lugar, esta transição de Ostrovsky para posições eslavófilas deve ser explicada pela intensificação da atmosfera, a reação que se estabelece nos "sete anos sombrios" de 1848-1855.

De que maneira específica essa influência apareceu, que ideias dos eslavófilos acabaram sendo próximas de Ostrovsky? Em primeiro lugar, a reaproximação de Ostrovsky com os chamados “jovens editores” do Moskvityanin, cujo comportamento deve ser explicado por seu interesse característico pela vida nacional russa, Arte folclórica, o passado histórico do povo, que era muito próximo de Ostrovsky.

Mas Ostrovsky não conseguiu distinguir nesse interesse o principal princípio conservador, que se manifestou nas contradições sociais prevalecentes, em uma atitude hostil ao conceito de progresso histórico, na admiração por tudo patriarcal.

Na verdade, os eslavófilos agiam como ideólogos dos elementos socialmente atrasados ​​da pequena e média burguesia.

Um dos ideólogos mais proeminentes da "Edição Jovem" de "Moskvityanin" Apollon Grigoriev argumentou que existe um único "espírito nacional" que constitui a base orgânica da vida das pessoas. Capturar esse espírito nacional é a coisa mais importante para um escritor.

As contradições sociais, a luta de classes - são estratificações históricas que serão superadas e que não violam a unidade da nação.

O escritor deve mostrar os princípios morais eternos do caráter do povo. O portador desses princípios morais eternos, o espírito do povo, é a classe “média, industrial, comerciante”, porque foi essa classe que preservou o patriarcado das tradições da antiga Rus', preservou a fé, os costumes e a língua dos pais. Esta classe não foi tocada pela falsidade da civilização.

O reconhecimento oficial de Ostrovsky dessa doutrina é sua carta em setembro de 1853 a Pogodin (o editor de Moskvityanin), na qual Ostrovsky escreve que agora se tornou um defensor da "nova direção", cuja essência é apelar para os princípios positivos da vida cotidiana e caráter popular.

A visão anterior das coisas agora lhe parece "jovem e muito cruel". A denúncia dos vícios sociais não parece ser a tarefa principal.

“Os corretores serão encontrados mesmo sem nós. Para ter o direito de corrigir as pessoas sem ofendê-las, é preciso mostrar-lhes que se conhece o bem por trás delas” (setembro de 1853), escreve Ostrovsky.

Uma característica distintiva do povo russo de Ostrovsky nesta fase não é sua disposição de renunciar às normas de vida desatualizadas, mas ao patriarcado, a adesão às condições fundamentais e inalteradas da vida. Ostrovsky agora quer combinar o “alto com o cômico” em suas peças, entendendo pelo alto as características positivas da vida mercantil, e pelo “cômico” - tudo o que está fora do círculo mercantil, mas exercendo sua influência sobre ele.

Essas novas visões de Ostrovsky encontraram sua expressão em três chamadas peças "eslavófilas" de Ostrovsky: "Não se sente em seu trenó", "A pobreza não é um vício", "Não viva como quiser".

Todas as três peças eslavófilas de Ostrovsky têm um começo definidor - uma tentativa de idealizar os fundamentos patriarcais da vida e a moralidade familiar da classe mercantil.

E nessas peças, Ostrovsky se volta para a família e assuntos cotidianos. Mas por trás deles não há mais relações econômicas e sociais.

A família, as relações domésticas são interpretadas em termos puramente morais - tudo depende das qualidades morais das pessoas, não há interesses materiais e monetários por trás disso. Ostrovsky tenta encontrar uma maneira de resolver as contradições em termos morais, no renascimento moral dos personagens. (A iluminação moral de Gordey Tortsov, a nobreza da alma de Borodkin e Rusakov). A tirania é justificada não tanto pela existência do capital, relações econômicas, mas pelas propriedades pessoais de uma pessoa.

Ostrovsky retrata aqueles aspectos da vida mercantil, nos quais, ao que parece, se concentra o nacional, o chamado "espírito nacional". Portanto, ele enfoca os lados poéticos e brilhantes da vida mercantil, introduz motivos rituais, folclóricos, mostrando o início "épico-folclórico" da vida dos heróis em detrimento de sua certeza social.

Ostrovsky enfatizou nas peças desse período a proximidade de seus heróis-mercadores com o povo, seus laços sociais e domésticos com o campesinato. Dizem de si mesmos que são pessoas “simples”, “mal-educadas”, que seus pais eram camponeses.

Do lado artístico, essas peças são claramente mais fracas que as anteriores. Sua composição é deliberadamente simplificada, os personagens ficaram menos claros e o desenlace menos justificado.

As peças desse período são caracterizadas pelo didatismo, contrastam abertamente os princípios da luz e das trevas, os personagens são nitidamente divididos em "bons" e "maus", o vício é punido no desenlace. As peças do "período eslavófilo" são caracterizadas por moralidade aberta, sentimentalismo e edificação.

Ao mesmo tempo, deve-se dizer que durante esse período, Ostrovsky, em geral, permaneceu em uma posição realista. De acordo com Dobrolyubov, "o poder do sentimento artístico direto também não poderia deixar o autor aqui e, portanto, posições privadas e personagens individuais são distinguidos pela verdade genuína".

A importância das peças de Ostrovsky escritas durante este período reside, em primeiro lugar, no fato de que elas continuam a ridicularizar e condenar a tirania em qualquer forma que ela se manifeste /Lubim Tortsov/. (Se Bolshov - rude e direto - é um tipo de tirano, então Rusakov é suavizado e manso).

Dobrolyubov: "Em Bolshov vimos uma natureza vigorosa, influenciada pela vida mercantil, em Rusakov nos parece: mas é assim que até mesmo naturezas honestas e gentis saem com ele."

Bolshov: “O que eu e meu pai devemos fazer se eu não der ordens?”

Rusakov: "Não darei por quem ela ama, mas por quem eu amo."

A glorificação da vida patriarcal nessas peças é contraditória combinada com a formulação de questões sociais agudas e o desejo de criar imagens que incorporassem os ideais nacionais (Rusakov, Borodkin), com simpatia pelos jovens que trazem novas aspirações, oposição a tudo patriarcal, velho. (Mitya, Lyubov Gordeevna).

Nessas peças, foi expresso o desejo de Ostrovsky de encontrar um começo brilhante e positivo nas pessoas comuns.

É assim que surge o tema do humanismo popular, a amplitude da natureza de uma pessoa simples, que se expressa na capacidade de olhar com ousadia e independência para o meio ambiente e na capacidade de, por vezes, sacrificar os próprios interesses pelos outros.

Este tema foi então tocado em peças centrais de Ostrovsky como "Tempestade", "Floresta", "Dote".

A ideia de criar uma performance folclórica - uma performance didática - não era estranha a Ostrovsky quando ele criou "A pobreza não é um vício" e "Não viva como quiser".

Ostrovsky procurou transmitir os princípios éticos do povo, a base estética de sua vida, para evocar uma resposta do espectador democrático à poesia de sua vida nativa, a antiguidade nacional.

Ostrovsky foi guiado nisso pelo nobre desejo de "dar ao espectador democrático uma inoculação cultural inicial". Outra coisa é a idealização da humildade, humildade, conservadorismo.

A avaliação das peças eslavófilas nos artigos de Chernyshevsky "A pobreza não é um vício" e o "Reino das Trevas" de Dobrolyubov é curiosa.

Chernyshevsky publicou seu artigo em 1854, quando Ostrovsky era próximo dos eslavófilos, e havia o perigo de Ostrovsky se afastar de posições realistas. Chernyshevsky chama as peças de Ostrovsky de "A pobreza não é um vício" e "Não se sente em seu próprio trenó" de "falso", mas continua: "Ostrovsky ainda não arruinou seu talento maravilhoso, ele precisa retornar a uma direção realista". “Na verdade, o poder do talento, uma direção errônea destrói até o talento mais forte”, conclui Chernyshevsky.

O artigo de Dobrolyubov foi escrito em 1859, quando Ostrovsky se libertou das influências eslavófilas. Era inútil relembrar equívocos anteriores, e Dobrolyubov, limitando-se a uma insinuação enfadonha sobre esse placar, concentra-se em revelar o início realista dessas mesmas jogadas.

As avaliações de Chernyshevsky e Dobrolyubov se complementam e são um exemplo dos princípios da crítica democrática revolucionária.

No início de 1856 começa novo palco na obra de Ostrovsky.

O dramaturgo aborda os editores do Sovremennik. Essa aproximação coincide com o período de ascensão das forças sociais progressistas, com o amadurecimento de uma situação revolucionária.

Ele, como se seguisse o conselho de Nekrasov, volta ao caminho do estudo da realidade social, ao caminho da criação de peças analíticas nas quais são dadas imagens da vida moderna.

(Em uma crítica à peça “Não viva do jeito que você quer”, Nekrasov o aconselhou, abandonando todas as ideias preconcebidas, a seguir o caminho que seu próprio talento o levaria: “dê livre desenvolvimento ao seu talento” - o caminho do representando a vida real).

Chernyshevsky enfatiza o "talento maravilhoso, forte talento" de Ostrovsky. Dobrolyubov - "o poder do talento artístico" do dramaturgo.

Durante este período, Ostrovsky criou peças tão significativas como "O Aluno", "Lugar Lucrativo", a trilogia sobre Balzaminov e, finalmente, durante o período da situação revolucionária - "Tempestade".

Este período da obra de Ostrovsky é caracterizado, antes de tudo, pela expansão do escopo dos fenômenos da vida, pela expansão dos temas.

Em primeiro lugar, no campo de sua pesquisa, que inclui o senhorio, ambiente de servos, Ostrovsky mostrou que a proprietária de terras Ulanbekova ("A Aluno") zomba de suas vítimas com a mesma crueldade que os mercadores analfabetos e ignorantes.

Ostrovsky mostra que a mesma luta entre os ricos e os pobres, os mais velhos e os mais jovens, está acontecendo no ambiente nobre do proprietário de terras, bem como no ambiente mercantil.

Além disso, no mesmo período, Ostrovsky levanta o tema do filistinismo. Ostrovsky foi o primeiro escritor russo a perceber e descobrir artisticamente o filistinismo como um grupo social.

O dramaturgo descobriu no filistinismo um interesse predominante e ofuscante de todos os outros interesses no material, o que Gorky mais tarde definiu como "um sentimento de propriedade feio e desenvolvido".

Na trilogia sobre Balzaminov (“Sono festivo - antes do jantar”, “Seus próprios cães mordem, não incomodam os de outra pessoa”, “O que você procura, você encontrará”) / 1857-1861 /, Ostrovsky denuncia os mesquinhos modo de existência burguês, com sua mentalidade, limitações, vulgaridade, ganância, sonhos ridículos.

Na trilogia sobre Balzaminov, não apenas a ignorância ou tacanha é revelada, mas algum tipo de miséria intelectual, a inferioridade de um comerciante. A imagem é construída sobre a oposição dessa inferioridade mental, insignificância moral - e complacência, confiança no próprio direito.

Nesta trilogia há elementos de vaudeville, bufonaria, traços de comédia externa. Mas nele prevalece a comédia interna, já que a figura de Balzaminov é internamente cômica.

Ostrovsky mostrou que o reino dos filisteus é o mesmo reino sombrio de vulgaridade impenetrável, selvageria, que visa um objetivo - o lucro.

A próxima peça - "Lugar Lucrativo" - atesta o retorno de Ostrovsky ao caminho da dramaturgia "moral e acusatória". No mesmo período, Ostrovsky foi o descobridor de outro reino sombrio - o reino dos funcionários, a burocracia real.

Durante os anos da abolição da servidão, a denúncia das ordens burocráticas teve um significado político especial. A burocracia era a expressão mais completa do sistema autocrático-feudal. Incorporava a essência exploradora-predatória da autocracia. Já não era apenas arbitrariedade doméstica, mas uma violação de interesses comuns em nome da lei. É em relação a esta peça que Dobrolyubov expande o conceito de "tirania", entendendo-a como autocracia em geral.

“Lugar Lucrativo” lembra a comédia “Inspetor Geral” de N. Gogol em termos de problemas. Mas se no Inspetor Geral os funcionários que cometem ilegalidades se sentem culpados e temem represálias, os funcionários de Ostrovsky estão imbuídos da consciência de sua retidão e impunidade. Suborno, abuso, parecem ser a norma para eles e para outros.

Ostrovsky enfatizou que a distorção de todas as normas morais da sociedade é a lei, e a própria lei é algo ilusório. Tanto os funcionários quanto os dependentes deles sabem que as leis estão sempre do lado de quem tem o poder.

Assim, os funcionários - pela primeira vez na literatura - Ostrovsky são mostrados como uma espécie de traficantes da lei. (O funcionário pode virar a lei como quiser).

Um novo herói também veio à peça de Ostrovsky - um jovem oficial Zhadov, que acabara de se formar na universidade. O conflito entre os representantes da antiga formação e Zhadov adquire a força de uma contradição irreconciliável:

a / Ostrovsky conseguiu mostrar o fracasso das ilusões sobre um funcionário honesto como uma força capaz de impedir os abusos da administração.

b/ luta contra o "yusovismo" ou compromisso, traição de ideais - Zhadov não tem outra escolha.

Ostrovsky denunciou esse sistema, essas condições de vida que dão origem a subornos. O significado progressivo da comédia reside no fato de que nela a negação irreconciliável do velho mundo e do "yusovismo" se fundiu com a busca de uma nova moralidade.

Zhadov é uma pessoa fraca, não aguenta a luta, também vai perguntar " lugar lucrativo».

Chernyshevsky acreditava que a peça teria sido ainda mais forte se tivesse terminado no quarto ato, ou seja, com o grito de desespero de Zhadov: “Vamos ao tio pedir um emprego lucrativo!” No quinto, Zhadov é confrontado com o abismo que quase o arruinou moralmente. E, embora o fim de Vyshimirsky não seja típico, há um elemento de acaso na salvação de Zhadov, suas palavras, sua crença de que “em algum lugar existem outras pessoas mais persistentes e dignas” que não se comprometerão, não se reconciliarão, não se ceda, fale sobre a perspectiva de um maior desenvolvimento de novas relações sociais. Ostrovsky previu o surgimento social que se aproximava.

O rápido desenvolvimento do realismo psicológico, que observamos na segunda metade do século XIX, também se manifestou na dramaturgia. O segredo da escrita dramática de Ostrovsky não reside em características unidimensionais tipos humanos, mas no desejo de criar personagens humanos de sangue puro, cujas contradições e lutas internas servem como um poderoso ímpeto para o movimento dramático. G.A. Tovstonogov falou bem sobre essa característica da maneira criativa de Ostrovsky, referindo-se, em particular, a Glumov da comédia Enough Simplicity for Every Wise Man, um personagem longe do ideal: “Por que Glumov é encantador, embora cometa uma série de atos vis? ele é antipático para conosco, então não há performance.O que o torna encantador é o ódio deste mundo, e interiormente justificamos sua forma de retribuição com ele.

O interesse pela personalidade humana em todos os seus estados obrigou os escritores a buscar meios para expressá-los. No drama, o principal desses meios era a individualização estilística da linguagem dos personagens, e foi Ostrovsky quem desempenhou o papel principal no desenvolvimento desse método. Além disso, Ostrovsky, no psicologismo, tentou ir mais longe, no caminho de proporcionar aos seus heróis a máxima liberdade possível no âmbito da intenção do autor- o resultado de tal experimento foi a imagem de Katerina em The Thunderstorm.

Em "Thunderstorm", Ostrovsky surgiu à imagem de uma trágica colisão de sentimentos humanos vivos com a vida mortal de construção de casas.

Apesar da variedade de tipos de conflitos dramáticos apresentados nas primeiras obras de Ostrovsky, sua poética e sua atmosfera geral foram determinadas, antes de tudo, pelo fato de a tirania ser dada nelas como um fenômeno natural e inevitável da vida. Mesmo as chamadas peças "eslavófilas", com sua busca por princípios brilhantes e bons, não destruíram e não violaram a atmosfera opressiva da tirania. A peça "The Thunderstorm" também é caracterizada por essa coloração geral. E, ao mesmo tempo, há uma força nela que se opõe resolutamente à rotina terrível e mortal - este é o elemento folclórico, expresso tanto em personagens folclóricos (Katerina, antes de tudo, Kuligin e até Kudryash), quanto na natureza russa, que se torna um elemento essencial da ação dramática.

A peça "Thunderstorm", que levantou as complexas questões da vida moderna e apareceu na imprensa e no palco apenas na véspera da chamada "libertação" dos camponeses, testemunhou que Ostrovsky estava livre de quaisquer ilusões sobre os caminhos da sociedade desenvolvimento na Rússia.

Mesmo antes da publicação de "Thunderstorm" apareceu no palco russo. A estreia ocorreu em 16 de novembro de 1859 no Teatro Maly. Magníficos atores estiveram envolvidos na peça: S. Vasiliev (Tikhon), P. Sadovsky (Wild), N. Rykalova (Kabanova), L. Nikulina-Kositskaya (Katerina), V. Lensky (Kudryash) e outros. A produção foi dirigida pelo próprio N. Ostrovsky. A estréia foi um grande sucesso e as apresentações subsequentes foram triunfantes. Um ano após a brilhante estreia de The Thunderstorm, a peça recebeu o maior prêmio acadêmico - o Grande Prêmio Uvarov.

Em The Thunderstorm, o sistema social da Rússia é fortemente denunciado, e a morte personagem principal mostrado pela dramaturga como consequência direta de sua situação desesperadora no "reino das trevas". O conflito em Groz é construído sobre um confronto irreconciliável entre a amante da liberdade Katerina e mundo assustador selvagens e javalis, com leis bestiais baseadas em "crueldade, mentira, zombaria, humilhação da pessoa humana. Katerina foi contra a tirania e o obscurantismo, armada apenas com o poder de seus sentimentos, a consciência do direito à vida, felicidade e amor. De acordo com a justa observação de Dobrolyubov, ela "sente a oportunidade de satisfazer a sede natural de sua alma e não pode mais ficar imóvel: ela anseia por uma nova vida, mesmo que tenha que morrer nesse impulso".

Desde a infância, Katerina foi criada em um ambiente peculiar que se desenvolveu em seu devaneio romântico, religiosidade e sede de liberdade. Esses traços de caráter determinaram ainda mais a tragédia de sua posição. Criada no espírito religioso, ela entende toda a "pecaminosidade" de seus sentimentos por Boris, mas não resiste à atração natural e se entrega totalmente a esse impulso.

Katerina se opõe não apenas aos "conceitos de moralidade de Kabanov". Ela protesta abertamente contra os dogmas religiosos imutáveis ​​que afirmam a inviolabilidade categórica do casamento na igreja e condenam o suicídio como contrário ao ensinamento cristão. Tendo em mente essa plenitude do protesto de Katerina, Dobrolyubov escreveu: “Aqui verdadeira força personagem, que em qualquer caso você pode confiar! Essa é a altura a que nossa vida popular atinge em seu desenvolvimento, mas à qual poucos em nossa literatura conseguiram subir, e ninguém conseguiu segurá-la tão bem quanto Ostrovsky.

Katerina não quer tolerar a situação mortal que a cerca. "Eu não quero morar aqui, então não vou, mesmo que você me corte!", diz ela a Varvara. E ela comete suicídio. O personagem de Katerina é complexo e multifacetado. Essa complexidade é mais eloquentemente evidenciada, talvez, por o fato de que muitos artistas notáveis, partindo de dominantes aparentemente completamente opostos do personagem do personagem principal, não foram capazes de esgotá-lo até o fim. várias interpretações não revelaram totalmente o principal da personagem de Katerina: o seu amor, ao qual se entrega com todo o imediatismo de uma natureza jovem. Dela experiência de vida insignificante, acima de tudo em sua natureza, desenvolve-se um senso de beleza, uma percepção poética da natureza. No entanto, seu caráter se dá em movimento, em desenvolvimento. Uma contemplação da natureza, como sabemos pela peça, não é suficiente para ela. Outras esferas de aplicação das forças espirituais são necessárias. Oração, serviço, mitos também são meios de satisfazer os sentimentos poéticos do personagem principal.

Dobrolyubov escreveu: “Não são os rituais que a ocupam na igreja: ela não ouve nada do que eles cantam e leem ali; ela tem outra música na alma, outras visões, para ela o serviço termina imperceptivelmente, como se em um segundo. Ela está ocupada com árvores estranhamente desenhadas em imagens e imagina todo um país de jardins, onde todas essas árvores estão, e tudo está florido, perfumado, tudo está cheio de cantos celestiais. Caso contrário, em um dia de sol, ela verá como “um pilar tão brilhante desce da cúpula, e a fumaça caminha neste pilar, como nuvens”, e agora ela já vê, “como se anjos voassem e cantassem neste pilar." Às vezes ela se apresenta - por que ela não deveria voar? E quando ela está em uma montanha, ela é atraída para voar assim: assim, ela fugiria, levantaria as mãos e voaria ... ".

Uma esfera nova, ainda inexplorada, de manifestação de seus poderes espirituais foi seu amor por Boris, que acabou se tornando a causa de sua tragédia. “A paixão de uma mulher nervosa e apaixonada e a luta contra dívidas, quedas, arrependimento e pesada expiação pela culpa - tudo isso é preenchido com o mais vivo interesse dramático e é conduzido com extraordinária arte e conhecimento do coração”, observou I. A. Goncharov com razão .

Quantas vezes a paixão, o imediatismo da natureza de Katerina é condenado, e sua profunda luta espiritual é percebida como uma manifestação de fraqueza. Enquanto isso, nas memórias do artista E. B. Piunova-Shmidthof, encontramos a curiosa história de Ostrovsky sobre sua heroína: “Katerina”, disse-me Alexander Nikolayevich, “é uma mulher de natureza apaixonada e caráter forte. Ela provou isso com seu amor por Boris e suicídio. Katerina, embora impressionada com o ambiente, na primeira oportunidade entrega-se à sua paixão, dizendo antes: “Aconteça o que acontecer, mas verei o Boris!” Diante da imagem do inferno, Katerina não fica furiosa e histérica, mas apenas com o rosto e toda a figura deve retratar o medo mortal. Na cena de despedida de Boris, Katerina fala baixinho, como uma paciente, e só últimas palavras: "Meu amigo! minha alegria! Adeus!" - Ele fala o mais alto possível. A posição de Katherine tornou-se desesperadora. Você não pode morar na casa do seu marido ... Não tem para onde ir. Aos pais? Sim, a essa altura eles a teriam amarrado e levado para o marido. Katerina chegou à conclusão de que era impossível viver como vivia antes e, com muita força de vontade, afogou-se ... ”.

“Sem medo de ser acusado de exagero”, escreveu I. A. Goncharov, “posso dizer honestamente que não havia uma obra como drama em nossa literatura. Ela, sem dúvida, ocupa e provavelmente ocupará por muito tempo o primeiro lugar nas grandes belezas clássicas. De qualquer lado que seja tomado, seja do lado do plano de criação, seja do movimento dramático, seja, finalmente, dos personagens, está por toda parte marcado pelo poder da criatividade, pela sutileza da observação e pela elegância da decoração. Em The Thunderstorm, de acordo com Goncharov, "uma imagem ampla da vida e dos costumes nacionais diminuiu".

Ostrovsky concebeu The Thunderstorm como uma comédia e depois a chamou de drama. N. A. Dobrolyubov falou com muito cuidado sobre a natureza do gênero de The Thunderstorm. Ele escreveu que "as relações mútuas de tirania e silêncio são trazidas às consequências mais trágicas".

Em meados do século XIX, a definição de Dobrolyubov do "jogo da vida" revelou-se mais ampla do que a subdivisão tradicional da arte dramática, que ainda estava sob o peso das normas classicistas. No drama russo, houve um processo de convergência da poesia dramática com a realidade cotidiana, o que naturalmente afetou sua natureza de gênero. Ostrovsky, por exemplo, escreveu: “A história da literatura russa tem dois ramos que finalmente se fundiram: um ramo é enxerto e é filho de uma semente estrangeira, mas bem enraizada; vai de Lomonosov a Sumarokov, Karamzin, Batyushkov, Zhukovsky e assim por diante. para Pushkin, onde ele começa a convergir com outro; o outro - de Kantemir, através das comédias do mesmo Sumarokov, Fonvizin, Kapnist, Griboedov a Gogol; nele ambos estão completamente fundidos; acabou o dualismo. De um lado: odes laudatórias, tragédias francesas, imitações dos antigos, a sensibilidade do final do século XVIII, o romantismo alemão, a frenética literatura juvenil; e por outro lado: sátiras, comédias, comédias e "Dead Souls", a Rússia, como se ao mesmo tempo, na pessoa de seus melhores escritores, vivesse período após período a vida das literaturas estrangeiras e elevasse a sua à condição humana universal significado.

A comédia, portanto, revelou-se mais próxima dos fenômenos cotidianos da vida russa, respondeu com sensibilidade a tudo o que preocupava o público russo, reproduziu a vida em suas manifestações dramáticas e trágicas. É por isso que Dobrolyubov se apegou tão obstinadamente à definição de "peça da vida", vendo nela não tanto um significado de gênero convencional, mas o próprio princípio de reproduzir a vida moderna no drama. Na verdade, Ostrovsky falou sobre o mesmo princípio: “Muitas regras condicionais desapareceram e outras desaparecerão. Já as obras dramáticas nada mais são do que uma vida dramatizada. “Este princípio determinou o desenvolvimento dos gêneros dramáticos ao longo das décadas seguintes do século XIX. Em termos de gênero, A Trovoada é uma tragédia social.

A.I. Revyakin observa com razão que a principal característica da tragédia - "a imagem das contradições irreconciliáveis ​​​​da vida que causam a morte do protagonista, que é uma pessoa notável" - é evidente em The Thunderstorm. A representação da tragédia popular, é claro, levou a novas formas construtivas originais de sua incorporação. Ostrovsky repetidamente se manifestou contra a maneira tradicional e inerte de construir obras dramáticas. Thunderstorm também foi inovador nesse sentido. Ele falou sobre isso, não sem ironia, em uma carta a Turgenev datada de 14 de junho de 1874, em resposta a uma proposta para imprimir The Thunderstorm na tradução francesa: “Não interfere na impressão de The Thunderstorm em uma boa tradução francesa, pode impressionar com sua originalidade; mas se deve ser colocado no palco - pode-se pensar nisso. Aprecio muito a habilidade dos franceses para fazer jogadas e tenho medo de ofender seu gosto delicado com minha terrível inaptidão. Do ponto de vista francês, a construção do Thunderstorm é feia, mas deve-se admitir que geralmente não é muito coerente. Quando escrevi The Thunderstorm, me empolguei ao terminar os papéis principais e, com frivolidade imperdoável, "reagi ao formulário e, ao mesmo tempo, estava com pressa de acompanhar a atuação beneficente do falecido Vasiliev".

O raciocínio de A.I. Zhuravleva sobre a originalidade do gênero de “Thunderstorm” é curioso: “O problema da interpretação do gênero é o mais importante na análise desta peça. Se nos voltarmos para as tradições científico-críticas e teatrais da interpretação desta peça, podemos distinguir duas tendências predominantes. Uma delas é ditada pela compreensão de The Thunderstorm como um drama social e doméstico, no qual a vida cotidiana assume particular importância. A atenção dos diretores e, consequentemente, dos espectadores é, por assim dizer, igualmente distribuída entre todos os participantes da ação, cada pessoa recebe igual importância.

Outra interpretação é determinada pela compreensão de "Thunderstorm" como uma tragédia. Zhuravleva acredita que tal interpretação é mais profunda e tem "maior apoio no texto", apesar de a interpretação de "Tempestade" como drama se basear na definição de gênero do próprio Ostrovsky. O pesquisador observa, com razão, que “essa definição é uma homenagem à tradição”. De fato, toda a história anterior da dramaturgia russa não forneceu exemplos de tragédia em que os heróis seriam indivíduos particulares, e não figuras históricas, mesmo lendárias. "Tempestade" a este respeito permaneceu um fenômeno único. O ponto chave para a compreensão do gênero de uma obra dramática, neste caso, não é o “status social” dos personagens, mas, sobretudo, a natureza do conflito. Se entendermos a morte de Katerina como resultado de uma colisão com a sogra, para vê-la como vítima da opressão familiar, então a escala dos heróis realmente parece pequena para uma tragédia. Mas se você perceber que o destino de Katerina foi determinado pelo choque de duas eras históricas, a natureza trágica do conflito parece bastante natural.

Um sinal típico da estrutura trágica é o sentimento de catarse experimentado pelo público durante o desenlace. Pela morte, a heroína se liberta tanto da opressão quanto das contradições internas que a atormentam.

Assim, o drama social da vida da classe mercantil se transforma em tragédia. Ostrovsky foi capaz de mostrar o ponto de virada que marcou época e está ocorrendo na consciência das pessoas comuns por meio de uma colisão amorosa cotidiana. O despertar do senso de personalidade e uma nova atitude em relação ao mundo, baseada não na vontade individual, acabaram sendo um antagonismo irreconciliável não apenas com o estado real e mundano confiável do modo de vida patriarcal moderno de Ostrovsky, mas também com a ideia ideal de ​​moralidade inerente a uma alta heroína.

Esta transformação do drama em tragédia deveu-se também ao triunfo do elemento lírico em The Thunderstorm.

O simbolismo do título da peça é importante. Em primeiro lugar, a palavra "tempestade" tem um significado direto em seu texto. A imagem-título é incluída pelo dramaturgo no desenvolvimento da ação, dela participa diretamente como um fenômeno natural. O motivo de uma tempestade se desenvolve na peça do primeiro ao quarto ato. Ao mesmo tempo, a imagem de uma tempestade também foi recriada por Ostrovsky como uma paisagem: nuvens escuras cheias de umidade (“como se uma nuvem se enrolasse em uma bola”), sentimos o ar abafado, ouvimos trovões, congelar antes da luz do relâmpago.

O título da peça tem sentido figurado. A tempestade está furiosa na alma de Katerina, ela se reflete na luta de princípios criativos e destrutivos, a colisão de pressentimentos brilhantes e sombrios, sentimentos bons e pecaminosos. As cenas com Grokha parecem impulsionar a ação dramática da peça.

A tempestade na peça adquire e significado simbólico, expressando a ideia de toda a obra como um todo. A aparição no reino das trevas de pessoas como Katerina e Kuligin é uma tempestade sobre Kalinov. A tempestade na peça transmite a natureza catastrófica da vida, o estado do mundo dividido em dois. A multiplicidade e a versatilidade do título da peça tornam-se uma espécie de chave para uma compreensão mais profunda de sua essência.

“Na peça do Sr. Ostrovsky, que leva o nome de “Tempestade”, escreveu A. D. Galakhov, “a ação e a atmosfera são trágicas, embora muitos lugares provoquem risos”. The Thunderstorm combina não apenas o trágico e o cômico, mas, o que é especialmente importante, o épico e o lírico. Tudo isso determina a originalidade da composição da peça. V.E. Meyerhold escreveu excelentemente sobre isso: “A peculiaridade da construção do Thunderstorm é que Ponto mais alto a tensão é dada por Ostrovsky no quarto ato (e não na segunda cena do segundo ato), e o aumento no roteiro não é gradual (do segundo ato até o terceiro ao quarto), mas por um empurrão, ou em vez disso, dois empurrões; a primeira subida é indicada no segundo ato, na cena da despedida de Katerina para Tikhon (a subida é forte, mas ainda não muito), e a segunda subida (muito forte - este é o empurrão mais sensível) no quarto ato, no momento do arrependimento de Katerina.

Entre esses dois atos (como se estivessem no topo de duas colinas desiguais, mas em ascensão acentuada) - o terceiro ato (com ambas as imagens) fica, por assim dizer, em um vale.

É fácil perceber que o esquema interno da construção de The Thunderstorm, sutilmente revelado pelo diretor, é determinado pelas fases de desenvolvimento da personagem de Katerina, as fases de seu desenvolvimento, seus sentimentos por Boris.

A. Anastasiev observa que a peça de Ostrovsky tem seu próprio destino especial. Por muitas décadas, "Thunderstorm" não saiu do palco dos teatros russos, N. A. Nikulina-Kositskaya, S. V. Vasilyev, N. V. Rykalova, G. N. Fedotova, M. N. Ermolova ficaram famosos por suas atuações nos papéis principais, P. A. Strepetova, O. O. Sadovskaya, A. Koonen, V. N. Pashennaya. E, ao mesmo tempo, "os historiadores do teatro não testemunharam performances integrais, harmoniosas e marcantes". O mistério não resolvido deste grande tragédia reside, segundo o pesquisador, "em suas muitas ideias, na mais forte liga de inegável, incondicional, verdade histórica concreta e simbolismo poético, na combinação orgânica de ação real e um começo lírico profundamente oculto".

Normalmente, quando falam do lirismo de “Thunderstorm”, se referem, antes de tudo, ao sistema lírico da visão de mundo do personagem principal da peça, falam também do Volga, que se opõe em sua forma mais geral a o modo de vida do "celeiro" e que causa as manifestações líricas de Kuligin . Mas o dramaturgo não poderia - em virtude das leis do gênero - incluir o Volga, as belas paisagens do Volga, em geral, a natureza no sistema de ação dramática. Ele mostrou apenas a maneira pela qual a natureza se torna um elemento integrante da ação do palco. A natureza aqui não é apenas objeto de admiração e admiração, mas também o principal critério de avaliação de tudo o que existe, permitindo ver o alogismo, a antinaturalidade da vida moderna. “Ostrovsky escreveu Thunderstorm? "Tempestade" Volga escreveu! - exclamou o famoso crítico de teatro e crítico S. A. Yuryev.

“Todo verdadeiro trabalhador cotidiano é ao mesmo tempo um verdadeiro romântico”, dirá mais tarde a conhecida figura do teatro A. I. Yuzhin-Sumbatov, referindo-se a Ostrovsky. Romântico no sentido amplo da palavra, surpreso com a correção e severidade das leis da natureza e a violação dessas leis na vida pública. Ostrovsky falou sobre isso em uma de suas primeiras anotações no diário depois de chegar aos lugares de Kostroma: “E do outro lado do Volga, bem em frente à cidade, há duas aldeias; um é especialmente pitoresco, do qual o bosque mais encaracolado se estende até o Volga, o sol ao pôr do sol de alguma forma milagrosamente subiu nele, desde a raiz, e fez muitos milagres.

Partindo disso esboço de paisagem, Ostrovsky argumentou:

“Estou exausta olhando para isso. Natureza - você é um amante fiel, apenas terrivelmente lascivo; não importa o quanto você o ame, você ainda está insatisfeito; a paixão insatisfeita ferve em seus olhos, e não importa o quanto você jure que não consegue satisfazer seus desejos, você não fica com raiva, não se afasta, mas olha tudo com seus olhos apaixonados, e esses olhos cheios de expectativa são execução e tormento para uma pessoa.

O lirismo de The Thunderstorm, tão específico na forma (Ap. Grigoriev comentou sutilmente sobre isso: “... como se não fosse um poeta, mas todo um povo criado aqui ...”), surgiu justamente com base na proximidade de o mundo do herói e do autor.

Nas décadas de 1950 e 1960, a orientação para um começo natural saudável tornou-se o princípio social e ético não apenas de Ostrovsky, mas de toda a literatura russa: de Tolstoi e Nekrasov a Chekhov e Kuprin. Sem esta manifestação peculiar da voz do "autor" nas obras dramáticas, não podemos compreender plenamente o psicologismo de "The Poor Bride", e a natureza da letra em "Thunderstorm" e "Dowry", e a poética do novo drama de final do século XIX.

No final da década de 1960, o trabalho de Ostrovsky estava se expandindo tematicamente. Ele mostra como o novo se mistura com o antigo: nas imagens habituais de seus mercadores, vemos brilho e secularidade, educação e modos "agradáveis". Eles não são mais déspotas estúpidos, mas compradores predatórios, segurando em suas mãos não apenas uma família ou uma cidade, mas províncias inteiras. Em conflito com eles estão as pessoas mais diversas, seu círculo é infinitamente amplo. E o pathos acusatório das peças é mais forte. O melhor deles: "Coração Quente", "Dinheiro Louco", "Floresta", "Lobos e Ovelhas", "Última Vítima", "Dote", "Talentos e Admiradores".

As mudanças na obra de Ostrovsky do último período são claramente visíveis, se compararmos, por exemplo, "Hot Heart" com "Thunderstorm". O comerciante Kuroslepov é um eminente comerciante da cidade, mas não tão formidável quanto Wild, ele é um tanto excêntrico, não entende a vida e está ocupado com seus sonhos. Sua segunda esposa, Matryona, está claramente tendo um caso com o balconista Narkis. Os dois roubam o proprietário e Narkis quer se tornar um comerciante. Não, o “reino das trevas” não é monolítico agora. O modo de vida Domostroevsky não salvará mais a obstinação do prefeito Gradoboev. A folia desenfreada do rico comerciante Khlynov é um símbolo da queima da vida, da decadência, do absurdo: Khlynov ordena que as ruas sejam servidas com champanhe.

Parasha é uma garota com um "coração quente". Mas se Katerina em The Thunderstorm for vítima de um marido não correspondido e de um amante obstinado, então Parasha está ciente de seu poderoso força mental. Ela também quer voar. Ela ama e amaldiçoa a fraqueza de caráter, a indecisão de seu amante: "Que tipo de cara é esse, que tipo de bebê chorão me impôs ... Aparentemente, eu mesma deveria pensar na minha própria cabeça."

Com grande tensão, o desenvolvimento do amor de Yulia Pavlovna Tugina por seu indigno jovem folião Dulchin é mostrado em A Última Vítima. Nos dramas posteriores de Ostrovsky, há uma combinação de situações cheias de ação com uma descrição psicológica detalhada dos personagens principais. Grande ênfase é dada às vicissitudes do tormento que experimentam, nas quais a luta do herói ou heroína consigo mesmo, com seus próprios sentimentos, erros e suposições começa a ocupar um grande lugar.

A este respeito, "Dote" é característico. Aqui, talvez, pela primeira vez, a autora enfoca o próprio sentimento da heroína, que escapou dos cuidados da mãe e do antigo modo de vida. Nesta peça, não há uma luta entre a luz e as trevas, mas a luta do próprio amor por seus direitos e liberdade. A própria Larisa Paratova preferia Karandysheva. As pessoas ao seu redor abusaram cinicamente dos sentimentos de Larisa. A mãe que queria “vender” a filha, uma “sem dote” por um homem de dinheiro, convencida de que ele seria o dono de tal tesouro, ficou indignada. Paratov abusou dela, enganando suas melhores esperanças e considerando o amor de Larisa um dos prazeres passageiros. Knurov e Vozhevatov também abusaram, jogando Larisa no lance entre si.

Que tipo de cínicos, prontos para falsificar, chantagear, subornar para fins egoístas, os proprietários de terras se transformaram na Rússia pós-reforma, aprendemos com a peça "Ovelhas e Lobos". Os “lobos” são o proprietário de terras Murzavetskaya, o proprietário de terras Berkutov, e as “ovelhas” são a jovem viúva rica Kupavina, o senhor idoso obstinado Lynyaev. Murzavetskaya quer casar seu sobrinho dissoluto com Kupavina, "assustando-a" com as velhas contas de seu falecido marido. Na verdade, as notas foram falsificadas por um advogado de confiança, Chugunov, que serve igualmente a Kupavina. Berkutov veio de São Petersburgo, um proprietário de terras - e um empresário, mais vil do que os canalhas locais. Ele imediatamente percebeu qual era o problema. Kupavina com suas enormes capitais assumiu, sem falar de sentimentos. Habilmente "papagaio" Murzavetskaya ao expor a falsificação, ele imediatamente concluiu uma aliança com ela: é importante para ele ganhar o voto nas eleições para os líderes da nobreza. Ele é um verdadeiro "lobo" e é, todo o resto ao lado dele são "ovelhas". Ao mesmo tempo, não há divisão nítida entre canalhas e inocentes na peça. Entre os "lobos" e as "ovelhas" como se houvesse algum tipo de conspiração vil. Todos brincam de guerra uns com os outros e, ao mesmo tempo, aceitam facilmente e encontram um benefício comum.

Uma das melhores peças de todo o repertório de Ostrovsky, aparentemente, é a peça Guilty Without Guilt. Ele combina os motivos de muitos trabalhos anteriores. A atriz Kruchinina, personagem principal, uma mulher de alta cultura espiritual, viveu uma grande tragédia na vida. Ela é gentil e generosa e a sábia Kruchinina está no auge da bondade e do sofrimento. Se quiser, ela e o “raio de luz” no “reino das trevas”, ela e a “última vítima”, ela e o “coração quente”, ela e o “dote”, ao seu redor estão “admiradores”, que isto é, “lobos” predadores, gananciosos e cínicos. Kruchinina, ainda sem assumir que Neznamov é seu filho, o instrui na vida, revela seu coração não endurecido: “Sou mais experiente do que você e vivi mais no mundo; Sei que nas pessoas existe muita nobreza, muito amor, abnegação, principalmente nas mulheres.

Esta peça é um panegírico à mulher russa, a apoteose de sua nobreza e auto-sacrifício. Esta é a apoteose do ator russo, cuja verdadeira alma Ostrovsky conhecia bem.

Ostrovsky escreveu para o teatro. Esta é a peculiaridade de seu dom. As imagens e fotos da vida que ele criou são destinadas ao palco. É por isso que a fala dos personagens de Ostrovsky é tão importante, é por isso que suas obras soam tão brilhantes. Não é à toa que Innokenty Annensky o chamou de "auditor realista". Sem encenar no palco, suas obras eram como se não estivessem concluídas, razão pela qual Ostrovsky levou tanto a proibição de suas peças pela censura teatral. (A comédia "Our People - Let's Settle" foi autorizada a ser encenada no teatro apenas dez anos depois que Pogodin conseguiu publicá-la em uma revista.)

Com um sentimento de indisfarçável satisfação, A. N. Ostrovsky escreveu em 3 de novembro de 1878 a seu amigo, artista do Teatro Alexandrinsky A. F. Burdin: "O Dote" foi unanimemente reconhecido como o melhor de todos os meus trabalhos.

Ostrovsky viveu "dote", às vezes apenas nela, sua quadragésima coisa, dirigiu "sua atenção e força", querendo "acabar" com ela da maneira mais completa. Em setembro de 1878, ele escreveu a um de seus conhecidos: "Estou trabalhando em minha peça com todas as minhas forças; parece que não vai acabar mal."

Já um dia após a estreia, em 12 de novembro, Ostrovsky pôde descobrir, e sem dúvida aprendeu com Russkiye Vedomosti, como conseguiu "cansar todo o público, até os espectadores mais ingênuos". Pois ela - o público - claramente "superou" os óculos que ele oferece a ela.

Na década de 1970, a relação de Ostrovsky com a crítica, os teatros e o público tornou-se cada vez mais complicada. O período em que gozou de reconhecimento universal, conquistado por ele no final dos anos cinquenta e início dos anos sessenta, foi substituído por outro, que foi crescendo cada vez mais em diferentes círculos de esfriamento em relação ao dramaturgo.

A censura teatral era mais severa que a censura literária. Isso não é coincidência. Em essência, a arte teatral é democrática, é mais direta que a literatura, é dirigida ao público em geral. Ostrovsky em "Nota sobre a situação arte dramática na Rússia atualmente" (1881) escreveu que "a poesia dramática está mais próxima do povo do que outros ramos da literatura. Todas as outras obras são escritas para pessoas instruídas, mas dramas e comédias são escritos para todo o povo; os escritores dramáticos devem sempre se lembrar disso, devem ser claros e fortes. Essa proximidade com o povo não humilha em nada a poesia dramática, mas, ao contrário, dobra sua força e a impede de se tornar vulgar e esmagada ". Ostrovsky fala em sua "Nota" sobre como o público do teatro na Rússia está se expandindo depois 1861. na arte do espectador, Ostrovsky escreve: "A boa literatura ainda é enfadonha para ele e incompreensível, a música também, só o teatro lhe dá prazer total, aí ele experimenta tudo o que acontece no palco como uma criança, simpatiza com o bem e reconhece o mal, claramente apresentado." "Um novo público", escreveu Ostrovsky, "requer drama forte, grande comédia, desafiador, franco, riso alto, sentimentos quentes e sinceros." Em duas décadas e meia, Alexander Blok, falando sobre poesia , escreverá que sua essência está nas verdades principais, "ambulantes", na capacidade de transmiti-las ao coração do leitor.

Siga em frente, resmungos de luto!

Atores, dominem o ofício,

Para da verdade ambulante

Todos se sentiram doentes e leves!

("Balagão"; 1906)

A grande importância que Ostrovsky atribuiu ao teatro, seus pensamentos sobre arte teatral, sobre a situação do teatro na Rússia, sobre o destino dos atores - tudo isso se refletiu em suas peças.

Na vida do próprio Ostrovsky, o teatro desempenhou um papel importante. Participou da produção de suas peças, trabalhou com atores, foi amigo de muitos deles, se correspondeu. Ele se esforçou muito para defender os direitos dos atores, buscando criar uma escola de teatro na Rússia, seu próprio repertório.

Ostrovsky conhecia bem a vida interior, escondida dos olhos do público, nos bastidores do teatro. Começando com "A Floresta" (1871), Ostrovsky desenvolve o tema do teatro, cria imagens de atores, retrata seu destino - esta peça é seguida por "Comediante do século XVII" (1873), "Talentos e Admiradores" (1881 ), "Culpado sem culpa" (1883).

O teatro à imagem de Ostrovsky vive de acordo com as leis daquele mundo, que é familiar ao leitor e ao espectador de suas outras peças. A forma como os destinos dos artistas são formados é determinada pelos costumes, relacionamentos, circunstâncias da vida "comum". A capacidade de Ostrovsky de recriar uma imagem precisa e viva do tempo também se manifesta plenamente em peças sobre atores. Esta é Moscou da era do czar Alexei Mikhailovich ("Comediante do século 17"), uma cidade provinciana moderna para Ostrovsky ("Talentos e Admiradores", "Culpado Sem Culpa"), uma propriedade nobre ("Floresta").

Na vida do teatro russo, que Ostrovsky conhecia tão bem, o ator era uma pessoa forçada, que estava em dependência múltipla. “Depois havia um tempo para os favoritos, e toda a diligência gerencial do inspetor de repertório consistia em instruções ao diretor-chefe para tomar todos os cuidados possíveis ao compilar o repertório para que os favoritos que recebem grande pagamento por apresentação tocassem todos os dias e, se possível , em dois teatros”, escreveu Ostrovsky em “A Note on Draft Rules on Imperial Theatres for Dramatic Works” (1883).

Na representação de Ostrovsky, os atores podem se tornar quase mendigos, como Neschastlivtsev e Schastlivtsev em The Forest, humilhados, perdendo sua forma humana devido à embriaguez, como Robinson em The Dowry, como Shmaga em Guilty Without Guilt, como Erast Gromilov em Talentos e admiradores", "Nós, os artistas, nosso lugar é no bufê", - Shmaga diz com desafio e ironia maliciosa.

O teatro, a vida das atrizes provincianas no final dos anos 70, mais ou menos na época em que Ostrovsky escrevia peças sobre atores, mostra M.E. Saltykov-Shchedrin no romance "Cavalheiros Golovlyov". As sobrinhas de Yudushka, Lyubinka e Anninka, tornam-se atrizes, escapando da vida de Golovlev, mas acabam em um presépio. Eles não tinham talento, nem treinamento, não estudaram atuação, mas tudo isso não era exigido no palco provincial. A vida dos atores aparece nas memórias de Anninka como um inferno, como um pesadelo: “Aqui está uma cena com cenário fuliginoso, capturado e escorregadio da umidade; aqui ela mesma está girando no palco, apenas girando, imaginando que está jogando ... Noites de bebedeira e lutas; fazendeiros transeuntes tirando às pressas um verde de suas carteiras magras; aperto de mercador animando os “atores” quase com um chicote nas mãos. E a vida nos bastidores é feia, e o que se passa no palco é feio: "... E a duquesa de Gerolstein, deslumbrante com um hussardo mentic, e Cleretta Ango, em vestido de noiva, com fenda na frente até a cintura , e a linda Elena, com fenda na frente, atrás e de todos os lados... Nada além de descaramento e nudez... assim tem sido a vida!" Esta vida leva Lubinka ao suicídio.

As coincidências entre Shchedrin e Ostrovsky na representação do teatro provincial são naturais - ambos escrevem sobre o que conheciam bem, escrevem a verdade. Mas Shchedrin é um satírico impiedoso, ele exagera tanto, a imagem se torna grotesca, enquanto Ostrovsky dá uma imagem objetiva da vida, seu "reino sombrio" não é desesperador - não foi à toa que N. Dobrolyubov escreveu sobre um "raio de luz".

Essa característica de Ostrovsky foi notada pelos críticos mesmo quando suas primeiras peças apareceram. "... A capacidade de retratar a realidade como ela é - "fidelidade matemática à realidade", a ausência de qualquer exagero ... Todas essas não são as marcas da poesia de Gogol; todas essas são as marcas da nova comédia", B . Almazov escreveu no artigo "Sonho por ocasião de uma comédia. Já em nossa época, o crítico literário A. Skaftymov em sua obra "Belinsky e a dramaturgia de A.N. Ostrovsky" observou que "a diferença mais marcante entre as peças de Gogol e Ostrovsky é que Gogol não tem uma vítima do vício, e Ostrovsky sempre tem uma vítima sofredora vício... Retratando o vício, Ostrovsky protege algo dele, protege alguém... Assim, todo o conteúdo da peça muda, a fim de apresentar com nitidez a legitimidade interior, a verdade e a poesia da humanidade genuína, oprimidos e expulsos em uma atmosfera de auto-interesse dominante e engano. A abordagem de Ostrovsky para retratar a realidade, que é diferente da de Gogol, é explicada, é claro, pela originalidade de seu talento, pelas propriedades "naturais" do artista, mas também (isso não deve ser esquecido) pelo tempo mudado: maior atenção ao indivíduo, aos seus direitos, reconhecimento do seu valor.

DENTRO E. Nemirovich-Danchenko em seu livro "O Nascimento do Teatro" escreve sobre o que torna as peças de Ostrovsky especialmente cênicas: "a atmosfera de bondade", "simpatia clara e firme do lado do ofendido, à qual a sala do teatro é sempre extremamente sensível ."

Em peças sobre teatro e atores, Ostrovsky certamente tem a imagem de um verdadeiro artista e de uma pessoa maravilhosa. Na vida real, Ostrovsky conheceu muitas pessoas excelentes em mundo do teatro, altamente valorizados, respeitados. Um papel importante em sua vida foi desempenhado por L. Nikulina-Kositskaya, que interpretou brilhantemente Katerina em The Thunderstorm. Ostrovsky era amigo do artista A. Martynov, ele apreciava muito N. Rybakov, G. Fedotova, M. Yermolova tocava em suas peças; P. Strepetova.

Na peça Guilty Without Guilt, a atriz Elena Kruchinina diz: “Eu sei que as pessoas têm muita nobreza, muito amor, abnegação”. E a própria Otradina-Kruchinina pertence a pessoas tão maravilhosas e nobres, ela é uma artista maravilhosa, inteligente, significativa, sincera.

"Oh, não chore; eles não valem suas lágrimas. Você é uma pomba branca em um bando de gralhas negras, então eles te bicam. Sua brancura, sua pureza é ofensiva para eles", diz Narokov a Sasha Negina em Talentos e Admiradores.

A imagem mais vívida de um nobre ator criada por Ostrovsky é o trágico Neschastlivtsev em The Forest. Ostrovsky retrata uma pessoa "viva", com um destino difícil, com um triste historia de vida. Neschastlivtsev, que bebe muito, não pode ser chamado de "pomba branca". Mas ele muda ao longo da peça, a situação do enredo dá a ele a oportunidade de revelar totalmente Melhores características sua natureza. Se a princípio o comportamento de Neschastlivtsev mostra, pela postura inerente ao trágico provinciano, uma predileção por recitações pomposas (nesses momentos ele é ridículo); se, fazendo o papel de mestre, ele se encontra em situações ridículas, então, tendo entendido o que está acontecendo na propriedade Gurmyzhskaya, que lixo é sua amante, ele participa ardentemente do destino de Aksyusha, mostra excelentes qualidades humanas. Acontece que o papel de um nobre herói é orgânico para ele, esse é realmente o seu papel - e não só no palco, mas também na vida.

Em sua opinião, arte e vida estão indissociavelmente ligadas, o ator não é um hipócrita, não é um fingidor, sua arte é baseada em sentimentos genuínos, experiências genuínas, não deve ter nada a ver com fingimento e mentiras na vida. Este é o significado da observação que Gurmyzhskaya e toda a sua companhia de Neschastlivtsev lançam: "... Somos artistas, artistas nobres e comediantes são vocês."

Gurmyzhskaya acaba sendo o principal comediante na performance da vida que se desenrola em The Forest. Ela escolhe para si um papel atraente e bonito de uma mulher de regras morais rígidas, uma generosa filantropa que se dedicou a boas ações(“Senhores, vivo para mim? Tudo o que tenho, todo o meu dinheiro é dos pobres. Sou apenas uma escriturária com o meu dinheiro, e todo pobre, todo infeliz dono é seu dono”, ela inspira os outros). Mas tudo isso é hipocrisia, uma máscara que esconde sua verdadeira face. Gurmyzhskaya está enganando, fingindo ter bom coração, ela nem pensou em fazer algo pelos outros, ajudar alguém: “Por que me emocionei! Gurmyzhskaya não apenas desempenha um papel completamente estranho para ela, mas também obriga os outros a jogar junto com ela, impõe-lhes papéis que deveriam apresentá-la da maneira mais favorável: Neschastlivtsev é designado para desempenhar o papel de um sobrinho agradecido e amoroso . Aksyusha - o papel da noiva, Bulanov - o noivo de Aksyusha. Mas Aksyusha se recusa a interromper uma comédia para ela: "Não vou me casar com ele, então por que essa comédia?" Gurmyzhskaya, não escondendo mais o fato de ser a diretora da peça que está sendo encenada, rudemente coloca Aksyusha em seu lugar: "Comédia! Como você ousa? Mas mesmo uma comédia; eu te alimento e visto, e vou fazer você jogar um comédia."

O comediante Schastlivtsev, que se revelou mais perspicaz do que o trágico Neschastlivtsev, que a princípio aceitou a atuação de Gurmyzhskaya com fé, descobriu a situação real diante dele, disse a Neschastlivtsev: “O estudante do ensino médio, aparentemente, é mais inteligente; ele interpreta um melhor papel aqui do que o seu ... Ele é um amante, e você é ... um simplório.

Antes que o espectador apareça o real, sem uma máscara farisaica protetora, Gurmyzhskaya - uma senhora gananciosa, egoísta, enganosa e depravada. O desempenho que ela desempenhou perseguiu objetivos baixos, vis e sujos.

Muitas das peças de Ostrovsky apresentam um falso "teatro" da vida. Podkhalyuzin na primeira peça de Ostrovsky "Nosso povo - vamos resolver" desempenha o papel do dono mais dedicado e fiel de uma pessoa e assim atinge seu objetivo - tendo enganado Bolshov, ele próprio se torna o dono. Glumov na comédia "Enough Stupidity for Every Wise Man" constrói sua carreira em um jogo complexo, colocando uma ou outra máscara. Apenas o acaso o impediu de atingir seu objetivo na intriga que havia iniciado. Em "Dote", não apenas Robinson, entretendo Vozhevatov e Paratov, aparece como um senhor. O engraçado e lamentável Karandyshev tenta parecer importante. Tendo se tornado noivo de Larisa, ele "... ergueu a cabeça tão alto que tropeçaria em alguém. E por algum motivo colocou os óculos, mas nunca os usou. Ele se curva - mal acena", diz Vozhevatov. Tudo o que Karandyshev faz é artificial, tudo é para se exibir: o cavalo miserável que ele ganhou, o tapete com armas baratas na parede e o jantar que ele prepara. O homem de Paratov - prudente e sem alma - desempenha o papel de uma natureza quente e desenfreada.

Teatro na vida, máscaras imponentes nascem da vontade de disfarçar, esconder algo imoral, vergonhoso, passar o preto pelo branco. Por trás de tal desempenho geralmente está o cálculo, a hipocrisia, o interesse próprio.

Neznamov na peça "Guilty Without Guilt", sendo vítima da intriga que Korinkina iniciou, e acreditando que Kruchinina apenas fingia ser uma mulher gentil e nobre, diz amargamente: "Atriz! Atriz! Então jogue no palco. Eles pagam dinheiro para um bom fingimento E para brincar na vida com corações simples e ingênuos que não precisam de jogo, que pedem a verdade... deveriam ser executados por isso... não precisamos de engano! , a pura verdade!" O herói da peça aqui expressa uma ideia muito importante para Ostrovsky sobre o teatro, sobre seu papel na vida, sobre a natureza e o propósito da atuação. Ostrovsky contrasta comédia e hipocrisia na vida com arte cheia de verdade e sinceridade no palco. Um verdadeiro teatro, uma peça inspirada de um artista é sempre moral, traz o bem, ilumina a pessoa.

As peças de Ostrovsky sobre atores e teatro, que refletiam com precisão as circunstâncias da realidade russa nas décadas de 1970 e 1980, contêm pensamentos sobre arte que ainda estão vivos hoje. São reflexões sobre o difícil, às vezes trágico destino de um verdadeiro artista, que, ao realizar-se, gasta-se, queima-se, sobre a felicidade que encontra na criatividade, na doação total, sobre a elevada missão da arte, que afirma o bem e humanidade. O próprio Ostrovsky se expressou, revelou sua alma nas peças que criou, talvez especialmente francamente em peças sobre teatro e atores. Muito neles está em consonância com o que o poeta do nosso século escreve em versos maravilhosos:

Quando o sentimento dita a linha

Ele envia um escravo para o palco,

E é aqui que a arte termina.

E o solo e o destino respiram.

(B. Pasternak " ai eu saberia

O que acontece... ").

Gerações inteiras de notáveis ​​artistas russos cresceram com as produções das peças de Ostrovsky. Além dos Sadovskys, também existem Martynov, Vasiliev, Strepetov, Yermolov, Massalitonov, Gogolev. As paredes do Teatro Maly viram o grande dramaturgo viver, e suas tradições ainda estão crescendo no palco.

A habilidade dramática de Ostrovsky é propriedade do teatro moderno, objeto de estudo minucioso. Não está de todo desatualizado, apesar de algumas técnicas antiquadas. Mas esse antiquado é exatamente o mesmo que no teatro de Shakespeare, Moliere, Gogol. Estes são diamantes antigos e genuínos. As peças de Ostrovsky contêm possibilidades ilimitadas para atuação no palco e crescimento de atuação.

A principal força do dramaturgo é a verdade que tudo conquista, a profundidade da tipificação. Dobrolyubov também observou que Ostrovsky retrata não apenas tipos de comerciantes, proprietários de terras, mas também tipos universais. Temos todos os sinais a arte mais elevada que é imortal.

A originalidade da dramaturgia de Ostrovsky, sua inovação se manifesta de maneira especialmente clara na tipificação. Se ideias, temas e enredos revelam a originalidade e inovação do conteúdo da dramaturgia de Ostrovsky, então os princípios de tipificação dos personagens já se relacionam com sua representação artística, sua forma.

A. H. Ostrovsky, que continuou e desenvolveu as tradições realistas do drama da Europa Ocidental e da Rússia, foi atraído, em regra, não por personalidades excepcionais, mas por personagens sociais comuns e comuns de maior ou menor tipicidade.

Quase qualquer personagem de Ostrovsky é original. Ao mesmo tempo, o individual em suas peças não contradiz o social.

Individualizando seus personagens, o dramaturgo descobre o dom da penetração mais profunda em seu mundo psicológico. Muitos episódios das peças de Ostrovsky são obras-primas de representação realista da psicologia humana.

“Ostrovsky”, escreveu Dobrolyubov com razão, “sabe como olhar nas profundezas da alma de uma pessoa, sabe como distinguir a natureza de todas as deformidades e crescimentos aceitos externamente; é por isso que a opressão externa, o peso de toda a situação que oprime uma pessoa, é sentida em suas obras com muito mais força do que em muitas histórias, de conteúdo terrivelmente ultrajante, mas o lado externo e oficial da questão obscurece completamente o interno, lado humano. Dobrolyubov reconheceu uma das principais e melhores propriedades do talento de Ostrovsky na capacidade de "perceber a natureza, penetrar nas profundezas da alma de uma pessoa, captar seus sentimentos, independentemente da imagem de suas relações oficiais externas".

Ao trabalhar nos personagens, Ostrovsky aprimorou constantemente os métodos de sua habilidade psicológica, ampliando a gama de cores utilizadas, complicando as cores das imagens. Em seu primeiro trabalho, temos diante de nós personagens brilhantes, mas mais ou menos lineares dos personagens. Outras obras são exemplos de uma divulgação mais aprofundada e complicada de imagens humanas.

Na dramaturgia russa, a escola de Ostrovsky é designada com bastante naturalidade. Inclui I. F. Gorbunov, A. Krasovsky, A. F. Pisemsky, A. A. Potekhin, I. E. Chernyshev, M. P. Sadovsky, N. Ya. Soloviev, P. M. Nevezhin e A. Kupchinsky. Aprendendo com Ostrovsky, I. F. Gorbunov criou cenas maravilhosas do comerciante pequeno-burguês e da vida artesanal. Seguindo Ostrovsky, A. A. Potekhin revelou em suas peças o empobrecimento da nobreza (“The Newest Oracle”), a essência predatória da rica burguesia (“Guilty”), o suborno, o carreirismo da burocracia (“Tinsel”), a beleza espiritual do campesinato (“Casaco de pele de ovelha - a alma humana”), o surgimento de novas pessoas de um armazém democrático (“Corte o pedaço”). O primeiro drama de Potekhin, O Julgamento do Homem Não Deus, que apareceu em 1854, é uma reminiscência das peças de Ostrovsky escritas sob a influência do eslavofilismo. No final da década de 1950 e no início da década de 1960, as peças de I. E. Chernyshev, artista do Teatro Alexandrinsky e colaborador permanente da revista Iskra, eram muito populares em Moscou, São Petersburgo e nas províncias. Essas peças, escritas em espírito liberal-democrático, imitando claramente o estilo artístico de Ostrovsky, impressionaram pela exclusividade dos personagens principais, pela formulação contundente das questões morais e domésticas. Por exemplo, na comédia The Bridegroom from the Debt Office (1858), foi contado sobre um homem pobre que tentou se casar com um rico proprietário de terras, na comédia Happiness Is Not in Money (1859), um predador-comerciante sem alma é retratado, no drama Father of the Family (1860) tirano-landlord, e na comédia "Spoiled Life" (1862) retrata um funcionário extremamente honesto e gentil, sua esposa ingênua e um véu desonrosamente traiçoeiro que violou sua felicidade.

Sob a influência de Ostrovsky, mais tarde, no final do século 19 e início do século 20, dramaturgos como A.I. Sumbatov-Yuzhin, Vl.I. Nemirovich-Danchenko, S. A. Naidenov, E. P. Karpov, P. P. Gnedich e muitos outros.

A autoridade indiscutível de Ostrovsky como o primeiro dramaturgo do país foi reconhecida por todas as figuras literárias progressistas. Apreciando muito a dramaturgia de Ostrovsky como "nacional", ouvindo seus conselhos, L. N. Tolstoi lhe enviou a peça "O Primeiro Destilador" em 1886. Chamando Ostrovsky de "pai da dramaturgia russa", o autor de "Guerra e Paz" pediu-lhe em uma carta de apresentação que lesse a peça e expressasse seu "veredicto de pai" sobre ela.

As peças de Ostrovsky, as mais progressivas na dramaturgia do segundo metade do XIX século, constituem um passo em frente, um capítulo independente e importante no desenvolvimento da arte dramática mundial.

A enorme influência de Ostrovsky na dramaturgia dos povos russo, eslavo e outros é indiscutível. Mas seu trabalho está conectado não apenas com o passado. Ele vive ativamente no presente. Por sua contribuição ao repertório teatral, expressão da vida atual, o grande dramaturgo é nosso contemporâneo. A atenção ao seu trabalho não diminui, mas aumenta.

Ostrovsky há muito atrairá os corações e mentes dos telespectadores nacionais e estrangeiros com o pathos humanista e otimista de suas idéias, a generalização profunda e ampla de seus heróis, bons e maus, suas propriedades humanas universais, a singularidade de sua habilidade dramática original.

Todos vida criativa UM. Ostrovsky estava inextricavelmente ligado ao teatro russo e seu mérito para o palco russo é verdadeiramente imensurável. Ele tinha todos os motivos para dizer no final da vida: "... o teatro russo tem apenas um eu. Eu sou tudo: a academia, o filantropo e a defesa. Além disso, ... tornei-me o chefe da arte cênica."

Ostrovsky participou ativamente da encenação de suas peças, trabalhou com atores, era amigo de muitos deles e se correspondia com eles. Ele se esforçou muito para defender a moral dos atores, buscando criar uma escola de teatro na Rússia, seu próprio repertório.

Em 1865, Ostrovsky organizou um Círculo Artístico em Moscou, cujo objetivo era proteger os interesses dos artistas, principalmente os provincianos, e promover sua educação. Em 1874 ele criou a Sociedade de Escritores Dramáticos e compositores de ópera. Ele compilou memorandos para o governo sobre o desenvolvimento das artes cênicas (1881), dirigiu o Teatro Maly em Moscou e o Teatro Alexandrinsky em São Petersburgo, foi responsável pelo repertório dos teatros de Moscou (1886) e foi chefe do a escola de teatro (1886). Ele "construiu" todo um "edifício do teatro russo", composto por 47 peças originais. "Você trouxe de presente a literatura toda uma biblioteca de obras de arte", escreveu I. A. Goncharov a Ostrovsky, "você criou seu próprio mundo especial para o palco. Nós, russos, podemos dizer com orgulho: temos nosso próprio teatro nacional russo."

A obra de Ostrovsky constituiu uma época inteira na história do teatro russo. Quase todas as suas peças durante sua vida foram encenadas no Teatro Maly, eles criaram várias gerações de artistas que se tornaram mestres maravilhosos do palco russo. As peças de Ostrovsky desempenharam um papel tão significativo na história do Teatro Maly que é orgulhosamente chamado de Casa Ostrovsky.

Ostrovsky geralmente encenava suas próprias peças. Ele conhecia bem a vida interior, escondida dos olhos do público, nos bastidores do teatro. Conhecimento do dramaturgo vida de ator claramente se manifestou nas peças "Floresta" (1871), "Comediante do século XVII" (1873), "Talentos e Admiradores" (1881), "Culpados sem Culpa" (1883).

Nessas obras, tipos vivos de atores provinciais de diferentes papéis aparecem diante de nós. Estes são trágicos, comediantes, "primeiros amantes". Mas independente do papel, a vida dos atores, via de regra, não é fácil. Retratando seu destino em suas peças, Ostrovsky procurou mostrar como é difícil para uma pessoa com uma alma sutil e talento viver em um mundo injusto de falta de alma e ignorância. Ao mesmo tempo, os atores na imagem de Ostrovsky podem se tornar quase mendigos, como Neschastlivtsev e Schastlivtsev em Les; humilhados e perdendo a aparência humana por embriaguez, como Robinson em "Dote", como Shmaga em "Guilty Without Guilt", como Erast Gromilov em "Talents and Admirers".

Na comédia "A Floresta" Ostrovsky revelou o talento dos atores do teatro provincial russo e ao mesmo tempo mostrou sua posição humilhante, condenado à vadiagem e vagando em busca do pão de cada dia. Quando se encontram, Schastlivtsev e Neschastlivtsev não têm um centavo em dinheiro ou uma pitada de tabaco. É verdade que Neschastvittsev tem algumas roupas em sua mochila feita em casa. Ele até tinha fraque, mas para desempenhar o papel teve que trocá-lo em Chisinau "pelo traje de Hamlet". O figurino era muito importante para o ator, mas para ter o guarda-roupa necessário era preciso muito dinheiro ...

Ostrovsky mostra que o ator provinciano está no degrau mais baixo da escala social. Na sociedade, existe um preconceito contra a profissão de ator. Gurmyzhskaya, sabendo que seu sobrinho Neschastlivtsev e seu camarada Schastlivtsev são atores, declara arrogantemente: "Amanhã de manhã eles não estarão aqui. Não tenho hotel, nem taverna para esses cavalheiros." Se as autoridades locais não gostarem do comportamento do ator ou se ele não tiver documentos, ele é perseguido e pode até ser expulso da cidade. Arkady Schastlivtsev foi "expulso da cidade três vezes ... por quatro milhas por cossacos com chicotes". Por causa da desordem, das peregrinações eternas, os atores bebem. Visitar tabernas é a única forma de fugir da realidade, pelo menos por um tempo para esquecer os problemas. Schastlivtsev diz: "... Somos iguais a ele, ambos os atores, ele é Neschastlivtsev, eu sou Schastlivtsev e somos ambos bêbados", e então declara com bravata: "Somos um povo livre e ambulante - valorizamos a taberna acima de tudo." Mas essa bufonaria de Arkashka Schastlivtsev é apenas uma máscara que esconde a dor insuportável da humilhação social.

Apesar da vida difícil, adversidade e ressentimento, muitos ministros de Melpomene mantêm bondade e nobreza em suas almas. Em "The Forest" Ostrovsky criou a imagem mais vívida de um nobre ator - o trágico Neschastlivtsev. Ele retratou uma pessoa "viva", com um destino difícil, com uma triste história de vida. O ator bebe muito, mas ao longo da peça ele muda, as melhores características de sua natureza são reveladas. Forçando Vosmibratov a devolver o dinheiro a Gurmyzhskaya, Neschastlivtsev faz uma performance, faz pedidos falsos. Neste momento, ele joga com tanta força, com tanta fé que o mal pode ser punido, que ele alcança o verdadeiro sucesso na vida: Vosmibratov dá dinheiro. Então, dando seu último dinheiro a Aksyusha, arranjando sua felicidade, Neschastlivtsev não joga mais. Suas ações não são um gesto teatral, mas um ato verdadeiramente nobre. E quando, no final da peça, ele profere o famoso monólogo de Karl Mohr dos "Ladrões" de F. Schiller, as palavras do herói de Schiller tornam-se, em essência, uma continuação de seu próprio discurso raivoso. O significado da observação que Neschastlivtsev lança para Gurmyzhskaya e toda a sua companhia: "Somos artistas, artistas nobres e comediantes são vocês", reside no fato de que, em sua opinião, arte e vida estão inextricavelmente ligadas, e o ator não é um fingidor, não um hipócrita, sua arte baseada em sentimentos e experiências genuínas.

Na comédia poética “Comediante do século XVII” o dramaturgo voltou-se para as primeiras páginas da história do cenário nacional. O talentoso comediante Yakov Kochetov tem medo de se tornar um artista. Não só ele, mas também seu pai tem certeza de que esta é uma ocupação repreensível, que a bufonaria é um pecado, pior do que nada pode ser, porque essas eram as idéias pré-construtivas do povo de Moscou no século XVII. Mas Ostrovsky contrastou os perseguidores de bufões e suas "ações" com os amantes e fanáticos do teatro na era pré-petrina. O dramaturgo mostrou o papel especial das apresentações de palco no desenvolvimento da literatura russa e formulou o propósito da comédia para "... mostrar uma piada cruel e maligna, torná-la risível. ... Ensinar as pessoas retratando a moral".

No drama "Talentos e Admiradores" Ostrovsky mostrou como é difícil o destino da atriz, dotada de um enorme dom de palco, que se dedica apaixonadamente ao teatro. A posição do ator no teatro, seu sucesso depende se ele é apreciado pelos espectadores ricos que têm a cidade inteira em suas mãos. Afinal, os teatros provinciais existiam principalmente de doações dos mecenas locais, que se sentiam donos do teatro e ditavam seus termos aos atores. Alexandra Negina de "Talentos e Admiradores" se recusa a participar de intrigas de bastidores ou a responder aos caprichos de seus ricos admiradores: o Príncipe Dulebov, o oficial Bakin e outros. Negina não pode e não quer se contentar com o sucesso fácil da pouco exigente Nina Smelskaya, que aceita de bom grado o patrocínio de ricos admiradores, tornando-se, de fato, uma mulher mantida. O príncipe Dulebov, ofendido com a recusa de Negina, decidiu arruiná-la, arrancando uma apresentação beneficente e literalmente sobrevivendo do teatro. Separar-se do teatro, sem o qual não consegue imaginar a sua existência, para Negina significa contentar-se com uma vida miserável com a doce mas pobre aluna Petya Meluzov. Ela só tem uma saída: ir para a manutenção de outro admirador, o rico proprietário de terras Velikatov, que promete seus papéis e sucesso retumbante em seu teatro. Ele chama sua reivindicação pelo talento e alma de Alexandra de amor ardente, mas em essência é um acordo franco entre um grande predador e uma vítima indefesa. O que Knurov não teve que fazer em "Dote" foi feito por Velikatov. Larisa Ogudalova conseguiu se libertar das correntes de ouro à custa da morte, Negina colocou essas correntes em si mesma, porque não consegue imaginar a vida sem arte.

Ostrovsky repreende esta heroína, que acabou por ter menos dote espiritual do que Larisa. Mas ao mesmo tempo ele mágoa nos contou sobre destino dramático atriz, causando sua participação e simpatia. Não é de admirar, como observou E. Kholodov, que o nome dela seja o mesmo do próprio Ostrovsky - Alexandra Nikolaevna.

No drama Guilty Without Guilt, Ostrovsky volta a abordar o tema do teatro, embora seus problemas sejam muito mais amplos: fala do destino de pessoas privadas de vida. No centro do drama está a destacada atriz Kruchinina, após cujas apresentações o teatro literalmente "desmorona de aplausos". Sua imagem dá motivos para pensar sobre o que determina o significado e a grandeza da arte. Em primeiro lugar, acredita Ostrovsky, esta é uma grande experiência de vida, uma escola de privação, tormento e sofrimento, pela qual sua heroína passou.

Toda a vida de Kruchinina fora do palco é "tristeza e lágrimas". Esta mulher sabia de tudo: o trabalho árduo de uma professora, a traição e partida de um ente querido, a perda de um filho, doença grave, solidão. Em segundo lugar, é nobreza espiritual, um coração compassivo, fé na bondade e respeito pela pessoa e, em terceiro lugar, uma consciência das elevadas tarefas da arte: Kruchinina traz ao espectador uma alta verdade, as ideias de justiça e liberdade. Com sua palavra do palco, ela busca "queimar o coração das pessoas". E junto com um raro talento natural e uma cultura comum, tudo isso permite tornar-se o que a heroína da peça se tornou - um ídolo universal, cuja "glória troveja". Kruchinina dá a seus espectadores a felicidade do contato com o belo. E é por isso que o próprio dramaturgo no final também lhe dá felicidade pessoal: ganhar filho perdido, ator destituído Neznamov.

O mérito de A. N. Ostrovsky antes do palco russo é verdadeiramente imensurável. Suas peças sobre teatro e atores, refletindo com precisão as circunstâncias da realidade russa nas décadas de 70 e 80 do século XIX, contêm pensamentos sobre arte que ainda são relevantes hoje. Estes são pensamentos sobre um destino difícil, às vezes trágico pessoa talentosa, que, sendo realizados no palco, se queimam completamente; pensamentos sobre a felicidade da criatividade, dedicação total, sobre a elevada missão da arte, afirmando o bem e a humanidade.

O próprio dramaturgo se expressou, revelou sua alma nas peças que criou, talvez especialmente francamente em peças sobre teatro e atores, nas quais mostrou de forma muito convincente que mesmo nas profundezas da Rússia, nas províncias, você pode encontrar pessoas talentosas e desinteressadas pessoas, capazes de viver pelos interesses mais elevados. Muito nessas peças está em consonância com o que B. Pasternak escreveu em seu maravilhoso poema "Oh, se eu soubesse que isso acontece ...":

Quando uma linha dita um sentimento

Ele envia um escravo para o palco,

E é aqui que a arte termina.

E o solo e o destino respiram.