Descrição do jazz. Jazz: o que é (definição), a história da aparência, o berço do jazz

O jazz é um tipo de arte musical que surgiu como resultado da síntese de estilos africanos e culturas europeias apresentando o folclore afro-americano. O ritmo e a improvisação são emprestados da música africana, a harmonia é emprestada da européia.

Informações gerais sobre as origens da formação

A história do jazz se origina em 1910 nos EUA. Rapidamente se espalhou pelo mundo. Durante o século XX, essa direção na música passou por uma série de mudanças. Se falarmos brevemente sobre a história do surgimento do jazz, deve-se notar que várias etapas de desenvolvimento foram passadas no processo de formação. Nas décadas de 1930 e 1940, foi muito influenciado pelos movimentos swing e be-bop. A partir de 1950, o jazz passou a ser visto como um gênero musical que englobava todos os estilos por ele desenvolvidos.

O jazz agora ocupa seu lugar na esfera Alta arte. É considerado bastante prestigioso, influenciando o desenvolvimento da cultura musical mundial.

A história do surgimento do jazz

Essa direção surgiu nos EUA como resultado da fusão de várias culturas musicais. A história da origem do jazz começa na América do Norte, a maior parte da qual era habitada por protestantes ingleses e franceses. Missionários religiosos buscavam converter os negros à sua fé, preocupando-se com a salvação de suas almas.

O resultado da síntese de culturas é o surgimento de espirituais e azuis.

A música africana é caracterizada pela improvisação, polirritmia, polimetria e linearidade. Um grande papel aqui é atribuído ao início rítmico. O valor da melodia e da harmonia não é tão significativo. Isso se deve ao fato de que a música africana tem valor aplicado. Acompanha atividade laboral, rituais. A música africana não é independente e está associada ao movimento, à dança, à recitação. Sua entonação é bastante livre, pois depende do estado emocional dos intérpretes.

Da música européia, mais racional, o jazz foi enriquecido com um sistema modal maior-menor, construções melódicas e harmonia.

O processo de unificação das culturas começou no século XVIII e levou ao surgimento do jazz no século XX.

Período escolar em Nova Orleans

Na história do jazz, considera-se que o primeiro estilo instrumental se originou na Louisiana. Pela primeira vez, essa música apareceu na apresentação de bandas de música de rua, muito populares na época. De grande importância na história do surgimento do jazz nesta cidade portuária foi Storyville - uma área da cidade especialmente destinada a locais de entretenimento. Foi aqui, entre os músicos crioulos, de origem negro-francesa, que nasceu o jazz. Eles conheciam música clássica leve, foram educados, dominaram a técnica européia de tocar, tocaram instrumentos europeus, leram notas. Seu alto nível de performance e educação nas tradições européias enriqueceram o jazz antigo com elementos que não estavam sujeitos a influências africanas.

O piano também era um instrumento comum nos estabelecimentos de Storyville. Principalmente a improvisação soou aqui, e o instrumento foi usado mais como um instrumento de percussão.

Um exemplo de estilo antigo de Nova Orleans é a Buddy Bolden Orchestra (cornet), que existiu de 1895 a 1907. A música desta orquestra assentava na improvisação colectiva de uma estrutura polifónica. A princípio, o ritmo das primeiras composições do jazz de Nova Orleans era marchante, já que a origem das bandas vinha de bandas militares. Com o tempo, os instrumentos secundários foram retirados da composição padrão das bandas de metais. Tais conjuntos frequentemente organizavam competições. Também contaram com a presença de escalações "brancas", que se destacaram pelo jogo técnico, mas foram menos emocionais.

Havia um grande número de orquestras que tocavam marchas, blues, ragtimes, etc.

Junto com orquestras negras, surgiram também orquestras compostas por músicos brancos. A princípio eles tocavam a mesma música, mas eram chamados de "Dixielands". Mais tarde, essas composições usaram mais elementos da tecnologia européia, mudaram a forma de produção do som.

bandas de barco a vapor

Na história da origem do jazz, um certo papel foi desempenhado pelas orquestras de Nova Orleans que trabalhavam em barcos a vapor que cruzavam o rio Mississippi. Para os passageiros que viajavam em navios de recreio, um dos entretenimentos mais atraentes era a apresentação dessas orquestras. Eles tocaram música de dança divertida. Para os intérpretes, um requisito obrigatório era o conhecimento da alfabetização musical e a capacidade de ler notas de uma folha. Portanto, essas composições tinham um nível profissional bastante alto. Em tal orquestra, a pianista de jazz Lil Hardin, que mais tarde se tornou a esposa de Louis Armstrong, iniciou sua carreira.

Nas estações onde os navios faziam escalas, as orquestras organizavam concertos para a população local.

Algumas das bandas permaneceram em cidades ao longo dos rios Mississippi e Missouri ou longe deles. Uma dessas cidades era Chicago, onde os negros se sentiam mais à vontade do que na América do Sul.

grande banda

No início dos anos 20 do século XX, uma forma de big band se desenvolveu na história da música jazz, que permaneceu relevante até o final dos anos 40. Os intérpretes de tais orquestras tocavam as partes eruditas. A orquestração assumiu o som brilhante de ricas harmonias de jazz, que foram executadas por metais e as orquestras de jazz mais famosas foram as orquestras de Glenn Miller, Benny Goodman, Count Basie, Jimmy Lunsford. Eles gravaram sucessos genuínos de melodias de swing, que se tornaram uma fonte de mania de swing em um amplo círculo de ouvintes. Nas "batalhas de orquestras" que aconteciam naquela época, improvisadores solo de big band levavam o público presente à histeria.

Depois dos anos 50, quando a popularidade das big bands diminuiu, por várias décadas as famosas orquestras continuaram a fazer turnês e gravar discos. A música que tocavam mudou, sendo influenciada por novos rumos. Hoje a big band é o padrão da educação jazzística.

Jazz de Chicago

Em 1917, os Estados Unidos entram na Primeira Guerra Mundial. Nesse sentido, foi declarada cidade de importância estratégica. Fechou todos os locais de entretenimento onde trabalhava um grande número de músicos. Deixados desempregados, eles migraram em massa para o Norte, para Chicago. Durante este período, estão presentes os melhores músicos de Nova Orleans e de outras cidades. Um dos artistas mais brilhantes foi Joe Oliver, que se tornou famoso em Nova Orleans. Durante o período de Chicago, sua banda incluía músicos famosos: Louis Armstrong (segunda corneta), Johnny Dodds (clarinete), seu irmão "Babby" Dodds (bateria), o jovem e educado pianista de Chicago Lil Hardin. Esta orquestra tocou jazz improvisado de textura completa de Nova Orleans.

Analisando a história do desenvolvimento do jazz, deve-se notar que no período de Chicago, o som das orquestras mudou estilisticamente. Algumas ferramentas estão sendo substituídas. As apresentações que se tornam estacionárias podem permitir o uso de membros obrigatórios da banda. Em vez de um contrabaixo, um contrabaixo é usado, em vez de um banjo - uma guitarra, em vez de uma corneta - um trompete. Também há mudanças no grupo de bateria. Agora o baterista toca em uma bateria, onde suas possibilidades se tornam mais amplas.

Ao mesmo tempo, o saxofone começou a ser usado em orquestras.

A história do jazz em Chicago é reabastecida com novos nomes de jovens intérpretes, educados musicalmente, capazes de ler uma partitura e fazer arranjos. Esses músicos (predominantemente brancos) não conheciam o verdadeiro som do jazz de Nova Orleans, mas aprenderam com artistas negros que migraram para Chicago. A juventude musical os imitou, mas como nem sempre deu certo, surgiu um novo estilo.

Nesse período, a habilidade de Louis Armstrong atingiu seu auge, marcando o modelo do jazz de Chicago e garantindo o papel de solista da mais alta classe.

Em Chicago, o blues renasce, apresentando novos intérpretes.

Há uma fusão do jazz com o palco, então os vocalistas começam a aparecer em primeiro plano. Eles criam suas próprias composições orquestrais para acompanhamento de jazz.

O período de Chicago é caracterizado pela criação de um novo estilo no qual os instrumentistas de jazz cantam. Louis Armstrong é um dos representantes desse estilo.

Balanço

Na história da criação do jazz, o termo "swing" (traduzido do inglês - "swing") é usado em dois significados. Em primeiro lugar, o swing é um meio expressivo nesta música. Distingue-se pela pulsação rítmica instável, que cria a ilusão de uma aceleração do tempo. Nesse sentido, fica a impressão de que a música tem uma grande energia interna. Artistas e ouvintes estão unidos por um estado psicofísico comum. Este efeito é obtido através do uso de técnicas rítmicas, de fraseado, articulatórias e tímbricas. Todo músico de jazz se esforça para desenvolver sua própria maneira original de suingar a música. O mesmo se aplica a conjuntos e orquestras.

Em segundo lugar, este é um dos estilos de jazz orquestral que surgiu no final dos anos 20 do século XX.

Uma característica do estilo swing é a improvisação solo contra o pano de fundo de um acompanhamento bastante complexo. Nesse estilo poderiam trabalhar músicos com boa técnica, conhecimento de harmonia e domínio das técnicas. desenvolvimento musical. Para tal produção musical, foram fornecidos grandes conjuntos de orquestras ou big bands, que se popularizaram nos anos 30. A composição padrão da orquestra tradicionalmente incluía de 10 a 20 músicos. Destes - de 3 a 5 tubos, o mesmo número de trombones, um grupo de saxofones, que incluía clarinete, bem como uma seção rítmica, composta por piano, contrabaixo, guitarra e instrumentos de percussão.

bop

Em meados dos anos 40 do século XX, um novo estilo de jazz estava se formando, cujo surgimento marcou o início da história do jazz moderno. Este estilo originou-se como uma oposição ao swing. Tinha um andamento muito rápido, introduzido por Dizzy Gillespie e Charlie Parker. Isso foi feito com um objetivo específico - limitar o círculo de artistas apenas aos profissionais.

Os músicos usaram padrões rítmicos e curvas melódicas completamente novos. A linguagem harmônica tornou-se mais complexa. A base rítmica do bumbo (em swing) passou para os pratos. Qualquer dançabilidade desapareceu completamente da música.

Na história dos estilos de jazz, o bebop foi o primeiro a sair da esfera da música popular para a criatividade experimental, para a esfera da arte em sua forma “pura”. Isso aconteceu devido ao interesse de representantes desse estilo no academicismo.

Os Bopers se distinguiam por sua aparência e comportamento ultrajantes, enfatizando assim sua individualidade.

A música bebop foi executada por conjuntos de pequenas composições. Em primeiro plano está o solista com seu estilo individual, técnica virtuosa, pensamento criativo, domínio da improvisação livre.

Em comparação com o swing, essa direção era mais altamente artística, intelectual, mas menos massiva. Era anticomercial. Mesmo assim, o bebop começou a se espalhar rapidamente, tinha seu próprio público amplo de ouvintes.

território do jazz

Na história do jazz, é preciso notar o constante interesse de músicos e ouvintes de todo o mundo, independentemente do país em que vivam. Isso se deve ao fato de que artistas de jazz como Dizzy Gillespie, Dave Brubeck, Duke Ellington e muitos outros construíram suas composições na síntese de várias culturas musicais. Este fato diz que jazz é música compreendida em todo o mundo.

Até hoje, a história do jazz tem sua continuação, pois o potencial de desenvolvimento dessa música é bastante grande.

Música jazz na URSS e na Rússia

Por ser o jazz na URSS considerado uma manifestação da cultura burguesa, foi criticado e banido pelas autoridades.

Mas 1º de outubro de 1922 foi marcado por um concerto da primeira orquestra de jazz profissional da URSS. Esta orquestra executou danças elegantes de Charleston e Foxtrot.

A história do jazz russo inclui nomes de músicos talentosos: pianista e compositor, bem como o chefe da primeira orquestra de jazz Alexander Tsfasman, o cantor Leonid Utyosov e o trompetista Y. Skomorovsky.

Após os anos 50, iniciaram sua atividade atividade criativa muitos grandes e pequenos conjuntos de jazz, entre os quais a orquestra de jazz de Oleg Lundstrem, que sobreviveu até hoje.

Atualmente, Moscou realiza um festival de jazz todos os anos, do qual participam bandas de jazz mundialmente famosas e artistas solo.

HISTÓRIA DO DESENVOLVIMENTO DO JAZZ

Jazz

É improvável que alguém se atreva a explicar o que é o jazz, já que nem o grande homem da história do jazz, Louis Armstrong, fez isso, que disse que só precisa ser entendido e pronto. De fato, o jazz, sua história, origem, modificações e ramos são muito diversos e multifacetados para dar uma definição simples e exaustiva. Mas há momentos que esclarecem a natureza dessa direção musical.

O jazz surgiu como uma combinação de várias culturas musicais e tradições nacionais. Inicialmente, chegou em sua infância de terras africanas, e sob a influência da música ocidental desenvolvida e suas correntes (blues, reg-times) e a combinação do folclore musical africano com eles, foi obtido um estilo que não morreu até hoje - jazz.

O jazz vive no ritmo, na inconsistência, nos cruzamentos e na inobservância de tonalidades e alturas dos sons. Toda música é construída sobre confronto e contradição, mas em uma peça musical tudo se combina harmoniosamente e impressiona com sua melodia, atratividade especial.

Os primeiros jazzistas, com raras exceções, criaram a tradição da orquestra de jazz, onde há improvisações com som, velocidade ou andamento, é possível ampliar o número de instrumentos e intérpretes, atraindo tradições sinfônicas. Muitos músicos de jazz investiram sua arte no desenvolvimento da tradição da arte de tocar conjuntos de jazz.

Após o aparecimento de um artista brilhante que viveu toda a sua vida no ritmo do jazz, ainda permanece uma lenda - Louis Armstrong, a arte da performance do jazz viu novos horizontes incomuns para si mesma: a performance solo vocal ou instrumental torna-se o centro de toda a performance , mudando completamente as ideias sobre o jazz.

E é aqui que surge a oportunidade de explicar outra característica do estilo jazz: esta é a performance individual única de um virtuoso do jazz, esta é a sua performance e prazer por ele e pelos ouvintes de música no momento. E a chave para a eterna juventude do jazz é a improvisação. O jazz tem espírito, mas não tem um esqueleto para mantê-lo unido. Você pode mudar o saxofone para o piano, ou pode abaixar sua cadeira e pegar o microfone, e se isso não funcionar, então volte para o trompete e tente tocar algo que Armstrong e Bechet não tocaram.

O jazz não é apenas um certo tipo de performance musical, é também uma época alegre única.

origens

A questão do berço do jazz é conhecida - é a América, mas de onde vem?

O jazz surge como uma fusão única. E um de seus componentes, que garantiu sua origem, é considerado de origem africana. Os colonos africanos trouxeram sua própria cultura, que se desenvolveu no contexto de forte influência européia e americana.

A comunidade e suas regras (normas de comportamento, tradições) estão no sangue de quem chegou, embora a ligação com seus ancestrais esteja realmente quebrada. E a música, como manifestação integral da cultura original, tornou-se um dos elos entre aquela cultura nativa africana e uma nova vida em outro continente.

A música vocal dos afro-americanos, temperada com ritmo e dança, plasticidade corporal e palmas, tornou-se uma nova subcultura musical. A música africana é completamente diferente dos modelos europeus, não possui uma galáxia de instrumentos, manteve em grande parte sua ritualidade e apego aos costumes.

Origens/História do Jazz

Esta música dos escravos acabou por quebrar os regimes totalitários, onde reinavam as orquestras clássicas, obedecendo integralmente à vontade da batuta do maestro. Segundo pesquisa da professora de história e cultura americana Penny Van Eschen, o Departamento de Estado dos EUA tentou usar o jazz como arma ideológica contra a URSS e a expansão da influência soviética no Terceiro Mundo. As origens do jazz estão ligadas ao blues.

O jazz surgiu no final do século XIX como uma fusão de ritmos africanos e harmonias europeias, mas suas origens devem ser buscadas desde o momento em que os escravos foram trazidos da África para o território do Novo Mundo. Os escravos trazidos não vinham do mesmo clã e geralmente nem se entendiam. A necessidade de consolidação levou à unificação de muitas culturas e, como resultado, à criação de uma única cultura (incluindo a música) dos afro-americanos. Os processos de mistura da cultura musical africana com a europeia (que também sofreu profundas mudanças no Novo Mundo) ocorreram a partir do século XVIII e no século XIX levaram ao surgimento do "proto-jazz", e depois do jazz na forma geralmente aceita senso.

A improvisação desempenha um papel fundamental no verdadeiro jazz. Além disso, o jazz se distingue pela sincopação (destacando batidas fracas e acentos inesperados) e um drive especial. Os dois últimos componentes aparecem em ragtime, e depois transferidos para a execução de orquestras (bandas), após o que a palavra “jazz” aparece para denotar esse novo estilo de fazer música, primeiro escrito como “Jass”, depois como “Jasz”. e só a partir de 1918 adquire o meu visual moderno. Além disso, muitas áreas do jazz se distinguem por uma técnica especial de execução: “rocking” ou swing. O berço do jazz foi o sul dos Estados Unidos e especialmente New Orleans. Em 26 de fevereiro de 1917, cinco músicos brancos de Nova Orleans gravaram o primeiro disco de jazz no estúdio de Nova York da firma Victor. É difícil superestimar o significado desse fato: antes do lançamento desse disco, o jazz permanecia um fenômeno marginal, folclore musical, e depois disso surpreendeu toda a América por várias semanas. A gravação pertencia à lendária "Original Dixieland Jazz Band".

Origens / Nascimento do Jazz

As origens desta direção musical devem ser procuradas numa mistura de culturas africanas e europeias. Curiosamente, mas o jazz começou com o próprio Cristóvão Colombo. Claro, o grande viajante e descobridor não foi o primeiro artista de jazz. Ao abrir a América à Europa, Colombo marcou o grande início da interpenetração dos continentes africano e europeu. tradições musicais.

Dominando o continente americano, os europeus transportaram para cá um grande número de inimigos negros, cujo número em 1700 ultrapassava mais de cem mil. Os escravos foram transportados da costa oeste da África através do Atlântico.

Os europeus nem imaginavam que, junto com os escravos, transportavam para a América e a cultura musical africana, que se distingue por seu incrível ritmo musical. Na África, a música desde tempos imemoriais tem sido um componente indispensável de vários rituais. O ritmo musical desempenhou um papel colossal aqui.

A cultura européia trouxe harmonia, padrões menores e maiores, melodia, bem como um início melódico solo para o jazz.

cantando no jazz

O canto de jazz não pode ser equiparado ao canto no sentido geral da palavra. Inicialmente, não havia voz solo no jazz, havia apenas um instrumento, e somente a partir das apresentações de Louis Armstrong (ou seja, seu trabalho posterior) os vocais passaram a fazer parte da "instrumentação" dos jazzistas. Mas, novamente - vocais de jazz, e isso é outra coisa.

Os vocais de jazz devem ter algumas características, ou seja, a voz do intérprete. Considerando a base do jazz - improvisação, ausência de regras, é preciso entender que o mesmo se aplica à voz do intérprete: a capacidade de expandir o alcance de uma música "normal", de tocar com a voz, é fácil improvisar, para ter um bom alcance. O intérprete deve aderir ao estilo de apresentação do jazz: fraseado e "ataque".

"Canto Scat" - esse termo surgiu na época em que Louis Armstrong trabalhava no palco, que cantava da mesma forma que tocava: os sons de sua voz eram muito parecidos com os sons de seu trompete. Os vocais de jazz começarão a mudar e se tornar mais complexos um pouco mais tarde, quando o estilo "bop" entrar na moda. É hora do sket "bop" e a estrela se torna a "primeira-dama do jazz" - Ella Fitzgerald.

Se a conexão entre o jazz e o blues não é tão forte, a conexão entre os vocais tem uma conexão mais óbvia. As possibilidades utilizadas para extrair sons (trabalho da laringe, chiado e sussurro, falsete, etc.) do blues foram aceitas de bom grado pelas tradições do jazz.

Nomes de vocalistas que ficaram famosos na história do jazz por seu canto: claro, o ancestral é Louis Armstrong, seguido por Bing Crosby, o próximo, simplesmente chamado de "a voz", Frank Sinatra, Nat King Cole. As mulheres deram sua contribuição e considerável: Bessie Smith, que foi apelidada de "Imperatriz do Blues", seguida pelos nomes de Billy Holliday, Ella Fitzgerald, a única cantora Sarah Voen.

ORIGENS DO JAZZ E SEUS ESTILOS.

Introdução

Certa vez, o editor-chefe da mais famosa revista americana de jazz "Down Beat", distribuída em 124 países do mundo, foi questionado por um repórter durante uma entrevista: "O que é jazz?" "Você nunca viu um homem tão rapidamente pego em flagrante por uma pergunta tão simples!", disse o editor mais tarde. Em contraste, alguma outra figura do jazz, como resposta à mesma pergunta, poderia falar sobre essa música por duas horas ou mais, sem explicar nada especificamente, pois na realidade ainda não há um tempo preciso, curto e ao mesmo tempo para uma definição completa e objetiva da palavra e do próprio conceito de "jazz".

Mas há uma enorme diferença entre a música de King Oliver e Miles Davis, Benny Goodman e o Modern Jazz Quartet, Stan Kenton e John Coltrane, Charlie Parker e Dave Brubeck. Muitos componentes e o desenvolvimento constante do jazz ao longo de 100 anos levaram ao fato de que mesmo o conjunto de suas características exatas de ontem não pode ser totalmente aplicado hoje, e as formulações de amanhã podem ser diametralmente opostas (por exemplo, para dixieland e bebop, swing big band e combo jazz rock).

Dificuldades em definir o jazz também. no fato de sempre tentarem resolver esse problema diretamente e falarem muito sobre jazz com pouco resultado. Obviamente, poderia ser resolvido indiretamente definindo todas aquelas características que cercam este mundo da musica na sociedade, e então será mais fácil entender o que está no centro. Ao mesmo tempo, a pergunta "O que é jazz?" é substituído por "O que significa jazz?". E aqui descobrimos que esta palavra tem uma variedade de significados para diferentes pessoas. Cada pessoa preenche esse neologismo lexical com um certo significado a seu critério.

Existem duas categorias de pessoas que usam esta palavra. Algumas pessoas adoram jazz, enquanto outras não se interessam por ele. A maioria dos amantes do jazz tem um uso muito amplo da palavra, mas nenhum deles consegue determinar onde o jazz começa e termina, porque cada um tem sua opinião sobre o assunto. Eles podem encontrar uma linguagem comum entre si, porém, cada um está convencido de seu acerto e conhecimento do que é o jazz, sem entrar em detalhes. Mesmo os próprios músicos profissionais, que vivem o jazz e o executam regularmente, dão definições muito diferentes e vagas a esta música.

A infinita variedade de interpretações não nos dá chance de chegar a uma conclusão única e indiscutível sobre o que é o jazz do ponto de vista puramente musical. No entanto, aqui é possível uma abordagem diferente, que na 2ª metade dos anos 50 foi proposta pelo mundialmente famoso musicólogo, presidente e diretor do New York Institute for Jazz Studies, Marshall Stearns (1908-1966), que invariavelmente gozou de ilimitadas respeito nos círculos do jazz em todos os países do Velho e do Novo Mundo. Em seu excelente livro didático "História do Jazz", publicado pela primeira vez em 1956, ele definiu essa música de um ponto de vista puramente histórico.

Stearns escreveu: "Em primeiro lugar, onde quer que você ouça jazz, é sempre muito mais fácil reconhecer do que descrever em palavras. Mas, à primeira vista, podemos definir jazz como música semi-improvisada que surgiu como resultado de 300 anos. da mistura em solo norte-americano de duas grandes tradições musicais - Europa Ocidental e África Ocidental - ou seja, a fusão real da cultura branca e negra. música incomum e facilmente reconhecível, sem dúvida, tem sua origem na África. Portanto, os principais componentes dessa música são a harmonia européia, a melodia euro-africana e o ritmo africano."

Mas por que o jazz se originou na América do Norte, e não no sul ou no centro, onde também havia brancos e negros suficientes? Afinal, quando falam sobre o berço do jazz, a América é sempre chamada de berço, mas, ao mesmo tempo, costumam se referir apenas ao território moderno dos Estados Unidos. O fato é que se a metade norte do continente americano foi historicamente habitada principalmente por protestantes (ingleses e franceses), entre os quais havia muitos missionários religiosos que buscavam converter os negros à fé cristã, então na parte sul e central dessa vasta católicos do continente (espanhóis e portugueses), que viam os escravos negros simplesmente como animais de tração, sem se importar em salvar suas almas. Portanto, não poderia ter havido uma interpenetração significativa e suficientemente profunda de raças e culturas, o que, por sua vez, teve impacto direto no grau de preservação da música nativa dos escravos africanos, principalmente no campo de seu ritmo. Até agora, nos países da América do Sul e Central, existem cultos pagãos, realizados rituais secretos e carnavais desenfreados acompanhados de ritmos afro-cubanos (ou latino-americanos). Não é de surpreender que seja precisamente nesse aspecto rítmico que a parte sul do Novo Mundo já influenciou significativamente todo o mundo da música popular de nosso tempo, enquanto o Norte deu algo mais ao tesouro da arte musical moderna, por exemplo, espirituais e azuis.

Portanto, continua Stearns, no aspecto histórico, o jazz é uma síntese obtida no original a partir de 6 fontes principais. Esses incluem:

1. Ritmos da África Ocidental;

2. Canções de trabalho (canções de trabalho, gritos de campo);

3. Canções religiosas negras (espirituais);

4. Canções negras seculares (blues);

5. Música folclórica americana dos séculos passados;

6. Música de menestréis e bandas de música de rua.

1. As origens do jazz

Os primeiros fortes de brancos no Golfo da Guiné, na costa da África Ocidental, surgiram já em 1482. Exatamente 10 anos depois, ocorreu um evento significativo - a descoberta da América por Colombo. Em 1620, os primeiros escravos negros apareceram no território moderno dos Estados Unidos, que foram convenientemente transportados de navio através do Oceano Atlântico da África Ocidental. Nos cem anos seguintes, seu número já havia crescido para cem mil e, em 1790, esse número havia aumentado 10 vezes.

Se dissermos "ritmo africano", devemos ter em mente, é claro, que os negros da África Ocidental nunca tocaram "jazz" como tal - nós estamos falando apenas sobre o ritmo como parte integrante de sua existência em sua terra natal, onde era representado por um ritual "coro de tambores" com sua complexa polirritmia e muitos outros. Mas os escravos não podiam levar nenhum instrumento musical com eles para o Novo Mundo e, pela primeira vez na América, foram até proibidos de fazer tambores caseiros, cujas amostras muito mais tarde só puderam ser vistas em museus etnográficos. Além disso, nenhuma pessoa de qualquer cor de pele nasce com um senso de ritmo pronto, é tudo uma questão de tradições, ou seja, na continuidade das gerações e do meio ambiente, portanto, os costumes e rituais negros foram preservados e transmitidos nos Estados Unidos exclusivamente oralmente e da memória de geração em geração de negros afro-americanos. Como disse Dizzy Gillespie: "Eu não acho que Deus possa dar a alguém algo mais do que os outros se eles se encontrarem nas mesmas condições. Você pode pegar qualquer pessoa, e se você colocá-la nas mesmas condições ambiente então seu caminho de vida será definitivamente semelhante ao nosso."

O jazz surgiu nos Estados Unidos como resultado da síntese de inúmeros elementos das culturas musicais reassentadas dos povos da Europa, por um lado, e do folclore africano, por outro. Essas culturas tinham qualidades fundamentalmente diferentes. A música africana é de natureza improvisada, é caracterizada por uma forma coletiva de fazer música com forte polirritmia, polimetria e linearidade. A função mais importante é o início rítmico, a polifonia rítmica, da qual surge o efeito do ritmo cruzado. O princípio melódico, e ainda mais o princípio harmônico, é desenvolvido em grau muito menor na produção musical africana do que na música européia. A música para os africanos é um valor mais aplicado do que para um europeu. Muitas vezes está associado à atividade laboral, a rituais, inclusive de adoração. O sincretismo de diferentes tipos de arte afeta a natureza do fazer musical - não se apresenta de forma independente, mas em conjunto com a dança, a plasticidade, a oração, a recitação. No estado excitado dos africanos, sua entonação é muito mais livre do que a dos europeus acorrentados a uma escala normalizada. Na música africana, a forma de pergunta-resposta do canto (chamada e resposta) é amplamente desenvolvida.

Por seu lado, a música européia deu uma rica contribuição para a síntese futura: construções melódicas com voz principal, padrões modais maiores-menores, possibilidades harmônicas e muito mais. Em geral, relativamente falando, a emocionalidade africana, um começo intuitivo colidiu com o racionalismo europeu, que se manifesta especialmente na política musical do protestantismo.

2. "Terceira Corrente"

O termo "terceiro fluxo" foi cunhado pelo crítico John Wilson. Ele delineou uma alternativa, ou melhor, opções para a síntese da primeira e segunda correntes, ou seja, música acadêmica e jazz. Essa direção foi formada nos anos 50 e não está associada a um estilo específico. As obras experimentais de vários músicos capturaram tendências de jazz sinfônico, jazz-rock e avant-garde.

O jazz, como um dos tipos de arte musical mais originais do século XX, foi gradualmente conquistando o mundo inteiro e, no final, adquiriu um caráter internacional. Isso aconteceu principalmente devido ao fato de que seus compositores e intérpretes em suas obras muitas vezes se voltaram para a música de outros países e povos - indianos, sul-americanos, árabes e, claro, seu próprio folclore. A mais importante fonte de inspiração para os músicos de jazz em busca de novos rumos para a evolução de seu gênero foram também os melhores exemplos da música clássica européia e suas variedades um tanto mais populares.

Os contactos históricos com o jazz por parte de compositores clássicos são bem conhecidos, podendo citar-se aqui como exemplo dezenas de nomes famosos (são eles Dvorak, Stravinsky, Debussy, Ravel, Milhaud, Honegger, Krenek, mas também Copland, Gershwin e Bernstein), mas suas tentativas foram guiadas pelo desejo de trazer apenas elementos individuais do jazz para a cena musical acadêmica. Por outro lado, há muitos trabalhos experimentais por parte de músicos de jazz interessados ​​que tentaram aplicar certos princípios de desenvolvimento sinfônico e usar os princípios originais da música clássica em suas partituras de jazz.

Em décadas diferentes, tais experimentos às vezes até levaram ao surgimento de novos, senão estilos, então, em qualquer caso, ramos independentes na árvore genealógica da história do jazz - por exemplo, nos anos 20 era "jazz sinfônico" (Paul Whiteman , que queria "fazer do jazz uma dama"), nos anos 40 - "progressivo" (Stan Kenton), e nos anos 60 - "terceira tendência".

A "Terceira Corrente" é mencionada justamente na história do jazz, porque foi então que os jazzistas, e não os clássicos, vieram de seu lado. Foi uma direção experimental do jazz moderno, cujos representantes tentaram criar obras detalhadas para conjuntos mistos de orquestras, que incluíam intérpretes acadêmicos e improvisadores de jazz.

As composições da "terceira corrente" são caracterizadas por uma fusão mais orgânica da técnica de composição européia com as tradições do jazz. Os representantes mais proeminentes dessa tendência nos Estados Unidos foram os músicos e compositores Günther Schuller, John Lewis (líder do Modern Jazz Quartet), Gary McFarland, Jimmy Giuffrey e outros.

São conhecidas, por exemplo, as atuações (e gravações) conjuntas de Duke Ellington com as orquestras do La Scala e da London Symphony. Essa combinação dá origem a novas nuances harmônicas e instrumentais, resultando em, por assim dizer, uma “música intelectual” moderna. Tem uma abordagem clássica do tema, mas em sua essência permanece muito jazzy. É perfeitamente possível sintetizar estes dois componentes num só tipo de música, próxima tanto do jazz (liberdade de improvisação, sensação de swing, frescura de novos timbres), como da técnica das composições "sérias" (técnicas do domínio dos 12 -música tonal, polifonia, politonalidade, polirritmia, evolução temática geral, etc.).

Dave Brubeck fez uma contribuição significativa para o terceiro movimento com composições para quarteto de jazz e orquestra sinfônica. A tradição de combinar a orquestra sinfônica e conjunto de jazz ou ainda a orquestra continua com Wynton Marsalis e sua Orquestra do Lincoln Center.

3. Blues moderno. Grandes bandas da era pós-swing

Historicamente, o blues gradualmente penetrou em grandes centros industriais e rapidamente ganhou popularidade lá. Estabeleceu as características herdadas da música dos afro-americanos, definiu claramente a forma de 12 compassos (como a mais típica) e determinou o acompanhamento harmônico baseado no modo blues. Entre os mais famosos artistas de jazz blues nos anos 50 e 60. foram Jimmy Rushing (1903-1972) e Joe Williams (1918-1999).

No final dos anos 40 e início dos anos 50, surgiu uma nova variedade - "rhythm and blues" - uma modificação urbana do blues clássico, que se difundiu nas áreas negras das maiores cidades americanas. Usando os meios melódicos e harmônicos básicos do blues, "rnb" se distingue por um aumento significativo no acompanhamento instrumental, uma forma expressiva de execução, tempos mais rápidos, um ritmo claramente definido e uma batida enérgica, que é alcançada na forma de alternância batidas massivas e estrondosas nos tempos 1 e 3 do compasso com um acento seco e abrupto nos tempos 2 e 4. A performance é caracterizada por tensão emocional implacável, som alto, ênfase em "notas de blues", transições frequentes do vocalista para falsete, intensidade máxima (pressão, "drive") do acompanhamento sonoro e é construída na antífona de curtos "riffs " do cantor e acompanhamento.

Até o final dos anos 40. "rnb" em som "ao vivo" e em discos (numa série dos chamados "discos raciais") era conhecido principalmente apenas pela população negra das grandes cidades industriais. Os favoritos dessa direção naqueles anos eram os saxofonistas Louis Jordan e Earl Bostic, os guitarristas "T-Bone" Walker e Muddy Waters, os pianistas Jay McShann e um pouco mais tarde Ray Charles, o vocalista Big Joe Turner.

No entanto, no início dos anos 1950, o interesse por essa música rítmica surgiu também entre os brancos. Gradualmente, houve uma demanda crescente por peças "r'n'b" da juventude branca, e vários músicos se voltaram para essa direção, tornando-se promotores ativos do "rnb" naqueles anos, que então revolucionaram a música popular e levaram ao surgimento do rock and roll. Quando o guitarrista branco Bill Haley gravou o famoso número de rhythm and blues "Rock Around the Clock" com sua banda em 12 de abril de 1954, a data de lançamento dessa gravação já foi considerada o aniversário do "rock and roll", e esse tema em si - seu hino.

Naqueles anos, o disc jockey branco Alan Freed (1922-1965) apareceu em uma estação de rádio de Cleveland e começou a transmitir regularmente gravações de artistas de "rhythm and blues", e agora pode-se dizer que Freed é quase o único responsável por mudar todo o Claro.Música popular americana. Foi ele quem trouxe os escritores e artistas negros "rhythm and blues" de trás da cortina racial e os apresentou a um amplo público de adolescentes brancos. Em um ataque de inspiração, ele chamou essas gravações de "rock 'n' roll" e popularizou o termo entre os jovens do mundo.

Esta versão adaptada de "rnb" foi reduzida a três acordes principais, alguns "riffs" simples de guitarra elétrica e uma batida pesada e monótona com acentos pesados ​​nas batidas 2 e 4 (ou seja, o "off beat"). No entanto, a harmonia do "rock and roll" ainda era baseada no esquema de 12 compassos do blues, então seu principal mérito foi que ele aprovou na consciência musical de massa dos americanos brancos, e depois deles europeus, o conceito fundamental do blues. , que tem um enorme potencial para o desenvolvimento de ritmo, melodia e harmonia. O blues não apenas reviveu a música popular em geral, mas também mudou sua antiga orientação européia "branca" e abriu as portas para um amplo fluxo de inovações e empréstimos de culturas musicais de outras partes do globo, por exemplo, música latino-americana.

Condições econômicas difíceis após a Segunda Guerra Mundial, mudanças nos interesses do público e dos gerentes afetaram radicalmente muitas grandes bandas da era do swing. A maioria deles se foi para sempre. No entanto, no início dos anos 1950, um renascimento do gênero começou. Com dificuldade, mas as orquestras de Benny Goodman, Count Basie e, um pouco mais tarde, a orquestra de Duke Ellington foram restauradas. O público voltou a querer ouvir os sucessos do pré-guerra. Apesar de uma significativa renovação das formações e da chegada de jovens músicos, os dirigentes, atendendo ao desejo dos ouvintes, restauraram o antigo repertório. Desses três pilares da era do swing, apenas Duke Ellington estava no caminho da mudança. Isso dizia respeito ao uso extensivo da forma de suíte, que começou durante os anos de guerra. Suítes em grande escala com conteúdo programático apareceram em seu repertório. Um passo significativo foi a criação dos “Concertos de Música Sacra” (1965-66) para orquestra, coro, solistas e bailarino. A big band do vibrafonista Lionel Hampton continuou com apresentações energeticamente saturadas, focadas principalmente na musicalidade e charme de seu líder.

Aos poucos, parte das orquestras se transformou em formações memoriais que sustentam as tradições estabelecidas. Estes incluem a Glenn Miller Orchestra, que morreu em 1944, a Count Basie Orchestra, que existe com o mesmo nome após a morte do líder em 1984, liderada por Mercer Ellington (filho de Duke) e mais tarde por seu neto Paul Mercer Ellington, o duque Orquestra de Ellington (falecida em 1974).

As orquestras progressivas perderam gradativamente o espírito de experimentação e adquiriram um repertório relativamente padronizado. As orquestras de Woody Herman e Stan Kenton, tendo produzido os solistas mais interessantes, passaram a batuta para os colegas mais jovens. Entre eles, é preciso destacar as bandas que criaram uma nova sonoridade baseada em arranjos luminosos, poliestilísticos, um novo aproveitamento da sonoridade dos instrumentos de sopro, principalmente os tubos. As bandas dos trompetistas Maynard Fergusson e Don Ellis tornaram-se centros de progresso no som orquestral nos anos 60. Um movimento consistente na direção escolhida aconteceu no laboratório criativo de um dos fundadores do cool, Gil Evans. Suas próprias apresentações, gravações com Miles Davis na virada dos anos 50 para 60, novas experiências com música modal e elementos do jazz-rock nos anos 70 foram uma tendência individual importante na história do jazz.

Nos anos 70, um poderoso impulso ao movimento da banda foi dado por uma orquestra formada por jovens e fortíssimos músicos da cena jazzística nova-iorquina pelo trompetista Thad Jones, ex-integrante da banda Basie, e pelo baterista Mel Louis, que tocou em a orquestra Stan Kenton. Durante uma década, esta banda foi considerada a melhor, graças aos magníficos arranjos modernos e ao alto nível dos instrumentistas. A orquestra se separou devido à mudança de Jones para a Dinamarca, mas por muito tempo Mel Louis tentou apoiá-lo em colaboração com o trombonista e arranjador Bob Brookmeier. Na década de 1980, o primeiro lugar na hierarquia mundial era ocupado por uma banda criada pela pianista e arranjadora japonesa Toshiko Akiyoshi junto com seu marido, o saxofonista Lou Tabakin. Esta orquestra é incomum por ter sido criada por uma mulher, executa principalmente suas obras, mas continua seguindo as tradições orquestrais americanas. Em 1985, a orquestra foi dissolvida e Akiyoshi organizou uma nova banda chamada "Toshiko Akiyoshi's New York Jazz Orchestra".

Nos anos 90, o gênero big band não secou, ​​mas, talvez, se fortaleceu. Ao mesmo tempo, a gama de estilos orquestrais se expandiu. A ala conservadora, além das orquestras memoriais, é representada pela Lincoln Center Orchestra, dirigida por um dos músicos de jazz mais favorecidos pelo funcionalismo, o talentoso trompetista e compositor Wynton Marsalis. Esta orquestra está tentando seguir a linha de Duke Ellington para criar obras forma grande e programática. Mais diverso é o trabalho de uma orquestra muito forte e mais moderna com o nome de Charles Mingus (The Mingus Big Band). Esta banda atrai músicos criativos. Idéias mais radicais são defendidas por várias "oficinas" de caráter temporário e diversas bandas que professam idéias mais vanguardistas. Entre essas orquestras estão as bandas de Sam Rivers (Sam Rivers), George Gruntz (George Gruntz), vários conglomerados europeus.

4. Hardbop. funky

Em contraste com o refinamento e a frieza do estilo cool, a racionalidade do progressivo na costa leste dos Estados Unidos, os jovens músicos do início dos anos 50 continuaram a desenvolver o aparentemente já esgotado estilo bebop. O crescimento da autoconsciência dos afro-americanos, característico dos anos 50, desempenhou um papel significativo nessa tendência. A atenção foi novamente atraída para manter a fidelidade às tradições de improvisação afro-americanas. Ao mesmo tempo, todas as conquistas do bebop foram preservadas, mas muitas conquistas legais foram adicionadas a elas tanto no campo da harmonia quanto no campo das estruturas rítmicas. Os músicos da nova geração, via de regra, tiveram uma boa formação musical. Essa tendência, chamada de "hardbop", acabou sendo muito numerosa. Incluía os trompetistas Miles Davis, Fats Navarro, Clifford Brown (Clifford Brown), Donald Byrd (Donald Byrd), os pianistas Thelonious Monk, Horace Silver, o baterista Art Blakey (Art Blakey), os saxofonistas Sonny Rollins (Sonny Rollins), Hank Mobley ( Hank Mobley), Cannonball Adderley, o baixista Paul Chambers e muitos outros.

Para o desenvolvimento de um novo estilo, outra inovação técnica foi significativa, que consistiu no surgimento de discos de longa duração. Agora você pode gravar solos longos. Para os músicos, isso se tornou uma tentação e um teste difícil, já que nem todos conseguem falar de forma plena e sucinta por muito tempo. Os trompetistas foram os primeiros a aproveitar essas vantagens, modificando o estilo de Dizzy Gillespie para um toque mais calmo, mas profundo. Os mais influentes foram Fats Navarro e Clifford Brown (ambos o destino teve um caminho de vida muito curto). Esses músicos se concentraram não em passagens virtuosas de alta velocidade no registro superior, mas em linhas melódicas pensadas e lógicas.

A complexidade musical alcançada, por exemplo, por Art Blakey, que utilizava estruturas rítmicas complexas, não levou à perda do jazz, da espiritualidade emocional. O mesmo se aplica à nova configuração nas improvisações de Horace Silver ou nas figurações polirrítmicas do solo de Sonny Rollins. A música ganhou nitidez, acrimônia e uma nova dimensão de swing. Um papel especial no desenvolvimento do hardbop foi desempenhado por Art Blakey, que criou o conjunto Jazz Messengers em 1955. Esta composição desempenhou o papel de uma escola na qual o talento de numerosos representantes desta direção foi revelado e floresceu. Entre eles estão os pianistas Bobby Timmons e Horace Silver, os saxofonistas Benny Golson, Hank Mobley, os trompetistas Lee Morgan, Kenny Dorham, Wynton Marsalis e muitos outros. "Jazz Messengers" de uma forma ou de outra ainda existem, tendo sobrevivido ao seu líder (1993).

O saxofonista tenor Sonny Rollins ocupa um lugar especial na galáxia dos músicos de hard bop. Seu estilo evoluiu das linhas de Parker e do tom amplo de Coleman Hawkins, e a inovação está associada ao seu temperamento e espontaneidade como improvisador. É caracterizada por uma liberdade especial no uso de material harmônico. Em meados da década de 1950, Rollins chamou a atenção para as peculiaridades de seu fraseado, que é uma magnífica polirritmia de figuras, desmanchando o material harmônico advindo do tema. Em suas improvisações melódicas, aspereza de som, sarcasmo musical aparece.

Parte da música surgida no período do "hard bop" incorporou naturalmente o blues, usado em um andamento lento ou médio com uma expressão especial, baseada em uma batida pronunciada. Esse estilo foi chamado de "funky" (funky). A palavra é uma gíria e significa uma definição intensificada de um cheiro ou gosto forte e pungente. No jazz, é sinônimo de música mundana e "real". A aparência deste ramo não é acidental. Nos anos 50, houve um afastamento da velha essência negra do jazz no jazz, e o enfraquecimento dos idiomas do jazz tornou-se perceptível. Tornou-se cada vez mais difícil determinar que tipo de música deveria ser percebida como jazz. Músicos de jazz experimentaram o folclore povos diferentes, foram atraídos pelo impressionismo e pelo atonalismo, começaram a se envolver com a música antiga. Nem todos esses processos foram suficientemente convincentes. Vários músicos recorreram a composições fortemente temperadas com o som do blues tradicional e cânticos religiosos. Inicialmente, o elemento religioso era mais decorativo do que funcional. Às vezes, os gritos antiquados dos campos de algodão desempenhavam o papel de uma introdução às figuras de bebop bastante tradicionais. Sonny Rollins mostra sinais desse estilo, mas sua expressão mais marcante pode ser encontrada no pianista Horace Silver, que criou o funky blues. A sinceridade de sua música era reforçada pelos motivos religiosos que guiavam o músico.

Do estilo funky, cresceu a figura de Charles Mingus - um contrabaixista, compositor e bandleader, um músico que não se enquadra no quadro de um determinado estilo. Mingus deu a si mesmo a tarefa de evocar sensações emocionais muito específicas no ouvinte. Ao mesmo tempo, a carga foi distribuída entre a própria composição e os músicos, que tiveram que improvisar, vivenciando justamente essas emoções. Mingus pode muito bem ser incluído em uma categoria muito pequena de compositores de jazz. Ele próprio se considerava um seguidor de Duke Ellington e voltou-se para a mesma área da cultura afro-americana, religiosidade, misticismo - uma área que exige o uso de técnicas funky..

5. Jazz Livre

No início dos anos 60, a próxima rodada de desenvolvimento dos estilos de jazz deveu-se, em grande parte, ao fortalecimento da autoconsciência racial dos músicos negros. Entre os jovens da época, esse processo se expressava de formas muito radicais, inclusive o jazz, que sempre foi uma válvula de escape na cultura dos afro-americanos. Na música, isso voltou a manifestar-se na vontade de abandonar a componente europeia, de regressar às origens do jazz. No novo jazz, os músicos negros voltaram-se para religiões não cristãs, principalmente para o budismo e o hinduísmo. Por outro lado, esta época é caracterizada pelo surgimento de ondas de protesto, instabilidade social, independente da cor da pele (movimento hippie, anarquismo, paixão pelo misticismo oriental). O “free jazz” que surgiu naquela época deu uma guinada acentuada para longe da principal forma de desenvolvimento do jazz, do mainstream. A combinação da plenitude das experiências espirituais e estéticas com uma abordagem fundamentalmente nova para a organização do material musical isolou completamente o novo jazz da esfera da arte popular. Foi uma aceleração dramática de um processo iniciado pelos boppers.

Dixieland e estilistas de swing criaram improvisações melódicas, músicos de bebop, cool e hardbop seguiram estruturas de acordes em seus solos. O free jazz foi um afastamento radical dos estilos anteriores, pois neste estilo o solista não é obrigado a seguir uma determinada direção ou construir uma forma de acordo com os cânones conhecidos, ele pode ir em qualquer direção imprevisível. Inicialmente, a principal aspiração dos líderes do free jazz era um foco destrutivo no ritmo, estrutura, harmonia, melodia. O principal para eles era a expressividade máxima, a nudez espiritual, o êxtase. As primeiras experiências dos novos músicos de jazz Cecil Taylor, Ornette Coleman, Don Cherry, John Coltrane, Archie Shepp e Albert Ayler não romperam os laços com as normas convencionais. As primeiras gravações de free-jazz ainda apelam para as leis harmônicas. Porém, aos poucos esse processo chega ao ponto extremo de romper com a tradição. Quando Ornette Coleman introduziu totalmente o free jazz para o público de Nova York (embora Cecil Taylor já fosse bastante conhecido antes), muitos dos músicos de bebop e conhecedores de jazz chegaram à conclusão de que essa música não poderia ser considerada não apenas jazz, mas também música. . Assim, ex-radicais se tornaram conservadores em menos de 15 anos.

Um dos primeiros destruidores dos cânones foi Cecil Taylor, que na época de sua maioridade era um músico muito treinado. Ele se formou no conservatório, conhecia bem o jazz e pensou em aplicar os princípios da música do compositor ao processo de improvisação. Em 1956, junto com o saxofonista Steve Lacy, conseguiu lançar um disco contendo algumas ideias do novo jazz. Da mesma forma, emanando em grande parte de Thelonious Monk, o pianista e compositor Herbie Nichols, que morreu cedo, caminhava nessa época. Apesar da dificuldade em aceitar músicas que não contenham as referências habituais, Cecil Taylor torna-se uma figura conhecida já em 1958, o que foi facilitado pelas suas atuações no clube Five Spot.

Ao contrário de Taylor, outro fundador do free jazz, Ornette Coleman, tinha uma longa história de apresentações e ainda assim nunca tocou "corretamente". Talvez Coleman, sem perceber, tenha se formado como um mestre do primitivismo. Isso, por sua vez, deu-lhe a base para uma transição fácil para a música fora do padrão, que ele realizou junto com um trompetista que tocava trompete de bolso - Don Cherry. Os músicos tiveram sorte, o contrabaixista Red Mitchell e o pianista John Lewis, que tinham peso no meio musical, se interessaram por eles. Em 1959 os músicos lançaram o disco "Something Else!!" e recebeu um noivado em "Five Spot". Um marco para o New Jazz foi o disco gravado pela formação dupla de Ornette Coleman "Free Jazz" em 1960.

O free jazz frequentemente se cruza com outros movimentos de vanguarda, que, por exemplo, podem usar sua forma e sequência de estruturas rítmicas. Desde a sua criação, o free jazz permaneceu propriedade de um pequeno número de pessoas e geralmente é encontrado no underground, no entanto, tem uma influência muito forte no mainstream moderno. Apesar da negação total, desenvolveu-se uma certa normatividade no free jazz, que permite distingui-lo de outras novas tendências do jazz. Essas convenções dizem respeito ao plano geral da peça, à interação dos músicos, ao suporte rítmico e, claro, ao plano emocional. Deve-se notar que uma velha forma de improvisação coletiva ressurgiu no free jazz. Tornou-se característico do free jazz trabalhar com uma "forma aberta" que não está presa a estruturas específicas. Essa abordagem começou a aparecer entre músicos que não são puramente free jazz - como, por exemplo, as improvisações espontâneas de Keith Jarrett em seus shows solo.

A recusa do "novo jazz" das normas musicais europeias levou a um enorme interesse por culturas não europeias, principalmente orientais. John Coltrane levava muito a sério a música indiana, Don Cherry - indonésio e chinês, Farow Sanders - árabe. Além disso, essa orientação não é superficial, decorativa, mas muito profunda, com o desejo de entender e absorver todo o caráter não apenas da música correspondente, mas também de seu ambiente estético e espiritual.

Os idiomas do free jazz muitas vezes se tornaram parte integrante da música poliestilística. Uma das manifestações mais marcantes dessa abordagem é o trabalho de uma banda de músicos negros de Chicago que começou a se apresentar nos anos 60 sob os auspícios da Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM). Mais tarde, esses músicos (Lester Bowie, Joseph Jarman, Rascoe Mitchell, Malachi Favors, Don Moye) criaram o "Chicago Art Ensemble", pregando uma variedade de estilos, desde feitiços rituais africanos e evangelhos ao free jazz. O outro lado do mesmo processo aparece na obra do clarinetista e saxofonista Anthony Braxton, intimamente associado ao "Chicago Art Ensemble". Sua música é livre e intelectual. Às vezes, Braxton usa princípios matemáticos para suas composições, como a teoria do grupo, mas isso não reduz o impacto emocional de sua música. As disputas sobre a possibilidade de música desse tipo não diminuem até hoje. Assim, a autoridade oficial do estabelecimento do jazz americano, Wynton Marsalis, desdenhosamente chama Braxton de "bom jogador de xadrez", enquanto, ao mesmo tempo, nas pesquisas da Associação Americana de Jornalistas de Jazz, Marsalis assume a próxima linha depois de Braxton no nomeação de compositores de jazz.

Deve-se notar que, no início da década de 1970, o interesse pelo free jazz começou a capturar os músicos criativos da Europa, que frequentemente combinavam seus princípios de "liberdade" com os desenvolvimentos da prática musical européia do século XX - atonalidade, técnica serial , aleatórios, sonoros, etc. Por outro lado, Por outro lado, alguns líderes do free jazz estão se afastando do radicalismo extremo e, nos anos 80, caminham para alguns compromissos, embora versões originais da música. Entre eles estão Ornette Coleman com o projeto Prime Time, Archie Shepp e outros.

6. Desenvolvimento da fusão: jazz-rock. Fusão. ECM. jazz mundial

A definição original de "jazz rock" era a mais clara: combinar a improvisação do jazz com a energia e os ritmos da música rock. Até 1967, os mundos do jazz e do rock existiam quase separadamente. Mas a essa altura, o rock se torna mais criativo e mais complexo, o rock psicodélico e a soul music aparecem. Ao mesmo tempo, alguns músicos de jazz ficaram entediados com o hardbop puro, mas também não queriam tocar música de vanguarda difícil de perceber. Como resultado, os dois idiomas diferentes começaram a trocar ideias e unir forças. A partir de 1967, o guitarrista Larry Coryell, o vibrafonista Gary Burton, em 1969 o baterista Billy Cobham com o grupo "Dreams", que tocava os Brecker Brothers (Brecker Brothers), começaram a dominar novas extensões de estilo. No final dos anos 60, Miles Davis tinha potencial para fazer a transição para o jazz-rock. Foi um dos criadores do jazz modal, a partir do qual, utilizando o ritmo 8/8 e instrumentos eletrônicos, Miles dá um novo passo ao gravar os álbuns "Bitches Brew", "In a Silent Way". Junto com ele nesta época está uma brilhante galáxia de músicos, muitos dos quais mais tarde se tornaram as figuras fundamentais dessa direção - John McLaughlin (John McLaughlin), Joe Zawinul (Joe Zawinul), Herbie Hancock. Ascetismo, concisão e contemplação filosófica característicos de Davis acabaram sendo muito bem-vindos no novo estilo. No início dos anos 1970, o jazz-rock tinha sua própria identidade distinta como um estilo de jazz criativo, embora ridicularizado por muitos puristas do jazz. Os principais grupos da nova direção foram "Return To Forever", "Weather Report", "The Mahavishnu Orchestra", vários conjuntos de Miles Davis. Eles tocaram jazz-rock de alta qualidade, que combinou um enorme conjunto de técnicas de jazz e rock.

Fusão

As composições mais interessantes do jazz-rock são caracterizadas pela improvisação, combinada com soluções composicionais, o uso de princípios harmônicos e rítmicos da música rock, a incorporação ativa da melodia e ritmo do Oriente, a poderosa introdução de meios eletrônicos de processamento e sintetizar som em música. Nesse estilo, a gama de aplicação dos princípios modais se expandiu, o conjunto de vários modos, inclusive os exóticos, se expandiu. Nos anos 70, o jazz-rock tornou-se incrivelmente popular, as forças musicais mais ativas entraram nele. Mais desenvolvido em relação à síntese de vários meios musicais, o jazz-rock foi denominado "fusion" (liga, fusão). Um impulso adicional para a "fusão" foi outro (não o primeiro na história do jazz) aceno para a música acadêmica européia. De facto, nesta fase, a fusão continua a linha da “terceira corrente” dos anos 50.

A combinação de várias influências culturais é evidente mesmo nas composições dos conjuntos mais interessantes. Um exemplo notável é o "Weather Report", dirigido pelo primeiro tecladista austríaco americanizado Joseph Zawinul e o saxofonista americano Wayne Shorter, cada um dos quais tempo diferente Frequentou a Escola Miles Davis. O conjunto reuniu músicos do Brasil, Tchecoslováquia, Peru. No futuro, instrumentistas e vocalistas de quase todo o mundo começaram a cooperar com Zawinul. No sucessor de "Weather Report", o projeto "Syndicat", a geografia dos músicos se estende de Tuva à América do Sul.

Infelizmente, com o tempo, o jazz-rock em grande parte adquire as características da música comercial, por outro lado, o próprio rock recusa muitas das descobertas criativas feitas em meados dos anos 1970. Em muitos casos, a fusão na verdade se torna uma combinação de jazz com pop regular e ritmo leve e blues; cruzamento. As ambições de profundidade musical e empoderamento da música de fusão permanecem insatisfeitas, embora a busca continue em raras ocasiões, como em bandas como "Tribal Tech" e os conjuntos de Chick Corea.

jazz elétrico

O uso de conversores e sintetizadores eletrônicos de som tem se mostrado extremamente atraente para músicos que estão principalmente na fronteira com o rock ou a música comercial. De fato, existem relativamente poucos exemplos frutíferos na massa geral da música elétrica. Assim, por exemplo, Joe Zawinul no projeto "Weather Report" conseguiu uma fusão muito eficaz de elementos étnicos e tonais. Herbie Hancock por muito tempo se tornou um ídolo não tanto do público quanto dos músicos, usando sintetizadores, inúmeros teclados e vários tipos de truques eletrônicos nas décadas de 70 e 80. Nos anos 90, esta área da música está se movendo cada vez mais para a esfera não-jazz. Isso é facilitado pelo aprimoramento criação de computador música, que, com certos méritos e oportunidades, perde contato com a principal qualidade do jazz - a improvisação.

Um nicho separado na comunidade de estilos de jazz desde o início dos anos 70 foi ocupado pela empresa alemã ECM (Edição de Música Contemporânea - Editora Música contemporânea). com o processo criativo de improvisação. Com o tempo, porém, uma certa face da empresa foi se desenvolvendo, o que levou à separação dos artistas desta gravadora em uma direção estilística de grande escala e pronunciada. A orientação do fundador da gravadora Manfred Eicher (Manfred Eicher) para combinar vários idiomas do jazz, folclore mundial e nova música acadêmica em um único som impressionista tornou possível reivindicar profundidade e compreensão filosófica dos valores da vida usando esses meios.

O principal estúdio de gravação da empresa em Oslo está obviamente relacionado ao papel principal no catálogo de músicos escandinavos. Em primeiro lugar, são os noruegueses Jan Garbarek, Terje Rypdal, Arild Andersen, Nils Petter Molvaer e Jon Christensen. No entanto, a geografia do ECM cobre o mundo inteiro. Aqui estão os europeus John Surman, Dave Holland, Eberhard Weber, Rainer Bruninghaus, Tomasz Stanko, Mikhail Alperin e representantes de culturas não europeias Egberto Gismonti , Zakir Hussain, Flora Purim, Trilok Gurtu, Nana Vasconcelos, Hariprasad Chaurasia, Anouar Brahem e muitos outros. A Legião Americana não é menos representativa - Keith Jarrett, Jack DeJohnette, Don Cherry, Charles Lloyd, Ralph Towner, Dewey Redman (Redman Dewey), Bill Frisell, John Abercrombie ( John Abercrombie, Leo Smith. O impulso revolucionário inicial das publicações da empresa transformou-se com o tempo em um som meditativamente distante. formulários abertos com camadas sonoras cuidadosamente polidas. Aicher cruzou naturalmente aquela linha invisível que separava inúmeras tentativas de combinar jazz e música acadêmica europeia. Esta não é mais uma terceira tendência, mas apenas um fluxo que flui suavemente para a "Nova Série" da ECM com música acadêmica, muito próxima do espírito dos lançamentos de jazz. O direcionamento da política da gravadora para fora dos limites da cultura popular, entretanto, tem levado a um aumento da popularidade desse tipo de música, o que pode ser visto como uma espécie de paradoxo. Alguns adeptos do mainstream negam o caminho escolhido pelos músicos dessa direção; no entanto, o jazz, como cultura mundial, desenvolve-se apesar dessas objeções e dá resultados impressionantes.

jazz mundial

"Jazz Mundial" (World Jazz) é um termo russo de som estranho que se refere à fusão da música do Terceiro Mundo, ou "World Music", com o jazz. Essa direção muito ramificada pode ser dividida em vários tipos.

Música étnica, que incluía improvisações de jazz, como o jazz latino. Nesse caso, às vezes apenas o solo é improvisado. O acompanhamento e a composição são essencialmente os mesmos da própria música étnica;

Jazz, que incluía aspectos limitados da música não-ocidental. Exemplos são as antigas gravações de "Night in Tunisia" de Dizzy Gillespie, a música em alguns LPs de quarteto e quinteto de Keith Jarrett lançados na década de 1970 pelo selo Impulse!, usando instrumentação do Oriente Médio um tanto alterada e técnicas harmônicas semelhantes. Isso inclui algumas das músicas de Sun Ra dos anos 50 aos 90 que incorporam ritmos africanos, algumas das gravações de Yusef Lateef usando instrumentos e técnicas islâmicas tradicionais;

Novos estilos musicais emergem das formas orgânicas de combinar a improvisação do jazz com ideias e instrumentos originais, harmonias, técnicas de composição e ritmos de uma tradição étnica existente. O resultado é original e reflete claramente os aspectos essenciais da etnia. Os exemplos dessa abordagem são numerosos e incluem os conjuntos Don Cherry, Codona e Nu; um pouco da música de John McLaughlin dos anos 70 aos anos 90, baseada nas tradições da Índia; um pouco da música de Don Ellis dos anos 70, que emprestou ideias da música da Índia e da Bulgária; o trabalho de Andy Narell nos anos 90, que misturou a música e os instrumentos de Trinidad com improvisações de jazz e funk.

"World Fusion Jazz" não é a primeira vez que esse caminho é trilhado na história do jazz, e a tendência em si não é exclusiva do jazz americano. Por exemplo, a música polinésia foi misturada com estilos pop ocidentais no início do século XX, e seu som emergiu de alguns dos primeiros músicos de jazz. Caribe ritmos de dança tornou-se uma parte significativa da cultura pop americana ao longo do século XX e, como os músicos de jazz frequentemente improvisavam sobre temas pop, eles se misturavam quase continuamente. Django Reinhardt combinou as tradições da música cigana, do impressionismo francês com a improvisação do jazz nos anos 30 na França. A lista de músicos ativos na área de fronteira pode incluir centenas e milhares de nomes. Entre eles, por exemplo, pessoas tão diferentes como Al DiMeola (Al DiMeola), o grupo "Dead Can Dance", Joe Zawinul, o grupo "Shakti", Lakshminarayana Shankar (Lakshminarayana Shankar), Paul Winter (Paul Winter), Trilok Gurtu e muitos outros.

7. pop - jazz : funk, acid jazz, crossover, smooth jazz

Funk

O funk moderno refere-se aos estilos populares de jazz dos anos 70 e 80, nos quais os acompanhantes tocam no estilo de black pop soul e funk, enquanto extensas improvisações solo são mais criativas e de natureza jazzística. Em vez de usar o rico e acumulado conjunto de idiomas do jazz do arsenal dos saxofonistas de jazz modernos (Charlie Parker, Lee Konitz, John Coltrane, Ornette Coleman), a maioria dos saxofonistas desse estilo usa seu próprio conjunto de frases simples, que consistem em gritos de blues. e gemidos. Eles constroem uma tradição herdada de solos de saxofone em gravações vocais de R&B como King Curtis on the Coastrs, Junior Walker com grupos vocais da Motown, David Sanborn (Sanborn) com "Blues Band" de Paul Butterfield (Paul Butterfield). Uma figura proeminente no gênero é Grover Washington, Jr., que costumava tocar solos no estilo de Hank Crawford com acompanhamento semelhante ao funk. É assim que ele aparece em suas gravações mais famosas, embora Washington seja capaz de tocar música em outros estilos de jazz. Os membros do The Jazz Crusaders, Felder Wilton e Joe Sample alcançaram ampla popularidade ao mudar seu repertório durante a década de 1970 e remover a palavra "jazz" do nome da banda. Grande parte da música de Michael Brecker, Tom Scott e seus alunos adota essa abordagem, embora também possam tocar nos estilos de John Coltrane ou Joe Henderson. "Najee", Richard Elliott (Richard Elliott) e seus contemporâneos também trabalham no estilo do "funk moderno". Entre 1971 e 1992, Miles Davis liderou conjuntos tocando uma variedade complexa desse estilo, embora os saxofonistas de suas bandas fossem influenciados por John Coltrane e seus guitarristas mostrassem pensamento moderno do jazz junto com influências de Jimy Hendrix. Muito do funk moderno também pode ser classificado como "crossover".

acid jazz

Muitos consideram as últimas composições de Miles Davis o ancestral dessa tendência. O termo "acid jazz" ("acid jazz") foi atribuído a um dos tipos de jazz leve, principalmente um gênero de dança, unido pelo fato de ser parcialmente tocado por músicos "ao vivo", e o restante é levado seja na forma sampleada ou na forma de sons, para os quais são obtidos a partir de discos, na maioria das vezes antigos, pegas de vinil, produzidos para discotecas. O resultado musical pode ser de qualquer estilo, porém com sonoridade alterada. Mais preferível para esses propósitos é o radical "punk-jazz", "soul", "fusion". O acid jazz também tem uma vertente vanguardista mais radical, como a obra do guitarrista britânico Derek Bailey. No entanto, difere da versão disco do acid jazz pela contribuição significativa da execução "ao vivo" dos músicos. Ao que tudo indica, esta direção tem um futuro que lhe permite desenvolver-se.

Cruzamento

Com o declínio gradual da atividade da música rock (do ponto de vista artístico) desde o início dos anos 70, com a diminuição do fluxo de ideias do mundo do rock, a música de fusão (combinando improvisação de jazz com ritmos de rock) tornou-se mais direta. Ao mesmo tempo, muitos começaram a perceber que o jazz elétrico poderia se tornar mais comercial, produtores e alguns músicos começaram a buscar essas combinações de estilos para aumentar as vendas. Eles realmente conseguiram criar um tipo de jazz mais acessível ao ouvinte médio. Muitas combinações diferentes surgiram nas últimas duas décadas, para as quais promotores e publicitários gostam de usar a expressão " Jazz Contemporâneo", usado para descrever as "fusões" do jazz com elementos da música pop, rhythm and blues e "world music". No entanto, a palavra "crossover" é mais precisa para descrever a essência do assunto. Crossover e fusão atingiram seu objetivo e aumentou o público do jazz, principalmente para aqueles que estão fartos de outros estilos. Em alguns casos, esta música merece atenção, embora na maioria das vezes o conteúdo de jazz nela seja reduzido a zero. Na verdade, a música pop com uma ligeira intercalação de improvisação, que leva a música além do jazz, "pop instrumental" é o termo mais adequado. há influência do jazz, mas, mesmo assim, essa música se enquadra no campo da pop art, que é representada por Gerald Albright (Gerald Albright), David Benoit (David Benoit), Michael Brecker, Randy Brecker (Randy Brecker), "The Crusaders", George Duke, Saxofonista Bill Evans, Dave Grusin, Quincy Jones, Earl Klugh, Hubert Laws, Chuck Mangione, Lee Ritenour, Joe Sample, Tom Scott, Grover Washington Jr.

Suave

"Smooth jazz" (jazz suave) é um produto do estilo fusion, que enfatiza o lado suave e suave da música. Em geral, o "jazz suave" depende mais de ritmos e linhas melódicas do que de improvisação. Utiliza camadas sonoras de sintetizador, ritmos de funk, baixo de funk, linhas elásticas de guitarra e trompete, saxofone alto ou soprano. A música não é intelectual como o hard bop, mas também não é excessivamente enérgica como o funk ou o soul jazz. As composições de "jazz suave" parecem simplistas, superficiais e polidas, e o som geral tem maior valor do que peças individuais. Representantes característicos do estilo "suave" são George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman.

O jazz é um tipo especial de música que combina música americana dos séculos anteriores, ritmos africanos, canções seculares, de trabalho e rituais. Fãs desse tipo de direção musical podem baixar suas músicas favoritas pelo site http://vkdj.org/.

Características do Jazz

O jazz se distingue por algumas características:

• ritmo;
• improvisação;
• polirritmia.

Ele recebeu sua harmonia como resultado da influência européia. O jazz é baseado em um ritmo particular de origem africana. Este estilo abrange direções instrumentais e vocais. O jazz existe através do uso de instrumentos musicais, que são de importância secundária na música comum. Os músicos de jazz devem ter a habilidade de improvisar em solo e orquestra.

Características da música jazz

A principal marca do jazz é a liberdade de ritmo, que desperta nos intérpretes uma sensação de leveza, descontração, liberdade e movimento contínuo para frente. Como nas obras clássicas, esse tipo de música tem um tamanho próprio, ritmo, que é chamado de swing. Para esta direção, a pulsação constante é muito importante.

O jazz tem seu próprio repertório característico e formas incomuns. Os principais são o blues e a balada, que servem como uma espécie de base para todo tipo de versão musical.

Essa direção da música é a criatividade de quem a executa. É a especificidade e originalidade do músico que forma a sua base. Não é possível aprendê-lo apenas pelas notas. Esse gênero depende inteiramente da criatividade e inspiração do intérprete na hora do jogo, que coloca suas emoções e alma na obra.

As principais características desta música incluem:

• harmonia;
• melodia;
• ritmo.

Graças à improvisação, uma nova obra é criada a cada vez. Nunca na vida duas peças tocadas por músicos diferentes soarão iguais. Caso contrário, as orquestras tentarão copiar umas às outras.

Este estilo moderno tem muitas características da música africana. Uma delas é que cada instrumento pode atuar como um instrumento de percussão. Ao executar composições de jazz, são usados ​​\u200b\u200btons coloquiais conhecidos. Outra característica emprestada é que a execução dos instrumentos copia a conversa. Esse tipo de arte musical profissional, que muda muito com o tempo, não tem limites rígidos. É completamente aberto à influência dos artistas.

Jazz é antes de tudo improvisação, vida, palavras, evolução. O verdadeiro jazz vive no Mississippi, vindo das mãos de um pianista em um bar de Storyville, ou de um grupo de músicos que tocam em um lugar tranquilo nos arredores de Chicago.

Local de nascimento real

A história do jazz é uma das histórias mais originais da música. Seus personagens e estilos, seus fortes traços de personalidade, são extremamente atraentes, embora algumas das tendências exijam maior prontidão por parte dos ouvintes. Como dizia o bandleader norte-americano John Philip Sousa, o jazz deve ser ouvido com os pés, não com a cabeça, mas isso foi nos anos 30, com bandas de jazz de Nova Orleães - Buddy Bolden - ou homens de Austin High em bares ilegais em Chicago. Eles tocavam música para dançar.

Porém, a partir da década de 1940, o público passou a ouvir jazz com a cabeça em vez dos pés. Novas formas de som surgem - tentando atrair o ouvinte com intelecto, cool, livre - ficam um pouco à margem.Apesar das más declarações e ataques de Souza, o público percebe o jazz com ainda mais entusiasmo. Qual é o segredo de sua grande vitalidade?

Se falamos de jazz, como - sobre música afro-americana - então não há muito a dizer.
Esta é uma das formas de expressão espontânea individual que se cria no momento. São improvisação, liberdade, canções de protesto e marginalização. As raízes do jazz devem ser consideradas escravidão negra nos estados do Sul, América do Norte - quando se trabalha nas plantações de algodão. Foi aqui que as primeiras sementes e brotos brotaram, as primeiras músicas e melodias do último gênero popular da história da música ocidental aqui foram lançadas. Uma espécie de expressão urbana que começou a reviver nos cafés negros de Nova Orleans no final do século XIX e início do século XX.

Segundo as estatísticas, o mercado de escravos africanos era de cerca de 15 milhões. homens, mulheres e crianças vendidos em diferentes partes do mundo. A maioria dessas pessoas acabou na América. As plantações de algodão e os campos de tabaco exigiam muito trabalho. O negro africano era forte e trabalhava por pouco remunerações, comida e abrigo. Além disso, eles não tinham nada além da lembrança das canções e danças inesquecíveis de sua África natal. Assim, a música é central na vida de um escravo, ajudando a superar todas as agruras e sofrimentos da escravidão. Essa é a bagagem principal do escravo - ritmo e melodia.

Os negros africanos, com grande religiosidade, aceitavam o cristianismo com facilidade. Mas, acostumados a iniciar seus ritos religiosos com cantos e danças, logo começaram a introduzir palmas e movimentos rítmicos em suas reuniões e cerimônias nos acampamentos do Sul. As vozes dos morenos tinham um timbre bem peculiar, o canto das melodias realmente mexiam. As comunidades religiosas protestantes negras criaram seus próprios hinos pedindo desafio.

A esses temas foram acrescentadas canções sobre o trabalho, orações e súplicas. Por que? Sim, porque o escravo percebeu que é muito mais fácil para ele trabalhar cantando.
A simplicidade dessas frases deve-se provavelmente ao pouco conhecimento da língua dos colonos e foi desenvolvida em vigorosa poesia e ternura. De acordo com Jean Cocteau, o verso do blues é a última aparição da poesia automaticamente popular, e o blues como gênero geralmente é o jazz.

Estados Unidos, em busca de cultura.

O jazz para os EUA é um de seus melhores cartões de visita, e todos os historiadores da música concordam com sua contribuição mais significativa para a cultura mundial.

Esse processo de identidade cultural é relativamente curto. A próxima etapa começou: a independência das colônias. Mas... o que eles tinham para criá-los herança cultural? De um lado, a herança europeia dos povos indígenas: descendentes de antigos colonos, imigrantes recentes, de outro, um cidadão americano negro, depois de tanto tempo escravizado. E onde há escravo há música, daí se conclui que a música negra era até certo ponto mais popular, pelo menos no Sul.

Proteção e reconhecimento oficial.

Os governantes perceberam que este era um novo fenômeno musical. Nesse ínterim, o Departamento de Estado assumiu o controle e até organizou turnês internacionais dos "jazzmen" dos americanos. Louis Armstrong, Duke Ellingtong, Dizzy Gillespie, Jack Teagarden, Stanz Getz, Keith Jarrots e outros apresentaram o estilo em todo o mundo. Apresentado para reis e rainhas, Louis Armstrong foi recebido pelo Papa no Vaticano, Benny Goodman e sua orquestra viajaram pela Rússia durante o verão de 1962. Os aplausos foram ensurdecedores, até Nikita Khrushchev aplaudiu de pé.
Naturalmente, o blues evoluiu, criando assim uma linguagem própria: o Jazz. O que é tal linguagem? O uso da persistência rítmica, timbres instrumentais inusitados, improvisações complexas de solos difíceis de encontrar em outros tipos de música, essa é a linguagem do jazz, sua alma. Tudo é permeado pela palavra mágica: swing. Como disse Duke Ellingtong - “Swing é algo que vai além de sua própria interpretação, não existe no texto musical, apenas aparece na execução constante.
Na verdade, o jazz foi e é uma das formas mais comuns de entender a música negra americana. Música que expressa amor e tristeza, descreve a vida dos heróis, amargura e decepção de cada dia. O jazz antigo era uma espécie de válvula emocional de decepção, um homem negro em um mundo de brancos.

A alegria da vida em Nova Orleans

O nome - New Orleans - é uma chave mágica que nos ajuda a encontrar, reconhecer e amar o jazz. Nesta cidade, construída e habitada principalmente por imigrantes franceses e espanhóis, a atmosfera era diferente de outros estados (estados). O nível cultural era mais alto - muitos de seus habitantes eram aristocratas, mais burgueses do velho continente - ganhos maiores e claro, bons restaurantes e belas casas. Tudo o que foi trazido da velha Europa - móveis delicados, cristais, pratas, livros, partituras e vários instrumentos para alegrar as noites quentes de primavera, chaves, violinos, flautas, etc. tudo acabou primeiro em Nova Orleans. A cidade era cercada por muros altos para repelir o ataque dos índios, a cidade era defendida por uma guarnição de soldados franceses, que, claro, contavam com orquestra própria para realizar marchas militares. Graças a essas coincidências, Nova Orleans tornou-se mais alegre e confiante.
Era considerada uma cidade tolerante em todos os aspectos, inclusive na relação com os negros.
A guerra civil trouxe grandes mudanças ao país. A escravidão foi abolida para os negros, eles começaram a se mudar para as cidades para trabalhar e com eles a música.

Em Nova Orleans, os ex-escravos finalmente puderam comprar o que viam nas lojas de discos. Antes, eles mesmos faziam suas próprias ferramentas com cabaças, ossos, raladores, tigelas de metal. Agora, além de seus banjos e gaitas, podiam comprar trombones, trompas, clarinetes e tambores. O problema era que os ex-escravos não tinham noção de partituras, solfejos, notas, não conheciam nenhuma técnica musical, apenas sentiam a música e podiam improvisar.

O problema da ignorância foi resolvido com dificuldade. Mas eles entenderam que você precisa tocar tanto quanto cantar, que instrumento musical deveria ser uma continuação da voz.E o treinamento começou.
Se uma banda militar passava pelas ruas, os negros sempre ficavam na primeira fila e escutavam com atenção, não faltava uma estrofe de música sacra na igreja. Aos poucos eles misturaram algumas batidas de mão e acrescentaram alguns compassos de palmas (ouvir o pé), começaram a introduzir seu passado (escravidão) no blues, assim uma nova música começou a ser revivida, feita do coração e muito poética.

O uso dessa música era usado pelos negros em funerais, por serem a classe mais baixa da sociedade, organizações de caridade ou as empresas pouco apoiavam a paz económica dos ex-escravos na vida pública, mas quando chegava a falecer, davam algumas quantias em dinheiro. Assim, os familiares organizaram um magnífico funeral, que foi acompanhado por um grupo de músicos e múltiplos apoios de familiares, amigos e vizinhos. Em uma longa procissão música lenta e triste soou para o cemitério. Ao retornar, o tema mudou e foi tocada música rápida, ou melhor, improvisações de jazz. Porque a opinião geral era que o falecido estava no céu, e eles devem se alegrar com Ele. Além disso, pela falta de descontração após longos suspiros e emoções, o ambiente sempre exigia dos músicos que a parte final das cerimônias fosse sempre divertida.
Os especialistas acreditam que, no funeral dos negros, eles começaram a tocar jazz.

Durante décadas, tentaram banir, silenciar e ignorar o jazz, tentaram combatê-lo, mas o poder da música revelou-se mais forte do que todos os dogmas. PARA século XXI jazz atingiu um dos pontos mais altos o seu desenvolvimento, e não pretende abrandar.

Em todo o mundo, 1917 foi, em muitos aspectos, um marco histórico e decisivo. Duas revoluções estão ocorrendo no Império Russo, Woodrow Wilson é reeleito para um segundo mandato nos Estados Unidos e o microbiologista Felix d'Herelle anuncia a descoberta de um bacteriófago. No entanto, este ano ocorreu um evento que também ficará para sempre nos anais da história. Em 30 de janeiro de 1917, o primeiro disco de jazz foi gravado no estúdio de Victor em Nova York. Eram duas peças - "Livery Stable Blues" e "Dixie Jazz Band one Step" - interpretadas pela Original Dixieland Jazz Band, um conjunto de músicos brancos. O mais velho dos músicos, o trompetista Nick LaRocca, tinha 28 anos, o mais novo, o baterista Tony Sbarbaro, tinha 20 anos. Os nativos de Nova Orleans, é claro, ouviram "música negra", adoraram e queriam apaixonadamente tocar jazz de sua própria performance. Rapidamente após a gravação do disco, a Original Dixieland Jazz Band conseguiu um contrato em restaurantes prestigiosos e caros.

Como eram os primeiros discos de jazz? Um disco de gramofone é um disco fino feito de prensagem ou moldagem de plástico de várias composições, em cuja superfície é esculpida em espiral uma ranhura especial com gravação de som. O som do disco foi reproduzido por meio de dispositivos técnicos especiais - um gramofone, um gramofone, um eletrofone. Esse método de gravação de som era a única forma de "perpetuar" o jazz, pois é quase impossível transmitir com precisão todos os detalhes da improvisação musical na notação musical. Por esta razão, os especialistas em música ao discutir várias peças de jazz, em primeiro lugar, referem-se ao número do disco em que esta ou aquela peça foi gravada.

Cinco anos após a estreia da Dixieland Jazz Band original, músicos negros começaram a gravar no estúdio. Entre os primeiros a serem gravados estavam os conjuntos de Joe King Oliver e Jelly Roll Morton. No entanto, todas as gravações de músicos de jazz negros foram lançadas nos Estados Unidos como parte de uma "série racial" especial, distribuída naqueles anos apenas entre a população negra americana. Os registros, lançados na "série racial", existiram até os anos 40 do século XX. Além do jazz, eles também gravaram blues e espirituais - as canções espirituais dos corais dos afro-americanos.

Os primeiros discos de jazz tinham 25 cm de diâmetro a 78 rpm e eram gravados acusticamente. No entanto, desde meados da década de 1920 No século 20, a gravação era feita de forma eletromecânica, o que contribuiu para o aumento da qualidade do som. Seguiu-se o lançamento de discos com diâmetro de 30 cm, na década de 40. tais discos foram produzidos em massa por várias gravadoras que decidiram lançar composições antigas e novas executadas por Louis Armstrong, Count Basie, Sidney Bechet, Art Tatum, Jack Teagarden, Thomas Fets Waller, Lionel Hampton, Colman Hawkins, Roy Eldridge e muitos outros.

Esses discos fonográficos tinham uma etiqueta especial - "V-disc" (abreviação de "Victory disc") e eram destinados a soldados americanos que participaram da Segunda Guerra Mundial. Esses lançamentos não se destinavam à venda e os jazzistas, via de regra, transferiam todas as suas taxas para o Victory Fund na Segunda Guerra Mundial.

Já em 1948, a Columbia Records lançou o primeiro disco long-play (o chamado "longplay", LP) no mercado fonográfico com um arranjo mais denso de grooves sonoros. O disco tinha 25 cm de diâmetro e girava a 33 1/3 rpm. O LP já continha até 10 peças.

Seguindo a Columbia, a produção de suas próprias peças longas em 1949 foi estabelecida por representantes da RCA Victor. Seus discos tinham 17,5 cm de diâmetro com uma velocidade de rotação de 45 rotações por minuto, e posteriormente registros semelhantes começaram a ser produzidos já com uma velocidade de rotação de 33 1/3 rotações por minuto. Em 1956, começou o lançamento de LPs com diâmetro de 30 cm, 12 peças foram colocadas nas duas faces desses discos, e o tempo de execução aumentou para 50 minutos. Dois anos depois, os discos estéreo com gravação em dois canais começaram a substituir os equivalentes monofônicos. Os fabricantes também tentaram lançar discos de 16 rpm no mercado musical, mas essas tentativas terminaram em fracasso.

Depois disso, por muitos anos, a inovação na produção de discos secou, ​​mas já no final dos anos 60. discos quadrifônicos com um sistema de gravação de quatro canais foram apresentados aos amantes da música.

A produção de LPs deu um grande salto para o jazz como música e serviu para o desenvolvimento dessa música - em particular, para o surgimento de formas maiores de composição. Por muitos anos, a duração de uma peça não passava de três minutos - essas eram as condições para a gravação de som em um disco de gramofone padrão. Ao mesmo tempo, mesmo com o desenvolvimento do progresso no lançamento de discos, a duração das peças de jazz não aumentou de imediato: nos anos 50. Os LPs foram feitos principalmente com base nas matrizes de publicações de anos anteriores. Na mesma época, foram lançados discos com gravações de Scott Joplin e outros famosos artistas de ragtime, que foram gravados no final do século 19 e início do século 20. em cilindros perfurados de papelão para um piano mecânico, bem como em cilindros de cera para um gramofone.

Com o tempo, os discos de longa duração começaram a ser usados ​​\u200b\u200bpara gravar obras de formato maior e shows ao vivo. O lançamento de álbuns de dois ou três discos, ou antologias especiais e discografias de um ou outro artista, também se generalizou.

Mas e o jazz em si? Por muitos anos foi considerada "a música de uma raça inferior". Nos EUA, era considerada a música dos negros, indigna da alta sociedade americana, na Alemanha nazista, tocar e ouvir jazz significava ser "um maestro da cacofonia negro-judaica", e na URSS - "apologista da burguesia modo de vida" e "agente do imperialismo mundial".

Uma característica do jazz é que essa música abriu caminho para o sucesso e o reconhecimento por décadas. Se os músicos de todos os outros estilos podiam desde o início de sua carreira se esforçar para tocar nas maiores casas de shows e estádios, e havia muitos exemplos para eles, então os jazzistas só podiam contar com a possibilidade de tocar em restaurantes e clubes, sem sequer sonhar com grandes locais .

O jazz como estilo surgiu há mais de um século nas plantações de algodão. Foi lá que os trabalhadores negros cantaram suas canções, fundidas de cantos protestantes, hinos de corais espirituais africanos "espirituais", e ásperas e pecaminosas canções seculares, quase "criminosas" - blues, difundidas em sujas lanchonetes de beira de estrada, onde o pé de um branco Americano não pisaria. A maior conquista desse "coquetel" foram as bandas de música, que soavam como se crianças afro-americanas descalças pegassem instrumentos desativados e começassem a tocar todo tipo de coisa.

Os anos 20 do século XX se tornaram a "Era do Jazz" - foi assim que o escritor Francis Scott Fitzgerald os chamou. A maioria dos trabalhadores negros estava concentrada na capital criminosa dos Estados Unidos daqueles anos - Kansas City. A difusão do jazz nesta cidade foi facilitada por um grande número de restaurantes e lanchonetes onde os mafiosos gostavam de passar o tempo. A cidade criou um estilo particular, o estilo das big bands tocando fast blues. Durante esses anos, um menino negro chamado Charlie Parker nasceu em Kansas City: foi ele quem, mais de duas décadas depois, se tornaria um reformador do jazz. Em Kansas City, ele passou pelos locais onde aconteciam shows e literalmente absorveu trechos da música que amava.

Apesar da grande popularidade do jazz em Nova Orleans e sua ampla distribuição em Kansas City, um grande número de jazzistas ainda preferia Chicago e Nova York. Duas cidades da Costa Leste dos Estados Unidos tornaram-se os mais importantes pontos de concentração e desenvolvimento do jazz. A estrela das duas cidades foi o jovem trompetista e vocalista Louis Armstrong, sucessor do maior trompetista de Nova Orleans, King Oliver. Em 1924, outro nativo de Nova Orleans chegou a Chicago - o pianista e cantor Jelly Roll Morton. O jovem músico não era modesto e ousadamente declarou a todos que era o criador do jazz. E já aos 28 anos mudou-se para Nova York, onde justamente nessa época ganhava popularidade a orquestra do jovem pianista de Washington Duke Ellington, que já expulsava a orquestra Fletcher Henderson dos raios da glória.

Uma onda de popularidade da "música negra" invade a Europa. E se o jazz já se ouvia em Paris antes do início da Primeira Guerra Mundial, e não nas "tascas", mas nos salões aristocráticos e nas salas de concerto, então nos anos 20 Londres rendeu-se. Os jazzistas negros adoravam viajar para a capital britânica - principalmente levando em consideração o fato de que lá, ao contrário dos Estados Unidos, eram tratados com respeito e humanidade e nos bastidores, e não apenas nele.

Vale ressaltar que o poeta, tradutor, dançarino e coreógrafo Valentin Parnakh se tornou o organizador do primeiro concerto de jazz em Moscou em 1922, e 6 anos depois a popularidade dessa música chegou a São Petersburgo.

O início da década de 1930 foi marcado por nova era- a era das big bands, das grandes orquestras e um novo estilo começou a chocalhar nas pistas de dança - o swing. A orquestra de Duke Ellinton conseguiu ultrapassar seus colegas da orquestra Fletcher Henderson em popularidade com a ajuda de movimentos musicais fora do padrão. Improvisação simultânea coletiva que se tornou marca registrada Escola de Nova Orleans jazz, está se tornando uma coisa do passado e, em vez disso, partituras complexas, frases rítmicas com repetições e chamadas de grupos de orquestra estão ganhando popularidade. Na orquestra, é cada vez maior o papel do arranjador, que escreve orquestrações que se tornaram a chave do sucesso de toda a equipe. Ao mesmo tempo, o improvisador solista continua sendo o líder da orquestra, sem o qual até uma equipe com orquestrações perfeitas passará despercebida. Ao mesmo tempo, a partir de agora, o solista observa estritamente o número de "quadrados" da música, enquanto os demais o apóiam de acordo com o arranjo escrito. A popularidade da orquestra de Duke Ellington foi trazida não apenas por soluções não padronizadas em arranjos, mas também pela composição de primeira classe da própria orquestra: trompetistas Bubber Miley, Rex Stewart, Cootie Williams, clarinetista Barney Bigard, saxofonistas Johnny Hodges e Ben Webster, o contrabaixista Jimmy Blanton conhecia seu trabalho como nenhum outro. Outras orquestras de jazz também demonstraram trabalho em equipe nessa questão: o saxofonista Lester Young e o trompetista Buck Clayton tocaram em Count Basie, e a espinha dorsal da orquestra era a seção rítmica "mais suingante do mundo" - o pianista Basie, o contrabaixista Walter Page, o baterista Joe Jones e guitarrista Freddie Green.

A orquestra do clarinetista Benny Goodman, composta inteiramente por músicos brancos, ganha popularidade avassaladora em meados dos anos 30 e, na segunda metade dos anos 30, desfere um golpe esmagador em todas as restrições raciais no jazz: no palco do Carnegie Hall em uma orquestra liderada por Goodman ao mesmo tempo em que músicos negros e brancos se apresentavam! Agora, é claro, tal evento não é novidade para um amante da música sofisticado, mas naqueles anos, a performance de brancos (clarinetista Goodman e baterista Gene Krupa) e negros (pianista Teddy Wilson e vibrafonista Lionel Hampton) literalmente rasgou todos os padrões em pedaços.

No final dos anos 30, a orquestra branca de Glenn Miller ganhou popularidade. Espectadores e ouvintes imediatamente chamaram a atenção para o característico "som de cristal" e arranjos elaborados com maestria, mas ao mesmo tempo afirmaram que havia um mínimo de espírito jazzístico na música da orquestra. Durante a Segunda Guerra Mundial, a "era do swing" acabou: a criatividade foi para as sombras, o "entretenimento" brilhou no palco e a própria música se transformou em uma massa de consumo que não exigia nenhum enfeite especial. Junto com a guerra, o desânimo chegou ao acampamento dos jazzistas: parecia-lhes que sua música favorita estava se movendo suavemente para o pôr do sol da existência.

No entanto, o início de uma nova revolução do jazz foi semeado em uma das cidades nativas desse estilo de música - Nova York. Jovens músicos, em sua maioria negros, não suportando a decadência de sua música em orquestras de clubes oficiais, após shows noturnos, reuniam-se em seus próprios clubes na Rua 52. Meca para todos eles era o clube Milton Playhouse. Foi nesses clubes de Nova York que os jovens jazzistas fizeram algo inimaginável e radicalmente novo: improvisaram o máximo possível em acordes simples de blues, construindo-os em uma sequência aparentemente completamente inapropriada, virando-os do avesso e reorganizando-os, tocando extremamente complexos e longos. melodias que começavam bem no meio do compasso e terminavam ali. Milton Playhouse naqueles anos tinha muitos visitantes: todos queriam ver e ouvir a besta bizarra, ornamentada e inimaginavelmente nascida no palco. Em um esforço para cortar as pessoas profanas aleatórias que muitas vezes gostam de subir no palco e improvisar com os músicos, os jazzistas começaram a fazer composições de alto ritmo, às vezes acelerando-as a velocidades incríveis que apenas os profissionais poderiam suportar.

Foi assim que nasceu o estilo revolucionário do jazz, o be-bop. O saxofonista alto Charlie Parker, criado em Kansas City, o trompetista John Berks Gillespie, apelidado de "Dizzy" ("Dizzy"), o guitarrista Charlie Christian (um dos pais fundadores da linguagem harmônica), os bateristas Kenny Clarke e Max Roach - esses nomes são para sempre inscrito em letras douradas para a história do jazz e, especificamente, be-bop. A base rítmica da bateria no be-bop foi transferida para as placas, surgiram atributos externos especiais dos músicos, e a maioria desses shows aconteceu em pequenos clubes fechados - assim pode ser descrito o fazer musical da banda. E acima de todo esse aparente caos, o saxofone de Parker se elevou: não havia igual a ele em nível, técnica e habilidade. Não é de surpreender que o temperamento do músico simplesmente tenha queimado seu mestre: Parker morreu em 1955, "queimado" por tocar saxofone constante e em alta velocidade, álcool e drogas.

Foi a criação do be-bop que não só deu impulso ao desenvolvimento do jazz, mas também se tornou Ponto de partida, de onde começou a ramificação do jazz como tal. O be-bop foi na direção do underground - locais pequenos, ouvintes seletos e dedicados, e também interessados ​​nas raízes da música em geral, enquanto o segundo ramo representava o jazz no reino do sistema de consumo - assim foi o jazz pop nasceu, que existe até hoje. Assim, ao longo dos anos, elementos do jazz pop foram usados ​​​​por estrelas da música como Frank Sinatra, Sting, Kathy Melua, Zaz, Amy Winehouse, Kenny G, Norah Jones e outros.

Quanto ao ramo menos popular do jazz, o hard bop seguiu o be-bop. Nesse estilo, a aposta foi feita no blues, início extático. O desenvolvimento do hard bop foi influenciado pelo saxofonista Sonny Rollins, pelo pianista Horace Silver, pelo trompetista Clifford Brown e pelo baterista Art Blakey. A propósito, a equipe Blakey sob intitulado O Jazz Messengers tornou-se uma fonte de talentos de jazz em todo o mundo até a morte do músico em 1990. Ao mesmo tempo, outros estilos próprios: os corações dos ouvintes foram conquistados pelo cool jazz, comum na Costa Leste, e o Oeste conseguiu opor o estilo da Costa Oeste aos seus vizinhos. Membro da Parker Orchestra, o trompetista negro Miles Davis, junto com o arranjador Gil Evans, criou o cool jazz ("cool jazz") usando novas harmonias no be-bop. A ênfase mudou dos tempos altos da música para a complexidade dos arranjos. Ao mesmo tempo, o saxofonista barítono branco Gerry Mulligan e seu conjunto apostavam em outros sotaques do cool jazz - por exemplo, na improvisação coletiva simultânea que vinha da escola de Nova Orleans. A Costa Oeste, com os saxofonistas brancos Stan Getz e Zoot Sims tocando na costa oeste ("costa oeste"), apresentou uma imagem diferente do be-bop, criando um som mais leve que o de Charlie Parker. E o pianista John Lewis tornou-se o fundador do Modern Jazz Quartet, que basicamente não tocava em clubes, tentando dar ao jazz um concerto, de forma ampla e séria. Aproximadamente o mesmo, aliás, foi alcançado pelo quarteto do pianista Dave Brubeck.

Assim, o jazz começou a tomar forma própria: as composições e partes solo dos jazzistas tornaram-se mais longas. Ao mesmo tempo, surgiu uma tendência no hard bop e no cool jazz: uma peça durava de sete a dez minutos e um solo - cinco, seis, oito "quadrados". Paralelamente, o próprio estilo foi enriquecido por diversas culturas, principalmente latino-americanas.

No final dos anos 1950, uma nova reforma recaiu sobre o jazz, desta vez no campo da linguagem harmônica. O inovador nesta parte foi novamente Miles Davis, que lançou sua famosa gravação "Kind of Blue" em 1959. As tonalidades tradicionais e as progressões de acordes mudaram, os músicos não conseguiam deixar dois acordes por vários minutos, mas ao mesmo tempo demonstravam o desenvolvimento do pensamento musical de tal forma que o ouvinte nem percebia a monotonia. O saxofonista tenor de Davis, John Coltrane, também se tornou um símbolo da reforma. A técnica de tocar e o pensamento musical de Coltrane, demonstrados em gravações no início dos anos 60, são insuperáveis ​​até hoje. O saxofonista alto Ornette Coleman, que criou o estilo do free jazz ("free jazz"), também se tornou um símbolo da virada dos anos 50 e 60 no jazz. A harmonia e o ritmo neste estilo praticamente não são respeitados, e os músicos seguem qualquer, até a melodia mais absurda. Em termos harmônicos, o free jazz se tornou o auge - então havia ruído absoluto e cacofonia ou silêncio total. Tal limite absoluto fez de Ornette Coleman um gênio da música em geral e do jazz em particular. Talvez apenas o músico de vanguarda John Zorn tenha se aproximado dele em seu trabalho.

Os anos 60 também não se tornaram a era da popularidade incondicional do jazz. A música rock veio à tona, cujos representantes experimentaram de bom grado técnicas de gravação, sonoridade, eletrônica, distorção sonora, vanguarda acadêmica, técnicas de execução. Segundo a lenda, a ideia de uma gravação conjunta do virtuoso guitarrista Jimi Hendrix e do lendário jazzista John Coltrane surgiu naquela época. No entanto, já em 1967, Coltrane morreu e, alguns anos depois, Hendrix morreu, e essa ideia permaneceu na lenda. Miles Davis também teve sucesso neste gênero: no final dos anos 60, ele foi capaz de cruzar rock e jazz com bastante sucesso, criando um estilo jazz-rock, cujos principais representantes na juventude tocaram principalmente na banda de Davis: os tecladistas Herbie Hancock e Chick Corea, guitarrista John McLaughlin, baterista Tony Williams. Ao mesmo tempo, o jazz-rock, também conhecido como fusão, foi capaz de dar à luz seus próprios representantes individuais proeminentes: o baixista Jaco Pastorius, o guitarrista Pat Metheny, o guitarrista Ralph Towner. Porém, a popularidade do fusion, que surgiu no final dos anos 60 e ganhou popularidade nos anos 70, diminuiu rapidamente, e hoje esse estilo é um produto totalmente comercial, transformando-se em jazz suave ("jazz suavizado") - música de fundo na qual ritmos e linhas melódicas deram lugar a improvisações. Smooth jazz é representado por George Benson, Kenny G, Fourplay, David Sanborn, Spyro Gyra, The Yellowjackets, Russ Freeman e outros.

Nos anos 70, um nicho separado foi ocupado pelo world jazz ("música do mundo") - uma fusão especial obtida como resultado da fusão da chamada "worlmusic" (música étnica, principalmente dos países do Terceiro Mundo) e jazz. É característico que neste estilo a ênfase seja colocada igualmente na velha escola de jazz e na estrutura étnica. Conhecido, por exemplo, pelos motivos música folclórica América latina(apenas o solo foi improvisado, o acompanhamento e a composição permaneceram os mesmos da música étnica), motivos do Oriente Médio (Dizzy Gillespie, quartetos e quintetos de Keith Jarrett), motivos da música indiana (John McLaughlin), Bulgária (Don Ellis) e Trinidad ( Andy Narrell).

Se os anos 60 se tornaram a era da mistura de jazz com rock e música étnica, então nos anos 70 e 80 os músicos decidiram novamente começar a experimentar. O funk moderno tem suas raízes neste período, com acompanhantes tocando black pop soul e funk, enquanto extensas improvisações solo são mais criativas e jazzísticas. Representantes proeminentes desse estilo foram Grover Washington Jr., membros do The Crusaders Felder Wilton e Joe Semple. Posteriormente, todas as inovações resultaram em uma gama mais ampla de jazz funk, cujos representantes mais brilhantes foram Jamiroquai, The Brand New Heavies, James Taylor Quartet, Solsonics.

Além disso, o acid jazz ("acid jazz") começou a aparecer gradualmente no palco, que se caracteriza pela leveza e pela "dança". Uma característica das performances dos músicos é o acompanhamento de samples retirados de pegas de vinil. O onipresente Miles Davis tornou-se novamente o pioneiro do acid jazz, e Derek Bailey começou a representar a ala mais radical do plano de vanguarda. Nos Estados Unidos, o termo "acid jazz" praticamente não tem popularidade: lá essa música é chamada de groove jazz e club jazz. O pico da popularidade do acid jazz veio na primeira metade dos anos 90, e no "zero" a popularidade do estilo começou a declinar: o novo jazz veio para substituir o acid jazz.

Quanto à URSS, a orquestra de Moscou do pianista e compositor Alexander Tsfasman é considerada o primeiro conjunto profissional de jazz a se apresentar no rádio e gravar um disco. Antes dele, jovens bandas de jazz se concentravam principalmente na execução da dance music daqueles anos - foxtrot, Charleston. Graças ao conjunto de Leningrado liderado pelo ator e cantor Leonid Utyosov e pelo trompetista Ya. B. Skomorovsky, o jazz chegou sites grandes A URSS já está na década de 30. A comédia "Merry Fellows" com a participação de Utyosov, filmada em 1934 e contando sobre um jovem músico de jazz, teve trilha sonora correspondente de Isaac Dunayevsky. Utyosov e Skomorovsky criaram um estilo especial chamado tea-jazz ("jazz teatral"). Eddie Rosner, que se mudou da Europa para a União Soviética e se tornou um popularizador do swing, junto com bandas de Moscou dos anos 30 e 40, deu sua contribuição para o desenvolvimento do jazz na URSS. sob a liderança de Alexander Tsfasman e Alexander Varlamov.

O próprio governo da URSS era bastante ambíguo em relação ao jazz. Não houve proibição oficial da execução de canções de jazz e da distribuição de discos de jazz, no entanto, houve críticas a esse estilo de música à luz da rejeição da ideologia ocidental em geral. Já nos anos 40, o jazz teve que ir para o underground devido à perseguição que havia começado, mas já no início dos anos 60, com o advento do "degelo" de Khrushchev, os jazzistas voltaram a aparecer. No entanto, as críticas ao jazz não pararam mesmo assim. Assim, as orquestras de Eddie Rozner e Oleg Lundstrem retomaram suas atividades. Surgiram também novas composições, entre as quais se destacaram as orquestras de Joseph Weinstein (Leningrado) e Vadim Ludvikovsky (Moscou), bem como a Riga Variety Orchestra (REO). Arranjadores talentosos e improvisadores solo também sobem ao palco: Georgy Garanyan, Boris Frumkin, Alexei Zubov, Vitaly Dolgov, Igor Kantyukov, Nikolai Kapustin, Boris Matveev, Konstantin Nosov, Boris Rychkov, Konstantin Bakholdin. O jazz de câmara e clube está se desenvolvendo, cujos adeptos são Vyacheslav Ganelin, David Goloshchekin, Gennady Golshtein, Nikolai Gromin, Vladimir Danilin, Alexei Kozlov, Roman Kunsman, Nikolai Levinovsky, German Lukyanov, Alexander Pishchikov, Alexei Kuznetsov, Viktor Fridman, Andrey Tovmasyan, Igor Bril e Leonid Chizhik. A Meca do jazz soviético e depois russo foi o clube Blue Bird, que existiu de 1964 a 2009 e criou músicos como os irmãos Alexander e Dmitry Bril, Anna Buturlina, Yakov Okun, Roman Miroshnichenko e outros.

No "zero", o jazz encontrou um novo fôlego, e a rápida disseminação da Internet serviu como um impulso colossal não apenas para gravações de sucesso comercial, mas também para artistas underground. Hoje, qualquer um pode ir aos shows do experimentador louco John Zorn e da cantora pop de jazz "arejada" Cathy Malua, um morador da Rússia pode se orgulhar de Igor Butman e um cubano pode se orgulhar de Arturo Sandoval. Dezenas de estações aparecem no rádio, transmitindo jazz em todas as suas formas. Sem dúvida, o século 21 colocou tudo em seu devido lugar e colocou o jazz no lugar que deveria estar - em um pedestal, junto com outros estilos clássicos.